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Classicism CLASSICIM(Lat. Classicus 예시에서), 문학과 예술의 스타일과 방향 17 시작. 19세기, 고대 유산을 규범이자 이상적인 모델로 삼은 사람들. 철학적 합리주의의 사상, 세계의 합리적인 규칙성, 아름다운 고귀한 자연에 대한 사상을 바탕으로 그는 논리적이고 명확하며 조화로운 이미지의 엄격한 조직에 대한 큰 사회적 내용, 숭고한 영웅적, 도덕적 이상을 표현하기 위해 노력했습니다. .

Rococo ROCOCO("기발한", "변덕스러운"; 프랑스어. rocaille의 돌 조각, 조개 껍질)에서 유래한 로코코, 18세기 전반기 3/4분기 동안 유럽 미술에서 널리 퍼진 스타일 트렌드. 로코코 예술은 허구와 친밀한 경험, 장식적인 연극성, 정교함, 정교한 정교함의 세계이며 영웅주의와 파토스가 설 자리가 없으며 사랑, 환상, 사랑스러운 장신구 게임으로 대체됩니다.

Nicolas Poussin PUSSIN(푸생) Nicolas(), 프랑스 화가. 고전주의 대표. 숭고한 이미지, 깊은 철학적 의도, 구성과 그림의 명확한 구성, 역사적, 신화적, 종교적 주제에 대한 그림, 이성과 사회적 윤리적 규범의 힘을 확인하는 그림(Tancred and Herminia, 1630s, Arcadian Shepherds, 1630년); 장엄한 영웅적 풍경("폴리페모스가 있는 풍경", 1649년, "계절" 시리즈).

"용감한 장르"의 마스터 로코코 회화의 주요 주제는 궁정 귀족의 절묘한 삶, "용감한 축제", 깨끗한 자연을 배경으로 한 "양치기"의 삶의 목가적 인 그림, 복잡한 사랑 음모 및 독창적 인 알레고리의 세계입니다. . 인간의 삶은 순간적이고 순간적이므로 "행복한 순간"을 포착하고 서두르며 살고 느낄 필요가 있습니다. "사랑스럽고 바람이 잘 통하는 작은 것들의 정신"(M. Kuzmin)은 "왕실 스타일"의 많은 예술가들의 작품의 주제가됩니다. 로코코 그림의 주요 주제는 궁정 귀족의 세련된 삶, "용감한 축제", 깨끗한 자연을 배경으로 한 "목동" 삶의 목가적 그림, 복잡한 사랑 음모 및 독창적인 알레고리의 세계입니다. 인간의 삶은 순간적이고 순간적이므로 "행복한 순간"을 포착하고 서두르며 살고 느낄 필요가 있습니다. "사랑스럽고 바람이 잘 통하는 작은 것들의 정신"(M. Kuzmin)은 "왕실 스타일"의 많은 예술가들의 작품의 주제가됩니다.

Antoine Watteau Watteau Antoine(전체 Jean Antoine Watteau, Watteau)(1684년 10월 10일, Valencienne 1721년 7월 18일, Nogent-sur-Marne), 프랑스 화가 및 제도가. 다채로운 뉘앙스의 절묘한 부드러움, 드로잉의 떨림이 특징인 일상 생활과 용감한 축제의 연극 장면에서 그는 최고의 정신 상태의 세계를 재창조했습니다.

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MHK, 11학년

수업 번호 8

괜찮은

고전주의의 예술

그리고 로코코

D.Z .: 8장, ?? (p. 83), tv. 과제 (pp. 83-85)

© 일체 포함. 콜마코프

수업 목표

• 친해지다 고전주의와 로코코의 시각 예술의 특징을 가진 학생;
• 기술 개발자료를 독립적으로 연구하고 프레젠테이션을 위해 준비하십시오. 예술 작품을 분석하는 능력을 계속 개발하십시오.
• 가져 예술 작품에 대한 인식의 문화.

개념, 아이디어

• N. 푸생;
• 구성 시스템;
• 아르카디안 셰퍼드;
• A. 와토;
• "키페루 섬 순례";
• "길레스";
• F. 바우처;
• "퐁파두르 부인" ;
• "용감한 장르";
• 이성론

학생들의 지식 테스트

• 베르사유가 뛰어난 작품 중 하나인 이유는 무엇입니까? 당신의 대답을 설명하십시오.
• XVIII 세기의 고전주의의 도시 계획 아이디어로. 콩코드 광장과 같은 파리의 건축 앙상블에서 실용적인 구현을 찾았습니까? 포폴로 광장(Piazza del Popolo, p. 74 참조)과 같은 17세기 로마의 이탈리아 바로크 광장과 무엇이 다른가요?
• 바로크와 고전주의 건축의 연결은 어떻게 표현되었습니까? 고전주의는 바로크 양식에서 어떤 사상을 물려받았습니까?
• 제국 스타일의 출현을 위한 역사적 전제 조건은 무엇입니까? 그가 예술 작품에서 표현하고자 했던 당대의 새로운 사상은 무엇이었습니까? 그는 어떤 예술적 원칙에 의존합니까?

보편적인 학습 활동

•  정의하다 독창성을 드러내다 찾기 문화인물 평가
•  정의하다고전주의의 순수 예술 작품에서 미학적, 영적 내용 및 사회적 아이디어의 표현, 
• 독창성을 드러내다동시대 및 이전 시대 인물과 비교하여 고전주의 및 로코코 예술가의 창조적 인 방식; 
• 찾기다양한 수단을 사용하여 고전주의와 로코코 회화에 대한 필요한 정보를 강조하고 구조화하고 메시지 및 프레젠테이션 형식으로 제시합니다.
• 특징을 구별하다 개별 작가의 스타일, 작가의 창의적인 방식 평가 
• 비교 분석 "용감한 장르"(A. Watteau 및 F. Boucher)의 거장 작품 
• 가장 중요한 개념을 강조하고 특성화 , 고전주의 순수 예술의 법칙 및 이론(N. Poussin의 작업 예) 
• 과학적 관점에 대한 논평 문화인물 평가

새로운 자료 연구

수업에 대한 과제. 세계 문명과 문화에 대한 시각 예술에서 고전주의의 의미는 무엇입니까?

하위 질문

• Nicolas Poussin - 고전주의 화가 ... 영웅적인 남자의 영광. 그림의 특징(예: 유명한 그림). 예술 창작의 기본 원리로서의 합리주의.
• "용감한 장르"의 대가: 로코코 회화 *. 로코코 회화의 주요 주제와 예술적 구현 (A. Watteau와 F. Boucher의 유명한 작품의 예)

니콜라 푸생 -

고전주의 화가

회화에서 고전주의의 정점, 프랑스 아카데미는 작가의 작품을 선언 니콜라 푸생 (1594-1665)... 일생 동안 그는 "가장 숙련되고 경험이 풍부한 현대 붓의 대가"라고도 불렸고, 사후에는 "프랑스 회화의 등대"로 칭송받았습니다.

푸생은 운동했다 창의적인

방법, 기반으로

내 것을 넣어

법에 대한 이해

아름다움.

내 거 이상적인 그는 보았다

전체의 부분의 비례,

외부 순서로,

형태의 조화와 명확성.

N. 푸생. 자화상.

니콜라 푸생 -

고전주의 화가

만들 것을 촉구함

그래서 "가르치는 대로

자연과 마음."

주제를 선택할 때

주었다

선호

과장된 어조

행동과 행동,

기반으로

높이 누워

예의 바른

동기가 아니라

비열한

인간

열정.

주제

예술 고려

와 관련된 것

의 인식

숭고하고

멋진

봉사할 수 있다

모델

모방과

수단

최고의 교육

도덕적 자질

사람.

