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As origens do conceito de "boêmia" estão na incrível popularidade na França dos anos 30-40 do chamado mito cigano, cuja base foi o estilo de vida aventureiro e errante dos jovens habitantes das ruas de Paris, livres fora das normas da moralidade pública. Por muito tempo, a harmoniosa palavra "boêmia" deu origem a associações exclusivamente criminosas, e não artísticas ou artísticas. Afiadores de cartas, clochards e ladrões - é quem orgulhosamente levava o nome de "boêmio".

O filho do porteiro, jornalista e escritor Henri Murger poetizou e embelezou a vida da boemia parisiense. O "Homer da boêmia parisiense" de Murger criou uma lenda reverente sobre o talento e a nobreza dos habitantes do Quartier Latin. Maltrapilhos famintos e garotas desleixadas e vulgares que ele transformou em sonhadoras inquietas e encantadoras encantadoras. “Scenes from the Life of Bohemia” (1851), que glorificou o nome de Murger em toda a Europa, não apenas atraiu para a “terra latina” os buscadores da verdade e da aventura que romperam a estrutura estreita de uma vida respeitável, mas também inspirou mais de uma geração de artistas e escritores para testar seu temperamento criativo.

Em 1893, dois compositores, Ruggero Leoncavallo e Giacomo Puccini, decidiram escrever uma ópera baseada em uma história do romance de Murger. Puccini, que queria cantar sobre sua juventude estudantil medíocre, mas alegre, acabou sendo mais ágil e chegou primeiro à linha de chegada. A estréia de seu "La Boheme" ocorreu em 1º de fevereiro de 1896 (o trabalho tedioso dos libretistas, no entanto, arrastou muito o assunto). O maestro estava insatisfeito com a cidade de Turim escolhida para a estreia: afinal, no teatro Del Reggio de Turim, explicou ao amigo e editor Giulio Riccordi, não só não havia boa acústica, como também eram proibidos bis. Os encores não vieram a Turim. O público saudou a nova composição de Puccini com aplausos educados, e os críticos com artigos irados.

Previa-se que "La Boheme" teria um destino curto, o compositor foi aconselhado a entender seus erros e voltar ao caminho da verdadeira arte, onde "Manon Lescaut" o conduziu há três anos. Puccini teve azar com os atores: o intérprete do papel do artista Marselha acabou sendo um ator terrível, e o intérprete do papel do poeta Rudolph acabou sendo um cantor inútil. Mas naquela noite, Arturo Toscanini, de 28 anos, estava no estande do maestro. “Depois da estreia de La bohème”, lembrou Puccini, “tristeza e melancolia me invadiram, tive vontade de chorar... Passei uma noite terrível e, pela manhã, fui recebido com uma saudação maliciosa dos jornais”. A crítica mudou de ideia rapidamente. Em abril do ano seguinte, a ópera já era realizada em Palermo com um estrondo.

Ludmila Danilchenko

Teatro Bolshoi "La Boheme"

Um ano após a estreia, realizada em Turim (1896), La bohème foi ouvida em Moscou interpretada pelos artistas da Ópera Privada de Savva Mamontov, entre os quais apareceram Nadezhda Zabela (Mimi) e Fyodor Chaliapin (Shonard).

E entrou no repertório do Teatro Bolshoi em 1911 graças aos esforços de Leonid Sobinov, que encomendou uma nova tradução para o russo e não apenas interpretou o papel de Rudolph, mas também atuou - pela primeira vez - como diretor de palco. A performance contou com o apoio dos coristas do teatro (a estreia foi dada como uma performance beneficente do coro), mas não ficou no repertório.

Ao contrário das primeiras produções europeias deste famoso melodrama operístico (no Covent Garden de Londres a mesma performance foi mantida de 1897 a 1974, na Ópera de Paris de 1898 a 1972), no Bolshoi La Bohème foi diferente. Nem antes da revolução, nem depois. Embora a primeira produção "soviética" tenha sido realizada apenas quatro anos após o vitorioso 17 de outubro.

