Cultura musical da Rússia durante o Iluminismo. Arte Musical no Iluminismo Cultura Musical no Iluminismo Palestra para teóricos

Idade da iluminação

A Idade do Iluminismo é uma das épocas-chave da história da cultura europeia, associada ao desenvolvimento do pensamento científico, filosófico e social. Esse movimento intelectual foi baseado no racionalismo e no livre pensamento. Começando na Inglaterra, esse movimento se espalhou pela França, Alemanha, Rússia e outros países europeus. Especialmente influentes foram o Iluminismo francês, que se tornou os "governantes do pensamento".

A arte musical pode ser equiparada ao teatro e à arte literária. Óperas e outras obras musicais foram escritas sobre os temas das obras de grandes escritores e dramaturgos.

Na segunda metade do século XVIII, desenvolveu-se a arte da escola clássica de música vienense, que desempenhou um papel decisivo em toda a cultura musical europeia subsequente.

O desenvolvimento da arte musical está associado principalmente aos nomes de grandes compositores como I.S. Bach, G. F. Handel, J. Haydn, V.A. Mozart, LW Beethoven.

Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn (31 de março de 1732 - 31 de maio de 1809) foi um compositor austríaco, representante da escola clássica vienense, um dos fundadores de gêneros musicais como a sinfonia e o quarteto de cordas. O criador da melodia, que mais tarde formou a base dos hinos da Alemanha e da Áustria-Hungria.

Juventude. Joseph Haydn (o compositor nunca se nomeou Franz) nasceu em 31 de março de 1732, na propriedade dos condes de Harrach, a vila de Rorau, na Baixa Áustria, não muito longe da fronteira com a Hungria, na família de Matthias Haydn (1699). -1763). Os pais, que gostavam seriamente de vocais e música amadora, descobriram habilidades musicais no menino e em 1737 o enviaram para parentes na cidade de Hainburg-on-the-Danúbio, onde Josef começou a estudar canto coral e música. Em 1740, Joseph foi notado por Georg von Reutter, diretor da capela da Catedral de Viena de St. Estevão. Reutter levou o menino talentoso para a capela, e ele cantou no coral por nove anos (incluindo vários anos com seus irmãos mais novos).

Cantar no coral era bom para Haydn, mas a única escola. À medida que suas habilidades se desenvolveram, ele foi designado para partes solo difíceis. Juntamente com o coro, Haydn frequentemente se apresentava em festividades da cidade, casamentos, funerais, participava de celebrações da corte.

Em 1749, a voz de Josef começou a falhar e ele foi expulso do coral. Os dez anos que se seguiram foram muito difíceis para ele. Josef assumiu vários empregos, inclusive como servo do compositor italiano Nicola Porpora, de quem também teve aulas de composição. Haydn tentou preencher as lacunas em sua educação musical, estudando diligentemente as obras de Emmanuel Bach e a teoria da composição. As sonatas para cravo escritas por ele na época foram publicadas e chamaram a atenção. Suas primeiras grandes composições foram duas missas brevis, F-dur e G-dur, escritas por Haydn em 1749, antes mesmo de deixar a capela de St. Estêvão; a ópera Lame Demon (não preservada); cerca de uma dúzia de quartetos (1755), a primeira sinfonia (1759).

Em 1759, o compositor recebeu o cargo de maestro na corte do Conde Karl von Morzin, onde Haydn tinha sob seu comando uma pequena orquestra, para a qual o compositor compôs suas primeiras sinfonias. No entanto, logo von Morzin começou a passar por dificuldades financeiras e interrompeu as atividades de seu projeto musical.

Em 1760 Haydn casou-se com Marie-Anne Keller. Eles não tiveram filhos, o que o compositor lamentou muito.

Serviço em Esterhazy. Em 1761, um evento fatídico ocorreu na vida de Haydn - ele se tornou o segundo Kapellmeister na corte dos príncipes Esterhazy, uma das famílias aristocráticas mais influentes e poderosas da Áustria. As responsabilidades do maestro incluíam compor música, dirigir a orquestra, tocar música de câmara na frente do patrono e encenar óperas.

Durante sua carreira de quase trinta anos na corte de Esterhazy, o compositor compôs um grande número de obras, sua fama está crescendo. Em 1781, durante uma estadia em Viena, Haydn conheceu e tornou-se amigo de Mozart. Ele deu aulas de música para Sigismund von Neukom, que mais tarde se tornou seu amigo íntimo.

Em 11 de fevereiro de 1785, Haydn foi iniciado na loja maçônica "To True Harmony" ("Zur wahren Eintracht"). Mozart não pôde comparecer à dedicação porque estava em um concerto de seu pai Leopold.

Durante o século XVIII, em vários países (Itália, Alemanha, Áustria, França e outros) ocorreram processos de formação de novos gêneros e formas de música instrumental, que finalmente tomaram forma e atingiram seu ápice no chamado "clássico vienense". escola" - nas obras de Haydn, Mozart e Beethoven. Ao invés da textura polifônica, a textura homofônico-harmônica adquiriu grande importância, mas ao mesmo tempo, grandes obras instrumentais muitas vezes incluíam episódios polifônicos que dinamizavam o tecido musical.

Músico livre novamente. Em 1790, o príncipe Nikolai Esterhazy (inglês) russo morreu, e seu filho e sucessor, o príncipe Anton (inglês) russo, não sendo um amante da música, dissolveu a orquestra. Em 1791 Haydn recebeu um contrato para trabalhar na Inglaterra. Posteriormente, ele trabalhou extensivamente na Áustria e na Grã-Bretanha. Duas viagens a Londres, onde escreveu suas melhores sinfonias para os concertos de Solomon, fortaleceram ainda mais a fama de Haydn.

De passagem por Bonn em 1792, conheceu o jovem Beethoven e o aceitou como aprendiz.

Então Haydn se estabeleceu em Viena, onde escreveu seus dois famosos oratórios: A Criação do Mundo (1799) e As Estações (1801).

Haydn experimentou todos os tipos de composição musical, mas nem todos os gêneros de seu trabalho se manifestaram com a mesma força.

No campo da música instrumental, é justamente considerado um dos maiores compositores da segunda metade do século XVIII e início do século XIX.

A grandeza de Haydn como compositor se manifestou ao máximo em suas duas obras finais: os grandes oratórios - A Criação do Mundo (1798) e As Estações (1801). O oratório "As Estações" pode servir como um padrão exemplar de classicismo musical. No final de sua vida, Haydn desfrutou de enorme popularidade.

O trabalho em oratórios minou a força do compositor. Suas últimas obras foram Harmoniemesse (1802) e um quarteto de cordas inacabado op. 103 (1802). Os últimos esboços datam de 1806, data após a qual Haydn não escreveu nada. O compositor morreu em Viena em 31 de maio de 1809.

A herança criativa do compositor inclui 104 sinfonias, 83 quartetos, 52 sonatas para piano, oratórios ("Criação do Mundo" e "As Estações"), 14 missas, 24 óperas.

Lista de composições:

Música de câmara:

§ 12 sonatas para violino e piano (incluindo sonata em mi menor, sonata em ré maior)
§ 83 quarteto de cordas para dois violinos, viola e violoncelo
§ 7 duetos para violino e viola
§ 40 trio para piano, violino (ou flauta) e violoncelo
§ 21 trio para 2 violinos e violoncelo
§ 126 trio para barítono, viola (violino) e violoncelo
§ 11 trio para instrumentos mistos de sopro e cordas
35 concertos para um ou mais instrumentos com orquestra, incluindo:
- § quatro concertos para violino e orquestra
- § dois concertos para violoncelo e orquestra
- § dois concertos para trompa e orquestra
- § 11 Concertos para Piano
- § 6 concertos de órgão
- § 5 concertos para liras de duas rodas
- § 4 concertos para barítono e orquestra
- § concerto para contrabaixo e orquestra
- § concerto para flauta e orquestra
- § concerto para trompete e orquestra
- § 13 diversões com cravo

Há 24 óperas no total, incluindo:

§ O Demônio Coxo (Der krumme Teufel), 1751
§ "Verdadeira Permanência"
§ "Orfeu e Eurídice, ou a Alma do Filósofo", 1791
§ "Asmodeus, ou o Novo Lame Imp"
§ "Farmacêutico"
§ "Acis e Galatea", 1762
§ "Ilha Deserta" (L "lsola disabitata)
§ "Armida", 1783
§ As Pescadoras (Le Pescatrici), 1769
§ "Infidelidade enganado" (L "Infedelta delusa)
§ "Encontro imprevisto" (L "Incontro improviso), 1775
§ Mundo Lunar (II Mondo della luna), 1777
§ "Verdadeira Constância" (La Vera costanza), 1776
§ Lealdade recompensada (La Fedelta premiata)
§ "Roland Paladin" (Orlando Raladino), ópera heróico-cômica baseada no enredo do poema de Ariosto "Furious Roland"
14 oratórios, incluindo:
- § "Criação do mundo"
- § "Temporadas"
- § "As Sete Palavras do Salvador na Cruz"
- § "Retorno de Tobias"
- § Cantata-oratório alegórica "Aplausos"
- § Hino do Oratório Stabat Mater
14 massas, incluindo:
- § pequena massa (Missa brevis, F-dur, cerca de 1750)
- § Grande Missa de Órgão Es-dur (1766)
- § Missa em honra de S. Nicholas (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)
- § Missa de S. Cecilianos (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, entre 1769 e 1773)
- § pequena massa de órgãos (B-dur, 1778)
- § Missa Mariazelle (Mariazellermesse, C-dur, 1782)
- § Missa com tímpanos, ou Missa durante a guerra (Paukenmesse, C-dur, 1796)
- § Missa Heiligmesse (B-dur, 1796)
- § Nelson-Messe (Nelson-Messe, d-moll, 1798)
- § Missa Teresa (Theresienmesse, B-dur, 1799)
- § missa com tema do oratório "A Criação" (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)
- § Missa de Latão (Harmoniemesse, B-dur, 1802)

104 sinfonias no total, incluindo:

§ "Sinfonia de Despedida"
§ "Sinfonia de Oxford"
§ "Sinfonia Fúnebre"
§ 6 Sinfonias de Paris (1785-1786)
§ 12 Sinfonias de Londres (1791-1792, 1794-1795), incluindo a Sinfonia nº 103 "Timpani Tremolo"
§ 66 divertissements e cassações

Obras para piano:

§ Fantasias, variações
§ 52 sonatas para piano

Lição de cultura artística mundial.

Cultura musical da Rússia durante o Iluminismo .

Materiais para a aula:

Literatura.

1. História da música russa. T.1.

2. Enciclopédia infantil. 12.

3. Dicionário enciclopédico de um jovem músico.

Apresentações.

1. E. Lansere. "Navios do tempo de PedroEU."

2. Dobujinsky. "PeterEUna Holanda."

3. Khlebovsky. "Assembléia sob PedroEU"

Fragmentos de obras musicais.

1. Coral "A tempestade quebra o mar".

2. Kants e viva.

Durante as aulas.

1 . Exposição.

Contra o pano de fundo do refrão "a tempestade está quebrando o mar", são projetadas as imagens "Navios dos tempos de Pedro, o Grande" EU "e" Pedro EU na Holanda ".

2 . Formulação do problema .

Uma forma especial de desenvolvimento da música russa. Quais gêneros musicais se desenvolveram na era de Pedro. Qual é a diferença entre a ópera russa e europeia.

Professora: Reformas de PedroEUdestinado a desenvolver e fortalecer o Estado, contribuiu para o florescimento da cultura secular russa. Neste momento, surgem novas formas de fazer música e novos gêneros musicais. Por decreto de Pedro, as bandas de metais são criadas. Cada unidade militar tinha sua própria banda de metais, formada por filhos de soldados. essas bandas tocam em desfiles solenes e feriados. especialmente populares são as orquestras de trompas, que consistem em trompas de caça de vários tamanhos. Essas trompas produziam apenas um som, uma nota, e para o mais simples musical

seus trabalhos exigiam pelo menos 50 peças. As orquestras de trompas de fortalezas até tocaram obras de Haydn e Mozart. Contemporâneos que ouviram o jogo dessas orquestras admiraram a beleza incomum de seu som.

