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Na literatura, música e outras artes, vários tipos de obras se desenvolveram ao longo de sua existência. Na literatura, isso é, por exemplo, um romance, uma história, uma história; na poesia - um poema, uma balada; nas artes plásticas - paisagem, retrato, natureza morta; na música, ópera, sinfonia e assim por diante.

O tipo de obras dentro de algum tipo de arte é chamado de gênero da palavra francesa (gênero) - gênero, tipo.
Nem todos os gêneros musicais surgiram ao mesmo tempo. A ópera, por exemplo, nasceu na Itália no final do século XIX, e o poema sinfônico foi criado em meados do século XIX por Franz Liszt.
Durante sua existência, vários gêneros mudaram muito, mas todos mantiveram suas principais características. Assim, uma ópera é uma obra para teatro musical, que tem um enredo, é cenográfica e é interpretada por artistas, cantores e uma orquestra. Você não pode confundir com balé e sinfonia. Mas, afinal, as óperas também são diferentes: históricas, heróicas, cômicas, líricas. Todos eles têm características próprias, embora pertençam ao mesmo gênero operístico. E então, quando precisamos esclarecer de que tipo de ópera estamos falando, novamente, mas em um sentido mais restrito da palavra, usamos o termo "gênero".
Dizemos: o gênero da ópera lírica, o gênero do drama musical, o gênero da ópera épica... Dentro do conceito geral (gênero) da música vocal, distinguimos os gêneros de romance, canções, etc.
Este termo tem outro significado. Talvez você já tenha ouvido o que dizem sobre um artista: ele é um pintor de gênero. Isso significa que o artista cria pinturas sobre assuntos cotidianos. Tais quadros foram pintados, por exemplo, por V. Petrov. Da pintura, a palavra gênero nesse sentido passou para outras artes, inclusive a música. Se estamos falando de alguma obra: tem episódios de gênero, isso significa que o compositor introduziu uma música, dança ou marcha nela. Sinfonia

Sinfonia em grego significa consonância. É usado não só em relação à orquestra, à música. Por exemplo, o poeta russo Balmont viu "uma sinfonia de cores e farfalhar" na beleza outonal da natureza. Uma sinfonia na música é uma grande obra escrita para uma orquestra sinfônica. Ouvindo uma sinfonia, não sabemos com o que o compositor está triste, estamos tristes com a nossa. Não sabemos exatamente quais imagens da natureza surgiram diante de seus olhos. Com os sons da música, o que nós mesmos vemos ganha vida.
A sinfonia tem várias partes (Ouvindo a Sinfonia N6 de P.I. Tchaikovsky). Os compositores escreveram concertos para uma orquestra sinfônica e alguns instrumentos. Ópera

A ópera é uma performance em que os personagens não falam, mas cantam. A ópera, como uma peça, é um dos tipos de arte teatral.
A música é central para a ópera.
Para que o conto de fadas possa subir ao palco, ele é refeito em uma “peça de ópera” - o libreto é escrito.
Os atores transmitem todos os seus pensamentos cantando. Quando um dos personagens canta no palco, chamamos de ária ou arioso. Se duas pessoas cantam, este é um dueto, três - um trio, quatro - um quarteto.
Às vezes, episódios de dança ajudam a revelar o conteúdo do trabalho de forma mais completa. Então cenas de balé aparecem na ópera.
Com a ajuda da música, o compositor cria na ópera não apenas retratos de personagens, mas imagens inteiras.
A maioria das óperas começa com uma abertura. A palavra "abertura" é francesa e significa abertura. É executada pela orquestra antes que a cortina se abra. A abertura contém as principais melodias da ópera. Antes dos atos 1 e 2, soam “intermissões” (introduções musicais).
Então, o principal na ópera é a música, o som da orquestra e as vozes. Mas a ópera é ao mesmo tempo drama, dança e pintura, fundidos em um. É por isso que a ópera causa uma impressão particularmente forte nos ouvintes, é a forma mais compreensível de música séria. Balé

O balé é um tipo de arte performática; performance, cujo conteúdo é incorporado em imagens musicais e coreográficas. Com base em um plano dramático geral (cenário), o balé combina música, coreografia (dança e pantomima) e artes plásticas (decoração, figurino, iluminação, etc.) Diferentes épocas deram origem a várias colaborações criativas do compositor e coreógrafo, seus tipos próprios de interação entre música e coreografia. Às vezes a música no balé é apenas um acompanhamento, em outros casos a coreografia busca revelar o conteúdo profundo da música.
O balé europeu moderno originou-se durante o Renascimento. Surgiu a palavra "Ballet", que significava então uma composição que transmitia na dança não um enredo, mas uma propriedade ou estado de caráter. A arte amadureceu dentro de outras formas: procissões, mascaradas, torneios equestres, refeições solenes. No final do século XV, o balé fazia parte do espetáculo criado por poetas e artistas famosos.
No século 16, o gênero máscara havia se desenvolvido na Inglaterra.
No século XVIII, o balé como performance começou a se estabelecer nos teatros de Viena, onde uma ação puramente coreográfica se desenvolveu com base no roteiro e na música.
Ballet existiu na Alemanha, Suécia, Holanda. As formas de balé emprestadas dos italianos e franceses foram enriquecidas com cores nacionais.
Em meados do século XIX, a forma de performance multi-ato e a forma de música de balé (danças gerais que completam um ato ou performance, procissões de feiras, valsas, polcas, galopes), bem como a estrutura de danças de solistas, estabilizados.
No início do século XX, a estética do academismo do balé atingiu seu ápice nas obras dos grandes mestres russos (A.A. Gorsky, M.M. Fokin), cuja obra foi influenciada pela arte de A. Duncan, bailarino americano, torcedor de dança livre.
No final de 1950, o balé estava se tornando difundido em todos os países do mundo.

gêneros musicais.

Música(grego μουσική, adjetivo do grego Μούσα - musa) - arte, o meio de encarnar imagens artísticas para as quais são som e silêncio, organizados de maneira especial no tempo.

Gênero musical- um tipo de música, obras musicais, distinguidas por características estilísticas especiais peculiares apenas a ela. O conceito de gênero na música situa-se na fronteira entre as categorias de conteúdo e forma e permite julgar o conteúdo objetivo de uma obra a partir do complexo de meios expressivos utilizados. Caracteriza, via de regra, os gêneros e tipos de obras musicais historicamente estabelecidos. Na musicologia, desenvolveram-se vários sistemas de classificação de um gênero musical, que dependem de qual dos fatores causadores do gênero é considerado o principal. Muitas vezes a mesma obra pode ser caracterizada de diferentes pontos de vista, ou o mesmo gênero pode ser atribuído a vários grupos de gêneros. Também é possível destacar “gêneros dentro de gêneros”, por exemplo, vários gêneros de música vocal e instrumental incluídos na ópera. A ópera, por outro lado, é essencialmente um gênero sintético que combina várias formas de arte. Portanto, ao classificar, é necessário ter em mente qual fator ou combinação de vários fatores é decisivo. Os recursos de gênero podem ser entrelaçados: por exemplo, gêneros de música e dança. A composição dos intérpretes e o método de execução determinam a classificação mais comum dos gêneros. Esta é, antes de tudo, a divisão em gêneros vocais e instrumentais. Alguns gêneros têm uma história complexa que os torna difíceis de classificar. Assim, uma cantata pode ser tanto uma obra solo de câmara quanto uma grande composição para uma composição mista (xop, solistas, orquestra).

Gênero- uma espécie de modelo com o qual a música específica está correlacionada. Tem certas condições de execução, finalidade, forma e natureza do conteúdo. Assim, o objetivo de uma canção de ninar é acalmar o bebê, então entonações “balançando” e um ritmo característico são típicos para ele; na marcha - todos os meios expressivos da música são adaptados a um passo claro.

A classificação mais simples de gêneros é por meio de execução. Estes são dois grandes grupos:

instrumental(marcha, valsa, estudo, sonata, fuga, sinfonia);

gêneros vocais(ária, canção, romance, cantata, ópera, musical).

Outra tipologia de gêneros está relacionada com ambiente de desempenho. Pertence a A. Sohor, um cientista que afirma que os gêneros de música são:

1. Ritual e icônico(salmos, missa, réquiem) - caracterizam-se por imagens generalizadas, o domínio do princípio coral e o mesmo humor entre a maioria dos ouvintes.

