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Die klassische Weltmusik ist ohne die Werke russischer Komponisten undenkbar. Russland, ein großartiges Land mit einem talentierten Volk und einem eigenen kulturellen Erbe, war schon immer eine der führenden Lokomotiven des weltweiten Fortschritts und der Kunst, einschließlich der Musik. Die russische Komponistenschule, deren Nachfolge die sowjetische und die heutige russische Schule waren, begann im 19. Jahrhundert mit Komponisten, die europäische Musikkunst mit russischen Volksmelodien verbanden und so die europäische Form und den russischen Geist verbanden.

Über jeden dieser berühmten Persönlichkeiten lässt sich viel sagen, alle sind nicht einfach und manchmal sogar tragisch, aber in dieser Rezension haben wir versucht, Leben und Werk von Komponisten nur kurz zu beschreiben.

1.Michail I. GLINKA (1804—1857)

Mikhail Ivanovich Glinka ist der Begründer der russischen klassischen Musik und der erste russische klassische Komponist, der Weltruhm erlangte. Seine Werke, die auf den jahrhundertealten Traditionen der russischen Volksmusik basieren, waren ein neues Wort in der Musikkunst unseres Landes.
In der Provinz Smolensk geboren, erhielt er seine Ausbildung in St. Petersburg. Die Bildung der Weltanschauung und die Hauptidee von Mikhail Glinkas Arbeit wurde durch die direkte Kommunikation mit Persönlichkeiten wie A. S. Puschkin, V. A. Zhukovsky, A. S. Griboyedov, A. A. Delvig erleichtert. Einen schöpferischen Impuls zu seiner Arbeit gaben eine längerfristige Europareise Anfang der 1830er Jahre und Begegnungen mit den führenden Komponisten der Zeit – V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn und später mit G. Berlioz, J. Meyerbeer. Der Erfolg kam zu MI Glinka nach der Inszenierung der Oper "Ivan Susanin" ("Das Leben für den Zaren") (1836), die von allen begeistert aufgenommen wurde, zum ersten Mal in der Weltmusik, russischer Chorkunst und europäischer symphonischer und Opernpraxis waren organisch kombiniert, sowie ein Held erschienen, wie Susanin, deren Bild die besten Eigenschaften des nationalen Charakters zusammenfasst. VF Odoevsky charakterisierte die Oper "ein neues Element in der Kunst, und eine neue Periode beginnt in ihrer Geschichte - die Periode der russischen Musik".
Die zweite Oper - das Epos Ruslan und Lyudmila (1842), das vor dem Hintergrund des Todes von Puschkin und in den schwierigen Lebensbedingungen des Komponisten aufgrund des zutiefst innovativen Wesens des Werkes erarbeitet wurde, wurde von den Publikum und den Behörden und brachte MI Glinka schwierige Erfahrungen ... Danach reiste er viel, lebte abwechselnd in Russland und im Ausland, ohne zu komponieren. Sein Vermächtnis umfasst Romanzen, Symphonie- und Kammermusikwerke. In den 1990er Jahren war Mikhail Glinkas Patriotic Song die offizielle Hymne der Russischen Föderation.

Zitat von Mikhail Glinka: "Um Schönheit zu schaffen, muss man eine reine Seele sein."

Zitat über MI Glinka: "Die gesamte russische Sinfonieschule ist wie die ganze Eiche in einer Eichel in der symphonischen Fantasie "Kamarinskaya" enthalten. P. I. Tschaikowsky

Eine interessante Tatsache: Michail Iwanowitsch Glinka zeichnete sich nicht durch eine gute Gesundheit aus, trotzdem war er sehr locker und kannte sich sehr gut mit Geographie aus, vielleicht wäre er, wenn er kein Komponist geworden wäre, ein Reisender geworden. Er beherrschte sechs Fremdsprachen, darunter Persisch.

2. Alexander Porfirevich BORODIN (1833—1887)

Alexander Porfirevich Borodin, einer der führenden russischen Komponisten der zweiten Hälfte des 19.
In St. Petersburg geboren, bemerkten alle um ihn herum von Kindheit an seine ungewöhnliche Aktivität, seinen Enthusiasmus und seine Fähigkeiten in verschiedenen Richtungen, vor allem in Musik und Chemie. A.P. Borodin ist ein russischer Komponist-Nugget, er hatte keine professionellen Musiklehrer, all seine Errungenschaften in der Musik dank unabhängiger Arbeit an der Beherrschung der Kompositionstechnik. Die Entstehung von A.P. Borodin wurde durch die Arbeit von M.I. Glinka (wie übrigens für alle russischen Komponisten des 19. und zweitens das Treffen mit MA Balakirev und der Beitritt zur kreativen Gemeinschaft russischer Komponisten, die als "The Mighty Handful" bekannt ist. Ende der 1870er und in den 1880er Jahren reist und tourt AP Borodin viel in Europa und Amerika, trifft sich mit den führenden Komponisten seiner Zeit, sein Ruhm wächst, er wurde einer der bekanntesten und beliebtesten russischen Komponisten in Europa Ende des 19. Jahrhunderts.
Den zentralen Platz im Werk von AP Borodin nimmt die Oper "Prinz Igor" (1869-1890) ein, die ein Beispiel für das nationale Heldenepos in der Musik ist und zu deren Fertigstellung er selbst keine Zeit hatte (vollendet von seine Freunde AA Glasunow und NA Rimsky-Korsakov). In "Prinz Igor" spiegelt sich vor dem Hintergrund majestätischer Bilder historischer Ereignisse die Grundidee des gesamten Werkes des Komponisten wider - Mut, ruhige Größe, spiritueller Adel des besten russischen Volkes und die mächtige Kraft des gesamten russischen Volkes , manifestierte sich in der Verteidigung der Heimat. Trotz der Tatsache, dass A.P. Borodin eine relativ kleine Anzahl von Werken hinterlassen hat, ist sein Werk sehr vielfältig und er gilt als einer der Väter der russischen symphonischen Musik, der viele Generationen russischer und ausländischer Komponisten beeinflusst hat.

Zitat über A.P. Borodin: "Borodins Talent ist sowohl in der Sinfonie als auch in der Oper und Romantik gleichermaßen kraftvoll und auffallend. Seine Hauptqualitäten sind gigantische Kraft und Breite, kolossale Weite, Schnelligkeit und Ungestüm, verbunden mit erstaunlicher Leidenschaft, Zärtlichkeit und Schönheit". V. V. Stasov

Eine interessante Tatsache: Die chemische Reaktion von Silbersalzen von Carbonsäuren mit Halogenen zu halogenierten Kohlenwasserstoffen, die er 1861 erstmals untersuchte, wurde nach Borodin benannt.

3. Bescheidener P. MUSORGSKY (1839—1881)

Modest Petrowitsch Mussorgski ist einer der brillantesten russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts, Mitglied der „Mighty Handful“. Mussorgskys innovatives Werk war seiner Zeit weit voraus.
Wurde in der Provinz Pskow geboren. Wie viele talentierte Menschen zeigte er von Kindheit an musikalische Begabung, studierte in St. Petersburg und war nach Familientradition ein Militärmann. Das entscheidende Ereignis, das dazu führte, dass Mussorgsky nicht für den Militärdienst, sondern für die Musik geboren wurde, war sein Treffen mit MABalakirev und der Beitritt zur "Mighty Handful". Mussorgsky ist insofern großartig, als er in seinen grandiosen Werken - den Opern Boris Godunow und Chowanschtschina - dramatische Meilensteine ​​der russischen Geschichte mit einer radikalen Neuheit, die die russische Musik vor ihm nicht kannte, in Musik einfing und in ihnen eine Kombination aus populären Volksszenen und a vielfältige Artenvielfalt, den einzigartigen Charakter des russischen Volkes. Diese Opern zählen in zahlreichen Auflagen sowohl vom Autor als auch von anderen Komponisten zu den beliebtesten russischen Opern der Welt. Ein weiteres herausragendes Werk Mussorgskys ist der Klavierzyklus "Bilder einer Ausstellung", farbenfrohe und einfallsreiche Miniaturen sind durchdrungen vom russischen Themenrefrain und dem orthodoxen Glauben.

Es gab alles in Mussorgskys Leben - sowohl Größe als auch Tragik, aber er zeichnete sich immer durch echte geistige Reinheit und Desinteresse aus. Seine letzten Jahre waren schwierig - Unordnung im Leben, mangelnde Anerkennung der Kreativität, Einsamkeit, Alkoholsucht, all dies bestimmte seinen frühen Tod mit 42 Jahren, er hinterließ relativ wenige Werke, von denen einige von anderen Komponisten vollendet wurden. Die spezifische Melodie und innovative Harmonie Mussorgskys nahm einige Merkmale der musikalischen Entwicklung des 20. Jahrhunderts vorweg und spielte eine wichtige Rolle bei der Stilbildung vieler Komponisten der Welt.

Zitat von Abgeordneter Mussorgsky: "Die Laute der menschlichen Sprache als äußere Manifestationen des Denkens und Fühlens sollten ohne Übertreibung und Gewalt zu wahrer, genauer, aber künstlerischer, hochkünstlerischer Musik werden."

Zitat über M.P. Mussorgsky: "Ursprünglich russisch klingt in allem, was Mussorgsky getan hat" N. K. Roerich

Eine interessante Tatsache: Am Ende seines Lebens gab Mussorgsky auf Druck der "Freunde" von Stasov und Rimsky-Korsakov das Urheberrecht an seinen Werken auf und überreichte sie Tertiy Filippov

4. Peter Iljitsch Tschaikowsky (1840—1893)

Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky, der vielleicht größte russische Komponist des 19. Jahrhunderts, erhob die russische Musikkunst zu ungeahnten Höhen. Er ist einer der bedeutendsten Komponisten der klassischen Weltmusik.
Geboren in der Provinz Vyatka, obwohl väterlicherseits in der Ukraine verwurzelt, zeigte Tschaikowsky von Kindheit an musikalisches Talent, aber seine erste Ausbildung und Arbeit war im Bereich der Rechtswissenschaft. Tschaikowsky war einer der ersten russischen "professionellen" Komponisten - er studierte Musiktheorie und Komposition am neuen St. Petersburger Konservatorium. Tschaikowsky galt als ein "westlicher" Komponist, im Gegensatz zu den Volksfiguren der "Mighty Handful", zu denen er gute kreative und freundschaftliche Beziehungen hatte, aber sein Werk ist nicht weniger vom russischen Geist durchdrungen, es gelang ihm, den Westen auf einzigartige Weise zu verbinden symphonisches Erbe von Mozart, Beethoven und Schumann mit den russischen Traditionen, die von Mikhail Glinka geerbt wurden.
Der Komponist führte ein aktives Leben - er war Lehrer, Dirigent, Kritiker, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, arbeitete in zwei Hauptstädten, tourte durch Europa und Amerika. Tschaikowsky war ein eher emotional instabiler Mensch, Enthusiasmus, Verzagtheit, Apathie, hitziges Temperament, heftige Wut - all diese Stimmungen änderten sich oft in ihm, da er ein sehr geselliger Mensch war, strebte er immer nach Einsamkeit.
Es ist eine schwierige Aufgabe, aus Tschaikowskys Werk das Beste herauszugreifen, er hat mehrere gleich große Werke in fast allen Musikrichtungen - Oper, Ballett, Sinfonie, Kammermusik. Der Inhalt von Tschaikowskys Musik ist universell: Mit unnachahmlicher Melodik umfängt sie die Bilder von Leben und Tod, Liebe, Natur, Kindheit, Werke der russischen und Weltliteratur werden auf neue Weise offenbart, tiefe Prozesse des spirituellen Lebens werden darin reflektiert.

Zitat des Komponisten:
"Ich bin ein Künstler, der meinem Vaterland Ehre machen kann und soll. Ich spüre eine große künstlerische Kraft in mir, ich habe noch nicht ein Zehntel von dem gemacht, was ich kann. Und das möchte ich von ganzem Herzen tun."
"Das Leben hat nur seinen Reiz, wenn es aus dem Wechsel von Freude und Leid besteht, aus dem Kampf zwischen Gut und Böse, aus Licht und Schatten, kurz gesagt - aus Vielfalt in Einheit."
"Großes Talent erfordert viel harte Arbeit."

