1.1 A história do surgimento da arte das variedades

A palavra "palco" (do latim strata) significa - piso, plataforma, colina, plataforma.

A definição mais precisa da arte da variedade como uma arte que combina vários gêneros é dada no dicionário de D.N. Ushakov: "A variedade é a arte das pequenas formas, o campo de performances espetaculares e musicais em um palco aberto. Sua especificidade está na fácil adaptação a diversas condições de manifestação pública e ações de curta duração, nos meios artísticos e expressivos, arte que contribui para a identificação viva da individualidade criativa do performer, na atualidade, aguda relevância sociopolítica dos temas abordados, na predominância de elementos de humor, sátira, jornalismo.

A Enciclopédia Soviética define a música pop como derivada da estrade francesa - uma forma de arte que inclui pequenas formas de arte dramática e vocal, música, coreografia, circo, pantomima, etc. o enredo. Como arte independente, foi formada no final do século XIX.

Existe também uma definição de estágio:

Uma área de palco, permanente ou temporária, para apresentações de concertos de um artista.

A arte da variedade tem suas raízes no passado distante, sendo traçada na arte do Egito Antigo e da Grécia Antiga. Embora o palco interaja intimamente com outras artes, como música, teatro, coreografia, literatura, cinema, circo, pantomima, é uma forma de arte independente e específica. A base da arte da variedade é - "Sua Majestade o número" - como disse N. Smirnov-Sokolsky 1 .

Número - uma pequena performance, um ou mais artistas, com seu enredo, clímax e desfecho. A especificidade da performance é a comunicação direta do artista com o público, por conta própria ou por conta do personagem.

Na arte medieval de artistas errantes, teatros de farsas na Alemanha, bufões na Rússia, teatro de máscaras na Itália, etc. já havia um apelo direto do artista ao público, o que permitiu que o subsequente se tornasse participante direto da ação. A curta duração da performance (não mais que 15-20 minutos) exige a máxima concentração de meios expressivos, concisão e dinâmica. Os desempenhos de variedades são classificados de acordo com suas características em quatro grupos. O primeiro grupo de espécies deve incluir números coloquiais (ou de fala). Depois vêm os números musicais, plástico-coreográficos, mistos, "originais".

A arte da comédia foi construída no contato aberto com o público. del- arte (mascarar) XVI-PPXVII século.

As performances eram geralmente improvisadas com base em cenas típicas da história. Som musical como interlúdios (inserções): canções, danças, números instrumentais ou vocais - foi a fonte direta do número pop.

No século XVIII existem ópera cômica e vaudeville. Vaudeville foi uma performance fascinante com música e piadas. Seus principais heróis - pessoas comuns - sempre derrotaram aristocratas estúpidos e cruéis.

E em meados do século 19, o gênero nasceu opereta(literalmente pequena ópera): um tipo de arte teatral que combinava música vocal e instrumental, dança, balé, elementos de pop art, diálogos. Como gênero independente, a opereta apareceu na França em 1850. O "pai" da opereta francesa, e da opereta em geral, foi Jacques Offenbach (1819-1880). Mais tarde, o gênero se desenvolve na "comédia de máscaras" italiana.

A variedade está intimamente ligada à vida cotidiana, ao folclore, às tradições. Além disso, são repensados, modernizados, "estradizados". Várias formas de criatividade pop são usadas como um passatempo divertido.

Isso não é coincidência. Na Inglaterra, os pubs (instituições públicas públicas) surgiram no século XVIII, tornaram-se os protótipos dos music halls (music hall). Os pubs tornaram-se um local de entretenimento para as amplas camadas democráticas da população. Em contraste com os salões aristocráticos, onde a música clássica era predominantemente tocada, nos pubs, cantigas, danças, comediantes, mímicos, acrobatas, cenas de performances populares compostas por imitações e paródias eram mostradas nos pubs, acompanhadas por um piano. Um pouco mais tarde, na primeira metade do século XIX, generalizaram-se os cafés-concertos, originalmente representando cafés literários e artísticos, onde poetas, músicos e atores atuavam com suas improvisações. Em várias modificações, eles se espalharam pela Europa e ficaram conhecidos como cabaré (abobrinha). O entretenimento não exclui o fator da espiritualidade; uma posição cívica é especialmente importante para um artista de variedades.

A fácil adaptabilidade da pop art ao público esconde o perigo de flertar com o público, concessões ao mau gosto. Para não cair no abismo da vulgaridade e da vulgaridade, o artista precisa de verdadeiro talento, bom gosto e talento. A partir de números pop individuais, o diretor formou um programa, que também foi um forte meio expressivo. Conexão de montagem livre de pequenas formas, separadas de vários tipos de criatividade artística e curadas de forma independente, o que levou ao nascimento da arte colorida espetáculo de variedades. A arte do show de variedades está intimamente ligada ao teatro, ao circo, mas, diferentemente do teatro, não necessita de uma ação dramática organizada. A convencionalidade do enredo, a falta de desenvolvimento da ação (o drama principal) também são características de uma grande atuação. revista(de fr. - revisão). Partes separadas da revisão estão conectadas por uma ideia comum de desempenho e social. Como gênero musical dramático, a revista combina elementos de cabaré, balé e show de variedades. A performance de revista é dominada pela música, canto e dança. O show de variedades tem suas modificações:

- show de variedades de números individuais

- espetáculo de variedades

- dança cabaré

- revista

No século 20, a revista se transformou em uma magnífica performance de entretenimento. Havia variedades de revistas nos Estados Unidos, chamadas mostrar.

O palco musical incluiu vários gêneros de música leve: canções, trechos de operetas, musicais, shows de variedades em arranjos variados de obras instrumentais. No século XX, o palco foi enriquecido pelo jazz e pela música popular.

Assim, a arte de variedades percorreu um longo caminho, e hoje podemos observar esse gênero em uma forma e performance diferente, o que sugere que seu desenvolvimento não fica parado.

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As raízes do palco remontam ao passado distante, traçadas na arte do Egito, Grécia, Roma; seus elementos estão presentes nas performances de comediantes-bufões errantes (Rússia), shpilmans (Alemanha), malabaristas (França), dândis (Polônia), maskaroboz (Ásia Central), etc.

Sátira sobre a vida e costumes urbanos, piadas afiadas sobre temas políticos, uma atitude crítica ao poder, dísticos, esquetes cômicos, piadas, jogos, pantomima de palhaço, malabarismo, excentricidade musical foram os primórdios dos futuros gêneros pop que nasceram no barulho do carnaval e entretenimento público.

Barkers, que, com a ajuda de piadas, chistes, dísticos engraçados, vendiam qualquer produto nas praças e mercados, mais tarde se tornaram os precursores do animador. Tudo isso de natureza massiva e inteligível, condição indispensável para a existência de todos os gêneros pop. Todos os artistas de carnaval medievais não faziam performances.

Na Rússia, as origens dos gêneros pop se manifestaram em bufões, diversão e criatividade em massa de festivais folclóricos. Seus representantes são raus avôs-coringas com uma barba indispensável, que entretinham e chamavam o público da plataforma superior do estande - raus, salsa, raeshniks, líderes de ursos "instruídos", atores-bufões, jogando "esboços" e "reprises" "entre a multidão, tocando gaita, harpa, ranho e divertindo o povo.

A arte da variedade é caracterizada por qualidades como abertura, concisão, improvisação, festividade, originalidade, entretenimento.

Desenvolvendo-se como uma arte de lazer festivo, a música pop sempre buscou o inusitado e a diversidade. O próprio sentimento de festa foi criado devido ao entretenimento externo, ao jogo de luzes, à mudança de cenário pitoresco, à mudança na forma do palco, etc. Apesar da variedade de formas e gêneros ser característica do palco, ele pode ser dividido em três grupos:

• - palco de concertos (anteriormente chamado de "divertissement") combina todos os tipos de apresentações em concertos de variedades;
• - palco teatral (apresentações de câmara do teatro de miniaturas, teatros de cabaré, cafés-teatros ou uma grande revista de concertos, sala de música, com uma grande equipe de espetáculos e equipamentos de palco de primeira classe);
• - palco festivo (festas folclóricas, feriados em estádios, cheios de esportes e números de shows, além de bailes, carnavais, máscaras, festivais, etc.).

Há também estes:

• 1. Teatros de variedades
• 2. Salas de música

Se a base de uma performance de variedades é um número acabado, então a crítica, como qualquer ação dramática, exigia a subordinação de tudo o que acontece no palco ao enredo. Isso, via de regra, não se combinou organicamente e levou ao enfraquecimento de um dos componentes da apresentação: a performance, os personagens ou o enredo. Isso aconteceu durante a produção de "Milagres do século 20" - a peça se dividiu em vários episódios independentes e vagamente conectados. Apenas o conjunto de balé e várias apresentações de variedade e circo de primeira classe tiveram sucesso com o público. O conjunto de balé encenado por Goleizovsky apresentou três números: "Ei, vamos!", "Moscou na chuva" e "30 garotas inglesas". Particularmente espetacular foi a performance de "The Snake". Entre os números do circo, os melhores foram: Tea Alba e "Australian Lumberjacks" Jackson e Laurer. Alba escreveu simultaneamente palavras diferentes com giz em dois quadros com as mãos direita e esquerda. Os lenhadores no final da corrida estavam cortando dois troncos grossos. Um excelente número de equilíbrio no fio foi mostrado pelo alemão Strodi. Ele deu cambalhotas em um fio. Dos artistas soviéticos, como sempre, Smirnov-Sokolsky e as cantigas V. Glebova e M. Darskaya tiveram grande sucesso. Entre os números do circo, destacou-se o número de Zoya e Martha Koch em dois fios paralelos.

Em setembro de 1928, ocorreu a abertura do Leningrad Music Hall.

• 3. Teatro de Miniaturas - grupo de teatro que trabalha principalmente em pequenas formas: pequenas peças, esquetes, esquetes, óperas, operetas e números pop (monólogos, dísticos, paródias, danças, canções). O repertório é dominado pelo humor, sátira, ironia, e as letras não são excluídas. A trupe é pequena, o teatro de um ator, dois atores é possível. As performances, de design lacônico, são pensadas para um público relativamente pequeno; elas representam uma espécie de tela de mosaico.
• 4. Gêneros de conversação no palco - símbolo de gêneros associados principalmente à palavra: animador, interlúdio, esquete, esquete, história, monólogo, folhetim, microminiatura (anedota encenada), burime.

