Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

O famoso varejista de mídia britânico - HMV (His Master's Voice) - foi declarado falido desde segunda-feira. A rede de comércio, que existe desde 1921, não conseguiu competir com as vendas online, que se tornaram a principal forma de distribuição de música. O advento da novas tecnologias exigem novas abordagens para a visão geral da pesquisa de regulamentação Glynn Lanny

A necessidade de adaptar o regime de direitos autorais existente há muito tempo. Em seu estudo "A virada mercantilista no copyright" (Virada mercantilista de direitos autorais: precisamos de mais ou menos direitos autorais? Tulane Public Law Research Paper No. 12-20). Professor de Direito na Universidade de Tulane Glynn Lanny (Glynn S. Lunney) analisa a posição dos defensores de uma regulamentação de direitos autorais mais rígida. A aprovação de leis como SOPA e pipa, na opinião deles, contribuirá para o crescimento da renda da indústria criativa. Lanny duvida da viabilidade de tal argumento - parece que ao apertar a regulamentação dos direitos autorais, a única coisa que pode ser alcançada é que o Estado redirecione artificialmente parte da renda de outros setores da economia para a indústria criativa. Mas, ao mesmo tempo, as modernas tecnologias digitais formam novos mecanismos para estimular indivíduos criativos a criar novos valores culturais, o que é confirmado pelos resultados de seus estudos empíricos sobre a indústria da música.

Fases da indústria criativa

As novas tecnologias muitas vezes levam a transformações radicais em várias esferas da vida humana. O aparecimento da primeira prensa tipográfica de Gutenberg e, posteriormente, dos dispositivos de gravação de som e vídeo, reduziram significativamente o custo da cópia e possibilitaram a distribuição de obras criativas sem a participação direta de seus autores. Nos estágios iniciais do desenvolvimento dessas tecnologias, os inventores conseguiram distribuir com sucesso (não de graça, no entanto) cópias de conteúdo multimídia sem pagar royalties aos seus autores. Por exemplo, no final do século XIX, um piano mecânico (pianola) e fitas perfuradas nas quais as notas eram gravadas se espalharam ativamente, o que possibilitou a cópia e distribuição massiva de composições musicais.

Sob tais condições, compositores e editores de partituras corriam o risco de ficar sem renda. Para resolver o crescente conflito, foi alcançado um acordo que foi benéfico para ambos os lados. Os direitos autorais começaram a se estender às cópias de obras e os músicos, juntamente com as editoras de partituras, passaram a receber o direito de receber receitas de cópias distribuídas, e as gravadoras minimizaram a possibilidade de monopolização do mercado pelas editoras de partituras e passaram a ter acesso garantido às composições musicais por uma determinada taxa. Esse modelo de proteção de direitos autorais ainda é válido tanto na indústria da música quanto em outros ramos da indústria criativa. Existe um conceito segundo o qual tal modelo permite reduzir os custos de transação, mas ao mesmo tempo permanece insensível a mudanças nas condições econômicas.

O renascimento digital da indústria da música

O uso generalizado de tecnologias digitais nas últimas décadas transformou tangivelmente nossa sociedade. Co-diretor do Berkman Center for the Study of the Internet and Society da Harvard University Yochai Benkler (Yochai Benkler) em seu livro The Wealth of Networks observa que as tecnologias digitais tornaram possível a formação de uma economia da informação em rede que combina elementos de mercado e não-mercado. Tal economia opera com base em uma infraestrutura tecnológica universalmente distribuída (a tecnologia de computador é de propriedade e controlada por indivíduos). As “matérias-primas” são bens públicos (informação, conhecimento, cultura), cujo “valor social marginal” é, na verdade, igual a zero. No entanto, a criatividade humana e o poder computacional da tecnologia são recursos limitados. E os sistemas sociais de produção e troca (peer-to-peer) possibilitam o uso mais eficiente desses recursos.

A tecnologia digital transformou a indústria da música. Agora, para gravar e distribuir um álbum de música, por exemplo, basta ter um equipamento de gravação não muito caro, um computador e acesso à Internet. Como resultado, não há necessidade de os músicos recorrerem a estúdios de gravação conhecidos, que cobrem a maioria dos canais de distribuição de conteúdo musical. Reduzir os custos e riscos da criação de conteúdo digital ajuda a quebrar velhas barreiras de entrada no mercado da música, o que contribui para a formação de um ambiente altamente competitivo e o surgimento de novos trabalhos criativos. Mas, ao mesmo tempo, a produção musical está realmente “vazando” das mãos de seus produtores para um ambiente digital, no qual eles são menos capazes de controlar sua distribuição, e as receitas da indústria diminuíram. Isso afeta a motivação de indivíduos criativos para criar novos valores culturais?

Estado reforça apoio a direitos autorais

Para sobreviver na indústria da música, as gravadoras são forçadas a se adaptar às novas condições da era digital. Mas, em vez de apoiar o ambiente competitivo do setor, o governo dos EUA está adotando uma política interna e externa ativa com o objetivo de manter o “status quo” existente. O exemplo mais contundente do crescente papel do Estado na regulação da propriedade intelectual em nível doméstico é a adoção pela Casa Branca em 2010 do Plano Estratégico Geral para a Proteção da Propriedade Intelectual, que visa mais combater a falsificação do que na reforma da legislação no domínio da protecção da propriedade intelectual, incluindo .h. e direitos autorais.

Em seu artigo, um professor de direito da Universidade de Tulane Glynn Lanny observa que tal recuo dos EUA em relação às abordagens neoclássicas do comércio internacional pode ser prematuro. Os defensores de uma regulamentação de direitos autorais mais rígida argumentam que tal ação impulsionará o crescimento econômico, criará novos empregos e aumentará as receitas nas indústrias criativas. Mas os defensores dos direitos autorais muitas vezes perdem de vista como a regulamentação mais rígida dos direitos autorais afetará outros setores da economia.

Como modelo analítico para considerar tal interação, o Sr. Lanny sugere usar o paradoxo da janela quebrada de Frederic Bastiat, segundo o qual se um menino quebra vidro em uma padaria, então esta terá que pedir um novo, o que criará uma demanda para produtos de soprador de vidro e serviços de vidraceiro. Mas se o vidro permanecesse intacto, o padeiro poderia comprar botas novas com esse dinheiro. Como resultado, a economia cresceu, mas nenhum novo valor foi produzido para o padeiro. Assim, na indústria criativa, mesmo que a expansão do regime de direitos autorais crie novos incentivos para o crescimento econômico, nem sempre levará à criação de novos valores para a sociedade. Isso pode levar, por exemplo, ao “bombeamento” de recursos de outros setores da economia.

Fazendo música sem direitos autorais

Durante a primeira década dos anos 2000, após o surgimento do primeiro serviço de compartilhamento de arquivos de música Napster, as receitas do setor caíram pela metade (veja a Figura 2).

