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Edvard Grieg wurde am 15. Juni 1843 in der zweitgrößten und wichtigsten Stadt Norwegens – Bergen – geboren. Als Sohn eines Vizekonsuls und einer Pianistin zeigte er von Kindesbeinen an eine Liebe zur Musik und saß bereits im Alter von vier Jahren am Klavier.

Im Alter von zwölf Jahren schrieb Edvard Grieg sein erstes Musikstück, und mit fünfzehn Jahren ging er zum Studium an das Leipziger Konservatorium, das er mit Auszeichnung abschloss, erinnerte sich aber ohne Freude an seine Studienjahre. Der Konservatismus der Lehrer und die Isolation von der Welt ekelten ihn an.

Nachdem er sich vom Konservatorium verabschiedet hatte, kehrte Edvard Grieg nach Bergen zurück. Er ließ sich von der Schaffung einer neuen nationalen Kunst inspirieren, doch in seiner Heimatstadt fand er nie Gleichgesinnte. Doch er fand sie in Kopenhagen, dem Zentrum des Musiklebens in Skandinavien, wo er 1864 die Musikgemeinschaft „Euterpe“ gründete, in der er sich nicht nur als talentierter Komponist, sondern auch als Pianist und Dirigent beweisen konnte.

Dort lernte er seine zukünftige Frau Nina Hagerup kennen, die Cousine von Edvard Grieg. Das letzte Mal, dass er sie sah, war ein achtjähriges Mädchen, und nun stand eine bezaubernde Sängerin mit einer wunderschönen Stimme vor ihm, die sofort sein Herz eroberte. Obwohl die Verwandten der Liebenden gegen ihre Ehe waren, heirateten Edvard Grieg und Nina Hagerup im Juli 1867. Um dem familiären Druck und der Wut ihrer Eltern zu entgehen, die das Brautpaar verfluchten, zogen Edward und Nina nach Oslo.

Bald gebar Nina Hagerup eine Tochter, Alexandra. Das Mädchen starb nach etwas mehr als einem Jahr an Meningitis. Da es für das Paar schwierig war, den Schmerz über den Verlust eines Kindes zu ertragen, lebten sie eine Zeit lang getrennt voneinander, doch als sie wieder vereint waren, trennten sie sich nie mehr. Edvard Grieg und Nina Hagerup konnten ihre Ehe nicht nur zu einer Verbindung zweier liebender Menschen, sondern auch zu einer erfolgreichen kreativen Verbindung machen.

Die Anerkennung erhielt Edvard Grieg im Jahr 1868. Und 1871 gründete er die Christiania Musical Association. Damals machte sich Edvard Grieg daran, bei seinen Bewunderern eine Liebe zur Romantik zu entwickeln, die in Norwegen völlig unpopulär war. Im Jahr 1874 erhielt Edvard Grieg ein lebenslanges Staatsstipendium. Am 24. Februar 1876 wurde eines der ikonischen Werke des Komponisten veröffentlicht – die Musik zu dem europaweit anerkannten Drama „Peer Gynt“.

Zu diesem Zeitpunkt hatte Grieg Deutschland, Frankreich, Holland, England und Schweden besucht. 1888 traf Edvard Grieg in Leipzig Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky. Die Bekanntschaft war erfolgreich, und Tschaikowsky wurde ein enger Freund Griegs, was die Beziehung zu der ihm gewidmeten Hamlet-Ouvertüre festigte. Und 1898 beteiligte sich Edvard Grieg an der Organisation des Norwegischen Musikfestivals, das in der Heimat des Komponisten immer noch sehr beliebt ist.

Griegs letzte Reise nach Norwegen, Dänemark und Deutschland fand 1907 statt. Und am 4. September desselben Jahres starb Edvard Grieg. Ganz Norwegen trauerte um ihn. Im Land wurde Staatstrauer ausgerufen. Das Werk von Edvard Grieg ist voller epischer und lyrischer Lieder. In seinen Klavierstücken verstand es der große Komponist, norwegische Volkstänze darzustellen. Edvard Griegs Musik vermittelt dem Hörer nicht nur die persönlichen Erlebnisse des Autors, sondern auch Volkslieder und Tänze in den lebendigsten Bildern der Natur und des Lebens.

Medvedeva Alina

Musiker bezeugen den alten Ursprung von N. m. Werkzeuge, die bei Ausgrabungen in der Gegend gefunden wurden. Norwegen: Bronzehörner (2. Jahrhundert v. Chr.), antike Harfen, Lauten, Violinen, Abbildungen von Instrumenten auf Steinen (2. Jahrhundert) und in den Ornamenten von Holzkirchen (ab dem 12. Jahrhundert), Skulpturen von Menschen. Musiker-Shpilman in der Kathedrale von Nidaros (später Trondheim) (12. Jahrhundert). In den Sagen und Gedichten des Isländisch-Nordischen. das Epos „Elder Edda“ (spätes 11. Jahrhundert) erwähnt Musen. Instrumente der Helden (Yallars Horn, Birkenrindenlur, die Heimdal bläst, Egters Harfe) sowie Musiker aus dem Gefolge von König Hugleik. Darunter: Hörner – Lurs, Handhorizontalharfen – Crogarp (breit) und seine Varianten Langarp (länglich) und Langleik (lang); Adv. Geigen - Gigya und Geige (Fele), begleitet von denen die Skalden ihre Gedichte sangen. Hirteninstrumente sind antiken Ursprungs – Bukkehorn (Ziegenhorn), Prillarhorn (Horn), Prillar (Stierhorn), Birkenrindenlur, Munharp (Mundharmonika), Selye (eine Art Flöte). Im 16.-17. Jahrhundert. Weit verbreitet war die Yogya oder Hardingfele – eine Geige aus Hardanger (Westküste Norwegens) mit spielenden und schwingenden Saiten (wie die Viol d'amour), meist mit Schnitzereien verziert und mit Perlmutt eingelegt. Informationen sind erhalten geblieben über die reisenden Volkssänger-Dichter S. Fenesbana und X. Runge, Fela-Spieler.

Norwegen ist seit langem für seine virtuosen Geiger bekannt; unter den Leuten Bekannte Musiker sind K. Lurosen, N. Rekve, T. Audunsen (Spitzname Möllarguten, d. h. „Miller“) und andere. Instrumentalmelodien wurden von Generation zu Generation weitergegeben (im 19. Jahrhundert wurden sie von W. Bull verwendet, der auftrat). mit den Leuten. Geiger Möllarguten und E. Grieg). Nar. Instr. Die Melodien (Slotts, Luarslotts, Langleikslotts) haben ihre bizarre Bildsprache und Originalität bewahrt – Melodie, Modalität, Intonation. Originalität, die mit den Eigenschaften von Menschen verbunden ist. Modi (meist mit Umdrehungen entsprechend dem lydischen Modus, mit Intervallen von 3/4 Tönen in der Lura usw.), rhythmische Merkmale (Synkopen, Triolen, unterbrochene Rhythmen).

Zu den Genres der Folklore. Lieder – Schlaflieder, komisch, Liebe, „heroisch“, wettbewerbsorientiert (wenn Sänger abwechselnd Variationen von Melodien improvisieren), Fischer sowie spirituell; Besonders originell sind die Hirtenbilder, die vor allem reich an Melismatik sind. basierend auf Lautmalerei bis hin zu Appellen in den Bergen und dem Spielen von Hörnern, die mit einer entwickelten Anmut enden (Genres Locking, Hawking, Liling). Eigenartige Menschen. Tänze (insbesondere in den Gebieten Hardanger, Trondheim und Telemark), die wegen ihres schnellen Tempos, ihrer Sprünge und Synkopen „Tänze der Berggeister“, „Tänze des Teufels“ genannt werden: Springgar, Springdance („Jumper“ – ein Gruppentanz im Dreitakt, paarweise aufgeführt), Halling (Solo-Männertanz im Zweitakt – 2/4 oder 6/8; erfordert Kraft und Geschicklichkeit), schnelles Yelster; andere beinhalten einen Hochzeitsmarsch und einen langsamen, alten Ghangar-Tanz (6/8).

Merkmale von Nar. N. m. sind auf die Originalität der Natur und die Abgeschiedenheit der Bergregionen des Landes zurückzuführen, wo die Berge und Meere, Fjorde, Klippen und Schluchten Lieder über Riesen hervorbrachten, die Mut, Mut und Leidenschaft für das Reisen inspirieren (charakteristisch Merkmale der Wikinger), sowie Lieder über Berggeister, Trolle und Zwerge, Waldmädchen-Guldrakh, Fantastisches. Vögel und Tiere. Im Epos Lieder des 12.-16. Jahrhunderts. Die Heldentaten der Wikinger (heroischer „Champeviser“), der Ritter und der ersten Könige – Harald Horfager, Olaf, Haakon und andere – wurden besungen. Die alten Balladen und Liedgedichte waren fantastisch („Das Wort eines Traums“, „Die Hochzeit“) der Raben“, Balladen über den Kampf von Sigurd mit der Schlange-Fafner, dem Gnom Brura usw.). Aufgrund der Eigenschaften des Entwicklung Norwegens, das zwischen 1380 und 1814 unter dänischer Herrschaft stand, national. Prof. Die Kunst entwickelte sich lange Zeit nicht weiter. Gleichzeitig Leute N. m. behielt seine ursprünglichen Merkmale; waren beliebt. Sänger und Volkskünstler Instrumente.

Mitte des Jahrhunderts Kirche N. m. entwickelte sich im Einklang mit Europa. Einflüsse, die auf gregorianischem Gesang basieren. Später noch. Kirche Musiker, die in Frankreich studiert haben Das Kloster Saint-Victor schrieb Musik im französischen Stil. Polyphonisten ("Magnus Hymn", 12. Jahrhundert; Fragmente aus Werken im Zusammenhang mit dem Kult des Heiligen Olaf in Trondheim), dann im Stil der Meister der niederländischen Schule und Palestrina (Motette von Ekhienus - Ormestard aus Uppsala, 1590).

„Ballade eines Traums“ (12. Jahrhundert). Die Melodie bildete die Grundlage für eine Reihe symphonischer und kammermusikalischer Instrumentalwerke zeitgenössischer norwegischer Komponisten.

Chorsammlungen mit Folklore Melodien und norv. Texte erschienen erst im 19. Jahrhundert. (erste Sammlung – O. A. Linneman, 1835). Gor. und Kirche Musiker (hauptsächlich Dänen und Deutsche) aus dem 17. Jahrhundert. hatten ein Berggehalt. Management. Prof. Musiker des 18. Jahrhunderts (hauptsächlich Deutsche) - G. von Bertush aus Oslo, Autor von 24 Klaviersonaten; Komponisten und Organisten I. D. und I. G. Berlin (Vater und Sohn: Letzterer war auch Cembalist) aus Trondheim; F. W. F. Vogel aus Bergen; A. Flintenberg (Norweger) aus Christiania, der Kantaten und „Passionen“ schrieb, Organisten, Komponisten und Dirigenten F. Groth und K. Arnold (Lehrer von H. Kjerulf und J. Svensen). Vom Ende 18. Jahrhundert Die Familie Linneman („norwegische Bachs“) meldet sich, aus der mehrere hervorgegangen sind. Generationen herausragender Organisten und Komponisten. Der bekannteste ist L. M. Linneman, einer der Gründer der Nordischen. Musik Schulen, Komponist (Improvisator), Theoretiker und Lehrer, erster Sammler nationaler. Musik Folklore (wurde in England als improvisierender Organist berühmt). Alle R. 18. Jahrhundert Italien besuchte Norwegen zum ersten Mal. die Operntruppe von P. Mingotti, die in der Hauptstadt Christiania (vor 1624 und nach 1924 - Oslo) „Artaxerxes“ von K. V. Gluck (1749) aufführte. In con. 18 - Anfang 19. Jahrhundert europäisch Opern wurden regelmäßig auf Dramen aufgeführt. Bühnen mit Hilfe von Gastdarstellern (ab 1827 – in der Stadt Strömberg, ab 1837 – in der Stadt Christiania). Orchesterkonzerte begannen im Jahr 1760. Musik in Christiania, im Saal des Rathauses (Direktor P. Heche). Musik Das Leben entwickelte sich Kap. arr. in Christiania sowie in Trondheim (Musikgesellschaft, gegründet 1761) und Bergen (Harmony Music Society, gegründet 1765). Interesse an Menschen N. m. erschien im Zusammenhang mit der nationalen Befreiung. Bewegung des 19. Jahrhunderts, während der schwedisch-norwegischen Zeit. Gewerkschaft (1814-1905). Nationalpatriotisch Lieder, inkl. „Die Sonne Norwegens“ von K. Blom (1820, Text von H. Bjerregard), das als Nationallied gesungen wurde. Hymne. Der erste Nordmann. Komponist, der national verwendete Die Melodie stammte von V. Trane (das Lied des Bergsteigers aus seiner Musik zu X. Bjerregards Theaterstück „Abenteuer in den Bergen“ wurde populär). Von ser. 19. Jahrhundert Veröffentlichungen erscheinen. Lieder und ihre Beispiele: Sammlungen von L. M. Linneman: „68 Melodien der norwegischen Berge“ (arrangiert für FP, 1841), „Alte und neue Melodien der norwegischen Berge“ (1848-67) usw., spätere Sammlungen von K. Elling, U. M. Sanvik, A. Björndahl und andere. In den 1850er-60er Jahren. national entsteht. Musik Schule, bei der Entwicklung des Schnittes spielte der Einfluss des Deutschen eine Rolle. Romantiker (K. M. Weber, R. Schumann, F. Mendelssohn) sowie F. Chopin. Zu den Gründern dieser Schule gehört X. Kjerulf, der Schöpfer des Nordischen. Romantik, Vorgänger von E. Grieg in den lyrischen Genres. Lieder und fp. Theaterstücke, Begründer der Abonnementsinfonien. Konzerte in Christiania (1857) und U. Bull, weltberühmter Geigenvirtuose, Komponist, Begründer der Norse. Musik t-ra Nat. Bühne (hatte ein eigenes Orchester) in Bergen - dem Zentrum des Nationalen. Musik Bewegungen. Herausragende Musiker Gesellschaft Die Figur war der Comp. und dir. R. Nurdrock, Autor des nationalen patriotisch Hymne („Ja, wir lieben unser Heimatland“ nach den Worten von B. Bjornson, basierend auf einer Volksmelodie des 16. Jahrhunderts), Musikorganisator. Gesellschaft „Euterpe“ in Kopenhagen (1864), Propagandist des Neunordischen. Musik, Freund und Inspirator von E. Grieg, der zu seinem Andenken den „Trauermarsch“ schrieb. Unter anderem Musiker, 2. Stock. 19. Jahrhundert - Dirigent, Komponist und Lehrer, Autor des ersten Aufsatzes über die Geschichte von N. m. I. G. Conradi (Mitarbeiter von X. Kjerulf), Pianisten-Komponisten T. D. A. Tellefsen (Schüler von F. Chopin) und X. Cappelen, berühmter Lehrer E . Neupert (unterrichtete 1881–83 in Moskau), Organist der Kathedrale von Trondheim und Musikautor. Prod. diff. Genres M.A. Udby, Autor von Chören und Vereinen. Abbildung I. D. Behrens, O. Winter-Helm (schrieb die 1. norwegische Symphonie) und F. A. Reissiger (Komponist und Kapellmeister). Der auffälligste Zeitgenosse Griegs ist J. Svensen, ein Komponist, der auf der Grundlage des Nordischen schuf. Musik romantische Folklore, inkl. Programm, Symphonie Produzent, Geiger und berühmter Dirigent (Konzert 1885 in St. Petersburg).

