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O romantismo como tendência na pintura foi formado na Europa Ocidental no final do século XVIII. O romantismo atingiu seu auge na arte da maioria dos países da Europa Ocidental nas décadas de 1920 e 1930. século 19.

O próprio termo "romantismo" se origina da palavra "romance" (no século XVII, obras literárias escritas não em latim, mas em idiomas derivados dele - francês, inglês etc.) eram chamadas de romances. Mais tarde, tudo o que era incompreensível e misterioso passou a ser chamado de romântico.

Como fenômeno cultural, o romantismo se formou a partir de uma visão de mundo especial gerada pelos resultados da Revolução Francesa. Desiludidos com os ideais do Iluminismo, os românticos, buscando harmonia e integridade, criaram novos ideais estéticos e valores artísticos. O principal objeto de sua atenção eram os personagens marcantes com todas as suas experiências e desejo de liberdade. O herói das obras românticas é uma pessoa notável que, pela vontade do destino, se viu em circunstâncias difíceis da vida.

Embora o romantismo tenha surgido como um protesto contra a arte do classicismo, em muitos aspectos esteve próximo desta. Os românticos eram em parte representantes do classicismo como N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingres.

Os românticos introduziram na pintura traços nacionais originais, ou seja, algo que faltava na arte dos classicistas.
O maior representante do romantismo francês foi T. Géricault.

Theodore Géricault

Theodore Géricault, o grande pintor, escultor e artista gráfico francês, nasceu em 1791 em Rouen em uma família rica. O talento do artista se manifestou nele muito cedo. Muitas vezes, em vez de frequentar as aulas na escola, Géricault sentava-se no estábulo e desenhava cavalos. Mesmo assim, ele procurou não apenas transferir as características externas dos animais para o papel, mas também transmitir seu temperamento e caráter.

Depois de se formar no Lyceum em 1808, Géricault tornou-se aluno do então famoso pintor Carl Vernet, famoso por sua capacidade de retratar cavalos na tela. No entanto, o jovem artista não gostou do estilo de Vernet. Logo ele sai da oficina e vai estudar com outro pintor não menos talentoso que Vernet, P. N. Guerin. Enquanto estudava com dois artistas famosos, Géricault, no entanto, não continuou suas tradições na pintura. J. A. Gros e J. L. David provavelmente deveriam ser considerados seus verdadeiros professores.

As primeiras obras de Géricault se distinguem pelo fato de serem o mais próximo possível da vida. Tais pinturas são extraordinariamente expressivas e patéticas. Eles mostram o humor entusiasmado do autor ao avaliar o mundo ao seu redor. Um exemplo é uma pintura chamada “Oficial dos Cavaleiros Imperiais durante um Ataque”, criada em 1812. Esta tela foi vista pela primeira vez pelos visitantes do Salão de Paris. Aceitaram com admiração o trabalho do jovem artista, apreciando o talento do jovem mestre.

A obra foi criada durante esse período da história francesa, quando Napoleão estava no auge de sua glória. Os contemporâneos o idolatravam, o grande imperador, que conseguiu conquistar a maior parte da Europa. Foi com tal humor, sob a impressão das vitórias do exército de Napoleão, que o quadro foi pintado. A tela mostra um soldado galopando a cavalo. Seu rosto expressa determinação, coragem e destemor diante da morte. Composição inteira
incomumente dinâmico e emocional. O espectador tem a sensação de que ele mesmo se torna um participante real dos eventos retratados na tela.

A figura de um bravo soldado aparecerá mais de uma vez na obra de Géricault. Entre essas imagens, de particular interesse estão os heróis das pinturas "Oficial dos Carabinieri", "Oficial do Cuirassier antes do ataque", "Retrato de um Carabinieri", "Cuirassier ferido", criado em 1812-1814. O último trabalho é notável por ter sido apresentado na próxima exposição realizada no Salão no mesmo ano. No entanto, esta não é a principal vantagem da composição. Mais importante, mostrou as mudanças ocorridas no estilo criativo do artista. Se sentimentos patrióticos sinceros foram refletidos em suas primeiras telas, nas obras que datam de 1814, o pathos na representação de heróis é substituído pelo drama.

Uma mudança semelhante no humor do artista foi novamente associada aos eventos que aconteciam naquela época na França. Em 1812, Napoleão foi derrotado na Rússia, em conexão com a qual ele, que já foi um herói brilhante, adquire de seus contemporâneos a glória de um líder militar malsucedido e um homem orgulhoso e arrogante. Géricault encarna sua decepção com o ideal na pintura "The Wounded Cuirassier". A tela mostra um guerreiro ferido tentando deixar o campo de batalha o mais rápido possível. Ele se apoia em um sabre - uma arma que, talvez, apenas alguns minutos atrás, ele estava segurando, segurando-a no alto.

Foi a insatisfação de Géricault com a política de Napoleão que ditou sua entrada ao serviço de Luís XVIII, que assumiu o trono francês em 1814. O fato de que após a segunda tomada do poder na França por Napoleão (o período dos Cem Dias) o jovem artista deixa seu país natal juntamente com Bourbons. Mas aqui também a decepção o esperava. O jovem não podia ver com calma como o rei destrói tudo o que foi alcançado durante o reinado de Napoleão. Além disso, sob Luís XVIII houve uma intensificação da reação feudal-católica, o país recuou cada vez mais rápido, retornando ao antigo sistema estatal. Isso não poderia ser aceito por uma pessoa jovem e progressista. Muito em breve, o jovem, que perdeu a fé em seus ideais, deixa o exército liderado por Luís XVIII e retoma pincéis e tintas. Esses anos não podem ser chamados de brilhantes e nada marcantes na obra do artista.

Em 1816, Géricault fez uma viagem à Itália. Tendo visitado Roma e Florença e tendo estudado as obras-primas de mestres famosos, o artista gosta de pintura monumental. Os afrescos de Michelangelo, que adornavam a Capela Sistina, ocupam especialmente sua atenção. Nessa época, as obras foram criadas por Géricault, em sua escala e majestade, em muitos aspectos que lembram as telas dos pintores do Alto Renascimento. Entre eles, os mais interessantes são "O Rapto da Ninfa pelo Centauro" e "O Homem que Lança o Touro".

