É difícil avaliar o significado deste ou daquele artista para a arte mundial. Mas entre os muitos autores, pode-se destacar várias das personalidades mais proeminentes, cuja obra não deixará nenhum crítico indiferente. Os artistas mais famosos do mundo, que estão incluídos em nossa lista, sem dúvida merecem este título.

1. Leonardo da Vinci

Uma das pessoas mais brilhantes da história pode ser chamada de Leonardo da Vinci. Este homem conseguiu se tornar famoso não apenas como um talentoso artista e escultor, mas também como um brilhante pesquisador, cientista, engenheiro, músico, filósofo e químico. As pinturas de Leonardo da Vinci também merecem elogios. Apenas 17 deles sobreviveram ao nosso tempo: "Gioconda", "Última Ceia", "Anunciação" e outros.

Leonardo da Vinci nasceu na primavera de 1452 em Anciano. Mudou-se de Florença para Veneza e voltou, serviu vários duques de Milão, sobreviveu a anos de guerra entre Itália e França, negociou entre o Papa e o rei francês, competiu com artistas famosos como Michelangelo e Rafael.

No início de 1516, Leonardo da Vinci começou a servir o rei Francisco I, quase imediatamente tornando-se querido pelo monarca. Para um artista talentoso, a coroa atribuiu a propriedade Klo e uma pensão decente. Aqui Leonardo viveu os últimos três anos de sua vida, deixando para trás muitas obras-primas de pintura inacabadas e mensagens não resolvidas.

2. Pablo Picasso

Pablo Picasso é o artista espanhol mais famoso. Nasceu em 1881 em Málaga. Aos 13 anos, começou a estudar pintura na Academia de Arte de Barcelona e, após a formatura, ingressou na capital San Fernando. Depois de estudar em Madrid, Picasso mudou-se para Paris, onde criou a maioria das suas melhores obras-primas.

Todo o trabalho deste artista pode ser dividido em várias etapas. Durante o período azul, Pablo pintou pessoas pobres principalmente em cores frias. O Iluminismo veio no período rosa depois que Picasso conheceu Fernande Olivier, sua musa e primeiro amor. Ela deu às telas do artista cores vivas, tons de rosa e laranja.

Durante o período africano, notas africanas começam a aparecer abertamente nas pinturas, entrelaçando-se com o estilo tradicional europeu. Um dos períodos mais controversos da criatividade deste artista espanhol é o cubismo. Cores mais brilhantes aparecem nas telas de Picasso durante o neoclassicismo. Afeta o casamento da artista e bailarina Olga Khokhlova, bem como a aparência de um herdeiro.

Um pouco mais tarde, a vida familiar deixa uma marca completamente diferente na obra de Pablo Picasso. Esse período é chamado de surrealismo. É expresso por uma série de pinturas que retratam mulheres monstruosas. Uma nova era foi aberta por Françoise Gilot, que se tornou a nova esposa de Pablo Picasso. Acredita-se que foi ela quem o inspirou a criar a pintura mundialmente famosa chamada "A Pomba da Paz".

Aos oitenta anos, o artista se casa novamente. Pablo Picasso morreu em 1973, deixando para trás cerca de 20.000 obras.

3. Vincent van Gogh

O desejo pela pintura acordou com Vincent van Gogh bem tarde. Este famoso artista holandês nasceu na primavera de 1853. Aos 16 anos, Vincent começa a comercializar obras de arte em Haia. Ele também começa a pintar um pouco, tentando fazer reproduções decentes de pinturas de autores famosos. Desde 1875, Vincent mudou-se para Paris, onde o esperam o Museu do Luxemburgo e o famoso Louvre.

No início de 1878, Van Gogh começou a trabalhar como pregador em uma pequena vila no sul da Bélgica, mas logo se desiludiu com a religião. De volta à capital da França, o artista absorve literalmente os fundamentos do impressionismo e do neo-impressionismo em dois anos. Então ele desenvolve seu próprio estilo único com grande esforço. A inovação de Vincent literalmente explode Paris!

A partir do final de 1889, os distúrbios mentais de Van Gogh pioraram, cada vez mais havia ataques de insanidade e tentativas de suicídio. O irmão Theo o leva de Paris e o instala em uma pequena aldeia. No verão de 1890, Vincent viaja para Paris para conhecer seu irmão. Exatamente três semanas após sua chegada, Van Gogh se mata com um tiro de revólver na região do peito.

4. Claude Monet

O fundador do impressionismo é o famoso artista francês Claude Monet, e a primeira pintura nesse estilo foi sua representação do amanhecer no porto de Le Havre.

Claude Monet nasceu na capital da França em 1840. Aos cinco anos, muda-se com a família para a cidade de Le Havre, na Normandia. Aqui o pequeno artista aprende a desenhar e todos celebram seu talento excepcional. O pai de Claude Monet até ofereceu ao filho para colocar suas pinturas à venda em sua mercearia.

Em 1860, o jovem artista foi convocado para servir no exército. Mas dois anos depois ele entrou no estúdio de pintura, onde conheceu futuras pessoas com ideias semelhantes: Basil, Renoir e Sisley.

Durante sua vida, o artista se casou duas vezes. O primeiro casamento foi com Camille Donsier e o segundo com Alice Hoschede. O retrato de Camilla, que pintou quatro anos antes do casamento, trouxe grande fama ao artista. Ambos os olhos do artista ficaram inflamados pelo constante trabalho duro. Os médicos realizaram a operação e proibiram estritamente Claude de continuar a pintar. Mas isso não o deteve e ele continuou a pintar quadro após quadro. Claude Monet morreu em 1926 e, após 15 anos, seu trabalho foi finalmente apreciado.

5. Rembrandt Van Rijn

Rembrandt van Rijn é um dos artistas mais famosos do mundo. Nasceu na Holanda em 1606. Todos os anos de juventude do futuro mestre ocorreram em sua terra natal, Leiden, e em 1632 ele se mudou para Amsterdã. Muita atenção nas pinturas do artista é dada ao jogo de luz e sombra, o que confere às suas pinturas uma atmosfera única de tensão emocional.

Em 1642, Rembrandt perde a esposa e pinta A Ronda Noturna, o que lhe traz fama sem precedentes. A composição complexa desta tela era bem diferente do estilo usual de um retrato de grupo.

Nos anos seguintes, o artista escreve muito e suas pinturas são bem recebidas pela crítica. Em 1668, ele perde sua nova musa, Hendrikje Stoffels, e um pouco mais tarde, seu próprio filho Tito. Agora, os autorretratos de Rembrandt retratam um homem que passou por duras provações na vida.

6 Michelangelo Buonarroti

Michelangelo Buonarroti é um dos artistas mais brilhantes do Renascimento. Ele nasceu em 1475 na pequena cidade de Chiusi, não muito longe de Florença. A origem nobre permitiu que o menino se comunicasse com muitos artistas e cientistas proeminentes da época. Esta comunicação contribuiu muito bem para o desenvolvimento de jovens talentos.

Nos jardins de Marcos, o jovem artista esculpiu a máscara de um fauno e também fez um relevo no qual retratava a batalha de Hércules e os centauros. Muitos ficaram encantados com essas esculturas e profetizaram um grande futuro para Michelangelo. Um pouco mais tarde, ele criou a famosa "Crucificação", após a qual o jovem gênio foi convidado a Roma. Aqui, Michelangelo criou a Madonna, que segura Jesus Cristo morto em seus braços, e também esculpiu uma escultura de mármore de Baco. Eles trouxeram ao seu autor um enorme sucesso e fizeram dele um dos escultores italianos mais populares.

Durante vinte e dois meses trabalhou arduamente no tecto da Capela Sistina e o resultado do seu longo trabalho não deixou ninguém indiferente. Um quarto de século depois, Michelangelo voltou aqui novamente para decorar a parede com afrescos. O Juízo Final saiu não menos brilhante, mas ligeiramente inferior à primeira foto.

