Ao longo de sua existência, o homem procurou refletir o movimento em sua arte. As primeiras tentativas de transmitir movimento em um desenho datam de cerca de 2000 aC (Egito).

Outro exemplo de movimento é encontrado nas cavernas do norte da Espanha: este é o desenho de um javali com oito patas.

Hoje, a transferência de movimento pode ser realizada por meio de animação.

Animaçãoé a representação artificial do movimento no cinema, televisão ou computação gráfica, exibindo uma sequência de desenhos ou quadros em uma frequência que fornece uma percepção visual holística das imagens.

A animação, ao contrário do vídeo, que usa movimento contínuo, usa muitos desenhos independentes.

sinônimo de animação "animação"é muito difundido em nosso país. Animação e animação são apenas definições diferentes da mesma forma de arte.

O termo mais familiar para nós vem da palavra latina "multi" - muito e corresponde à tecnologia tradicional de reprodução do desenho, porque para que o herói "ganhe vida", você precisa repetir seu movimento muitas vezes: de 10 a 30 quadros desenhados por segundo.

A definição profissional aceita no mundo "animação"(traduzido do latim "anima" - alma, "animação" - revival, animação) reflete com mais precisão todas as possibilidades técnicas e artísticas modernas do cinema animado, porque os mestres da animação não apenas animam seus personagens, mas colocam um pedaço de sua alma em sua criação.

Da história da animação

A animação, como qualquer outra forma de arte, tem sua própria história. Pela primeira vez, o princípio da inércia da percepção visual, subjacente à animação, foi demonstrado em 1828 pelo francês Paul Roget. O objeto da demonstração era um disco, de um lado do qual havia uma imagem de um pássaro e do outro - uma gaiola. Durante a rotação do disco, o público criou a ilusão de um pássaro em uma gaiola.

A primeira maneira realmente prática de criar animação veio da criação da câmera e do projetor por Thomas A. Edison.

Já em 1906, o curta-metragem Humorous Phases of Funny Faces foi criado por Stuart Blakton. O autor fez um desenho no quadro, fotografou, apagou e depois desenhou, fotografou e apagou...

Uma verdadeira revolução no mundo da animação foi feita por WALT DISNEY (1901-1966), diretor, artista e produtor americano.

Isso está longe de ser uma história completa da animação, uma pequena digressão do material da palestra. Você pode aprender mais sobre a incrível e interessante história da animação por conta própria.

Tecnologias de criação de animação

Atualmente, existem várias tecnologias para criar animação:

Animação clássica (tradicional) representa uma mudança alternativa de desenhos, cada um dos quais é desenhado separadamente. Este é um processo muito demorado, pois os animadores precisam criar cada quadro separadamente.

Animação de stop-frame (marionete). Objetos colocados no espaço são fixados por um quadro, após o qual sua posição é alterada e fixada novamente.

Animação de Sprite implementado usando uma linguagem de programação.

transformando– transformação de um objeto em outro gerando um número especificado de quadros intermediários.

animação colorida- apenas muda a cor, não a posição do objeto.

3 D-animação criado usando programas especiais (por exemplo, 3D MAX). As imagens são obtidas renderizando a cena, e cada cena é um conjunto de objetos, fontes de luz, texturas.

captura de movimento (Movimentocapturar) – a primeira direção de animação, que permite transmitir movimentos naturais e realistas em tempo real. Os sensores são anexados ao ator ao vivo em locais que serão alinhados com os pontos de controle do modelo de computador para entrada de movimento e digitalização. As coordenadas e orientação do ator no espaço são transmitidas para a estação gráfica e os modelos de animação ganham vida.

Princípios de animação

Ao criar filmes animados, alguns princípios gerais são usados. A maioria deles são formulados para animação Disney e originalmente se referiam a desenhos animados feitos na técnica de animação tradicional, mas quase todos eles são aplicáveis ​​a outras tecnologias.
Aqui estão os principais:

"Apertar e esticar"(amassar e esticar). Este princípio revolucionou o mundo da animação. A essência do princípio é que um corpo vivo é sempre comprimido e esticado durante o movimento. Antes do salto, o personagem é comprimido como uma mola e, no salto, ao contrário, é esticado. A regra principal neste caso é um volume constante - se o personagem for esticado (esticar - deformação ao longo do eixo Y), ele deverá ser comprimido para manter o volume de seu corpo (amassar - deformação ao longo do eixo X).

"Ação Preparatória" (Antecipação). Na vida real, para realizar qualquer ação, uma pessoa geralmente precisa fazer movimentos preparatórios. Por exemplo, antes de pular, uma pessoa precisa se sentar, para jogar algo, a mão deve ser trazida de volta. Tais ações são chamadas de movimentos de recusa, porque. antes de fazer algo, o personagem, por assim dizer, se recusa a agir. Tal movimento prepara o espectador para a ação subsequente do personagem e dá impulso aos movimentos.

presença no palco(encenação). Para a correta percepção do personagem pelo público, todos os seus movimentos, posturas e expressões faciais devem ser extremamente simples e expressivos. Este princípio é baseado na regra principal do teatro. A câmera deve ser posicionada de forma que o espectador veja todos os movimentos do personagem.

"Tiros Chave" (Postura a pose). Antes da descoberta deste princípio, os movimentos eram desenhados e, portanto, o resultado era difícil de prever, porque. o próprio artista ainda não sabia o que desenharia. Esse princípio prevê um arranjo preliminar de movimentos - o artista desenha os pontos principais e coloca o personagem no palco, e só então os assistentes desenham todos os quadros do movimento. Essa abordagem aumentou drasticamente o desempenho, pois todos os movimentos foram planejados com antecedência e o resultado foi exatamente o pretendido. Mas para criar qualquer movimento específico, era necessário estudar cuidadosamente cada “peça”. Desenvolvendo poses expressivas, o artista coloca toda sua habilidade, então são esses momentos que devem ficar visíveis para o espectador por mais tempo. Para fazer isso, os assistentes completam os movimentos de forma que a maioria dos quadros fique ao lado das poses-chave. Nesse caso, o personagem, por assim dizer, desliza o movimento de um arranjo para outro, saindo lentamente da pose e desacelerando no outro.

