Der runde Tisch. Wie "einfacher, leichter, höher, mehr Spaß"? Antarova

Gespräche mit Stanislawski

(Gespräch Nr. 2)

Von der Redaktion

Der Abschnitt "Die Arbeit eines Schauspielers an sich selbst" widmet sich den besten Arbeiten zu diesem Thema. Wir entschieden uns, mit einer Präsentation der Aktivitäten von K.S. Stanislavsky mit dem Opernstudio des Bolschoi-Theaters. Die Treffen des großen Theaterlehrers und Regisseurs mit den Studiostudenten fanden in den Jahren 1918-1920 statt und wurden von einem der besten Studenten von K.S. - Concordia Antarova ("Zwei Leben"). In diesen Gesprächen scheint uns die theatralische Ethik von K. S., deren Kenntnis für unerfahrene Schauspieler und Regisseure besonders wichtig ist, bemerkenswert dargelegt zu werden.

"Einfacher, leichter, höher, mehr Spaß." Hier sind die ersten Worte, die über jedem Theater hätten hängen müssen – ein Tempel der Kunst, wenn Theater solche wären. Nur die Liebe zur Kunst, alles Erhabene und Schöne, was in jedem Menschen lebt – nur das müsste jeder, der das Theater betritt, hineinbringen und aus sich herausgießen wie einen Eimer sauberen Wassers, von dem heute tausend wegspülen werden Schmutz des gesamten Gebäudes, wenn es gestern verschmutzte Leidenschaften und Intrigen von Menschen waren.

Eine der ersten Aufgaben derjenigen, die ein Studio oder ein Theater schaffen, sollte auf die Atmosphäre in ihnen achten. Es muss sichergestellt werden, dass sich Angst in keiner Form, in keiner Form in das Studio einschleicht und in den Herzen seiner Mitarbeiter oder Studenten regiert, damit Schönheit sie vereint und fesselt. Wenn es keine Vorstellung von Einheit in der Schönheit gibt, gibt es kein wahres Theater, und ein solches Theater wird nicht benötigt. Wenn es kein elementares Verständnis von sich selbst und dem gesamten Kräftekomplex als freudige Diener des Vaterlandes gibt, wird ein solches Theater auch nicht benötigt - es wird keine der schöpferischen Einheiten unter allen schöpferischen Kräften des Landes sein. Von hier aus können wir verstehen, was für eine wichtige Angelegenheit es ist – die Auswahl des Theaterpersonals, immer der schwächste und schwierigste Teil der Theaterarbeit. Wenn die Auswahl aufgrund von Mäzenatentum und nicht aufgrund von Talenten und Charakteren erfolgt, wenn man aufgrund von Bekanntschaften und Empfehlungen ins Studio aufgenommen wird, mindert das nicht nur die Würde des Theaters, der Aufführung oder der Probe, aber es flößt ihnen Langeweile ein, und die Kreativität selbst wird sich in diesen Fällen aus Stellvertretern herausbilden und nicht aus der wahren Liebe, die in denen brennt, die zum Lernen kommen.

Die Regeln des Theaters, wo mit mehreren Besetzungen gleichzeitig geprobt wird, aber ein Teil der Anwesenden agiert, mitarbeitet und der Rest sitzt, nicht an den zu analysierenden Aufgaben teilnimmt, sich nicht innerlich zu schöpferischer Arbeit verbindet, sondern die Atmosphäre mit Neid und Kritik zu füllen, sind im Studio unmöglich, wo in der kreativen Arbeit alle gleich sind. Jeder im Studio weiß das heute oder morgen, aber sie werden sowieso an der Reihe sein, und sie verstehen, dass man nach der Arbeit ihrer Kameraden mit all ihrer kreativen Aufmerksamkeit in dem zu analysierenden Problem leben muss. Das Aufstellen eines Falls, in dem es keinen Respekt vor einer Person gibt - ein untergeordneter Akteur, in dem es keine Höflichkeit gibt, schafft eine Atmosphäre der Degeneration. Das Chaos der Unhöflichkeit, das sich erlaubt, den Glanz zu erhöhen, wird nicht zu jener Atmosphäre der Freude und Leichtigkeit führen, in der nur eine hohe Geistes- und Gedankenkultur wachsen kann. Nur in einer einfachen und leichten Atmosphäre kann ein Wort als vollwertige Widerspiegelung jener Leidenschaften entstehen, deren Adel und Wert das Theater widerspiegeln sollte.

Die Stunden, die ein Schauspieler während der Proben im Theater verbringt, sollen ihn zu einem vollwertigen Menschen machen – zu einem Kunstschöpfer, zu diesem Kämpfer für Schönheit und Liebe, der die ganze Bedeutung von Wort und Klang in die Herzen seiner Zuhörer ergießen kann. Wenn den Künstlern nach der Probe nicht die Ohren in ihren besten Gefühlen und Gedanken wuchsen, wenn ihre Einsicht winzig klein war: „Während ich probte, hat mich alles mitgerissen, und es war klar in meinem Herzen“, sondern ging und verfiel erneut in Kabotinismus und Vulgarität: „Ich bin ein Schauspieler, ich bin eine Person“, was bedeutet, dass es unter denen, die die Probe leiteten, wenig wahre Liebe und Feuer gab.

