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Para trás para a frente

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Tipo de aula: Uma aula de estudo e consolidação primária de novos conhecimentos e métodos de atividade (organização das atividades dos alunos na percepção, compreensão e memorização primária de novos conhecimentos e métodos de atividade).

Objetivo didático: criar condições para a compreensão e compreensão de um bloco de novas informações sobre as formas cíclicas da música, aplicando-as em uma nova situação educacional, verificando o nível de assimilação de um sistema de conhecimentos e habilidades,

Objetivos de conteúdo:

Educacional:

• familiarização dos alunos com exemplos da forma cíclica da música no exemplo de um concerto instrumental;
• familiarizar os alunos com as características da forma de um concerto instrumental baseado nas características do estilo musical de A. Schnittke;
• formar novas habilidades, habilidades, conhecimentos sobre a dramaturgia musical do concerto;
• consolidar o conhecimento dos conceitos: poliestilística, estilização.
• familiarizar os alunos com técnicas de composição que permitem combinar o passado e o presente numa peça musical.

Educacional:

• ser capaz de estabelecer todas as conexões possíveis entre uma obra de arte e fenômenos da arte e da vida (conexões de meta-sujeitos: formas cíclicas na música, colagem nas artes plásticas contemporâneas);
• com base em todas essas conexões, desenvolva sua própria atitude em relação a este trabalho por meio de uma incorporação produtiva criativa;
• a capacidade de identificar ligações entre obras do presente e do passado, características da música antiga em uma obra moderna;
• ser capaz de identificar ligações entre obras de cultura musical, artes plásticas e cinematografia;
• desenvolver a capacidade das crianças de distinguir pelo ouvido o som de um instrumento solista e de uma orquestra, sua relação;
• dar continuidade à formação da experiência do ouvinte no processo de familiarização com as obras de música instrumental;

Educacional:

• cultivar o amor e o respeito pela herança musical dos compositores russos e pelas tradições da música clássica italiana e alemã;
• incentivar os alunos a uma atitude ponderada e cuidadosa em relação às tradições do passado, cor nacional ou histórica;
• desenvolver a capacidade de comunicação, trabalhando o princípio da aprendizagem pela cooperação (atividade criativa em pares);
• formar a capacidade de auto-realização, autodeterminação através da atividade criativa e produtiva;
• criação de condições para o envolvimento de cada aluno num processo cognitivo activo, tendo em conta as qualidades psicológicas e pessoais dos alunos;
• aumentar a motivação para aprender através do envolvimento em um único processo criativo (trabalho em uma tarefa criativa).

Métodos: busca parcial, reprodutiva, abordagem de meta-sujeito.

Informações e suporte metodológico: PC, projetor multimídia, quadro interativo, UMK editado por E. D. Kritskaya.

Softwares utilizados: Power Point, Internet Explorer, Media Player Classic.

Meios técnicos: grava "A noite passou" no próximo. R. Rozhdestvensky, música. A. Rybnikova, “Concerto grosso” de A. Schnittke (5º movimento, rondó), “Chaconne” de I. Bach, excerto do filme “Juventudes no Universo” de Richard Viktorov, apresentação sobre forma cíclica e concerto, apresentação de vídeo para Rybnikov música, slides com reproduções de P. Filonov “A Cabeça”, I. Levitan “Lake Rus”, Alfred Sisley “Caminho Solitário”, Niccolò Poussin “Paisagem com Duas Ninfas”.

Competências usadas: valor-semântico, geral cultural, educacional e cognitivo, aprimoramento pessoal, busca.

Tipos e formas de controle: correção das respostas orais dos alunos, observação do processo criativo em duplas.

Problema da lição: revelar as contradições da música moderna através das conexões entre os fenômenos da vida e os fenômenos da arte, bem como estabelecer ligações entre diferentes épocas históricas.

Resultado previsto:

• ser capaz de perceber de ouvido e compreender a estrutura das formas cíclicas da música;
• a capacidade de entender as razões pelas quais os compositores modernos se voltam para as formas de música clássica do passado através de uma encarnação moderna de concerto.

