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Malerei – Ansicht des abgebildeten Bildes im Flugzeug; pr-e is-va, hergestellt mit Farben, die auf jede Oberfläche aufgetragen werden. Vorteil: Darstellung eines Menschen in seinen vielfältigen Beziehungen zur Umwelt. Zh-s ist in der Lage, Volumen und Raum in einem Flugzeug zu vermitteln, was schwierig zu erkennen ist. die Welt der Gefühle und Charaktere der Menschen. Der bildnerische Ansatz ist die Darstellung eines Objekts in Verbindung mit seiner umgebenden räumlichen Licht-Luft-Umgebung, in feinster Abstufung tonaler Übergänge.

Arten der Malerei von Zweck: monumental (der älteste Typ) und monumental-dekorativ, Staffelei, Miniatur, Ikonographie, theatralisch und dekorativ, Kunst und Handwerk. Ikonographie und Miniatur (Illustration eines handgeschriebenen Buches) – mittelalterliche Kunst. Staffeleikunst - Renaissance.

Typen nach Technologie. Monumentale Maltechniken: Fresko(Technik des Malens mit Wasserfarben auf nassem Putz; Wandmalerei); Panel(Bild zum Dekorieren einer Wand oder Decke); Mosaik(ein Bild oder Muster von Partikeln aus homogenen oder unterschiedlichen Materialien: Stein – Kieselsteine, Smalt – Glaslegierung, Keramikfliesen); Buntglas(Kompositionen aus farbigem Glas); Grisaille(Erzeugt die Illusion von Erleichterung). Staffelei-Maltechniken: andere Ausrüstung Enkaustik(Wachsmalerei im Heißverfahren mit geschmolzenen Farben); Tempera(Die grundlegende Methode der Ikonenmalerei ist das Malen auf Eigelb); Öl zh-s (materielle Greifbarkeit des Bildes - Renaissance); Pastell(verwenden Sie trockene, weiche Buntstifte ohne Rand); Aquarell(Verwendung von Farben auf Wasserbasis, die schnelles und präzises Arbeiten erfordern); Gouache(Verwenden Sie Wasserfarben mit Zusatz von Leim und Weiß; nach dem Trocknen werden die Töne heller).

Fick dich Themen: religiös-mythologisch und weltlich. Das Gattungssystem der weltlichen Literatur des 17. Jahrhunderts: Porträt– Einzelperson, Paar und Gruppe, zeremoniell und intim, psychologisch und Genre, außerhalb der Umgebung und in der Umgebung. Umgebung, Selbstporträt. Die Porträtkunst geht auf die antike Ritualkultur (Fayum-Kultur) zurück. Landschaft– als eigenständiges Genre erschien in ägyptischen Gemälden. Blütezeit – Kunst des 19. Jahrhunderts: romantisch und realistisch – nationale Landschaft (lyrisch und episch), Freilicht, Stimmung, philosophisch. Ländliches und städtisches (Vedute - venezianisches Stadtdorf des 18. Jahrhunderts - Canaletto, Guardi) Dorf, Meer. Stillleben- Darstellungen unbelebter Gegenstände und natürlicher Formen – Früchte, Blumen, Gerichte. Blütezeit des Genres: Flämisch (Ladengenre), Niederländisch (Frühstücks- bzw Vanita- „Eitelkeit der Eitelkeiten“, Bild mit einem Totenkopf) und spanische Kunst des 17. Jahrhunderts. → in der Avantgarde-Kunst. Animalisch Genre – Darstellung von Lebewesen, Vögeln, Fischen (historische, allegorische, Schlacht-, Alltagsgenres). Nackt– Darstellung eines nackten Körpers: geht auf die mythologische Geschichte zurück. Der Impressionismus ist eine Mischung verschiedener Genres.

Äußern. Heiraten: Zeichnung (Linie), Farbe (Farbe), Hell-Dunkel, Komposition. Farbe– Farbstruktur des PR-I, Charakter der Beziehung der Farbelemente. Es gibt warm-kalte, hell-dunkle, ruhige-intensive Farben. Malerei– Staffelei pr-e zh-si, was eine eigenständige Bedeutung hat. Die östliche Art der Malerei ist die traditionelle Form einer frei hängenden, entfalteten Seidenrolle (horizontal oder vertikal). Das Gemälde besteht aus einem Untergrund (Leinwand – Leinen, Holzbrett, Karton), auf den zur Vorbereitung eine Grundierung aufgetragen wird. spezielle Schicht Zusammensetzung (Klebstoff, Öl, Emulsion) und Farbschicht. Einschichtig oder mehrschichtig einsetzbar. Sie unterscheiden sich anhand der Textur (har-ru auf der Farbschicht). Wert Und pastös Wow. Valeur ist eine tonale Nuance, ein subtiler Unterschied in der Helligkeit der ersten Farbe, der die Beziehung von Figuren, Objekten zu Licht und Luft vermittelt (D. Velazquez, Jan Wermeer aus Delft, J.B. Chardin, C. Corot, V. Surikov). Pastöse Farbe – zum Arbeiten mit dichten Schichten, Textur, Relief, Farbvolumen (Tizian, Rembrandt, V. van Gogh). Komposition des Gemäldes: Einteilung in Nah-, Mittel- und Fernplan, Pyramidenkomposition (Klassizismus); Diagonale (Barock, Romantik, Realismus); Unterteilung in Haupt- und Nebenelemente oder das Fehlen dieser Unterteilung (Impressionismus). Staffage- kleinere Elemente einer Bildkomposition - Darstellungen kleiner Figuren von Menschen oder Tieren, die keine Handlungsrolle spielen.

