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MHK, 11º ano

Lição nº 6

Arte do classicismo e rococó

D.Z.: Capítulo 6, ?? (pág. 63), televisão. tarefas (p.63-65), tab. (p. 63) preencha o caderno

© IA Kolmakov

LIÇÕES OBJETIVAS

• dar uma ideia da arte do classicismo, sentimentalismo e rococó;
• expandir horizontes, habilidades de análise de gêneros de arte;
• educar a autoconsciência e a auto-identificação nacional, o respeito à criatividade musical do rococó.

CONCEITOS, IDEIAS

• O. Fragonard;
• classicismo;
• G. Rigaud;
• rococó;
• sentimentalismo;
• hedonismo;
• rocaille;
• mascarões;
• V.L. Borovikovsky;
• Império;
• J.J. Rousseau

Verificando o conhecimento dos alunos

1. Quais são os traços característicos da cultura musical do Barroco? Qual é a diferença da música renascentista? Justifique sua resposta com exemplos específicos.

2. Por que C. Monteverdi é considerado o primeiro compositor barroco? Qual era a natureza reformista de seu trabalho? O que é característico do "Estilo Excited" de sua música? Como esse estilo se reflete nas obras operísticas do compositor? O que une a criatividade musical de C. Monteverdi com as obras de arquitetura e pintura barroca?

3. O que distingue a obra musical de J. S. Bach? Por que se costuma considerá-lo no quadro da cultura musical do Barroco? Você já ouviu a música de órgão de J.S. Bach? Onde? Quais são suas impressões? Quais obras do grande compositor são especialmente próximas a você? Por quê?

4. Quais são as características da música barroca russa? Quais foram os concertos partes dos séculos XVII e início do XVIII? Por que o desenvolvimento da música barroca russa está associado à formação de uma escola de compositores na Rússia? Que impressão a música coral espiritual de M. S. Berezovsky e D. S. Bortnyansky causa em você?

Atividades de aprendizagem universais

•  Avalie ; identificar formas e meios encontrar associações organizar e resumir
•  definir as características essenciais dos estilos classicismo e rococó, correlacioná-los com uma determinada época histórica;
• explorar relações de causa e efeito , padrões de mudança nos modelos artísticos do mundo;
• Avalie estético, espiritual e artístico o valor da era cultural e histórica ;
• identificar formas e meios expressão de ideias sociais e ideais estéticos da época no processo de análise de obras de arte do classicismo, rococó e sentimentalismo;
• encontrar associações e diferenças entre as imagens artísticas do classicismo, barroco e rococó, apresentadas em várias formas de arte;
• Caracterize as principais características , imagens e temas da arte do classicismo, rococó e sentimentalismo;
• hipotetizar, dialogar , para argumentar seu próprio ponto de vista sobre os problemas formulados;
• organizar e resumir adquiriram conhecimentos sobre os principais estilos e tendências da arte dos séculos XVII-XVIII. (trabalhando com uma mesa)

ESTUDE O NOVO MATERIAL

• Estética do classicismo.
• Rococó e sentimentalismo.

Atribuição de lição. Qual é o significado da estética do classicismo, da arte rococó e do sentimentalismo para a civilização e a cultura mundiais?

sub-perguntas

• Estética do classicismo. Apelo à herança antiga e aos ideais humanistas do Renascimento. Desenvolvimento de programa estético próprio. O conteúdo principal da arte do classicismo e seu método criativo. Características do classicismo em várias formas de arte. Formação do sistema de estilo do classicismo na França e sua influência no desenvolvimento da cultura artística dos países da Europa Ocidental. O conceito do estilo Império.
• Rococó e sentimentalismo *. Origem do termo "rococó". As origens do estilo artístico e suas características. Tarefas rococó (a exemplo de obras-primas de artes e ofícios). O sentimentalismo como um dos movimentos artísticos no quadro do classicismo. A estética do sentimentalismo e seu fundador J. J. Rousseau. A especificidade do sentimentalismo russo na literatura e na pintura (V. L. Borovikovsky)

Estética

classicismo

• Novo estilo de arte - classicismo(Latim classicus exemplar) - seguiu as conquistas clássicas da Antiguidade e os ideais humanistas do Renascimento.
• A arte da Grécia Antiga e da Roma Antiga tornou-se a principal fonte de temas e enredos para o classicismo: referências à mitologia e história antigas, referências a cientistas, filósofos e escritores de autoridade.
• De acordo com a tradição antiga, o princípio da primazia da natureza foi proclamado.