Em 1932, tendo em conta a intimidade desta ópera, a nova La bohème foi enviada para o palco da filial, onde, novamente, viveu por muito pouco tempo e onde foi revivida pelos esforços do grupo de produção seguinte em 1956. Uma história divertida e não muito típica da época está ligada ao "La Boheme" do 56º ano. Com esta produção, o conhecido maestro de origem polonesa Jerzy Semkov, formado pelo Conservatório de Leningrado, que se formou no Teatro Bolshoi, começou a entrar no mundo da ópera. (Três anos depois dessa estreia, ele se tornaria o maestro titular do Teatro Bolshoi de Varsóvia e dois anos depois partiria para o Ocidente.) Distinguido por uma disposição orgulhosa e independente, o jovem Semkov considerou necessário responder às críticas (equilibradas por elogios) através do jornal do Teatro Bolshoi, explicando erros de cálculo individuais poucos ensaios. No entanto, isso não prejudicou sua futura carreira.

A produção atual entrou no repertório em 1996 para marcar o centenário da estreia de Turim. Foi um trabalho de sucesso um ano antes de Peter Feranec ser nomeado regente-chefe da Orquestra do Teatro Bolshoi. A crítica foi praticamente unânime: a orquestra, conduzida por um maestro eslovaco, transmitiu perfeitamente tanto o transparente impressionismo da música quanto sua acidez, lembrando mais uma vez que Puccini é o século XX (no final do século XX, essa característica ainda era entendido como sinônimo do termo “moderno”). A então Fundação do Teatro Bolshoi de Viena, que apoiou a produção, recomendou ao teatro o forte diretor tradicionalista austríaco Federik Mirdita. A conhecida artista de São Petersburgo Marina Azizyan estreou nesta produção no Bolshoi.

Dos itens de armazenamento relacionados a La Bohème, o Museu Bolshoi se orgulha especialmente (além dos esboços de cenário de Konstantin Korovin e Fyodor Fedorovsky, que em vários momentos projetaram as produções desta ópera) é a primeira edição do clavier (Ricordi and Company, Milão, 1896) , decorada com o autógrafo do próprio compositor.

Natalya Shadrina

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sobre o desempenho

A ópera La bohème de Giacomo Puccini é uma de suas melhores obras. Ao mesmo tempo, essa criação não foi aceita pelos críticos, além disso, foi previsto que ele tivesse uma fama curta. No entanto, a ópera atravessou os séculos e agora é encenada com sucesso nas principais salas de teatro do mundo. Qualquer um que decida encomendar ingressos para a ópera La Bohème no Teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko encenado por Alexander Titel pode estar convencido da genialidade do trabalho de Puccini.

O libreto de La bohème é baseado no romance homônimo de Henri Murger, mas na produção a história não é contada diretamente, mas como uma memória do que se foi para sempre. Em geral, seu enredo é baseado na história dos habitantes de um dos bairros mais pobres de Paris - os boêmios, como eram chamados os estudantes e os pobres desempregados. Duas duplas de jovens ao longo da performance descobrem a relação entre si. O final da história é triste - a morte de uma das heroínas, Mimi, sobre cujo corpo seu amado Rudolf está chorando.

Pode-se dizer sem exagero que a ópera "La Boheme" no Teatro Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko, para a qual nossa bilheteria oferece ingressos, é uma verdadeira jóia e decoração do repertório do teatro. Tem tudo o que encanta o espectador moderno - música perfeita, uma história tocante e um ótimo jogo de atores. Os bilhetes para esta ópera podem ser encomendados online ou por telefone.

A duração do espetáculo é de 2 horas e 20 minutos (com um intervalo).

Compositor Giacomo Puccini
Libreto de Luigi Illica e Giuseppe Giacosa
Diretor Musical e Maestro Volf Gorelik
Maestro Felix Korobov
Encenador Alexander Titel
Designer de Produção Yuri Ustinov
A figurinista Irina Akimova
O designer de iluminação Ildar Bederdinov
Gênero Ópera
Número de atos 4
Língua falada Italiano
Título OriginalLa Boheme
Duração 2 horas e 20 minutos (um intervalo)
Data de estreia 01/07/1996
Limite de idade 12+
O desempenho é um laureado do Prêmio Nacional de Teatro da Rússia "Máscara de Ouro" em 1997 em 2 categorias ("melhor trabalho do diretor"; "melhor papel feminino" - Olga Guryakova).

Preço do bilhete: de 1500 a 4000 rublos.