Die Aktivitäten dieser Musiker bereiteten den Boden für die Arbeit von E. Grieg, dem Anführer der nationalen romantischen Bewegung. Richtung, klassisches N. m., dank der Nordischen. Musik Die Kunst hat weltweite Anerkennung gefunden. Sein Talent zeigte sich deutlich in der Musik moderner Theaterstücke. er national Dramatiker G. Ibsen und B. Bjornson, in Zyklen von fp. Theaterstücke, Romanzen, Kammerinstrumente. und Ork. Produktion, in der die Bilder des Nordens poetisch eingefangen werden. Natur und Menschen Leben, lyrische Welt. Erfahrungen und Menschen Märchenliteratur. Die Originalität von Griegs Werk (die Originalität von Melodie, Harmonie, Schärfe und skurrilem Rhythmus) beruht auf der tiefen Umsetzung von Normen. Musik Folklore Grieg war auch eine herausragende Musikgesellschaft. Aktivist; er trat als Dirigent (zusammen mit Winter-Elm) in Abonnementkonzerten (1867) und in Musenkonzerten auf. Gesellschaft „Harmonie“ in Bergen (1880-82; nach Grieg wurde die Gesellschaft von I. Holter, P. Vinge, J. Halvorsen, H. Heide geleitet), in Konzerten der Musiker. Gesellschaft, die er in Christiania zusammen mit J. Svensen gründete (1871; Nachfolger - Svensen, W. Olsen, J. Selmer, Holter, K. Nissen; 1919 in die Philharmonische Gesellschaft umgewandelt).

Vom Ende 1870er Jahre in Musik Das Leben in Norwegen erlebte ein weiteres Wachstum. In Christiania wurde eine Quartettgesellschaft gegründet (1876), ein Konservatorium wurde eröffnet (1883; Gründer L. M. Linneman; sein Sohn Peter beteiligte sich an der Organisation und leitete bis 1930, dann wurde das Konservatorium von L. M. Linnemans Enkel B. T. Linneman geleitet). Im National Seit 1899 werden Opern und Operetten von norwegischen Künstlern unter Beteiligung von Gastdarstellern aufgeführt. Berühmte Sänger sind U. My und M. Lundström, die in Frankreich auftraten (Tivoli Theater, 1883-86).

Unter den Komponisten 19 - 1. Stock. 20. Jahrhundert - Anhänger von Grieg und Svensen, die die Traditionen der Nordmänner entwickelten. Romantik, Symphoniker J. Selmer (in seiner Musik ist auch der Einfluss von G. Berlioz und R. Wagner spürbar: Zum ersten Mal in der N.-Musik verwendete er bestimmte orientalische Instrumente im Orchester), A. Becker-Gröndahl (Pianist, Schüler von H. Bülow und F. Liszt; Autor populärer Musikstücke), W. Ohlsen, J. Harklow, K. Elling (ebenfalls Folklorist), K. Sinding, der nach Grieg das Nationalkomitee leitete. Richtung. Hervorzuheben ist das Werk von J. Halvorsen, der auch Geiger und Dirigent war und Musik aufnahm. Melodien für Grieg; erstellte Softwareprodukte, die sich in den einzelnen Ländern unterscheiden Farbgebung, in der er die alten Normen transformierte. Legenden verwendeten eine Hardanger-Geige. G. Skjellerups Opern im Stil von Wagners Musen fanden außerhalb Norwegens Anerkennung. Dram National Traditionen mit spätdeutschem Einfluss. Romantiker wurden in ihren Werken vereint. J. Borgström (Autor symphonischer Dichtungen; schrieb auch musikkritische Artikel mit Wagner-Orientierung), P. Lasson, S. Lee, Pianisten und Komponisten. X. Kleve, E. Alnäs und J. Bakker-Lunne. National Die Regie übernahm A. Eggen, dem die Probe gehört. Adv. Melodien (sein Bruder E. Eggen ist Volksmusikforscher). Züge des Impressionismus tauchten in den Werken von A. Hurum, T. Thorjussen und D. M. Johansen (auch Autor einer Monographie über Grieg) auf.

Einer der prominenten Vertreter der Moderne N. m. - F. Valen (Nachfolger von A. Schönberg). In den 1920er Jahren Er schuf seine eigene Art linearer dissonanter Polyphonie (er war Lehrer vieler moderner norwegischer Komponisten) und entwickelte die Prinzipien der Dodekaphonie. Seine Arbeit gewann am Ende an Popularität. 1940er Jahre (In Oslo und London wurden Vereine zum Studium von Valens Musik gegründet). Für Vertreter von N. m. 1930-40er Jahre. gekennzeichnet sowohl durch Traditionalismus (produziert von L. I. Jensen, X. Lee, M. M. Ulvestad, S. Yurdan) als auch durch den Wunsch, Nationalitäten zu vereinen. die Basis mit neuen wird zum Ausdruck gebracht. bedeutet. Zur letzteren Richtung gehört X. Severud, der sich von der Romantik zum Expressionismus entwickelte, der Autor von Werken, Hingabe. Widerstandskämpfer, inkl. „Slottov“ für Orchester (1941), Symphonien (die 5., 1941 und die 6., „Dolorosa“, 1942), Musik für G. Ibsens Drama „Peer Gynt“ (basierend auf norwegischem und östlichem Folklorematerial); S. Olsen (er zeichnet sich durch eine raffinierte Darstellung der nordischen Natur, nationale Farbgebung der Bilder aus); K. Egge, E. Groven (das Thema seiner Symphonie „On the High Plains“ wurde zum Rufzeichen des norwegischen Rundfunks; schuf eine Vierteltonorgel mit dem Ziel, das beliebte N. m. in seiner Intonationsoriginalität zu verkörpern) , E. Tveit (spiegelte die Charakteristik von N. wider ... eine Kombination aus elegischen und humorvollen Zügen, die ursprünglich nordische Folklore in der Fantasie „100 Hardanger-Melodien“, Konzerten für Klavier, für Hardanger-Violine und anderen Werken unter Verwendung alter Volksinstrumente interpretierte - ein Satz pentatonischer Trommeln, der in Frankreich berühmt wurde). Nar. Melodien wurden auch im „Norwegischen Concerto Grosso“ (1952) von U. Kjelland, einem Experten für Instrumentalmusik, verwendet. N. m. (studierte musikalische Folklore der Region Telemark); auf national basierend auf Chorproduktionen. T. Beck.

In den 1930-40er Jahren. Nominiert sind französische Komponisten. Orientierungen - B. Brustad, P. Hull (auch als Musikkritiker bekannt), K. Andersen (auch Cellist und Theoretiker). Im modernen Norwegen hat es erhalten. Kirchenentwicklung Musik und Orgelaufführung. Zu den Autoren der Kirche. Musik - L. Nielsen, Organist und Kantor an der Kathedrale von Trondheim, S. Islandsmoen (Oratorien basierend auf Volksmelodien usw.), herausragender Organist A. Sanvoll, K. Baden (Messe über modernen Text, 1953), R. Karlen (traditionell). Kirchenmusik). Unter den Komponisten Ser. 20. Jahrhundert - E. Hovland, E. Hjelsby, K. Kolberg (Ballett basierend auf der religiösen Handlung „Die Frau aus Canna von Galiläa“, mit Orgel und Schlaginstrumenten), K. Nystedt, der von National ging. Romantik durch nationale farbiger Neoklassizismus („Divertimento“ für 3 Trompeten und Streichorchester etc.) und Expressionismus („Seven Seals“ – „Visionen“ für Sinfonieorchester) bis hin zum Sonorismus („Moment“ für Sopran, Celesta und Schlagzeug).

Wenn vor den 40er Jahren. 20. Jahrhundert Die vorherrschenden Traditionen in N. m. waren nationale Traditionen. Romantik, Kap. arr. Griga, dann vom Pferd. 1940er Jahre das Interesse an der Neuzeit überwog. Westeuropäische Musik. Die offensichtlichsten Einflüsse sind I. F. Strawinsky, P. Hindemith, B. Bartok sowie D. D. Schostakowitsch, die sich im Werk von I. Kvandal („Symphonic Epic“, 1962) widerspiegeln. Französische Einflüsse Musik der 1940er-1950er Jahre sowie Deutsch. Neoklassizismus, manifestierten sich in den Werken auf unterschiedliche Weise. P. H. Albertsen, E. F. Brein, E. H. Bull, E. Sommerfeld, T. Knudsen, A. Hjeldos, F. Ludt, A. Dörumsgaard und H. Jonsen, deren Arbeit jedoch landesweit nicht verloren geht Färbung.

In den 1950-60er Jahren. norwegisch Avantgarde-Komponisten (siehe Avantgarde) unter dem Einfluss der Moderne Die polnische Komponistenschule (K. Penderecki, W. Lutoslawski usw.) wandte sich dem klanglichen Experimentieren zu. Vom Ende 1960er Jahre in N. m. gibt es erneutes Interesse an alten Musen. Formen, die mit den neuesten Ausdrücken kombiniert werden. bedeutet. Für moderne N. m. zeichnet sich durch eine elegische Interpretation des traditionellen „nordischen Themas“ (die Einsamkeit des Menschen angesichts der Natur – Berge und Meeresentfernungen, Wasserfälle usw.) aus. Seit den 1950er Jahren Herausragend sind Komponisten, deren Werke sich durch kühne Suche und Originalität auszeichnen; unter ihnen - F. W. Arnestad (verwendet Polyserialismus in emotionalen lyrischen und kompliziert farbenfrohen Werken - „Aria appasionata“ für Orchester usw.), F. Mortensen (Pointillist und Neopolyphonist), B. Fongar (Gitarrist und Komponist, der auf diesem Gebiet experimentiert). von Viertelton- und elektronischer Musik). Hervorragender moderner Meister. N. M. A. Nurheim (Nordheim); Zu seinen in verschiedenen Ländern aufgeführten Werken gehört „Avteland“ (basierend auf dem Gedicht von P. F. Lagerkvist, 1957), eine Canzone für Orchester, die eine Stilisierung des venezianischen Barocks darstellt und sich durch den ungewöhnlichen Einsatz von Streichern auszeichnet. Instrumente (op. 1961; aufgeführt 1972 in Moskau vom Moskauer Philharmonischen Orchester unter der Leitung von V.V. Kataev), „Epitaph“ für Orchester und Tonband (nach dem Gedicht von S. Quasimodo; hier verbinden die Schwingungen von Musikinstrumenten Orchester- und elektronische Klänge , wodurch klingende Klänge, Brummen, Echos entstehen – das Bild von Bergentfernungen, die den Menschen mit dem Raum verbinden), „Respons“ („Respons“, für Tonband und 2 Trommelgruppen, jeweils 22 Instrumente; es werden „Klänge des Weltraums“ reproduziert; die Opus basiert auf dem elektronischen Cantus firmus und kombiniert eine aleatorische Komposition mit subtilen Licht- und Schattenkontrasten, die dank der Möglichkeiten der elektronischen Technologie erzielt werden; aufgeführt in den sogenannten synthetischen Aufführungen des Museums für zeitgenössische Kunst in Oslo). Modern Die Jugendkomponisten werden von A. Janson geleitet, einem Pianisten, Jazzmusiker und Komponisten, der sich mit klanglichen Experimenten beschäftigt. Unter anderem modern komp. - R. Bakke, M. Hegdahl, J. Mastad, A. R. Olsen, J. Persen, J. E. Peterson, W. A. ​​Thoresen, M. Ole und G. Sønstevold (Autor populärer Musik).