"Através do movimento e sobreposição"(acompanhar / Ações sobrepostas).
A essência do princípio é que o movimento nunca deve parar. Existem elementos como orelhas, caudas, roupas, que devem estar constantemente em movimento. "Através do movimento" garante a continuidade do movimento e a suavidade da transição das fases, por exemplo, da corrida para a caminhada e vice-versa. O movimento de elementos individuais do corpo, enquanto o corpo não está mais em movimento, é chamado de sobreposição. A sobreposição é expressa em cenas de mudança das fases do movimento. Se o personagem freia forte depois de correr, as partes moles do corpo não conseguem parar junto com as duras e ocorre uma leve sobreposição (cabelos, orelhas, caudas, etc.). Ao caminhar, o movimento começa nos quadris e só depois se espalha para os tornozelos. Assim, todos os movimentos do personagem estão conectados em uma cadeia separada, e torna-se possível descrever rigidamente as regras pelas quais ele se move. Um movimento em que um elemento segue outro é chamado de movimento.

"Movimento em arcos" (arcos). Os organismos vivos sempre se movem ao longo de trajetórias arqueadas. Antes disso, o método de movimento retilíneo era usado e, portanto, os movimentos pareciam mecânicos - como os de robôs. A natureza da trajetória depende, via de regra, da velocidade do movimento. Se o personagem se move bruscamente, a trajetória se endireita, se se move lentamente, a trajetória se curva ainda mais.

Atividades secundárias (Ações secundárias). Muitas vezes, movimentos secundários são usados ​​para dar mais expressividade ao personagem. Eles servem para chamar a atenção para algo. Por exemplo, um personagem de luto pode frequentemente assoar o nariz em um lenço, enquanto um personagem surpreso pode contrair os ombros. As ações secundárias se espalharam no mundo da animação. Graças ao seu uso, os personagens se tornam mais vivos e emocionais.

Cálculo de tempo(Cronometragem). Este princípio permite que você dê peso e humor ao personagem. Como o espectador avalia o peso dos personagens? O peso do personagem é composto por fatores como velocidade de movimento e inércia. Para que o personagem se mova de acordo com seu peso, o artista calcula o movimento e o tempo de sobreposição de cada personagem. Ao calcular o tempo, o peso, a inércia, o volume e o estado emocional do herói são levados em consideração. O clima também é transmitido pela velocidade dos movimentos do personagem. Assim, um personagem deprimido move-se muito lentamente, e um personagem inspirado move-se vigorosamente.

Exagero (Exagero e Caricatura). Walt Disney sempre exigiu mais realismo de seus funcionários, na verdade visando mais ao "realismo caricatural". Se um personagem tinha que ficar triste, ele exigia que ele ficasse sombrio, enquanto um feliz tinha que ficar deslumbrantemente radiante. Com a ajuda do exagero, o impacto emocional no público aumenta, porém, o personagem adquire um caráter caricatural.

desenho profissional. O desenho é a base de tudo. Muito comuns nos estúdios da Disney são placas como: "Seu desenho tem peso, profundidade e equilíbrio?" O princípio do desenho profissional também proíbe o desenho de "gêmeos". "Gêmeos" são quaisquer elementos do desenho que se repetem duas vezes ou são simétricos.Os "gêmeos" muitas vezes aparecem contra a vontade do artista, sem perceber que ele desenha duas mãos na mesma posição.

atratividade (Apelo). A atratividade do personagem é a chave para o sucesso de todo o filme. Como saber se um personagem é atraente? Qualquer objeto pode ser atraente se você olhar para ele com prazer, encontrando nele simplicidade, charme, bom design, charme e magnetismo. De um personagem atraente é impossível tirar os olhos. Mesmo o personagem mais desagradável de um filme precisa ser atraente para manter os espectadores na tela.

Animação é a criação de uma imagem em movimento em uma tela. Em vez disso, a ilusão de movimento contínuo. Na verdade, esta é uma sequência de quadros estáticos. E ainda - uma arte tecnicamente complexa e em constante evolução. Então, se alguém lhe disser que os desenhos animados não são sérios, proteste violentamente e argumente. Aqui está um breve programa educacional sobre os principais tipos de imagens em movimento, a partir do qual ficará claro por que a animação não é inferior aos longas-metragens, mas em alguns aspectos até a supera.

desenho clássico desenhado à mão

Muitos na infância desenhavam figuras nas margens das folhas de caderno, mudando de posição a cada página. Se você folhear rapidamente esse caderno, parecerá que o personagem está correndo e a flor está florescendo. A animação clássica quadro a quadro funciona de maneira semelhante.

O formato padrão para a frequência com que as imagens mudam é de 24 quadros por segundo. E todos esses quadros devem ser desenhados! Anteriormente, isso era feito manualmente. Com o tempo, programas especiais de edição vieram em socorro, então agora apenas os quadros-chave são desenhados à mão. No entanto, a criação de um filme de animação em stop-motion ainda é um trabalho árduo e trabalhoso.

A primeira animação em stop-motion às vezes é chamada de taumatrópio, um brinquedo vintage em forma de disco com desenhos em ambos os lados. Girando rapidamente o círculo no fio, foi possível obter o efeito de combinar imagens. Por exemplo, um pássaro e uma gaiola se transformaram em uma imagem de um pássaro em uma gaiola, e flores e um vaso em uma natureza morta completa. No início do século 20, os primeiros filmes de animação começaram a aparecer. Steward Blakton fez um curta-metragem "Expressões engraçadas de caras engraçadas", e Emil Kohl- "Fantasmagoria". Em ambos os filmes, os autores desenham os personagens no quadro, e então eles "ganham vida". Kohl descobriu que cada fase do movimento precisava de um padrão diferente e usou uma câmera montada verticalmente.

Então aconteceu um grande evento - Walt Disney entrou na animação. Ele inventou, em particular, uma maneira de criar volume combinando diferentes planos, bem como uma técnica em camadas em que filmes de celulóide transparentes com imagens são sobrepostos uns aos outros, para que o quadro não precise mais ser desenhado do zero. Com a ajuda do sistema Technicolor tricolor (uma combinação de imagens monocromáticas obtidas através de filtros vermelho, azul e verde), a Disney criou o primeiro desenho colorido - Flores e Árvores. Ele também fez o primeiro desenho animado sonoro da história (“Steamboat Willie” com um Mickey Mouse assobiando no papel-título) e o primeiro longa-metragem de animação – “Branca de Neve e os Sete Anões”, que fez sucesso.

Descobriu-se que a animação é interessante para pessoas de todas as idades. Além disso, permite obter um efeito emocional especial por meios únicos.

Um ator, mesmo com as habilidades mímicas de Jim Carrey e a dedicação de Christian Bale, que perdeu até 30 quilos para os papéis, ainda não consegue ir além das capacidades humanas. Mas os personagens de desenhos animados não são obrigados a obedecer estritamente às leis da natureza e da física. Portanto, o artista pode recompensá-los com quaisquer proporções, características externas e plasticidade - se tudo isso funcionasse para revelar a imagem.