As mesmas características da maneira dos velhos mestres também são visíveis na pintura “Corrida de cavalos livres em Roma”, pintada por volta de 1817 e representando as competições de cavaleiros em um dos carnavais que acontecem em Roma. Uma característica desta composição é que ela foi compilada pelo artista a partir de desenhos naturais feitos anteriormente. Além disso, a natureza dos esboços difere marcadamente do estilo de todo o trabalho. Se os primeiros são cenas que descrevem a vida dos romanos - contemporâneos do artista, então na composição geral há imagens de heróis antigos corajosos, como se tivessem saído de narrativas antigas. Nisto, Géricault segue o caminho de J. L. David, que, para dar a imagem do pathos heróico, vestiu seus heróis de formas antigas.

Logo após a pintura desse quadro, Géricault retorna à França, onde se torna membro do círculo de oposição formado em torno do pintor Horace Vernet. Ao chegar a Paris, o artista estava especialmente interessado em gráficos. Em 1818, ele criou uma série de litografias sobre um tema militar, entre as quais a mais significativa foi "Retorno da Rússia". A litografia representa os soldados derrotados do exército francês vagando por um campo coberto de neve. As figuras de pessoas aleijadas e cansadas da guerra são retratadas de maneira realista e verdadeira. Não há pathos e pathos heróico na composição, o que era típico dos primeiros trabalhos de Géricault. O artista procura refletir o real estado das coisas, todos os desastres que os soldados franceses abandonados por seu comandante tiveram que suportar em terra estrangeira.

Na obra "Retorno da Rússia" pela primeira vez foi ouvido o tema da luta do homem com a morte. No entanto, aqui esse motivo ainda não é expresso com tanta clareza quanto nas obras posteriores de Géricault. Um exemplo de tais telas pode ser uma pintura chamada "A Jangada da Medusa". Foi escrito em 1819 e exibido no Salão de Paris no mesmo ano. A tela retrata pessoas lutando com o elemento água em fúria. A artista mostra não apenas seu sofrimento e tormento, mas também o desejo de sair vitorioso na luta contra a morte a todo custo.

O enredo da composição é ditado por um acontecimento ocorrido no verão de 1816 e que emocionou toda a França. A então famosa fragata "Medusa" colidiu com recifes e afundou na costa da África. Das 149 pessoas que estavam no navio, apenas 15 conseguiram escapar, entre as quais o cirurgião Savigny e o engenheiro Correard. Ao chegar em sua terra natal, eles publicaram um pequeno livro contando sobre suas aventuras e feliz resgate. Foi dessas lembranças que os franceses souberam que o infortúnio aconteceu por culpa do inexperiente capitão do navio, que embarcou graças ao patrocínio de um nobre amigo.

As imagens criadas por Géricault são inusitadamente dinâmicas, plásticas e expressivas, o que foi alcançado pelo artista através de um trabalho longo e minucioso. Para retratar verdadeiramente eventos terríveis na tela, para transmitir os sentimentos das pessoas que morrem no mar, o artista se encontra com testemunhas oculares da tragédia, por muito tempo ele estuda os rostos de pacientes emaciados que estão sendo tratados em um dos hospitais em Paris, bem como marinheiros que conseguiram escapar de naufrágios. Neste momento, o pintor criou um grande número de obras de retrato.

O mar revolto também está cheio de significados profundos, como se tentasse engolir uma frágil jangada de madeira com pessoas. Esta imagem é extraordinariamente expressiva e dinâmica. Ele, como as figuras de pessoas, foi desenhado na natureza: o artista fez vários esboços representando o mar durante uma tempestade. Trabalhando em uma composição monumental, Géricault recorreu repetidamente a esboços previamente preparados para refletir plenamente a natureza dos elementos. É por isso que a imagem causa uma grande impressão no espectador, convence-o do realismo e veracidade do que está acontecendo.

"A Balsa da Medusa" apresenta Géricault como um notável mestre da composição. Por muito tempo, o artista pensou em como organizar as figuras na imagem para expressar mais plenamente a intenção do autor. Várias mudanças foram feitas ao longo do trabalho. Os esboços que antecedem a pintura indicam que inicialmente Géricault queria retratar a luta das pessoas na jangada entre si, mas depois abandonou tal interpretação do evento. Na versão final, a tela representa o momento em que pessoas já desesperadas veem o navio Argus no horizonte e estendem as mãos para ele. A última adição à imagem foi a figura humana colocada abaixo, do lado direito da tela. Foi ela quem deu o toque final da composição, que depois disso adquiriu um caráter profundamente trágico. Vale ressaltar que essa mudança foi feita quando a pintura já estava em exposição no Salão.

Com sua monumentalidade e emotividade elevada, a pintura de Géricault lembra em muitos aspectos o trabalho dos mestres da Alta Renascença (principalmente O Juízo Final de Michelangelo), que o artista conheceu enquanto viajava pela Itália.

A pintura "A Balsa da Medusa", que se tornou uma obra-prima da pintura francesa, foi um enorme sucesso nos círculos da oposição, que a viam como um reflexo dos ideais revolucionários. Pelas mesmas razões, a obra não foi aceita entre a mais alta nobreza e representantes oficiais das belas artes da França. É por isso que naquela época a tela não foi comprada pelo estado do autor.

Decepcionado com a recepção da sua criação em casa, Géricault vai para a Inglaterra, onde apresenta sua obra favorita à corte dos ingleses. Em Londres, os conhecedores de arte receberam a famosa tela com grande entusiasmo.

Géricault aproxima-se de artistas ingleses, que o conquistam pela capacidade de retratar a realidade com sinceridade e veracidade. Géricault dedica um ciclo de litografias à vida e vida da capital da Inglaterra, entre as quais as obras intituladas “The Great English Suite” (1821) e “The Old Beggar Dying at the Doors of the Bakery” (1821) são do maior interesse. Neste último, o artista retratou um vagabundo londrino, que refletia as impressões recebidas pelo pintor no processo de estudar a vida das pessoas nos bairros operários da cidade.

O mesmo ciclo incluiu litografias como "The Flanders Smith" e "At the Gates of the Adelphin Shipyard", apresentando ao espectador uma imagem da vida das pessoas comuns em Londres. De interesse nessas obras são imagens de cavalos, pesados ​​e com excesso de peso. Eles são visivelmente diferentes daqueles animais graciosos e graciosos que foram pintados por outros artistas - contemporâneos de Géricault.

