Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

NEOCLASSICISMO NAS OBRAS DE STRAVINSKY

Os primeiros sinais de neoclassicismo na arte europeia apareceram no final da década de 1910. (Prokofiev. Sinfonia clássica, Stravinsky "Pulcinella", Busoni, ópera "Turandot").

O neoclassicismo é uma arte nova, intimamente ligada à experiência do passado, na qual os compositores buscavam apoio espiritual. Ao mesmo tempo, o contraste entre o antigo e o novo era óbvio - essa é a diferença da assimilação usual da tradição, onde o antigo e o novo, o estrangeiro e o nativo estão unidos inseparavelmente.

Stravinsky é um dos líderes nessa direção, tendo dedicado mais de 30 anos de seu trabalho a ela. O início oficial de seu neoclassicismo é o Brass Octet (1923). Seus modelos são o barroco alemão (na música instrumental), o oratório alemão, o classicismo francês (ballets Apollo Musagete, Orpheus, melodrama Persephone), ópera clássica (The Rake's Progress na tradição de Mozart) e muitos outros. outros

Os elementos tradicionais da linguagem musical dos modelos selecionados foram utilizados de forma um tanto modificada. Por exemplo, o pensamento tonal foi preservado, mas era uma nova tonalidade expandida, que incluía a multifuncionalidade, a politonalidade, a lógica linear do pensamento que prevalecia sobre a vertical. Ao mesmo tempo, a quadratura da estrutura foi violada, o ritmo do metrô tornou-se mais complicado, etc.

Em geral, o neoclassicismo é um fenômeno anti-romântico, embora às vezes também se encontrem modelos românticos (o balé O beijo da fada sobre temas de Tchaikovsky).

Cada concerto do período neoclássico tem seu próprio conceito de ciclo. Por exemplo, as características da suíte aparecem no violino: Toccata - Aria I - Aria II - Capriccio; no Concerto para dois pianos - uma síntese de elementos clássicos e barrocos: Conmoto - Nocturne - 4 variações - Fuga. A mesma variedade está nas sinfonias: a Sinfonia dos Salmos aproxima-se de uma cantata espiritual, a Sinfonia em Três Movimentos aproxima-se de uma grande sinfonia clássico-romântica (reflete impressões da guerra) + a influência do cinema + o princípio da concerto no espírito do concertogrosso.

Características neoclássicas - e no assunto. Este é um mito antigo, uma tragédia do rock (“Édipo Rei”, “Perséfone”, “Apolo Musaget”, “Orfeu”). Balés "russos" coloridos estão sendo substituídos por balés "brancos" baseados na dança clássica.

Nos primeiros escritos neoclássicos de Stravinsky, há uma atitude ligeiramente irônica em relação aos modelos; então vai embora.

STRAVINSKY. "SINFONIA DOS SALMOS"

Composição: coro e orquestra, mas ao invés de vozes femininas - coro de meninos, e instrumentos "líricos" - violinos, violas e clarinetes - são excluídos da orquestra. O "impacto" do som é característico - de golpes curtos e agudos a sinos; mesmo no piano, a percussão do som é enfatizada. Ao mesmo tempo, a orquestra e o coro são iguais, o que é típico da época barroca.

Origens do estilo: canto gregoriano, polifonia barroca, canto znamenny, sons de órgão e sinos (imitados).

O coro canta em latim - "atemporal" - idioma. A base literária são os salmos de Davi (em três partes - 3 salmos). Uma atenção especial é dada ao lado fonético do verso, sua melodiosidade.

A ideia: o caminho da escuridão e do desespero para o triunfo e a iluminação, superando o conflito interno.

Há 3 partes na sinfonia: Parte I - Prelúdio, Parte II - Fuga Dupla, Parte III - Allegro - o centro dramático da sinfonia, sua maior parte. Externamente, a obra tem pouca semelhança com uma sinfonia, mas internamente é uma sinfonia, devido à unidade orgânica do conteúdo e das características musicais de todas as suas partes.