Salmo(grego "louvor") - hinos de poesia religiosa judaica e cristã e orações do Antigo Testamento.

Massa- o principal serviço litúrgico no rito latino da Igreja Católica. Consiste em ritos de abertura, Liturgia da Palavra, Liturgia Eucarística e ritos de encerramento

Réquiem(lat. “morto”) - um serviço fúnebre (missa) nas igrejas católica e luterana, corresponde à liturgia fúnebre na Igreja Ortodoxa.

2. Casa de massa gêneros(variedades de música, marcha e dança: polca, valsa, ragtime, balada, hino) - eles se distinguem por uma forma simples e entonações familiares;

3. Gêneros de concerto(oratório, sonata, quarteto, sinfonia) - performance característica em sala de concerto, tom lírico como autoexpressão do autor;

Oratório- uma grande peça musical para coro, solistas e orquestra. Difere da ópera pela ausência de ação cênica, e da cantata pelo maior tamanho e ramificação do enredo.

Sonata(ital. som) - um gênero de música instrumental, bem como uma forma musical chamada forma sonata. Composta para composição de câmara de instrumentos e piano. Geralmente solo ou dueto.

Quarteto- um conjunto musical de 4 músicos, vocalistas ou instrumentistas.

Sinfonia(Grego "consonância", "eufonia") - uma peça de música para a orquestra. Como regra, as sinfonias são escritas para uma grande orquestra mista (sinfonia), mas também existem sinfonias para cordas, câmara, sopro e outras orquestras; um coro e vozes vocais solo podem ser introduzidos na sinfonia.

Música folclórica, folclore musical ou música folclórica (eng. folk music) - a criatividade musical e poética do povo, parte integrante da arte popular (folclore), que existe, via de regra, na forma oral (não escrita), passada descendo de geração em geração.

Música espiritual- obras musicais relacionadas com textos de natureza religiosa, destinadas a serem executadas durante um serviço religioso ou em casa.

Música clássica(de lat. сlassicus - exemplar) - obras musicais exemplares de compositores notáveis ​​dos últimos anos, que resistiram ao teste do tempo. Obras musicais escritas de acordo com certas regras e cânones em conformidade com as proporções necessárias e destinadas a serem executadas por uma orquestra sinfônica, conjunto ou solistas.

música latino-americana(espanhol música latinoamericana) é um nome generalizado para estilos e gêneros musicais de países latino-americanos, bem como a música de pessoas desses países que vivem compactamente no território de outros estados e formam grandes comunidades latino-americanas (por exemplo, no EUA).

Blues- Este é um estilo musical que foi criado por músicos negros que vivem nos Estados Unidos da América. O blues foi tocado pela primeira vez no final do século XIX nos estados do sul, nas proximidades do Delta do Rio Mississippi. A música deste estilo é muito diversificada, muitos músicos criaram seu próprio estilo de performance.

Jazz(jazz inglês) - uma forma de arte musical que surgiu no final do século XIX - início do século XX nos Estados Unidos como resultado da síntese das culturas africana e européia e posteriormente se difundiu. Os traços característicos da linguagem musical do jazz inicialmente eram a improvisação, a polirritmia baseada em ritmos sincopados e um conjunto único de técnicas de execução da textura rítmica - o swing. O desenvolvimento posterior do jazz ocorreu devido ao desenvolvimento de novos modelos rítmicos e harmônicos por músicos e compositores de jazz.

País(música country inglesa da música country - música rural) - a variedade mais comum da música folclórica norte-americana, em popularidade nos Estados Unidos não é inferior à música pop.

Romance na música- uma composição vocal escrita em um poema curto de conteúdo lírico, principalmente amor.

Música eletrônica(Alemão Elektronische Musik, Inglês Música eletrônica, coloquialmente também “eletrônica”) é um gênero musical amplo que se refere à música criada usando instrumentos e tecnologias musicais eletrônicas (na maioria das vezes com a ajuda de programas especiais de computador).

Musica rock(Eng. Rock music) - um nome generalizado para várias áreas da música popular. A palavra "rock" - (traduzida do inglês "rock, rock, swing") - neste caso indica as sensações rítmicas características dessas direções associadas a uma certa forma de movimento, por analogia com "roll", "twist", " balançar ”, “agitar” e assim por diante. Algumas características distintivas da música rock, como o uso de instrumentos musicais elétricos ou a autossuficiência criativa (é típico que os músicos de rock executem composições de sua própria composição), são secundárias e muitas vezes enganosas.

reggae(Inglês reggae; outra grafia é "reggae") - música popular jamaicana que apareceu na década de 1960 e se tornou popular desde a década de 1970.

Música pop(música pop inglesa da música popular) - a direção da música moderna, um tipo de cultura de massa moderna. É um gênero separado de música popular, ou seja, uma música fácil de lembrar.

Você chegou à seção de gêneros musicais, onde conheceremos cada direção musical com mais detalhes. Vamos descrever o que é, por que é necessário e quais recursos ele possui. Também no final haverá artigos desta seção, que descreverão cada direção com mais detalhes.

O que são gêneros de música

Antes de discutir o que são gêneros de música, o seguinte deve ser mencionado. Precisamos de um certo sistema de coordenadas para poder colocar todos os fenômenos nele. O nível mais sério e global neste sistema de coordenadas é o conceito de estilo ou sistema histórico da arte.

Há um estilo da Idade Média, Renascimento, Barroco ou Romantismo. Além disso, em cada época em particular, esse conceito abrange todas as artes (literatura, música, pintura etc.).

No entanto, a música tem suas próprias categorias dentro de cada estilo. Existe um sistema de gêneros, formas musicais e meios de expressão.

O que é um gênero?

Cada época define músicos e ouvintes um certo conjunto de estágios. Além disso, cada site tem suas próprias regras do jogo. Esses sites podem desaparecer com o tempo ou permanecer por um tempo.

Novos grupos de ouvintes com novos interesses aparecem - novas plataformas de palco aparecem, novos gêneros surgem.

Digamos que, na era da Idade Média européia, aproximadamente, até o final do século 11, a igreja fosse a única plataforma de palco para músicos profissionais. Horário e local de culto.

Aqui estão os gêneros da música da igreja. E o mais importante deles (Missa e Mate) vai longe no futuro.

Se tomarmos o final da Idade Média, a época das Cruzadas, surge uma nova plataforma cênica - um castelo feudal, uma corte feudal de um aristocrata, uma festa da corte ou apenas um local de lazer.

E aqui surge o gênero da música secular.

Por exemplo, o século XVII literalmente explode com fogos de artifício de novos gêneros musicais. Aqui surgem coisas que vão muito à frente do nosso tempo e ainda permanecerão depois de nós.

Por exemplo, ópera, oratório ou cantata. Na música instrumental, este é um concerto instrumental. Existe até um termo como uma sinfonia. Embora possa ter sido construído um pouco diferente do que é agora.

Aparecem gêneros de música de câmara. E por baixo de tudo está o surgimento de novos palcos. Por exemplo, uma casa de ópera, uma sala de concertos ou um salão ricamente decorado de uma casa aristocrática urbana.

Antes de você, certifique-se de começar a explorar várias áreas. Isso se reflete muito bem na prática. Será especialmente útil ao criar algo novo!

forma musical

O próximo nível é a forma musical. Quantas partes há em uma obra? Como cada parte é organizada, quantas seções ela possui e como elas estão interconectadas? É isso que colocamos no conceito de forma musical.

Digamos que a ópera é um gênero. Mas uma ópera pode ser em dois atos, outra em três, e há óperas em cinco atos.

Ou uma sinfonia.

As sinfonias européias mais conhecidas são construídas em quatro movimentos. Mas digamos que há 5 movimentos na sinfonia Fantástica de Berlioz.

Meios expressivos

O próximo nível é o sistema de meios expressivos musicais. Melodia em sua unidade com o ritmo.

Ritmoé a força organizadora profunda de todo som musical. É a base da existência da música. Porque através do ritmo a vida de uma pessoa está conectada com a realidade, com o cosmos.

Muitos movimentos de trabalho são rítmicos. Principalmente na agricultura. Ritmicamente muito no processamento de pedra e metais.

O próprio ritmo aparece, talvez, antes da melodia. Podemos dizer que o ritmo generaliza e a melodia individualiza.