Figura 2. Volume de vendas de música (a preços de 2011)

Tabela número 9

PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO MERCADO DE MÚSICA RUSSO

O negócio da música russa depende diretamente das tendências gerais no desenvolvimento da economia doméstica. Um exemplo disso é a crise de agosto de 1998, quando toda a indústria fonográfica estava praticamente

fisicamente paralisado. Como resultado, o número de gravadoras diminuiu três vezes, o volume de vendas diminuiu 3-5 vezes (em alguns grupos de repertório - 10 vezes), os preços diminuíram 2-3 vezes em termos de moeda equivalente .

Um grande número de problemas que se acumularam nos últimos anos impedem o desenvolvimento da indústria da música. Em primeiro lugar, são questões: direitos, dívidas mútuas e confiança entre empresas. Agora, muitas empresas ainda não possuem um conjunto completo de documentos que confirmem seus direitos sobre determinados fonogramas (estamos falando de direitos autorais e direitos conexos). Os contratos foram celebrados sem observância das formalidades necessárias, pelo que, atualmente, há uma séria redistribuição da propriedade dos projetos que foram publicados nos últimos dez anos. Muitos empresários perceberam que precisavam comprar direitos, não fonogramas.

Outro problema da época era a nova política de preços. Os maiores vendedores são guiados pelo mínimo, comparável aos preços piratas. Tal abordagem tornou-se a única condição possível para a sobrevivência da indústria da música nacional e das empresas estrangeiras que fazem seus negócios na Rússia. No entanto, a decisão de trabalhar a preços baixos não foi fácil. As majors, por exemplo, tinham medo de reexportar CDs baratos para o Ocidente. E a reexportação realmente foi e é até agora. A promoção em massa de discos baratos da Rússia estava fora de questão, já que nenhum distribuidor que se preze ou dono de uma cadeia de lojas venderia discos de “origem incerta”, sem códigos IFPI e outros

simbolismo confirmando sua natureza jurídica. As importações paralelas continuam sendo um grande problema.

Em 1999, o mercado de cassetes do país mostrou que seu potencial é bastante significativo, embora comece a perder espaço, obedecendo às tendências mundiais.

Além das vendas de mídias tradicionais como MC e CD, em 1999 o mercado de CD-R estava se desenvolvendo bastante ativamente. Os discos CD-RW e DVD-RAM foram adicionados aos já tradicionais CD-Rs. Em 2000, a primeira linha de produção de CD-R foi colocada em operação na Rússia na Usina Eletrônica de Ural.

Um dos principais problemas de desenvolvimento de negócios é o alto nível de pirataria no país - 65-70%. Em alguns grupos de repertório, chega a 90%

Assim, o mercado russo como um todo fica assim (separação por tipos de mídia):

Mesa № 10

DADOS TOTAIS DE VENDAS LEGAIS E PIRATAS EM MILHÕES. $

* Consequências da crise de 17 de agosto de 1998 Como pode ser visto na tabela e nas figuras, o cassete compacto continua sendo o principal veículo da produção musical.

Tabela nº 11

VENDAS POR REPERTÓRIO EM MILHÕES. EKZ. (MC+CD3).

Tabela nº 12

ESTRUTURA DE MERCADO POR REPERTÓRIO (% DO TOTAL DE VENDAS LEGAIS).

O QUE É APK? O QUE É NAPA?

Para entender melhor o estado do mercado de vídeo dos EUA, considere a atividade da Motion Picture Producers Association of America (APCA). Esta é uma associação profissional das principais empresas de cinema, fotografia e televisão nos Estados Unidos. Seus membros incluem empresas como Buena Vista Pictures Distribution (Walt Disney Company, Hollywood Pictures Corporation, Sony Pictures Entertainment, Columbia, Trista), Twentys Century Fox Film Corporation, Universal City Studios e Warner Bros.

O APKA resolve muitos problemas: proteção de direitos autorais e interesses de empresas de cinema, vídeo e televisão, prevenção da pirataria de vídeo ao endurecer as penalidades para esse tipo de atividade ilegal. Os advogados da Associação auxiliam o Ministério Público na melhor forma de formular a acusação; coletar provas, garantir a participação de testemunhas e peritos, realizar análises jurídicas e jurídicas, calcular o valor da indenização.

Aproximadamente 100 investigadores da APKA operam nos Estados Unidos, auxiliando a polícia na investigação de atividades de "pirataria" e punindo os responsáveis. Em 1998, 2022 tais investigações foram realizadas. De acordo com os resultados de 262 deles, processos criminais foram iniciados e decisões judiciais foram emitidas. 52 perpetradores foram condenados a penas de prisão.

Os membros da Associação contribuem para operações antipirataria em mais de 70 países do mundo, incluindo a Rússia. Eles alugam seus

filmes na Rússia por meio de organizações que possuem as licenças russas apropriadas, como Cascade, East-West, Jemmy e Premier.

Desde outubro de 1998, 32 filmes produzidos por estúdios membros da APKA foram legalmente liberados para exibição nos cinemas russos. Entre eles: "Shakespeare in Love", "Armageddon", "Mummy", "Mask of Zorro", "The Adventures of Flick" e "Healer Adame". Além disso, uma série de filmes é apresentada em vídeo. Os filmes nos cinemas geralmente não estão sujeitos a distribuição simultânea em videocassetes. Normalmente, os últimos são colocados à venda após o final da distribuição do filme. Isso é feito para proteger os interesses dos distribuidores de filmes.

A APKA apoia a Organização Antipirataria Russa - RAPO. A administração da RAPO está localizada em Moscou, e a própria organização opera em grandes cidades em toda a Rússia. Os membros da RAPO incluem não apenas estúdios de cinema dos EUA e seus detentores de licença na Rússia, mas também organizações independentes de distribuição de filmes russos, duas empresas de televisão russas, a União Russa de Cinematógrafos, a Sociedade Russa de Colecionadores e a Associação Russa de Vídeo.

Os funcionários da RAPO auxiliam os órgãos de aplicação da lei e a polícia fiscal na investigação das origens dos produtos piratas, na realização de buscas para identificar seus fabricantes e vendedores. A RAPO representa especialistas que podem identificar itens de produtos "pirateados" e testemunhar em juízo.

NAPA - Associação Nacional de Fabricantes

distribuidores de produtos de áudio na Rússia. A decisão de criar a Associação Nacional de Fabricantes de Produtos de Áudio da Rússia foi tomada na primeira reunião da Comissão da Europa Oriental IFPI após a crise de agosto (setembro de 1998). Como resultado, o NAPA foi registrado em junho de 1999.

Os principais objetivos do NAPA são: preparação na Rússia com base no NAPA do grupo nacional da IFPI, que eventualmente se unirá ao pessoal do escritório de representação da IFPI em Moscou; proteger os direitos e interesses legítimos dos produtores de produção de áudio - empresas de música russas, combater a reprodução e distribuição de produtos de áudio ilegais e coordenar as atividades dos detentores dos direitos dos produtos de áudio para cumprir a legislação existente no território da Federação Russa.