A Parte I está escrita em 3 partes com uma introdução (o tema da introdução torna-se então um refrão). O desenvolvimento é intenso, o caráter da música é extremamente intenso, retratando a imagem de uma força mecânica sem alma (introdução e GP). No 2º elemento do GP, entra o coro. Mas seu tema não se desenvolve melodicamente, limitando-se a entonações curtas. Há um conflito modal entre a orquestra e o coro (o modo frígio para o coro e a escala tom-semitom para a orquestra). Tal contraste único enfatiza o estado de discórdia mental.

A parte II traz calma, compostura. Esta é uma fuga dupla, mais precisamente, uma combinação de duas fugas - orquestral e coral. A primeira é em dó menor com as de madeira, que imitam o órgão, - muito contidas, frias. A segunda, em mi bemol menor, é cantada, com elementos de recitação. Na reprise, os temas das fugas soam simultaneamente, e em tonalidades diferentes.

A Parte III está escrita em 3 partes. As seções extremas (Introdução e Apoteose) são lentas, a seção do meio é rápida. A entrada é calma, contida, com campainha tocando; a seção do meio é muito emocional, entusiasmada, em ritmo de dança, Apotheosis é uma iluminação silenciosa (e também em forma de sino). O clima principal do final é alegria sublime, harmonia. De acordo com Str., a seção do meio é a dança extática do rei Davi em frente à Arca da Aliança e a carruagem de Elias, o Profeta, rugindo alegremente no céu (isso introduz um elemento de teatralidade).

Os fatores unificadores na sinfonia são: 1) as conexões entoacionais (baseadas no motivo de dois terços) e 2) a lógica do desenvolvimento tonal: na primeira parte - estruturas modais complexas, na segunda - dominante e mi bemol menor; na parte III - Dó maior e Mi bemol maior + diatônica.

Jiri Kilian, de acordo com a crença geral do mundo do balé, pertence aos coreógrafos - os pilares do século XX e início do século XXI. Participante ativo da Primavera de Praga, ele estava entre os seus compatriotas que não queriam aceitar sua derrota e construíram sua futura vida e carreira no Ocidente. Kilian, que se estabeleceu na Holanda, conseguiu fazer de Haia uma das principais cidades em que, apoiando-se nas tradições clássicas originais, nasceu a coreografia moderna. A Rainha da Holanda e muitos balletomanes de diferentes países, onde NDT veio em turnê, tornaram-se um visitante regular do Teatro de Dança da Holanda dirigido por ele.

"Sinfonia dos Salmos", ao som da grandiosa tela vocal e sinfônica de Igor Stravinsky com o mesmo nome, é uma das maiores realizações do coreógrafo. Ele é constantemente renovado no NDT, que o mostrou repetidamente em turnês pelo mundo, e periodicamente entra no repertório de outros teatros de balé famosos.

“Stravinsky imaginou a carruagem do profeta Elias subindo aos céus no último movimento de sua famosa obra coral, a Sinfonia dos Salmos.
Jiri Kilian incorpora esse impulso inspirador em sua Sinfonia dos Salmos, um balé que ele musicou por Stravinsky em 1978. O impacto magnético das primeiras obras de Kilian deve muito à energia e às imagens e movimentos imprevisíveis que ele criou para a dança do Teatro Holandês.
As profundezas da natureza humana também foram sentidas nesses balés, como foi lembrado na Brooklyn Academy of Music quando a companhia sediada em Haia começou seu segundo programa na sexta-feira com a renovada Symphony of Psalms.
A Sinfonia mantém a fé na natureza espiritual do homem e, como a partitura de Stravinsky, não é uma obra especificamente religiosa. É antes um ritual coletivo de expressão de uma confissão generalizada, não isenta de medo e dúvida, e uma metáfora para o espírito liberto dos grilhões da carne. Aqui, como em muitas outras obras semelhantes, Kilian fala de emoções que unem em vez de dividir. Depois que oito casais passaram por essa coreografia "turbulenta", muitas vezes em duetos "agressivos" e surpreendentes, todo o conjunto desaparece na escuridão ao fundo. Mas uma dançarina volta para a plateia, aterrorizada por estar do outro lado da vida. Na maioria de suas peças, os intérpretes têm um retorno semelhante ao público - uma espécie de marca registrada dos primeiros Kilian. A peça se distingue por uma atmosfera semelhante à confissão popular em massa. Um amigo me disse uma vez que, quando criança, ouvia repetidamente fazendeiros do norte da Suécia confessarem publicamente seus pecados. Mas aqui, quase todo casal tem um dueto, o que permite que ela se destaque da multidão com alívio e de repente fique muito perto do espectador.
Anna Kiselgof
The New York Times, 15 de março de 2004