A sensação de ritmo, como uma espécie de magia, surge nos estágios iniciais da civilização. E mais tarde, na era da antiguidade, esse sentimento é percebido como uma ideia da conexão universal dos fenômenos, que é rítmica.

O ritmo está associado ao número. E para os gregos, o número era uma representação extremamente importante da ordem mundial. E toda essa noção de ritmo persistiu por muito tempo.

No início do século XVII, o compositor alemão Michael Pritorius falou das primeiras experiências dos italianos na ópera (não havia ritmo ordenado): “Esta música é sem conexões e sem medida. É um insulto à ordem estabelecida de Deus!"

A natureza do movimento é rápida, animada, moderada e calma. Eles também definem o tom para qualquer superestrutura que ocorra neles. Há também uma sensação de conexão aqui. 4 lados do caráter do movimento, 4 direções cardeais, 4 temperamentos.

Se você mergulhar ainda mais profundamente, então este é um timbre ou coloração sonora. Ou digamos como a melodia é pronunciada. Distintamente dividido ou conectado.

Melodia, ritmo e tudo mais aparecem como uma resposta emocional direta à realidade. E eles são formados naqueles tempos infinitamente distantes no sistema comunal primitivo, quando uma pessoa ainda não se realizou em comparação com outros eus ou com a natureza.

Mas assim que surge uma sociedade de classes, há uma distância entre o próprio e os outros eus, entre o eu e a natureza. E então os gêneros de música, formas musicais e estilos já começam a se formar.

Gêneros da música de câmara

Antes de falar sobre os gêneros da música de câmara, vamos tratar da direção. Música de câmaraé a música executada por um pequeno número de artistas para um pequeno número de ouvintes.

Anteriormente, essa música era frequentemente tocada em casa. Por exemplo, no círculo familiar. Por isso, eles criaram um nome como uma câmara. Câmera significa quarto em latim. Ou seja, música pequena, doméstica ou de quarto.

Existe também uma orquestra de câmara. Esta é uma versão menor (geralmente não mais de 10 pessoas) de uma orquestra regular. Bem, também não há muitos ouvintes. Geralmente, são parentes, conhecidos e amigos.

canção popularé o gênero mais simples e difundido da música de câmara. Anteriormente, muitas vezes, muitos avós cantavam várias canções folclóricas para seus filhos e netos. Uma mesma música pode ser cantada com palavras diferentes. Como adicionar algo meu.

No entanto, a melodia em si, como regra, permaneceu inalterada. Apenas o texto da canção folclórica mudou e melhorou.

Muitos favoritos romancesé também um gênero de música de câmara. Geralmente eles executavam uma pequena peça vocal. Geralmente era acompanhado por uma guitarra. Portanto, gostamos muito dessas músicas líricas com violão. Muitos de vocês provavelmente os conhecem e nunca ouviram falar deles.

Balada- este é um tipo de narração sobre várias façanhas ou dramas. As baladas eram frequentemente apresentadas em tabernas. Como regra, eles elogiavam as façanhas de vários heróis. Às vezes, baladas eram usadas antes da próxima batalha para levantar o moral das pessoas.

É claro que, nessas músicas, alguns momentos específicos eram muitas vezes embelezados. Mas, na verdade, sem fantasia adicional, o próprio significado da balada teria diminuído.

Réquiemé uma missa fúnebre. Tal canto coral fúnebre é realizado em igrejas católicas. Costumávamos usar o réquiem como uma homenagem à memória dos heróis populares.

- canção sem palavras. Normalmente destinado a um cantor como um exercício de prática. Por exemplo, para desenvolver a voz do vocalista.

Serenata- um gênero de música de câmara, que foi realizado para um ente querido. Normalmente, os homens os executavam sob as janelas de suas amadas mulheres e meninas. Como regra, essas músicas elogiavam a beleza do belo sexo.

Gêneros de música instrumental e vocal

Abaixo você encontrará os principais gêneros de música instrumental e vocal. Para cada direção, darei pequenas descrições. Um pouco mais de toque na definição básica de cada tipo de música.

Gêneros de música vocal

Existem vários gêneros de música vocal. Vale dizer que a direção em si é a mais antiga na história do desenvolvimento da música. Afinal, é a chave principal para a transição da literatura para a música. Ou seja, as palavras literárias começaram a ser usadas na forma musical.

Claro, essas palavras desempenharam o papel principal. Devido ao que tal música começou a ser chamada de vocal. Um pouco mais tarde, a música instrumental apareceu.

No vocal, além dos vocais, vários instrumentos também podem ser utilizados. No entanto, nessa direção, seu papel é relegado a segundo plano.

Aqui está uma lista dos principais gêneros de música vocal:

• Oratório- uma obra muito grande para solistas, orquestra ou coro. Normalmente, tais obras lidavam com questões religiosas. Um pouco mais tarde, surgiram os oratórios seculares.
• Ópera- uma enorme obra dramática que combina os gêneros de música instrumental e vocal, coreografia e pintura. Um papel especial aqui é atribuído a vários números solo (ária, monólogo e assim por diante).
• Música de câmara- foi mencionado acima.

Gêneros de música instrumental

Música instrumental- São composições que são executadas sem a participação de um vocalista. Daí o nome instrumental. Ou seja, é realizado apenas à custa de instrumentos.

Muitas vezes, muitos artistas em seus álbuns usam instrumentais como faixas bônus no álbum. Ou seja, várias das composições mais populares podem ser selecionadas e então suas versões sem vocais podem ser gravadas.

E podem ser selecionadas na íntegra, todas as músicas do álbum. Neste caso, o álbum é lançado em duas versões. Isso geralmente é feito para aumentar o valor do produto e aumentar o preço dele.

Há uma lista para certos gêneros de música instrumental:

• Música de dança- música de dança geralmente simples
• Sonata- usado como um solo ou dueto para música de câmara
• Sinfonia- som harmonioso para uma orquestra sinfônica

Gêneros de canções folclóricas russas

Vamos falar sobre os gêneros de canções folclóricas russas. Eles refletem toda a beleza da alma do povo russo. Normalmente em tais obras musicais a natureza da terra natal, heróis e trabalhadores comuns são elogiados. Também menciona as alegrias e problemas do povo russo.

Aqui está uma lista dos principais gêneros de canções folclóricas russas:

• canções de trabalho- cantou no trabalho para facilitar a atividade laboral de uma pessoa. Ou seja, era muito mais fácil para os trabalhadores trabalharem com essas músicas. Eles marcam o ritmo do trabalho. Em tais obras musicais, a vida principal das pessoas da classe trabalhadora se refletia. Exclamações trabalhistas eram frequentemente usadas para o trabalho.
• Chastushkié um gênero muito comum de música folclórica. Como regra, esta é uma pequena quadra com uma melodia repetida. Chastushki carregava um grande significado da palavra russa. Eles expressaram o humor principal do povo.
• Músicas do calendário- usado em vários feriados do calendário. Por exemplo, no Natal ou na véspera de Ano Novo. Além disso, esse gênero musical foi bem usado na adivinhação ou na mudança das estações.
• Canção de ninar- canções suaves, simples e afetuosas que as mães cantavam para seus filhos. Como regra, em tais canções, as mães apresentavam seus filhos ao mundo exterior.
• canções de família- usado em várias celebrações familiares. Esse gênero se refletiu muito bem nos casamentos. Também era usado no nascimento de uma criança, enviando um filho para o exército e assim por diante. Vale dizer que tais canções eram acompanhadas de um certo rito. Tudo isso junto ajudou a proteger contra as forças das trevas e vários problemas.
• Composições líricas- tais obras mencionam a difícil sorte do povo russo. Por exemplo, a dura situação das mulheres e a dura vida dos camponeses comuns são frequentemente mencionadas.

Gêneros da música contemporânea

Agora vamos falar sobre os gêneros da música moderna. Existem alguns deles. No entanto, todos eles se desviam das três principais tendências da música moderna. Aqui vamos falar um pouco sobre eles.