N. 푸생. 탠크레드와 허미니아. 1620년대 후반 1630년대 초반 State Hermitage, 상트페테르부르크

니콜라 푸생 -

고전주의 화가

역사적 플롯에서

에 있는 것만 선택했습니다.

행동, 움직임이 있었고

표현. 그림 작업

세심하게 시작한

문학 연구

출처(성경,

오비디우스의 "변신" 또는

"해방된 예루살렘"

T. 타소). 그가 대답했다면

목표를 세워라, 아티스트

어렵지 않다고 생각했다

영웅들의 내면의 삶,

액션의 클라이맥스. 정신적 투쟁, 의심과

실망은 다음과 같다.

두 번째 계획. 일반 스토리라인

Poussin의 공식은 다음과 같습니다.

"주사위를 던진 결정

수락, 선택이 완료되었습니다”(Yu.K.

졸로토프).

푸신. 디오게네스가 있는 풍경

니콜라 푸생 -

고전주의 화가

작곡 시스템 그림

Poussin은 두 가지 기반으로 구축되었습니다.

시작: 균형

양식(주변에 그룹 만들기

센터) 및 무료

비율(변위

중앙에서 측면)

달성하도록 허용

특별한 경험

질서, 자유 그리고

구성의 이동성.

훌륭한 가치

예술 시스템

푸생이 걸립니다 맛 .

메인의 상호 관계

다채로운 소리

덕분에 달성 시스템

반사 : 강렬한 발색

구성의 중심은 일반적으로

흐릿한

중성 페인트.

푸신. 데이비드 승자

니콜라 푸생 -

고전주의 화가

N. 푸생.

아르카디아 사람

양치기.

그림은 기본으로

깊은 철학적

나약함을 생각하다

지상의 존재와

죽음의 불가피성. 네 목자

행복한 아카디아 주민

(그리스 남부 지역,

이것은 상징이다

영원한 웰빙,

없는 고요한 삶

전쟁, 질병 및 고통),

우연히 발견한

덤불

비문이 있는 무덤: "그리고 나

아카디아에 있었다. 그러나 지금

나는 살아 있는 자 중에 있지 않다.

너도 없을거야 지금

이 비문을 읽고 ".

이 단어의 의미는 당신이 인간에 대해 생각하고 현재를 다시 생각하게합니다 ...

N. Poussin의 그림 "Arcadian Shepherds"는 고전주의의 아이디어가 완전하고 생생한 구현을 찾은 예술가 작업의 높이 중 하나입니다. 황금 단면의 원리를 이용한 형태의 조각적 명료함, 조형적 완성도와 드로잉의 정확성, 기하학적 구성의 선명도와 균형에 대한 작가의 열망을 느낄 수 있습니다.

니콜라 푸생 -

고전주의 화가

회화의 색 체계

Poussin은 일반적으로 건설되었습니다.

색상은 필수

볼륨 생성 수단

그리고 공간의 깊이. 계획으로 분할

자음으로 강조

강한 색상. 처음에

계획이 가장 지배적이었습니다.

노란색과 갈색 색상,

두 번째 - 따뜻한 녹색, 켜짐

세 번째 - 감기, 전에

파란색만. 이 사진에서

모든 것은 법의 지배를 받는다

고전적인 아름다움: 색상

차가운 하늘과의 충돌

따뜻한 전경

알몸의 아름다움

인체 전달

균일한 확산 조명에서

특히 인지되었다

훌륭하고 숭고하게 배경에

싱그러운 녹색 잎사귀

고요한 풍경.

니콜라 푸생. 수선화와 에코. 1630년경

A. 바토.

순례 여행

키페루 섬으로. 1717g.

루브르 박물관, 파리

마스터

"용감한 장르":

로코코 회화

금성, 다이애나, 님프 및

큐피드 모두를 덮다

나머지 신들. 모든 종류의

"목욕", "아침

화장실 "그리고 인스턴트

즐거움은

이제 거의

주제

이미지.

유행하다

이국적인 이름

색상: "허벅지 색상

겁먹은 님프 "

( 육체적 ), "장미색,

우유에 떠"

( 옅은 분홍색 ), "색상

낭비 된 시간 "

( 푸른 ). 분명히

사려깊은, 날씬한

고전주의의 작곡

우아하게 양보하다

그리고 세련된 디자인.

로코코 회화의 주요 주제는 궁정 귀족의 절묘한 삶, "용감한 축하"순수한 자연, 복잡한 사랑 음모 및 독창적 인 알레고리의 세계를 배경으로 "양치기"의 삶의 목가적 인 그림 "로얄 스타일".

마스터

"용감한 장르":

로코코 회화

앙투안 와토 (1684-1721)

동시대 사람들

"자유로운 여가의 시인",

"은혜와 아름다움의 가수." 그의 작품에서 그는

에서 포착된 피크닉

상록수 공원,

뮤지컬과 연극

자연과 함께하는 콘서트,

격렬한 고백과 싸움

연인, 목가적인

날짜, 공 및 가장 무도회.

동시에 그의 그림에서

아픈 슬픔이 있고,

일시적인 느낌

아름다움과 덧없음

사고.

마스터

"용감한 장르":

로코코 회화

"키페루 섬 순례", 덕분에 A. 바토 왕립 회화 및 조각 아카데미에 입학하여 "용감한 축하의 대가"라는 칭호를 받았습니다. 사랑스러운 신사 숙녀 여러분, 꽃이 만발한 만 기슭에 모였습니다. 그들은 Kiferu 섬으로 항해했습니다. 사랑과 아름다움의 여신 Venus(그리스의 사랑의 여신 아프로디테로 식별됨)의 섬으로 전설에 따르면 그녀는 바다의 거품에서 나왔다고 합니다. 사랑의 휴가는 비너스와 큐피드를 묘사한 동상에서 시작됩니다.

“Watteau는 물감이 아닌 녹은 꿀로 글을 쓴다.

호박색 ".

마스터

"용감한 장르":

로코코 회화

진짜 명작에

그림에 속한다 와트 ㅏ

"길레스" ("피에로"), 에 설립

에 대한 표시로

스트레이의 공연

코미디언. Gilles가 메인이며

좋아하는 캐릭터

가면의 프랑스 코미디,

Pierrot의 아날로그 - 이탈리아의 영웅

코메디 델 아르테 ... 어설픈

마치 순진한 생물

위해 특별히 만든

끊임없이 파괴하다

영리한 자들의 도발과 속임수

교활한 할리퀸. 질

전통적인 흰색으로 묘사

망토와 라운드 정장

모자. 그는 움직이지 않고

관객 앞에서 길을 잃는다.

반면 다른 코미디언

휴식을 취하십시오.

A. 밤모. 질(피에로). 파편. 1720년 파리 루브르 박물관

마스터

"용감한 장르":

로코코 회화

프랑수아 부셰 (1703-1770) 고려

그 자신은 Watt의 충실한 제자입니다. 홀로

그를 "은혜의 예술가"라고 불렀다.

"아나크레온 회화",

"왕실 화가". 초

그를 "위선적인 예술가"로 보았다

진실을 제외한 모든 것을 가진 사람.

여전히 다른 사람들은 회의적이었습니다.

다른 사람들이 있는 곳에서 손으로 장미를 따다

가시만 찾아라."

아티스트의 브러시는 숫자에 속합니다.

좋아하는 사람의 의식 초상화

후작 루이 15세

퐁파두르: 후원

Boucher, 나는 그를 두 번 이상 주문했습니다.

종교적인 주제에 대한 그림

전원주택 및

파리 맨션. 보석

예술가에게 아낌없이 감사를 표했다.

그를 먼저 이사로 임명

태피스트리 제조소, 그 다음

예술 아카데미 회장,

그에게 "첫 번째"라는 제목을 부여

왕의 화가 ".