Estando na capital da Inglaterra, Géricault dedica-se à criação não apenas de litografias, mas também de pinturas. Uma das obras mais marcantes desse período foi a tela "Race at Epsom", criada em 1821. Na imagem, o artista retrata cavalos correndo a toda velocidade, e suas pernas não tocam o chão. Essa técnica astuta (a fotografia provou que os cavalos não podem ter essa posição das pernas durante uma corrida, essa é a fantasia do artista) é usada pelo mestre para dar dinamismo à composição, para dar ao espectador a impressão de uma velocidade relâmpago movimentação de cavalos. Essa sensação é reforçada pela transferência precisa da plasticidade (poses, gestos) das figuras humanas, bem como pelo uso de combinações de cores vivas e ricas (vermelho, baía, cavalos brancos; azul profundo, vermelho escuro, branco-azul e dourado- jaquetas amarelas de jóqueis).

O tema das corridas de cavalos, que há muito chamava a atenção do pintor com sua expressão especial, repetiu-se mais de uma vez nas obras criadas por Géricault após a conclusão dos trabalhos sobre as corridas de cavalos em Epsom.

Em 1822, o artista deixou a Inglaterra e retornou à sua França natal. Aqui ele está envolvido na criação de grandes telas, semelhantes às obras dos mestres renascentistas. Entre eles estão "Negro trade", "Abrindo as portas da prisão da Inquisição na Espanha". Essas pinturas ficaram inacabadas - a morte impediu Géricault de completar a obra.

De particular interesse são os retratos, cuja criação os historiadores da arte atribuem ao período de 1822 a 1823. A história de sua escrita merece atenção especial. O fato é que esses retratos foram encomendados por um amigo do artista, que trabalhava como psiquiatra em uma clínica em Paris. Eles deveriam se tornar uma espécie de ilustrações demonstrando várias doenças mentais de uma pessoa. Assim foram pintados os retratos "Velha louca", "Louca", "Louco, imaginando-se comandante". Para o mestre da pintura, era importante não tanto mostrar os sinais e sintomas externos da doença, mas transmitir o estado mental interior de uma pessoa doente. Imagens trágicas de pessoas aparecem nas telas diante do espectador, cujos olhos estão cheios de dor e tristeza.

Entre os retratos de Géricault, um lugar especial é ocupado por um retrato de um negro, que atualmente está na coleção do Museu de Rouen. Uma pessoa determinada e de força de vontade olha para o espectador da tela, pronta para lutar até o fim com forças hostis a ele. A imagem é extraordinariamente brilhante, emocional e expressiva. O homem nesta foto é muito parecido com aqueles heróis de força de vontade que Géricault havia mostrado anteriormente em grandes composições (por exemplo, na tela “A Balsa da Medusa”).

Géricault não era apenas um mestre da pintura, mas também um excelente escultor. Suas obras nesta forma de arte no início do século 19 foram os primeiros exemplos de esculturas românticas. Entre essas obras, a composição incomumente expressiva "Nymph and Satyr" é de particular interesse. Imagens congeladas em movimento transmitem com precisão a plasticidade do corpo humano.

Théodore Géricault morreu tragicamente em 1824 em Paris, caindo de um cavalo. Sua morte precoce foi uma surpresa para todos os contemporâneos do famoso artista.

A obra de Géricault marcou uma nova etapa no desenvolvimento da pintura não apenas na França, mas também na arte mundial - o período do romantismo. Em suas obras, o mestre supera a influência das tradições clássicas. Suas obras são extraordinariamente coloridas e refletem a diversidade do mundo natural. Ao introduzir figuras humanas na composição, o artista se esforça para revelar os sentimentos e emoções interiores de uma pessoa da forma mais completa e vívida possível.

Após a morte de Géricault, as tradições de sua arte romântica foram retomadas pelo contemporâneo mais jovem do artista, E. Delacroix.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, o famoso artista e artista gráfico francês, sucessor das tradições do romantismo que se desenvolveram na obra de Géricault, nasceu em 1798. Sem se formar no Liceu Imperial, em 1815 Delacroix foi estudar com o famoso mestre Guerin. No entanto, os métodos artísticos do jovem pintor não atendiam aos requisitos do professor, então após sete anos o jovem o deixa.

Estudando com Guerin, Delacroix dedica muito tempo ao estudo da obra de David e dos mestres da pintura do Renascimento. Ele considera a cultura da antiguidade, cujas tradições David também seguiu, fundamental para o desenvolvimento da arte mundial. Portanto, os ideais estéticos para Delacroix eram as obras de poetas e pensadores da Grécia Antiga, entre eles o artista apreciava especialmente as obras de Homero, Horácio e Marco Aurélio.

As primeiras obras de Delacroix foram telas inacabadas, onde o jovem pintor procurou refletir a luta dos gregos com os turcos. No entanto, o artista não tinha habilidade e experiência para criar uma imagem expressiva.

Em 1822, Delacroix expôs seu trabalho no Salão de Paris sob o título Dante e Virgílio. Esta tela, incomumente emocional e de cores brilhantes, lembra em muitos aspectos a obra de Géricault "A Balsa da Medusa".

Dois anos depois, outra pintura de Delacroix, O Massacre de Chios, foi apresentada ao público do Salão. Foi nele que se concretizou o antigo plano do artista para mostrar a luta dos gregos com os turcos. A composição geral da imagem consiste em várias partes, que formam grupos de pessoas colocadas separadamente, cada uma delas com seu próprio conflito dramático. Em geral, a obra dá a impressão de uma profunda tragédia. A sensação de tensão e dinamismo é potencializada pela combinação de linhas suaves e nítidas que formam as figuras dos personagens, o que leva a uma mudança na proporção da pessoa retratada pelo artista. No entanto, é justamente por isso que a imagem adquire um caráter realista e credibilidade de vida.

O método criativo de Delacroix, plenamente expresso no "Massacre de Chios", está longe do estilo clássico então aceito nos círculos oficiais da França e entre os representantes das belas artes. Portanto, a imagem do jovem artista foi recebida com fortes críticas no Salão.

Apesar do fracasso, o pintor permanece fiel ao seu ideal. Em 1827, apareceu outra obra dedicada ao tema da luta do povo grego pela independência - "Grécia nas ruínas de Missolonghi". A figura de uma mulher grega resoluta e orgulhosa retratada na tela personifica a Grécia invicta aqui.

