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Muitas vezes você ouve o termo "clássico" ou "clássico". Mas qual é o significado desta palavra?

Clássico é...

A palavra "clássico" tem vários significados. A maioria dos dicionários explicativos oferece um deles - as obras dos clássicos: literatura, música, pintura ou arquitetura. Além disso, essa palavra é usada em relação a alguns exemplos de arte, por exemplo, "clássicos do gênero". No entanto, na maioria das vezes esse termo é mencionado como indicativo de um período específico no desenvolvimento de um ou outro, não esquecendo que apenas alguns, os mais bem-sucedidos, são considerados entre os autores clássicos. Na literatura, tudo o que foi escrito nos séculos XVIII e XIX é considerado um clássico. No século XX, os clássicos dão lugar à modernidade. Muitos escritores modernistas procuraram destruir a tradição anterior, tentaram encontrar uma nova forma, temas, conteúdo. Outros, ao contrário, usaram as obras de seus antecessores para seus próprios fins. Assim, as obras pós-modernas estão repletas de alusões e reminiscências.

Clássico é algo que sempre estará na moda. Esse é um tipo de modelo que forma nossa visão de mundo, que reflete todos os traços característicos de uma nação de uma determinada época.

Quais escritores podem ser chamados de clássicos?

Como observado acima, nem todos os autores estão incluídos nas fileiras dos clássicos, mas apenas aqueles cujo trabalho teve um impacto significativo no desenvolvimento da cultura russa. Talvez os primeiros escritores clássicos que deixaram uma marca significativa no mundo sejam Lomonosov e Derzhavin.

Mikhail Vasilievich Lomonosov

A sua obra literária situa-se na primeira metade do século XVIII. Ele se tornou o fundador de uma tendência como o classicismo, por isso é impossível não classificá-lo entre os clássicos da época. Lomonosov deu uma enorme contribuição não apenas à literatura, mas também à linguística (tendo distinguido três estilos em sua língua nativa), bem como à química, física e matemática. Suas obras mais significativas: "Meditação matinal/vespertina sobre a Majestade de Deus", "Ode no Dia da Ascensão...", "Conversa com Anacreon", "Carta sobre os Benefícios do Vidro". Deve-se notar que a maioria dos textos poéticos de Lomonosov eram de natureza imitativa. Em seu trabalho, Mikhail Vasilyevich foi guiado por Horácio e outros autores antigos.

Gavrila Romanovich Derzhavin

Escritores da segunda metade do século XIX

Entre os poetas, F. I. Tyutcheva e A. A. Fet devem ser especialmente destacados. Foram eles que marcaram toda a poesia da segunda metade do século XIX. Entre os prosadores estão figuras brilhantes como I. S. Turgenev, F. M. Dostoiévski, L. N. Tolstoy, A. P. Chekhov e outros. As obras desse período estão repletas de pesquisas psicológicas. Cada um dos romances realistas abre diante de nós um mundo extraordinário, onde todos os personagens são desenhados de forma vívida e vital. É impossível ler esses livros e não pensar em nada. Clássicos é uma profundidade de pensamento, um vôo de fantasia, um modelo. Não importa quão sofisticados sejam os modernistas quando dizem que a arte deve estar distante da moralidade, as obras dos escritores clássicos nos ensinam as coisas mais belas da vida.

conceito "música clássica"(Inglês) música clássica) é muito ampla e multifacetada. Normalmente este termo refere-se à música do passado, que resistiu ao teste do tempo e tem um público de ouvintes no presente. A música clássica é os melhores exemplos de arte musical de diferentes gêneros. Via de regra, eles são baseados em gêneros e formas "acadêmicos": sinfonia, ópera, oratório, sonata, prelúdio, suíte, abertura etc. princípios.

Os principais instrumentos usados ​​na música clássica surgiram antes de meados do século XIX. Entre eles são utilizados solo (órgão, cravo, piano) e instrumentos destinados a tocar em orquestra. Uma forma típica de se apresentar na música clássica é a orquestra sinfônica. Inclui instrumentos de madeira, cordas, metais e percussão.

Marcos na história da música clássica:

Antiguidade(até 400 anos)

Meia idade(400-1400)

Nesta época, as principais figuras musicais eram trovadores e trouveurs (Adam de la Halle), minnesingers (Walter von der Vogelweide), Wolfram von Eschenbach e clérigos (Benedictine Guido (Guido d "Arezzo).