Aumento do conhecimento, criatividade:

• a capacidade de encarnar a percepção de uma obra musical através de formas plásticas (esculpir, criar uma única imagem de forma holística - uma colagem);
• a capacidade de participar em performance conjunta, elementos de improvisação e criatividade;
• conhecimento de obras de música, artes plásticas, cinema além do escopo de um determinado programa.

Justificativa.

Esta lição faz parte da seção do segundo semestre “Peculiaridades da dramaturgia da música de câmara e sinfônica”. Aqui, graças ao conhecimento de obras de arte de diferentes estilos e épocas, os adolescentes têm a oportunidade de entrar em diálogo com seus pares e com pessoas de um passado distante (como se visitassem outros tempos). Assim, os alunos têm a oportunidade de estabelecer uma conexão entre o mundo ao seu redor e a aparência de obras que refletem o que está acontecendo neste mundo (a natureza meta-sujeito dos objetos de arte). É também uma variante de uma lição de saúde, fruto da busca de soluções para os problemas através da criatividade, da auto-implementação nas imagens do que foi ouvido (ouvir música clássica séria - criar partes de uma colagem).

Organizando o tempo: os alunos entram na sala de aula com a música de A. Rybnikov, a apresentação de vídeo nº 1 da música (imersão auditiva) está na tela, as folhas do álbum são pré-fixadas nas mesas, as caixas com plasticina são dispostas. Diapositivo número 1.

Estrutura e conteúdo da aula

Compositores clássicos são conhecidos em todo o mundo. Cada nome de um gênio musical é uma individualidade única na história da cultura.

O que é música clássica

Música clássica - melodias encantadoras criadas por autores talentosos, que são justamente chamados de compositores clássicos. As suas obras são únicas e serão sempre procuradas por intérpretes e ouvintes. Por um lado, costuma-se chamar a música clássica de música estrita, profundamente significativa, que não está relacionada às direções: rock, jazz, folk, pop, chanson, etc. um período do final do século XIII - início do século XX, chamado classicismo.

Os temas clássicos distinguem-se pela entonação sublime, sofisticação, variedade de tons e harmonia. Eles têm um efeito positivo na visão de mundo emocional de adultos e crianças.

Estágios de desenvolvimento da música clássica. Sua breve descrição e principais representantes

Na história do desenvolvimento da música clássica, os estágios podem ser distinguidos:

• Renascimento ou Renascimento - início do século XIV - último quartel do século XVI. Na Espanha e na Inglaterra, o Renascimento durou até o início do século XVII.
• Barroco - veio para substituir o Renascimento e perdurou até o início do século XVIII. A Espanha era o centro do estilo.
• O classicismo é um período de desenvolvimento da cultura europeia do início do século XVIII ao início do século XIX.
• O romantismo é uma direção oposta ao classicismo. Durou até meados do século XIX.
• Clássicos do século 20 - a era moderna.

Breve descrição e principais representantes de períodos culturais

1. Renascimento - um longo período de desenvolvimento de todas as áreas da cultura. - Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria compôs e deixou criações imortais para a posteridade.

2. Barroco - nesta época surgem novas formas musicais: polifonia, ópera. Foi durante este período que Bach, Handel, Vivaldi criaram suas famosas criações. As fugas de Bach são construídas de acordo com as exigências do classicismo: observância obrigatória dos cânones.

3. Classicismo. Compositores clássicos vienenses que criaram suas criações imortais na era do classicismo: Haydn, Mozart, Beethoven. A forma sonata aparece, a composição da orquestra aumenta. e Haydn diferem das pesadas obras de Bach por sua construção descomplicada e pela elegância de suas melodias. Ainda era um clássico, buscando a perfeição. As composições de Beethoven são o ponto de contato entre os estilos romântico e clássico. Na música de L. van Beethoven, há mais sensualidade e ardor do que canonicidade racional. Gêneros importantes como sinfonia, sonata, suíte, ópera se destacaram. Beethoven deu origem ao período romântico.

4. Romantismo. As obras musicais são caracterizadas pela cor e pelo drama. Vários gêneros de música são formados, por exemplo, baladas. As composições para piano de Liszt e Chopin receberam reconhecimento. As tradições do romantismo foram herdadas por Tchaikovsky, Wagner, Schubert.