Em 1827, Delacroix realizou duas obras que refletiam a busca criativa do mestre no campo dos meios e métodos de expressão artística. São as telas "Morte de Sardanapalus" e "Marino Faliero". No primeiro deles, a tragédia da situação é veiculada no movimento das figuras humanas. Apenas a imagem do próprio Sardanapal é estática e calma aqui. Na composição de "Marino Faliero" apenas a figura do personagem principal é dinâmica. O resto dos heróis pareceu congelar de horror ao pensar no que estava prestes a acontecer.

Nos anos 20. século 19 Delacroix realizou uma série de obras, cujos enredos foram retirados de obras literárias famosas. Em 1825 o artista visitou a Inglaterra, terra natal de William Shakespeare. No mesmo ano, sob a impressão dessa viagem e da tragédia do famoso dramaturgo Delacroix, foi feita a litografia "Macbeth". No período de 1827 a 1828, ele criou uma litografia "Fausto", dedicada à obra de mesmo nome de Goethe.

Em conexão com os eventos que ocorreram na França em 1830, Delacroix executou a pintura "A liberdade guiando o povo". A França revolucionária é apresentada na imagem de uma mulher jovem, forte, imperiosa, decidida e independente, liderando a multidão com ousadia, na qual se destacam as figuras de um trabalhador, um estudante, um soldado ferido, um gamen parisiense (uma imagem que antecipou Gavroche, que apareceu mais tarde em Les Misérables de V. Hugo).

Este trabalho era visivelmente diferente de trabalhos semelhantes de outros artistas que estavam interessados ​​apenas na transmissão verdadeira de um evento. As telas criadas por Delacroix eram caracterizadas por um alto pathos heróico. As imagens aqui são símbolos generalizados da liberdade e independência do povo francês.

Com a chegada ao poder de Louis Philippe - o heroísmo rei-burguês e os sentimentos elevados pregados por Delacroix, não havia lugar na vida moderna. Em 1831 o artista fez uma viagem a países africanos. Ele viajou para Tânger, Meknes, Oran e Argel. Ao mesmo tempo, Delacroix visita a Espanha. A vida do Oriente literalmente fascina o artista com seu fluxo rápido. Ele cria esboços, desenhos e uma série de trabalhos em aquarela.

Tendo visitado Marrocos, Delacroix pinta telas dedicadas ao Oriente. As pinturas, nas quais o artista mostra as corridas de cavalos ou a batalha dos mouros, são invulgarmente dinâmicas e expressivas. Em comparação com eles, a composição "Mulheres argelinas em seus aposentos", criada em 1834, parece calma e estática. Não tem aquele dinamismo impetuoso e tensão inerentes aos primeiros trabalhos do artista. Delacroix aparece aqui como um mestre da cor. O esquema de cores usado pelo pintor em sua totalidade reflete a diversidade brilhante da paleta, que o espectador associa às cores do Oriente.

A tela “Casamento judaico em Marrocos”, pintada aproximadamente em 1841, caracteriza-se pela mesma lentidão e medida, criando-se aqui uma misteriosa atmosfera oriental graças à fiel representação do artista da originalidade do interior nacional. A composição parece surpreendentemente dinâmica: o pintor mostra como as pessoas sobem as escadas e entram na sala. A luz que entra na sala torna a imagem realista e convincente.

Os motivos orientais ainda estiveram presentes nas obras de Delacroix por muito tempo. Assim, na exposição organizada no Salão em 1847, das seis obras apresentadas por ele, cinco eram dedicadas à vida e à vida do Oriente.

Nos anos 30-40. No século XIX, novos temas aparecem na obra de Delacroix. Neste momento, o mestre cria obras de temas históricos. Entre elas, merecem atenção especial as telas "Protesto de Mirabeau contra a dissolução dos Estados Gerais" e "Boissy d'Angles". O esboço deste último, exibido em 1831 no Salão, é um exemplo vívido de composições sobre o tema de uma revolta popular.

As pinturas “A Batalha de Poitiers” (1830) e “A Batalha de Taybur” (1837) são dedicadas à imagem do povo. Com todo o realismo, a dinâmica da batalha, o movimento das pessoas, sua fúria, raiva e sofrimento são mostrados aqui. O artista procura transmitir as emoções e paixões de uma pessoa tomada pelo desejo de vencer a todo custo. São as figuras de pessoas que são as principais na transmissão da natureza dramática do evento.

Muitas vezes, nas obras de Delacroix, o vencedor e o vencido são fortemente opostos um ao outro. Isso é especialmente visto na tela “A captura de Constantinopla pelos cruzados”, escrita em 1840. Um grupo de pessoas superadas pela dor é mostrado em primeiro plano. Atrás deles está uma paisagem encantadora e encantadora com sua beleza. Há também figuras de cavaleiros vitoriosos, cujas silhuetas formidáveis ​​contrastam com as figuras tristes em primeiro plano.

"A Captura de Constantinopla pelos Cruzados" apresenta Delacroix como um notável colorista. Cores vivas e saturadas, no entanto, não realçam o início trágico, que é expresso por figuras lúgubres localizadas próximas ao espectador. Pelo contrário, uma paleta rica cria uma sensação de férias organizadas em homenagem aos vencedores.

Não menos colorida é a composição "Justiça de Trajano", criada na mesma década de 1840. Os contemporâneos do artista reconheceram este quadro como um dos melhores entre todas as telas do pintor. De particular interesse é o fato de que, no decorrer do trabalho, os mestres experimentam no campo da cor. Até as sombras assumem uma variedade de tons dele. Todas as cores da composição correspondem exatamente à natureza. A execução da obra foi precedida por longas observações do pintor para mudanças de tonalidades na natureza. O artista os anotou em seu diário. Então, de acordo com as notas, os cientistas confirmaram que as descobertas feitas por Delacroix no campo da tonalidade eram totalmente consistentes com a doutrina da cor que nasceu na época, cujo fundador é E. Chevreul. Além disso, o artista compara suas descobertas com a paleta usada pela escola veneziana, que para ele era um exemplo de habilidade na pintura.

Os retratos ocupam um lugar especial entre as pinturas de Delacroix. O mestre raramente se voltava para esse gênero. Ele pintou apenas aquelas pessoas com quem ele conhecia há muito tempo, cujo desenvolvimento espiritual ocorreu na frente do artista. Portanto, as imagens nos retratos são muito expressivas e profundas. Estes são os retratos de Chopin e George Sand. A tela dedicada ao famoso escritor (1834) retrata uma mulher nobre e de força de vontade que encanta seus contemporâneos. O retrato de Chopin, pintado quatro anos depois, em 1838, representa uma imagem poética e espiritual do grande compositor.

