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O artigo trata de algumas questões do trabalho com aquarela nas aulas de pintura. A aquarela é atraente por sua acessibilidade, pureza das relações de cores. Com a aparente simplicidade do trabalho, a aquarela é uma técnica complexa de pintura de cavalete. É dada especial atenção aos materiais, ferramentas, aspectos tecnológicos da pintura em aquarela: métodos de envidraçamento, "alla prima", "cru". No trabalho em estudos longos, o primeiro é mais usado. Para pintar ao ar livre, em esboços rápidos, o método “alla prima” é mais adequado. Deve-se entender que dominar a habilidade da pintura em aquarela não é aprendido nos livros. Tudo é aprendido no trabalho prático de longo prazo, na experiência pessoal. Portanto, a prática é o melhor método de dominar a técnica de pintura em aquarela.

Ferramentas

materiais de pintura

método de escrita

Pintura aquarela

1. Problema G.V. Fundamentos da literacia visual: Desenho. Quadro. Composição. Ed. 2º, revisado. e adicional M.: Iluminismo, - 1981. - 239 p.

2. Vasiliev A.A. Pintura de natureza morta: aquarela: Proc. Beneficiar. Ed. 3º, revisado. e adicional Krasnodar: Editora do estado de Kuban. un-ta, 2004. - 98 p.

3. Volkov Yu.V. Trabalhe em esboços pictóricos. M.: Iluminismo, 1984. - 31 p.

4. Skripnikova E.V. Natureza morta: composição, desenho, pintura: guia de estudo / E.V. Skripnikova, A. I. Sukharev, N. P. Golovacheva, G. S. Baimukhanov. - Omsk: Editora OmGPU, 2015. - 150 p.

5. Skripnikova E.V., Golovacheva N.P., Sukharev A.I. Pintura de natureza morta: guia de estudos. - Omsk: BOUDPO "IROOO", 2015. - 92 p.

6. Shchetinin I.D. Aquarela: Um Guia Prático. Kurgan: Editora "FORT DIALOGE - KURGAN", 2009. - 31 p.

Formulação do problema

A técnica da aquarela é estudada por alunos das faculdades de artes das universidades pedagógicas no primeiro ano. Nas aulas de pintura, os alunos recebem não apenas tarefas pictóricas: encontrar a cor geral da produção, as relações de cor e tom dos objetos e o fundo, transmitir o volume dos objetos em determinadas condições de iluminação, estudar as leis e regras da perspectiva aérea, mas também composição e desenho. Em primeiro lugar, a tarefa é aprender a compor a produção: determinar as proporções do formato da folha, encontrar o tamanho da imagem nela, colocar objetos no plano pictórico em relação uns aos outros. Em segundo lugar, aprenda a entender e desenhar objetos de vários desenhos e formas, levando em consideração o ângulo e a linha do horizonte, para estudar as leis e regras da perspectiva linear. Em nosso artigo, consideramos apenas as questões da tecnologia de pintura em aquarela: materiais, ferramentas, vários métodos tecnológicos.

A aquarela é atraente por sua acessibilidade, pureza das relações de cores. Com a aparente simplicidade do trabalho, a aquarela é uma técnica complexa de pintura de cavalete. Para dominá-lo e compreendê-lo, você precisa de um estudo cuidadoso de materiais e ferramentas (tinta, papel, pincéis). Afinal, é aqui que qualquer processo criativo começa.

Aquarela (do lat. aqua- “água”) - tintas diluídas com água e em ambiente artístico profissional - pinturas feitas com essas tintas. Os pigmentos coloridos usados ​​para fazer aquarelas são os mesmos de outras tintas. Mas o pigmento da aquarela é excepcionalmente moído, levado a um estado em que, estando na água, não se deposita no fundo por muito tempo. A cola - o aglutinante deste pigmento - deve ser solúvel em água, incolor, elástica. Como aglutinante em aquarelas, são usados ​​vários adesivos vegetais (goma arábica, dextrina, cola de cereja, mel, etc.), eles também contêm um plastificante na forma de glicerina. A glicerina evita que a tinta fique quebradiça e seque, pois retém a umidade. A bílis de boi às vezes é adicionada à aquarela para que fique facilmente na superfície do papel e não role enquanto escreve, um anti-séptico (fenol) que impede que o mofo destrua a tinta.

As tintas aquarela são facilmente solúveis em água, podem ser lavadas e dão uma camada transparente que não interfere no reflexo da luz do papel. Mas algumas tintas têm maior transparência (carmim, escarlate, verde esmeralda etc.), elas se dissolvem mais completamente na água e ficam mais uniformes no papel. Outros (amarelo cádmio, limão, etc.) possuem densidade, "poder de ocultação", formando revestimentos superficiais.

É melhor armazenar as aquarelas em local fresco, longe da luz solar direta, para que não endureçam com o ar seco.

A indústria moderna produz aquarelas em uma grande variedade. E, por mais rica que seja a paleta de cores, elas não seriam suficientes para transmitir a diversidade de cores do mundo ao nosso redor. O artista expande a paleta de cores misturando tintas, tanto mecanicamente quanto opticamente - aplicando uma camada de tinta na outra. É necessário estudar as propriedades de várias tintas, verificar sua opacidade, cor e resistência à luz. É necessário experimentar todas as combinações possíveis de cores, tanto individualmente quanto em misturas entre si; para entender quais fazem “sujeira” nas misturas e em quais tons vale a pena prestar atenção.