Es geht überhaupt nicht um Schauspieler und nicht um Stunts, sondern am Anfang aller Anfänge um Kreativität – darum, den Künstler zu lehren, in sich selbst ein Verständnis für den Wert des Wortes zu suchen, ihn zu lehren, seine Aufmerksamkeit zu entwickeln und introspektiv zu zeichnen ihn auf die organischen Eigenschaften der Rolle, auf die Natur menschlicher Gefühle, und nicht von außen über die Auswirkungen bestimmter Handlungen zu urteilen, im Glauben, dass man lernen kann, dieses oder jenes Gefühl zu spielen. Das lebendige Herz eines lebenden Menschen-Künstlers muss in die Kette der inneren und äußeren Handlungen eingeführt werden, die im Leben immer parallel laufen; es ist notwendig, ihm durch eine ganze Reihe von Anpassungen zu helfen, seinen Körper und seine innere Welt von allen Klammern zu befreien, damit er das Leben des Stücks, das er spielt, widerspiegeln kann; Es ist notwendig, ihn zu einer solchen Aufmerksamkeitskraft zu bringen, dass das Bedingte und Äußere ihn nicht daran hindert, die organische Natur der menschlichen Leidenschaften zu verstehen.

Das sind die Aufgaben des Ateliers, so kann und muss jeder den darin liegenden Keim entwickeln und zu einer Kraft machen, die wie Schönheit wirkt. Aber jeder kann diese Entwicklung erreichen, wenn er Kunst liebt. In der Kunst kann man nur fesseln und lieben, es gibt keine Befehle darin.

Zu
. Antarova

Gespräche mit Stanislawski

(Gespräch Nr. 5)

Jeder, der Künstler werden möchte, muss drei Fragen beantworten:

1. Was meint er mit dem Wort „Kunst“?

Wenn er darin nur sich selbst sieht, in einer privilegierten Position gegenüber den Menschen, die in der Nähe spazieren gehen, wenn er in diesem Gedanken über die Kunst nicht versucht zu enthüllen, was ihn innerlich beunruhigt, wie kaum bewusste Seelen, die im Dunkeln umherwandern, aber seine Kräfte stören Kreativität , sondern will einfach die Brillanz seiner Persönlichkeit erreichen; wenn kleinbürgerliche Vorurteile in ihm den Wunsch erwecken, Hindernisse willentlich zu überwinden, nur um den äußeren Lebensweg als sichtbare und sichtbare Figur zu enthüllen, ist eine solche Annäherung an die Kunst der Tod sowohl des Menschen selbst als auch der Kunst.

2. Warum tritt ein Mensch, der sich für irgendeine Kunst entschieden hat – Schauspiel, Oper, Ballett, Kammerbühne, Mal- oder Bleistiftkunst – in den künstlerischen Zweig der Menschheit ein und welche Idee will und soll er in diesen Kunstzweig tragen? ?

Wenn er nicht erkennt, wie viel Leid, Kampf und Enttäuschung vor ihm stehen werden, wenn er nur eine Regenbogenbrücke sieht, die ihn voller Inspiration auf die andere Seite der Erde und des Lebens trägt, wo Träume leben, muss ihn das Studio enttäuschen.

Das Studio muss von den ersten Schritten an wissen, dass nur Arbeit – bis zum Ende nicht nur der äußeren „Karriere“, sondern Arbeit bis zum Tod – der Weg sein wird, den er für sich selbst wählt; Arbeit muss die Quelle jener Energie sein, die das Atelier bei einer Reihe höchst faszinierender Aufgaben Gehirn, Herz und Nerven des Schülers füllen muss.

3. Gibt es im Herzen eines Menschen, der ins Theater geht, so viel unauslöschliche Liebe zur Kunst, dass er alle Hindernisse überwinden könnte, die sich unweigerlich vor ihm stellen werden?

Das Studio sollte als lebendiges Beispiel für die Wirkung seiner Leiter zeigen, wie der Fluss der unstillbaren Liebe zur Kunst im Herzen eines Menschen in das Geschäft des Tages fließen sollte. Und diese kreative Arbeit kann, muss wie ein Feuer brennen. Nur wenn die Liebe eines Menschen das Öl ist, das das Feuer entfacht, nur dann kann man hoffen, alle Hindernisse, die der Kreativität im Wege stehen, zu überwinden und das Ziel zu erreichen: befreit von Konventionen, reine Kunst, die durch reines Schaffen entsteht Kräfte in sich entwickelt. Erst dann findet man die Flexibilität des schauspielerischen Willens, die freie Kombination aus tiefem Verständnis der Basis – dem Körnchen der Rolle – und ihrem Handeln, wenn die Liebe zur Kunst über persönliche Eitelkeit, Selbstliebe und Stolz gesiegt hat . Wenn in Verstand und Herz ein Verständnis für die Harmonie des Bühnenlebens lebt, kann nur dann - in der vom "Ich" entfremdeten Handlung - die Wahrheit der Leidenschaften unter den vorgeschlagenen Umständen dargestellt werden.

Aber mögen alle großen Kräfte des Lebens jedes Studio davor bewahren, dass sich Langeweile und Pedanterie einnisten. Alles ging dann zugrunde; dann ist es besser, das Studio, die Lehrer und die Schüler zu zerstreuen, um den ganzen Mechanismus zu zerstören. Dies ist nur eine Korruption junger Kräfte, für immer verzerrte Bewusstseine. In der Kunst kann man nur faszinieren. Es ist, ich wiederhole es, das Feuer unauslöschlicher Liebe. Lehrer, die sich über Müdigkeit beschweren, sind keine Lehrer, sondern Maschinen, die für Geld arbeiten. Wer jeden Tag zehn Stunden Unterricht hat und es nicht geschafft hat, seine Liebe darin zu verbrennen, sondern nur seinen Willen und Körper, ist ein einfacher Techniker, aber er wird niemals ein Meister, ein Lehrer junger Kader. Die Liebe ist heilig, weil ihr Feuer niemals bettelt, egal wie viele Herzen es entzündet. Wenn der Lehrer seine Kreativität - Liebe - ausschüttete, bemerkte er die Arbeitsstunden nicht, und alle seine Schüler bemerkten sie nicht. Wenn der Lehrer dem Bedürfnis des Lebens diente, waren seine Schüler gelangweilt, müde und vegetierten mit ihm. Und die Kunst in ihnen, ewig, allen innewohnend und als Liebe in allen lebend, drang nicht durch die staubigen Fenster der damaligen Konventionen, sondern blieb im Herzen glimmen.