Maestro - Felix Korobov

Rudolph - Chingis Ayusheev, Nazhmiddin Mavlyanov, Artem Safronov
Mimi - Khibla Gerzmava, Elena Guseva, Natalia Petrozhitskaya
Marselha - Dmitry Zuev, Ilya Pavlov, Alexey Shishlyaev
Musetta - Irina Vashchenko, Maria Pakhar
Schonar - Andrey Baturkin, Dmitry Stepanovich
Collen - Denis Makarov, Roman Ulybin, Dmitry Ulyanov
Benois / Altsindor - Vladimir Svistov, Dmitry Stepanovich
Parpignol - Thomas Baum, Vyacheslav Voinarovsky

Teatro Bolshoi da Rússia Este ano ele decidiu encerrar sua temporada com uma estreia de ópera.

E esta estreia acabou por ser maior do que ela própria. Pareceria um fracasso privado de uma única apresentação, mas acumulou mais claramente todos os pontos problemáticos da política da atual gestão do teatro. E longe das perspectivas mais róseas foram delineadas de forma muito inequívoca.

Então, Boêmia.

Mal tiveram tempo de retirar a produção anterior do cartaz (aliás, embora fosse literalmente o próximo libreto, era bastante estético), quando imediatamente apresentaram uma nova. Afinal, uma das óperas mais reconhecidas e, não menos importantes, de bilheteria do mundo.

A produção foi dirigida por Jean Roman Vesperini. Um jovem diretor, assistente de ontem de Peter Stein. Trabalhou com ele, inclusive em vários projetos na Rússia, incluindo "Aida" no teatro de Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko. E aparentemente muito profundamente assimilado na paisagem cultural russa.

Como diretor independente, Vesperini estava completamente desamparado.

Enquanto assistia, parecia que a única coisa que o impulsionava na produção era evitar qualquer comparação com Stein. E para ter certeza, ele decidiu emprestar tudo dos outros. Um selo em um selo, um clichê em um clichê - tudo já foi visto mil vezes, envelheceu e morreu de morte natural.

O resultado foi apenas um enorme bolo de casamento sem gosto de banalidades e a ausência de qualquer individualidade própria pronunciada.

A direção aqui é estatuária.

Direto do século passado. Todos os estereótipos, pelos quais o gênero da ópera é muitas vezes ridicularizado, são reunidos e levados ao absurdo. Para transmitir as emoções mais simples (um ataque de tosse ou surpresa), os solistas congelam de repente, como se antes de um derrame, arregalam os olhos com toda a força, batendo os cílios timidamente e apertando o peito com um gesto pitoresco. De resto, todo mundo apenas sobe ao palco, vira o rosto para o público e canta. Tudo. E assim 2 horas e meia com um intervalo.

Em algum momento, há a sensação de que a única tarefa de atuação que o diretor estabeleceu para os artistas foi subir ao palco, olhar brevemente para os parceiros, virar o rosto para o público e cantar o máximo possível, quanto mais alto melhor, de preferência esquecê-lo completamente. E para criar pelo menos alguma aparência de ação, o diretor ordenou que os solistas andassem intensamente pelo palco - da direita para a esquerda, de cima para baixo, para frente e para trás - e, invariavelmente, justificam essa caminhada pelo fato de que, com um olhar pensativo, olhar, sentir absolutamente todos os objetos encontrados no caminho. Apenas ocasionalmente os artistas têm a oportunidade de lembrar a existência uns dos outros.

Parece engraçado, mas eu nunca vi uma performance antes, onde os personagens pegassem, tocassem e esfregassem os adereços e o cenário ao seu redor com tanta intensidade e entusiasmo. Sério, se você ainda decidir ver esta produção, não adie por muito tempo, há um sério risco de que o brilho de estreia, que o cenógrafo Bruno de Lavener trouxe para esta performance, seja apagado muito rapidamente.

Acabou sendo um livro didático, literal, direto e, como resultado, escancarado com seu vazio "La Boheme" - coberturas, restaurantes, lareiras, pobres jovens infelizes de profissões criativas e caricaturas burgueses gordos e ricos.

Não é como se algo terrível tivesse acontecido.

Muitas das casas de ópera do mundo (entre as quais a famosa Metropolitan Opera House é especialmente notável) anualmente às vezes apresentam mais de uma estreia com uma direção tão "vazia" ... Mas aqui surge a questão da conveniência e do planejamento artístico.

Em primeiro lugar, La bohème é uma das óperas mais executadas no mundo nas últimas décadas. Se alguém foi à ópera pelo menos uma vez, deve ter ido a La Boheme. E literalmente é simplesmente contra-indicado para ela. O público fica simplesmente entediado quando você pode prever com antecedência não apenas o que acontecerá a seguir, mas também como será.

