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O conceito de "estética" vem do grego "aistetikos" - sentimento, sensual. Tudo o que é percebido sensualmente foi originalmente chamado de estético. Então, sob a estética, eles começaram a compreender aqueles fenômenos da realidade e produtos da atividade humana que possuem uma certa ordenação e que causam em nós experiências especiais do belo, do sublime, do trágico, do cômico.
A Estética nasceu como um campo do conhecimento, no qual o objetivo foi traçado:
em primeiro lugar, descrever, estudar as características dos fenômenos estéticos, revelar neles o geral, o essencial;
em segundo lugar, para compreender sua base, significado, seu lugar no ser;
em terceiro lugar, estudar o processo de criação desses valores, identificar as leis e os princípios da criatividade e percepção estética, se houver, e aprender a aplicá-los;
em quarto lugar, estudar as leis do impacto dos fenômenos estéticos da realidade e das obras de arte na consciência e na vontade de uma pessoa e usar essas leis.
No período dos tempos modernos, ocorre uma mudança radical na visão do mundo.
Deus está sendo cada vez mais deslocado da composição do ser, em seu lugar está a natureza, que é pensada como um dado direto, um conjunto de coisas dadas ao homem na experiência, um conceito geral para substâncias e energias, essências e leis.

- Um conceito surge primeiro e, em seguida, uma teoria completamente fundamentada da natureza subjetiva da estética. Em 1750, Baumgarten publica sua "estética", na qual entende a cognição sensorial como estética e se propõe a complementar duas partes da filosofia - a ontologia, a doutrina do ser, e a lógica - a doutrina do pensamento, e a terceira parte - a estética com a teoria da cognição sensorial. Acredita-se que a partir dessa época a estética adquiriu status próprio, assunto próprio e se tornou uma ciência independente.

Kant desempenhou um papel destacado na formação da estética como uma doutrina filosófica independente. Ele fez uma verdadeira revolução na estética.
o Kant começou a buscar a natureza da estética não fora do homem, não no espaço e não em Deus, mas no próprio homem, em suas habilidades. (capacidade de cognição, capacidade de desejo e sentimentos de prazer ou desprazer)
o Kant chegou à conclusão de que conhecemos o que é criado por nossa mente por meio da contemplação sensorial e categorias racionais. Em "Crítica da Razão Pura" ele prova que nossa razão prescreve leis para a natureza, que está sujeita à necessidade. Na "Crítica da Razão Prática" ele explora a capacidade do desejo, da razão, se desenvolve. como a moralidade e a doutrina da moralidade são possíveis, e chega à conclusão de que a razão estabelece leis para a vontade, e a razão atua de acordo com o princípio da liberdade.
o O mundo da natureza, sujeito ao princípio da necessidade, e o mundo do homem, o mundo da moralidade, sujeito ao princípio da liberdade, foram dilacerados. A Crítica da Faculdade de Julgamento explora o terceiro domínio da faculdade - as faculdades de prazer ou desprazer. A estética, segundo Kant, é a capacidade reconciliadora procurada.
A reconciliação é alcançada de acordo com o princípio do julgamento estético - esta é a conveniência sem um objetivo, ou uma forma de conveniência, quando consideramos um objeto, por assim dizer, criado de acordo com algum objetivo, mas que tipo de objetivo é, nós Não posso dizer. Se a forma do objeto corresponde à nossa capacidade de julgar, consideramos isso um expediente e experimentamos o prazer que surge do fato de que ocorre o jogo da imaginação e da razão, seu incentivo mútuo à atividade e sua limitação mútua. O princípio da conveniência subjetiva, portanto, dá à faculdade de julgamento, uma idéia que a razão não pode. Mas esta não é a ideia da razão, à qual nenhuma contemplação pode ser adequada. Trata-se de uma ideia estética, isto é, “aquela representação da imaginação, que dá origem a muito pensamento, e, no entanto, nenhum pensamento definido, ou seja, nenhum conceito, pode ser adequado a ela e, portanto, nenhuma linguagem é capaz de alcançá-lo plenamente e torná-lo compreensível "".
Kant destacou as principais características do julgamento estético e do gosto.
1. A primeira característica deste julgamento é o desinteresse. O desinteresse é entendido como a indiferença da contemplação à existência de um objeto.
2. A segunda característica: "Beleza é aquilo que é apresentado sem um conceito como um objeto de prazer universal."
3. Terceiro: "A beleza é uma forma de intencionalidade do objeto, uma vez que é percebida nele sem uma ideia da meta."
4. A quarta característica: "O que é belo é aquilo que é conhecido sem o meio de um conceito como um objeto de prazer necessário."
A questão é considerar um belo objeto como se criado de acordo com um plano pré-pensado, com um propósito específico, considerar o todo como precedendo as partes.
Se para Kant a capacidade estética de julgamento se correlaciona com a natureza como fonte de normas e modelos, e o gênio é o poder inato dado pela natureza para dar regras à arte, então entre os neokantianos a estética começou a ser reduzida a um sentimento exclusivamente subjetivo, ou melhor, para a consciência estética. Idealistas objetivos se opunham ao subjetivismo na estética.
A mais famosa foi a estética idealista-objetiva de Hegel.
Segundo Hegel, a beleza é a presença direta de uma ideia em um fenômeno específico.
a beleza é o aparecimento de uma ideia no estágio de seu desenvolvimento mais elevado, no estágio do espírito absoluto, que absorveu em seu conteúdo todos os estágios anteriores de desenvolvimento;
a beleza é o retorno do espírito a si mesmo apenas na forma de contemplação sensual.
a beleza e a estética em geral são uma contemplação sensual da verdade, que é mais plenamente alcançada na arte.