Pedra

Rock é popular nos dias de hoje. Talvez não da mesma forma que antes, mas em nosso tempo foi fortalecido de forma confiável. Portanto, é impossível não mencioná-lo. E a própria direção deu impulso ao nascimento de muitos gêneros. Aqui estão alguns deles:

• folk rock- elementos de canções folclóricas são bem utilizados
• Rock popular- música para um público muito amplo
• Rochedo duro- música mais pesada com um som nítido

Pop

A música popular também abrange muitos gêneros que são frequentemente usados ​​na música moderna:

• lar- música eletrônica tocada em um sintetizador
• Transe- música eletrônica com predominância de melodias tristes e cósmicas
• Discoteca- música de dança com seções rítmicas de bateria e baixo abundantes

Rap

Nos últimos anos, o rap vem ganhando força muito bem. Na verdade, essa direção praticamente não tem vocais. Basicamente, eles não cantam aqui, mas lêem por assim dizer. Foi daí que surgiu a expressão rap. Aqui está uma lista de alguns gêneros:

• rapcore- uma mistura de rap e música pesada
• rap alternativo- uma mistura de rap tradicional com outros gêneros
• Jazz rap- mistura de rap e jazz

Gêneros de música eletrônica

Vamos dar uma olhada nos principais gêneros da música eletrônica. Claro, não vamos cobrir tudo aqui. No entanto, vamos analisar alguns deles. Aqui está a lista:

• lar(casa) - apareceu nos anos 80 do século passado. Origina-se da discoteca dos anos 70. Apareceu graças às experiências dos DJs. Principais características: ritmo de batida repetitivo, assinatura de tempo 4×4 e amostragem.
• Casa profunda(deep house) - música mais leve e atmosférica com um som profundo e denso. Inclui elementos de jazz e ambiente. Ao criar, solo de teclado, órgão elétrico, piano e vocais femininos (principalmente) são usados. Desenvolvido desde o final da década de 1980. Os vocais neste gênero estão sempre em segundo plano. No primeiro estão melodias e sons para criar o clima.
• Garagem(garage house) - o mesmo que deep house, apenas os vocais são retirados para o papel principal.
• nova discoteca(nu disco) é um gênero musical mais moderno baseado no interesse ressurgente pela música disco. Agora é muito popular voltar às raízes. Portanto, a base desse gênero é a música dos anos 70 - 80. O gênero em si apareceu no início dos anos 2000. Sons sintetizados semelhantes aos sons de instrumentos reais são usados ​​para criar disco dos anos 70 e 80.
• Alma casa cheia(soulful house) - a base é retirada de house com padrão rítmico 4x4, assim como vocais (completos ou na forma de samples). Os vocais aqui são principalmente cheios de alma e muito bonitos. Além do uso de uma variedade de instrumentos musicais. Uma presença tão rica de instrumentos anima muito bem a música desse gênero.

Gêneros de rap

Vamos passar a considerar os principais gêneros de rap. Esta área também está se desenvolvendo ativamente. Portanto, seria bom tocá-lo. Aqui está uma pequena lista de gêneros:

• rap de comédia- música inteligente e engraçada para entretenimento. Tem uma mistura de hip-hop real e humor casual. O rap de comédia surgiu nos anos 80.
• Rap sujo- rap sujo, caracterizado por um baixo pesado pronunciado. Basicamente, essa música tem o intuito de plantar o público em várias festas.
• gangsta rap— música com um som muito forte. Um gênero de música surgiu no final dos anos 80. Elementos do rap hardcore foram tomados como base para essa direção.
• rap hardcore- música agressiva com samples barulhentos e batidas pesadas. Surgiu no final dos anos 80.

Gêneros da música clássica

Existem obras divididas em vários gêneros da música clássica. Eles se tornaram especialmente difundidos no século 18. Aqui está uma lista parcial de destinos:

• Abertura- uma breve introdução instrumental a uma performance, peças ou obras.
• Sonata- uma obra para intérpretes de câmara, que é utilizada como solo ou dueto. Consiste em três partes conectadas entre si.
• Estudo- uma pequena peça instrumental destinada a aprimorar a técnica de execução da música.
• Scherzo- o início da música com um ritmo animado e rápido. Basicamente transmite ao ouvinte momentos cômicos e inesperados na obra.
• Ópera, sinfonia, oratório- eles foram mencionados acima.

Gêneros da música rock

Agora vamos olhar para alguns gêneros de música rock além dos já mencionados acima. Aqui está uma pequena lista com uma descrição:

• rock gótico- música rock com uma direção gótica e sombria. Apareceu no início dos anos 1980.
• Grunge- música com um som de guitarra sólido e letras depressivas sombrias. Apareceu em algum momento em meados da década de 1980.
• folk rock- foi formado como resultado da mistura de rock com música folclórica. Surgiu em meados da década de 1960.
• rocha viking- punk rock com elementos de música folclórica. Tais obras revelam a história da Escandinávia e dos próprios vikings.
• lixo- hardcore mais rápido. Os itens geralmente são pequenos.

Gêneros de música sacra e secular

Vejamos alguns gêneros de música sacra e secular. Primeiro, vamos definir essas duas áreas. Você vai descobrir o que é e qual é a diferença. Depois disso, vamos passar por vários gêneros.

Música espiritual

A música espiritual é projetada para curar a alma. Tais obras são usadas principalmente no serviço nas igrejas. Portanto, alguns também chamam de música da igreja. Aqui está uma pequena lista de seus gêneros:

• Liturgia- Liturgia de Páscoa ou Natal. É executado pelo coro e também pode conectar solistas individuais. Via de regra, várias cenas de eventos das Sagradas Escrituras foram inseridas no drama litúrgico. Elementos teatrais eram frequentemente usados.
• Antífona- música repetitiva executada alternando vários grupos corais. Por exemplo, os mesmos versos podem ser executados alternadamente por duas faces. Existem vários tipos de antífonas. Por exemplo, festivo (nos feriados), tranquilo (domingo), todos os dias e assim por diante.
• Rondel- foi criado na melodia original na forma de uma forma especial com a próxima introdução de vocais para o mesmo motivo.
• proprium- parte da missa, variando de acordo com o calendário da igreja.
• comum- parte inalterada da massa.

música secular

A música secular é reconhecida por mostrar o caráter nacional de diferentes culturas. Descreveu principalmente a imagem principal e a vida de um homem comum. Essa direção da música era muito comum entre os músicos itinerantes na Idade Média.

Compilado por:

Solomonova N.A.

Na literatura musicológica, os cientistas se voltam para o desenvolvimento de conceitos como estilo e gênero com menos frequência do que, por exemplo, na crítica literária, o que tem sido repetidamente apontado por muitos pesquisadores. É esta circunstância que nos levou a escrever este resumo.

O conceito de estilo reflete a relação dialética entre o conteúdo e a forma de uma obra, a semelhança das condições históricas, as visões de mundo dos artistas e seu método criativo.

O conceito de "estilo" surgiu no final do Renascimento, no final do século XVI, e inclui muitos aspectos:

Características individuais da obra de um determinado compositor;

características gerais da escrita de um grupo de compositores (estilo escolar);

características de criatividade de compositores de um país (estilo nacional);

características das obras incluídas em qualquer grupo de gênero - o estilo do gênero (este conceito foi introduzido por A.N. Sokhor em seu trabalho “A natureza estética do gênero na música”).

O conceito de "estilo" é amplamente utilizado em relação ao aparato performático (por exemplo, estilo vocal de Mussorgsky, estilo de piano de Chopin, estilo orquestral de Wagner, etc.). Músicos e maestros também contribuem com sua própria interpretação única para o estilo da obra que está sendo executada, e também podemos reconhecer artistas especialmente talentosos e brilhantes por sua interpretação única, pela natureza do som da obra. Estes são grandes músicos como Richter, Gilels, Sofronitsky, Oistrakh, Kogan, Kheifets, maestros Mravinsky, Svetlanov, Klemperer, Nikish, Karoyan e outros.

Entre os estudos mais famosos dedicados aos problemas do estilo musical, nesse sentido, devem ser mencionadas as seguintes obras: “Beethoven e seus três estilos” de A.N. Tarakanova, “Para o problema do estilo de I. Brahms” de E.M. Tsareva, ou “Princípios artísticos de estilos musicais” de S.S. Autoconsciência da época e prática musical "L.V. Kirillina", Estudos sobre Chopin "de L.A. Mazel, onde ele justamente observa que a análise de uma determinada obra é impossível sem levar em conta os padrões históricos gerais desse estilo, e a divulgação de o conteúdo da obra é impossível sem uma ideia clara sobre o significado expressivo de certas técnicas formais neste estilo. Uma análise exaustiva de uma obra musical que se afirma cientificamente impecável, segundo o cientista, deve ter um conhecimento profundo e abrangente desse estilo, sua origem e significado histórico, seu conteúdo e técnicas formais.