Por isso, também, você precisa agradecer à Disney, que criou todo um panteão de personagens cult, cujo personagem se reflete na aparência. Seus métodos foram adotados por outros animadores. Graças a eles, centenas de heróis e vilões animados memoráveis ​​existem hoje.

O estilo da animação clássica pode ser diferente. Desenhos Disney ou soviéticos, desenhos de autores europeus ou mesmo abstratos, animes - estilos diferentes que você nunca confundirá. No entanto, tecnicamente, tudo isso é animação quadro a quadro.

animação de marionetes

A tecnologia stop-motion utiliza uma maquete de palco, que serve como decoração, como em um teatro, e “atores” de marionetes. Para criar a ilusão de movimento, as poses das figuras são ligeiramente alteradas tirando uma fotografia quadro a quadro e depois transformando-a em um filme. Tal animação apareceu junto com o cinema clássico. Por exemplo, a famosa cena do filme "Journey to the Moon", onde a espaçonave atinge o satélite da Terra bem no olho - isso também é stop-motion.

Os desenhos animados de marionetes são sempre uma história especial no mundo da animação. Eles não se transformam em grandes franquias (não vai funcionar devido à complexidade da produção), e comercialmente não são os mais bem sucedidos. No entanto, há uma magia especial nessa maneira de dar vida à estática.

Esses desenhos permitem criar um volume que a animação clássica desenhada à mão não é capaz e também fornecer detalhes sem a necessidade de desenhar algo - basta colocar objetos no quadro. No entanto, isso não é nada simples. O cenário para os desenhos animados de marionetes é criado à mão, e isso é realmente um trabalho infernal.

Pipoca tingida de rosa foi usada para retratar a sakura no filme Coraline.

Cada flor nas árvores de brinquedo é feita à mão por animadores e posicionada conforme necessário para a cena. Em Kubo. A pele do macaco A Lenda do Samurai é feita de pequenos pedaços de silicone, cada um dos quais foi colado na figura de ação. Todas essas coisas precisam ser pensadas com antecedência, pois quando o item já está criado no material, pressionar desfazer não funcionará. Ao dar voz à animação da marionete, cada movimento dos lábios do marionete-ator é criado separadamente, sincronizando as expressões faciais com a trilha sonora. Hoje, muitas peças são impressas em uma impressora 3D e, no entanto, ainda são peças.

Nos anos 60-80, a animação de marionetes era muito amada na URSS - por materiais texturizados e intimidade aconchegante. The Mitten de Roman Kachanov, onde uma bola de lã vermelha evoca uma tempestade de emoções, e Claudel Crow de Alexander Tatarsky com um jogo virtuoso de formas (animação de plasticina também é uma subespécie de stop-motion) e canções animadas merecem especial simpatia popular.

Em algum momento, a animação de marionetes deixou a animação por computador para trás em termos de complexidade e naturalidade dos movimentos dos personagens. No entanto, hoje as tecnologias de CG avançaram, e os heróis de computador não são inferiores às contrapartes de marionetes, mas de muitas maneiras os superam.

Com o tempo, a animação stop-motion difícil de produzir e demorada começou a perder popularidade. Curiosamente, isso faz bem a ela. Somente diretores ideológicos que sabem exatamente sobre o que querem falar e têm um estilo original decidem trabalhar nesse gênero. Por exemplo, Tim Burton com seus famosos filmes sobre esqueletos cantando e animais mortos, ou Wes Anderson, que dirigiu o filme Fantastic Mr. Fox.

animação por computador

Neste caso, as imagens em movimento são obtidas por meio de animação 3D gerada em computador. Modelos tridimensionais de objetos se movem e interagem como os diretores desejam.

No cinema, um dos primeiros a usar animação por computador foi George Lucas. Os efeitos especiais dos primeiros episódios de Star Wars ainda são mais valorizados por muitos fãs do que os gráficos dos filmes modernos. O estúdio ILM de Lucas também trabalhou em vários filmes épicos conhecidos com efeitos excepcionais (Indiana Jones, Back to the Future, Star Trek), bem como Who Framed Roger Rabbit, que combina atores e personagens de desenhos animados.

Então descobriu-se que a animação pode não apenas servir filmes com atores, mas também criar seu próprio mundo. O estúdio da Pixar tornou-se pioneiro no campo da animação por computador, que não fez menos por ela do que a Disney fez pela tradicional. Hoje é o estúdio de animação de maior sucesso da história do cinema.

O curta de animação de 1986 Luxo Jr. apresenta um pequeno abajur brincando com uma bola sob a supervisão de um abajur dos pais. As lâmpadas ganharam a honra de se tornarem personagens de desenhos animados, pois permitem trabalhar com a luz e demonstrar como diferentes superfícies a refletem. Este pequeno desenho animado tem algo pelo qual o trabalho da Pixar ainda é elogiado - a inovação da tecnologia e a vivacidade emocional dos personagens. Em 1995, o estúdio lançou o primeiro longa-metragem totalmente gerado por computador, Toy Story.

O estúdio está constantemente aprimorando a tecnologia e buscando novas oportunidades. Cabelos cacheados ao vento, objetos afundando na água, o movimento das nuvens, milhões de grãos de areia na praia...

No caso dos filmes em CG, para tornar tudo isso convincente, você precisa levar em consideração texturas, peso, trajetórias de movimento e muitos outros fatores. O fato de os objetos serem virtuais apenas torna suas "características materiais" mais importantes. Afinal, artistas e desenvolvedores querem que a bola de borracha salte e o tecido vibre ao vento, como um real.

Outros estúdios adotaram esses métodos, por exemplo, Blue Sky Studios, que lançou Ice Age, e Dreamworks (franquias Shrek, Madagascar, Kung Fu Panda, How to Train Your Dragon).

A animação por computador deu ao espectador a profundidade da imagem, bem como a oportunidade de correr com os personagens e fazer voos vertiginosos. Essas curvas de câmera arrojadas não eram possíveis na animação clássica e no cinema comum. É por isso que existem tantas corridas e aventuras nos desenhos em 3D, e os roteiros são escritos com o componente visual e a dinâmica em mente.

É claro que bons desenhos animados atraem não apenas pela tecnologia. No entanto, são justamente as amplas possibilidades da animação que permitem aos diretores não apenas transmitir experiências, mas também tocar em temas complexos. Hayao Miyazaki fala sobre harmonia com a natureza, Tim Burton faz até falar sobre a morte divertido, e os filmes da Pixar ensinam você a se aceitar e entender seus próprios sentimentos.