Hegel conseguiu incorporar teoricamente o conteúdo do desenvolvimento histórico-mundial à estética e à arte; ele considerava a arte e a estética na realidade como o estágio mais baixo de cognição da verdade. Este estágio foi superado pela religião e pela filosofia.
A estética, como conhecimento da verdade de forma sensível, dominada naquele período histórico em que o geral não se separava da existência vivente no indivíduo, o direito não se opunha ao fenômeno, mas o fim aos meios, mas onde se encontrava. foi compreendido pelo outro.
As categorias da estética eram vistas como formas de conscientização e superação das contradições: a beleza é um momento feliz no processo histórico, quando as contradições entre necessidade e liberdade, universal e individual, entre a fria exigência do dever e um ardente sentimento de simpatia e o amor é estabelecido e a harmonia é estabelecida entre a sociedade e o indivíduo. Ele via o trágico como uma violação da harmonia, a luta de forças separadas e o cômico como benevolência, confiança em sua ascensão incondicional acima de sua própria contradição.
Hegel deduziu a estética das próprias profundezas do ser - uma ideia absoluta que, enquanto se desenvolve, é corporificada ou se desdobra em formas de existência objetivas e subjetivas. O início do desdobramento da ideia é puro ser, nada acaba sendo igual, e disso nada surge tudo. Ao pensar, você pode começar do nada, mas então o conceito se enriquece com inúmeras definições e volta ao concreto.
Rússia do Novo Tempo.
No período dos tempos modernos na Rússia, pode-se falar sobre a estética religiosa russa, que parecia estar em alta. Na periferia dos movimentos culturais dos séculos 19 ao 20, que expressa de forma clara e clara muitos problemas essenciais da cultura espiritual de seu tempo e da cultura em geral, Berdyaev (um brilhante representante da estética religiosa) aderiu a uma orientação místico-romântica. Um dos principais temas de sua filosofia foi o conceito de criatividade; distinguido entre arte pagã e cristã; distinguiu dois tipos principais de criação artística - realismo e simbolismo.
As ideias mais proeminentes desta estética podem ser distinguidas:
1. Sentir ou mesmo uma compreensão clara da relação profunda entre arte e religião; artes e reino espiritual extraterrestre; discernimento da essência da arte na expressão (fenômeno, apresentação) do mundo espiritual objetivamente existente; um relato da realidade do contato do artista com este mundo no processo de criação artística.
2. Conscientização da dramática discórdia entre a consciência estética e ética, estética e religiosa e dolorosas tentativas de superá-la nos níveis teórico ou prático-criativo. Praticantes - escritores e artistas sentiram isso de forma especialmente aguda, pois intuitivamente sentiram que as metas e objetivos da ética, da estética e da religião estão próximos e estão no mesmo plano: a ética é chamada para trazer uma pessoa em harmonia com a sociedade, a sociedade; a estética indicava os modos de harmonizar o homem consigo mesmo e com o Universo como um todo; a religião estabeleceu pontes entre o homem e a Causa Primeira
sendo - por Deus.
3. A intensa procura de um princípio espiritual transformador na cultura e na arte - tanto a nível teórico como artístico.
4. A teurgia como trazendo a criatividade artística além dos limites da própria arte para a vida, transformando a própria vida de acordo com as leis estéticas e espirituais da criatividade, com base na ajuda divina.
5. Por fim, foram formuladas as características essenciais do fenômeno mais importante da cultura ortodoxa e da categoria principal da consciência estética - os ícones.

Na abordagem de Vl. A essência da beleza de Solovyov é a unidade total, ou a unidade do espírito da mente e da alma, e o sensual-concreto, físico, é apenas uma forma de manifestação da existência, que não é inevitável, necessária, inerente à beleza. Substantivo de beleza absoluta fora da incorporação física.