A aquarela "pura" é pintar com tintas sem o uso de branco. Como as aquarelas são transparentes, o próprio papel (raramente o papelão) serve como “caia”. O papel para pintura em aquarela é feito em diferentes graus em termos de densidade e textura. Cor, densidade, textura do papel são de grande importância. O melhor papel para aquarela é um papel grosso com superfície granulada, bem dimensionado e branqueado. Existem variedades de textura fina a áspera, que lembram a serapilheira. A textura contribui para a profundidade da sonoridade da cor, permite que a tinta aquarela se deite facilmente na superfície da folha em camadas uniformes e transparentes e retenha a umidade nos poros por mais tempo. Nesse papel, você pode realizar muitas horas de estudos, também permite lavar os lugares que falharam. As tintas não aderem bem ao papel com uma superfície lisa e são facilmente lavadas com um pincel ao aplicar camadas subsequentes; é difícil realizar um longo estudo sobre ela.

A presença de manchas de graxa impede a distribuição uniforme da tinta aquarela na superfície do papel. Portanto, antes de pintar, o papel deve ser lavado com água destilada usando algumas gotas de amônia. O papel amarelado pode ser branqueado lavando-o com um cotonete embebido em peróxido de hidrogênio.

Durante a operação, você deve proteger a brancura do papel em locais claros (brilho, superfícies brancas de objetos, etc.). Para salvar locais brilhantes, você pode raspar os locais gravados com uma lâmina de barbear, uma faca e em uma superfície úmida - com um cabo de escova. Outra maneira é cobrir os pontos de luz e destaques salvos com cola de borracha. Depois de terminar o trabalho no esboço, a cola pode ser facilmente removida com uma borracha de lápis macia.

A cor do papel é o fundo, sempre envolvido na construção da cor de toda a imagem. Um bom papel para pintura em aquarela é um papel que possui alto nível de brancura, pois sua superfície reflete bem a luz através de camadas de tintas e lhes confere brilho, revela as nuances de tom. Na pintura em aquarela, também é usada a tonificação preliminar do papel branco. O papel colorido une a pintura, cria uma base colorística para um estudo. Seu tom depende das tarefas resolvidas pelo artista. Na aquarela, o papel é frequentemente tingido com decocções de café ou chicória de várias intensidades. Belos tons dá chá.

Para evitar que o papel deforme com a umidade, ele deve ser colado ao tablet. O papel umedecido é aplicado ao tablet, que é fixado na parte superior com uma moldura. Quando seco, o papel estica uniformemente e não deforma. Para manter a umidade do papel por mais tempo, você pode colocar material úmido embaixo dele. Para tamanhos menores de papel para aquarela, uma "borracha" pode ser usada. A borracha é um tablet de um determinado tamanho e uma moldura maior cobrindo-o.

Ao ar livre é conveniente trabalhar na chamada colagem. A colagem é um pacote de folhas com papelão grosso ou madeira compensada na base. Folhas de papel coladas nas extremidades formam um bloco. A folha superior usada é removida, abrindo uma nova para o trabalho.

Os aquarelistas tradicionalmente usavam escovas de esquilo, kolinsky e de cerdas, mas hoje em dia existem boas escovas de cabelo artificiais. Essas escovas são práticas no trabalho, seus cabelos não são inferiores ao kolinsky, enquanto possuem maior resistência ao desgaste, maior durabilidade. Eles podem ser redondos ou planos. Na aquarela, os pincéis redondos são os mais usados. As escovas Kolinsky são consideradas as melhores, são mais duráveis ​​e resistentes, amassam menos. A qualidade do pincel é verificada desta forma. O pincel é mergulhado na água, então, retirado da água, é sacudido. Se a ponta do pincel for afiada, o pincel é considerado adequado para o trabalho.

Para pintar com aquarela, você precisa ter pincéis de tamanhos diferentes (do nº 8 ao nº 16). O grande pincel redondo é a principal ferramenta na pintura em aquarela. Pode aplicar grandes volumes de tinta ou escrever com a ponta de um pincel. A princípio, você pode se virar com um pincel grande, com o qual o artista trabalha livremente e amplamente, com grandes relacionamentos. À medida que a experiência de trabalhar com aquarelas se acumula e as tarefas educativas e criativas se tornam mais complicadas, o artista deve ampliar o conjunto de pincéis.

A paleta é de grande importância para o trabalho em aquarela. A paleta deve ser branco puro. Para evitar que a tinta seja absorvida, a paleta deve ser firme, uniforme e lisa. Eles usam uma paleta de vidro branco em uma moldura de madeira, coberta com tinta a óleo branca por baixo ou de porcelana branca, faiança. Você pode usar ladrilhos de cerâmica branca, um prato, placas de metal pintadas com tinta branca como paleta; paletas de plástico também podem funcionar, elas estão disponíveis em alguns conjuntos de tinta aquarela.