Animador - o animador pode ser emparelhado, único, em massa. Um gênero coloquial construído de acordo com as leis da "unidade e luta dos opostos", ou seja, a transição da quantidade para a qualidade de acordo com o princípio satírico.

Um monólogo pop pode ser satírico, lírico, bem-humorado.

Um interlúdio é uma cena cômica ou uma peça de conteúdo humorístico, que é apresentada como um número independente.

Um esboço é uma pequena cena em que a intriga se desenvolve rapidamente, onde o enredo mais simples é construído em situações inesperadas, engraçadas, afiadas, reviravoltas, permitindo que toda uma série de absurdos surja no decorrer da ação, mas onde tudo, em regra, termina em um desfecho feliz. 1-2 atores (mas não mais que três).

Miniatura é o gênero coloquial mais popular na música pop. No palco hoje, uma anedota popular (não publicada, não impressa - do grego) é uma curta história oral tópica com um final inesperado e espirituoso.

Um trocadilho é uma piada baseada no uso cômico de palavras com sons semelhantes, mas com sons diferentes, para brincar com a semelhança sonora de palavras ou combinações equivalentes.

Reprise é o gênero coloquial curto mais comum.

Os dísticos são uma das variedades mais inteligíveis e populares do gênero coloquial. O dístico procura ridicularizar este ou aquele fenômeno e expressar sua atitude em relação a ele. Deve ter senso de humor

Os gêneros musicais e coloquiais incluem um dístico, uma cantiga, uma chansonette, um folhetim musical.

Uma paródia comum no palco pode ser "coloquial", vocal, musical, dançante. Ao mesmo tempo, recitações, melodeclamações, montagens literárias, "leitura artística" agregavam gêneros discursivos.

É impossível dar uma lista precisa e fixa dos gêneros do discurso: sínteses inesperadas da palavra com a música, a dança, os gêneros originais (transformação, ventrologia etc.) dão origem a novas formações de gênero. A prática ao vivo fornece continuamente todos os tipos de variedades, não é por acaso que em pôsteres antigos era costume adicionar "em seu gênero" ao nome de um ator.

Cada um dos gêneros do discurso acima tem suas próprias características, sua própria história, estrutura. O desenvolvimento da sociedade, as condições sociais ditaram o surgimento de um ou outro gênero à frente. Na verdade, apenas o animador nascido no cabaré pode ser considerado um gênero de "variedade". O resto vinha do estande, do teatro, das páginas das revistas humorísticas e satíricas. Gêneros do discurso, ao contrário de outros, inclinados a dominar inovações estrangeiras, desenvolvidas em sintonia com a tradição nacional, em estreita ligação com o teatro, com a literatura humorística.

O desenvolvimento dos gêneros do discurso está associado ao nível da literatura. Atrás do ator está o autor, que "morre" no performer. E, no entanto, o valor intrínseco da atuação não diminui a importância do autor, que em grande parte determina o sucesso da atuação. Os autores muitas vezes se tornaram os próprios artistas. As tradições de I. Gorbunov foram adotadas por contadores de histórias pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov e outros criaram seu próprio repertório. Atores que não tinham talento literário procuraram ajuda de autores, que escreviam com base na performance oral, levando em consideração a máscara do ator. Esses autores, via de regra, permaneceram "sem nome". Por muitos anos, a questão tem sido discutida na imprensa se uma obra escrita para performance no palco pode ser considerada literatura. No início dos anos 1980, foram criadas a All-Union e depois a All-Russian Association of Variety Authors, que ajudaram a legitimar esse tipo de atividade literária. O "anonimato" do autor é coisa do passado, aliás, os próprios autores subiram ao palco. No final dos anos 70, foi lançado o programa "Behind the Scenes of Laughter", compilado de acordo com o tipo de concerto, mas exclusivamente a partir de performances de autores pop. Se nos anos anteriores apenas escritores individuais (Averchenko, Ardov, Laskin) criavam seus próprios programas, agora esse fenômeno se espalhou. O fenômeno de M. Zhvanetsky contribuiu muito para o sucesso. Tendo começado nos anos 60 como autor do Teatro de Miniaturas de Leningrado, ele, contornando a censura, começou a ler seus pequenos monólogos e diálogos em noites fechadas nas Casas da Inteligente Criativa, que, como as canções de Vysotsky, foram distribuídas por todo o país .

5. Jazz no palco

O termo "jazz" é comumente entendido como: 1) um tipo de arte musical baseada na improvisação e uma intensidade rítmica especial, 2) orquestras e conjuntos que executam essa música. Os termos "jazz band", "jazz ensemble" também são usados ​​para designar grupos (às vezes indicando o número de artistas - trio de jazz, quarteto de jazz, orquestra de jazz, big band).

6. Canção no palco

Miniatura vocal (vocal-instrumental), muito utilizada na prática de concertos. No palco, muitas vezes é resolvido como uma miniatura de "jogo" de palco com a ajuda de plasticidade, figurino, luz, mise-en-scenes ("teatro de canções"); De grande importância é a personalidade, características do talento e habilidade do intérprete, que em alguns casos se torna um “coautor” do compositor.

Os gêneros e formas da canção são variados: romance, balada, canção folclórica, dístico, cantiga, chansonette, etc.; os métodos de execução também são variados: solo, ensemble (duetos, coros, wok-instr. ensembles).

Há também um grupo de compositores entre músicos pop. Estes são Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk e outros.

Muitos estilos, maneiras e direções coexistem - do kitsch sentimental e romance urbano ao punk rock e rap. Assim, a música de hoje é um painel multicolorido e multiestilo, que inclui dezenas de direções, desde imitações do folclore doméstico até inoculações de culturas afro-americanas, europeias e asiáticas.

7. Dance no palco

Trata-se de um pequeno número de dança, solo ou em grupo, apresentado em concertos de variedades em grupo, shows de variedades, music halls, teatros de miniaturas; acompanha e complementa o programa de vocalistas, números de gêneros de fala originais e até mesmo. Foi formado com base na dança folclórica, cotidiana (de salão), balé clássico, dança moderna, ginástica, acrobacia, no cruzamento de várias influências estrangeiras e tradições nacionais. A natureza da plasticidade da dança é ditada pelos ritmos modernos, formados sob a influência de artes afins: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

As danças folclóricas foram originalmente incluídas nas apresentações das trupes da capital. O repertório incluía apresentações teatrais de diversões da vida rural, urbana e militar, suítes vocais e de dança de canções e danças folclóricas russas.

Na década de 1990, a dança no palco é fortemente polarizada, como se retornasse à situação da década de 1920. Grupos de dança engajados no show business, como Erotic Dance e outros, contam com o erotismo - apresentações em boates ditam suas próprias leis.

8. Marionetes no palco

Desde os tempos antigos, as pessoas na Rússia valorizam o artesanato, adoram brinquedos e respeitam um jogo divertido com uma boneca. Petrushka lidou com um soldado, um policial, um padre, e até mesmo com a própria morte, brandiu bravamente um porrete, colocou no local aqueles de quem o povo não gostava, derrubou o mal, afirmou a moralidade do povo.

Os Petrushechniks vagavam sozinhos, às vezes juntos: um marionetista e um músico, eles próprios compunham peças, eles próprios eram atores, diretores - eles tentavam preservar os movimentos dos bonecos, mise-en-scenes, truques de bonecos. Marionetistas foram perseguidos.

Havia outros espetáculos em que atuavam bonecos. Nas estradas da Rússia, pode-se encontrar vans carregadas de fantoches em cordas - fantoches. E às vezes caixas com fendas dentro, ao longo das quais as bonecas eram movidas por baixo. Essas caixas eram chamadas de presépios. Os marionetistas dominavam a arte da imitação. Gostavam de retratar cantores, copiar acrobatas, ginastas, palhaços.

9. Paródia no palco

Este é um número ou desempenho baseado na imitação irônica (imitação) tanto da maneira individual, estilo, características e estereótipos do original, quanto de tendências e gêneros inteiros na arte. A amplitude do cômico: do nitidamente satírico (degradante) ao humorístico (caricatura amigável) - é determinada pela atitude do parodista em relação ao original. A paródia tem suas raízes na arte antiga, na Rússia há muito tempo está presente em jogos de palhaços, performances de farsa.

10. Teatros de pequenas formas

Criação na Rússia de teatros de cabaré "The Bat", "Crooked Mirror", etc.

Tanto "Crooked Mirror" quanto "The Bat" eram grupos de atuação profissionalmente fortes, cujo nível de cultura teatral era sem dúvida maior do que em vários teatros de miniaturas (Petrovsky, dirigido por D.G. Gutman, destacou-se mais do que outros de Moscou , Mamonovsky, cultivando arte decadente, onde Alexander Vertinsky fez sua estréia durante a Primeira Guerra Mundial, Nikolsky - artista e diretor A.P. Petrovsky. Entre São Petersburgo - Troitsky A.M. Fokina - diretor V.R. Rappoport, onde com cantigas e como V. O. Toporkov, mais tarde um artista do teatro de arte, realizado com sucesso como animador.

Dance no palco - um pequeno número de dança , solo ou em grupo, apresentados em concertos de variedades em grupo, shows de variedades, music halls, teatros de miniaturas, acompanha e complementa a programação dos vocalistas, os números são originais mesmo nos gêneros de fala . Desenvolveu-se com base na dança folclórica, cotidiana (de salão), balé clássico, dança moderna, ginástica, acrobacia , em cruzar todo tipo de influências estrangeiras e tradições nacionais. A natureza da plasticidade da dança é ditada pelos ritmos modernos, formados sob a influência de artes afins: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

A história do desenvolvimento da direção de dança pode ser condicionalmente dividida em dois marcos: o período anterior ao século XX e o período que vai do século XX até o presente.