Os estudiosos oferecem uma série de definições.

O estilo musical é um sistema de pensamento artístico, conceitos ideológicos e artísticos, imagens e meios de sua implementação surgidos em um determinado solo sócio-histórico. (L.A. Mazel)

Estilo musical é um termo da história da arte que caracteriza um sistema de meios expressivos que serve para incorporar um ou outro conteúdo ideológico e figurativo. (E.M. Tsareva)

Estilo é uma propriedade (personagem) ou características principais pelas quais se pode distinguir as obras de um compositor de outro ou uma obra de um período histórico ... de outro (B.V. Asafiev)

O estilo é uma propriedade especial, ou melhor, a qualidade dos fenômenos musicais. Tem uma obra ou sua execução, edição, boa decisão de engenharia ou mesmo uma descrição da obra, mas somente quando em uma, outra, terceira, etc. a individualidade do compositor, intérprete, intérprete por trás da música é diretamente sentida e percebida.

Estilo musical é uma qualidade distintiva das criações musicais que fazem parte de uma determinada comunidade genética (o legado de um compositor, escola, direção, época, povo, etc.), que permite sentir, reconhecer, determinar diretamente sua gênese e manifestações na totalidade de todos, sem exceção, as propriedades da música percebida, unidas em um sistema integral em torno de um complexo de características distintivas. (E.V. Nazaikinsky).

Segundo o cientista, os meios e recursos mais estilísticos da música são distintos e podem ser atribuídos aos traços característicos do estilo.

O estilo individual da obra do compositor é, via de regra, o mais atrativo para os pesquisadores. “Estilo na música, como em outras formas de arte, é uma manifestação do caráter de uma pessoa criativa que cria música ou a interpreta” (E.V. Nazaykinsky). Os cientistas prestam muita atenção à evolução do estilo do compositor. Em particular, os três estilos de Beethoven que atraíram a atenção de Serov foram apontados acima. Os pesquisadores estudam cuidadosamente o estilo precoce, maduro e tardio do Scriabin, etc.

“O efeito da certeza estilística” (E. Nazaikinsky) fornece os meios e características mais vívidos da música em termos de estilo, que são distintivos e podem ser atribuídos aos traços característicos do estilo. Segundo eles, os ouvintes reconhecerão a filiação estilística de uma determinada obra, a caligrafia do compositor, o estilo de execução de um determinado intérprete. Por exemplo, a virada harmônica característica de Grieg é a transição do tom introdutório não para a tônica, mas para o quinto grau do modo (Concerto para piano com oschestre - acordes introdutórios, a famosa "Solveig Song" da suíte Peer Gynt , ou o movimento descendente para o quinto passo até o sexto passo elevado (peças líricas, "valsa" em lá menor), ou a famosa "harmonia de Rakhmaninov" - um acorde formado em menor pela quarta, sexta, sétima elevada e terceira com resolução para a tônica na terceira posição melódica (frases iniciais de seu famoso romance “Oh, não fique triste!” - há muitos exemplos, eles podem ser continuados indefinidamente.

Uma característica muito importante do estilo é a fixação e expressão de um determinado conteúdo, como apontado por E.V. Nazaikinsky, M.K. Mikhailov, L.P. Kazantseva, A.Yu. Kudryashov.

As especificidades do estilo nacional podem ser vistas principalmente na forma como as origens do folclore e a obra do compositor profissional se correlacionam no âmbito do estilo nacional. Como E.V.Nazaikinsky observa com razão, tanto o material folclórico quanto os princípios da música folclórica e seus elementos específicos podem servir como fonte de originalidade do estilo nacional geral. A medida e a própria natureza da consciência de pertencimento a uma determinada nação, bem como seu reflexo na criatividade, dependem em grande parte da interação da cultura nativa com as culturas estrangeiras e seus elementos, de quais outras nações e culturas uma pessoa entra em contato . Mesmo o estilo individual mais forte e brilhante no processo de sua formação e desenvolvimento é mediado pelos estilos da escola, época, cultura, pessoas. Lembro-me das palavras notáveis ​​de V. G. Belinsky, - “se o processo de desenvolvimento da cultura de um povo passa por empréstimo de outro, mesmo assim ocorre nacionalmente, caso contrário não há progresso”.

Uma análise da linguagem musical de uma determinada obra - as características da melodia, harmonia, ritmo, forma, textura - é um pré-requisito para caracterizar o estilo.

Na literatura musicológica, desenvolveram-se muitas teorias que descrevem etapas históricas individuais na formação de vários estilos - barroco, rococó, classicismo, romantismo, impressionismo, expressionismo, etc. O conteúdo desses estudos revela os princípios norteadores e fundamentais que unem as obras musicais dentro de uma época histórica, criada em diferentes países, diferentes escolas nacionais, etc. , que dá uma ideia da estética de um determinado palco histórico, da linguagem musical e da própria época como um todo. Em seu conhecido livro “The Chronicle of My Life”, I.F. Stravinsky escreveu: “qualquer doutrina requer para sua implementação uma forma especial de expressão e, consequentemente, uma técnica especial; afinal, é impossível imaginar uma técnica na arte que não decorra de um determinado sistema estético.

Cada estilo tem suas próprias características especiais. Assim, o barroco é caracterizado por formas monumentais, incluindo formas cíclicas de grande escala, contrastes multifacetados e uma comparação dos princípios polifônicos e homofônicos da escrita musical. O conjunto de danças barrocas, como observado por A.Yu. Kudryashov, geralmente representava o movimento simultaneamente em duas formas - como a encarnação dos quatro principais temperamentos humanos e como estágios no fluxo do pensamento humano (alemande melancólico - "tese", sinos coléricos - "desenvolvimento da tese", sarabanda fleumática - "antítese", gabarito sanguíneo - "refutação da tese". do século 11.

Como observou O. Zakharova, a atuação pública dos solistas começou a desempenhar um papel importante, sua atribuição aos primeiros lugares visíveis ao público, enquanto o coro e o conjunto instrumental, que antes estavam diretamente diante dos olhos do público, são movido para o fundo.

Na era barroca, o gênero da ópera está se desenvolvendo rapidamente e, como V. Martynov observa com razão, a ópera tornou-se um modo de existência da música, sua substância ... E quando os compositores barrocos escrevem massas e motetos, suas massas e motetos são os mesmas óperas, ou fragmentos de ópera, com a única diferença de que se baseiam em textos sagrados canônicos, que se tornam objeto de "performance musical".

O cerne da música barroca é o afeto, entendido naquela época como expressão de um sentimento contendo a ideia de eternidade. “O propósito da música é nos dar prazer e excitar vários afetos em nós”, escreveu R. Descartes em seu tratado “Compêndio de Música”. A classificação dos afetos foi feita por A. Kircher - amor, tristeza, coragem, deleite, moderação, raiva, grandeza, santidade, depois - por I. Walter - amor, sofrimento, alegria, raiva, compaixão, medo, alegria, espanto.

Compositores da era barroca prestaram grande atenção à pronúncia entoacional da palavra de acordo com as leis de r e tor e k. Segundo Y. Lotman, “a retórica de um texto barroco caracteriza-se por um embate dentro de toda uma área marcada por diferentes medidas de semioticidade. Na colisão de línguas, uma delas invariavelmente aparece como "natural" (não uma língua), e a outra como enfaticamente artificial.

Aqui estão as figuras musicais e retóricas mais famosas da arte barroca:

movimento ascendente da melodia (como símbolo de ascensão, ressurreição);

o movimento descendente da melodia (como símbolo de pecaminosidade ou transição para o "mundo inferior");

o movimento circular da melodia (como símbolo de "turbilhões infernais" (Dante), ou, ao contrário, iluminação divina);

movimento de escalada ascendente ou descendente da melodia em ritmo acelerado (como símbolo de inspiração, por um lado, ou raiva, por outro);

o movimento da melodia ao longo de intervalos cromáticos estreitos (como símbolo de horror, mal);

o progresso da melodia para um intervalo cromático amplo, aumentado ou diminuído, ou uma pausa em todas as vozes (como símbolo de morte).