Muitas vezes os alunos usam o papel como uma paleta. O papel não é adequado para estes fins. Da água, o papel rapidamente se torna inutilizável, encharca e dificulta o trabalho. A desvantagem ao trabalhar com essa paleta é que o papel solto e encharcado tira a coisa mais valiosa da mistura de tintas - pigmentos bem dissolvidos, aglutinantes, partículas de papel, cola e produtos químicos indesejados entram na mistura de tinta, o que a priva de transparência e dá "sujeira" na pintura".

Não há cavaletes e cadernos especiais para pintura em aquarela. As tintas podem ser transportadas em qualquer caixa plana. É aconselhável usar escovas, embrulhadas separadamente em um pano ou colocadas em um “kistenosku”. Ao carregar pincéis em um caderno de desenho, eles se deterioram, perdem a forma. A água pode ser transportada em frascos de boca larga.

A preparação meticulosa e completa de materiais e ferramentas para pintura em aquarela não deve ser um fardo.

Existem várias formas tecnológicas de trabalhar com aquarelas. Mas os principais são dois métodos: o método de envidraçamento e o método de "alla prima". No trabalho em estudos longos, o primeiro é mais usado. Para pintar ao ar livre, em esboços rápidos, o método “alla prima” é mais adequado.

O envidraçamento como método de pintura multicamada baseia-se no uso da transparência da tinta aquarela, suas propriedades de adição óptica de cores ao aplicar uma camada transparente de tinta a outra. Ao aplicar uma camada de tinta a outra, você pode obter tons mais saturados de uma cor, além de formar cores compostas complexas. Com o método de envidraçamento, a profundidade e a saturação da cor são alcançadas cobrindo sequencialmente uma camada transparente bem seca com outra camada de tinta.

Um longo estudo pelo método de envidraçamento é realizado em uma determinada sequência. Primeiro, um desenho linear leve é ​​feito com um lápis ou um pincel fino em qualquer cor, depois grandes planos de imagem são colocados com um pincel, mas não com força total, mas como uma preparação colorística preliminar para a pintura subsequente. Desde o início do trabalho no estudo, deve-se tentar transmitir com a maior precisão possível todas as relações da natureza. É necessário estabelecer uma conexão entre todas as cores da natureza, o tempo todo para comparar o tom da tinta em termos de saturação e leveza.

Durante o trabalho, deve-se comparar constantemente as relações de cores dos objetos representados tanto na natureza quanto no esboço, além disso, de acordo com a relação de sinais mútuos: a luz de um objeto é comparada com a luz de outro, uma sombra com uma sombra , etc É necessário determinar os principais contrastes na natureza - lugares e objetos que são os mais claros e os mais escuros na intensidade do tom, a fim de estabelecer imediatamente a diferença entre as áreas mais claras e mais escuras da natureza. Na maioria das vezes, isso acontece em primeiro plano ou em objetos "principais" da natureza especialmente alocados. Ao realizar um estudo, não se deve limitar a trabalhar em um de seus locais, procurando terminá-lo imediatamente, sem qualquer ligação com o restante do ambiente. Na natureza, tudo está interconectado e é impossível obter com verdade a cor do objeto retratado isoladamente de seu ambiente.

É sempre necessário conduzir um estudo de acordo com o princípio - do geral ao particular. Tendo aberto todo o esboço com espaçadores largos de luz (exceto locais e destaques claros), certificando-se de que as relações tomadas estejam corretas, você pode prosseguir com o trabalho - esculpindo a forma dos objetos, colocando meios-tons, sombras, reflexos. Ao trabalhar com aquarela, é aconselhável trabalhar do claro ao escuro. Normalmente, a princípio, os objetos retratados são cobertos com camadas de tintas amplamente leves, que, em termos de intensidade do tom, correspondem aos locais iluminados mais claros dos objetos retratados. Em seguida, as sombras são aplicadas. Depois disso, os semitons são determinados comparando-os entre si.

Com o método de envidraçamento, a camada de tinta, com todas as suas multicamadas (de preferência não mais que três camadas, caso contrário as tintas perdem a transparência, obtém-se a chamada sujeira), deve permanecer fina e transparente para deixar a luz refletida da superfície do papel passa. Já no primeiro registro, é necessário delinear claramente os contrastes - as maiores diferenças na proporção de abertura e na proporção de tons quentes e frios.

Aconselha-se o uso de tintas de cobertura de corpo no final do trabalho para criar maior materialidade, objetividade, peso. Deve-se lembrar que, quando secas, as tintas de aquarela perdem um pouco a força da cor - elas brilham em cerca de um terço de sua força original. Portanto, é necessário tornar as cores desejadas mais saturadas, brilhantes, para evitar o embotamento da pintura.

Outro método de pintura em aquarela é o método "alla prima", no qual se pinta de uma só vez, sem sucessivas camadas de tinta, cada detalhe começa e termina em uma etapa. Todas as cores são tiradas de uma só vez com força total, o que permite o uso de misturas mecânicas de tintas, ou seja, faça a cor desejada de várias cores na paleta. Ao trabalhar com o método "alla prima", vários registros não são usados. Este método é mais aceitável ao ar livre. Na maioria das vezes, os artistas de aquarela usam os dois métodos.

Para criar transições de cores claras, especialmente em locais sombreados, em objetos e planos tocantes, é necessário que as bordas dos traços aplicados se fundam. Para fazer isso, o papel é pré-umedecido com água. Este método é chamado de trabalho "bruto".