Renascimento(séculos XV-XVII)

Os principais compositores da época são Giovanni da Palestrina (Giovanni Pierluigi da Palestrina), Thomas Tallis (Thomas Tallis) e Thomas Luis de Victoria (Tomás Luis de Victoria). Vários tipos de instrumentos de arco e teclado são inventados.

Barroco(XVII-ser. Século XVIII)

Nomes famosos: Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, George Frideric Handel e Henry Purcell. Formas baseadas: ópera, oratório, tocata, fuga, sonata, suíte, abertura, concerto. O apogeu da música de órgão, instrumentos de corda, de corda e de sopro.

Classicismo(meados. XVIII-meados do século XIX)

Este período está associado a talentos musicais brilhantes: Mozart (Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven inicial (Ludwig van Beethoven), Franz Joseph Haydn (Joseph Haydn). Determinado o desenvolvimento da composição musical. A forma da sinfonia é padronizada. Havia uma forma de performance como um quarteto de cordas.

Romantismo(meados do século 19 ao 20)

Beethoven (Ludwig van Beethoven), Chopin (Fryderyk Chopin), Franz Peter Schubert, Tchaikovsky, Franz Liszt (Liszt Ferenc), Wagner (Richard Wagner) aparecem. O rápido desenvolvimento da música para piano durante este período.

XX século

Nomes famosos: Rachmaninoff, Stravinsky, Leonard Bernstein, Benjamin Britten e Philip Glass.

Música acadêmica contemporânea(condicionalmente desde 1975)

Distingue-se pela síntese de elementos da música clássica com a música eletrónica. Alguns dos melhores compositores contemporâneos: Alfred Schnittke (Alfred Schnittke), Karlheinz Stockhausen (Karlheinz Stockhausen), Gubaidulina S.A., Ligeti (Ligeti), Denisov E.V., Joe Hisaishi (Hisashi Joe), Nicholas Hooper (Nicholas Hooper), Jerry Goldsmith, Yann Tiersen, Ludovico Einaudi, David Arnold, John Barry, Steve Jablonsky, John Williams, Howard Leslie Shore, Hans Florian Zimmer, Akira Yamaoka e outros.

A música clássica continua a evoluir nos tempos modernos, influenciando outros gêneros musicais. Por exemplo, músicos de rock costumam usar a tonalidade clássica. Classics carrega perfeita harmonia e integridade.

Música clássica… Cada um entende esta frase à sua maneira. Para alguns, são melodias leves e arejadas de Mozart, para outros, cantatas e oratórios de Bach. Alguém lembra imediatamente as valsas alegres de Strauss e as polcas incendiárias de Chopin, enquanto outros lembram imediatamente as sinfonias frenéticas de Shostakovich. Então quem está certo? E todos estão igualmente certos!

A palavra "clássico" vem do latim classicus, que significa exemplar. Se recorrermos a fontes competentes, por exemplo, a Enciclopédia Musical, encontraremos ali diversas definições de música clássica.

Além da conhecida e um tanto primitiva definição de “música séria”, aprendemos o que é:

• obras musicais exemplares de compositores notáveis ​​do passado, que resistiram ao teste do tempo;
• obras musicais escritas em um determinado período histórico da arte (do Barroco ao Modernismo);
• obras musicais escritas de acordo com certas regras e cânones em conformidade com as proporções necessárias e destinadas à execuçãoorquestra sinfônica, conjunto ou solistas.

A música clássica é diversificada em gêneros: sinfonias, suítes, sonatas, estudos, noturnos, fantasias, fugas, óperas, balés, música sacra. Os principais instrumentos para a execução da música clássica são cordas, teclados, instrumentos de sopro e percussão: violino, violoncelo, piano, flauta, oboé, clarinete, trompete, tímpanos, címbalos, tambor e, claro, o órgão. É este instrumento que pode ser chamado de ancestral da música clássica, porque tem suas origens no Renascimento, ou seja. no século XVI! E seu apogeu é o século 17 - a era barroca. Foi nessa época que surgiram gêneros musicais como sonata e ópera, que ainda são relevantes hoje. O maior gênio da história da música, Johann Sebastian Bach, trabalhou na época barroca, foi ele quem abriu novas possibilidades ilimitadas para a criação de obras musicais. A música daquela época era caracterizada por formas pretensiosas, complexidade, pompa, plenitude emocional. Nasciam então as fugas de Bach, os oratórios de Handel, os concertos para violino de Vivaldi As Quatro Estações.