Em segundo lugar, os teatros mundiais apresentam performances semelhantes com um objetivo transparente e prudente - em que estrelas mundialmente famosas são convidadas para peças solo. Muitas vezes muito diferente. E uma direção pontuada e minimalista é necessária para que um artista visitante possa rapidamente assumir o papel sem muita dor de cabeça, trazendo suas realizações pessoais para o palco. E muitas vezes acaba bem, porque, como regra, todos os grandes nomes mundiais têm um dom artístico bem desenvolvido. Eles não apenas cantam, mas também são capazes de transmitir seu canto ao público de maneira dramática. Caso contrário, eles não teriam sido tais estrelas. Aqui todos os solistas são jovens. Alguém tem mais perspectivas, alguém tem menos, alguém já aconteceu, alguém está apenas começando, mas em geral ainda não há desenvolvimentos. E eles cumprem obedientemente todas as tarefas do diretor. Diligentemente e sem questionar.

E este é o principal aborrecimento e ressentimento deste "premier".

O fato é que a ópera em si tem um libreto muito vivo e extremamente espirituoso. Puccini tentou ao máximo moldar essa história em seu melodrama favorito, quase com força espremendo uma lágrima, mas, felizmente, o material de origem não sucumbiu completamente a ele. E talvez nesta circunstância resida o segredo de tal popularidade em massa, facilidade e acessibilidade para o espectador de "La Boheme".

Na verdade, todos os diálogos e reviravoltas na trama são organizados nesta ópera no espírito de um bom seriado de comédia. Uma comédia sobre a vida dos jovens. Sobre o primeiro encontro com o amor, o ciúme e a morte. Mas antes de tudo, sobre amizade forte, não importa o quê. Sobre como ser amigo não só da luz, mas também do lado sombrio de uma pessoa. Sobre a capacidade de perdoar fraquezas a um amigo próximo e estar presente em momentos difíceis. Mesmo na cena final da morte de Mimi, em primeiro plano não está sua famosa ária moribunda, mas como os amigos de Rudolf não conseguem encontrar forças para contar ao amigo a trágica notícia. Enquanto ele olha para cada um deles confuso por sua vez e faz a pergunta: “Por que você está me olhando assim?”, internamente já entendendo “por quê”.

Juventude, o primeiro teste de fortes sentimentos e fortes choques - é exatamente o que torna esta ópera viva e interessante. E muitas vezes, mesmo quando superestrelas com vozes marcantes cantam nos papéis principais, e o diretor mais famoso o dirige, tudo falha por falta de entusiasmo juvenil - esse mesmo fogo sagrado que queima um bom drama.

Mas aqui toda a equipe da performance - diretor, solistas, maestro - caras muito jovens. E eles devem simplesmente acender, lançar uma faísca da qual uma chama se acende. E eles pegam e colocam esse dinossauro em 2018. E com diligência mal disfarçada. E em vez de ver como jovens talentos criam o futuro com ousadia e coragem, você vê como eles estão tentando se estabelecer no passado e se sufocam em nuvens de poeira levantada.

Claro, alguns artistas tentam não perder sua leveza juvenil. Isso é especialmente bem-sucedido no conjunto masculino (em diferentes composições, Zhilikovsky e Todua aparecem na parte de Marselha. Eu realmente acredito no primeiro - ouvi muitas vezes, ele sempre tentou evitar chavões. O segundo hoje virou o papel coadjuvante no personagem principal). Nas mulheres, tudo é muito mais modesto. Eu estava na segunda escalação, e pela primeira vez me peguei pensando que nunca na minha vida esperei tanto para que Mimi finalmente morresse. Há rumores de que nem tudo é melhor no primeiro. Tenho medo de imaginar e definitivamente não quero verificar.

Mas o principal refém dessa "estreia" foi o maestro Evan Rogister.

Quem está realmente arrependido. Apesar de alguma aspereza e também um uso sólido de chavões (aparentemente esta é uma bactéria muito contagiosa), ele conseguiu agitar a orquestra do Teatro Bolshoi, que, infelizmente, recentemente se notabilizou pelo esnobismo e superestimação do senso de auto-importância de muitos dos seus músicos, pelo que, fora dependendo do maestro e do material que está a tocar, a orquestra teatral toca-se consistentemente sobre um determinado tema. Suspeito que o segredo de tal sucesso seja o charme natural de Rogister e seu sorriso de boa índole contagiante. Como resultado, ele é o único que nesta performance mantém sua juventude e traz pelo menos um pouco de frescor, devido ao qual até os truques mais banais são percebidos mais como ingenuidade juvenil, o que combina muito bem com esta ópera.