Nos últimos anos, Michelangelo abandonou a pintura e a escultura, dedicando-se inteiramente à arquitetura. Ele estava encarregado da construção do templo romano com o nome de São Pedro, mas não conseguiu terminá-lo. A cúpula principal, segundo seu projeto pessoal, foi instalada após a morte de Michelangelo.

7. Ivan Aivazovsky

Ivan Aivazovsky é um famoso artista russo que nasceu em 1817 em Feodosia. O verdadeiro nome deste artista é Hovhannes Gaivazovsky. Já desde a infância, ele pronunciava habilidades musicais e artísticas. O primeiro professor de Hovhannes foi o famoso arquiteto Yakov Kokh, que fez o possível para desenvolver as habilidades desse menino talentoso. Aos 13 anos, ingressou no ginásio de arte em Simferopol e depois na Academia Imperial de São Petersburgo. Então o menino começou a ter o nome de Ivan Aivazovsky.

Aos 20 anos, Aivazovsky se formou na Academia antes do previsto com uma medalha de ouro honorária. Ele visitou batalhas militares navais na costa do Cáucaso, depois viajou pela Europa por quatro anos, esteve no Cáucaso, depois na Geórgia, Daguestão, Armênia e Ossétia. Foi assim que surgiram as famosas pinturas "A Nona Onda", "Costa do Mar", "Veneza" e outras.

Tendo aproveitado ao máximo suas viagens, o artista se estabeleceu na Criméia Feodosia, onde comprou um terreno e construiu uma mansão no estilo dos palácios italianos. Com o tempo, esta casa tornou-se um museu privado da sua obra.

8. Peter Paul Rubens

O famoso artista flamengo Peter Paul Rubens nasceu na Alemanha em 1577, mas após a morte de seu pai, mudou-se com sua família para Antuérpia. Aqui ele começa a desenhar apaixonadamente e decide estudar para encontrar professores dignos na Itália. Lá ele passa até 8 anos de meticuloso estudo e trabalho em suas primeiras obras-primas.

Após a formatura, Peter Rubens retorna à sua terra natal e continua a pintar. Suas obras "Exaltação da Cruz", "Batalha das Amazonas", "Adão e Eva" e outras tornaram-se amplamente conhecidas. O estilo distintivo de Rubens era o desenho cuidadoso dos personagens e do fundo.

9. Diego Velázquez

Diego Velasquez é um famoso pintor espanhol. Ele nasceu em Sevilha em 1599 e desde a infância mostrou boas habilidades de desenho. Os pais apoiaram fortemente os esforços de seu filho e encontraram os melhores professores de espanhol para ele.

O jovem Velázquez pintou principalmente pessoas comuns. Suas pinturas "O Velho Cozinheiro", "Café da Manhã" e "Aquário em Sevilha" merecem elogios. Sua pintura "A Adoração dos Magos" também causou grande prazer e Velasquez recebeu o cargo de pintor real em Madri. Só ele agora pode pintar retratos pessoais da família real e do próprio Filipe IV. Também em Madri, o artista se encontra com Rubens, conhece a obra de Ticiano, da Vinci e Rafael. Ele dedica dois anos de sua vida a uma viagem à Itália e ao estudo da obra de autores locais. Aqui ele pinta a famosa "Forja de Vulcano", bem como sua melhor pintura "A Rendição de Breda". Na década de 1650, o artista cria outra série de suas obras-primas imortais: "Villa Medici", "Spinners", "Las Meninas" e a famosa pintura "Vênus na frente de um espelho".

10. Rafael Santi

Raphael Santi é um dos artistas mais famosos do mundo, cuja fama começou aos 17 anos. E, alguns anos depois, ingressou no Papa como pintor da corte. O jovem Rafael teve que competir com talentos como Michelangelo e Leonardo da Vinci. Em habilidade, ele claramente perdeu para eles, mas sempre levou seu trabalho ao fim.

Na obra de Rafael, muitas pinturas são dedicadas à imagem da Madonna. Além disso, suas obras eram muito populares: “A Transfiguração do Senhor”, “Anjo” e outras. Ele também pintou retratos, compôs poesia, pintou templos e estudou arquitetura. Ele parecia estar tentando fazer o seu melhor, prevendo sua morte em tenra idade.

Magníficas obras de arte pelas mãos de grandes mestres podem surpreender até mesmo pessoas para quem a arte significa pouco. É por isso que os museus mundialmente famosos estão entre as atrações mais populares, atraindo milhões de visitantes por ano.

Para se destacar do grande número de pinturas escritas ao longo da história da arte, o artista precisa não apenas de talento, mas também da capacidade de expressar uma história única de forma inusitada e muito relevante para sua época.

As pinturas apresentadas a seguir falam alto não apenas sobre o talento de seus autores, mas também sobre as inúmeras tendências culturais que surgiram e desapareceram, e sobre os eventos históricos mais importantes que sempre se refletiram na arte.

"Nascimento de Vênus"

Esta pintura, pintada pelo grande mestre renascentista Sandro Botticelli, retrata o momento em que a bela Vênus surge da espuma do mar. Um dos aspectos mais atraentes da pintura é a pose modesta da deusa e seu rosto simples, mas bonito.

"Cães jogam pôquer"

Pintada por Cassius Coolidge em 1903, esta série de 16 pinturas retrata cães reunidos em torno de um café ou mesa de jogo jogando pôquer. Muitos críticos reconhecem essas pinturas como a representação canônica dos americanos da época.

Retrato de Madame Recamier

Pintado por Jacques-Louis David, este retrato retrata uma socialite chamativa em um cenário contrastantemente minimalista e simples, vestida com um simples vestido branco sem mangas. Este é um exemplo vívido do neoclassicismo na arte do retrato.

№5

Esta famosa pintura de Jackson Pollock é sua obra mais icônica, retratando vividamente todo o caos que assolava a alma e a mente de Pollock. Esta é uma das obras mais caras já vendidas por um artista americano.

"Filho do Homem"

"O Filho do Homem" de Rene Magritte é uma espécie de autorretrato que retrata o próprio artista em um terno preto, mas com uma maçã em vez de um rosto.

"Número 1" ("Royal Red and Blue")

Esta peça bastante recente de Mark Rothko nada mais é do que pinceladas de três tons diferentes em uma tela feita à mão. A pintura está atualmente em exibição no Art Institute of Chicago.

"Massacre dos Inocentes"

Baseado na história bíblica do assassinato de bebês inocentes em Belém, Peter Paul Rubens criou esta pintura macabra e brutal que toca as emoções de todos que a olham.

"Uma Tarde de Domingo na Ilha de Grande Jatte"

Criada por Georges Seurat, esta pintura única e muito popular retrata o ambiente descontraído de um fim de semana em uma grande cidade. Essa pintura é um excelente exemplo de pontilhismo, que combina muitos pontos em um todo.

"Dança"

"Dance" de Henri Matisse é um exemplo de um estilo chamado Fauvismo, que é caracterizado por cores e formas brilhantes e quase não naturais e alta dinâmica.

"Gótico americano"

"American Gothic" é uma obra de arte que simboliza perfeitamente a imagem dos americanos durante a Grande Depressão. Nesta pintura, Grant Wood retratou um casal austero, aparentemente religioso, em frente a uma casa simples com janelas góticas.

"Carregador de Flores"

Esta pintura do pintor mexicano mais popular do século 20, Diego Rivera, retrata um homem que está lutando para carregar uma cesta sobrecarregada com flores tropicais brilhantes nas costas.

"Mãe de Whistler"

Também conhecida como Arranjo em Cinza e Preto, a Mãe do Artista, esta é uma das pinturas mais famosas do artista americano James Whistler. Nesta pintura, Whistler retratou sua mãe sentada em uma cadeira contra uma parede cinza. A pintura usa apenas tons de preto e cinza.

"A Persistência da Memória"

Esta é uma obra de culto de não menos culto Salvador Dali, o surrealista espanhol mundialmente famoso que trouxe este movimento para a vanguarda da arte.