Mas as épocas se sucederam, os tempos mudaram, as pessoas mudaram - e a música tornou-se diferente! A pretensão e o esplendor foram substituídos por uma música bonita, leve, arejada e elegante. Você já adivinhou? Claro - este é Mozart, o Mozart brilhante e inimitável! Beleza e harmonia são os sinônimos de suas melodias. Ele, como um cometa, sobrevoou a era do Classicismo, sempre a iluminando com luz brilhante.

No final do século XVIII, outra estrela da música clássica ergueu-se no céu musical- Ludwig van Beethoven. Começou a escrever música no estilo clássico herdado de Mozart. Mas o verdadeiro talento sempre traz algo novo com ele, então dizem que Beethoven literalmente "dividiu" o estilo clássico com sua música, tornando-se o fundador de uma nova era - a era do romantismo. A música clássica desta época é mais apaixonada, profunda, emocionalmente expressiva e individual. É dirigido profundamente na alma humana, mostrando a profundidade e a riqueza do mundo interior. Durante este período, compositores notáveis ​​como F. ​​Chopin, I. Strauss, F. Liszt, P.I. Tchaikovsky e muitos outros.

E o último período no desenvolvimento da música clássica é o período de 1910 a 1960, que entrou na história sob o nome de Modernismo. A. Scriabin, D. Shostakovich e S. Rachmaninov são representantes proeminentes desta tendência na música. A música deste período é nova e revolucionária. Destina-se às pessoas da nova era e promove a absoluta liberdade criativa do indivíduo e o apelo à auto-realização.

Resumindo tudo isso, podemos concluir que a música clássica é eterna. É bonito e harmonioso, sua principal característica é a combinação da profundidade das experiências transmitidas com uma variedade de técnicas musicais. Nos acompanha há séculos. Seu poder misterioso reside no fato de que, ouvindo-o hoje, experimentamos os mesmos sentimentos que os primeiros ouvintes. E o melhor de tudo, vá a um concerto ou ouça um disco de música clássica e deixe que cada um decida por si mesmo o que essa frase significa para ele!

"Música clássica" e "clássicos musicais" são duas formulações absolutamente equivalentes, livres dos limites da terminologia, refletindo uma vasta camada de cultura musical, seu significado histórico e perspectivas de desenvolvimento. Muitas vezes o termo "música clássica" é substituído pela frase "música acadêmica".

História da aparência

Independentemente da terminologia, a música clássica tem uma origem histórica bem definida associada ao período do Iluminismo tardio da era do classicismo. A poesia e a dramaturgia daquela época eram baseadas em obras de autores antigos, e essa técnica também afetou a cultura musical. A trindade - tempo, ação e lugar - foi observada no gênero da ópera e em outras direções musicais associadas às fontes literárias. Oratórios, cantatas traziam a marca do classicismo, uma espécie de padrão dos séculos XVII-XIX. As apresentações de ópera foram dominadas por libretos inspirados no período da antiguidade.

Formação

Quase todos os gêneros de música clássica estão de alguma forma ligados à era do classicismo. O compositor Gluck foi um dos mais brilhantes seguidores da música, ele conseguiu observar todos os cânones da época em suas obras. A era do passado foi caracterizada por uma lógica clara e equilibrada, uma ideia clara, harmonia e, mais importante, a completude de uma obra musical clássica. Ao mesmo tempo, houve uma demarcação de gêneros, quando a polifonia foi gentil, mas persistentemente rejeitada, e uma definição quase matematicamente verificada do gênero tomou seu lugar. Ao longo do tempo, os gêneros da música clássica receberam um alto grau de academicismo.

Na ópera, as partes solo começaram a prevalecer visivelmente sobre as vozes acompanhantes, enquanto anteriormente todos os participantes da performance eram iguais. O princípio da dominância enriqueceu o som, o libreto assumiu uma forma completamente diferente e a performance tornou-se teatral e operística. Os conjuntos instrumentais também mudaram, os instrumentos solo avançaram, os acompanhantes ficaram em segundo plano.

tendências e estilos

Durante o período do classicismo tardio, novos "padrões" musicais foram criados. Os gêneros de música clássica tornaram-se difundidos no final do século 18. Grupos orquestrais, ensemble, solo-vocal e especialmente sinfônicos seguiram os novos cânones da música, enquanto as improvisações foram reduzidas ao mínimo.

