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INSTITUIÇÃO EDUCACIONAL DO ORÇAMENTO DO ESTADO FEDERAL

FORMAÇÃO PROFISSIONAL SUPERIOR

"UNIVERSIDADE ESTADUAL DE RYAZAN NOMEADA DEPOIS DE S.A. YESENIN"

Faculdade de Filologia Russa e Cultura Nacional

Direção de preparação "Teologia"

Ao controleTrabalhar

Na disciplina "Cultura Artística Mundial"

Sobre o tema: "Renascimento veneziano"

Concluído por um aluno do 2º ano

educação em tempo parcial:

Kostyukovich V. G.

Verificado por: Shakhova I.V.

Ryazan 2015

Plano

• Introdução
• Conclusão
• Bibliografia

Introdução

O termo "Renascimento" (em francês "Renascimento", em italiano "Rinascimento") foi introduzido pela primeira vez pelo pintor, arquiteto e historiador da arte do século XVI. George Vasari, pela necessidade de determinar a época histórica, que se deveu ao estágio inicial de desenvolvimento das relações burguesas na Europa Ocidental.

A cultura renascentista originou-se na Itália e esteve ligada, em primeiro lugar, ao surgimento das relações burguesas na sociedade feudal e, como resultado, ao surgimento de uma nova visão de mundo. O crescimento das cidades e o desenvolvimento do artesanato, a ascensão do comércio mundial, as grandes descobertas geográficas do final do século XV e início do século XVI mudaram a vida da Europa medieval. A cultura urbana criou novas pessoas e formou uma nova atitude em relação à vida. Começou um retorno às conquistas esquecidas da cultura antiga. Todas as mudanças se manifestaram em maior medida no art. Nessa época, a sociedade italiana começou a se interessar ativamente pela cultura da Grécia e Roma Antigas, e os manuscritos de escritores antigos estavam sendo procurados. Várias esferas da vida da sociedade - arte, filosofia, literatura, educação, ciência - estão se tornando cada vez mais independentes.

O quadro cronológico do Renascimento italiano abrange o período da segunda metade do século XIII à primeira metade do século XVI. Dentro deste período, o Renascimento é dividido em várias etapas: a segunda metade dos séculos XIII-XIV. - Proto-Renascimento (pré-renascimento) e Trecento; Século 15 - início do Renascimento (Quattrocento); final do século XV-primeiro terço do século XVI - Alta Renascença (o termo Cinquecento é usado com menos frequência na ciência). Ilina s. 98 Este artigo examinará as características do Renascimento em Veneza.

O desenvolvimento da cultura renascentista italiana é muito diversificado, o que se deve aos diferentes níveis de desenvolvimento econômico e político das diferentes cidades da Itália, aos diferentes graus de poder e força da burguesia dessas cidades, seus vários graus de conexão com o feudalismo. tradições. Escolas de arte líderes na arte do Renascimento italiano no século XIV. eram sieneses e florentinos, no século XV. - Florentino, Úmbria, Pádua, Veneziano, no século XVI. - Romano e veneziano.

A principal diferença entre o Renascimento e a era cultural anterior foi a visão humanista do homem e do mundo ao seu redor, a formação dos fundamentos científicos do conhecimento humanitário, o surgimento da ciência natural experimental, as características da linguagem artística da nova arte , e finalmente, a afirmação dos direitos da cultura secular ao desenvolvimento independente. Tudo isso foi a base para o desenvolvimento subsequente da cultura européia nos séculos XVII e XVIII. Foi o Renascimento que realizou uma ampla e diversificada síntese de dois mundos culturais - pagão e cristão, que teve um impacto profundo na cultura dos tempos modernos.

As figuras do Renascimento criaram, em contraste com a visão de mundo feudal, a escolástica, uma nova visão de mundo secular, racionalista. O centro das atenções no Renascimento era o homem, por isso a visão de mundo dos portadores dessa cultura é denotada pelo termo "humanista" (do latim humanitas - humanidade). Para os humanistas italianos, o foco do homem em si mesmo era o principal. Seu destino está em grande parte em suas próprias mãos, ele é dotado por Deus de livre arbítrio.

O Renascimento é caracterizado pelo culto da beleza, especialmente a beleza do homem. A pintura italiana retrata pessoas bonitas e perfeitas. Artistas e escultores lutaram em seu trabalho pela naturalidade, por uma recriação realista do mundo e do homem. O homem no Renascimento volta a ser o tema principal da arte, e o corpo humano é considerado a forma mais perfeita da natureza.

O tema do Renascimento, e em particular do Renascimento em Veneza, é relevante porque a arte do Renascimento se desenvolveu a partir de uma síntese de tudo o que de melhor foi criado na arte medieval dos séculos anteriores e na arte do mundo antigo . A arte do Renascimento foi um ponto de virada na história da arte européia, colocando o homem em primeiro lugar, com suas alegrias e tristezas, mente e vontade. Desenvolveu uma nova linguagem artística e arquitetônica, que mantém seu significado até hoje. Portanto, o estudo do Renascimento é um elo importante para a compreensão de todo o desenvolvimento posterior da cultura artística da Europa.

Características do renascimento veneziano

Na abundância de artesãos talentosos e no escopo da criatividade artística, a Itália superou no século XV. todos os outros países europeus. A arte de Veneza representa uma variante especial do desenvolvimento da cultura artística do Renascimento em relação a todos os outros centros de arte renascentista na Itália.

Desde o século 13 Veneza era uma potência colonial que possuía territórios nas costas da Itália, Grécia e ilhas do Mar Egeu. Ela negociou com Bizâncio, Síria, Egito, Índia. Graças ao comércio intensivo, uma enorme riqueza fluiu para ele. Veneza era uma república comercial e oligárquica. Por muitos séculos, Veneza viveu como uma cidade fabulosamente rica, e seus habitantes não podiam se surpreender com a abundância de ouro, prata, pedras preciosas, tecidos e outros tesouros, mas o jardim do palácio era percebido por eles como o limite último da vida. riqueza, já que havia muito pouca vegetação na cidade. As pessoas tiveram que abandoná-lo em favor do aumento do espaço de vida, expandindo a cidade, que já estava espremida pela água de todos os lugares. É provavelmente por isso que os venezianos se tornaram muito receptivos à beleza, e cada estilo artístico atingiu um nível bastante alto em suas possibilidades decorativas. A queda de Constantinopla sob o ataque dos turcos abalou grandemente a posição comercial de Veneza, e ainda assim a enorme riqueza monetária acumulada pelos mercadores venezianos permitiu que ela mantivesse sua independência e modo de vida renascentista por uma parte significativa do século XVI.