Retrato de Dora Maar

Pablo Picasso é um dos pintores espanhóis mais populares e influentes. Ele é o fundador do estilo sensacional na época, chamado cubismo, que busca desmembrar qualquer objeto e transmiti-lo com formas geométricas claras. Esta pintura é o primeiro retrato no estilo cubista.

"Retrato de um artista sem barba"

Esta pintura de Van Gogh é um auto-retrato, e única, porque retrata o pintor sem a barba habitual. Além disso, esta é uma das poucas pinturas de Van Gogh que foram vendidas para coleções particulares.

"Terraço do Café Noturno"

Pintada por Vincent van Gogh, esta pintura retrata uma visão familiar de uma maneira totalmente nova, usando cores incrivelmente vibrantes e formas incomuns.

"Composição VIII"

Wassily Kandinsky é reconhecido como o fundador da arte abstrata - um estilo que usa formas e símbolos em vez de objetos e pessoas familiares. "Composição VIII" é uma das primeiras pinturas do artista, feita exclusivamente neste estilo.

"Beijo"

Uma das primeiras obras de arte no estilo Art Nouveau, esta pintura é quase inteiramente feita em tons de ouro. A pintura de Gustav Klimt é uma das obras de estilo mais marcantes.

"Baile no Moulin de la Galette"

A pintura de Pierre Auguste Renoir é uma representação vívida e dinâmica da vida da cidade. Além disso, é uma das pinturas mais caras do mundo.

"Olímpia"

Em Olympia, Édouard Manet criou uma verdadeira polêmica, quase um escândalo, pois uma mulher nua com um olhar é claramente uma amante, não velada pelos mitos do período clássico. Este é um dos primeiros trabalhos no estilo do realismo.

"3 de maio de 1808 em Madrid"

Nesta obra, Francisco Goya retrata o ataque de Napoleão aos espanhóis. Esta é uma das primeiras pinturas espanholas a retratar a guerra de forma negativa.

"As Meninas"

A pintura mais famosa de Diego Velasquez retrata a Infanta Margherita de cinco anos na frente de um retrato de seus pais pintado por Velasquez.

"Retrato dos Arnolfinis"

Esta pintura é uma das mais antigas obras de pintura. Foi pintado por Jan van Eyck e retrata o empresário italiano Giovanni Arnolfini e sua esposa grávida em sua casa em Bruges.

"Gritar"

Uma pintura do artista norueguês Edvard Munch retrata o rosto de um homem distorcido pelo medo contra um céu vermelho-sangue. A paisagem ao fundo adiciona um charme sombrio a esta pintura. Além disso, The Scream é uma das primeiras pinturas expressionistas onde o realismo é reduzido ao mínimo para permitir mais liberdade para a emoção.

"Águas"

Nenúfares, de Claude Monet, faz parte de uma série de 250 pinturas que retratam elementos do próprio jardim do artista. Essas pinturas são exibidas em vários museus de arte ao redor do mundo.

"Noite das Estrelas"

A "Noite Estrelada" de Van Gogh é uma das imagens mais famosas da cultura contemporânea. Atualmente, está em exibição no Museu de Arte Moderna de Nova York.

"Queda de Ícaro"

Esta pintura, pintada pelo artista holandês Pieter Brueghel, mostra a indiferença de uma pessoa ao sofrimento de seus semelhantes. Um forte tema social é mostrado aqui de uma forma bastante simples, usando a imagem de Ícaro se afogando na água e as pessoas ignorando seu sofrimento.

"A Criação de Adão"

A Criação de Adão é um dos vários afrescos magníficos de Michelangelo que adornam o teto da Capela Sistina no Palácio do Vaticano. Representa a criação de Adão. Além de retratar formas humanas ideais, o afresco é uma das primeiras tentativas de retratar Deus na história da arte.

"A última Ceia"

Este afresco do grande Leonardo retrata a última ceia de Jesus antes de sua traição, prisão e morte. Além da composição, forma e cor, a discussão deste afresco está repleta de teorias sobre símbolos ocultos e a presença de Maria Madalena ao lado de Jesus.

"Guernica"

A "Guernica" de Picasso retrata a explosão da cidade espanhola de mesmo nome durante a Guerra Civil Espanhola. Esta é uma imagem em preto e branco, retratando negativamente o fascismo, o nazismo e suas ideias.

"Garota com Brinco de Pérola"

Esta pintura de Johannes Vermeer é muitas vezes referida como a Mona Lisa holandesa, não apenas por sua extraordinária popularidade, mas também porque a expressão no rosto da menina é difícil de capturar e explicar.

"Decapitação de João Batista"

A pintura de Caravaggio retrata de forma muito realista o momento do assassinato de João Batista na prisão. A semi-escuridão da pintura e as expressões faciais de seus personagens fazem dela uma verdadeira obra-prima clássica.

"A Vigília Noturna"

A Ronda Noturna é uma das pinturas mais famosas de Rembrandt. Ele retrata um retrato de grupo de uma companhia de fuzileiros liderada por seus oficiais. Um aspecto único da pintura é a semi-escuridão, que dá a impressão de uma cena noturna.

"Escola de Atenas"

Pintado por Rafael no início do período romano, este afresco retrata famosos filósofos gregos como Platão, Aristóteles, Euclides, Sócrates, Pitágoras e outros. Muitos filósofos são descritos como contemporâneos de Rafael, por exemplo, Platão - Leonardo da Vinci, Heráclito - Michelangelo, Euclides - Bramante.

"Monalisa"

Provavelmente a pintura mais famosa do mundo é a Gioconda de Leonardo da Vinci, mais conhecida como Mona Lisa. Esta tela é um retrato da Sra. Gherardini, que chama a atenção com uma expressão misteriosa no rosto.

Se você perguntar a historiadores de arte, críticos e estudiosos da cultura "quem é o melhor artista?", há dezenas de respostas diferentes. Isso se deve ao fato de que não existe um padrão único pelo qual o valor de um artista ou escultura possa ser medido. A arte plástica é muito subjetiva para tais avaliações. Além disso, a reputação e a atitude de um pintor podem variar dependendo da moda atual. Às vezes, os críticos contribuem. Por exemplo, a resenha de John Ruskin sobre Annibal Carracci teve um enorme impacto na reputação da escola bolonhesa. Portanto, é impossível dizer com certeza quem ainda é o melhor artista do planeta. No entanto..

Caro não é necessariamente o melhor

Os preços em leilões famosos dão alguma indicação das obras de arte e estilos mais valiosos, mas a grande maioria das obras-primas são encontradas em museus e galerias públicas. Por exemplo, Mona Lisa, de autoria do gênio Leonardo, faz parte do acervo permanente do Louvre (Paris). Seu valor é estimado em 1 bilhão de dólares, mas nunca será vendido em leilão. O mesmo se aplica a outras obras-primas dos antigos mestres como Jan van Eyck, Ticiano, Rubens, Velázquez, El Greco, Rembrandt, Jan Vermeer, Goya, bem como pintores de anos posteriores, como William Turner, Monet, Renoir, Van Gogh, Pollock. , Dali e outros.

Pintura de Gauguin é vendida por um recorde de US$ 300 milhões

Obras-primas que os museus não podem exibir são frequentemente encontradas em edifícios públicos. O exemplo mais marcante são os afrescos do gênio florentino Michelangelo na Capela Sistina. As estrofes de Rafael também ilustram perfeitamente essa afirmação.

Conclusão: os preços de mercado em pregões internacionais não são uma métrica justa na avaliação de pinturas.

Critérios para o melhor artista

Em teoria, pode-se fazer uma lista de critérios para tentar criar uma lista específica dos melhores pintores ou escultores. Por exemplo, você pode usar os seguintes fatores como diretriz primária.

