2015 war Saratov Gastgeber einer internationalen wissenschaftlichen und praktischen Konferenz zum Thema „Kunst und Macht“, eine Sammlung von Berichten wurde letztes Jahr veröffentlicht.
Vor dem Hintergrund von Artikeln a la Raikin: Wie Künstler damals unter dem Totalitarismus litten und wie sie heute unter „Zensur“ und dem „nekrophilen Staat“ leiden, klang der Bericht eines kommunistischen Künstlers (aus der Kommunistischen Partei der Russischen Föderation) unerwartet angenehm. Kurz und bündig, wie ein Schuss mitten ins Gejammer.
Ich präsentiere es hier vollständig, verdünnt mit Illustrationen.

Schiwotow Gennadi Wassiljewitsch
Professor, Verdienter Künstler der Russischen Föderation
Russische Staatliche Universität für Geisteswissenschaften

Der Künstler und Macht: Eine historische Retrospektive

Ich argumentiere, dass es keine Kunstgeschichte gibt, sondern die Geschichte des Kunden.
Wir alle bewundern die großen Bildhauer des antiken Griechenlands, und es scheint uns, dass sie es waren, die das griechische Wunder hervorgebracht haben. Aber wir vergessen irgendwie, dass damals die ganze Stadt über die Statue diskutierte und der Name Phidias untrennbar mit dem Namen Perikles verbunden ist. Sobald die griechische Politik in Verfall geriet, verfiel auch die griechische Kunst, und kein neuer Phidias, selbst wenn er mindestens tausendmal begabter war als seine hervorragenden Vorfahren, konnte so etwas schaffen. Die Verbindung zwischen Kunst und Macht, zwischen Kunst und Staat ist viel stärker, als wir manchmal denken.

Wir werden keine administrativen und strafrechtlichen Manifestationen der Macht betrachten: Gefängnisse, Polizei, Gerichte und so weiter. Für uns im Staat ist die Hauptsache seine Ideologie, seine höchsten Bedeutungen, und ich möchte auf das Wichtigste eingehen: das Verhältnis von Ideologie und Kunst.

Im Mittelalter war die Kirche der wichtigste Vertreter der Staatsideologie. Die Kirche war die treibende Kraft hinter der Erschaffung der größten Meisterwerke, das lässt sich nicht leugnen. Während der Renaissance waren sowohl kirchliche als auch weltliche Autoritäten Kunden vieler großer Künstler. Es genügt, an die Medici-Familie zu erinnern, zu der Lorenzo der Prächtige, der Herrscher von Florenz, und mehrere Päpste gehörten. Und daneben stehen die Namen von Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael.

Ein weiteres markantes Beispiel ist das Napoleonische Reich. Große Kunst, große Namen. Dann brach das alles zusammen, und die Bourgeoisie kam an die Macht, die alles vulgarisierte. Der Tauschboden Van Gogh, Cezanne, Monet, schuf Mythen daraus, hängte Etiketten und Preisschilder daran.

Eine Bourgeoisie im vollen Sinne des Wortes hat es in Russland nie gegeben. Seit Jahrhunderten ist die russische Kunst untrennbar mit der orthodoxen Kirche verbunden. Aber ab der Ära von Peter I. begann die Dominanz des Westens in der weltlichen Kunst. Was ist schließlich die Eremitage? Dies sind Werke niederländischer, französischer, italienischer und anderer europäischer Künstler, die von Katharina II. gesammelt wurden. Auch die berühmte Feldherren-Porträtgalerie von 1812 ist ein Auftrag des Staates! wurde von dem englischen Künstler Dow geschaffen.

Aber im 19. Jahrhundert erschien Tretjakow in Russland. Und dieser Person – einem Privatkunden – verdanken wir das Aufblühen der russischen Kunst. Der Staat, in Person des Zaren und der Großherzöge, hat es realisiert und wenige Jahre nach der Eröffnung der Tretjakow-Galerie das Russische Museum gegründet. Neben Semiradsky begann der Staat, Surikov, seine staatsimperiale Idee, zu fördern. "Die Eroberung Sibiriens durch Ermak", "Suworows Alpenüberquerung" - diese Gemälde von Surikov wurden vom Kaiser gekauft. Der Haupttreuhänder des Russischen Museums war der Großherzog.

Im 20. Jahrhundert begann eine neue Ära. Die westliche Elite der Liberalen und Generäle stürzte im Februar 1917 die Monarchie und zerstörte den Staat in sechs Monaten, indem sie den Ersten Weltkrieg zur Freude ihrer Gönner von der Entente fortsetzte. Die alten Fundamente wurden zerstört, aber nach Oktober 1917 begann die Sowjetregierung sofort, neue zu entwerfen. Es scheint, dass es noch keinen Staat gibt, er beginnt gerade erst zu entstehen, aber er hat seine Aufgaben bereits klar formuliert: ein Plan für eine monumentale Propaganda, eine Kulturrevolution. Es gibt keine Verwaltungszellen, aber die Ideologie ist bereits geschaffen. Das Ergebnis war ein beispielloser Anstieg der Volksenergien, an deren Spitze die größten Namen und die größten Meisterwerke stehen. Es war nicht eine Ära der Schulen, sondern der Offenbarungen. Der Bildhauer Dmitri Filippowitsch Tsaplin, ein russischer Bauer aus der Provinz Saratow, kann als Symbol dieser Zeit gelten.

Aber allmählich betrat das revolutionäre Element die Granitküste des "Großen Stils" der Stalin-Ära. Es entstand eine starke, gut geölte vertikale Beziehung zwischen Künstlern und der Regierung. Nicht alle Künstler der Revolution passten in dieses System, aber viele von ihnen "kämmten sich die Haare" und wurden Realisten. Akademische Schulen begannen, eine große Rolle zu spielen. Sie lehrten hervorragend, und hervorragende Künstler wurden auf den Beginn des Großen Vaterländischen Krieges in der Sowjetunion vorbereitet. Neulich, als ich eine Zeichnung für den Tag des Sieges anfertigte, blätterte ich in den Alben und sah ein Gemälde von Pjotr ​​Krivonogow: ein Gruß zu Ehren der Eroberung des Reichstags. Das ist großartig! Aber heute erinnern sich nur wenige an diesen Künstler des Grekov-Studios, der den gesamten Krieg in der Armee durchgemacht hat.

Es ist gut, dass der Name Arkady Plastov nicht vergessen wird. Stalin nahm sein Gemälde „Der Faschist flog“ mit zur Teheraner Konferenz. Plastov war ein Akademiker, ein anerkannter Meister, und gleichzeitig war er tief im Volk verwurzelt, er besang das Dorf in seiner Arbeit und in seinen Ferien.

Die Gerasimovs Alexander und Sergey, Boris Ioganson, Alexander Laktionov sind die großen Namen des sozialistischen Realismus. Die Ideologie war klar, der Staat drückte klar seinen Willen aus.


Ioganson Boris Wladimirowitsch,Bau von ZAGES

Laktionov Alexander Ivanovich - Kadetten veröffentlichen eine Wandzeitung

So war es in allen Arten von Kunst - nennen wir nur die Triade der großen Namen des sowjetischen Kinos: Sergei Eisenstein, Grigory Alexandrov, Ivan Pyryev. Sowjetische Kunst schuf Bilder-Träume: sowohl Deinekas "Future Pilots" als auch Pyryevs "Kuban Cossacks" - dass ein Märchen Wirklichkeit werden würde ...

Aber mit dem Tod Stalins und besonders nach Chruschtschows Rede auf dem XX. Parteitag mit seiner „Entlarvung des Personenkults“ kam ein Schock, der Zusammenbruch der Heiligtümer. Das „Tauwetter“ hat begonnen. Ein "strenger Stil" erschien - Nikonov stellte unglückliche Geologen dar, die in den Bergen starben, Popkov begann viel über das Dorf zu sprechen, über sein Leiden usw.