Um retrato interessante e incomumente expressivo do famoso violinista e compositor Paganini, pintado por Delacroix por volta de 1831. O estilo musical de Paganini era em muitos aspectos semelhante ao método de pintura do artista. A obra de Paganini é caracterizada pela mesma expressão e intensa emotividade que caracterizava as obras do pintor.

As paisagens ocupam um lugar pequeno na obra de Delacroix. No entanto, eles se mostraram muito significativos para o desenvolvimento da pintura francesa na segunda metade do século XIX. As paisagens de Delacroix são marcadas pelo desejo de transmitir com precisão a luz e a vida indescritível da natureza. Exemplos vívidos disso são as pinturas "Céu", onde uma sensação de dinâmica é criada graças às nuvens brancas como a neve flutuando no céu, e "O mar, visível das margens de Dieppe" (1854), em que o pintor magistralmente transmite o deslizamento de veleiros leves na superfície do mar.

Em 1833, o artista recebeu ordem do rei francês para pintar um salão no Palácio Bourbon. O trabalho na criação de uma obra monumental durou quatro anos. Ao cumprir o pedido, o pintor foi guiado principalmente pelo fato de as imagens serem extremamente simples e concisas, compreensíveis para o espectador.
A última obra de Delacroix foi a pintura da capela dos Santos Anjos na igreja de Saint-Sulpice em Paris. Foi feito no período de 1849 a 1861. Usando cores vivas e ricas (rosa, azul brilhante, lilás, colocadas sobre um fundo azul acinzentado e marrom amarelo), o artista cria um clima alegre nas composições, fazendo com que o espectador sentir uma alegria arrebatadora. A paisagem, incluída na pintura "A Expulsão de Iliodoro do Templo" como uma espécie de fundo, aumenta visualmente o espaço da composição e as dependências da capela. Por outro lado, como se tentasse enfatizar o isolamento do espaço, Delacroix introduz uma escada e uma balaustrada na composição. As figuras de pessoas colocadas atrás dele parecem ser silhuetas quase planas.

Eugene Delacroix morreu em 1863 em Paris.

Delacroix foi o mais educado entre os pintores da primeira metade do século XIX. Muitos temas de suas pinturas são retirados das obras literárias de famosos mestres da caneta. Um fato interessante é que na maioria das vezes o artista pintou seus personagens sem usar um modelo. Era isso que ele queria ensinar a seus seguidores. Segundo Delacroix, a pintura é algo mais complexo do que a cópia primitiva de linhas. O artista acreditava que a arte reside principalmente na capacidade de expressar o humor e a intenção criativa do mestre.

Delacroix é autor de várias obras teóricas sobre as questões de cor, método e estilo do artista. Essas obras serviram de farol para os pintores das gerações subsequentes na busca de seus próprios meios artísticos usados ​​para criar composições.

A consolidação nacional, intensificada pelo surto patriótico da Guerra Patriótica de 1812, manifestou-se no aumento do interesse pela arte e no aguçamento do interesse pela vida das pessoas em geral. A popularidade das exposições da Academia de Artes está crescendo. Desde 1824, eles começaram a ser realizados regularmente - a cada três anos. A Revista Belas Artes começa a aparecer. Shire se declara colecionador. Além do museu da Academia de Artes em 1825, a "Galeria Russa" foi criada no Hermitage. Na década de 1810 O "Museu Russo" de P. Svinin foi aberto.

A vitória na Guerra Patriótica de 1812 serviu como uma das razões para o surgimento de um novo ideal, que se baseava na ideia de uma personalidade independente, orgulhosa, dominada por fortes paixões. Na pintura, um novo estilo está se estabelecendo - o romantismo, que aos poucos substituiu o classicismo, que era considerado o estilo oficial, no qual prevaleciam os temas religiosos e mitológicos.

Já nas primeiras pinturas de K. L. Bryullov (1799-1852) "meio-dia italiano", "Bathsheba" manifestou não apenas a habilidade e o brilho da imaginação do artista, mas também o romantismo da visão de mundo. A principal obra de K. P. Bryullov “O Último Dia de Pompeia” está imbuída do espírito do historicismo, seu conteúdo principal não é a façanha de um herói individual, mas o destino trágico de uma massa de pessoas. Esse quadro refletiu indiretamente a atmosfera trágica do despotismo do regime de Nicolau I, tornou-se um evento na vida pública do estado.

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O romantismo se manifestou no retrato de O. A. Kiprensky (1782-1836). Desde 1812, o artista criava retratos gráficos de participantes da Guerra Patriótica, que eram seus amigos. Uma das melhores criações de O. A. Kiprensky é o retrato de A. S. Pushkin, depois de ver o que o grande poeta escreveu: “Eu me vejo como em um espelho, mas esse espelho me lisonjeia”.

As tradições do romantismo foram desenvolvidas pelo pintor marinho I.K. Aivazovsky (1817-1900). A fama geral trouxe-lhe obras que recriam a grandeza e o poder do elemento mar ("A Nona Onda", "O Mar Negro"). Ele dedicou muitas pinturas às façanhas dos marinheiros russos ("Chesme Battle", "Navarin Battle"). Durante a Guerra da Crimeia de 1853-1856. na sitiada Sebastopol, ele organizou uma exposição de suas pinturas de batalha. Posteriormente, com base em esboços de campo, ele exibiu em várias pinturas a defesa heróica de Sebastopol.

VA Tropinin (1776-1857), criado na tradição sentimentalista do final do século XVIII, foi muito influenciado pela nova onda romântica. Servo no passado, o artista criou uma galeria de imagens de artesãos, servos e camponeses, dando-lhes características de nobreza espiritual (“A Rendeira”, “A Costureira”). Detalhes da vida cotidiana e da atividade laboral aproximam esses retratos da pintura de gênero.

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Romantismo(Romantismo) é uma direção ideológica e artística que surgiu na cultura europeia e americana do final do século XVIII - primeira metade do século XIX, como reação à estética do classicismo. Inicialmente formado (década de 1790) em filosofia e poesia na Alemanha, e mais tarde (década de 1820) se espalhou pela Inglaterra, França e outros países. Ele predeterminou o desenvolvimento mais recente da arte, mesmo aqueles de suas direções que se opunham a ele.