Além dos artistas errantes medievais e suas performances, os divertissements também podem ser considerados os progenitores da dança moderna de variedades. Eram cenas que foram mostradas no XVII-XVIII entre atos musicais ou partes de performances dramáticas. As árias de ópera eram executadas em diversões, o espectador podia ver trechos de balés, ouvir canções folclóricas e, finalmente, se divertir dançando. Na Rússia, as origens do palco da dança são encontradas nas apresentações de dançarinos em coros russos e ciganos, a partir de meados do século XIX - em festivais folclóricos. O final do século XIX foi marcado por concertos coletivos nos palcos dos jardins, “voxais” e cafés.

Dança popular do século XIX. - pode, pode(cancan francês, de canard - pato), dança francesa de origem argelina, 2 tempos, andamento rápido. Pas característico - jogando as pernas, pulando. Tem sido difundido desde meados do século 19, foi amplamente utilizado em operetas clássicas e shows de variedades. Podemos dizer que, com o advento do cancan, inicia-se uma nova era da dança. O can-can tem origem em Paris por volta de 1830. Era uma dança feminina apresentada no palco, acompanhada de um arremesso alto das pernas. Na década de 1860, muitas aulas de dança foram abertas em São Petersburgo, onde dançavam principalmente cancan.

Outra das danças populares do século 19 é a dança do passeio do bolo.

Passeio do bolo -(também cakewalk, cake walk; cakewalk inglês - andando com uma torta) - uma marcha dançante popular de origem afro-americana desde meados do século XIX. Características: andamento rápido, compasso - 2 tempos, ritmo sincopado, acordes que reproduzem o som de um banjo, armazém cômico brincalhão (muitas vezes ironicamente grotesco). Os ritmos acentuadamente acentuados típicos do cake walk formaram mais tarde a base do ragtime, e duas décadas depois definiram o estilo do pop jazz. A caminhada do bolo fazia parte das apresentações humorísticas do teatro de menestréis norte-americano do século XIX, nas quais era encenada com música rápida e sincopada na veia do ragtime posterior. Nos últimos anos do século 19, a caminhada do bolo, separada do palco do menestrel, tornou-se difundida na Europa na forma de dança de salão. dramaturgia coreógrafa de dança pop

No palco do menestrel, a caminhada do bolo tinha um significado simbólico especial. Era um palco de passeio em que dândis negros bem vestidos, de braços dados com suas damas igualmente elegantemente vestidas, reproduziam em forma cômica as solenes procissões de domingo de damas e cavalheiros brancos. Reproduzindo a maneira externa dos fazendeiros, os dândis negros ridicularizavam sua importância estúpida, embotamento mental, senso de auto-satisfação de superioridade imaginária. O motivo da zombaria oculta contido na caminhada do bolo encontrou um reflexo específico na esfera sonora.

A música de dança, cuja expressividade se baseava principalmente em sons percussivos e um ritmo metro muito mais complicado, desempenhou um papel inovador significativo, abriu novos caminhos para o desenvolvimento da arte musical moderna. Novos princípios musicais foram introduzidos na psicologia do mais amplo público, primeiro apenas nos EUA, e depois na Europa, contrariando tudo o que havia sido afirmado pelos compositores europeus durante séculos. A forma musical da caminhada do bolo é encontrada em peças de piano de salão e em números pop para composição instrumental tradicional e em marchas para uma banda de metais e, às vezes, em danças de salão de origem européia. “Mesmo nas valsas, aparecia a síncope, com a qual Waldteuffel e Strauss nunca sonharam” (Blesh R., Janis H. Todos tocavam ragtime). O gênero cake walk foi usado por muitos compositores acadêmicos (por exemplo, Debussy, Stravinsky, etc.).

A inovadora caminhada do bolo não foi apenas na música, mas também em termos de coreografia. Isso se manifestava em movimentos especiais das pernas, que pareciam ser "independentes" do corpo da bailarina. Assim como em outras danças do teatro de menestréis, o corpo do performer permaneceu em um estado estritamente controlado e equilibrado, suas mãos penduradas como "trapos" indefesos e disformes. Toda a energia do bailarino, toda a sua habilidade fenomenal e ritmo vertiginoso estavam incorporados nos movimentos das pernas. Acentos síncronos precisos produzidos pelo calcanhar de um pé e os dedos do outro; uma espécie de pisada de "batida" com sola de madeira; correr para a frente nos calcanhares; livre, como se "embaralhar" caótico. A relação entre o “corpo indiferente” e as pernas “vacilantes”, incomum para um balé tradicional, enfatizava o efeito humorístico da equanimidade externa, inseparável da imagem de uma máscara congelada.

A caminhada do bolo teve um enorme impacto na arte da dança do final do século XIX - início do século XX. Deu origem a uma série de danças que deslocaram a polca, a quadrilha, a dança country e outras danças populares do passado recente do uso cultural. Essas danças mais recentes - bar grizzly, bunny hag, texas tommy, tarki trot, etc. foram distinguidas por um 2-beat especial, inseparável do cake walk, e seu efeito "rocking" característico. Sua evolução terminou com o conhecido two-step e foxtrot, que ganhou a maior popularidade em todo o mundo e permaneceu no repertório da dança doméstica por muitos anos.

O auge inicial de todas essas danças coincide no tempo com o auge da popularidade do ragtime e o início da "era do jazz".

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Introdução

3. Gêneros de arte de variedades

Conclusão

Lista de literatura usada

Introdução

diretor de gênero pop art

As raízes do palco remontam ao passado distante, sendo traçadas na arte do Egito e da Grécia. Elementos de variedade estavam presentes nas performances de andarilhos - bufões (Rússia), spielmans (Alemanha), malabaristas (França) e assim por diante. O movimento trovador na França (no final do século XI) tornou-se o portador de uma nova ideia social. Sua peculiaridade era a escrita de música por encomenda, a variedade de gêneros de canções desde os enredos de letras de amor até a glorificação das façanhas militares dos líderes militares. Cantores contratados e artistas ambulantes espalham a criatividade musical.

Sátira sobre a vida e costumes urbanos, piadas afiadas sobre temas políticos, atitude crítica em relação ao poder, dísticos, esquetes cômicos, piadas, jogos, excentricidade musical foram os primórdios dos futuros gêneros pop que nasceram no barulho do carnaval e do entretenimento público. Barkers, que, com a ajuda de piadas, piadas e dísticos alegres, vendiam qualquer produto nas praças e mercados, mais tarde se tornaram os precursores do animador. Tudo isso de natureza massiva e inteligível, condição indispensável para a existência de todos os gêneros pop. Todos os artistas de carnaval medievais não faziam performances. A base do espetáculo era uma miniatura, que os distinguia do teatro, cuja principal característica são os elementos que unem a ação. Esses artistas não retratavam personagens, mas sempre falavam em nome próprio, comunicando-se diretamente com o público. Esta é agora a principal característica distintiva do show business moderno.

Um pouco mais tarde (meados e finais do século XVIII), vários estabelecimentos de entretenimento surgiram no exterior - salões de música, shows de variedades, cabaré, shows ministeriais, que combinavam toda a experiência de feiras e espetáculos carnavalescos e foram os precursores do entretenimento moderno organizações. Com a transição de muitos gêneros de rua para espaços fechados, um nível especial de arte performática começou a se formar, pois novas condições exigiam uma percepção mais focada por parte do espectador. Formada na segunda metade do século XIX, a atividade dos cafés - chantans, cafés - concertos, destinados a um número reduzido de visitantes, permitiu o desenvolvimento de gêneros de câmara como canto lírico, animador, dança solo, excentricidade. O sucesso de tais cafés causou o surgimento de empreendimentos maiores e espetaculares - cafés-concertos, como "Embaixador", "Eldorado" e outros.

Essa forma de exibição de performances era caracterizada por qualidades como abertura, concisão, improvisação, festividade, originalidade, entretenimento. Neste momento, a França adquire o status de centro cultural e de entretenimento. "Theater Montasier" (show de variedades) - combina arte musical, teatral e circense. Em 1792, o Teatro Vaudeville tornou-se muito popular. O repertório do teatro é composto por peças de comédia, em que os diálogos se alternam com dísticos, canções e danças. Cabaret (um estabelecimento de entretenimento que combina o gênero de música e dança de natureza divertida) e opereta eram muito populares.

Desenvolvendo-se como uma arte de lazer festivo, a música pop sempre buscou o inusitado e a diversidade. O sentimento de festa foi criado devido ao entretenimento externo, ao jogo de luzes, à mudança de cenário pitoresco, à mudança na forma do palco.

Desde os anos 20 do século passado, a música pop tem estado no centro das atenções de trabalhadores da cultura e arte, pesquisadores de diversas áreas do conhecimento, atuando como tema de polêmica nas páginas da imprensa periódica e disputas nos meios científicos. Ao longo da história da arte pop russa, a atitude em relação a ela mudou várias vezes. "Na ciência doméstica, desenvolveu-se uma tradição de considerar a arte pop, e neste contexto, o jazz e depois a música rock, como manifestações da cultura de massa, que se tornou objeto de pesquisa no âmbito da sociologia, psicologia social e outras ciências sociais O interesse de culturólogos e cientistas políticos pelos problemas da arte moderna de variedades e pelos fenômenos sócio-culturais por ela gerados não enfraquece ainda hoje.

O desenvolvimento da cinematografia produziu um efeito impressionante em todo o mundo, tornando-se posteriormente um atributo direto de qualquer sociedade. Desde o final da década de 1880 e início da década de 1900, tem estado intimamente adjacente ao palco doméstico emergente, como instituição e como espetáculo, é uma continuação direta do estande. As fitas foram transportadas de cidade em cidade por empresários em vans junto com equipamentos de projeção. A falta de eletricidade dificultou o desenvolvimento do cinema em uma grande área do país. Diante disso, os empresários estão adquirindo pequenas centrais elétricas portáteis, que ampliaram muito as possibilidades de distribuição de filmes.

Assim, "o desenvolvimento da cultura musical não é possível sem a implementação de todo um conjunto de tarefas de gestão, cuja solução passa pela formação de pessoal qualificado de acordo com as condições socioculturais modernas".