Para retardar a secagem das tintas durante o trabalho, você pode usar soluções de glicerina, sabão ou mel em água na qual as tintas são diluídas.

Deve-se entender que dominar a habilidade da pintura em aquarela não é aprendido nos livros. Tudo é aprendido no trabalho prático de longo prazo, na experiência pessoal. Portanto, a prática é o melhor método para dominar a técnica de pintura em aquarela.

Revisores:

Medvedev L.G., Doutor em Ciências Pedagógicas, Professor, Decano da Faculdade de Letras da Universidade Pedagógica do Estado de Omsk, Omsk;

Shalyapin O.V., Doutor em Ciências Pedagógicas, Professor, Chefe do Departamento de Desenho, Pintura e Educação Artística do Instituto de Artes da Instituição Educacional Orçamentária do Estado Federal de Ensino Superior Profissional "NGPU", Novosibirsk.

Link bibliográfico

Sukharev A.I., Shchetinin I.D. TECNOLOGIA DA PINTURA EM AGUARELA // Problemas modernos da ciência e da educação. - 2015. - Nº 2-2.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=21931 (data de acesso: 01.02.2020). Chamamos a sua atenção as revistas publicadas pela editora "Academia de História Natural"

1) Selecionando um tópico:

Na minha tese, voltei-me para um dos tipos de belas artes - a pintura. A paisagem foi escolhida como tema do trabalho. É apropriado citar o famoso pintor paisagista russo I.I. Shishkina: “A imagem deve ser uma ilusão completa, e isso não pode ser alcançado sem um estudo abrangente dos motivos escolhidos, pelos quais o artista sente a maior atração, que permaneceu em suas memórias de infância, ou seja, a paisagem não deve ser apenas nacional, mas também local”. (Abeldyaeva I. G. Escola de Belas Artes. Edição 5. - M., 1962).

O critério na escolha do tema foi minha atitude pessoal em relação à paisagem marítima local. A vontade de transmitir na imagem o estado de sol, a vista da Baía dos Tsemes, familiar desde a infância, complementada por edifícios modernos do porto.

2) Coleta de material:

um quadro é a criação de uma imagem holística da natureza, é uma generalização artística, uma transformação da natureza com a ajuda da imaginação do artista. É impossível transformar lindamente o que você não tem ideia. Por isso, a criação de uma paisagem é sempre precedida por um longo trabalho de esboços da natureza. “Você deve olhar a natureza de forma simples, cuidadosa, tentando entender sua impressão geral, e ir dela aos detalhes...” (Masters of Soviet Art on Landscape, 1965).

Para a realização do trabalho, foi realizada uma coleta de material preparatório. São esboços, esboços a lápis, estudos pitorescos de curto e longo prazo feitos da natureza.

(Apêndice A, figuras A1-A6). As principais vantagens de um estudo paisagístico são a transferência de um certo estado de iluminação da natureza, a influência do ambiente aéreo e um espaço significativo. Os esboços foram feitos em diferentes épocas do ano, diferentes horas do dia.

3) solução composicional e colorística:

A integridade composicional de um estudo pictórico depende da relação entre o principal e o secundário, da articulação de toda a imagem em uma única obra. Ao destacar o centro composicional, o artista deve generalizar conscientemente os detalhes, enfraquecer o tom e a força da cor dos objetos que se afastam do centro composicional, subordinar todas as relações de tom e cor ao principal.

4) papelão (desenho preparatório):

tendo especificado a idéia em esboços e esboços, tendo encontrado uma composição linear e colorida, você precisa começar a desenhar toda a composição em papelão ou papel (Apêndice A, Fig. A7). O papelão é feito em tamanho real com um lápis, carvão. Nele, a solução composicional, a natureza da forma e proporção dos objetos, as tarefas de perspectiva aérea e linear são aperfeiçoadas e concluídas, o planejamento da paisagem é determinado e o centro composicional está sendo trabalhado. Depois disso, o desenho do papelão (através de papel vegetal ou pó) é transferido para a tela.

5) Pintura em tela:

depois de pesquisas composicionais e de fazer papelão, você pode começar a pintar em tela, começando com a subpintura, refinando as relações tonais e de cores, colocando sombras, trabalhando nos detalhes. Em seguida vem o resumo e a conclusão do trabalho (Apêndice A, Fig. A8-A14).

1. Se você tem experiência em lápis, pode começar a aprender pintura com segurança;
2. Se você não tem experiência, primeiro recomendamos que você faça o Curso Básico na escola de pintura para adultos. No final deste curso, você achará muito mais fácil pintar;
3. Se você tem uma experiência séria em desenhar com lápis e tintas, pode começar, sob a orientação de um professor experiente, a criar seu retrato, copiar mestres ou desenvolver suas ideias.