Entwicklung der Musik. Das Leben Norwegens vor dem 2. Weltkrieg 1939-45 hing weitgehend von privater Initiative, von der Unterstützung der Gesellschaft „Freunde des Philharmonischen Orchesters“ und der Philharmonie ab. Gesellschaft (Oslo), die einen Chor (seit 1921) und Streicher hat. Quartett und andere Ensembles. Symph. Konzerte gab das Nationalorchester. t-ra, neu organisiert in con. 1940er Jahre in den Bergen Symphonie Oslo-Orchester. Symph. Orchester wurden auch in Trondheim (seit 1909, in den 1930er Jahren neu organisiert; Dirigenten - U. Hjelland, A. Fladmu, F. A. Oftedal) und Stavanger (seit 1918, 1938 neu organisiert) gegründet.

In den Jahren der Fasc. Während der Besatzung wurden öffentliche Konzerte aus Protest eingestellt. Nach 1945 begann die aktive Entwicklung der Musik. Leben (viele neue Musikinstitutionen wurden vom Staat subventioniert). 1946, um die Sinfonie zu organisieren. Orchester, Finanzierung der Oper, Bau des Konzerts. Hall und der Musikhochschule in Oslo wurde ein Musikkomitee gegründet. Die Gemeinde Oslo organisiert Bergkonzerte. Symphonie Orchester an der Universität, im Radio, Tourneen durch das Land. In Bergen gibt es eine Symphonie. Musikorchester Gesellschaft „Harmonie“, seit 1953 finden jährlich im Mai Symphoniefestivals statt. Musik (Dirigent - K. Garagul, A. Fladmu). Norwegen hatte bis Mitte des Jahres kein eigenes Opernhaus. 20. Jahrhundert 1918 Comic organisiert. Die Oper wurde 1921 aufgelöst. 1950 entstand die Aktiengesellschaft „Norwegische Oper“ (Gründer J. und G. Brunvolli, künstlerischer Leiter – ungarischer Musiker I. Pajor). 1958 wurde die Norwegische Oper in Oslo eröffnet (Direktor A. Fladmu, künstlerischer Leiter K. Flagstad und E. Fjelstad). Zu den Opernsängern zählen I. Andresen, K. A. Estvig, J. Oselio, E. Gulbranson, K. E. Norena, A. N. Lövberg, Sänger - S. Arnoldson, G. Grorud. Es gibt ein Konservatorium in Oslo (seit 1883), eine Musikakademie in Bergen (seit 1905), ein Konservatorium in Stavanger (seit 1945) und eine Musikhochschule in Trondheim (seit 1961; basierend auf der Musikschule, die in gegründet wurde). 1911). Norv funktioniert. Musik Verlag (in Oslo). Seit 1954 gibt es am Institut für Philosophie und Geschichte der Universität Oslo eine Abteilung für Musikwissenschaft (sie bildet die wichtigsten pädagogischen Lehrer aus, die das System der Musikausbildung von K. Orff und Z. Kodaly anwenden). Zahlreiche Menschen arbeiten. Musik Gewerkschaften und Verbände, inkl. Norv. Council on Claims, Union of Norms. Komponisten, Philharmoniker. Gesellschaft, Gesellschaft für Neue Musik (Sektion der Internationalen Gesellschaft für zeitgenössische Musik, Direktor K. Shulstad), Gesellschaft der Musikfreunde, Verband der Norweger. Musiker, Norwegen Vereinigung der Musen Lehrer, Union der Solisten, „Junge norwegische Musiker“, Union der Norweger. Opernsänger, zahlreich. Chor Gewerkschaften.

Nützliche Informationen über Norwegen Norwegen ist mehr als jedes andere Land der Kontraste. Der Sommer unterscheidet sich hier stark vom Herbst, der Herbst vom Winter und der Winter vom Frühling. Norwegen bietet eine große Vielfalt an unterschiedlichen Landschaften und Kontrasten.
Norwegens Territorium ist so groß und seine Bevölkerung so klein, dass es eine einzigartige Gelegenheit bietet, allein mit der Natur zu entspannen. Fernab von industrieller Umweltverschmutzung und dem Lärm der Großstädte können Sie inmitten unberührter Natur neue Kraft tanken. Wo auch immer Sie sind, die Natur ist immer um Sie herum. Essen Sie in einem Straßenrestaurant in der Stadt zu Mittag, bevor Sie eine Radtour durch den Wald unternehmen oder ein Bad im Meer nehmen.
Vor vielen tausend Jahren bedeckte Norwegen eine riesige Eisschicht. Der Gletscher siedelte sich in Seen, am Grund von Flüssen und vertieften steilen Tälern an, die sich bis zum Meer erstreckten. Der Gletscher rückte 5, 10 oder vielleicht sogar 20 Mal vor und zurück, bevor er sich vor 14.000 Jahren endgültig zurückzog. Als Erinnerung an sich selbst hinterließ der Gletscher tiefe Täler, die vom Meer gefüllt waren, und herrliche Fjorde, die viele als die Seele Norwegens betrachten.
Unter anderem die Wikinger gründeten hier ihre Siedlungen und nutzten die Fjorde und kleinen Buchten als Hauptkommunikationswege während ihrer Feldzüge. Heute sind die Fjorde eher für ihre spektakuläre Landschaft als für ihre Wikinger bekannt. Das Besondere an ihnen ist, dass hier immer noch Menschen leben. Heutzutage findet man bewirtschaftete Bauernhöfe hoch oben in den Hügeln, die sich idyllisch an den Berghang schmiegen.
Entlang der gesamten norwegischen Küste gibt es Fjorde – vom Oslofjord bis zum Varangerfjord. Jeder von ihnen ist auf seine Art schön. Dennoch liegen die berühmtesten Fjorde der Welt im Westen Norwegens. In diesem Teil Norwegens gibt es auch einige der größten und mächtigsten Wasserfälle. Sie bilden sich an den Rändern von Felsen hoch über Ihrem Kopf und ergießen sich in Kaskaden in das smaragdgrüne Wasser der Fjorde. Ebenso hoch ist der Felsen „Kirchenkanzel“ (Prekestolen) – ein Felsvorsprung, der sich 600 Meter über dem Lysefjord in Rogaland erhebt.
Norwegen ist ein langes und schmales Land mit einer Küste, die genauso schön, beeindruckend und vielfältig ist wie der Rest seines Territoriums. Wo auch immer Sie sind, das Meer ist immer in Ihrer Nähe. Es ist daher nicht verwunderlich, dass die Norweger so erfahrene und geschickte Segler sind. Lange Zeit war das Meer der einzige Verbindungsweg zwischen den Küstenregionen Norwegens – dessen Küstenlinie sich über viele tausend Kilometer erstreckte.

Öffentliche Bibliothek Bergen Norwegen / Edvard Grieg am Klavier

Edvard Hagerup Grieg (norwegischer Edvard Hagerup Grieg; 15. Juni 1843 – 4. September 1907) – norwegischer Komponist der Romantik, Musikfigur, Pianist, Dirigent.

Edvard Grieg wurde in Bergen geboren und verbrachte dort seine Jugend. Die Stadt war berühmt für ihre nationalen kreativen Traditionen, insbesondere im Bereich des Theaters: Henrik Ibsen und Björnstjerne Björnson begannen hier ihre Karrieren. Ole Bull wurde in Bergen geboren und lebte dort lange Zeit. Er bemerkte als erster Edwards musikalische Begabung (der seit seinem 12. Lebensjahr Musik komponierte) und riet seinen Eltern, ihn am Leipziger Konservatorium anzumelden, was auch geschah im Sommer 1858.

Als eines von Griegs berühmtesten Werken gilt bis heute die zweite Suite – „Peer Gynt“, die die Stücke „Ingrids Beschwerde“, „Arabischer Tanz“, „Peer Gynts Rückkehr in seine Heimat“ und „Solveigs Lied“ enthielt. .

Das dramatische Stück ist „Ingrids Beschwerde“, eine der Tanzmelodien, die bei der Hochzeit von Edvard Grieg und Nina Hagerup, der Cousine des Komponisten, gespielt wurden. Die Ehe von Nina Hagerup und Edvard Grieg brachte den Ehegatten eine Tochter, Alexandra, die nach einem Lebensjahr an Meningitis starb, was zu einer Abkühlung der Beziehungen zwischen den Ehegatten führte.

Grieg veröffentlichte 125 Lieder und Romanzen. Ungefähr zwanzig weitere Stücke von Grieg wurden posthum veröffentlicht. In seinen Texten wandte er sich fast ausschließlich an die Dichter Dänemarks und Norwegens, gelegentlich auch an die deutsche Lyrik (G. Heine, A. Chamisso, L. Uland). Der Komponist zeigte Interesse an skandinavischer Literatur und insbesondere an der Literatur seiner Muttersprache.

Grieg starb am 4. September 1907 in seiner Heimatstadt Bergen in Norwegen. Der Komponist ist mit seiner Frau Nina Hagerup im selben Grab begraben.

Biografie

Kindheit

Edvard Grieg wurde am 15. Juni 1843 in Bergen als Sohn eines Nachkommen eines schottischen Kaufmanns geboren. Edwards Vater, Alexander Grieg, diente als britischer Konsul in Bergen, seine Mutter, Gesina Hagerup, war Pianistin und Absolventin des Hamburger Konservatoriums, das normalerweise nur Männer aufnahm. Edward, sein Bruder und seine drei Schwestern erhielten von Kindheit an Musikunterricht, wie es in wohlhabenden Familien üblich war. Mit vier Jahren setzte sich der zukünftige Komponist erstmals ans Klavier. Im Alter von zehn Jahren wurde Grieg auf die weiterführende Schule geschickt. Seine Interessen lagen jedoch in einem ganz anderen Bereich, außerdem drängte ihn der unabhängige Charakter des Jungen oft dazu, seine Lehrer zu täuschen. Wie die Biographen des Komponisten sagen, begann Edward in der Grundschule, als er erfuhr, dass Schüler, die bei den häufigen Regenfällen in seiner Heimat nass wurden, nach Hause geschickt wurden, um trockene Kleidung anzuziehen, ihre Kleidung auf dem Weg zur Schule absichtlich nass zu machen. Da er weit von der Schule entfernt wohnte, war der Unterricht gerade zu Ende, als er zurückkam.

Bereits im Alter von zwölf Jahren komponierte Edvard Grieg eigene Musik. Seine Klassenkameraden gaben ihm den Spitznamen „Mozak“, weil er der Einzige war, der die Frage des Lehrers nach dem Autor des „Requiems“ richtig beantwortete: Der Rest der Schüler wusste nichts über Mozart. Im Musikunterricht war Edward trotz seiner brillanten musikalischen Fähigkeiten ein mittelmäßiger Schüler. Zeitgenossen des Komponisten erzählen, wie Edward eines Tages ein Notenbuch mit der Aufschrift „Variationen über ein deutsches Thema von Edvard Grieg op. Nr. 1.“ Der Klassenlehrer zeigte sichtlich Interesse und blätterte sogar darin. Grieg rechnete bereits mit großen Erfolgen. Doch plötzlich riss sich der Lehrer an den Haaren und zischte: „Bringen Sie das nächste Mal ein deutsches Wörterbuch mit und lassen Sie diesen Unsinn zu Hause!“

frühe Jahre

Der erste Musiker, der über Griegs Schicksal bestimmte, war der berühmte Geiger Ole Bull, ebenfalls ein Bekannter der Familie Grieg. Im Sommer 1858 besuchte Bull die Familie Grieg und Edward spielte aus Respekt vor seinem lieben Gast einige seiner eigenen Kompositionen auf dem Klavier. Beim Hören der Musik wurde der sonst immer lächelnde Ole plötzlich ernst und sagte leise etwas zu Alexander und Gesina. Dann ging er auf den Jungen zu und verkündete: „Du gehst nach Leipzig, um Komponist zu werden!“

So landete der fünfzehnjährige Edvard Grieg am Leipziger Konservatorium. In der von Felix Mendelssohn gegründeten neuen Bildungseinrichtung war Grieg bei weitem nicht mit allem zufrieden: So erwies sich sein erster Klavierlehrer, Louis Plaidy, mit seiner Vorliebe für die Musik der Frühklassik als so dissonant für Grieg dass er sich mit der Bitte um Versetzung an die Leitung des Konservatoriums wandte (an Grieg studierte er später bei Ernst Ferdinand Wenzel, Moritz Hauptmann, Ignaz Moscheles). Anschließend ging der begabte Student in den Gewandhaus-Konzertsaal, wo er der Musik von Schumann, Mozart, Beethoven und Wagner lauschte. „Ich konnte in Leipzig viel gute Musik hören, vor allem Kammer- und Orchestermusik“, erinnerte sich Grieg später. Edvard Grieg schloss 1862 das Konservatorium mit hervorragenden Noten, erworbenen Kenntnissen, leichter Rippenfellentzündung und einem Sinn im Leben ab. Den Professoren zufolge erwies er sich während seiner Studienzeit als „überaus bedeutendes musikalisches Talent“, insbesondere auf dem Gebiet der Komposition, und auch als herausragender „Pianist mit seiner charakteristischen nachdenklichen und ausdrucksstarken Spielweise“. Musik wurde von nun an und für immer sein Schicksal. Im selben Jahr gab er in der schwedischen Stadt Karlshamn sein erstes Konzert.