Malerei- eine Art bildender Kunst, die mit der Übertragung visueller Bilder durch das Auftragen von Farben auf eine harte oder flexible Oberfläche verbunden ist. Es gibt zwei Arten von Malerei: Staffelei und Monumentalmalerei. Zur Staffeleimalerei gehören Werke, die unabhängig vom Entstehungsort existieren. Im Grunde handelt es sich dabei um Gemälde, die auf der Staffelei (also der Maschine) des Künstlers entstanden sind. Bei der Staffeleimalerei überwiegen Arbeiten mit Ölfarben, es können aber auch andere Farbstoffe (Tempera-, Acrylfarben etc.) verwendet werden. Gemälde werden in der Regel auf Leinwand gemalt, die über einen Rahmen gespannt oder auf Karton geklebt ist, auf Pappe; früher waren Holzbretter weit verbreitet; es können alle flachen Materialien verwendet werden. Monumentale Malerei wird direkt an Wänden und Decken von Gebäuden und anderen Bauwerken ausgeführt. Früher herrschte das Malen mit wasserbasierten Farben auf nassem Putz (Fresko) vor. In Italien war es bis zum Beginn des 16. Jahrhunderts üblich, Details in Tempera auf einem getrockneten „sauberen Fresko“ zu registrieren. Die Technik des „reinen Freskos“ erfordert besondere Fähigkeiten des Künstlers, daher kamen auch andere Technologien zum Einsatz, zum Beispiel das nicht so stabile Malen auf trockenem Putz – Secco; später wurden Gemälde mit Ölfarben angefertigt, die für die Monumentalmalerei nicht sehr geeignet waren. Farbige Bilder auf Papier (Aquarell, Gouache, Pastell usw.) werden formal (z. B. nach ihrem Platz in der Sammlung) als Grafiken klassifiziert, diese Werke werden jedoch häufig als Gemälde betrachtet. Alle anderen Farbbildmethoden werden als Grafiken klassifiziert, einschließlich der mithilfe von Computertechnologie erstellten Bilder. Am häufigsten werden Kunstwerke auf ebenen oder nahezu ebenen Flächen wie Leinwand, Holz, auf Keilrahmen gespanntem Leinen, behandelten Wandflächen usw. ausgeführt. Es gibt auch eine enge Interpretation des Begriffs Malerei wie Arbeiten mit Ölfarben auf Leinwand, Karton, Hartfaserplatte und anderen ähnlichen Materialien. Russisches Wort Malerei weist auf den Realismus dieser Kunst im Barock hin, als in Russland mit der Malerei im westlichen Stil begonnen wurde, hauptsächlich mit Ölfarben. In der Ikonenmalerei wird wie in der griechischen Sprache das Verb „schreiben“ verwendet. Zugleich kann „Malerei“ als eine energische, originelle Schreibweise, also als eine Art des Schreibens, verstanden werden. Im Zusammenhang zwischen Malerei und Schrift sehen Semiotiker auch eine bestimmte Art der Zeichenerzeugung. Geschichte der Malerei entwickelt und wandert genau in diesen beiden Bedeutungen: im Figurativen, im Realismus und im Symbolismus: von der Ikone (dem Bild) zur Abstraktion. Techniken und Richtungen der Malerei: Öl; Tempera; Emaille; Gouache (da der Künstler Papier als Hauptmaterial verwendet, charakteristisch für grafische Arten der bildenden Kunst – wird es auch als Grafik klassifiziert; dies wird auch durch die Verwendung des letzteren belegt monochrome Werke erstellen); Pastell (zu dieser Technologie ist eine ähnliche Bemerkung wie zur vorherigen berechtigt); Tinte (und kann in diesem Fall, wie auch in den beiden vorherigen, nicht eindeutig der Grafik zugeordnet werden; im Osten Beispielsweise wird die Kalligraphie, die hauptsächlich dieses Material verwendet, traditionell als Malerei betrachtet, während in der akademischen chinesischen Malerei jedoch überwiegend Tinte verwendet wurde – ein achromatischer Bereich); Malerei auf Gips: Fresko und Secco; Sfumato-Leimmalerei; Wachsmalerei: Enkaustik, Wachstempera und Kaltverfahren (Wachsfarben auf Terpentin); Malen mit Keramikfarben; Malen mit Silikatfarben; Aquarellmalerei (Aquarelltechniken sind unterschiedlich, einige Techniken ähneln eher der Malerei, andere eher der Grafik; daher ist es kein Zufall, dass der Thesaurus den folgenden Satz enthält: „Mit Wasserfarbe malen“) trockener Pinsel; Acryl; Mischtechnik;Maltechniken sind nahezu unerschöpflich. Alles, was Spuren auf etwas hinterlässt, ist streng genommen Malerei: Malerei entsteht durch Natur, Zeit und Mensch. Dies wurde bereits von Leonardo da Vinci festgestellt. Traditionelle Maltechniken: Enkaustik, Tempera (mit Ei), Wand (Kalk), Leim und andere Arten. Seit dem 15. Jahrhundert erfreut sich die Ölmalerei großer Beliebtheit; Im 20. Jahrhundert erschienen synthetische Farben mit einem Polymerbindemittel (Acryl, Vinyl usw.). Farben können aus natürlichen und künstlichen Pigmenten hergestellt werden. Gouache, Aquarell, Tusche und Halbzeichnungstechnik – Pastell – werden ebenfalls zur Malerei gezählt. Das Malen kann auf jedem Untergrund erfolgen: auf Stein, Gips, auf Leinwand, Seide, auf Papier, auf Haut (einschließlich auf dem Körper eines Tieres oder einer Person – Tätowierungen), auf Metall, auf Asphalt, Beton, Glas, Keramik, usw. usw. usw. Malerei trifft auf und koexistiert mit den bildenden Künsten, einschließlich Architektur, Skulptur; es kann an der Gestaltung der künstlichen und natürlichen Umwelt beteiligt sein. Die Malerei ist wie andere bildende Künste illusorisch: Sie ist eine Nachahmung des dreidimensionalen Raums in einer Ebene, die durch lineare und farbige Perspektive erreicht wird. Aber ihr visueller und auch farblicher Aspekt (das Auge nimmt augenblicklich nahezu unendlich viele Informationen wahr) bestimmt den außergewöhnlichen Platz der Malerei unter allen bildenden Künsten. Gleichzeitig ist die Entwicklung von Kunst, visuellen Methoden und Ausdrucksmitteln längst über das Verständnis ihrer Hauptaufgaben – der „Wiedergabe der Realität“ – hinausgegangen. Plotin sagt auch: „Kopieren Sie nicht die Natur, sondern lernen Sie von ihr“; und dieses Prinzip hat viele Künstler über viele Jahrhunderte hinweg geleitet. Die Aufgaben der Malerei implizieren daher nicht nur eine solche Organisation des Raumes auf einer Ebene, die durch die Nachbildung einer dreidimensionalen Umgebung darauf geleitet und begrenzt wird; darüber hinaus wurden bestimmte Methoden lange Zeit als „Sackgassen“ in der Ebene wahrgenommen Entwicklung der Kunst (im Kontext des Verstehens und Überdenkens der Angemessenheit der Wahrnehmung). Die Flächigkeit hat wie die Farbe eine unabhängige Integrität und einen unabhängigen Wert; zusammen bestimmen sie ihre Bedingungen in der Synthese der Formen und auf der Ebene als solcher und in der Interaktion mit dem dreidimensionalen Zeitraum. Der Künstler kann sich nicht mehr mit einer Reihe illusorischer Techniken („Illusionismus“) zufrieden geben, er folgt den Bedürfnissen eines neuen Verständnisses von Schönheit, verzichtet auf irrelevante Methoden des Selbstausdrucks und der Beeinflussung des Betrachters und sucht nach neuen Formen davon, kehrt dialektisch zum Besten des Verworfenen zurück und kommt so zum Verständnis und zur Umsetzung neuer Werte. Ein solches Verständnis der Methoden und technischen, ausdrucksstarken Aufgaben der Kunst wurde unter anderen Theoretikern und Meistern V. A. Favorsky und Fr. gepflegt. Pavel Florensky und anschließend unabhängig von V. A. Favorsky selbst entwickelt. Natürlich ist dies nicht der einzig „richtige“ Weg für die Entwicklung moderner Kunst und Malerei, dennoch sind viele Bestimmungen einer solchen Vision sehr überzeugend und produktiv. Was den Trugschluss des strikten Ausschlusses der Malerei aus der bildenden Kunst betrifft, so ist auch die Theorie der „orthodoxen“ Kunstkritik längst einer Neubewertung unterzogen worden. Dies wird nicht in einer komplizierten konzeptionellen Studie, sondern in der „Popular Art Encyclopedia“ gesagt: „Die bildenden Künste sind wiederum in figurative und nicht-figurative unterteilt. Zu den ersten gehören Malerei, Bildhauerei, Grafik, Monumentalkunst... Zu den nicht-schönen Künsten zählen Architektur, dekorative und angewandte Kunst sowie künstlerisches Design... Die Grenzen zwischen schönen und nicht-schönen Künsten sind nicht absolut...