No período do Novo Tempo, ocorre uma mudança radical na visão do mundo.
O ser passa a ser pensado em três categorias: natureza, homem, cultura.
Deus está sendo cada vez mais deslocado da composição do ser, e a natureza está tomando o seu lugar.
O homem é visto como parte da natureza e, ao mesmo tempo, como pessoa, um ser individualmente único e independente.
Cultura é entendida como o que está entre a natureza e o sujeito, o que a pessoa cria por sua própria atividade.
O problema da estética e da arte está sendo repensado.

A partir dessa época, a estética ganhou status próprio, assunto próprio, e se tornou uma ciência independente.

Kant:
buscou a natureza da estética no homem, em suas habilidades.
chegou à conclusão de que sabemos o que é criado por nossa mente através da contemplação sensorial e categorias racionais
o mundo da natureza e o mundo do homem, o mundo da moralidade, foram dilacerados. A estética, segundo Kant, é a capacidade reconciliadora procurada. A reconciliação é alcançada com base no julgamento estético.

Características principais:
1. Desinteresse.
2. "A beleza é um objeto de prazer universal."
3. "A beleza é a forma de conveniência do objeto"
4. "O que é belo é aquilo que é percebido como um objeto de prazer necessário."
A questão é considerar um belo objeto como se fosse criado de acordo com um plano pré-planejado, com uma finalidade específica.

Entre os neokantianos, a estética começou a ser reduzida à consciência estética.

Hegel: a presença de uma ideia em um fenômeno concreto.
a beleza é o aparecimento de uma ideia no estágio de seu desenvolvimento mais elevado;
a beleza é o retorno do espírito a si mesmo na forma de contemplação sensual.
a beleza e a estética são uma contemplação sensual da verdade, que é mais plenamente alcançada na arte.
As categorias da estética foram vistas como superadoras de contradições:
A beleza é um momento feliz no processo histórico em que as contradições entre a necessidade e a liberdade, o universal e o individual são superadas.
Trágico como uma violação da harmonia, uma luta de forças.

Classicismo:
O "estilo de ordem", a plasticidade das esculturas simbolizavam as verdades "eternas" e "imutáveis" da unidade (integridade) - as verdades de bondade e beleza que subjazem ao "macrocosmo". E, visto que o homem era entendido como um "microcosmo", ele também poderia ser dotado das características eternas e imutáveis ​​de beleza e harmonia, que Vitrúvio representava simbolicamente como a figura de um homem harmonioso inscrito em um círculo.

Barroco:
O estilo se manifestou mais vividamente na arquitetura:
1. Fortalecimento dos recursos de visualização; em particular, em composições de fachada:
a) a fachada torna-se uma decoração
b) a fachada - como imagem de um edifício imaginário inexistente: as colunas projetam-se para a frente, aprofundam-se, transformam-se em pilastras planas; janelas - às vezes como vãos, às vezes como um elemento figurativo
2. Definir algumas formas para outras
3. Excessos de vários tipos (detalhes, abundância de decorações).

Na primeira metade do século 20, uma das escolas culturais e estéticas mais populares do nosso século, o Freudianismo, foi formada. Seu fundador, o filósofo e psiquiatra austríaco Sigmund Freud (1856-1939), introduziu nas teorias intuicionistas de seus colegas uma explicação do subconsciente do ponto de vista da vida sexual de uma pessoa. E embora nas obras do filósofo não haja uma apresentação sistemática da teoria estética, julgamentos separados sobre questões de estética e cultura artística estão contidos em suas "Lições sobre uma introdução à psicanálise" (1918), no livro "Insatisfação com a cultura" (1930), bem como nos artigos “Leonardo da Vinci. A Study on Psychosexuality ”(1910),“ Dostoevsky and Parricide ”(1928),“ Poet and Fantasy ”(1911). A doutrina de Freud das estruturas instintivas inconscientes inatas teve um impacto tremendo na prática da chamada "cultura de massa" que estava se formando no início do século XX. Na verdade, em sua teoria do inconsciente, o filósofo partiu do fato de que a essência do homem se expressa na liberdade dos instintos. A principal influência do freudianismo na "cultura de massa" reside no uso de seus instintos de medo, sexo e agressividade. A psicanálise de Freud criou uma escola muito representativa que ainda existe hoje. Um papel especial no desenvolvimento da doutrina freudiana pertence a O. Rank, G. Sachs e especialmente K.G. Jung. No século XX, as ideias dos pensadores do século passado A. Schopenhauer e F. Nietzsche foram resumidas no conceito estético de elite do filósofo espanhol Jose Ortega y Gasset (1883-1955). Em 1925, publicou-se na Europa sua obra mais famosa, intitulada "A Desumanização da Arte", dedicada ao problema da diferença entre a velha e a nova arte. A principal diferença entre a arte nova e a velha, segundo Ortega y Gasset, é que ela se dirige à elite da sociedade, e não à sua massa.