Durante este período, a longa tradição russa de canto coral também recebeu mais desenvolvimento. Em álbuns de música manuscritaXVIIIséculo, você pode encontrar gravações de músicas para três vozes, os chamados cants. Os cantos eram de conteúdo muito diferente: líricos, pastorais, serenatas eram realizadas nas casas dos amantes da música nas noites familiares.

Os cantos soam "O mundo é mau", "Ah, minha luz é amarga"

Havia cantos laudatórios, muitas vezes executados durante os feriados, cantando os feitos heróicos do rei, as vitórias militares. Havia bordas de mesa, lúdicas.

Sons kanta "Dois capões - khorobruna"

Inicialmente, os cantes eram executados sem acompanhamento musical, depois com acompanhamento de violão ou cravo.

Além dos cantes, também eram realizados os chamados vivatas - cantes especialmente compostos em homenagem às vitórias militares.

Soa viva "Alegra-te na terra russa"

Mas além da música solene, também era necessária outra música - para entretenimento e dança. Novas danças européias eram tocadas nas assembléias: minuetos, danças campestres. No círculo da nobreza russa, o minueto tornou-se o "rei da dança". como mais tarde - uma valsa.

A pintura de Khlebovsky "Assembly under Peter" é projetada EU tendo como pano de fundo o Minueto de Boccherini .

Nos últimos anos do reinado de Peter, nasceu a vida de concerto. Nas casas dos nobres, surgiram orquestras caseiras - capelas capazes de tocar música séria de compositores europeus. E, ao mesmo tempo, o estilo partes do canto coral atinge seu auge (até 12 vozes).

Um fragmento do "Cânone da Ressurreição" soa

O poeta Derzhavin chamou os anos 1730-1740 de "a era das canções". Nesse momento, a cant gradualmente se transforma em romance ("canção russa", como era chamada no início), executada em uma só voz.

Sons do romance de Dubyansky "A pomba azul está gemendo"

NOXVIIIséculo, eles começam a coletar e processar canções folclóricas russas, com base nas quais toda a música russa deste século se desenvolve. A ópera russa deve especialmente à canção.

Na música russaXVIIINo século XX, a ópera tornou-se um gênero particularmente significativo, e a ópera cômica foi a mais popular. O libreto para óperas foi escrito por tais

dramaturgos famosos como Sumarokov, Knyaznin, Krylov. Seus heróis são personagens russos típicos: um cavalheiro arrogante - um proprietário de terras, um comerciante astuto, um servo astuto, uma garota ingênua e ingênua. Nas primeiras óperas russas sempre havia características de sátira, denúncia e moralização. As virtudes morais das pessoas comuns se opunham aos vícios dos nobres. o protesto contra a arbitrariedade feudal e a desigualdade social penetrou na ópera russa desde seus primeiros dias. Apenas 5 óperas chegaram ao nosso tempo:

"Anyuta" - libreto de Popov, compositor desconhecido, partitura não preservada.

"Rosana e Lyubim" - - libreto de Nikolaev, compositor Kertselli.

"Melnik - um feiticeiro, um enganador e um casamenteiro" - libreto de Ablesimov, música de Sokolovsky - o primeiro exemplo típico de ópera cômica folclórica russa.

"Infortúnio da Carruagem ou São Petersburgo Gostiny Dvor" - libreto de Matinsky, música de Pashkevich.

Música "Coachmen on a set-up" de Fomin.XIXséculo.

Essas primeiras óperas eram uma série de diálogos falados e números de músicas, mas a música ainda não desempenhava um papel importante nelas.

Devido a circunstâncias históricas especiais, a cultura artística da Rússia na era do Iluminismo não apresentou compositores de importância global, mas deu uma série de talentos brilhantes e interessantes que prepararam o florescimento e o reconhecimento mundial da música russa emXIséculo X.

Professora leva os alunos a resolver o problema da aula e a responder às questões colocadas no início da aula.

No século 18, a maioria dos estados europeus foram abraçados pelo movimento iluminista. Graças às reformas de Pedro EU A Rússia aderiu ativamente a este processo, juntando-se às conquistas da civilização europeia. Sua virada para a Europa, que deu origem ao fenômeno da "europeidade russa", ocorreu de maneira tipicamente russa - de forma abrupta e decisiva. A interação com as escolas de arte mais estabelecidas da Europa Ocidental permitiu que a arte russa seguisse o caminho do "desenvolvimento acelerado", tendo dominado as teorias estéticas europeias, gêneros e formas seculares em um tempo historicamente curto.

A principal conquista do Iluminismo russo é o florescimento da criatividade pessoal, que substitui o trabalho sem nome dos artistas da Rússia Antiga. A fórmula de Lomonosov está sendo implementada: "a terra russa dará à luz seus próprios Platões e Newtons perspicazes".

Está chegando a hora da formação ativa de uma cosmovisão secular. A arte do templo continua seu desenvolvimento, mas gradualmente desaparece em segundo plano na vida cultural da Rússia. A tradição secular é fortalecida de todas as maneiras possíveis.

Na música do XVIII século, como na literatura e na pintura, um novo estilo está se estabelecendo, próximo ao europeu classicismo.

Novas formas de vida da alta sociedade - caminhadas em parques, cavalgadas ao longo do Neva, iluminações, bailes e "mascaradas", assembleias e recepções diplomáticas - contribuíram para o desenvolvimento generalizado música instrumental. Por ordem de Petrava, bandas de metais militares apareceram em cada regimento. Celebrações oficiais, bailes e festividades foram servidos por duas orquestras da corte e um coro da corte. O exemplo da corte foi seguido pela nobreza de São Petersburgo e Moscou, que iniciou orquestras domésticas. Orquestras de fortalezas e teatros musicais também foram criados em propriedades nobres. O fazer musical amador está se espalhando, o ensino de música se torna uma parte obrigatória da educação nobre. No final do século, uma vida musical diversificada caracterizou a vida não apenas de Moscou e São Petersburgo, mas também de outras cidades russas.

Entre as inovações musicais desconhecidas da Europa estava orquestra de trompas , criado pelo músico de câmara imperial russo I A. Maresh em nome de S. K. Naryshkin. Maresh criou um conjunto bem coordenado composto por 36 trompas (3 oitavas). Nela participavam músicos servos, que desempenhavam o papel de "chaves" ao vivo, pois cada trompa só podia emitir um som. O repertório incluía música clássica europeia, incluindo composições complexas de Haydn e Mozart.

Nos anos 30 do XVIII século na Rússia, foi criada a ópera da corte italiana, cujas apresentações eram dadas em feriados para o público "escolhido". Nesta época, São Petersburgo atraiu muitos grandes músicos europeus, principalmente italianos, incluindo os compositores F. Araya, B. Galuppi, J. Paisiello, J. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araya em 1755 escreveu música para a primeira ópera com texto russo. Era um libreto de A.P. Sumarokov em um enredo das Metamorfoses de Ovídio. Ópera criada no gênero italiano Series , foi chamado Céfalo e Prócris.

Na era petrina, gêneros musicais nacionais como o concerto partes e o canto continuaram a se desenvolver.

Os Kants da época de Pedro, o Grande, eram frequentemente chamados de "Vivats" porque estão repletos de glorificações de vitórias e transformações militares ("Alegra-te, terra de Rossko"). A música dos cantos de "boas-vindas" é caracterizada por voltas de fanfarra, ritmos solenes da polonaise. Seu desempenho era frequentemente acompanhado pelo som de trombetas e sinos.

A era petrina foi o ápice do desenvolvimento do canto coral das partes. O brilhante mestre do concerto partes V.P. Titov tomou o lugar do primeiro músico na corte do czar Pedro. Foi ele quem foi instruído a escrever um concerto solene por ocasião da vitória de Poltava pelas tropas russas em 1709 ("Rtsy us now" - o nome "Triunfo de Poltava" foi estabelecido por trás da composição).

Em meados do século XVIII No século XX, o desejo de efeitos corais em concertos partidos atingiu formas hipertrofiadas: surgiram composições, cujas partituras somavam até 48 vozes. Na segunda metade do século, um novo fenômeno artístico, um concerto espiritual, substituiu o concerto solene de casal.Assim, durante todo o século XVIII, o canto coral russo percorreu um longo caminho de evolução - desde o monumental estilo partes, evocando associações com o estilo arquitetônico barroco, até os altos exemplos de classicismo na obra de M. S. Berezovsky e D. S. Bortnyansky, que criaram o tipo clássico de concerto espiritual russo.

concerto coral espiritual russo

No XVIII século, o conteúdo de gênero de obras corais expandiu-se significativamente. Houve adaptações corais de canções folclóricas, música de ópera coral, música de dança com coro (o exemplo mais famoso é a polonaise de Kozlovsky "O trovão da vitória ressoa" com as palavras de Derzhavin, que no final XVIII tornou-se o hino nacional do Império Russo).

O principal gênero coral é o concerto espiritual russo, que serviu como uma espécie de símbolo da antiga tradição nacional. O concerto espiritual atingiu seu auge na era Catarina (1762- 1796). Era uma época favorável para a cultura russa. Uma tentativa de reviver o espírito das reformas de Pedro foi amplamente bem-sucedida. Política, economia, ciência e cultura receberam novamente um impulso para o desenvolvimento. A prática de ensinar os mais talentosos representantes da ciência e da arte no exterior foi retomada. Contatos culturais estreitos entre a Rússia e a Europa esclarecida não puderam deixar de influenciar o surgimento das primeiras experiências de criatividade do compositor profissional.

Nesse período, foram criadas mais de 500 obras do gênero concerto. Quase todos os compositores russos da segunda metade conhecidos por nós se voltaram para ele. Século XVIII.

Nascido nas profundezas da polifonia partidária, o concerto espiritual ao longo de seu desenvolvimento integrou dois princípios - a tradição do canto da igreja e o novo pensamento musical secular. O concerto ganhou popularidade tanto como parte culminante do serviço da igreja quanto como adorno das cerimônias da corte. Ele era o foco de temas e imagens que tocavam em profundos problemas morais e filosóficos.

Se “partes concerto pode ser comparado até certo ponto com concerto grosso , então a estrutura do concerto coral clássico tem características comuns com o ciclo sonata-sinfonia. Geralmente consistia de três ou quatro partes diferentes com métodos de apresentação contrastantes, na parte final, via de regra, prevaleciam os métodos de desenvolvimento polifônico.

Compositores estrangeiros de destaque que viveram em São Petersburgo (D. Sarti, B. Galuppi) deram uma grande contribuição para a formação do concerto coral clássico russo. As realizações do auge da música coral russa do Iluminismo estão associadas aos nomes de M.S. Berezovsky e D.S. Bortnyansky.

Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777)

M. S. Berezovsky é um excelente mestre da música coral russa do século XVIII, um dos primeiros representantes da escola nacional de compositores. As obras sobreviventes do compositor são pequenas em volume, mas muito significativas em sua essência histórica e artística. Na cultura musical dos anos 60-70 do século XVIII, abre uma nova etapa - a era do classicismo russo.

O nome de Berezovsky é chamado entre os fundadores do concerto coral clássico a cap p ella : suas obras, juntamente com a obra do compositor italiano Galuppi, representam a primeira etapa no desenvolvimento deste gênero.

O auge de M.S. Berezovsky tornou-se um concerto "Não me rejeite na minha velhice" . isto uma obra-prima universalmente reconhecida da música russa do século 18, em pé de igualdade com as mais altas realizações da arte contemporânea europeia. Pequeno em escala, o concerto é percebido como uma obra monumental épica. Sua música, revelando o mundo espiritual diversificado de uma pessoa, atinge a profundidade das emoções e a autenticidade da vida.

Tanto no texto quanto na música do concerto, a entonação pessoal é distintamente ouvida. Este é um discurso em primeira pessoa. Um pedido-súplica, invocando o Todo-Poderoso ( EU parte), é substituído por uma imagem de perseguição de uma pessoa por inimigos malévolos ( II parte - "Casar e imitá-lo") . Em seguida, segue um novo tema - uma oração de esperança ("Meu Deus, você falhou" - III parte), e finalmente, o finale, cheio de pathos protestante, dirigido contra o mal e a injustiça (“Que aqueles que caluniam minha alma sejam envergonhados e pereçam.”) O próprio fato de que todos os temas do concerto têm certas características emocionais específicas fala da novidade fundamental do estilo, que supera a neutralidade abstrata da temática do canto partes.