"Kilian, o coreógrafo, está encenando<...>um espetáculo em que doenças, pobreza e desastres, confrontos e brigas particulares, a ansiedade da multidão e as neuroses dos solteiros são plasticamente enquadrados como uma ação de graças universal dirigida a um absoluto sobrenatural. Ação de graças livre da reverência, do pathos e da pompa.
A linearidade das procissões do corpo de balé, a clareza geométrica das construções iniciais se desfaz quase imediatamente: figuras caídas caem da fila solene; canônicos, engasgados e transbordantes, eles enrolam combinações de dança curtas, reforçadas pela repetição repetida; salpicos de estocadas vertiginosas, o sussurro viscoso do adágio riscam a harmonia emergente do rito. A mulher está chorando, enxugando as lágrimas com as palmas das mãos - mas suas mãos estão esticadas acima do rosto; a dor é na verdade uma oração. A descida da cruz transforma-se numa lenta queda daqueles que se abraçaram. A blasfêmia de Kilian é o outro lado da construção de deuses."
Tatyana Kuznetsova
"Kommersant", 2.09.1997

imprimir

O Teatro Bolshoi encerra a temporada com a estreia de dois pináculos da coreografia moderna: balés de um ato de Wayne McGregor e Jiri Kilian.

O principal teatro do país, após as estreias dos balés Preljocaj e Forsythe, voltou-se novamente para a vanguarda. Ao público são oferecidas as produções lendárias do clássico vivo Jiri Kilian e agora do mundialmente famoso britânico Wayne McGregor. O primeiro apresentou ao GABTU a Sinfonia dos Salmos, um marco de sua obra, o segundo - o balé de alta tecnologia e sofisticado Chroma, que rendeu ao seu autor três prêmios no Reino Unido.

"Chroma" é um balé complexo e, para os dançarinos criados nas tradições clássicas do balé russo, é como um teste decisivo, como um teste de força. Corpo, ambição, poder de pensamento. McGregor ignora os cânones clássicos da dança, em suas próprias palavras, querendo recriar a “plasticidade dos insetos” no palco. Os movimentos dos artistas devem surpreender e encantar: uma abstração deve ganhar vida no palco, que pode ser interpretada de qualquer maneira. Este balé é obviamente uma forma de explorar as possibilidades do corpo humano, enquanto isso é uma espécie de experimento psicológico. O artista precisa transmitir ao espectador através da dança a ideia de branco, um súbito “nada”, um vazio belo e repulsivo ao mesmo tempo. De acordo com este conceito, 4 mulheres e 6 homens (entre eles as estrelas do Bolshoi: Ekaterina Krysanova, Ekaterina Shipulina, Vyacheslav Lopatin, etc.) demonstram a técnica mais virtuosa, elevações intrigantes e alongamentos impensáveis.

A plastique aparentemente impossível (o corpo está virado do avesso, por assim dizer) parece ainda mais espetacular nas circunstâncias propostas: as construções ascéticas de John Pawson (o arquiteto do mosteiro cisterciense Novy Dvur na Boêmia) são instaladas no palco, que são um quadrado gigante, cuja iluminação muda constantemente de intensidade e cor. O drama da ação sem enredo é sublinhado pela música. McGregor escolheu músicas da dupla de rock The White Stripes, orquestradas por Joby Talbot, além de uma composição do compositor Hovercraft. Assim, espirrando energia vivificante e apaixonada em uma ação que se assemelha a um brinquedo de computador. O nervo desta produção, em princípio, é sentido como se fosse a despeito da clareza gráfica dos movimentos dos bailarinos e da cenografia minimalista proposta. Mas é óbvio. Chroma é um dos balés modernos mais espetaculares, provando a beleza e a verdade da vulnerabilidade humana, o próprio vazio que pode se tornar uma mortalha para cada um de nós, ou talvez o começo dos começos.