Leben in Kopenhagen

Nach seinem Abschluss am Konservatorium kehrte der gebildete Musiker Edvard Grieg mit dem brennenden Wunsch, in seiner Heimat zu arbeiten, nach Bergen zurück. Allerdings war Griegs Aufenthalt in seiner Heimatstadt dieses Mal nur von kurzer Dauer. Das Talent des jungen Musikers konnte unter den Bedingungen der schwach entwickelten Musikkultur Bergens nicht verbessert werden. 1863 reiste Grieg nach Kopenhagen, dem Zentrum des Musiklebens im damaligen Skandinavien.

Die in Kopenhagen verbrachten Jahre waren von vielen Ereignissen geprägt, die für Griegs kreatives Leben wichtig waren. Grieg steht vor allem in engem Kontakt mit der skandinavischen Literatur und Kunst. Er trifft deren prominente Vertreter, zum Beispiel den berühmten dänischen Dichter und Geschichtenerzähler Hans Christian Andersen. Dies zieht den Komponisten in den Mainstream der ihm nahestehenden nationalen Kultur hinein. Grieg schreibt Lieder nach Texten von Andersen und dem norwegischen romantischen Dichter Andreas Munch.

In Kopenhagen fand Grieg eine Interpretin seiner Werke, die Sängerin Nina Hagerup, die bald seine Frau wurde. Die kreative Zusammenarbeit von Edward und Nina Grieg hielt während ihres gesamten gemeinsamen Lebens an. Die Subtilität und Kunstfertigkeit, mit der der Sänger Griegs Lieder und Romanzen vortrug, waren das höchste Kriterium für ihre künstlerische Verkörperung, die der Komponist bei der Erstellung seiner Gesangsminiaturen stets im Auge hatte.

Der Wunsch junger Komponisten, nationale Musik zu entwickeln, drückte sich nicht nur in ihrer Kreativität, in der Verbindung ihrer Musik mit der Volksmusik, sondern auch in der Förderung der norwegischen Musik aus. Im Jahr 1864 gründeten Grieg und Rikard Noordrok in Zusammenarbeit mit dänischen Musikern die Musikgesellschaft „Euterpe“, die der Öffentlichkeit die Werke skandinavischer Komponisten vorstellen sollte. Dies war der Beginn großer musikalischer, sozialer und pädagogischer Aktivitäten. Während seiner Jahre in Kopenhagen (1863-1866) schrieb Grieg viele musikalische Werke: „Poetische Bilder“ und „Humoresken“, eine Klaviersonate und die erste Violinsonate. Mit jedem neuen Werk tritt Griegs Bild als norwegischer Komponist deutlicher hervor.

In dem lyrischen Werk „Poetische Bilder“ (1863) dringen nationale Züge sehr zaghaft durch. Die dem dritten Stück zugrunde liegende rhythmische Figur findet sich oft in der norwegischen Volksmusik; es wurde charakteristisch für viele von Griegs Melodien. Die anmutigen und einfachen Umrisse der Melodie im fünften „Bild“ erinnern an einige Volkslieder. In den üppigen Genreskizzen von „Humoresques“ (1865) klingen die scharfen Rhythmen von Volkstänzen und harten harmonischen Kombinationen viel kühner; Man findet die für die Volksmusik charakteristische lydische Bundfärbung. Allerdings kann man in „Humoresken“ immer noch den Einfluss von Chopin (seiner Mazurkas) spüren – einem Komponisten, den Grieg nach eigenen Angaben „verehrte“. Zeitgleich mit den Humoresken erschienen die Klaviersonaten und die ersten Violinsonaten. Die für die Klaviersonate charakteristische Dramatik und Ungestümheit scheinen eine eher äußerliche Widerspiegelung von Schumanns Romanze zu sein. Aber die helle Lyrik, der hymnische Charakter und die leuchtenden Farben der Violinsonate offenbaren die für Grieg typische figurative Struktur.

Privatleben

Edvard Grieg und Nina Hagerup wuchsen zusammen in Bergen auf, doch als achtjähriges Mädchen zog Nina mit ihren Eltern nach Kopenhagen. Als Edward sie wiedersah, war sie bereits ein erwachsenes Mädchen. Aus einer Freundin aus Kindertagen wurde eine schöne Frau, eine Sängerin mit einer wunderschönen Stimme, als wäre sie für die Aufführung von Griegs Stücken geschaffen. Da er zuvor nur in Norwegen und die Musik verliebt war, hatte Edward das Gefühl, vor Leidenschaft den Verstand zu verlieren. Zu Weihnachten 1864 überreichte Grieg Nina in einem Salon, in dem sich junge Musiker und Komponisten versammelten, eine Sammlung von Sonetten über die Liebe mit dem Titel „Melodien des Herzens“, kniete dann nieder und bot an, seine Frau zu werden. Sie reichte ihm die Hand und stimmte zu.

Allerdings war Nina Hagerup Edwards Cousine. Seine Verwandten wandten ihm den Rücken zu, seine Eltern verfluchten ihn. Allen Widrigkeiten zum Trotz heirateten sie im Juli 1867 und zogen nach Christiania, da sie dem Druck ihrer Verwandten nicht standhalten konnten.

Das erste Jahr der Ehe war typisch für eine junge Familie – glücklich, aber finanziell schwierig. Grieg komponierte, Nina führte seine Werke auf. Um die finanzielle Situation der Familie zu retten, musste Edward eine Anstellung als Dirigent annehmen und Klavier unterrichten. Im Jahr 1868 bekamen sie eine Tochter namens Alexandra. Ein Jahr später erkrankt das Mädchen an Meningitis und stirbt. Was geschah, setzte dem zukünftigen glücklichen Leben der Familie ein Ende. Nach dem Tod ihrer Tochter zog sich Nina in sich selbst zurück. Das Paar setzte jedoch seine gemeinsame Konzerttätigkeit fort.

Sie reisten mit Konzerten durch Europa: Grieg spielte, Nina Hagerup sang. Aber ihr Tandem fand nie breite Anerkennung. Edward begann zu verzweifeln. Seine Musik fand keinen Anklang in den Herzen, seine Beziehung zu seiner geliebten Frau begann zu bröckeln. Im Jahr 1870 unternahmen Edward und seine Frau eine Tournee nach Italien. Einer derjenigen, die seine Werke in Italien hörten, war der berühmte Komponist Franz Liszt, den Grieg in seiner Jugend bewunderte. Liszt schätzte das Talent des zwanzigjährigen Komponisten und lud ihn zu einem privaten Treffen ein. Nachdem er sich das Klavierkonzert angehört hatte, ging der sechzigjährige Komponist auf Edward zu, drückte seine Hand und sagte: „Machen Sie weiter so, wir haben alle Daten dafür.“ Lass dich nicht einschüchtern!“ „Es war so etwas wie ein Segen“, schrieb Grieg später.

Im Jahr 1872 schrieb Grieg „Sigurd der Kreuzfahrer“, sein erstes bedeutendes Theaterstück, woraufhin die schwedische Kunstakademie seine Verdienste anerkennte und die norwegischen Behörden ihm ein lebenslanges Stipendium gewährten. Doch der Weltruhm ermüdete den Komponisten und der verwirrte und müde Grieg reiste in seine Heimat Bergen ab, weg vom Trubel der Hauptstadt.

Allein schrieb Grieg sein Hauptwerk – die Musik zu Henrik Ibsens Drama Peer Gynt. Es verkörperte seine damaligen Erfahrungen. Die Melodie „In der Höhle des Bergkönigs“ (1) spiegelte den hektischen Geist Norwegens wider, den der Komponist in seinen Werken gerne zum Ausdruck brachte. In „The Arabian Dance“ erkannte man die Welt der heuchlerischen europäischen Städte voller Intrigen, Klatsch und Verrat. Die letzte Folge – „Solveigs Lied“, eine durchdringende und bewegende Melodie – sprach von dem, was verloren und vergessen und nicht vergeben wurde.

Tod

Grieg konnte den Kummer nicht loswerden und wandte sich der Kreativität zu. Aufgrund der Feuchtigkeit in seiner Heimat Bergen verschlimmerte sich die Rippenfellentzündung und es bestand die Befürchtung, dass sie sich zu Tuberkulose entwickeln könnte. Nina Hagerup entfernte sich immer weiter. Der langsame Todeskampf dauerte acht Jahre: 1883 verließ sie Edward. Edward lebte drei lange Monate allein. Doch der alte Freund Franz Beyer überzeugte Edward, seine Frau wiederzusehen. „Es gibt so wenige wirklich nahestehende Menschen auf der Welt“, sagte er zu seinem verlorenen Freund.

Edvard Grieg und Nina Hagerup kamen wieder zusammen und gingen als Zeichen der Versöhnung auf Tournee nach Rom. Nach ihrer Rückkehr verkauften sie ihr Haus in Bergen und kauften ein wunderschönes Anwesen in den Vororten, das Grieg „Trollhaugen“ – „Trollhügel“ nannte. . Dies war das erste Haus, das Grieg wirklich liebte.

Im Laufe der Jahre zog sich Grieg immer mehr zurück. Er hatte wenig Interesse am Leben – er verließ sein Zuhause nur wegen der Tournee. Edward und Nina besuchten Paris, Wien, London, Prag und Warschau. Bei jedem Auftritt trug Grieg einen Tonfrosch in seiner Jackentasche. Vor Beginn jedes Konzerts nahm er sie immer heraus und streichelte ihren Rücken. Der Talisman wirkte: Jedes Mal waren die Konzerte ein unvorstellbarer Erfolg.

1887 fanden sich Edward und Nina Hagerup erneut in Leipzig wieder. Zur Feier des neuen Jahres wurden sie vom herausragenden russischen Geiger Adolf Brodsky (später Erstinterpret von Griegs dritter Violinsonate) eingeladen. Neben Grieg waren zwei weitere bedeutende Gäste anwesend – Johann Brahms und Pjotr ​​​​Iljitsch Tschaikowsky. Letzterer wurde ein enger Freund des Paares und es begann ein reger Briefwechsel zwischen den Komponisten. Später, im Jahr 1905, wollte Edward nach Russland kommen, doch die Wirren des Russisch-Japanischen Krieges und der schlechte Gesundheitszustand des Komponisten verhinderten dies. Aus Protest gegen die Dreyfus-Affäre sagte Grieg 1889 eine Aufführung in Paris ab.

Immer häufiger bekam Grieg Probleme mit der Lunge und es wurde schwieriger, auf Tournee zu gehen. Trotzdem schuf Grieg weiterhin neue Ziele und strebte danach. Im Jahr 1907 plante der Komponist, an einem Musikfestival in England teilzunehmen. Er und Nina übernachteten in einem kleinen Hotel in ihrer Heimatstadt Bergen, um auf das Schiff nach London zu warten. Dort ging es Edward schlechter und er musste ins Krankenhaus. Edvard Grieg starb am 4. September 1907 in seiner Heimatstadt.

Musikalische und kreative Aktivitäten

Die erste Periode der Kreativität. 1866-1874

Von 1866 bis 1874 dauerte diese intensive Zeit der musikalischen Darbietung und Kompositionsarbeit an. Kurz vor Herbst 1866 organisierte Edvard Grieg in der norwegischen Hauptstadt Christiania ein Konzert, das wie ein Bericht über die Leistungen norwegischer Komponisten klang. Anschließend wurden die Klavier- und Violinsonaten von Grieg, Lieder von Nurdrok und Kjerulf (Texte von Bjornson und anderen) aufgeführt. Dieses Konzert ermöglichte es Grieg, Dirigent der Christian Philharmonic Society zu werden. Grieg verbrachte acht Jahre seines Lebens in Christiania mit harter Arbeit, die ihm viele kreative Siege bescherte. Griegs Dirigententätigkeit hatte den Charakter einer musikalischen Aufklärung. Die Konzerte umfassten Sinfonien von Haydn und Mozart, Beethoven und Schumann, Werke von Schubert, Oratorien von Mendelssohn und Schumann sowie Auszüge aus Wagners Opern. Grieg legte großen Wert auf die Aufführung von Werken skandinavischer Komponisten.