Esta é a visão geral mais abrangente de todos os aspectos do conceito Animação com os melhores exemplos de acordo com os editores.

Invista 15 minutos do seu tempo em novos conhecimentos inspirados nas tendências do setor.

"Faces da Guerra": Jaina. Uma mistura de CG ART, 3D e efeitos especiais torna possível criar mini-histórias de custo relativamente baixo para cutscenes da Blizzard. CGI + animação 3D. Um vídeo viral social que você pode ter perdido. Escrito, dirigido e produzido por Lubomir Arsov

Mais exemplos de animação moderna estão esperando por você abaixo...

Tipos de animação

Desde o advento da animação simples, uma grande variedade de aparências e estilos foram inventados. Considerar 5 tipos principais :

• Animação tradicional;
• animação vetorial 2D;
• animação 3D por computador;
• Gráficos em movimento;
• Animação de marionetes;

Animação Tradicional (2D, Cel, Desenhado à Mão)

Animação tradicional, às vezes chamado de animação cel, é uma das formas mais antigas de animação. Iniciar:

• o animador desenha cada quadro para criar uma sequência de movimento;
• desenhos sucessivos, rapidamente expostos um após o outro, criam a ilusão de movimento.

O exemplo mais simples de tal animação é desenhos antigos da Disney.

Desenho animado Mogli

Como é criada a animação tradicional?

• o animador prepara o campo de trabalho: ele fixa uma folha de papel transparente em uma tela iluminada especial;
• um desenho é aplicado a uma folha de papel com um lápis de cor;
• O desenho deve ser áspero e aproximado. É feito assim para ver quantos quadros precisam ser criados para a movimentação ideal do personagem;
• uma vez que os desenhos de limpeza e intermediários estão completos, a produção passa para a filmagem de cada quadro individual.

Como os vídeos animados foram criados em 1938

Animadores modernos podem se recusar a desenhar personagens e quadros à mão. Em vez disso, eles usam computadores, tablets, canetas especiais.

Exemplos de animação tradicional moderna

Eluvio. Autor Stas Santimov Você está perdido no mundo como eu? Escrito por Steve Cutts

Por onde começar?

Você pode começar na profissão estudando o básico

A vantagem das aulas é um estudo consistente do processo de criação de animação de acordo com o princípio - "do simples ao complexo".

Além disso, para concluir os primeiros passos da criação de animação, você precisa dominar programas básicos como:

O Photoshop é muitas vezes esquecido ao considerar o software de animação, e seus recursos são perfeitamente adaptados ao desenho quadro a quadro em qualquer estilo. A funcionalidade de linha do tempo do Photoshop permite animar desenhando quadro a quadro usando a esfola de arco.

• O salário médio de um animador no Ocidente é de US$ 4.250/mês;
• Em nossa área - muito diferente (no estúdio, freelance, remoto - de $ 400 a $ 3500 por mês).

animação vetorial 2D

Bojack Horseman (série de TV na Netflix)

animação 2Dé um termo usado quando se refere à animação tradicional desenhada à mão. Também pode se referir a animações vetoriais de computador usando arquivos .

Princípio animação 2D

Para criar animações vetoriais, os mesmos métodos são usados ​​para as tradicionais.

Essa flexibilidade permite que até mesmo um novato crie seu primeiro vídeo aceitável.

Como aprender?

Enquanto a animação tradicional exige que você seja um bom artista, a animação por computador não é. A animação 3D é mais como um construtor do que um desenho.

As tecnologias de animação 3D têm muito em comum com o stop motion, pois correspondem à abordagem do quadro. Mas, em 3D, a implementação de tarefas é mais gerenciável, pois é no campo digital.

modelo 3D

Em vez de desenhar um personagem ou construir um de argila em animação 3D, o objeto é criado digitalmente. Mais tarde são fornecidos com um "esqueleto", que permite mover os modelos.

A animação é criada construindo modelos em certos quadros-chave e, em seguida, o computador calcula e interpola entre esses quadros para criar movimento.

Veja abaixo um exemplo visual do processo de criação de um modelo 3D no Blender.

Exemplos de animação 3D moderna

Autor — ManvsMachine

Nike Air Max

Autor - PlatigeImage

Mulher Maravilha - Prólogo | Realização de

Profissão de animador 3D: por onde começar

A profissão é altamente competitiva, pois essa animação é principalmente para fins comerciais.

Onde você pode trabalhar como designer de movimento:

• Nos estúdios
• Freelancer
• Vender modelos
• Crie produtos de aprendizagem

O salário médio de um designer de movimento no Ocidente chega a US$ 5.000/mês, no nosso caso o salário de um especialista começa em US$ 700/mês.

Stop motion (animação de marionete)

parar o movimento- este é o objeto parando após o quadro capturado e seu movimento sequencial para capturar uma nova foto e um novo movimento. Ao reproduzir as fotos tiradas uma a uma, é criada uma ilusão de movimento. Então acontece que o stop motion.

Esta técnica é semelhante à animação tradicional, mas em vez de desenhos, o animador usa materiais reais.

O processo de trabalhar na série Robot Chicken

Eu amo todas as formas de animação, mas há algo único e especial no stop motion: é mais real. Mas eu acho que é uma coisa meio solitária e sombria também.

Tim Burton

Evolução do Stop Motion

A animação Stop-Motion usa objetos fotografados em sequência para criar a ilusão de movimento.

Exemplo de animação em stop motion

O processo de criação de uma animação em stop motion é demorado, pois cada objeto deve ser cuidadosamente movido milímetro a milímetro. Cada quadro capturado é simplesmente obrigado a criar uma sequência suave de movimentos do objeto.

Exemplos de animação de marionetes moderna

Mais um exemplo do Robot Chicken Postado por Bruna Berford

A profissão de animador de marionetes: por onde começar, quanto ele ganha

É necessário começar a mergulhar nas profundezas da profissão de designer de stop-motion, dominando Dragonframe e iStopMotion

A profissão de designer de stop-motion no mercado de trabalho ganhou vida aos poucos. Stop motion hoje é um método barato em que é fácil mostrar bom gosto artístico e habilidades de paciência. Portanto, os designers ganham um bom dinheiro:

• ganhos médios no Ocidente - $ 3864 / mês;
• conosco - a partir de $ 1000 / mês.

Tipos de animação

Considere que tipos de animação existem.

animação GIF

GIF (com extensão de arquivo, .gif)é um formato de arquivo de imagem que é animado pela combinação de várias outras imagens ou quadros em um.