Quais são os gêneros da música clássica? A lista deles é a seguinte:

• variações;
• sinfonias;
• ópera;
• concertos instrumentais;
• cantatas;
• oratórios;
• prelúdios e fugas;
• sonatas;
• suítes;
• tocata;
• fantasias;
• música de órgão;
• noturnos;
• sinfonias vocais;
• música de metais;
• aberturas;
• massas musicais;
• salmos;
• elegias;
• esboços;
• coro como forma musical.

Desenvolvimento

Em meados do século XVIII, as orquestras eram montadas de forma aleatória, e sua composição determinava o trabalho do compositor. O autor da música teve que construir seu trabalho para instrumentos específicos, na maioria das vezes eram cordas e um pequeno número de instrumentos de sopro. Mais tarde, as orquestras surgiram de forma permanente, bastante unificada, contribuindo para o desenvolvimento do gênero da música sinfônica e instrumental. Essas orquestras já tinham nome, eram constantemente aprimoradas e excursionavam pelos territórios mais próximos.

No início do século XIX, várias novas direções foram acrescentadas à lista de gêneros musicais. Eram concertos para clarinete e orquestra, órgão e orquestra e outras combinações. Surgiu também a chamada sinfonia, uma curta com a participação de toda a orquestra. Em seguida, tornou-se um réquiem da moda.

Compositores clássicos, Johann Sebastian Bach e seus filhos, Christoph Gluck, representantes da ópera italiana e de Mannheim formaram a escola clássica vienense, que também incluía Haydn, Mozart e Beethoven. Formas clássicas de sinfonia, sonata e peças instrumentais apareceram nas obras desses mestres. Mais tarde, surgiram conjuntos de câmara, um trio de piano, vários quartetos de cordas e quintetos.

A música do fim da era do classicismo passou suavemente para o período seguinte, o tempo do romantismo. Muitos compositores começaram a compor de maneira mais livre, seu trabalho de vez em quando ia além dos cânones acadêmicos do passado. Gradualmente, as aspirações inovadoras dos mestres foram reconhecidas como "exemplares".

O teste do tempo

Os gêneros da música clássica continuaram a se desenvolver e, no final, surgiram critérios de avaliação para determiná-los, de acordo com o grau de arte de uma obra, seu valor no futuro. A música que resistiu ao tempo foi incluída no repertório de concertos de quase todas as orquestras. Assim foi com as obras de Dmitri Shostakovich.

No século XIX houve uma tentativa de classificar certas categorias da chamada música leve como gêneros de música clássica. Tratava-se da opereta, que apressou-se a ser chamada de "semi-clássica". No entanto, esse gênero logo se tornou completamente independente e a assimilação artificial não foi necessária.

"Clássico e Moderno"

Clássicos (do latim classicus - perfeito, exemplar, de primeira classe) são obras de arte que, independentemente de quando foram escritas, são as melhores, continuam a emocionar muitas gerações de pessoas. Eles receberam reconhecimento geral e têm um valor duradouro para a cultura nacional e mundial. Essas obras atendem aos mais altos requisitos artísticos, combinam a profundidade do conteúdo com a perfeição da forma.

O clássico é chamado de arte antiga (a arte da Grécia Antiga e da Roma Antiga), bem como a arte do Renascimento e do classicismo.

Além disso, o conceito de música clássica é aplicado ao trabalho dos maiores compositores do mundo. Clássico pode ser chamado de obras criadas no passado distante e composições modernas.

Os clássicos muitas vezes se opõem às novas tendências da arte, cujas realizações ainda não passaram no teste do tempo. Os contemporâneos muitas vezes podem cometer erros na avaliação de obras musicais. Há muitos exemplos de como obras que não receberam reconhecimento durante a vida dos autores se tornaram mais tarde clássicos e entraram no fundo dourado da arte musical mundial. O que ontem era percebido como um desafio ousado à arte clássica, hoje pode ser considerado um clássico. Um exemplo disso é o trabalho de Prokofiev, R. Shchedrin, A. Schnittke e outros.

Há também o conceito de um clássico do gênero. Nesse caso, as obras de música leve são chamadas de clássicas: jazz, pop, rock. No entanto

a idade de muitas composições que receberam grande popularidade em algum período, pode ser de curta duração se não tiverem alto mérito artístico.

Para aprender a entender toda a diversidade da música, é preciso se esforçar para entender o conteúdo da obra, sua estrutura figurativa, pertencer a um determinado estilo, direção artística.