Im Jahr 1871 gründete Grieg zusammen mit Johan Swensen eine Gesellschaft darstellender Musiker mit dem Ziel, die Aktivität des Konzertlebens der Stadt zu steigern und das kreative Potenzial norwegischer Musiker zu offenbaren. Bedeutend für Grieg war seine Annäherung an die führenden Vertreter der norwegischen Poesie und künstlerischen Prosa. Es schloss den Komponisten in die allgemeine Bewegung für Nationalkultur ein. Griegs Kreativität erreichte in diesen Jahren ihre volle Reife. Er schrieb ein Klavierkonzert (1868) und eine zweite Sonate für Violine und Klavier (1867), das erste Notizbuch mit „Lyrischen Stücken“, das zu seiner Lieblingsklaviermusik wurde. Viele Lieder wurden in diesen Jahren von Grieg geschrieben, darunter wunderbare Lieder nach Texten von Andersen, Björnson und Ibsen.

Während seines Aufenthalts in Norwegen kam Grieg mit der Welt der Volkskunst in Kontakt, die zur Quelle seiner eigenen Kreativität wurde. Im Jahr 1869 lernte der Komponist erstmals die klassische Sammlung norwegischer Musikfolklore kennen, die vom berühmten Komponisten und Folkloristen L. M. Lindeman (1812-1887) zusammengestellt wurde. Das unmittelbare Ergebnis davon war Griegs Zyklus norwegischer Volkslieder und Tänze für Klavier. Die hier präsentierten Bilder: Lieblingsvolkstänze - Halling und Springdance, eine Vielzahl komischer und lyrischer Lieder, Arbeits- und Bauernlieder. Der Akademiker B. V. Asafiev nannte diese Arrangements treffend „Liederskizzen“. Dieser Zyklus war für Grieg eine Art kreatives Labor: Durch den Kontakt mit Volksliedern entdeckte der Komponist jene Methoden des musikalischen Schreibens, die in der Volkskunst selbst verwurzelt waren. Nur zwei Jahre trennen die zweite Violinsonate von der ersten. Dennoch zeichnet sich die Zweite Sonate „durch den Reichtum und die Vielfalt der Themen und die Freiheit ihrer Entwicklung aus“, sagen Musikkritiker.

Die zweite Sonate und das Klavierkonzert wurden von Liszt hoch gelobt, der einer der ersten Veranstalter des Konzerts wurde. In einem Brief an Grieg schrieb Liszt über die Zweite Sonate: „Sie zeugt von einem starken, tiefen, erfinderischen, hervorragenden kompositorischen Talent, das nur seinen eigenen, natürlichen Weg gehen kann, um hohe Perfektion zu erreichen.“ Für einen Komponisten, der sich auf dem Weg in die Musikkunst machte und die norwegische Musik zum ersten Mal auf der europäischen Bühne vertrat, war Liszts Unterstützung immer eine starke Unterstützung.

In den frühen 70er Jahren beschäftigte sich Grieg intensiv mit der Oper. Musikdramen und Theater wurden für ihn zu einer großen Inspiration. Griegs Pläne wurden vor allem deshalb nicht verwirklicht, weil es in Norwegen keine Traditionen der Opernkultur gab. Darüber hinaus wurden die Grieg versprochenen Libretti nicht geschrieben. Von dem Versuch, eine Oper zu schaffen, blieb nur die Musik zu einzelnen Szenen von Björnsons unvollendetem Libretto „Olav Trygvason“ (1873) übrig, das auf der Legende von König Olav basiert, der im 10. Jahrhundert den Einwohnern Norwegens das Christentum einführte. Grieg schreibt Musik für Björnsons dramatischen Monolog „Bergliot“ (1871), der von der Heldin einer Volkssage erzählt, die die Bauern zum Kampf gegen den König erzieht, sowie Musik für das Drama „Sigurd Yrsalfar“ (die Handlung eines altisländischen Saga) vom selben Autor.

1874 erhielt Grieg einen Brief von Ibsen mit dem Vorschlag, Musik für eine Inszenierung des Dramas Peer Gynt zu schreiben. Die Zusammenarbeit mit Norwegens talentiertestem Schriftsteller war für den Komponisten von großem Interesse. Nach eigenen Angaben war Grieg „ein fanatischer Bewunderer vieler seiner poetischen Werke, insbesondere Peer Gynts“. Griegs leidenschaftliche Leidenschaft für Ibsens Werk fiel mit seinem Wunsch zusammen, ein bedeutendes Musik- und Theaterwerk zu schaffen. Im Jahr 1874 schrieb Grieg Musik für Ibsens Drama.

Zweite Periode. Konzertaktivitäten. Europa. 1876-1888

Der Auftritt von Peer Gynt in Christiania am 24. Februar 1876 war ein großer Erfolg. Griegs Musik begann in Europa populär zu werden. Im Leben des Komponisten beginnt eine neue Schaffensperiode. Grieg hört in Christiania auf, als Dirigent zu arbeiten. Grieg zieht in eine abgelegene Gegend inmitten der wunderschönen Natur Norwegens: Zuerst ist es Lofthus am Ufer eines der Fjorde und dann der berühmte Troldhaugen („Trollhügel“, der Name, den Grieg dem Ort selbst gegeben hat). den Bergen, nicht weit von seiner Heimat Bergen entfernt. Von 1885 bis zu Griegs Tod war Troldhaugen der Hauptwohnsitz des Komponisten. In den Bergen kommen „Heilung und neue Lebensenergie“, in den Bergen „wachsen neue Ideen“, aus den Bergen kehrt Grieg „als neuer und besserer Mensch“ zurück. Griegs Briefe enthielten oft ähnliche Beschreibungen der Berge und der Natur Norwegens. Das schreibt Grieg 1897:

„Ich habe solche Naturschönheiten gesehen, von denen ich keine Ahnung hatte ... Eine riesige Kette schneebedeckter Berge mit fantastischen Formen ragte direkt aus dem Meer, während in den Bergen die Morgendämmerung dämmerte, es war vier Uhr abends Morgen, eine helle Sommernacht und die ganze Landschaft schien mit Blut bemalt zu sein. Es war einzigartig!“

Lieder, die unter der Inspiration der norwegischen Natur geschrieben wurden – „In the Forest“, „Hut“, „Spring“, „The Sea Shines in Bright Rays“, „Good Morning“.

Seit 1878 trat Grieg nicht nur in Norwegen, sondern auch in verschiedenen europäischen Ländern als Interpret eigener Werke auf. Griegs europäischer Ruhm wächst. Konzertreisen haben einen systematischen Charakter und bereiten dem Komponisten große Freude. Grieg gibt Konzerte in Städten in Deutschland, Frankreich, England, Holland und Schweden. Er tritt als Dirigent und Pianist sowie als Ensemblespieler auf und begleitet Nina Hagerup. Grieg, ein sehr bescheidener Mensch, notiert in seinen Briefen „riesigen Applaus und unzählige Herausforderungen“, „kolossale Aufregung“, „riesigen Erfolg“. Grieg gab die Konzerttätigkeit bis zum Ende seiner Tage nicht auf; 1907 (dem Jahr seines Todes) schrieb er: „Aus der ganzen Welt strömen Einladungen zum Dirigieren ein!“

Griegs zahlreiche Reisen führten zum Aufbau von Verbindungen zu Musikern aus anderen Ländern. 1888 fand in Leipzig ein Treffen zwischen Grieg und P. I. Tschaikowsky statt. Nachdem Grieg in einem Jahr, in dem sich Russland mit Japan im Krieg befand, eine Einladung erhalten hatte, hielt er es nicht für möglich, diese anzunehmen: „Es ist mir ein Rätsel, wie man einen ausländischen Künstler in ein Land einladen kann, in dem fast jede Familie um diejenigen trauert, die.“ starb im Krieg.“ „Es ist eine Schande, dass das passieren musste. Zuallererst müssen Sie menschlich sein. Alle wahre Kunst erwächst nur aus dem Menschen.“ Alle Aktivitäten Griegs in Norwegen sind ein Beispiel für reinen und selbstlosen Dienst an seinem Volk.

Die letzte Periode des musikalischen Schaffens. 1890-1903

In den 1890er Jahren galt Griegs Aufmerksamkeit vor allem der Klaviermusik und Liedern. Von 1891 bis 1901 schrieb Grieg sechs Notizbücher mit lyrischen Stücken. Mehrere Vokalzyklen Griegs stammen aus denselben Jahren. 1894 schrieb er in einem seiner Briefe: „Ich... bin in einer so lyrischen Stimmung, dass die Lieder aus meiner Brust strömen wie nie zuvor, und ich denke, sie sind die besten, die ich je geschaffen habe.“ Der Autor zahlreicher Bearbeitungen von Volksliedern, ein Komponist, der schon immer so eng mit der Volksmusik verbunden war, präsentierte 1896 den Zyklus „Norwegische Volksmelodien“ mit neunzehn subtilen Genreskizzen, poetischen Naturbildern und lyrischen Aussagen. Griegs letztes großes Orchesterwerk, Symphonic Dances (1898), war über Volksthemen geschrieben.

Im Jahr 1903 erschien ein neuer Zyklus mit Bearbeitungen von Volkstänzen für Klavier. In seinen letzten Lebensjahren veröffentlichte Grieg eine witzige und lyrische autobiografische Erzählung „Mein erster Erfolg“ und einen programmatischen Artikel „Mozart und seine Bedeutung für die Moderne“. Sie brachten deutlich das kreative Credo des Komponisten zum Ausdruck: den Wunsch nach Originalität, nach der Definition seines eigenen Stils, seines Platzes in der Musik. Trotz seiner schweren Krankheit setzte Grieg seine schöpferische Tätigkeit bis zu seinem Lebensende fort. Im April 1907 unternahm der Komponist eine große Konzerttournee durch die Städte Norwegens, Dänemarks und Deutschlands.

Merkmale der Werke

Die Merkmale wurden von B.V. Asafiev und M.A. Druskin zusammengestellt.

Lyrische Stücke

„Lyrische Stücke“ machen den Großteil von Griegs Klavierwerk aus. Griegs „Lyrische Stücke“ führen den Typus der Kammerklaviermusik fort, den Schuberts „Musikalische Momente“ und „Impromptu“ sowie Mendelssohns „Lieder ohne Worte“ repräsentieren. Spontaneität des Ausdrucks, Lyrik, Ausdruck überwiegend einer Stimmung in einem Stück, eine Vorliebe für kleine Maßstäbe, Einfachheit und Zugänglichkeit künstlerischer Gestaltung und technischer Mittel sind Merkmale der romantischen Klavierminiatur, die auch für Griegs Lyrische Stücke charakteristisch sind.

Die lyrischen Stücke spiegeln voll und ganz das Thema der Heimat des Komponisten wider, die er so sehr liebte und verehrte. Das Thema des Mutterlandes erklingt im feierlichen „Native Song“, im ruhigen und majestätischen Stück „At the Motherland“, in der genrelyrischen Skizze „To the Motherland“, in zahlreichen als Genre- und Alltagsskizzen konzipierten Volkstanzstücken . Das Thema des Mutterlandes setzt sich in Griegs großartigen „musikalischen Landschaften“ fort, in den Originalmotiven volkstümlicher Fantasy-Stücke („Zwergezug“, „Kobold“).

Anklänge an die Eindrücke des Komponisten finden sich in Werken mit lebendigen Titeln. Wie „Bird“, „Butterfly“, „The Watchman's Song“, geschrieben unter dem Einfluss von Shakespeares „Macbeth“), der musikalische Träger des Komponisten – „Gade“, Seiten mit lyrischen Aussagen „Ariette“, „Waltz-impromptu“, „Erinnerungen“) – das ist der Bilderkreis aus dem Zyklus der Heimat des Komponisten. Mit Lyrik überzogene Lebenseindrücke, das lebendige Gefühl des Autors, sind die Bedeutung der lyrischen Werke des Komponisten.

Die Stilmerkmale „lyrischer Stücke“ sind so vielfältig wie ihr Inhalt. Sehr viele Stücke zeichnen sich durch extreme Lakonie, spärliche und präzise Miniaturisierung aus; aber in manchen Stücken zeigt sich ein Wunsch nach Malerischem, eine breite, kontrastreiche Komposition („Prozession der Zwerge“, „Gangar“, „Nocturne“). In einigen Stücken hört man die Subtilität des Kammermusikstils („Tanz der Elfen“), andere funkeln mit leuchtenden Farben und beeindrucken mit der virtuosen Brillanz der Konzertaufführung („Hochzeitstag in Trollhaugen“).

„Lyrische Stücke“ zeichnen sich durch eine große Genrevielfalt aus. Hier finden wir Elegie und Nocturne, Wiegenlied und Walzer, Lied und Arietta. Sehr oft wendet sich Grieg den Genres der norwegischen Volksmusik (Springdance, Halling, Gangar) zu.