A "Sinfonia dos Salmos" de Jiri Kilian é surpreendentemente diferente da produção de McGregor. Esta também é uma “nova coreografia”, que só conseguiu se tornar um clássico vivo (o balé foi encenado em 1978). Mas, acima de tudo, trata-se de uma brincadeira com um tema religioso. Olhando para os dezesseis artistas, ora inspirados pela oração, ora esmagados pelo peso da culpa, é fácil esquecer que você está assistindo a um balé. Em vez disso, a oferta de uma oração coletiva, um rito místico, meditação corporal. A supertarefa de Kilian é clara e compreensível, não há liberdade de interpretação. Seus artistas falam com Deus através da dança. O pano de fundo da ação sacramental são os tapetes persas, que lembram as ricas iconóstases das capelas barrocas.

Ao som da música grandiosa de Stravinsky, ao canto dos salmos em latim, os artistas experimentam todas as formas de sentimento religioso: caem de bruços, trêmulos; inclinam suas cabeças em questão; levantem as mãos para o céu, rezando por perdão; organizar procissões solenes, adorando. Kilian encenou o balé não para solistas, cenas de grupo (todas as composições são destinadas a oito casais) são significativas aqui. Segundo rumores, devido à falta de solos espetaculares no balé, as estrelas do Bolshoi se recusaram a participar da produção, no entanto, os jovens lidaram bem com seu papel. Eles conseguiram uma dança moderna estética refinada, na qual o coletivo acaba sendo superior ao individual, e a filosofia religiosa se torna apenas fé. De acordo com Kilian, lutar pelo divino é uma dança como tal. Para deleite dos balletomanes, o Bolshoi entendeu essa fórmula, aceitou-a e reviveu-a.

No final da 235ª temporada, o Teatro Bolshoi preparou mais duas estreias de balés, dando continuidade à série retrospectiva de obras-primas coreográficas do século XX, que incluiu as estreias de dezembro do ano passado - os balés restaurados de um ato Serenade (1935) e Rubis por George Balanchine (1967), bem como "Herman Schmerman" por William Forsythe (1992). Já havia registro sobre essas apresentações do Bolshoi -.
"Symphony of Psalms" (1978) de Jiri Kilian e "Chroma" (2006) de Wayne McGregor foram selecionados para a produção (as exibições de estreia dos novos produtos ocorreram no New Stage do Teatro Bolshoi de 21 a 25 de julho) .

O balé que me impressionou ainda antes do Ano Novo com uma sensação constante do fundo sinistro que se esconde sob os "sorrisos exemplares de Hollywood" e as facetas "afinadas ao brilho" do talento coreográfico dos artistas. "Rubis" também aderiram ao novo programa. A propósito, a impressão de uma "conspiração sangrenta" escondida sob um brilho secular (algo como os "segredos da corte de Madri") também foi preservada desta vez: acho que o motivo não está tanto na inesperada agressividade de J A plasticidade balanchine dos conjuntos e solos da corte, mas na energia da música de Stravinsky.

A apresentação contou com a presença de: Artista Homenageado da Rússia Nina Kaptsova, Andrey Bolotin, Artista Homenageado da Rússia Ekaterina Shipulina, Alexander Vorobyov, Klim Efimov, Mikhail Kochan, Denis Rodkin, Daria Bochkova, Daria Gurevich, Ksenia Kern, Ilona Matsiy, Svetlana Pavlova, Yanina Parienko, Ana Turazashvili, Daria Khokhlova.

CROMA Balé em um ato com música de Joby Talbot e Jack White.
Coreógrafo - Wayne McGregor.
Assistentes de coreógrafos: Antoine Vericin, Odette Hughes, Miranda Lind.
Assistente de designer de produção - Mark Triharn.
Cenário: John Pawson.
Figurinista - Moritz Junge.
Designer de iluminação: Lucy Carter.