Darüber hinaus tauchte auch in der Stalin-Ära die Brigadenmethode in der Kunst auf. Die Kongresse wurden von Brigaden ausgelost, und jeder erhielt Prämien. Und später, während des "Tauwetters" und später, in der Breschnew-Ära, begann die Ära der großen Staatsaufträge, was viel Geld bedeutet. Künstler schufen gute Kunstwerke, weil sie gut unterrichtet wurden. Aber das große Geld brachte Clans hervor: Nicht immer bekamen die Begabteren Zugang zum Orden.

Das Obige bedeutet nicht, dass der Sowjetstaat andere Künstler nicht unterstützt hätte. Erinnern wir uns, wie das Leben in der Union of Artists organisiert war: Kommissionen wurden geschaffen - Seefahrt, Sport, Militär usw. Als eine Art Landung wurden Künstler an alle Punkte der Sowjetunion geschickt: zu Großbaustellen, zu Grenzposten, zu Fischereifahrzeugen, ins ländliche Hinterland. Und sie haben vor Ort Bilder gemalt. So hat mein Freund Gennady Efimochkin, im gleichen Alter wie der Moskauer Künstlerverband, sein ganzes Leben lang gearbeitet. Es ist unbequem, irgendwo auf einem Felsen über der Angara auf eine große Leinwand zu schreiben, und er malte kleine Skizzen. Basierend auf diesen Aquarellen malt er seit zwanzig Jahren und stellt das Bild des sowjetischen Atlantis nach ... Und das ist wunderbare Kunst. Efimochkin wird seine Bilder bis zu seinem letzten Atemzug malen, denn er befindet sich im Krieg – einem andauernden Krieg der Bilder. Einmal haben wir die entscheidende Schlacht dieses Krieges verloren und unsere Heimat verloren - die Sowjetunion.

Aber der Krieg ist noch nicht vorbei, obwohl viele nicht einmal daran denken. Und haben Künstler früher, zu Sowjetzeiten, darüber nachgedacht? Als Sie unter ausländischen Diplomaten einen Kunden suchten und durch die Botschaften liefen, haben Sie daran gedacht? Und wenn Freunde zu "Bulldozer-Ausstellungen" eingeladen wurden, woran dachten sie dann? Wir haben nach Westen geschaut – von dort durch Polen, Ungarn gefilterte Zeitschriften, dort schlüpfte die sogenannte „moderne Kunst“ in der Person von Warhol, Pollock, Beuys und anderen. Sie träumten von Montmartre und vergaßen, dass Montmartre ein Paradies für verarmte Künstler ist. In der Sowjetunion träumten Künstler davon, Essen, Werkstätten, Bestellungen und so weiter zu haben.

Warum ist das passiert? Tatsache ist, dass es einen Kampf der Bedeutungen gibt, aber es gibt einen Kampf der Bilder. Im Sinnkampf waren wir viel stärker als der Westen, unsere Regierung hat zuerst über Sinn nachgedacht. Und die Bilder für uns damals wurden von ... Hollywood geschaffen. Gleichzeitig ermöglichte die sowjetische Zäsur die Veröffentlichung der besten amerikanischen, französischen und italienischen Filme. Und eine Person hatte das Gefühl: "Schließlich zeigen sie uns nicht alles, und das Beste zeigen sie wahrscheinlich nicht. Und dort im Westen, welche Kunst, welches Kino!

Hollywood hat Bilder der amerikanischen Zivilisation geschaffen und erschafft sie weiterhin und bringt sie auf die ganze Welt. Und sie erweisen sich als stärker als sowohl die amerikanische Armee als auch die amerikanischen Sanktionen. Und jetzt, nach den patriotischsten Sendungen, werden in unserem Fernsehen regelmäßig amerikanische Filme gezeigt. Es stellt sich die Frage: Hat unser Staat heute eine Ideologie?

Von der Beantwortung dieser Frage hängt die Zukunft unserer Kunst ab, denn wie gesagt, es gibt keine Kunstgeschichte, sondern die Geschichte des Kunden.

Eine einfache und offensichtliche Idee. Nichts hinzuzufügen. Und wie viele nicht möchten, aber ohne Ideologie, nirgendwo. Alles beginnt mit ihr und alles endet ohne sie.
In der Zwischenzeit ist seine Einrichtung auf staatlicher Ebene, ich erinnere Sie daran, durch die Verfassung der Russischen Föderation verboten ...

Thema: "Beeinflussungskraft der Kunst. Kunst und Macht."

In der Entwicklung der menschlichen Kultur wird ständig ein merkwürdiges Muster verfolgt. Kunst als Manifestation der freien, schöpferischen Kräfte eines Menschen, der Flucht seiner Vorstellungskraft und seines Geistes, wurde oft zur Stärkung weltlicher und religiöser Macht eingesetzt.

Dank Kunstwerken stärkte die Macht ihre Autorität, und Städte und Staaten bewahrten ihr Ansehen. Die Kunst verkörperte in sichtbaren Bildern die Ideen der Religion, verherrlichte und verewigte die Helden. Bildhauer, Künstler und Musiker schufen zu verschiedenen Zeiten idealisierte majestätische Bilder von Herrschern und Führern. Ihnen wurden außergewöhnliche Qualitäten, besonderes Heldentum und Weisheit verliehen, was natürlich Respekt und Bewunderung in den Herzen der einfachen Menschen hervorrief. Traditionen aus der Antike manifestieren sich deutlich in diesen Bildern - die Verehrung von Idolen, Gottheiten, die nicht nur bei jedem, der sich ihnen näherte, Ehrfurcht erregten, sondern auch bei denen, die aus der Ferne hinsahen. Die Tapferkeit von Kriegern und Feldherren wird durch monumentale Kunstwerke verewigt. Reiterstatuen werden errichtet, Triumphbögen und Säulen errichtet, um an die errungenen Siege zu erinnern.

Herunterladen:

Vorschau:

Um die Vorschau von Präsentationen zu verwenden, erstellen Sie ein Google-Konto (Konto) und melden Sie sich an: https://accounts.google.com

Beschriftungen der Folien:

Die Macht der Kunst. Kunst und Macht. Lektion Nr. 1 Kunst Klasse 9 Kunstlehrerin Somko E.V.

Kunst als Manifestation der freien, schöpferischen Kräfte eines Menschen, der Flucht seiner Vorstellungskraft und seines Geistes, wurde oft zur Stärkung weltlicher und religiöser Macht eingesetzt.

"Der eherne Reiter" Das Reiterstandbild von Petrus wurde 1768-1770 vom Bildhauer E. Falcone geschaffen.

Dank Kunstwerken stärkte die Macht ihre Autorität, und Städte und Staaten bewahrten ihr Ansehen. Die Kunst verkörperte in sichtbaren Bildern die Ideen der Religion, verherrlichte und verewigte die Helden. "Napoleon am St. Bernhard Pass"

Die Tapferkeit von Kriegern und Feldherren wird durch monumentale Kunstwerke verewigt. Reiterstatuen werden errichtet, Triumphbögen und Säulen errichtet, um an die errungenen Siege zu erinnern. Triumphbogen von Konstantin, Rom, Italien.

Auf Anordnung Napoleons I., der den Ruhm seiner Armee verewigen wollte, wurde das Triumphtor in Paris errichtet. An den Wänden des Bogens sind die Namen der Generäle eingraviert, die an der Seite des Kaisers gekämpft haben. Frankreich, Paris, Triumphbogen

1814 wurden in Russland für das feierliche Treffen der russischen Befreierarmee, die nach dem Sieg über Napoleon aus Europa zurückkehrte, hölzerne Triumphtore in der Nähe der Tverskaya Zastava errichtet. Mehr als 100 Jahre stand der Bogen im Zentrum Moskaus und wurde 1936 abgerissen. Erst in den 60er Jahren. 20. Jahrhundert Der Triumphbogen wurde auf dem Siegesplatz in der Nähe von Poklonnaya Gora an der Stelle nachgebaut, an der Napoleons Armee in die Stadt einmarschierte.