• Preço. A importância do preço de uma peça é refutada acima.
• Força e durabilidade. A qualidade e solidez da obra criada se dá na comparação das obras, mas isso não ajudará a responder à questão principal, pois neste caso, a maioria dos artistas contemporâneos não poderá participar de nenhum tipo de competição.
• Influência sobre os contemporâneos. Parece que os contemporâneos deveriam ser capazes de avaliar o significado de um artista ou escultor, mas não é assim. Infelizmente, muitos grandes mestres morreram incompreensíveis e pobres.
• opinião atual. Sem dúvida, o critério mais democrático para identificar um grande mestre. Embora esta abordagem não exclua as opiniões nacionalistas. Por exemplo, os espanhóis vão preferir Velasquez e Rubens, os franceses vão gostar de Monet e Renoir, os alemães vão considerar Durer e Holbein os melhores, e assim por diante. O mesmo pode ser dito sobre as opiniões emitidas pelos principais museus de arte do mundo.
• Técnicas artísticas e técnica. É difícil concordar com este critério de avaliação, pois nem os graduados das melhores academias de arte, nem os maiores mestres da pintura a óleo podem se tornar os melhores criadores neste caso. A grande arte requer mais do que habilidade técnica ou a habilidade de usar uma técnica incomum.

Existem muitos livros de arte autoritários (e nem tanto), artigos na Internet e vários materiais na mídia que tentam compilar uma lista dos melhores mestres. O problema deles é a subjetividade dos critérios e a substituição de conceitos. Tais fontes podem ser usadas como um guia geral. É claro que a opinião de especialistas é importante, mas é apenas uma opinião.

O melhor artista de todos os tempos? Decisão pessoal!

No final, a escolha é dada à pessoa que faz a pergunta. Tente convencer um fervoroso admirador do impressionismo de que o maior artista da história é Rafael. Você não vai conseguir nada. Cada um de nós tem preferências estéticas e estilísticas diferentes, seja Renascença, Maneirismo, Barroco, Neoclassicismo, Realismo, Expressionismo, Cubismo, Surrealismo ou Pop Art. Alguns gostam de imagens abstratas, outros admiram a precisão e o realismo. A falta de uma única interpretação de "beleza" cria muitas tendências adoradas e odiadas. No entanto, para fazer uma escolha equilibrada e eliminar erros na escolha do melhor artista, você precisa conhecer um certo número de obras de arte mundial. Depois disso, a escolha é uma questão pessoal.

Diferentes culturas na história da arte

Muito provavelmente, a maioria dos críticos de arte ocidentais está familiarizada com algumas obras de mestres da China e do Japão e vice-versa. Mesmo que pesquisadores e especialistas estudem as obras de arte de países e culturas estrangeiras, muito provavelmente, a atenção, o respeito e a compreensão às obras não aumentarão. Em outras palavras, a opinião sobre as melhores esculturas e pinturas é formada sob a influência da cultura e da mentalidade.

Lista dos 10 melhores pintores e escultores. Versão Art.

Tendo em conta o que precede, esta lista foi criada com base nos seguintes princípios:

• Reputação ao longo dos anos;
• Composições marcantes e beleza estética (no entendimento dos editores);
• Impacto na cultura.

Peter Paul Rubens (1577-1640)

Uma figura influente no estilo barroco, Rubens se envolveu em quase todos os gêneros, incluindo história e retratos. Além disso, ele desenhou tapeçarias, ilustrações de livros, joias, desenhos animados, desenhos de esculturas e muito mais. Em grande medida, o estilo do artista foi influenciado pelos mestres flamengos.

Auguste Rodin (1840-1917)

Um workaholic tímido, Rodin foi um dos escultores mais influentes da era moderna e um herdeiro digno das tradições de Donatello, Michelangelo, Bernini e Giambologna. Constantin Brancusi descreveu-o como "o ponto de partida da escultura moderna".

Pensador

Claude Monet (1840-1926)

Líder e adepto do impressionismo francês e da pintura ao ar livre, Monet tinha paixão por retratar várias encarnações da luz. Entre os seguidores estão Berthe Morisot, Edgar Degas, Edouard Vuillard e outros.

William Turner (1775-1851)

O majestoso pintor de paisagens da história da arte expôs pela primeira vez na Royal Academy, em Londres, aos 15 anos. Suas pinturas a óleo e trabalhos em aquarela tiveram um impacto revolucionário. Respeitado por seus contemporâneos, o próprio Turner tinha uma reverência infinita pelos velhos mestres.

Leonardo Da Vinci (1452-1519)

Monalisa

Pablo Picasso (1881-1973)

Além de obras-primas no estilo do cubismo analítico e sintético, Picasso também tinha experiência em escultura e design. As pinturas revolucionárias de Pablo realmente iniciaram uma nova era de belas artes, e sua influência sobre os mestres do século 20 dificilmente pode ser superestimada.

donzelas de Avignon

Rembrandt Van Rijn (1606-1669)

O gênio holandês do realismo criou um grande número de obras-primas impressionantes, incluindo obras históricas, retratos de grupo e individuais, pinturas de gênero, naturezas mortas e autorretratos. Rembrandt também influenciou artistas contemporâneos através de suas gravuras.

Autorretrato com boina

Michelangelo Buonarroti (1475-1564)

Vermeer

Um dos representantes mais expressivos da pintura de gênero. Além de pinturas, ele é conhecido por seus interiores.

A pintura é uma arte que pode ser chamada de eterna. Em todos os tempos, as pinturas feitas pelos gênios do pincel são vendidas em leilões por dinheiro fabuloso, admiram o talento do autor, tornam-se a decoração de casas, e também são um tesouro histórico como parte das estruturas arquitetônicas (frescos da Sistina Capela ou estrofes que adornam o complexo palaciano do Vaticano). E os artistas mais famosos merecem ser falados e conhecidos, independentemente da direção em que se moveram: impressionismo, barroco, surrealismo, renascimento e assim por diante.

Os 12 melhores artistas de todos os tempos

Trabalhou um pouco como corretor, mas dedicou todo o seu tempo livre à pintura. Ele criou suas melhores criações durante sua estadia no Taiti, para onde foi após a venda global de suas pinturas.

Pintura de Paul Gauguin "Banhos"

O artista sofria de doenças terríveis, incluindo sífilis e lepra, mas foi em tempos tão difíceis que conseguiu criar suas melhores obras. His Bathers (1902) foi vendido por US$ 55 milhões em 2005.

. Anos de vida: 1878-1935. Ele se tornou o fundador do suprematismo.

A criação mais famosa do gênio russo é o Quadrado Negro.

Pintura de Kazimir Malevich "Quadrado Negro"

E a “composição suprematista”, criada por Malevich em 1916, foi vendida por US$ 60 milhões em 2008.

. Anos de vida: 1840-1926. O gênio francês é chamado de fundador do impressionismo. Ele amava a natureza, estava envolvido em jardinagem.

Ele tinha um amor especial por nenúfares, aos quais dedicou toda uma série de trabalhos - 60 telas. Nas pinturas, Monet procurou mostrar o quão belo é um determinado momento da natureza.

Foi ele quem tentou capturar em cada uma de suas criações. The Water Lily Pond, escrito em 1919, foi vendido por US$ 80,5 milhões em 2008.

. Anos de vida: 1881-1973. Seu trabalho está associado ao cubismo. Segundo fontes, Picasso começou a trabalhar nessa direção depois de receber uma carta de resposta do talentoso artista Paul Cezanne.

Nela, o francês aconselhou Pablo a considerar a natureza do ponto de vista das figuras geométricas: como um conjunto de cones, esferas, cilindros. E embora Cézanne recomendasse desenhar os protótipos básicos de futuras obras-primas dessa maneira, Picasso levou isso muito literalmente e começou a criar em um novo estilo.

Pintura de Pablo Picasso "Paisagem no Mar Mediterrâneo"

Mas o nome dessa direção foi dado por Henri Matisse, quando viu uma das criações do colega de Picasso, J. Braque, e perguntou: “O que são esses cubos?”

Anos de vida: 1912-1956. Por muito tempo ele estava procurando por si mesmo, até que criou uma técnica completamente nova para criar pinturas - pulverizando tinta em uma tela no chão.

Foi então que ele recebeu um verdadeiro reconhecimento, apresentando o expressionismo abstrato em uma nova perspectiva. A artista conviveu por muito tempo com o artista menos reconhecido Lee Krasner, que se dedicou ao marido.

