Cerimonial significa solene. Retratos da realeza russa do retrato solene do século XVIII

Na pintura - um dos mais frutíferos. A imagem de uma pessoa, a reprodução mais sutil e espiritual de suas feições na tela, tocou pessoas de diferentes classes e riquezas. Essas imagens eram de meio comprimento e de corpo inteiro, na paisagem e no interior. Os maiores artistas procuraram capturar não apenas características individuais, mas transmitir o clima, o mundo interior de seu modelo.

gênero tribunal

Os retratos são de gênero, alegóricos, etc. E o que é um retrato formal? É uma espécie de histórico. Este gênero surgiu na corte durante o reinado dos monarcas. O significado e o propósito dos autores do retrato cerimonial não era apenas a capacidade de transmitir com a maior precisão possível, mas escrever de maneira a glorificar, glorificar uma pessoa. Os mestres desse gênero quase sempre receberam grande popularidade, e seu trabalho foi generosamente pago pelos clientes, porque geralmente pessoas nobres encomendavam retratos cerimoniais - reis e sua comitiva de alto escalão. E se o pintor identificou o próprio monarca com a divindade, então ele comparou seus dignitários à pessoa reinante.

Características distintas

Uma figura majestosa em todo o brilho das insígnias e símbolos de poder, colocada em uma paisagem magnífica, contra o pano de fundo esbelto ou em um interior exuberante - é isso que é um retrato cerimonial. O status social do herói da tela vem à tona. Tais obras foram criadas a fim de capturar uma pessoa como uma figura histórica. Muitas vezes, uma pessoa aparece na imagem em uma pose um tanto pretensiosa e teatral, destinada a enfatizar sua importância. A estrutura mental e a vida interior não eram o assunto da imagem. Aqui, nos rostos dos aristocratas, não veremos nada além de uma expressão congelada e solenemente majestosa.

Época e estilo

O que é um retrato formal em termos do estilo da época? Trata-se de uma tentativa de “historicizar” a realidade nos rostos das figuras significativas, inscrevendo-as em um ambiente e cenário perceptíveis para a época. Elegante e pomposo era a cor geral de tais pinturas decorativas e refinadas, descobriu-se nos dias do rococó, adquiriu uma contenção solene e clareza no classicismo.

Variedades de retrato cerimonial

O desfile pode ser dividido em vários tipos: coroação, na forma de um comandante, equestre, caça, semi-desfile.

O mais importante, do ponto de vista ideológico, foi o retrato da coroação, no qual o artista retratou o imperador no dia da ascensão ao trono. Todos os atributos de poder estavam aqui - uma coroa, um manto, um orbe e um cetro. Mais frequentemente, o monarca era retratado em pleno crescimento, às vezes sentado no trono. O fundo do retrato era uma pesada cortina, que lembrava os bastidores de um teatro, projetada para revelar ao mundo algo além do comum, e colunas, simbolizando a inviolabilidade do poder real.

É assim que vemos Catarina, a Grande, no retrato do pincel criado em 1770. No mesmo gênero, foi pintado o retrato de Jean Auguste Ingres "Napoleão no trono" (1804).

Muitas vezes, o retrato cerimonial do século 18 representava uma pessoa real na forma de um militar. No retrato de Paulo I, criado por Stepan Shchukin em 1797, o monarca é retratado com o uniforme de um coronel do regimento Preobrazhensky.

Um retrato em uniforme militar com prêmios indicava certo status da pessoa encarnada na tela. Normalmente, essas obras-primas capturavam comandantes gloriosos após vitórias significativas. A história conhece inúmeras imagens de Alexander Suvorov, Mikhail Kutuzov, Fedor Ushakov.

As telas dos mestres europeus demonstram com eloquência o que é um retrato cerimonial de um governante a cavalo. Uma das mais famosas é a tela de Ticiano, na qual o maior pintor italiano do Renascimento retratou em 1548 Carlos V montado em um imponente garanhão. O pintor da corte austríaca Georg Prenner pintou um retrato equestre da Imperatriz com sua comitiva (1750-1755). A graça impulsiva dos magníficos cavalos personifica os planos ousados e ambiciosos da rainha.

Um retrato de caça, no qual o aristocrata era mais frequentemente representado na companhia de cães de caça ou com a caça na mão orgulhosamente erguida, poderia simbolizar a masculinidade, destreza e força do nobre.

O retrato semicerimonial atendeu a todos os requisitos básicos, mas representou a pessoa em uma versão de meio comprimento, e não em altura total.

O interesse pelo gênero existe até hoje.

Até o início do século XVIII, principalmente as tradições de pintura de ícones se desenvolveram na pintura russa.

De acordo com as memórias dos contemporâneos, na Rússia, naquela época, todas as imagens eram tomadas como ícones: muitas vezes, quando chegavam à casa de um estranho, os russos, como de costume, se curvavam à primeira imagem que chamava a atenção. No entanto, no século XVIII. a pintura gradualmente começou a adquirir características europeias: os artistas dominavam uma perspectiva linear que lhes permitia transmitir a profundidade do espaço, procuravam retratar corretamente o volume dos objetos usando o claro-escuro, estudavam anatomia para reproduzir com precisão o corpo humano. A técnica da pintura a óleo se espalhou, novos gêneros surgiram.

Um lugar especial na pintura russa do século XVIII. pegou o retrato. As primeiras obras desse gênero estão próximas da parsuna do século XVII. Os personagens são solenes e estáticos. Ivanov A. B. Histórias sobre artistas russos - M. Iluminismo 1988

No início do século XVIII. pintores estrangeiros trabalharam na Rússia, em particular, I.G. Tannauer e L. Caravacc.

A Academia de Artes, fundada em 1757, determinou o caminho da arte russa na segunda metade do século XVIII. Revivido pela Academia, a aposentadoria deixou de ser um simples aprendizado, pois no início do século, tornou-se mais uma colaboração artística que trouxe reconhecimento europeu aos artistas russos. A direção principal da pintura acadêmica foi o classicismo, cujos princípios básicos foram mais consistentemente reunidos no gênero histórico, que interpretava assuntos antigos, bíblicos e nacional-patrióticos de acordo com os ideais civis e patrióticos do iluminismo. Frolova A. R. Fedor Rokotov colocou a mão // Panorama of Arts 9. M., 1989. O fundador do gênero histórico na Rússia foi A.P. Losenko (1737-73). Filho de camponês órfão precoce, passou a infância na Ucrânia. Então, por acaso, ele acabou em São Petersburgo, onde cantou pela primeira vez no coro da corte. Então, tendo recebido as primeiras lições de I.P. Argunov, um dos primeiros formados na Academia de Artes e aposentado em Paris e Roma. Em sua obra, surgiram características do classicismo, em que na 2ª metade do século XVIII. as tendências realistas são fortes ("Vladimir e Rogneda", 1770, Museu Estatal Russo; "Adeus de Heitor a Andrômaca", 1773, Galeria Estatal Tretyakov). Com habilidade genuína, Losenko também pintou retratos de seus contemporâneos, e principalmente de figuras proeminentes da cultura russa (retratos de F. Volkov. Galeria Estatal Tretyakov e Museu Estatal Russo; A.P. Sumarokov. I.I. Shuvalov, ator Ya. o Museu Estatal Russo). Na virada dos séculos XVIII - XIX. G. I. Ugryumov (1764 - 1823) foi um notável mestre da pintura histórica, em cujas obras se manifestou o crescimento do interesse público na história nacional ("A entrada solene em Pskov de Alexander Nevsky após a vitória sobre os cavaleiros alemães", 1793-94 ; "A vocação de Mikhail Fedorovich ao reino", c. 1800, tanto no momento, etc.). Savinov A. N. [Introdução. Art.] // Fedor Stepanovich Rokotov e artistas de seu círculo: Catálogo de exposições. M., 1960.