Triumphaler Alexanderbogen. Es wird auch „Königstor“ genannt. Es wurde ursprünglich 1888 zu Ehren der Ankunft von Kaiser Alexander III. mit seiner Familie in Ekaterinodar erbaut. 1928 wurde der Bogen auf Beschluss der örtlichen sowjetischen Behörden unter dem Vorwand abgerissen, dass der Bau aus der Zarenzeit den Straßenbahnverkehr behindert, obwohl seit 1900 Straßenbahnen recht erfolgreich direkt unter dem Bogen verkehren. Die Zeichnungen blieben nicht erhalten, sie wurden anhand von Fotografien restauriert. Früher befand sich der Bogen an der Kreuzung der Straßen Ekaterininskaya (heute Mira) und Kotlyarevskaya (Sedina). 2009 an der Kreuzung der Straßen Krasnaya und Babushkina nachgebaut.

Die Moskauer Zaren betrachteten sich als Erben römischer Traditionen, und dies spiegelte sich in den Worten wider: "Moskau ist das dritte Rom, und es wird kein viertes geben."

Die Glinka-Chorkapelle ist ein majestätisches Denkmal der russischen Kultur, das auf der ganzen Welt berühmt ist. Die Kapelle trägt dazu bei, den Zusammenhang der Zeiten und die Kontinuität der Traditionen aufrechtzuerhalten.

Auferstehung Novo - Jerusalemer Kloster - ein Denkmal.

Im 20. Jahrhundert, in der Ära des Stalinismus in unserem Land, betonte pompöse, prächtige Architektur die Stärke und Macht des Staates, reduzierte die menschliche Persönlichkeit auf ein unbedeutend kleines Niveau und ignorierte die individuelle Identität jedes Menschen.

Nicht realisierte Projekte von Moskauer Architekten der 30-50er Jahre.

Lektion 1

I. Grüße. Einführung durch den Lehrer.

Heute müssen wir im Unterricht die Beziehung und vielleicht sogar den Gegensatz von zwei Konzepten wie "Kunst" und "Macht" verstehen. Zuerst müssen Sie Antworten auf die Fragen finden: (FOLIE 1)

Was ist Kunst?

Was ist Macht? (Schüler antwortet).

Kunst - der Prozess und das Ergebnis eines sinnvollen Ausdrucks von Gefühlen im Bild. Kunst ist ein integraler Bestandteil der menschlichen Kultur.
Leistung ist die Fähigkeit und Fähigkeit, sich selbst aufzuzwingenWille die Aktivitäten und das Verhalten anderer Menschen trotz ihres Widerstands zu beeinflussen.

Macht ist mit der Entstehung der menschlichen Gesellschaft entstanden und wird ihre Entwicklung immer in der einen oder anderen Form begleiten.

Wann ist Kunst entstanden? (Antworten der Schüler)

Der Ursprung der Kunst und die ersten Schritte in der künstlerischen Entwicklung der Menschheit gehen zurück auf das primitive Gemeinschaftssystem, als die Grundlagen des materiellen und geistigen Lebens der Gesellschaft gelegt wurden.

Welche Schlussfolgerung können wir aus dem oben Gesagten ziehen?

Fazit: Kunst und Macht entstanden und entwickelten sich gleichzeitig und sind integraler Bestandteil der Gestaltung des gesellschaftlichen Lebens.

II. Neues Material lernen.

Oft nutzen die Behörden das kulturelle Umfeld der Gesellschaft, um das Massenbewusstsein zu beeinflussen. Mit Hilfe der Kunst wurde weltliche oder religiöse Macht gestärkt.

Kunst verkörperte in sichtbaren Bildern die Ideen der Religion, verherrlichte Herrscher und verewigt die Erinnerung an Helden.

Als eines der ersten Beispiele für den Einfluss der Macht auf die Kunst können wir das Erscheinen von Stein- oder Holzidolen betrachten, die von Naturvölkern geschaffen wurden. Und es spielt keine Rolle, ob es sich um ein Bild von einem Menschen oder einem Tier handelt. Meistens erweckten solche monumentalen Idole bei einem Menschen Ehrfurcht und zeigten seine Bedeutungslosigkeit vor den Kräften der Natur und den Göttern. Zur gleichen Zeit nehmen Schamanen und Priester, die über große Macht verfügen, einen ganz besonderen Platz in der antiken Gesellschaft ein. (FOLIE 2)

Wie unterscheidet sich die Kunst des alten Ägypten von der Kunst primitiver Stämme?

In der Kunst des alten Ägypten finden wir neben Götterbildern auch Bilder des Pharaos. Sohn des Sonnengottes Ra. Seine irdische Inkarnation. Er ist den Göttern gleich und herrscht über die Menschen. Wieder einmal kommt die Kunst der Macht zu Hilfe. Die Namen der Pharaonen in Fresken verewigen, ihre Gesichtszüge in Totenmasken bewahren, mit Hilfe monumentaler Denkmäler wie Pyramiden, Paläste und Tempel von ihrer Größe sprechen. (FOLIE 3,4)

Aber die Frage ist: Ist die Kunst in dieser Zeit personifiziert?

Die Bilder, die wir in dieser Zeit sehen, sind kanonisch, sie sind verallgemeinert und idealisiert. Besonders anschaulich können wir dies in der Kunst des antiken Roms und des antiken Griechenlands beobachten. Erinnern Sie sich an die Beschreibung des Aussehens von Herkules: „Herkules war Kopf und Schultern größer als alle anderen, und seine Kraft übertraf die eines Mannes. Seine Augen leuchteten in einem ungewöhnlichen, göttlichen Licht. Er führte einen Bogen und einen Speer so geschickt, dass er nie verfehlte, ist dies nicht das Idealbild eines Helden, der in Mythen verewigt ist. (FOLIE 5)

Das antike Rom, das zu einem großen Teil das Erbe Griechenlands war, idealisierte weiterhin die Bilder seiner Helden, Kaiser und Götter. Aber immer mehr Aufmerksamkeit der Kunst richtet sich auf eine bestimmte Person, Porträts vermitteln immer klarer und gewissenhafter die Züge der Porträtierten. Oft lag dies an dem gesteigerten Interesse an der einzelnen Person, mit der Erweiterung des Kreises der Porträtierten.

Während der Republik wurde es üblich, an öffentlichen Orten Statuen in voller Länge von politischen Beamten oder Militärkommandanten aufzustellen. Eine solche Ehre wurde durch Beschluss des Senats verliehen, normalerweise in Erinnerung an Siege, Triumphe und politische Errungenschaften. Solche Porträts wurden normalerweise von einer Widmungsinschrift begleitet, die über die Verdienste informierte. Im Falle eines Verbrechens einer Person wurden seine Bilder zerstört, während die Statuen der Gouverneure einfach ihre „Köpfe“ änderten. Mit Beginn der Kaiserzeit wurde das Porträt des Kaisers und seiner Familie zu einem der mächtigsten Propagandamittel. (FOLIE 6)

Vor uns liegt ein Porträt des Kaisers Octavian Augustus in Form eines Feldherrn. Er hält eine Rede vor der Armee. Die Rüstung des Kaisers erinnert an seine Siege. Unten ist ein Bild von Amor auf einem Delphin (was den göttlichen Ursprung des Kaisers bedeutet).

Natürlich sind sowohl das Gesicht als auch die Figur des Kaisers idealisiert und entsprechen voll und ganz den Kanons des damaligen Bildes.

Eine der Möglichkeiten, Macht zu behaupten, ist der Bau prächtiger Paläste. Der Luxus der Dekoration inspirierte den einfachen Mann oft zu einem Gefühl der Bedeutungslosigkeit vor dem Adligen. Wiederum werden Klassenunterschiede betont und die Zugehörigkeit zu einer höheren Kaste angezeigt.

Etwa zur gleichen Zeit wurden Triumphbögen und Säulen errichtet, um an Siege zu erinnern. Meistens waren sie mit skulpturalen Bildern von Kampfszenen und allegorischen Gemälden geschmückt. An den Wänden von Triumphbögen sind oft eingravierte Namen von Helden zu sehen. (FOLIE 7)

Im 15. Jahrhundert, nach dem Untergang von Byzanz, das als Nachfolger des Römischen Reiches galt und als „zweites Rom“ bezeichnet wurde, wurde Moskau zum Zentrum der orthodoxen Kultur. Die Moskauer Zaren betrachteten sich als Erben byzantinischer Traditionen. Dies spiegelte sich in den Worten wider: "Moskau ist das dritte Rom, und es wird kein viertes geben."