F. 바우처. 퐁파두르 부인.

마스터

"용감한 장르":

로코코 회화

Francois Boucher는 반복적으로 다음과 같이 말했습니다.

엉뚱한 장면을 묘사하고,

그 주인공들은

귀엽고 수줍은 양치기들 또는

통통한 벌거 벗은 숙녀 에

신화적인 금성과 다이앤스의 형태. 그의

사진이 애매모호하다

힌트에서.

세계 회화의 역사에서 프랑수아

바우처는 아직 남아있다

위대한 색채의 대가와

절묘한 디자인. 재치 있는

해결 된 작곡, 특이한

카메라 앵글, 육즙 색상

악센트, 투명 페인트의 밝은 반사,

작고 가벼운 스트로크로 적용,

부드럽고 흐르는 리듬 - 이 모든 것

F. Boucher를 타의 추종을 불허하는

화가. 그의 그림은 회전한다

장식 패널에 장식하다

홀과 거실의 무성한 인테리어,

그들은 행복, 사랑, 그리고

아름다운 꿈들. 예술가는 아름답다

시대의 유행과 취향을 알고 있었다!

F. 바우처. 아침.

통제 질문

1. N. Poussin의 작업이 회화에서 고전주의의 정점이라고 불리는 이유는 무엇입니까? 이 주인 숭배를 선포한 이유는 무엇입니까? 그는 어떤 주제와 왜 우선권을 주었습니까? Poussin을 "캔버스에 철학의 가장 고상한 교훈을 불멸시키는" "불멸의" 거장으로 말한 프랑스 예술가 J.L. David의 평가의 타당성을 증명할 수 있습니까?

2. N. Poussin은 다음과 같이 말했습니다. "나에게는 소홀히 할 수 있는 사소한 일이 없습니다. ... 내 본성은 내가 완벽하게 조직된 것들을 찾고 사랑하도록 이끌고, 어둠이 빛에 대해 혐오감을 주는 것처럼 무질서를 피합니다. " 이 원칙은 작가의 작업에서 어떻게 구현되는가? 그가 발전시킨 고전주의 이론과 어떻게 비교되는가?

3. A. Watteau와 F. Boucher의 "용감한 장르"의 가장 위대한 거장들을 하나로 묶는 것은 무엇입니까? 이들의 차이점은 무엇인가요? Boucher는 Watteau의 진정한 제자라고 할 수 있습니까?

창작 워크숍

하나 . 당신이 알고 있는 아티스트의 자화상을 "자화상"으로 비교해보세요.

N. 푸생. 정확히 무엇이 이 작품을 다르게 만드는가? 고전주의적 방식으로 실행되었다고 주장할 수 있습니까? 당신의 대답에 대한 이유를 제공합니다.

2. N. Poussin의 그림 "게르마니쿠스의 죽음"에 대해 알아보십시오. 이 그림은 명성을 얻었고 고전주의의 프로그램 작업으로 간주됩니다. 이 스타일의 예술 시스템의 특징은 무엇입니까? "이 사진만으로도 Poussin in Eternity의 이름을 유지하기에 충분했을 것입니다"(A. Fusli)라는 진술은 얼마나 정당한가?

3. N. Poussin의 작업에서 경관의 진화에 대한 연구를 수행합니다. 그의 예술적 역할은 무엇입니까? '있는 그대로' 자연이 작가를 만족시키지 못하고 자연의 풍경을 그린 적이 없는 이유는 무엇이라고 생각하는가? 자연의 영원한 존재와 짧은 인간의 삶의 대비는 그의 작품에서 어떻게 전달되고 있는가? 왜 사람의 존재는 그의 풍경에서 항상 느껴지는가? 왜 많은 그림에서 주변 공간을 들여다보고 있는 외로운 인간의 모습을 볼 수 있습니까? 왜 그들은 전경에서 종종 강조 표시되고 그들의 시선은 풍경의 깊숙한 곳으로 향합니까?

4. E. Delacroix는 N. Poussin에서 "건축가보다 건축을 더 잘 이해한 위대한 화가"를 보았습니다. 이 관점은 얼마나 공정합니까? 건축이 그의 작품에서 가장 자주 긍정적인 주인공이 되었다고 주장할 수 있습니까? Poussin이 종종 고전 연극 공연의 원칙에 따라 공간을 구성한다는 데 동의합니까? 당신의 대답을 설명하십시오.

5*. 연구원 중 한 사람의 말의 진실을 증명하려고,

"재료 예술에서 Watteau는 음악으로만 접근할 수 있는 것처럼 보이는 것을 기적적으로 표현했습니다." 그렇습니까? 프랑스 작곡가 F. Couperin(1668-1733)의 음악을 들어보세요. 작가의 작품과 어느 정도 조화를 이루고 있으며, 로코코 시대의 취향과 분위기를 어느 정도 표현하였는가?

프레젠테이션, 프로젝트의 테마

• "Nicolas Poussin과 고대: 영웅적 플롯과 이미지";
• “N. Poussin의 작품에서 풍경의 예술적 역할과 진화;
• "N. Poussin의 작업에서 건축 동기";
• "N. Poussin의 전임자 및 추종자";
• "N. Poussin의 창의성과 고전주의 연극의 전통";
• "용감한 장르의 "(로코코 회화)";
• "ㅏ. Watteau는 기쁨과 슬픔의 화가입니다.";
• "A. Watt의 작품에서 색상의 숙달";
• "A. Watteau의 그림의 연극성과 음악성";
• F. Boucher의 "은혜의 예술가";
• "로코코 예술과 공예의 특징."

• 오늘 나는 알았다 ...
• 그것은 흥미로웠다…
• 그것은 어려웠다…
• 나는 배웠다…
• 나는 할 수 있었다 ...
• 놀랐습니다 ...
• 내가 원했던…

문학:

• 교육 기관을 위한 프로그램. 다닐로바 G.I. 세계 예술 문화. - M .: Bustard, 2011
• 다닐로바, G.I. 아트 / MHC. 11 클. 기본 레벨: 교과서 / G.I. 다닐로프. M .: Bustard, 2014.
• Shilova Galina Gennadievna, 중등 학교 교사 1, Okhansk, Perm Territory

그 당시 건축(및 인테리어)에서 가장 눈에 띄고 눈에 띄는 영역에는 바로크, 로코코, 고전주의 및 제국의 네 가지 스타일이 있습니다. 이러한 스타일은 유럽의 모든 선진국에 존재했으며 서로 대체되거나 보완되었으며 각 국가에서 고유 한 국가 고유의 특징을 얻었습니다. 따라서 오늘날 우리는 "러시아 바로크", 영국 고전주의 "또는 "프랑스 제국"과 같은 개념을 사용합니다. 그럼에도 불구하고 모든 스타일은 동일한 그룹 및 동일한 역사적 기간에 속하므로 여러 가지 공통된 특징을 구별할 수 있습니다. .

사치품: 이 스타일은 귀족의 내부를 장식하는 데 사용되었으므로 때때로 궁전 또는 왕실이라고도 합니다(고전주의는 이 그룹에서 가장 겸손하고 절제된 스타일이지만 현대 표준에서는 이러한 인테리어가 전례 없는 사치품임).

높은 천장이 있는 넓고 넓은 객실(최소한 이 모든 것이 로코코 스타일을 나타냄);

장식 방법: 치장 벽토, 고전적인 주제의 벽화 또는 그림, 나무 조각(가구에 조각 사용 포함).

로코코와 고전주의의 차이점:

고전주의에서는 건축의 모든 요소의 조화와 질서를 추구합니다.

고전주의는 소박한 세부 사항을 피하면서 억제와 단순성을 위해 노력합니다.