O principal gênero da pintura russa da segunda metade do século XVIII. era um retrato. O desenvolvimento do gênero retrato na era petrina foi determinado pela influência da pintura ocidental, mas ao mesmo tempo foi baseado na tradição do século anterior (parsuna). A formação do retrato foi associada ao trabalho de I.I. Nikitin e A. M. Matveev. Lomonosov M. V. Obras Completas. T. 8. M.; L., 1959

A gravura tornou-se um novo fenômeno na arte. O mestre mais famoso foi A.F. Dentes. Retrato cerimonial de Rokotov

Os artistas da segunda metade do século XVIII começaram a se interessar mais pelos méritos pessoais de uma pessoa, suas qualidades morais, seu mundo interior. Eles vêem a arte como um meio de educação e, portanto, se esforçam para torná-la razoável, clara e lógica. Outros gêneros de pintura também estão se desenvolvendo. Um sistema de gêneros está se formando (retrato, pintura monumental e decorativa, paisagem, pintura histórica). Os autores mais significativos do gênero histórico foram A.P. Losenko e G.I. Ugriumov. Duas tendências surgiram no desenvolvimento do retrato: o aumento do nível artístico e do realismo da imagem e o florescimento do retrato formal. Na obra de A. P. Antropov, as características tradicionais da parsuna eram especialmente fortes. Ele se tornou um dos criadores do gênero de retrato de câmara (retrato de Izmailova). Retratos de F. S. Rokotov se distinguem pela intimidade, sutileza e psicologismo (retrato de A.P. Struyskaya). D.G. Levitsky trabalhou muito no gênero de retrato cerimonial. Criatividade V.L. Borovikovsky (virada dos séculos 18 e 19) está associado às idéias do sentimentalismo. Ele introduziu pela primeira vez o fundo da paisagem em retratos. Balakina T. I. História da cultura russa - um livro didático. Centro de Publicação M 1996

No final do século XVIII. telas com cenas da vida camponesa apareceram (M. Shibanov, I.P. Argunov, I.A. Ermenev), surgiu um interesse pela paisagem da paisagem (S.F. Shchedrin), nasceu uma paisagem arquitetônica urbana (F.Ya. Alekseev).

A principal diferença entre o retrato cerimonial e os retratos históricos de outros estilos e tendências é sua expressividade e solenidade cativantes. Os retratos cerimoniais foram criados principalmente para pessoas de alta classe e posição social, com alto status e autoridade na sociedade. O retrato histórico no uniforme militar cerimonial ainda é relevante hoje, muitas pessoas influentes querem se capturar da mesma forma que seus ancestrais da classe nobre do século retrasado. Romanycheva I. G. Para a biografia de F.S. Rokotova // Monumentos de cultura. Anuário. 1989. M., 1990.

Um retrato cerimonial no século XVIII é uma impressão vívida e figurativamente expressa de uma pessoa nobre, criada por um artista que possui seu próprio conjunto exclusivo de ferramentas para descrever um retrato cerimonial, sua própria coloração tonal e clareza histórica, em que um traje brilhante imagem desempenha um papel importante.

O uniforme militar indica pertencer a um determinado status militar, as ordens refletem méritos especiais à pátria. O uniforme do modelo do século XVIII existiu até o início da Revolução de Outubro de 1917, e foi o prêmio mais cobiçado para a mais alta liderança burocrática.

Um retrato cerimonial em um uniforme naval militar, em termos de beleza de percepção, ocupa um lugar especial na arte do retrato e foi frequentemente criado por artistas após gloriosas vitórias militares e batalhas navais vitoriosas da frota russa.

Em nosso tempo, também se tornou um fenômeno de moda retratar uma pessoa moderna em uniformes militares dos séculos 18 a 19, retratos militares daqueles tempos com vários prêmios pendurados com ordens bonitas e brilhantes, acrescentam ao retrato cerimonial aquele esplendor muito incomum da nossa percepção do tempo.

Retratos históricos de militares em belos uniformes são sempre solenes e criam um clima elevado entre seus proprietários.

Um retrato histórico em uniforme militar completo dos séculos 18 e 19 é uma continuação gloriosa das tradições de nossos ancestrais.

Nos anos em que Antropov ainda criava seus retratos - precisos, um tanto secos e pesados na pintura - já havia surgido uma galáxia inteira de jovens mestres da segunda metade do século XVIII, afirmando resolutamente uma nova compreensão da imagem de uma pessoa e os meios pictóricos de sua incorporação. Em pouco tempo, esses mestres colocaram o retrato russo em pé de igualdade com as melhores obras da arte contemporânea da Europa Ocidental. . Savinov A. N. [Introdução. Art.] // Fedor Stepanovich Rokotov e artistas de seu círculo: Catálogo de exposições. M., 1960.

À frente desta galáxia estavam Rokotov e Levitsky.

Fyodor Stepanovich Rokotov (1735/36-1808/09) é um dos mais notáveis mestres do retrato russo do século XVIII. A originalidade de seu trabalho já se refletia plenamente nos anos 60, marcados pelo surgimento de vários dos melhores trabalhos de Antropov. No entanto, uma comparação dos primeiros trabalhos de Rokotov com os trabalhos maduros de Antropov indica claramente o início de um novo período no desenvolvimento da arte russa, um novo estágio nas idéias sobre a personalidade humana. Os retratos de Rokotov se distinguem por tal humanidade e profundidade lírica, que antes não eram características do retrato russo. Voronina N. Retratista brilhante do século XVIII. - Artista 1972 nº 5

Na maioria das vezes, representações pitorescas da realeza (e especialmente no século XVIII) são formadas com base em retratos cerimoniais, dos quais as cópias foram ativamente removidas e distribuídas. Tais retratos podem ser “lidos”, porque o modelo neles é sempre colocado em um ambiente que contribui para criar uma sensação de significância, inusitada, solenidade da imagem, e cada um dos detalhes contém uma dica dos méritos reais ou imaginários e qualidades da pessoa que vemos à nossa frente.
A maioria dos retratos formais são impossíveis de não admirar. Mas a questão de quão verdadeiro é o retrato permanece em aberto.

Assim, por exemplo, a imagem de Catarina I, criada por Jean-Marc Nattier em 1717:

Mas o retrato mais íntimo de Catarina de peignoir, escrito por Louis Caravacom na década de 1720.
Parece que os pesquisadores chegaram à conclusão de que inicialmente a imperatriz foi retratada no retrato com um decote e, em seguida, apareceu uma fita azul, que pode ser entendida como uma dica da fita da Ordem de Santo André, o Primeiro Chamado e o alto status da pessoa. A única dica.

Louis Caravaque recebeu a nomeação do pintor oficial da corte - Hoffmaler apenas sob Anna Ioannovna, mas antes disso ele conseguiu pintar vários retratos da família de Pedro, o Grande. Entre eles estão alguns incomuns para os padrões modernos.
Em primeiro lugar, lembro-me imediatamente do retrato Tsarevich Peter Petrovich como Cupido

Aqui, é claro, deve-se dizer que a Rússia tomou da Europa a galhardia do rococó, juntamente com sua atmosfera especial de um baile de máscaras, representando heróis e deuses da mitologia antiga e costumes, que não podiam deixar de afetar a tradição pictórica.
E, no entanto, há algo peculiar no fato de vermos o pequeno Pedro, “Shishechka”, como seus pais amorosos o chamavam, que tinham grandes esperanças nele, vemos exatamente assim. Mas o nascimento desse menino, que não viveu nem quatro anos, bem como sua saúde relativamente forte no início, realmente selou o destino do czarevich Alexei.
Também podemos imaginar a irmã mais velha de Pyotr Petrovich Elizaveta, lembrando o retrato da obra do mesmo Caravak, escrito em 1750:

Ou um retrato de seu aluno Ivan Vishnyakov, pintado em 1743:

Mas mesmo durante a vida da imperatriz, outro retrato de Elizaveta Petrovna, pintado em meados da década de 1710 por Caravak, no qual ela é retratada na forma da deusa Flora, teve grande sucesso:

A futura imperatriz é retratada nua e deitada em um manto azul forrado de arminho - um sinal de pertencer à família imperial. Na mão direita segura uma miniatura com um retrato de Pedro I, à moldura da qual está presa a fita azul de Santo André.
Sim, uma tradição, mas há um certo tipo de picante em tal imagem. N. N. Wrangel deixou uma observação interessante sobre o retrato: “Aqui está uma garotinha, uma criança de oito anos despida com o corpo de uma menina adulta. , como se ela já estivesse pensando em Saltykov, Shubin, Sievers, Razumovsky, Shuvalov e todos os outros que essa linda criatura amou."
No entanto, ele também observou que Elizabeth tinha muitas imagens.
Aqui está Elizaveta Petrovna em um terno masculino que combinava com ela assim:

A. L. Weinberg considerou o retrato obra de Caravaque e o datou em 1745. S.V. Rimskaya-Korsakova acreditava que esta era a cópia do trabalho de Antropov do aluno de Levitsky, remontando ao tipo iconográfico de Caravak.