5. Clássicos do século XX - caracterizados pelo desejo dos autores de inovação nas melodias, surgiram os termos aleatório, atonalismo. As obras de Stravinsky, Rachmaninov, Glass são referidas ao formato clássico.

compositores clássicos russos

Tchaikovsky P.I. - Compositor russo, crítico musical, figura pública, professor, maestro. Suas composições são as mais executadas. Eles são sinceros, facilmente percebidos, refletem a originalidade poética da alma russa, imagens pitorescas da natureza russa. O compositor criou 6 balés, 10 óperas, mais de cem romances, 6 sinfonias. O balé mundialmente famoso "O Lago dos Cisnes", a ópera "Eugene Onegin", "Álbum Infantil".

Rachmaninov S.V. - as obras do notável compositor são emocionais e alegres, e algumas delas são dramáticas em conteúdo. Seus gêneros são diversos: de pequenas peças a concertos e óperas. As obras geralmente reconhecidas do autor: as óperas "The Miserly Knight", "Aleko" com base no poema de Pushkin "Gypsies", "Francesca da Rimini" com base em um enredo emprestado da "Divina Comédia" de Dante, o poema "The Bells" ; suíte "danças sinfônicas"; concertos para piano; vocalize para voz com acompanhamento de piano.

Borodin A. P. foi compositor, professor, químico, médico. A criação mais significativa é a ópera "Príncipe Igor" baseada na obra histórica "O Conto da Campanha de Igor", que foi escrita pelo autor por quase 18 anos. Durante sua vida, Borodin não teve tempo de terminá-la; após sua morte, A. Glazunov e N. Rimsky-Korsakov completaram a ópera. O grande compositor é o fundador de quartetos clássicos e sinfonias na Rússia. A sinfonia "Bogatyr" é considerada a coroação da sinfonia nacional-heróica mundial e russa. Os quartetos instrumentais de câmara, o Primeiro e o Segundo Quartetos foram reconhecidos como destaques. Um dos primeiros a introduzir figuras heróicas da literatura russa antiga em romances.

Grandes músicos

M. P. Mussorgsky, que pode ser considerado um grande compositor realista, um inovador ousado, tocando em problemas sociais agudos, um excelente pianista e um excelente vocalista. As obras musicais mais significativas são as óperas "Boris Godunov" baseadas na obra dramática de A.S. Pushkin e "Khovanshchina" - um drama musical folclórico, o personagem principal dessas óperas são as pessoas rebeldes de diferentes estratos sociais; ciclo criativo "Pictures at an Exhibition", inspirado nas obras de Hartmann.

Glinka M.I. - um famoso compositor russo, o fundador da direção clássica na cultura musical russa. Ele completou o processo de criação de uma escola de compositores russos, com base no valor da música popular e profissional. As obras do mestre estão impregnadas de amor à Pátria, refletindo a orientação ideológica do povo daquela época histórica. O drama folclórico mundialmente famoso "Ivan Susanin" e a ópera de conto de fadas "Ruslan e Lyudmila" tornaram-se novas tendências na ópera russa. As obras sinfônicas "Kamarinskaya" e "Spanish Overture" de Glinka são as bases da sinfonia russa.

Rimsky-Korsakov N.A. é um talentoso compositor russo, oficial naval, professor e publicitário. Duas correntes podem ser traçadas em sua obra: histórica (“A noiva do czar”, “Pskovite”) e fabulosa (“Sadko”, “Snow Maiden”, Suite “Scheherazade”). Uma característica distintiva das obras do compositor: originalidade baseada em valores clássicos, homofonia na construção harmônica das primeiras composições. Suas composições têm um estilo autoral: soluções orquestrais originais com partituras vocais construídas de forma inusitada, que são as principais.

Os compositores clássicos russos tentaram refletir em suas obras o pensamento cognitivo e o folclore característicos da nação.

cultura europeia

Famosos compositores clássicos Mozart, Haydn, Beethoven viviam na capital da cultura musical da época - Viena. Os gênios combinam performance magistral, excelentes soluções composicionais, o uso de diferentes estilos musicais: de melodias folclóricas a desenvolvimentos polifônicos de temas musicais. Os grandes clássicos são caracterizados por uma atividade mental criativa abrangente, competência, clareza na construção de formas musicais. Em suas obras, intelecto e emoções, componentes trágicos e cômicos, facilidade e prudência estão organicamente ligados.