No entanto, vamos supor que tudo isso não é essencial, e não vale a pena tais descontentamentos detalhados. No final, todo teatro falha. Todo mundo tem o direito de falhar e errar.

Mas aqui a história não é mais sobre uma única apresentação, mas sobre o clima em todo o teatro.

Não faz muito tempo, o Bolshoi era uma das principais e promissoras casas de ópera do mundo. As pessoas se reuniram para "Ruslan e Lyudmila" de Chernyakov de todo o mundo. Agências especializadas surgiram para proporcionar ao público da ópera turismo cultural com o único propósito de assistir à estreia da ópera do teatro.

Agora o teatro demonstra que está voltado para um público aleatório e distante do gênero operístico, que continua a peregrinação atrás do lustre. E os convidados estrangeiros, se se encontrarem, também mudaram muito. Ônibus de turistas chineses estão chegando ao Bolshoi.

E agora, encerrando mais uma temporada de ópera já sem vida com tal estreia, o teatro parece estar assinando sua renúncia voluntária ao título de teatro mundial, aceitando o status de provinciano. Admitindo abertamente que, mesmo nesse status, o Bolshoi não é mais um teatro de ópera e balé. Agora só balé. E ainda mais, com uma rara e agradável exceção, principalmente clássica. E, idealmente, ressuscitando os clássicos do período soviético, para que os funcionários tenham um lugar para caminhar nomenklatura delegações estrangeiras.

É muito doloroso sentir esse renascimento. As paredes são as mesmas da muito recente "Rodelinda", "Billy Budd", "Eugene Onegin", "Carmen" Pountney... Mas só não sobrou nada além das paredes. Agora aqui está uma câmara tão balsâmica.

Mas, mesmo fora de um teatro específico, o “novo” La Boheme mostrou uma característica muito maior e mais interessante.

Nas últimas décadas, tem havido disputas acirradas entre os fãs de ópera sobre produções com olho de diretor pronunciado e leitura de enredos de ópera. E, via de regra, o grau de indignação dos oponentes da chamada "rezhopera" sempre foi marcado por uma frase desdenhosa "vou descer, vou ouvir de olhos fechados".

E assim, para esses conservadores, nasceu uma produção separada - quase a quintessência de seus ideais. Antologia diligente e escrupulosamente recolhida de dirigir "grande gesto".

Mas a grande maioria dos espectadores na sala agora fecha os olhos por conta própria. Tédio.

Mesmo espectadores casuais, por algum milagre não familiarizados com o enredo de La Boheme, começaram a sussurrar baixinho sobre como as coisas estão no trabalho e com os amigos. Ou todos riram dos mesmos estereótipos sobre a ópera, onde por 10 minutos seguidos o herói canta em uma língua estrangeira enquanto morre.

Ao mesmo tempo, aplausos foram ouvidos não após o desempenho bem-sucedido das árias, mas depois de um alto. Muitos que vieram à ópera pela primeira vez tinham certeza de que deveria ser assim. E satisfeitos com tal reconhecimento, a coincidência de suas idéias com a realidade, eles de alguma forma se livraram do tédio pela atividade física - batendo palmas.

Mesmo nos aplausos finais (e este é o último show da temporada!) a ovação mais tempestuosa não foi para os artistas principais, mas para o cachorro de circo (não pergunte, aguente - há um cachorro de circo na performance ). Só o maestro conseguiu chegar perto desse sucesso.

Após a apresentação, fiquei na saída do salão. Olhei especificamente para fora, mas não vi ninguém com o rosto manchado de lágrimas ou pelo menos olhos ligeiramente úmidos e pensativos. E é na "Bohemia"! Talvez, é claro, ele estivesse procurando no lugar errado, mas normalmente você encontra essas pessoas em Puccini sem muita dificuldade. É só que esse show não é real. Geralmente. Como em qualquer reconstrução histórica, tudo o que acontece é falso e travessuras que há muito perderam seu significado e esqueceram sua própria essência. E ninguém tem esse tipo de sentimento. Mesmo para quem “corta cebolas” pela primeira vez com Puccini.