Cronologicamente, a arte do Renascimento tomou forma em Veneza um pouco mais tarde do que na maioria dos outros grandes centros da Itália dessa época, mas também durou mais do que em outros centros da Itália. Tomou forma, em particular, mais tarde do que em Florença e, em geral, na Toscana. O renascimento em Veneza, como foi dito, tinha características próprias, ela estava pouco interessada em pesquisas científicas e escavações de antiguidades antigas. O Renascimento veneziano teve outras origens. A formação dos princípios da cultura artística do Renascimento nas belas artes de Veneza começou apenas no século XV. Isso não foi de forma alguma determinado pelo atraso econômico de Veneza, pelo contrário, Veneza, juntamente com Florença, Pisa, Gênova, Milão, era um dos centros economicamente mais desenvolvidos da Itália naquela época. É precisamente a transformação precoce de Veneza em uma grande potência comercial que é responsável por esse atraso, uma vez que um grande comércio, e correspondentemente maior comunicação, com os países orientais influenciou sua cultura. A cultura de Veneza estava intimamente associada à magnífica grandeza e luxo solene da cultura imperial bizantina e, em parte, à refinada cultura decorativa do mundo árabe. Já no século XIV, a cultura artística de Veneza era uma espécie de entrelaçamento de formas magníficas e festivas da monumental arte bizantina, animada pela influência da ornamentação colorida do Oriente e um repensar peculiarmente elegante dos elementos decorativos do gótico maduro. arte. Claro, isso também se refletirá na cultura artística veneziana do Renascimento. Para os artistas de Veneza, os problemas da cor vêm à tona, a materialidade da imagem é alcançada por gradações de cor.

O Renascimento veneziano foi rico em grandes pintores e escultores. Os maiores mestres venezianos do Alto e do final do Renascimento são Giorgione (1477-1510), Ticiano (1477-1576), Veronese (1528-1588), Tintoretto (1518-1594) “Culturology p. 193.

Principais representantes do Renascimento veneziano

George Barbarelli da Castelfranco, apelidado de Giorgione (1477-1510). Um artista típico do Alto Renascimento. Giorgione tornou-se o primeiro pintor mais famoso do Alto Renascimento em Veneza. Em sua obra, finalmente vence o princípio secular, que se manifesta no domínio das tramas sobre temas mitológicos e literários. A paisagem, a natureza e o belo corpo humano tornaram-se objeto de arte para ele.

Giorgione desempenhou o mesmo papel para a pintura veneziana que Leonardo da Vinci desempenhou para a pintura da Itália central. Leonardo está próximo de Giorgione com senso de harmonia, perfeição de proporções, ritmo linear primoroso, pintura com luz suave, espiritualidade e expressividade psicológica de suas imagens e, ao mesmo tempo, o racionalismo de Giorgione, que sem dúvida o influenciou diretamente quando estava passando de Milão em 1500. em Veneza. Ilina s. 138 Mas ainda assim, em comparação com a clara racionalidade da arte de Leonardo, a pintura de Giorgione é permeada de profundo lirismo e contemplação. Giorgione é mais emotivo que o grande mestre milanês, interessa-se não tanto pela perspectiva linear quanto pela aérea. A cor desempenha um papel enorme em suas composições. Tintas de som, colocadas em camadas transparentes, suavizam os contornos. O artista usa habilmente as propriedades da pintura a óleo. A variedade de tons e tons de transição o ajuda a alcançar a unidade de volume, luz, cor e espaço. A paisagem, que ocupa lugar de destaque em sua obra, contribui para a divulgação da poesia e harmonia de suas imagens perfeitas.

Entre suas primeiras obras, Judith (por volta de 1502) chama a atenção. A heroína, retirada da literatura apócrifa do Antigo Testamento, do Livro de Judite, é retratada como uma bela jovem tendo como pano de fundo a natureza silenciosa. O artista retratou Judith no momento de seu triunfo em toda a força de sua beleza e dignidade contida. A modelagem suave em preto e branco do rosto e das mãos lembra um pouco o "sfumato" de Leonard. Ilina s. 139 Uma bela mulher contra o pano de fundo da bela natureza, no entanto, introduz uma nota estranha e perturbadora nessa composição aparentemente harmoniosa da espada na mão da heroína e a cabeça decepada do inimigo, pisoteado por ela. Outra das obras de Giorgione deve ser notada "Tempestade" (1506) e "Concerto Country" (1508-1510), onde você também pode ver a bela natureza e, claro, a pintura "Vênus adormecido" (por volta de 1508-1510) . Infelizmente, Giorgione não teve tempo para concluir o trabalho em "Vênus adormecido" e, segundo os contemporâneos, o fundo da paisagem na imagem foi pintado por Ticiano.

Titian Vecellio (1477? - 1576) - o maior artista do Renascimento veneziano. Embora a data de seu nascimento não tenha sido estabelecida com certeza, ele provavelmente era um contemporâneo mais jovem de Giorgione e seu aluno, que superou o professor, segundo pesquisadores. Por muitos anos ele determinou o desenvolvimento da escola de pintura veneziana. A fidelidade de Ticiano aos princípios humanistas, a fé na mente e nas capacidades do homem, o poderoso colorismo conferem às suas obras uma grande força atrativa. Em sua obra, a originalidade do realismo da escola de pintura veneziana é finalmente revelada. Ao contrário de Giorgione, que morreu cedo, Ticiano viveu uma vida longa e feliz, cheia de trabalho criativo inspirado. Ticiano manteve a percepção poética do corpo nu feminino, retirado da oficina de Giorgione, muitas vezes reproduzido literalmente na tela quase a silhueta reconhecível da "Vênus adormecida", como em "Vênus de Urbino" (por volta de 1538), mas não na seio da natureza, mas no interior de um pintor contemporâneo em casa.

Ao longo de sua vida, Ticiano dedicou-se ao retrato, atuando como um inovador nessa área. Seu pincel pertence a uma extensa galeria de imagens de retratos de reis, papas, nobres. Aprofunda as características das personalidades por ele retratadas, percebendo a originalidade da postura, dos movimentos, das expressões faciais, dos gestos, do modo de vestir o terno. Seus retratos às vezes se transformam em pinturas que revelam conflitos psicológicos e relacionamentos entre as pessoas. No seu antigo retrato "Jovem com Luva" (1515-1520), a imagem de um jovem adquire características individuais específicas e, ao mesmo tempo, expressa uma imagem típica de um homem renascentista, com sua determinação, energia e sentimento de independência.

Se nos primeiros retratos ele, como era costume, glorificou a beleza, a força, a dignidade, a integridade da natureza de seus modelos, os trabalhos posteriores se distinguem pela complexidade e inconsistência das imagens. Nas pinturas criadas por Ticiano nos últimos anos de sua obra, ressoa uma verdadeira tragédia; na obra de Ticiano, nasce o tema do conflito entre o homem e o mundo exterior. No final da vida de Ticiano, seu trabalho sofre mudanças significativas. Ele ainda escreve muito sobre assuntos antigos, mas cada vez mais se volta para temas cristãos. Suas obras posteriores são dominadas por temas de martírio e sofrimento, discórdia irreconciliável com a vida e coragem estóica. A imagem de uma pessoa neles ainda tem uma força poderosa, mas perde as características do equilíbrio harmônico interno. A composição é simplificada, a partir da combinação de uma ou mais figuras de fundo arquitetônico ou paisagístico, imersas no crepúsculo. A técnica da escrita também muda, recusando cores vivas e jubilosas, ele se transforma em tons turvos, aço, azeitonas complexas, subordinando tudo a um tom dourado comum.

Em suas obras posteriores, mesmo as mais trágicas, Ticiano não perdeu a fé no ideal humanista. O homem para ele até o fim permaneceu o valor mais alto, o que pode ser visto no "Auto-Retrato" (por volta de 1560) do artista, que carregou os brilhantes ideais do humanismo por toda a sua vida.