“ Die Funktionen der Malerei. Wie andere Kunstgattungen kann auch die Malerei kognitive, ästhetische, religiöse, weltanschauliche, philosophische, sozialpädagogische oder dokumentarische Funktionen erfüllen. Die wichtigste und primäre Ausdrucks- und Bedeutungsbedeutung in der Malerei ist jedoch die Farbe, die an sich Träger einer Idee ist (auch aufgrund psychologischer Einfluss- und Wahrnehmungsfaktoren). Dies wird beispielsweise durch die Theorie von I. Itten sehr überzeugend erklärt und gezeigt. Es ist kein Zufall, dass es einen Begriff wie „Literatur“ gibt, wenn die Malerei aus dem einen oder anderen Grund, da sie nicht über ausreichende plastische und ausdrucksstarke Qualitäten verfügt, eine rein narrative, „literarische“ Komponente in ihr Arsenal aufnimmt. Dennoch erlangte die Malerei in der gemeinsamen Weiterentwicklung des Menschen und der ganzen Welt sowohl eine neue Interpretation als auch ein neues Aufgabenverständnis. Somit weist es zunächst deutliche Anzeichen eigenständiger plastischer Eigenschaften auf (es ist kein Zufall, dass einer der Hauptparameter, der Maltechniken von grafischen Techniken unterscheidet, der Pinselstrich ist, der eine breite Palette plastischer Möglichkeiten bietet – natürlich im größtmöglichen Umfang für die Der häufigste Typ ist die Ölmalerei, aber natürlich auch viele seiner neuen Typen und Techniken, die die Synthese von Formen implizieren. Die Vorstellung von den Wegen und Aufgaben der Malerei hat, wie alle Mittel und Methoden des Selbstausdrucks, der Kunstgeschichte und des kreativen Umfelds, deutlich den Einfluss der Entwicklung des allgemeinen Erkenntnisprozesses erfahren, ihn aber natürlich selbst beeinflusst, berührt viele Aspekte der Weltanschauung und des menschlichen Handelns. Beim Überdenken der Funktionen der Malerei sowie aller Kreativität wurde ihre Zweckmäßigkeit als solche geleugnet („Nur wenn man erkennt, dass sie völlig bedeutungslos ist, kann man mit dem Schaffen beginnen“, sagt R.-M. Rilke); - durch die Erkenntnis, dass „das ein zutiefst irrationaler Prozess ist“ – dieser Meinung stimmt nicht nur R.-M. zu. Rilke und P. Klee, der von ihm richtig wahrgenommen und verstanden wurde, aber auch viele Künstler und Philosophen; Darüber hinaus bereitete ihre Entwicklung selbst ein neues Verständnis der Kunst und ihrer Aufgaben vor: Es war unmöglich, die Gesamtheit der flüchtigen technischen und technologischen und schließlich sozialen und moralischen Transformationen des Lebens in das prokrusteische Bett aus ideologischen und akademischen Dogmen und Klischees und priesterlicher Isolierung zu integrieren Kunst aus der eigentlichen Entwicklung des Lebens, reduzierend auf die „wohlverstandenen und seit langem bekannten“ Funktionen, die dieser tiefe kreative Prozess selbst ausmacht. Was sich abhebt, ist die Malerei, die von Menschen geschaffen wurde, die die umgebende Realität in unterschiedlichem Maße nur unzureichend wahrnehmen und in deren Werken kein Versuch unternommen wird, sich ihrer realistischen Widerspiegelung anzunähern. In einigen Fällen werden solche Gemälde von Personen mit geistigen Abweichungen von der allgemein anerkannten Norm und sogar von Patienten medizinischer Einrichtungen erstellt. Genres der Malerei. Porträt. Ein Porträt ist ein Bild einer Person oder einer Gruppe von Menschen, die in der Realität existiert oder existierte. „Das Porträt stellt die äußere Erscheinung (und dadurch die innere Welt) einer bestimmten, realen Person dar, die in der Vergangenheit existierte oder in der Vergangenheit existierte.“ Gegenwart.“ [Die Grenzen des Porträtgenres sind sehr flexibel, und oft kann das Porträt selbst in einem Werk mit Elementen anderer Genres kombiniert werden. Historisches Porträt- stellt eine Figur der Vergangenheit dar und ist aus den Erinnerungen oder der Fantasie des Meisters entstanden. Posthumes (retrospektives) Porträt- nach dem Tod der dargestellten Personen nach deren Lebensbildern angefertigt oder auch komplett komponiert. Porträtgemälde- Die dargestellte Person wird in einer semantischen und handlungsbezogenen Beziehung zur ihn umgebenden Welt der Dinge, der Natur, architektonischen Motiven und anderen Menschen dargestellt. Porträtspaziergang- Das Bild eines wandelnden Mannes vor dem Hintergrund der Natur entstand im 18. Jahrhundert in England und wurde im Zeitalter des Sentimentalismus populär Porträttyp- ein kollektives Bild, das strukturell einem Porträt nahe kommt Kostümporträt- Eine Person wird als allegorische, mythologische, historische, theatralische oder literarische Figur dargestellt. Selbstporträt- Es ist üblich, es in ein eigenes Subgenre zu unterteilen. Religiöses Porträt (Spender oder Gönner)- eine alte Form des Porträts, bei der die Person, die die Spende getätigt hat, auf einem Bild (zum Beispiel neben der Madonna) oder auf einer der Türen des Altars (oft kniend) dargestellt wurde. Aufgrund der Art des Bildes: Zeremonielles Porträt- In der Regel geht es darum, eine Person in vollem Wachstum zu zeigen. Halbkleid- hat das gleiche Konzept wie ein zeremonielles Porträt, hat aber meist einen hüftlangen oder knielangen Schnitt und ziemlich entwickelte Accessoires. Kammerporträt- Es werden Bilder in Taillen-, Brust- und Schulterlänge verwendet. Die Figur wird oft vor einem neutralen Hintergrund dargestellt. Intimes Porträt - ist ein seltener Kammertyp mit neutralem Hintergrund. Ausdruck einer vertrauensvollen Beziehung zwischen dem Künstler und der porträtierten Person. Kleinformat- und Miniaturporträts, in Aquarell und Tinte gemacht. Landschaft- ein Genre der Malerei, bei dem das Hauptthema des Bildes die unberührte Natur oder die vom Menschen in gewissem Maße veränderte Natur ist. Sie existierte schon seit der Antike, verlor jedoch im Mittelalter an Bedeutung und tauchte in der Renaissance wieder auf und entwickelte sich nach und nach zu einer der wichtigsten Malereigattungen. Yachthafen- ein Genre der bildenden Kunst, das eine Meeresansicht sowie eine Szene einer Seeschlacht oder anderer Ereignisse auf See darstellt. Es ist eine Art Landschaft. Marina entstand zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Holland als eigenständiger Typus der Landschaftsmalerei. Historische Malerei - ein Genre der Malerei, das seinen Ursprung in der Renaissance hat und nicht nur Werke umfasst, die auf realen Ereignissen basieren, sondern auch mythologische, biblische und evangelische Gemälde. Stellt Ereignisse der Vergangenheit dar, die für eine einzelne Nation oder die gesamte Menschheit wichtig sind. Schlachtenmalerei - ein Genre der bildenden Kunst, das sich den Themen Krieg und Militärleben widmet. Den Hauptplatz im Kampfgenre nehmen Szenen von Land-, Seeschlachten und Feldzügen ein. Der Künstler ist bestrebt, einen besonders wichtigen oder charakteristischen Moment der Schlacht festzuhalten, den Heldenmut des Krieges zu zeigen und oft auch die historische Bedeutung militärischer Ereignisse offenzulegen. Stillleben - Darstellung unbelebter Objekte in der bildenden Kunst. Sie entstand im 15. und 16. Jahrhundert, entwickelte sich aber erst im 17. Jahrhundert in den Werken niederländischer und flämischer Künstler zu einer eigenständigen Gattung. Seitdem ist es ein wichtiges Genre in der Malerei, auch im Werk russischer Künstler. Genremalerei gehört in der bildenden Kunst zum Alltagsgenre. Alltagsszenen sind seit der Antike Gegenstand der Malerei, als eigenständiges Genre entstand die Genremalerei jedoch erst im Mittelalter und erlebte im Zeitalter gesellschaftlicher Veränderungen der Neuzeit eine besonders starke Entwicklung. Architekturmalerei. Malerei, deren Hauptthema nicht die natürliche, sondern die architektonische Landschaft war. Enthält nicht nur Bilder von architektonischen Strukturen, sondern auch Bilder von Innenräumen. Tiermalerei Dies ist ein Gemälde, dessen Hauptthema die Darstellung von Tieren ist. Pelzkunst ist ein Bild anthropomorpher Tiere. Dekorative Malerei. Monumentalmalerei ist Teil der Monumentalkunst, der Malerei an Gebäuden und Bauwerken. Unter Theater- und Bühnenbildmalerei versteht man Bühnenbild- und Kostümentwürfe für Theateraufführungen und Filme; Skizzen einzelner Inszenierungen. Dekorative Malerei – ornamentale und thematische Kompositionen, die durch Malerei auf verschiedenen Teilen architektonischer Strukturen sowie auf Produkten der dekorativen und angewandten Kunst geschaffen werden.