Exemplo GIF. (convertido para mp4 para tamanho menor)

Ao contrário do formato JPEG (.jpg), os GIFs geralmente usam um algoritmo de compactação chamado codificação LZW que não degrada a qualidade da imagem e facilita o armazenamento do arquivo em bytes.

Você pode ler mais sobre o que é um GIF na Wikipedia.

Exemplos de animação GIF

Exemplos para todos os gostos estão no portal gifphy.com

Como fazer um GIF você mesmo?

• Anteriormente, já escrevemos sobre o mais rápido.
• Aqui está outro útil tutorial sobre como criar GIFs no Adobe After Effects.

cinematografia

Confira também a opinião O anime pode se tornar mainstream?(em inglês).

Exemplos de animação japonesa

Prison School Anime Sabores da Juventude

Como o anime é criado?

O processo de criação de um anime consiste em várias etapas:

• busca de ideias de animação e personagens;
• inventar um conceito (personagens, o enredo principal está sendo pensado, alguns primeiros esboços estão sendo feitos);
• escrever um roteiro detalhado;
• desenhar personagens e fundos;
• exemplo de storyboard;
• esboços ou esboços são digitalizados.

Vídeo - Como o anime é criado

12 Princípios de Animação

1. Compressão e descompressão

De acordo com esse princípio, os objetos de animação podem ser comprimidos ou esticados para transmitir a velocidade, o momento, o peso e a massa do objeto.

Essa técnica pode ser usada para indicar o salto ou a dureza de um objeto (por exemplo, para mostrar qual bola em um vídeo animado está cheia de água e qual é apenas uma bola de boliche). Além disso, os artistas que usam esse princípio transmitem as expressões faciais e emoções do personagem.

Importante: O tamanho do objeto não deve mudar dependendo de ser achatado ou esticado.

O primeiro princípio da animação

2. Prepare-se para a ação

Consiste em preparar o espectador para qualquer ação do personagem da animação.

Por exemplo, esta técnica é usada para mostrar que o personagem está se preparando para pular. Nesse caso, a preparação consistirá no fato de o personagem se sentar, reunir forças e começar a se endireitar até que esteja no ar, o que será um salto.

Importante: sem preparação para qualquer ação, todos os passos subsequentes do personagem parecerão irreais e implausíveis. O artista não pode perder esse momento, porque o espectador simplesmente não entenderá o que o personagem quer fazer nos próximos segundos, e assistir a esse vídeo será simplesmente desinteressante.

Preparando-se para a açãoÉ uma obrigação para manter sua atenção.

O segundo princípio da animação

3. Encenação

Alvo Este princípio é revelar a intenção criativa do autor com a maior precisão possível.

Em qualquer animação, é importante direcionar o olhar do espectador para algum momento ou nuance importante, movimento de personagem ou evento. A dramatização, por assim dizer, chama a atenção para a coisa mais importante.

Observe que neste princípio é necessário alternar close-ups com um fundo distante. Um close-up geralmente mostra as expressões faciais de um personagem e eventos dinâmicos ou estáticos de um clipe multimídia ocorrem em segundo plano.

Importante: em cada cena e vídeo como um todo, a ação deve ser o mais clara possível e estar em foco. Caso contrário, o espectador simplesmente não captará a essência da ideia do autor.

O terceiro princípio da animação

4. Ação espontânea e de postura em postura

Princípio ação espontânea consiste no fato de que vários desenhos são criados sucessivamente sem um plano de ação específico e final.

Princípio de pose em pose consiste no fato de o artista desenhar cada ponto final de movimento e só depois disso desenhar poses e movimentos intermediários.

Importante: o princípio de pose a pose economiza tempo e esforço do artista, pois, usando-o, ele sabe exatamente o que vai acontecer na tela e como vai terminar. Não existe esse bônus na ação espontânea - se o artista desenhou algo incorretamente, ele terá que redesenhar tudo.

Ação espontânea é boa para exibir fogo, gotas, nuvens, fumaça e poeira, e também transmite perfeitamente a estética e a imprevisibilidade dos fenômenos naturais.

O quarto princípio da animação

5. Inércia e sobreposição

Este princípio é aplicado para que, após o personagem parar, partes de suas roupas, cabelos, braços ou até pernas continuem a se mover por inércia. Assim, a parada parece mais natural e não faz com que o espectador reclame da falta de naturalidade da imagem.

A inércia e a sobreposição tornam o movimento, o corpo e a animação dos personagens mais vivos.

Este grupo também inclui um princípio como cara. Graças ao puxão, quando a cabeça do personagem é virada, seu cabelo ou bochechas (como o de um buldogue) se moverão lenta e rapidamente para trás.

O quinto princípio da animação

6. Câmera lenta no início e no fim

O princípio é que todos os movimentos são realizados lentamente no início, depois aceleram e no final, as ações desaceleram novamente. Isso é feito para maximizar a naturalidade do vídeo e aproximar o personagem desenhado do real.

Apenas robôs se movem na mesma velocidade, então o artista tenta desenhar todos os movimentos de seus personagens em diferentes amplitudes e em diferentes velocidades.

Importante: a desaceleração não é usada em todos os casos. Por exemplo, para mostrar o movimento de uma bala não é necessário desacelerar, mas para o movimento de uma pistola durante um tiro, sim.

O sexto princípio da animação

7. Arcos

Sem levar em conta o movimento do personagem ao longo do arco, erros óbvios aparecem e se tornam muito mecânicos.

Absolutamente todos os movimentos do personagem são executados no princípio de um arco, e não porque todos tenham que ser suaves, mas porque o arco pode traçar uma trajetória muito maior e dar ao personagem a oportunidade de se mover o mais naturalmente possível.

O sétimo princípio da animação

8. Traços expressivos

Este princípio é muitas vezes confundido com sobreposição, mas isso está errado. Toques expressivos são as características dos movimentos do personagem que lhe dão cor.

Toques expressivos conferem aos movimentos do personagem o caráter do momento e do humor. Se o personagem for mau, então quando ele bater na porta, sua segunda mão estará fechada em punho. Talvez esse golpe não seja tão marcante, mas transmita perfeitamente as emoções reais e reais de uma pessoa.

Um artista que dá importância a esses pequenos detalhes dá vida à animação.

O oitavo princípio da animação

9. Taxa de quadros

A natureza geral da animação depende de quantos quadros o artista desenhou entre as ações principais.