E aqui está outro retrato de Elizabeth em traje de homem - o livro "Retrato da Imperatriz Elizabeth Petrovna em um cavalo com uma criança negra", escrito por Georg Christoph Groot em 1743:

Este retrato pode ser chamado de frente. Aqui está a Ordem de Santo André o Primeiro Chamado, uma faixa de moiré azul com um distintivo, um bastão de marechal na mão da Imperatriz, um uniforme de Transfiguração e também o fato de Elizaveta Petrovna estar montada em um cavalo como um homem , e a marinha vista na baía.
Caravak também tem um “Retrato de um menino em traje de caça”, sobre o qual foram construídas várias versões. Eles o chamavam de Retrato de Pedro II e retrato de Pedro III e ... o retrato de Elizabeth. Por alguma razão, a versão mais recente está muito perto de mim.

Há muitos retratos cerimoniais de Catarina II. Eles foram pintados tanto por estrangeiros convidados para a Rússia quanto por artistas russos. Podemos recordar, por exemplo, o retrato de Catarina pintado por Vigilius Eriksen em frente a um espelho, no qual o artista utiliza uma técnica peculiar que lhe permite mostrar a Imperatriz tanto de perfil como de rosto inteiro.

A imagem de perfil da imperatriz foi usada para o retrato cerimonial pintado por Rokotov:

A própria Catarina aparentemente amava outro retrato pintado por Eriksen, retratando-a a cavalo:

Ainda faria! Afinal, o retrato simboliza o fatídico dia da imperatriz em 28 de junho de 1762, quando ela, à frente dos conspiradores, vai a Oranienbaum para realizar um golpe palaciano. Catarina está montada em seu famoso cavalo Brilhante e está vestida em estilo militar - ela está vestindo o uniforme de um oficial da infantaria da guarda.
O retrato foi um enorme sucesso na corte; por ordem da Imperatriz, ele repetiu seu trabalho três vezes, variando o tamanho da tela.

Eriksen também pintou um retrato de Catarina II em shugay e kokoshnik:

Pode-se lembrar o retrato informal de Catarina II em traje de viagem, pintado por Mikhail Shibanov, um artista sobre o qual quase nada se sabe. Será que ele era próximo de Potemkin?:

Lembro-me dos retratos não cerimoniais de Catarina, a Grande, é impossível passar pela imagem criada por Borovikovsky.

A artista mostrou Catarina II “em casa”, de casaco de pele e gorro. Uma senhora idosa caminha lentamente pelas vielas do parque Tsarkaselsky, apoiada em um cajado. Ao lado dela está seu amado cachorro, um galgo inglês.
A ideia de tal imagem provavelmente se originou no círculo literário e artístico de Nikolai Lvov e está intimamente ligada a uma nova tendência na arte, chamada sentimentalismo. É significativo que o retrato de Catarina II não tenha sido executado da natureza. Há evidências de que o artista estava vestido com o vestido da imperatriz por seu amado câmera-jungfer (servo de quarto) Perekusikhina, que posou para o artista.
A propósito, o fato de que no século XVIII apenas 8 pintores oficiais da corte trabalhavam na Rússia, entre os quais apenas um era russo, e mesmo assim terminou sua vida quase tragicamente, é bastante interessante. Portanto, não é de surpreender que os artistas russos não tenham a oportunidade de pintar imperadores e imperatrizes vivos.
Para este trabalho, Borovikovsky, sobre o qual Lumpy se preocupava, recebeu o título de "nomeado" para acadêmicos. No entanto, apesar do reconhecimento da Academia das Artes, a imperatriz não gostou do retrato e não foi adquirido pelo departamento do palácio.
Mas foi nesta imagem que Pushkin a capturou no "conto de honra" "A Filha do Capitão".

Instituição de ensino municipal

Educação complementar para crianças

"Escola de arte infantil"

IMAGENS FEMININAS EM RETRATOS DO SÉCULO XVIII

(F.S. Rokotova, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Completo: aluno 4-A turma.

Escola de Arte Infantil MOU DOD Zelenogorsk

Grigorieva Anastasia Vladlenovna

Orientador Científico: professor

História da Arte MOU DOD DKhSh

Solomatina Tatiana Leonidovna

Zelenogorsk

O lugar da mulher na sociedade russa do século XVIII e a arte do retrato ……………………………………………………………………………………… 3

A imagem de uma mulher russa na arte do retrato do século XVIII…………4

2.1. Retrato feminino cerimonial da primeira metade do século XVIII:

2.1 Características do retrato frontal;

2.2. E EU. Vishnyakov

2.3. D.G. Levitsky

Retrato feminino de câmara da segunda metade do século XVIII:

Características de um retrato de câmara

2.2.2. V.L. Borovikovsky

2.2.3. F.S. Rokotova

Retrato feminino do século 18 é uma das maiores realizações do retrato russo ……………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………

Lista de literatura usada………………………………………17

Lista de ilustrações………………………………………………………18

Aplicações………………………………………………………………….19

O lugar de uma mulher na sociedade russa do século XVIII

E a arte do retrato

Desde o início do século XVIII, a partir de uma representação bastante primitiva de um rosto humano, os artistas levaram suas habilidades a uma perfeição extraordinária. Aprendendo com os pintores estrangeiros, os mestres domésticos não apenas adotaram seus conhecimentos, mas também os superaram e adicionaram um sabor profundamente russo à sua arte (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

Os retratos do início do século retratam principalmente a filiação social de uma pessoa, seus melhores lados, sua pompa, às vezes beleza ficcional. Mas ao longo do século, o estado, o humor do público, bem como a atitude do artista em relação à pessoa retratada, mudaram muito. Os mestres já não se propunham a fazer o retrato parecer um modelo. Eles não estavam tão interessados na solenidade da apresentação, mas no mundo interior de uma pessoa, sua essência, sua predisposição à espiritualidade. No final do século XVIII, os pintores transmitem a alma de seus modelos, os humores mais sutis e a variabilidade dos personagens.

O objetivo do meu trabalho é provar essa tendência, ou seja, uma transição gradual das características externas de uma pessoa para a transferência de seu estado interno.

Para resolver esse problema, concentrei-me no trabalho de retrato dos seguintes artistas russos de destaque:

E EU. Vishnyakova;

F.S. Rokotova;

D.G. Levitsky;

V.L. Borovikovsky.

Para caracterizar o trabalho retratista desses artistas, usei uma gama bastante ampla de fontes, cuja lista é apresentada ao final do trabalho. Entre os livros que utilizei, há obras sobre a arte do período selecionado (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), além de monografias dedicadas à obra de artistas individuais (2,3, 9,13,15).

A imagem de uma mulher russa na arte do retrato do século XVIII

Retrato feminino cerimonial da primeira metade do século XVIII

O protagonismo na pintura da primeira metade do século XVIII pertenceu ao retrato. A arte do retrato se desenvolveu em dois gêneros: cerimonial e de câmara.

Características do retrato frontal

O retrato cerimonial é em grande parte um produto do estilo barroco, com seu esplendor pesado e grandeza sombria. Sua tarefa é mostrar não apenas uma pessoa, mas uma pessoa importante em todo o esplendor de sua posição altamente social. Daí a abundância de acessórios projetados para enfatizar essa posição, o esplendor teatral da pose. O modelo é retratado contra o pano de fundo de uma paisagem ou interior, mas certamente em primeiro plano, muitas vezes em pleno crescimento, como se suprimisse o espaço circundante com sua grandeza. (12)

Foi com retratos cerimoniais que um dos principais retratistas da época, I.Ya. Vishnyakov.

O "olho" impecável do artista e o gosto impecável trouxeram Vishnyakov entre os melhores retratistas da época. Não sem razão, ele foi autorizado não apenas a copiar, mas também a pintar retratos das pessoas reinantes e depois "replicá-los" para vários palácios, agências governamentais e dignitários privados. (http://www.nearyou.ru/vishnyakov /0vishn.html)

O artista gostava do luxo decorativo dos vestidos cerimoniais de sua época, sua teatralidade e festividade. Com admiração, ele transmite a materialidade e a objetividade do mundo, com cuidado, carinho, escreve incríveis trajes do século XVIII, com seus tecidos com padrões complexos, várias cores e texturas, com os mais finos bordados e rendas e decorações. Como mestre decorador, Vishnyakov cria uma excepcional gama de cores. E embora o padrão pareça sobrepor-se às dobras rígidas da roupa, é tangível e lembra, segundo o crítico de arte T.V. Ilyina, (6) a fonte “o campo de uma luxuosa miniatura russa antiga do século XVII ou o ornamento floral de um afresco da época. E acima de toda essa riqueza do mundo material, os rostos das pessoas olham e respiram.