Há também um processo inverso - a comercialização (sem conotação negativa) da música pop. Por exemplo, os preços dos fãs para os shows de Madonna em Londres, que em agosto de 2007, variavam de 80 a 160 libras (de 140 a 280 dólares) mais 13 libras para a reserva. A turnê Re-Invention, com a qual ela percorreu os Estados Unidos e a Europa há dois anos, arrecadou US$ 125 milhões, mais do que qualquer outro show daquele ano. Os ingressos para shows em Londres custam até 150 libras.

Na verdade, Madonna é uma das principais beneficiárias da mudança que algumas forças econômicas poderosas trouxeram para o show business.

1. Número - levando dos componentes da arte da variedade

Número - uma apresentação separada e completa de um ou mais artistas. É a base da arte pop - "Sua Majestade o número" - disse N. Smirnov-Sokolsky. A sequência, "montagem" de números é a essência do concerto, programa teatral, performance de variedades. Inicialmente, o conceito de "número" era usado no sentido literal, determinava a ordem dos artistas que se seguiam: primeiro, segundo, quinto... uma ópera - "ópera numérica", no balé).

Para um artista que se apresenta no palco, um número é uma pequena performance com seu próprio começo, clímax e desfecho. A brevidade do número (não mais que 15-20 minutos) requer a máxima concentração de meios expressivos, concisão e dinâmica. Os diretores estão envolvidos em apresentações de palco e, às vezes, compositores, coreógrafos, artistas, incluindo figurinistas e designers de iluminação.

Em um cenário, um número pode ser definido como um segmento separado da ação, que possui sua própria estrutura interna.

A estrutura do número é idêntica à estrutura de qualquer ação dramática. Deve haver uma espécie de momento expositivo, a necessária trama da ação. A performance não pode existir sem desenvolvimento, cuja intensidade depende das tarefas específicas do diretor. O clímax na performance é mais frequentemente expresso como um ponto de virada contrastante, sem o qual não pode haver a plenitude necessária do desenvolvimento de todo o cenário. O número termina, via de regra, com um momento permissivo, conduzindo a ação a uma completude relativa.

O número deve ser relativamente curto em intensidade, mas não atarracado. Sua duração está em proporção direta com sua função, finalidade, tarefa na solução geral do tema: nada menos e nada mais do que o que lhe é atribuído pela lógica artística.

O próximo requisito para a performance é uma alta concentração de conteúdo: em um tempo extremamente curto, você precisa fornecer o máximo de informações, e não apenas transmitir informações ao espectador, mas organizá-las artisticamente com o objetivo de impacto emocional e estético.

Cada gênero musical tem sua própria forma de existência. Na casa de ópera, esta performance é um trabalho holístico, detalhado e artisticamente concluído. Para uma sinfonia, uma banda de metais, uma orquestra de instrumentos folclóricos, conjuntos de câmara e solistas, esta forma é um concerto, que inclui a execução de uma ou mais obras. Para o palco musical - também um concerto, mas de um tipo especial. É baseado em números musicais de diferentes gêneros e estilos. Por exemplo, quando eles cantam acompanhados por uma orquestra de instrumentos folclóricos russos, este é um concerto acadêmico, e quando acompanhados por um conjunto instrumental de instrumentos folclóricos também, é um concerto pop. Essa diferença é determinada pelas especificidades da performance, características de cada gênero. Uma das principais características de um número de variedade musical, vocal ou instrumental, é a especificidade da comunicação com o público. Um artista pop sempre se volta para o público, para o público. Esta característica do palco musical tem raízes históricas. Até os bufões das festas entravam em comunicação direta com o público. Atualmente, a comunicação direta com o espectador tornou-se mais complexa e ambígua. A. Alekseev expressou essa ideia de forma muito precisa e interessante em seu livro Serious and Funny. No palco, ao contrário de um concerto académico, "sente-se a todo o momento que isto não está a ser dito por si, mas que estão a falar consigo...".

Essa característica da arte cênica - seja um folhetim musical, versos, uma música, uma peça instrumental - determina a essência e a diferença entre um ato pop e uma performance acadêmica. Quando um solista-instrumentista, vocalista chega à beira do palco, canta uma música ou toca uma música - isso não é apenas uma performance, mas um apelo profundamente pessoal e sincero para aqueles que estão sentados no salão, para todos ao mesmo tempo e a todos individualmente.

A variedade está intimamente ligada ao teatro, as formas das obras de teatro e a variedade são diferentes. Se no primeiro, como observou A. Anastasiev, esta é uma performance, então na arte da arte da variedade é um número que, segundo Yu. Dmitriev, "é a base da arte da variedade".

Ao mesmo tempo, há uma lacuna na ciência da arte da variedade. O reconhecimento unânime de que o número é a base e "unidade de medida" da arte pop, por um lado, e a real ausência de uma teoria de criação de um número de variedade, por outro, cria uma espécie de "paradoxo sobre a variedade número." A posição dominante do número na estrutura da arte de variedade nos obriga a tirar a seguinte conclusão fundamental: são os méritos artísticos do número de variedade que determinam, em última análise, o vetor de desenvolvimento da arte de variedade como um todo. Portanto, a análise da estrutura artística de um ato de variedades em estreita ligação com a metodologia de sua criação pode ser apontada como um dos principais problemas dos estudos de variedades, o que requer uma pesquisa aprofundada.

A criatividade do autor, ator, diretor, artista está concentrada na criação de um ato pop. Questões separadas da obra do autor e do artista são consideradas na dissertação ao analisar a estrutura artística da questão, mas a atenção principal está voltada para o trabalho do ator e diretor.

Ao criar uma imagem artística em um ato de variedade, o ator, como no teatro, ocupa uma posição de liderança. Mas no palco, isso é especialmente perceptível por causa de sua extrema personificação. A prática mostra que os artistas de variedades, ao contrário do teatro, muitas vezes são os autores de suas obras de arte - performances. Além disso, a arte de improvisação do ator, que é a base dos gêneros pop individuais, nos obriga a explorar as características do processo de criação de uma performance diretamente no momento de sua performance.

A direção de um ato de variedades concentra todos os componentes da produção do número na obra com o autor do texto, e com o compositor, e com o coreógrafo, e com o artista, e com o ator. Este axioma deve ser repetido, pois deve-se notar com pesar que mesmo os principais aspectos da teoria e prática do trabalho do diretor em um ato de variedades são quase não formulados e nem generalizados. “Na minha opinião, pouco se falou sobre o trabalho do diretor dentro da edição”, observou com razão N. Zavadskaya, por exemplo. “Enquanto isso, um artista precisa disso, mesmo que tenha todas as habilidades profissionais”. Qualquer, até mesmo as habilidades profissionais mais destacadas de um artista de variedades tornam-se um conjunto sem sentido de truques, reprises e outros meios expressivos, se não forem reduzidos a um denominador comum de uma imagem artística holística, que é um dos principais componentes do trabalho do diretor. profissão em geral. E não há razão para considerar o ato de variedade uma exceção a essa regra.

2. Classificação dos números pop de acordo com gêneros pop genéricos

Qualquer classificação na arte é incompleta e, portanto, é possível distinguir aqui espécies e grupos de gêneros, focando apenas nos números que são frequentemente encontrados em cenários de performance. Os desempenhos de variedades são classificados de acordo com suas características em quatro grupos.

O primeiro grupo de espécies deve incluir números coloquiais (ou de fala). Depois vêm os números musicais, plástico-coreográficos, mistos, "originais".

Os gêneros de conversação incluem: entertainer, reprise, trocadilho, interlúdio, miniatura, sketch, monólogo pop, folhetim pop, folhetim musical, mosaico musical, dísticos, cantigas, paródias.

Gêneros de números plástico-coreográficos: dança (folclórica, característica, pop, moderna), pantomima e estudo plástico.

Gêneros do grupo de espécies de "números originais": excentricidade, truques, bufonaria, tocar instrumentos musicais inusitados, onomatopeia, estampas populares, tantamorescos, acrobacias, números de circo, números esportivos.

O envolvimento do público na ação direta da performance teatral é uma das características específicas desse tipo de arte. Portanto, é aqui que o número do jogo em suas várias formas de gênero (relacionado a números mistos ou "originais") é amplamente difundido.

Ao grupo de números musicais, incluímos, em primeiro lugar, um número musical de concerto. Sua completude se deve à própria forma musical. Se, no entanto, um trecho de uma grande obra for tomado como número, então deve ser relativamente completo, produzindo uma impressão holística. O principal gênero musical é a canção: folk, lírico, pop, romance urbano, romance cigano, folhetim musical.

O gênero musical favorito das pessoas é uma cantiga. Suas características são atualidade, extrema brevidade, expressividade de forma e capacidade de conteúdo. Uma cantiga, criada sobre um material específico, é um gênero indispensável em termos de eficiência. A fala em uma cantiga sempre soa individualizada, artisticamente justificada, como a fala de uma certa pessoa ou como um dialeto característico de um determinado distrito, região ou região.

O conteúdo lacônico da cantiga corresponde a uma composição clara, determinada pela forma e estrutura da quadra. Uma das características desta forma é a combinação orgânica da entonação coloquial com a estrutura musical. Mas, em geral, o número da cantiga é construído como um elemento efetivo do programa concluído em si mesmo.

Ao cantar, a estrofe cantiga de quatro linhas é dividida em duas meias estrofes com uma pausa profunda no meio. A pausa prepara para uma nova reviravolta, geralmente inesperada, a resolução do tema “declarado” no início. Via de regra, o primeiro dístico desempenha o papel de um começo, dá, por assim dizer, o início de uma narração lírica; o segundo dístico é o final: desenvolvimento do tema e conclusão final. É essa estrutura dramática da cantiga que a torna um gênero extremamente expressivo, eficaz, facilmente percebido pelos ouvintes.

Cantigas com "reservas" têm grande poder de impacto emocional.

3. Gêneros de arte de variedades

As raízes do palco remontam ao passado distante, traçadas na arte do Egito, Grécia, Roma; seus elementos estão presentes nas performances de comediantes-bufões errantes (Rússia), shpilmans (Alemanha), malabaristas (França), dândis (Polônia), maskaroboz (Ásia Central), etc.