Seit der Antike begleitet die Malerei das menschliche Leben. Felsmalereien erzählen vom Leben der Naturvölker. Was ist Malerei?

Malerei: Definition und Typen

Malerei ist eine Kunstform, bei der visuelle Bilder mit Farben auf einen Untergrund aufgetragen werden.

In der modernen Welt umfasst diese Art von Kunst auch die Erstellung von Bildern mithilfe digitaler Technologien und die mit diesen Methoden hergestellten Kunstwerke selbst.

Darüber hinaus ist die Malerei ein wichtiges Mittel, um Realität, Gefühle und den Seelenzustand eines Menschen zu vermitteln. Neben Gemälden auf Leinwand umfasst die Malerei auch das Bemalen von Wänden, Gefäßen mit komplexen Formen, Holz, Pappe, Papier und anderen Oberflächen. Malerei begleitet oft Architektur.

Je nach Art der Ausführung und Zweck werden folgende Arten der Malerei unterschieden:

• Monumental - dekorativ ist eine Art Malerei, die dazu beiträgt, die Atmosphäre einer architektonischen Struktur oder eines Ensembles zu schaffen (Wandgemälde, Tafeln).
• Dekorativ (Kulisse, Kostüme).
• Ikonographie.
• Miniatur. Diese Art der Malerei wird zur Illustration von Büchern und Manuskripten verwendet.
• Panorama – ein Bild mit Rundumblick malen und so die Illusion der Realität erzeugen.
• Diorama – ein geschwungenes Bild erzeugen.
• Staffelei-Malerei.

Was ist Staffeleimalerei? Dies ist ein Bild von Gemälden, die getrennt von der sie umgebenden Welt wahrgenommen werden. Sozusagen ein auf einer Maschine entstandenes Gemälde – eine Staffelei. Meistens sind es Werke der Staffeleimalerei, die in Museen ausgestellt werden.