Zitat über den Komponisten: "Ich bin Tag und Nacht bereit, auf der Veranda des Hauses, in dem Pjotr ​​Iljitsch lebt, die Ehrenwache zu halten - insofern respektiere ich ihn" A. P. Tschechow

Eine interessante Tatsache: Die Universität Cambridge verlieh Tschaikowsky in Abwesenheit und ohne eine Dissertation zu verteidigen, den Titel eines Doktors der Musik, und auch die Pariser Akademie der Schönen Künste wählte ihn zu einem korrespondierenden Mitglied.

5. Nikolay Andreevich RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ist ein talentierter russischer Komponist und eine der wichtigsten Figuren bei der Schaffung eines unschätzbaren russischen musikalischen Erbes. Seine eigentümliche Welt und Verehrung der ewigen allumfassenden Schönheit des Universums, seine Bewunderung für das Wunder des Lebens, seine Einheit mit der Natur haben in der Musikgeschichte keine Entsprechung.
In der Provinz Nowgorod geboren, wurde er nach Familientradition Marineoffizier, auf einem Kriegsschiff bereiste er viele Länder Europas und Amerikas. Seine musikalische Ausbildung erhielt er zunächst von seiner Mutter, dann Privatunterricht bei dem Pianisten F. Canille. Und noch einmal dank MABalakirev, dem Organisator von The Mighty Handful, der Rimsky-Korsakov der Musikszene vorgestellt und seine Arbeit beeinflusst hat, hat die Welt keinen talentierten Komponisten verloren.
Den zentralen Platz im Nachlass von Rimsky-Korsakov bilden Opern - 15 Werke, die die Vielfalt der Gattung, stilistische, dramatische, kompositorische Entscheidungen des Komponisten demonstrieren und dennoch einen besonderen Stil haben - mit dem ganzen Reichtum der Orchesterkomponente, melodische Gesangslinien sind die wichtigsten. Zwei Hauptrichtungen unterscheiden die Arbeit des Komponisten: die erste ist die russische Geschichte, die zweite ist die Welt der Märchen und Epen, für die er den Spitznamen "Geschichtenerzähler" erhielt.
Neben seiner direkten unabhängigen kreativen Tätigkeit ist N.A. Rimsky-Korsakov als Publizist, Zusammenstellung von Volksliedsammlungen, an denen er großes Interesse zeigte, sowie als Finalist der Werke seiner Freunde - Dargomyzhsky, Mussorgsky und Borodin - bekannt. Rimsky-Korsakov war der Schöpfer der Kompositionsschule, als Lehrer und Leiter des St. Petersburger Konservatoriums absolvierte er etwa zweihundert Komponisten, Dirigenten und Musikwissenschaftler, darunter Prokofjew und Strawinsky.

Zitat über den Komponisten: "Rimsky-Korsakov war ein sehr russischer Mensch und ein sehr russischer Komponist. Ich glaube, dass seine ursprünglich russische Essenz, seine tiefe folkloristisch-russische Basis, heute besonders geschätzt werden sollte." Mstislav Rostropovich

Das Werk russischer Komponisten des späten 19. - ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ist eine integrale Fortsetzung der Traditionen der russischen Schule. Daneben tauchte das Konzept einer Annäherung an die "nationale" Zugehörigkeit dieser oder jener Musik auf, es gibt praktisch kein direktes Zitat von Volksmelodien, aber die intonatorische russische Basis, die russische Seele, blieb erhalten.

6. Alexander N. SKRYABIN (1872 - 1915)

Alexander Nikolaevich Skrjabin ist ein russischer Komponist und Pianist, eine der hellsten Persönlichkeiten der russischen und weltweiten Musikkultur. Skrjabins originelle und zutiefst poetische Kreativität zeichnete sich auch vor dem Hintergrund der Geburt vieler neuer Kunsttrends aus, die mit den Veränderungen des gesellschaftlichen Lebens um die Jahrhundertwende verbunden waren.
In Moskau geboren, starb seine Mutter früh, sein Vater konnte sich nicht um seinen Sohn kümmern, da er als Botschafter in Persien diente. Skrjabin wurde von seiner Tante und seinem Großvater erzogen und zeigte von Kindheit an musikalisches Talent. Zu Beginn studierte er im Kadettenkorps, nahm privaten Klavierunterricht, nach seinem Abschluss trat er in das Moskauer Konservatorium ein, sein Mitstudent war S.V. Rachmaninov. Nach seinem Abschluss am Konservatorium widmete sich Skrjabin ganz der Musik – als Konzertpianist und Komponist tourte er durch Europa und Russland und verbrachte die meiste Zeit im Ausland.
Der Höhepunkt des Schaffens von Skrjabins Komponisten war 1903-1908, als die Dritte Symphonie ("Göttliches Gedicht"), die symphonische "Gedicht der Ekstase", "Tragische" und "Satanische" Klaviergedichte, 4 und 5 Sonaten und andere Werke veröffentlicht wurden. "The Poem of Ecstasy", bestehend aus mehreren Themen-Bildern, konzentriert die kreativen Ideen Sriabins und ist sein brillantes Meisterwerk. Es verbindet auf harmonische Weise die Liebe des Komponisten zur Kraft eines großen Orchesters und den lyrisch-luftigen Klang von Soloinstrumenten. Die kolossale Lebensenergie, feurige Leidenschaft, Willenskraft, die das "Poem of Ecstasy" verkörpert, macht einen unwiderstehlichen Eindruck auf den Hörer und behält bis heute die Kraft seiner Wirkung.
Ein weiteres Meisterwerk Skrjabins ist Prometheus (Das Gedicht des Feuers), in dem der Autor seine harmonische Sprache, abweichend vom traditionellen Tonsystem, vollständig erneuert und dieses Werk zum ersten Mal in der Geschichte von Farbmusik begleitet werden sollte, aber die Premiere fand aus technischen Gründen ohne Lichteffekte statt.
Das letzte unvollendete "Mystery" war die Idee von Skrjabin, einem Träumer, Romantiker, Philosoph, an die gesamte Menschheit zu appellieren und ihn zu inspirieren, eine neue fantastische Weltordnung zu schaffen, den universellen Geist mit der Materie zu vereinen.

Zitat von AN Skryabin: "Ich werde ihnen (den Menschen) sagen - damit sie ... nichts vom Leben erwarten, außer was sie für sich selbst erschaffen können ... ich werde ihnen sagen, dass es nichts zu trauern gibt, dass es ist kein Verlust Damit sie keine Angst vor der Verzweiflung haben, die allein zu einem wahren Triumph führen kann. Stark und mächtig ist derjenige, der die Verzweiflung erlebt und besiegt hat."

Zitat über A. Skrjabin: "Skrjabins Werk war seine Zeit, ausgedrückt in Klängen. Aber wenn das Vorübergehende, Vergängliche seinen Ausdruck im Werk eines großen Künstlers findet, erhält es dauerhafte Bedeutung und wird dauerhaft." G. V. Plekhanov

7. Sergei Wassiljewitsch Rahmaninow (1873 - 1943)

Sergei Vasilievich Rachmaninow ist der weltweit größte Komponist des frühen 20. Jahrhunderts, ein talentierter Pianist und Dirigent. Das kreative Bild von Rachmaninow als Komponist wird oft durch den Beinamen „der russischste Komponist“ definiert, der in dieser kurzen Formulierung seine Verdienste betont, die musikalischen Traditionen der Moskauer und St. Petersburger Komponistenschule zu vereinen und seinen eigenen einzigartigen Stil zu schaffen, der sticht in der Weltmusikkultur heraus.
In der Provinz Nowgorod geboren, begann er im Alter von vier Jahren unter Anleitung seiner Mutter Musik zu studieren. Er studierte am St. Petersburger Konservatorium, wechselte nach 3 Jahren Studium an das Moskauer Konservatorium und schloss sein Studium mit einer großen Goldmedaille ab. Er wurde schnell als Dirigent und Pianist bekannt und komponierte Musik. Die gescheiterte Uraufführung der bahnbrechenden Ersten Symphonie (1897) in St. Petersburg löste eine kreative Komponistenkrise aus, aus der Rachmaninow Anfang des 20. Jahrhunderts mit einem ausgereiften Stil hervorging, der russisches Kirchenlied, aufgeschlossene europäische Romantik, modernen Impressionismus und Neoklassizismus vereinte – und alle dies ist mit komplexer Symbolik gesättigt. In dieser Schaffensphase entstanden seine besten Werke, darunter 2 und 3 Klavierkonzerte, die Zweite Symphonie und sein Lieblingswerk - das Gedicht "Glocken" für Chor, Solisten und Orchester.
1917 mussten Rachmaninow und seine Familie unser Land verlassen und sich in den Vereinigten Staaten niederlassen. Fast zehn Jahre nach seinem Weggang komponierte er nichts, tourte jedoch ausgiebig in Amerika und Europa und wurde als einer der größten Pianisten seiner Zeit und als der größte Dirigent anerkannt. Trotz aller stürmischen Aktivitäten blieb Rachmaninow eine verletzliche und unsichere Person, die nach Einsamkeit und sogar Einsamkeit strebte und die lästige Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit vermied. Er liebte und sehnte sich aufrichtig nach seiner Heimat und dachte, ob er einen Fehler gemacht hatte, als er sie verließ. Er interessierte sich ständig für alle Veranstaltungen in Russland, las Bücher, Zeitungen und Zeitschriften, half finanziell. Seine jüngsten Kompositionen, Symphonie Nr. 3 (1937) und Symphonische Tänze (1940), waren der Höhepunkt seiner kreativen Karriere, die das Beste seines einzigartigen Stils und das traurige Gefühl von irreparablem Verlust und Heimweh einfließen ließen.

Zitat von S. V. Rachmaninow:
"Ich fühle mich wie ein Geist, der einsam in einer ihm fremden Welt umherirrt."
"Die höchste Qualität jeder Kunst ist ihre Aufrichtigkeit."
"Große Komponisten haben immer und vor allem auf die Melodie als das Leitprinzip der Musik geachtet. Melodie ist Musik, die Hauptgrundlage aller Musik ... Melodischer Einfallsreichtum im höchsten Sinne des Wortes ist das Hauptziel des Komponisten im Leben ... aus diesem Grund haben die großen Komponisten der Vergangenheit so viel Interesse an den Volksmelodien ihrer Länder gezeigt.“

Zitat über S. V. Rachmaninov:
"Rachmaninow wurde aus Stahl und Gold geschaffen: Stahl ist in seinen Händen, Gold ist in seinem Herzen. Ich kann nicht ohne Tränen an ihn denken. Ich habe den großen Künstler nicht nur bewundert, sondern den Menschen in ihm geliebt." I. Hoffmann
"Rachmaninows Musik ist der Ozean. Seine Wellen - musikalisch - beginnen so weit hinter dem Horizont und heben dich so hoch und so langsam ab ... dass du diese Kraft und diesen Atem spürst." A. Konchalovsky

Eine interessante Tatsache: Während des Großen Vaterländischen Krieges gab Rachmaninow mehrere Wohltätigkeitskonzerte, von denen er das gesammelte Geld an den Fonds der Roten Armee schickte, um die Nazi-Invasoren zu bekämpfen.

8. Igor Fjodorowitsch STRAWINSKY (1882-1971)

Igor Fedorovich Strawinsky ist einer der einflussreichsten Komponisten der Welt des 20. Jahrhunderts, der Anführer des Neoklassizismus. Strawinsky wurde zum "Spiegel" der musikalischen Ära, sein Werk spiegelt eine Vielzahl von Stilen wider, die sich ständig überschneiden und schwer einzuordnen sind. Er kombiniert frei Genres, Formen, Stile, wählt sie aus Jahrhunderten der Musikgeschichte aus und unterwirft sie seinen eigenen Regeln.
Geboren in der Nähe von St. Petersburg, Studium an der juristischen Fakultät der Universität St. Petersburg, selbständiges Studium der Musikwissenschaften, Privatunterricht bei N.A. Er begann relativ spät beruflich zu komponieren, doch sein Aufstieg war rasant – eine Serie von drei Balletten: Der Feuervogel (1910), Petruschka (1911) und Das Frühlingsritual (1913) brachte ihn sofort in die Riege der Komponisten ersten Ranges .
1914 verließ er Russland, wie sich herausstellte (1962 tourte er durch die UdSSR). Strawinsky ist ein Kosmopolit, der gezwungen ist, mehrere Länder zu wechseln - Russland, die Schweiz, Frankreich, weshalb er in den Vereinigten Staaten lebte. Sein Werk ist in drei Perioden unterteilt - "Russisch", "Neoklassik", Amerikas "Massenproduktion", die Perioden sind nicht nach der Lebenszeit in verschiedenen Ländern, sondern nach der "Handschrift" des Autors unterteilt.
Strawinsky war ein sehr gebildeter, geselliger Mensch mit viel Humor. Zu seinem Bekannten- und Korrespondentenkreis gehörten Musiker, Dichter, Künstler, Wissenschaftler, Geschäftsleute, Staatsmänner.
Die letzte höchste Leistung von Strawinsky - Requiem (Memorial Chants) (1966) absorbierte und kombinierte die bisherige künstlerische Erfahrung des Komponisten und wurde zur wahren Apotheose des Werks des Meisters.
In der Arbeit von Stavinsky sticht ein einzigartiges Merkmal hervor - "Unwiederholbarkeit", nicht umsonst wurde er als "Komponist von tausend und einem Stil" bezeichnet, der ständige Wechsel von Genre, Stil, Richtung der Handlung - jeder seiner Werke ist einzigartig, aber er kehrte immer wieder zu Konstruktionen zurück, in denen russischer Ursprung sichtbar ist, russische Wurzeln hörbar.