Os novos critérios na arte foram a liberdade de expressão, maior atenção ao indivíduo, características únicas de uma pessoa, naturalidade, sinceridade e frouxidão, que substituíram a imitação de exemplos clássicos do século XVIII. Os românticos rejeitaram o racionalismo e a praticidade do Iluminismo como mecanicistas, impessoais e artificiais. Em vez disso, eles priorizaram a emotividade da expressão, inspiração.

Sentindo-se livres do declínio do sistema de governo aristocrático, eles procuraram expressar seus novos pontos de vista, as verdades que haviam descoberto. Seu lugar na sociedade mudou. Eles encontraram seu leitor entre a crescente classe média, pronto para apoiar emocionalmente e até se curvar diante do artista - um gênio e um profeta. A contenção e a humildade foram rejeitadas. Eles foram substituídos por emoções fortes, muitas vezes chegando a extremos.

Os jovens foram especialmente influenciados pelo Romantismo, que tiveram a oportunidade de estudar e ler muito (o que é facilitado pelo rápido desenvolvimento da impressão). Ela é inspirada pelas ideias de desenvolvimento individual e auto-aperfeiçoamento, a idealização da liberdade pessoal na visão de mundo, combinada com a rejeição do racionalismo. O desenvolvimento pessoal foi colocado acima dos padrões de uma sociedade aristocrática vaidosa e já decadente. O romantismo da juventude educada mudou a sociedade de classes da Europa, tornando-se o início do surgimento de uma "classe média" educada na Europa. E a foto Wanderer acima do mar de névoa"com razão pode ser chamado de símbolo do período do romantismo na Europa.

Alguns românticos se voltaram para as crenças populares misteriosas, misteriosas e até terríveis, contos de fadas. O romantismo foi parcialmente associado a movimentos democráticos, nacionais e revolucionários, embora a cultura "clássica" da Revolução Francesa tenha retardado a chegada do romantismo na França. Nessa época, surgem vários movimentos literários, dos quais os mais importantes são Sturm und Drang na Alemanha, primitivismo na França, encabeçado por Jean-Jacques Rousseau, o romance gótico, interesse pelo sublime, baladas e romances antigos o termo "Romantismo"). A fonte de inspiração para escritores alemães, teóricos da escola de Jena (os irmãos Schlegel, Novalis e outros), que se declararam românticos, foi a filosofia transcendental de Kant e Fichte, que colocou as possibilidades criativas da mente em primeiro plano. Essas novas ideias, graças a Coleridge, penetraram na Inglaterra e na França e também determinaram o desenvolvimento do transcendentalismo americano.

Assim, o Romantismo nasceu como um movimento literário, mas teve uma influência significativa na música e menos na pintura. Nas artes visuais, o Romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e no grafismo, e menos na arquitetura. No século XVIII, os motivos preferidos dos artistas eram as paisagens montanhosas e as ruínas pitorescas. Suas principais características são o dinamismo da composição, espacialidade volumétrica, cor rica, claro-escuro (por exemplo, as obras de Turner, Géricault e Delacroix). Entre outros pintores românticos, pode-se citar Fuseli, Martin. A obra dos pré-rafaelitas e o estilo neogótico na arquitetura também podem ser vistos como uma manifestação do Romantismo.

O romantismo nas artes visuais foi amplamente baseado nas ideias de filósofos e escritores. Na pintura, como em outras formas de arte, os românticos eram atraídos por tudo o que era incomum, desconhecido, fossem países distantes com seus costumes e costumes exóticos (Delacroix), o mundo das visões místicas (Blake, Friedrich, pré-rafaelitas) e mágicos sonhos (Runge) ou profundezas sombrias do subconsciente (Goya, Fusli). A fonte de inspiração para muitos artistas foi a herança artística do passado: o Antigo Oriente, a Idade Média e o Proto-Renascimento (nazarenos, pré-rafaelitas).

Em contraste com o classicismo, que glorificava o poder claro da mente, os românticos cantavam sentimentos apaixonados e tempestuosos que capturam a pessoa inteira. As primeiras respostas às novas tendências foram retratos e paisagens, que estão se tornando os gêneros favoritos da pintura romântica.

auge gênero retrato estava associada ao interesse dos românticos pela brilhante individualidade humana, beleza e riqueza de seu mundo espiritual. A vida do espírito humano prevalece no retrato romântico sobre o interesse pela beleza física, pela plasticidade sensual da imagem.

Em um retrato romântico (Delacroix, Géricault, Runge, Goya), a singularidade de cada pessoa é sempre revelada, a dinâmica, a batida intensa da vida interior e a paixão rebelde são transmitidas.

Os românticos também estão interessados ​​na tragédia de uma alma quebrada: os doentes mentais muitas vezes se tornam os heróis das obras (Gericault “Louco, sofrendo de vício em jogos de azar”, “Ladrão de crianças”, “Insano, imaginando-se um comandante”).

Paisagem concebido pelos românticos como a encarnação da alma do universo; a natureza, como a alma humana, aparece em dinâmica, variabilidade constante. As paisagens ordenadas e enobrecidas características do classicismo foram substituídas por imagens de natureza espontânea, recalcitrante, poderosa, sempre mutável, correspondendo à confusão dos sentimentos dos heróis românticos. Os românticos gostavam especialmente de escrever tempestades, trovoadas, erupções vulcânicas, terremotos, naufrágios que pudessem ter um forte impacto emocional no espectador (Gericault, Friedrich, Turner).

A poetização da noite, característica do romantismo - um mundo estranho e surreal que vive de acordo com suas próprias leis - levou ao florescimento do "gênero noturno", que está se tornando um favorito na pintura romântica, especialmente entre os artistas alemães.

Um dos primeiros países nas artes visuais do qual o romantismo se desenvolveu foiAlemanha .

Uma notável influência no desenvolvimento do gênero da paisagem romântica teve a criatividadeGaspar David Friedrich (1774-1840). O seu património artístico é dominado por paisagens que retratam cumes de montanhas, florestas, o mar, a costa marítima, bem como as ruínas de antigas catedrais, abadias abandonadas, mosteiros (“Cruz nas montanhas”, “Catedral”, “Abadia entre carvalhos "). Eles geralmente têm um sentimento de tristeza imutável da consciência da trágica perda de uma pessoa no mundo.