Jede Stunde, jede Minute der Einheit eines Lehrers und eines Schülers sollte nur ein fliegendes Bewusstsein sein, eine ewige Bewegung im Rhythmus der Umgebung.

Gefühl – Gedanke – Wort, als geistiges Bild des Denkens, sollte immer eine Manifestation der Wahrhaftigkeit sein, das Gesetz der Fähigkeit, Tatsachen so zu vermitteln, wie ein Mensch sie gesehen hat. Wahrhaftigkeit und Liebe sind zwei Wege, die Kunst in den Rhythmus des ganzen Lebens zu bringen.

STAATLICHES INSTITUT FÜR KUNST UND KULTUR TJUMEN

Abteilung für Regie und Schauspiel

S. P. Kutmin

Prägnantes Wörterbuch der Theaterbegriffe

für Studierende der Fachrichtung Regie

Verlag

Staatliches Institut für Kunst und Kultur Tjumen

BBC 85.33 i 2

Kutmin, SP.

Ein kurzes Lexikon theatralischer Begriffe für Studierende der Fachrichtung Regie / Kutmin S.P.; TGIIK; Abt. dir. und handeln. Meisterschaft - Tjumen, 2003. - 57p.

Das Lexikon befasst sich mit Fachbegriffen der Theater- und Varietékunst. Dies sind Wörter, die Theater- und Feiertagsdirektoren bei Proben mehr als andere verwenden. Wir hören sie ständig, wenn wir an einem Stück, einer Aufführung, in der Arbeit eines Schauspielers an einer Rolle arbeiten. Das Wörterbuch richtet sich an Studierende und Lehrende an Kunst- und Kulturhochschulen sowie an höheren Bildungseinrichtungen.

Rezensent: Zhabrovets, M.V. Ph.D., außerordentlicher Professor, Leiter. Abteilung Regie und Schauspiel

Vorwort

Dieses Wörterbuch soll nur eine kurze, grundlegendste Erklärung der Begriffe geben, denen man im Prozess des Regieunterrichts, der Arbeit an einem Stück, der Aufführung, der Rolle häufig begegnet. Kunst ist ein Tätigkeitsfeld, das äußerst schwierig zu systematisieren, zu verallgemeinern, zu theoretisieren sowie präzise zu definieren und zu formulieren ist. Jeder Begriff hat viele Interpretationen. Und jede Interpretation ist nicht ganz genau und erschöpfend. Wie viele Schöpfer von Regisseuren - so viele Meinungen zur Fachterminologie. Schließlich folgt jeder theoretischen Position eine konkrete kreative praktische Erfahrung, und Kreativität ist immer individuell und einzigartig. Sogar K.S. Stanislavsky entwickelt sich das Verständnis eines bestimmten Begriffs ständig weiter. Im Prozess des Lebens und der kreativen Suche wurde die Terminologie der Konzepte modifiziert, verfeinert, ergänzt. Der Wortlaut von K.S. Stanislavsky wurde in den Werken seiner Schüler und Anhänger - M. Knebel, M. Chekhov, V. Meyerhold, E. Vakhtangov, G. Christie, G. Tovstonogov, B. Zakhava, A. Palamishev, B. Golubovsky - kreativ verstanden und entwickelt , A. .Efros und viele andere. K. S. Stanislavsky drängte darauf, die Angelegenheit kreativ anzugehen und nicht dogmatisch zu behandeln. Daher sollte ein unerfahrener Regisseur bei der Arbeit mit einem Wörterbuch nur die Essenz eines bestimmten Konzepts lernen und dann versuchen, es mit seiner eigenen Wahrnehmung und kreativen Suche „anzueignen und zu korrelieren“. Das Wörterbuch enthält etwa 490 Wörter und Begriffe. Dieses Volumen ist natürlich nicht genug. Das Wörterbuch bedarf weiterer Verbesserungen, Ergänzungen und Klarstellungen. Ich hoffe, dass das Volumen allmählich zunimmt und die Anzahl der Wörter und Begriffe ergänzt und verfeinert wird. Wenn Leser während der Arbeit mit dem Wörterbuch Wünsche und Anmerkungen haben, werden diese in der nächsten Ausgabe des Wörterbuchs berücksichtigt.

Einfacher, höher, leichter, mehr Spaß.“ K. S. Stanislavsky

Abstraktion(lat. - Ablenkung) - eine Art des künstlerischen Denkens und Bildaufbaus. Diese Methode beinhaltet eine Ablenkung von den sekundären, unbedeutenden Informationen über das Objekt, wobei signifikante signifikante Punkte hervorgehoben werden.

Absurd(lat. - Unsinn, Absurdität) Richtung in der Kunst, der Widerspruch der Handlung der Arbeit. Wenn sich ein Werk in einer bestimmten Abfolge und Logik von Ereignissen entwickelt: Exposition, Handlung, Konflikt, seine Entwicklung, Kulmination, Auflösung und Finale, dann ist Absurdität das Fehlen der Logik des Konflikts. Diese Richtung spiegelte sich in den Werken von J. Anouilh, J. P. Sartre, E. Ionesco usw. wider. Absurdität ist eine Art von Kreativität, die die paradoxe Natur dieses Phänomens bestimmt; es ist wenig studiert, aber von besonderem Interesse aus der Regie des Theaters.

Vorhut(fr. - Vorwärtsdistanz) - eine Kunstrichtung, die den in der Kunst festgelegten Normen widerspricht. Die Suche nach neuen Lösungen, die der Ästhetik und den Ansprüchen der neuen Generation gerecht werden.

Proszenium(fr. - vor der Bühne) - vor der Theaterbühne (vor dem Vorhang). Das Proszenium in der modernen Theaterkunst ist eine zusätzliche Spielwiese. Möglichkeit der direkten Kommunikation mit dem Publikum.