Levitsky D. G.

Retrato

Denis Diderot. 1773-1774 Museu de Arte e História da Cidade de Genebra na Suíça.

"... estudar a Antiguidade para aprender a ver a Natureza"

(Denis Diderot)

Estética

classicismo

Princípios estéticos do classicismo:

1. Idealização da cultura e arte gregas antigas, orientação para princípios morais e ideias de cidadania

2. A prioridade do valor educativo da arte, o reconhecimento do protagonismo da mente no conhecimento do belo.

3. Proporcionalidade, rigor, clareza no classicismo combinam-se com completude, completude das imagens artísticas, universalismo e normatividade.

• O conteúdo principal da arte do classicismo era a compreensão do mundo como um mecanismo racionalmente organizado, onde uma pessoa recebia um papel organizador significativo.

O. Fragonap. Retrato

Denis Diderot. 1765-1769 Louvre, Paris

Estética

classicismo

Método criativo do classicismo:

• esforçando-se por uma clareza razoável, harmonia e simplicidade estrita;
• aproximar-se de uma reflexão objetiva do mundo circundante;
• observância da correção e da ordem;
• subordinação do privado ao principal;
• alto gosto estético;
• contenção e calma;
• racionalidade e lógica nas ações.

Cláudio Lorena. Partida da Rainha de Sabá (1648). Galeria Nacional de Arte de Londres

Estética

classicismo

Cada forma de arte foi

têm suas próprias características especiais:

1. A base da linguagem arquitetônica

o classicismo torna-se ordem ( tipo de

composição arquitetônica, usando

certos itens e

sujeito a uma certa arquitetura

processamento de estilo ) , muito mais

próximo em forma e proporção

arquitetura da antiguidade.

2. As obras de arquitetura distinguem

organização estrita

proporção e equilíbrio

volumes, geométricos

correção de linhas, regularidade

layouts.

3. A pintura é caracterizada : Claro

delimitação de planos, rigor

desenho, meticulosamente trabalhado

modelagem de volume de luz e sombra.

4. Papel especial na solução

tarefa educativa desempenhada

literatura e principalmente teatro ,

tornou-se o mais difundido

arte desta época.

C. Persier, P.F.L. Foppep.

Arco do Triunfo na Place Carrousel em Paris. 1806 (estilo - Império)

Estética

classicismo

• na época do reinado do "rei - o sol" Luís XIV (1643-1715), desenvolveu-se um certo modelo ideal de classicismo, que foi imitado na Espanha, Alemanha, Inglaterra e nos países da Europa Oriental, Norte e América do Sul.
• a princípio, a arte do classicismo era inseparável da ideia de monarquia absoluta e era a personificação da integridade, grandeza e ordem.

G. Rigaud. Retrato de Luís XIV.

1701 Louvre, Paris

Estética

classicismo

• Catedral de Kazan em arco de São Petersburgo (1801-1811). UM. Voronikhin.

• A arte na forma do chamado classicismo revolucionário serviu aos ideais da luta contra a tirania, pela afirmação dos direitos civis do indivíduo, em consonância com a Revolução Francesa.
• No último estágio de seu desenvolvimento, o classicismo ativamente

expressou os ideais do Império Napoleônico.

• Ele encontrou sua continuação artística no estilo Império (do estilo francês Império - “estilo imperial”) - estilo tardio (alto)

classicismo na arquitetura e nas artes aplicadas. Originado em

França durante o reinado do imperador Napoleão I.

Rococó e

Com e n t e m e n t uma eu e h m

• característica do século XVIII. na arte da Europa Ocidental tornou-se um fato indiscutível da existência simultânea do barroco, do rococó e do sentimentalismo com o classicismo.
• Reconhecendo apenas a harmonia e ordem, o classicismo “endireitou” as formas bizarras da arte barroca, deixou de perceber tragicamente o mundo espiritual do homem e transferiu o conflito principal para a esfera das relações entre o indivíduo e o Estado. O barroco, que sobreviveu a si mesmo e chegou à sua conclusão lógica, deu lugar ao classicismo e ao rococó.