A apresentação contou com a presença de: Artista Homenageado da República da Ossétia do Norte-Alania Ekaterina Krysanova, Artista Homenageado da Rússia Svetlana Lunkina, Victoria Litvinova, Artista Homenageado da Rússia Ekaterina Shipulina, Artista Homenageado da Rússia Yan Godovsky, Maxim Surov, Vladislav Lantratov, Vyacheslav Lopatin, Artyom Ovcharenko, Igor Tsvirko.

Dado que os balés de McGregor ainda não foram encenados conosco, seu quase novo "Chroma" abriu esta noite de balés de um ato.
Antecedentes: Em 2006, o coreógrafo de 36 anos Wayne McGregor foi nomeado coreógrafo residente do Royal Ballet (parte da Royal Opera House, Covent Garden), a companhia de balé mais prestigiada do Reino Unido, nesta produção. Assim, pela primeira vez na história do Royal Ballet, um coreógrafo de vanguarda foi convidado para este cargo.
O balé "Chroma" (literalmente, "coloração", "intensidade da cor", "falta de branco") foi concebido como um projeto que combina coreografia de vanguarda, música e design.
O cenário implementa o "manifesto do vazio" do fundador do minimalismo arquitetônico moderno, John Pawson: o volume do palco é comprimido por um quarto, a uma caixa de luz retangular (na qual, no entanto, todos os cantos e arestas são arredondados, e o restante do espaço do palco é coberto por uma tela preta com um buraco que lembra um quadro de filme no filme), transformando-se em um portal retangular cortando a parte de trás do palco (segundo o projeto de John Pawson, personagens místicos entrarão no a partir daí: meio ciborgues, meio insetos). A aparência das paredes brancas como a neve graças ao jogo de luz (designer de luz Lucy Carter) está em constante mudança, "quebrando o espaço".
A música também é pura vanguarda (tente imaginar a partitura em estilo techno executada por uma orquestra sinfônica ao vivo) - composições vibrantes de Joby Talbot, combinadas com seus próprios arranjos orquestrais de três composições do grupo "White Stripes" ("White Stripes" Listras").
Trajes em tons de lingerie que vão do dourado areia ao rosa criam a ilusão de "incorporeidade abstrata" dos personagens, em plena conformidade com as exigências impensáveis ​​da coreografia de McGregor. Os performers trabalham no limite de seu corpo: bem, uma pessoa viva não pode ter uma divisão transversal de mais de 270 graus e salta com uma volta tão pouco natural do corpo! Se no início a coreografia "Chroma" estava associada à "vida dos insetos", no final ela se transforma gradualmente nas dobras e curvas da plasticidade ultramoderna das joias. Ao mesmo tempo, permanece completamente incompreensível como é possível dançar. No entanto, quatro bailarinas e seis dançarinos conseguem esses truques! Bravo!

"Sinfonia dos Salmos" balé em um ato com música de Igor Stravinsky.
Coreógrafo - Jiri Kilian.
Cenógrafo: William Katz.
Figurinista - Jupe Stokvis.
Designer de iluminação: Joop Caboort.
O autor do editor de iluminação é Kiis Tiebbes.
Mestre do Coro - Valery Borisov.
Coreógrafo assistente - Cora Bos-Kroese, Ken Ossola.
Maestro - Igor Dronov.

A apresentação contou com a presença de: Anna Rebetskaya, Yuri Baranov, Anna Tikhomirova, Alexander Smolyaninov, Yulia Grebenshchikova, Artyom Ovcharenko, Yulia Lunkina, Alexei Torgunakov, Chinara Alizade, Anton Savichev, Anzhelina Vorontsova, Dmitry Dorokhov, Anna Balukova, Igor Tsvirko, Maria Prorvach , Dmitry Zagrebin.