Atualmente, o NAPA inclui as maiores empresas russas e grandes empresas que têm suas próprias filiais e afiliadas na Rússia, como Universal, BMG, EMI (S.B.A.), Gala Records, Real Records Art Stars, Studio Soyuz, Produtor Igor Matvienko Center, FeeLee Records Empresa, NOX-MUSIC e outros.

Até o momento, o NAPA tem sete organizações operando como afiliadas na Rússia. As negociações estão em andamento com outras regiões. O NAPA está se expandindo ativamente "para o interior", ao mesmo tempo em que se concentra nas regiões de negócios do país, mais de um milhão de cidades.

O NAPA inclui muitas empresas membros do NAPA que também são membros do IFPI. Para entender essa construção, vamos primeiro considerar a estrutura do IFPI em outros países e no mundo como um todo.

A Federação Internacional da Indústria Fonográfica (IFPI) reúne as gravadoras, que, por sua vez, estão unidas territorialmente em grupos nacionais. Ou seja, a federação é composta por grupos nacionais de vários países, por exemplo, grupos nacionais da Alemanha, EUA, etc. Até agora, não houve tal associação na Rússia. Em áreas de negócios de risco, o IFPI inicia suas atividades abrindo escritórios de representação. Depois de algum tempo, dependendo da dinâmica de desenvolvimento de cada país, um grupo nacional IFPI deste país é criado no local de representação ou com sua ajuda. As funções da representação da federação em vários países (e também na Rússia) resumem-se a explicar às empresas locais de música o papel da IFPI no negócio da música internacional, convidando-as a tornarem-se membros da federação e, como resultado, criarem uma grupo nacional. Infelizmente, este processo tomou um "caminho especial russo" em nosso país.

A conclusão da criação do grupo nacional IFPI na Rússia não está longe. O NAPA está totalmente preparado para isso - a Associação foi criada como o núcleo do grupo nacional da IFPI. Eles têm metas e objetivos comuns: a legalização do negócio da música, assistência jurídica e jurídica às empresas membros da IFPI, uma luta ativa contra a pirataria na Rússia em geral, mas especialmente em regiões com um milhão de habitantes. Obviamente, um lugar especial é ocupado pelo trabalho em Moscou e na região de Moscou.

O NAPA auxilia as estruturas estatais na melhoria da legislação no campo dos direitos autorais e direitos conexos, participa como entidade independente

especialistas independentes no desenvolvimento de decisões de autoridades estatais e gestão em assuntos do negócio da música.

Também estabelecemos e operamos a Associação Fonográfica Russa. Foi criada como uma organização que reúne gravadoras de som. Os principais objetivos eram a cobrança de remuneração pela reprodução pública e distribuição de dinheiro seguro entre empresas detentoras de direitos autorais.

Qualquer empresa nacional que opere legalmente no mercado, reconheça os documentos estatutários e atue na área de gravação e reprodução de som, pode se tornar membro do NAPA. Para aderir, deve apresentar-se ao NAPA com um requerimento, anexando-lhe um conjunto de documentos estatutários e de registo. O procedimento é simples, mas impõe uma alta responsabilidade aos membros.

Entre julho de 1999 e julho de 200, o NAPA na Rússia examinou 62.076 cópias de mídia de áudio para falsificação. Foram apresentados 22 requerimentos para processar pessoas culpadas de uso ilegal de direitos autorais e direitos conexos, oito manifestações de reclamação, cinco petições foram enviadas aos tribunais, cinco campanhas antipirataria foram realizadas em conjunto com agências de aplicação da lei e IFPI e quinze campanhas foram realizadas em conjunto com o Ministério da Administração Interna.

A Associação está envolvida no estudo do mercado de produtos de áudio na Federação Russa, na criação de um banco de dados de produtos de áudio, fabricantes de áudio e uma rede comercial de revendedores e distribuidores - até informações sobre cada comércio

ponto. Ele aconselha órgãos estatais, empresas, associações públicas e cidadãos no negócio da música, promove formas civilizadas de desenvolvimento do mercado da música, organiza seminários, simpósios e estágios na Rússia e no exterior. Num futuro próximo - a organização de competições nacionais na área da indústria da música.

A NAPA representa os produtores de áudio russos na Federação Internacional da Indústria Fonográfica (IFPI) e participa de suas atividades (interage com outros grupos nacionais).

Os parceiros permanentes do NAPA são, em primeiro lugar, os detentores dos direitos autorais e, em segundo lugar, várias organizações especializadas, incluindo o sistema de centros forenses do Ministério de Assuntos Internos da Federação Russa, o Centro de Exame Abrangente Independente de Sistemas e Tecnologias, que conduz o toda a gama possível de estudos e exames dos produtos apreendidos. Em terceiro lugar, as empresas envolvidas no transporte e armazenamento responsável de produtos falsificados.

Por meio de um conjunto de perícias, é possível comprovar o fato da produção de produtos falsificados em uma determinada empresa, ou, como dizem os especialistas, “amarrar” cassetes de áudio a uma máquina específica, um dispositivo de gravação de som específico. Em particular, uma fita magnética em movimento no processo de gravação de informações sonoras nela possui alterações na camada superficial que são características desse dispositivo de gravação de som, que

e é revelado de forma totalmente inequívoca pelo exame investigativo.

A busca por detentores de direitos autorais é realizada em bases de dados que contêm informações sobre álbuns nacionais (e o Anuário Musical Russo publicado pela agência Inter Media ajuda muito neste PANA) e em publicações estrangeiras. Aqui o NAPA conta com bancos de dados recebidos de parceiros estrangeiros. É importante determinar a data da primeira publicação da obra e o fonograma de cada título. Um dos componentes essenciais do ato de exame ou pesquisa é a determinação do valor dos danos causados ​​aos titulares do direito em decorrência do uso ilegal de obras e fonogramas. Um ponto importante é o reconhecimento do titular dos direitos autorais como autor civil.

Os fundos recebidos após o processamento de produtos falsificados e a fabricação de produtos legais a partir de materiais componentes liberados são distribuídos em um valor acordado entre os titulares de direitos, empresas responsáveis ​​pelo armazenamento de produtos falsificados, sistema de empresas para processamento de produtos falsificados e fabricação de produtos legais, e o orçamento.

O QUE É "NOX"?

NOKS é a Associação Nacional de Comunidades Culturais. As principais ideias de "Knox" são:

Preservação e desenvolvimento das culturas nacionais e étnicas;

Propaganda do patrimônio cultural;

Unir as pessoas por meio do intercâmbio cultural, fortalecendo os laços de amizade e fraternidade entre os povos;

Afirmação do orgulho de cada pessoa por sua nação;

Assistência no fortalecimento da Rússia como um estado multinacional em que todos os povos são iguais em seus direitos.