O estilo rococó é caracterizado por um mundo de imagens frágeis, graciosas ou scherzo de caráter galante, de salão, e a linguagem musical é repleta de fragmentação de um padrão melódico, melismas e transparência de textura. Os compositores se esforçam para incorporar não humores estabelecidos, mas seu desenvolvimento, não um afeto que flui calmamente, mas um sentimento com mudanças bruscas de tensão e descarga. Para eles, a clareza da fala da expressão do pensamento musical torna-se habitual. Imagens inabaláveis ​​e estáticas dão lugar à variabilidade, paz ao movimento.

O clássico é um dos possíveis “grandes estilos da época”, segundo o acadêmico D. Likhachev. No aspecto estético do estilo clássico, é importante destacar o equilíbrio cuidadosamente ajustado do sensório-direto, racional-lógico e ideologicamente sublime, embutido na obra, a autoconsciência clássica do artista, superando o "poder de vitalidade escura" e virou-se para "luz, beleza sensual" (E. Kurt) , e, portanto, em consonância com os exemplos clássicos da arte do passado, antes de tudo - antigo, a ativação do interesse em que é um dos sinais indicativos da formação de qualquer classicismo (A.Yu. Kudryashov). De particular importância na era do classicismo é a formação de um ciclo de sonata-sinfonia de quatro movimentos. Segundo M.G. Aranovsky, ele define a semântica das quatro hipóstases principais da personalidade humana: Homem Ativo, Homem Pensante, Homem Brincador, Homem Público. A estrutura de quatro partes, como escreve N. Zhirmunskaya, atua como um modelo universal do mundo - espacial e temporal, sintetiza o macrocosmo - o universo - e o microcosmo - o homem. “Várias refrações deste modelo são unidas por conexões emblemáticas e simbólicas, às vezes traduzidas para a linguagem de imagens e tramas mitológicas familiares: os elementos refletem simbolicamente as estações, dias, períodos da vida humana, os países do mundo (por exemplo: inverno - noite - velhice - norte - terra, etc.). P.)"

Aparece todo um conjunto de figuras semânticas com significado maçônico, que foram reveladas por E. Chigareva na obra de Mozart “Melody and me: a subida para uma sexta maior é esperança, amor, alegria; detenções, pares de notas ligadas - laços de fraternidade; grupupto - alegria maçônica; rítmico: ritmo pontilhado, ... acordes em staccato acentuados seguidos de uma pausa - ousadia e determinação; harmonia: terças paralelas, sextas e acordes de sexta - unidade, amor e harmonia; acordes "modais" (passos laterais - VI, etc.) - sentimentos solenes e religiosos; cromatismos, acordes de sétima diminuta, dissonâncias - escuridão, superstição, halo e discórdia.

O complexo de conteúdo central do mundo artístico de Beethoven é a beleza e o equilíbrio da forma, um fluxo estritamente organizado de eloquência musical e retórica, uma alta ideia ética, o grande papel dos opostos - tanto no nível da sintaxe musical quanto no nível da forma .

O romantismo é o estilo que prevalece no século XIX. Um dos pesquisadores do romantismo musical, Yu.Gabai, identifica três formas de interpretar o romantismo do século XIX: ao contrário do clássico, denota a arte cristã; em segundo lugar, está associada à tradição da língua românica, nomeadamente, o romance poético francês antigo; em terceiro lugar, define uma animação verdadeiramente poética, o que torna a grande poesia sempre viva (no último caso, os românticos, perscrutando a história como espelho da seus ideais, fundaram eles e Shakespeare, e Cervantes, e Dante, e Homero, e Calderón).

Na linguagem musical, os pesquisadores notam um aumento no papel expressivo e colorido da harmonia, um tipo sintético de melodia, o uso de formas livres, o desejo de desenvolvimento contínuo, novos tipos de piano e textura orquestral. A ideia de Novalis de prosa romântica, altamente cambiante, milagrosa, com viradas especiais, saltos rápidos, pode ser extrapolada para a música. A forma mais importante de expressão musical da ideia de formação e mudança, universal para o romantismo, é o canto aumentado, canto, cantilena, presente em Schubert, Chopin, Brahms, Wagner, etc.

A programação como um fenômeno do pensamento musical

época romântica, implica meios especiais de expressão musical. Deve-se ter em mente a complexa relação entre música programática e não programática, pois, segundo Chopin, "não há música real sem um significado oculto". E os Prelúdios de Chopin - segundo depoimentos de seus alunos - é uma confissão de seu criador. A sonata em si bemol menor com a famosa “marcha fúnebre”, segundo Schumann, “não é música, mas algo com a presença de um espírito aterrorizante”, segundo A. Rubinstein - “o vento que sopra à noite sobre os caixões em o cemitério" ...

Na música do século XX, observamos uma variedade especial de técnicas de composição musical: atonalidade livre, sonorística indiferenciada no tom, efeitos timbre-ruído, aleatórios, bem como um sistema dodecafônico, neomodalidade, serialidade, serialidade. A abertura dos componentes individuais da música do século 20 é uma marca da cultura moderna como um todo, como o culturólogo francês A. Mol disse com razão: “a cultura moderna é mosaico, ... por outro lado, há muitos conceitos que têm grande peso.

Na música, a temática cantar-cantilena é destruída, outros meios de expressão musical também são liberados (Stravinsky, Bartok, Debussy, Schoenberg, Messiaen, Webern etc.) , na peça de G. Cowell "Aventuras harmônicas" - o uso de clusters (acordes constituídos por segundos), técnicas para extrair o piano com o punho, palma ou antebraço inteiro ...

Novas tendências modernistas aparecem na música, vindas da pintura e de outras artes. Assim, na origem de um fenômeno como bruit e tizm, ou a arte dos ruídos (da palavra francesa bruit - ruído) estava o pintor italiano Luigi Russolo, que em seu manifesto “A Arte dos Ruídos” escreveu que “a arte musical busca um amálgama dos sons mais dissonantes, mais estranhos e mais ásperos… vamos nos divertir orquestrando portas de lojas rangendo perfeitamente nos blocos, o zumbido da multidão, vários ruídos de estações ferroviárias, forjas, fiações, gráficas, oficinas elétricas e ferrovias subterrâneas... não devemos esquecer ruídos completamente novos da guerra moderna..., transformá-los em música e regulá-los harmonicamente e ritmicamente"

Outra tendência modernista é sim e sm.A essência modernista do dadaísmo pode ser traçada nas declarações do artista G. Gross: um círculo que pairava acima da sala de aula e era alheio ao senso de responsabilidade e participação na vida cotidiana. A participação ativa no trabalho do clube de Berlim "Dada" foi tomada pelo compositor e artista, natural da Rússia, Efim Golyshev, um dos campeões do método dodecafônico de composição do século XX. Entre seus trabalhos musicais de palco estão "Dança dadaísta com máscaras", "Manobra do sopro", "Borracha" para dois tímpanos, dez chocalhos, dez senhoras e um carteiro. Há obras urbanísticas de Honegger (Pacific-231), Prokofiev (ballet Steel Jump), Mosolov (episódio sinfônico "The Factory. Music of Machines" do balé "Steel"), Varese ("Ionização" para quarenta e um instrumentos de percussão e duas sereias) - além disso, essas tendências foram refratadas nas direções da vanguarda musical do pós-guerra. Trata-se de música concreta e eletrônica, ensemble happenings e teatro instrumental, sonorística, processos multimídia (obras de P. Schaeffer, K. Stockhausen, M. Kagel, S. Slonimsky, A. Schnittke, S. Gubaidullina, J. Cage, etc. )

No final do século 19, foram formados os pré-requisitos para o surgimento do neoclassicismo, que, segundo L. Raben, foi o mais universal dos novos sistemas de música do século 20, foram formados.

Há também tendências poliestilísticas na música. P o l e s t e -

l e s t e k a - uma combinação consciente em um trabalho de vários recursos estilísticos. “A definição de poliestilística significa a combinação intencional de vários fenômenos estilísticos em uma obra, heterogeneidade estilística resultante do uso de várias técnicas (um dos casos especiais é a colagem)” - (Musical Encyclopedia, v.Z, p.338). Um dos casos interessantes de uso da poliestilística vertical é encontrado na “Serenata” de A. Schnittke para cinco instrumentos: no número 17 da partitura, o motivo do Concerto para violino de Tchaikovsky e o início da parte principal de seu Primeiro Concerto para Piano soam em ao mesmo tempo, e o número 19 combina o leitmotiv da Rainha Shemakhan de The Golden Cockerel » Rimsky-Korsakov, acordes introdutórios da Pathétique Sonata de Beethoven e passagens da Chaconne de Bach para violino solo.