Das Prinzip der Programmatik verleiht dem Zyklus „Lyrische Stücke“ künstlerische Integrität. Jedes Stück beginnt mit einem Titel, der sein poetisches Bild definiert, und in jedem Stück ist man beeindruckt von der Einfachheit und Subtilität, mit der die „poetische Aufgabe“ in der Musik verkörpert wird. Bereits im ersten Notizbuch der „Lyric Pieces“ wurden die künstlerischen Prinzipien des Zyklus definiert: die inhaltliche Vielfalt und der lyrische Ton der Musik, die Aufmerksamkeit für die Themen des Mutterlandes und die Verbindung der Musik mit volkstümlichen Ursprüngen, Lakonismus und Einfachheit , Klarheit und Anmut musikalischer und poetischer Bilder.

Der Zyklus beginnt mit dem leichten lyrischen „Arietta“. Eine äußerst einfache, kindlich reine und naive Melodie, nur leicht „erregt“ durch sensible romantische Intonationen, vermittelt ein Bild jugendlicher Spontaneität und Seelenfrieden. Die ausdrucksstarken „Auslassungspunkte“ am Ende des Stücks (das Lied bricht ab, „friert“ bei der anfänglichen Intonation ein, es scheint, als sei der Gedanke in andere Sphären getragen worden) als lebendiges psychologisches Detail erzeugt ein lebendiges Gefühl. eine Vision des Bildes. Die melodische Intonation und Textur von „Arietta“ reproduzieren den Charakter des Gesangsstücks.

„Waltz“ zeichnet sich durch seine auffallende Originalität aus. Vor dem Hintergrund einer walzertypischen Begleitfigur erscheint eine elegante und fragile Melodie mit scharfen rhythmischen Konturen. „Kapriziöse“ Wechselakzente, Triolen im Takttakt, die die rhythmische Figur des Frühlingstanzes nachbilden, verleihen dem Walzer eine einzigartige Note norwegischer Musik. Es wird durch die modale Färbung (melodisches Moll) verstärkt, die für die norwegische Volksmusik charakteristisch ist.

„A Leaf from an Album“ verbindet die Spontaneität lyrischer Gefühle mit der Anmut und „Galanterie“ eines Albumgedichts. In der schlichten Melodie dieses Stückes sind die Intonationen eines Volksliedes zu hören. Aber leichte, luftige Verzierungen verleihen dieser einfachen Melodie Raffinesse. Nachfolgende Zyklen von „Lyric Pieces“ führen neue Bilder und neue künstlerische Mittel ein. „Lullaby“ aus dem zweiten Notizbuch von „Lyric Pieces“ klingt wie eine dramatische Szene. Eine sanfte, ruhige Melodie besteht aus Varianten eines einfachen Gesangs, als würde sie aus einer gemessenen Bewegung erwachsen und schwanken. Mit jeder neuen Nutzung verstärkt sich das Gefühl von Frieden und Licht.

„Gangar“ basiert auf der Entwicklung und Variantenwiederholung eines Themas. Umso interessanter ist die figurative Vielseitigkeit dieses Stücks. Die kontinuierliche, gemächliche Entwicklung der Melodie entspricht dem Charakter des majestätischen, sanften Tanzes. Die in die Melodie eingewobenen Intonationen der Pfeifen, der lange ausgehaltene Bass (ein Detail des volkstümlichen Instrumentalstils), die starren Harmonien (eine Kette großer Septakkorde), die manchmal rau und „unbeholfen“ klingen (als ob ein unharmonisches Ensemble wäre). Dorfmusikanten) - das verleiht dem Stück eine ländliche, ländliche Note. Doch nun tauchen neue Bilder auf: kurze, kraftvolle Signale und Antwortsätze lyrischer Natur. Interessant ist, dass bei einer bildlichen Veränderung des Themas seine metrorhythmische Struktur unverändert bleibt. Mit einer Neufassung der Melodie tauchen in der Reprise neue figurative Facetten auf. Leichter Klang in hohem Register und klare Tonalität verleihen dem Thema einen ruhigen, besinnlichen, feierlichen Charakter. Sanft und allmählich, wobei jeder Ton der Tonart gesungen wird und dabei die „Reinheit“ in Dur beibehalten wird, sinkt die Melodie ab. Die Verdichtung der Registerfarbe und die Intensivierung des Klanges führen das leichte, transparente Thema zu einem harten, düsteren Klang. Es scheint, dass diese Prozession der Melodien kein Ende nehmen wird. Doch mit einem scharfen Tonwechsel (C-dur-As-dur) wird eine neue Version eingeleitet: Das Thema klingt majestätisch, feierlich und präzise.

„Prozession der Zwerge“ ist eines von Griegs großartigen Beispielen musikalischer Fantasie. In der kontrastierenden Komposition des Stücks werden die Skurrilität der Märchenwelt, das unterirdische Reich der Trolle und die bezaubernde Schönheit und Klarheit der Natur einander gegenübergestellt. Das Stück ist dreiteilig geschrieben. Die Außenteile zeichnen sich durch eine lebendige Dynamik aus: Im schnellen Bewegungsablauf blitzen die phantastischen Umrisse einer „Prozession“ auf. Die musikalischen Mittel sind äußerst sparsam: motorischer Rhythmus und vor seinem Hintergrund ein skurriles und scharfes Muster metrischer Akzente, Synkopen; in tonischer Harmonie komprimierte Chromatiken und verstreute, rau klingende große Septakkorde; „klopfende“ Melodie und scharfe „pfeifende“ melodische Figuren; dynamische Kontraste (pp-ff) zwischen zwei Sätzen dieser Zeit und weite Strecken des Auf- und Abstiegs der Klangfülle. Das Bild des Mittelteils offenbart sich dem Zuhörer erst nach dem Verschwinden der phantastischen Visionen (ein langes A, aus dem eine neue Melodie hervorzuströmen scheint). Der leichte Klang des Themas mit einfacher Struktur wird mit dem Klang einer Volksmelodie assoziiert. Seine reine, klare Struktur spiegelt sich in der Einfachheit und Strenge seiner harmonischen Struktur (Abwechselung der Dur-Tonika und ihrer Parallele) wider.

„Hochzeitstag in Trollhaugen“ ist eines von Griegs fröhlichsten und jubelndsten Werken. In puncto Helligkeit, „eingängigen“ musikalischen Bildern, Umfang und virtuoser Brillanz nähert es sich dem Typus eines Konzertstücks. Sein Charakter wird vor allem durch den Genre-Prototyp bestimmt: Die Bewegung eines Marsches, einer feierlichen Prozession steht im Mittelpunkt des Stücks. Wie selbstbewusst und stolz klingen die einladenden Höhen und die gemeißelten rhythmischen Enden melodischer Bilder. Aber die Melodie des Marsches wird von einem charakteristischen fünften Bass begleitet, der seiner Feierlichkeit Einfachheit und den Charme ländlicher Atmosphäre verleiht: Das Stück ist voller Energie, Bewegung, heller Dynamik – von gedämpften Tönen über die spärliche transparente Textur des Anfangs bis hin zu das sonore ff, bravouröse Passagen und ein breites Klangspektrum. Das Stück ist in einer komplexen dreiteiligen Form geschrieben. Den feierlichen, festlichen Bildern der äußersten Teile stehen die sanften Texte der Mitte gegenüber. Seine Melodie, die wie im Duett gesungen wird (die Melodie wird in einer Oktave nachgeahmt), basiert auf sensiblen romantischen Intonationen. Kontraste gibt es auch in den extremen Formabschnitten, die ebenfalls dreiteilig sind. Die Mitte erinnert an eine Tanzszene mit einem Kontrast zwischen energischer, mutiger Bewegung und leichten, anmutigen Schritten. Eine enorme Steigerung der Klangkraft und der Bewegungsaktivität führt zu einer hellen, klangvollen Reprise, zum Höhepunkt des Themas, als ob es von den starken, kraftvollen Akkorden, die ihm vorangingen, getragen würde.

Das kontrastierende Thema des Mittelteils, spannungsgeladen und dynamisch, kombiniert aktive, energische Intonationen mit Elementen der Rezitation und leitet dramatische Töne ein. Danach erklingt in einer Reprise das Hauptthema wie beunruhigende Schreie. Seine Struktur ist erhalten geblieben, aber es hat den Charakter einer lebendigen Aussage angenommen; die Spannung menschlicher Sprache ist darin hörbar. Der sanfte, einschläfernde Tonfall zu Beginn dieses Monologs verwandelte sich in traurige, erbärmliche Ausrufe. In „Lullaby“ gelang es Grieg, eine ganze Reihe von Gefühlen zu vermitteln.

Romanzen und Lieder

Romanzen und Lieder gehören zu den Hauptgenres von Griegs Werk. Romanzen und Lieder wurden größtenteils vom Komponisten auf seinem Troldhaugen-Anwesen (Trollhügel) geschrieben. Grieg schuf im Laufe seines kreativen Lebens Romanzen und Lieder. Der erste Romanzenzyklus erschien im Jahr seines Abschlusses am Konservatorium, der letzte kurz vor dem Ende der Schaffenslaufbahn des Komponisten.

Die Leidenschaft für Gesangslyrik und ihre wunderbare Blüte in Griegs Werk waren größtenteils mit der Blüte der skandinavischen Poesie verbunden, die die Fantasie des Komponisten weckte. Gedichte norwegischer und dänischer Dichter bilden die Grundlage der überwiegenden Mehrheit von Griegs Romanzen und Liedern. Zu den poetischen Texten von Griegs Liedern gehören Gedichte von Ibsen, Björnson und Andersen.

In Griegs Liedern entsteht eine große Welt poetischer Bilder, Eindrücke und menschlicher Gefühle. Bilder der Natur, hell und malerisch gemalt, sind in den allermeisten Liedern präsent, meist als Hintergrund eines lyrischen Bildes („Im Wald“, „Hütte“, „Das Meer erstrahlt in hellen Strahlen“). Das Thema des Mutterlandes erklingt in erhabenen lyrischen Hymnen („Nach Norwegen“), in den Bildern seiner Menschen und seiner Natur (der Liederzyklus „From the Rocks and Fiords“). Das Leben eines Menschen erscheint in Griegs Liedern vielfältig: mit der Reinheit der Jugend („Margarita“), der Freude der Liebe („I Love You“), der Schönheit der Arbeit („Ingeborg“), mit dem Leid, das einen Menschen mit sich bringt Weg („Wiegenlied“, „Trauer“, Mutter“), mit seinem Gedanken an den Tod („Der letzte Frühling“). Aber egal, worüber Griegs Lieder „singen“, sie transportieren immer ein Gefühl der Fülle und Schönheit des Lebens. In Griegs Songwriting leben verschiedene Traditionen des Genres Kammergesang fort. Grieg hat viele Lieder, die auf einer einzigen, breiten Melodie basieren, die den allgemeinen Charakter, die allgemeine Stimmung des poetischen Textes („Guten Morgen“, „Izbushka“) vermittelt. Neben solchen Liedern gibt es auch Romanzen, in denen subtile musikalische Deklamationen die Nuancen von Gefühlen notieren („Schwan“, „In Trennung“). Griegs Fähigkeit, diese beiden Prinzipien zu kombinieren, ist eigenartig. Ohne die Integrität der Melodie und die Allgemeinheit des künstlerischen Bildes zu verletzen, gelingt es Grieg, durch die Ausdruckskraft einzelner Intonationen, gelungene Striche des Instrumentalparts und die Subtilität harmonischer und modaler Farbgebung die Details zu konkretisieren und greifbar zu machen des poetischen Bildes.

In der Frühphase seines Schaffens wandte sich Grieg häufig der Poesie des großen dänischen Dichters und Geschichtenerzählers Andersen zu. In seinen Gedichten fand der Komponist poetische Bilder, die mit seinem eigenen Gefühlssystem im Einklang standen: dem Glück der Liebe, das dem Menschen die endlose Schönheit der umgebenden Welt und Natur offenbart. In den auf Andersens Texten basierenden Liedern wurde Griegs charakteristischer Typus der Gesangsminiatur bestimmt; Liedmelodie, Versform, verallgemeinerte Übertragung poetischer Bilder. All dies ermöglicht es uns, Werke wie „In the Forest“ und „The Hut“ als Liedgenre (aber nicht als Liebesroman) zu klassifizieren. Mit ein paar hellen und präzisen musikalischen Akzenten führt Grieg lebendige, „sichtbare“ Details des Bildes ein. Der nationale Charakter der Melodie und die harmonischen Farben verleihen Griegs Liedern einen besonderen Reiz.

„In the Forest“ ist eine Art Nocturne, ein Lied über die Liebe, über die magische Schönheit der nächtlichen Natur. Bewegungsgeschwindigkeit, Leichtigkeit und Transparenz des Klangs bestimmen die poetische Erscheinung des Liedes. Die weitläufige und frei entfaltende Melodie vereint auf natürliche Weise Ungestüm, Scherzo und sanfte lyrische Intonationen. Subtile Abstufungen der Dynamik, ausdrucksstarke Moduswechsel (Variabilität), Beweglichkeit der melodischen Intonation, mal lebhaft und leicht, mal einfühlsam, mal hell und jubelnd, eine Begleitung, die der Melodie einfühlsam folgt – all das verleiht der gesamten Melodie figurative Vielseitigkeit und betont die poetische Farben des Verses. Eine leichte musikalische Note in der instrumentalen Einleitung, dem Zwischenspiel und dem Schluss erzeugt eine Imitation von Waldstimmen und Vogelgesang.