E nesse fenômeno há uma moral interessante: nem tudo que parece certo e agradável para você pessoalmente tem futuro.

Hoje, o gênero operístico está muito à frente do debate bilioso sobre "diretor" e "dirigoper". O primeiro tem quase 100 anos. O segundo - geralmente um fóssil natural. E quanto mais ativamente corrermos contra o movimento da escada rolante, mais rápido nos encontraremos no fundo.

Do fundo do meu coração, sinceramente, desejo que o Teatro Bolshoi entenda isso, pare de tentar agradar a todos e corrija radicalmente o rumo. Não para flertar com o espectador local, alimentando-o com ingressos acessíveis em cupons e cheques de passaporte na entrada, mas para desenvolver a paisagem e o nível musical do país. Alguém, mas o Teatro Bolshoi tem todos os recursos para isso.

Em breve, por exemplo, contarei uma bela e instrutiva história de como um teatro muito mais modesto em nosso país, graças ao bom gosto e razoável planejamento de gestão, já está trabalhando tranquilamente em um importante projeto que determinará nosso futuro cultural por anos a fio. venha.

Enquanto isso, a próxima estreia de ópera no Bolshoi, que é especialmente difícil de desmontar, porque simplesmente não há nada a que se agarrar, demonstra o sistema já estabelecido. O sistema do que acontece quando a gestão do teatro se compromete com muita facilidade. Esses compromissos descem na hierarquia. E como resultado, toda a atmosfera está envenenada.

Nesse sentido, como melhor alerta sobre a destrutividade da arte de flertar com compromissos, gostaria muito de desejar aos artistas e à direção de nossos outros teatros que vejam o “novo” La Boheme do Bolshoi. E antes de tudo, é claro, para Sergei Vasilyevich Zhenovach. Muitos erros podem ser evitados. Muita coisa fica clara. Em vez de mil palavras.

p.s.

Voltando completamente aborrecido, liguei a gravação de "La Boheme", que pessoas muito boas me aconselharam por muito tempo. Recentemente, ele admitiu que nunca havia encontrado a feia "Boêmia". Nenhuma das performances me atingiu. Não que ele não rugisse, mas simplesmente não experimentava outras emoções além de irritação. E já pensei que na estreia de "Big" o problema está mais em mim e no meu protesto contra arrancar lágrimas do público com métodos baratos.

Mas o registro está ativado. E nunca pisquei tão raramente para La Boheme. Uma obra-prima absoluta. O melhor desempenho até hoje. A música ouvida mais de 100 vezes soa completamente diferente. E a performance cantada é absolutamente brilhante. Sim, tal "Bohemia" existe! Estamos esperando por ela há muito tempo, e ela foi encontrada!

Paciência... Ganharei força e com certeza compartilharei a descoberta. Por enquanto…

Amor, amor, infelizmente, não substituirá a lenha para nós ...

- apresentação de estreia Vladislav Shuvalov que acharam a produção de Puccini irremediavelmente comemorativa.

No final da 242ª temporada, o Teatro Bolshoi apresentou a ópera de Puccini " Boêmia» na leitura da composição internacional de diretores e artistas. A produção anterior do Bolshoi, datada de 1996, dirigida pelo austríaco Federik Mirditta e conduzida pelo eslovaco Peter Feranec, teve mais de 110 apresentações (a última ocorreu um ano antes da nova estreia). A presença da ópera no repertório do Bolshoi é uma história rotineira desde a primeira produção de La bohème em 1911. Mas mesmo enredos bem-sucedidos precisam ser atualizados ocasionalmente. De fato, verificou-se que a produção anterior difere essencialmente pouco da atual, com exceção de uma cenografia mais estética e o fato histórico de que o diretor, maestro e cantores da nova edição de La Boheme são jovens. Em vista de sua idade, eles deveriam ser mais vigilantes com o material.