Zitat von IF Strawinsky: "Ich spreche mein ganzes Leben lang Russisch, meine Silbe ist Russisch. Vielleicht ist es in meiner Musik nicht sofort sichtbar, aber es ist darin, es liegt in seiner verborgenen Natur."

Zitat über IF Strawinsky: "Strawinsky ist ein wahrhaft russischer Komponist ... Der russische Geist ist unausrottbar im Herzen dieses wirklich großen, facettenreichen Talents, geboren aus dem russischen Land und eng mit ihm verwandt ..." D. Schostakowitsch

Interessante Tatsache (Fahrrad):
In New York angekommen, nahm Strawinsky ein Taxi und war überrascht, seinen Namen auf dem Schild zu lesen.
- Sie sind kein Verwandter des Komponisten? fragte er den Fahrer.
- Gibt es einen Komponisten mit einem solchen Nachnamen? - der Fahrer war überrascht. - Ich höre es zum ersten Mal. Strawinsky ist jedoch der Name des Taxibesitzers. Ich habe nichts mit Musik zu tun - mein Name ist Rossini ...

9. Sergej Sergejewitsch PROKOFIEV (1891—1953)

Sergej Sergejewitsch Prokofjew ist einer der größten russischen Komponisten des 20. Jahrhunderts, Pianist, Dirigent.
In der Region Donezk geboren, beschäftigte er sich seit seiner Kindheit mit Musik. Prokofjew kann als eines der wenigen (wenn nicht das einzige) russische musikalische "Wunderkind" angesehen werden, ab dem 5. Lebensjahr beschäftigte er sich mit dem Komponieren, im Alter von 9 Jahren schrieb er zwei Opern (natürlich sind diese Werke noch unreif, aber sie zeigen den Willen zu schaffen), im Alter von 13 Jahren legte er die Prüfungen am Petersburger Konservatorium ab, zu seinen Lehrern gehörte N. A. Rimsky-Korsakov. Der Beginn seiner beruflichen Laufbahn löste einen Sturm der Kritik und des Missverständnisses seines individuellen, grundsätzlich antiromantischen und extrem modernistischen Stils aus eine zurückhaltende Kraft modernistischer, alles leugnender Skepsis. Von Beginn seiner Karriere an trat Prokofjew viel auf und tourte viel. 1918 unternahm er eine internationale Tournee, unter anderem durch die UdSSR, und kehrte schließlich 1936 in seine Heimat zurück.
Das Land hat sich verändert und die "freie" Kreativität Prokofjews musste den neuen Anforderungen weichen. Prokofjews Talent erblühte mit neuer Kraft - er schreibt Opern, Ballette, Musik für Filme - scharfe, willensstarke, äußerst akkurate Musik mit neuen Bildern und Ideen, legte den Grundstein für die sowjetische klassische Musik und Oper. 1948 ereigneten sich fast gleichzeitig drei tragische Ereignisse: Unter dem Verdacht der Spionage wurde seine erste spanische Frau verhaftet und in die Lager verbannt; die Resolution des Polybüros des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei (Bolschewiki) wurde herausgegeben, in der Prokofjew, Schostakowitsch und andere angegriffen und des "Formalismus" und des Schadens ihrer Musik beschuldigt wurden; der Gesundheitszustand des Komponisten verschlechterte sich stark, er zog sich auf die Datscha zurück und verließ sie praktisch nicht, sondern komponierte weiter.
Einige der hellsten Werke der Sowjetzeit waren die Opern "Krieg und Frieden", "Die Geschichte eines echten Mannes"; Ballette "Romeo und Julia", "Aschenputtel", die zu einem neuen Standard der Weltballettmusik geworden sind; Oratorium "Auf der Hut vor der Welt"; Musik zu den Filmen "Alexander Newski" und "Ivan der Schreckliche"; Symphonien Nr. 5,6,7; Klavier arbeitet.
Prokofjews Werk besticht durch seine Vielseitigkeit und Themenbreite, die Originalität seines musikalischen Denkens, Frische und Originalität haben eine ganze Epoche der Weltmusikkultur des 20. Jahrhunderts geprägt und viele sowjetische und ausländische Komponisten stark beeinflusst.

Zitat von S.S. Prokofjew:
"Kann ein Künstler abseits des Lebens stehen? .. Ich halte an der Überzeugung fest, dass ein Komponist wie ein Dichter, Bildhauer, Maler berufen ist, dem Menschen und dem Volk zu dienen ... Er muss zuallererst ein Bürger sein in seine Kunst, lobt das menschliche Leben und führt einen Menschen in eine bessere Zukunft ... "
"Ich bin eine Manifestation des Lebens, die mir die Kraft gibt, allem Ungeistigen zu widerstehen."

Zitat über S.S. Prokofjew: "... alle Facetten seiner Musik sind schön. Aber eine ganz ungewöhnliche Sache gibt es hier. Wir alle haben anscheinend Rückschläge, Zweifel, einfach nur schlechte Laune. Und in solchen Momenten, auch wenn ich es nicht tue. Ich spiele nicht und höre nicht auf Prokofjew, sondern denke nur an ihn, ich bekomme eine unglaubliche Energieladung, ich verspüre einen großen Wunsch zu leben, zu handeln “E. Kisin

Interessante Tatsache: Prokofjew liebte Schach sehr und bereicherte das Spiel mit seinen Ideen und Errungenschaften, darunter das von ihm erfundene "neun" Schach - ein 24x24-Feldbrett mit neun darauf platzierten Figurensätzen.

10. Dmitry Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Dmitry Dmitrievich Schostakowitsch ist einer der bedeutendsten und meistgespielten Komponisten der Welt, sein Einfluss auf die zeitgenössische klassische Musik ist unermesslich. Seine Kreationen sind wahre Ausdrucksformen des inneren menschlichen Dramas und die Chronik der schwierigen Ereignisse des 20.
Geboren in St. Petersburg, erhielt seinen ersten Musikunterricht von seiner Mutter, absolvierte das Petersburger Konservatorium, bei dessen Aufnahme ihn der Rektor Alexander Glasunow mit Mozart verglich - so beeindruckte er alle mit seinem wunderbaren musikalischen Gedächtnis, seinem zarten Ohr und der Begabung des Komponisten. Schon in den frühen 1920er Jahren, als er das Konservatorium abschloss, hatte Schostakowitsch das Gepäck eigener Werke und wurde zu einem der besten Komponisten des Landes. Weltruhm erlangte Schostakowitsch, nachdem er 1927 den 1. Internationalen Chopin-Wettbewerb gewonnen hatte.
Bis zu einer gewissen Zeit, nämlich vor der Inszenierung der Oper "Lady Macbeth des Bezirks Mzensk", arbeitete Schostakowitsch als freier Künstler - "Avantgarde", experimentierte mit Stilen und Genres. Die harsche Verbreitung dieser Oper, die 1936 arrangiert wurde, und die Repressionen von 1937 markierten den Beginn des folgenden ständigen inneren Kampfes Schostakowitschs um den Wunsch, seine Ansichten unter den Bedingungen der staatlich auferlegten Kunstströmungen mit eigenen Mitteln zum Ausdruck zu bringen. In seinem Leben sind Politik und Kreativität sehr eng miteinander verwoben, er wurde von den Behörden gelobt und verfolgt, er bekleidete hohe Ämter und wurde aus ihnen entfernt, wurde ausgezeichnet und stand selbst und seine Angehörigen kurz vor der Verhaftung.
Als sanfter, intelligenter, zarter Mensch fand er seine eigene Form des Ausdrucks schöpferischer Prinzipien in Symphonien, in denen er die Wahrheit über die Zeit so offen wie möglich aussprechen konnte. Von dem umfangreichen Werk Schostakowitschs in allen Gattungen nehmen die Sinfonien (15 Werke) den zentralen Platz ein, am dramatischsten gesättigt sind die Symphonien 5,7,8,10,15, die zum Höhepunkt der sowjetischen symphonischen Musik geworden sind. Ein ganz anderer Schostakowitsch eröffnet sich in der Kammermusik.
Trotz der Tatsache, dass Schostakowitsch selbst ein "heimischer" Komponist war und praktisch nicht ins Ausland reiste, wurde seine Musik, die im Wesen humanistisch und wirklich künstlerisch war und sich schnell und weltweit verbreitete, von den besten Dirigenten aufgeführt. Das Ausmaß von Schostakowitschs Talent ist so immens, dass das volle Verständnis dieses einzigartigen Phänomens der Weltkunst noch bevorsteht.

Zitat von Dmitri Schostakowitsch: "Echte Musik kann nur menschliche Gefühle, nur fortgeschrittene menschliche Ideen ausdrücken."

Klassische Komponisten sind auf der ganzen Welt bekannt. Jeder Name eines Musikgenies ist eine einzigartige Individualität in der Kulturgeschichte.

Was ist klassische Musik

Klassische Musik - bezaubernde Melodien von talentierten Autoren, die zu Recht als klassische Komponisten bezeichnet werden. Ihre Werke sind einzigartig und werden von Interpreten und Zuhörern immer gefragt sein. Einerseits ist es üblich, klassische Musik strenge, zutiefst bedeutungsvolle Musik zu nennen, die nicht zu den Richtungen gehört: Rock, Jazz, Folk, Pop, Chanson usw. Klassizismus.

Klassische Themen zeichnen sich durch erhabene Intonation, Raffinesse, Farbvielfalt und Harmonie aus. Sie wirken sich positiv auf die emotionale Einstellung von Erwachsenen und Kindern aus.

Entwicklungsstufen der klassischen Musik. Ihre kurze Beschreibung und Hauptvertreter

In der Entwicklungsgeschichte der klassischen Musik lassen sich folgende Stadien unterscheiden:

• Renaissance oder Renaissance - frühes 14. - letztes Viertel des 16. Jahrhunderts. In Spanien und England dauerte die Renaissance bis ins frühe 17. Jahrhundert.
• Barock - trat an die Stelle der Renaissance und dauerte bis Anfang des 18. Jahrhunderts. Das Zentrum des Stils war Spanien.
• Der Klassizismus ist eine Entwicklungsperiode der europäischen Kultur vom Anfang des 18. bis zum Anfang des 19. Jahrhunderts.
• Romantik ist die entgegengesetzte Richtung zum Klassizismus. Es dauerte bis Mitte des 19. Jahrhunderts.
• Klassiker des 20. Jahrhunderts - die Moderne.

Kurzbeschreibung und Hauptvertreter der Kulturepochen

1. Renaissance - eine lange Entwicklungsperiode aller Kulturbereiche. - Tomass Tallis, Giovanni da Palestina, T.L. de Victoria komponierten und hinterließen der Nachwelt unsterbliche Schöpfungen.

2. Barock - in dieser Epoche treten neue musikalische Formen auf: Polyphonie, Oper. In dieser Zeit schufen Bach, Händel und Vivaldi ihre berühmten Kreationen. Bachs Fugen sind nach den Vorgaben des Klassizismus gebaut: zwingende Beachtung der Kanons.

3. Klassizismus. Wiener Klassiker, die ihre unsterblichen Schöpfungen im Zeitalter des Klassizismus schufen: Haydn, Mozart, Beethoven. Die Sonatenform erscheint, die Zusammensetzung des Orchesters nimmt zu. und Haydn unterscheiden sich von den schwerfälligen Kompositionen Bachs durch die einfache Struktur und Anmut der Melodien. Es war immer noch ein Klassiker, der nach Perfektion strebte. Beethovens Werke sind eine Facette der Berührung zwischen romantischen und klassischen Stilen. In L. van Beethovens Musik steckt mehr Sinnlichkeit und Inbrunst als rationaler Kanon. Es wurden so wichtige Genres wie Sinfonie, Sonate, Suite, Oper unterschieden. Beethoven begründete die Romantik.