A palavra estilo (do grego. stylos, literalmente - um bastão para escrever) significa caligrafia, incluindo a do autor, um conjunto de traços característicos, técnicas, métodos, traços de criatividade. Na arte, distinguem-se o estilo da época (histórico), o estilo nacional, o estilo individual - o estilo do compositor e até mesmo um intérprete específico.

No nosso tempo, há um interesse crescente dos músicos pela música clássica do passado. Surgem suas novas versões, interpretações, adaptações, que atraem ouvintes modernos. Graças ao conhecimento de músicas de diferentes estilos, temos a oportunidade de entrar em diálogo com nossos pares e com pessoas de um passado distante - como se estivéssemos visitando outros tempos.

No teatro musical.

Dramaturgia, dramática - essas palavras são formadas a partir da palavra drama. Mas também são usados ​​para descrever a música, em que geralmente são transmitidas as experiências humanas: sofrimento, confusão, ansiedade, protesto, indignação, etc. Esses sentimentos são mais frequentemente manifestados nas pessoas em confrontos, disputas, conflitos. É nisso que se baseia a dramaturgia e a performance musical.

Dramaturgia musical - o sistema irá expressar. meios e técnicas para a incorporação da ação dramática nas obras de palco musical. gênero (ópera, balé, opereta). A dramaturgia musical baseia-se nas leis gerais do drama como uma das formas de arte: a presença de um conflito claramente expresso que se revela na luta entre as forças de ação e reação, uma certa sequência de etapas na revelação dos dramas. idéia (exposição, enredo, desenvolvimento, clímax, desfecho), etc.

Ópera (da ópera italiana - trabalho, composição) originou-se na Itália na virada dos séculos XVI-XVII. Ópera, por definição, é "uma performance de palco em que a ação que ocorre no palco é expressa pela música, ou seja, pelo canto dos personagens (cada um separadamente, ou em conjunto, ou em coro) e pelas forças do orquestra em uma aplicação infinitamente variada dessas forças, começando com vozes de apoio simples e terminando com as mais complexas combinações sinfônicas. A música é o principal meio generalizador, portadora de uma ação direta; ela não apenas comenta o situações, mas também une todos os elementos do drama, revela as fontes ocultas do comportamento da ação. pessoas, suas complexas relacionamento, muitas vezes expressa diretamente a ideia principal do produto.

As óperas são épicas, líricas, dramáticas, cômicas.

As óperas têm uma longa vida, baseadas em um libreto interessante e uma música expressiva que revela mais plenamente os personagens dos personagens.

De acordo com as leis do teatro, a ópera é dividida em ações (atos), ações - em imagens e imagens - em cenas.

Normalmente a ópera abre com uma introdução, ou abertura, na qual se expressa a ideia da performance. As principais características dos personagens principais da ópera são ária, canção, cavatina, dueto, trio, etc., em que os sentimentos e vivências dos personagens são incorporados em melodias memoráveis. "Meio-meio-discurso" é chamado de recitativo.

Uma das peculiaridades da ópera é que seus personagens às vezes cantam sua parte ao mesmo tempo. É assim que o compositor revela os pensamentos e sentimentos de seus personagens no conjunto - som conjunto harmonioso. Em cenas de multidão, um coro soa, que muitas vezes atua como um dos principais

atores da ópera ou comentários sobre o que está acontecendo no palco. dependendo do enredo, do tempo de criação da ópera e das possibilidades do teatro, pode haver danças e até cenas de balé na ópera.

O papel da orquestra é excepcionalmente grande na ópera. Ele acompanha os cantores e o coro, atua como um parceiro igual dos personagens da ópera e, às vezes, como personagem independente. Os episódios orquestrais (gnomera) da ópera ajudam os ouvintes a compreender as principais linhas de desenvolvimento da ação.

Ópera "Ivan Susanin".

A ópera () "Ivan Susanin" ("Vida para o Czar") evoca em muitas gerações de ouvintes um sentimento de pertencimento à história de seu povo. Revela a grandeza da alma de Ivan Susanin - um cidadão dedicado à Pátria, um pai que ama sua família. Essas qualidades humanas são significativas para cada um de nós hoje.

A dramaturgia da ópera é baseada na oposição conflitante de duas forças, o desenvolvimento de temas musicais contrastantes: canção russa e dança polonesa e música instrumental.

A ópera consiste em quatro atos e um epílogo.

A ação acontece no outono de 1612 e no inverno de 1613.