O livro de Ortega y Gasset "The Deshumanization of Art" tornou-se legitimamente um verdadeiro manifesto de vanguarda. O filósofo fica do lado daquela parte da intelectualidade criativa europeia do início do século, que tentava criar uma nova arte. A este respeito, é necessário analisar as tendências, tendências e estilos artísticos mais marcantes que se declararam neste período histórico.

Avant-garde (da vanguarda francesa de vanguarda) é um conceito que uniu várias escolas e direções da arte europeia dos anos 10-20 do século XX nos princípios de uma renovação radical da prática artística. O termo "vanguarda" tornou-se firmemente estabelecido na estética da crítica de arte na década de 1920. O principal grupo de escolas de vanguarda (Futurismo, Dadaísmo, Cubismo, Expressionismo, Suprematismo) declarou-se niilismo extremo, o grau máximo de negação da tradição cultural anterior da experiência artística clássica. A realização prática da vanguarda era característica de vários tipos de arte: literatura (L. Aragon, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky), teatro (V. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), música (M. Čiurlionis, A. Schoenberg, A. Scriabin). No entanto, a vanguarda foi mais obviamente realizada nas artes visuais. A pintura de vários movimentos de vanguarda foi caracterizada pela rejeição da semelhança com a vida artística. A arte da vanguarda, com raras exceções (cubismo, geometrização convencional da natureza, abstracionismo com sua geometria puramente fantástica), é não figurativa. A rejeição da objetividade e a transformação em um fim em si de meios artísticos como cor, composição, textura foi ditada pelo sentimento de crise da civilização moderna.

Na segunda metade do século 20, pesquisas criativas, experimentos ousados ​​continuaram na estética e na arte europeias, ideias influentes, novas escolas de arte e descobertas promissoras significativas apareceram. Tendências estéticas existencialistas, estruturalistas, socioculturais, representadas pelos nomes de J.-P. Sartre, A. Camus, K. Levi-Strauss, R. Barthes, T. Adorno e outros. A escola estética mais significativa, que se formou nos anos 40-50 na França, pertenceu à direção existencialista e se manifestou especialmente nas obras de J.P. Sartre e A. Camus. Convém lembrar que o fundador do existencialismo filosófico, Seren Kierkegaard (1813-1855), via a filosofia como uma reflexão sobre o ser com base na existência humana pessoal - a "existência". O conceito estético de existencialismo também reconhecia como verdadeiro apenas a existência individual de uma pessoa e a possibilidade de conhecer a "existência" com a ajuda da imaginação e das emoções humanas, que por sua vez são o lado mais importante da criatividade artística.

O filósofo e escritor francês Jean-Paul Sartre (1905-1980) em suas obras "Imagination" (1936), "Essay on the Theory of Emotions" (1939), "Imaginary" (1940) discute em detalhes as várias propriedades da consciência humana . Sartre interpreta a consciência humana como transcendental, ou seja, ultrapassando os limites de qualquer experiência e sendo a fonte, a base da vida, incluindo a atividade criativa de uma pessoa. Na mente de um filósofo, as obras de arte não são um reflexo direto da realidade, portanto a chamada “consciência imaginante” de qualquer artista carrega um caráter criativo, pois surge por si mesma e está livre de todas as manifestações da realidade. Uma expressão das visões estéticas de Albert Camus (1913-1960) é o capítulo final de sua obra filosófica "O Mito de Sísifo" (1942), na qual desenvolve a ideia central de sua obra - sobre o absurdo do ser humano existência no mundo. O “absurdo”, o sentimento de solidão e alienação do mundo exterior, a onipotência da morte tornam-se constantes no drama, na prosa e na estética de Camus. Ao absurdo, segundo Camus, também pertence uma obra de arte. No entanto, o próprio ato de criação artística permite a uma pessoa preservar a consciência no mundo do caos. Posteriormente, a "Estética do absurdo" se transforma no filósofo na "estética da rebelião". Em 1951, foi publicado o ensaio político "O Homem Rebelde", no qual Camus se opunha aos extremos da arte, ideológicos e puramente formalistas. Tanto em O Homem Rebelde quanto em seus discursos de entrega do Prêmio Nobel (1957), Camus enfatiza que a verdadeira arte reflete o destino humano e busca dominar o destino.

Na década de 50, os conceitos intuitivos e existencialistas da estética da Europa Ocidental passam para segundo plano, dando lugar ao estruturalismo. A essência do estruturalismo foi expressa por seu teórico-chefe Claude Levi-Strauss (nascido em 1908). Formulou as principais etapas da análise estruturalista da pesquisa: "leitura" do texto, sua microanálise, interpretação, decodificação e modelagem final. O estruturalismo tornou-se a base de uma tendência literária e estética muito popular nos anos 60, chamada de Nova Crítica, liderada pelo professor parisiense Roland Barthes (1915-1980). Em seu livro Crítica e Verdade (1966), ele propõe que a ciência da literatura não deve se preocupar em elucidar o significado das obras, mas deve criar leis universais para a construção de uma forma literária.