Trabalhos de pintura

Natalya Kudryavtseva 3 meses de treinamento (óleo);	Nastya Khokhlova 3 meses de treino (pastel)	5 meses de treino (óleo)	Nastya Trosnova cerca de 6 meses de treino (pastel)

Elya Grudina (12 anos) 6 meses de treino (óleo)	Katya Popova (16 anos) 8 meses de treino (óleo)	Tanya Nigay (24 anos) 7 meses de treino (óleo)

Elena Orlova cerca de 2 anos de estudo (aquarela)	Valya Shvets (27 anos) 4 meses de estudo (pastel)	Valya Shvets (27 anos) 8 meses de estudo (pastel)

Artes gráficas

A abordagem individual usada no estúdio Art-Idea pressupõe que o professor lida com você com base em seus objetivos e necessidades. Nesse sentido, você pode melhorar em qualquer técnica de desenho que lhe interesse, seja aquarela fina e transparente ou uma técnica de pintura a óleo mais pastosa. Também na escola de pintura para adultos você pode se familiarizar com a mais delicada técnica de pastel, técnica de guache brilhante, têmpera fosca ou técnica de pincel seco.

Na escola Art-Idea, a pintura pode ser ensinada a adultos e crianças.

escola de pintura

Trabalhos feitos com uma espátula

Entrando escola de pintura, geralmente assumimos que vamos desenhar em uma folha de papel e com um pincel! Esta é a nossa representação habitual Fato interessante: A escola italiana de pintura não recomenda o uso de pincéis pelo artista iniciante. No início, eles aprendem a exibir algo em geral e apenas com uma espátula. O pincel chama a atenção para as pequenas coisas que não são necessárias numa fase inicial do treino.

Aprender a cor é muito divertido! Você provavelmente já ouviu falar que cores diferentes têm efeitos diferentes em uma pessoa. Assim, o vermelho é capaz de excitar, e o azul acalma, o amarelo traz alegria e o verde traz harmonia. Na vida de uma pessoa moderna, muitas vezes faltam cores puras e brilhantes, daí o humor deprimido e o desânimo. Treinamento de pintura nesse sentido, é curativo para a maioria das pessoas, acrescentando às suas vidas a vibração e a harmonia daquelas cores que lhes faltam! Existe até essa direção - arteterapia, onde as pessoas são tratadas com a ajuda da cor. Assim, a pintura muitas vezes harmoniza não só a alma, mas também o corpo humano!

Treinamento de pintura tem lugar em Estúdios №1(m. pl. Vosstaniya) ou Estúdios №2(m. pr. Iluminismo ou m. Grazhdansky pr.)

A obra de Dmitry Revyakin é muito diversificada e abrange uma vasta gama de áreas - da pintura a óleo e têmpera à talha e à criação de objetos de autor no estilo Steampunk. Um lugar especial é ocupado por obras que são o cartão de visita do autor - pintura e talha em uma obra. A versatilidade das habilidades artísticas e o alto nível de habilidade de Dmitry Revyakin permitem que ele crie trabalhos criativos originais que representam a unidade orgânica da pintura e da escultura em madeira - pinturas e molduras como sua continuação semântica.

A pintura de Dmitry Revyakin está imbuída de amor pela natureza russa. Suas pinturas falam da infinita variedade de beleza, a beleza de todas as estações e a atitude reverente do artista em relação à sua terra natal. Paisagens e naturezas-mortas a óleo são caracterizadas pelo brilho da pintura, pela expressividade dos detalhes, pela beleza das nuances de luz e pela sensação geral de alegria.

Cópias de pinturas
(pinturas feitas em master classes)

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Você quer comprar uma pintura pelo menor preço em Moscou? Por favor contacte-nos, porque nas master classes de pintura, explicando aos alunos como pintar esta ou aquela paisagem, natureza morta, Dmitry pinta um quadro, e depois vendemos. A maioria pintura a óleo barata Só aqui! Se você encontrar pinturas em Moscou mais baratas do que no estúdio de Leonardo, escreva para nós onde fica esse lugar! Você pode ver e encomendar pintura a óleo ou compre abaixo. Dmitry Revyakin é um excelente pintor e mestre em seu ofício, você pode ordem dele cópia de qualquer conhecido pinturas ou encomendar uma pintura a partir de uma foto. Abaixo está uma parte das obras do autor por Dmitry Revyakin (todas as pinturas estão à venda).

Escultura em madeira D.V. Revyakina.

Dmitry está envolvido em talha, trabalha na técnica de marchetaria. Você pode ver fotos de D.V. Revyakin abaixo.
A escultura em madeira é uma arte tradicional russa que ganhou reconhecimento mundial. Objetos de madeira natural enchem o interior com conforto e aconchego especial, criam a imagem de uma casa rica em tradições e apreciando a estabilidade. O site apresenta os seguintes produtos com esculturas em madeira que você pode comprar: chaban (tábua de chá), moldura de espelho, porta-joias, móveis esculpidos, etc.

Steampunk.

D.V. Revyakin funciona no estilo Steampunk (veja a foto abaixo). Você pode encomendar um retrato steampunk emoldurado em uma moldura steampunk. O artista será capaz de cumprir qualquer pedido. Steampunk (ou steampunk) é uma direção baseada na fantasia, criando uma nova realidade, objetos, com a ajuda de elementos mecânicos e tecnológicos das máquinas a vapor. Steampunk como estilo é difundido na pintura, gráficos, escultura e design, e itens do cotidiano criados no estilo Steampunk são muito populares entre os jovens. Você também pode encomendar um retrato de fantasia, e Dmitry pintará uma imagem excelente.

Pleno ar.