Beethoven e Haydn gravitaram em torno de composições instrumentais, Mozart geriu magistralmente composições operísticas e orquestrais. Beethoven foi um criador insuperável de obras heróicas, Haydn apreciou e usou com sucesso o humor, tipos de gênero folclórico em seu trabalho, Mozart foi um compositor universal.

Mozart é o criador da forma instrumental sonata. Beethoven o aperfeiçoou, elevou-o a alturas insuperáveis. O período tornou-se um período de apogeu do quarteto. Haydn, seguido por Beethoven e Mozart, dão uma contribuição significativa para o desenvolvimento deste gênero.

mestres italianos

Giuseppe Verdi - um músico notável do século 19, desenvolveu a ópera tradicional italiana. Ele tinha um artesanato impecável. As obras operísticas Il trovatore, La Traviata, Othello, Aida tornaram-se o culminar da sua actividade de compositor.

Niccolo Paganini - nascido em Nice, uma das personalidades mais talentosas musicalmente dos séculos XVIII e XIX. Ele era um virtuoso no violino. Compôs caprichos, sonatas, quartetos para violino, violão, viola e violoncelo. Escreveu concertos para violino e orquestra.

Gioacchino Rossini - trabalhou no século 19. Autor de música sacra e de câmara, compôs 39 óperas. Obras pendentes - "O Barbeiro de Sevilha", "Otelo", "Cinderela", "A pega ladra", "Semiramide".

Antonio Vivaldi é um dos maiores representantes da arte violonística do século XVIII. Ele ganhou fama graças ao seu trabalho mais famoso - 4 concertos para violino "The Seasons". Ele viveu uma vida criativa surpreendentemente frutífera, compôs 90 óperas.

Compositores clássicos italianos famosos deixaram um legado musical eterno. Suas cantatas, sonatas, serenatas, sinfonias, óperas darão prazer a mais de uma geração.

Peculiaridades da percepção da música por uma criança

Ouvir boa música tem um efeito positivo no desenvolvimento psicoemocional da criança, segundo psicólogos infantis. A boa música introduz a arte e forma um gosto estético, como acreditam os professores.

Muitas criações conhecidas foram criadas por compositores clássicos para crianças, levando em conta sua psicologia, percepção e as especificidades da idade, ou seja, para ouvir, enquanto outras compuseram várias peças para pequenos intérpretes que eram facilmente percebidas de ouvido e tecnicamente acessíveis ao eles.

"Álbum Infantil" de Tchaikovsky P.I. para pequenos pianistas. Este álbum é uma dedicação a um sobrinho que amava música e era uma criança muito talentosa. A coleção contém mais de 20 peças, algumas delas baseadas em material folclórico: motivos napolitanos, dança russa, melodias tirolesas e francesas. Coleção "Canções para crianças" de Tchaikovsky P.I. projetado para a percepção auditiva de um público infantil. Canções de clima otimista sobre a primavera, pássaros, um jardim florido (“Meu jardim”), sobre compaixão por Cristo e Deus (“Cristo, o bebê, tinha um jardim”).

clássico infantil

Muitos compositores clássicos trabalharam para crianças, cuja lista de obras é muito diversificada.

Prokofiev S.S. "Pedro e o Lobo" é um conto de fadas sinfônico para crianças. Graças a este conto de fadas, as crianças se familiarizam com os instrumentos musicais da orquestra sinfônica. O texto do conto foi escrito pelo próprio Prokofiev.

Schuman R. "Cenas infantis" são histórias musicais curtas com um enredo simples, escritas para atores adultos, memórias de infância.

Ciclo de Piano de Debussy "Cantinho das Crianças".

Ravel M. "Mother Goose" baseado nos contos de fadas de Ch. Perrault.

Bartok B. "Primeiros Passos no Piano".

Ciclos para crianças Gavrilova S. "Para os mais pequenos"; "Heróis dos contos de fadas"; "Crianças sobre animais."