No final do século XVI em Veneza, as características da nova era iminente da arte já são evidentes. Isso pode ser visto na obra de dois grandes artistas, Paolo Veronese e Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, apelidado de Veronese (nascido em Verona, 1528-1588) foi o último cantor da festiva Veneza do século XVI. Ele começou com a execução de pinturas para os palácios de Verona e imagens para as igrejas de Verona, mas a fama veio a ele quando em 1553 ele começou a trabalhar em murais para o Palácio do Doge veneziano. A partir desse momento e para sempre a sua vida está ligada a Veneza. Ele faz pinturas, mas mais frequentemente pinta grandes pinturas a óleo sobre tela para os patrícios venezianos, retábulos para igrejas venezianas por ordem própria ou por ordem oficial da República de Veneza. Tudo o que ele pintou foram enormes pinturas decorativas da festiva Veneza, onde uma multidão veneziana elegantemente vestida é retratada contra o pano de fundo de uma paisagem arquitetônica veneziana. Isso também pode ser visto em pinturas sobre temas evangélicos, como "A festa em Simão, o fariseu" (1570) ou "A festa na casa de Levi" (1573).

Jacopo Robusti, conhecido na arte como Tintoretto (1518-1594) ("tintoretto" - um tintureiro: o pai do artista era tintureiro de seda), ao contrário de Veronese, teve uma atitude trágica, que se manifestou em seu trabalho. Aluno de Ticiano, ele apreciava muito a habilidade colorística de seu professor, mas procurou combiná-la com o desenvolvimento do desenho de Michelangelo. Tintoretto ficou na oficina de Ticiano por muito pouco tempo, porém, segundo os contemporâneos, o lema estava pendurado nas portas de sua oficina: "Desenho de Michelangelo, colorir de Ticiano". Ilha s. 146 A maioria das obras de Tintoretto são escritas principalmente nas tramas de milagres místicos, em suas obras ele frequentemente retratava cenas de massa com ação dramática intensa, espaço profundo, figuras em ângulos complexos. As suas composições distinguem-se por um dinamismo excepcional, e no período tardio também por fortes contrastes de luz e sombra. Na primeira pintura que lhe trouxe fama, O Milagre de São Marcos (1548), ele apresenta a figura do santo em uma perspectiva complexa, e pessoas em estado de movimento tão violento que seria impossível na arte clássica do Alta Renascença. Tintoretto também foi o autor de grandes obras decorativas, um gigantesco ciclo de pinturas que ocupa dois andares das instalações da Scuolo di San Rocco, nas quais trabalhou de 1565 a 1587. No último período de sua obra, Tintoretto trabalha para o Palácio Ducal (composição "Paraíso", depois de 1588), onde antes, antes dele, o conhecido Paolo Veronese conseguiu trabalhar.

Falando do Renascimento veneziano, não podemos deixar de recordar o maior arquitecto, nascido e trabalhando em Vicenza, perto de Veneza - Andrea Palladio (1508-1580), usando o exemplo dos seus edifícios simples e elegantes, demonstrou como as realizações da antiguidade e a A Alta Renascença pode ser processada e usada de forma criativa. Ele conseguiu tornar a linguagem clássica da arquitetura acessível e universal.

As duas áreas mais importantes da sua atividade foram a construção de casas de cidade (palazzo) e residências de campo (villas). Em 1545, Palladio venceu a competição pelo direito de reconstruir a Basílica de Vicenza. A capacidade de enfatizar a harmonia do edifício, habilmente colocá-lo contra o pano de fundo das pitorescas paisagens venezianas, foi útil para ele em seu trabalho futuro. Isso pode ser visto no exemplo das vilas que ele construiu Malcontenta (1558), Barbaro-Volpi em Maser (1560-1570), Cornaro (1566). A Villa "Rotonda" (ou Capra) em Vicenza (1551-1567) é legitimamente considerada o edifício mais perfeito do arquiteto. É um edifício quadrado com pórticos jônicos de seis colunas em cada fachada. Todos os quatro pórticos levam a um salão central redondo coberto por uma cúpula baixa sob um telhado de telhas. No desenho das fachadas das vilas e palácios, Palladio costumava usar uma grande ordem, como pode ser visto no exemplo do Palazzo Chiericati em Vicenza (1550). Enormes colunas erguem-se em estilobates comuns, como no Palazzo Valmarana (iniciado em 1566) e na inacabada Loggia del Capitanio (1571), ou muito alta, absorvendo completamente o primeiro andar, como no Palazzo Thiene (1556). No final de sua carreira, Palladio voltou-se para a arquitetura da igreja. Ele é dono da igreja de San Pietro in Castello (1558), bem como San Giorgio Maggiore (1565-1580) e Il Redentore (1577-1592) em Veneza.

Palladio ganhou grande fama não apenas como arquiteto, mas também como autor do tratado "Quatro Livros de Arquitetura", que foi traduzido para vários idiomas. Seu trabalho teve um enorme impacto no desenvolvimento da direção classicista na arquitetura europeia dos séculos XVII e XVIII, bem como nos arquitetos da Rússia no século XVIII. Os seguidores do mestre formaram toda uma tendência na arquitetura européia, chamada de "palladianismo".

Conclusão

O Renascimento foi marcado na vida da humanidade por uma ascensão colossal da arte e da ciência. O renascimento que surgiu com base no humanismo, que proclamou o homem o valor supremo da vida, teve seu principal reflexo na arte. A arte do Renascimento lançou as bases da cultura europeia da Nova Era, mudou radicalmente todos os principais tipos de arte. Princípios criativamente revisados ​​do antigo sistema de ordem foram estabelecidos na arquitetura e novos tipos de edifícios públicos foram formados. A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens, retratos. Junto com as monumentais pinturas murais que adornam estruturas arquitetônicas, surgiu um quadro, surgiu a pintura a óleo. Em primeiro lugar na arte veio a individualidade criativa do artista, como regra, uma pessoa universalmente dotada. E todas essas tendências são muito claras e visíveis na arte do Renascimento veneziano. Ao mesmo tempo, Veneza, em sua vida criativa, era significativamente diferente do resto da Itália.

Se na Itália Central durante o Renascimento a arte da Grécia e Roma Antigas teve uma enorme influência, em Veneza a influência da arte bizantina e da arte do mundo árabe se misturou a isso. Foram os artistas venezianos que trouxeram cores sonoras brilhantes para suas obras, foram coloristas insuperáveis, sendo o mais famoso Ticiano. Eles prestaram muita atenção à natureza que cercava o homem, a paisagem. Um inovador nesta área foi Giorgione com sua famosa pintura "Tempestade". Ele retrata o homem como parte da natureza, prestando grande atenção à paisagem. Uma enorme contribuição para a arquitetura foi feita por Andrea Palladio, que tornou pública e universal a linguagem clássica da arquitetura. Seu trabalho teve consequências de longo alcance sob o nome de "palladianismo", que se manifestou na arquitetura européia dos séculos XVII e XVIII.

Posteriormente, o declínio da República de Veneza se refletiu na obra de seus artistas, suas imagens tornaram-se menos sublimes e heróicas, mais terrenas e trágicas, o que se vê claramente na obra do grande Ticiano. Apesar disso, Veneza permaneceu fiel às tradições do Renascimento por mais tempo do que outras.