A artista adorava os estados da natureza que mais correspondem à sua percepção romântica: amanhecer, pôr-do-sol, nascer da lua (“Dois contemplando a lua”, “Cemitério monástico”, “Paisagem com arco-íris”, “Nascer da lua sobre o mar”, “ Rochas de giz na ilha de Rügen”, “Em um veleiro”, “Porto à noite”).

Os personagens constantes de suas obras são sonhadores solitários, imersos na contemplação da natureza. Olhando para as vastas distâncias e alturas sem fim, eles se juntam aos segredos eternos do universo, são levados ao belo mundo dos sonhos. Friedrich transmite este mundo maravilhoso com a ajuda de uma luz magicamente brilhante.- solar radiante ou lunar misterioso.

O trabalho de Friedrich foi admirado por seus contemporâneos, incluindo I. W. Goethe e W. A. Zhukovsky, graças a quem muitas de suas pinturas foram adquiridas pela Rússia.

Pintor, artista gráfico, poeta e teórico da artePhilip Otto Runge (1777-1810), dedicou-se principalmente ao gênero retrato. Em suas obras, ele poetizou as imagens de pessoas comuns, muitas vezes seus entes queridos (“Três de nós” - um auto-retrato com sua noiva e seu irmão, não foi preservado; “Filhos da família Hülzenbeck”, “Retrato do pais do artista”, “Auto-retrato”). A profunda religiosidade de Runge foi expressa em pinturas como "Cristo nas margens do Lago Tiberíades" e "Descanse na fuga para o Egito" (não concluída). O artista resumiu suas reflexões sobre arte no tratado teórico "A Esfera Colorida".

O desejo de reviver os fundamentos religiosos e morais da arte alemã está associado à atividade criativa dos artistas escola nazarena (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sütter,P. von Cornélio). Tendo se unido em uma espécie de fraternidade religiosa (“União de São Lucas”), os “Nazarenos” viviam em Roma no modelo de uma comunidade monástica e pintavam quadros sobre temas religiosos. Eles consideraram a pintura italiana e alemã como modelo para suas buscas criativas.XIV - XVséculos (Perugino, início de Raphael, A. Durer, H. Holbein, o Jovem, L.Cranach). Na pintura "O Triunfo da Religião na Arte" Overbeck imita diretamente a "Escola Ateniense" de Rafael e Cornelius em "Os Cavaleiros do Apocalipse" - a gravura de mesmo nome de Durer.

Os membros da irmandade consideravam as principais virtudes do artista a pureza espiritual e a fé sincera, acreditando que "só a Bíblia fez de Rafael um gênio". Levando uma vida solitária nas celas de um mosteiro abandonado, eles elevaram seu serviço à arte à categoria de serviço espiritual.

Os "nazarenos" gravitavam em torno de grandes formas monumentais, tentavam incorporar altos ideais com a ajuda da técnica do afresco recentemente revivida. Algumas das pinturas foram executadas por eles em conjunto.

Nas décadas de 1820 e 30, os membros da fraternidade se dispersaram por toda a Alemanha, recebendo cargos de liderança em várias academias de arte. Apenas Overbeck viveu na Itália até sua morte, sem mudar seus princípios artísticos. As melhores tradições dos "Nazarenos" foram preservadas na pintura histórica por muito tempo. Sua busca ideológica e moral teve um impacto nos pré-rafaelitas ingleses, bem como na obra de mestres como Schwind e Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), austríaco de nascimento, trabalhou em Munique. Em obras de cavalete, ele retrata principalmente a aparência e a vida das antigas cidades provinciais alemãs com seus habitantes. É feito com muita poesia e lirismo, com amor por seus personagens.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Pintor de Munique, artista gráfico, desenhista brilhante, cartunista, também não sem sentimentalismo, mas com muito humor conta sobre a vida urbana ("Poor Poeta", "Café da Manhã").

Schwind e Spitzweg são geralmente associados a uma tendência na cultura alemã conhecida como Biedermeier.Biedermeier - este é um dos estilos mais populares da época (principalmente no campo da vida cotidiana, mas também na arte) . Ele colocou os burgueses, o homem comum na rua, em primeiro plano. O tema central da pintura de Biedermeier era a vida cotidiana de uma pessoa, fluindo em estreita conexão com sua casa e família. O interesse de Biedermeier não pelo passado, mas pelo presente, não pelo grande, mas pelo pequeno, contribuiu para a formação de uma tendência realista na pintura.

Escola Romântica Francesa

A escola de romantismo mais consistente na pintura se desenvolveu na França. Surgiu como uma oposição ao classicismo, que degenerou em um academicismo frio e racional, e apresentou tais grandes mestres que determinaram a influência dominante da escola francesa durante todo o século XIX.

Os artistas românticos franceses gravitavam em torno de enredos cheios de drama e pathos, tensão interna, longe do “cotidiano sombrio”. Ao encarná-los, eles reformaram os meios pictóricos e expressivos:

Os primeiros sucessos brilhantes do romantismo na pintura francesa estão associados ao nomeTheodora Géricault (1791-1824), que, mais cedo do que outros, conseguiu expressar um sentido puramente romântico do conflito do mundo. Já em seus primeiros trabalhos, percebe-se o desejo de mostrar os acontecimentos dramáticos do nosso tempo. Assim, por exemplo, as pinturas "O oficial dos fuzileiros montados indo ao ataque" e "O couraceiro ferido" refletiam o romance da era napoleônica.

A pintura de Géricault "A Jangada da Medusa", dedicada a um acontecimento recente da vida moderna - a morte de um navio de passageiros por culpa da companhia de navegação, teve uma enorme ressonância. . Géricault criou uma tela gigantesca de 7x5 m., que retratava o momento em que pessoas à beira da morte viam um navio salvador no horizonte. A tensão extrema é enfatizada por um esquema de cores áspero e sombrio, uma composição diagonal. Esta pintura tornou-se um símbolo da moderna Géricault France, que, como pessoas fugindo de um naufrágio, experimentou esperança e desespero.

O tema de sua última grande pintura - "Race at Epsom" - o artista encontrou na Inglaterra. Representa cavalos voando como pássaros (imagem favorita de Géricault, que se tornou um excelente cavaleiro na adolescência). A impressão de rapidez é reforçada por uma certa técnica: os cavalos e jóqueis são escritos com muito cuidado e o fundo é amplo.