Administrator(lat. - verwalten, verwalten) - eine Person, deren berufliche Tätigkeit auf die Vermietung von Aufführungen, Konzerten im Theater und auf der Bühne abzielt.

Hype(fr. - Aufregung) - starke Aufregung, Aufregung, Interessenkonflikt.

Aufregung(fr. - Unfall) - Leidenschaft, Begeisterung. Starke Leidenschaft, Eifer. Extreme Leidenschaft für das Spiel.

Gesetz(lat. - act, action) - Ein separater, großer, integraler Bestandteil einer dramatischen Handlung oder Theateraufführung.

Schauspieler(lat. - Schauspieler, Performer, Rezitator) - wer handelt, spielt eine Rolle, wird zum Protagonisten eines dramatischen Werkes auf der Bühne des Theaters und Kinos. Der Schauspieler ist ein lebendiges Bindeglied zwischen dem Text des Autors, der Intention des Regisseurs und der Wahrnehmung des Publikums.

Stempel des Schauspielers- Techniken des Bühnenspiels, die der Schauspieler in seiner Arbeit ein für alle Mal festlegt. Fertige mechanische Techniken des Schauspielers, die zur Gewohnheit werden und zu seiner zweiten Natur werden, die die menschliche Natur auf der Bühne ersetzt.

Schauspielkunst- die Kunst, Bühnenbilder zu schaffen; Art der darstellenden Kunst. Das Material für die Arbeit des Schauspielers an der Rolle sind seine eigenen natürlichen Daten: Sprache, Körper, Bewegungen, Mimik, Beobachtung, Vorstellungskraft, Gedächtnis, d.h. seine Psychophysik. Ein Merkmal der Schauspielkunst ist, dass der Prozess der Kreativität in der Endphase während der Aufführung vor dem Betrachter stattfindet. Die Kunst des Schauspiels ist eng verwandt mit der Kunst des Regisseurs.

Tatsächlich(lat. - bestehend, modern) - Wichtigkeit, Bedeutung für den aktuellen Moment, Aktualität, Modernität.

Allegorie(gr. - Allegorie) - das Prinzip des künstlerischen Verständnisses der Realität, bei dem abstrakte Konzepte, Ideen und Gedanken in bestimmten visuellen Bildern ausgedrückt werden. Zum Beispiel das Bild einer Frau mit verbundenen Augen und Schuppen in den Händen - a. Gerechtigkeit. Verbale Allegorie in Fabeln, Märchen.

Anspielung(lat. - andeuten) - eine Technik künstlerischer Ausdruckskraft, die das künstlerische Bild durch Anspielung auf ein bereits bekanntes Kunstwerk um zusätzliche assoziative Bedeutungen durch Ähnlichkeit oder Differenz bereichert. So ist in F. Fellinis Film „Und das Schiff segelt“ eine Anspielung auf die biblische Legende um die Arche Noah zu lesen.

Ambivalenz(lat. - beide - Stärke) - ein psychologisches Konzept, das die Dualität der Sinneswahrnehmung bezeichnet. Die gleichzeitige Anwesenheit in der Seele einer Person von entgegengesetzten, miteinander unvereinbaren Bestrebungen, Gefühlen in Bezug auf dasselbe Objekt. Zum Beispiel: Liebe und Hass, Zufriedenheit und Unzufriedenheit. Einer der Sinne wird manchmal von einem anderen unterdrückt und maskiert.

Ehrgeiz(lat. - Ehrgeiz, Prahlerei) - Stolz, Ehrgefühl, Prahlerei, Arroganz.

Rolle(fr. - Bewerbung) - die Art der Rollen, die der Schauspieler spielt. Art der Theaterrollen, die dem Alter, Aussehen und Stil des Schauspielers entsprechen. Arten von Bühnenrollen: Komiker, Tragiker, Heldenliebhaber, Heldin, komische alte Frau, Soubrette, Naive, Travestie, Einfaltspinsel und Denker.

Amphitheater(gr. - rundum, auf beiden Seiten) - ein Gebäude für Brillen. In modernen Theatern - Sitzreihen hinter dem Portier und darüber.

Analyse(gr. - Zerlegung, Zerstückelung) - eine Methode der wissenschaftlichen Forschung, die darin besteht, das gesamte Phänomen in seine Bestandteile zu zerlegen. Im Theater ist Analyse eine (aktive Analyse) Art der Explikation, d.h. Ort und Zeit des Geschehens, die Motivation der körperlichen und verbalen Handlungen der Figuren werden charakterisiert. Elemente der Komposition des Stücks (Exposition, Handlung, Konfliktentwicklung, Höhepunkt, Auflösung, Finale). Die Atmosphäre der laufenden Aktion, Musik-, Geräusch- und Lichtpartituren. Die Analyse umfasst die Begründung der Wahl von Thema, Problem, Konflikt, Genre, Superaufgabe und Durchhandlung der zukünftigen Aufführung sowie deren Relevanz. Analyse ist eine effektive Methode, der Prozess der Vorbereitung der Umsetzung der Einstellung in die Praxis.

Analogie(gr. - entsprechend) - die Ähnlichkeit zwischen Objekten in gewisser Hinsicht. Eine Analogie zu ziehen bedeutet, Objekte miteinander zu vergleichen, Gemeinsamkeiten zwischen ihnen festzustellen.

Engagement(fr. - Vertrag) - eine Einladung an einen Künstler im Rahmen eines Vertrags für Aufführungen für einen bestimmten Zeitraum.

Scherzen(gr. - unveröffentlicht) - eine fiktive Kurzgeschichte über einen lustigen, lustigen Vorfall.

Bekanntmachung(fr. - Ankündigung) - eine Ankündigung über bevorstehende Tourneen, Konzerte, Aufführungen. Vorläufig, ohne detaillierte Anleitung Poster.