Ela o ajudou, encontrou compradores e viveu momentos difíceis de sua vida com ele. A pintura mais famosa de Pollock, Número 5 (1948), foi vendida em leilão por US$ 140 milhões em 2006.

Anos de vida: 1839-1906. O gênio francês criou no espírito do impressionismo. Suas pinturas são reais e compreensíveis, imbuídas do espírito do romantismo e do classicismo.

Eles simplesmente transmitem vida, sem os enfeites ou toques simbólicos encontrados em outros estilos.

Pintura de Paul Cezanne "Jogadores de cartas"

A pintura "The Card Players", que foi vendida em um leilão em 2012 por um quarto de bilhão de dólares, foi pintada por Cezanne em 1895.

Anos de vida: 1452-1519. Mesmo quem está completamente longe da arte conhece esse gênio.

Sua pintura mais notável - "Mona Lisa", também conhecida como "La Gioconda", está no Louvre e não foi leiloada.

Pintura de Leonardo da Vinci "Mona Lisa"

Algumas fontes afirmam que em cada criação de da Vinci existe uma mensagem criptografada. Por exemplo, na tela "A Última Ceia" a melodia é claramente adivinhada, se você desenhar uma pauta no local das mãos dos apóstolos.

Anos de vida: 1475-1564.

A melhor criação de um gênio chama-se os famosos afrescos criados no teto da Capela Sistina.

Vale ressaltar que Michelangelo foi o primeiro entre os que trabalharam na arte da Europa Ocidental, cuja biografia foi escrita durante sua vida.

. Anos de vida: 1606-1669. Ele trabalhou habilmente com o jogo de sombras e luz.

Ele transmitiu o mundo dos sentimentos e experiências humanas de uma maneira especial.

Pintura de Rembrandt "A Ronda Noturna"

Ele gostava de pintar retratos. Por sua conta - cerca de 600 pinturas brilhantes.

. Anos de vida: 1483-1520. Trabalhou durante o Renascimento.

Por genialidade, ele se equipara a Michelangelo e da Vinci. As estrofes mundialmente famosas de Rafael estão localizadas no Vaticano, no Palácio Apostólico.

A melhor obra do artista, A Escola de Atenas, também encontrou aqui a sua casa.

"Jogadores de cartas"

Autor

Paul Cézanne

País França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo

O artista nasceu no sul da França na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio a ele depois de uma exposição individual organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para os arredores de sua cidade natal. Jovens artistas chamavam as viagens a ele de "uma peregrinação a Aix".

130x97cm
1895
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado

O trabalho de Cezanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta do assunto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não causem perplexidade ao espectador. Cézanne combinou em sua arte duas principais tradições francesas: classicismo e romantismo. Com a ajuda da textura colorida, ele deu à forma dos objetos uma plasticidade incrível.

Uma série de cinco pinturas "Card Players" foi escrita em 1890-1895. O enredo é o mesmo - várias pessoas estão jogando poker com entusiasmo. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.

Quatro pinturas são mantidas em museus na Europa e na América (o Musée d'Orsay, o Metropolitan Museum of Art, a Barnes Foundation e o Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do O armador bilionário grego George Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. Os potenciais compradores do trabalho "gratuito" de Cézanne foram o negociante de arte William Aquavella e o dono da galeria mundialmente famoso Larry Gagosian, que ofereceu cerca de US$ 220 milhões por ele. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Catar por 250 milhões. O maior contrato de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. Isso foi relatado à Vanity Fair pela jornalista Alexandra Pierce. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo proprietário, e então a informação penetrou na mídia ao redor do mundo.

Em 2010, o Museu Árabe de Arte Moderna e o Museu Nacional do Catar abriram no Catar. Agora suas coleções estão crescendo. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo sheik para esse fim.

A maioriafoto carano mundo

Proprietário
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Cerca de meio século atrás, enormes reservas de petróleo e gás foram descobertas aqui, o que instantaneamente tornou o Catar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país registrou o maior PIB per capita. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani assumiu o poder em 1995, enquanto seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares. O mérito do atual governante, segundo especialistas, está em uma estratégia clara para o desenvolvimento do país, criando uma imagem de sucesso do Estado. O Catar agora tem uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres ganharam o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Qatar que fundou o canal de notícias Al Jazeera. As autoridades do estado árabe dão muita atenção à cultura.

2

"Número 5"

Autor

Jackson Pollock

País EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato

Jack the Sprinkler - tal apelido foi dado a Pollock pelo público americano por sua técnica de pintura especial. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou a tinta na superfície da tela ou do papelão durante o movimento contínuo ao redor e dentro deles. Desde tenra idade, ele gostava da filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja mensagem principal é que a verdade é revelada durante um "derramamento" livre.

122x244cm
1948
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Sotheby's

O valor do trabalho de Pollock não está no resultado, mas no processo. O autor não chamou acidentalmente sua arte de "pintura de ação". Com sua mão leve, tornou-se o principal ativo da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia, cacos de vidro e escrevia com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca, uma pá. O artista era tão popular que na década de 1950 havia até imitadores na URSS. A pintura "Número 5" é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da DreamWorks, David Geffen, comprou-o para uma coleção particular e, em 2006, vendeu-o na Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. No entanto, o escritório de advocacia logo emitiu um comunicado à imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o proprietário da pintura. Só uma coisa é certa: o financista mexicano de fato colecionou recentemente obras de arte contemporânea. É improvável que ele tenha perdido um "peixe grande" como o "Número 5" de Pollock.

3

"Mulher III"

Autor

Willem de Kooning

País EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato

Natural da Holanda, emigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, ocorreu uma exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo em seu autor um grande artista modernista. Durante a maior parte de sua vida ele sofreu de alcoolismo, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada trabalho. De Kooning se distingue pela impulsividade da pintura, traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe dentro dos limites da tela.

121x171cm
1953
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006 ano
em leilão privado

Na década de 1950, mulheres com olhos vazios, seios volumosos e feições feias aparecem nas pinturas de De Kooning. "Mulher III" foi a última obra desta série a participar do leilão.

Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi retirada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu o "Número 5" de Jackson Pollock) vendeu a pintura ao milionário Stephen Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que em um ano Geffen começou a vender sua coleção de pinturas. Isso deu origem a muitos rumores: por exemplo, que o produtor decidiu comprar o Los Angeles Times.

Em um dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de "Mulher III" com a pintura de Leonardo da Vinci "Dama com Arminho". Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura discerniu a graça de uma pessoa de sangue real. Isso também é evidenciado pela coroa mal traçada coroando a cabeça de uma mulher.

4

"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

País Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno

Gustav Klimt nasceu na família de um gravador e foi o segundo de sete filhos. Três filhos de Ernest Klimt se tornaram artistas, e apenas Gustav se tornou famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte de seu pai, ele era responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolveu seu estilo. Diante de suas pinturas, qualquer espectador congela: sob as finas pinceladas de ouro, o erotismo franco é claramente visível.

138x136cm
1907
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Sotheby's

O destino da pintura, que é chamada de "Mona Lisa austríaca", pode facilmente se tornar a base de um best-seller. A obra do artista se tornou a causa do conflito de todo o estado e de uma senhora idosa.

Assim, o “Retrato de Adele Bloch-Bauer I” retrata um aristocrata, a esposa de Ferdinand Bloch. Sua última vontade foi transferir a pintura para a Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch cancelou a doação em seu testamento, e os nazistas expropriaram a pintura. Mais tarde, a galeria mal comprou a Golden Adele, mas depois apareceu a herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.

Em 2005, começou o julgamento de alto perfil "Maria Altman contra a República da Áustria", como resultado do qual a foto "deixou" com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas inéditas: foram negociados empréstimos, a população doou dinheiro para comprar o retrato. O bem nunca venceu o mal: Altman elevou o preço para US$ 300 milhões. Na época do julgamento, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que mudou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi comprada por Ronald Lauder, proprietário da New Gallery em Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, para ele Altman reduziu o preço para US$ 135 milhões.