As quatro partes da obra estão conectadas não apenas por um único conceito dramático e lógica tonal, mas também por fios de entonação: o tema melodioso que soa nos primeiros compassos do concerto torna-se a base entoacional de todas as outras imagens. É especialmente significativo que o grão entoacional inicial se transforme num tema dinâmico e assertivo da fuga final “Que se envergonhem e desapareçam...”, que é o ápice no desenvolvimento de todo o ciclo.

Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)

D.S. Bortnyansky desenvolveu o principal tipo de concerto coral clássico russo, combinando elementos de instrumentalismo musical secular e música sacra vocal na música. Como regra, seus concertos têm três partes, alternadas de acordo com o princípio rápido - lento - rápido. Muitas vezes, a primeira parte, a mais significativa do ciclo, contém sinais de sonata, expressos na comparação de dois temas contrastantes, dispostos em uma relação tônico-dominante. O retorno à tonalidade principal ocorre ao final do movimento, mas sem repetições temáticas.

Bortnyansky possui 35 concertos para um coro misto de 4 vozes, 10 concertos para 2 coros, vários outros hinos da igreja, bem como coros seculares, incluindo a canção coral patriótica "A Singer in the Camp of Russian Warriors" na letra. V. A. Zhukovsky (1812).

Uma das obras profundas e maduras do mestre - Concerto nº 32 marcado por P.I. Tchaikovsky como "o melhor de todos os trinta e cinco". Seu texto é retirado do salmo 38 da Bíblia, onde há tais linhas: “Dize-me, Senhor, o meu fim e o número dos meus dias, para que eu saiba qual é a minha idade... Ouve, Senhor, a minha oração , e atende ao meu clamor; não se cale às minhas lágrimas ... ". Há três movimentos no concerto, mas não há contraste entre eles. A música se distingue pela unidade do humor tristemente elegíaco e pela integridade da temática. A primeira parte abre com um tema a três vozes e que lembra o Salmo XVII século. A segunda parte é um pequeno episódio de um estrito armazém coral. O final detalhado, escrito em forma de fuga, excede o tamanho das duas primeiras partes. A música do final é dominada por uma sonoridade calma e suave, transmitindo a oração moribunda de uma pessoa que está morrendo.

Coleções de músicas russas

Para toda a cultura russa avançada XVIII século é caracterizado por um profundo interesse pelo modo de vida, costumes e costumes do povo. Começa a coleta sistemática e o estudo do folclore. O famoso escritor Mikhail Dmitrievich Chulkov compila a primeira coleção de textos de canções folclóricas na Rússia.

Pela primeira vez, são feitas notações musicais de canções folclóricas, aparecem coleções impressas com seus arranjos: Vasily Fedorovich Trutovsky ("Coleção de canções simples russas com notas"), Nikolai Alexandrovich Lvov e Ivan Prach (“Coleção de canções folclóricas russas com suas vozes”).

A coleção Lvov-Prach inclui 100 canções, muitas das quais são exemplos clássicos do folclore russo: “Oh, você, dossel, meu dossel”, “Havia uma bétula no campo”, “Seja no jardim, no jardim” . No prefácio da coleção (“Sobre o canto folclórico russo”), N. Lvov pela primeira vez na Rússia destacou a originalidade única da polifonia coral folclórica russa.

As músicas dessas coleções foram usadas tanto por amantes da música quanto por compositores que as emprestaram para suas obras - óperas, variações instrumentais, aberturas sinfônicas.

Em meados do século XVIII século, há uma coleção única de épicos russos e canções históricas chamado "Coleção de Kirsha Danilov" . Não há informações confiáveis sobre seu compilador. Supõe-se que Kirsha Danilov (Kirill Danilovich) era um cantor-improvisador, um bufão que vivia nos Urais mineiros. Ele gravou as melodias das músicas em uma linha sem texto, que é colocada separadamente.

Escola Nacional de Compositores da Rússia

Formação na segunda metade do séc. XVIII século do primeiro secular na Rússia escola de compositores. Seu nascimento foi o culminar do Iluminismo russo . O berço da escola foi São Petersburgo, onde floresceu o talento de seus representantes mais brilhantes. Entre eles estão os fundadores da ópera russa V.A. Pashkevich e E.I. Fomin, mestre da música instrumental I.E. Khandoshkin, excelentes criadores do concerto espiritual clássico M.S. Berezovsky e D.S. Bortnyansky, os criadores da câmara "canção russa" O.A. Kozlovsky e F. M. Dubiansky e outros.

A maioria dos compositores russos veio do meio popular. Eles absorveram o som animado do folclore russo desde a infância. Natural e lógica, portanto, foi a inclusão de canções folclóricas na música de ópera russa (óperas de V. A. Pashkevich e E. I. Fomin), em composições instrumentais (criatividade de I. E. Khandoshkin).

De acordo com a tradição dos séculos anteriores, os gêneros vocais, tanto seculares quanto templos, desenvolveram-se mais amplamente no Iluminismo. Entre eles estão o concerto coral espiritual, a ópera cômica e a canção de câmara. Assim como no folclore, nesses gêneros a atitude para com a palavra como base prioritária da música é preservada. O libretista é considerado o autor da ópera, e o poeta é considerado o autor da canção; o nome do compositor muitas vezes permaneceu nas sombras e, com o tempo, foi esquecido.

ópera cômica russa

Nascimento da Escola Nacional de Compositores XVIII séculos esteve intimamente ligado ao desenvolvimento da ópera russa. Começou com uma comédia musical, que contou com as obras de comédia de escritores e poetas russos: Y. Knyazhnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinsky.

A ópera cômica era cotidiana em seu conteúdo, com um enredo descomplicado, mas fascinante, da vida cotidiana russa. Seus heróis eram camponeses perspicazes, servos, pessoas ricas mesquinhas e gananciosas, garotas ingênuas e bonitas, nobres maus e gentis.

A dramaturgia baseava-se na alternância de diálogos conversacionais com números musicais baseados em russos músicas folk. Os poetas indicavam no libreto para qual “voz” (canção popular) uma ou outra ária deveria ser cantada. Um exemplo é a ópera russa mais amada XVIII século "Melnik é um feiticeiro, um enganador e um casamenteiro" (1779) A. Ablesimov com música de M. Sokolovsky. O dramaturgo A. O. Ablesimov imediatamente escreveu seus textos com base em um determinado material de música. A contribuição de M. Sokolovsky consistiu no processamento de canções, o que poderia muito bem ter sido feito por outro músico (não é por acaso que a autoria da música foi atribuída a E. Fomin por muito tempo).

O florescimento da ópera cômica foi facilitado pelo talento de destacados atores russos - E.S. Yakovleva (no casamento de Sandunova, no palco - Uranova), atriz serva P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrevsky.

Um papel de destaque no desenvolvimento da ópera russa XVIII século jogado Vasily Alekseevich Pashkevich(c. 1742-1797) um dos maiores compositores russos XVIII século. As melhores de suas óperas (Infortúnio da carruagem, Miserly, St. Petersburg Gostiny Dvor) eram muito populares; XIX século. Pashkevich era um mestre da escrita em conjunto, caracterizações cômicas afiadas e bem direcionadas. Reproduzindo com sucesso as entonações da fala em partes vocais, ele antecipou os princípios que mais tarde caracterizam o método criativo de Dargomyzhsky e Mussorgsky.

Um artista multi-talentoso provou-se na ópera Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). Sua ópera "Cocheiros na base" .(1787) distingue-se pelo domínio do processamento coral de melodias folclóricas de vários gêneros. Para cada música, ele encontrou seu próprio estilo de processamento. A ópera apresenta as canções persistentes “O rouxinol não canta em casa do pai” e “O falcão voa alto”, as animadas canções de dança “A bétula se enfureceu no campo”, “Jovem jovem, jovem jovem”, “De debaixo do carvalho, de sob o olmo”. Várias músicas selecionadas para o "Coachmen", três anos depois, quase inalteradas, entraram na "Coleção de Canções Folclóricas Russas" de N.L. Lvova - I. Pracha.

Em sua outra obra, o melodrama Orfeu (baseado em um texto de Y. Knyaznin baseado em um mito antigo, 1792), Fomin incorporou pela primeira vez um tema trágico em uma ópera russa. A música do melodrama tornou-se uma das criações mais importantes da arte russa do Iluminismo.

Na abertura, que antecedeu o melodrama, o talento de Fomin como sinfonista foi totalmente revelado. Nele, o compositor, com um incrível senso de estilo, conseguiu transmitir o pathos trágico de um mito antigo. De fato, Fomin deu o primeiro passo para a criação do sinfonismo russo. Assim, nas entranhas do teatro, como na Europa Ocidental, nasceu a futura sinfonia russa.

As óperas de Fomin foram apreciadas apenas no meio XX século. Durante a vida do compositor, seu destino no palco não foi feliz. A ópera "Coachmen on a Frame", escrita para home theater, permaneceu desconhecida do grande público. A encenação da ópera cômica The Americans (com libreto do jovem I.A. Krylov) foi proibida (o diretor dos teatros imperiais não gostou que, durante o desenvolvimento da trama, os índios queimassem dois europeus).

Letras vocais domésticas

O nascimento de uma nova camada de folclore foi de grande importância reformadora na arte popular - canção urbana.Surgiu a partir de uma canção popular camponesa, que se "adaptava" à vida urbana - uma nova forma de execução: sua melodia era acompanhada de acordes de algum instrumento.

Em meados do século XVIII século na Rússia, um novo tipo de música vocal está surgindo - "canção russa" . As chamadas obras para voz com acompanhamento instrumental, escritas em textos poéticos russos. Com conteúdo lírico, as "canções russas" foram as precursoras do romance russo.

O ancestral da "canção russa" era um dignitário proeminente na corte de Catarina II , um amante da música educado Grigory Nikolaevich Teplov , autor do primeiro cancioneiro impresso russo “Entretanto, ociosidade...” (1759) Em termos de estilo e forma de apresentação, as canções de Teplov representam um gênero de transição do canto ao romance com acompanhamento. A forma de suas canções é geralmente dístico.

O gênero da "canção russa" estava intimamente ligado à tradição folclórica. Não é de surpreender, portanto, que muitas canções de autores tenham se tornado folclóricas ("Aqui a troika postal corre" de Ivan Rupin com a letra de F. N. Glinka).

No final do XVIII séculos, mestres talentosos do gênero vocal de câmara estão sendo promovidos - Fedor Dubyansky e Osip Kozlovsky . As “canções russas” criadas por eles, que já possuem uma parte de piano bastante desenvolvida e uma forma mais complexa, podem ser consideradas os primeiros romances russos. Ecos da vida urbana são claramente audíveis neles (“The Dove Dove Moans” de Dubyansky, “Sweet Evening Sat”, “A Cruel Fate” de Kozlovsky).

As "canções russas" poemas amplamente utilizados por poetas famosos: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Com seu conteúdo figurativo, estão associados aos humores típicos da arte. sentimentalismo. Via de regra, são letras de amor: os tormentos e as delícias do amor, a separação, a traição e o ciúme, "uma paixão cruel".

As "canções russas" anônimas publicadas por F. Meyer ("Coleção das melhores canções russas", 1781) também foram muito populares.

Música instrumental de câmara

Nos anos 70-80 do século XVIII século, a formação do instrumentalismo de câmara profissional começou na Rússia. Nessa época, os músicos russos dominavam as formas complexas da música instrumental, desenvolvendo os gêneros de sonata solo, variações e conjunto de câmara. Esse processo estava intimamente ligado à disseminação onipresente da produção musical caseira. Por muito tempo, a música da vida urbana ou da propriedade permaneceu o “meio nutritivo” no qual amadureceram os primeiros brotos do estilo instrumental nacional.

Os primeiros conjuntos instrumentais russos pertencem a Dmitry Bortnyansky. Trata-se de um quinteto de piano e da Sinfonia de Câmara, que na verdade é um septeto para piano, harpa, dois violinos, viola da gamba, fagote e violoncelo.

Especialmente favoritos eram todos os tipos de peças de dança - minuetos, polonesas, ecosses, danças campestres - e variações sobre os temas de canções folclóricas para vários instrumentos. Muitas dessas variações para o violino criadas Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804), um representante da escola de São Petersburgo - compositor, violinista, maestro e professor virtuoso excepcional, Khandoshkin era famoso pela arte da improvisação, ele também era bom em tocar viola, violão e balalaica.