고전주의는 고대 건축 이론을 바탕으로 공간의 조화를 세심하게 관찰합니다.

로코코

로코코라는 용어는 프랑스어 "rocaille"("rocaille"로 발음)에서 유래했으며 번역에서 "쉘"을 의미합니다. 이 스타일은 프랑스 귀족과 세속 문화의 산물인 바로크 스타일을 보다 아름답고 효과적으로 해석한 수정된 구현이 되었습니다. 다양한 예술 분야에서 퍼진 다른 스타일과 달리 로코코는 주로 인테리어를 지칭합니다.

이야기. 로코코 스타일은 18세기 프랑스에서 나타났고 이미 세기말에 유럽 전역을 지배했습니다.

이 스타일은 시각적으로 종종 바로크와 혼동됩니다. 실제로 그들 사이에는 많은 공통점이 있지만 인식할 수 있는 차이점도 많습니다. 로코코 스타일의 특징:

이러한 인테리어는 다음과 같은 별명이 특징입니다. 우아함, 가벼움, 장난기, 복잡함

큰 방과 함께 레이아웃에는 작은 방, 아늑한 공간 - 골방 (예 : 수면 공간의 경우 큰 틈새)이 포함됩니다.

핑크, 블루, 옅은 녹색, 진주 및 진주의 밝은 색조의 색상;

벽 및 천장 장식: 최고의 치장 벽토 패턴, 조각된 패널, 정교한 거울 요소, 손으로 그린 ​​프레스코로 보완된 벽과 천장의 부드러운 그림;

바닥: 무늬가 있는 쪽모이 세공 마루와 카펫;

장식: 금, 직물 장식, 수정 및 유리 요소;

"rococo"(또는 "rocaille")라는 용어는 19세기 중반에 사용되었습니다. 초기에 '로카이유'는 자연(자연) 형성물을 모방한 다양한 화석으로 동굴, 분수대 등의 내부를 장식하는 방식이며, '로카이유'는 이러한 장식을 만들어내는 대가입니다. 한때 그것은 "그림 같은 맛"이라고 불렸지만 1750년대에 들어왔습니다. "비틀린"것과 "고문받는"모든 것에 대한 비판이 더욱 활발 해졌으며 "버릇없는 맛"이라는 이름이 문학에 나타나기 시작했습니다. 백과 사전 학자들은 "버릇없는 취향"에 합리적인 시작이 없다는 비판에 특히 성공했습니다.

스타일의 주요 요소: rocaille - curl 및 cartel - 이제 rocaille cartouches를 명명하는 데 사용되는 잊혀진 용어입니다. 이 용어가 사용된 초기 사례 중 하나는 1736년 Mondon의 아들 "Rocaille and Cartel Forms의 세 번째 책"의 불화입니다.

1750년대 후반에 유행한 새로운 "골동품 형태"의 인기에도 불구하고. (이 경향을 "그리스 취향"이라고 불렀습니다. 이 스타일의 대상은 종종 후기 로코코로 오인됩니다), 소위 로코코는 세기 말까지 그 위치를 유지했습니다. 프랑스에서는 로코코 시대를 큐피드와 비너스의 시대라고 불렀습니다.

1960년대와 70년대에 로코코의 개념은 바로크의 분쇄의 결과로 퍼졌습니다. , 풍요의 뿔, 돌고래와 영원," 사랑의 신의 큐피드는 "-푸티-로코코로 변한다".

고전주의

인테리어 스타일과 미적 경향으로 고전주의는 17세기 초 유럽에서 시작되었습니다. 차분함과 엄격한 앤티크 건축, 그 비율과 조화를 기반으로 합니다. 라틴어에서 번역 된 "classicus"는 규범, 질서, 패턴입니다. 고전주의의 발전은 1755년 폼페이의 발견에 크게 영향을 받았습니다. 결과적으로 르네상스 건축의 자연스러운 발전과 개선의 결과였습니다.

고전주의 스타일의 특징:

고전주의의 내부는 다음과 같은 단어와 문구가 특징입니다. 차분함, 이상을 위해 노력함, 간결함, 고귀함;

실내 장식은 명확한 기하학적이고 최대한 정확한 형태가 특징입니다.

색상: 가볍고 풍부한 색조의 섬세한 바닐라, 옅은 파란색, 어린 잎의 색상;

전통적인 골동품 건축 구조의 사용: 기둥, 기둥(반기둥), 페디먼트 및 프리즈;

골동품 모티브의 장식품: 엄격하고 기하학적인;

벽 장식 호화로운 투각 디자인 또는 패턴, 벽 주각 및 테두리, 그림이 있는 벽지가 널리 사용됩니다.

바닥: - 값비싼 고급 목재로 만든 조판 예술 쪽모이 세공 마루. 복도, 홀 또는 식사 공간에서는 대리석 또는 기타 석재 코팅을 사용할 수 있습니다.

장식은 세부 사항과 작은 요소로 과부하되지 않습니다.

고전주의 시대의 가장 밝은 대표자는 영국 (스코틀랜드) 건축가 Robert Adams로 간주 될 수 있습니다. 아래 사진에서 그가 만든 인테리어를 볼 수 있습니다.

고전주의는 데카르트 철학에서 생생한 표현을 발견한 합리주의 사상에 기반을 두고 있습니다. 예술 작품은 고전주의의 관점에서 엄격한 규범에 기초하여 구축되어야 우주 자체의 조화와 일관성이 드러납니다. 고전주의에 대한 관심은 영원하고 불변합니다. 각 현상에서 그는 임의의 개별 기능을 버리고 본질적이고 유형 학적 특징 만 인식하려고합니다. 고전주의의 미학은 예술의 사회적, 교육적 기능에 큰 중요성을 부여합니다. 고전주의는 장르의 엄격한 계층 구조를 확립하며, 장르는 높음(송가, 비극, 서사시)과 낮음(코미디, 풍자, 우화)으로 나뉩니다. 각 장르에는 엄격하게 정의된 기능이 있으며 혼합은 허용되지 않습니다.

17세기 프랑스에서 어떤 방향이 어떻게 형성되었는지. 프랑스 고전주의는 사람의 인격을 존재의 가장 높은 가치로 주장하여 종교와 교회의 영향으로부터 그를 해방시켰습니다. 러시아 제국의 고전주의의 특성에 대해서는 러시아 고전주의 문서를 참조하십시오.

여러 면에서 고전주의는 고대 예술(아리스토텔레스, 호레이스)에 의존하여 이상적인 미학적 모델인 "황금기"로 간주했습니다. 17세기 프랑스에서는 미네르바와 화성의 시대라고 불렀다.

푸생 니콜라스 (1594-1665), 프랑스 화가이자 제도가. K. Varen 및 다른 프랑스 예술가들과 함께 공부했습니다. 1624 년부터 Poussin은 로마 (1640-1642 년 - 파리)에 살았고 Carracci, Domenichino, Raphael, Titian, Michelangelo의 영향을 받았으며 Leonardo da Vinci와 Durer의 논문을 연구하고 골동품 조각상을 스케치하고 측정했으며 해부학과 수학을 공부했습니다. 1620년대부터 화가 Nicolas Poussin은 숭고한 이미지 체계로 특징지어지는 문학적 및 신화적 주제에 대한 시적 구성인 유럽 회화(그림 "게르마니쿠스의 죽음")에서 고전주의의 토대를 마련한 높은 시민적 소리의 그림을 만들었습니다. 강렬하고 부드럽게 조화된 색상의 감성("Rinaldo and Armida "," Tancred and Herminia "," Parnassus "). 1630년대 Nicolas Poussin의 작품에서 널리 퍼진 명확한 구성 리듬은 인간의 고귀한 행위("Arcadian Shepherds", "Finding Moses")에 위대함을 부여하는 합리적 원리의 반영으로 인식됩니다. 1650년대 이래로 푸생의 작품에는 윤리적, 철학적 파토스가 자라고 있습니다. 고대 역사의 플롯으로 돌아가서 성경과 복음주의 인물을 고전 고대의 영웅에 비유하여 작가는 비유적인 소리의 완전성, 전체의 명확한 조화를 달성했습니다 ( "이집트로의 도피에 대한 휴식", "The Magnanimity of Egypt" 스키피오"). 이상적인 풍경의 원칙을 발전시키면서 Nicolas Poussin은 자연을 편리함과 완벽함의 구현으로 만듭니다(1649년경 "폴리페무스가 있는 풍경", 일련의 풍경 "계절", "아폴로와 다프네"). 신화 속 인물들을 풍경에 도입하고 다양한 요소를 의인화하여

성서 전설의 에피소드, Poussin은 인간과 우주 사이의 관계를 규제하는 시작으로 더 높은 필요성 또는 운명의 아이디어를 표현했습니다.