Nos anos 60 e 70, os conceitos sociológicos representados pelos nomes de T. Adorno, G. Marcuse e E. Fromm foram amplamente difundidos na Europa Ocidental e nos Estados Unidos. Esses nomes são explicados pelo desejo de investigar a correspondência das estruturas imanentes internas das obras de arte a certos tipos de relações sociais estabelecidas.

O desenvolvimento da ciência estética na Europa Ocidental e nos Estados Unidos na primeira metade deste século expressou esse período contraditório em muitos de seus conceitos e teorias, principalmente de natureza irrealista, para muitos dos quais o termo "modernismo" foi estabelecido.

Modernismo (do francês moderno moderno, moderno) é uma designação simbólica geral dos rumos da arte do século XX, que se caracterizam pela rejeição dos métodos tradicionais de representação artística do mundo.

O modernismo como sistema artístico foi elaborado por dois processos de seu desenvolvimento: a decadência (ou seja, a fuga, a rejeição da vida real, o culto à beleza como único valor, a rejeição dos problemas sociais) e a vanguarda (cujos manifestos chamam para romper com o património do passado e criar algo novo, ao contrário das atitudes artísticas tradicionais).

Todas as principais direções e tendências do modernismo - cubismo, expressionismo, futurismo, construtivismo, imagismo, surrealismo, abstracionismo, pop art, hiperrealismo, etc., rejeitaram ou transformaram todo o sistema de meios e técnicas artísticas irreconhecíveis. Especificamente, em vários tipos de arte, isso se expressou: na mudança das imagens espaciais e na rejeição dos padrões artístico-figurativos nas artes visuais; na revisão da organização melódica, rítmica e harmônica na música; no surgimento de um "fluxo de consciência", um monólogo interno, edição associativa na literatura, etc. As idéias do voluntarismo irracionalista de A. Schopenhauer e F. Nietzsche, a doutrina da intuição de A. Bergson e N. Lossky, a psicanálise teve uma grande influência na prática do modernismo Freud e C.G. Jung, o existencialismo de M. Heidegger, J.-P. Sartre e A. Camus, a teoria da filosofia social da escola de Frankfurt de T. Adorno e G. Marcuse.

O clima emocional geral das obras de artistas modernistas pode ser expresso na seguinte frase: o caos da vida moderna, sua desintegração contribuem para a desordem e a solidão de uma pessoa, seus conflitos são insolúveis e sem esperança, e as circunstâncias em que ela se encontra colocados são intransponíveis.

Após a Segunda Guerra Mundial, a maioria dos movimentos modernistas na arte perdeu suas antigas posições de vanguarda. Na Europa e na América do pós-guerra, as culturas de "massa" e de "elite" com as correspondentes várias correntes e tendências estéticas começaram a se manifestar ativamente, assim como escolas estéticas de natureza não marxista. Em geral, o estágio do pós-guerra no desenvolvimento da estética estrangeira pode ser definido como pós-moderno.

O pós-modernismo é um conceito que denota um novo e último superestágio na cadeia de tendências culturais que mudam naturalmente umas às outras ao longo da história. O pós-modernismo como paradigma da cultura moderna é uma direção geral de desenvolvimento da cultura europeia, que se formou na década de 70. Século XX

A emergência de tendências pós-modernas na cultura está associada à consciência das limitações do progresso social e ao medo da sociedade de que seus resultados ponham em risco a destruição do próprio tempo e espaço da cultura. O pós-modernismo, por assim dizer, deveria estabelecer os limites da intervenção humana nos processos de desenvolvimento da natureza, da sociedade e da cultura. Portanto, o pós-modernismo se caracteriza pela busca de uma linguagem artística universal, pela convergência e fusão de várias direções artísticas, aliás, pelo “anarquismo” dos estilos, sua infinita variedade, ecletismo, colagem, reino da montagem subjetiva.

As características do pós-modernismo são:

Orientação da cultura pós-moderna tanto para a “massa” quanto para a “elite” da sociedade;

A influência significativa da arte nas esferas extra-artísticas da atividade humana (na política, religião, informática, etc.);

Pluralismo estilístico;

Extensas citações em suas criações de obras de arte de épocas anteriores;

Ironia sobre as tradições artísticas de culturas passadas;

Usar a técnica do jogo na criação de obras de arte.