In diesem Artikel haben Sie etwas über die Malerei erfahren, über eine wunderbare Form der bildenden Kunst, die uns seit vielen Jahrhunderten begeistert.

Es gibt Kunstwerke, die den Betrachter scheinbar überwältigen, überwältigend und verblüffend. Andere versetzen Sie in Gedanken und in die Suche nach Bedeutungsebenen und geheimer Symbolik. Manche Gemälde sind voller Geheimnisse und mystischer Mysterien, andere überraschen mit exorbitanten Preisen.

Wir haben alle wichtigen Errungenschaften der Weltmalerei sorgfältig geprüft und daraus zwei Dutzend der seltsamsten Gemälde ausgewählt. Salvador Dali, dessen Werke vollständig in das Format dieses Materials passen und mir als erstes in den Sinn kommen, wurden absichtlich nicht in diese Sammlung aufgenommen.

Es ist klar, dass „Fremdheit“ ein eher subjektiver Begriff ist und jeder seine eigenen erstaunlichen Gemälde hat, die sich von anderen Kunstwerken abheben. Wir freuen uns, wenn Sie sie in den Kommentaren teilen und uns ein wenig darüber erzählen.

"Schrei"

Edward Munch. 1893, Karton, Öl, Tempera, Pastell.
Nationalgalerie, Oslo.

Der Schrei gilt als wegweisendes expressionistisches Ereignis und als eines der berühmtesten Gemälde der Welt.

Es gibt zwei Interpretationen des Dargestellten: Es ist der Held selbst, der von Entsetzen erfasst wird und lautlos schreit und die Hände an die Ohren presst; oder der Held verschließt seine Ohren vor dem Schrei der Welt und der Natur, der um ihn herum erklingt. Munch schrieb vier Versionen von „Der Schrei“, und es gibt eine Version, die besagt, dass dieses Gemälde die Frucht einer manisch-depressiven Psychose ist, unter der der Künstler litt. Nach einer Behandlung in der Klinik kehrte Munch nicht mehr zur Arbeit an der Leinwand zurück.

„Ich ging mit zwei Freunden den Weg entlang. Die Sonne ging unter – plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich hielt erschöpft inne und lehnte mich an den Zaun – ich betrachtete das Blut und die Flammen über dem blauschwarzen Fjord und der Stadt. „Meine Freunde zogen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung da und spürte, wie ein endloser Schrei die Natur durchdrang“, sagte Edvard Munch über die Entstehungsgeschichte des Gemäldes.

„Woher kamen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir?"

Paul Gauguin. 1897-1898, Öl auf Leinwand.
Museum der Schönen Künste, Boston.

Laut Gauguin selbst sollte das Gemälde von rechts nach links gelesen werden – drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen.

Drei Frauen mit einem Kind stellen den Beginn des Lebens dar; die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; In der letzten Gruppe, so der Plan des Künstlers, „scheint die alte Frau, die sich dem Tod nähert, versöhnt und ihren Gedanken ergeben“, zu ihren Füßen „ein seltsamer weißer Vogel ... repräsentiert die Nutzlosigkeit von Worten.“

Das zutiefst philosophische Gemälde des Postimpressionisten Paul Gauguin wurde von ihm auf Tahiti gemalt, wohin er aus Paris floh. Nach Abschluss des Werkes wollte er sogar Selbstmord begehen: „Ich glaube, dass dieses Gemälde allen meinen vorherigen überlegen ist und dass ich nie etwas Besseres oder auch nur Ähnliches schaffen werde.“ Er lebte noch fünf Jahre und so geschah es.

„Guernica“

Pablo Picasso. 1937, Öl auf Leinwand.
Reina Sofia Museum, Madrid.

Guernica präsentiert Szenen von Tod, Gewalt, Brutalität, Leid und Hilflosigkeit, ohne ihre unmittelbaren Ursachen zu benennen, aber sie sind offensichtlich. Es heißt, dass Pablo Picasso 1940 zur Gestapo in Paris vorgeladen wurde. Das Gespräch kam sofort auf das Gemälde. "Hast du das gemacht?" - „Nein, du hast es geschafft.“

Das riesige Fresko „Guernica“, 1937 von Picasso gemalt, erzählt die Geschichte eines Überfalls einer Freiwilligeneinheit der Luftwaffe auf die Stadt Guernica, bei dem die Stadt mit ihren sechstausend Einwohnern völlig zerstört wurde. Das Gemälde wurde buchstäblich in einem Monat gemalt – in den ersten Tagen der Arbeit an dem Gemälde arbeitete Picasso 10–12 Stunden, und bereits in den ersten Skizzen konnte man die Hauptidee erkennen. Dies ist eines der besten Beispiele für den Albtraum des Faschismus sowie für die menschliche Grausamkeit und Trauer.

„Porträt des Ehepaares Arnolfini“

Jan van Eyck. 1434, Holz, Öl.
Londoner Nationalgalerie, London.

Das berühmte Gemälde ist vollständig mit Symbolen, Allegorien und verschiedenen Bezügen gefüllt – bis hin zur Signatur „Jan van Eyck war hier“, die das Gemälde nicht nur zu einem Kunstwerk, sondern zu einem historischen Dokument machte, das die Realität des Ereignisses bestätigt bei dem der Künstler anwesend war.

Das Porträt, angeblich von Giovanni di Nicolao Arnolfini und seiner Frau, ist eines der komplexesten Werke der westlichen Schule der Malerei der nördlichen Renaissance.

In Russland hat das Gemälde in den letzten Jahren aufgrund der Ähnlichkeit Arnolfinis mit Wladimir Putin im Porträt große Popularität erlangt.

„Sitzender Dämon“

Michail Wrubel. 1890, Öl auf Leinwand.
Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau.

„Die Hände widerstehen ihm“

Bill Stoneham. 1972.

Dieses Werk kann natürlich nicht zu den Meisterwerken der Weltmalerei gezählt werden, aber die Tatsache, dass es seltsam ist, ist eine Tatsache.

Es gibt Legenden um das Gemälde mit einem Jungen, einer Puppe und seinen an das Glas gepressten Händen. Von „Menschen sterben wegen dieses Bildes“ bis „Die Kinder darin leben.“ Das Bild sieht wirklich gruselig aus, was bei Menschen mit schwacher Psyche viele Ängste und Spekulationen hervorruft.