Dmitry Revyakin muitas vezes pinta da natureza. Qualquer artista confirmará que a única maneira de adquirir a experiência de um verdadeiro pintor é trabalhar ao ar livre, estudando a natureza. É uma atividade fascinante encontrar um lugar na natureza e de manhã cedo pintar uma bela paisagem da natureza. É melhor trabalhar de manhã ou à noite, porque as cores neste momento são mais interessantes para o artista. Ao estudar a natureza, você aprenderá tons reais, não fictícios, encontrará e comparará combinações de cores complexas com a realidade ao seu redor.
"O quadro de um pintor não será perfeito se ele tomar como inspiração os quadros dos outros; se aprender com os objetos naturais, produzirá um bom fruto" Leonardo Da Vinci.

técnica de pintura- um conjunto de técnicas de utilização de materiais e meios artísticos.

Técnicas tradicionais de pintura: encáustica, têmpera, parede (cal), cola e outros tipos. Desde o século XV, a técnica de pintura com tintas a óleo tornou-se popular; no século 20, as tintas sintéticas apareceram com um aglutinante feito de polímeros (acrílico, vinil etc.). Guache, aquarela, nanquim e técnica de semi-desenho - pastel - também são chamados de pintura.

AGUARELA

Aquarela(do italiano "aquarello") - significa pintar com tintas à base de água.

Existem muitas técnicas artísticas na aquarela: trabalho em papel molhado ("A la Prima"), trabalho em papel seco, preenchimento, lavagem, uso de lápis aquarela, tinta, trabalho com pincel seco, uso de espátula, sal, pintura multicamadas, uso de mídia mista.

Variedades de técnicas de aquarela:

dry - pintura em papel seco, com cada camada de tinta secando antes de aplicar a próxima

de forma úmida, aquarela molhada, alla prima - pintura em papel molhado. A técnica wet-on-wet usa fluxo de aquarela para criar efeitos de cores incomuns. O uso desta técnica requer conhecimento do teor de umidade do papel e experiência com a própria técnica.

Alla prima (ala prim) (derivado do italiano alla prima - no primeiro momento) é um tipo de técnica de pintura a óleo e aquarela que envolve a execução de um quadro (ou seu fragmento) em uma sessão, sem registro prévio e pintura de base.

O sombreamento é uma técnica muito interessante na aquarela. As transições de cores suaves permitem que você represente efetivamente o céu, a água, as montanhas.

A espátula é usada não apenas na pintura a óleo, mas também na pintura em aquarela. Com uma espátula, você pode enfatizar os contornos de montanhas, pedras, rochas, nuvens, ondas do mar, retratar árvores, flores.

As propriedades absorventes do sal são usadas para produzir efeitos interessantes na aquarela. Com a ajuda do sal, você pode decorar o prado com flores, obter um ambiente de ar em movimento na imagem, transições tonais em movimento.

A pintura em várias camadas é rica em cores. Na pintura multicamadas, são utilizadas todas as técnicas artísticas de trabalho com aquarela.

A aquarela é uma das técnicas de pintura mais difíceis. A principal qualidade da aquarela é a transparência e a leveza da imagem. A aparente simplicidade e facilidade de pintar com aquarelas é enganosa. A pintura em aquarela requer habilidade com um pincel, habilidade em ver tom e cor, conhecimento das leis de misturar cores e aplicar uma camada de tinta no papel. Existem muitas técnicas na aquarela: trabalho em papel seco, trabalho em papel molhado ("A la Prima"), uso de lápis de aquarela, tinta, pintura em várias camadas, pincel seco, preenchimento, lavagem, uso de uma espátula, sal, uso de meios mistos.

A aquarela, apesar da aparente simplicidade e facilidade de desenho, é a técnica de pintura mais complexa. A pintura em aquarela requer habilidade com um pincel, habilidade em ver tom e cor, conhecimento das leis de misturar cores e aplicar uma camada de tinta no papel.

Para o trabalho em aquarela, o papel é um dos materiais mais importantes. Sua qualidade, tipo, relevo, densidade, granulação, dimensionamento são importantes. Dependendo das qualidades do papel, as tintas de aquarela são aplicadas ao papel de diferentes maneiras, absorvidas, secas.

LÁPIS

Um lápis é um material para desenhar. Distinguir entre lápis preto e lápis de cor. O desenho a lápis é feito em papel usando hachuras, manchas tonais, renderização de claro-escuro.

Lápis de aquarela são um tipo de lápis de cor que são solúveis em água. As técnicas de uso do lápis aquarela são variadas: borrar um desenho com lápis aquarela com água, trabalhar com lápis aquarela embebido em água, trabalhar com lápis sobre papel molhado, etc. O desenho é mais difícil de realizar.

Com a ajuda de um lápis, você pode obter um número infinito de tons, gradações de tom. O desenho usa lápis de vários graus de suavidade.

Eles começam a trabalhar em um desenho gráfico com um desenho construtivo, ou seja, um desenho dos contornos externos de um objeto usando linhas de construção, geralmente com um lápis de suavidade média H, HB, B, F, depois em um desenho de tom, no qual não há linhas de contorno de objetos, e os limites dos objetos são indicado por hachura, se necessário, use lápis mais macios. O mais difícil é 9H, o mais suave é 9B.