Na criação artística pós-moderna, há uma reorientação consciente da criatividade para a compilação e a citação. Para o pós-modernismo, criatividade não é igual a criação. Se nas culturas pré-pós-modernas o sistema "artista - obra de arte" funciona, então no pós-modernismo a ênfase é deslocada para a relação "obra de arte - observador", o que indica uma mudança fundamental na consciência do artista. Ele deixa de ser um "criador", pois o sentido de uma obra nasce diretamente no ato de sua percepção. Uma obra de arte pós-moderna deve necessariamente ser vista, exposta, ela não pode existir sem o observador. Podemos dizer que no pós-modernismo ocorre uma transição do "trabalho artístico" para a "construção artística".

O pós-modernismo como teoria recebeu substanciação substancial nas obras de J. Baudrillard "The System of Things" (1969), JF Lyotard "Postmodern Knowledge" (1979) e "Dispute" (1984), P. Sloterdijk "The Magic Tree" ( 1985) e dr.

Nesta seção, serão analisadas apenas as tendências estéticas e escolas de orientação não marxista mais importantes, bem como os principais problemas da ciência estética do século XX.

Plano

Introdução

Questão 1. Estética dos tempos modernos e estética moderna

Questão 2. As especificidades do Protestantismo como uma das direções do Cristianismo

Conclusão

Lista de fontes usadas

Introdução

O objeto de estudo no teste é o objeto de estudos de ética, estética e religião.

O objeto de estudo são os aspectos individuais da disciplina.

A relevância do estudo se deve principalmente ao fato de que cada religião é uma cosmovisão e pensamento social, revestida em forma de culto. Casos em que a religião não permanece a mesma, mas é complementada pela vida e mudanças nela, são especialmente interessantes para a pesquisa. Ao mesmo tempo, cada período de desenvolvimento humano, de acordo com suas visões morais, éticas e filosóficas, forma sua própria ética e estética de comportamento, atividade humana em sociedade. Os processos de desenvolvimento religioso costumam estar diretamente relacionados às normas éticas da sociedade e às encarnações estéticas. Às vezes, a ética e a estética vão contra o culto religioso, superando e introduzindo novas ideias filosóficas.

O objetivo do trabalho, com base na literatura metodológica e educacional estudada, é caracterizar o objeto de pesquisa no trabalho de controle.

Para atingir este objetivo, pretende-se resolver as seguintes tarefas principais:

Considere as características da estética moderna e da estética moderna;

Descrever o processo de emergência do Protestantismo e os princípios desta religião, apresentar os principais sinais do culto a esta fé;

Resuma os resultados da pesquisa no trabalho.

Questão 1. Estética dos tempos modernos e estética moderna

O humanismo, e depois a filosofia natural, tornou-se a base ideológica da Nova Era.

Humanismo- de lat. humano - reconhecimento do valor da pessoa como pessoa, seu direito ao livre desenvolvimento e à manifestação de suas habilidades. A afirmação do bem de uma pessoa como critério de avaliação das relações sociais. Em um sentido filosófico - livre-pensamento secular, oposto à escolástica e ao domínio espiritual da igreja. Nesta era, havia uma espécie de deificação do homem - o "microcosmo", um ser igual a Deus, criando e criando a si mesmo. Essas visualizações representam antropocentrismo... Este é um termo filosófico que criou raízes na segunda metade do século 19 para denotar ensinamentos idealistas que vêem no homem o objetivo central e supremo do universo. Mas suas bases foram lançadas durante o Renascimento.

Panteísmo- do grego. theos, que significa deus. Esses são ensinamentos religiosos e filosóficos que identificam Deus e o mundo como um todo. As tendências panteístas se manifestaram no misticismo herético da Idade Média. O panteísmo é característico da filosofia natural do Renascimento e do sistema materialista de Spinoza, que identificou o conceito de "deus" e "natureza".