Gêneros musicais são os tipos e tipos de obras musicais que se desenvolveram historicamente em conexão com certas funções da música, seu propósito de vida, as condições para sua execução e percepção. Uma definição muito volumosa é dada por Ye. função artística), b) condições e meios de execução, c) a natureza do conteúdo e a forma de sua implementação. Um gênero é uma estrutura genética multicomponente, cumulativa (pode-se até dizer gene), uma espécie de matriz, segundo a qual este ou aquele todo artístico é criado. Se a palavra estilo nos remete à fonte, àquele que deu origem à criação, então a palavra gênero remete ao esquema genético pelo qual a obra foi formada, nascida, criada. Um gênero é um projeto típico holístico, um modelo, uma matriz, um cânone, com o qual a música específica está relacionada.

Nas obras de T.V. Popova, dois critérios são dados como base para a classificação dos gêneros: as condições de existência da música e as características da performance. V.A. Zuckerman identifica três grupos de gêneros principais: gêneros líricos, gêneros narrativos e épicos e gêneros motores associados ao movimento. A.N. Sohor toma as condições de existência, o ambiente de atuação como critério principal. O cientista distingue quatro grupos principais de gêneros: gêneros de culto ou rituais, gêneros de massa, gêneros de concerto, gêneros teatrais. A sistematização de gêneros, feita por O.V. Sokolov, baseia-se na conexão da música com outras artes ou componentes não musicais, bem como sua função. É música pura, música interativa, música aplicada, música interativa aplicada.

T.V. Popova sistematiza os principais gêneros da música clássica da seguinte forma:

Gêneros vocais (canção, hino, coral, recitativo, romance, balada, ária, arietta, arioso, cavatina, vocalize, ensemble);

Música de dança. Antiga suíte de dança;

Gêneros de música instrumental (prelúdio, invenção, étude, tocata, improviso, momento musical, noturno, barcarolle, serenata, scherzo, humorístico, capriccio, rapsódia, balada, noveleta);

Música sinfónica e de câmara;

Ciclos de sonatas-sinfonias, Concerto, Suite Sinfónica dos séculos XIX-XX;

Gêneros de um movimento (não cíclicos) dos séculos XIX e XX (abertura, fantasia, poema sinfônico, quadro sinfônico, sonata de um movimento;

Obras musicais e dramáticas. Ópera e balé

Cantata, oratório, réquiem.

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A música nasceu na antiguidade como uma das formas de expressão artística dos sentimentos humanos. Seu desenvolvimento sempre esteve intimamente ligado às necessidades da sociedade humana. No início, a música era pobre e inexpressiva, mas ao longo dos muitos séculos de sua existência, tornou-se uma das artes mais complexas e expressivas, com um poder excepcional de influenciar uma pessoa.

A música clássica é rica em vários tipos de obras, cada uma com suas próprias características distintivas, seu conteúdo, sua finalidade. Tais tipos de obras musicais como música, dança, abertura, sinfonia e outros são chamados de gêneros e.

Os gêneros musicais formam dois grandes grupos, diferenciados pelo método de execução: vocal e. instrumental.

A música vocal está intimamente ligada ao texto poético, à palavra. Seus gêneros - canção, romance, coro, ária de ópera - são as obras mais acessíveis e populares para todos os ouvintes. Eles são executados por cantores com acompanhamento de instrumentos, e canções e coros são muitas vezes desacompanhados.

A canção popular é a forma mais antiga de arte musical. Muito antes de a música profissional começar a se desenvolver, imagens musicais e poéticas brilhantes se desenvolveram em canções folclóricas, refletindo de forma verdadeira e artisticamente convincente a vida das pessoas. Isso também se manifesta na natureza das próprias melodias, na brilhante originalidade da estrutura melódica. É por isso que os grandes compositores valorizavam as canções folclóricas como fonte de desenvolvimento da arte musical nacional. “Nós não criamos, as pessoas criam”, disse M. I. Glinka, o fundador da ópera russa e da música sinfônica, “mas nós apenas organizamos” (processo).

Uma característica essencial de qualquer música é a repetição repetida de uma música com palavras diferentes. Ao mesmo tempo, a melodia principal da música permanece na mesma forma, mas a cada vez o texto poético ligeiramente alterado lhe dá novos tons expressivos.

Mesmo o acompanhamento mais simples - acompanhamento instrumental - aumenta a expressividade emocional da melodia da canção, dá ao seu som uma plenitude e brilho especial, "acaba" aquelas imagens do texto poético que não podem ser transmitidas na melodia por meio da música instrumental. Assim, o acompanhamento de piano nos conhecidos romances de Glinka "Night Marshmallow" e "The Blues Fell Asleep" reproduz o movimento das ondas ondulantes, e em sua canção "Lark" - o chilrear dos pássaros. No acompanhamento da balada de Franz Schubert "The Forest King" pode-se ouvir o galope frenético de um cavalo.

Na obra de compositores do século XIX. junto com a música, o romance se tornou um gênero vocal favorito. Esta é uma pequena peça para voz com acompanhamento instrumental.

Normalmente os romances são muito mais complicados do que as canções. As melodias dos romances não são apenas de um amplo armazém de canções, mas também de uma melodiosa declamação (“Não estou bravo” de Robert Schumann). Nos romances, também se pode encontrar uma justaposição contrastante de imagens musicais (“Night Zephyr” de M. I. Glinka e A. S. Dargomyzhsky, “A Princesa Adormecida” de A. P. Borodin) e um intenso desenvolvimento dramático (“Lembro-me de um momento maravilhoso” de Glinka em poemas de Pushkin).

Alguns gêneros de música vocal são destinados a um grupo de intérpretes: um dueto (dois cantores), um trio (três), um quarteto (quatro), um quinteto (cinco), etc. grupo de canto). Os gêneros corais podem ser independentes ou fazer parte de uma obra musical e dramática maior: óperas, oratórios, cantatas. Tais são as composições corais dos grandes compositores alemães Georg Friedrich Handel e Johann Sebastian Bach, os coros nas óperas heróicas de Christoph Gluck, nas majestosas óperas épicas e heróico-dramáticas dos compositores russos M. I. Glinka, A. N. Serov, A. P. Borodin, M P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, S. I. Taneyev. No famoso final coral da Nona Sinfonia de Ludwig van Beethoven, glorificando a liberdade (nas palavras da ode "To Joy" de Friedrich Schiller), é reproduzida uma imagem do majestoso festival de milhões de pessoas ("Abra, milhões").

Excelentes coros foram criados pelos compositores soviéticos D. D. Shostakovich, M. V. Koval, A. A. Davidenko. O coro Davidenko "Na décima verst da capital" é dedicado às vítimas da execução em 9 de janeiro de 1905; seu outro coro, imbuído de uma grande explosão - "A rua está agitada" - retrata o júbilo do povo que derrubou a autocracia em 1917.

O oratório é uma obra importante para o coro, cantores solo e orquestra sinfônica. Assemelha-se a uma ópera, mas é realizada em concertos sem cenário, figurino e ação de palco (o oratório "Em Guarda do Mundo" do compositor soviético S. S. Prokofiev).

A cantata é mais simples em conteúdo e menor que o oratório. Há cantatas líricas, solenes, acolhedoras, congratulatórias, criadas em homenagem a alguma data de aniversário ou evento social (por exemplo, a "Cantata de abertura da Exposição Politécnica" de Tchaikovsky). Compositores soviéticos também se voltaram para este gênero, criando cantatas sobre temas contemporâneos e históricos (Sol Brilha Sobre Nossa Pátria de Shostakovich, Alexander Nevsky de Prokofiev).

O gênero mais rico e complexo da música vocal é a ópera. Ele combina poesia e ação dramática, música vocal e instrumental, expressões faciais, gestos, danças, pinturas, efeitos de iluminação em um único todo. Mas tudo isso está subordinado na ópera ao princípio musical.