Bibliografia

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2. Gukovsky M.MAS. Renascimento italiano. - L.: Leningrad University Press, 1990. - 624 p.

3. Ilin T.NO. História da arte. Arte da Europa Ocidental. - M.: Escola superior, 2000. - 368 p.

4. Culturologia: Livro Didático / Ed. editorial MAS.MAS.Radugina. - M.: Centro, 2001. - 304 p.

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O Renascimento em Veneza é uma parte separada e peculiar do Renascimento italiano. Aqui começou mais tarde, durou mais tempo, e o papel das tendências antigas em Veneza foi o menor. A posição de Veneza entre outras regiões italianas pode ser comparada com a posição de Novgorod na Rússia medieval. Era uma rica e próspera república patrícia-mercante que detinha as chaves das rotas de comércio marítimo. Todo o poder em Veneza pertencia ao "Conselho dos Nove", eleito pela casta dominante. O poder real da oligarquia foi exercido nos bastidores e de forma cruel, por meio de espionagem e assassinatos encobertos. O lado externo da vida veneziana parecia o mais festivo possível.

Em Veneza, havia pouco interesse em escavações de antiguidades antigas; seu Renascimento teve outras fontes. Veneza há muito mantém estreitos laços comerciais com Bizâncio, com o Oriente Árabe, negociado com a Índia. A cultura de Bizâncio criou raízes profundas, mas não foi a austeridade bizantina que se enraizou aqui, mas seu brilho, seu brilho dourado. Veneza reformulou as tradições góticas e orientais (a renda de pedra da arquitetura veneziana, que lembra a Alhambra mourisca, fala delas).

A Catedral de São Marcos é um monumento arquitetônico sem precedentes, cuja construção começou no século X. A singularidade da catedral é que combina harmoniosamente colunas tiradas de Bizâncio, mosaicos bizantinos, escultura romana antiga, escultura gótica. Tendo absorvido as tradições de diferentes culturas, Veneza desenvolveu seu próprio estilo, secular, brilhante e colorido. O período de curto prazo do início do Renascimento chegou aqui não antes da segunda metade do século XV. Foi então que surgiram as pinturas de Vittore Carpaccio e Giovanni Bellini, retratando de forma cativante a vida de Veneza no contexto das histórias religiosas. V. Carpaccio no ciclo "A Vida de Santa Úrsula" retrata detalhadamente e poeticamente sua cidade natal, sua paisagem e seus habitantes.

Giorgione é considerado o primeiro mestre do Alto Renascimento em Veneza. Sua "Vênus Adormecida" é uma obra de incrível pureza espiritual, uma das imagens mais poéticas de um corpo nu na arte mundial. As composições de Giorgione são equilibradas e claras, e seu desenho é caracterizado por uma rara suavidade de linhas. Giorgione tem uma qualidade inerente a toda a escola veneziana - colorismo. Os venezianos não consideravam a cor um elemento secundário da pintura como os florentinos. O amor pela beleza da cor leva os artistas venezianos a um novo princípio pictórico, quando a materialidade da imagem é alcançada não tanto pelo claro-escuro quanto por gradações de cor. O trabalho dos artistas venezianos é profundamente emocional, o imediatismo desempenha aqui um papel maior do que o dos pintores de Florença.

Ticiano viveu uma vida longa - supostamente noventa e nove anos, e seu último período é o mais significativo. Tendo se tornado próximo de Giorgione, ele foi amplamente influenciado por ele. Isso é especialmente perceptível nas pinturas "Amor Terrestre e Celestial", "Flora" - obras de humor sereno, profundas em cores. Comparado a Giorgione, Ticiano não é tão lírico e refinado, suas imagens femininas são mais "mundanas", mas não são menos charmosas. Calmas, de cabelos dourados, as mulheres de Ticiano, nuas ou ricas em trajes, são, por assim dizer, a própria natureza imperturbável, “brilhando de eterna beleza” e absolutamente castas em sua franca sensualidade. A promessa de felicidade, a esperança de felicidade e o gozo completo da vida são um dos fundamentos do trabalho de Ticiano.

Ticiano é intelectual, segundo um contemporâneo, era "um interlocutor magnífico, inteligente, que sabia julgar tudo no mundo". Ao longo de sua longa vida, Ticiano permaneceu fiel aos altos ideais do humanismo.

Ticiano pintou muitos retratos, e cada um deles é único, pois transmite a originalidade individual inerente a cada pessoa. Na década de 1540, o artista pinta um retrato do Papa Paulo III, principal patrono da Inquisição, com seus netos Alessandro e Ottavio Farnese. Em termos de profundidade de análise de personagens, este retrato é um trabalho único. O velho predatório e frágil no manto papal se assemelha a um rato encurralado, que está pronto para correr para o lado. Os dois jovens agem com obsequiosidade, mas essa subserviência é falsa: sentimos a atmosfera de traição, engano, intriga. Terrível em seu retrato de realismo inflexível.

Na segunda metade do século XVI, a sombra da reação católica recai sobre Veneza; embora tenha permanecido formalmente um estado independente, a Inquisição penetra aqui também - e, afinal, Veneza sempre foi famosa por sua tolerância religiosa e pelo espírito laico e livre da arte. O país também sofre outro desastre: é devastado por uma epidemia de peste (Tiziano também morreu da peste). A este respeito, a atitude de Ticiano também está mudando, não há vestígios de sua antiga serenidade.

Em seus trabalhos posteriores, sente-se profunda tristeza espiritual. Entre eles, destacam-se a “Maria Madalena Penitente” e “São Sebastião”. A técnica de pintura do mestre em "São Sebastião" é levada à perfeição. De perto, parece que todo o quadro é um caos de traços. A pintura do falecido Ticiano deve ser vista à distância. Então o caos desaparece e no meio da escuridão vemos um jovem morrendo sob flechas, tendo como pano de fundo um fogo ardente. Grandes traços de varredura absorvem completamente a linha e generalizam os detalhes. Os venezianos, e principalmente Ticiano, deram um novo e enorme passo, colocando o pitoresco dinâmico no lugar da estatuária, substituindo o domínio da linha pelo domínio da mancha de cor.

O majestoso e rigoroso Ticiano em seu último autorretrato. Sabedoria, sofisticação total e consciência do próprio poder criativo respiram neste rosto altivo de nariz aquilino, testa alta e um olhar espiritual e penetrante.

O último grande artista do Alto Renascimento veneziano é Tintoretto. Ele escreve muito e rapidamente - composições monumentais, plafonds, grandes pinturas, transbordando de figuras em ângulos vertiginosos e com as mais espetaculares construções em perspectiva, destruindo sem cerimônia a estrutura do plano, forçando interiores fechados a se afastar e respirar espaço. O ciclo das suas pinturas dedicadas aos milagres de S. Mark (São Marcos liberta um escravo). Seus desenhos e pinturas são um turbilhão, uma pressão, uma energia de fogo. Tintoretto não tolera figuras frontais e calmas, então São Marcos literalmente cai do céu sobre as cabeças dos pagãos. Sua paisagem favorita é tempestuosa, com nuvens tempestuosas e relâmpagos.