Shostakovich D. "Álbum de peças de piano para crianças".

Bach I. S. Caderno para Anna Magdalena Bach. Ensinando música aos seus filhos, ele criou peças e exercícios especiais para eles desenvolverem habilidades técnicas.

Haydn J. - progenitor da sinfonia clássica. Criou uma sinfonia especial chamada "Children's". Os instrumentos utilizados: rouxinol de barro, chocalho, cuco - dão um som inusitado, infantil e provocativo.

Saint-Saens K. concebeu uma fantasia para orquestra e 2 pianos chamada “Carnaval dos Animais”, na qual transmitiu com maestria o cacarejar das galinhas, o rugido de um leão, a complacência de um elefante e sua maneira de se movimentar, um cisne tocantemente gracioso por meios musicais.

Compondo composições para crianças e jovens, os grandes compositores clássicos cuidaram dos interessantes enredos da obra, da disponibilidade do material proposto, levando em consideração a idade do intérprete ou ouvinte.

ciclos. Um ciclo também pode ser chamado de uma série de obras interconectadas (cada uma das quais pode ou não ter uma forma cíclica) ou programas de concerto. Na música não acadêmica (jazz, rock), álbuns conceituais e grandes obras separadas podem gravitar em direção a formas cíclicas.

Ciclo "prelúdio-fuga"

O ciclo de duas partes "prelúdio-fuga" é conhecido desde os tempos barrocos. Propõe uma funcionalização do prelúdio como introdução improvisada à fuga.

Os ciclos de "prelúdio-fuga" podem ser combinados em ciclos maiores com base em algum princípio formal ou temático. O exemplo mais famoso é O Cravo Bem Temperado de J.S. Bach, construído sobre o princípio de uma certa alternância de correspondências modais. Um exemplo da música do século 20 é "24 Prelúdios e Fugas" de D. D. Shostakovich.

Ciclo da suíte

No século 20, o gênero da suíte foi significativamente repensado, novas técnicas foram aplicadas a ela (por exemplo, suítes orquestrais dodecafônicas de A. Schoenberg e A. Berg), novo material foi coberto (por exemplo, na suíte de P. Hindemith “1922”, danças da moda da época: shimmy, boston, ragtime).

Algumas obras de música não acadêmica (principalmente rock progressivo) também gravitam em direção à forma de suíte. Exemplos incluem "Lizard" do álbum de mesmo nome da banda de rock King Crimson e "Atom Heart Mother" do álbum de mesmo nome do Pink Floyd. No entanto, "suítes de rock" também são frequentemente chamadas de composições que gravitam mais para formas livres e mistas (na terminologia teórico-musical tradicional).

Ciclo Sonata-sinfonia

O ciclo sonata-sinfonia inclui os gêneros mais abstratos da música acadêmica, como sinfonia, sonata, concerto. Caracteriza-se por:

• abstração da natureza aplicada da música (mesmo que o material aplicado seja usado como material de qualquer parte);
• a possibilidade de contrastes figurativos e semânticos entre partes separadas (até sua oposição direta);
• desenvolvimento tonal complexo;
• funções estabelecidas e formas de partes individuais (características de gêneros individuais de música sonata-sinfônica).

A sonata clássica foi formada durante o século XVIII, atingiu seu auge nos clássicos vienenses e permanece, com algumas reservas, um gênero vivo. A sinfonia como gênero foi formada em meados do século XVIII, também atingiu seu auge nos clássicos vienenses e continua sendo um gênero vivo da música acadêmica. (A forma sinfônica não deve ser confundida com o sinfonismo, que também pode ser característico de obras não relacionadas a esta forma). Na segunda metade do século XX, leitmotiv e princípios monotemáticos tornaram-se característicos de muitas obras desse gênero. O concerto, como uma espécie de obra cíclica sonata-sinfônica, que se caracteriza pela oposição da sonoridade de todo o conjunto e grupos individuais ou solistas, tomou forma em sua forma agora conhecida no final do século XVIII.