O papel do discurso coloquial comum na maioria das óperas é realizado cantando ou falando em voz cantante - recitativo. Em gêneros operísticos como opereta, comédia musical e ópera cômica, o canto se alterna com o discurso coloquial comum (“Gafanhoto branco” de I. O. Dunaevsky, “Arshin mal alan” de Uzeyir Gadzhibekov, “Contos de Hoffmann” de Jacques Offenbach).

A ação da ópera é revelada principalmente nas cenas vocais: árias, cavatinas, canções, conjuntos musicais e coros. Em árias solo, acompanhadas pelo som poderoso de uma orquestra sinfônica, os tons mais sutis de experiências espirituais dos personagens ou suas características de retrato são reproduzidos (por exemplo, a ária de Ruslan em Ruslan e Lyudmila de Glinka, as árias de Igor e Konchak em Prince Igor de Borodin) . Confrontos dramáticos de interesses de atores individuais são revelados em conjuntos - duetos, tercetos, quartetos (o dueto de Yaroslavna e Galitsky na ópera "Príncipe Igor" de Borodin).

Nas óperas clássicas russas, encontramos exemplos maravilhosos de conjuntos musicais: o dueto dramático de Natasha e o Príncipe (do primeiro ato de Rusalka de Dargomyzhsky), o trio sincero Don't Sleep, Darling (de Ivan Susanin de Glinka). Os poderosos coros nas óperas de Glinka, Mussorgsky e Borodin recriam fielmente as imagens das massas.

De considerável importância nas óperas são os episódios instrumentais: marchas, danças e, às vezes, cenas musicais inteiras, geralmente colocadas entre os atos. Por exemplo, na ópera de Rimsky-Korsakov, The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia, é dada uma representação sinfônica da batalha do exército russo antigo com as hordas tártaras-mongóis (A Batalha de Kerzhents). Quase toda ópera começa com uma abertura - um prólogo sinfônico, em termos gerais, revelando o conteúdo da ação dramática da ópera.

Música instrumental desenvolvida com base na música vocal. Ela cresceu fora da música e da dança. Uma das formas mais antigas de música instrumental associada à arte popular é o tema com variações.

Tal peça é construída no desenvolvimento e modificação do principal pensamento musical - o tema. Ao mesmo tempo, mudanças melódicas individuais, cantos, ritmo e natureza do acompanhamento mudam (varie). Recordemos as variações para piano sobre o tema da canção russa “Will I go out to the river” do músico russo do século XVIII. I. E. Khandoshkina (ver artigo “Gus music of the 18th century”). Na fantasia sinfônica de Glinka "Kamarinskaya", primeiro a majestosa canção de casamento suave "Por causa das montanhas, altas montanhas", então a música de dança rápida "Kamarinskaya" varia.

Outra forma musical mais antiga é a suíte, uma alternância de várias danças e peças. Em uma antiga suíte de dança do século XVII. danças de caráter, andamento e ritmo opostos substituíram-se: moderadamente lenta (alemanda alemã), rápida (carrilhões franceses), muito lenta, solene (sarabande espanhola) e rapidamente rápida (gigue, conhecida em vários países). No século XVIII. danças engraçadas foram inseridas entre a sarabanda e a giga: gavotte, burre, minueto e outras. Alguns compositores (por exemplo, Bach) muitas vezes abriam a suíte com uma peça introdutória que não tinha a forma de uma dança: um prelúdio, uma abertura.

Uma série sucessiva de obras musicais, unidas em um único todo, é chamada de ciclo. Recordemos os ciclos de canções de Schubert "The Miller's Love" e "The Winter Road", o ciclo vocal de Schumann "The Poet's Love" com as palavras de Heinrich Heine. Muitos gêneros instrumentais são ciclos: esta é uma variação, uma suíte, uma serenata instrumental, uma sinfonia, uma sonata, um concerto.

Inicialmente, a palavra sonata (do italiano “som”) denotava qualquer peça instrumental. Só no final do século XVII. na obra do violinista italiano Corelli, desenvolveu-se um gênero peculiar de sonata de 4-6 partes, que se tornou um dos mais populares. Exemplos clássicos de uma sonata em duas ou três partes no século XVIII. criado pelos compositores Carl Philipp Emmanuel Bach (filho de J.S. Bach), Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, I.E. Khandoshkin. Sua sonata consistia em várias partes, diferentes em imagens musicais. A primeira parte enérgica, de desdobramento rápido, geralmente construída sobre uma justaposição contrastante de dois temas musicais, foi substituída pela segunda parte - uma peça lírica lenta e melodiosa. A sonata terminou com um finale - música em ritmo acelerado, mas de caráter diferente do primeiro movimento. Às vezes, a parte lenta era substituída por uma peça de dança - um minueto. O compositor alemão Beethoven escreveu muitas de suas sonatas em quatro movimentos, colocando entre o movimento lento e o final uma peça animada - um minueto ou scherzo (da "brincadeira" italiana).

Peças para instrumentos solo (sonata, variações, suíte, prelúdio, improviso, noturno) juntamente com vários conjuntos instrumentais (trios, quartetos) constituem o campo da música de câmara (literalmente - "casa"), projetada para ser executada em frente a um público relativamente pequeno círculo de ouvintes. Em um conjunto de câmara, as partes de todos os instrumentos são igualmente importantes e requerem um acabamento especialmente cuidadoso do compositor.

A música sinfônica é um dos fenômenos mais brilhantes da cultura musical mundial. As melhores obras para orquestra sinfônica se distinguem pela profundidade e completude do reflexo da realidade, pela grandiosidade da escala e, ao mesmo tempo, pela simplicidade e acessibilidade da linguagem musical, que às vezes adquire expressividade e colorido das imagens visuais . Notáveis ​​obras sinfônicas dos compositores Haydn, Mozart, Beethoven, Liszt, Glinka, Balakirev, Borodin, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky e outros foram criadas para o público democrático de massa de grandes salas de concerto.

Os principais gêneros de música sinfônica são aberturas (por exemplo, a abertura de Beethoven para a tragédia "Egmont" de Goethe), fantasias sinfônicas ("Francesca da Rimini" de Tchaikovsky), poemas sinfônicos ("Tamara" de Balakirev), suítes sinfônicas (" Scheherazade" de Rimsky-Korsakov) e sinfonias.

Uma sinfonia, como uma sonata, consiste em vários movimentos distintos, geralmente quatro. Eles podem ser comparados aos atos individuais de uma peça dramática ou aos capítulos de um romance. Os compositores recriam vários aspectos da realidade em combinações inesgotavelmente diversas de imagens musicais e na alternância contrastante de seus movimentos - rápido, lento, dança leve e novamente rápido-rápido - os compositores recriam vários aspectos da realidade.

Compositores sinfônicos refletem em sua música a natureza enérgica e ativa de uma pessoa, sua luta com as adversidades e obstáculos da vida, seus sentimentos brilhantes, o sonho de felicidade e memórias tristes, a beleza cativante da natureza e, junto com isso - o poderoso movimento de libertação das massas, cenas da vida folclórica e festivais folclóricos.

O concerto instrumental em sua forma lembra uma sinfonia e uma sonata. Esta é uma composição muito complexa para um instrumento solo (piano, violino, clarinete, etc.) com acompanhamento orquestral. O solista e a orquestra parecem competir entre si: a orquestra ou se cala, fascinada pela paixão do sentimento e a elegância dos padrões sonoros na parte do instrumento solista, ou o interrompe, discutindo com ele, ou o tema dele.

Os concertos foram compostos por muitos compositores notáveis ​​dos séculos XVII e XVIII. (Corelli, Vivaldi, Handel, Bach, Haydn). No entanto, o grande compositor Mozart foi o criador do concerto clássico. Concertos notáveis ​​para vários instrumentos (na maioria das vezes para piano ou violino) foram escritos por Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Tchaikovsky, Glazunov, Rachmaninov, compositores soviéticos A. Khachaturian, D. Kabalevsky.

A história secular da música nos conta como várias formas e gêneros musicais nasceram e se desenvolveram ao longo dos séculos. Alguns deles existiram por um tempo relativamente curto, outros resistiram ao teste do tempo. Por exemplo, nos países do campo socialista, os gêneros de música da igreja estão morrendo. Mas os compositores desses países criam novos gêneros como canções pioneiras e Komsomol, canções-marchas de lutadores pela paz.

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