Há muitos anos venho propagando a ideia de que todas as pessoas devem viver em amizade e paz, contato nos negócios e se enriquecer mutuamente por meio de laços culturais. Não deve haver guerras em nossa terra. Afinal, as mães dão à luz filhos para uma vida feliz, desenvolvem diligentemente seus talentos, incutem neles os melhores sentimentos e, claro, orgulho de sua nação, porque em todas as nações existem pessoas extraordinariamente talentosas.

Para resolver os problemas da nossa sociedade através da cultura, criei a NOX.

Agora é importante encontrar pessoas que possam ser totalmente confiáveis ​​na implementação dessas ideias. "NOX" deve se tornar uma verdadeira forja desse pessoal. Transfiro constantemente minhas ideias para os gerentes, educo uma nova geração de produtores, confio a eles meus projetos e os ajudo a realizá-los.

Antes do advento das modernas fontes de som portáteis, sinal digital e música, o processo de gravação e reprodução de som percorreu um longo caminho. Na virada dos séculos XIX-XX. a indústria da música tinha um certo sistema, que incluía: atividades de shows e turnês, venda de notas e instrumentos. No século XIX, a música impressa era a principal forma de bens musicais. No final do século XIX, o surgimento dos dispositivos de gravação e reprodução de som e, como consequência, o surgimento das gravadoras, levou a uma mudança significativa na estrutura da indústria fonográfica e ao surgimento de um fenômeno como o negócios da música no início do século 20.

A natureza humana é tal que não consegue imaginar a vida sem sons, harmonia e instrumentos musicais. Por vários milênios, os músicos aprimoraram suas habilidades em tocar lira, harpa judaica, alaúde ou cistre. Mas para agradar os ouvidos dos clientes de alto escalão, sempre foi necessária a presença de uma trupe de músicos profissionais. Assim surgiu a necessidade de gravar música com a possibilidade de sua posterior reprodução sem intervenção humana. Além disso, o surgimento do negócio da música se deve principalmente ao surgimento da gravação de som.

Acredita-se que o primeiro dispositivo de reprodução de som foi invenção do antigo inventor grego Ctesibius - "hidrávlos" . As primeiras descrições deste projeto são encontradas nos manuscritos de escritores antigos tardios - Garça de Alexandria, Vitrúvio e Ateneu. Em 875, os irmãos Banu Musa, tendo emprestado a ideia dos manuscritos do antigo inventor grego, apresentaram ao mundo seu análogo de um dispositivo para reproduzir sons - "órgão de água" (Fig. 1.2.1.). Seu princípio de funcionamento era extremamente simples: um rolo mecânico giratório uniformemente com saliências habilmente posicionadas atingia os vasos com diferentes quantidades de água, o que afetava o tom dos sons, fazendo com que os tubos cheios soassem. Alguns anos depois, os irmãos também introduziram a primeira "flauta automática", que também se baseava no princípio do "órgão de água". Até o século XIX, as invenções dos irmãos Banu Musa eram a única forma disponível de gravação de som programável.

Arroz. 1.2.1. A invenção dos irmãos Banu Musa - "órgão de água"

A partir do século XV. A era renascentista foi coberta por uma moda de instrumentos musicais mecânicos. Abre o desfile de instrumentos musicais com o princípio de funcionamento dos irmãos Banu Musa - realejo. Em 1598, surgiu o primeiro relógio musical, em meados do século XVI. - caixas de música. Além disso, as tentativas iniciais de distribuição em massa de música foram as chamadas "folhetos de baladas" - poemas impressos em papel com notas no topo da folha, que apareceram pela primeira vez na Europa nos séculos XVI-XVII. Este método de distribuição então não era controlado por ninguém. O primeiro processo conscientemente controlado de distribuição em massa de música foi a replicação de notas.

Na primeira metade do século XIX, a tendência para o desenvolvimento de instrumentos musicais mecânicos continuou - caixas, caixas de rapé - todos estes dispositivos tinham um conjunto de melodias muito limitado e podiam reproduzir o motivo anteriormente "salvo" pelo mestre. Não era possível gravar uma voz humana ou o som de um instrumento acústico com possibilidade de sua reprodução posterior até 1857.

O primeiro aparelho de gravação de som do mundo é - fonoautógrafo (Fig. 1.2.2.), que foi inventado em 1857 por Edward Leon Scott de Martinville. O princípio de funcionamento do fonoautógrafo era gravar uma onda sonora capturando vibrações através de uma buzina acústica especial, na extremidade da qual havia uma agulha. Sob a influência do som, a agulha começou a vibrar, desenhando uma onda intermitente em um rolo de vidro giratório, cuja superfície estava coberta com papel ou fuligem.

Arroz. 1.2.2.

Infelizmente, a invenção de Edward Scott foi incapaz de reproduzir o fragmento gravado. Há alguns anos, um fragmento de 10 segundos de uma gravação da música folclórica "Moonlight", executada pelo próprio inventor em 9 de abril de 1860, foi encontrado em um arquivo de Paris. No futuro, o design do fonoautógrafo foi tomado como base para a criação de outros dispositivos de gravação e reprodução de som.

Em 1877, o criador da lâmpada incandescente, Thomas Edison, concluiu o trabalho em um dispositivo de gravação de som completamente novo - fonógrafo (Fig. 1.2.3.), que um ano depois ele patenteou na agência americana competente. O princípio de funcionamento do fonógrafo lembrava o fonoautógrafo de Scott: um rolo encerado atuava como portador do som, cuja gravação era realizada por meio de uma agulha conectada à membrana - o progenitor do microfone. Ao captar o som através de uma corneta especial, a membrana acionou uma agulha que deixou marcas no rolo de cera.

Arroz. 1.2.3.

Pela primeira vez, o som gravado pode ser reproduzido usando o mesmo dispositivo em que a gravação foi feita. No entanto, a energia mecânica não foi suficiente para obter o nível de volume nominal. Naquela época, o fonógrafo de Thomas Edison virou o mundo inteiro de cabeça para baixo: centenas de inventores começaram a experimentar o uso de vários materiais para cobrir o cilindro transportador e, em 1906, ocorreu o primeiro concerto de audição pública. O fonógrafo de Edison foi aplaudido por uma casa lotada. Em 1912 o mundo viu disco fonógrafo , no qual, em vez do rolo de cera usual, foi usado um disco, o que simplificou muito o design. O aparecimento do disco fonógrafo, embora de interesse público, não encontrou aplicação prática do ponto de vista da evolução da gravação sonora.

Mais tarde, a partir de 1887, o inventor Emil Berliner desenvolveu ativamente sua própria visão de gravação de som usando seu próprio dispositivo - gramofone (Fig. 1.2.4.). Como alternativa ao tambor de cera, Emil Berliner preferiu o celulóide mais durável. O princípio da gravação permaneceu o mesmo: buzina, som, vibrações da agulha e rotação uniforme do disco-disco.