Na história da música russa, o nome de Khandoshkin está associado à criação da escola nacional de violino. A maior parte de sua herança criativa é composta por variações sobre temas de canções folclóricas russas e sonatas para violino, dois violinos, violino e viola ou violino com baixo. Com essas composições, a música instrumental de câmara russa saiu pela primeira vez do círculo fechado de fazer música em casa, adquirindo um alcance virtuoso. Também é importante que eles alcancem uma unidade bastante orgânica da língua instrumental europeia e do folclore russo. Pesquisadores acreditam que as melodias de algumas das canções tomadas pelo compositor como temas para variações foram gravadas primeiramente por ele.

Variações de temas russos para piano foram escritas por Trutovsky (por exemplo, sobre o tema da música folclórica “Na floresta havia muitos mosquitos), Karaulov, bem como músicos estrangeiros que trabalhavam na Rússia.

O papel dos músicos estrangeiros no desenvolvimento da música russa foi duplo. As justas censuras do público progressista foram causadas pela admiração cega dos círculos aristocráticos por tudo o que é estrangeiro, associada à subestimação da arte russa. Ao mesmo tempo, as atividades de compositores, intérpretes e professores estrangeiros contribuíram para a ascensão geral da cultura musical e a formação de músicos profissionais nacionais.

O destino de sua herança criativa é dramático: a maioria das obras do compositor, que soaram ao longo do século XIX, permaneceram manuscritas e foram mantidas na Capela de Canto da Corte. Nas primeiras décadas XX século, todo o arquivo mais rico da capela com autógrafos únicos de muitos compositores russos foi queimado.

Sucesso e reconhecimento, o patrocínio das pessoas mais altas chegou a Berezovsky cedo. Já em tenra idade, tendo se tornado famoso na Rússia, ele logo se tornou o primeiro compositor russo a ser aceito como membro da famosa Academia de Bolonha. No entanto, apesar de todas as altas distinções, tendo retornado à sua terra natal após uma estadia de 9 anos no exterior, Maxim Berezovsky não conseguiu alcançar nenhuma posição notável. Sua inscrição na Capela da Corte na modesta posição de um empregado comum claramente não correspondia nem à experiência estrangeira adquirida nem às possibilidades criativas. Obviamente, isso causou ao compositor um sentimento de amarga decepção, embora suas composições espirituais corais fossem aprendidas por todos os amantes do canto da igreja e muito apreciadas por seus contemporâneos. capela, militares e servos orquestras, teatros privados ou foram educados em casa. No ambiente cultural XVIII No século XX, a música ocupava a posição mais baixa, era inteiramente dependente do clientelismo, e o próprio músico na sociedade aristocrática ocupava a posição de semi-servo. As criações de autores russos eram frequentemente consideradas música de "segunda classe" em comparação com as obras de alemães ou italianos. Nem um único mestre doméstico alcançou uma alta posição na corte.

O esperto e astuto moleiro Thaddeus, fingindo ser um feiticeiro todo-poderoso, confundiu completamente a cabeça de seus ingênuos vizinhos. No entanto, tudo termina com um feliz casamento da menina Anyuta e do belo rapaz da aldeia Filimon.

Na estação postal - uma armação - os cocheiros se reúnem. Entre eles está o jovem cocheiro Timofey, que teve sucesso tanto no rosto, no intelecto e na destreza. Com ele está uma jovem e bela esposa, Fadeevna, que ama o marido. Mas Timothy tem um inimigo invejoso e pior - o ladrão e desonesto Filka Prolaza. Este Filka sonha em vender o sortudo Timothy como recruta e tomar posse de sua esposa, que há muito o atrai. E Timothy teria sido um soldado, se não fosse um oficial de passagem. Ele ajuda a libertar Timothy como o único ganha-pão de uma família camponesa do serviço. O próprio Filka entra nos soldados.

O melodrama é uma peça teatral com música que se alterna com a recitação e, às vezes, é executada simultaneamente com a pronúncia do texto.

Agência Federal de Educação

Universidade Estadual de Perm

Departamento de História Moderna e Contemporânea

Resumo sobre o tema

Música do Iluminismo França

Completo por: Aluno do 3º ano

1 grupo IPF

Marina de Efimova

Introdução

Iluminismo - um movimento intelectual e espiritual do final do século XVII - início do século XIX. na Europa e na América do Norte. Foi uma continuação natural do humanismo da Renascença e do racionalismo do início da Nova Era, que lançou as bases da visão de mundo iluminista: a rejeição da visão de mundo religiosa e o apelo à razão como o único critério para o conhecimento do mundo. homem e sociedade.

A França tornou-se o centro do movimento iluminista no século XVIII. Na primeira fase do Iluminismo francês, as principais figuras foram Montesquieu (1689 - 1755) e Voltaire (1694 - 1778). Nas obras de Montesquieu, a doutrina do Estado de Direito de Locke foi desenvolvida. Voltaire tinha visões políticas diferentes. Ele foi o ideólogo do absolutismo esclarecido e procurou incutir as idéias do Iluminismo nos monarcas da Europa. Ele foi distinguido pela atividade anticlerical claramente expressa, fanatismo religioso oposto e hipocrisia, dogmatismo da igreja e a primazia da igreja sobre o estado e a sociedade. Diderot (1713 - 1784) e os enciclopedistas desempenharam o papel principal na segunda etapa do Iluminismo francês. Enciclopédia, ou Dicionário Explicativo de Ciências, Artes e Ofícios, 1751-1780 foi a primeira enciclopédia científica, que delineou os conceitos básicos no campo das ciências físicas e matemáticas, ciências naturais, economia, política, engenharia e arte. Na maioria dos casos, os artigos eram completos e refletiam o estado mais recente do conhecimento.

O terceiro período apresentou a figura de J.-J. Rousseau (1712-1778). Ele se tornou o divulgador mais proeminente das idéias do Iluminismo. Rousseau propôs seu próprio caminho da estrutura política da sociedade. As ideias de Rousseau encontraram seu maior desenvolvimento na teoria e na prática dos ideólogos da Grande Revolução Francesa.

O Iluminismo influenciou fortemente a arte e a cultura de toda a Europa e, em particular, a música da França como centro do Iluminismo.

O objetivo deste resumo é uma visão geral da música da França na época.

Os séculos XVII e início do XVIII são um dos períodos significativos e brilhantes da história da música francesa. Todo um período no desenvolvimento da arte musical associado ao "antigo regime" estava desaparecendo no passado; a era do último Luís, a era do classicismo e do rococó estava no fim. A Era do Iluminismo começou. Estilos, por um lado, demarcados; por outro lado, estavam em camadas, fundidas entre si, formando estranhos híbridos difíceis de analisar. A aparência entoacional e a estrutura figurativa da música francesa eram mutáveis e diversas. Mas a tendência dominante, que corria na direção da revolução iminente, surgiu com clareza inexorável.

No final do século XVII - início do século XVIII. corte e tornou-se o principal cliente para escrever performances de música (aparece um monopólio) e, como resultado, a principal função da música francesa do Iluminismo era atender às necessidades da corte francesa - danças e várias apresentações.

A ópera francesa foi, em certo sentido, a criação do classicismo. Seu nascimento foi um evento importante na história da cultura nacional do país, que até a segunda metade do século XVII quase não conhecia nenhuma outra arte operística, exceto italiana importada. No entanto, o solo da cultura artística francesa não era de todo estranho e estéril para ela. A ópera baseou-se em pré-requisitos histórico-gêneros nacionais e assimilou de forma bastante orgânica suas aquisições 2 .

Jean Baptiste Lully (1632 - 1687), compositor, violinista, dançarino, maestro e professor de origem italiana, pode ser considerado o pai da ópera francesa; conselheiro e secretário do rei, da casa real e da Coroa da França; superintendente de música de Sua Majestade.

Em 3 de março de 1671, ocorreu em Paris a estreia da primeira ópera francesa Pomona, escrita por Pierre Perrin e Robert Cambert. Não foi nem uma ópera, mas sim uma pastoral, mas foi um sucesso fantástico com o público, resistindo na Academia de Ópera, para a qual Perrin teve um privilégio real de 15 anos, 146 apresentações. Apesar disso, Perrin faliu e foi preso. Lully, perto do rei, sentiu muito sutilmente o humor do público e, mais importante, do rei. Ele abandona Molière, em 1672 ele resgata o privilégio de Perrin e, tendo recebido uma série de patentes especiais do rei, recebe o controle total sobre o palco da ópera francesa.

A primeira "tragédia musicada" foi a tragédia "Cadmus e Hermione", escrita com os versos de Philip Kino. A trama foi escolhida pelo rei. A estreia da ópera ocorreu em 27 de abril de 1673] no Palais Royal, após a morte de Molière, foi entregue a Lully. A característica principal de suas óperas era a expressividade especial das melodias: ao compô-las, Lully vai assistir ao jogo dos grandes atores trágicos. Ele anota sua recitação dramática em notas e depois a reproduz em suas composições. Ele seleciona seus próprios músicos e atores, ele os educa. Ele mesmo ensaia suas óperas e as rege com um violino nas mãos. No total, ele compôs e encenou 13 "tragédias na música" no teatro: Cadmo e Hermione (1673), Alceste (1674), Teseu (1675), Átis (1676), Ísis (1677), Psique (1678, versão operística) da comédia-ballet 1671), Bellerophon (1679), Proserpina (1680), Perseu (1682), Phaeton (1683), Amadis (1684) ), "Roland" (1685) e "Armida" (1687). A ópera Aquiles e Polixena (1687) foi completada por Pascal Colas 3 após a morte de Lully.

Primeiro terço do século XVIII foi muito difícil para a arte operística. Eles podem ser chamados de tempos de atemporalidade, confusão estética, uma espécie de descentralização da ópera - tanto em termos de gestão da casa de ópera, quanto artisticamente. Grandes indivíduos criativos praticamente não aparecem 4 . Entre os muitos compositores que se apresentaram na casa de ópera, André Campra (1660 - 1744) é o mais significativo. Depois de Lully, ele foi o único compositor que poderia substituí-lo, pelo menos até certo ponto. Apenas a aparição de Rameau empurrou um pouco as obras de Campra para segundo plano. Pasticcio Campra teve grande sucesso (ou seja, óperas compostas por trechos de óperas de vários compositores que tiveram o maior sucesso) - "Fragments de Lulli", "Telemaque ou les fragments des modernes". Das obras originais de Campra, destaca-se "La sérénade vénétienne ou le jaloux trompé". Campra escreveu 28 obras para o palco; Ele também compôs cantatas e motetos. 5

Na época de Luís XV, forças completamente diferentes e até mesmo contraditórias atuaram na ópera francesa: a inércia do heróico criada pelo classicismo do século XVII; influências do rococó requintadamente elegante, fino e, muitas vezes, idílico; o novo classicismo cívico e polêmico-didático do dramaturgo Voltaire e sua escola; finalmente, as idéias estéticas dos enciclopedistas (D'Alembert, Diderot e outros). O chamado “estilo de Versalhes” se estabeleceu no teatro da capital, mantendo a trama e o esquema do classicismo, mas dissolvendo-os em um divertimento brilhante e distinguindo-se por um luxo de encenação particularmente refinado: cenário, adereços, figurinos e decoração arquitetônica do auditório. Um fator importante na formação do "estilo Versalhes" com sua inerente hegemonia do balé foi a formação e aperfeiçoamento na primeira metade do século XVIII de uma nova escola francesa de arte coreográfica - uma escola que se tornou uma escola cultural e força artística e teve um impacto intenso na casa de ópera 6 .