와토 장 앙투안 (1684-1721), 프랑스 화가.

발랑시엔(프랑스 북부) 시에서 루퍼의 가족으로 태어났습니다. 정확한 생년월일은 알 수 없습니다. 1684년 10월 10일 침례

1702년경 Watteau는 파리에 도착하여 필사자로 일하기 시작했습니다. 룩셈부르크 궁전에서 그는 P.P. 루벤스의 그림을 공부할 기회를 가졌습니다.

1717년 Watteau는 "Pilgrimage to the island Kieferu"라는 대형 그림으로 학자라는 칭호를 받았습니다. 1719-1720년. 작가는 영국을 방문했습니다. Watteau의 창의성의 전성기는 잠시였습니다. 10년도 채 안되는 기간 동안 그는 "베네치아 축제", "사랑의 향연", "공원의 사회", "인생의 기쁨", "질",

"Metseten", "E.F. Gersen 가게 간판".

Watteau는 그의 그림에 날짜를 지정하지 않았지만 그의 그림은 수년에 걸쳐 더 가벼워졌을 가능성이 큽니다. 작가는 많은 그림을 그렸습니다.

그가 꾸준히 좋아하는 캐릭터는 Watteau의 캔버스에서 장편 연극을 연기하는 배우를 연상시킵니다. 작가는 성숙기에 접어들면서 자연(나무, 언덕)이 마치 장식물처럼 되는 연극적 구성을 점점 더 많이 사용한다. 연극 장면과 "용감한 축하"는 그의 후기 플롯의 주요 주제입니다. Watteau, 특히 그의 장식용 패널은 로코코 양식의 발전에 결정적인 영향을 미쳤습니다.

장 오노레 프라고나르 (1732년 4월 5일, 그라스 - 1806년 8월 22일, 파리), 프랑스 화가이자 그래픽 아티스트. 파리에서 J. B. S. Chardin 및 F. Boucher와 함께 공부했습니다. 1756-1761년에 그는 이탈리아에서 일하면서 (로마와 나폴리 주변에서) 풍경화의 주기를 그렸습니다. 살아 있는 현실에서 구체적으로 독특하고 직접적인 감정에 대한 애착은 프라고나르로 하여금 역사적 회화의 경험("Korez and Calliroya", 1765, 파리 루브르 박물관)에서 일상 생활, 풍경 및 초상화의 장르로 이동하도록 촉발했습니다. 프라고나르는 부쉐의 "용감한" 장르의 전통을 이어가며 때때로 로코코의 관습과 세련미에 경의를 표하면서 동시에 일상(민속 포함) 생활의 서정적 장면을 재현하는 데 특별한 침투를 달성했습니다. 친밀한 인간의 감정, 그리고 자연의 시. 신선함과 세련된 색채의 장식성, 가벼움과 글의 기질, 부드러운 작곡 리듬이 특징인 프라고나르의 작품은 감성적인 행복과 삶에 대한 완전한 즐거움으로 가득 차 있다(Swing, 1766, Wallace collection, London, Feast at Saint-Cloud, 1775). , Bank of France, Paris; "Bathing Naiads", Louvre, Paris), 캐릭터의 귀엽고 나른한 모습("Sneak Kiss", Hermitage, Leningrad)에 대한 거의 눈에 띄지 않는 조롱으로 스며들거나 진지하고 다소 감상적인 동정으로 따뜻해진다. 영웅의 운명("가난한 가족", 모스크바 A.S. 푸쉬킨의 이름을 딴 미술관, "농부의 아이들", 에르미타주, 레닌그라드). 컷오프의 세련된 효과는 그의 수많은 드로잉(상쾌함, 비스트롬, 덜 자주 세피아)과 에칭의 특징입니다.

샤르댕 장 밥티스트 시메온 (1699-1779) - 프랑스 화가, P.-J. 카사와 노엘 쿠아펠.

후자가 그의 그림에서 액세서리를 사용하는 것을 도우면서 그는 모든 종류의 무생물을 묘사하는 비범한 기술을 습득하고 오로지 그것들의 복제에만 전념하기로 결정했습니다.

독립 경력 초기에 그는 과일, 채소, 꽃, 죽은 동물, 가정 용품, 사냥 속성을 예술 애호가가 그의 그림을 유명한 플랑드르와 네덜란드 예술가의 작품으로 가져갈 정도의 기술로 그렸고 1739 년 이후에야 가난한 사람들의 가정 생활 장면과 초상화로 주제의 범위.

내용의 순진한 단순함, 색채의 강인함과 조화, 붓의 부드러움과 풍부함으로 구별되는 이 두 번째 범주의 그림들은 샤르댕의 이전 작품들보다 훨씬 더 그를 현대 미술가의 수에서 몰아냈고 그를 뒷받침하는 인물 중 하나를 강화했다. 프랑스 회화의 역사에서 중요한 장소. 1728년에 그는 파리 예술 아카데미에 배정되었고, 1743년에는 그녀의 고문으로 선출되었으며, 1750년에는 그녀의 회계사가 되었습니다. 또한 1765년부터 Rouen Academy of Sciences, Literature and Fine Arts의 회원이었습니다.

그 중 가장 유명한 것은 "카드 잠금", "저녁 식사 전의 기도", "열심히 일하는 어머니", "부서진 토끼와 사냥 액세서리", "대리석 테이블 위의 과일" 및 "예술의 속성", "비눗방울을 부는 세 소년"입니다. , "식량과 식기가 있는 주방 테이블", 조프랭 부인의 초상화, "편지를 읽는 소녀", "시장에서 돌아오는 것", "요리사 청소하는 순무", 그리고 "저녁 식사 전 기도"의 반복, "카드 잠금"과 "저녁 식사 전의기도"와"세탁소","카펫을 수놓은 젊은 여성","항아리에 물을 붓는 하녀","매맞은 토끼와 구리 가마솥"과"세탁소"의 반복 저녁 식사 전의기도 "와"엄마와 아이" ...

Nicolas Poussin - 고전주의 화가

회화에서 고전주의의 정점, 프랑스 아카데미는 작가의 작품을 선언 니콜라 푸생(1594-1665). 일생 동안 그는 "가장 숙련되고 경험이 풍부한 현대 붓의 대가"로 불렸고, 사후에는 "프랑스 회화의 촛대"로 칭송받았다.

고전주의 아이디어의 생생한 지수 인 Poussin은 아름다움의 법칙에 대한 자신의 아이디어를 기반으로 창의적인 방법을 개발했습니다. 그는 전체의 부분들의 비례성, 외부 질서, 형태의 조화와 명료성에서 자신의 이상을 보았습니다. 그의 그림은 고대의 음악적 조화 교리에 기초한 균형 잡힌 구성, 엄격하고 수학적으로 검증된 공간 구성 시스템, 정확한 그림, 놀라운 리듬 감각으로 구별됩니다.