(1º ato - na aldeia de Domnino, 2º - na Polônia, 3º - na cabana de Susanin, 4º - nas florestas, epílogo - em Moscou na Praça Vermelha).

Na introdução (introdução à ópera), soa o coro "Minha Pátria", que encarna a vontade inexorável do povo russo para a vitória.

Ato 1: Uma imagem da vida pacífica dos aldeões e da família Susanin se desenrola no palco. Os camponeses da aldeia de Domnino encontram com alegria as milícias. Só Antonida está triste. Ela está esperando o retorno de seu noivo - Bogdan Sobinin, que partiu com sua comitiva para esmagar a nobreza polonesa. Sua cavatina é cheia de sinceridade e ternura, e o rondó gracioso e animado revela o mundo brilhante e alegre dos sonhos de menina: "Seja qual for a manhã, seja qual for a noite, estou esperando um encontro com minha querida amiga". Susanin entende os sentimentos de sua filha, mas ele quer prepará-la para as provações que um momento difícil traz. Agora não é hora de pensar em casamento. De repente, uma música vem do rio. Aqui é Sobiiin retornando com uma comitiva. Ele trouxe notícias alegres: Minin e Pozharsky lideraram o exército russo, e os militares se reuniram para eles de todas as partes. Os camponeses exultam: a hora da libertação está próxima. A decisão de Susanin de adiar o casamento incomoda Sobinin: afinal, para o casamento ele voltou para sua aldeia natal. A princípio, Susanin é inflexível, mas, ao saber que os inimigos estão sitiados em Moscou, ele concorda.

2º acto: Aqui é revelada uma imagem generalizada dos conquistadores polacos, ansiosos pela vitória. No antigo castelo polonês do rei Sigismundo III, uma nobreza arrogante, confiante em sua vitória, festeja despreocupadamente. O salão bem iluminado está cheio de convidados alegres. De repente, a dança é interrompida pelo aparecimento de um mensageiro. Ele relata a derrota das tropas mercenárias e o cerco do destacamento polonês em Moscou. A nobreza está em crise. Os cavaleiros estão indo para a batalha, balançando orgulhosamente suas armas, jurando subjugar os "odiados smerds".

Ato 3: Estão sendo feitos os preparativos para o casamento de Antonida e Sobinin na casa de Susanin. O filho adotivo de Susanin, Vanya, sonha em ir com Sobinin contra os poloneses. Entram os camponeses parabenizando os noivos, Susanin os convida para o casamento. De repente, o barulho de um cavalo é ouvido. A porta se abre e os poloneses entram na cabana. Eles precisam de um guia para chegar a Moscou. Em vão os inimigos convencem Susanin - ele não se tornará um traidor. Então os poloneses oferecem ouro a Susanina. Inesperadamente, Susanin concorda: ele se dá conta de liderar os poloneses em uma floresta impenetrável. Secretamente dos inimigos, ele envia Vanya para avisar Minin do perigo e sai com os poloneses. Ao saber do que havia acontecido, Sobinin e sua comitiva correram em busca dos inimigos.

O drama das experiências emocionais é transmitido pelo romance de Antonida ("Não estou de luto por isso, namoradas"), que se entrelaça na melodia simples do coro de casamento das namoradas.

Vanya informa os soldados russos sobre a chegada do destacamento polonês. Os guerreiros estão determinados a derrotar os inimigos e salvar Susanin. Liderados por Minin, eles avançam em direção ao inimigo.

4º ato: Poloneses cansados ​​e congelados vagam por uma floresta surda e impenetrável. Os inimigos suspeitam que Susanin se extraviou. Finalmente, o destacamento para para uma parada, os poloneses adormecem. Susanin não está dormindo. Ele sabe que a morte o espera: os poloneses cheiram a verdade. Morrer é difícil, mas ele cumpriu seu dever. Som recitativo e ária de Susanin. Uma tempestade de neve se levanta e, no assobio do vento, Susanin parece ouvir as vozes das crianças. Ilumina. Os poloneses despertos estão convencidos com horror de que não podem sair da densa floresta da floresta. Susanin, triunfante, revela a terrível verdade aos panamás. Poloneses enfurecidos o matam.

Epílogo: Em Moscou, na Praça Vermelha, o povo saúda as tropas russas. Vanya, Antonida e Sobinin também estão aqui. O povo celebra a libertação e elogia os heróis que deram a vida pela vitória sobre o inimigo. O refrão final "Glória!", escrito no espírito de um canto popular vitorioso, irradia luz, transmite o triunfo e júbilo do povo.