4. Romantik. Musikalische Kompositionen zeichnen sich durch Farbe und Dramatik aus. Es werden verschiedene Liedgenres gebildet, zum Beispiel Balladen. Die Kompositionen für Klavier von Liszt und Chopin wurden ausgezeichnet. Die Traditionen der Romantik wurden von Tschaikowsky, Wagner, Schubert geerbt.

5. Klassiker des XX Jahrhunderts - gekennzeichnet durch den Wunsch der Autoren, in Melodien zu erneuern, entstanden die Begriffe Aleatorik, Atonalismus. Die Werke von Strawinsky, Rachmaninov, Glass werden in das klassische Format eingeordnet.

Russische klassische Komponisten

Tschaikowsky P.I. - Russischer Komponist, Musikkritiker, Persönlichkeit des öffentlichen Lebens, Lehrer, Dirigent. Seine Kompositionen sind die meistgespielten. Sie sind aufrichtig, leicht wahrnehmbar, spiegeln die poetische Originalität der russischen Seele wider, malerische Bilder der russischen Natur. Der Komponist hat 6 Ballette, 10 Opern, mehr als hundert Romanzen, 6 Sinfonien geschaffen. Weltberühmtes Ballett "Schwanensee", Oper "Eugene Onegin", "Kinderalbum".

Rachmaninow S. V. - die Werke des herausragenden Komponisten sind emotional und heiter, zum Teil dramatisch im Inhalt. Ihre Genres sind vielfältig, von kleinen Theaterstücken bis hin zu Konzerten und Opern. Die allgemein anerkannten Werke des Autors: die Opern Der geizige Ritter, Aleko nach Puschkins Gedicht Die Zigeuner, Francesca da Rimini nach einer Handlung aus Dantes Göttlicher Komödie, das Gedicht Die Glocken; Suite "Symphonische Tänze"; Klavierkonzerte; Vokalisation für Singstimme mit Klavierbegleitung.

A. P. Borodin war Komponist, Lehrer, Chemiker, Arzt. Die bedeutendste Kreation ist die Oper "Prinz Igor" nach dem historischen Werk "The Lay of Igor's Host", das der Autor fast 18 Jahre lang geschrieben hat. Zu Lebzeiten gelang es Borodin nicht, sie zu Ende zu bringen, nach seinem Tod wurde die Oper von A. Glasunow und N. Rimsky-Korsakov vollendet. Der große Komponist ist der Begründer klassischer Quartette und Symphonien in Russland. Die "Heroische" Symphonie gilt als die Krone der Welt und die russische Nationalhelden-Symphonie. Als herausragend gelten die instrumentalen Kammerquartette I und II. Einer der ersten, der heroische Figuren aus der altrussischen Literatur in Romane einführte.

Tolle Musiker

Mussorgsky M.P., von dem wir sagen können, ist ein großer Komponist-Realist, ein mutiger Erneuerer, der akute soziale Probleme berührt, ein ausgezeichneter Pianist und ein ausgezeichneter Sänger. Die bedeutendsten musikalischen Werke sind die Oper "Boris Godunov" nach dem dramatischen Werk von A.S. Puschkin und "Khovanshchina" - ein Volksmusikdrama, die Hauptfigur in diesen Opern ist ein rebellisches Volk aus verschiedenen sozialen Schichten; Kreativzyklus "Bilder einer Ausstellung", inspiriert von den Werken Hartmanns.

Glinka M. I. - ein berühmter russischer Komponist, der Begründer der klassischen Richtung in der russischen Musikkultur. Er absolvierte das Verfahren zur Schaffung einer Schule russischer Komponisten, die auf den Werten der Volks- und Berufsmusik basiert. Die Werke des Meisters sind von Vaterlandsliebe durchdrungen, spiegeln die ideologische Orientierung der Menschen dieser Zeit wider. Das weltberühmte Volksdrama "Ivan Susanin" und die Märchenoper "Ruslan und Lyudmila" sind zu neuen Trends in der russischen Oper geworden. Die symphonischen Werke "Kamarinskaya" und "Spanische Ouvertüre" von Glinka sind die Grundlagen der russischen Symphonie.

Rimsky-Korsakov N.A. - ein talentierter russischer Komponist, Marineoffizier, Lehrer, Publizist. Zwei Strömungen lassen sich in seinem Werk nachweisen: das Historische ("Die Zarenbraut", "Die Pskowiterin") und das Fabelhafte ("Sadko", "Das Schneemädchen", die Suite "Scheherazade"). Eine Besonderheit der Werke des Komponisten: Originalität basierend auf klassischen Werten, Homophonie im harmonischen Aufbau früher Werke. Seine Werke tragen die Handschrift eines Autors: originelle Orchesterlösungen mit ungewöhnlich konstruierten Vokalpartituren, die die wichtigsten sind.

Russische klassische Komponisten versuchten, in ihren Werken das kognitive Denken und die Folklore der Nation widerzuspiegeln.

Europäische Kultur

Berühmte klassische Komponisten Mozart, Haydn, Beethoven lebten in der damaligen Hauptstadt der Musikkultur - Wien. Genies vereinen meisterhafte Darbietung, exzellente kompositorische Lösungen, die Verwendung unterschiedlicher Musikstile: von Volksliedern bis hin zu polyphonen Entwicklungen musikalischer Themen. Die großen Klassiker zeichnen sich durch eine allumfassende schöpferische Denktätigkeit, Kompetenz, Klarheit im musikalischen Formenbau aus. In ihren Werken sind Intellekt und Emotionen, tragische und komische Komponenten, Leichtigkeit und Besonnenheit organisch miteinander verbunden.

Beethoven und Haydn tendierten zu Instrumentalkompositionen, Mozart gelang sowohl Opern- als auch Orchesterkompositionen meisterhaft. Beethoven war ein unübertroffener Schöpfer heroischer Werke, Haydn schätzte und verwendete erfolgreich Humor und volkstümliche Gattungstypen in seinem Werk, Mozart war ein Universalkomponist.

Mozart ist der Schöpfer der Sonaten-Instrumentalform. Beethoven verbesserte es, brachte es zu unübertroffenen Höhen. Die Zeit wurde zu einer Blütezeit des Quartetts. Haydn, gefolgt von Beethoven und Mozart, tragen maßgeblich zur Entwicklung dieser Gattung bei.

Italienische Meister

Giuseppe Verdi war ein herausragender Musiker des 19. Jahrhunderts, der die traditionelle italienische Oper entwickelte. Er besaß ein tadelloses Handwerk. Den Höhepunkt seiner kompositorischen Tätigkeit bildeten die Opernwerke "Troubadour", "La Traviata", "Othello", "Aida".

Niccolo Paganini - geboren in Nizza, eine der musikalisch begabtesten Persönlichkeiten des 18.-19. Jahrhunderts. Er war ein virtuoser Geiger. Er komponierte Capricen, Sonaten, Quartette für Violine, Gitarre, Bratsche und Cello. Er schrieb Konzerte für Violine und Orchester.

Gioacchino Rossini - hergestellt im 19. Jahrhundert. Der Autor von Kirchen- und Kammermusik hat 39 Opern komponiert. Herausragende Werke - "Der Barbier von Sevilla", "Othello", "Cinderella", "The Thief Elster", "Semiramis".

Antonio Vivaldi ist einer der größten Vertreter der Geigenkunst des 18. Jahrhunderts. Berühmtheit erlangte er durch sein berühmtestes Werk - 4 Violinkonzerte "The Seasons". Er lebte ein erstaunlich fruchtbares kreatives Leben, komponierte 90 Opern.

Berühmte italienische klassische Komponisten haben ein ewiges musikalisches Erbe hinterlassen. Ihre Kantaten, Sonaten, Serenaden, Symphonien, Opern werden mehr als eine Generation begeistern.

Merkmale der kindlichen Musikwahrnehmung

Gute Musik zu hören wirkt sich positiv auf die psycho-emotionale Entwicklung eines Kindes aus, wie Kinderpsychologen sagen. Gute Musik führt in die Kunst ein und formt einen ästhetischen Geschmack, wie die Lehrer sagen.

Viele berühmte Werke wurden von klassischen Komponisten für Kinder unter Berücksichtigung ihrer Psychologie, Wahrnehmung und Altersspezifität, also zum Hören, geschaffen, während andere verschiedene Stücke für kleine Interpreten komponierten, die für das Gehör leicht wahrnehmbar und für sie technisch zugänglich sind.

"Album für Kinder" von PI Tschaikowsky für kleine Pianisten. Dies ist ein Widmungsalbum an seinen Neffen, der Musik liebte und ein sehr begabtes Kind war. Die Sammlung umfasst mehr als 20 Stücke, von denen einige auf folkloristischem Material basieren: neapolitanische Motive, russischer Tanz, Tiroler und französische Melodien. Sammlung "Kinderlieder" von P. I. Tschaikowsky entwickelt für die auditive Wahrnehmung durch ein kindliches Publikum. Lieder einer optimistischen Stimmung über Frühling, Vögel, einen blühenden Garten ("Mein Garten"), über Mitgefühl für Christus und Gott ("Christus hatte einen Garten mit einem Baby").

Klassiker für Kinder

Viele klassische Komponisten haben für Kinder gearbeitet, deren Werkliste sehr vielfältig ist.

Prokofjew S.S. "Peter und der Wolf" ist ein symphonisches Märchen für Kinder. Dank dieser Geschichte lernen Kinder die Musikinstrumente des Sinfonieorchesters kennen. Der Text der Geschichte wurde von Prokofjew selbst geschrieben.

Schumann R. „Kinderszenen“ sind kleine musikalische Geschichten mit unprätentiöser Handlung, geschrieben für erwachsene Darsteller, Erinnerungen an die Kindheit.

Zyklus für Klavier von Debussy "Children's Corner".

Ravel M. "Mother Goose" nach den Erzählungen von Ch. Perrault.

Bartok B. "Erste Schritte am Klavier".

Fahrräder für Kinder S. Gavrilova "Für die Kleinsten"; "Helden der Märchen"; "Kinder über Tiere".

Schostakowitsch D. „Album der Klavierstücke für Kinder“.

Bach I. S. „Notizbuch für Anna Magdalena Bach“. Während er seinen Kindern Musik beibrachte, schuf er spezielle Theaterstücke und Übungen, mit denen sie technische Fähigkeiten entwickeln konnten.

Haydn J. - der Stammvater der klassischen Symphonie. Erstellt eine spezielle Symphonie namens "Children's". Die verwendeten Instrumente: Tonnachtigall, Ratsche, Kuckuck - geben ihm einen ungewöhnlichen Klang, kindlich und keck.

Saint-Saens K. erfand eine Fantasie für Orchester und 2 Klaviere namens "Karneval der Tiere", in der er meisterhaft das Gackern von Hühnern, das Brüllen eines Löwen, die Selbstgefälligkeit des Elefanten und seine Bewegungsweise, eine rührend anmutige Schwan mit musikalischen Mitteln.

Bei der Komposition von Kompositionen für Kinder und Jugendliche haben sich die großen klassischen Komponisten um die interessanten Handlungsstränge des Werkes, die Verfügbarkeit des vorgeschlagenen Materials unter Berücksichtigung des Alters des Interpreten oder Hörers gekümmert.

Unter diesen Melodien gibt es ein Motiv für jede Stimmung: romantisch, positiv oder trist, um sich zu entspannen und an nichts zu denken, oder umgekehrt, um Gedanken zu sammeln.

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Der italienische Komponist und Pianist arbeitet in Richtung Minimalismus, wendet sich oft dem Ambient zu und kombiniert die Klassiker gekonnt mit anderen Musikstilen. Er ist weithin bekannt für atmosphärische Kompositionen, die zu Soundtracks für Filme wurden. Zum Beispiel kennen Sie wahrscheinlich die Musik von dem französischen 1 + 1-Band, das von Einaudi geschrieben wurde.

themagger.net

Glas ist eine der umstrittensten Persönlichkeiten in der Welt der modernen Klassiker, die manchmal in den Himmel erhoben und dann in Stücke gerissen wird. Seit einem halben Jahrhundert ist er mit seiner eigenen Gruppe, dem Philip Glass Ensemble, zusammen und hat für über 50 Filme Musik geschrieben, darunter The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life und Fantastic Four. Die Melodien des amerikanischen Minimalkomponisten verwischen die Grenze zwischen Klassik und Popmusik.

latimes.com

Er ist Autor vieler Soundtracks, der beste Filmkomponist des Jahres 2008 laut European Film Academy und ein Post-Minimalist. Überwältigte Kritiker vom ersten Album Memoryhouse, in dem Richters Musik die Gedichtlesung überlagert, und in den folgenden Alben wurde auch fiktive Prosa verwendet. Neben seinen eigenen Ambient-Kompositionen arrangiert er Werke von Klassikern: Vivaldis Seasons führte in seinem Arrangement die iTunes Klassik-Charts an.