Poussin에 따르면 예술적 진실과 아름다움의 주요 기준은 이성과 사유입니다. 이것이 그가 "자연과 이성이 가르치는 대로" 창조하도록 부른 것입니다. 주제를 선택할 때 Poussin은 인간의 열정이 아닌 높은 시민 동기에 기반한 영웅적인 행동과 행동을 선호했습니다.

예술가에 따르면 예술의 주요 주제는 숭고하고 아름다운 아이디어와 관련이 있으며 롤 모델이 될 수 있고 사람의 최고의 도덕적 자질을 교육하는 수단이 될 수 있습니다. Poussin은 강력한 정신의 힘으로 자연을 인식하고 변형할 수 있는 영웅적인 사람을 영화롭게 하는 데 자신의 작업을 바쳤습니다. 그가 가장 좋아하는 캐릭터는 높은 도덕적 자질을 가진 강하고 의지가 강한 사람들입니다. 그들은 종종 특별한 평정, 위대함, 강인한 성격을 요구하는 극적인 상황에 빠지게 됩니다. 화가는 포즈, 표정, 몸짓으로 그들의 숭고한 감정을 전달했습니다.

Poussin은 역사적 플롯 중에서 행동, 움직임 및 표현이 있는 것만 선택했습니다. 그는 문학적 출처(성경, Ovid의 "Metamorphoses" 또는 T. Tasso의 "Jerusalem Set Free")에 대한 주의 깊은 연구와 함께 그림 작업을 시작했습니다. 설정한 목표를 달성한다면 작가는 영웅들의 힘든 내면의 삶이 아니라 행동의 정점을 생각했다. 정신적 투쟁, 의심, 실망은 배경으로 밀려났습니다. Poussin의 일반적인 플롯 공식은 다음과 같습니다. "주사위가 던져지고 결정이 내려지고 선택이 이루어집니다"(Yu. K. Zolotov).

그의 생각에 고전주의의 아이디어는 그림의 구성을 반영해야 합니다. 그는 즉흥 연주를 개별 인물과 주요 그룹의 신중한 배치와 대조했습니다.

그림 공간은 쉽게 볼 수 있어야 하고 계획은 서로 명확하게 따라야 합니다. 작업 자체의 경우 배경의 작은 영역만 할당해야 합니다. Poussin의 대부분의 캔버스에서 그림의 대각선 교차점이 가장 중요한 의미 중심으로 나타납니다.

Poussin 그림의 구성 시스템은 두 가지 원칙, 즉 형태의 균형(중심을 중심으로 그룹을 구성함)과 자유 비율(중심에서 멀어짐)에 따라 구축되었습니다. 이 두 가지 원칙의 상호 작용으로 구성의 질서, 자유 및 움직임에 대한 특별한 인상을 얻을 수 있었습니다.

색상은 Poussin의 예술 시스템에서 매우 중요합니다. 반사 시스템 덕분에 주요 다채로운 소리의 상호 연결이 이루어졌습니다. 구성 중앙의 강렬한 색상에는 일반적으로 부드러운 중성 색상이 수반됩니다.

Nicolas Poussin은 신화적, 역사적, 종교적 주제와 풍경에 관한 수많은 그림의 작가입니다. 그 안에서 명상과 드라마로 가득 찬 세련된 미장센을 거의 항상 찾을 수 있습니다. 그는 먼 과거로 돌아가서 다시 말하지 않고 창의적으로 재창조하고 잘 알려진 플롯을 재해석했습니다.

N. Poussin의 그림 "아르카디아 양치기"-고전주의의 아이디어가 완전하고 생생한 구현을 찾은 예술가 작업의 높이 중 하나. 황금 단면의 원리를 이용한 형태의 조각적 명료함, 조형적 완성도와 드로잉의 정확성, 기하학적 구성의 선명도와 균형에 대한 작가의 열망을 느낄 수 있습니다. 엄격한 비율, 매끄럽고 명확한 선형 리듬은 아이디어와 캐릭터의 엄격함과 숭고함을 완벽하게 전달했습니다.

이 그림은 지상 존재의 연약함과 죽음의 필연성에 대한 깊은 철학적 사유를 기반으로 합니다. 행복한 아르카디아(영원한 번영, 전쟁, 질병, 고통이 없는 평화로운 삶의 상징인 그리스 남부 지역)에 거주하는 네 명의 양치기는 우연히 “Oia는 Arcadia에 있었다. 그러나 지금 이 비문을 읽고 있는 너희 중에 아무도 없을 것과 같이 나는 이제 살아 있는 자들 가운데 있지 않다." 이 말의 의미는 그들이 생각하게합니다 ... 양치기 중 한 명이 겸손하게 머리를 숙이고 묘비에 손을 기대었습니다. 두 번째 사람은 무릎을 꿇고 손가락으로 글자 위에 손가락을 대고 반쯤 지워진 비문을 읽으려고 합니다.

세 번째는 슬픈 말에서 손을 떼지 않은 채 동료를 궁금해하는 시선을 던진다. 오른쪽의 여성도 조용히 비문을 바라보고 있다. 그녀는 피할 수 없는 종말에 대한 생각을 받아들이도록 돕기라도 한 듯 그의 어깨에 손을 얹었다. 따라서 여성의 모습은 작가가 관객에게 가져다주는 철학적 균형인 영적 평화의 초점으로 인식됩니다.

Poussin은 고대 아름다움의 정경에 가까운 일반화된 이미지를 만들기 위해 분명히 노력합니다. 그들은 실제로 육체적으로 완벽하고 젊고 힘이 넘칩니다. 여러 면에서 골동품 조각상을 닮은 인물들은 공간적으로 균형을 이루고 있습니다. 그들의 글에서 작가는 표현력이 풍부한 키아로스쿠로를 사용했습니다.

그림의 기저에 깔린 깊은 철학적 아이디어는 수정처럼 명확하고 고전적인 금욕적인 형태로 표현됩니다. 로마 구호에서와 같이 주요 작업은 상대적으로 얕은 전경 영역에서 발생합니다. 그림의 구성은 매우 간단하고 논리적입니다. 모든 것이 균형 잡힌 움직임의 신중하게 고려된 리듬에 기반을 두고 있으며 수학적 계산의 정확성 덕분에 달성된 가장 단순한 기하학적 모양에 종속됩니다. 등장인물들은 묘비 근처에서 거의 대칭적으로 그룹화되어 있으며 손의 움직임과 오랜 멈춤의 느낌으로 연결되어 있습니다. 저자는 더 높은 이성의 법칙에 따라 배열된 이상적이고 조화로운 세계의 이미지를 만들어냅니다.

푸생 회화의 색채 체계는 대개 색채가 공간의 부피와 깊이를 만드는 가장 중요한 수단이라는 작가의 신념에 기반을 두고 있다. 평면으로의 분할은 일반적으로 강한 색상의 조화로 강조되었습니다. 전경에서 노란색과 갈색 색상은 일반적으로 두 번째-따뜻한 녹색, 세 번째-차가운, 주로 파란색으로 우세했습니다. 이 그림에서 모든 것은 고전적인 아름다움의 법칙에 따릅니다. 차가운 하늘과 따뜻한 전경의 색상 충돌과 확산된 조명에서도 전달되는 벌거벗은 인체의 아름다움은 배경에 대해 특히 효과적이고 숭고하게 인식되었습니다. 무성한 녹색 잎의 - 고요한 풍경의 당신.

일반적으로 그림에는 숨겨진 슬픔, 평화 및 목가적 인 마음의 평화가 담겨 있습니다. 운명과의 금욕적인 화해, 죽음을 현명하고 품위 있게 받아들이는 것은 고대의 태도를 지닌 푸생의 고전주의와 유사했습니다. 죽음에 대한 생각은 절망을 불러일으키지 않고 존재의 규칙성의 불가피한 표현으로 인식되었습니다.