Com o advento do novo diretor artístico do Bolshoi Ballet (Sergei Filin, se você se lembra, antes disso ele dirigiu a trupe de balé Stasik, e foi para Stasik que ele conseguiu permissão de Jiri Kilian para encenar meus balés favoritos Six Dances e A Little Death", - leia mais sobre isso aqui: ), era bastante natural esperar esse mestre da coreografia moderna no palco das apresentações do balé Bolshoi. Além disso, o próprio Jiri Kilian, que esteve pessoalmente presente na estreia russa de seus balés em Stasik (11 de julho do ano passado), ficou bastante satisfeito com o resultado que viu e até saiu para se curvar ao público.
Uma das primeiras produções de Kilian é Symphony of Psalms to the music of I.F. Stravinsky (1882-1971). Aliás, a "Sinfonia dos Salmos" foi escrita em 1930 "Para a Glória do Senhor Deus" por ordem do maestro russo Sergei Koussevitzky, que liderou a Orquestra de Boston (EUA). A "Sinfonia dos Salmos" consiste em 3 partes (a primeira é o apelo do pecador à misericórdia do Senhor com um pedido de salvação; a segunda é a gratidão pela misericórdia recebida; a terceira é Aleluia, um hino de louvor e glória ao o Todo-Poderoso), mas não é uma obra religiosa canônica, embora os textos para um coral as partituras sejam tiradas dos salmos nºs 28, 39 e 150 - todos na edição ortodoxa da Igreja Católica (canto coral em latim em uma variedade de humores - da maldade aos sentimentos de contenção a uma onda de emoções - lembrou a cantata de Carl Orff "Carmina Burana", sobre a qual também havia um registro -) . Tal como concebido pelo compositor na Sinfonia dos Salmos, tanto a orquestra quanto o coro deveriam ser igualmente significativos em termos sonoros, de modo que a composição da grande orquestra sinfônica foi reduzida por ele em detrimento de clarinetes, violinos e violas, que, ao escala do Novo Palco do Teatro Bolshoi, possibilitou colocar mais e coro.
No balé "Sinfonia dos Salmos" as estrelas não estão ocupadas, mas oito pares de jovens artistas demonstram excelente técnica coreográfica e maturidade emocional para transmitir a poderosa mensagem espiritual inerente à música de Stravinsky na linguagem da dança. Não há partes solo aqui, se isso é uma oração, então a oração é coletiva, embora cada casal, e também os personagens individuais, participem dela à sua maneira, tudo é como na vida: existem personalidades fortes, existem aquelas que estão quebrados de espírito. Mas no final, todos os membros desse conjunto (ainda que reunidos de maneiras tão diferentes!) caminham sob as fileiras de tapetes persas antigos pendurados no fundo do palco (como sob a iconóstase da catedral) já de forma síncrona, em um linha única, estendendo-se por toda a largura do palco, escondendo-se gradualmente no escuro como se estivesse se dissolvendo.
A propósito, uma solução de design muito interessante para a performance: figurinos leves enfatizam a indefesa emocional e a vulnerabilidade corporal dos personagens com linhas de silhueta suaves e cores pastéis do cinza ao rosa pálido, e a ação ocorre no contexto de uma grande coleção de tapetes artesanais, diferentes em tamanho e ornamentação, mas combinados no mesmo esquema de cores - vermelho com dourado. "Pensei por muito tempo em como podemos criar um espaço tão atemporal e, de repente, vi todos esses tapetes maravilhosos no mercado de pulgas - imagine, para tecer um tapete, o mestre precisa de um ano e temos 100 deles, isto é, no palco – uma vida humana inteira", disse o desenhista de produção William Katz.
E mais um toque: a produção da "Sinfonia dos Salmos" no palco do Netherlands Dance Theatre (NDT) em 1984, graças à coreografia fundamentalmente inovadora de Jiri Kilian, salvou literalmente sua trupe da desintegração, e o próprio teatro da ruína (público tão ativamente entusiasmado começou a comprar ingressos)!