Arroz. 1.2.4.

Experimentos realizados com as velocidades de rotação de uma placa de disco gravável permitiram aumentar o tempo de gravação de um lado da placa para 2-2,5 minutos a uma velocidade de rotação de 78 rotações por minuto. Os discos-placas gravados foram colocados em estojos de papelão especiais (menos estojos de couro), e é por isso que mais tarde receberam o nome de "álbuns" - externamente eles se assemelhavam muito a álbuns de fotos com vistas de cidades vendidas em toda a Europa.

A substituição do volumoso gramofone foi o aparelho melhorado e modificado em 1907 por Guillon Kemmler - gramofone (Fig. 1.2.5.).

Arroz. 1.2.5.

Esse aparelho tinha uma pequena buzina embutida no case, com possibilidade de colocar todo o aparelho em uma mala compacta, o que levou à rápida popularização do gramofone. Na década de 1940 apareceu uma versão mais compacta do dispositivo - um mini-gramofone, que ganhou popularidade particular entre os soldados.

O surgimento dos discos expandiu significativamente o mercado da música, pois eles, ao contrário das notas, podiam ser adquiridos por absolutamente qualquer ouvinte. Por muitos anos, os discos de gramofone foram o principal meio de gravação e a principal mercadoria musical. O disco de gramofone deu lugar a outras mídias de material musical apenas na década de 1980. Desde o início dos anos 1990 e até o presente, as vendas de discos representam poucos ou mesmo frações de um por cento do faturamento total dos produtos de áudio. Mas, mesmo após essa queda nas vendas, os discos não desapareceram e mantiveram até hoje seu público insignificante e pequeno entre os amantes da música e colecionadores.

O advento da eletricidade marcou o início de uma nova etapa na evolução da gravação de som. A partir de 1925 - "era da gravação elétrica" usando um microfone e um motor elétrico (em vez de um mecanismo de mola) para girar o disco. O arsenal de dispositivos que permitem a gravação de som e sua reprodução posterior foi reabastecido com uma versão modificada do gramofone - eletrofone (Fig. 1.2.6.).

Arroz. 1.2.6.

O advento do amplificador possibilitou levar a gravação de som a um novo nível: os sistemas eletroacústicos receberam alto-falantes, e a necessidade de forçar o som através de uma buzina é coisa do passado. Todos os esforços físicos de uma pessoa começaram a ser realizados por energia elétrica. Todas essas e outras mudanças melhoraram as possibilidades acústicas, bem como ampliaram o papel do produtor no processo de gravação, o que mudou radicalmente a situação do mercado musical.

Paralelamente à indústria fonográfica, o rádio também começou a se desenvolver. A transmissão regular de rádio começou na década de 1920. No início, atores, cantores, orquestras foram convidados a popularizar novas tecnologias no rádio, e isso contribuiu para o surgimento de uma grande demanda por rádios. O rádio tornou-se uma necessidade para grandes audiências e um concorrente da indústria fonográfica. No entanto, logo se descobriu uma dependência direta do som dos discos no ar e um aumento nas vendas desses discos nas lojas. Havia uma necessidade crescente de comentaristas de música, os chamados "disk jockeys", que não apenas colocavam discos no player, mas também contribuíam para a promoção de novos discos no mercado musical.

Na primeira metade do século XX, o modelo básico da indústria fonográfica passou por mudanças significativas. Gravação de som, rádio e outros avanços na ciência e tecnologia multiplicaram o público original da indústria da música e contribuíram para o surgimento e disseminação de novos estilos e tendências musicais, como a música eletrônica. Eles ofereciam ao público um produto mais atraente e se encaixavam organicamente nas formas que eram comuns no século XIX.

Um dos principais problemas dos dispositivos de gravação de som da época era a duração da gravação de som, que foi resolvida pela primeira vez pelo inventor soviético Alexander Shorin. Em 1930, ele propôs usar um filme de filme passando por uma unidade de escrita elétrica a uma velocidade constante como registro operacional. O dispositivo foi nomeado shorinofone , mas a qualidade da gravação permaneceu adequada apenas para posterior reprodução da voz, já era possível colocar cerca de 1 hora de gravação em uma fita de filme de 20 metros.

O último eco da gravação eletromecânica foi o chamado "papel falante", proposto em 1931 pelo engenheiro soviético B.P. Skvortsov. As vibrações sonoras foram registradas em papel comum com caneta de tinta preta. Tal papel poderia ser facilmente copiado e transmitido. Para reproduzir o gravado, foram utilizadas uma lâmpada potente e uma fotocélula. Na década de 1940 do século passado já foram conquistados por um novo método de gravação de som - magnético.

A história do desenvolvimento da gravação magnética de som quase o tempo todo correu paralelamente aos métodos de gravação mecânica, mas permaneceu nas sombras até 1932. No final do século XIX, o engenheiro americano Oberlin Smith, inspirado na invenção de Thomas Edison, estudava a questão da gravação de som. Em 1888, foi publicado um artigo sobre o uso do fenômeno do magnetismo na gravação de som. O engenheiro dinamarquês Valdemar Poulsen, após dez anos de experimentação, recebeu uma patente em 1898 para o uso de fio de aço como portador de som. Assim, surgiu o primeiro dispositivo de gravação de som, baseado no princípio do magnetismo - telégrafo . Em 1924, o inventor Kurt Stille melhorou a ideia de Valdemar Poulsen e criou o primeiro gravador de voz baseado em fita magnética. AEG interveio na evolução da gravação de som magnético, lançando um dispositivo em meados de 1932. Gravador de fita-K 1 (Fig. 1.2.7.) .

Arroz. 1.2.7.

Ao usar óxido de ferro como revestimento de filme, a BASF revolucionou o mundo da gravação. Ao usar a polarização AC, os engenheiros obtiveram uma qualidade de som completamente nova. De 1930 a 1970, o mercado mundial foi representado por gravadores de fita bobina a bobina de uma ampla variedade de fatores de forma e com uma ampla variedade de capacidades. A fita magnética abriu portas criativas para milhares de produtores, engenheiros e compositores que tiveram a oportunidade de experimentar a gravação de som não em escala industrial, mas em seu próprio apartamento.

Tais experimentos foram ainda mais facilitados pelo aparecimento em meados da década de 1950. gravadores multipista. Tornou-se possível gravar várias fontes de som ao mesmo tempo em uma fita magnética. Em 1963, um gravador de 16 pistas foi lançado, em 1974 - um de 24 pistas, e depois de 8 anos, a Sony ofereceu um esquema de gravação digital no formato DASH melhorado em um gravador de 24 pistas.