Outro compositor francês que influenciou marcadamente a música do Iluminismo na França é Jean Philippe Rameau. O tipo de ópera de Rameau é francês, não italiano: o desenvolvimento musical não é interrompido, a transição dos números vocais acabados para os recitativos é suavizada. Nas óperas de Rameau, o virtuosismo vocal não é o centro das atenções; eles têm muitos interlúdios orquestrais e, em geral, muita atenção é dada à parte orquestral o tempo todo; coros e cenas estendidas de balé também são essenciais. Comparado com o modelo operístico clássico posterior, Rameau tem menos vocais e aproximadamente a mesma quantidade de orquestra e coro. A melodia de Rameau sempre segue o texto, transmitindo seu significado com mais precisão do que a ária italiana; embora fosse um excelente melodista, a linha vocal em suas óperas é, em princípio, mais próxima do recitativo do que da cantilena. O principal meio expressivo não é a melodia, mas o uso rico e expressivo da harmonia - esta é a originalidade do estilo operístico de Rameau. O compositor utilizou em suas partituras as capacidades da orquestra contemporânea da Ópera de Paris: cordas, sopros, trompas e percussão, e deu atenção especial aos sopros, cujos timbres criam um sabor orquestral original nas óperas de Rameau. A escrita coral varia de acordo com as situações de palco, os coros são sempre dramáticos e muitas vezes dançantes. Para suas intermináveis danças e cenas de balé, uma combinação de beleza plástica com expressividade emocional é típica; são os fragmentos coreográficos das óperas de Rameau que cativam imediatamente o ouvinte. O mundo figurativo deste compositor é muito rico, e qualquer um dos estados emocionais dados no libreto se reflete na música. Assim, o langor apaixonado é capturado, por exemplo, nas peças de cravo Timide (La timide) e a Conversação das Musas (L "Entretien des Muses), bem como em muitas cenas pastorais de suas óperas e balés de ópera 7.

A maioria das obras do compositor são escritas em formas antigas, agora inexistentes, mas isso não afeta a alta valorização de seu legado. Rameau pode ser colocado ao lado de G. Purcell, e quanto a seus contemporâneos, ele perde apenas para Bach e Handel. oito

A herança de Rameau consiste em várias dezenas de livros e vários artigos sobre música e teoria acústica; quatro volumes de peças de cravo (um deles - Peças de Concerto - para cravo e flauta com viola da gamba); vários motetos e cantatas solo; 29 composições de palco - óperas, balés de ópera e pastorais.

Rameau explicou o uso de acordes contemporâneos a ele com a ajuda de um sistema harmonioso que emana da natureza física do som, e nesse aspecto foi além do conhecido acústico J. Sauveur. É verdade que a teoria de Rameau, iluminando a essência da consonância, deixa inexplicável a dissonância que não se forma a partir dos elementos da série harmônica, bem como a possibilidade de reduzir todos os sons temperados em uma oitava.

Hoje, não a pesquisa teórica de Rameau, mas sua música é de maior importância. O compositor trabalhou ao mesmo tempo com J. S. Bach, G. F. Handel, D. Scarlatti e sobreviveu a todos eles, mas a obra de Rameau difere da música de seus grandes contemporâneos. Hoje, suas peças de cravo são as mais famosas, mas o principal campo de atividade do compositor era a ópera. Ele teve a oportunidade de trabalhar em gêneros de palco já aos 50 anos e em 12 anos criou suas principais obras-primas - as tragédias líricas Hipólito e Arisia (1733), Castor e Pollux (1737) e Dardanus (duas edições - 1739 e 1744) ; ópera-balés "Índia galante" (1735) e "Festas de Hebe" (1739); comédia lírica "Plathea" (1745). Rameau compôs óperas até os 80 anos, e em cada uma delas há fragmentos que confirmam sua fama de grande dramaturgo musical 9 .

As ideias dos enciclopedistas também desempenharam um papel significativo na preparação da reforma de K. V. Gluck, que levou à criação de um novo estilo operístico que incorporava os ideais estéticos do terceiro estado às vésperas da Revolução Francesa. A encenação das óperas de Gluck Ifigênia em Áulis (1774), Armida (1777) e Ifigênia em Tauris (1779) em Paris intensificou a luta de direções. Os adeptos da antiga ópera francesa, bem como os partidários da ópera italiana, que se opunham a Gluck, se opunham a ele com a obra tradicional de N. Piccinni. A luta entre os "glukistas" e os "picchinnistas" (Gluck saiu vitorioso) refletiu as profundas mudanças ideológicas que ocorreram na França na segunda metade do século XVIII.

Nas óperas de Lully e Rameau, desenvolveu-se um tipo especial de abertura, mais tarde chamado de francês. Esta é uma peça orquestral grande e colorida, composta por três partes. As partes extremas são lentas, solenes, com abundância de passagens curtas e outros embelezamentos requintados do tema principal. Para o meio da peça, via de regra, foi escolhido um ritmo rápido (era óbvio que os autores dominavam brilhantemente todas as técnicas de polifonia). Tal abertura não era mais um número passageiro, sob o qual os retardatários se sentavam ruidosamente, mas um trabalho sério que colocava o ouvinte em ação e revelava as ricas possibilidades do som da orquestra. Das óperas, a abertura francesa logo passou para a música de câmara e mais tarde foi frequentemente usada nas obras dos compositores alemães G. F. Handel e J. S. Bach. No campo da música instrumental na França, as principais realizações estão associadas ao cravo. A música de teclado é representada por dois gêneros. Uma delas são as peças em miniatura, simples, elegantes, refinadas. Pequenos detalhes são importantes neles, tentativas de retratar uma paisagem ou uma cena com sons. Os cravistas franceses criaram uma melodia especial, repleta de decorações requintadas - melismas (do grego "melos" - "canção", "melodia"), que são uma "renda" de sons curtos que podem até somar uma pequena melodia. Havia muitas variedades de melismas; eles foram designados no texto musical por sinais especiais. Como o som do cravo não se alonga, muitas vezes são necessários melismas para criar uma melodia ou frase de som contínuo. Outro gênero de música de cravo francês é a suíte (da suíte francesa - “linha”, “sequência”). Tal trabalho consistia em várias partes - peças de dança, de caráter contrastante; eles seguiram um ao outro. Quatro danças principais eram obrigatórias para cada suíte: allemande, courante, sarabande e gigue. A suíte pode ser chamada de gênero internacional, pois incluiu danças de diferentes culturas nacionais. Allemande (do francês allemande - "alemão"), por exemplo, de origem alemã, chimes (do francês courante - "correndo") - italiano, o berço da sarabanda (espanhol zarabanda) - Espanha, jig (inglês, jig) - Inglaterra. Cada uma das danças tinha seu próprio caráter, tamanho, ritmo, andamento. Gradualmente, além dessas danças, outros números começaram a ser incluídos na suíte - minueto, gavota, etc. O gênero suíte encontrou uma encarnação madura nas obras de Handel e Bach 10 .

A Revolução Francesa também influenciou muito a música. Durante esses anos, a ópera cômica se difundiu (embora as primeiras óperas cômicas tenham aparecido já no final do século XVII 11) - principalmente performances de um ato baseadas na música folclórica. Esse gênero era muito popular entre as pessoas - os motivos e as palavras dos dísticos eram facilmente lembrados. A ópera cômica também ganhou popularidade no século XIX. Mas ainda assim o gênero mais popular foi, sem dúvida, a música. A nova função social da música, nascida da situação revolucionária, deu origem a gêneros de massa, incluindo marchas e canções (Canção de 14 de julho de Gossek), composições para vários coros e orquestras (Lesueur, Megül). Criou canções patrióticas. Durante os anos da revolução (1789 - 1794) apareceram mais de 1500 novas canções. A música foi parcialmente emprestada de óperas cômicas, canções folclóricas dos séculos XVI e XVII. 4 canções foram especialmente apreciadas: "Saera" (1789), "A canção da marcha" (1794), "Carmagnola" (1792) - o nome provavelmente vem do nome da cidade italiana de Carmagnola, onde os trabalhadores pobres compunham a maioria da população, hino revolucionário "La Marseillaise"; agora o hino nacional; composta e musicada por Rouger de Lisle em Estrasburgo após a declaração de guerra em abril de 1792. Sob a influência da ideologia revolucionária, novos gêneros surgiram - performances de agitação usando grandes massas corais (“The Republican Chosen One, or the Feast of Reason” Gretry, 1794; “O Triunfo da República, ou Acampamento no Grand Pre, Gossek, 1793), bem como a “ópera de resgate”, pintada com o romance da luta revolucionária contra a tirania (“Lodoiska”, 1791, e “Carregador de Água”, 1800, Cherubini; “A Caverna” de Lesueur, 1793) 12. As transformações revolucionárias também afetaram o sistema de educação musical. As escolas da Igreja (metrisas) foram abolidas e, em 1793, em Paris, com base na fusão da escola de música da Guarda Nacional e da Real Escola de Canto e Recitação, foi criado o Instituto Nacional de Música (desde 1795 - o Conservatório de Música e Recitação). Paris tornou-se o mais importante centro de educação musical.

Conclusão

A música francesa do Iluminismo evoluiu de acordo com a própria época. Assim, a ópera cômica francesa de uma comédia de feira com música tornou-se um gênero musical e teatral estabelecido de significado independente, representado por grandes figuras artísticas de várias personalidades, muitas variedades de gênero e um grande número de obras interessantes e influentes.

A música, como antes, desenvolveu-se simultaneamente em várias direções - oficial e folclórica. O absolutismo foi tanto um catalisador quanto um inibidor do desenvolvimento da música oficial - isto é, ópera, balé, em geral, teatral -, por um lado havia uma ordem estatal para escrever e executar música, por outro lado, monopólios estatais , quase impedindo o desenvolvimento de novos compositores e tendências.

A música folclórica, por outro lado, ganhou sua ampla circulação graças à Grande Revolução Francesa em hinos, marchas e canções, cuja autoria da maioria é quase impossível de estabelecer agora, mas que não perderam seu valor cultural por causa da isto.

Lista de literatura usada

K. K. Rosenhild Música na França do século XVII - início do século XVIII, - M.: "Música", 1979
Dicionário Enciclopédico de Brockhaus e Efron (1890-1907).
Grande Enciclopédia Soviética

Recursos da Internet:

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" Arte musical emuhnão dê a mínimaPiluminação"

Alunos do grupo 1ESTO

Syrovatchenko Olga

ÉpocaPiluminação

A arte musical pode ser equiparada ao teatro e à arte literária. Óperas e outras obras musicais foram escritas sobre os temas das obras de grandes escritores e dramaturgos.

Na segunda metade do século XVIII, desenvolveu-se a arte da escola clássica de música vienense, que desempenhou um papel decisivo em toda a cultura musical europeia subsequente.

O desenvolvimento da arte musical está associado principalmente aos nomes de grandes compositores como I.S. Bach, G. F. Handel, J. Haydn, V.A. Mozart, LW Beethoven.

Franz Joseph Haydn

Em 1760 Haydn casou-se com Marie-Anne Keller. Eles não tiveram filhos, o que o compositor lamentou muito.

Músico livre novamente. Em 1790, o príncipe Nikolai Esterhazy (inglês) russo morreu, e seu filho e sucessor, o príncipe Anton (inglês) russo, não sendo um amante da música, dissolveu a orquestra. Em 1791 Haydn recebeu um contrato para trabalhar na Inglaterra. Posteriormente, ele trabalhou extensivamente na Áustria e na Grã-Bretanha. Duas viagens a Londres, onde escreveu suas melhores sinfonias para os concertos de Solomon, fortaleceram ainda mais a fama de Haydn.

De passagem por Bonn em 1792, conheceu o jovem Beethoven e o aceitou como aprendiz.

Então Haydn se estabeleceu em Viena, onde escreveu seus dois famosos oratórios: A Criação do Mundo (1799) e As Estações (1801).

Haydn experimentou todos os tipos de composição musical, mas nem todos os gêneros de seu trabalho se manifestaram com a mesma força.

No campo da música instrumental, é justamente considerado um dos maiores compositores da segunda metade do século XVIII e início do século XIX.

A herança criativa do compositor inclui 104 sinfonias, 83 quartetos, 52 sonatas para piano, oratórios ("Criação do Mundo" e "As Estações"), 14 missas, 24 óperas.