Um diesem hohen Status zu entsprechen, baute der Architekt aus Italien, der erfahrenste Architekt und Ingenieur Aristoteles Fioravanti, auf Erlass des Großmoskauer Fürsten Iwan III. In den Jahren 1475-1479 die Himmelfahrtskathedrale in Moskau. (FOLIE 8)

Der Abschluss des Baus der ersten Steinkirche in Moskau – der Himmelfahrtskathedrale – war der Grund für die Gründung des Chores der Souveränen Singenden Diakone. Größe und Pracht des Tempels erforderten mehr denn je die Kraft des Musikklangs. All dies betonte die Macht des Souveräns.

Aber zurück zu Große Siege, wie im alten Rom werden Triumphbögen gebaut, um an die errungenen Siege zu erinnern.

1. Triumphbogen in Paris - ein Denkmal auf dem Charles-de-Gaulle-Platz, das 1806-1836 vom Architekten Jean Chalgrin errichtet wurde.Erbaut auf Anordnung Napoleons I., der den Ruhm seiner Armee verewigen wollte. Die Namen der Generäle, die mit dem Kaiser gekämpft haben, sind in die Wände des Bogens eingraviert (FOLIE 9)

2. Triumphtore (Bogen) in Moskau.Ursprünglich wurde der Bogen auf dem Tverskaya Zastava-Platz anstelle eines Holzbogens errichtet, der 1814 für das feierliche Treffen der russischen Truppen errichtet wurde, die nach dem Sieg über die französischen Truppen aus Paris zurückkehrten. Die Tore sind mit russischen Rittern geschmückt - allegorische Bilder von Sieg, Ruhm und Mut. Die Wände des Bogens waren mit weißem Stein aus dem Dorf Tatarova bei Moskau verkleidet, die Säulen und Skulpturen wurden aus Gusseisen gegossen.(FOLIE 10, 11)

Die Verherrlichung der Macht in der Musik zeigt sich besonders deutlich in der Musik. Zum Beispiel in der Staatshymne des Russischen Reiches von 1833 (1917) "God Save the Tsar!". Musen. Prinz Alexei Fedorovich Lvov, die Worte von Vasily Andreevich Zhukovsky "Gebet der Russen". An denselben literarischen "Lehrer" von Schukowski von Puschkin

- Wer kann ein Beispiel für die Verwendung dieser Art von Hymnen in der modernen Geschichte geben? (Gott schütze die Königin).

Ein Beispiel für die moderne Verwendung solcher Hymnen ist die britische Hymne.

III. Unabhängige Arbeit

- Welchen Einfluss hat Macht auf die Kunst?

Wie tief sind ihre Beziehungen?

Sie können sich zu diesem Thema eine eigene Meinung bilden, indem Sie die folgenden Fragen beantworten: (FOLIE 12)

1. Wofür wurde Kunst in der Entwicklung der menschlichen Kultur verwendet? (Macht zu stärken - religiös und weltlich)

2. Wie hat die Kunst dazu beigetragen, die Macht und Autorität der Herrscher zu stärken? (Kunst verkörpert in sichtbaren Bildern die Ideen der Religion; verherrlichte und verewigte die Helden; gab ihnen außergewöhnliche Qualitäten, besonderen Heldenmut und Weisheit)

3. Welche Traditionen zeigen diese monumentalen Bilder? (Traditionen aus der Antike - die Anbetung von Idolen, Gottheiten, die Ehrfurcht erregen)

4. Welche Werke haben die Kraft am deutlichsten gestärkt? (Reiterstatuen, Triumphbögen und Säulen, Kathedralen und Tempel)

5. Welcher Bogen und zu Ehren welcher Ereignisse wurde in Moskau am Kutuzovsky Prospekt restauriert? ( im Jahr 1814 Triumphtore zu Ehren des Treffens der russischen Befreierarmee, die nach dem Sieg über Napoleon aus Europa zurückkehrte; 1936 wurde es abgerissen; 1960 auf dem Siegesplatz in der Nähe des Poklonnaya-Hügels nachgebaut, an der Stelle, an der Napoleons Armee in die Stadt einmarschierte)

6. Welcher Bogen ist in Paris installiert? (durch Dekret Napoleons zu Ehren seiner Armee; Die Namen der Generäle, die an der Seite des Kaisers gekämpft haben, sind in die Wände des Bogens eingraviert)

7. Wann wurde Moskau zum Zentrum der orthodoxen Kultur? (im XV Jahrhundert nach dem Fall von Byzanz, das als Nachfolger des Römischen Reiches galt und das Zweite Rom genannt wurde)

8. Wie hat sich das kulturelle Image des Moskauer Staates verbessert? (Der Hof des Moskauer Zaren wird zum Wohnort vieler kulturell gebildeter Orthodoxer, Architekten, Baumeister, Ikonenmaler, Musiker)

9. Warum wurde Moskau das „Dritte Rom“ genannt? (Moskauer Zaren betrachteten sich als Erben römischer Traditionen)

10. Welcher Architekt begann mit dem Wiederaufbau des Moskauer Kremls? (Italienischer Architekt Fiorovanti)

11. Was markierte den Abschluss des Baus der ersten Steinkirche in Moskau - der Himmelfahrtskathedrale? (die Bildung des Chores der singenden Diakone des Souveräns, weil die Größe und Pracht des Tempels eine größere Stärke des Musikklangs erforderte)

Alexander Alexandrowitsch Wlaskin

Politische Motive der Kunst

Künstlerische Kreativität, Selbstdarstellung sowie die Aktivitäten von Politikern haben einen großen Einfluss auf die Gesellschaft. Über die enge Verbindung zwischen Kunst und Politik ist viel gesagt und geschrieben worden, diese Verbindung wurde in der Antike verstärkt, als Bildhauer und Künstler heroische Bilder von Herrschern formten, ihre Heldentaten und Siege widerspiegelten. Später begann die Kunst, bestimmte Figuren oder Ideologien nicht nur zu loben, sondern auch anzuprangern, zu diffamieren. Was sind die politischen Motive der Kunst, derer, die sie schaffen?

Politiker machen Geschichte, bleiben in ihr, genauso wie Künstler und Schriftsteller danach streben, in ihr zu bleiben... Die Autoren bilden nicht nur die Welt für die Nachwelt ab, sondern tragen auch zur Gestaltung der Moderne bei, geben eine Einschätzung ab und bieten ihre Vision an. Gleichzeitig sind beide Prozesse politisch engagiert, denn was öffentliches Interesse weckt, kommt denen zugute, die an die Macht kommen wollen.

Massenkultur, Fortschritte im Bereich der Informationsvermittlung, das Aufkommen globaler Kommunikationsmittel sowie die Dominanz des Clip-Bewusstseinsmodells – all dies hat Kunst und Politik maßgeblich beeinflusst. Tatsächlich ist es für einen modernen Menschen schwierig, sich vor Propaganda und Angeboten verschiedener Meinungen zu verstecken, und Kunst kann einige Ideologien in eine populäre und modische Form kleiden.

Zeitgenössische Kunst ist an sich Teil des ästhetischen und ethischen Paradigmas, sie materialisiert den Zeitgeist in bestimmten Werken, bleibt also nicht abseits von aktuellen Themen.

Zeitgenössische Kunst will Mode prägen, Mode beeinflusst die Lebensweise und das Weltbild der Konsumgesellschaft. Der Autor wiederum kann künstlerische Etikettierungen betreiben, die einen verteufeln, die anderen verherrlichen, und ein Teil des Publikums übernimmt seine Ansichten, interessiert sich nicht einmal für die Politik als solche. Da zeitgenössische Kunst oft ein Protest ist, eine Rebellion des Autors, eine Antwort auf etablierte Normen, Stereotypen, ein Test der öffentlichen Moral, dann ist auch politische Opposition für sie charakteristisch. Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst in verschiedenen Epochen der Geschichte waren Sänger und Künstler der Revolution, auch wenn einige später die Tragik eines solchen Weges verstanden haben. Zeitgenössische Kunst in Russland wird heute jedoch teilweise als politisches Instrument eingesetzt.