„Izbushka“ ist eine musikalische und poetische Idylle, ein Bild des Glücks und der Schönheit des menschlichen Lebens im Schoß der Natur. Die Genrebasis des Liedes ist Barcarole. Ruhige Bewegung, gleichmäßiges rhythmisches Schwanken entspricht perfekt der poetischen Stimmung (Gelassenheit, Frieden) und der Bildhaftigkeit des Verses (Bewegung und Wellenausbrüche). Der unterbrochene Begleitrhythmus, ungewöhnlich für Barkarolen, häufig bei Grieg und charakteristisch für norwegische Volksmusik, verleiht dem Satz Klarheit und Elastizität.

Eine leichte, plastische Melodie scheint über der gehämmerten Textur des Klavierparts zu schweben. Das Lied ist in Strophenform geschrieben. Jede Strophe besteht aus einem Punkt mit zwei kontrastierenden Sätzen. Im zweiten spürt man die Spannung, die lyrische Intensität der Melodie; die Strophe endet mit einem klar definierten Höhepunkt; mit den Worten: „... weil hier die Liebe lebt.“

Die freie Bewegung der Melodie in Terzen (mit dem charakteristischen Klang einer großen Septim), Quarten und Quinten, die Atembreite der Melodie und der einheitliche Barkarolenrhythmus erzeugen ein Gefühl von Räumlichkeit und Leichtigkeit.

„First Meeting“ ist eine der poetischsten Seiten von Griegs Liedtexten. Ein Grieg-nahes Bild – die Fülle des lyrischen Gefühls, gleich dem Gefühl, das Natur und Kunst einem Menschen vermitteln – wird in Musik voller Frieden, Reinheit und Erhabenheit verkörpert. Eine einzige Melodie, breit und frei entfaltend, „umarmt“ den gesamten poetischen Text. Aber die Motive und Phrasen der Melodie spiegeln ihre Details wider. Natürlich ist in den Gesangsteil das Motiv eines Hornspiels mit gedämpfter Moll-Repetition eingewoben – wie ein entferntes Echo. Die anfänglichen Phrasen, die um lange Fundamente „schweben“, auf stabiler tonischer Harmonie basieren, auf statischen plagalen Phrasen, mit der Schönheit des Hell-Dunkels, erzeugen die Stimmung des Friedens und der Kontemplation, die Schönheit, die das Gedicht atmet. Aber der Schluss des Liedes, der auf weiten Melodieausbrüchen basiert, mit allmählich zunehmenden „Wellen“ der Melodie, mit der allmählichen „Eroberung“ des melodischen Höhepunkts, mit intensiven melodischen Bewegungen, spiegelt die Helligkeit und Stärke der Emotionen wider.

„Guten Morgen“ ist eine helle Hymne an die Natur, voller Freude und Jubel. Helles D-Dur, schnelles Tempo, klar rhythmische, tänzerische, energische Bewegung, eine einzige Melodielinie für das gesamte Lied, die nach oben gerichtet ist und in einem Höhepunkt gipfelt – all diese einfachen und hellen musikalischen Mittel werden durch subtile ausdrucksstarke Details ergänzt : elegantes „Vibrato“, „Verzierungen“ der Melodie, als würde sie in der Luft klingeln („Der Wald klingelt, die Hummel summt“); Variantenwiederholung eines Teils der Melodie („die Sonne ist aufgegangen“) in einem anderen, klanglich helleren Klang; kurze melodische Aufschwünge mit Stopp bei einer großen Terz, die sich klanglich zunehmend steigern; helle „Fanfare“ im Klavierausklang. Unter Griegs Liedern sticht ein Zyklus nach Gedichten von G. Ibsen hervor. Der lyrische und philosophische Inhalt, die traurigen, konzentrierten Bilder wirken vor dem allgemeinen hellen Hintergrund von Griegs Liedern ungewöhnlich. Das beste Lied von Ibsen ist „Der Schwan“ – einer der Höhepunkte von Griegs Schaffen. Schönheit, die Kraft des schöpferischen Geistes und die Tragödie des Todes – das ist die Symbolik von Ibsens Gedicht. Musikalische Bilder zeichnen sich ebenso wie poetische Texte durch äußerste Lakonizität aus. Die Konturen der Melodie werden durch die Ausdruckskraft der Rezitation des Verses bestimmt. Aber die spärlichen Intonationen und die zwischendurch frei deklamierenden Phrasen wachsen zu einer soliden Melodie heran, einheitlich und kontinuierlich in ihrer Entwicklung, harmonisch in der Form (das Lied ist in dreiteiliger Form geschrieben). Die maßvolle Bewegung und geringe Beweglichkeit der Melodie zu Beginn, die Strenge der Textur der Begleitung und Harmonie (die Ausdruckskraft der plagalen Wendungen der Moll-Subdominante) erzeugen ein Gefühl von Erhabenheit und Frieden. Die emotionale Spannung im Mittelteil wird durch noch größere Konzentration und „Spärlichkeit“ der musikalischen Mittel erreicht. Die Harmonie friert bei dissonanten Klängen ein. Eine maßvolle, ruhige melodische Phrase erzeugt Dramatik, indem sie die Höhe und Stärke des Klangs erhöht und den Höhepunkt und die endgültige Intonation durch Wiederholungen hervorhebt. Die Schönheit des Klangspiels in der Reprise mit der allmählichen Aufhellung der Registerfärbung wird als Triumph des Lichts und des Friedens wahrgenommen.

Grieg schrieb viele Lieder nach Gedichten des norwegischen Bauerndichters Osmund Vinje. Darunter ist eines der Meisterwerke des Komponisten – das Lied „Frühling“. Das bei Grieg häufig vorkommende Motiv des Frühlingserwachens, der Frühlingsschönheit der Natur, wird hier mit einem ungewöhnlichen lyrischen Bild verbunden: der Schärfe der Wahrnehmung des letzten Frühlings im Leben eines Menschen. Die musikalische Lösung des poetischen Bildes ist wunderbar: Es ist ein helles lyrisches Lied. Die weite, fließende Melodie besteht aus drei Formationen. In der Intonation und rhythmischen Struktur ähnlich, handelt es sich um Varianten des Ausgangsbildes. Aber nicht für einen Moment kommt das Gefühl der Wiederholung auf. Im Gegenteil: Die Melodie fließt mit großem Atem, wobei sich jede neue Phase einem erhabenen Hymnenklang nähert.

Sehr subtil, ohne den Gesamtcharakter des Satzes zu verändern, überträgt der Komponist musikalische Bilder von malerisch, hell auf emotional („in die Ferne, in die Ferne, der Raum lockt“): Skurrilität verschwindet, Festigkeit tritt auf, strebende Rhythmen treten auf, unsichere Harmonie Geräusche werden durch stabile ersetzt. Ein scharfer Tonkontrast (G-dur – Fis-dur) trägt zur Klarheit der Grenze zwischen verschiedenen Bildern eines poetischen Textes bei. Grieg gab bei der Auswahl der poetischen Texte klar den skandinavischen Dichtern den Vorzug und schrieb erst zu Beginn seiner kreativen Karriere mehrere Romanzen nach Texten der deutschen Dichter Heine, Chamisso und Uhland

Klavierkonzert

Griegs Klavierkonzert gehört zu den herausragenden Werken dieser Gattung in der europäischen Musik der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die lyrische Interpretation des Konzerts bringt Griegs Werk näher an jenen Zweig der Gattung heran, der durch die Klavierkonzerte von Chopin und insbesondere Schumann repräsentiert wird. Die Nähe zu Schumanns Konzert zeigt sich in der romantischen Freiheit, der Helligkeit des Gefühlsausdrucks, den subtilen lyrischen und psychologischen Nuancen der Musik und einer Reihe kompositorischer Techniken. Der norwegische Nationalgeschmack und die für den Komponisten charakteristische figurative Struktur des Werks bestimmten jedoch die lebendige Originalität von Griegs Konzert.

Die drei Teile des Konzerts entsprechen der traditionellen Dramaturgie des Zyklus: ein dramatischer „Knoten“ im ersten Teil, lyrische Konzentration im zweiten und ein volkstümliches Bild im dritten.

Ein romantischer Gefühlsausbruch, leuchtende Texte, eine Bekräftigung des Willensprinzips – das ist die figurative Struktur und die Entwicklungslinie der Bilder im ersten Teil.

Der zweite Teil des Konzerts ist ein kleines, aber psychologisch vielschichtiges Adagio. Seine dynamische dreiteilige Form ergibt sich aus der Entwicklung des Hauptbildes von konzentrierten, mit dramatischen Lyriknoten hin zu einer offenen und vollständigen Offenbarung eines hellen, starken Gefühls.

Im Finale, das in Form einer Rondosonate geschrieben ist, dominieren zwei Bilder. Im ersten Thema – einem heiteren, energischen Halling – fanden volkstümliche Episoden als „Lebenshintergrund“ ihre Vollendung und leiteten die dramatische Linie des ersten Teils ein.

Funktioniert

Hauptarbeiten

* Suite „Aus der Zeit Holbergs“, Op. 40

* Sechs lyrische Stücke für Klavier, Op. 54

* Symphonische Tänze op. 64, 1898)

* Norwegische Tänze op.35, 1881)

* Streichquartett g-Moll Op. 27, 1877-1878)

* Drei Violinsonaten Op. 8, 1865

* Cellosonate a-Moll, Op. 36, 1882)

* Konzertouvertüre „Im Herbst“ (I Hst, op. 11), 1865)

* Sigurd Jorsalfar op. 26, 1879 (drei Orchesterstücke aus der Musik zur Tragödie von B. Bjornson)

* Hochzeitstag in Troldhaugen, Op. 65, Nr. 6

* Herzwunden (Hjertesar) aus zwei elegischen Melodien, Op.34 (Lyrische Suite Op.54)

* Sigurd Jorsalfar, Op. 56 - Hommagemarsch

* Peer-Gynt-Suite Nr. 1, Op. 46

* Peer-Gynt-Suite Nr. 2, Op. 55

* Letzter Frühling (Varen) aus Zwei elegische Stücke, Op. 34

* Klavierkonzert a-Moll, Op. 16

Kammermusikalische Werke

* Erste Violinsonate F-Dur op. 8 (1866)

* Zweite Violinsonate G-Dur op. 13 (1871)

* Dritte Violinsonate c-Moll Op. 45 (1886)

* Cellosonate a-Moll op. 36 (1883)

* Streichquartett g-Moll op. 27 (1877-1878)

Vokal- und Symphoniewerke (Theatermusik)

* „Lonely“ für Bariton, Streichorchester und zwei Hörner – Op. 32

* Musik zu Ibsens Theaterstück „Peer Gynt“ op. 23 (1874-1875)

* „Bergliot“ für Rezitation mit Orchester op. 42 (1870-1871)

* Szenen aus Olaf Trygvason, für Solisten, Chor und Orchester, Op. 50 (1888)

Klavierwerke (insgesamt ca. 150)

* Kleine Stücke (Op. 1, veröffentlicht 1862); 70

enthalten in 10 „Lyrischen Notizbüchern“ (herausgegeben von den 70er Jahren bis 1901)

* Zu den Hauptwerken: Sonate e-moll Op. 7 (1865),

* Ballade in Form von Variationen op. 24 (1875)

* Für Klavier, 4 Hände

* Symphonische Stücke op. 14

* Norwegische Tänze Op. 35

* Walzer-Caprices (2 Stücke) op. 37

* Altnordische Romanze mit Variationen op. 50 (es gibt eine Ork-Ausgabe)

* 4 Mozart-Sonaten für 2 Klaviere zu 4 Händen (F-Dur, C-Moll, C-Dur, G-Dur)

Chöre (insgesamt – mit posthum veröffentlichten – über 140)

* Album für Männergesang (12 Chöre) op. dreißig

* 4 Psalmen zu alten norwegischen Melodien, für gemischten Chor

* a capella mit Bariton oder Bass op. 70 (1906)

Interessante Fakten

E. Griegs unvollendete Oper (op. 50) – verwandelt in ein Kinderopern-Epos „Asgard“

Anruf aus der anderen Welt

Grieg gab ein großes Konzert in der Stadt Oslo, dessen Programm ausschließlich aus Werken des Komponisten bestand. Doch in letzter Minute ersetzte Grieg überraschend die allerletzte Nummer des Programms durch ein Werk von Beethoven. Am nächsten Tag erschien in der größten Zeitung der Hauptstadt eine äußerst giftige Rezension eines berühmten norwegischen Kritikers, der Griegs Musik wirklich nicht mochte. Der Kritiker äußerte sich besonders scharf zum letzten Teil des Konzerts und bemerkte, dass diese „Komposition einfach lächerlich und völlig inakzeptabel“ sei. Grieg rief diesen Kritiker an und sagte:

Beethovens Geist beunruhigt Sie. Ich muss Ihnen sagen, dass das letzte Stück, das in Griegs Konzert gespielt wurde, von mir komponiert wurde!