Em 1743, Vishnyakov pintou um retrato da Imperatriz Elizabeth - representante, aqueles magníficos. Elizabeth - em uma coroa, com um cetro e um uivo, em um luxuoso vestido de moiré brilhante. É curioso que este retrato tenha sido tão apreciado que Vishnyakov foi instruído a continuar a conciliar o estilo de outros retratos de Elizabeth, quem os pintou - ele se tornou, por assim dizer, o árbitro supremo em questões de iconografia imperial. Enquanto isso, ele mesmo, apesar do esplendor da situação em contraste com ela, retratou Elizabeth como uma mulher comum - sangue e leite, uma beleza russa de sobrancelhas negras e coradas, mais amigável e acessível do que majestosa ou real. Tendo se apropriado dos atributos do poder para si mesma, Elizabeth nunca se acostumou a isso.Alguma coisa caseira, calorosa, sorridente-rústica, é claro, não sem astúcia e não sem inteligência, sempre foi preservada em sua aparência, e Vishnyakov definitivamente sentiu isso.

Os retratos de crianças de Vishnyakov foram mais bem obtidos.

Um dos mais interessantes é o retrato de Sarah Fermor. (ill.3) Esta é uma imagem formal típica da época. A menina é mostrada de corpo inteiro, na junção de espaço aberto e fundo de paisagem com coluna obrigatória e cortina pesada. Ela está usando um vestido elegante, um leque na mão. Sua pose é constrangida, mas nesta solenidade congelada há muita poesia, uma sensação de vida trêmula, abanada por alta arte e grande calor de alma. O retrato combina, o que é típico de Vishnyakov, características aparentemente nitidamente contrastantes: pode-se sentir a tradição medieval russa ainda viva nele - e o brilho da forma de arte cerimonial européia do século XVIII. A figura e a pose são condicionais, o cenário é interpretado de forma plana - é uma paisagem abertamente decorativa - mas o rosto é esculpido em volume. A escrita requintada do vestido cinza-esverdeado-azul impressiona com a riqueza da pintura em várias camadas e tem uma tradição de achatamento. É transmitido ilusoriamente materialmente, até adivinhamos o tipo de tecido, mas as flores são espalhadas ao longo do moiré sem levar em conta as dobras, e esse “padrão” fica no avião, como em uma antiga miniatura russa. E em todo o esquema do retrato frontal - e isso é o mais incrível - o rosto sério e triste de uma garotinha com um olhar pensativo vive uma vida intensa.

A solução de cor - pintura em tom prateado, a rejeição de manchas locais brilhantes (o que na verdade era característica do pincel deste mestre) - se deve à natureza do modelo, frágil e arejado, semelhante a alguma flor exótica. (http:/ /www.bestreferat.ru /referat-101159.html) A partir de um talo, sua cabeça cresce em um pescoço fino, os braços são abaixados impotentes, mais de um pesquisador escreveu sobre o comprimento excessivo do qual. Isso é bem verdade se considerarmos o retrato do ponto de vista da correção acadêmica do desenho: notamos que as mãos eram geralmente mais difíceis para os mestres que não recebiam uma educação “educacional” sistemática, que eram os artistas de meados do século XX. do século 18, e Vishnyakov em particular, mas seu comprimento também enfatiza harmoniosamente a fragilidade do modelo, bem como árvores finas no fundo. Sarah Farmer não parece encarnar o verdadeiro século 18, mas o efêmero século 18, melhor expresso nos sons bizarros do minueto, que só foi sonhado, e ela mesma, sob o pincel de Vishnyakov, é como um sonho tornado realidade .

Vishnyakov conseguiu combinar em suas obras a admiração pela riqueza do mundo material e um alto senso de monumentalidade, não perdido na atenção aos detalhes. Em Vishnyakov esse monumentalismo remonta à antiga tradição russa, enquanto a elegância e sofisticação da estrutura decorativa testemunham um excelente domínio das formas de arte européia. A combinação harmônica dessas qualidades faz de Ivan Yakovlevich Vishnyakov um dos artistas mais brilhantes de um período de transição tão complexo na arte, que estava na Rússia em meados do século XVIII.

D.G. Levitsky

Na obra de Levitsky, um retrato cerimonial ocupa um grande lugar. Aqui, a decoratividade inerente à sua pintura revela-se em todo o seu esplendor.

Nos retratos cerimoniais do período maduro, Levitsky é libertado da retórica teatral, eles estão imbuídos do espírito de alegria, um sentimento festivo de vida, otimismo brilhante e saudável.

Atenção especial deve ser dada aos grandes retratos cerimoniais (de corpo inteiro) que formam um único conjunto decorativo de alunos do Instituto Smolny para Nobres Donzelas.

“Retrato de Khovanskaya e Khrushchova”, 1773, Museu Russo (Fig. 8)

Por ordem de Catarina II, Levitsky pintou vários retratos de alunos do Instituto Smolny para Nobres Donzelas. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) As duas meninas retratadas neste retrato estão interpretando papéis da ópera cômica "Caprices of Love, ou Ninetta at Court" no palco do instituto.

Khrushchova, famosa akimbo, toca de brincadeira o queixo da namorada. Um sorriso zombeteiro brinca com o rosto feio, mas muito expressivo da garota. Ela desempenha com confiança o papel masculino. Seu parceiro, Khovanskaya, olha timidamente para o "cavaleiro", sua confusão é lida no desajeitado giro de sua cabeça, em quão impotente sua mão repousa sobre o cetim brilhante da saia. Vemos cenas de paisagem representando um parque inglês, ruínas clássicas, a silhueta de um castelo. À esquerda, uma árvore extensa é o pano de fundo para a figura de Khrushchova, em primeiro plano há um monte falso que cobre a luz adicional do público. As meninas são iluminadas pela luz da rampa, por isso as sombras no chão e os contornos das figuras são tão distintos. Khrushcheva está vestindo uma camisola de seda cinza escura adornada com um galão de ouro. No teatro do instituto, onde os meninos nunca se apresentavam, Khrushchova era considerada uma intérprete insuperável de papéis masculinos. Mas depois do instituto, seu destino não teve sucesso e ela não conseguiu ocupar um lugar importante no mundo. E Katya Khovanskaya começará a atrair a atenção de todos, se tornará a esposa do poeta Neledinsky-Meletsky e a primeira intérprete de canções escritas por seu marido.

"Retrato de Nelidova" 1773 (Fig. 7)

Este é o mais antigo dos alcatrões. Enquanto ainda estudava na Smolny, ela ficou conhecida por seu excelente desempenho no palco, ela brilhou especialmente na dança e na música. No retrato, ela desempenha um papel na peça "The Servant - Mistress". Ela já está ciente de seu próprio charme, ela precisa agradar, as habilidades do comportamento teatral são perfeitamente dominadas. A estatueta estava confiante em uma pose de balé, a alça levanta graciosamente o avental de renda, fitas rosa adornam o chapéu de palha do pastor - tudo cria uma sensação de porcelana de boneca. E um rosto animado, olhos risonhos, um sorriso explicam que tudo isso é apenas um jogo. Contra o fundo há aglomerados verdes suaves de árvores, nuvens leves e elegantes

Retratos de E. I. Nelidova (1773), (Il. 7) E. N. Khrushchova e E. N. Khovanskaya (1773), (Il. 8), G. I. Alymova (1776) (Ill. 2) e outros. A estrutura figurativa destas obras está associada à característica do retrato cerimonial do século XVIII. a imagem de uma mulher como um ser "alegre, amando apenas risos e diversão". Mas sob o pincel de Levitsky, essa fórmula geral foi preenchida com um conteúdo vital realisticamente convincente.

Alto classicismo na pintura - "Catherine II - o legislador no templo da deusa da justiça" 1783, Museu Russo. (Fig. 3)

Esta é uma verdadeira ode pictórica com todas as características inerentes a este gênero. A personagem é a imperatriz, em traje completo, justa, razoável, governante ideal. A Imperatriz é apresentada em um vestido branco e prateado brilhante de corte estrito com uma coroa de louros na cabeça e uma faixa no peito. Ela está vestindo um manto pesado, caindo de seus ombros e enfatizando a grandeza da imperatriz.