Formas livres e mistas

Uma obra musical pode consistir em partes unidas de acordo com um princípio diferente daqueles dos gêneros listados, e ainda ter um caráter cíclico em um grau ou outro. São muitos os gêneros de música sacra aplicada (missa, concerto sacro, vigília), cantatas, ciclos vocais e coro-vocais (narrativos e líricos).

Ciclos principais

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A guitarra é ótima

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• viaansambles.narod.ru - VIA 60-70-80s. Informações de conjuntos, músicas, fórum
• elf.org.ru Música popular

A viabilidade da forma de variação de dístico "Glinka" é evidenciada por seu uso por compositores soviéticos. Ao mesmo tempo, as técnicas de desenvolvimento e os meios expressivos são atualizados (especialmente a linguagem harmônica), mas o tipo de forma em si é preservado: a seção inicial da "Pequena Cantata" ("Chastushkas da Menina") da ópera "Not Only Love" de Shchedrin ".

NO forma variante de dístico a parte vocal está sujeita a variação antes de tudo.

Características distintivas de variância: uma variante que implica mudanças melódicas permite mudanças estruturais e de escala, mas mantém a unidade figurativa e de gênero. A consequência disso é a relativa igualdade da variante e do tema, enquanto a variação é um fenômeno derivado, secundário, subordinado ao tema.

A combinação de clareza, clareza de estrutura, a capacidade de mudar de várias maneiras e a capacidade de seguir o texto tornam a forma variante de dístico uma das formas mais comuns de música vocal. Essa forma ocupa um lugar enorme na composição de Schubert e Mahler. Dos compositores soviéticos, G. Sviridov voluntariamente se volta para ela: o coro “Como a canção nasceu”, “Naquela terra” de “O Poema em Memória de S. Yesenin”. Outros exemplos são Gretchen at the Spinning Wheel de Schubert, Romance de Polina de A Dama de Espadas de Tchaikovsky.

através da forma

A forma transversal surgiu da necessidade de a música acompanhar o desenvolvimento da trama. Mais do que em qualquer outra forma, as possibilidades pictóricas e pictóricas da música e sua capacidade de realçar o lado emocional do texto são usadas aqui. Não é coincidência que grande atenção foi dada a esta forma por aqueles compositores que eram especialmente sensíveis aos tons mais sutis de imagens de texto e conotações psicológicas - Schubert, Mussorgsky. A maioria das canções de Liszt são escritas de forma completa. Esta forma ocupou um grande lugar na música do final do século 19 - início do século 20, especialmente no gênero de "poemas com música", que se difundiu na obra de Wolf, na música russa - em Medtner, Prokofiev, Gnesin, Tcherepnin , em parte Rachmaninov e em trabalhos vocais em textos em prosa ("O Patinho Feio" de Prokofiev).

Qualquer forma transversal é baseada no princípio da renovação contínua do material musical de acordo com o conteúdo do texto. No entanto, os compositores se esforçam para introduzir certos fatores unificadores musicais nas formas transversais. Para isso, os princípios de reprise, encerramento de reprise, refrão de ponta a ponta (“leitakchords” da morte em “Lullaby” de Mussorgsky e o refrão “bayushki, bayu, bayu”), conexão entoação-temática das partes do forma e organização tonal são usados.

Exemplos de uma forma direta: "Forest King" de Schubert, coro "The Stars Dim" de Kalinnikov.

Tópico 14. Formas cíclicas: suíte, ciclo sonata-sinfônico

cíclico chamado de forma que consiste em várias partes contrastantes separadas, independentes na forma, mas conectadas por um único conceito artístico.

As principais características das formas cíclicas:

♦ a presença de várias partes (de 2 a 10),

♦ independência da forma de cada parte,

♦ partes separadas (uma parte pode ser executada separadamente),

♦ contraste de andamento,

♦ contraste na natureza,

♦ semelhança tonal:

a) uma única tonalidade de todas as partes,

b) criando uma reprise tonal (ciclo sonata-sinfônico),

c) seleção de centros tonais (tonalidades predominantes),

♦ intenção geral:

a) uma equipe de artistas,

b) uma esfera de gênero,

c) comunidade temática,

e) programa.

As formas cíclicas são vocais, instrumentais e de palco.