"용감한 장르"의 대가: 로코코 회화

로코코 그림의 주요 주제는 궁정 귀족의 절묘한 삶, "용감한 축제", 깨끗한 자연을 배경으로 한 "목동" 삶의 목가적 그림, 복잡한 사랑 음모 및 독창적인 알레고리의 세계입니다. 인간의 삶은 순간적이고 순간적이므로 "행복한 순간"을 포착하고 서두르며 살고 느낄 필요가 있습니다. "사랑스럽고 바람이 잘 통하는 작은 것들의 정신"(M. Kuzmin)은 "왕실 스타일"의 많은 예술가들의 기본 모티브가 됩니다.

대부분의 로코코 화가에게 금성, 다이아나, 님프 및 큐피드는 다른 모든 신보다 빛납니다. 모든 종류의 "목욕", "아침 화장실" 및 즉각적인 즐거움이 이제 거의 이미지의 주요 주제입니다. 꽃의 이국적인 이름은 "겁에 질린 요정의 허벅지 색"(살), "우유에 떠있는 장미 색"(옅은 분홍색), "잃어버린 시간의 색"(파란색)과 같이 유행합니다. 세심하고 가느다란 고전주의 구성이 우아하고 세련된 디자인에 자리를 내줍니다.

앙투안 와토(1684-1721) 동시대 사람들은 "편안한 여가의 시인", "은혜와 아름다움의 가수"라고 불렀습니다. 그의 작품에서 그는 상록수 공원에서의 피크닉, 자연의 품에서 열리는 뮤지컬 및 연극 콘서트, 연인들의 열렬한 고백과 싸움, 목가적인 데이트, 무도회와 가장 무도회를 포착했습니다. 동시에 그의 그림에는 고통스러운 슬픔, 아름다움의 덧없음, 일어나고 있는 일의 덧없음에 대한 감각이 있습니다.

작가의 유명한 그림 중 하나 - "키페루 섬 순례"그 덕분에 왕립 회화 및 조각 아카데미에 입학하고 "용감한 축하의 대가"라는 칭호를 받았습니다. 사랑스러운 숙녀들과 용감한 신사들이 꽃이 만발한 만의 해안에 모였습니다. 그들은 Kieferu 섬으로 항해했습니다. - 사랑과 아름다움의 여신 Venus(그리스의 사랑의 여신 Af-born으로 식별됨)의 섬으로, 전설에 따르면 그녀는 바다의 거품에서 나왔다고 합니다. 사랑의 축제는 금성과 큐피드를 묘사한 동상에서 시작되며, 그 중 하나는 가장 아름다운 여신에게 월계관을 놓기 위해 손을 뻗습니다. 동상 발치에는 전쟁, 예술 및 과학의 상징인 접힌 무기, 갑옷, 거문고 및 책이 있습니다. 글쎄, 사랑은 정말로 모든 것을 정복 할 수 있습니다!

액션은 영화처럼 전개되며, 사랑에 빠진 각 커플의 행보를 순차적으로 보여준다. 힌트의 언어는 영웅의 상호 작용을 지배합니다. 갑자기

던지는 눈빛, 소녀의 손에 든 부채의 초대 제스처, 문장 중간에 끊어진 말... 사람과 자연의 조화는 모든 것에서 느껴집니다. 그러나 이미 어두워지고 황금빛 석양이 하늘을 물들입니다. 사랑의 휴가가 저물어가고, 커플의 여유로움이 슬픔으로 가득 차 있습니다. 곧 그들은 배를 타고 비현실적인 세계에서 일상적인 현실의 세계로 데려갈 것입니다. 멋진 범선 - 사랑의 배 - 항해할 준비가 되었습니다. 따뜻하고 부드러운 색상, 차분한 색상, 캔버스에 거의 닿지 않는 가벼운 브러시 스트로크 - 이 모든 것이 매력과 사랑의 특별한 분위기를 만듭니다.

그리고 다시 나는 땅을 사랑한다.

석양의 광선이 너무 엄숙하다는 것을

가벼운 붓으로 앙투안 와토

한번 마음에 와 닿았습니다.

G. 이바노프

Watteau의 그림은 진정한 걸작에 속합니다. "Gilles"( "피에로"), 순회 코미디언의 공연에 대한 표시로 만들어졌습니다. Gilles는 이탈리아 commedia dell'arte의 영웅인 Pierrot와 일치하는 프랑스 가면 코미디의 주인공이자 가장 좋아하는 캐릭터입니다. 영리하고 교활한 Harlequin의 끊임없는 조롱과 행동을 위해 특별히 만들어진 것처럼 서투르고 순진한 생물. Gilles는 망토와 둥근 모자가 있는 전통적인 흰색 양복으로 묘사됩니다. 그는 꼼짝도 하지 않고 관객 앞에서 길을 잃는 반면, 다른 코미디언들은 휴식을 취하기 위해 자리를 잡는다. 자신의 말을 잘 들어주고 이해할 수 있는 대화 상대를 찾고 있는 것 같다. 팔짱을 끼고 시선을 고정한 개그맨의 우스꽝스러운 포즈에는 뭔가 감동적이고 무방비 상태다. 지치고 애절한 광대의 모습에 지루한 관객들을 즐겁게 하고 즐겁게 해줘야 하는 한 사람의 외로움에 대한 생각이 맴돌았다. 영웅의 정서적 개방성은 그를 세계 회화 역사상 가장 깊고 중요한 이미지 중 하나로 만듭니다.

예술적 관점에서 그림은 훌륭하게 실행됩니다. 모티브와 구성의 궁극적인 단순성은 정밀한 패턴과 신중하게 고려된 색상과 결합됩니다. 조심스러우면서도 과감한 붓놀림으로 페인팅한 유령 같은 화이트 후드티. 희미하게 빛나는 옅은 은색, 애쉬-라일락, 잿빛-오커 톤이 흐르고 반짝이며 수백 개의 떨리는 하이라이트로 분해됩니다. 이 모든 것이 그림의 깊은 철학적 의미를 인식할 수 있는 놀라운 분위기를 조성합니다. 동시대 사람 중 한 사람의 말에 어떻게 동의하지 않을 수 있습니까? "Watteau는 페인트가 아니라 꿀, 녹은 호박으로 씁니다."

프랑수아 부셰(1703-1770)은 자신을 Watteau의 충성스러운 제자로 여겼습니다. 어떤 사람들은 그를 "은혜의 화가", "회화의 아나크레온", "왕실 화가"라고 불렀습니다. 두 번째는 그에게서 "진실 이외의 모든 것을 가진 위선적인 예술가"를 보았습니다. 여전히 다른 사람들은 회의적이었습니다. "그의 손은 다른 사람들이 가시만 찾는 장미를 줍습니다."

예술가의 붓은 루이 15세의 사랑을 받은 퐁파두르 후작의 의식 초상화에 속합니다. 그녀는 Boucher를 후원했으며 시골 거주지와 파리 맨션에 대한 종교적 주제에 대한 그림을 한 번 이상 주문한 것으로 알려져 있습니다. 사진 속에 "퐁파두르 부인"여주인공은 그녀의 예술적 취향과 취미를 연상시키는 흩어져있는 꽃과 고급스러운 오브제로 둘러싸여 있습니다. 그녀는 무성하고 엄숙한 커튼을 배경으로 장엄하게 등을 기대고 있습니다. 그녀의 손에 들린 책은 지적 추구에 대한 계몽과 헌신의 분명한 힌트입니다. Marquiza de Pompadour는 그를 태피스트리 제작소의 초대 감독으로 임명한 후 예술 아카데미의 회장으로 임명하여 "왕의 첫 번째 화가"의 ti-tool을 줌으로써 예술가에게 관대하게 감사를 표했습니다.