O. Fragonard. Feliz

possibilidades de balanço. 1766

Coleção Wallace, Londres

Rococó e

Com e n t e m e n t uma eu e h m

Nos anos 20. século 18 na França

surgiu um novo estilo de arte

rococó (fr. rocaille - concha). Já

o próprio nome revela

principal característica deste

estilo - paixão pelo requintado

e formas complexas, bizarras

linhas, assim como

contorno do escudo.

A casca então se transformou em

curl complexo com alguns

cortes estranhos, então em

decoração de escudo ou

pergaminho meio dobrado com

representação de um brasão ou emblema.

Na França, o interesse pelo estilo

Rococó enfraquecido no final da década de 1760

anos, mas nos países do Centro

Europa, sua influência foi

perceptível até o final do século XVIII

séculos.

Rinaldi rococó:

interiores do castelo de Gatchina.

Gatchina

Rococó e

Com e n t e m e n t uma eu e h m

casa propósito da arte rococó - entregar sensualidade

prazer ( hedonismo ). A arte deveria ter

por favor, toque e entretenha, transformando a vida em um sofisticado baile de máscaras e "jardins de amor".

Complexas intrigas amorosas, passatempos fugazes, ações ousadas, arriscadas, desafiadoras da sociedade de heróis, aventuras e fantasias, entretenimento galante e feriados determinaram o conteúdo das obras de arte rococó.

Alegoria das belas artes,

1764 Óleo sobre tela; 103x130cm. Rococó. França. Washington, Nacional galeria.

Rococó e

Com e n t e m e n t uma eu e h m

Características do estilo rococó em obras de arte:

graça e leveza, complexidade, refinamento decorativo

e improvisação, pastoralidade (idílio do pastor), desejo pelo exótico;

Ornamento em forma de conchas e cachos estilizados, arabescos, guirlandas de flores, estatuetas de cupidos, cartelas rasgadas, máscaras;

uma combinação de luz pastel e tons delicados com muitos detalhes em branco e dourado;

o culto da bela nudez, que remonta à antiga tradição, sensualidade sofisticada, erotismo;

O culto das pequenas formas, da intimidade, da miniatura (especialmente na escultura e na arquitetura), o amor pelas ninharias e bugigangas (“ninharias encantadoras”) que enchiam a vida de uma pessoa galante;

estética de nuances e sugestões, dualidade intrigante

imagens, transmitidas com a ajuda de gestos leves, meias voltas,

movimentos mímicos quase imperceptíveis, um meio sorriso, uma

olhar ou um brilho molhado nos olhos.

Rococó e

Com e n t e m e n t uma eu e h m

O estilo rococó atingiu seu maior florescimento nas obras

artes decorativas e aplicadas da França (interiores de palácios

e trajes da aristocracia). Na Rússia, manifestou-se principalmente na decoração arquitetônica - na forma de pergaminhos, escudos e intrincados conchas - rocaille (ornamentos decorativos imitando

combinação de conchas bizarras e plantas estranhas), bem como maekaranov (estuque ou máscaras esculpidas em forma de

rosto humano ou a cabeça de um animal colocada sobre janelas, portas, arcos, fontes, vasos e móveis).

Rococó e

Com e n t e m e n t uma eu e h m

Sentimentalismo (fr. sentimento - sentimento). Em termos ideológicos, ele, como o classicismo, baseou-se nas ideias do Iluminismo.

Um lugar importante na estética do sentimentalismo foi ocupado pela imagem do mundo de sentimentos e experiências de uma pessoa (daí seu nome).

Os sentimentos eram percebidos como uma manifestação do princípio natural em uma pessoa, seu estado natural, possível apenas com contato próximo com a natureza.

Conquistas de uma civilização com muitos

tentações que corrompem a alma

"homem natural", adquirido

claramente hostil.

uma espécie de ideal

sentimentalismo tornou-se a imagem do rural

cidadão que cumpriu a lei

natureza primitiva e vivendo em

harmonia absoluta com ela.

Tribunal Joseph-Desire (Tribunal José-Desery). quadro. França

Rococó e

Com e n t e m e n t uma eu e h m

O fundador do sentimentalismo é considerado o educador francês J.J. Rousseau proclamando um culto

sentimentos naturais e naturais e

necessidades humanas, simplicidade e

cordialidade.