Zeitgenössische Kunstintervention und postsowjetisches Russland

Mayakovsky, der für seine Zeit ein provokanter und fortschrittlicher Autor war, sprach von „einem Schlag ins Gesicht des Publikumsgeschmacks“. Ende des 20. Jahrhunderts wurden Ohrfeigen zu einer Serie von Schlägen, zu einer Art provozierendem Wettkampf.

Die Zeit der Perestroika und später der 90er Jahre ist dadurch gekennzeichnet, dass eine Reihe von Skandalautoren eine Art „Geländewagen-Pass“ in alle Gesellschaftsschichten erhielten. Der Wettbewerb der Freizügigkeit führte zu Dutzenden von Ausstellungen, Veranstaltungen, Performances, bei denen die moralische Messlatte gesenkt wurde, es gab einen Angriff auf traditionelle, konservative Grundlagen und Werte.

Das wegweisende Ereignis, von dem Vladimir Salnikov spricht, ist sehr charakteristisch geworden: „Die Kunst der 90er Jahre selbst wurde am 18. April 1991 geboren, als Anatoly Osmolovskys Gruppe „These“ das Wort ihrer drei Buchstaben mit ihren Körpern auf dem Roten Platz auslegte. ”

Eines der Symbole für die Stärkung und Verbreitung neuer Ansätze war der nackte Oleg Kulik, der einen Hund darstellte. Bezeichnend ist auch die Vorgeschichte dieser weltweit beachteten Tat - der Künstler wurde aus Hunger „ein Hund“. Er gab den Kritikern einfach das, was sie der westlichen Gesellschaft erfolgreich präsentierten, was aber für Russland wild blieb.

Trotz der Tatsache, dass die Mehrheit der Bürger noch konservativen Ansichten anhängte und weit davon entfernt war, die Feinheiten der Kunstgeschichte zu studieren, bildete sich in der sterbenden Sowjetunion eine große und lebendige Gemeinschaft von Informellen. Aus dem informellen Umfeld gingen Dutzende von Künstlern, Dichtern und Musikern hervor, die in der Zeit der Freizügigkeit und Ermutigung, den moralischen Rahmen zu überschreiten, unbegrenzte Möglichkeiten für kreative Experimente erhielten.

Die neue Kunst, die eine gewisse Carte Blanche erhielt und durch Auszeichnungen unterstützt wurde, konnte das Bewusstsein der älteren Generation nicht neu formatieren, aber sie konnte sehr ernste Auswirkungen auf junge Menschen haben, insbesondere in Ermangelung staatlicher Programme in diesem Bereich.

Wie helle, aber künstliche und oft schädliche Produkte strömten im Zuge der Perestroika auch Muster westlicher Kunst in unser Land, die zuvor nicht weit verbreitet waren, aber als fortschrittlich und fortschrittlich bezeichnet wurden. Hier ist Abstraktion, die versucht, Realismus und existenzielle Erfahrungen zu verdrängen, und Depressivität und die Verleugnung der Kanons und Experimente mit dem Körper, anstatt die Seele zu erforschen. Und ein solches Produkt wurde angebaut, wie Kaugummi oder Alkohol angebaut wurde.

Es gibt jedoch Dutzende Beispiele von Werken und Autoren, die keine zerstörerische Wirkung auf die Gesellschaft hatten, aber einige Präzedenzfälle können als im Dienste pro-westlicher politischer Interessen angesehen werden. Zum Beispiel die Figur des professionellen politischen Strategen Marat Gelman, der zum Dirigenten zeitgenössischer Kunst wurde. Er beteiligte sich in den 90er und frühen 2000er Jahren aktiv am politischen Leben des Landes, aber nach einer Reihe von Skandalen, als seine Ausstellungen als Beleidigung und Verletzung der Grundlagen der russischen Gesellschaft bezeichnet wurden, kündigte er die Einschränkung des Marktes für zeitgenössische Kunst in Russland an zog später nach Montenegro und kritisierte aktiv die Politik von Wladimir Putin.

Nennt sich politischer Aktivist und Alexander Brener. Er erlangte Berühmtheit, indem er an bestimmten Orten nackt auftrat und dies mit verschiedenen Subtexten erklärte. Eine seiner denkwürdigsten Aktionen war eine Show auf dem Hinrichtungsplatz des Roten Platzes in Boxhandschuhen mit einer Herausforderung zum Kampf des damaligen Präsidenten Boris Jelzin. Richtig, in diesem Fall trug Brener noch kurze Hosen.

In den Prozessen der Förderung neuer und unverständlicher Kreativität treten Kunstmanager und Galeristen in den Vordergrund, die zur Entwicklung und zum Wohlstand des Autors beitragen können. Sie senden auch Anfragen zu seinen Aktivitäten, bringen ggf. eine politische Komponente in die Bestellung oder Auswahl der Werke ein.

Zu Beginn des 21. Jahrhunderts hatte sich in Russland eine Community entwickelt, die sich weniger mit klassischer Kunst als vielmehr mit provokativen Experimenten beschäftigte. Dies galt für die bildende Kunst, das Kino und das Theater. Depressive Kunst, die Autorität leugnet und klassische Kanons verachtet, begann zur Norm erhoben zu werden. Es erinnert auch an „Norma“ von Vladimir Sorokin, einem Kultautor, der gerade um die Jahrhundertwende an Popularität gewann. Nicht umsonst wurde seine Prosa „exkrementell“ genannt, da dem Exkrement viel Aufmerksamkeit geschenkt wurde.

Merkmale der Positionierung zeitgenössischer Kunst

Natürlich verfolgen nicht alle Autoren und Galeristen politische Ziele und steigern ihre Popularität durch Provokationen. So sprach etwa der bekannte Galerist Sergei Popov über das Zerschneiden von Ikonen und anderen Spott auf Ausstellungen: „Ich habe extrem negativ auf die Ausstellung „Vorsicht, Religion“ reagiert – es war eine Provokation in Reinform. Und es hat zu einer sehr schlechten Reaktion der konservativen Öffentlichkeit auf die zeitgenössische Kunst geführt, wir ernten immer noch die Früchte solch idiotischer Aktionen. Als Provokation darf Kunst nur in Ländern präsentiert werden, in denen sie dafür bereit sind. Aber Künstler haben in Ländern, in denen die Scharia gilt, nicht das Recht, Schweine zu schlachten und Bilder nackter Frauen zu zeigen – dafür werden sie geköpft. Und in Russland ist es unmöglich, Provokationen zu religiösen Themen zu organisieren, ohne den Kontext des Landes zu berücksichtigen.

Provokation ist also keine Voraussetzung für zeitgenössische Kunst. Dies ist eher eine Entscheidung und eine bewusste und motivierte Entscheidung. Diejenigen, die diese Wahl getroffen haben, werden oft nicht nur Teilnehmer an künstlerischen, sondern auch an politischen Prozessen, ein Werkzeug in den Händen von Polittechnologen.

Aktionismus ist zu einem wichtigen Merkmal der postsowjetischen Zeit geworden. Einer der führenden Künstler, Anatoly Osmolovsky, beschrieb dieses Phänomen wie folgt: „In einer kunstunempfindlichen Gesellschaft muss der Künstler mit einem Mikroskop auf den Kopf schlagen, anstatt einige nützliche Bakterien darin zu beobachten. Die Gesellschaft in Russland ist kunstunempfindlich, deshalb praktizieren unsere Künstler seit den 90er Jahren den direkten Eintritt in die Gesellschaft selbst - das sind Aktionen, Interventionen.

Der Aktionismus als Ausweg aus den üblichen künstlerischen Räumen ist auch der Politik nahe, und eine Reihe von Aktionen tragen politische Untertöne. Diese Art von Aktivität zieht auch die Medien an, die aktiv helle und provokative Aktionen verbreiten. Mit der Entwicklung des Internets werden Clip- und Viral-Events zu einem beliebten Produkt, das ein breites Publikum erreicht. Dies ist der unbestrittene Vorteil, zeitgenössische Kunst zu nutzen, um die gewünschte Ideologie zu fördern.