Os diretores de La bohème costumam interpretar a tonalidade do público boêmio como uma atmosfera de sentimentalismo demonstrativo e alegria boba, como se tivessem medo de se desviar do estereótipo. Enquanto isso, o teatro moderno oferece diferentes leituras. Klaus Guth no ano passado na Ópera Nacional de Paris derrubou radicalmente a galeria figurativa de La bohème: uma pobre companhia artística, impulsionada pela desordem da vida no início do século 19 em um sótão frio, foi trancada por Gut literalmente em uma cápsula de uma nave espacial arando as extensões frias do universo. Astronautas solitários, seja por uma sensação elevada do fim que se aproxima, ou por falta de oxigênio, foram visitados por visões artísticas de uma vida passada ou inexistente.

foto: Assessoria de Imprensa do Teatro Bolshoi

O passado e o futuro estão igualmente distantes de seus contemporâneos, de modo que as ideias dos tradicionalistas sobre a boêmia do século retrasado não são menos utópicas do que as de Gut. Inclusive devido a ilusões excessivamente sentimentais sobre o feriado da juventude despreocupada. Ao mesmo tempo, inicialmente, nos esboços das imagens da boêmia, Balzac e Hugo, como você sabe, eram mais realistas. Henri Murger, o autor de "Cenas da Vida da Boêmia", com ênfase em sua própria biografia, descreveu uma história sobre um novo estrato da sociedade, inédito e não encontrado em nenhum outro lugar, cuja liberdade de criatividade e relacionamento era temida em círculos, ao mesmo tempo que os admira. A vizinha Mimi, que se apaixonou pelo poeta Rudolph, foi dispensada da amante de Murger, segundo a lenda, que foi jogada por ele de maneira muito ignóbil para morrer sozinha. libretista Luigi Illica era conhecido como frondeur, participou da organização de revistas radicais e lutou em duelos, o segundo libretista Giuseppe Giacosa serviu como um amortecedor em escaramuças entre as naturezas quentes de Puccini e Illika.

O espírito rebelde das personalidades criativas foi reduzido às regras do jogo do gênero, e poucos posteriormente ousaram modernizar a ópera imensamente romântica para todos os tempos. Não ousando aproximar os personagens dos personagens de algo mais vivo e imperfeito, os diretores invariavelmente direcionavam seus esforços para tocar o público: comédia despretensiosa e romance gravado no primeiro ato, carnaval sem limites no segundo, melado lírico com final triste no o último. Jean Roman Vesperini, diretor do novo La bohème, que tem alguma experiência em produções de teatro e ópera na França, não está trabalhando na Rússia pela primeira vez. Foi assistente de Peter Stein em "Aida", brilhantemente passado, e na lenda dramática de Berlioz "A Condenação de Fausto", encenada por Stein no Teatro Bolshoi há dois anos. Provavelmente, durante esse período, Vesperini formou uma opinião sobre o público russo e as expectativas do cliente. Ele repetidamente expressou a tarefa de estetizar a ópera de Puccini no estilo do filme musical "", o que por si só soa um pouco estranho dos lábios de um diretor de ópera, embora honestamente.

A aposta estética é tão oportunista quanto pouco errônea: na Rússia eles ainda amam tudo brilhando com pretensão de glamour, apesar do fato de que desde o lançamento do melhor filme de Luhrmann "", a caligrafia do australiano, se não irremediavelmente, então certamente desatualizado. Além disso, o design glamoroso contraria a essência da imagem boêmia - círculos de artistas sem um tostão e, em geral, trabalhadores marginais da arte pela arte, próximos a personagens glamorosos, talvez com alto grau de impudência na representação de habilidades artísticas. É muito mais importante que o estilo vertiginoso do pós-modernista australiano exija de seus seguidores, antes de tudo, um impecável senso de ritmo de montagem e perfeccionismo na criação de detalhes, o que no caminho escolhido da estetização travada pode não ser uma benção para o diretor, mas um passo.

Por tradição, "La Boheme" desdobra-se em três cenários: um sótão com uma ampla janela - uma rua do Quartier Latin - o posto avançado d'Anfer. Cenografia Bruno de Lavenera- o componente mais atraente da produção. O sótão é apresentado por ele como uma estrutura de três andares, que ocupa apenas um terço do palco, e cumpre a tarefa de um espaço limitado em que os boêmios - poeta, pintor, filósofo e músico - são difíceis, mas alegremente amontoados. O resto do palco, à direita e à esquerda da "seção do sótão", é coberto por uma cortina. Uma imagem de telhados com chaminés e chaminés é projetada na cortina. Os cantores entraram no primeiro acto, estando no segundo nível da estante, onde se encontravam a mesa e o famoso fogão, para o qual se voltam as primeiras libações dos artistas, congeladas na véspera de Natal. As atuações dos cantores em altura proporcionavam melhor visibilidade do que acontecia da galeria e das arquibancadas, mas dificultavam o contato entre os artistas e a orquestra. As mãos do maestro americano Evan Rogester de vez em quando sobrevoavam o fosso da orquestra. A propósito, os cantores chegaram ao terceiro andar de seu próprio sótão apenas uma vez.