Ensemble(fr. - zusammen, ganz, Verbundenheit) - eine harmonische Einheit von Teilen, die ein Ganzes bilden. Künstlerische Kohärenz bei der gemeinsamen Aufführung eines dramatischen oder anderen Werkes. Die Integrität der gesamten Aufführung basierend auf ihrer Idee, der Entscheidung des Regisseurs usw. Durch den Erhalt des Darstellerensembles entsteht eine Handlungseinheit.

Pause(fr. - between - act) - eine kurze Pause zwischen Akten, Aktionen der Aufführung oder Abschnitten des Konzerts.

Unternehmer(fr. - Unternehmer) - ein privater Theaterunternehmer. Eigentümer, Mieter, Eigentümer eines privaten Unterhaltungsunternehmens (Theater, Zirkus, Filmstudio, Fernsehen usw.).

Unternehmen(fr. - Unternehmen) - ein spektakuläres Unternehmen, das von einem Privatunternehmer gegründet und geführt wird. Behalte das Unternehmen.

Gefolge(fr. - Umgebung, Umgebung) - Umgebung, Umgebung. Die Entourage ist nicht nur Kulisse und Gehege, sondern auch Raum,

Volles Haus(deutsch - Schlag) - eine Ansage im Theater, im Kino, dass alle Karten verkauft sind. Gelungener Auftritt vor vollem Haus. Daher die Wendung: "Die Aufführung fand vor vollem Haus statt."

Abgesehen(lat. - zur Seite.) - Bühnenmonologe oder Bemerkungen, die nebenbei für die Öffentlichkeit gesprochen werden und für Partner auf der Bühne angeblich nicht hörbar sind.

Gelassenheit(fr. - Blei) - Selbstvertrauen, Mut zu Umgangsformen, Gesprächen und Handlungen.

Apotheose(gr. - Vergöttlichung) - die letzte, feierliche Massenbühne einer Theateraufführung oder eines festlichen Konzertprogramms. Der perfekte Abschluss für jede Show.

Arena(lat. - Sand) - eine runde Plattform (in einem Zirkus), auf der Aufführungen stattfinden. Sie werden sowohl im Theater als auch in Theateraufführungen eingesetzt.

Harlekin(it. - Maske) - eine Comicfigur der italienischen Volkskomödie in einem charakteristischen Kostüm aus bunten Lumpen. Junge, Witz.

"Harlekin"(it.) - ein schmaler und langer Vorhang aus Textilien, der den oberen Teil der Bühne über dem Hauptvorhang begrenzt Der erste Pada nach dem Vorhang.

Artikulation(lat. - zerstückeln, artikulieren) - artikulierende Aussprache. Die Arbeit der Sprechorgane (Lippen, Zunge, weicher Gaumen, Kiefer, Stimmbänder usw.), die notwendig ist, um einen bestimmten Sprachlaut auszusprechen. Artikulation ist die Grundlage der Diktion und untrennbar mit ihr verbunden.

Künstler(fr. - Kunstmensch, Künstler) - eine Person, die sich mit der öffentlichen Aufführung von Kunstwerken beschäftigt. Ein talentierter Mensch, der sein Handwerk perfekt beherrscht.

Künstlerische Technik- eine Technik, die darauf abzielt, die geistige und körperliche Natur des Künstlers zu verbessern. Es umfasst alle konstituierenden Elemente der Bühnenhandlung: die Arbeit der Sinne, das Gedächtnis für Empfindungen und die Schaffung bildlicher Visionen, Vorstellungskraft, geplante Umstände, Logik und Abfolge von Handlungen, Gedanken und Gefühle, physische und verbale Interaktion mit dem Objekt, sowie Ausdrucksplastizität, Stimme, Sprache, Charakteristik, Rhythmusgefühl, Gruppierung, Inszenierung etc. Die Beherrschung all dieser Elemente sollte den Schauspieler zu der Fähigkeit führen, echte, zielgerichtete, organische Handlungen in einer künstlerischen und ausdrucksstarken Form auszuführen.

Architektonik(gr. - Baumeister) - Baukunst, Architektur. Die Konstruktion eines Kunstwerks, die durch die gegenseitige Abhängigkeit einzelner Teile als Ganzes bestimmt ist. Proportionale Anordnung der Haupt- und Nebenteile. Mit anderen Worten, es ist die Einheit von Form und Inhalt. Darauf aufbauend gibt es das Konzept der „Architektonik eines Stücks“. Die Kette der Hauptereignisse als Ergebnis der Analyse zu entdecken bedeutet, die Architektur eines Stücks oder einer Komposition zu kennen.

hinter den Kulissen(fr. - hintere Bühne) - die hintere Bühne, die in modernen Theatern eine Fortsetzung der Hauptbühne ist, ist ihr flächengleich. Erzeugt die Illusion großer Raumtiefe. Dient als Backup.

Assistent(lat. - Präsens) - Assistent. In der Kunst des Spektakels ist ein Assistent eine Person, die den Regisseur bei der Inszenierung eines Theaterstücks oder einer Aufführung unterstützt. Die Aufgaben eines Assistenten sind vielfältig. Er muss die kreativen Aufgaben seines Führers verstehen, davon durchdrungen auf der Suche nach künstlerischen Lösungen. Er muss auch die Gesetze der Bühne kennen, Proben in Abwesenheit des Regisseurs durchführen, Bindeglied zwischen Regisseur und Schauspielern sein, technischer Dienst.

Assoziative Reihe(lat.) - Bilder und Ideen, die je nach Verträglichkeit oder Gegensätzlichkeit aufeinander folgen.

Verband(lat. - Ich verbinde) - ein Weg, um künstlerische Ausdruckskraft zu erreichen, basierend auf der Identifizierung der Verbindung von Bildern mit Ideen, die im Gedächtnis gespeichert oder in kulturellen und historischen Erfahrungen verankert sind.