A interpretação de Tintoretto do enredo da Última Ceia é interessante. Em sua foto, a ação acontece, muito provavelmente, em uma taverna mal iluminada, com teto baixo. A mesa é colocada na diagonal e leva o olhar para as profundezas da sala. Com as palavras de Cristo, hostes inteiras de anjos transparentes aparecem sob o teto. Há uma bizarra iluminação tripla: o brilho fantasmagórico dos anjos, a luz oscilante de uma lâmpada, a luz das auréolas ao redor das cabeças dos apóstolos e de Cristo. Esta é uma verdadeira fantasmagoria mágica: flashes brilhantes no crepúsculo, raios de luz rodopiantes e divergentes, o jogo de sombras cria uma atmosfera de confusão.

Renascimento na Itália.

Costuma-se designar os períodos da história da cultura italiana pelos nomes dos séculos: ducento (século XIII) - Proto-Renascimento(final do século), trecento (século XIV) - continuação do Proto-Renascimento, Quattrocento (século XV) - Início do Renascimento, cinquicento (século XVI) - alto renascimento(os primeiros 30 anos do século). Até o final do século XVI. continua apenas em Veneza; Este período é muitas vezes referido como "Renascimento tardio".

O período de maturação dos pré-requisitos para a transição para o Alto Renascimento coincide, como no resto da Itália, com o final do século XV. Foi durante esses anos que, paralelamente à arte narrativa de Gentile Bellini e Carpaccio, tomou forma o trabalho de vários mestres de uma nova direção artística, por assim dizer: Giovanni Bellini e Cima. Embora com o tempo eles trabalhem quase simultaneamente com Gentile Bellini e Carpaccio, eles representam o próximo estágio na lógica do desenvolvimento da arte do Renascimento veneziano. Esses foram os pintores, em cuja arte a transição para uma nova etapa no desenvolvimento da cultura renascentista foi mais claramente delineada. Isso foi especialmente revelado na obra do maduro Giovanni Bellini,

Veneza, que conseguiu manter sua independência, também mantém fidelidade às tradições do Renascimento por mais tempo.Dois grandes artistas do Alto Renascimento veneziano saíram da oficina de Gianbellino: Giorgione e Ticiano.Renascimento na República de Veneza. A virada para o final do Renascimento foi delineada em Veneza um pouco mais tarde do que em Roma e Florença, ou seja, em meados dos anos 40 do século XVI.

Giovanni Bellini - o maior artista da escola veneziana, que lançou as bases para a arte do Alto Renascimento em Veneza. Dramáticamente nítidos, de cores frias, os primeiros trabalhos de Giovanni Bellini (“Lamentação de Cristo”, cerca de 1470, Galeria Brera, Milão) no final da década de 1470, sob a influência da pintura de Piero e Messina, são substituídos por pinturas claras em que a paisagem espiritualizada está em consonância com as majestosas imagens humanas (o chamado “Lago Madonna”, “Festa dos Deuses”). As obras de Giovanni Bellini, incluindo suas numerosas Madonas, distinguem-se pela harmonia suave de cores sonoras e saturadas, como se penetradas pelo sol, e pela sutileza das gradações de claro-escuro, solenidade calma, contemplação lírica e poesia clara das imagens. Na obra de Giovanni Bellini, juntamente com a composição classicamente ordenada do retábulo renascentista (“Madonna Enthroned Surrounded by Saints”, 1505, Igreja de San Zaccaria, Veneza), formou-se um retrato humanista cheio de interesse pelo homem (retrato de um doge; retrato de um condottiere,). Em uma das últimas pinturas "A intoxicação de Noé" do artista, expressou um compromisso juvenil com os valores da vida e a facilidade da existência. A obra do artista Giovanni Bellini abriu caminho para a pintura veneziana do gótico tardio e do proto-renascimento à nova arte do Alto Renascimento.

O próximo estágio após a arte de Giovanni Bellini foi o trabalho de Giorgione - um seguidor direto de seu professor e um artista típico da época do Alto Renascimento. Ele foi o primeiro em solo veneziano a se voltar para temas literários e mitológicos. A paisagem, a natureza e o belo corpo humano nu tornaram-se para ele objeto de arte e objeto de culto. Com senso de harmonia, perfeição de proporções, ritmo linear primoroso, pintura de luz suave, espiritualidade e expressividade psicológica de suas imagens, Giorgione está próximo de Leonardo, que também o influenciou diretamente quando estava em Veneza a caminho de Milão . Mas Giorgione é mais emotivo que o grande mestre milanês, e como artista típico de Veneza, ele se interessa não tanto pela perspectiva linear quanto pelo ar e principalmente pelos problemas de cor. Já na primeira obra conhecida da Madonna, ele aparece como um artista totalmente desenvolvido; a imagem da Madona é cheia de poesia, sonhadora pensativa, permeada daquele clima de tristeza que é característico de todas as imagens femininas de Giorgione. Nos últimos cinco anos de sua vida (Giorgione morreu de peste), o artista criou suas melhores obras: na pintura "Tempestade" uma pessoa é retratada como parte da natureza. Uma mulher alimentando uma criança, um jovem com um cajado não estão unidos por nenhuma ação, mas estão unidos nesta majestosa paisagem por um humor comum, um estado de espírito comum. Giorgione possui a paleta mais fina e rica, a cor verde tem muitos tons: oliva nas árvores, quase preto nas profundezas da água, chumbo nas nuvens. Espiritualidade e poesia permeiam a imagem da "Vênus Adormecida"). Seu corpo é escrito com facilidade, liberdade, graciosidade, e não é sem razão que os pesquisadores falam da "musicalidade" dos ritmos de Giorgione; não é desprovido de charme sensual. Mas o rosto de olhos fechados é casto e rigoroso, em comparação com ele, as Vênus de Ticiano parecem verdadeiras deusas pagãs. Giorgione não teve tempo de terminar o trabalho em "Sleeping Venus"; segundo os contemporâneos, o fundo da paisagem na imagem foi pintado por Ticiano, como em outra obra tardia do mestre - "Concerto Country". Este quadro, que retrata dois senhores em roupas magníficas e duas mulheres nuas, um dos quais tira água de um poço e o outro toca flauta, é a obra mais alegre e cheia de sangue de Giorgione. Mas esse sentimento vivo e natural da alegria de ser não está associado a nenhuma ação específica, cheia de contemplação encantadora e clima sonhador. A combinação dessas características é tão característica de Giorgione que é o "Concerto Country" que pode ser considerado sua obra mais típica. A alegria sensual em Giorgione é sempre poetizada, espiritualizada.