Essa atitude para com o homem marcou o surgimento de novas formas de autoconsciência e do individualismo renascentista. A ênfase foi colocada nas questões éticas, a doutrina do livre arbítrio do indivíduo, voltada para o bem e o bem comum. Ocorreu uma espécie de reabilitação de uma pessoa e de sua mente. Rejeitou a atitude teológica medieval em relação ao homem como um vaso pecaminoso condenado a sofrer em vida. Alegria e prazer foram declarados o objetivo da existência terrena. Foi proclamada a possibilidade de uma existência harmoniosa do homem e do mundo circundante. Os humanistas contribuíram para o desenvolvimento do ideal de uma personalidade perfeita e amplamente desenvolvida, cujas virtudes foram determinadas não pela nobreza de nascimento, mas por ações, inteligência, talentos e serviços prestados à sociedade. No Humanismo, desde os primórdios, foram concluídas as tendências filosófico-naturais, que receberam especial desenvolvimento no século XVI. O principal problema que preocupava os filósofos naturais era a relação entre Deus e a natureza. Diante disso, eles se esforçaram para superar o dualismo do pensamento medieval, eles entenderam o mundo como uma conexão orgânica entre matéria e espírito. Reconhecendo a materialidade e a infinitude do mundo, dotaram a matéria com a capacidade de se reproduzir e, ao mesmo tempo, a vida, criando doutrina do espaço vital... Assim, nos sistemas filosóficos da Renascença, uma imagem panteísta do mundo foi formada. A ideia da animalidade universal do universo colocava em questão a existência do sobrenatural, do sobrenatural, uma vez que tudo o que era milagroso era declarado natural, natural, potencialmente cognoscível: assim que era descoberto e explicado como deixava de ser milagroso. Esses julgamentos vão contra o dogma da igreja. A escolástica medieval, baseada no conhecimento e nas autoridades do livro, o humanismo e a filosofia natural foram combatidos pelo racionalismo, um método experimental de compreensão do mundo, baseado na percepção sensorial e na experimentação. Ao mesmo tempo, a animação do cosmos levou à ideia da presença de uma misteriosa conexão entre o homem e a natureza, o reconhecimento das ciências ocultas. A ciência era entendida como magia natural, a astronomia estava interligada com a astrologia, etc. Em geral, a compreensão da natureza como um mestre interno, agindo de forma independente, vivendo de acordo com suas próprias leis, significou uma ruptura com as idéias medievais estabelecidas sobre um deus criador e levou ao nascimento de uma nova religião natural. Esta convulsão ideológica foi baseada no aumento das forças produtivas, produção material, ciência e tecnologia. Tudo isso levou ao desenvolvimento progressivo da Europa.

A característica distintiva mais importante da visão de mundo do Renascimento é sua orientação para a arte. Se o foco da antiguidade era a vida cósmica natural, na Idade Média era Deus e a ideia de salvação a ele associada, então na Renascença o foco está no homem. Portanto, o pensamento filosófico desse período pode ser caracterizado como antropocêntrico.

No Renascimento, o indivíduo adquire uma independência muito maior, ele representa cada vez mais não uma ou outra união, mas a si mesmo. Assim, cresce uma nova autoconsciência de uma pessoa e sua nova posição social: orgulho e auto-afirmação, a consciência de sua própria força e talento tornam-se as qualidades distintivas de uma pessoa.

A versatilidade é o ideal do homem da Renascença. Teoria da arquitetura, pintura e escultura, matemática, mecânica, cartografia, filosofia, ética, estética, pedagogia - este é o círculo de ocupações, por exemplo, do artista florentino e humanista Alberti.

Voltemos ao raciocínio de um dos humanistas do século XV, Giovanni Pico (1463-1494), no seu célebre “Discurso sobre a Dignidade do Homem”. Depois de criar o homem e "colocá-lo no centro do mundo", Deus, segundo este filósofo, dirigiu-se a ele com as seguintes palavras: você tinha um dever de sua própria vontade, de acordo com sua vontade e sua decisão. "

Pico pensa em um homem a quem Deus deu o livre arbítrio e que deve decidir o seu próprio destino, determinar o seu lugar no mundo. O homem aqui não é apenas um ser natural, mas um criador de si mesmo.

No Renascimento, qualquer atividade - seja a atividade de um artista, escultor, arquiteto ou engenheiro, navegador ou poeta - é percebida de forma diferente do que na Antiguidade e na Idade Média. Os antigos gregos colocavam a contemplação acima da atividade (em grego, a contemplação é uma teoria). Na Idade Média, o trabalho era visto como uma espécie de expiação pelos pecados. No entanto, a forma mais elevada de atividade é aqui reconhecida que leva à salvação da alma, e é em muitos aspectos semelhante à contemplação: esta é a oração, um ritual de serviço. E apenas no Renascimento, a atividade criativa adquire uma espécie de caráter sagrado. Com sua ajuda, a pessoa não apenas satisfaz suas necessidades perticular-terrenas; ele cria um novo mundo, cria beleza, cria o que há de mais elevado no mundo, ele mesmo. E não é por acaso que foi durante o Renascimento que a linha que existia anteriormente entre a ciência, a atividade prática e técnica e a fantasia artística foi borrada pela primeira vez. Um engenheiro e um artista agora não é apenas um "artesão", um "técnico", agora é um criador. A partir de agora, o artista imita não apenas as criações de Deus, mas a própria criatividade divina. No mundo da ciência, encontramos essa abordagem em Kepler, Galileo, Navanieri.

A pessoa busca libertar-se de sua raiz transcendental, buscando um fulcro não só no cosmos, do qual parecia ter crescido nessa época, tanto quanto em si mesma, sob uma nova luz - o corpo, através do qual agora vê a corporeidade em geral de uma maneira diferente. Paradoxalmente, foi justamente a doutrina medieval da ressurreição do homem na carne que levou à "reabilitação" do homem com toda a sua corporeidade material, tão característica do Renascimento.