Lista de composições:

Música de câmara:

§ 12 sonatas para violino e piano (incluindo sonata em mi menor, sonata em ré maior)

§ 83 quarteto de cordas para dois violinos, viola e violoncelo

§ 7 duetos para violino e viola

§ 40 trio para piano, violino (ou flauta) e violoncelo

§ 21 trio para 2 violinos e violoncelo

§ 126 trio para barítono, viola (violino) e violoncelo

§ 11 trio para instrumentos mistos de sopro e cordas

35 concertos para um ou mais instrumentos com orquestra, incluindo:

§ quatro concertos para violino e orquestra

§ dois concertos para violoncelo e orquestra

§ dois concertos para trompa e orquestra

§ 11 Concertos para Piano

§ 6 concertos de órgão

§ 5 concertos para liras de duas rodas

§ 4 concertos para barítono e orquestra

§ concerto para contrabaixo e orquestra

§ concerto para flauta e orquestra

§ concerto para trompete e orquestra

§ 13 diversões com cravo

Há 24 óperas no total, incluindo:

§ O Demônio Coxo (Der krumme Teufel), 1751

§ "Verdadeira Permanência"

§ "Orfeu e Eurídice, ou a Alma do Filósofo", 1791

§ "Asmodeus, ou o Novo Lame Imp"

§ "Farmacêutico"

§ "Acis e Galatea", 1762

§ "Ilha Deserta" (L "lsola disabitata)

§ "Armida", 1783

§ As Pescadoras (Le Pescatrici), 1769

§ "Infidelidade enganado" (L "Infedelta delusa)

§ "Encontro imprevisto" (L "Incontro improviso), 1775

§ Mundo Lunar (II Mondo della luna), 1777

§ "Verdadeira Constância" (La Vera costanza), 1776

§ Lealdade recompensada (La Fedelta premiata)

§ "Roland Paladin" (Orlando Raladino), ópera heróico-cômica baseada no enredo do poema de Ariosto "Furious Roland"

14 oratórios, incluindo:

§ "Criação do mundo"

§ "Temporadas"

§ "As Sete Palavras do Salvador na Cruz"

§ "Retorno de Tobias"

§ Cantata-oratório alegórica "Aplausos"

§ Hino do Oratório Stabat Mater

14 massas, incluindo:

§ pequena massa (Missa brevis, F-dur, cerca de 1750)

§ Grande Missa de Órgão Es-dur (1766)

§ Missa em honra de S. Nicholas (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)

§ Missa de S. Cecilianos (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, entre 1769 e 1773)

§ pequena massa de órgãos (B-dur, 1778)

§ Missa Mariazelle (Mariazellermesse, C-dur, 1782)

§ Missa com tímpanos, ou Missa durante a guerra (Paukenmesse, C-dur, 1796)

§ Missa Heiligmesse (B-dur, 1796)

§ Nelson-Messe (Nelson-Messe, d-moll, 1798)

§ Missa Teresa (Theresienmesse, B-dur, 1799)

§ missa com tema do oratório "A Criação" (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)

§ Missa de Latão (Harmoniemesse, B-dur, 1802)

104 sinfonias no total, incluindo:

§ "Sinfonia de Despedida"

§ "Sinfonia de Oxford"

§ "Sinfonia Fúnebre"

§ 6 Sinfonias de Paris (1785-1786)

§ 12 Sinfonias de Londres (1791-1792, 1794-1795), incluindo a Sinfonia nº 103 "Timpani Tremolo"

§ 66 divertissements e cassações

Obras para piano:

§ Fantasias, variações

§ 52 sonatas para piano

Luísdentroem Beethoven

Ludwig van Beethoven é um compositor, maestro e pianista alemão, um dos três "clássicos vienenses".

Beethoven é uma figura chave na música clássica ocidental entre o classicismo e o romantismo, e um dos compositores mais respeitados e interpretados do mundo. Ele escreveu em todos os gêneros que existiam em seu tempo, incluindo ópera, música para apresentações dramáticas e composições corais. As obras instrumentais são consideradas as mais significativas de sua herança: sonatas para piano, violino e violoncelo, concertos para piano e violino, quartetos, aberturas, sinfonias. A obra de Beethoven teve um impacto significativo na música sinfônica nos séculos XIX e XX.

Ludwig van Beethoven nasceu em dezembro de 1770 em Bonn. A data exata do nascimento não foi estabelecida, presumivelmente é 16 de dezembro, apenas a data do batismo é conhecida - 17 de dezembro de 1770 em Bonn na Igreja Católica de St. Remigius. Seu pai João Johann van Beethoven, 1740-1792) foi cantora, tenor, na capela da corte, mãe Maria Madalena, antes de seu casamento com Keverich ( Maria Madalena Keverich, 1748-1787), era filha de um chef da corte em Koblenz, eles se casaram em 1767. O avô Ludwig (1712-1773) serviu na mesma capela que Johann, primeiro como cantor, baixo e depois maestro. Ele era de Mechelen, no sul da Holanda, daí o prefixo "van" na frente de seu sobrenome. O pai do compositor queria fazer do filho um segundo Mozart e começou a ensiná-lo a tocar cravo e violino. Em 1778, a primeira apresentação do menino ocorreu em Colônia. No entanto, Beethoven não se tornou uma criança milagrosa, o pai confiou o menino a seus colegas e amigos. Um ensinou Ludwig a tocar órgão, o outro o violino.

Em 1780, o organista e compositor Christian Gottlob Nefe chegou a Bonn. Ele se tornou um verdadeiro professor de Beethoven. Nefe imediatamente percebeu que o garoto tinha talento. Ele apresentou Ludwig ao Cravo Bem Temperado de Bach e às obras de Handel, bem como à música de contemporâneos mais antigos: F. E. Bach, Haydn e Mozart. Graças a Nefe, a primeira composição de Beethoven, uma variação da marcha de Dressler, também foi publicada. Beethoven tinha doze anos na época e já trabalhava como organista assistente da corte.

Após a morte de seu avô, a situação financeira da família se deteriorou. Ludwig teve que deixar a escola cedo, mas aprendeu latim, estudou italiano e francês e leu muito. Já se tornando adulto, o compositor admitiu em uma de suas cartas:

Entre os escritores favoritos de Beethoven estão os antigos autores gregos Homero e Plutarco, o dramaturgo inglês Shakespeare, os poetas alemães Goethe e Schiller.

Nessa época, Beethoven começou a compor música, mas não tinha pressa em publicar suas obras. Muito do que ele escreveu em Bonn foi posteriormente revisado por ele. Das obras juvenis do compositor são conhecidas três sonatas infantis e várias canções, entre as quais "Marmota".

Beethoven descobriu a doença de sua mãe e voltou para Bonn. Ela morreu em 17 de julho de 1787. O menino de dezessete anos foi forçado a se tornar o chefe da família e cuidar de seus irmãos mais novos. Ingressou na orquestra como violista. Óperas italianas, francesas e alemãs são encenadas aqui. As óperas de Gluck e Mozart causaram uma impressão particularmente forte no jovem.

Em 1789, Beethoven, desejando continuar sua educação, começou a assistir a palestras na universidade. Nesse momento, chega a Bonn a notícia da revolução na França. Um dos professores universitários publica uma coleção de poemas glorificando a revolução. Beethoven o subscreve. Em seguida, ele compõe a "Canção de um Homem Livre", que contém as palavras: "Livre é aquele para quem as vantagens do nascimento e do título não significam nada".

Durante sua vida em Bonn, ele entrou para a Maçonaria. Não há data exata de seu início. Sabe-se apenas que ele se tornou maçom ainda jovem. Evidência da Maçonaria de Beethoven é uma carta escrita pelo compositor ao maçom Franz Wegeler, na qual ele expressa seu consentimento para dedicar uma de suas cantatas à Maçonaria, conhecida como "Das Werk beginnt!" Sabe-se também que, com o tempo, Beethoven perdeu o interesse pela Maçonaria e não participou ativamente de suas atividades.

Haydn parou no caminho da Inglaterra para Bonn. Ele falou com aprovação dos experimentos de composição de Beethoven. O jovem decide ir a Viena para ter aulas com o famoso compositor, já que Haydn se torna ainda mais famoso depois de voltar da Inglaterra. No outono de 1792, Beethoven deixa Bonn.

Primeiros dez anos em Viena. Chegando a Viena, Beethoven começou as aulas com Haydn, posteriormente alegando que Haydn não lhe ensinara nada; as aulas rapidamente desapontaram tanto o aluno quanto o professor. Beethoven acreditava que Haydn não estava atento o suficiente aos seus esforços; Haydn estava assustado não apenas com as visões ousadas de Ludwig naquela época, mas também com melodias bastante sombrias, o que não era comum naqueles anos.

Logo Haydn partiu para a Inglaterra e deu seu aluno ao famoso professor e teórico Albrechtsberger. No final, o próprio Beethoven escolheu seu mentor - Antonio Salieri.

Já nos primeiros anos de sua vida em Viena, Beethoven ganhou fama como pianista virtuoso. Seu jeito de tocar surpreendeu o público.

Beethoven se opôs corajosamente aos registros extremos (e naquela época eles tocavam principalmente no meio), usava amplamente o pedal (também raramente era usado na época) e usava harmonias de acordes maciças. Na verdade, ele criou estilo piano longe da maneira requintadamente rendada dos cravistas.

Este estilo pode ser encontrado em suas sonatas para piano nº 8 "Pathetique" (título dado pelo próprio compositor), nº 13 e nº 14. Ambas têm subtítulo do autor Sonata quase uma fantasia("no espírito da fantasia"). Sonata nº 14, o poeta Relshtab mais tarde chamou de "Lunar", e embora esse nome seja adequado apenas para o primeiro movimento, e não para o final, foi atribuído a toda a obra.

Beethoven também se destacou por sua aparição entre as damas e cavalheiros da época. Quase sempre ele era encontrado vestido casualmente e desleixado.

Em outra ocasião, Beethoven estava visitando o príncipe Lichnovsky. Likhnovsky respeitava muito o compositor e era fã de sua música. Ele queria que Beethoven tocasse na frente do público. O compositor recusou. Likhnovsky começou a insistir e até mandou arrombar a porta do quarto onde Beethoven se trancara. O compositor indignado deixou a propriedade e voltou para Viena. Na manhã seguinte, Beethoven enviou uma carta a Likhnovsky: “ Principe! O que sou, devo a mim mesmo. Há e haverá milhares de príncipes, mas Beethoven - apenas um!»

As composições de Beethoven começaram a ser amplamente divulgadas e tiveram sucesso. Durante os primeiros dez anos passados em Viena, vinte sonatas para piano e três concertos para piano, oito sonatas para violino, quartetos e outras composições de câmara, o oratório Cristo no Monte das Oliveiras, o balé Criações de Prometeu, a Primeira e a Segunda Sinfonias foram escrito.

Em 1796, Beethoven começa a perder a audição. Ele desenvolve tinite, uma inflamação do ouvido interno que causa zumbido nos ouvidos. A conselho dos médicos, ele se aposenta por um longo tempo na pequena cidade de Heiligenstadt. No entanto, a paz e o sossego não melhoram o seu bem-estar. Beethoven começa a perceber que a surdez é incurável. Nesses dias trágicos, ele escreve uma carta que mais tarde será chamada de testamento de Heiligenstadt. O compositor fala sobre suas experiências, admite que esteve perto do suicídio:

Em Heiligenstadt, o compositor começa a trabalhar em uma nova Terceira Sinfonia, que ele chamará de Heroica.

Como resultado da surdez de Beethoven, documentos históricos únicos foram preservados: "cadernos de conversa", onde os amigos de Beethoven escreviam suas falas para ele, às quais ele respondia oralmente ou em resposta.

No entanto, o músico Schindler, que tinha dois cadernos com gravações das conversas de Beethoven, muito provavelmente, os queimou, pois “continham os ataques mais rudes e ferozes contra o imperador, assim como o príncipe herdeiro e outros funcionários de alto escalão. Este, infelizmente, era o tema favorito de Beethoven; na conversa, Beethoven constantemente se ressentia daqueles que estavam no poder, suas leis e regulamentos.

Anos posteriores (1802-1815). Quando Beethoven tinha 34 anos, Napoleão abandonou os ideais da Revolução Francesa e se declarou imperador. Portanto, Beethoven abandonou suas intenções de dedicar sua Terceira Sinfonia a ele: “Este Napoleão também é uma pessoa comum. Agora ele pisoteará todos os direitos humanos e se tornará um tirano.”

Na obra para piano, o estilo próprio do compositor já é perceptível nas primeiras sonatas, mas na sinfonia, a maturidade veio mais tarde. Segundo Tchaikovsky, apenas na terceira sinfonia " pela primeira vez todo o imenso e surpreendente poder do gênio criativo de Beethoven foi revelado».