foto: Assessoria de Imprensa do Teatro Bolshoi

A transição do primeiro para o segundo ato não exigia a habitual pausa para mudança de cenário. O desenho do sótão efetivamente se dividiu em diferentes direções, revelando a cobiçada amplitude do espaço do palco, com o qual o espectador conseguiu se cansar. A alegria da véspera de Natal na apresentação foi simplesmente substituída pela azáfama solene do Quartier Latin: cinquenta figurantes despejados no palco do Bolshoi - foliões ociosos. A parte traseira foi decorada com tiras de LED cruzadas aleatoriamente, dando origem a uma figura geométrica caprichosa, como se voasse acidentalmente dos tempos futuros da “arte não figurativa”. Ao longe, as lâminas integrais do moinho Moulin Rouge podiam ser vistas.

Os figurinos de figurantes e coristas, feitos segundo os padrões de roupas de épocas incompreensíveis, além de cores gritantes - lilás, verde claro, roxo, cereja, turquesa, limão - evocavam uma sensação implacável de um baile de máscaras exagerado ou de uma matinê infantil . A aparição do vendedor de brinquedos Parpignol em um terno escarlate ardente (tenor Marat Gali em uma bicicleta), lubrificada por um coro de vozes infantis, bem como a performance da "dama com um cachorro". Musetta ( Damiana Mizzi) apareceu acompanhado por um poodle branco, excelentemente treinado, e sem dúvida deu ao artista uma parcela da ternura do público. Entre as imagens ousadas que se esperaria de uma produção jovem (mas que são escassas à avareza), lembro-me de um guarda tirando a calça do exército, sob a qual havia um tutu de balé.

Se o segundo ato foi apresentado no estilo de um show de variedades, no qual o café Momus foi elegantemente pintado com um arco de lâmpadas, obviamente lembrando a luz de fundo de um palco de cabaré, então o terceiro ato, no princípio do contraste dramático professada por Vesperini, foi decidida em sentido contrário. O cenário do posto avançado d'Anfer nos arredores de Paris consistia em três seções localizadas em ângulo agudo - um lance de escadas, uma cerca feita de varas e uma parede de tijolos. Uma lanterna antiquada se erguia em uma abertura na parede e, de cima, feixes de luz difusa se espalhavam por todo o cenário, como um esboço melancólico no espírito dos impressionistas.

A dissonância estilística do design foi apoiada pelas vozes masculinas constantemente brilhantes do segundo elenco da ópera. Tenor Davide Giusti(aliás, ele já fez a parte de Rudolf com Himmelmann-Currentzis) e barítono Aluda Todua exploraram impiedosamente o lado lírico de seus personagens de tal forma que era difícil acreditar no drama do final. A permissão veio novamente do campo da cenografia. No episódio final da morte de Mimi, a estrutura do sótão foi despedaçada, o que reforçou o triste significado do momento: todos os heróis vivos permaneceram de um lado da estrutura aberta e, do outro, a cama com Mimi que morreu sozinho flutuou para a eternidade.

foto: Assessoria de Imprensa do Teatro Bolshoi

À margem, houve reprovações à orquestra, que não acompanhou a interpretação nitidamente emotiva Evan Rogester– um jovem e sorridente maestro de preto, que também trabalhou com Peter Stein e já encenou dois La Bohemes. O próprio Rogester admitiu que buscava uma analogia sonora para a emotividade violenta dos personagens, embora fosse mais razoável supor que a orquestra limitava e dirigia com confiança os cantores, inclusive Maria Mudryak, que colocou todo seu temperamento no papel de Mimi e saboreou os infortúnios óbvios e imaginários de sua heroína.

Respondendo com um clima festivo e charme inexpugnavelmente monótono, a produção evocou uma impressão favorável no público. O caráter clássico da ópera sobre vagabundos pitorescos e beldades tuberculosas, em que uma tragédia levemente caricaturada coexiste com uma elevação frontal, sobreviveu novamente. O hit do repertório aconteceu e provavelmente permanecerá dentro das noções tradicionais de "La Boheme" por mais 20 anos.

foto: Assessoria de Imprensa do Teatro Bolshoi

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