O antropocentrismo está associado ao culto da beleza característico da Renascença, e não é por acaso que a pintura, representando principalmente um belo rosto e corpo humano, se tornou a forma de arte dominante nesta época. Entre os grandes artistas - Botticelli, Leonardo da Vinci, Rafael, a visão de mundo renascentista ganha sua expressão máxima.

Na Renascença, o valor do indivíduo aumentou como nunca antes. Nem na Antiguidade nem na Idade Média houve um interesse tão ardente pelo ser humano em toda a diversidade de suas manifestações. Acima de tudo, nesta era, a originalidade e a singularidade de cada indivíduo são colocadas.

O rico desenvolvimento da individualidade nos séculos XV-XVI foi freqüentemente acompanhado pelos extremos do individualismo: o valor intrínseco da individualidade significa a absolutização da abordagem estética do homem.

Questão 2. As especificidades do Protestantismo como uma das direções do Cristianismo

O protestantismo é uma das três principais direções do cristianismo, junto com o catolicismo e a ortodoxia, que é uma coleção de numerosas igrejas e seitas independentes associadas à Reforma, um amplo movimento anticatólico do século XVI. na Europa. O movimento começou na Alemanha em 1517, quando M. Luther publicou suas "95 teses", e terminou na segunda metade do século XVI. reconhecimento oficial do protestantismo. Durante a Idade Média, muitas tentativas foram feitas para reformar a Igreja Católica. No entanto, o termo "reforma" apareceu pela primeira vez no século 16; foi introduzida pelos reformistas para expressar a ideia da necessidade de retornar a igreja às suas origens bíblicas. Por sua vez, a Igreja Católica Romana viu a Reforma como uma rebelião, uma revolução. O conceito de "protestante" originou-se como um nome comum para todos os apoiadores da Reforma.

Fundamentos racionalistas da cultura.É impossível traçar uma linha perfeitamente precisa entre as culturas dos séculos XVI e XVII. Já no século 16, novas idéias sobre o mundo começaram a tomar forma nos ensinamentos dos filósofos naturais italianos. Mas a verdadeira virada na ciência do universo ocorre na virada dos séculos 16 e 17, quando Giordano Bruno, Galileo Galilei e Kepler, desenvolvendo a teoria heliocêntrica de Copérnico, chegam à conclusão sobre a pluralidade dos mundos, sobre a infinito do universo, em que a terra não é o centro, mas uma pequena partícula quando a invenção do telescópio e do microscópio revelou ao homem a existência do infinitamente distante e infinitamente pequeno.

No século XVII, mudou a compreensão do homem, seu lugar no mundo, a relação entre o indivíduo e a sociedade. A personalidade do homem da Renascença é caracterizada pela unidade e totalidade absolutas, é desprovida de complexidade e desenvolvimento. Personalidade - o Renascimento - afirma-se em harmonia com a natureza, que é uma boa força. A energia de uma pessoa, assim como a fortuna, determinam seu caminho de vida. No entanto, este humanismo "idílico" já não era adequado para a nova era, quando o homem deixava de se reconhecer como o centro do universo, quando sentia toda a complexidade e contradições da vida, quando devia travar uma luta feroz contra o feudal. Reação católica.

A personalidade do século XVII não tem valor em si mesma, como a personalidade do Renascimento, depende sempre do meio ambiente, da natureza e da massa de pessoas com que se quer mostrar, espantá-la e convencê-la. Esta tendência, por um lado, para impressionar a imaginação das massas, e por outro, para a convencer é uma das principais características da arte do século XVII.

A arte do século XVII, como a arte do Renascimento, é caracterizada pelo culto ao herói. Mas este é um herói que se caracteriza não por ações, mas por sentimentos, experiências. Isso é evidenciado não só pela arte, mas também pela filosofia do século XVII. Descartes cria a doutrina das paixões e Spinoza examina os desejos humanos, "como se fossem linhas, planos e corpos".

Essa nova percepção do mundo e do homem poderia adquirir um duplo sentido no século XVII, dependendo de como fosse utilizada. Neste mundo complexo, contraditório e multifacetado da natureza e da psique humana, seu lado caótico, irracional, dinâmico e emocional, sua natureza ilusória, suas qualidades sensuais poderiam ser enfatizadas. Este caminho conduziu ao estilo barroco.

Mas a ênfase também poderia ser colocada em ideias claras e distintas que veem a verdade e a ordem neste caos, no pensamento, lutando com seus conflitos, na razão, superando paixões. Esse caminho levou ao classicismo.

O barroco e o classicismo, tendo recebido seu desenho clássico na Itália e na França, respectivamente, espalharam-se em um grau ou outro por todos os países europeus e foram as tendências dominantes na cultura artística do século XVII.