5

"Gritar"

Autor

Edvard Munch

País Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo

A primeira pintura de Munch, que se tornou famosa em todo o mundo, "The Sick Girl" (existe em cinco exemplares) é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, sua pintura pesada e maníaca até provocou um escândalo. No entanto, apesar das tramas deprimentes, suas pinturas têm um magnetismo especial. Pegue pelo menos "Scream".

73,5x91 cm
1895
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O nome completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão como “o grito da natureza”). O rosto de uma pessoa ou de um alienígena expressa desespero e pânico - as mesmas emoções que o espectador experimenta ao olhar para a foto. Uma das principais obras do expressionismo alerta para os temas que se tornaram agudos na arte do século XX. De acordo com uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental, que sofreu durante toda a vida.

A pintura foi roubada duas vezes de diferentes museus, mas foi devolvida. Ligeiramente danificado após o roubo, O Grito foi restaurado e estava pronto para ser exibido novamente no Museu Munch em 2008. Para os representantes da cultura pop, o trabalho se tornou uma fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias-impressões dele, e a máscara do filme "Scream" é feita à imagem e semelhança do herói da imagem.

Para um enredo, Munch escreveu quatro versões da obra: a de uma coleção particular é feita em pastel. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não poupou valor recorde para o "Scream". Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Lion Advisors, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é patrono do Dartmouth College, do Museu de Arte Moderna, do Lincoln Art Center e do Metropolitan Museum of Art. Possui a maior coleção de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.

6

"Nu contra o fundo de um busto e folhas verdes"

Autor

Pablo Picasso

País Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo

De origem é espanhol, mas em espírito e residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Então ele foi para Paris e passou a maior parte de sua vida lá. É por isso que há um duplo estresse em seu sobrenome. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da opinião de que o objeto representado na tela pode ser visto de apenas um ângulo.

130x162cm
1932
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Christie's

Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele pôs fim à vadiagem, mudou-se com ela para um apartamento luxuoso. A essa altura, o reconhecimento encontrou um herói, mas o casamento foi destruído. Uma das pinturas mais caras do mundo foi criada quase por acaso - por grande amor, que, como sempre com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Therese Walter (ela tinha 17 anos, ele 45). Secretamente de sua esposa, ele partiu com sua amante para uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato representando Marie-Therese na imagem de Daphne. A pintura foi comprada pelo negociante de Nova York Paul Rosenberg e vendida em 1951 para Sidney F. Brody. Os Brodys mostraram a pintura ao mundo apenas uma vez, e apenas porque o artista tinha 80 anos. Após a morte do marido, a Sra. Brody colocou a obra em leilão na Christie's em março de 2010. Em seis décadas, o preço subiu mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido comprou por US$ 106,5 milhões. Em 2011, uma “exposição de pintura única” foi realizada na Grã-Bretanha, onde viu a luz pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.

7

"Oito Elfos"

Autor

Andy Warhole

País EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop

“Sexo e festas são os únicos lugares onde você precisa aparecer pessoalmente”, disse o artista pop cult, diretor e um dos fundadores da revista Interview, o designer Andy Warhol. Ele trabalhou com Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de discos e desenhou sapatos para a I.Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando os símbolos da América: a sopa de Campbell e a Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.

358x208cm
1963
preço
US$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado

Os anos 60 de Warhol - a chamada era da pop art na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan no Factory Studio, onde se reunia toda a boemia de Nova York. Seus representantes mais brilhantes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol experimentou a técnica de serigrafia - múltiplas repetições de uma imagem. Ele também usou esse método ao criar "Eight Elvises": o espectador parece ver quadros de um filme onde a estrela ganha vida. Tudo o que o artista tanto amava está aqui: uma imagem pública ganha-ganha, cor prata e uma premonição de morte como mensagem principal.

Há dois marchands promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial hoje: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. A primeira em 2008 gastou US$ 200 milhões para comprar mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende seus quadros como cartões de Natal, só que mais caros. Mas não foram eles, mas o humilde consultor de arte francês Philippe Segalo que ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlinghieri a vender os Oito Elvis para um comprador desconhecido por um valor recorde para Warhol - US$ 100 milhões.

8

"Laranja,Vermelho amarelo"

Autor

Mark Rothko

País EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato

Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, Rússia (agora Daugavpils, Letônia), em uma grande família de um farmacêutico judeu. Em 1911 eles emigraram para os EUA. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale, conseguiu uma bolsa de estudos, mas os sentimentos antissemitas o forçaram a abandonar seus estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatravam o artista e os museus o perseguiam por toda a vida.

206x236cm
1961
preço
US$ 86,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's

As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para manchas coloridas, privando-as de qualquer objetividade. No início, eles tinham tons brilhantes e, na década de 1960, foram preenchidos com marrom, roxo, engrossando para preto na época da morte do artista. Mark Rothko advertiu contra procurar qualquer significado em suas pinturas. O autor quis dizer exatamente o que disse: apenas a cor que se dissolve no ar, e nada mais. Ele recomendou olhar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador seja "arrastado" para dentro da cor, como em um funil. Atenção: ver de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, a consciência do infinito vem aos poucos, imersão completa em si mesmo, relaxamento, purificação. A cor em suas pinturas vive, respira e tem um forte impacto emocional (às vezes diz-se que cura). O artista disse: "O espectador deveria chorar olhando para eles" - e realmente houve casos assim. De acordo com a teoria de Rothko, neste momento as pessoas vivem a mesma experiência espiritual que ele teve no processo de trabalhar no quadro. Se você conseguiu entendê-lo em um nível tão sutil, não se surpreenda que essas obras de abstração sejam frequentemente comparadas pelos críticos com ícones.

A obra "Orange, Red, Yellow" expressa a essência da pintura de Mark Rothko. Seu custo inicial no leilão da Christie's em Nova York é de 35 a 45 milhões de dólares. Um comprador desconhecido ofereceu um preço duas vezes a estimativa. O nome do feliz proprietário da pintura, como costuma acontecer, não foi divulgado.

9

"Tríptico"

Autor

Francis Bacon

País
Grã Bretanha
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo

As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e, além disso, descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o deserdou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais do filho. Bacon foi primeiro a Berlim, depois a Paris, e então seus rastros se confundem por toda a Europa. Mesmo durante sua vida, suas obras foram exibidas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.

147,5x198 cm (cada)
1976
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

Museus de prestígio se esforçavam para possuir pinturas de Bacon, mas o público inglês empertigado não tinha pressa em desembolsar tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse dele: "O homem que pinta esses quadros horríveis".

O período inicial em seu trabalho, o próprio artista considerou o período pós-guerra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou as principais obras-primas. Antes da participação de "Tríptico, 1976" no leilão, a obra mais cara de Bacon foi "Estudo para um retrato do Papa Inocêncio X" (52,7 milhões de dólares). No "Tríptico, 1976" o artista retrata a trama mítica da perseguição de Orestes pelas fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as fúrias são seus tormentos. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em uma coleção particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o custo. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte e até generoso em russo? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, nisso ele foi significativamente influenciado por sua namorada Dasha Zhukova, que se tornou uma galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário possui obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, compradas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008, ele se tornou o proprietário do Triptych. A propósito, em 2011, outra obra valiosa de Bacon foi adquirida - "Três esboços para um retrato de Lucian Freud". Fontes ocultas dizem que Roman Arkadievich voltou a ser o comprador.

10

"Lagoa com nenúfares"

Autor

Claude Monet

País França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo

O artista é reconhecido como o fundador do impressionismo, que "patenteou" esse método em suas telas. O primeiro trabalho significativo foi a pintura "Café da manhã na grama" (a versão original da obra de Edouard Manet). Em sua juventude, ele desenhou caricaturas e assumiu a pintura real durante suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris, ele levou um estilo de vida boêmio e não o deixou, mesmo depois de servir no exército.