Seu ideal era sensível,

sonhador sentimental,

obcecado com as ideias do humanismo,

"homem natural" com uma "bela alma", não corrompido pela civilização burguesa.

A principal tarefa da arte de Rousseau

vi em ensinar as pessoas

virtudes, chame-os para o melhor

vida.

O principal pathos de suas obras

é um elogio aos sentimentos humanos, às paixões elevadas que entraram em conflito com os preconceitos sociais, de classe.

Filósofo, escritor e pensador francês do Iluminismo. Também musicólogo, compositor e botânico. Nascimento: 28 de junho de 1712, Genebra. Faleceu: 2 de julho de 1778 (66 anos), Ermenonville, perto de Paris.

Rococó e

Com e n t e m e n t uma eu e h m

É mais legítimo considerar o sentimentalismo como um dos movimentos artísticos que operaram no quadro do classicismo.

Se o rococó se concentra na manifestação externa de sentimentos e emoções, o sentimentalismo

destaca o interior

o lado espiritual da existência humana.

Na Rússia, o sentimentalismo encontrou sua encarnação mais marcante na literatura e na pintura, por exemplo, na obra de V. L. Borovikovsky.

V.L. Borovikovsky. Lizynka e Dashinka. Estado de 1794

Galeria Tretyakov, Moscou

perguntas do teste

1 . Qual é o programa estético da arte do classicismo? Quais eram as conexões e diferenças entre a arte do classicismo e do barroco?

2. Que modelos da Antiguidade e do Renascimento seguiram a arte do classicismo? Que ideais do passado e por que ele teve que desistir?

3. Por que o rococó é considerado o estilo da aristocracia? Que características correspondiam aos gostos e humores de seu tempo? Por que não havia lugar para a expressão de ideais cívicos? Por que você acha que o estilo rococó atingiu seu pico mais alto nas artes e ofícios?

4. Comparar os princípios básicos do barroco e do rococó. É possível

5*. Em que ideias do Iluminismo se baseou o sentimentalismo? Quais são seus principais focos? É correto considerar o sentimentalismo dentro do grande estilo do classicismo?

Tópicos para apresentações, projetos

• "O Papel da França no Desenvolvimento da Cultura Artística Europeia".
• "Homem, Natureza, Sociedade no Programa Estético do Classicismo".
• "Padrões da Antiguidade e do Renascimento na Arte Clássica".
• "A Crise dos Ideais Barrocos e a Arte do Classicismo".
• "Rococó e Sentimentalismo - Acompanhando Estilos e Correntes do Classicismo".
• "Características do desenvolvimento do classicismo na arte da França (Rússia, etc.)".
• "E. J. Rousseau como o fundador do sentimentalismo.
• "O Culto do Sentimento Natural na Arte do Sentimentalismo".
• "O Destino Adicional do Classicismo na História da Arte Mundial".

• Hoje eu descobri...
• Foi interessante…
• Foi difícil…
• Aprendi…
• Eu fui capaz...
• Eu estava surpreso...
• Eu queria…

Literatura:

• Programas para instituições de ensino. Danilova G.I. Cultura artística mundial. – M.: Abetarda, 2011
• Danilova, G.I.Art/MHK. 11 células Nível básico: livro didático / G.I. Danilova. M.: Abetarda, 2014.
• Kobyakov Ruslan. São Petersburgo

Classicismo CLASSICISMO (do lat. classicus exemplary), estilo e tendência na literatura e na arte 17 cedo. XIX, que se voltaram para o património antigo como norma e modelo ideal. Com base nas ideias do racionalismo filosófico, nas ideias das leis racionais do mundo, da bela natureza enobrecida, ele se esforçou para expressar grande conteúdo social, elevados ideais heróicos e morais, para uma organização estrita de imagens lógicas, claras e harmoniosas .

Rococó ROCOCO ("pitoresco", "caprichoso"; rococó francês de rocaille - fragmentos de pedras, conchas), tendência estilística que dominou a arte européia durante os três primeiros quartéis do século XVIII. A arte rococó é um mundo de ficção e experiências íntimas, teatralidade decorativa, sofisticação, sofisticação sofisticada; não há lugar para heroísmo e pathos; eles são substituídos por um jogo de amor, fantasia e quinquilharias encantadoras.