Der Künstler bestand darauf, dass das Gemälde ihn selbst im Alter von fünf Jahren darstellte, dass die Tür die Trennlinie zwischen der realen Welt und der Welt der Träume darstellte und die Puppe ein Führer war, der den Jungen durch diese Welt führen konnte. Die Hände repräsentieren alternative Leben oder Möglichkeiten.

Das Gemälde erlangte im Februar 2000 Berühmtheit, als es bei eBay zum Verkauf angeboten wurde, mit der Hintergrundgeschichte, dass das Gemälde „heimgesucht“ sei. „Hands Resist Him“ wurde für 1.025 US-Dollar von Kim Smith gekauft, die daraufhin einfach mit Briefen mit gruseligen Geschichten und der Forderung, das Gemälde zu verbrennen, überschwemmt wurde.

Malerei und ihre Arten?

Malerei ist die Kunst einer Fläche und eines Blickwinkels, in der Raum und Volumen nur in der Illusion existieren.

Eine große Vielfalt und Vollständigkeit der Phänomene, Eindrücke und Wirkungen, die die Malerei verkörpern kann. Die ganze Welt der Gefühle, Charaktere, Beziehungen, Erfahrungen ist der Malerei zugänglich. Sie hat Zugang zu den subtilsten Naturbeobachtungen, ewigen Ideen, Eindrücken und subtilsten Stimmungsnuancen.

Das Wort „Malen“ leitet sich von den Wörtern „lebendig“ und „schreiben“ ab. „Malen“, erklärt Dahl, „mit einem Pinsel oder Worten, einem Stift getreu und lebendig darstellen.“ Für den Maler heißt richtig darzustellen, dass er das äußere Erscheinungsbild des Gesehenen und seine wichtigsten Merkmale genau wiedergibt. Mit grafischen Mitteln – Linie und Ton – gelang es, sie richtig zu vermitteln. Aber es ist unmöglich, mit diesen begrenzten Mitteln die Vielfarbigkeit der umgebenden Welt, das Pulsieren des Lebens in jedem Zentimeter der farbigen Oberfläche eines Objekts, den Charme dieses Lebens und die ständige Bewegung und Veränderung anschaulich zu vermitteln. Malerei, eine der Formen der bildenden Kunst, trägt dazu bei, die Farbe der realen Welt wahrheitsgetreu wiederzugeben.

Farbe – das wichtigste visuelle und ausdrucksstarke Mittel in der Malerei – hat Ton, Sättigung und Helligkeit; es scheint alles, was für einen Gegenstand charakteristisch ist, zu einem Ganzen zu verschmelzen: sowohl das, was durch eine Linie dargestellt werden kann, als auch das, was ihr unzugänglich ist.

Die Malerei verwendet wie Grafiken helle und dunkle Linien, Striche und Punkte, aber im Gegensatz dazu sind diese Linien, Striche und Punkte farbig. Sie vermitteln die Farbe einer Lichtquelle durch Blendung und hell beleuchtete Oberflächen, formen eine dreidimensionale Form mit der (lokalen) Farbe des Motivs und der von der Umgebung reflektierten Farbe, stellen räumliche Beziehungen und Tiefe her und bilden die Textur und Materialität von Objekten ab.

Die Aufgabe der Malerei besteht nicht nur darin, etwas zu zeigen, sondern auch darin, das innere Wesen des Dargestellten zu offenbaren, „typische Charaktere in typischen Umständen“ wiederzugeben. Daher ist eine wahrheitsgetreue künstlerische Verallgemeinerung der Lebensphänomene die Grundlage der Grundlagen realistischer Malerei.

1. Arten der Malerei

Die Malerei wird in monumentale, dekorative, theatralische und dekorative Malerei, Miniaturmalerei und Staffeleimalerei unterteilt.

Monumentale Malerei ist eine besondere Art großformatiger Gemälde, die Wände und Decken architektonischer Bauwerke schmücken. Es enthüllt den Inhalt wichtiger sozialer Phänomene, die sich positiv auf die Entwicklung der Gesellschaft ausgewirkt haben, verherrlicht sie und verewigt sie und trägt dazu bei, die Menschen im Geiste des Patriotismus, des Fortschritts und der Menschlichkeit zu erziehen. Die Erhabenheit des Inhalts der Monumentalmalerei, die bedeutende Größe ihrer Werke und die Verbindung mit der Architektur erfordern große Farbmassen, strenge Einfachheit und Lakonizität der Komposition, Klarheit der Konturen und Allgemeingültigkeit der plastischen Form.

Dekorative Malerei werden zur Dekoration von Gebäuden und Innenräumen in Form von bunten Paneelen verwendet, die mit realistischen Bildern die Illusion erzeugen, die Wand zu durchbrechen, den Raum optisch zu vergrößern oder im Gegenteil durch bewusst abgeflachte Formen die Flachheit von zu behaupten die Wand und die Umzäunung des Raumes. Muster, Kränze, Girlanden und andere Arten von Dekorationen, die Werke der monumentalen Malerei und Skulptur schmücken, verbinden alle Elemente des Innenraums und betonen ihre Schönheit und Übereinstimmung mit der Architektur.

Theater- und Dekorationsmalerei(Kulisse, Kostüme, Make-up, Requisiten, angefertigt nach den Skizzen des Künstlers) trägt dazu bei, den Inhalt der Aufführung weiter zu offenbaren. Die besonderen theatralischen Bedingungen zur Wahrnehmung der Szenerie erfordern die Berücksichtigung mehrerer Blickwinkel des Publikums, seiner großen Entfernung, des Einflusses von künstlicher Beleuchtung und farbiger Hintergrundbeleuchtung. Die Szenerie vermittelt einen Eindruck von Ort und Zeit des Geschehens und aktiviert die Wahrnehmung des Zuschauers für das Bühnengeschehen. Der Theaterkünstler ist bestrebt, den individuellen Charakter der Figuren, ihren sozialen Status, den Stil der Epoche und vieles mehr in Kostüm- und Make-up-Skizzen deutlich zum Ausdruck zu bringen.

Miniaturmalerei erlebte im Mittelalter vor der Erfindung des Buchdrucks eine große Entwicklung. Handgeschriebene Bücher wurden mit feinsten Kopfbedeckungen, Enden und detaillierten Miniaturillustrationen verziert. Russische Künstler der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts nutzten geschickt die Technik der Miniaturmalerei, um kleine (hauptsächlich Aquarell-)Porträts zu schaffen. Reine, tiefe Aquarellfarben, ihre exquisiten Kombinationen und die exquisite Feinheit der Schrift zeichnen diese Porträts voller Anmut und Noblesse aus.