210x100cm
1919
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's

Além do fato de Monet ser um grande artista, ele também se dedicava com entusiasmo à jardinagem, adorava a vida selvagem e as flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é reforçada por grandes traços, de uma certa distância eles se tornam invisíveis e se fundem em uma imagem texturizada e tridimensional. Na pintura do falecido Monet, um lugar especial é ocupado pelo tema da água e da vida nela. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes trazidas especialmente por ele do Japão. Quando suas flores desabrocharam, ele começou a pintar. A série Nenúfares é composta por 60 obras que o artista pintou ao longo de quase 30 anos, até sua morte. Sua visão se deteriorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da estação e do clima, a vista do lago mudava constantemente, e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, uma compreensão da essência da natureza veio a ele. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: Museu Nacional de Arte Ocidental (Tóquio), Orangerie (Paris). A versão do próximo "Lago com nenúfares" chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.

11

Estrela falsa t

Autor

Jasper Johns

País EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop

Em 1949, Jones entrou na escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, ele recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta condecoração civil dos Estados Unidos.

137,2 x 170,8 cm
1959
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006 ano
em leilão privado

Como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura em plena conformidade com o original. Para suas obras, ele usou objetos simples e compreensíveis para todos: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou mapas. Não há composição clara na imagem False Start. O artista parece brincar com o espectador, muitas vezes assinando "incorretamente" as cores do quadro, virando o próprio conceito de cor: "Queria encontrar uma forma de retratar a cor para que pudesse ser determinada por algum outro método". Sua pintura mais explosiva e "insegura", segundo os críticos, foi adquirida por um comprador desconhecido.

12

"Sentadonuno sofá"

Autor

Amedeo Modigliani

País Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo

Modigliani estava muitas vezes doente desde a infância, durante um delírio febril, ele reconheceu seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza, e em 1906 partiu para Paris, onde floresceu sua arte.

65x100cm
1917
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Sotheby's

Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hebuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e mais tarde sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o último recorde antes da venda de Seated Nude on a Sofa em 2010. A pintura foi comprada por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, sofrendo de tuberculose, e no dia seguinte, Jeanne Hebuterne, grávida de nove meses, também cometeu suicídio.

13

"Águia em um pinheiro"

Autor

Qi Baishi

País China
Anos de vida 1864–1957
Estilo guohua

O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi a pintar. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. O Ministério da Cultura da China concedeu-lhe o título de "Grande Artista do Povo Chinês", em 1956 recebeu o Prêmio Internacional da Paz.

10x26cm
1946
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão Guardião da China

Qi Baishi estava interessado nessas manifestações do mundo circundante, às quais muitos não dão importância, e essa é sua grandeza. Um homem sem educação tornou-se professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: "Tenho medo de ir ao seu país, porque há Qi Baishi na China". A composição "Eagle on a Pine Tree" é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual o produto foi comprado é recorde - 425,5 milhões de yuans. Apenas o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por 436,8 milhões de dólares.

14

"1949-A-#1"

Autor

Clifford Still

País EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato

Aos 20 anos, ele visitou o Metropolitan Museum of Art em Nova York e ficou desapontado. Mais tarde, ele se inscreveu em um curso da liga de artes para estudantes, mas saiu 45 minutos após o início da aula - acabou sendo "não dele". A primeira exposição pessoal causou ressonância, o artista se viu, e com isso o reconhecimento

79x93cm
1949
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Todas as suas obras, que são mais de 800 telas e 1600 obras em papel, ainda são legadas à cidade americana, onde será inaugurado um museu com o seu nome. Denver tornou-se uma cidade assim, mas apenas a construção foi cara para as autoridades, e quatro obras foram leiloadas para completá-la. É improvável que as obras de Still sejam leiloadas novamente, o que aumentou seu preço antecipadamente. A pintura "1949-A-No.1" foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda de um máximo de 25 a 35 milhões de dólares.

15

"Composição suprematista"

Autor

Kazimir Malevich

País Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo Suprematismo

Malevich estudou pintura na Escola de Arte de Kyiv, depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim “dominância”).

71 x 88,5 cm
1916
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

A pintura foi mantida no museu da cidade de Amsterdã por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a entregou. O artista pintou esta obra no mesmo ano que O Manifesto do Suprematismo, então a Sotheby`s, mesmo antes do leilão, anunciou que não entraria em uma coleção particular por menos de US$ 60 milhões. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma vista aérea da terra. A propósito, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra "composição suprematista" do Museu MoMA para vendê-la na Phillips por US$ 17 milhões.

16

"Banhos"

Autor

Paul Gauguin

País França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo

Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o empurravam constantemente para viajar. Na França, começou a pintar, era amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.

93,4x60,4cm
1902
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's

Em 1891, Gauguin organizou a venda de suas pinturas para usar os lucros para ir fundo na ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais se pode sentir a sutil conexão entre a natureza e o homem. Gauguin morava em uma cabana de palha e um paraíso tropical florescia em suas telas. Sua esposa era uma Tahitian Tehura de 13 anos, o que não impediu que o artista se envolvesse na promiscuidade. Tendo contraído sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava apertado lá e voltou para o Taiti. Esse período é chamado de "segundo taitiano" - foi então que a pintura "Banhos" foi pintada, uma das mais luxuosas de sua obra.

17

"Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa"

Autor

Henri Matisse

País França
Anos de vida 1869–1954
Estilo Fauvismo

Em 1889, Henri Matisse teve um ataque de apendicite. Quando ele se recuperou da operação, sua mãe comprou tintas para ele. Primeiro, por tédio, Matisse copiou cartões postais coloridos, depois - as obras de grandes pintores que ele viu no Louvre, e no início do século 20 ele criou um estilo - o fauvismo.

65,2x81 cm
1911
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's

A pintura "Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa" pertenceu a Yves Saint Laurent por muito tempo. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie's. A pérola da coleção vendida foi o quadro "Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa", pintado em uma toalha de mesa comum em vez de tela. Como exemplo do Fauvismo, é preenchido com a energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da conhecida série de pinturas de toalhas de mesa, hoje esta obra é a única que está em coleção particular.

18

"Menina Adormecida"

Autor

RoyLee

chtenstein

País EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop

O artista nasceu em Nova York e, após se formar na escola, foi para Ohio, onde fez cursos de arte. Em 1949, Liechtenstein recebeu seu mestrado em Belas Artes. O interesse por quadrinhos e a capacidade de ser irônico fizeram dele um artista cult do século passado.

91x91cm
1964
preço
US$ 44,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

Uma vez, chiclete caiu nas mãos de Liechtenstein. Ele redesenhou a imagem da inserção na tela e ficou famoso. Este enredo de sua biografia contém toda a mensagem da pop art: o consumo é o novo deus, e não há menos beleza em uma embalagem de chiclete do que em Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Lichtenstein simplesmente ampliou a imagem finalizada, desenhou rasters, usou serigrafia e serigrafia. A pintura "Sleeping Girl" pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philip Gersh por quase 50 anos, cujos herdeiros a venderam em leilão.

19

"Vitória. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

País Holanda
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo

Seu nome verdadeiro - Cornelis - o artista mudou para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Junto com o artista Theo van Doesburg, fundou o movimento neoplástico. A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.

27x127cm
1944
preço
US$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's

O mais "musical" dos artistas do século 20 ganhava a vida com naturezas-mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os EUA na década de 1940 e passou o resto de sua vida lá. Jazz e Nova York - isso é o que mais o inspirou! Pintura "Vitória. Boogie Woogie é o melhor exemplo disso. Quadrados puros "marcados" foram obtidos com o uso de fita adesiva - o material preferido de Mondrian. Na América, ele foi chamado de "o imigrante mais famoso". Nos anos sessenta, Yves Saint Laurent produziu os mundialmente famosos vestidos "Mondrian" com uma grande estampa xadrez colorida.

20

"Composição nº 5"

Autor

ManjericãoKandinsky

País Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda

O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, ele tentou cooperar com as autoridades soviéticas, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele e emigrou para a Alemanha não sem dificuldades.