Ticiano é o maior artista do Renascimento veneziano. Ele criou obras sobre temas mitológicos e cristãos, trabalhou no gênero retrato, seu talento colorístico é excepcional, sua engenhosidade composicional é inesgotável e sua feliz longevidade permitiu-lhe deixar para trás uma rica herança criativa que teve um enorme impacto na posteridade. Ticiano nasceu em uma pequena cidade no sopé dos Alpes. Seu primeiro trabalho foi a pintura conjunta de celeiros em Veneza com Giorgione. Após a morte de Giorgione, Ticiano pintou vários quartos em Pádua. A vida em Pádua apresentou ao artista as obras de Mantegna e Donatello. Glória a Ticiano vem cedo, ele se torna o primeiro pintor da república, a partir dos anos 20 - o artista mais famoso de Veneza, e o sucesso não o deixa até o fim de seus dias. O Duque de Ferrara encomenda-lhe uma série de pinturas em que Ticiano aparece como um cantor da antiguidade, que conseguiu sentir e, mais importante, encarnar o espírito do paganismo ("Bacanal", "Festa de Vênus", "Baco e Ariadne" ). Ticiano torna-se a figura mais brilhante da vida artística de Veneza. Os patrícios ricos venezianos encomendam retábulos de Ticiano e ele cria grandes ícones: a Ascensão de Maria, a Madona de Pesaro e outros. Na Madona de Pesaro, Ticiano desenvolveu o princípio de composição descentralizadora, que as escolas florentina e romana não conheciam. Ao deslocar a figura da Madonna para a direita, ele contrastou dois centros: semântico e espacial. Cores diferentes não se contradizem, mas atuam em unidade harmoniosa com a imagem. Ticiano neste período adora parcelas onde você pode mostrar a rua veneziana, o esplendor de sua arquitetura, a multidão curiosa festiva. É assim que surge uma de suas maiores composições, “A introdução de Maria no templo”, o próximo passo na arte de representar uma cena de grupo após a “Madonna de Pesaro”, na qual Ticiano combina habilmente a naturalidade da vida com a grandeza . Ticiano escreve muito sobre assuntos mitológicos, especialmente depois de uma viagem a Roma. Foi então que surgiram suas variantes de Danae, Danae é bela de acordo com o antigo ideal de beleza, que o mestre veneziano segue. Em todas essas variantes, a interpretação de Ticiano da imagem carrega um começo carnal, terreno, expressão da simples alegria de ser. Sua "Vênus" está próxima em composição a Dzhordzhonevskaya. Mas a introdução de uma cena doméstica no interior em vez de um fundo paisagístico, o olhar atento dos olhos arregalados da modelo, o cão nas patas são detalhes que transmitem a sensação da vida real na Terra, e não no Olimpo.

Ao longo de sua vida, Ticiano estava envolvido em retratos. Em seus modelos (especialmente em retratos do início e do meio período da criatividade), a nobreza da aparência, a majestade do porte, a contenção da postura e do gesto, criada por um esquema de cores igualmente nobre, e detalhes esparsos e rigorosamente selecionados (retrato de um jovem com uma luva, retrato, filha Lavinia, etc.) Se os retratos de Ticiano sempre se distinguem pela complexidade dos personagens e pela intensidade do estado interno, então nos anos de maturidade criativa ele cria imagens especialmente dramáticas , personagens contraditórios, apresentados em confronto e embate, retratados com força verdadeiramente shakespeariana (retrato de grupo). Um retrato de grupo tão complexo foi desenvolvido apenas na era barroca do século XVII.

No final da vida de Ticiano, seu trabalho sofre mudanças significativas. Ele ainda escreve muito sobre assuntos antigos, mas cada vez mais se volta para temas cristãos, para cenas de martírio, em que a alegria pagã, a harmonia antiga são substituídas por trágicas, a morte de um artista por seu aluno. A Madona, segurando o filho de joelhos, congelou de dor, Madalena levanta a mão em desespero, o velho permanece em profundo pensamento pesaroso.

49) Ticiano é um pintor italiano do Alto e Tardio Renascimento. Estudou em Veneza com Giovanni Bellini, em cuja oficina se aproximou de Giorgione; trabalhou em Veneza, bem como em Pádua, Ferrara, Roma e outras cidades. Ticiano incorporou em sua obra os ideais humanistas do Renascimento. Sua arte de afirmação da vida se distingue por sua versatilidade, amplitude de cobertura da realidade e divulgação dos profundos conflitos dramáticos da época. O interesse pela paisagem, a poesia, a contemplação lírica, o colorido sutil tornam os primeiros trabalhos de Ticiano (a chamada “Madona Cigana”; “Cristo e o Pecador”) relacionados à obra de Giorgione; o artista começou a desenvolver um estilo independente depois de se familiarizar com as obras de Rafael e Michelangelo. As imagens calmas e alegres de suas pinturas foram marcadas nesse período pela plenitude da vida, sentimentos vívidos, iluminação interior, pureza das cores. Ao mesmo tempo, Ticiano pintou vários retratos, rigorosos e calmos na composição e sutilmente psicológicos (“ Jovem com uma luva; “Retrato de um homem”). O novo período da obra de Ticiano (final da década de 1510 - 1530) está associado à ascensão social e cultural de Veneza, que nessa época se tornou um dos principais redutos do humanismo e das liberdades urbanas na Itália. Neste momento, Ticiano criou retábulos monumentais com pathos.

O final da década de 1530 é o auge da arte do retrato de Ticiano. Com uma perspicácia surpreendente, o artista retratou seus contemporâneos, captando vários traços, às vezes contraditórios, de seus personagens: hipocrisia e desconfiança, confiança e dignidade (“Ippolito Medici”). As telas de Ticiano são caracterizadas pela integridade dos personagens, coragem estóica (“Maria Madalena Arrependida; “Coroação com Espinhos”). A cor dos trabalhos posteriores de Ticiano é baseada no mais fino cromatismo colorido: o esquema de cores, geralmente subordinado a um tom dourado, é construído em tons sutis de marrom, azul-aço, rosa-vermelho, verde desbotado.

No período tardio de sua obra, Ticiano alcançou o auge tanto em sua habilidade pictórica quanto na interpretação emocional e psicológica de temas religiosos e mitológicos. A beleza do corpo humano, a plenitude do mundo circundante tornou-se o motivo principal das obras do artista com tramas da mitologia antiga. O estilo de escrita do artista torna-se excepcionalmente livre, composição, forma e cor são construídas em modelagem plástica arrojada, tintas são aplicadas a tela não apenas com um pincel, mas também com uma espátula e até os dedos. Esmaltes transparentes não escondem a pintura de base, mas em alguns lugares expõem a textura granulada da tela. Da combinação de traços flexíveis nascem imagens carregadas de drama.Na década de 1550, a natureza da obra de Ticiano muda, o início dramático cresce em suas composições religiosas (“O Martírio de São Lourenço”; “O Sepultamento”,). Ao mesmo tempo, volta-se para temas mitológicos, o motivo da beleza feminina florescente.A Maria Madalena chorando amargamente na tela de mesmo nome também se aproxima dessas imagens.

Uma importante virada na obra do artista ocorre na virada das décadas de 1550 para 1560. Escrever composições a partir dos temas "Metamorfoses", permeados de movimento e vibração da cor, já é um elemento do chamado "modo tardio" característicos das últimas obras de Ticiano ("São Sebastião"; "Lamentação de Cristo", etc.) Estas telas distinguem-se por uma complexa estrutura pictórica, esbatimento da fronteira entre formas e fundo; a superfície da tela é, por assim dizer, tecida a partir de traços aplicados com um pincel largo, às vezes esfregado com os dedos. Tons se complementam, tons consonantais ou contrastantes formam uma espécie de unidade da qual nascem formas ou cores tênues e cintilantes. A inovação da "maneira tardia" não foi compreendida pelos contemporâneos e só foi apreciada posteriormente.