Catarina é retratada no fundo de uma cortina solene, envolvendo colunas largas e um pedestal com dobras largas, sobre o qual é colocada uma estátua de Themis, a deusa da justiça. Atrás da colunata, atrás de uma balaustrada estrita, são retratados um céu tempestuoso e um mar com navios navegando nele. Catherine estendeu a mão sobre o altar iluminado com um gesto largo. Uma águia, o pássaro de Zeus, senta-se em fólios grossos ao lado do altar. O mar lembra os sucessos da frota russa no século 18, o volume de leis que Catarina criou na Comissão Legislativa, a estátua de Themis - sobre o legislador da imperatriz glorificado pelos poetas. Mas isso, é claro, não é a aparência real de Catarina, mas a imagem de um monarca ideal, como o Iluminismo queria vê-lo. A pintura foi um grande sucesso, e muitas cópias foram feitas dela.

V.L. Borovikovsky

"Catherine II para um passeio no Tsarskoye Selo Park" - um retrato de Catarina II por Vladimir Borovikovsky, pintado no mainstream do sentimentalismo, uma das imagens mais famosas da Imperatriz.

Borovikovsky pintou um retrato incomum para a época e imbuído do espírito de uma nova corrente de sentimentalismo - em contraste com o classicismo que dominava na época nos retratos imperiais. Os traços característicos dessa tendência são a idealização da vida no seio da natureza, o culto da sensibilidade e o interesse pela vida interior de uma pessoa. O sentimentalismo se manifesta na rejeição do autor aos interiores dos grandes palácios e na preferência pela natureza, que é "mais bonita que os palácios". “Pela primeira vez na arte russa, o fundo de um retrato se torna um elemento importante na caracterização de um herói. O artista canta a existência humana no ambiente natural, interpreta a natureza como fonte de prazer estético.

Ekaterina, 65, é mostrada andando no parque Tsarskoye Selo, apoiada em um cajado devido ao seu reumatismo. Suas roupas são enfatizadas informalmente - ela está vestida com um roupão, decorado com um babado de renda com um laço de cetim e uma touca de renda, um cachorro brinca a seus pés. A governante é representada não por uma deusa, mas por um simples “proprietário de terras kazan”, que ela gostava de aparecer nos últimos anos de sua vida como uma contemplativa, sem qualquer oficialidade, solenidade e atributos cerimoniais. O retrato tornou-se uma versão doméstica do tipo inglês de "portrait-walk". No crepúsculo do parque, um cais com esfinges é visível, cisnes nadam no lago. O rosto do modelo é escrito de forma generalizada e condicional, a idade é suavizada.

Assim, a “simplicidade natural” penetra no retrato cerimonial, além do sentimentalismo, aproxima em parte o quadro do classicismo iluminista. No entanto, a postura da imperatriz é cheia de dignidade, o gesto com que aponta para o monumento às suas vitórias é contido e majestoso.

Ao contrário de Ekaterina - Themis Levitsky, Ekaterina Borovikovsky - é retratada como uma "velha senhora" do "proprietário de Kazan" andando no jardim com seu amado galgo italiano. Borovikovsky criou um retrato incomum para a época. Ekaterina é apresentada em um passeio no parque Tsarskoye Selo em um roupão e um boné, com seu galgo italiano favorito a seus pés. Não Felice, não uma rainha divina que desceu do céu, ela aparece diante do espectador, mas uma simples “proprietária de Kazan”, a quem ela gostava de aparecer nos últimos anos de sua vida.

O artista retratou a figura de Catarina com simpatia insuperável. Esta não é uma imperatriz na velhice, mas antes de tudo uma pessoa, uma mulher, um pouco cansada dos assuntos de estado, da etiqueta da corte, que, em seu tempo livre, não é avessa a ficar sozinha, entregando-se às lembranças e admirando a natureza. “Na arte russa, este é o primeiro exemplo de um retrato real essencialmente íntimo, aproximando-se de uma pintura de gênero.

No entanto, mesmo neste retrato íntimo há um "motivo emblemático de uma coluna-"pilar" - a coluna Chesme (obelisco de Kahul - na versão do retrato do Museu Estatal Russo), que, por todo o sentimentalismo da imagem de Catarina de todo o enredo do retrato, simboliza "firmeza ou constância", "espírito inabalável", "Esperança Forte". As telas do artista são muito elegantes graças à graciosa encenação dos modelos, aos gestos graciosos e ao manuseio habilidoso do figurino.

Os retratos cerimoniais de Vishnyakov são caracterizados por um alto senso de monumentalidade, não perdido na atenção aos detalhes. Em Vishnyakov esse monumentalismo remonta à antiga tradição russa, enquanto a elegância e sofisticação da estrutura decorativa testemunham um excelente domínio das formas de arte européia.

A peculiaridade do retrato cerimonial russo na obra de Borovikovsky, projetada para glorificar, antes de tudo, a posição de uma pessoa em uma sociedade de classes, era o desejo de revelar o mundo interior de uma pessoa. Seus retratos estão imbuídos do espírito da nova tendência do sentimentalismo - em contraste com o classicismo que dominava na época nos retratos imperiais.

Levitsky era igualmente bom em retratos de câmara e retratos cerimoniais de corpo inteiro.

Os retratos cerimoniais de Levitsky revelam o efeito decorativo inerente à sua pintura em todo o seu brilho.

Nos retratos cerimoniais do período maduro, Levitsky é libertado da retórica teatral, eles estão imbuídos do espírito de alegria.

2. Características do retrato de câmara da segunda metade do século XVIII:

Retrato de câmara - um retrato que usa uma imagem de meio comprimento, peito ou ombro da pessoa retratada. Normalmente, em um retrato de câmara, a figura é dada contra um fundo neutro.

Um retrato de câmara não é apenas um conjunto de signos externos, é uma nova forma de ver uma pessoa. Se na imagem cerimonial o critério do valor de uma personalidade humana eram seus atos (que o espectador aprendia por meio de atributos), então na câmara uma qualidade moral vem à tona.

O desejo de transmitir as qualidades individuais de uma pessoa e, ao mesmo tempo, fazer uma avaliação ética dela.

Borovikovsky voltou-se para várias formas de retratos - íntimo, cerimonial, em miniatura Vladimir Lukich Borovikovsky foi o artista sentimentalista russo mais marcante. Livro A. I. Arkhangelskaya "Borovikovsky" (3) fala sobre as principais etapas do trabalho deste notável artista russo, que foi um expoente do sentimentalismo nas belas artes russas. Segundo o autor, V. L. Borovikovsky é “um cantor da personalidade humana, esforçando-se para dar o ideal de uma pessoa como ele e seus contemporâneos imaginavam que fosse”. Ele foi o primeiro entre os retratistas russos a revelar a beleza da vida emocional. O lugar predominante na obra de Borovikovsky é ocupado por retratos de câmara.

Borovikovsky está se tornando popular entre uma ampla gama de nobreza de São Petersburgo. O artista retrata "clãs" de toda a família - Lopukhins, Tolstoy, Arsenyevs, Gagarins, Bezborodko, que espalharam sua fama pelos canais da família. Este período de sua vida inclui retratos de Catarina II, seus muitos netos, o Ministro das Finanças AI Vasiliev e sua esposa. As telas do artista são muito elegantes graças à graciosa encenação dos modelos, aos gestos graciosos e ao manuseio habilidoso do figurino. Os heróis de Borovikovsky geralmente são inativos, a maioria dos modelos está intoxicada com sua própria sensibilidade. Isso é expresso pelo retrato de M.I. Lopukhina (1797), e o retrato de Skobeeva (meados da década de 1790), e a imagem da filha de Catarina II e A.G. Potemkin - E.G. Temkina (1798).

“O retrato de M.I. Lopukhina (Fig. 7) (5) pertence ao tempo em que, junto com o domínio do classicismo, o sentimentalismo está se estabelecendo. Atentos aos matizes do temperamento individual, o culto da existência solitária-privada atua como uma espécie de reação à normatividade do classicismo de cunho social. A facilidade natural brilha no gesto artisticamente descuidado de Lopukhina, inclinação caprichosa e rebelde de sua cabeça, dobra magistral de lábios macios, distração sonhadora de seu olhar.