Atmosphäre(gr. - Atem, Ball) - Umweltbedingungen, Situation. In der Theaterkunst ist die Atmosphäre nicht nur der Rahmen und die Umgebungsbedingungen, sondern auch der Zustand der Schauspieler und Darsteller, die im Zusammenspiel ein Ensemble bilden. Die Atmosphäre ist das Umfeld, in dem sich Ereignisse entwickeln. Die Atmosphäre ist das Bindeglied zwischen dem Schauspieler und dem Publikum. Sie ist eine Inspirationsquelle in der Arbeit des Schauspielers und Regisseurs.

Attribut(lat. - notwendig) - ein Zeichen für ein Objekt oder Phänomen, das zu etwas gehört. Ein vollständiges Attribut kann erfolgreich durch seine Fragmente ersetzt werden, aber die Dauer wird dadurch nicht beeinflusst.

Attraktion(fr. - Attraktion) - eine Nummer in einem Zirkus- oder Varietéprogramm, die sich durch ihre Spektakulärität auszeichnet und das öffentliche Interesse weckt.

Poster(fr. - eine an die Wand genagelte Ankündigung) - eine ausgehängte Ankündigung über eine bevorstehende Aufführung, ein Konzert, einen Vortrag usw. Art der Werbung.

Werben(fr. öffentlich bekannt geben) - zur Schau stellen, absichtlich die allgemeine Aufmerksamkeit auf etwas lenken.

Aphorismus(gr. - Sprichwort) - ein kurzes, ausdrucksstarkes Sprichwort, das eine verallgemeinernde Schlussfolgerung enthält. Für einen Aphorismus sind die Vollständigkeit des Gedankens und die Perfektion der Form gleichermaßen obligatorisch.

Beeinträchtigen(lat. - Leidenschaft) - emotionale Erregung, Leidenschaft. Ein Anfall starker nervöser Erregung (Wut, Entsetzen, Verzweiflung).

Menschen, Architektur, Tierwelt - d.h. alles, was einen Menschen umgibt.

Premiere
Roman Polanskis Kultmusical „Tanz der Vampire“ (Wiener Fassung 2009).

Vampire Ball ist ein musikalisches Remake von Polanskis The Fearless Vampire Killers (1967). Der Film war ein großer Erfolg an den Kinokassen. 30 Jahre nach der Veröffentlichung des Films schlug Andrew Brownsberg, Produzent und Freund von Roman Polanski, dem Regisseur vor, auf der Grundlage des Filmmaterials ein Theatermusical zu erstellen. Meister wie der Komponist Jim Steinman (Co-Autor von Andrew Lloyd-Webber, Autor vieler Hits, schrieb für Bonnie Tyler, Meat Loaf und Celine Dion) und der Librettist Michael Kunze (Chefübersetzer aller Weltmusicals ins Deutsche).

Der Vampire Ball (Tanz der Vampire) ist eines der erfolgreichsten Projekte in der Geschichte des modernen europäischen Musiktheaters, das zu Recht in die Liste der berühmtesten Musicals der Welt aufgenommen wurde. Grandiose Kulissen, prächtige Kostüme, spektakuläre Choreografien und natürlich kraftvolle, mitreißende Musik – all das machte den „Tanz der Vampire“ zu einem wahren Meisterwerk.
Es sei darauf hingewiesen, dass eines der Hauptthemen des Musicals die Melodie von Bonnie Tylers Hit „Total eclipse of a heart“ ist, der 1983 den Grammy Award gewann.

Von der ersten Show im Wiener Raimund Theater 1997 bis heute ist Vampire's Ball triumphal durch die besten Bühnen Europas marschiert. Seit 14 Jahren wird der Vampirball von Millionen Zuschauern in Österreich, Deutschland, den USA, Japan, Ungarn, Polen, Belgien und Estland gesehen. 2009 schufen die Autoren eine neue Wiener Version des Musicals mit einem helleren Bühnenbild. Der ungarische Produktionsdesigner Kentauer verleiht der Aufführung eine Gothic-Sensibilität, während der Musik-Supervisor Michael Reid das gesamte Orchestermaterial neu arrangiert. Dank des Könnens von Cornelius Balthus, Co-Regisseur Roman Polanski, wird die Inszenierung noch eleganter, tiefer und erhält viele witzige Nuancen. Der Choreograf des Projekts ist Denis Callohan.

Der Umfang des Projekts lässt sich allein an den Fakten ablesen: Während der Aufführung wechselt die Kulisse 75 Mal, es entstehen mehr als 220 Originalkostüme, Perücken und Schminkmöglichkeiten, Regieassistenten müssen Anweisungen für verschiedene Bühnen geben ändert sich 600 Mal!

Eindruck

Ich werde nicht im Detail über das Musical schreiben, erstens hat jeder schon zweihundert bis fünfhundert Mal davon gehört. Zweitens schrieb sie Drittens bin ich 2 mal hingegangen und das sagt schon viel aus, weil ich Filme oder Aufführungen nicht zweimal schaue. Erstickt den Ticketpreis, sehr erstickend! Aber, IMHO, wenn Sie zu diesem Musical gehen - dann wegen der beeindruckenden Kulissen, Kostüme und Stimmen. Natürlich sind überall Stimmen zu hören, aber ich bezweifle, dass die Kulissen und Kostüme von den entfernten Reihen des Balkons aus zu sehen sind. Also, wenn Sie wirklich sehen und ein angenehmes Erlebnis haben möchten - willkommen in den Ständen und den ersten Reihen des Balkons!
Im Allgemeinen sage ich und habe immer gesagt, dass in St. Petersburg so etwas wie dieses Musical noch nicht gemacht wurde und, Gott bewahre, eines Tages werden sie es tun!