Ao alterar a taxa de quadros, o animador pode contar até 10 histórias. Se houver muitas poses entre os quadros principais e eles estiverem localizados próximos um do outro, os movimentos serão muito lentos, e se houver poucos quadros e eles estiverem localizados a uma grande distância um do outro, os movimentos serão muito rápidos .

A taxa de quadros padrão para cinema é 24. A animação também é desenhada em um, dois ou três quadros.

Importante: quanto mais os quadros mudam, eles precisarão de um desenho mais cuidadoso.

O nono princípio da animação

10. Hipérbole

O princípio é que quase todas as expressões faciais, expressões faciais e emoções devem ser únicas.

Com a ajuda deste princípio, uma emoção triste pode tornar-se ainda mais triste, e uma emoção alegre pode tornar-se ainda mais alegre. A hiperbolização se baseia não na distorção das emoções e expressões faciais, mas em dar ainda mais persuasão nos movimentos e expressões faciais.

O princípio da hiperbolização é sempre adequado, pois torna cada vídeo mais interessante, rico e completo.

É difícil determinar o grau ideal de hiperbolização. Portanto, primeiro você precisa exagerar ao máximo a ideia e depois adaptá-la ao vídeo.

Décimo Princípio da Animação

11. Desenho

Você precisa desenhar de acordo com este princípio de forma a apresentar o desenho dentro da estrutura do espaço tridimensional. Ao transmitir a massa, volume e equilíbrio do personagem.

Se você desenhar uma figura de todos os lados, o processo de animação será bastante simplificado.

Importante: Ao esboçar um personagem, é melhor usar formas geométricas padrão, como esferas, cubos e cilindros, em vez de quadrados e retângulos. E, no entanto, certifique-se cuidadosamente de que o personagem desenhado não fique plano.

Décimo Primeiro Princípio da Animação

12. Carisma

O princípio é que o herói desenhado deve ser interessante e incomum, o que significa - evocar emoções no espectador, pegar e dar uma reviravolta.

A beleza de um personagem não é necessariamente carisma. Esse recurso pode ser expresso em qualquer detalhe, ser incluído em um personagem ou em todos os heróis do vídeo.

Importante: você pode alcançar o carisma de um personagem diversificando a forma do objeto, as proporções e também enfatizando um detalhe característico. Deve ser incomum e se destacar da imagem geral do personagem do personagem.

O décimo segundo princípio da animação

Tendências (tendências) em animação

Hoje, a animação se reencarna nas mais diversas e excitantes formas de contar uma história e uma ideia. Devido ao surgimento de novos avanços nas tecnologias de engenharia e telecomunicações, há novas tendências em animação.

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Aqui estão os mais populares:

3D estilo retrô e vintage

Um estilo de animação 3D que está se tornando popular novamente é o retrofuturismo. Isso permite a estética de fantasia que as pessoas no final dos anos 70 e início dos anos 80 pensavam que o futuro poderia parecer.

Técnica: o uso de efeitos de iluminação exuberantes e elementos digitais pixelados serve para criar o terreno e os personagens em um mundo retrô.

Animação Cel de Alto Contraste

É uma tendência de animação que está em alta há alguns anos e é usada por algumas das principais empresas do mundo, incluindo Nike, Nickelodeon, Disney, Cartoon Network e até mesmo para jogos Winter X.

Cores contrastantes brilhantes combinadas com um design angular são usadas para dar à animação um estilo simplista, quase semelhante ao cel.

Resultado- uma sequência engraçada da qual é difícil desviar o olhar.

Alguns dos melhores exemplos vêm da Golden Wolf, uma produtora de animação com sede em Londres.

Mistura de 2D e 3D

Uma tendência que começou nos últimos anos e continua crescendo é criar animações que parecem uma combinação de 2D e 3D.

Você não precisa procurar muito para encontrar um tutorial que mostra como obter uma aparência 2D plana usando cel shader para renderização 3D.

Ao dar aos objetos 3D uma aparência 2D, os animadores podem criar elementos expressivos e ilustrativos que imediatamente prendem a atenção do espectador enquanto fornecem informações claras e coloridas.

Supersurrealismo

Se há uma grande tendência de animação que explora totalmente o poder das imagens CGI, é o estilo surrealista.

O efeito de animação hiper-surreal é baseado na combinação de elementos fotorrealistas com imagens de fantasia para criar mundos e atividades oníricas.

Há um exemplo de animação como "The Dreamer" do Roof Studio para Honda, que leva os espectadores a uma viagem caprichosa enquanto o veículo realista se move pelo deserto.

Animação dinâmica de funções em aplicativos

Em vez de usar imagens estáticas ou todo o texto, muitos aplicativos em 2018 estão usando animações funcionais que prendem a atenção do usuário com uma interface de usuário brilhante e interessante.

Isso inclui o uso de animação para aprimorar os elementos de navegação, validar a entrada do usuário, aumentar e diminuir o zoom do conteúdo e assim por diante.

O ressurgimento da animação 2D no marketing

Na indústria do entretenimento, como filmes e videogames, a animação 2D quase desapareceu quando o 3D surgiu. Desde então, as empresas sentiram que não há melhor maneira de cativar o público, jogadores e clientes em potencial do que por meio da animação 3D, mesmo que exija mais tempo e esforço.

Lição da série: "Trabalhando no editor Flash"

Animação(de lat. umanimar- animar) - imitação de movimento ou mudança na forma de objetos estáticos.

Além do termo "animação", o termo "animação" também é amplamente utilizado (de lat. multiplicação- multiplicação, multiplicação).

Pessoal- são imagens desenhadas ou fotografadas das fases sucessivas do movimento dos objetos ou de suas partes. Ao visualizar uma sequência de quadros, surge a ilusão de animar os personagens estáticos representados neles.

Para criar o efeito de uma mudança suave na forma e na posição dos objetos, a taxa de quadros, com base nas características da percepção humana, deve ser de pelo menos 12 a 16 quadros por segundo.

Filmes usam 24 quadros por segundo, televisão 25 ou 30 quadros por segundo.

O desenho de todas as fases do movimento (quadros) nas primeiras caricaturas exigia enormes custos de mão de obra. Assim, para um desenho animado com duração de 5 minutos a uma frequência de 24 quadros por segundo, são necessários 7200 desenhos. Ao mesmo tempo, muitos quadros contêm fragmentos repetidos que tiveram que ser redesenhados muitas vezes.

Portanto, desde os anos 20. século 20 começaram a aplicar uma tecnologia de animação simplificada: começaram a impor filmes transparentes com elementos móveis variáveis ​​em um padrão estático e imutável. Este foi o primeiro passo na mecanização do trabalho de um animador, que foi desenvolvido em informática.