A imagem de M. I. Lopukhina cativa o espectador com suave melancolia, suavidade incomum de características faciais e harmonia interior. Essa harmonia é transmitida por toda a estrutura artística do quadro: tanto pelo giro da cabeça quanto pela expressão do rosto da mulher, também é enfatizada por detalhes poéticos individuais, como as rosas arrancadas e já caídas no caule. Esta harmonia é fácil de captar na suavidade melodiosa das linhas, na ponderação e subordinação de todas as partes do retrato.
O rosto de M. I. Lopukhina, talvez, esteja longe do ideal clássico de beleza, mas está cheio de um charme inexprimível, um charme espiritual que, ao lado dele, muitas belezas clássicas parecerão um esquema frio e inanimado. A imagem cativante de uma mulher terna, melancólica e sonhadora é transmitida com grande sinceridade e amor, a artista revela seu mundo espiritual com incrível persuasão.
Um olhar pensativo, lânguido, triste e sonhador, um sorriso gentil, a desenvoltura de uma pose um pouco cansada; linhas suaves, caindo ritmicamente; formas suaves e arredondadas; um vestido branco, um lenço lilás e rosas, um cinto azul, cabelos grisalhos, um fundo verde de folhagens e, finalmente, uma suave neblina aérea que preenche o espaço - tudo isso forma uma unidade de todos os meios de expressão pictórica, em que a criação da imagem se revela mais plena e profundamente.

O retrato de Lopukhina é pintado contra o pano de fundo de uma paisagem. Ela está de pé no jardim, apoiada em um velho console de pedra. A natureza, entre a qual a heroína se aposentou, assemelha-se a um recanto do parque paisagístico de uma propriedade nobre. Ela personifica um mundo lindo, cheio de beleza natural e pureza. Rosas murchas, lírios evocam uma leve tristeza, pensamentos sobre a beleza extrovertida. Eles ecoam o clima de tristeza, trepidação, melancolia em que Lopukhina está imersa. Na era do sentimentalismo, o artista é especialmente atraído pelos estados complexos e transitórios do mundo interior de uma pessoa. O devaneio elegíaco, a ternura lânguida permeiam todo o tecido artístico da obra. A consideração e um leve sorriso de Lopukhina traem sua imersão no mundo de seus próprios sentimentos.

Toda a composição é permeada por ritmos lentos e fluidos. A curva suave da figura, a mão suavemente abaixada é ecoada pelos galhos inclinados das árvores, troncos brancos de bétulas, espigas de centeio. Contornos desfocados indistintos criam uma sensação de ambiente leve e arejado, uma bruma transparente em que a figura do modelo e a natureza que o cerca estão "imersas". O contorno que flui em torno de sua figura - agora perdido, depois aparecendo na forma de uma linha fina e flexível - evoca os contornos de estátuas antigas na memória do espectador. Caindo, convergindo ou formando dobras suaves, os traços mais finos e espirituais do rosto - tudo isso compõe, por assim dizer, não a pintura, mas a música. O azul delicado do céu, o verde suave da folhagem, o dourado das orelhas com manchas brilhantes de centáureas ecoam em cores com um vestido branco pérola, um cinto azul e uma joia brilhante no braço. Tons de rosas desbotadas ecoam o lenço lilás.

Nos retratos de Borovikovsky, "Lizanka e Dashenka" (Il. 6) (3) encarnam o tipo de garotas sensíveis daquela época. Seus rostos ternos são pressionados lado a lado, seus movimentos são cheios de graça juvenil. A morena é séria e sonhadora, a loira é animada e engraçada. Complementando um ao outro, eles se fundem em uma unidade harmoniosa. A natureza das imagens corresponde aos tons delicados de cores frias de lilás azulado e rosa dourado quente.

Borovikovsky especialmente conseguiu retratar "jovens donzelas" de famílias nobres. Tal é o "Retrato de Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva" (4), que foi aluna do Instituto Smolny para Nobres Donzelas, dama de honra da Imperatriz Maria Feodorovna. Uma jovem Smolyanka é retratada em um terno peyzan: ela está usando um vestido espaçoso, um chapéu de palha com espigas de milho e uma maçã engarrafada nas mãos. Chubby Katenka não se distingue pela regularidade clássica de seus traços. No entanto, um nariz arrebitado, olhos brilhando com astúcia e um leve sorriso de lábios finos dão à imagem uma aparência alegre e coquete. Borovikovsky capturou perfeitamente o imediatismo do modelo, seu charme animado e alegria.

F.S. Rokotov

Criatividade F. S. Rokotov (1735-1808) é uma das páginas mais charmosas e difíceis de explicar de nossa cultura.

A imagem cerimonial não era para Rokotov uma área favorita nem a mais típica de criatividade. Seu gênero favorito é o retrato de busto, no qual toda a atenção do artista está voltada para a vida de um rosto humano. Seu esquema composicional se distinguia pela simplicidade, beirando um pouco a monotonia. Ao mesmo tempo, seus retratos são caracterizados por uma sutil habilidade pictórica.

Ele foi atraído por outras tarefas pictóricas: a criação de câmaras, telas íntimas, que refletissem as ideias do mestre sobre a sublime estrutura mental

Voltando ao trabalho de F.S. Rokotov, como adepto de um retrato de câmara, os autores observam que este artista combina o início ideal com as características de uma aparência individual, juntamente com uma representação magistral das características do rosto, roupas, jóias da pessoa retratada, artista é capaz de revelar as qualidades espirituais do modelo.

Na caracterização da imagem de Rokotov, a expressividade dos olhos e as expressões faciais são muito importantes, e o artista não busca uma transferência específica de humor, mas quer criar uma sensação de elusividade, sentimentos fugazes de uma pessoa. obras surpreendem com a beleza delicada e sofisticada do esquema de cores. A coloração, que geralmente é baseada em três cores, graças às transições, expressa a riqueza e a complexidade da vida interior da pessoa retratada. A artista usa o claro-escuro de forma peculiar, destacando o rosto e, por assim dizer, dissolvendo pequenos detalhes.

Os retratos de Rokotov são história em rostos. Graças a eles, temos a oportunidade de imaginar as imagens de uma época passada.

No final da década de 1770-1780.

Essas características da criatividade de Rokotov foram mais plenamente manifestadas em retratos femininos, que ocuparam um lugar especial na arte do século XVIII. Na época de seu apogeu criativo, o pintor cria uma galeria de belas imagens femininas: A. P. Struyskaya (1772) (Ill. 13), V. E. Novosiltseva. (Fig. 14)

O próximo retrato feminino é “Desconhecido em um vestido rosa” pintado na década de 1770. É considerada uma das obras-primas de Rokotov. As mais finas gradações de rosa - de saturado nas sombras, depois quente, leve, criam o efeito de cintilação, vibração da melhor luz e ambiente de ar, como se estivesse em sintonia com os movimentos espirituais internos ocultos indispensáveis em retratos do século XVIII. sorriso gentil, translúcido no fundo de seus olhos. Esta imagem é preenchida com um charme lírico especial.

"Retrato de uma mulher desconhecida em um vestido rosa" é especialmente digno de nota. A abertura de uma pessoa ao outro e ao mundo implica intimidade, atenção e interesse ocultos, talvez indulgência em algum lugar, um sorriso para si mesmo, e depois entusiasmo e alegria, um impulso cheio de nobreza - e essa abertura, confiança no outro e no mundo como um todo - as propriedades da juventude, juventude, especialmente em uma época em que novos ideais de bondade, beleza, humanidade estão no ar, como um sopro de primavera. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

O retrato de uma jovem desconhecida com olhos cuidadosamente estreitados, em um vestido rosa claro (Desconhecido em rosa), pintado por Fyodor Stepanovich Rokotov, atrai com sutileza, riqueza espiritual. Rokotov escreve suavemente, com leveza. Meia insinuação, sem desenhar nada até o final, ele transmite a transparência da renda, a massa macia do cabelo empoado, um rosto brilhante com olhos sombreados.