Staffelei-Malerei, ausgeführt auf einer Maschine - einer Staffelei, verwendet Holz, Pappe, Papier als Materialbasis, meistens jedoch Leinwand, die auf eine Trage gespannt ist. Ein Staffeleigemälde kann als eigenständiges Werk absolut alles darstellen: Sachliches und Fiktives des Künstlers, unbelebte Gegenstände und Menschen, Moderne und Geschichte – kurzum das Leben in all seinen Erscheinungsformen. Im Gegensatz zu Grafiken weist die Staffeleimalerei einen Farbreichtum auf, der dazu beiträgt, die Schönheit der Welt um uns herum emotional, psychologisch, facettenreich und subtil zu vermitteln.

Je nach Technik und Ausführungsmitteln wird die Malerei in Öl, Tempera, Fresko, Wachs, Mosaik, Glasmalerei, Aquarell, Gouache und Pastell unterteilt. Diese Namen wurden vom Bindemittel bzw. von der Art und Weise des Einsatzes materieller und technischer Mittel abgeleitet.

Ölgemälde gemacht mit Farbe, die mit Pflanzenölen gewaschen wurde. Dickflüssige Farbe verdünnt sich, wenn ihr Öl oder spezielle Verdünner und Lacke zugesetzt werden. Ölfarbe kann auf Leinwand, Holz, Pappe, Papier und Metall verwendet werden.

Tempera Die Bemalung erfolgt mit Farbe, die mit Eigelb oder Kasein zubereitet wird. Temperafarbe wird mit Wasser gelöst und pastös oder flüssig auf Wand, Leinwand, Papier, Holz aufgetragen. In Russland wurde Tempera zur Herstellung von Wandmalereien, Symbolen und Mustern auf Alltagsgegenständen verwendet. Heutzutage wird Tempera in der Malerei und Grafik, in der dekorativen und angewandten Kunst sowie in der künstlerischen Gestaltung verwendet.

Freskomalerei schmückt Innenräume in Form von monumentalen und dekorativen Kompositionen, die mit Farben auf Wasserbasis auf nassen Putz aufgetragen werden. Das Fresko hat eine angenehm matte Oberfläche und ist im Innenbereich langlebig.

Wachsmalerei(Enkaustik) wurde auch von Künstlern des alten Ägypten verwendet, wie die berühmten „Fayum-Porträts“ (1. Jahrhundert n. Chr.) belegen. Das Bindemittel in der Enkaustikmalerei ist gebleichtes Wachs. Wachsfarben werden im geschmolzenen Zustand auf eine erhitzte Unterlage aufgetragen und anschließend eingebrannt.

Mosaikmalerei, oder Mosaik, wird aus einzelnen Stücken kleiner oder farbiger Steine ​​zusammengesetzt und auf einer speziellen Zementgrundierung fixiert. Transparentes Smalt, das in verschiedenen Winkeln in den Boden gesteckt wird, reflektiert oder bricht Licht, wodurch die Farbe aufflackert und schimmert. Mosaikplatten sind in der U-Bahn, in Theater- und Museumsräumen usw. zu finden. Glasmalerei ist ein dekoratives Kunstwerk, das dazu bestimmt ist, Fensteröffnungen in jeder architektonischen Struktur zu schmücken. Buntglas besteht aus farbigen Glasstücken, die durch einen starken Metallrahmen zusammengehalten werden. Der Lichtstrom, der die farbige Oberfläche des Buntglasfensters durchbricht, zeichnet dekorativ spektakuläre, mehrfarbige Muster auf dem Boden und den Wänden des Innenraums.

Material in Malerarbeiten.

Je nach Technik und Ausführungsart wird die Malerei in Öl, Tempera, Fresko, Wachs, Mosaik, Glasmalerei, Aquarell, Gouache, Pastell unterteilt.

Materialien für die Staffeleimalerei: Ursprünglich wurde Holz verwendet. Es wurde in Ägypten und im antiken Griechenland verwendet.

In der Frührenaissance im 14. Jahrhundert wurden ein Gemälde und ein Rahmen dafür aus einem Stück gefertigt. (In Italien wurde im 15.-16. Jahrhundert am häufigsten Pappel verwendet, seltener Weide, Esche und Walnuss. In der Anfangszeit wurden dicke Bretter verwendet, die auf der Rückseite nicht gehobelt waren. In den Niederlanden, Frankreich, aus dem Ab dem 16. Jahrhundert begann man mit der Verwendung von Eichenbrettern (in Deutschland Linde, Buche, Fichte).

Seit dem 18. Jahrhundert verliert Holz an Beliebtheit. „Leinwand“ taucht auf. Es findet sich bereits bei antiken Künstlern. Leinwand wird mit Holz kombiniert. In dieser Zeit wird Leinwand noch sporadisch verwendet. Leinwand erlangte erst im 15. und 16. Jahrhundert eine weitverbreitete Verwendung. Wird für Tempera verwendet.

Ab der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts tauchten Kupfertafeln für kleine Gemälde auf (besonders beliebt in Flandern).

Im 19. Jahrhundert wurde manchmal Karton zum Skizzieren verwendet.

In der Malerei des Mittelalters und der Frührenaissance dominiert ein reicher Poliergrund aus Gips und Kreide. Im 13.-14. Jahrhundert wurde Gold zur Abdeckung der weißen Grundierung verwendet. Ende des 14. Jahrhunderts verschwand die Goldgrundierung nach und nach. Anstelle von Gips oder Kreide wird mit Ölfarbe grundiert. Ende des 16. Jahrhunderts erlangte die farbige Grundierung mit Ölfarben in Italien volle Anerkennung. Rotbraune Grundierung war beliebt. (BOLUS)

Der entscheidende Schritt erfolgte zu Beginn des 18. Jahrhunderts mit der Abzweigung zur Drei-Bleistift-Technik.

Das 18. Jahrhundert war die Blütezeit des Bettes (die größten Meister waren Chardin, Latour, Lyotard).

Aquarell beginnt sehr spät, später als Pastell. Die Aquarelltechnik ist seit sehr langer Zeit bekannt. Sie war bereits im alten Ägypten und in China bekannt. Aquarell wurde von mittelalterlichen Miniaturisten verwendet.

Seit dem Ende des 15. Jahrhunderts erfreut sich die Ölmalerei zunehmender Beliebtheit. Im 16. Jahrhundert ersetzte es die Tempera.