Dieser Schöpfer instrumentaler Musik aus Italien wird nicht mit dem gefeierten Kino in Verbindung gebracht, aber ansonsten ist er als Komponist, Virtuose und erfahrener Klavierlehrer bekannt. Wenn Sie die Musik von Marradi mit zwei Worten beschreiben, werden es die Worte "sinnlich" und "magisch" sein. Seine Kreationen und Cover werden Liebhaber von Retro-Klassikern ansprechen: In den Motiven leuchten die Noten des letzten Jahrhunderts.

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Der renommierte Filmkomponist hat Musik für viele umsatzstarke Filme und Cartoons geschaffen, darunter Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, The Lion King. Sein Star prangt auf dem Hollywood Walk of Fame, und in seinem Regal stehen Oscars, Grammy und Golden Globes. Zimmers Musik ist so unterschiedlich wie diese Filme, aber unabhängig von der Tonart nimmt sie das Lebendige an.

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Hisaishi ist einer der berühmtesten japanischen Komponisten, der vier japanische Oscars für die beste Filmmusik erhalten hat. Berühmt wurde er durch das Schreiben des Soundtracks für Hayao Miyazakis Anime "Nausicaä of the Valley of the Wind". Wenn Sie ein Fan von Studio Ghibli oder Takeshi Kitanos Tonbändern sind, dann werden Sie sicherlich Hisaishis Musik bewundern. Es ist meistens hell und hell.

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Dieser isländische Multi-Instrumentalist ist im Vergleich zu den aufgeführten Meistern nur ein Junge, aber mit seinen 30 Jahren hat er es geschafft, ein anerkannter Neoklassizist zu werden. Er hat eine Ballettbegleitung aufgenommen, einen BAFTA für den Soundtrack zur britischen TV-Serie Murder on the Beach gewonnen und 10 Studioalben veröffentlicht. Arnalds' Musik erinnert an den rauen Wind an einer einsamen Küste.

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Die bekanntesten Werke von Lee Roo Ma sind Kiss the Rain und River Flows in You. Der koreanische New-Age-Komponist und Pianist schreibt populäre Klassiker, die von Hörern auf jedem Kontinent, mit jedem Musikgeschmack und jeder Ausbildung verstanden werden können. Seine leichten und sinnlichen Melodien wurden für viele zum Beginn der Liebe zur Klaviermusik.

Dustin O'Helloran

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Der amerikanische Komponist ist insofern interessant, als er keine musikalische Ausbildung hat, aber gleichzeitig die angenehmste und recht populäre Musik schreibt. O'Hallorans Melodien wurden in Top Gear und mehreren Filmen vorgestellt. Das vielleicht erfolgreichste Soundtrack-Album war das Melodram "Like Crazy". Aber sein Hauptgebiet sind moderne Klassiker. Cacchapaglia hat zahlreiche Alben aufgenommen, drei davon mit dem Royal Philharmonic Orchestra. Seine Musik fließt wie Wasser, es wird toll sein, sich darunter zu entspannen.

Welche anderen zeitgenössischen Komponisten es wert sind, gehört zu werden

Wenn du das Epos liebst, füge Klaus Badelt, den Mitschöpfer von Fluch der Karibik mit Zimmer, zu deiner Playlist hinzu. Ebenfalls nicht zu übersehen sind Jan Kaczmarek, Alexander Desplat, Howard Shore und John Williams – Sie müssen einen separaten Artikel schreiben, um alle ihre Arbeiten, Erfolge und Auszeichnungen aufzulisten.

Wenn Sie mehr köstlichen Neoklassizismus wollen, werfen Sie einen Blick auf Niels Frahm und Sylvain Chauot.

Wer vermisst, denkt an den Schöpfer des Soundtracks zu „Amelie“ von Jan Tiersen oder entdeckt den japanischen Komponisten Tammon: Er schreibt luftige, sagenhafte Melodien.

Die Musik von welchen Komponisten magst du und welche nicht? Wen würden Sie dieser Liste noch hinzufügen?

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert koexistierten verschiedene künstlerische Richtungen in der europäischen Kultur. Einige entwickelten die Traditionen des 19. Jahrhunderts, andere entstanden durch die kreative Suche moderner Meister. Das bedeutendste Phänomen der Musikkunst war die Spätromantik. Ihre Vertreter zeichneten sich durch ein verstärktes Interesse an symphonischer Musik und den grandiosen Umfang ihrer Kompositionen aus. Für ihre Werke schufen Komponisten komplexe philosophische Programme. Viele Komponisten bemühten sich in ihrer Arbeit, die romantischen Traditionen der Vergangenheit fortzusetzen, zum Beispiel S.V. Rachmaninow (1873-1943), Richard Strauss (1864-1949). Auf diese beiden Vertreter des Stils der Spätromantik möchte ich näher eingehen.

Sergei Wassiljewitsch Rahmaninow

Sergei Vasilievich Rachmaninow ist ein russischer Komponist, Pianist und Dirigent.

4 Konzerte, "Rhapsody on a Theme of Paganini" (1934) für Klavier und Orchester, Präludien, Etüden-Gemälde für Klavier, 3 Sinfonien (1895-1936), Fantasy "Cliff" (1893), Gedicht "Insel der Toten" (1909), Symphonische Tänze (1940) für Orchester, Kantate Frühling (1902), Gedicht Bells (1913) für Chor und Orchester, die Oper Aleko (1892), Der begehrliche Ritter, Francesca da Rimini (beide 1904), Romanzen.

Im Werk von Sergei Wassiljewitsch Rachmaninow, einem Komponisten und virtuosen Pianisten, werden die Traditionen der russischen und europäischen Kunst harmonisch vereint. Für die meisten Musiker und Hörer sind Rachmaninows Kompositionen ein künstlerisches Symbol Russlands. Das Thema Heimat wird im Werk von Sergei Rachmaninow mit besonderer Kraft verkörpert. Romantisches Pathos verbindet sich in seiner Musik mit lyrisch-kontemplativen Stimmungen, unerschöpflichem Melodienreichtum, Weite und Atemfreiheit – mit rhythmischer Energie. Rachmaninows Musik ist ein wichtiger Bestandteil der Spätromantik Europas. Nach 1917 musste Rachmaninow im Ausland leben - in der Schweiz und in den USA. Seine kompositorische und vor allem darstellende Tätigkeit wurde zu einem Phänomen, ohne das das kulturelle Leben des Westens in den 20-40er Jahren nicht mehr wegzudenken ist. XX Jahrhundert.

Rachmaninows Vermächtnis umfasst Opern und Sinfonien, Kammer- und Chormusik, aber der Komponist schrieb vor allem für das Klavier. Er strebte nach kraftvoller, monumentaler Virtuosität, strebte danach, das Klavier im Farbenreichtum mit einem Sinfonieorchester zu vergleichen.

Rachmaninows Werk verbindet verschiedene Epochen und Kulturen. Es ermöglicht russischen Musikern, ihre tiefe Verbundenheit mit europäischen Traditionen zu spüren, und für westliche Musiker öffnet Rachmaninov Russland - zeigt seinen wahren spirituellen Reichtum.

Richard Strauss

Richard Strauss ist ein deutscher Komponist der Spätromantik, besonders bekannt für seine symphonischen Dichtungen und Opern. Er war auch ein hervorragender Dirigent.

Der Stil von Richard Strauss wurde stark von den Werken von Chopin, Schumann, Mendelssohn beeinflusst. Beeinflusst von der Musik Richard Wagners wandte sich Strauss der Oper zu. Das erste Werk dieser Art ist Guntram (1893). Dies ist ein romantisches Stück; seine musikalische sprache ist einfach, die melodien sind schön und melodiös.

Seit 1900 ist die Oper das führende Genre im Werk von Richard Strauss. Die Werke des Komponisten zeichnen sich durch die Einfachheit und Klarheit der musikalischen Sprache aus, in denen der Autor alltägliche Tanzgenres verwendet.

Die schöpferische Tätigkeit von Strauss dauerte mehr als siebzig Jahre. Der Komponist begann als Spätromantiker, kam dann zum Expressionismus und wandte sich schließlich dem Neoklassizismus zu.

Alexander Nikolajewitsch Skrjabin

Von Kindesbeinen an fühlte er sich zu den Klängen des Klaviers hingezogen. Und schon mit drei Jahren saß er stundenlang am Instrument und behandelte es wie ein Lebewesen. Nach seinem Abschluss am Moskauer Konservatorium begann Alexander, Konzerte zu geben und zu unterrichten, aber der Wunsch zum Komponieren war stärker. Er beginnt zu komponieren und seine Werke werden sofort in das Repertoire anderer Pianisten aufgenommen.

"Kunst soll festlich sein", sagte er, "soll erheben, verzaubern." Tatsächlich erwies sich seine Musik als so gewagt, neu und ungewöhnlich, dass die Aufführung seiner Zweiten Symphonie am 21. März 1903 in Moskau zu einem natürlichen Skandal wurde. Jemand bewunderte, jemand stampfte und pfiff ... Aber Skrjabin war nicht verlegen: Er fühlte sich wie ein Messias, ein Herold einer neuen Religion - der Kunst. Er glaubte an seine transformative Kraft. Er dachte damals auf planetarischem Maßstab modisch. Skrjabins mystische Philosophie spiegelt sich in seiner musikalischen Sprache wider, insbesondere in innovativer Harmonie, die weit über die Grenzen traditioneller Tonalität hinausgeht.

Skrjabin träumte von einem neuen synthetischen Genre, in dem nicht nur Klänge und Farben verschmelzen, sondern auch die Gerüche und Kunststoffe des Tanzes. Doch der Plan blieb unvollendet. Skrjabin starb am 14. (27.) April 1915 in Moskau. Sein Leben, das Leben eines Genies, war kurz und hell.

Sergej Prokofjew

Sergei Prokofjew ist ein russischer und sowjetischer Komponist, einer der berühmtesten Komponisten des 20. Jahrhunderts.

Die Definition von „Komponist“ war für Prokofjew ebenso selbstverständlich wie „Mensch“.

In Prokofjews Musik hört man typisch Prokofjews scharf disharmonische Harmonie, federnde Rhythmik, bewusst trockene, kühne Motorik. Die Kritik reagierte sofort: "Der junge Autor, der seine künstlerische Ausbildung noch nicht abgeschlossen hat, gehört zur extremen Richtung der Moderne, geht in seinem Mut viel weiter als die modernen Franzosen."

Viele Zeitgenossen des jungen Prokofjew und selbst Forscher seines Werkes übersahen einen "lyrischen Strom" in seiner Musik, der sich durch die scharf-satirischen, grotesken, sarkastischen Bilder, durch absichtlich derbe, schwerfällige Rhythmen bahnt. Und davon gibt es viele, diese lyrischen, schüchternen Intonationen in den Klavierzyklen "Fleetingness" und "Sarcasm", in einem Nebenthema des ersten Satzes der zweiten Sonate, in Romanzen zu Versen von Balmont, Apukhtin, Akhmatova.

Über Prokofjew kann man sagen: Der große Musiker hat seinen Platz unter den großen Veränderern des Lebens gefunden.

Mily Balakirev

Miliy Balakirev - Russischer Komponist, Pianist, Dirigent (1836 / 37-1910)

Es entstand die "Mighty Handful" - eine Gemeinschaft von Gleichgesinnten, die der russischen Musik unglaublich viel schenkte.

Balakirevs Führung im Kreis wurde durch seinen tadellosen Geschmack, seinen klaren analytischen Verstand und seine Kenntnis einer riesigen Menge an musikalischem Material erleichtert. Im Kreis herrschte die Stimmung, die einer der damaligen Kritiker ausdrückte: "Musik kann Berge versetzen." Balakirevs Natur war sehr energisch und charmant. Im Kreis übernahm er schnell die Rolle des Organisators.