Em um desenho a lápis, é desejável fazer o mínimo de correções possível e usar uma borracha com cuidado para não deixar manchas, para que o desenho pareça fresco e limpo. É melhor não usar sombreamento em um desenho a lápis pelos mesmos motivos. Para aplicar o tom, é usada uma técnica de hachura. Os traços podem ser diferentes em direção, comprimento, rarefação, pressão do lápis. A direção do traço (horizontal, vertical, oblíquo) é determinada pela forma, tamanho do objeto, movimento da superfície no desenho.

O retrato a lápis é muito realista e cheio de luz. De fato, com a ajuda de um lápis, você pode transmitir muitos tons, a profundidade e o volume da imagem, as transições do claro-escuro.

Um desenho a lápis é fixado com um fixador, para que o desenho não perca sua clareza, não borre mesmo quando tocado com a mão e permanece por muito tempo.

ÓLEO

A pintura a óleo sobre tela é a técnica de pintura mais popular. A pintura a óleo dá ao mestre um número ilimitado de maneiras de retratar e transmitir o clima do mundo circundante. Traços transparentes pastosos ou arejados através dos quais a tela é visível, criando um relevo com uma espátula, vidraças, usando tintas transparentes ou opacas, diversas variações de mistura de cores - toda essa variedade de técnicas de pintura a óleo permite ao artista encontrar e transmitir o clima , o volume dos objetos retratados, o ar, criam um espaço de ilusão, para transmitir a riqueza das sombras do mundo circundante.

A pintura a óleo tem sua própria peculiaridade - a imagem é pintada em várias camadas (2-3), cada camada precisa secar por vários dias, dependendo dos materiais usados, então geralmente uma pintura a óleo é pintada de vários dias a várias semanas.

O mais aceitável para a pintura a óleo é a tela de linho. O tecido de linho é durável, tem uma textura viva. As telas de linho vêm em uma variedade de tamanhos de grão. A tela de granulação fina e mais suave é usada para retratos e pinturas de granulação fina. A tela de granulação grossa é adequada para pintura com textura pronunciada (pedras, rochas, árvores), pintura empastada e pintura com uma espátula. Anteriormente, a pintura usava a técnica de envidraçamento, aplicando tinta em camadas finas, de modo que a rugosidade da camada de linho dava elegância à imagem. Agora, na pintura, a técnica de pinceladas de impasto é frequentemente usada. No entanto, a qualidade da tela é importante para a expressividade da pintura.

A lona de algodão é um material durável e barato, adequado para pintura com pinceladas de pasta.

Na pintura a óleo, também são usadas bases como serapilheira, compensado, papelão, metal e até papel.

As telas são esticadas em papelão e em uma maca. As telas em papelão são finas e geralmente não vêm em tamanhos grandes e não ultrapassam o tamanho de 50x70. São leves e fáceis de transportar. As telas em uma maca são mais caras, as telas acabadas em uma maca podem atingir um tamanho de 1,2 m por 1,5 m. A pintura finalizada é emoldurada.

Antes de trabalhar com óleo, as telas são coladas e preparadas. Isso é necessário para que a tinta a óleo não destrua a tela e que a tinta fique bem na tela.

Pinturas com tintas a óleo são mais frequentemente escritas colocando a tela em um cavalete. Na pintura a óleo, é usada a técnica de trabalhar com uma espátula. Faca de paleta - uma ferramenta feita de aço flexível na forma de uma faca ou espátula com cabo curvo. Uma forma diferente de uma espátula ajuda a obter diferentes texturas, relevos, volumes. Uma espátula também pode aplicar traços uniformes e suaves. A lâmina de uma espátula também pode ser usada para criar linhas finas - verticais, horizontais, caóticas.

PASTEL

Pastel(de lat. pasta - massa) - uma técnica de pintura e desenho em uma superfície áspera de papel e papelão com pastéis. O pastel é um dos tipos muito incomuns de materiais pictóricos. A pintura pastel é arejada e macia. A subtileza e elegância da técnica do pastel conferem vivacidade às imagens, algures fabulosos e mágicos. Na técnica de pastéis "secos", a técnica de "sombreamento" é amplamente utilizada, o que dá o efeito de transições suaves e ternura de cor. Pastel é aplicado ao papel áspero. A cor do papel importa. A cor de fundo, aparecendo através dos traços do pastel, evoca um certo estado de espírito, enfraquecendo ou realçando os efeitos de cor da imagem. As pinturas a pastel são fixadas com um fixador e armazenadas sob vidro.

A técnica do pastel ganhou grande popularidade e atingiu seu auge no século XVIII. O pastel tem a capacidade de dar a qualquer enredo uma suavidade e ternura incomuns. Nesta técnica, você pode fazer qualquer assunto - de paisagens a desenhos de pessoas.

As vantagens do pastel estão em grande liberdade para o artista: permite remover e sobrepor camadas pictóricas inteiras, interromper e retomar o trabalho a qualquer momento. Pastel combina as possibilidades da pintura e do desenho. Ela pode desenhar e escrever, trabalhar com sombreamento ou um local pitoresco, com um pincel seco e molhado.