Estreia - 27 de novembro (9 de dezembro) de 1836 no Teatro Bolshoi de São Petersburgo.

A ópera iniciou uma nova era na arte musical russa, todo o caminho do desenvolvimento do gênero ópera na Rússia foi determinado.

Ópera "Príncipe Igor"

As páginas da história russa também são dedicadas à ópera "Príncipe Igor" (), membro da comunidade de compositores russos The Mighty Handful. O enredo da ópera é baseado no poema patriótico da Rússia Antiga "O Conto da Campanha de Igor", complementado por outros documentos históricos e crônicas. É dedicado não às vitórias, que as armas russas conheciam muito, mas à derrota, pela qual o príncipe foi capturado e seu esquadrão foi destruído.

A dramaturgia da ópera é baseada na comparação de dois mundos opostos, duas forças: os russos - o príncipe Igor com seu filho Vladimir e seu esquadrão, a princesa Yaroslavna, seu irmão Vladimir Galitsky, e o Polovtsy - Khan Konchak, seus guerreiros.

A ação acontece: no prólogo, no primeiro e quarto atos - na cidade de Putivl, no segundo e terceiro atos - no campo polovtsiano.

Hora: 1185.

Prólogo. Na antiga cidade russa de Putivl, o príncipe Igor está em campanha contra os Polovtsy com sua comitiva. As pessoas glorificam solenemente o príncipe - coro "Glória ao sol vermelho!" De repente, a terra está envolta em escuridão - começa um eclipse solar. Vendo isso como um mau presságio, o povo e os boiardos dissuadem Igor; implora ao príncipe para ficar e sua esposa Yaroslavna. Mas Igor é inflexível. Tendo confiado os cuidados de sua esposa ao irmão dela, Vladimir Galitsky, ele leva seu amigo à batalha contra o inimigo.

Ato 1: Galitsky aproveitou a partida de Igor. Junto com os servos, ele brinca e ultraja; os assobiadores bêbados Skula e Eroshka, as tropas que fugiram de Igor, estão liderando a festa selvagem. Galitsky acalenta o sonho de se tornar um príncipe em Putivl, mas por enquanto oprime os habitantes de todas as maneiras possíveis. Tendo ousadamente sequestrado a garota, o príncipe afasta as namoradas que vieram pedir sua libertação.

As meninas estão procurando proteção contra o insolente infrator de Yaroslavna. Mas, apesar de toda a sua determinação e firmeza, a princesa não consegue lidar com o irmão. Os boiardos trazem más notícias: em uma batalha desigual, todo o exército foi morto, Igor foi ferido e feito prisioneiro com seu filho, e hordas de Polovtsy se aproximaram de Putivl. Um alarme alarmante é ouvido, anunciando a invasão inimiga.

2º ato: Noite no acampamento polovtsiano. Meninas polovtsianas entretêm a filha do Khan, Konchakovna, com canções e danças, mas apenas um encontro alegre com o príncipe Vladimir, que se apaixonou por ela, dissipou a tristeza da beleza. Igor está imerso em pensamentos.

A imagem do príncipe Igor é mais claramente revelada pelo compositor em sua ária. Nada é doce para o príncipe, ele é atormentado por pensamentos de uma derrota inglória, o destino de pessoas próximas a ele, pensamentos sobre a pátria. A ária do Príncipe Igor abre com uma breve introdução da orquestra. Acordes pesados ​​transmitem a angústia espiritual do herói. A introdução é seguida por uma meditação recitativa ("Sem sono, sem descanso para uma alma atormentada ..."). imagens passam pela mente do príncipe Igor: um eclipse do sol (um prenúncio de infortúnio), a amargura da derrota, a vergonha do cativeiro. Um apelo apaixonado soa na música da ária ("Oh, me dê, me dê liberdade..."). Uma melodia nobre, cheia de profunda alma e calor, está conectada na ária do príncipe Igor com as lembranças de sua esposa, Yaroslavna, uma amiga fiel e amada (seção intermediária da ária). Todos os episódios da ária acima permitem sentir a tragédia vivida pelo príncipe Igor. Ele, como um simples camponês Ivan Susanin, está preocupado com o destino de sua pátria e se esforça para protegê-la com todas as suas forças.