Devido à surdez, Beethoven raramente sai de casa, perde a percepção do som. Ele se torna sombrio, retraído. Foi durante esses anos que o compositor, um após o outro, cria suas obras mais famosas. Durante esses mesmos anos, Beethoven trabalhou em sua única ópera, Fidelio. Esta ópera pertence ao gênero ópera de terror e resgate. O sucesso de Fidelio veio apenas em 1814, quando a ópera foi encenada primeiro em Viena, depois em Praga, onde o famoso compositor alemão Weber a conduziu, e finalmente em Berlim.

Pouco antes de sua morte, o compositor entregou o manuscrito de "Fidelio" ao amigo e secretário Schindler com as palavras: " Este filho do meu espírito foi trazido ao mundo em tormentos mais severos do que os outros, e me deu a maior dor. É por isso que é o mais precioso para mim...»

Últimos anos. Depois de 1812, a atividade criativa do compositor caiu por um tempo. No entanto, depois de três anos, ele começa a trabalhar com a mesma energia. Nessa época, foram criadas sonatas para piano do dia 28 ao último dia 32, duas sonatas para violoncelo, quartetos e o ciclo vocal “To a Distant Beloved”. Muito tempo é dedicado ao processamento de canções folclóricas. Junto com escoceses, irlandeses, galeses, há russos. Mas as principais criações dos últimos anos foram duas das obras mais monumentais de Beethoven - "A Missa Solene" e a Sinfonia nº 9 com Coro.

A nona sinfonia foi executada em 1824. O público aplaudiu de pé o compositor. Sabe-se que Beethoven ficou de costas para o público e não ouviu nada, então um dos cantores pegou sua mão e se virou para o público. As pessoas acenavam com lenços, chapéus, mãos, dando as boas-vindas ao compositor. A ovação durou tanto que os policiais presentes imediatamente exigiram que ela fosse interrompida. Tais saudações eram permitidas apenas em relação à pessoa do imperador.

Na Áustria, após a derrota de Napoleão, foi estabelecido um regime policial. Assustado com a revolução, o governo suprimiu qualquer "pensamento livre". Numerosos agentes secretos penetraram em todos os setores da sociedade. Nos cadernos de conversas de Beethoven, há avisos de vez em quando: Tranquilo! Cuidado, tem um espião aqui! E, provavelmente, depois de alguma declaração especialmente ousada do compositor: Você vai acabar no andaime!»

No entanto, a popularidade de Beethoven era tão grande que o governo não se atreveu a tocá-lo. Apesar da surdez, o compositor continua atento às novidades não só políticas, mas também musicais. Ele lê (ou seja, ouve com o ouvido interno) as partituras das óperas de Rossini, examina a coleção de canções de Schubert, conhece as óperas do compositor alemão Weber "The Magic Shooter" e "Euryant". Chegando a Viena, Weber visitou Beethoven. Almoçaram juntos e Beethoven, geralmente pouco propenso a cerimônias, cortejou seu convidado.

Após a morte de seu irmão mais novo, o compositor assumiu os cuidados de seu filho. Beethoven coloca seu sobrinho nos melhores internatos e instrui seu aluno Carl Czerny a estudar música com ele. O compositor queria que o menino se tornasse um cientista ou um artista, mas ele se sentia atraído não pela arte, mas pelo baralho e pelo bilhar. Enredado em dívidas, ele tentou o suicídio. Essa tentativa não causou muito dano: a bala apenas arranhou levemente a pele da cabeça. Beethoven estava muito preocupado com isso. Sua saúde piorou drasticamente. O compositor desenvolve uma doença hepática grave.

Beethoven morreu em 26 de março de 1827. Mais de vinte mil pessoas seguiram seu caixão. Durante o funeral, foi realizada a Missa de Réquiem em dó menor de Beethoven, de Luigi Cherubini.

Obras de arte:

§ 9 sinfonias: No. 1 (1799-1800), No. 2 (1803), No. 3 "Heroic" (1803-1804), No. 4 (1806), No. 5 (1804-1808), No. 6 "Pastoral" (1808), No. 7 (1812), No. 8 (1812), No. 9 (1824).

§ 11 aberturas sinfônicas, incluindo Coriolano, Egmont, Leonore No. 3.

§ 5 concertos para piano e orquestra.

§ 6 sonatas juvenis para piano.

§ 32 sonatas para piano, 32 variações e cerca de 60 peças para piano.

§ 10 sonatas para violino e piano.

§ concerto para violino e orquestra, concerto para piano, violino e violoncelo com orquestra (“concerto triplo”).

§ 5 sonatas para violoncelo e piano.

§ 16 quartetos de cordas.

§ Balé "Criações de Prometeu".

§ Ópera Fidelio.

§ Missa Solene.

§ Ciclo vocal "Ao distante amado".

§ Canções para poemas de vários poetas, arranjos de canções folclóricas.

Wolfgang Amadeus Mozart

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Wolfgang Amadeus Mozart (27 de janeiro de 1756, Salzburg - 5 de dezembro de 1791, Viena) - compositor austríaco, maestro, violinista virtuoso, cravo, organista. Segundo os contemporâneos, ele tinha um ouvido fenomenal para música, memória e capacidade de improvisar. Mozart é amplamente reconhecido como um dos maiores compositores: sua singularidade reside no fato de ter trabalhado em todas as formas musicais de seu tempo e alcançado o maior sucesso de todos. Junto com Haydn e Beethoven, ele pertence aos representantes mais significativos da Escola Clássica de Viena.

Mozart nasceu em 27 de janeiro de 1756 em Salzburgo, então capital do Arcebispado de Salzburgo, agora esta cidade está localizada no território da Áustria. No segundo dia após seu nascimento, ele foi batizado na Catedral de St. Rupert. Uma entrada no livro de batismos dá seu nome em latim como Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. Nesses nomes, as duas primeiras palavras são o nome de São João Crisóstomo, que não é usado na vida cotidiana, e a quarta durante a vida de Mozart variada: lat. Amadeus, Alemão Gottlieb, italiano Amadeo que significa "amado de Deus". O próprio Mozart preferia ser chamado de Wolfgang.

As habilidades musicais de Mozart se manifestaram muito cedo, quando ele tinha cerca de três anos. Seu pai Leopold foi um dos principais educadores musicais europeus. Seu livro "A Experiência de uma Escola de Violino Sólida" foi publicado em 1756 - ano em que Mozart nasceu, teve várias edições e foi traduzido para vários idiomas, inclusive para o russo. O pai ensinou a Wolfgang o básico de tocar cravo, violino e órgão.

Em Londres, o jovem Mozart foi objeto de pesquisa científica, e na Holanda, onde a música era estritamente banida durante os jejuns, uma exceção foi feita para Mozart, pois o clero viu o dedo de Deus em seu talento extraordinário.

Em 1762, o pai de Mozart empreendeu uma viagem artística com seu filho e filha Anna, também uma maravilhosa cravista, para Munique, Paris, Londres e Viena, e depois para muitas outras cidades na Alemanha, Holanda e Suíça. No mesmo ano, o jovem Mozart escreveu sua primeira composição. Em todos os lugares ele despertou surpresa e deleite, saindo vitorioso das provações mais difíceis que lhe foram oferecidas por pessoas versadas em música e amadores. Em 1763, as primeiras sonatas de Mozart para cravo e violino foram publicadas em Paris. De 1766 a 1769, enquanto morava em Salzburgo e Viena, Mozart estudou as obras de Handel, Stradell, Carissimi, Durante e outros grandes mestres. Encomendado pelo imperador Joseph II, Mozart escreveu uma ópera para uma trupe italiana em poucas semanas. "Simplório imaginário"(ital. Amostra La Finta), mas os cantores não gostaram da composição do compositor de 12 anos, sua teimosa recusa em executar a ópera acabou forçando Leopold Mozart a recuar e não insistir. No futuro, os cantores reclamarão constantemente que Mozart em suas óperas os abafa com "acompanhamento muito massivo".

Mozart passou 1770-1774 na Itália. Em 1770, em Bolonha, conheceu o compositor Josef Myslivechek, muito popular na Itália da época; A influência do “Divino Boêmio” acabou sendo tão grande que mais tarde, devido à semelhança de estilo, algumas de suas composições foram atribuídas a Mozart, incluindo o oratório “Abraão e Isaac”.

Em 1771, em Milão, novamente com a oposição dos empresários teatrais, a ópera de Mozart foi encenada. « Mitrídates, rei do Ponto» (ital. Mitridate, Re di Ponto), que foi recebido com grande entusiasmo pelo público. Com o mesmo sucesso, sua segunda ópera, Lucio Sulla (Lucius Sulla) (1772), foi apresentada. Para Salzburgo, Mozart escreveu "O Sonho de Cipião"(ital. Il Sogno di Scipione), por ocasião da eleição de um novo arcebispo, 1772, para Munique - uma ópera "La bella finta Giardiniera", 2 missas, ofertório (1774). Aos 17 anos, entre suas obras já havia 4 óperas, várias obras espirituais, 13 sinfonias, 24 sonatas, sem contar a massa de composições menores.

Nos anos 1775-1780, apesar das preocupações com o suporte material, uma viagem infrutífera a Munique, Mannheim e Paris, a perda de sua mãe, Mozart escreveu, entre outras coisas, 6 sonatas de cravo, um concerto para flauta e harpa, uma grande sinfonia No. 31 em D-dur, apelidado de parisiense, vários coros espirituais, 12 números de balé.

Em 1779, Mozart recebeu o cargo de organista da corte em Salzburgo (colaborou com Michael Haydn). Em 26 de janeiro de 1781, a ópera Idomeneo foi encenada em Munique com grande sucesso, marcando uma certa virada na obra de Mozart. Nesta ópera, vestígios do italiano antigo ópera seria(um grande número de árias coloratura, parte de Idamante, escrita para o castrato), mas uma nova tendência é sentida nos recitativos, e especialmente nos coros. Um grande passo à frente também é visto na instrumentação. Durante sua estada em Munique, Mozart escreveu um ofertório para a Capela de Munique "Misericórdias Domini"- um dos melhores exemplos de música sacra do final do século XVIII.

período de Viena. Em 1781 Mozart finalmente se estabeleceu em Viena. Na virada dos anos 70-80, o imperador Joseph II ficou fascinado com a ideia de desenvolver a ópera nacional alemã - o Singspiel, para o qual a ópera italiana foi fechada em Viena em 1776. Por ordem do imperador em 1782, Mozart escreveu para a trupe alemã o singspiel "O Rapto do Serralho" (alemão. Die Entführung aus dem Serail), recebido com entusiasmo em Viena e logo se difundiu na Alemanha. No entanto, Mozart não conseguiu desenvolver sucesso: no mesmo 1782, a experiência com o Singspiel terminou, e o imperador devolveu a trupe italiana a Viena.

No mesmo ano, Mozart casou-se com Constance Weber, irmã de Aloysia Weber, por quem se apaixonou durante sua estada em Mannheim. Nos primeiros anos, Mozart ganhou grande popularidade em Viena; populares eram suas "academias", como eram chamados os concertos públicos do autor em Viena, nos quais as obras de um compositor eram executadas, muitas vezes por ele mesmo. É para essas "academias" que a maioria de seus concertos de cravo foram escritos. Nos anos de 1783-1785, foram criados 6 famosos quartetos de cordas, que Mozart dedicou a Joseph Haydn, o mestre do gênero, e que recebeu com o maior respeito. Seu oratório pertence ao mesmo tempo. "David penitente» (David Penitente).

No entanto, com a ópera de Mozart nos anos seguintes em Viena, ela não se desenvolveu da melhor maneira. óperas "L"oca del Cairo"(1783) e "Lo sposo deluso"(1784) permaneceu inacabado. Finalmente, em 1786, foi escrita e encenada a ópera As Bodas de Fígaro, cujo libreto era Lorenzo da Ponte. Teve uma boa recepção em Viena, mas depois de várias apresentações foi retirada e não encenada até 1789, quando a produção foi retomada por Antonio Salieri, que considerou As Bodas de Fígaro a melhor ópera de Mozart. Mas em Praga, "As Bodas de Fígaro" foi um sucesso estrondoso, melodias dele foram cantadas na rua e nas tavernas. Graças a este sucesso, Mozart recebeu uma nova comissão, desta vez de Praga. Em 1787, uma nova ópera, criada em colaboração com Da Ponte, viu a luz do dia - Don Giovanni (Don Giovanni). Esta obra, que ainda é considerada uma das melhores do repertório operístico mundial, teve ainda mais sucesso em Praga do que Le nozze di Figaro.