Journalisten haben den Aktionismus, der oft unter den Artikel des Strafgesetzbuches der Russischen Föderation über Rowdytum fällt, auf eine neue Ebene der Popularität gebracht. Es ist an sich merkwürdig, dass die Aktion der Voina-Gruppe mit dem Umkippen eines Polizeiautos allgemein als künstlerischer Akt bezeichnet wurde. Aber auch diese Gruppe erhielt 2011 den renommierten Kandinsky-Staatspreis, gestiftet vom Kulturministerium für eine Aktion mit einer Zeichnung eines Mitglieds auf einer Zugbrücke gegenüber dem FSB-Gebäude in St. Petersburg.

Die aktuellen „Unruhestifter“, die eine ideologisch destruktive Botschaft umsetzen – der Künstler Pavlensky, „Pussy Riot“, „The Blue Rider“, früher – die Künstlergruppe „Voina“ – sie alle entwickelten sich gerade unter dem Einfluss des Stils der 90er Jahre, die Förderung der Freizügigkeit, die zum Synonym für Freiheit wurde. Und solche Beispiele können als eine der Waffen des Informationskrieges bezeichnet werden. Genau wie Ende der 80er Jahre wurde Rock and Roll zu einer Waffe gegen Kommunismus und "Sowjetismus". Im Gegensatz zu Rockhymnen finden die Aktionen, riesige Phallusse zu ziehen oder Stacheldraht einzuwickeln, zwar nicht so viele Fans.

Die politischen Obertöne von Brener oder die Provokationen von Ter-Oganyan, der Ikonen mit einer Axt schnitt, wurden durch eine Orgie der Kunstgruppe "Voina" im Museum ersetzt, die im Tempel tanzte, aber die Essenz blieb dieselbe - der Autor Berühmtheit (wenn auch skandalös) und Erwähnung erlangt, und ein möglicher Kunde oder Gönner - eine massentaugliche politische Metapher, die in Zukunft aktiv genutzt werden kann.

Laut dem Künstler Nikas Safronov entscheiden heute etwa hundert Menschen über die Politik aller Kunst auf der Welt, und es spielt keine Rolle, ob man zeichnen kann oder nicht. Wenn Sie Charisma haben, wenn Sie Menschen dazu gebracht haben, über sich selbst zu sprechen, kann dies bereits Teil der Kunst sein.

Clash von Provokateuren und Konservatismus

In der Tat, wie viele Experten, darunter A. Konchalovsky in seinem berühmten Vortrag über zeitgenössische Kunst, feststellten, ersetzt das Ziel der Provokation oft das künstlerische Können, wie man an den Flaggschiffen des Genres sehen kann.

Mit dem Erstarken konservativer Gesinnungen, mit dem Erstarken des bürgerlichen Patriotismus und der Staatlichkeit im Allgemeinen, wurden die freien Aktionen der Provokateurkünstler immer mehr kritisiert.

Zu Beginn des neuen Jahrhunderts war die postmoderne Mode im Theater, in der Literatur und in der bildenden Kunst stärker geworden, während der gewählte konservative Kurs des Staates zu einem Aufeinanderprallen von Interessen und Vorlieben im künstlerischen Umfeld führte. Einige wollten etwas zeigen, das zusätzlicher Erklärung bedarf, etwas, das weitgehend die westliche Tradition von vor zehn, zwanzig und dreißig Jahren wiederholt. Aber die Prinzipien der Schocktherapie in der Kunst, die zur gleichen Zeit populär wurden, als die Schocktherapie in der Wirtschaft im ganzen Land angewendet wurde, fesselten die Mehrheit der Bürger nicht. Unverschämt, arrogant, unverständlich, trotzig, manchmal aggressiv und deprimierend – all das blieb fremd. Als die Dirigenten dieser Kunst dies erkannten, begannen sie, auf dem Elitismus ihres Produkts zu bestehen, auf der Tatsache, dass es nur für die Elite, gebildet und hoch entwickelt ist. Diese Teilung wurde zu einem der Faktoren des Konflikts. Dieses Merkmal hat sich in der russischen Geschichte bereits mehr als einmal manifestiert, aber nicht jeder zieht Schlussfolgerungen. Die Menschen heißen Vieh, graue Masse, Steppjacken und so weiter. Der orthodoxen Gemeinschaft, die als "Obskurantist" registriert wurde, werden separate Beinamen verliehen. Mit diesem Ansatz grenzt sich eine kleine Gruppe ab und schneidet auch die Möglichkeit ab, Popularität in der breiten Öffentlichkeit zu verbreiten, indem sie ihr Produkt "Kunst nicht für die Masse" nennt. Nehmen Sie zum Beispiel das Stück „Boris Godunov“ von Bogomolov, wo die Machtverhältnisse auf der Bühne des akademischen Theaters mit einem Hauch von Modernität dargestellt werden und auf den großen Bildschirmen die Titel „Das Volk sind dummes Vieh“ weitergehen und weiter.

Das Befolgen der Traditionen und Prinzipien für einen Teil der Gesellschaft wird als etwas Schändliches und Rückständiges dargestellt, und dies ist eine der wichtigen Aufgaben der russischen liberalen Ideologie. Das Bild des "stehlenden Priesters" erscheint in Filmen ("Leviathan"), in Liedern (Vasya Oblomovs "Multi-Move") und auf der Bühne ("Boris Godunov"). All dies sieht aus wie die Entwicklung eines Trends, und das wirksamste Heilmittel dagegen scheint die Schaffung eines alternativen künstlerischen Produkts der Massenorientierung zu sein. Hervorragende Beispiele in diesem Bereich sind der Film „The Island“, das Buch „Unholy Saints“ usw.

Die vielleicht widerhallendsten Konflikte aus Provokation und Konservatismus waren die jüngste Situation mit der Oper Tannhäuser sowie die Skandale um die Ausstellung Verbotene Kunst im Jahr 2006. Hier können wir bereits über das Aufeinanderprallen politischer Konzepte, Liberalismus und Westernismus gegen Vormundschaft sprechen, wenn auf Gegenstände und Gegenstände religiöser Verehrung absichtlich destruktiv eingewirkt wird.

Die Kirche und die Orthodoxie im Allgemeinen werden zu einem der Ziele künstlerischer Provokation, die als eine Art der Beeinflussung nationaler Archetypen bezeichnet werden kann. Dies sind die berühmten Kathedralen der blauen Klistiere und das Schneiden von Ikonen und so weiter.

Zeitgenössische Kunst kann die Politik zwar direkter beeinflussen. Das gleiche Stück "Boris Godunov" ist eine Karikatur der aktuellen Regierung mit Bildern sowohl des Präsidenten als auch des Patriarchen. Es gibt auch Aufführungen im „unabhängigen“ Theatre.doc, wo die Stücke Berlusputin, Bolotnaya Delo, ATO auftraten, und jetzt bereiten sie ein Stück über den ukrainischen Regisseur Sentsov vor, der wegen Vorbereitung von Terroranschlägen auf der Krim verurteilt wurde. Hier gibt es eine Verteidigung des Rechts, auf der Bühne zu schwören, was als integrales künstlerisches Mittel bezeichnet wird.

Zur gleichen Zeit, als dieses Theater Probleme mit den Räumlichkeiten hatte, setzten sich sowohl berühmte russische als auch westliche Kulturschaffende aktiv dafür ein. Die Einbeziehung ausländischer Kulturstars in die politische Agenda ist eine beliebte Technik. Sie traten für die "Tannhäuser" ein, und für denselben Senzow. Es lohnt sich, an Madonna zu erinnern, die mit der Aufschrift "Russian Riot" auf dem Rücken zu einem der Konzerte ging, obwohl sie wirklich nichts über diese Band wusste. Solche Beispiele demonstrieren die Einheit politischer Ziele und die allgemeinen Linien, denen Regisseure, Schauspieler und Künstler zu folgen bereit sind.