Nicolas Poussin PUSSIN (Poussin) Nicolas (), pintor francês. representante do classicismo. Sublime na estrutura figurativa, profundo no desenho filosófico, claro na composição e no desenho, pinturas sobre temas históricos, mitológicos, religiosos, afirmando o poder da razão e as normas sociais e éticas (“Tancred e Erminia”, década de 1630, “pastores da Arcádia”, 1630 anos); majestosas paisagens heróicas (“Paisagem com Polifemo”, 1649; série “As Estações”,).

Mestres do "gênero galante" Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, "festas galantes", imagens idílicas da vida do "pastor" contra o pano de fundo da natureza intocada, o mundo de intrigas amorosas complexas e alegorias engenhosas . A vida humana é instantânea e fugaz, e por isso é preciso agarrar o “momento feliz”, apressar-se a viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”. Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, "festas galantes", imagens idílicas da vida do "pastor" contra o pano de fundo da natureza intocada, o mundo dos casos de amor complexos e alegorias engenhosas. A vida humana é instantânea e fugaz, e por isso é preciso agarrar o “momento feliz”, apressar-se a viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”.

Antoine Watteau Watteau Antoine (completo Jean Antoine Watteau, Watteau) (10 de outubro de 1684, Valenciennes, 18 de julho de 1721, Nogent-sur-Marne), pintor e desenhista francês. Nas cenas domésticas e teatrais, festas galantes, marcadas pela ternura requintada das nuances coloridas, o estremecimento do desenho, recriavam o mundo dos estados mentais mais sutis.

Belas artes do classicismo e rococó

Nicolas Poussin - pintor classicista

Pináculo do classicismo na pintura, a Academia Francesa proclamou a obra do artista Nicolas Poussin(1594-1665). Durante sua vida, ele foi chamado de "o mais habilidoso e experiente dos mestres modernos do pincel" e, após sua morte, foi declarado "um farol da pintura francesa".

Sendo um expoente vívido das ideias do classicismo, Poussin desenvolveu um método criativo baseado em sua própria ideia das leis da beleza. Ele viu seu ideal na proporcionalidade das partes do todo, na ordem externa, harmonia e clareza das formas. Suas pinturas se distinguem por uma composição equilibrada, um sistema rígido e matematicamente verificado de organização do espaço, um desenho preciso e um incrível senso de ritmo baseado na antiga teoria dos modos musicais.

Segundo Poussin, os principais critérios de verdade e beleza artística são a razão e o pensamento. Isso é o que ele pediu para criar da maneira "como a natureza e a razão ensinam". Ao escolher os temas, Poussin deu preferência a feitos e feitos heróicos, baseados em altos motivos cívicos, e não em baixas paixões humanas.

O principal assunto da arte, segundo o artista, é o que está associado à ideia do sublime e do belo, que pode servir de modelo e meio de educar as melhores qualidades morais de uma pessoa. Poussin dedicou seu trabalho à glorificação de um homem heróico, capaz de conhecer e transformar a natureza pelo poder de uma mente poderosa. Seus heróis favoritos são pessoas fortes e de temperamento forte, com altas qualidades morais. Eles muitas vezes se encontram em situações dramáticas que exigem compostura especial, grandeza de espírito e força de caráter. O pintor transmitiu seus sentimentos elevados através de posturas, expressões faciais e gestos.

Dos temas históricos, Poussin escolheu apenas aqueles em que havia ação, movimento e expressão. Começou a trabalhar na pintura com um estudo cuidadoso de uma fonte literária (a Sagrada Escritura, as Metamorfoses de Ovídio ou a Jerusalém Liberada de T. Tasso). Se cumpriu os objetivos traçados, o artista não pensou na complexa vida interior dos personagens, mas no clímax da ação. Luta mental, dúvidas e decepções foram relegadas a segundo plano. A fórmula usual do enredo de Poussin era a seguinte: "A sorte está lançada, a decisão é tomada, a escolha é feita" (Yu. K. Zolotov).

As ideias do classicismo, em sua opinião, devem refletir a composição do quadro. Ele contrastou a improvisação com um arranjo cuidadosamente considerado de figuras individuais e grupos principais.