Muito menos sucesso caiu para a parte desta ópera em Viena, em geral, desde a época de Le Figaro, esfriou para o trabalho de Mozart. Do imperador Joseph Mozart recebeu 50 ducados por Don Giovanni e, segundo J. Rice, durante os anos 1782-1792 este foi o único caso em que o compositor recebeu pagamento por uma ópera encomendada fora de Viena. No entanto, o público como um todo permaneceu indiferente. Desde 1787, suas "academias" cessaram, Mozart não conseguiu organizar a execução das três últimas, agora as sinfonias mais famosas: nº 39 em mi bemol maior (KV 543), nº 40 em sol menor (KV 550) e nº 41 em dó maior "Júpiter" (KV 551), escrito dentro de um mês e meio em 1788; apenas três anos depois, uma delas, a Sinfonia nº 40, foi interpretada por A. Salieri em concertos beneficentes.

No final de 1787, após a morte de Christoph Willibald Gluck, Mozart recebeu o cargo de "músico de câmara imperial e real" com um salário de 800 florins, mas suas funções foram reduzidas principalmente a compor bailes de máscaras, a ópera - cômica, em uma trama da vida secular - foi encomendada por Mozart apenas uma vez, e ela se tornou "Cosm fan tutte"(1790).

O conteúdo de 800 florins não era suficiente para Mozart; obviamente, já nessa época, ele começou a acumular dívidas, agravadas pelo custo do tratamento de sua esposa doente. Mozart recrutou alunos, porém, segundo os especialistas, não eram muitos. Em 1789, o compositor quis sair de Viena, mas sua viagem ao norte, inclusive a Berlim, não justificou suas esperanças e não melhorou sua situação financeira.

A história de como em Berlim recebeu um convite para ser o chefe da capela da corte de Friedrich Wilhelm II com um conteúdo de 3 mil táleres, Alfred Einstein refere-se ao reino da fantasia, bem como ao motivo sentimental da recusa - como se por respeito a Joseph II. Frederico Guilherme II encomendou apenas seis sonatas simples para piano para sua filha e seis quartetos de cordas para si.

Havia pouco dinheiro ganho durante a viagem. Eles mal davam para pagar a dívida de 100 florins, que foram retirados do irmão do maçom Hofmedel para despesas de viagem. Em 1789, Mozart dedicou um quarteto de cordas com uma parte de concerto para violoncelo (Ré maior) ao rei da Prússia.

De acordo com J. Rice, desde o momento em que Mozart chegou a Viena, o imperador Joseph deu-lhe mais patrocínio do que qualquer outro músico vienense, com exceção de Salieri. Em fevereiro de 1790 Joseph morreu; com a ascensão ao trono de Leopoldo II, Mozart a princípio teve grandes esperanças; no entanto, os músicos não tiveram acesso ao novo imperador. Em maio de 1790, Mozart escrevia a seu filho, o arquiduque Franz: “... Meu amor pelo trabalho e a consciência de minha habilidade me permitem recorrer a você com um pedido para me conceder o cargo de maestro, especialmente porque Salieri, embora um experiente maestro de banda, nunca envolvido em música de igreja…”. Mas suas esperanças não foram justificadas, Salieri permaneceu em seu posto, e a situação financeira de Mozart se tornou tão desesperadora que ele teve que deixar Viena por perseguição aos credores para melhorar um pouco seus negócios com uma jornada artística.

Ano passado. As últimas óperas de Mozart foram « Isso é o que todo mundo faz» (1790) « Misericórdia de Tito» (1791), contendo páginas maravilhosas, apesar de ter sido escrita em 18 dias e, finalmente, « flauta mágica» (1791). Apresentada em setembro de 1791 em Praga, por ocasião da coroação de Leopoldo II como rei tcheco, a ópera Titus' Mercy foi recebida com frieza; A Flauta Mágica, encenada no mesmo mês em Viena, num teatro suburbano, pelo contrário, fez tanto sucesso que Mozart não conhecia há muitos anos na capital austríaca. Nas extensas e variadas atividades de Mozart, esta ópera de conto de fadas ocupa um lugar especial.

Em maio de 1791, Mozart foi matriculado em uma posição não remunerada como Kapellmeister Assistente da Catedral de Santo Estêvão; esta posição deu-lhe o direito de se tornar Kapellmeister após a morte do gravemente doente Leopold Hoffmann; Hoffmann, no entanto, sobreviveu a Mozart.

Mozart, como a maioria dos seus contemporâneos, prestou muita atenção à música sacra, mas deixou poucos grandes exemplos nesta área: para além "Misericórdias Domini" - « Ave verum corpus» (KV 618, 1791), escrito em um estilo completamente atípico de Mozart, e o majestosamente lamentável Requiem (KV 626), no qual Mozart trabalhou durante os últimos meses de sua vida. A história de escrever o Requiem é interessante. Em julho de 1791, um misterioso estranho vestido de cinza visitou Mozart e ordenou-lhe um Requiem (uma missa fúnebre pelos mortos). Como os biógrafos do compositor estabeleceram, este era o mensageiro do conde Franz von Walsegg-Stuppach, um musical amador que adorava executar obras de outras pessoas em seu palácio com a ajuda de sua capela, comprando autoria de compositores; ele queria honrar a memória de sua falecida esposa com um réquiem. O trabalho do inacabado "Requiem", que ainda choca os ouvintes com um lirismo lúgubre e uma expressividade trágica, foi completado por seu aluno Franz Xaver Süssmeier, que já havia participado da composição da ópera "Misericórdia de Tito".

Morte de Mozart. Mozart morreu em 5 de dezembro de 1791, cerca de uma hora depois da meia-noite (no trigésimo sexto ano de sua vida). A causa da morte de Mozart ainda é motivo de controvérsia. A maioria dos pesquisadores acredita que Mozart realmente morreu, como indicado no relatório médico, de febre reumática (painço), possivelmente complicada por insuficiência cardíaca ou renal aguda. A famosa lenda do envenenamento de Mozart pelo compositor Salieri ainda é apoiada por vários musicólogos, mas não há evidências convincentes para esta versão. Em maio de 1997, o tribunal, sentado no Palácio da Justiça de Milão, tendo considerado o caso de Antonio Salieri sob a acusação de assassinar Mozart, o absolveu.

A data do enterro de Mozart é controversa (6 ou 7 de dezembro). Por volta das 15h, o corpo de Mozart foi levado para a Catedral de Santo Estêvão. Aqui, numa pequena capela, realizou-se uma modesta cerimónia religiosa. Quem de amigos e parentes estava presente nisso permanece desconhecido. O carro fúnebre foi para o cemitério depois das seis da tarde, ou seja, já no escuro. Aqueles que acompanhavam o caixão não o seguiram fora dos portões da cidade. O local de sepultamento de Mozart foi o Cemitério de São Marcos.

O funeral de Mozart foi realizado na terceira categoria. Apenas pessoas muito ricas e representantes da nobreza poderiam ser enterrados em uma cova separada com uma lápide ou monumento. Na terceira categoria, foram projetadas valas comuns para 5-6 pessoas. O funeral de Mozart não era incomum para a época. Não foi o funeral de um mendigo. O impressionante (embora de segunda classe) funeral de Beethoven em 1827 ocorreu em uma época diferente e, além disso, refletiu o status social acentuadamente aumentado dos músicos, pelo qual o próprio Mozart lutou toda a sua vida.

Para os vienenses, a morte de Mozart passou de forma quase imperceptível, no entanto, em Praga, com uma grande multidão (cerca de 4.000 pessoas), em memória de Mozart, 9 dias após a sua morte, 120 músicos actuaram com adições especiais, escritas em 1776” Réquiem" de Antonio Rosetti.

Obras de arte:

Óperas:

§ « O dever do primeiro mandamento "(Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767. Oratório teatral

§ "Apollo and Hyacinth" (Apollo et Hyacinthus), 1767 - drama musical estudantil em texto latino

§ "Bastien e Bastienne" (Bastien und Bastienne), 1768. Outra coisa de estudante, um singspiel. Versão alemã da famosa ópera cômica de J.-J. Rousseau - "The Village Sorcerer"

§ “The Feigned Simple Girl” (La finta semplice), 1768 - um exercício no gênero da ópera buffa no libreto de Goldoni

§ "Mitrídates, Rei do Ponto" (Mitridate, re di Ponto), 1770 - na tradição da ópera séria italiana, baseada na tragédia de Racine

§ "Ascanius in Alba" (Ascanio in Alba), 1771. Ópera-serenata (pastoral)

§ Betulia Liberata, 1771 - oratório. Baseado na história de Judite e Holofernes

§ “O Sonho de Cipião” (Il sogno di Scipione), 1772. Ópera-serenata (pastoral)

§ "Lucio Sulla" (Lucio Silla), 1772. Série Ópera

§ "Tamos, Rei do Egito" (Thamos, König in Dgypten), 1773, 1775. Música para o drama de Gebler

§ "O Jardineiro Imaginário" (La finta giardiniera), 1774-5 - novamente retornando às tradições do aficionado da ópera

§ "O Rei Pastor" (Il Re Pastore), 1775. Ópera-serenata (pastoral)

§ Zaide, 1779 (reconstruído por H. Chernovin, 2006)

§ "Idomeneo, Rei de Creta" (Idomeneo), 1781

§ O Rapto do Serralho (Die Entführung aus dem Serail), 1782. Singspiel

§ "Cairo Goose" (L "oca del Cairo), 1783

§ "Cônjuge enganado" (Lo sposo deluso)

§ O Diretor de Teatro (Der Schhauspieldirektor), 1786. Comédia musical

§ As Bodas de Fígaro (Le nozze di Figaro), 1786. A primeira das 3 grandes óperas. No gênero de aficionado de ópera.

§ "Don Giovanni" (Don Giovanni), 1787

§ “Todo mundo faz isso” (Cosm fan tutte), 1789

§ « Misericórdia titã» (La Clemenza di Tito), 1791

§ « flauta mágica» (Die Zauberflöte), 1791. Singspiel

17 massas, incluindo:

§ "Coroação", KV 317 (1779)

§ "Grande Missa" C-menor, KV 427 (1782)

§ "Requiem", KV 626 (1791)

§ 41 sinfonia, incluindo:

§ "Parisiense" (1778)

§ No. 35, KV 385 "Haffner" (1782)

§ No. 36, KV 425 "Linzskaya" (1783)

§ No. 38, KV 504 "Praga" (1786)

§ Nº 39, KV 543 (1788)

§ Nº 40, KV 550 (1788)

§ No. 41, KV 551 "Júpiter" (1788)

§ 27 concertos para piano e orquestra

§ 6 concertos para violino e orquestra

§ Concerto para dois violinos e orquestra (1774)

§ Concerto para violino e viola e orquestra (1779)

§ 2 concertos para flauta e orquestra (1778)

§ No. 1 em Sol maior K. 313 (1778)

§ Nº 2 em Ré maior K. 314

§ Concerto para oboé e orquestra em dó maior K. 314 (1777)

§ Concerto para Clarinete em Lá Maior K. 622 (1791)

§ Concerto para fagote e orquestra em si bemol maior K. 191 (1774)

§ 4 concertos para trompa e orquestra:

§ No. 1 em Ré maior K. 412 (1791)

§ Nº 2 em Mi bemol maior K. 417 (1783)

§ Nº 3 em Mi bemol maior K. 447 (entre 1784 e 1787)

§ No. 4 em Mi bemol maior K. 495 (1786)

§ 10 serenatas para orquestra de cordas, incluindo:

§ "Pequena Serenata Noturna" (1787)

§ 7 diversões para orquestra

§ Vários conjuntos de instrumentos de sopro

§ Sonatas para diversos instrumentos, trios, duetos

§ 19 sonatas para piano

§ 15 ciclos de variações para piano

§ Rondo, fantasias, brincadeiras

§ Mais de 50 árias

§ Conjuntos, coros, canções

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