2. "Ich habe Angst vor der Liebe", dh. Lensoviet
auf bileter.ru
Performance „Ich habe Angst vor der Liebe“

Szenen aus dem Leben der Stadt.
Das Stück verweist uns auf die besten Beispiele russischer Dramaturgie, auf Wolodinskys „Es ist eine Schande, unglücklich zu sein“ und „Trenn dich nicht von deinen Lieben“, auf Radzinskys „104 Seiten über die Liebe“.
„Ich habe Angst, dass ich mich verlieben werde, aber … es wird nicht funktionieren. Und ich habe nicht mehr die Kraft zu meckern. Ich habe nur die Kraft für glückliche Liebe“, sagt eine der Heldinnen des Stücks. Ist es möglich, Garantien zu bekommen, dass es nicht weh tut, dass es keine Enttäuschungen und Abschiede geben wird? Sechs Schauspieler spielen die Begegnungen, Geständnisse, Täuschungen und Selbsttäuschungen dutzender verschiedener Männer und Frauen. Vergangene Erfahrungen gescheiterter Liebesgeschichten treiben neue Begegnungen voran. Helden haben Angst, von Gefühlen abhängig zu werden, sie haben Angst vor neuen Schicksalsfallen. Vielleicht stimmt es - "Kaffee am Morgen ist schon eine Beziehung" und "man muss auf der Spitze abschneiden, bis sie morgens in die Augen schauen"? Die Helden der Aufführung sind mit Liebeserfahrungen belastet, Kinder, Ex-Männer, Ehefrauen, verlassene Geliebte und lieblose Liebhaber ... Das Leben hat uns gelehrt, vorsichtig zu sein.
In dieser Geschichte findet jeder Zuschauer die Merkmale der Gegenwart und sich selbst: Jemand wird furchtlos einer neuen Liebe entgegeneilen, und jemand wird spirituelle Stille wählen.

Eindruck
Wirklich starke, tiefe Leistung. War Ende Dezember. Die Aufführung sammelte eine große Anzahl von Zweifeln, Erfahrungen und Gedanken ganz gewöhnlicher Menschen. Ich war beeindruckt von der Leistung des Volkskünstlers Russlands A. Aleksakhina. Dank ihr wurden die Energie der Aufführung, des Ausdrucks und der Gefühle übertragen.
Spektakel - eine Reihe von Szenen, die sich zu einer Geschichte entwickeln. Liebesgeschichte. Ein bisschen naiv, manchmal grausam, aber im Allgemeinen - vital. In dieser Geschichte findet sich sicherlich jeder mit seinen Gedanken und Gefühlen wieder.
Ich kann nicht sagen, dass es sehr spannend ist, aber 1h.40min. sieht einfach ohne Pause aus! Kam mit einem Freund mit gemischten Eindrücken heraus, trank eine halbe Stunde Kaffee, um zu "begreifen". Es hat mir auf jeden Fall gefallen, aber meiner Meinung nach "in der Stimmung". Wenn es den Wunsch gibt, "in sich selbst zu graben", Ihre Gefühle zu studieren, definitiv - "ja"! Wenn Sie weit entfernt von Romantik und anderem sentimentalen Unsinn sind und die zynische Seite der Liebe sehen möchten – vielleicht ja. Wen solche Themen überhaupt nicht interessieren, der wird bei dieser Aufführung offensichtlich gelangweilt und traurig sein.

3. "Dovlatov. Fünf Ecken", MDT
auf bileter.ru
Aufführung "Dovlatov. Fünf Ecken"

Das Zentrum für die Umsetzung kreativer Projekte "Admiralteisky" präsentiert die Premiere des Stücks "Dovlatov. Fünf Ecken.

Komposition basierend auf Geschichten, Briefen, Gedichten.
Die Performance "Dovlatov. Five Corners" ist ein Versuch, die Zeit und ihre Helden anhand von Geschichten, Gedichten, Radiosendungen, Briefen ...
"Five Corners" ist der Name eines unveröffentlichten Romans und gleichzeitig der Ort, an dem der Schriftsteller während seiner literarischen Ausbildung in Leningrad lebte - einer Stadt, deren Rückkehr zu einem unerreichbaren Traum von Dovlatov im Exil wurde.
Die Performance verwendet Briefe von Sergei Dovlatov von den frühesten (Armee) bis zu den neuesten (in New York geschrieben), Poesie und drei Geschichten aus den Serien „Suitcase“ und „Ours“. Dovlatovs Stimme klingt genauso.

Die Aufführung läuft ohne Pause.

Musik - N. Volkova. Künstler - I. Kanevsky. Lichtdesigner - A. Makhalova.

Eindruck
Eine gute und interessante Vorstellung, besonders für Fans von Dovlatov. Einmal las ich sein Werk "Ours" zu Löchern sowie eine Reihe anderer Bücher, daher war diese Aufführung für mich besonders interessant! Ich war überrascht, dass eines der Kapitel des Buches tatsächlich wörtlich auswendig gelesen wurde, „mit Gefühl, mit Sinn, mit Anordnung“. Toller charismatischer Schauspieler, tolle Auswahl an Ausschnitten! Wenn Sie Dovlatov „so lieben, wie ich ihn liebe“, sollten Sie unbedingt hingehen. Für mich sind er und seine Werke in einem neuen Licht erschienen und haben ein zweites Leben gefunden. Zu Hause lese ich sogar meine Lieblingsstellen in Werken noch einmal.
Von den Minuspunkten - ohne Pause und unbequeme Stühle im Kammersaal ist es sehr schwierig! Plus, das virtuelle Fehlen einer Garderobe und ein völlig winziges Wartezimmer, kombiniert mit einer "Garderobe" - dh Kleiderbügeln, die an der Wand stehen.