Sátira sobre a vida e costumes urbanos, piadas afiadas sobre temas políticos, uma atitude crítica ao poder, dísticos, esquetes cômicos, piadas, jogos, pantomima de palhaço, malabarismo, excentricidade musical foram os primórdios dos futuros gêneros pop que nasceram no barulho do carnaval e entretenimento público.

Barkers, que, com a ajuda de piadas, chistes, dísticos engraçados, vendiam qualquer produto nas praças e mercados, mais tarde se tornaram os precursores do animador. Tudo isso de natureza massiva e inteligível, condição indispensável para a existência de todos os gêneros pop. Todos os artistas de carnaval medievais não faziam performances.

Na Rússia, as origens dos gêneros pop se manifestaram em bufões, diversão e criatividade em massa de festivais folclóricos. Seus representantes são raus avôs-coringas com uma barba indispensável, que entretinham e chamavam o público da plataforma superior do estande - raus, salsa, raeshniks, líderes de ursos "instruídos", atores-bufões, jogando "esboços" e "reprises" "entre a multidão, tocando gaita, harpa, ranho e divertindo o povo.

A arte da variedade é caracterizada por qualidades como abertura, concisão, improvisação, festividade, originalidade, entretenimento.

Desenvolvendo-se como uma arte de lazer festivo, a música pop sempre buscou o inusitado e a diversidade. O próprio sentimento de festa foi criado devido ao entretenimento externo, ao jogo de luzes, à mudança de cenário pitoresco, à mudança na forma do palco, etc. Apesar da variedade de formas e gêneros ser característica do palco, ele pode ser dividido em três grupos:

O palco de concertos (anteriormente chamado de "divertissement") combina todos os tipos de apresentações em concertos de variedades;

Palco teatral (apresentações de câmara do teatro de miniaturas, teatros de cabaré, cafés-teatros ou uma grande revista de concertos, sala de música, com numerosos funcionários e equipamentos de palco de primeira classe);

Palco festivo (festas folclóricas, feriados em estádios, cheios de esportes e números de shows, além de bailes, carnavais, bailes de máscaras, festivais, etc.).

Há também estes:

1. Teatros de variedades

2. Salas de música

Se a base de uma performance de variedades é um número acabado, então a crítica, como qualquer ação dramática, exigia a subordinação de tudo o que acontece no palco ao enredo. Isso, via de regra, não se combinou organicamente e levou ao enfraquecimento de um dos componentes da apresentação: a performance, os personagens ou o enredo. Isso aconteceu durante a produção de "Milagres do século 20" - a peça se dividiu em vários episódios independentes e vagamente conectados. Apenas o conjunto de balé e várias apresentações de variedade e circo de primeira classe tiveram sucesso com o público. O conjunto de balé encenado por Goleizovsky apresentou três números: "Ei, vamos!", "Moscou na chuva" e "30 garotas inglesas". Particularmente espetacular foi a performance de "The Snake". Entre os números do circo, os melhores foram: Tea Alba e "Australian Lumberjacks" Jackson e Laurer. Alba escreveu simultaneamente palavras diferentes com giz em dois quadros com as mãos direita e esquerda. Os lenhadores no final da corrida estavam cortando dois troncos grossos. Um excelente número de equilíbrio no fio foi mostrado pelo alemão Strodi. Ele deu cambalhotas em um fio. Dos artistas soviéticos, como sempre, Smirnov-Sokolsky e as cantigas V. Glebova e M. Darskaya tiveram grande sucesso. Entre os números do circo, destacou-se o número de Zoya e Martha Koch em dois fios paralelos.

Em setembro de 1928, ocorreu a abertura do Leningrad Music Hall.

3. Teatro de Miniaturas - grupo de teatro que trabalha principalmente em pequenas formas: pequenas peças, esquetes, esquetes, óperas, operetas e números pop (monólogos, dísticos, paródias, danças, canções). O repertório é dominado pelo humor, sátira, ironia, e as letras não são excluídas. A trupe é pequena, o teatro de um ator, dois atores é possível. As performances, de design lacônico, são pensadas para um público relativamente pequeno; elas representam uma espécie de tela de mosaico.

4. Gêneros de conversação no palco - símbolo de gêneros associados principalmente à palavra: animador, interlúdio, esquete, esquete, história, monólogo, folhetim, microminiatura (anedota encenada), burime.

Animador - o animador pode ser emparelhado, único, em massa. Um gênero coloquial construído de acordo com as leis da "unidade e luta dos opostos", ou seja, a transição da quantidade para a qualidade de acordo com o princípio satírico.

Um monólogo pop pode ser satírico, lírico, bem-humorado.

Um interlúdio é uma cena cômica ou uma peça de conteúdo humorístico, que é apresentada como um número independente.

Um esboço é uma pequena cena em que a intriga se desenvolve rapidamente, onde o enredo mais simples é construído em situações inesperadas, engraçadas, afiadas, reviravoltas, permitindo que toda uma série de absurdos surja no decorrer da ação, mas onde tudo, em regra, termina em um desfecho feliz. 1-2 atores (mas não mais que três).

Miniatura é o gênero coloquial mais popular na música pop. No palco hoje, uma anedota popular (não publicada, não impressa - do grego) é uma curta história oral tópica com um final inesperado e espirituoso.

Um trocadilho é uma piada baseada no uso cômico de palavras com sons semelhantes, mas com sons diferentes, para brincar com a semelhança sonora de palavras ou combinações equivalentes.

Reprise é o gênero coloquial curto mais comum.

Os dísticos são uma das variedades mais inteligíveis e populares do gênero coloquial. O dístico procura ridicularizar este ou aquele fenômeno e expressar sua atitude em relação a ele. Deve ter senso de humor

Os gêneros musicais e coloquiais incluem um dístico, uma cantiga, uma chansonette, um folhetim musical.

Uma paródia comum no palco pode ser "coloquial", vocal, musical, dançante. Ao mesmo tempo, recitações, melodeclamações, montagens literárias, "leitura artística" agregavam gêneros discursivos.

É impossível dar uma lista precisa e fixa dos gêneros do discurso: sínteses inesperadas da palavra com a música, a dança, os gêneros originais (transformação, ventrologia etc.) dão origem a novas formações de gênero. A prática ao vivo fornece continuamente todos os tipos de variedades, não é por acaso que em pôsteres antigos era costume adicionar "em seu gênero" ao nome de um ator.

Cada um dos gêneros do discurso acima tem suas próprias características, sua própria história, estrutura. O desenvolvimento da sociedade, as condições sociais ditaram o surgimento de um ou outro gênero à frente. Na verdade, apenas o animador nascido no cabaré pode ser considerado um gênero de "variedade". O resto vinha do estande, do teatro, das páginas das revistas humorísticas e satíricas. Gêneros do discurso, ao contrário de outros, inclinados a dominar inovações estrangeiras, desenvolvidas em sintonia com a tradição nacional, em estreita ligação com o teatro, com a literatura humorística.

O desenvolvimento dos gêneros do discurso está associado ao nível da literatura. Atrás do ator está o autor, que "morre" no performer. E, no entanto, o valor intrínseco da atuação não diminui a importância do autor, que em grande parte determina o sucesso da atuação. Os autores muitas vezes se tornaram os próprios artistas. As tradições de I. Gorbunov foram adotadas por contadores de histórias pop - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov e outros criaram seu próprio repertório. Atores que não tinham talento literário procuraram ajuda de autores, que escreviam com base na performance oral, levando em consideração a máscara do ator. Esses autores, via de regra, permaneceram "sem nome". Por muitos anos, a questão tem sido discutida na imprensa se uma obra escrita para performance no palco pode ser considerada literatura. No início dos anos 1980, foram criadas a All-Union e depois a All-Russian Association of Variety Authors, que ajudaram a legitimar esse tipo de atividade literária. O "anonimato" do autor é coisa do passado, aliás, os próprios autores subiram ao palco. No final dos anos 70, foi lançado o programa "Behind the Scenes of Laughter", compilado de acordo com o tipo de concerto, mas exclusivamente a partir de performances de autores pop. Se nos anos anteriores apenas escritores individuais (Averchenko, Ardov, Laskin) criavam seus próprios programas, agora esse fenômeno se espalhou. O fenômeno de M. Zhvanetsky contribuiu muito para o sucesso. Tendo começado nos anos 60 como autor do Teatro de Miniaturas de Leningrado, ele, contornando a censura, começou a ler seus pequenos monólogos e diálogos em noites fechadas nas Casas da Inteligente Criativa, que, como as canções de Vysotsky, foram distribuídas por todo o país .

5. Jazz no palco

O termo "jazz" é comumente entendido como: 1) um tipo de arte musical baseada na improvisação e uma intensidade rítmica especial, 2) orquestras e conjuntos que executam essa música. Os termos "jazz band", "jazz ensemble" também são usados ​​para designar grupos (às vezes indicando o número de artistas - trio de jazz, quarteto de jazz, orquestra de jazz, big band).

6. Canção no palco

Miniatura vocal (vocal-instrumental), muito utilizada na prática de concertos. No palco, muitas vezes é resolvido como uma miniatura de "jogo" de palco com a ajuda de plasticidade, figurino, luz, mise-en-scenes ("teatro de canções"); De grande importância é a personalidade, características do talento e habilidade do intérprete, que em alguns casos se torna um “coautor” do compositor.

Os gêneros e formas da canção são variados: romance, balada, canção folclórica, dístico, cantiga, chansonette, etc.; os métodos de execução também são variados: solo, ensemble (duetos, coros, wok-instr. ensembles).

Há também um grupo de compositores entre músicos pop. Estes são Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk e outros.

Muitos estilos, maneiras e direções coexistem - do kitsch sentimental e romance urbano ao punk rock e rap. Assim, a música de hoje é um painel multicolorido e multiestilo, que inclui dezenas de direções, desde imitações do folclore doméstico até inoculações de culturas afro-americanas, europeias e asiáticas.