F. Rokotov “Retrato de A.P. Struyskaya" (Il. 13)

1772, óleo sobre tela, 59,8x47,5cm

O retrato de Alexandra Struyskaya é sem dúvida a imagem mais brilhante de uma mulher idealmente bela em todos os retratos russos. Uma jovem encantadora é retratada, cheia de graça cativante. Um rosto oval gracioso, sobrancelhas finas e esvoaçantes, um leve rubor e um olhar pensativo e ausente. Aos olhos dela - orgulho e pureza espiritual. O retrato é pintado com tons de cor e luz. As sombras desvanecem-se sutilmente em luz, tons de cinza cinza para azul e tons rosados para ouro pálido. Transbordos de luz e gradações de cores não são perceptíveis e criam uma leve neblina, talvez algum tipo de mistério.

A lenda do amor de Rokotov por Struiska foi preservada, aparentemente inspirada no tom especial de charme e na sorte do talento do artista que criou seu retrato. (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html)

Levitsky

Em seus retratos de câmara, prevalece visivelmente uma atitude objetiva em relação ao modelo. A característica da individualidade torna-se mais generalizada, os traços típicos são enfatizados nela. Levitsky continua sendo um grande psicólogo e um pintor brilhante, mas não mostra sua atitude em relação ao modelo.

O mesmo tipo de sorriso, blush muito brilhante nas bochechas, uma técnica para organizar dobras. Portanto, a alegre amante E.A. Bakunina (1782) e a recatada e seca Dorothea Schmidt (início da década de 1780) em alemão tornam-se sutilmente semelhantes uma à outra.

Retrato de Ursula Mnishek (Fig. 12)

1782, óleo sobre tela,

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

O retrato de Ursula Mnishek foi pintado no auge da habilidade e fama do artista. O oval era raro na prática do retrato de D. G. Levitsky, mas foi essa forma que ele escolheu para uma imagem requintada de uma beleza secular. Com natureza ilusória em grande escala, o mestre transmitia a transparência da renda, a fragilidade do cetim, os cabelos grisalhos do pó de uma peruca alta da moda. Bochechas e maçãs do rosto "queimam" com o calor do blush cosmético sobreposto.

O rosto é pintado com traços fundidos, indistinguíveis graças ao vidro transparente aclarado e dando ao retrato uma superfície lisa e laqueada. Em um fundo escuro, os tons cinza-azulado, cinza-prateado e dourado-claro são combinados vantajosamente.

A virada desinteressada da cabeça e o sorriso gentilmente erudito dão ao rosto uma expressão educada e secular. O olhar frio e direto parece evasivo, escondendo o “eu” interior da modelo. Seus olhos claros e abertos são deliberadamente secretos, mas não misteriosos. Essa mulher involuntariamente desperta admiração, assim como a pintura virtuosa do mestre.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Conclusão:

Borovikovsky em seus retratos de câmara captura perfeitamente a espontaneidade do modelo, seu charme e alegria viva. Borovikovsky foi o primeiro entre os retratistas russos a revelar a beleza da vida emocional. As telas do artista são muito elegantes graças à encenação graciosa dos modelos, gestos graciosos e manuseio habilidoso do figurino.Os heróis de Borovikovsky geralmente são inativos, a maioria dos modelos está intoxicada com sua própria sensibilidade.

Os retratos criados por Levitsky de qualidade “íntima” de câmara são marcados pela profundidade e versatilidade das características psicológicas, caracterizam-se pela grande contenção dos meios artísticos.

F.S. Rokotov, um adepto do retrato da câmara

Uma característica distintiva de Rokotov é um interesse crescente no mundo interior de uma pessoa; no retrato, o artista enfatiza a presença de uma vida espiritual complexa, poetiza-a, focaliza a atenção do espectador nela, afirmando assim o seu valor.

Retrato cerimonial

O retrato cerimonial é uma espécie de retrato histórico de uma certa orientação social. Tais retratos foram mais amplamente utilizados na corte. A principal tarefa dessa direção era a glorificação de pessoas de alto escalão e nobres, pessoas reais e sua comitiva. A tarefa era focar nos méritos e conquistas do cliente, exaltar, às vezes perto da deificação.

A ordem social determinava o estilo de execução artística do retrato frontal. As pinturas eram muitas vezes grandes, e a pessoa era retratada em pleno crescimento, em pé ou sentada. A atmosfera assumiu solenidade, o interior era magnífico. A orientação ideológica ditava certa rigidez de poses e artificialidade do enredo. O artista procurou enfatizar o significado do personagem, os heróis das pinturas estão vestidos com trajes magníficos, cerimoniais, sempre houve a presença de insígnias e insígnias, símbolos de poder e força.

As tarefas de exibir a semelhança visual do modelo com o original e o estado interno de uma pessoa desaparecem em segundo plano no retrato cerimonial, onde o principal é o status social e público do cliente. No entanto, artistas de destaque neste gênero estreito conseguiram refletir a individualidade de uma pessoa, seu caráter e modo de vida. Famosos pintores de retratos russos que retrataram pessoas de alto escalão em suas telas foram Ivan Nikitin, Alexei Antropov, Fyodor Rokotov, Dmitry Levitsky.

Ivan Nikitich Nikitin - “Mestre de Assuntos Pessoais”, artista favorito de Pedro I, tema de seu orgulho patriótico diante de estrangeiros, “para que saibam que existem bons artesãos de nosso povo”. E Pedro não se enganou: "o pintor Ivan" foi o primeiro retratista russo de nível europeu e no sentido europeu da palavra.

IN Nikitin veio de uma família do clero de Moscou. Ele provavelmente recebeu sua educação artística inicial no Arsenal de Moscou e uma oficina de gravura sob a orientação do gravador holandês A. Shkhonebek. Em 1711, juntamente com a oficina de gravura, foi transferido para São Petersburgo. Aparentemente, ele aprendeu a pintar retratos por conta própria, estudando e copiando as obras de mestres estrangeiros disponíveis na Rússia. Graças ao seu talento (e talvez a parentes que serviam nas igrejas da corte), Nikitin rapidamente assumiu uma posição forte na corte. Pedro, o Grande, notou suas habilidades e o ensinou a I.G. Dangauer

Nos primeiros trabalhos (antes de 1716) do artista, há uma conexão palpável com parsuns - retratos russos do final do século XV, com sua escrita áspera e fracionada, fundos surdos e escuros, planicidade da imagem, falta de profundidade espacial e convencionalidade na distribuição de luz e sombras. Ao mesmo tempo, eles têm uma habilidade de composição indubitável e a capacidade de drapejar efetivamente uma figura, transmitir a textura de vários materiais, coordenar harmoniosamente manchas de cores ricas. Mas o principal é que esses retratos deixam uma sensação de persuasão realista especial e autenticidade psicológica. Nikitin é completamente alheio à bajulação, comum em retratos formais.

Em 1716-20. IN Nikitin, junto com seu irmão mais novo Roman, também pintor, está na Itália. Eles visitaram Florença, onde estudaram sob a orientação de Tommaso Redi, Veneza e Roma. Roman Nikitin, aliás, trabalhou em Paris, com N. Largilier.Da Itália, I. N. Nikitin realmente voltou como mestre. Ele se livrou das deficiências do desenho e das convenções de seus primeiros trabalhos, mas manteve suas principais características: o realismo geral da pintura e a franqueza das características psicológicas, um esquema de cores bastante escuro e rico, no qual predominam os tons quentes. Infelizmente, isso pode ser julgado pelos poucos trabalhos que chegaram até nós.

Ele pintou retratos do próprio imperador (várias vezes), sua esposa, grã-duquesas Anna, Elizabeth e Natalia, e muitos outros dignitários. O artista estava familiarizado com as técnicas do estilo dominante da época - rococó, leve e lúdico, mas as usava apenas quando realmente correspondia ao caráter do modelo, como no retrato do jovem barão S.G. Stroganov (1726). Mas talvez o melhor trabalho de Nikitin em termos de beleza da pintura, em termos de profundidade e complexidade de características psicológicas seja “Portrait of a Floor Hetman” (década de 1720).

Em 1725, Nikitin pintou pela última vez da vida do czar. "Pedro 1 em seu leito de morte" (no Museu da Academia de Artes) - em essência, um grande esboço, realizado livremente, mas sólido, pensativo e monumental.

No reinado de Catarina I, ele se estabeleceu em Moscou, onde seu irmão, que retornou do exterior um pouco mais tarde, dedicava-se principalmente à pintura de igrejas.