4. „I.O. oder eine Affäre mit Verkleiden“, t. Buff
auf bileter.ru
Performance „I.O. oder Romance in disguise“

Eine mitreißende Komödie über die Liebe. Aber Liebe existiert nicht von selbst – sie ist zu einer bestimmten Zeit in eine bestimmte Gesellschaft eingeschrieben. Und nach irgendeinem traurigen Gesetz erweisen sich Liebe und Gesellschaft fast immer als Antagonisten.

Die Verkleiden-Affäre entpuppt sich als Scherz und offenbart derweil viele Probleme des modernen Lebens. Das vom Autor verwendete Motiv der „Verwechslung“ der Figuren ähnelt der Handlung von Gogols „Generalinspektor“. Die satirische Linie entwickelt sich jedoch parallel zur lyrischen, was schließlich zu einer unerwarteten Auflösung führt.

Die Aufführung kommt mit einer Pause.

Die Aufführung richtet sich an ein Publikum ab 14 Jahren.

Eindruck
Zu der Aufführung im Comrade Buff bin ich eigentlich zufällig gekommen. Da sich das Theater 2 Schritte vom Haus entfernt befindet, fragten sich meine Mutter und ich, warum dieses Theater so vornehm war, dass es einen Neubau erhielt. Anfangs versuchte meine Mutter vorsichtig, eine negative Meinung über das Theater zu schaffen, aber ich versuchte, objektiv zu bleiben. Was soll ich sagen - das ist definitiv keine "Action-Komödie". Es gab nicht einmal einen Hinweis darauf! Generell ist die Leistung einfach "nichts", sie kann weder schlecht noch gut genannt werden. Ziemlich flache und vorhersehbare Witze, meist mittelmäßige schauspielerische Leistung. Ich verstehe nicht, warum Fans von Comrade Buff so begeistert von E. Aleksandrov sind, meiner Meinung nach hat er gründlich überspielt, sogar unter Berücksichtigung des Genres. Ich mochte nur das Spiel von M. Sultaniyazov, wirklich von Herzen und sehr professionell.
In der Aufführung sah ich keinen Sinn, keine fundierte Handlung, nichts. Witze, ich wiederhole, waren sehr mittelmäßig. Obwohl in der Halle beim geringsten Hauch von Humor das freundliche Lachen der ersten Reihen zu hören war.
Wir gingen in der Pause, aber hier wirkte sich der Gesundheitszustand und das Geschäft am Abend mehr aus, ich wollte nicht noch anderthalb Stunden mit einer allgemein dummen Vorstellung verbringen. Aber man konnte es sich theoretisch bis zu Ende anschauen, zumindest um sich einen ganzheitlichen Eindruck zu verschaffen. Ziemlich viele Leute sind gegangen, mindestens 10-15 Leute.
Pluspunkte - bequeme Stühle in der neu renovierten Halle, sehr gut gelegen - auf einem Hügel voneinander entfernt! Noch einmal würde ich zu Genosse Buff gehen, aber in der ersten Reihe des Balkons (um in diesem Fall das für Tickets ausgegebene Geld nicht zu bereuen). Es ist interessant, sich die Konzepte anderer Aufführungen anzuschauen und sich eine vollständige Meinung zu bilden.
So wie ich es verstehe, hat das Theater ein äußerst spezifisches Publikum (Madame in einem transparenten Leoparden hat mindestens fünf gesehen) und äußerst spezifische Produktionen. Sicher nicht meins, aber nicht so schlimm wie ich erwartet hatte.

5. „Küss mich, Kate“, v.Muz.Comedy
auf bileter.ru
Musical "Küss mich Kat"

Broadway-Hit im Musical Comedy Theatre
Ganz Amerika war jahrelang verrückt nach ihm. Es ist neben My Fair Lady, Cats und The Phantom of the Opera einer der größten Hits am Broadway.

Col Porters Musik ist melodisch und leicht zu merken, sie verbindet durchdringende Lyrik mit Humor und Leichtigkeit, und einige Melodien dieser Aufführung sind zu Klassikern des modernen Jazz geworden. Wie alle Musicals ist Kiss Me Kat! hat eine gute Dramaturgie. Die Autoren des ursprünglichen Librettos, Samuel und Bella Spivak, nahmen Shakespeares Komödie „Der Widerspenstigen Zähmung“ als Grundlage. Die Handlung des Musicals spielt Mitte des 20. Jahrhunderts hinter den Kulissen des Theaters während der Uraufführung der Musicalfassung von „Der Widerspenstigen Zähmung“. In "Küss mich Kat!" Die Beziehung zwischen den Schauspielern ist auf bizarre Weise mit der Beziehung zwischen Shakespeares Charakteren verflochten. Das Musical hat viel Humor und detektivische Elemente.

Musik und Texte von Col Porter. Libretto von Sam und Bella Spivak. Inszenierung - A.Isakov. Choreograf - N. Reutov.

Eindruck
Hell, bunt und wunderbar musikalisch! Wahrscheinlich das Beste, was ich seit langem gesehen habe. Leicht, sieht buchstäblich in einem Atemzug aus. Tolles Schauspiel und eine interessante, facettenreiche Handlung. Sehr schöne Kostüme (wie immer in Musical Comedy). Erstaunliche Stimme der Hauptfigur, melodische und herzliche Kompositionen! Gangster sorgten für Bewunderung und wahre Freude, besonders eroberte D. Dmitriev. Lieblicher und leichter Humor, im Gegensatz zu Genosse Buff, sorgten Witze für ein Lächeln und eine positive Stimmung. Viele Tanznummern, die Choreographie hat mir sehr gut gefallen. Wirklich würdiges, interessantes und sehr gelungenes Musical! Würde ihn gerne wiedersehen!

Es stehen noch ein paar Vorstellungen an, Tickets sind erhältlich und ich freue mich schon darauf. Trinkgelder für April werden mit separatem "merci" entgegengenommen.