Interessant ist auch das Vordringen politisierter Gegenwartskunst in die Regionen. Liberale waren in den Provinzen traditionell wenig beliebt, und Kunst kann jene Thesen vermitteln, die aus den Lippen von Politikerbesuchern schwer zu verstehen sind. Die Erfahrung von Perm mit der massiven Einführung moderner und unverständlicher Kunst in die Uralregion erwies sich als nicht die beste. Die Apotheose der Beteiligung der Politik an diesem Prozess war die Ausstellung von Vasily Slonov, der die Symbole der Olympischen Spiele in Sotschi auf ekelhafte und beängstigende Weise darstellte. Aber Theaterproduktionen sind verständlicher, mit ihrer Hilfe ist es einfacher, das Weltbild zu verbreiten. Deshalb tourt Theatre.doc mit Vergnügen, deshalb versuchten sie, in Pskow ein skandalöses Stück „Der Bademeister“ aufzuführen, deshalb erscheint der „orthodoxe Igel“ in Tomsk.

Eine Reihe von Kulturschaffenden schloss sich den Kolonnen von Demonstranten und Demonstranten an. An sich ist das nicht neu, da es in der Kunst schon immer viele Rebellen gegeben hat, nur die aktuelle russische Situation ist frei von jeglichem romantischen Revolutionismus, es ist eher ein monotones Dissidenzspiel, an dem Ulitskaya, Makarevich, Akhedzhakova, Efremov, teilhaben Grebenshchikov und andere haben sich für den größten Teil des Rentenalters talentierten Menschen angeschlossen. Vertreter der alten Intelligenz, die sich noch an Küchenpolitik und Selfpublishing erinnern, sehen sie gerne, aber junge Leute sind von solchen „öffentlichen Meinungsführern“ irgendwie nicht beeindruckt. Unter den jungen Oppositionellen sind neben Tolokonnikowa und Alyokhina, die selbst von der Opposition zweideutig wahrgenommen werden, die Musiker Vasya Oblomov und Noize MC hervorzuheben, die jedoch nicht so radikal sind.

Wächter in der zeitgenössischen Kunst

Zusammen mit liberalen Kräften, die die moderne pro-westliche, postmoderne Kunst als ihr lebensspendendes Umfeld und die Möglichkeit sehen, eine ihnen nahestehende Ideologie zu verbreiten, tauchten immer mehr Autoren auf, ebenso wie kreative Vereinigungen, die, Verwenden Sie den Avantgarde-Stil, Pop-Art, und verteidigen Sie bereits patriotische Werte.

Modische Kunsttrends können und sollten ein Mittel zur Selbstdarstellung und Übermittlung der notwendigen Thesen für die Beschützer sein, für diejenigen, die ein unabhängiges Russland brauchen, das traditionelle Werte ehrt.

Beispiele für politischen Schutz in der Kunst finden sich nicht nur in den Sälen und Galerien, sondern auch auf den Straßen unserer Städte. Viele Ausstellungen von Künstlern, die die Politik des Kreml unterstützen, sowie thematische Aufführungen finden unter freiem Himmel statt und ziehen sowohl Hunderte von Zuschauern als auch Journalisten an.

Separat kann man Straßenkultur bemerken - Straßenkunst, deren beliebteste Manifestationen Graffiti sind. In Moskau und einigen anderen Städten tauchten immer mehr patriotische Graffiti auf, und zwar großformatige, die Hunderte von Quadratmetern der Oberfläche bedeckten.

Es gibt auch Künstler, die sich von patriotischen Themen und Bildern der Führer des Landes inspirieren lassen. Eine Entdeckung auf diesem Gebiet war also vor einigen Jahren der St. Petersburger Künstler Alexei Sergienko, der durch eine Porträtserie von Wladimir Putin berühmt wurde. Dann schuf er eine Reihe von Gemälden im Stil von Andy Warhol, jedoch nur mit ikonischen russischen Symbolen, sowie eine Sammlung „patriotischer“ Kleidung, in der das Ornament von Nestpuppen und anderen klassischen Elementen der russischen Kultur stammte.

In Musik und Literatur hat sich um das Thema Donbass eine gewisse patriotische Schicht gebildet. Dies sind Zakhar Prilepin, der früher als Oppositioneller galt und mit der NBP zusammenarbeitete, und Sergei Shargunov, und die beliebteste Gruppe "25/17" mit herzlichen Texten und eine Reihe anderer bekannter Autoren. Diese Menschen und Kollektive, die jeweils Tausende oder Zehntausende von Fans haben, bilden ein ernsthaftes Gegengewicht zum liberalen Flügel der Kreativen.

Auch ganze Vereine erregen Aufmerksamkeit. So sorgte die Stiftung Art Without Borders mit der Ausstellung „At the Bottom“, die Beispiele unmoralischer und teilweise anstößiger Szenen im modernen russischen Theater sammelte, für große Resonanz. Gleichzeitig wurde darauf aufmerksam gemacht, dass für eine Reihe von Skandalproduktionen Haushaltsmittel erhalten wurden. Diese Aktion hat in einem Teil des Theaterumfelds einen Sturm der Empörung ausgelöst.

Die Stiftung selbst ist aber auch für ihre Kunstausstellungen bekannt, in denen junge Autoren Arbeiten zu aktuellen politischen Themen im Stil der Pop-Art zeigen.

Es gab auch Theateraufführungen im patriotischen Geist. Man kann sich an den Versuch des Wladimir-Theaters erinnern, die Geschichte der "Jungen Garde" in die moderne Ukraine zu übertragen - diese Aufführung erhielt viele wütende Kritiken von Kritikern.

Dazu kommt das SUP-Projekt, das nicht nur für Lesungen zum Ukraine-Konflikt bekannt wurde, sondern auch für eine kleine politische Performance über Revolutionsträume und historische Erfahrungen, die eben diese Revolutionen leugnen.

In der begonnenen Saison (sowohl politisch als auch kreativ) ist eher mit einer Stärkung der schützenden Verbindung, einer Stärkung und größeren künstlerischen Vielfalt zu rechnen. Die Aussicht, ein Publikum anzuziehen, hängt zumindest von der Qualität eines künstlerischen Produkts ab, seiner Originalität und Spektakulärität, und dies ist in der Tat ein Kampf um die Intelligenz, um diejenigen, die die öffentliche Meinung anführen können. Und die Reflexion von Meinungen und Überzeugungen auf den Bühnen und in den Hallen ist nicht weniger wichtig als Straßenauftritte.

Zur aktuellen Situation im Bereich der zeitgenössischen Kunst

In der Saison 2015-2016 sprach der liberale Teil der Kunstszene weiterhin davon, „die Schrauben anzuziehen“ und den Druck der Regierung zu erhöhen. Der Skandal um den Golden Mask Award, dessen Neuformatierung beschlossen wurde, war bezeichnend. Der etablierte Expertenrat aus dem Kreis der „Eigenen“ wurde verändert, was viele Kritiker und Regisseure verärgerte. Kirill Serebrennikov und Konstantin Bogomolov weigerten sich sogar, an bevorstehenden Veranstaltungen teilzunehmen. Aber die Experten wurden einfach anders, mit unterschiedlichen Meinungen und Ansichten, und nicht Leute aus demselben Lager. Aber auch das verärgerte die Liberalen, die die Politik in der Veränderung sahen. Es stellt sich heraus, dass die sogenannten "freien Schöpfer" Kritik nicht tolerieren, und der prestigeträchtigste Theaterpreis wurde an sich gerissen, um ihre eigenen Kanone und Prinzipien in das heimische Theater einzuführen, weit entfernt von Klassik und Akademiker. Die Autoren der Hauptbühnenskandale wurden einst Eigentümer dieser Auszeichnung. Die „Goldene Maske“ wiederum spielte die Rolle eines gewissen Schutzes: „Nun, man kann ihn nicht schelten, er ist der Gewinner der „Maske“.

Persönlichkeiten der zeitgenössischen Kunst versuchen, sich als besonders, herausragend zu präsentieren, während sie ihre eigene Meinung diktieren und der Politik Aufmerksamkeit schenken. Politische Motive können sich nur im nächsten Jahr verstärken, das Parlamentswahlen und folglich eine Zunahme der politischen Aktivität bringen wird. Dank des Internets erhalten eine Reihe von Autoren und Kritikern Zugang zu einem breiten Publikum, und helle und originelle Werke werden darauf abzielen, die notwendigen Ideologien zu verbreiten. Auch Manifestationen einer neuen Welle des politischen Aktionismus sind nicht ausgeschlossen.