Após a morte de Géricault (ele morreu tragicamente, no auge da vida e do talento), seu jovem amigo tornou-se o líder reconhecido dos românticos franceses.Eugene Delacroix (1798-1863). Delacroix era amplamente dotado, possuía talento musical e literário. Seus diários, artigos sobre artistas são os documentos mais interessantes da época. Seus estudos teóricos das leis da cor tiveram um enorme impacto nos futuros impressionistas e especialmente em W. Van Gogh.

A primeira pintura de Delacroix, que lhe trouxe fama, foi "Dante e Virgílio" ("O Barco de Dante"), escrita no enredo da "Divina Comédia". Ela atingiu seus contemporâneos com um pathos apaixonado, o poder da cor sombria.

O auge do trabalho do artista foi "Freedom on the Barricades" ("Liberdade guiando o povo"). A autenticidade de um fato real (o quadro foi criado em plena Revolução de Julho de 1830 na França) funde-se aqui com um sonho romântico de liberdade e o simbolismo das imagens. Uma bela jovem se torna um símbolo da França revolucionária.

A resposta aos eventos modernos foi a pintura anterior “Massacre on Chios”, dedicada à luta do povo grego com o domínio turco. .

Tendo visitado Marrocos, Delacroix descobriu o mundo exótico do Oriente árabe, ao qual dedicou muitas pinturas e esboços. Em "Mulheres da Argélia" o mundo do harém muçulmano foi apresentado pela primeira vez ao público europeu.

O artista também criou uma série de retratos de representantes da intelectualidade criativa, muitos dos quais eram seus amigos (retratos de N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz, etc.)

No período tardio da criatividade, Delacroix gravitou em torno de temas históricos, trabalhou como muralista (murais na Câmara dos Deputados, no Senado) e como artista gráfico (ilustrações para as obras de Shakespeare, Goethe, Byron).

Os nomes dos pintores ingleses da época do romantismo - R. Benington, J. Constable, W. Turner - estão associados ao gênero paisagem. Nessa área, abriram verdadeiramente uma nova página: a natureza nativa encontrou em seu trabalho uma reflexão tão ampla e amorosa que nenhum outro país conhecia naquela época.

John Constable (1776-1837) um dos primeiros na história da paisagem europeia começou a pintar esboços completamente da natureza, voltando-se para a observação direta da natureza. Suas pinturas são simples em motivos: aldeias, fazendas, igrejas, uma faixa de rio ou uma praia de mar: Haycart, Detham Valley, Salisbury Cathedral from the Bishop's Garden. As obras de Constable serviram de impulso para o desenvolvimento de uma paisagem realista na França.

William Turner (1775-1851) - pintor marinho . Ele foi atraído pelo mar tempestuoso, chuvas, trovoadas, inundações, tornados: “A última viagem do navio“ Corajoso ”,“ Tempestade sobre Piazzetta. Arrojadas buscas colorísticas, raros efeitos de iluminação às vezes transformam suas pinturas em brilhantes espetáculos fantasmagóricos: “Fogo do Parlamento de Londres”, “Tempestade de neve. O navio deixa o porto e dá sinais de socorro, atingindo a água rasa. .

Turner possui a primeira imagem de pintura de uma locomotiva a vapor sobre trilhos - um símbolo da industrialização. Em Rain, Steam and Speed, uma locomotiva a vapor corre ao longo do Tâmisa através de uma neblina de chuva. Todos os objetos materiais parecem se fundir em uma imagem de miragem, que transmite perfeitamente a sensação de velocidade.

O estudo exclusivo de Turner sobre efeitos de luz e cor antecipou em muitos aspectos as descobertas dos pintores impressionistas franceses.

Em 1848 na Inglaterra surgiuIrmandade pré-rafaelita (do latim prae - “antes” e Rafael), que uniu artistas que não aceitam a sociedade contemporânea e a arte da escola acadêmica. Eles viram seu ideal na arte da Idade Média e do Renascimento (daí o nome). Os principais membros da irmandade -William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. Em seus primeiros trabalhos, esses artistas usavam a abreviatura RV em vez de assinaturas. .

Com os românticos dos pré-rafaelitas, relacionou-se um amor pela antiguidade. Eles se voltaram para temas bíblicos (“A Luz do Mundo” e “O Pastor Infiel” de W. H. Hunt; “A Infância de Maria” e “A Anunciação” de D. G. Rossetti), enredos da história da Idade Média e peças de W. Shakespeare (“Ophelia” de Millais).

Para pintar figuras e objetos humanos em seu tamanho natural, os pré-rafaelitas aumentaram o tamanho das telas, esboços de paisagens foram feitos a partir da vida. Os personagens em suas pinturas tinham protótipos entre pessoas reais. Por exemplo, D. G. Rossetti retratou sua amada Elizabeth Siddal em quase todas as suas obras, continuando, como um cavaleiro medieval, a permanecer fiel à sua amada mesmo após sua morte prematura (“Vestido de Seda Azul”, 1866).

O ideólogo dos pré-rafaelitas foiJohn Ruskin (1819-1900) - Escritor, crítico de arte e teórico de arte inglês, autor da famosa série de livros "Artistas Modernos".

O trabalho dos pré-rafaelitas influenciou significativamente muitos artistas e tornou-se um precursor do simbolismo na literatura (W. Pater, O. Wilde) e nas artes plásticas (O. Beardsley, G. Moreau, etc.).

o apelido "Nazarenos" pode ter vindo do nome da cidade de Nazaré na Galiléia, onde Jesus Cristo nasceu. Segundo outra versão, surgiu por analogia com o nome da antiga comunidade religiosa judaica dos nazireus. Também é possível que o nome do grupo tenha vindo do nome tradicional do penteado “Alla Nazarena”, comum na Idade Média e conhecido pelo autorretrato de A. Dürer: a maneira de usar cabelos compridos, repartidos na meio, foi reintroduzido por Overbeck.

Biedermeier(alemão "bravo Meyer", filisteu) - o sobrenome de um personagem fictício da coleção de poesia do poeta alemão Ludwig Eichrodt. Eichrodt criou uma paródia de uma pessoa real - Samuel Friedrich Sauter, um velho professor que escrevia poesia ingênua. Eichrodt, em sua caricatura, enfatizou o primitivismo filisteu do pensamento de Biedermeier, que se tornou uma espécie de símbolo paródico da época. traços arrebatadores de cores pretas, marrons e esverdeadas transmitem a fúria da tempestade. O olhar do espectador parece estar no centro de um redemoinho, o navio parece ser um brinquedo de ondas e vento.