Eine solche Peinlichkeit führte dazu, dass der unglückliche, in Ungnade gefallene Kritiker einen Herzinfarkt erlitt.

Wo soll die Bestellung aufgegeben werden?

Eines Tages beschloss der König von Norwegen, ein leidenschaftlicher Bewunderer der Musik Griegs, dem berühmten Komponisten einen Orden zu verleihen und lud ihn in den Palast ein. Grieg zog einen Frack an und ging zum Empfang. Der Orden wurde Grieg von einem der Großfürsten überreicht. Nach der Präsentation sagte der Komponist:

Übermitteln Sie Seiner Majestät meinen Dank und meine Wertschätzung für die Aufmerksamkeit, die er meiner bescheidenen Person entgegengebracht hat.

Dann drehte Grieg die Bestellung in seinen Händen um und wusste nicht, was er damit anfangen sollte. Er versteckte sie in der Tasche seines Fracks, die ganz unten auf seinem Rücken angenäht war. Es entstand der unangenehme Eindruck, dass Grieg die Bestellung irgendwo in seine Gesäßtaschen gesteckt hatte. Grieg selbst verstand dies jedoch nicht. Doch der König war sehr beleidigt, als ihm gesagt wurde, wo Grieg den Orden platziert hatte.

Wunder geschehen!

Grieg und sein befreundeter Dirigent Franz Beyer gingen oft in der Stadt Nurdo-svannet angeln. Eines Tages fiel Grieg beim Angeln plötzlich ein musikalischer Satz ein. Er holte ein Blatt Papier aus seiner Tasche, schrieb es auf und legte es ruhig neben sich. Ein plötzlicher Windstoß wehte das Blatt ins Wasser. Grieg bemerkte nicht, dass das Papier verschwunden war, und Beyer fischte es leise aus dem Wasser. Er las die aufgenommene Melodie, versteckte das Papier und begann sie zu summen. Grieg drehte sich blitzschnell um und fragte:

Was ist das?.. Beyer antwortete völlig ruhig:

Nur eine Idee, die mir gerade in den Sinn kam.

- „Na ja, aber alle sagen, dass Wunder nicht geschehen!“ - sagte Grieg voller Erstaunen. -

Können Sie sich vorstellen, dass mir vor ein paar Minuten auch genau die gleiche Idee gekommen ist!

Gegenseitiges Lob

Edvard Griegs Treffen mit Franz Liszt fand 1870 in Rom statt, als Grieg etwa siebenundzwanzig Jahre alt war und Liszt sich auf die Feier seines sechzigsten Geburtstages vorbereitete. Grieg zeigte Liszt neben seinen anderen Werken das Klavierkonzert in a-Moll, was äußerst schwierig war. Mit angehaltenem Atem wartete der junge Komponist darauf, was der große Liszt sagen würde. Nachdem er sich die Partitur angesehen hatte, fragte Liszt:

Wirst du es für mich spielen?

Nein! Ich kann nicht! Selbst wenn ich einen Monat lang anfange zu proben, werde ich wahrscheinlich nicht spielen, weil ich nie speziell Klavier studiert habe.

Ich kann es auch nicht, es ist zu ungewöhnlich, aber versuchen wir es.“ Mit diesen Worten setzte sich Liszt ans Klavier und begann zu spielen. Darüber hinaus spielte er die schwierigsten Passagen des Konzerts am besten. Als Liszt mit dem Spielen fertig war, atmete der erstaunte Edvard Grieg aus:

Fabelhaft! Unverständlich...

Ich stimme deiner Meinung zu. „Das Konzert ist wirklich großartig“, lächelte Liszt gutmütig.

Griegs Erbe

Heute genießt das Werk von Edvard Grieg große Verehrung, insbesondere im Heimatland des Komponisten – Norwegen.

Seine Werke werden als Pianist und Dirigent aktiv von einem der berühmtesten norwegischen Musiker der Gegenwart, Leif Ove Andsnes, aufgeführt. Das Haus Troldhaugen, in dem der Komponist viele Jahre lebte, ist zu einem öffentlich zugänglichen Hausmuseum geworden.

Hier werden den Besuchern die Heimatmauern des Komponisten gezeigt, sein Anwesen, seine Innenräume und Erinnerungsstücke von Edvard Grieg sind ebenfalls erhalten.

An der Wand seines Arbeitshauses hängen noch bleibende Dinge, die dem Komponisten gehörten: ein Mantel, ein Hut und eine Geige. In der Nähe des Anwesens befindet sich ein Denkmal für Edvard Grieg, das jeder sehen kann, der Troldhaugen und die Arbeitshütte besucht, in der Grieg seine besten Musikwerke komponierte und Arrangements volkstümlicher Motive schrieb.

Musikkonzerne veröffentlichen weiterhin CDs und Audiokassetten mit Edvard Griegs größten Werken. Es erscheinen CDs mit Griegs Melodien in modernen Arrangements (siehe diesen Artikel Musikfragmente – „Erotica“, „Hochzeitstag in Troldhaugen“). Der Name Edvard Grieg ist immer noch mit der norwegischen Kultur und der musikalischen Kreativität des Landes verbunden. Griegs klassische Stücke werden in verschiedenen künstlerischen und kulturellen Veranstaltungen verwendet. Es werden verschiedene Musikdarbietungen, Szenarien für professionelle Eisvorführungen und andere Inszenierungen aufgeführt.

„In der Höhle des Bergkönigs“ ist vielleicht Griegs beliebteste und bekannteste Komposition.

Es wurde von vielen Popmusikern adaptiert. Candice Knight und Ritchie Blackmore haben sogar Texte für „Cave of the Mountain King“ geschrieben und diese in das Lied „Hall of the Mountain King“ umgearbeitet. Die Komposition, ihre Fragmente und Arrangements werden häufig in Soundtracks für Filme, Fernsehsendungen, Computerspiele, Werbespots usw. verwendet, wenn es darum geht, eine geheimnisvolle, leicht unheimliche oder leicht ironische Atmosphäre zu schaffen.

Im Film „M“ zeigte sie beispielsweise deutlich den Charakter von Peter Lorres Held – Beckert, einem Verrückten, der Kinder jagte.

Norwegen, ein kleines Land im Norden, hat lange Zeit ein isoliertes Leben geführt und keine Aufmerksamkeit auf sich gezogen. Es wurde wie andere skandinavische Länder dank des ungewöhnlich starken Aufschwungs seiner nationalen Kunst in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts für den Rest Europas geöffnet. Die norwegischen Schriftsteller G. Ibsen und B. Bjornson zeigten der ganzen Welt die Schönheit der rauen Natur des Nordens, den Heldentum alter norwegischer Legenden, die Poesie der unerschöpflichen Volksphantasie, die die Wälder und Täler Norwegens mit einer ganzen Schar von Märchen bevölkerte. Märchenwesen: Trolle, Gnome, Feen, manchmal feindselig, manchmal freundlich zu Menschen.

Was Ibsen und Viernson in der Literatur taten, tat Edvard Grieg in der Musik. Seine Musik, die aus norwegischen Volksliedern und Tänzen hervorgegangen ist, ist eindeutig national und gleichzeitig für Zuhörer aus jedem Land verständlich und attraktiv. Und die Weltmusikkunst ist ohne Grieg nicht mehr vorstellbar, ebenso wie ohne Glinka, Schubert...

Andersen wiederum war einer der ersten, der das Talent des Komponisten erkannte. Grieg schrieb auch viel für Klavier (er selbst war ein ausgezeichneter Pianist). Auch seine in diesen frühen Jahren entstandene Sonate gehört zu den beliebtesten Werken.

Im Herbst 1866 kehrte Grieg voller Energie und vielfältiger Pläne in seine Heimat zurück. Neben seiner kreativen Tätigkeit und Konzertauftritten als Pianist und Dirigent ist er als Musikkritiker tätig und organisiert darüber hinaus die Musikakademie – die erste berufsbildende Musikausbildungseinrichtung in Norwegen. Die Akademie hielt nicht lange – nur zwei Jahre, da Grieg die organisatorischen und finanziellen Schwierigkeiten nicht bewältigen konnte. Und seinen anderen Unternehmungen standen viele Hindernisse im Weg. „Norwegen ist ein lustiges Land“, schrieb Grieg an einen Freund. „Während die Menschen in den Dörfern ihre Bräuche lieben und es als ihr größtes Glück betrachten, als Nation ein gesundes und erfülltes Leben zu führen, ist dies in den Städten und insbesondere in der Hauptstadt der Fall.“ , ganz im Gegenteil: Je mehr importiert, desto besser.“ !

Der mit den Schwierigkeiten des Lebens kämpfende junge Komponist konnte sich nicht vorstellen, dass ein aufmerksamer und freundlicher Blick aus der Ferne sein Schaffen beobachtete. Er erhielt unerwartet einen Brief des weltberühmten Komponisten selbst, der seinen jüngeren Bruder mit den schmeichelhaftesten Worten begrüßte und ihm versicherte, dass er „nur seinem natürlichen Weg folgen müsse, um hohe Vollkommenheit zu erreichen“.

Und sofort änderte sich alles, Grieg erhielt ein Staatsstipendium (um das sich seine Freunde zuvor vergeblich gekümmert hatten), was die Möglichkeit bedeutete, zu arbeiten, ohne an morgen zu denken.

Im Herbst desselben Jahres 1869 reiste er nach Rom, um den dort lebenden Liszt persönlich zu treffen. Dieses Treffen, bei dem der ehrwürdige Komponist erneut seinen charakteristischen guten Willen und seine Großzügigkeit unter Beweis stellte, blieb Grieg für immer in Erinnerung. „Ich bin sicher“, schrieb Grieg aus Rom an seine Eltern, „dass in den Erinnerungen dieser Stunde eine wundersame Kraft liegt, die mich in den Tagen der Prüfungen unterstützen wird.“

Wahrscheinlich war in den Abschiedsworten des alten Meisters an die Jungen tatsächlich etwas Wunderbares verborgen. Es inspirierte Grieg und die 1870er Jahre wurden zu Jahren kreativen Wachstums. Er schafft wundervolle Adaptionen ungarischer Lieder und Tänze; er bewahrt sorgfältig die Merkmale der Volkskunst: reine, keusche Texte, einfältiger, spontaner Humor und jene einzigartige Originalität leicht herber, herber Intonationen, die der Komponist selbst „den Geschmack von“ nannte Meersalz."

In denselben Jahren entstand sein inspiriertes Klavierkonzert, das Musikwissenschaftler zu Recht die „Hymne Norwegens“ nannten. Griegs Konzert steht auf Augenhöhe mit solchen Werken dieser Gattung: Konzerten von Tschaikowsky, Rachmaninow, Schumann, Liszt.

Und schließlich erreicht Grieg in Zusammenarbeit mit herausragenden Dramatikern Norwegens den Höhepunkt der Kunst – in der Musik zu Björnsons Dramen „Sigurd Yurzalfar“ und „Bergliot“ und zu Ibsens Drama „Peer Gynt“.

Unter Griegs musikalischen und dramatischen Werken ist seine Musik zu Ibsens Drama „Peer Gynt“ besonders bekannt (einzelne Nummern davon wurden in zwei Orchestersuiten aufgenommen). Diese Musik fasste den Aufstieg des Komponisten zusammen und brachte ihm weltweiten Ruhm. Aber er blieb so bescheiden und einfach wie in seiner Jugend. Bei Auftritten im Ausland träumt er von ländlicher Einsamkeit und kehrt glücklich in seine Heimat zurück.

Grieg verbrachte mehr als ein Jahr (1877-1878) im Dorf Lofthus am Ufer des Fjords und baute sich dort ein „Arbeiterhaus“, in das Herd, Klavier und der Besitzer selbst kaum Platz fanden. Einheimische Bauern wurden seine Freunde, von denen er Volkslieder und Geigenmelodien aufnahm. Ab 1885 (der Komponist war damals 42 Jahre alt) wurde die Stadt Trollhaugen bei Bergen am Ufer des Fjords sein ständiger Wohnsitz. Dort verbrachte er den Frühling und den Sommer und widmete sie der Kreativität, der Kommunikation mit der Natur und einer Pause von Konzertreisen, deren Zweck es war, Norwegen für europäische Zuhörer zu öffnen.

Griegs aufrichtige, reine und helle Musik soll in den Menschen „gute Gefühle“ wecken, wie Puschkin sagte. Und das war der bewusste Wunsch des Komponisten. Auf dem Höhepunkt des Russisch-Japanischen Krieges schrieb Grieg an den russischen Pianisten A. Ziloti über die Pflicht des Künstlers: „Wie wenig haben wir getan! Kriegslieder und Requiems können wunderbar sein. Und doch ist der Zweck der Kunst höher. Sie muss den Menschen klar machen, dass Kunst ein Friedensbote und Krieg etwas Unmögliches ist. Nur dann werden wir Menschen.“