Em 1963, a Philips apresentou o primeiro cassete compacto (Fig. 1.2.8.), que mais tarde se tornou o principal formato de reprodução de som em massa. Em 1964, a produção em massa de cassetes compactos foi lançada em Hannover. Em 1965, a Philips iniciou a produção de cassetes de música e, em setembro de 1966, os primeiros produtos dos experimentos industriais de dois anos da empresa foram colocados à venda nos Estados Unidos. A falta de confiabilidade do design e as dificuldades que surgiram com a gravação de música levaram os fabricantes a procurar mais um meio de armazenamento de referência. Essa busca foi frutífera para a Advent Corporation, que introduziu um cassete de fita magnética em 1971 que utilizava óxido de cromo em sua produção.

Arroz. 1.2.8.

Além disso, o surgimento da fita magnética como meio de gravação de áudio deu aos usuários a oportunidade anteriormente indisponível de replicar gravações de forma independente. O conteúdo do cassete poderia ser reescrito em outro carretel ou cassete, obtendo-se assim uma cópia, embora não 100% precisa, mas bastante adequada para audição. Pela primeira vez na história, o meio e seu conteúdo não são mais um produto único e indivisível. A capacidade de replicar discos em casa mudou a percepção e a distribuição da música para os usuários finais, mas as mudanças não foram radicais. As pessoas ainda compravam fitas cassete porque era muito mais conveniente e não muito mais caro do que fazer cópias. Nos anos 1980 o número de discos vendeu 3-4 vezes mais do que cassetes, mas já em 1983 eles dividiram o mercado igualmente. As vendas de cassetes compactos atingiram o pico em meados da década de 1980, e um declínio notável nas vendas começou apenas no início de 1990. .

Mais tarde, as ideias de gravação de som, lançadas no final do século XIX por Thomas Edison, na segunda metade do século XX, levaram ao uso de um raio laser. Assim, a fita magnética foi substituída por "a era da gravação de som óptico a laser" . A gravação óptica de som baseia-se no princípio da formação de faixas espirais em um CD, compostas por seções e poços lisos. A era do laser tornou possível representar a onda sonora como uma combinação complexa de zeros (áreas lisas) e uns (poços).

Em março de 1979, a Philips demonstrou o primeiro protótipo do CD e, uma semana depois, a empresa holandesa firmou um acordo com a empresa japonesa Sony, aprovando um novo padrão para CDs de áudio, que foram colocados em produção em 1981. O CD era um meio de armazenamento óptico na forma de um disco plástico com um furo no centro, o protótipo desse meio era um disco de gramofone. O CD continha 72 minutos de áudio de alta qualidade e também era significativamente menor que os discos de vinil, medindo apenas 12 cm de diâmetro em comparação aos 30 cm do vinil, com quase o dobro da capacidade. Sem dúvida, isso tornou mais conveniente de usar.

Em 1982, a Philips lançou o primeiro CD player que superou todas as mídias apresentadas anteriormente em termos de qualidade de reprodução. O primeiro álbum comercial gravado em um novo meio digital foi o lendário "The Visitors" do ABBA, que foi anunciado em 20 de junho de 1982. E em 1984, a Sony lançou primeiro CD player portátil - Sony Discman D-50 (Fig. 1.2.9.), cujo custo na época era de US $ 350.

Arroz. 1.2.9.

Já em 1987, as vendas de CDs ultrapassaram as vendas de discos fonográficos e, em 1991, os CDs já eliminaram significativamente as cassetes compactas do mercado. Na fase inicial, o CD manteve a principal tendência no desenvolvimento do mercado da música - era possível colocar um sinal de igual entre uma gravação de áudio e uma portadora. Era possível ouvir música apenas de um disco gravado na fábrica. Mas esse monopólio não estava destinado a durar muito.

O desenvolvimento da era dos CDs ópticos a laser levou ao aparecimento em 1998 do padrão DVD-Áudio, a entrada no mercado de som com um número diferente de canais de áudio (de mono a cinco canais). A partir de 1998, a Philips e a Sony promoveram um formato alternativo de CD, o Super Audio CD. O disco de dois canais permitia armazenar até 74 minutos de som nos formatos estéreo e multicanal. A capacidade de 74 minutos foi determinada pela cantora de ópera, maestrina e compositora Noria Oga, que na época também ocupava o cargo de vice-presidente da Sony Corporation. Paralelamente ao desenvolvimento dos CDs, a produção artesanal - mídia copiadora - também se desenvolveu de forma constante. As gravadoras pensaram primeiro na necessidade de proteção de dados digitais usando criptografia e marca d'água.

Apesar da versatilidade e facilidade de uso dos CDs, eles tinham uma lista impressionante de deficiências. Uma das principais foi a fragilidade excessiva e a necessidade de manuseio cuidadoso. O tempo de gravação em mídia de CD também foi severamente limitado e a indústria fonográfica estava procurando uma alternativa. A aparição no mercado de um minidisco magneto-óptico permaneceu despercebida pelos amantes da música comuns. minidisco(Fig. 1.2.10.)- desenvolvido pela Sony em 1992, e permaneceu propriedade de engenheiros de som, artistas e pessoas diretamente relacionadas às atividades de palco.

Arroz. 1.2.10.

Na gravação de um minidisco, foram utilizados um cabeçote magneto-óptico e um feixe de laser, cortando áreas com camada magneto-óptica em alta temperatura. A principal vantagem do MiniDisc sobre os CDs tradicionais era sua segurança aprimorada e vida útil mais longa. Em 1992, a Sony também lançou o primeiro reprodutor de mídia de minidisco. O modelo de jogador ganhou popularidade particular no Japão, mas fora do país, tanto o jogador Sony MZ1 primogênito quanto seus descendentes aprimorados não foram aceitos. De uma forma ou de outra, ouvir um CD ou mini-disco era mais adequado exclusivamente para uso estacionário.

No final do século 20 veio "era de alta tecnologia" . O advento dos computadores pessoais e da Internet global abriu oportunidades completamente novas e mudou significativamente a situação do mercado da música. Em 1995, o Fraunhofer Institute desenvolveu um revolucionário formato de compressão de dados de áudio - Camada de áudio MPEG 1 3 , que recebeu o nome abreviado MP3. O principal problema do início dos anos 1990 no campo da mídia digital foi a inacessibilidade de espaço em disco suficiente para acomodar uma composição digital. O tamanho médio do disco rígido do computador pessoal mais sofisticado da época dificilmente ultrapassava várias dezenas de megabytes.

Em 1997, o primeiro player de software entrou no mercado - Winamp , desenvolvido pela Nullsoft. O advento do codec mp3 e seu suporte contínuo pelos fabricantes de CD players levaram a um declínio gradual nas vendas de CDs. Escolhendo entre a qualidade do som (que apenas uma pequena porcentagem de consumidores realmente sentia) e o número máximo possível de músicas que poderiam ser gravadas em um CD (em média, a diferença era de cerca de 6 a 7 vezes), o ouvinte escolhia o último.