Em 1732, Ivan Nikitin, juntamente com os irmãos Roman e Herodion (arcipreste da Catedral do Arcanjo em Moscou), foi preso sob a acusação de distribuir calúnias contra o vice-presidente do Santo Sínodo Feofan Prokopovich, aliás, também nomeado e associado de Pedro. Talvez isso tenha sido indiretamente facilitado pelo casamento malsucedido do artista e pelo divórcio subsequente: os parentes da ex-esposa tentaram de todas as maneiras prejudicar Nikitin. Sim, e muitos não gostavam dele por sua disposição direta e independente. Depois de cinco anos nas casamatas da Fortaleza de Pedro e Paulo, interrogatórios e torturas, os irmãos são mandados para o exílio. Ivan e Roman acabaram em Tobolsk. Eles esperaram pela reabilitação após a morte da imperatriz Anna Ioannovna em 1741. Mas o artista idoso e doente não retornou à sua cidade natal, Moscou. Ele provavelmente morreu em algum lugar no caminho para ela. Roman Nikitin morreu no final de 1753 ou no início de 1754.

I. N. Nikitin

Retrato do Chanceler G.I. Golovkin

1720g, óleo sobre tela, 90,9 x 73,4 cm.

O retrato de Golovkin é considerado uma das primeiras obras do artista ao retornar da Itália. Conde Gavrila Ivanovich Golovkin, vice-chanceler, associado de Pedro I, especialmente bem sucedido no campo diplomático devido à sua destreza e astúcia inerentes. A inscrição no verso do retrato relata com orgulho que "durante a continuação de sua chancelaria, ele concluiu 72 tratados com diferentes governos".

O rosto de Golovkin chama a atenção com um olhar inteligente e penetrante e uma dobra de lábios firme e forte; emoldurado por uma peruca prateada, ele se projeta do espaço negro do fundo.

Nikitin conseguiu expressar neste retrato a imagem ideal de um estadista enérgico - um homem da época de Pedro. Não há pompa em sua postura, mas há um senso de dignidade. A majestosa contenção da pose, a fita e a estrela de Santo André, a Ordem Polonesa da Águia Branca na forma de uma cruz em um laço azul dão solenidade e significado.

I. N. Nikitin

Retrato de Anna Petrovna, filha de Pedro 1

Antes de 1716, óleo sobre tela, 65 x 53 cm.

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Em 1716, o pintor Ivan Nikitich Nikitin foi enviado por Pedro 1 ao exterior para a Itália. Mas dificilmente se pode dizer que ele foi enviado para lá como um simples estudante. Em uma carta a Catarina em Berlim datada de 19 de abril de 1716, Pedro escreveu: "... peça ao rei que diga a ele (Nikitin) para anular sua pessoa ... para que eles saibam que existem bons artesãos entre nosso povo. " E na Itália, Nikitin, como mestre reconhecido, recebeu muito mais do tesouro para manutenção do que o restante dos pensionistas reais.

O retrato de Anna Petrovna, a filha mais velha de Peter e Ekaterina Alekseevna, executado por Nikitin antes mesmo de sua viagem ao exterior, realmente deu ao czar russo todos os motivos para se orgulhar de seu artista. Nikitin capturou a princesa Anna aos 6-7 anos. De acordo com a moda e as regras da arte do retrato da época, a menina é retratada como adulta: em uma pose coquete, com um penteado alto e longos cabelos pretos espalhados sobre os ombros, em um vestido azul fortemente decotado com grandes padrões dourados e um manto vermelho vivo forrado de arminho, indicando filho pertencente à família real.

No retrato do átomo (e em geral à maneira de Nikitin) a cor é incrível - em todos os lugares extraordinariamente intensa, material, brilhando por dentro, não deixando espaço para sombras cinzas. O artista consegue essa impressão construindo a camada de tinta nas áreas iluminadas com traços cada vez mais claros e grossos, enquanto as sombras permanecem leves, transparentes, dos tons mais delicados - é assim que o rosto e o peito aberto de Anna são pintados. A sensação de cor ardente no manto é criada por rápidas pinceladas de laranja e escarlate lançadas sobre o tom vermelho. O artista não retrata os sentimentos, o caráter do modelo, mas com o poder do brilho das cores, o movimento inquieto das linhas, por assim dizer, o cria de novo, revivendo a matéria diante de nossos olhos.

Anna Petrovna, Tsesarevna e Duquesa de Holstein, filha de Pedro, o Grande e Catarina I. Segundo os contemporâneos, Anna se parecia muito com o pai no rosto, era inteligente e bonita, educada, falava excelente francês, alemão, italiano e sueco. a amava muito.

O futuro marido de Anna, o duque de Holstein-Gottorp, Friedrich-Karl, veio para a Rússia em 1721 na esperança, com a ajuda de Pedro, o Grande, de devolver Schleswig da Dinamarca e novamente adquirir o direito ao trono sueco. A paz de Nystad (1721) enganou as expectativas do duque, pois a Rússia se comprometeu a não interferir nos assuntos internos da Suécia.

Em 22 de novembro de 1724, foi assinado o contrato de casamento há muito desejado pelo duque, segundo o qual, a propósito, Ana e o duque renunciaram para si e para seus descendentes a todos os direitos e reivindicações à coroa do Império Russo; mas, ao mesmo tempo, Pedro se concedeu o direito, a seu critério, de pedir a sucessão da coroa e do Império de Toda a Rússia de um dos príncipes nascidos desse casamento, e o duque se comprometeu a cumprir a vontade do imperador sem quaisquer condições.

Ela morreu em 4 de março de 1728, em Holstein, mal atingindo a idade de vinte anos, tendo sido aliviada de seu fardo por seu filho, Karl-Peter-Ulrich (mais tarde imperador Pedro III).

AP Antropov

Retrato de uma senhora de estado A.M. Izmailova

1759, óleo sobre tela, 57,2 x 44,8 cm

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Em 1758, após uma longa ausência devido ao trabalho em Kyiv e Moscou, Alexei Petrovich Antropov retornou a São Petersburgo. Nessa época, ele já tinha mais de quarenta anos e gozava de respeito e fama.

No entanto, ele, com razão, não foi listado entre os mestres do primeiro escalão. Retornando a São Petersburgo, Antropov decidiu aprimorar sua arte e durante dois anos teve aulas particulares com o famoso pintor de retratos italiano P. Rotari. O resultado foi realmente milagroso: um artesão talentoso se tornou um notável e, o que é especialmente notável, o mais original artista russo.

O primeiro e melhor fruto desse treinamento foi um retrato da dama do estado A. M. Izmailova, nascida Naryshkina, uma parente distante da imperatriz Elizabeth por seu pai e seu favorito.

A amiga mais próxima da imperatriz Elizabeth Petrovna, Izmailova, era conhecida como uma beldade em sua juventude, mas quando o retrato foi criado, ela já era uma pessoa envelhecida e empertigada que gozava de considerável influência na corte. Sem embelezamento, o artista transmitia uma figura pesada, um rosto cheio com sobrancelhas pesadas à moda da época e um rubor brilhante nas bochechas. O olhar animado dos olhos castanhos voltados para o espectador e os lábios causticamente franzidos traem a mente afiada e o caráter imperioso de Izmailova.

As características da maneira Anthropo estão na cor do retrato. O artista recorre a cores de brilho quase lubok e as dá em comparações tão contrastantes que, ao que parece, são concebíveis apenas em imagens planares.

As bochechas de uma senhora idosa e gordinha brilham como papoulas, sua cabeça é emoldurada por uma touca de renda, decorada nas laterais com laços vermelhos e amarrada com fitas cor de rosa. Um vestido azul-azulado é usado sobre uma jaqueta branca, decorada com uma ordem cravejada de diamantes com um retrato da Imperatriz e uma rosa pálida com folhas verdes.

A figura maciça de Izmailova é colocada contra um fundo muito escuro com um tom verde. Usando essa paleta, Antropov, no entanto, dá a cada tom luminosidade e profundidade, constrói uma forma tridimensional que, graças aos contrastes nítidos de cores ricas, parece excepcionalmente dinâmica, como se carregada de energia interna, forte e pesada. E essas qualidades de forma conferem à imagem um caráter forte, ousado, extraordinariamente animado e colorido, que distinguiu a charmosa e inteligente confidente de Elizabeth, que era famosa por sua beleza em sua juventude.

Este trabalho do artista ganhou elogios do Rotary e trouxe fama a Antropov como um dos melhores pintores de retratos russos, um aumento de salário e o posto de segundo-tenente.

AP Antropov