Tipos de pastel:

seco- feito de pigmento por prensagem sem adição de óleo

oleoso- feito de pigmento com óleo de linhaça por prensagem.

ceroso- feito de pigmento por prensagem com adição de cera

As técnicas de pastel são variadas. Traços pastel são esfregados com os dedos, liquidificadores especiais, rolos de couro, pincéis quadrados de seda, pincéis, tampões macios. A técnica pastel é muito sutil e complexa em suas sobreposições de "vidraças" pastel de cor sobre cor. Pastel é sobreposto com manchas, traços, vidros.

Para trabalhar com lápis pastel, são necessárias bases que seguram o pastel e evitam que ele se desfaça. Os pastéis trabalham em tipos de papel áspero, como "torchon", papel de desenho, lixa, em papelão solto, felpudo, camurça, pergaminho, tela. A melhor base é a camurça, na qual estão escritas algumas das obras que se tornaram clássicas. Os desenhos em pastel são fixados com fixadores especiais que evitam que o pastel se desprenda.

Edgar Degas foi um mestre pastel insuperável. Degas tinha um olhar aguçado e um desenho infalível, o que lhe permitiu obter efeitos inéditos em pastéis. Nunca antes os desenhos em pastel foram tão trêmulos, magistralmente descuidados e tão preciosos em cores. Em seus trabalhos posteriores, que lembram um festivo caleidoscópio de luzes, E. Degas era obcecado pelo desejo de transmitir o ritmo e o movimento da cena. Para dar um brilho especial às tintas e fazê-las brilhar, o artista dissolveu o pastel com água quente, transformando-o numa espécie de tinta a óleo, e aplicou na tela com um pincel. Em fevereiro de 2007, na Sotheby's em Londres, o pastel de Degas "Três dançarinos de saia roxa" foi vendido por US $ 7,87 milhões. Na Rússia, mestres como Repin, Serov, Levitan, Kustodiev, Petrov-Vodkin trabalharam em pastéis.

SANGINA

A gama de cores do sanguíneo, um material de desenho, varia de marrom a quase vermelho. Com a ajuda do sanguíneo, os tons do corpo humano são bem transmitidos, então os retratos feitos pelo sanguíneo parecem muito naturais. A técnica de desenhar da vida com a ajuda do sanguíneo é conhecida desde o Renascimento (Leonardo da Vinci, Rafael). Muitas vezes, o sanguíneo é combinado com carvão ou um lápis italiano. Para garantir maior durabilidade, os desenhos sanguíneos são fixados com fixador ou colocados sob o vidro.

A Sanguina é conhecida desde a antiguidade. Foi então que o sanguíneo tornou possível introduzir a cor da pele no desenho. A técnica do desenho sanguíneo tornou-se difundida no Renascimento. Os artistas renascentistas desenvolveram e usaram amplamente a técnica dos "três lápis": aplicavam um desenho com sangue ou sépia e carvão sobre papel colorido e depois destacavam as áreas desejadas com giz branco.

Sanguina(do latim "sanguineus" - "sangue vermelho") - são lápis de tons castanho-avermelhados. Sanguina é feito de sienna e barro queimados finamente moídos. Como pastel, carvão e molho, o sanguine é um material macio que é moldado em giz de cera quadrado ou redondo durante a produção.

Com a ajuda do sanguíneo, os tons do corpo humano são bem transmitidos, então os retratos feitos pelo sanguíneo parecem muito naturais.

A técnica sangüínea é caracterizada por uma combinação de traços largos e sombreados com traços de blocos sangüíneos bem afiados. Belos desenhos sanguíneos são obtidos em um fundo colorido, especialmente quando carvão e giz são adicionados ao material de base (a técnica dos “três lápis”).

Para o desenho, é escolhido um sanguíneo de tal tonalidade que melhor se adapte às características da natureza. Por exemplo, é bom desenhar um corpo nu com um sanguíneo avermelhado e uma paisagem com um sanguíneo marrom-acinzentado ou sépia.

Às vezes, o sanguíneo é combinado com carvão, o que dá tons frios. O contraste de tons quentes e frios dá um charme especial a essas obras.

Para garantir maior durabilidade, os desenhos sangüíneos podem ser fixados com fixador ou colocados sob o vidro.

TEMPERA

Têmpera(do latim "temperare" - conectar) - um aglutinante de tintas, consistindo em uma emulsão natural ou artificial. Antes do aperfeiçoamento das tintas a óleo por J. Van Eyck (século XV), a têmpera de ovo medieval era um dos tipos de pintura mais populares e difundidos na Europa, mas gradualmente perdeu seu significado.

Na segunda metade do século XIX, a desilusão da pintura a óleo posterior deu início à busca de novos aglutinantes de tinta, e a têmpera esquecida, cujas obras bem conservadas falam por si mesmas, volta a atrair interesse.

Ao contrário da pintura a óleo e da têmpera antiga, a nova têmpera não exige do pintor um determinado sistema de pintura, dando-lhe total liberdade nesse aspecto, que ele pode usar sem prejudicar a resistência da pintura. A têmpera, ao contrário do óleo, seca rapidamente. As pinturas de têmpera cobertas com verniz não são inferiores à pintura a óleo em termos de cor e, em termos de imutabilidade e durabilidade, as tintas de têmpera superam as a óleo.

Os materiais e técnicas gráficas são variados, mas, via de regra, a base é uma folha de papel. A cor e a textura do papel desempenham um papel importante. Materiais e técnicas coloridas são determinadas pelo tipo de gráficos.