Natürlich ist es sowohl schwierig als auch irrational, eine solche Welle mit Verboten und Einschränkungen zu unterdrücken. Andererseits scheint die Praxis symmetrischer Antworten durchaus praktikabel zu sein – was in der Außenpolitik bereits erfolgreich erprobt wurde. Das heißt, in der Welt der Kunst wird es eine Antwort von Kreativität auf Kreativität, Kreativität auf Kreativität sein, der Kampf um das Publikum wird trotz der Tatsache, dass die Mehrheit der Bevölkerung immer noch zu konservativen und traditionellen Werten neigt, nicht gesucht Möglichkeiten, das Abstrakte zu verstehen, ist nicht bereit, seinen Geschmack für "Ohrfeigen"-Künstler zu ersetzen. Diese Aussage gilt natürlich nicht für offene Provokationen und Rechtsverstöße, für deren Abwehr es ganz andere zuverlässige Mechanismen gibt.

Kontrolle

Kulturwissenschaft und Kunstgeschichte

1. Kunst und Macht. In der Entwicklung der menschlichen Kultur wird ständig eine merkwürdige Regelmäßigkeit darin nachgezeichnet, wie Kunst oft verwendet wurde, um die Macht des Säkularen und Religiösen zu stärken. Dank Kunstwerken stärkten die Behörden ihre...

1. Kunst und Macht.

In der Entwicklung der menschlichen Kultur wird ständig eine merkwürdige Regelmäßigkeit darin nachgezeichnet, wie Kunst oft zur Stärkung der weltlichen und religiösen Macht eingesetzt wurde.

Dank Kunstwerken stärkte die Macht ihre Autorität, und Städte und Staaten bewahrten ihr Ansehen.

Kunst:

1. verkörpert in sichtbaren Bildern die Ideen der Religion;
2. verherrlichte und verewigte Helden, Herrscher-Führer.

Bildhauer, Künstler und Musiker schufen zu verschiedenen Zeiten idealisierte majestätische Bilder von Herrschern und Führern. Ihnen wurden außergewöhnliche Qualitäten, besonderes Heldentum und Weisheit verliehen, was natürlich Respekt und Bewunderung in den Herzen der einfachen Menschen hervorrief. Diese Bilder zeigen deutlich Traditionen, die bis in die Antike zurückreichen - die Verehrung von Götzen, Gottheiten, die nicht nur bei jedem, der sich ihnen nähert, Ehrfurcht erwecken, sondern auch bei denen, die aus der Ferne schauen.

Die Tapferkeit von Kriegern und Feldherren wird durch monumentale Kunstwerke verewigt.

Beispiele:

1. Zur Erinnerung an die errungenen Siege werden Reiterstatuen errichtet, Triumphbögen und Säulen errichtet.

Auf Anordnung Napoleons I., der den Ruhm seiner Armee verewigen wollte, wurde das Triumphtor in Paris errichtet. An den Wänden des Bogens sind die Namen der Generäle eingraviert, die an der Seite des Kaisers gekämpft haben.

2. 1814 In Russland wurden für das feierliche Treffen der russischen Befreierarmee, die nach dem Sieg über Napoleon aus Europa zurückkehrte, an der Tverskaya Zastava hölzerne Triumphtore errichtet. Mehr als 100 Jahre stand der Bogen im Zentrum Moskaus und wurde 1936 abgerissen. Erst in den 60er Jahren. 20. Jahrhundert Der Triumphbogen wurde auf dem Siegesplatz in der Nähe von Poklonnaya Gora an der Stelle nachgebaut, an der Napoleons Armee in die Stadt einmarschierte.

15. Jahrhundert nach dem Untergang von Byzanz, das als Nachfolger des Römischen Reiches galt und Zweites Rom genannt wurde,wird zum Zentrum der orthodoxen Kultur Moskau . Während der Zeit des wirtschaftlichen und militärischen WachstumsStaat Moskau erforderlich relevantkulturelles Bild. Der Hof des Moskauer Zaren wird zum Wohnort vieler kulturell gebildeter Orthodoxer. Unter ihnen sind Architekten und Baumeister, Ikonenmaler und Musiker.

Die Moskauer Zaren betrachteten sich als Erben der römischen Traditionen, und dies spiegelte sich in den Worten wider: "Moskau ist das dritte Rom, und es wird kein viertes geben." Um diesem hohen Status gerecht zu werden,entworfen von einem italienischen ArchitektenFioravanti baut den Moskauer Kreml wieder auf.Fertigstellung des BausDie erste Steinkirche in Moskau - die Himmelfahrtskathedrale - war der Grund für die Gründung des Chores der Souveränen Singenden Diakone. Größe und Pracht des Tempels erforderten mehr denn je die Kraft des Musikklangs. All dies betonte die Macht des Souveräns.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts.nach dem grandiosen Plan Seiner Heiligkeit Patriarch Nikon – heilige Stätten nach dem Bild Palästinas zu schaffen, die mit dem irdischen Leben und der Tat Jesu Christi verbunden sind –Das neue Jerusalem wurde in der Nähe von Moskau gebaut Kloster. Die Hauptkathedrale ähnelt in Grundriss und Größe der Grabeskirche. in Jerusalem . Diese Idee des Patriarchen Nikon ist der Höhepunkt der Entwicklung der alten Traditionen der russischen Kirche, die bis in die Zeit der Taufe Russlands (X Jahrhundert) zurückreichen.

18. Jahrhundert öffnete ein neues Kapitel in der russischen Geschichte. Peter I mit dem treffenden Ausdruck von Puschkin, "ein Fenster nach Europa wurde aufgeschnitten" -Sankt Petersburg gegründet.

Neue Ideen spiegeln sich in allen Arten von Kunst wider. Weltliche Malerei und Skulptur tauchten auf, die Musik wechselte zu einem europäischen Stil. Der Chor der souveränen Chorsänger wurde nun nach St. Petersburg verlegt und wird zur Hofsingkapelle (oftmals sang Peter I. selbst in diesem Chor). Die Künste preisen den Herrn und stoßen auf den jungen Zaren von ganz Russland an.

Jetzt ist die Glinka-Chorkapelle ein majestätisches Denkmal der russischen Kultur, das auf der ganzen Welt berühmt ist. Die Kapelle trägt dazu bei, den Zusammenhang der Zeiten und die Kontinuität der Traditionen aufrechtzuerhalten.

3.XX Jahrhundert, in der Ära des Stalinismus in unserem Land, betonte pompöse, prächtige Architektur die Stärke und Macht des Staates, reduzierte die menschliche Persönlichkeit auf ein unbedeutend kleines Niveau und ignorierte die individuelle Originalität jeder Person. Der seelenlose Mechanismus des staatlichen Zwangs unterstreicht den grotesken Anfang in der Musik (D. Schostakowitsch, A. Schnittke und andere).

An Wendepunkten der Geschichte kommt das demokratische Empfinden der Menschen in der Kunst besonders lebendig zum Ausdruck. Das sind Revolutionslieder, Märsche während der Oktoberrevolution in Russland (1917);

Plakate, Gemälde, Musikkompositionen aus dem Großen Vaterländischen Krieg (1941-1945). Dies ist auch ein Massenlied, das den Arbeitseifer der Nachkriegsjahre widerspiegelt;

Autorenlied der zweiten Hälfte des XX Jahrhunderts. (eine Art urbane Folklore), die nicht nur die lyrischen Stimmungen der jüngeren Generation zum Ausdruck bringt, sondern auch einen Protest gegen die in der Rockmusik besonders ausgeprägte Einschränkung der individuellen Freiheit.

2. Benennen Sie die architektonischen Strukturen

Der Eiffelturm,

St. Basil Kathedrale,

Kreml - Kasan,

Kathedrale der Heiligen Himmelfahrt - Naberezhnye Chelny