Er behandelte den Kreis als eine Art Kreativität: Er schuf, "beeinflusste" junge Komponisten. Aus ihnen komponierte er die zukünftige musikalische Palette Russlands.

Nach und nach kam Balakirev die Idee einer Freien Musikschule.

1862 wurde die Freie Musikschule eröffnet und gab ihr erstes Konzert. Balakirev trat als Dirigent eines Sinfonieorchesters auf.

Er selbst hatte viel geschrieben, aber er fühlte keine schöpferische Befriedigung von dem, was er geschaffen hatte. Wie Caesar Cui schrieb, "bis zu seinem Tod sagte er, dass nur das gut sei, was wir unter seiner Fittiche schrieben."

Glasunow Alexander Konstantinowitsch

Alexander Glasunow - russischer und sowjetischer Komponist (1865-1936)

Glasunow ist einer der größten russischen Komponisten des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. In Fortführung der Traditionen der Mächtigen Handvoll und Tschaikowskys verband er in seinem Werk die lyrisch-epischen und die lyrisch-dramatischen Zweige der russischen Musik. Im kreativen Erbe von Glasunov gehört die symphonische Musik verschiedener Genres zu den wichtigsten Orten. Es spiegelt die heroischen Bilder des russischen Epos, Bilder der einheimischen Natur, der russischen Realität, das Lied der slawischen und östlichen Völker wider. Glasunovs Werke zeichnen sich durch die Erleichterung der musikalischen Themen, den vollen und klaren Klang des Orchesters, den breiten Einsatz polyphoner Techniken (er verwendet den gleichzeitigen Klang verschiedener Themen, eine Kombination aus Nachahmung und Variationsentwicklung) aus. Zu den besten Werken Glasunows gehört auch das Konzert für Violine und Orchester (1904).

Glasunows Beitrag zur Kammerinstrumentalmusik sowie zur Ballettgattung (Raymonda. 1897 usw.) ist bedeutend. In Anlehnung an die Traditionen von Tschaikowsky vertiefte Glasunow die Rolle der Musik im Ballett und bereicherte seinen Inhalt. Glasunov ist verantwortlich für die Arrangements russischer, tschechischer, griechischer Hymnen und Lieder. Zusammen mit Rimsky-Korsakov vollendete er die Oper "Prinz Igor" und nahm den 1. Teil von Borodins 3. Sinfonie auswendig auf. Mitwirkung bei der Vorbereitung der Veröffentlichung der Werke von M. I. Glinka. Orchestrierte die Marseillaise (1917), eine Reihe von Werken russischer und ausländischer Komponisten.

Nikolay Yakovlevich Myaskovsky

Nikolai Myaskovsky - russischer und sowjetischer Komponist (1881-1950).

Nikolai Yakovlevich Myaskovsky gehörte neben Prokofjew und Strawinsky zu den Komponisten, die die Stimmung der kreativen Intelligenz Russlands in der vorrevolutionären Zeit widerspiegelten. Sie traten nach dem Oktober in Russland mit den Rechten alter Spezialisten ein, und angesichts des Terrors um sie herum, der sich gegen ihresgleichen richtete, konnten sie das Gefühl der Komplexe nicht loswerden. Trotzdem haben sie ehrlich (oder fast ehrlich) erschaffen und die Realität um sie herum widergespiegelt.

Die damalige Presse schrieb: „Die 27. Symphonie ist das Werk eines sowjetischen Künstlers. Du vergisst es nicht einmal für eine Minute “. Er gilt als Leiter der sowjetischen Sinfonieschule. Musikalische Werke von Myaskovsky spiegeln ihre Zeit wider, insgesamt schrieb er 27 Sinfonien, 13 Quartette, 9 Klaviersonaten und andere Werke, von denen viele zu Meilensteinen der sowjetischen Musik wurden. Der Komponist zeichnete sich durch eine Verschmelzung intellektueller und emotionaler Prinzipien aus. Myaskovskys Musik ist originell, geprägt von der Konzentration des Denkens und gleichzeitig von der Intensität der Leidenschaften. In unserer Zeit kann man sich anders auf das Werk von N. Myaskovsky beziehen, aber zweifellos spiegeln 27 seiner Symphonien das Leben der Sowjetzeit recht vollständig wider.

Nikolay Rimsky-Korsakov

Nikolai Rimsky-Korsakov - russischer Komponist (1844-1908)

Das Werk des großen Komponisten N. Rimsky-Korsakov, das fast ausschließlich dem 19. Jahrhundert zuzurechnen ist, ist wie ein Nadelstich ins 20. Jahrhundert: Er lebte und arbeitete acht Jahre in diesem Jahrhundert. Der Komponist verbindet wie eine Brücke zwei Jahrhunderte Weltmusik. Die Figur von Rimsky-Korsakov ist auch deshalb interessant, weil er im Wesentlichen Autodidakt war.

Georgy Wassiljewitsch Sviridov

Georgy Vasilyevich Sviridov - sowjetischer Komponist, Pianist (1915-1998).

Die Musik von Georgy Sviridov ist aufgrund ihrer Einfachheit leicht von den Werken anderer Komponisten zu unterscheiden. Aber diese Einfachheit ist eher lakonisch. Sviridovs Musik hat eine unprätentiöse Ausdruckskraft, aber sie ist im Wesentlichen ausdrucksstark und nicht in der Form, die mit verschiedenen Freuden gefärbt ist. Sie hat eine reiche innere Welt, ihre echten Emotionen sind zurückhaltend ... Sviridovs Musik ist leicht verständlich, das heißt international, aber gleichzeitig zutiefst patriotisch, da das Thema Mutterland sie wie ein roter Faden durchzieht. G. Sviridov, so sein Lehrer D. Schostakowitsch, „nie müde, eine neue musikalische Sprache zu erfinden“, auf der Suche nach „neuen visuellen Mitteln“. Daher gilt er als einer der interessantesten Autoren des 20. Jahrhunderts.

G. Sviridov war oft als Komponist bekannt, dessen Vokalwerke schwer aufzuführen sind. Seit Jahrzehnten sammelt sich die Musik in seinen kreativen Lagerhäusern und wartet auf ihre Interpreten. Die traditionelle Spielweise von Sviridovs Musik passte oft nicht; der Komponist selbst sagte, dass die Neuheit und Komplexität seiner Vokalmusik darauf zurückzuführen ist, dass die Sprache selbst ständig verbessert wird. In dieser Hinsicht erinnerte er an die alten, einst berühmten und modischen Schauspieler und Dichter ihrer Zeit. „Heute, - behauptete Sviridov, - werden sie auf uns keinen so starken Eindruck machen. Ihre Sprache wird uns entweder manieriert, manchmal niedlich, manchmal zu einfach erscheinen. Der Dichter Igor Severyanin war sowohl in der Bildsprache als auch im Vokabular modern, und jetzt wird er als so etwas wie ein Museum wahrgenommen." Neue Sprachmerkmale störten die Sänger oft, aber in dieser Richtung, so Sviridov, sollte man arbeiten.

Vielleicht hat niemand vor Sviridov so viel getan, um Vokalgenres zu entwickeln und zu bereichern - Oratorium, Kantate, Chor, Romantik ... Damit gehört G. Sviridov zu den führenden Komponisten nicht nur auf russischer, sondern auch auf globaler Ebene.

Igor Strawinsky

Strawinsky Igor Fedorovich - russischer Komponist, Dirigent (1882-1971).

Strawinsky verbrachte die meiste Zeit seines Lebens außerhalb Russlands, aber er hörte nie auf, ein russischer Komponist zu sein. Er ließ sich von der russischen Kultur und der russischen Sprache inspirieren. Und er erlangte einen wahrhaft weltweiten Ruhm. Der Name Strawinsky war und bleibt auch denen im Ohr, die sich für Musik wenig interessieren. In die Weltgeschichte der Musikkultur des 20. Jahrhunderts ging er als großer Meister der Verbindung der musikalischen Traditionen der Moderne und der uralten Antike ein.

Die Werke von Strawinsky durchbrachen den etablierten Rahmen, veränderten die Einstellung zur Folklore. Sie halfen zu verstehen, wie ein durch das Prisma der Moderne wahrgenommenes Volkslied in den Händen eines Komponisten lebendig wird. Dank Komponisten wie Strawinsky entwickelte sich Ende des 20. Jahrhunderts das Prestige der Folklore Rose und der Ethnomusik.

Insgesamt schrieb der Komponist acht Orchesterpartituren für das Balletttheater: The Firebird, Petruschka, The Rite of Spring, Apollo Musaget, The Fairy Kiss, Playing Cards, Orpheus, Agon. Er schuf auch drei Ballettwerke mit Gesang: "Baika", "Pulcinella", "Les Noces".

Taneev Sergei Ivanovich

Romantik musikalischer Impressionismus

Taneev Sergei Ivanovich - russischer Komponist, Pianist, Lehrer (1856-1915).

Der Name dieses großen Musikers und Lehrers wird heute nur noch selten genannt, erweckt aber bei näherer Betrachtung echten Respekt. Als Komponist wurde er nicht berühmt, sondern widmete sein ganzes Leben dem Moskauer Konservatorium, bildete so zweifellos herausragende Musiker wie S. Rachmaninov, A. Skrjabin, N. Medtner, R. Glier, K. Igumnov und andere aus. Als Schüler von P. Tschaikowsky schuf S. Tanejew eine ganze Schule, die russische und sowjetische Komponisten von Komponisten auf der ganzen Welt unterschied. Alle seine Schüler setzten die Traditionen von Taneevs Symphonie fort. Viele berühmte Persönlichkeiten der Wende des 19. und 20. Jahrhunderts, wie Leo Tolstoi, nannten ihn ihren Freund und empfanden es als Ehre, mit ihm zu kommunizieren.

Tanejew kann mit Sokrates verglichen werden, der, ohne ernsthafte philosophische Werke zu schreiben, zahlreiche Studenten hinterließ.

Tanejew entwickelte viele Musiktheorien, schuf ein einzigartiges Werk "Bewegender Kontrapunkt des strengen Schreibens" (1889-1906) und seine Fortsetzung "Die Lehre über den Kanon" (Ende der 90er-1915). Jeder Künstler, der sein Leben der Kunst gewidmet hat, träumt davon, dass sein Name von den Nachkommen nicht vergessen wird. In den letzten Jahren seines Lebens war Tanejew sehr besorgt, dass er wenige Werke schrieb, die aus Inspiration entstanden wären, obwohl er viel und intensiv schrieb. Von 1905 bis 1915 schrieb er mehrere Chor- und Vokalzyklen, kammermusikalische Instrumentalstücke.

Dmitry Dmitrievich Schostakowitsch

Dmitry Dmitrievich Schostakowitsch - sowjetischer Komponist, Pianist (1906-1975).

Schostakowitsch war und bleibt ohne Zweifel der größte Komponist des 20. Jahrhunderts. Zeitgenossen, die ihn gut kannten, argumentierten, dass er etwa so argumentierte: Warum sich die Mühe machen, wenn die Nachkommen Sie noch aus musikalischen Werken kennen? Schostakowitsch hat die Beziehungen zu den Behörden nicht verschlechtert. Aber in der Musik protestierte er gegen persönliche Gewalt.

Er schrieb Symphonie Nr. 7 (der Belagerung Leningrads gewidmet).

Schostakowitsch sah mit eigenen Augen: Wie Menschen sterben, wie Flugzeuge und Bomben fliegen, versuchte er in seinem Werk "Symphonie Nr. 7" alle Ereignisse widerzuspiegeln, die Menschen erlebten.

Er spielte die Symphonie des Bolschoi-Sinfonieorchesters des Leningrader Rundfunkkomitees. In den Tagen der Belagerung verhungerten viele Musiker. Die Proben wurden im Dezember abgesagt. Als sie im März wieder aufgenommen wurden, konnten nur 15 geschwächte Musiker spielen. Trotzdem begannen die Konzerte bereits im April. Im Mai lieferte ein Flugzeug die Partitur der Symphonie in die belagerte Stadt. Um das Orchester aufzufüllen, wurden die fehlenden Musiker von der Front geschickt.

Schostakowitsch reagierte auf die faschistische Invasion mit der Symphonie Nr. 7 (1941), die der Stadt Leningrad gewidmet war und als Symbol des Kampfes gegen den Faschismus weltweit Anerkennung fand.