A arte de Ticiano, que revelou mais plenamente a originalidade da escola veneziana, teve grande influência na formação dos maiores artistas do século XVII de Rubens e Velasquez. A técnica de pintura de Ticiano teve uma influência excepcional no desenvolvimento das artes plásticas mundiais, até o século XX.

• 50) Pintura “Violanta. Ticiano consegue encarnar mais plenamente o ideal de uma pessoa física e espiritualmente bela, dada em toda a plenitude vital de seu ser, em um retrato. Ele virou-se para o retrato em uma idade precoce. Naquela época, foi pintado um retrato de um jovem com uma luva rasgada, bem como um retrato de Mostya, surpreendendo pela pitoresca liberdade de caracterização e pela nobreza da imagem. Este período também inclui sua graça cheia de frieza "Violante", uma garota de cabelos louros com lindos olhos. Uma grossa onda de cabelos dourados pesados ​​cai sobre os ombros abertos maravilhosos e se transforma em uma penugem transparente e leve, envolvendo suavemente a renda delicada e a pele branca como a neve de uma jovem. Um vestido caro destina-se apenas a enfatizar mais uma vez uma origem nobre.
• 1520 - 1540 - o auge da arte do retrato de Ticiano. Durante esses anos, ele cria uma extensa galeria de retratos de seus contemporâneos, incluindo o sem nome "Jovem com uma luva", o humanista Mosti, o Medici, o governante de Mântua. O retrato do advogado Ferrara se distingue pela sutileza da transferência do mundo interior individual. Um lugar digno na fila gloriosa é ocupado por um retrato de Francesco Maria, vestido com armadura militar contra o fundo de bandeiras e insígnias correspondentes. O artista retratou seus contemporâneos com incrível perspicácia, capturando vários traços, às vezes contraditórios, de seus personagens: hipocrisia e desconfiança, confiança e dignidade. As pinturas de Ticiano são caracterizadas pela integridade dos personagens, coragem estóica. A cor dos trabalhos posteriores de Ticiano é baseada no mais fino cromatismo colorido: o esquema de cores, geralmente subordinado a um tom dourado, é construído em tons sutis de marrom, azul-aço, rosa-vermelho, verde desbotado.

"Retrato de Francesco Maria della Rovere" pode dar a impressão de que essa pessoa ocupa uma posição mais alta. Essa impressão é criada pelo fato de a imagem estar cheia de energia e tensão interna, a autoconfiança da pessoa retratada é óbvia e sua postura é a postura do governante. Ele procura dominar o espectador com seu olhar. Há muitos atributos na tela - armadura preta com um brilho metálico agressivo, várias varinhas, veludo carmesim real - tudo isso indica que Ticiano foi excelente em transmitir o significado social do cliente na imagem.

"Retrato de um jovem com uma luva." Ticiano consegue encarnar mais plenamente o ideal de uma pessoa física e espiritualmente bela, dada em toda a plenitude vital de seu ser, em um retrato. Tal é o retrato de um jovem com uma luva rasgada. Neste retrato, as semelhanças individuais são perfeitamente transmitidas e, no entanto, a atenção principal do artista é atraída não para detalhes particulares na aparência de uma pessoa, mas para o geral, para o mais característico de sua imagem. Ticiano, por assim dizer, revela através deste homem as características gerais típicas de um homem renascentista. Ombros largos, braços fortes e expressivos, uma postura solta, uma camisa branca desabotoada descuidadamente no colarinho, um rosto jovem e moreno, no qual os olhos se destacam com seu brilho vivo, criam uma imagem cheia de frescor e charme da juventude - é essas características que as principais qualidades e toda a harmonia única de uma pessoa feliz que não conhece dúvidas dolorosas e discórdias internas.

O retrato dos Médici nos dá a oportunidade de captar as profundas mudanças que se delineiam na década de 1540 na obra de Ticiano. No rosto esguio do duque, franjado por uma barba macia, ela deixou a marca da luta com as intrincadas contradições da realidade. Esta imagem tem algo em comum com a imagem de Hamlet.

No retrato de Tomaso Mosti, o herói não expressa quase nenhuma emoção. Para ele, a narração é feita por um terno, acessórios, mas o modelo em si é francamente passivo.Esse efeito é potencializado por tons monocromáticos, escurecimento das cores.

"Retrato de uma jovem de chapéu com uma pena." Como se fosse lavado pelo orvalho da manhã, o rosto da jovem respira frescura e entusiasmo juvenil. O chapéu se deslocou coquetemente para o lado, olhos vivos e curiosos e um colar de pérolas no pescoço de uma menina - temos diante de nós outro retrato feminino do grande mestre italiano. Parece que vai soprar uma brisa leve e as penugens de uma pena de avestruz balançam obedientemente atrás dele, são tão leves, tão arejadas. Com um pincel virtuoso, o artista torna quase tangíveis tanto o veludo verde-escuro do manto e a seda leve de um vestido fino, quanto a pele quente das delicadas mãos femininas.

A pintura veneziana atingiu um florescimento especial, distinguido por sua riqueza e riqueza de cores. A admiração pagã pela beleza física foi combinada aqui com o interesse pela vida espiritual do homem. A percepção sensorial do mundo era mais direta do que a dos florentinos e provocou o desenvolvimento da paisagem.

Giorgione. O palco do Alto Renascimento em Veneza abre a arte de Giorgio Barbarelli da Castelfranco, apelidado de Giorgione (por volta de 1477-1510), que desempenhou o mesmo papel para a pintura veneziana que Leonardo fez para a Itália Central.

Comparada com a clara racionalidade da arte de Leonardo, a pintura de Giorgione é permeada de profundo lirismo e contemplação. A paisagem, que ocupa lugar de destaque em sua obra, contribui para a divulgação da poesia e harmonia de suas imagens perfeitas. A conexão harmoniosa do homem com a natureza é uma característica importante da obra de Giorgione. Formado entre humanistas, músicos, poetas, ele próprio um músico notável, Giorgione encontra em suas composições a melhor musicalidade dos ritmos. A cor desempenha um papel enorme neles. Tintas de som, colocadas em camadas transparentes, suavizam os contornos. O artista usa habilmente as propriedades da pintura a óleo. A variedade de tons e tons de transição o ajuda a alcançar a unidade de volume, luz, cor e espaço. Entre suas primeiras obras, Judith (por volta de 1502, São Petersburgo, o Hermitage) atrai com suave devaneio, lirismo sutil. A heroína bíblica é retratada como uma bela jovem contra o pano de fundo da natureza silenciosa. No entanto, uma estranha nota perturbadora é introduzida nesta composição aparentemente harmoniosa pela espada na mão da heroína e a cabeça decepada do inimigo, pisoteado por ela.

Nas pinturas "A Tempestade" (por volta de 1505, Veneza, Galeria da Academia) e "Concerto Country" (por volta de 1508-1510, Paris, Louvre), cujos enredos permaneceram não identificados, o clima é criado não apenas pelas pessoas, mas também por natureza: pré-tempestuosa - no primeiro e calmamente radiante, solene - no segundo. Contra o pano de fundo da paisagem, as pessoas são retratadas, imersas no pensamento, como se esperassem algo ou tocassem música, constituindo um todo inseparável com a natureza ao seu redor.