275x190cm
1911
preço
US$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's

Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como "arte degenerada" e não foram exibidas em nenhum lugar. Em 1939, Kandinsky tomou a cidadania francesa, em Paris participou livremente do processo artístico. Suas pinturas “soam” como fugas, razão pela qual muitas são chamadas de “composições” (a primeira foi escrita em 1910, a última em 1939). “Composition No. 5” é uma das obras-chave desse gênero: “A palavra “composition” soou como uma oração para mim”, disse o artista. Ao contrário de muitos seguidores, ele planejava o que iria retratar em uma tela enorme, como se estivesse escrevendo notas.

21

"Estudo de uma mulher de azul"

Autor

Fernand Léger

País França
Anos de vida 1881–1955
Estilo cubismo-pós-impressionismo

Leger recebeu uma educação arquitetônica e depois foi aluno da Escola de Belas Artes de Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e, no século 20, também teve sucesso como escultor.

96,5x129,5cm
1912-1913
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

David Normann, presidente da Sotheby's International Impressionism and Modernism, acredita que a enorme quantia paga por A Dama de Azul é inteiramente justificada. A pintura pertence à famosa coleção Leger (o artista pintou três pinturas sobre um assunto, a última delas está hoje em mãos particulares. - Ed.), e a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor deu esta obra à galeria Der Sturm, depois foi parar na coleção de Hermann Lang, um colecionador alemão de modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.

22

"Cena de rua. Berlim"

Autor

Ernst LudwigKirchner

País Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo

Para o expressionismo alemão, Kirchner tornou-se um marco. No entanto, as autoridades locais o acusaram de adesão à "arte degenerada", o que afetou tragicamente o destino de suas pinturas e a vida do artista, que se suicidou em 1938.

95x121cm
1913
preço
US$ 38,096 milhões
vendido em 2006 ano
no leilão Christie's

Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços de cenas de rua. Ele foi inspirado pela agitação e nervosismo da cidade grande. Na pintura, vendida em 2006 em Nova York, a ansiedade do artista é especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Ela foi a última obra da famosa série, vendida em leilão, as demais estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com brutalidade: 639 de suas obras foram apreendidas em galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.

23

"Em repousodançarino"

Autor

Edgar Degas

País França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo

A história de Degas como artista começou com o fato de ter trabalhado como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar "famoso e desconhecido", e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.

64x59cm
1879
preço
US$ 37,043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

“Bailarinas sempre foram para mim apenas uma desculpa para retratar tecidos e capturar movimento”, disse Degas. As cenas da vida das bailarinas parecem espreitadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. Resting Dancer foi vendido por US$ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões - hoje é o trabalho mais caro do artista já colocado em leilão. Degas prestou muita atenção aos quadros, ele mesmo os projetou e proibiu alterá-los. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?

24

"Quadro"

Autor

Juan Miró

País Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata

Durante a Guerra Civil Espanhola, o artista esteve do lado dos republicanos. Em 1937, fugiu do poder fascista para Paris, onde viveu na pobreza com sua família. Durante este período, Miro pinta a pintura "Ajude a Espanha!", chamando a atenção de todo o mundo para o domínio do fascismo.

89x115cm
1927
preço
US$ 36,824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O segundo nome da pintura é "Estrela Azul". O artista escreveu no mesmo ano em que anunciou: “Quero matar a pintura” e zombou impiedosamente das telas, arranhando a tinta com pregos, colando penas na tela, cobrindo o trabalho com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas, tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - uma abstração surreal. Sua "Pintura" refere-se ao ciclo de "quadros-sonhos". Quatro compradores lutaram por ela no leilão, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa, e "Pintura" se tornou a pintura mais cara do artista.

25

"Rosa Azul"

Autor

Yves Klein

País França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática

O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, navegação, o ofício de dourador de molduras, zen-budismo e muito mais. Sua personalidade e travessuras insolentes eram muitas vezes mais interessantes do que pinturas monocromáticas.

153x199x16cm
1960
preço
US$ 36,779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie

A primeira exposição de obras sólidas em amarelo, laranja e rosa não despertou o interesse do público. Klein se ofendeu e na próxima vez apresentou 11 telas idênticas, pintadas com ultramarino misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor ficou na história como o "Azul Klein Internacional". O artista também vendia o vazio, criava pinturas expondo papel à chuva, incendiando papelão, fazendo impressões de um corpo humano em tela. Em uma palavra, eu experimentei o melhor que pude. Para criar a "Rosa Azul" usei pigmentos secos, resinas, pedrinhas e uma esponja natural.

26

"À procura de Moisés"

Autor

Sir Lawrence Alma Tadema

País Grã Bretanha
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo

O próprio Sir Lawrence adicionou o prefixo "alma" ao seu sobrenome para aparecer primeiro nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista foi premiado com o título de cavaleiro.

213,4x136,7cm
1902
preço
US$ 35,922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

O tema principal da obra de Alma-Tadema era a antiguidade. Nas pinturas, ele tentou retratar a era do Império Romano nos mínimos detalhes, para isso ele até se envolveu em escavações arqueológicas na Península dos Apeninos e em sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Histórias mitológicas tornaram-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi muito requisitado durante sua vida, mas depois de sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está revivendo, como evidenciado pelo custo da pintura "Em busca de Moisés", sete vezes maior do que a estimativa de pré-venda.

27

"Retrato de um funcionário nu dormindo"

Autor

Lucian Freud

País Alemanha,
Grã Bretanha
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa

O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para o Reino Unido. As obras de Freud estão na Wallace Collection em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.

219,1 x 151,4 cm
1995
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's

Enquanto os artistas da moda do século 20 criavam "manchas de cor na parede" positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia por ainda mais. “Eu capto os gritos da alma e o sofrimento da carne murcha”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o "legado" de Sigmund Freud. As pinturas foram tão ativamente expostas e vendidas com sucesso que os especialistas tiveram uma dúvida: elas têm propriedades hipnóticas? Vendido em leilão, "Retrato de um oficial nu dormindo", segundo o Sun, foi adquirido pelo conhecedor de beleza e bilionário Roman Abramovich.

28

"Violino e Guitarra"

Autor

Xum gris

País Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo

Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.

5x100cm
1913
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010 ano
no leilão Christie's

Gris, em suas próprias palavras, estava engajado em "arquitetura plana e colorida". Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou um único traço acidental, o que torna a criatividade relacionada à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora tivesse grande respeito por Pablo Picasso, o fundador do movimento. O sucessor até dedicou sua primeira obra cubista, Tributo a Picasso, a ele. A pintura "Violino e Violão" é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris era conhecido, favorecido por críticos e historiadores de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e são mantidas em coleções particulares.

29

"RetratoCampos de Eluard»

Autor

Salvador Dalí

País Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo

“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o artista surrealista mais famoso. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem criou a embalagem do Chupa-Chups.

25x33cm
1929
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura "Retrato de Paul Eluard" foi pintada justamente durante esta visita histórica. “Senti que me foi confiado o dever de capturar o rosto do poeta, de cujo Olimpo roubei uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e estava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. O triângulo amoroso existiu até a morte de Eluard, após o que se tornou o dueto Dali-Gala.

30

"Aniversário"

Autor

Marc Chagall

País Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda

Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome e se aproximou dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, quando os nazistas tomaram o poder, ele partiu para os Estados Unidos com a ajuda de um cônsul americano. Ele voltou para a França apenas em 1948.

80x103cm
1923
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's

A pintura "Jubileu" é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Tem todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, a sensação de um conto de fadas é preservada no cenário da vida pequeno-burguesa e o amor está no centro da trama. Chagall não atraiu as pessoas da natureza, mas apenas da memória ou da fantasia. A pintura "Jubileu" retrata o próprio artista com sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi licitada desde então. Curiosamente, o MoMA do Museu de Arte Moderna de Nova York mantém exatamente o mesmo, apenas sob o nome "Aniversário". By the way, foi escrito mais cedo - em 1915.

rascunho preparado
Tatiana Palasova
classificação compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn №13 (maio-junho de 2013)