Impressionismus

Im letzten Drittel des 19. Jahrhunderts trat eine neue Richtung auf - der Impressionismus (französisch impressionisme, von Eindruck - "Eindruck"), zunächst tauchte sie in der französischen Malerei auf. Die impressionistischen Musiker strebten danach, subtile und komplexe Empfindungen zu vermitteln, suchten nach Raffinesse und Verfeinerung des Klangs. Deshalb standen sie der literarischen Symbolik nahe (70er Jahre des 19. Jahrhunderts - 10 Jahre des 20. Jahrhunderts), die ebenfalls aus Frankreich stammt.

Die Symbolisten erforschten die unbekannten und mysteriösen Sphären, versuchten, die "ideale Welt" zu kennen, die unter dem Deckmantel der Realität verborgen war. Impressionistische Komponisten wandten sich oft der Poesie und dem Drama des Symbolismus zu.

Der Begründer des musikalischen Impressionismus ist der französische Komponist, Pianist und Dirigent Claude Debussy (1862-1918). Harmonie (und nicht Melodie) stand in seinem Werk im Vordergrund, der Brillanz des Orchesterklangs wurde eine wichtige Rolle zugemessen. Die wichtigsten waren die Klangnuancen, die wie in der Malerei Stimmungen, Gefühle und Eindrücke widerspiegelten.

Die Komponisten strebten danach, zur Klarheit der Harmonien, zur Einfachheit von Melodien und Formen, zur Schönheit und Zugänglichkeit der musikalischen Sprache zurückzukehren. Sie wandten sich der Polyphonie zu, wiederbelebter Cembalomusik.

Max Reger

Die Züge der Spätromantik und des Neoklassizismus wurden in den Werken des deutschen Komponisten und Dirigenten Max Reger vereint. Er schrieb für Orgel, Orchester, Klavier, Violine, Bratsche, Kammerensembles. Reger bemühte sich, das Erbe des 18. Jahrhunderts, insbesondere die Erfahrung Johann Sebastian Bachs, zu begreifen, und griff in seinen Werken auf die musikalischen Bilder einer vergangenen Zeit zurück. Als Mann an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert sättigte Reger die Musik jedoch mit originellen Harmonien und ungewöhnlichen Klangfarben.

Neoklassizismus

Der Neoklassizismus wurde zu einer der Oppositionen zur romantischen Tradition des 19. Jahrhunderts sowie den damit verbundenen Strömungen (Impressionismus, Expressionismus, Verismus usw.). Darüber hinaus nahm das Interesse an Folklore zu, was zur Schaffung einer ganzen Disziplin führte - der Ethnomusikologie, die die Entwicklung der musikalischen Folklore untersucht und musikalische und kulturelle Prozesse in verschiedenen Völkern der Welt vergleicht. Manche wenden sich den Ursprüngen alter Kulturen zu (Karl Orff) oder setzen ganz auf Volkskunst (Leos Janacek, Bela Bartok, Zoltan Kodai). Gleichzeitig experimentieren Komponisten aktiv mit ihren Kompositionen und entdecken neue Facetten und Möglichkeiten harmonischer Sprache, Bilder und Strukturen.

Der Fall der ästhetischen Prinzipien des 19. Jahrhunderts, die politische und wirtschaftliche Krise zu Beginn des neuen Jahrhunderts trugen seltsamerweise zur Bildung einer neuen Synthese bei, die zum Eindringen anderer Kunstarten in die Musik führte: , Grafik, Architektur, Literatur und sogar Kinematografie. Die allgemeinen Gesetze, die die Komponistenpraxis seit der Zeit von I.S. Bach, wurden gebrochen und verwandelt.

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert ging ein langer und schwieriger Prozess der Beherrschung der Traditionen, Stile und Genres der europäischen Kultur durch russische Musiker zu Ende. Bis zum Ende des 19. Jahrhunderts. Die Konservatorien von St. Petersburg und Moskau haben sich zu soliden Bildungseinrichtungen entwickelt. Alle herausragenden Komponisten dieser Zeit und viele hervorragende Interpreten kamen aus ihren Mauern. Schulen von Instrumentalisten, Sängern und Tänzern sind entstanden. Russische Opern- und Ballettkunst eroberte das europäische Publikum. Eine wichtige Rolle in der Entwicklung des Musiktheaters spielten das Kaiserliche Mariinski-Theater in St. Petersburg und die Moskauer Private Russische Oper, die vom russischen Industriellen und Philanthropen Savva Ivanovich Mamontov (1841-1918) geschaffen wurde.

In der russischen Musik der Jahrhundertwende waren Züge der Spätromantik und des Impressionismus miteinander verflochten. Der Einfluss literarischer und künstlerischer Strömungen und vor allem der Symbolik war groß. Die großen Meister entwickelten jedoch ihre eigenen Stile. Ihr Schaffen lässt sich kaum einem bestimmten Trend zuordnen, was die Reife der russischen Musikkultur beweist.

Der erste Eindruck, den man beim Kennenlernen der Musik des 20.

Auch die Werke von 10-30 Jahren. XX Jahrhunderte scheinen zu angespannt und zu hart im Klang zu sein. Tatsächlich spiegelte die Musik des 20. Jahrhunderts, genau wie in früheren Jahrhunderten, die spirituelle und emotionale Welt der Menschen wider, weil sich das Tempo des Lebens eines Menschen beschleunigte, starrer und angespannter wurde.

Tragische Ereignisse und Widersprüche - Kriege, Revolutionen, wissenschaftlicher und technischer Fortschritt, Totalitarismus und Demokratie - haben nicht nur die emotionalen Erfahrungen der Menschen verschärft, sondern die Menschheit auch an den Rand der Zerstörung gebracht. Deshalb ist das Thema des Gegensatzes von Leben und Tod zum Schlüsselbegriff der Musik des 20. Jahrhunderts geworden. Als nicht weniger wichtig für die Kunst erwies sich das Thema der Selbsterkenntnis des Individuums.

Das 20. Jahrhundert war geprägt von vielen Neuerungen in Kunst und Literatur, die mit katastrophalen Veränderungen des öffentlichen Bewusstseins während der Zeit von Revolutionen und Weltkriegen verbunden waren. Am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts, und insbesondere in der Vor-Oktober-Dekade, zieht sich das Thema der Erwartung großer Veränderungen, die die alte, ungerechte Gesellschaftsordnung hinwegfegen sollen, durch die gesamte russische Kunst und insbesondere die Musik . Nicht alle Komponisten erkannten die Unvermeidlichkeit und Notwendigkeit der Revolution und sympathisierten mit ihr, aber jeder oder fast jeder spürte die Spannung vor dem Sturm.

Neue Inhalte erforderten wie üblich neue Formen, und viele Komponisten kamen auf die Idee einer radikalen Erneuerung der Musiksprache. Zunächst einmal gaben sie das traditionelle europäische Tonarten- und Tonartsystem auf. Das Konzept der atonalen Musik entstand. Dies ist Musik, bei der ein klares Tonalitätssystem nicht durch das Gehör bestimmt wird und Akkordakkorde (Harmonie) frei miteinander verbunden werden, ohne strenge Regeln zu beachten. Außergewöhnliche Klänge wurden zu einem weiteren wichtigen Merkmal der Musiksprache des 20. Jahrhunderts. Um die Bilder des modernen Lebens zu vermitteln, verwendeten sie ungewöhnliche Geräuscheffekte (Klackern und Schleifen von Metall, rumpelnde Werkzeugmaschinen und andere "industrielle" Geräusche) und erfanden neue Instrumente. Ein anderer Weg ergab jedoch interessantere Ergebnisse. Komponisten experimentierten mit traditionellen Instrumenten: Klangfarben mischen, in ungewöhnlichen Registern spielen, Techniken wechseln. Und es stellte sich heraus, dass ein klassisches Sinfonieorchester oder Opernformen das Leben einer Stadt mit seinem komplexen System von Klängen und Geräuschen perfekt abbilden können, und vor allem - unvorhersehbare Gedankengänge und "Knicke" der menschlichen Psyche am Ende der 2. Jahrtausend.

Eine innovative Suche führte jedoch keineswegs zur Aufgabe der Tradition. Es war das 20. Jahrhundert, das das musikalische Erbe vergangener Epochen wiederbelebte. Nach zweihundertdreihundert Jahren des Vergessens erklangen wieder die Werke von Monteverdi, Corelli und Vivaldi, deutschen und französischen Meistern des 17. Jahrhunderts.

Die Einstellung zur Folklore hat sich radikal geändert. Im XX. Jahrhundert taucht ein neuer Trend auf - Neofolklorismus (vom griechischen "neos" - "neu" und "folklore"). Seine Anhänger forderten die Verwendung von Volksliedern, die in den abgelegenen ländlichen Gebieten aufgenommen und nicht auf städtische Weise "geglättet" wurden. In das komplexe Gefüge einer Symphonie, Sonate oder Oper eintretend, brachte ein solches Lied eine beispiellose Leidenschaft, einen Reichtum an Farben und Intonationen in die Musik ein.

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert formierte sich in der europäischen Kultur eine neue künstlerische Richtung - der Expressionismus (von lat. expressio - "Ausdruckskraft"). Seine Vertreter spiegelten in ihren Werken die tragischen Ansichten eines Mannes aus der Zeit des Ersten Weltkriegs - Verzweiflung, Schmerz, Angst vor der Einsamkeit. "Kunst ist ein Hilferuf derer, die das Schicksal der Menschheit in sich selbst erfahren", schrieb der Begründer des musikalischen Expressionismus, Arnold Schönberg (1874-1951).

Arnold Schönberg

Der musikalische Expressionismus entwickelte sich in Österreich, genauer gesagt in seiner Hauptstadt Wien. Ihre Schöpfer sind Arnold Schönberg, Alban Berg und Anton Webern. Die kreative Gemeinschaft der Komponisten ist unter dem Namen Neue Wiener (Novovensk) Schule in die Musikgeschichte eingegangen. Jeder der Meister hat seinen eigenen Weg in der Kunst gegangen, aber ihre Werke haben viel gemeinsam. Zuallererst - der tragische Geist der Musik, die Sehnsucht nach akuten Erfahrungen und tiefen Erschütterungen. Darauf folgt eine intensive spirituelle Suche, der unbedingte Wunsch, religiöse und moralische Ideale zu finden, die von der Mehrheit der modernen Menschen verloren gegangen sind. Schließlich entwickelten alle drei Komponisten eine einheitliche Methode zum Komponieren von Musik – das Dodekaphonsystem, das die traditionellen Vorstellungen über die modale und harmonische Struktur eines Stückes dramatisch veränderte.

Schönbergs Werk löst ein Hauptproblem – es drückt menschliches Leid durch Musik aus. Schwere, quälende Vorahnungen, ein Gefühl tristen Schreckens werden bereits in einem frühen Werk - Five Pieces for Orchestra (1909) hervorragend vermittelt. In Stimmung und Form sind dies kammermusikalische Präludien, aber sie wurden für ein großes Sinfonieorchester geschrieben, und dünne, transparente Klangsätze wechseln sich in ihnen mit kraftvollen "Rufen" von Bläsern und Paukenschlägen ab.

Das Ergebnis von Schönbergs Reflexionen über die Ereignisse des Zweiten Weltkriegs war die Kantana "Der Überlebende von Warschau" (1947) für Leser, Chor und Orchester. Als Text dienten authentische Augenzeugenberichte über das Massaker der Nazis an den Bewohnern des jüdischen Ghettos in Warschau. Die Musik dieses groß angelegten Werks, das auf einer Reihe aufgebaut ist, wird in den besten Traditionen des Expressionismus getragen – sie ist komplex, tragisch und zutiefst emotional. Der Komponist scheint zu versuchen, seine Helden im Angesicht Gottes und der Ewigkeit zu präsentieren und damit zu zeigen, dass ihr Leiden nicht umsonst war. Die Kantate endet mit dem Singen eines Gebets, und ihre Musik, die auf den Klängen derselben Reihe basiert, wächst organisch aus der tragischen Dunkelheit der vorherigen Teile.

Avantgarde

Die neuen Bedingungen der gesellschaftlichen Realität wirkten sich auf die gesamte künstlerische Kultur als Ganzes aus, indem sie einerseits der klassischen Tradition einen neuen Atemzug gaben und andererseits eine neue Kunst - Avantgarde (von der französischen „Avantgarde“ – Vorangehen) oder Moderne (von lat. „modernus“ – neu, modern), die das Gesicht der Zeit am besten widerspiegeln. Der Begriff „Moderne“ bezeichnet im Wesentlichen künstlerische Strömungen, Bewegungen, Schulen und Aktivitäten einzelner Meister des 20.