François Boucher는 신화적인 Venuses와 Dianes의 형태로 귀엽고 수줍은 양치기 또는 통통한 벌거 벗은 숙녀가 주인공인 경박한 장면의 묘사로 한 번 이상 눈을 돌렸습니다. 그의 그림은 모호한 힌트, 눈에 띄는 세부 사항(양치기의 새틴 치마의 융기된 밑단, 다이애나의 요염하게 올려진 다리, 그녀의 입술에 눌린 손가락, 웅변적이고 매력적인 시선, 연인의 발에 달라붙는 양, 비둘기를 노리는 비둘기로 가득 차 있습니다. 등). 글쎄, 예술가는 자신의 시대의 패션과 취향을 완벽하게 알고있었습니다!

세계 회화의 역사에서 Francois Boucher는 여전히 색채와 절묘한 그림의 위대한 대가로 남아 있습니다. 독창적으로 해결된 구성, 특이한 문자 단축, 풍부한 색상 악센트, 작고 가벼운 획으로 적용된 투명한 페인트의 밝은 반사, 부드럽고 흐르는 리듬 - 이 모든 것이 F. Boucher를 비할 데 없는 살아있는 서기로 만듭니다. 그의 그림은 장식 패널로 바뀌고 홀과 거실의 무성한 인테리어를 장식하며 행복, 사랑, 아름다운 꿈의 세계를 부릅니다.

질문 및 작업

1. N. Poussin의 작업이 회화에서 고전주의의 정점이라고 불리는 이유는 무엇입니까? 이 주인 숭배를 선포한 이유는 무엇입니까? 그는 어떤 주제와 왜 우선권을 주었습니까? Poussin을 "캔버스에 철학의 가장 고상한 교훈을 불멸시키는" "불멸의" 거장으로 말한 프랑스 예술가 J.L. David의 평가의 타당성을 증명할 수 있습니까?

2. Poussin은 다음과 같이 말했습니다. "저에게는 소홀히 할 수 있는 사소한 일이 없습니다. 제 본성은 완벽하게 조직된 것들을 찾고 사랑하도록 이끌고, 어두움이 빛에 대한 것만큼이나 저에게 혐오감을 주는 무질서를 피합니다." 이 원칙은 작가의 작업에서 어떻게 구현되는가? 그가 발전시킨 고전주의 이론과 어떻게 비교되는가?

3. A. Watteau와 F. Boucher의 "용감한 장르"의 가장 위대한 거장들을 하나로 묶는 것은 무엇입니까? 이들의 차이점은 무엇인가요? Boucher는 Watteau의 진정한 제자라고 할 수 있습니까?

창작 워크숍

1. 유명 화가의 자화상을 푸생의 '자화상'과 비교해보세요. 정확히 무엇이 이 작품을 다르게 만드는가? 고전주의적 방식으로 실행되었다고 주장할 수 있습니까?

2. Poussin의 "Death of Germanicus" 그림에 대해 알아보십시오. 이 그림은 그에게 명성을 가져다주고 고전주의의 프로그램적 작품으로 간주됩니다. 이 스타일의 예술 시스템의 특징은 무엇입니까? "이 사진만으로도 Poussin in Eternity의 이름을 유지하기에 충분했을 것입니다"(A. Fusli)라는 진술은 얼마나 정당한가?

3. Pous-sen의 작업에서 경관의 진화에 대한 연구를 수행합니다. 그의 예술적 역할은 무엇입니까? '있는 그대로' 자연이 작가를 만족시키지 못하고 자연의 풍경을 그린 적이 없는 이유는 무엇이라고 생각하는가? 자연의 영원한 존재와 짧은 인간의 삶의 대비는 그의 작품에서 어떻게 전달되고 있는가? 왜 사람의 존재는 그의 풍경에서 항상 느껴지는가? 왜 많은 그림에서 주변 공간을 들여다보고 있는 외로운 인간의 모습을 볼 수 있습니까? 왜 그들은 종종 강조 표시되고 그들의 시선은 풍경의 깊숙한 곳으로 향하게됩니까?

4. E. Delacroix는 N. Poussin에서 "건축가보다 건축을 더 잘 이해한 위대한 화가"를 보았습니다. 이 관점은 얼마나 공정합니까? 건축이 종종 그의 작품의 주요하고 긍정적인 영웅이 되었다고 주장할 수 있습니까? Poussin이 종종 고전 연극 공연의 원칙에 따라 공간을 구성한다는 데 동의합니까?

5. "재료 예술에서 Watteau는 음악으로만 접근할 수 있는 것처럼 보이는 것을 기적적으로 표현했다"는 한 연구자의 말의 진실을 증명하는 것이 가능합니까? 그렇습니까? 프랑스 작곡가 F. Couperin(1668-1733)의 음악을 들어보세요. 작가의 작품과 어느 정도 조화를 이루고 있으며, 로코코 시대의 취향과 분위기를 어느 정도 표현하였는가?

6. 프랑스 교육자 Denis Diderot는 아이러니하게도 Boucher의 작업을 비판했습니다. 다양한! 물건과 생각이 얼마나 풍부한가! 이 남자는 진실을 제외하고 모든 것을 가지고 있습니다 ... 이질적인 물건의 쓰레기통! 당신은 그 모든 무의미함을 느낍니다. 동시에 그림에서 자신을 떼어내는 것은 불가능합니다. 그녀는 당신을 매료시키고 당신은 무의식적으로 그녀에게 돌아갑니다. 이것은 매우 유쾌한 암석이며, 이것은 모방할 수 없고 희귀한 사치입니다. 상상력과 효과, 마법과 가벼움이 너무 많아요!" Diderot에 대한 어떤 평가를 공유하며 이에 동의할 수 없습니까? 왜요?

프로젝트, 초록 또는 메시지의 주제

"Nicolas Poussin과 고대: 영웅적 플롯과 이미지"; "푸생의 작품에서 풍경의 예술적 역할과 진화"; "푸생의 작품에 나타난 예술적 동기"; "푸생의 전임자와 추종자"; "푸생의 창의성과 고전주의 연극의 전통"; "용감한 장르의 대가"(로코코 회화)"; "ㅏ. Watteau는 기쁨과 슬픔의 화가입니다."; "A. Watteau의 작품에서 색채의 숙달"; "A. Watteau의 그림의 연극성과 음악성"; F. Boucher의 "은혜의 예술가"; "로코코 예술과 공예의 특징."

추가 읽을 책

Herman M. Yu. Watteau. 엠., 2001.

Glikman A.S. Nicolas Poussin. 엘.; 엠., 1964.

다니엘 S.M. 로코코. Watteau에서 Fragonard까지. SPb., 2007.

Zolotov Yu.K. Poussin. 엠., 1988.

Kantor A. M. et al. 18세기 예술. M., 1977. (작은 예술사).

Kaptereva T., Bykov V. 17세기 프랑스 예술. 엠., 1969.

Kozhina E. F. 18세기 프랑스 예술. 엘., 1971.

I. Nemilova 오래된 그림의 수수께끼. 엠., 1996.

Rotenberg E. I. 17세기 서유럽 미술. M., 1971. (세계 예술 기념물).

Sokolov MN 15-17세기 서유럽 회화의 가구 이미지. 엠., 1994.

Chegodaev A.D. 앙투안 와토. 엠., 1963.

Yakimovich A. K. 새로운 시간: XVII-XVIII 세기의 예술과 문화. SPb., 2004.

자료를 준비할 때 교과서 "세계 예술 문화. 18 세기부터 현재까지”(저자 Danilova GI).