7. Dance no palco

Trata-se de um pequeno número de dança, solo ou em grupo, apresentado em concertos de variedades em grupo, shows de variedades, music halls, teatros de miniaturas; acompanha e complementa o programa de vocalistas, números de gêneros de fala originais e até mesmo. Foi formado com base na dança folclórica, cotidiana (de salão), balé clássico, dança moderna, ginástica, acrobacia, no cruzamento de várias influências estrangeiras e tradições nacionais. A natureza da plasticidade da dança é ditada pelos ritmos modernos, formados sob a influência de artes afins: música, teatro, pintura, circo, pantomima.

As danças folclóricas foram originalmente incluídas nas apresentações das trupes da capital. O repertório incluía apresentações teatrais de diversões da vida rural, urbana e militar, suítes vocais e de dança de canções e danças folclóricas russas.

Na década de 1990, a dança no palco é fortemente polarizada, como se retornasse à situação da década de 1920. Grupos de dança engajados no show business, como Erotic Dance e outros, contam com o erotismo - apresentações em boates ditam suas próprias leis.

8. Marionetes no palco

Desde os tempos antigos, as pessoas na Rússia valorizam o artesanato, adoram brinquedos e respeitam um jogo divertido com uma boneca. Petrushka lidou com um soldado, um policial, um padre, e até mesmo com a própria morte, brandiu bravamente um porrete, colocou no local aqueles de quem o povo não gostava, derrubou o mal, afirmou a moralidade do povo.

Os Petrushechniks vagavam sozinhos, às vezes juntos: um marionetista e um músico, eles próprios compunham peças, eles próprios eram atores, diretores - eles tentavam preservar os movimentos dos bonecos, mise-en-scenes, truques de bonecos. Marionetistas foram perseguidos.

Havia outros espetáculos em que atuavam bonecos. Nas estradas da Rússia, pode-se encontrar vans carregadas de fantoches em cordas - fantoches. E às vezes caixas com fendas dentro, ao longo das quais as bonecas eram movidas por baixo. Essas caixas eram chamadas de presépios. Os marionetistas dominavam a arte da imitação. Gostavam de retratar cantores, copiar acrobatas, ginastas, palhaços.

9. Paródia no palco

Este é um número ou desempenho baseado na imitação irônica (imitação) tanto da maneira individual, estilo, características e estereótipos do original, quanto de tendências e gêneros inteiros na arte. A amplitude do cômico: do nitidamente satírico (degradante) ao humorístico (caricatura amigável) - é determinada pela atitude do parodista em relação ao original. A paródia tem suas raízes na arte antiga, na Rússia há muito tempo está presente em jogos de palhaços, performances de farsa.

10. Teatros de pequenas formas

Criação na Rússia de teatros de cabaré "The Bat", "Crooked Mirror", etc.

Tanto "Crooked Mirror" quanto "The Bat" eram grupos de atuação profissionalmente fortes, cujo nível de cultura teatral era sem dúvida maior do que em vários teatros de miniaturas (Petrovsky, dirigido por D.G. Gutman, destacou-se mais do que outros de Moscou , Mamonovsky, cultivando arte decadente, onde Alexander Vertinsky fez sua estréia durante a Primeira Guerra Mundial, Nikolsky - artista e diretor A.P. Petrovsky. Entre São Petersburgo - Troitsky A.M. Fokina - diretor V.R. Rappoport, onde com cantigas e como V. O. Toporkov, mais tarde um artista do teatro de arte, realizado com sucesso como animador.

4. Géneros musicais em palco. Princípios básicos, técnicas e direção

Existem vários gêneros:

1. Música latino-americana

A música latino-americana (espanhol musica latinoamericana) é um nome generalizado para os estilos e gêneros musicais dos países latino-americanos, bem como a música de pessoas desses países que vivem compactamente em outros estados e formam grandes comunidades latino-americanas (por exemplo, em os Estados Unidos). No discurso coloquial, o nome abreviado "música latina" (espanhol musica latina) é frequentemente usado.

A música latino-americana, cujo papel no cotidiano da América Latina é muito alto, é uma fusão de muitas culturas musicais, mas se baseia em três componentes: as culturas musicais espanhola (ou portuguesa), africana e indiana. Como regra, as músicas latino-americanas são executadas em espanhol ou português, com menos frequência em francês. Os artistas latino-americanos que vivem nos EUA são geralmente bilíngues e costumam usar letras em inglês.

A música espanhola e portuguesa propriamente dita não pertence à América Latina, estando, no entanto, intimamente ligada a esta por um grande número de ligações; além disso, a influência da música espanhola e portuguesa na América Latina é mútua.

Apesar da música latino-americana ser extremamente heterogênea e ter características próprias em cada país da América Latina, estilisticamente ela pode ser dividida em vários estilos regionais principais:

* Música andina;

* Música centro-americana;

* Música caribenha;

* Música Argentina;

* Música mexicana;

* Música brasileira.

No entanto, deve-se ter em mente que tal divisão é muito arbitrária e os limites desses estilos musicais são muito tênues.

Blues (blues inglês de blue devils) é um gênero de música que se difundiu nos anos 20 do século XX. É uma das conquistas da cultura afro-americana. Foi formado a partir de tendências musicais étnicas da sociedade afro-americana como "canção de trabalho" (eng. canção de trabalho), "espirituais" (eng. spirituals) e cólera (eng. Holler). De muitas maneiras, ele influenciou a música popular moderna, especialmente gêneros como "pop" (música pop inglesa), "jazz" (jazz inglês), "rock and roll" (rock "n" roll inglês). A forma predominante do blues 4/4, onde os primeiros 4 compassos são frequentemente tocados na harmonia tônica, 2 cada na subdominante e tônica, e 2 cada na dominante e tônica. Essa alternância também é conhecida como progressão do blues. O ritmo de oitavos trigêmeos com uma pausa é frequentemente usado - o chamado shuffle. Uma característica do blues são as "notas azuis". Muitas vezes a música é construída segundo a estrutura “pergunta-resposta”, expressa tanto no conteúdo lírico da composição, quanto no conteúdo musical, muitas vezes construído no diálogo dos instrumentos entre si. O blues é uma forma de improvisação de um gênero musical, onde as composições costumam usar apenas o "quadro" principal de apoio, que é batido por instrumentos solo. O tema original do blues é construído sobre o componente social sensual da vida da população afro-americana, suas dificuldades e obstáculos que surgem no caminho de cada pessoa negra.

Jazz (eng. Jazz) é uma forma de arte musical que surgiu no final do século XIX - início do século XX nos Estados Unidos como resultado da síntese das culturas africana e europeia e posteriormente se difundiu. Improvisação, polirritmia baseada em ritmos sincopados e um conjunto único de técnicas de execução de textura rítmica - o swing - foram os traços característicos da linguagem musical do jazz desde os seus primórdios. O desenvolvimento posterior do jazz ocorreu devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz.

Country combina duas variedades de folclore americano - a música dos colonos brancos que se estabeleceram no Novo Mundo nos séculos 17 e 18 e as baladas de caubói do Velho Oeste. Esta música tem uma forte herança de madrigais elizabetanos, música folclórica irlandesa e escocesa. Os principais instrumentos musicais desse estilo são o violão, o banjo e o violino.

"The Little Old Log Cabin in the Lane" é a primeira canção country "documentada" escrita em 1871 por Will Heiss de Kentucky. 53 anos depois, Fiddine John Carson grava esta composição em um disco. Em outubro de 1925, começou o programa de rádio Grand Ole Opry, que até hoje transmite ao vivo shows de estrelas do país.

Country como uma indústria da música começou a ganhar força no final da década de 1940. graças ao sucesso de Hank Williams (1923--53), que não só fixou a imagem do artista country para as gerações vindouras, mas também delineou os temas típicos do gênero - amor trágico, solidão e as dificuldades de uma vida profissional. Já naquela época, havia diferentes estilos na música country: o swing ocidental, que levava os princípios do arranjo de Dixieland - aqui o rei do gênero era Bob Wills e seus Texas Playboys; bluegrass, dominado pelo fundador Bill Monroe; o estilo de músicos como Hank Williams foi então chamado de caipira. Em meados da década de 1950. country, juntamente com elementos de outros gêneros (gospel, rhythm and blues) deu origem ao rock and roll. O gênero limítrofe surgiu imediatamente - rockabilly - foi a partir dele que cantores como Elvis Presley, Carl Perkins e Johnny Cash começaram seu caminho criativo - não é por acaso que todos gravaram no mesmo estúdio de Memphis, a Sun Records. Graças ao sucesso do álbum "Gunfighter Ballads and Trail Songs" (1959) de Marty Robbins, o gênero country e western foi isolado, dominado por histórias da vida do Velho Oeste.

Chanson (fr. chanson - "canção") - um gênero de música vocal; A palavra é usada em dois sentidos:

2) uma música pop francesa no estilo de um cabaré (inclinada em russo).

A música Blatnaya (folclore blatnoy, blatnyak) é um gênero de música que glorifica a vida e os costumes do ambiente criminal, originalmente projetado para o ambiente de prisioneiros e pessoas próximas ao submundo. Originou-se no Império Russo e se difundiu na União Soviética e, posteriormente, nos países da CEI. Com o passar do tempo, no gênero da música criminal, começaram a ser escritas canções que vão além da temática criminal, mas conservam seus traços característicos (melodia, jargão, narração, visão de mundo). Desde a década de 1990, uma música criminosa na indústria da música russa foi comercializada sob o nome de "canção russa" (cf. a estação de rádio e prêmios de mesmo nome).

Romance na música é uma composição vocal escrita em um poema curto de conteúdo lírico, principalmente amor.

A música do autor, ou música de bardo, é um gênero de música que surgiu em meados do século 20 na URSS. O gênero cresceu nas décadas de 1950 e 1960. de performances amadoras, independentemente da política cultural das autoridades soviéticas, e rapidamente alcançou grande popularidade. A ênfase principal está na poesia do texto.

6. Música eletrônica

Música eletrônica (do inglês. Música eletrônica, coloquialmente também "eletrônica") é um gênero musical amplo que se refere à música criada usando instrumentos musicais eletrônicos. Embora os primeiros instrumentos eletrônicos tenham surgido no início do século XX, a música eletrônica como gênero se desenvolveu na segunda metade do século XX e inclui dezenas de variedades no início do século XXI.