Die Bewegung der musikalischen Avantgarde umfasst die 50-90er Jahre. XX Jahrhundert. Es entstand nach dem Zweiten Weltkrieg keineswegs zufällig: Die Erschütterungen des Krieges und dann eine scharfe Veränderung der Lebensweise führten zu Enttäuschungen über die moralischen und kulturellen Werte früherer Epochen. Vertreter der Generation der 50-60er Jahre. Ich wollte mich frei von Traditionen fühlen, meine eigene künstlerische Sprache schaffen.

Musikalische Avantgarde bezieht sich normalerweise auf die sogenannte Konkrete Musik, die auf der Freiheit der tonalen Konsonanzen basiert und nicht auf der harmonischen Reihe: Der Sonorismus ist eine der Arten der modernen Komponistentechnik, die hauptsächlich bunte Klänge verwendet (lateinisch „sonorus“ - klangvoll, geräuschvoll) und peinlich genaue Tonhöhenverbindungen praktisch ignorierend, elektronische Musik. Die ersten Recherchen in Richtung Avantgarde wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts von dem russischen Komponisten A.N. Skrjabin. Seine Musik eroberte manche Hörer mit inspirierender Kraft, andere empörte durch ihre Ungewöhnlichkeit.

EIN. Skrjabin

Die Suche nach neuen Kreativitätsmethoden hat viele ungewöhnliche Stile hervorgebracht. Komponisten verwenden elektronische Aufnahme- und Tonwiedergabetechniken - ein Tonbandgerät, einen Synthesizer und in den letzten Jahren einen Computer - als "klassische" Instrumente. Das Aufkommen der elektronischen Musik entstand aus dem Wunsch, Millionen von Pop- und Rockliebhabern (bei denen elektronische Instrumente eine führende Rolle spielen) auf die "Klassiker" aufmerksam zu machen. Komponisten, die in diesem Bereich tätig sind, haben jedoch auch ein anderes Ziel. Sie versuchen das komplexe Verhältnis des Menschen zur Welt der Technik zu erforschen, die das Bewusstsein der Menschen zunehmend unterwirft. Der "Live"-Dialog des Musikers mit seinem elektronischen "Double" in den begabtesten Werken bekommt eine tiefe symbolische Bedeutung.

Hepening

Seit den 50er Jahren. in der Musik gibt es wie in anderen Kunstformen (zum Beispiel im Theater) eine Richtung wie Happening (aus dem Englischen Happening - "happening", "happening"). Als Quelle kann das Werk "4" 33 "(1954) des amerikanischen Komponisten John Cage (geb. 1912) angesehen werden. Ein Pianist betritt die Bühne, der vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden ... schweigend am Klavier sitzt, dann steht auf und geht Teil der Pläne des Autors, aber es war kein Selbstzweck. , Cage hat die Phänomene der umgebenden Realität in ein Musikstück verwandelt: die Stille im Vorgriff auf den Spielbeginn, die Geräusche der Zuhörer (Husten, Flüstern, Knarren von Stühlen usw.) Das Publikum und der Musiker agierten so spontan sowohl als Performer als auch als Autoren Die Musik wurde von einem auditiven Bild in ein visuelles Bild verwandelt, das später zu einem Markenzeichen von Happening wurde: der Aufführung des Stückes wird tatsächlich zu einer lautlosen Pantomime. John Cage

Die Musikkunst des 20. Jahrhunderts steckt voller innovativer Ideen. Es markiert einen grundlegenden Wandel in allen Aspekten der musikalischen Sprache. Im 20. Jahrhundert diente die Musik oft als Reflexionsquelle für schreckliche epochale historische Ereignisse, deren Zeugen und Zeitgenossen die meisten der großen Komponisten dieser Zeit waren, die zu Erneuerern und Reformern wurden.

FAZIT

So war das 20. Jahrhundert ein Jahrhundert der musikalischen Vielfalt. Die Musik des 20. Jahrhunderts spiegelte wie in den vergangenen Jahrhunderten die spirituelle und emotionale Welt der Menschen wider, denn das Lebenstempo eines Menschen wurde beschleunigt, starrer und angespannter.

Tragische Ereignisse und Widersprüche - Kriege, Revolutionen, wissenschaftlicher und technischer Fortschritt, Totalitarismus und Demokratie - haben nicht nur die emotionalen Erfahrungen der Menschen verschärft, sondern die Menschheit auch an den Rand der Zerstörung gebracht. Deshalb ist das Thema der Konfrontation von Leben und Tod zu einem zentralen Thema der Musik des 20. Jahrhunderts geworden.

Als nicht weniger wichtig für die Kunst erwies sich das Thema der Selbsterkenntnis des Individuums. Vertreter immer mehr Generationen wollten sich von Traditionen frei fühlen, eine eigene künstlerische Sprache schaffen.

Die Musikkunst des 20. Jahrhunderts ist ungewöhnlich voluminös. Vielleicht gibt es keinen einzigen historischen Musikstil, der sich nicht irgendwie im bunten musikalischen Kaleidoskop des 20. Jahrhunderts widerspiegeln würde. In dieser Hinsicht ist das Jahrhundert zu einem Meilenstein geworden. Alles, was sich in den vergangenen Jahrhunderten der Musikentwicklung angesammelt hatte, und die ganze Originalität der nationalen Musikkulturen wurde plötzlich Allgemeingut.

Jede Zeit hat uns ihre Genies präsentiert. Seien es die Komponisten des 19. oder 20. Jahrhunderts, ihre Werke haben bereits ihren Meilenstein in der Geschichte der Menschheit gesetzt und sind nicht nur in der Musik zum Vorbild für alle Generationen geworden, und trotz der Vorschrift ihrer Schöpfung sind sie berufen, zu dienen zur Freude der Menschen.

REFERENZLISTE

1. Belyanva-Ekzemlyarskaya S.N. Musikalische Erfahrungen im Vorschulalter, vol. 1., - M.: Bildung, 1961.

2. Vetlugina N.A. Musikalische Entwicklung des Kindes. - M.: Bildung, 1968.

3. Die Zeitschrift "Vorschulerziehung" №5-1992 Jahr. Einführung von Vorschulkindern in die russische Nationalkultur.

4. Komissarova Visuelle Hilfsmittel in der musikalischen Bildung von Vorschulkindern. - M.: Bildung, 2000.

5. Mein Zuhause. Programm der moralischen und patriotischen Erziehung von Vorschulkindern. Verlag "Mosaik" - Synthese, Moskau, 2005

6. Teplov B. M. Psychologie der musikalischen Fähigkeiten., 1947.

7. Teplov B. M. Probleme individueller Unterschiede. -M.: Bildung, 1961,-S. 231.

8. Orff K. Das System der musikalischen Bildung. - M.-L. 1970. S.21.

9. Forrai K. Der Einfluss der musikalischen Bildung auf die Persönlichkeitsentwicklung eines Vorschulkindes // Musikalische Bildung in der modernen Welt //, 1973.

Unter diesen Melodien gibt es ein Motiv für jede Stimmung: romantisch, positiv oder trist, um sich zu entspannen und an nichts zu denken, oder umgekehrt, um Gedanken zu sammeln.

twitter.com/ludovicoeinaud

Der italienische Komponist und Pianist arbeitet in Richtung Minimalismus, wendet sich oft dem Ambient zu und kombiniert die Klassiker gekonnt mit anderen Musikstilen. Er ist weithin bekannt für atmosphärische Kompositionen, die zu Soundtracks für Filme wurden. Zum Beispiel kennen Sie wahrscheinlich die Musik von dem französischen 1 + 1-Band, das von Einaudi geschrieben wurde.

themagger.net

Glas ist eine der umstrittensten Persönlichkeiten in der Welt der modernen Klassiker, die manchmal in den Himmel erhoben und dann in Stücke gerissen wird. Seit einem halben Jahrhundert ist er mit seiner eigenen Gruppe, dem Philip Glass Ensemble, zusammen und hat für über 50 Filme Musik geschrieben, darunter The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life und Fantastic Four. Die Melodien des amerikanischen Minimalkomponisten verwischen die Grenze zwischen Klassik und Popmusik.

latimes.com

Er ist Autor vieler Soundtracks, der beste Filmkomponist des Jahres 2008 laut European Film Academy und ein Post-Minimalist. Überwältigte Kritiker vom ersten Album Memoryhouse, in dem Richters Musik die Gedichtlesung überlagert, und in den folgenden Alben wurde auch fiktive Prosa verwendet. Neben seinen eigenen Ambient-Kompositionen arrangiert er Werke von Klassikern: Vivaldis Seasons führte in seinem Arrangement die iTunes Klassik-Charts an.

Dieser Schöpfer instrumentaler Musik aus Italien wird nicht mit dem gefeierten Kino in Verbindung gebracht, aber ansonsten ist er als Komponist, Virtuose und erfahrener Klavierlehrer bekannt. Wenn Sie die Musik von Marradi mit zwei Worten beschreiben, werden es die Worte "sinnlich" und "magisch" sein. Seine Kreationen und Cover werden Liebhaber von Retro-Klassikern ansprechen: In den Motiven leuchten die Noten des letzten Jahrhunderts.

twitter.com/coslive

Der renommierte Filmkomponist hat Musik für viele umsatzstarke Filme und Cartoons geschaffen, darunter Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, The Lion King. Sein Star prangt auf dem Hollywood Walk of Fame, und in seinem Regal stehen Oscars, Grammy und Golden Globes. Zimmers Musik ist so unterschiedlich wie diese Filme, aber unabhängig von der Tonart nimmt sie das Lebendige an.

musicaludi.fr

Hisaishi ist einer der berühmtesten japanischen Komponisten, der vier japanische Oscars für die beste Filmmusik erhalten hat. Berühmt wurde er durch das Schreiben des Soundtracks für Hayao Miyazakis Anime "Nausicaä of the Valley of the Wind". Wenn Sie ein Fan von Studio Ghibli oder Takeshi Kitanos Tonbändern sind, dann werden Sie sicherlich Hisaishis Musik bewundern. Es ist meistens hell und hell.

twitter.com/theipaper

Dieser isländische Multi-Instrumentalist ist im Vergleich zu den aufgeführten Meistern nur ein Junge, aber mit seinen 30 Jahren hat er es geschafft, ein anerkannter Neoklassizist zu werden. Er hat eine Ballettbegleitung aufgenommen, einen BAFTA für den Soundtrack zur britischen TV-Serie Murder on the Beach gewonnen und 10 Studioalben veröffentlicht. Arnalds' Musik erinnert an den rauen Wind an einer einsamen Küste.

yiruma.manifo.com

Die bekanntesten Werke von Lee Roo Ma sind Kiss the Rain und River Flows in You. Der koreanische New-Age-Komponist und Pianist schreibt populäre Klassiker, die von Hörern auf jedem Kontinent, mit jedem Musikgeschmack und jeder Ausbildung verstanden werden können. Seine leichten und sinnlichen Melodien wurden für viele zum Beginn der Liebe zur Klaviermusik.

Dustin O'Helloran

fraktair.com

Der amerikanische Komponist ist insofern interessant, als er keine musikalische Ausbildung hat, aber gleichzeitig die angenehmste und recht populäre Musik schreibt. O'Hallorans Melodien wurden in Top Gear und mehreren Filmen vorgestellt. Das vielleicht erfolgreichste Soundtrack-Album war das Melodram "Like Crazy". Aber sein Hauptgebiet sind moderne Klassiker. Cacchapaglia hat zahlreiche Alben aufgenommen, drei davon mit dem Royal Philharmonic Orchestra. Seine Musik fließt wie Wasser, es wird toll sein, sich darunter zu entspannen.

Welche anderen zeitgenössischen Komponisten es wert sind, gehört zu werden

Wenn du das Epos liebst, füge Klaus Badelt, den Mitschöpfer von Fluch der Karibik mit Zimmer, zu deiner Playlist hinzu. Ebenfalls nicht zu übersehen sind Jan Kaczmarek, Alexander Desplat, Howard Shore und John Williams – Sie müssen einen separaten Artikel schreiben, um alle ihre Arbeiten, Erfolge und Auszeichnungen aufzulisten.

Wenn Sie mehr köstlichen Neoklassizismus wollen, werfen Sie einen Blick auf Niels Frahm und Sylvain Chauot.

Wer vermisst, denkt an den Schöpfer des Soundtracks zu „Amelie“ von Jan Tiersen oder entdeckt den japanischen Komponisten Tammon: Er schreibt luftige, sagenhafte Melodien.

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