Em 1930, a Orquestra de Boston comemorou seu cinquentenário. Esta importante data devia ser celebrada com inúmeros concertos, nos quais, entre outras obras, seriam apresentadas novas – especialmente criadas para esta celebração. Sergei Koussevitzky, que na época chefiava a Orquestra de Boston, recorreu para esse fim aos compositores mais famosos da época - Arthur Onneger, Paul Hindemith. Esteve entre esses compositores e. Ele ficou especialmente satisfeito com o fato de que, exceto pela hora marcada, a liberdade de sua criatividade não era limitada, e ele queria criar uma grande obra para uma orquestra sinfônica por um longo tempo.

Mas o que deveria ser? Por um lado, ele queria que fosse um ciclo sinfônico com sua integridade, e não uma suíte, por outro lado, ele não se sentia atraído pelas formas estabelecidas da sinfonia herdadas do século XIX. O compositor é presenteado com uma obra com um rico uso de técnicas polifônicas, e isso determina a composição especial dos intérpretes. Ele decide usar um conjunto de composição muito original - por exemplo, não contém nem violinos nem violas, o que pareceu ao autor excessivamente emocional, as cordas são representadas apenas por violoncelos e contrabaixos, não há flauta - mas há até cinco flautas piccolo, há um instrumento tão exótico como um trompete - piccolo, dois pianos envolvidos. Esta composição instrumental é complementada por dois coros - um masculino e um masculino, em substituição das vozes femininas (este último foi abandonado pelo mesmo motivo dos violinos). Mas, ao mesmo tempo, não se pode dizer que o conjunto instrumental acompanhe esses coros - tanto os coros quanto os instrumentos tornam-se componentes iguais do tecido polifônico (segundo o autor, os “velhos mestres da música contrapontística”, que tratavam as vozes de cantores e instrumentos “como com valores iguais”, serviu de modelo para ele ).

No entanto, ele não queria que o coro cantasse sem palavras, e um texto adequado é encontrado - um saltério. O compositor escolhe três salmos - o 38º com sua oração pela salvação, o 39º, contendo ação de graças pela misericórdia do Senhor, e o 150º, onde o louvor do Senhor é proclamado. A obra foi chamada de Sinfonia dos Salmos, e o modelo para o compositor não é apenas e nem tanto católico como o canto da igreja ortodoxa (embora esta última não seja caracterizada por técnicas contrapontísticas) - ele até começou a compor festas corais para a Igreja eslava texto, mas depois ainda deu preferência ao latim.

A primeira parte da sinfonia (“Ouve minha oração, Senhor!”) é dramática. O primeiro tema sustenta-se no movimento inquieto das pequenas durações. A segunda, composta por apenas três passos, é severamente entoada pelo coro. O coro infantil (violas) inicia o tema, depois é captado por todas as outras vozes. No decorrer do desenvolvimento e comparação contrastante de temas, intervalos mais amplos aparecem na parte coral.

A segunda parte é uma fuga dupla. A exposição do primeiro tema - fria, contida - é realizada por cinco flautas piccolo e um oboé. É contrastado pelo segundo tema, com o qual todas as quatro partes corais entram sucessivamente, começando pela soprano. Em geral, a segunda parte se distingue por uma cor clara, natural para uma oração de ação de graças.

O terceiro movimento abre com uma introdução lenta, após a qual o coro proclama "Aleluia!" O resto foi originalmente composto no texto “Senhor, tenha piedade!” - e aqui foi apresentado um ícone ortodoxo representando Cristo o Menino com um orbe e um cetro. A seção do meio é particularmente ativa - o compositor explicou que o movimento triplo do piano e das trompas está associado à carruagem na qual o profeta Elias ascende ao céu. Duas ondas de desenvolvimento levam a dois clímax, o segundo dos quais é mais poderoso. Na coda, o coro toca uma melodia ostinato contra o fundo de uma textura instrumental que imita o toque dos sinos.

Embora a obra tenha sido criada para o aniversário da Orquestra de Boston, a estreia mundial não foi realizada por ele - ocorreu em 13 de dezembro de 1930 em Bruxelas, sob a regência de Ernest Ansermet. A estreia americana aconteceu seis dias depois, interpretada pela Orquestra de Boston.

Temporadas de música