7. Música rock

Música rock (Eng. Rock music) é um nome generalizado para várias áreas da música popular. A palavra "rock" - balançar - neste caso indica as sensações rítmicas características dessas direções, associadas a uma certa forma de movimento, por analogia com "roll", "twist", "swing", "shake", etc. Sinais de música rock como o uso de instrumentos musicais elétricos, auto-suficiência criativa (é típico que músicos de rock executem composições de sua própria composição) são secundários e muitas vezes enganosos. Por esta razão, a filiação de alguns estilos de música ao rock é contestada. Além disso, o rock é um fenômeno subcultural especial; subculturas como mods, hippies, punks, metalheads, góticos, emo estão inextricavelmente ligadas a certos gêneros de rock.

A música rock tem um grande número de direções: desde gêneros leves, como rock and roll dançante, pop rock, Britpop, até gêneros brutais e agressivos, como death metal e hardcore. O conteúdo das músicas varia de leve e descontraído a sombrio, profundo e filosófico. Muitas vezes, a música rock se opõe à música pop e ao chamado. "pop", embora não haja uma fronteira clara entre os conceitos de "rock" e "pop", e muitos fenômenos musicais se equilibram à beira entre eles.

As origens da música rock estão no blues, de onde surgiram os primeiros gêneros de rock - rock and roll e rockabilly. Os primeiros subgêneros da música rock surgiram em estreita conexão com a música folk e pop da época - principalmente folk, country, skiffle, music hall. Durante sua existência, houve tentativas de combinar música rock com quase todos os tipos possíveis de música - com música acadêmica (art rock, aparece no final dos anos 60), jazz (jazz rock, aparece no final dos anos 60 - início dos anos 70). - x), música latina (rock latino, surge no final dos anos 60), música indiana (raga rock, surge em meados dos anos 60). Nos anos 60 e 70, surgiram quase todos os principais subgêneros do rock, sendo os mais importantes, além dos listados, o hard rock, o punk rock e o avant-garde rock. No final dos anos 70 e início dos anos 80, tais gêneros de rock surgiram como pós-punk, new wave, rock alternativo (embora os primeiros representantes dessa direção já aparecessem no final dos anos 60), hardcore (um importante subgênero do punk rock), como bem como subgêneros de metal brutal - death metal, black metal. Nos anos 90, os gêneros grunge (apareceu em meados dos anos 80), Britpop (apareceu em meados dos anos 60), metal alternativo (apareceu no final dos anos 80) foram amplamente desenvolvidos.

Os principais centros para o surgimento e desenvolvimento da música rock são os EUA e a Europa Ocidental (especialmente a Grã-Bretanha). A maioria das letras são em inglês. No entanto, embora, via de regra, com algum atraso, o rock nacional apareceu em quase todos os países. A música rock em língua russa (o chamado rock russo) apareceu na URSS já nas décadas de 1960 e 1970. e atingiu seu pico na década de 1980, continuando a se desenvolver na década de 1990.

8. Ska, rocksteady, reggae

Ska é um estilo musical que se originou na Jamaica no final da década de 1950. A aparência do estilo está ligada [fonte não especificada 99 dias] com o advento das instalações sonoras (eng. "sistemas de som"), que tornaram possível dançar na rua.

Os conjuntos de som não são apenas caixas de som estéreo, mas uma forma de discoteca de rua, com DJs e seus aparelhos de som móveis, com crescente competição entre esses DJs pelo melhor som, pelo melhor repertório e assim por diante.

O estilo é caracterizado por um ritmo suingante de 2/4, quando a guitarra toca nas batidas de bateria pares, e o contrabaixo ou contrabaixo enfatiza os ímpares. A melodia é tocada por instrumentos de sopro como trompete, trombone e saxofone. Entre as melodias do ska você pode encontrar melodias de jazz.

Rocksteady ("rocksteady", "rocksteady") é um estilo musical que existia na Jamaica e na Inglaterra na década de 1960. A base do estilo são os ritmos caribenhos em 4/4, com maior atenção aos teclados e guitarras.

Reggae (inglês reggae, outras grafias - "reggae" e "reggae"), música popular jamaicana, mencionada pela primeira vez desde o final dos anos 1960. Às vezes usado como um nome geral para todas as músicas jamaicanas. Está intimamente relacionado a outros gêneros jamaicanos - rocksteady, ska e outros.

Dub é um gênero musical que se originou no início dos anos 1970 na Jamaica. Inicialmente, os discos desse gênero eram músicas de reggae com (às vezes parcialmente) os vocais removidos. Desde meados da década de 1970, o dub se tornou um fenômeno por si só, considerado uma variedade experimental e psicodélica de reggae. Os desenvolvimentos musicais e ideológicos do dub deram origem à tecnologia e cultura dos remixes, e também influenciaram direta ou indiretamente o desenvolvimento de uma nova onda e gêneros como hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno , dubstep e outros. .

A música pop (Eng. Pop-music da música popular) é uma direção da música moderna, um tipo de cultura de massa moderna.

O termo "música pop" tem um duplo significado. Em um sentido amplo, isso é qualquer música de massa (incluindo rock, eletrônica, jazz, blues). Em um sentido estrito - um gênero separado de música popular, música pop diretamente com certas características.

As principais características da música pop como gênero são simplicidade, melodiosidade, dependência de vocais e ritmo com menos atenção à parte instrumental. A principal e praticamente a única forma de composição na música pop é a canção. Letras de música pop são geralmente sobre sentimentos pessoais.

A música pop inclui subgêneros como europop, latino, disco, electropop, dance music e outros.

10. Rap ​​(Hip-hop)

Hip-hop (hip hop inglês) é uma tendência cultural que se originou entre a classe trabalhadora de Nova York em 12 de novembro de 1974. DJ Afrika Bambaataa foi o primeiro a identificar cinco pilares da cultura hip-hop: eMsiing (inglês MCing), DJing (Digital em inglês), break (quebra em inglês), graffiti (escrita de graffiti em inglês) e conhecimento. Outros elementos incluem beatboxing, moda hip hop e gírias.

Com origem no sul do Bronx, na década de 1980, o hip-hop tornou-se parte da cultura jovem em muitos países ao redor do mundo. Desde o final dos anos 1990, de um underground de rua com uma orientação social aguda, o hip-hop gradualmente se transformou em uma parte da indústria da música e, em meados da primeira década deste século, a subcultura tornou-se "na moda", " convencional". No entanto, apesar disso, muitas figuras do hip-hop ainda continuam sua "linha principal" - um protesto contra a desigualdade e a injustiça, oposição aos que estão no poder.

Sabe-se que a encenação se subdivide em direção de espetáculo de variedade e direção de ato de variedade.

A metodologia de trabalho em espetáculo de variedade (concerto, crítica, espetáculo), via de regra, não inclui as tarefas de criação dos números que a compõem. O diretor combina números prontos com um enredo, um único tema, constrói uma ação direta da performance, organiza sua estrutura tempo-rítmica, resolve os problemas de projeto musical, cenográfico e de iluminação. Ou seja, ele enfrenta uma série de problemas artísticos e organizacionais que exigem resolução no programa como um todo e não estão diretamente relacionados ao ato de variedades em si. Esta posição é confirmada pela tese do conhecido diretor de palco de performances de variedades I. Sharoev, que escreveu que "na maioria das vezes, o diretor de palco aceita números de especialistas em vários gêneros e depois cria um programa de variedades a partir deles. A performance tem grande independência."

Trabalhar em um ato de variedade exige que o diretor resolva uma série de tarefas específicas que ele não enfrenta ao encenar um grande programa. Esta é, antes de tudo, a capacidade de revelar a individualidade do artista, de construir a dramaturgia da performance, de trabalhar com reprise, trick, gag, conhecer e levar em conta a natureza dos meios expressivos específicos do espetáculo. desempenho e muito mais.

Muitos postulados metodológicos da criação de uma performance são baseados em princípios fundamentais comuns que existem no teatro, no teatro musical e no circo. Mas então estruturas completamente diferentes são construídas na fundação. Na direção da variedade, nota-se uma especificidade significativa, que, antes de tudo, é determinada pela tipologia de gênero do ato de variedade.

No palco, o diretor, como criador, alcança na performance o objetivo final de qualquer arte - a criação de uma imagem artística, que é o lado criativo da profissão. Mas no processo de encenar o número, há o trabalho de um especialista na tecnologia de meios expressivos. Isso se deve à própria natureza de alguns gêneros: por exemplo, a maioria das variedades de subgêneros do tipo esportivo e circense requerem ensaio e trabalho de treinamento com um treinador em elementos esportivos, truques especiais; trabalhar em um número vocal é impossível sem aulas de um professor de canto; no gênero coreográfico, o papel do coreógrafo-repetiteur é essencial.

Às vezes, esses especialistas técnicos chamam-se em voz alta de diretores de palco, embora suas atividades, na verdade, se limitem apenas a construir uma acrobacia especial ou componente técnico do número - não importa se é acrobacia, dança ou canto. Aqui, falar sobre a criação de uma imagem artística pode ser um exagero. Quando os principais mestres do palco (especialmente nos gêneros originais) compartilham os segredos de sua habilidade em trabalhos impressos, eles descrevem principalmente a técnica de truques, acrobacias, malabarismos etc.

Gostaria de enfatizar mais uma vez que a estrutura artística de um ato pop é complexa, diversa e muitas vezes conglomerada. Portanto, encenar um número pop é uma das atividades mais difíceis de um diretor. "Fazer um bom número, mesmo que dure apenas alguns minutos, é muito difícil. E me parece que essas dificuldades são subestimadas. Talvez seja por isso que eu respeito e aprecio a arte daqueles que às vezes são chamados de forma um tanto depreciativa de animadores. , dando-lhes um lugar não muito honroso na escala não escrita das profissões. Estas palavras de S. Yutkevich confirmam mais uma vez a importância de analisar a estrutura artística de um ato pop com saída final para o estudo dos fundamentos da metodologia da sua criação, sobretudo ao nível da realização e encenação do trabalho.