A combinação do ideal harmonioso com a caracterização concreto-individual de uma pessoa distingue os retratos pintados por Giorgione. Atrai com profundidade de pensamento, nobreza de caráter, devaneio e espiritualidade de Antonio Brocardo (1508-1510, Budapeste, Museu de Belas Artes). A imagem de perfeita beleza sublime e poesia recebe sua encarnação ideal na "Vênus Adormecida" (por volta de 1508-1510, Dresden, Galeria de Arte). Ela é apresentada contra o pano de fundo de uma paisagem rural, imersa em um sono tranquilo. O ritmo suave dos contornos lineares de sua figura harmoniza-se sutilmente com as linhas suaves das colinas suaves, com a calma pensativa da natureza. Todos os contornos são suavizados, a plasticidade é idealmente bonita, as formas suavemente modeladas são proporcionalmente proporcionais. Nuances sutis de tons dourados transmitem o calor de um corpo nu. Giorgione morreu no auge de sua vida da peste, nunca tendo completado sua pintura mais perfeita. A paisagem da foto foi completada por Ticiano, que completou outras encomendas confiadas a Giorgione.

Ticiano. Por muitos anos, a arte de seu chefe, Ticiano (1485/1490-1576), determinou o desenvolvimento da escola de pintura veneziana. Junto com a arte de Leonardo, Rafael e Michelangelo, parece ser o auge do Alto Renascimento. A fidelidade de Ticiano aos princípios humanistas, a fé na vontade, na razão e nas capacidades humanas, o poderoso colorismo conferem a suas obras uma enorme força atrativa. Em sua obra, a originalidade do realismo da escola de pintura veneziana é finalmente revelada. A atitude do artista é de sangue puro, o conhecimento da vida é profundo e multifacetado. A versatilidade do seu talento manifestou-se no desenvolvimento de vários géneros e temas líricos e dramáticos.

Ao contrário de Giorgione, que morreu cedo, Ticiano viveu uma vida longa e feliz, cheia de trabalho criativo inspirado. Ele nasceu na cidade de Cadore, viveu toda a sua vida em Veneza, estudou lá - primeiro com Bellini e depois com Giorgione. Apenas por um curto período de tempo, já tendo alcançado fama, viajou a convite de clientes para Roma e Augsburgo, preferindo trabalhar no ambiente de sua espaçosa casa hospitaleira, onde seus amigos e artistas humanistas frequentemente se reuniam, entre eles o escritor Aretino, o arquiteto Sansovino.

O Renascimento O Renascimento em Veneza é uma parte separada e peculiar do Renascimento italiano geral. Aqui começou mais tarde, durou mais tempo, o papel das tendências antigas em Veneza foi o menor, e a conexão com o desenvolvimento posterior da pintura européia foi a mais direta. O Renascimento veneziano pode e deve ser discutido separadamente. A posição de Veneza entre outras regiões italianas pode ser comparada com a posição de Novgorod na Rússia medieval. Era uma rica e próspera república patrícia-mercante que detinha as chaves das rotas de comércio marítimo. O leão alado de São Marcos - o brasão de armas de Veneza - reinava sobre as águas do Mar Mediterrâneo, o ouro fluía de toda a terra para a lagoa veneziana. Veronese e Tiepolo retrataram Veneza como uma magnífica beleza loira, vestida de veludo vermelho e pele de arminho, banhada como Danae com chuva dourada. O leão sagrado do apóstolo humilde e devotamente, como um cão, jaz a seus pés.

A alegria de Veneza é especialmente fácil de imaginar a partir das telas de Canaletto, um artista do século XVIII: ele retratou esses carnavais e celebrações tradicionais com precisão documental. Praça de S. O selo está apinhado de uma multidão, gôndolas-pássaros pretos e dourados correm pelas águas verdes da lagoa, bandeiras tremulam, dosséis e capas escarlates brilham, meias-máscaras negras tremulam. Acima de tudo ergue-se e domina a arquitetura fabulosa, rendilhada, desmontada e multicolorida da Catedral de St. Mark e o Palácio Ducal.

O fruto da ampla sociabilidade de Veneza foi a Catedral de St. Marka é este monumento arquitetônico sem precedentes, onde camadas de cerca de sete séculos, a partir do século X, são combinadas em um todo inesperadamente harmonioso e encantadoramente belo, onde colunas tiradas de Bizâncio, mosaicos bizantinos, escultura romana antiga, escultura gótica coexistem pacificamente. O Palácio Ducal é um edifício não menos caprichoso: é o chamado gótico veneziano, combinando a arcada de lanceta gótica na parte inferior com um bloco maciço liso no topo, coberto com um padrão árabe de lajes brancas e vermelhas. Veneza desenvolveu seu próprio estilo, desenhando de todos os lugares, gravitando em direção ao colorido, ao pitoresco romântico. Como resultado, esta cidade nas ilhas, onde palácios se estendem ao longo do Grande Canal, refletida em suas águas, onde, de fato, a única vasta "terra" é St. Mark, tornou-se como uma caixa cheia de todos os tipos de jóias.

Deve-se notar que os artistas venezianos do Cinquecento eram pessoas de uma linhagem diferente dos mestres de outras regiões da Itália. Não envolvidos no humanismo científico, eles não eram tão versáteis quanto os florentinos ou Pádua - eram profissionais mais estreitos em sua arte - pintura. Grandes patriotas de Veneza, geralmente não se deslocavam para lugar algum e não vagavam, permanecendo fiéis à "Rainha do Adriático", que os recompensava bem. E, portanto, a escola veneziana, apesar da diferença de personalidades artísticas, tinha muitos traços genéricos comuns característicos dela, e apenas dela, transmitidos de pai para filho, de irmão para irmão nas grandes famílias artísticas. Na obra dos venezianos, a estabilidade da situação, a vida, a paisagem, o caráter foram afetados. Reconhecemos em todas as suas pinturas a atmosfera de Veneza pela abundância de motivos festivos, festivos, pelas balaustradas dos palácios, pelas vestes de veludo vermelho dos doges, pelos cabelos dourados das mulheres.

Paolo Veronese pode ser considerado o artista mais típico da festiva Veneza. Ele era um pintor, e apenas um pintor, mas um pintor até a medula dos ossos, um leão da pintura, violentamente talentoso e ingênuo em sua arte com aquela magnífica inocência do talento generoso, que sempre cativa e é capaz de expiar muito. que está faltando. Todo o alcance do talento alegre de Veronese é palpável em suas grandes composições lotadas, que foram chamadas "Casamento em Caná da Galiléia", "Festa na Casa de Levi", "Última Ceia", mas nada mais eram do que espetáculos coloridos de intoxicantes e jantares suntuosos em palácios venezianos, com músicos, bufões, cachorros.

Princípios criativamente revisados ​​do antigo sistema de ordem foram estabelecidos na arquitetura e novos tipos de edifícios públicos foram formados. A pintura foi enriquecida com uma perspectiva linear e aérea, conhecimento da anatomia e proporções do corpo humano. O conteúdo terreno penetrou nos temas religiosos tradicionais das obras de arte. Aumento do interesse pela mitologia antiga, história, cenas cotidianas, paisagens, retratos. Junto com as monumentais pinturas murais que adornavam estruturas arquitetônicas, surgiu uma pintura; pintura a óleo originada