Em poucos anos, a situação mudou drasticamente. Em 1999, Sean Fanning, de 18 anos, criou um serviço especializado chamado - "Napster" , que chocou toda a era da indústria da música. Com a ajuda deste serviço, tornou-se possível trocar músicas, discos e outros conteúdos digitais diretamente pela Internet. Dois anos depois, por violação de direitos autorais pela indústria da música, esse serviço foi fechado, mas o mecanismo foi lançado e a era da música digital continuou a se desenvolver descontroladamente: centenas de redes peer-to-peer, que eram muito difíceis de regular rapidamente.

Uma mudança radical na forma como a música é recebida e ouvida ocorreu quando três componentes se juntaram: um computador pessoal, a Internet e os flash players portáteis (dispositivos portáteis capazes de reproduzir faixas de música gravadas em um disco rígido integrado ou memória flash ). Em outubro de 2001, a Apple apareceu no mercado musical, apresentando ao mundo a primeira geração de um tipo completamente novo de reprodutor de mídia portátil - iPod (Fig. 1.2.11.), que estava equipado com uma memória flash de 5 GB, e também suportava a reprodução de formatos de áudio como MP3, WAV, AAC e AIFF. Era do tamanho de dois cassetes compactos empilhados juntos. Junto com o lançamento do conceito de um novo Flash-player, o CEO da empresa, Steve Jobs, desenvolveu um slogan intrigante - "1000 músicas no seu bolso" (traduzido do inglês - 1000 músicas no seu bolso). Naquela época, este dispositivo era verdadeiramente revolucionário.

Arroz. 1.2.11.

Além disso, em 2003, a Apple propôs sua própria visão de distribuir cópias digitais legais de composições pela Internet por meio de sua própria loja de música online - loja Itunes . Naquela época, o banco de dados total de composições nesta loja online era superior a 200.000 faixas. Atualmente, esse número ultrapassa a marca de 20 milhões de músicas. Ao assinar acordos com líderes da indústria fonográfica, como Sony BMG Music Entertainment, Universal Music Group International, EMI e Warner Music Group, a Apple abriu uma nova página na história da gravação.

Assim, os computadores pessoais tornaram-se um meio de processamento e replicação de gravações de áudio, os flash players tornaram-se um meio universal de audição e a Internet atuou como um meio único de distribuição de música. Como resultado, os usuários têm total liberdade de ação. Os fabricantes de equipamentos passaram a atender o consumidor, dando suporte para reprodução do formato de áudio MP3 compactado não só em flash players, mas em todos os aparelhos AV, desde centros de música, home theaters e terminando com a transformação de CD players em CD/MP3 players . Por causa disso, o consumo de música começou a crescer a um ritmo incrível, e os lucros dos detentores de direitos autorais começaram a cair de forma igualmente constante. A situação não poderia ser alterada pelos novos formatos de disco SACD mais avançados, que foram projetados para substituir os discos compactos. A maioria das pessoas preferia áudio compactado e outras inovações revolucionárias, como o tocador de música iPod e seus muitos análogos, a essas inovações.

Com a ajuda de sistemas da geração mais simples de sinais sonoros em computadores pessoais, a música de computador começou a ser criada em grandes quantidades. A Internet, juntamente com a tecnologia digital, possibilitou aos produtores criar e distribuir sua própria música. Artistas usaram a rede para promoção e vendas de álbuns. Os usuários tiveram a oportunidade de receber uma gravação de quase qualquer música no menor tempo possível e criar suas próprias coleções de músicas sem sair de casa. A Internet expandiu o mercado, aumentou a diversidade de material musical e impulsionou a digitalização do negócio da música.

A era da alta tecnologia teve um enorme impacto na cultura musical, contribuiu para o surgimento e desenvolvimento da indústria da música e, como resultado, o desenvolvimento do negócio da música. Desde então, surgiram opções alternativas para os artistas entrarem no mercado musical sem a participação de grandes gravadoras. Os antigos padrões de distribuição estão ameaçados. Nos últimos anos, 95% da música na Internet foi pirateada. A música não é mais vendida, mas trocada gratuitamente na Internet. A luta contra a pirataria está aumentando à medida que as gravadoras perdem lucros. A indústria de computadores é mais lucrativa do que a indústria da música, e isso tem permitido o uso da música como produto para promover as vendas digitais. A impessoalidade e a homogeneidade do material musical e dos intérpretes levaram a um excesso de mercado e à predominância de funções de fundo na música.

A situação que se desenvolveu no início do século 21 é, em muitos aspectos, uma reminiscência do que aconteceu na indústria da música na virada dos séculos 19 para 20, quando novas tecnologias quebraram tradições estabelecidas e discos e rádio foram ativamente introduzidos na música. o negócio. Isso levou ao fato de que, em meados do século, a indústria da música havia formado uma estrutura básica quase nova, sobre a qual a "era das altas tecnologias" na virada dos séculos XX para XXI. teve um efeito prejudicial.

Assim, deve-se concluir que toda a história do desenvolvimento de suportes de dados de áudio é baseada na hereditariedade das conquistas das etapas anteriores. Por 150 anos, a evolução da tecnologia na indústria da música percorreu um longo caminho de desenvolvimento e transformação. Durante esse período, surgiram repetidamente novos e mais avançados dispositivos de gravação e reprodução de som, desde os fonoautógrafos até os discos compactos. Surgem as primeiras gravações em CDs ópticos e o rápido desenvolvimento dos drives de HDD no final dos anos 1980. em apenas uma década, eles quebraram a concorrência de muitos formatos de gravação analógica. Apesar do fato de que os primeiros discos ópticos musicais não diferiram qualitativamente dos discos de vinil, sua compacidade, versatilidade e maior desenvolvimento da direção digital encerraram a era dos formatos analógicos para uso em massa. A nova era da alta tecnologia está mudando significativa e rapidamente o mundo do negócio da música.

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Quantas vezes ouvimos música de todos os lugares. A música torna-se o fundo sonoro da nossa vida. Você conhece a sensação de quando você esqueceu de levar seus fones de ouvido com você? Silêncio, não - mesmo vazio. Excepcionalmente, e as mãos tendem a ligar algo. A música para de tocar - a voz interior liga, mas de alguma forma eu não quero ouvi-la. Nos lembra de negócios inacabados, nos censura com algo, traz pensamentos sérios. Não, uma nova faixa teria começado o mais rápido possível. Nós apenas nos acostumamos com a música, nos acostumamos a não estar sozinhos o tempo todo, mas com esses ritmos musicais alegres (ou nem tanto).