O fiel Ovlur oferece-lhe uma fuga. Igor sonha em escapar do cativeiro, mas hesita - não é apropriado que um príncipe russo escape secretamente. O militante Khan Konchak admirava sua nobreza e coragem. Ele recebe Igor como convidado de honra. Khan está até pronto para deixá-lo ir se Igor der sua palavra de não levantar sua espada contra os polovtsianos. Mas Igor corajosamente declara que, tendo conquistado a liberdade, ele reunirá novamente regimentos para o cã. Para dissipar os pensamentos sombrios do príncipe, Konchak ordena que os escravos cantem e dancem.

Com habilidade especial, o compositor reproduz o sabor oriental da música, cria melodias, coloridas com padrões bizarros, ritmos cativantes. a melodia do coro das escravas polovtsianas soa enfeitiçando o ouvido, que é substituído pela planura militante dos homens. HER é apanhado pelo coro do Polovtsy elogiando o Khan (danças polovtsianas)

Ato 3: O exército do Khan retorna com um rico espólio. Tendo aprendido com eles sobre o infortúnio que se abateu sobre seu nativo Putivl, Igor decide fugir e, quando os guardas adormecem, ele negocia com Ovlur. Konchakovna, ouvindo essa conversa, implora a Vladimir que não a deixe. Mas o amor luta na alma do príncipe com um senso de dever. Então Konchakovna desperta o acampamento adormecido e detém Vladimir; Igor consegue escapar. Os cãs enfurecidos exigem a morte do príncipe, mas Konchak declara Vladimir seu genro.

Ato 4: De manhã cedo em Putivl, Yaroslavna (Lamento de Yaroslavna) chora amargamente na muralha da cidade. Na descrição musical de Yaroslavna, o compositor não usou melodias verdadeiramente folclóricas, mas é permeada por entonações folclóricas dos antigos gêneros de canções de lamentação, lamentação (lamentações).

Yaroslavna se volta para o vento, o sol, o Dnieper com um apelo para devolver o querido Igor a ela. Cavaleiros aparecem à distância. Este é Igor, acompanhado de Ovlur. Eles são vistos pelos atordoados Skula e Eroshka. O desonesto Skula propõe tocar o sino para ser o primeiro a notificar o povo sobre o retorno do príncipe. O truque dá certo. Para comemorar, os chifres são perdoados. Junto com as pessoas, eles cumprimentam Igor.

No teatro musical.

Ballet (do italiano balleto - para dançar) surgiu durante o Renascimento nos séculos XIV - XV. Na Itália. Nesse momento, eles começam a distinguir entre as danças cotidianas como parte do estilo de vida, destinado ao entretenimento, e as danças de palco.

Ballet é uma obra musical e dramática, cuja ação é transmitida por meio de dança e pantomima. Eles desempenham um papel semelhante ao de cantar em uma ópera. Tanto na ópera quanto no balé, o som de uma orquestra sinfônica é de grande importância: a música une todos os elementos do drama e, revelando as complexas relações internas dos personagens, expressa a ideia principal da obra.

Lendo o programa de uma apresentação de balé, o público pode encontrar palavras francesas como pas de deux (dança para dois), pas de trois (dança para três), grand pas (grande dança). Este é o nome de números individuais do balé. E a bela palavra italiana adagio, denotando o ritmo do movimento da música, no balé é chamada de dança lírica lenta dos personagens principais.

Os principais tipos de dança em uma apresentação de balé são clássicos e característicos. As danças características incluem movimentos comuns na cultura popular e cotidiana. A dança clássica é mais condicional, rica em simbolismo figurativo, sua peculiaridade reside no fato de ser realizada em sapatilhas de ponta.

O diretor de um espetáculo de balé é o coreógrafo (do alemão - balletmeister), que desenvolve a dramaturgia geral do espetáculo, pensa no "desenho" da dança, nos gestos e nas soluções plásticas para as imagens.

Um papel importante na performance do balé pertence ao maestro da orquestra sinfônica. O principal em seu trabalho é a capacidade de incorporar a ideia do compositor, revelar o estilo da obra, combinando-os com a ideia do coreógrafo-produtor, a individualidade dos dançarinos-solistas e a habilidade do corpo de balé realizando cenas de dança em massa.

Uma apresentação de balé moderno difere em muitos aspectos de uma apresentação clássica. Pode incluir danças rítmico-plásticas, pantomima, elementos de acrobacias, efeitos de luz e som, cenários e figurinos originais e até cantos (coros). Isso é exigido pela nova linguagem musical do balé contemporâneo.