Conclusão

A arte da variedade (do francês estrade - plataforma, elevação) é uma forma sintética de artes cênicas que combina pequenas formas de drama, comédia, música, bem como canto e arte. leitura, coreografia, excentricidade, pantomima, acrobacia, malabarismo, ilusionismo, etc. Apesar do seu carácter internacional, conserva raízes folclóricas que lhe conferem um sabor nacional especial. Nascido no Renascimento no palco da rua e começando com palhaçadas, farsas primitivas, a bufonaria em diferentes países evoluiu de maneiras diferentes, dando preferência a um ou outro gênero, uma ou outra imagem-máscara.

Nos programas de variedades dos salões, rodas e clubes que surgiram mais tarde, em cabines, salas de música, cafés, cabarés, teatros em miniatura e nos jardins e parques de variedades preservados, humor alegre, paródias e caricaturas espirituosas, cáustica sátira comunal, apontavam hipérbole, bufonaria, grotesco, ironia lúdica, letras sinceras, dança da moda e ritmos musicais. Números individuais da variação polifônica do divertissement são frequentemente fixados no palco com um artista ou um enredo simples, e teatros de um ou dois atores, conjuntos (ballet, musical etc.) - com um repertório original, sua própria dramaturgia. A arte da variedade concentra-se no público mais amplo e conta, antes de tudo, na habilidade dos artistas, em sua técnica de disfarce, na capacidade de criar espetáculos espetaculares com meios lacônicos, um personagem vívido - mais frequentemente comédia negativa do que positiva. Expondo seus anti-heróis, ele se volta para características e detalhes metafóricos, para um entrelaçamento bizarro de credibilidade e caricatura, real e fantástico, contribuindo assim para a criação de uma atmosfera de rejeição de seus protótipos de vida, oposição à sua prosperidade na realidade. A atualidade é típica da arte de variedade, a combinação de entretenimento com conteúdo sério nos melhores exemplos, funções educacionais, quando a diversão é complementada por uma variedade de paletas emocionais e, às vezes, sociopolíticas, cívicas. O show business, gerado pela cultura de massa burguesa, é privado da última qualidade. Quase todas as variedades "pequenas" e "leves" operacionais, incluindo as "esquetes" comuns, são caracterizadas por uma vida útil relativamente curta, rápida depreciação das máscaras, que depende do esgotamento da relevância do tema, da implementação da ordem social, das mudanças no interesse e nas necessidades do público. Sendo uma das formas de arte mais móveis, ao mesmo tempo que as artes mais antigas, a pop art está sujeita à doença da estampagem, reduzindo o valor artístico e estético de achados talentosos, até transformá-los em kitsch. O desenvolvimento é fortemente influenciado por artes "técnicas" como o cinema e especialmente a televisão, que muitas vezes inclui apresentações de variedades e concertos em seus programas. Graças a isso, as formas e técnicas tradicionais da música pop adquirem não apenas maior escala e prevalência, mas também profundidade psicológica (o uso de close-ups, outros meios visuais e expressivos das artes da tela) e entretenimento vívido.

No sistema das artes cênicas, o palco hoje ocupa firmemente um lugar separado, representando um fenômeno independente da cultura artística. A popularidade da arte de variedades entre os públicos mais amplos e diversificados faz com que ela responda às necessidades estéticas conflitantes de vários grupos da população em termos de composição social, etária, educacional e até nacional. Essa característica da pop art explica em grande parte a presença de aspectos negativos nos méritos profissionais, estéticos e de gosto das obras pop. A natureza de massa do público pop no passado e no presente, sua heterogeneidade, a necessidade de combinar funções de entretenimento e educação na pop art, impõe requisitos específicos aos criadores de obras de pop art, impõe-lhes uma responsabilidade especial.

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Palco- um tipo de arte cênica que implica tanto um gênero separado quanto uma síntese de gêneros: canto, dança, performance original, arte circense, ilusões.

Música pop- uma espécie de arte musical divertida, dirigida ao público mais amplo.

Este tipo de música foi mais desenvolvido no século 20. Geralmente inclui música de dança, várias músicas, obras para orquestras pop e sinfônicas e conjuntos vocais e instrumentais.

Muitas vezes, a música pop é identificada com o conceito predominante de “música leve”, ou seja, fácil de perceber, disponível publicamente. Em termos históricos, a música leve pode ser atribuída a obras clássicas de conteúdo simples e que ganharam popularidade universal, por exemplo, peças de F. Schubert e J. Brahms, F. Lehar e J. Offenbach, valsas de J. Strauss e A. K. Glazunov, “Pequena serenata da noite” de W. A. ​​​​Mozart.

Nesta vasta, além de extremamente heterogênea em natureza e nível estético, área de criatividade musical, por um lado, são utilizados os mesmos meios expressivos que na música séria, por outro lado, os seus próprios, específicos .

O termo "orquestra de variedades" foi proposto por L. O. Utyosov no final dos anos 40, o que possibilitou separar dois conceitos:
música pop e jazz.

A música pop moderna e o jazz têm algumas características comuns: a presença de uma pulsação rítmica constante realizada pela seção rítmica; caráter predominantemente dançante de obras executadas por grupos pop e jazz. Mas se a música jazz é caracterizada pela improvisação, uma propriedade rítmica especial é o swing, e as formas do jazz moderno às vezes são bastante difíceis de perceber, a música pop se distingue pela disponibilidade da linguagem musical, melodia e extrema simplicidade rítmica.

Um dos tipos mais comuns de composições instrumentais pop é a orquestra sinfônica pop (ESO), ou symphojazz. Em nosso país, a formação e o desenvolvimento do ESO estão associados aos nomes de V. N. Knushevitsky, N. G. Minkh, Yu. V. Silantiev. O repertório das orquestras sinfônicas de variedades é extremamente extenso: desde peças orquestrais originais e fantasias sobre temas conhecidos até o acompanhamento de canções e operetas.

Além da indispensável seção rítmica e da composição completa de sopros da big band (grupo de saxofones e grupo de metais), o ESO inclui grupos tradicionais de instrumentos de orquestra sinfônica - sopros, trompas e cordas (violinos, violas, violoncelos). A proporção de grupos no ESO se aproxima da de uma orquestra sinfônica: o grupo de cordas domina, devido à natureza predominantemente melódica da música para o ESO; os sopros desempenham um papel importante; o próprio princípio de orquestração é muito próximo ao adotado em uma orquestra sinfônica, embora a presença de uma seção rítmica constantemente pulsante e o papel mais ativo do grupo de metais (e às vezes saxofones) às vezes se assemelham ao som de uma orquestra de jazz. Um importante papel colorístico no ESO é desempenhado pela harpa, vibrafone, tímpanos.

ESOs são muito populares em nosso país. Suas apresentações são transmitidas no rádio e na televisão, na maioria das vezes interpretam música de cinema, participam de concertos e festivais de grande variedade. Muitos compositores soviéticos escrevem músicas especificamente para o ESO. Estes são A. Ya. Eshpay, I. V. Yakushenko, V. N. Ludvikovsky, O. N. Khromushin, R. M. Ledenev, Yu. S. Saulsky, M. M. Kazhlaev, V. E. Ter-letsky, A. S. Mazhukov, V. G. Rubachevsky, A. V. Kalvarsky e outros.

O gênero da música pop inclui vários tipos de músicas pop: um romance tradicional, uma música lírica moderna, uma música em ritmos de dança com acompanhamento instrumental desenvolvido. A principal coisa que une vários tipos de músicas pop é o desejo de seus autores pela acessibilidade máxima, memorização da melodia. As raízes dessa democracia estão no velho romance e no folclore urbano moderno.

A música pop não é apenas puro entretenimento. Assim, nas canções pop soviéticas, os temas de cidadania, patriotismo, luta pela paz etc. soam F. Tukhmanov e outros compositores soviéticos são amados não apenas em nosso país, mas também muito além de suas fronteiras. A música de Solovyov-Sedoy "Moscow Evenings" recebeu um reconhecimento verdadeiramente mundial. No século XX. diferentes tipos de dance music se sucederam. Assim, o tango, rumba, foxtrot foi substituído pelo rock and roll, twist and shake veio para substituí-lo, ritmos de samba e bossa nova eram muito populares. Por vários anos, o estilo disco foi difundido na música pop e dance. Surgiu de uma mistura de música instrumental negra com elementos de canto e plasticidade, característicos de cantores pop da América Latina, em particular da ilha da Jamaica. Estreitamente associada na Europa Ocidental e nos Estados Unidos com a indústria fonográfica e a prática de discotecas, a música estilo disco acabou por ser uma das tendências em rápido movimento na música pop e dance da 2ª metade do século XX.

Entre os compositores soviéticos que estabeleceram tradições domésticas no gênero da música de dança estão A. N. Tsfasman, A. V. Varlamov, A. M. Polonsky e outros.

A música rock contemporânea pode ser atribuída ao campo da música pop. Na cultura musical da Europa Ocidental e dos EUA, esta é uma tendência muito colorida em termos de nível ideológico e artístico e princípios estéticos. É representado tanto por obras que expressam protesto contra a injustiça social, militarismo, guerra, quanto por obras que pregam o anarquismo, a imoralidade e a violência. O estilo musical dos conjuntos que representam esta tendência é igualmente diverso. Têm, no entanto, uma base comum, algumas características distintivas.

Uma dessas características é o uso do canto, solo e conjunto, e, consequentemente, do texto, que carrega um conteúdo independente, e a voz humana como uma coloração especial do timbre. Membros de conjuntos ou grupos muitas vezes combinam as funções de instrumentistas e vocalistas. Os instrumentos principais são guitarras, bem como vários teclados, menos frequentemente instrumentos de sopro. O som dos instrumentos é amplificado por vários conversores de som, amplificadores eletrônicos. A música rock difere da música jazz em uma estrutura metro-rítmica mais fracionária.

Em nosso país, elementos da música rock se refletem no trabalho dos conjuntos vocais e instrumentais (VIA).

A música pop soviética, devido ao seu caráter de massa e ampla popularidade, desempenhou um papel significativo na educação estética da geração mais jovem.