Provavelmente, todo mundo tem melodias favoritas, ao som de quais linhas de músicas familiares aparecem em algum lugar lá no fundo. Ao mesmo tempo, muitas vezes acontece que uma pessoa sabe as letras de cor, mas nunca pensou no significado das palavras impressas em sua memória e até mesmo nas palavras ditas com frequência. Isso acontece porque a maioria das pessoas está acostumada a ouvir música em segundo plano ou em formato de descanso, ou seja, relaxar e não pensar em nada, curtir emoções ou simplesmente mergulhar em pensamentos alheios.

Como resultado dessa escuta, a visão de mundo de uma pessoa está repleta de textos e significados que não foram filtrados no nível da consciência. E como a informação é apresentada acompanhada de vários ritmos e melodias, é muito bem assimilada e, no futuro, a partir do nível do subconsciente, começa a influenciar o comportamento humano. Que programas de comportamento são transmitidos ao grande público pela música popular moderna - aquela que é tocada na TV e no rádio, e pode ser tratada inconscientemente, ou seja, sem pensar em sua influência? Vamos assistir alguns vídeos:

Depois de assistir a esses vídeos, é oportuno relembrar a citação do antigo filósofo chinês Confúcio: “A destruição de qualquer Estado começa precisamente com a destruição de sua música. Um povo sem música pura e brilhante está fadado à degeneração.”

Observe que na última revisão, não foi apenas sobre o conteúdo de músicas específicas, mas também sobre a direção geral do tema da música popular. Esta é uma nuance importante que deve ser levada em consideração. Afinal, a música deve refletir diferentes aspectos da nossa vida, e não elevar um a um tamanho e importância inadequados.

A criatividade de uma pessoa, quando vem do coração, sempre reflete seu mundo interior, toca nas questões do desenvolvimento pessoal, na busca de respostas para perguntas instigantes. Se a criatividade é substituída pelos negócios, e ganhar dinheiro vem em primeiro lugar, então seu conteúdo é automaticamente preenchido com os significados e formas apropriados: primitivo, estereotipado, insípido, estúpido.

Ouvir o conteúdo que é veiculado hoje no ar da maioria das rádios é um processo real de programação das pessoas para que inconscientemente implementem em suas vidas todos os comportamentos listados nos vídeos.

Ao mesmo tempo, nas resenhas de vídeos apresentadas, apenas o conteúdo dos textos e a sequência de vídeos dos clipes foram analisados, mas o ritmo, a tonalidade, a melodia e o volume da música têm um impacto enorme em uma pessoa. Afinal, qualquer música é, no fundo, vibrações que podem se harmonizar com o estado interno de uma pessoa, ou agir destrutivamente no sentido literal.

O impacto da música na sociedade

Dissonância na música, mudanças bruscas de ritmo, som alto - tudo isso é percebido pelo corpo como estresse, como um fator poluente que afeta não apenas o sistema nervoso, mas também o cardiovascular e endócrino. Na Internet, você pode encontrar os resultados de muitos experimentos que mostram que, se a música clássica ou folclórica melhora as habilidades mentais, a música pop moderna, construída nos mesmos ritmos, ou a música pesada e irregular, ao contrário, deprime a psique humana, piorando memória, pensamento abstrato, atenção.

Você pode ver claramente a influência da música nestas fotos:

Estas fotografias foram tiradas pelo pesquisador japonês Masaru Emoto. Ele expôs a água a várias melodias e fala humana, após o que a congelou e fotografou os cristais de água congelados resultantes com alta ampliação. Como você pode ver no slide, sob a influência dos sons da música clássica, os cristais de água destilada adquirem formas simétricas graciosas, sob a influência da música pesada ou palavras negativas, emoções, água congelada forma estruturas caóticas e fragmentadas.

Considerando que somos todos principalmente água, você pode imaginar a influência significativa que a música tem sobre nós. Por isso, a escolha daquelas composições que você costuma ouvir ou incluir para crianças deve ser consciente, avaliando o impacto da música e o efeito que você gostaria de obter.

A música afeta uma pessoa em 3 aspectos:

1. Mensagem significativa de letras e videoclipes
2. Vibrações musicais (ritmo, tonalidade, melodia, timbre de voz, etc.)
3. As qualidades pessoais de artistas populares cujas vidas estão em exibição

Como terceiro ponto deste slide, destacamos o aspecto pessoal associado à moralidade daqueles performers que recebem fama e glória. Como o show business moderno se baseia no fato de trazer à discussão pública toda a vida pessoal das chamadas estrelas, impondo-as às gerações mais jovens como ídolos que encarnam o "sucesso", ao avaliar as canções modernas, deve-se levar em conta também o estilo de vida que eles transmitem pelo seu exemplo, seus artistas.

Todo mundo provavelmente já ouviu falar de um cantor ocidental tão popular quanto. Vamos ver que ideologia ela promove com seu trabalho e pelo exemplo pessoal.

Como parte do projeto Teach Good, avaliações semelhantes foram feitas em outros artistas ocidentais mais populares: - e em todos os lugares a mesma coisa. Sua carreira se desenvolve como se seguisse um padrão: de meninas relativamente simples e modestas, tendo entrado na indústria do show business, elas gradualmente se transformam naquelas cujas fotografias e frutos da criatividade são até embaraçosos para demonstrar durante uma palestra devido à vulgaridade e vulgaridade obsessivas.

Ao mesmo tempo, são essas estrelas que recebem constantemente os principais prêmios de música, seus vídeos são reproduzidos em canais de TV e estações de rádio, mesmo aqui na Rússia suas músicas são tocadas regularmente. Ou seja, o mesmo sistema é construído na indústria fonográfica, baseado em 3 ferramentas principais: instituições de premiação, fluxos financeiros e controle sobre a mídia central.

Onde encontrar boas músicas?

É quase impossível para os bons intérpretes, aqueles que cantam músicas realmente significativas e tentam direcionar sua criatividade para o benefício das pessoas, romper essa barreira. A situação está começando a mudar apenas hoje, quando com o advento da Internet, cada pessoa tem a oportunidade através de suas contas em redes sociais, através de blogs e criação de sites para atuar como uma mídia de massa independente.

O surgimento do projeto Teach Good e de muitas outras associações de cuidadores é um processo natural de destruição do antigo sistema construído sobre o controle estrito das pessoas admitidas na mídia. E é na Internet que você encontra músicas daqueles artistas que você não vai ouvir na TV, mas cuja música é realmente agradável e útil de se ouvir.

Eles também percorrem cidades, se apresentam em palcos, reúnem casas cheias, mas suas fotos não são impressas em revistas brilhantes e suas músicas não são transmitidas em estações de rádio populares ou canais de TV de música. Porque para a indústria fonográfica moderna, seu trabalho não se enquadra no “formato” definido e imposto a uma ampla audiência através de todos os mesmos meios, ou melhor, os meios de formação e controle da consciência pública.

Como exemplo de criatividade significativa, trazemos à sua atenção uma das músicas que foi inventada e gravada pelos leitores do projeto Teach Good.