Na animação por computador, apenas alguns quadros-chave são desenhados (chamados de chave), e os intermediários são gerados (calculados) por programas de computador. A animação independente de elementos individuais da imagem é fornecida criando objetos gráficos para cada personagem e colocando-os em diferentes camadas (semelhante às transparências na animação clássica).

Os principais tipos de animação por computador: animação quadro a quadro e automática (movimentos e formas).

A animação quadro a quadro (animação) consiste em desenhar todas as fases do movimento. Todos os quadros são quadros-chave.

A animação automática consiste em desenhar quadros-chave correspondentes às principais fases ou estágios do movimento e, em seguida, preencher automaticamente os quadros intermediários.

No centro de qualquer animação está a fixação das fases do movimento dos objetos - a determinação em cada momento de sua posição, forma, tamanho e outras propriedades, como a cor. Esta operação é chamada de fase ou temporização.

Para reduzir os custos de mão de obra e evitar erros ao trabalhar em um computador, é útil primeiro delinear as fases no papel.

Ao animar o movimento de objetos inanimados, você pode se limitar a indicar a trajetória do movimento e fixar objetos nas posições mais importantes.
Exemplo 1 Uma bola lançada horizontalmente atinge o chão três vezes. Esboce várias fases do movimento.

Vamos desenhar a trajetória do centro da bola. Vamos representar a posição da bola nos momentos de impacto no solo (1, 2, 3) e de maior subida (2, 4). Vamos adicionar algumas posições intermediárias.

Exemplo 2 Desenhe as fases do movimento de um homem andando e correndo.

Vamos representar as fases do movimento, conforme mostrado na figura.

Processo criação de animação passo a passo - é isso que queríamos abordar neste artigo. Pronto você pode ver no site do estúdio. Vamos falar sobre o processo aqui. Após a leitura deste texto, você poderá entender como costuma ser o trabalho nessa área, quem está envolvido no processo (uma breve descrição do trabalho de redatores, roteiristas, artistas, animadores, locutores, engenheiro de som) e obter uma ideia inicial de onde você pode iniciar o processo de aprendizado de animação.

É melhor dividir o trabalho em várias etapas principais e avançar passo a passo, é necessária clareza no processo de criação de animação.

CRIANDO UM DESENHO

Artigo

Como criar um desenho animado

As pessoas costumam perguntar como os desenhos animados são criados? Neste artigo, tentaremos descrever de forma breve, mas clara, como é esse processo. Muito depende de por que você precisa de um desenho animado.

Se você deseja solicitar um vídeo animado para sua empresa, é claro que precisa entrar em contato com profissionais. Se o desenho animado é um presente para seus amigos ou parentes, você pode fazer algo mais simples, mas é melhor fazer tudo certo também. Este não é um processo rápido e exige o profissionalismo de todos os participantes do processo.

Se você quiser aprender a fazer desenhos animados ou de alguma forma conectar seu trabalho com desenhos animados, este texto ajudará entender como tudo é feito e quem está envolvido nesse processo.

Fases de criação

É melhor dividir o trabalho em várias etapas principais. É mais conveniente dividir o trabalho em partes e avançar consistentemente passo a passo, especialmente se você não estiver fazendo um desenho animado para seu próprio prazer, mas para alguém que precisa de clareza no processo de criação de animação.

1. Escrevendo um roteiro de desenho animado

Nesta fase, o redator desenvolve um conceito geral, a ideia de um desenho animado. Muitas vezes as pessoas já têm alguma ideia do que querem ver no desenho animado. Às vezes até acontece que o roteiro já está totalmente desenvolvido.

Se este não for o caso, é elaborado um brief (algo como um questionário), que lista as principais questões que se propõem a serem respondidas. Normalmente, trata-se de perguntas sobre os objetivos perseguidos, sobre o público-alvo que os orienta na criação do desenho animado, sobre a duração do desenho animado, preferências de estilo, dublagem, etc.

Depois de preencher esse resumo, a situação fica muito mais clara e você pode criar um roteiro de desenho animado. Tendo um resumo completo, o roteirista geralmente oferece várias ideias de roteiro diferentes para escolher. A opção selecionada está sendo finalizada em um cenário completo.

Uma vez que o roteiro é aprovado, o desenvolvimento do personagem pode começar.

2. Desenvolvimento do personagem

O desenvolvimento do personagem geralmente é iniciado quando os principais objetivos do desenho animado, o grupo-alvo e as preferências de estilo já são conhecidos. De acordo com o cenário, o ilustrador ou o chamado artista conceitual desenvolve a imagem de cada um dos personagens dos desenhos animados. Às vezes, em um estágio separado, mesmo antes de os personagens serem desenhados, uma descrição do personagem de cada um dos personagens é desenvolvida - tal retrato de cada um dos personagens em forma de texto. Isso é feito para que o artista, ao desenvolver uma imagem visual, tenha uma ideia clara do caráter do personagem.

Primeiro, como regra, o artista faz alguns esboços, esboços simples com um lápis ou um tablet. Nesta fase, nem a cor nem a clareza da renderização são importantes. O principal é encontrar a imagem certa primeiro. 1-3 versões diferentes da imagem do personagem são criadas. Se você não gostar de nada, poderá fazer opções adicionais.

Após a aprovação do esboço, o próximo passo é sua revisão final e desenho final em cores e vetores (se for um desenho em flash).

Isso acontece com todos os personagens. Quando todos os personagens são desenhados e aprovado, você pode prosseguir com segurança para o storyboard.

3. Enredo

Ressalta-se que o storyboard, em geral, é uma etapa opcional. Um storyboard ajuda você a entender como o desenho ficará antes mesmo de começar a criar a animação. Portanto, se houver algum desejo ou preocupação especial a esse respeito, um storyboard para um desenho animado pode ser útil.

A essência do storyboard é simples - é a renderização das principais cenas do desenho animado em estática. A partir do storyboard, você pode entender como serão as cenas do desenho animado, sua sequência, duração (se o storyboard for com timecode), a localização dos principais objetos em segundo plano e também a localização dos personagens em relação ao fundo.

exemplo de storyboard de desenho animado

O storyboard pode ser preto e branco na forma de um esboço a lápis, pode ser colorido em um raster ou em um vetor. O detalhamento e o desenho também podem ser diferentes - tudo depende da complexidade do desenho e das tarefas.

Normalmente, um storyboard é suficiente para entender como tudo ficará em um desenho animado. Depois que o storyboard estiver pronto, na maioria das vezes, você pode começar a criar a animação. Mas em alguns casos (quando você precisa de 100% de confiança de que tudo ficará no desenho exatamente como você gostaria) é necessário mais um estágio intermediário - animatic.