Vocal Os ciclos (vocais-instrumentais) são divididos em cantata-ora-torial(cantata, oratório, missa, réquiem, paixões) e vocal de câmara(ciclos vocais).

Ciclos de estágio: ópera e balé.

Ciclos de ferramentas

Existem dois tipos principais de formas cíclicas: a suíte e o ciclo sonata-sinfônico. A independência das partes do ciclo é determinada pelo fato de poderem ser executadas separadamente (danças de suítes, partes de sonatas ou sinfonias).

Suíte (série, sequência) - um trabalho cíclico, consistindo de partes independentes, contrastantes em caráter e ritmo de um personagem de dança ou gênero. A alternância de peças em uma suíte não é rígida e seu número não é regulamentado. Muitas vezes, todas as partes são escritas na mesma chave.

A suíte tem vários tipos historicamente fixos. A antiga suíte (barroca) foi finalmente formada em meados do século XVII. - a primeira metade do século XVIII. na obra de compositores de diferentes escolas nacionais: Froberger, Handel, Corelli, Couperin, Rameau, etc. Em diferentes países era chamado de forma diferente: na Alemanha - partita, na Inglaterra - lições, na França - abertura, na Itália - sonata da câmera, balé.

Para suites do século XVII. e antes, a comunidade temática de danças era comum, mas no século XVIII. tornou-se comparativamente rara (não em Bach, encontrada em Handel). A suíte dança já a partir de meados do século XVII. perdeu seu caráter aplicado, e no século XVIII. sua forma tornou-se muito mais complexa, embora prevaleçam formas pequenas (simples de 2 e 3 partes, forma composta, starosonata, concerto e composto de contraste).

A base da antiga suíte dos séculos XVII-XVIII. consistia em 4 danças: allemande, courant, sarabande e jig. No ciclo, as danças calmas e lentas foram duas vezes opostas às animadas e rápidas:

1) allemanda - ritmo moderadamente lento,

2) sinos - moderadamente rápido,

3) sarabanda - muito lenta,

4) gabarito - muito rápido.

Allemande - dança redonda suave em duas partes (tamanho 4/4) de ritmo moderado, de origem alemã. Começa por causa da medida (a. XVII) com uma oitava ou dezesseis duração. Em termos de número de vozes, a allemande é mais frequentemente a 4 vozes, com abundância de tons e imitações. Ao mesmo tempo, o desenvolvimento polifônico suaviza a dançabilidade do ritmo. A forma da allemande é uma antiga de duas partes (parte II - versão invertida da parte I).

Courant - dança tripla (3/4 ou 3/2) de origem francesa. O ritmo é moderado ou rápido. ritmo típico. Junto com o allemande no começo. século 18 O Courante deixou de ser usado e serviu de objeto de estilização (Bach). Pelo número de vozes, o carrilhão é geralmente de duas partes. O formulário é simples de duas partes (no final - uma espécie de reprise).

Sarabande - dança tripla (3/4 ou 3/2) de origem espanhola. Sem chute inicial. Padrões rítmicos típicos:

em cadências - . A mudança de harmonias enfatiza o tipo básico de ritmo. A sarabanda é dominada por um armazém de acordes (textura homófona-harmónica). A forma tende a ser tripartida (reprise é mais pronunciada).

Gigue - dança tripla rápida (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) de origem inglesa. Acertos frequentes. Muitas vezes sujeito a desenvolvimento de fuga, incluindo a inversão do tema na segunda parte.De acordo com o número de votos - duas ou três vozes. O formulário é um simples de três partes.

Além das danças principais, muitas vezes são introduzidas peças adicionais na suíte:

1) algumas danças tinham um duplo (variante), uma espécie de variação ornamental;

2) há um prelúdio antes da allemande (preâmbulo, abertura, tocata, fantasia, sinfonia); tal peça pode ser um pequeno ciclo de duas ou três partes;

3) dentro da suíte (geralmente entre a sarabanda e o gigue) outras danças são colocadas - minueto, gavota, bourre, paspier, rondó, burlesco, scherzo, capriccio ou peças (aria).

Das outras formas cíclicas, a sonata e o concerto se difundiram na era barroca.