Französische Romantiker des frühen 19. Jahrhunderts liebten Bitumen (oder Asphalt).

HAUPTPERSPEKTIVENARTEN IN DER MALEREI

Perspektive ist die Wissenschaft der Darstellung von Objekten im Raum auf einer Ebene oder einer beliebigen Oberfläche entsprechend den scheinbaren Veränderungen ihrer Größe, Veränderungen ihrer Form und Licht- und Schattenbeziehungen, die in der Natur beobachtet werden.

(Die klassische Perspektive entspricht einer bestimmten intellektuellen Ebene, innerhalb derer der eigene Standpunkt nicht von anderen abweichen kann und dessen praktische Umsetzung tatsächlich eine Art autarke technische Perfektion darstellen kann.)

Die dynamische Perspektive ist eine Sonderform der primitiven Perspektive.

Malerei - Art der bildenden Kunst, deren Werke mit Farben erstellt werden, die auf jede harte Oberfläche aufgetragen werden. In Kunstwerken, die durch Malerei, Farbe und Design geschaffen wurden, kommen Hell-Dunkel, Ausdruckskraft von Strichen, Textur und Komposition zum Einsatz, die es ermöglichen, den Farbreichtum der Welt, das Volumen der Objekte, ihre qualitative, materielle Originalität auf einer Ebene wiederzugeben. räumliche Tiefe und Licht-Luft-Umgebung. Malerei kann einen Zustand der Statik und ein Gefühl vorübergehender Entwicklung, Frieden und emotionaler und spiritueller Sättigung, die vorübergehende Unmittelbarkeit einer Situation, die Wirkung von Bewegung usw. vermitteln; In der Malerei sind komplexe Geschichtenerzählungen und komplexe Handlungen möglich.

Je nach Art der Substanzen, die das Pigment (Farbstoff) binden, je nach den technologischen Methoden zur Fixierung des Pigments auf der Oberfläche, Ölmalerei, Malerei mit Wasserfarben auf Gips – nass (Fresco) und trocken (a secco), Tempera, Leimmalerei, Wachsmalerei, Emaille, Malerei mit Keramik- und Silikatmaterialien usw.

Farbe ist das spezifischste Ausdrucksmittel der Malerei. Sein Ausdruck, die Fähigkeit, verschiedene Gefühle und Assoziationen hervorzurufen, steigert die Emotionalität des Bildes, bestimmt die visuellen, ausdrucksstarken und dekorativen Möglichkeiten der Malerei. In Kunstwerken bildet Farbe ein ganzheitliches System (Farbe). Üblicherweise werden mehrere zusammenhängende Farben und deren Schattierungen verwendet (Farbskala), es gibt aber auch Malerei in gleichfarbigen Schattierungen (Monochrom). Ein weiteres Ausdrucksmittel der Malerei ist die Zeichnung (Linie und Hell-Dunkel), die zusammen mit der Farbe das Bild rhythmisch und kompositorisch organisiert; Die Linie grenzt Volumina voneinander ab, ist oft die konstruktive Grundlage einer Bildform und ermöglicht die allgemeine oder detaillierte Wiedergabe der Umrisse von Objekten und ihrer kleinsten Elemente. Mit Chiaroscuro können Sie nicht nur die Illusion dreidimensionaler Bilder erzeugen, den Grad der Beleuchtung oder Dunkelheit von Objekten vermitteln, sondern auch den Eindruck der Bewegung von Luft, Licht und Schatten erzeugen. Eine wichtige Rolle in der Malerei spielt auch der Punkt oder Strich des Malers, der seine wichtigste technische Technik darstellt und es ihm ermöglicht, viele Aspekte zu vermitteln. Der Pinselstrich trägt zur plastischen, dreidimensionalen Gestaltung der Form bei, vermittelt ihren materiellen Charakter und ihre Textur und erzeugt in Kombination mit der Farbe den koloristischen Reichtum der realen Welt. Auch die Art des Pinselstrichs (glatt, kontinuierlich oder pastos, getrennt usw.) trägt zur Schaffung der emotionalen Atmosphäre des Werkes, zur Vermittlung der unmittelbaren Gefühle und Stimmungen des Künstlers sowie seiner Einstellung zum Dargestellten bei.

Malerarbeit besteht aus einem Untergrund (Leinwand, Holz, Papier, Pappe, Stein usw.), der meist mit einer Grundierung bedeckt ist, und einer Farbschicht, manchmal geschützt durch einen schützenden Lackfilm. Die visuellen und ausdrucksstarken Möglichkeiten der Malerei, die Besonderheiten der Schreibtechnik, hängen maßgeblich von den Eigenschaften der Farben ab, die durch den Mahlgrad der Pigmente und die Beschaffenheit der Bindemittel bestimmt werden, vom Werkzeug des Künstlers, von den Verdünnern Er benutzt; Die glatte oder raue Oberfläche des Untergrunds und der Grundierung beeinflusst die Techniken des Farbauftrags und die Textur des Gemäldes, und die durchscheinende Farbe des Untergrunds oder der Grundierung beeinflusst die Farbgebung. Der Entstehungsprozess eines Gemäldes oder Wandgemäldes kann in mehrere Phasen gegliedert sein, die bei der mittelalterlichen Temperamalerei und der klassischen Ölmalerei besonders klar und einheitlich sind (Zeichnung auf dem Grund, Untermalung, Glasur). Es gibt auch eine impulsivere Malerei, die es dem Künstler ermöglicht, seine Lebenseindrücke durch gleichzeitige Arbeit an Zeichnung, Komposition, Formenbildung und Farbgebung (a lla prima) direkt und dynamisch zu verkörpern.

Die Breite und Vollständigkeit der Berichterstattung über die Realität spiegelt sich in der Fülle der inhärenten wider Genremalerei, die bestimmt werden nach Motiv des Bildes:
. historisches Genre,
. alltägliches Genre,
. Kampfgenre,
. Porträt,
. Landschaft,
. Stillleben.

Unterscheiden Malerei: monumental und dekorativ(Wandgemälde, Lampenschirme, Tafeln), die zur Dekoration der Architektur bestimmt sind und eine wichtige Rolle bei der ideologischen und figurativen Interpretation eines architektonischen Gebäudes spielen; Staffelei(Gemälde), die in der Regel keinem bestimmten Platz im künstlerischen Ensemble zugeordnet sind; dekorativ(Skizzen von Theater- und Filmkulissen und Kostümen); Ikonographie; Miniatur. Zu den Malereiarten gehören auch Diorama Und Panorama.