4. Animação

Animatic é um storyboard animado. Não são mais imagens estáticas, mas também não são desenhos animados - algo intermediário. Um animatic geralmente é criado exatamente de acordo com o storyboard e de acordo com o tempo do desenho (se o desenho tem 30 segundos, então o animatic é feito exatamente 30 segundos, para que você possa entender a duração de cada cena antes que a próxima mude ).

Um exemplo de criação de um animatic

Os momentos mais importantes já podem ser animados no animatic (total ou parcialmente). Algo pode ser mostrado esquematicamente com setas, alguns quadros explicativos adicionais são inseridos, algo é assinado com texto, etc. O animatic não precisa ser limpo. Sua função é tornar o material do storyboard mais compreensível.

5. Crie um desenho animado

Animatic está pronto e aprovado. Agora você pode criar um desenho animado. O animador já tem tudo o que é necessário para isso. Em paralelo com a animação, o artista de fundo pode lidar com os fundos. Além disso, para um desenho animado completo, a dublagem de animação geralmente é necessária.

A dublagem pode ter diferentes níveis de complexidade e consiste nos seguintes componentes: leitura do locutor ou o trabalho dos atores, dublagem de eventos em desenho animado, sobreposição de música, escrita de poesia, canções, música original, mixagem de todo o material.

Mas voltando à animação. Cada animador tem seu próprio esquema de trabalho, do qual gosta mais e ao qual está acostumado. Na maioria das vezes, primeiro, de acordo com os animatics, o animador desenha os principais locais dos personagens. Depois disso, a animação de quadros intermediários entre esses locais e todo o resto já está em andamento.

Princípios básicos de animação

Na animação clássica (animação), um desenho animado é criado a partir de uma sequência de imagens estáticas (quadros). A taxa de quadros pode ser diferente (na maioria das vezes, é de 12 a 30 quadros por segundo). Ou seja, 12 a 30 quadros são visualizados por segundo, cada um ligeiramente diferente do anterior. Isso cria a aparência de movimento.

Quanto mais quadros por segundo, mais suave o movimento, quanto menor, mais instável. Para desenhos em flash na Internet, 12 a 18 quadros por segundo são mais usados ​​- isso se deve ao fato de que fazer 24 a 30 quadros por segundo é 2 vezes mais longo que 12 a 15. Para o padrão de TV Pal 24-25 quadros para NTSC 30 quadros por segundo. Mas, é claro, é melhor que a Internet faça os mesmos 24-25 quadros por segundo - essa animação parece mais suave e bonita.

Devo dizer que os desenhos animados para a Internet são geralmente desenhos animados em flash. Este programa de animação é focado especificamente na Internet e possui uma série de recursos que facilitam o trabalho em um desenho animado e reduzem o tamanho do arquivo final.

O tamanho do arquivo de desenho animado era muito importante alguns anos atrás, quando todo mundo ainda estava em modems e não havia dúvidas sobre o uso generalizado de vídeo online - tudo estava carregando muito devagar. Então o formato swf era indispensável para o desenho animado. No entanto, agora a situação mudou muito - a Internet tornou-se rápida e barata, e os desenhos animados, com mais frequência, já estão sendo convertidos para o formato de vídeo.

Animação de vídeo em Flash

Quanto à otimização do trabalho de um animador, o Flash também oferece soluções interessantes. A animação clássica quadro a quadro consome muito tempo e, como regra, para a Internet é completamente inútil. No flash, você pode fazer animação quadro a quadro e deslocando (usando interpolação de movimento), também, nas versões mais recentes do programa, foi adicionada a capacidade de criar animação por esqueleto e, é claro, o uso de símbolos (peças de animação podem ser repetidas e usadas muitas vezes quando necessário). Tudo isso ajuda significativamente a reduzir o tempo e tornar a animação mais rápida. É claro que a animação no esqueleto, mudando ou quadro a quadro, parecerá diferente em cada um desses casos. É mais razoável combinar essas possibilidades, alcançando um resultado ideal.

Pós-produção, composição de desenhos animados

A pós-produção e composição para desenhos animados é um trabalho que pode ser realizado após o desenho estar pronto. Este é um passo opcional (os desenhos em flash geralmente são feitos sem ele). No entanto, esta etapa não deve ser subestimada quando se trata de usar belas imagens raster em um desenho animado, efeitos coloridos interessantes, criando um desenho animado para TV. A animação pode ser em mídia mista. Por exemplo, pode haver um vídeo de pessoas filmadas com chroma key (em um fundo verde, que é removido posteriormente durante a composição). Digamos que algumas pessoas estão dançando neste vídeo. Você pode fazer fundos animados e colocar essas pessoas dançando lá, ou seja, elas já vão dançar em um país tão caricatural. Ou, inversamente, fotos ou vídeos podem ser usados ​​como plano de fundo e personagens animados podem ser sobrepostos no topo.

Você pode, por exemplo, gravar um vídeo de um restaurante e depois fazer um chef animado que passeia pelo restaurante e conta como tudo funciona nele. Com a ajuda da composição, você pode obter uma bela combinação orgânica de animação com fundos, fazer correção de cores, etc. Tudo isso permite que você torne o desenho o mais atraente e completo possível.

Devo dizer que os desenhos animados para a Internet são geralmente desenhos animados em flash. Este programa de animação é focado especificamente na Internet e possui uma série de recursos que facilitam o trabalho em um desenho animado e reduzem tamanho final do arquivo

Software de animação

Existem muitos programas de animação por aí. Existem diferentes técnicas e animações e diferentes versões de programas que permitem criar desenhos animados em várias técnicas.

Os mais populares são: Adobe Flash, Toonz, Toon Boom Studio, Adobe After Effects, Anime Studio. Existem muitos outros, mas vamos nos limitar a estes neste artigo.

Flash tornou-se líder na criação de animação para a web devido à sua flexibilidade. O Toon Boom Studio pode ser chamado de analógico, que possui características próprias, é claro, sem recursos de programação como flash.

Toonz é mais adequado para animação quadro a quadro. After Effects é um programa muito poderoso para criar efeitos, design de TV, composição, e você também pode fazer animação com sobreposição de raster. O Anime Studio é interessante por sua simplicidade, capacidade de animar o esqueleto e renderização raster de alta qualidade.

Em geral, tudo depende das tarefas e preferências. Existem também programas para animação 3D, animação de plasticina, etc. Mas esta é uma conversa separada.

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