O espaço visual deve ser facilmente visível, os planos devem seguir-se claramente. Para a ação em si, apenas uma pequena área em segundo plano deve ser alocada. Na maioria das pinturas de Poussin, o ponto de intersecção das diagonais do quadro acaba por ser o seu centro semântico mais importante.

O sistema composicional das pinturas de Poussin foi construído a partir de dois princípios: o equilíbrio das formas (a construção de grupos em torno do centro) e sua proporção livre (deslocamento do centro). A interação desses dois princípios permitiu obter uma impressão extraordinária de ordem, liberdade e mobilidade da composição.

De grande importância no sistema artístico de Poussin é a cor. A inter-relação dos principais sons coloridos foi conseguida graças a um sistema de reflexos: uma cor intensa no centro da composição é geralmente acompanhada por cores neutras suaves.

Nicolas Poussin é autor de inúmeras pinturas sobre temas mitológicos, históricos, religiosos, além de paisagens. Neles quase sempre se encontram mise-en-scenes polidas, cheias de pensamento e drama. Voltando-se para o passado distante, ele não recontou, mas recriou criativamente, repensou histórias conhecidas.

Pintura de N. Poussin "Pastores Arcade"- um dos ápices da obra do artista, onde as ideias do classicismo encontraram uma encarnação plena e vívida. Mostra o desejo do autor pela clareza escultórica das formas, completude plástica e precisão do desenho, clareza e equilíbrio da composição geométrica, utilizando o princípio da seção áurea. A severidade das proporções, o ritmo linear suave e claro transmitia perfeitamente a severidade e a altivez das ideias e dos personagens.

A imagem é baseada em um profundo pensamento filosófico sobre a fragilidade da existência terrena e a inevitabilidade da morte. Quatro pastores, moradores da feliz Arcádia (uma região no sul da Grécia, que é símbolo de prosperidade eterna, uma vida serena sem guerras, doenças e sofrimentos), acidentalmente encontram um túmulo entre os arbustos com a inscrição: “Iya estava na Arcádia. Mas agora não estou entre os vivos, assim como você, que está lendo esta inscrição, não estará”. O significado dessas palavras os faz pensar... Um dos pastores inclinou humildemente a cabeça, apoiando a mão sobre a lápide. O segundo, ajoelhado, passa o dedo pelas letras, tentando ler a inscrição meio apagada.

O terceiro, sem tirar as mãos das palavras tristes, ergue um olhar inquisitivo para o companheiro. A mulher à direita também está olhando calmamente para a inscrição. Ela colocou a mão em seu ombro, como se tentasse ajudá-lo a aceitar o pensamento de um fim inevitável. Assim, a figura da mulher é percebida como foco da paz espiritual, aquele equilíbrio filosófico ao qual o autor traz o espectador.

Poussin está claramente se esforçando para criar imagens generalizadas que estejam próximas dos cânones da beleza antiga: elas são fisicamente perfeitas, jovens e cheias de força. As figuras, em muitos aspectos semelhantes a estátuas antigas, são equilibradas no espaço. Em sua escrita, o artista usou claro-escuro expressivo.

A profunda ideia filosófica subjacente à imagem é expressa de forma cristalina e classicamente rígida. Como no relevo romano, a ação principal ocorre em uma área relativamente rasa do primeiro plano. A composição da imagem é extremamente simples e lógica: tudo é construído em um ritmo cuidadosamente pensado de movimentos equilibrados e está sujeito às formas geométricas mais simples alcançadas graças à precisão do cálculo matemático. Os personagens estão agrupados quase simetricamente perto da lápide, ligados pelo movimento de suas mãos e pela sensação de uma pausa prolongada. O autor consegue criar uma imagem de um mundo ideal e harmonioso organizado de acordo com as leis superiores da mente.

O sistema colorístico das pinturas de Poussin geralmente se baseava na crença do autor de que a cor é o meio mais importante para criar volume e profundidade do espaço. A divisão em planos era geralmente enfatizada pela consonância de cores fortes. Em primeiro plano, geralmente predominavam as cores amarela e marrom, no segundo - quente, verde, no terceiro - frio, especialmente o azul. Nesta foto, tudo está sujeito às leis da beleza clássica: o choque de cores do céu frio com o primeiro plano quente e a beleza do corpo humano nu, transmitido em uma iluminação mesmo difusa, foi percebida de maneira especialmente eficaz e sublime contra o pano de fundo da folhagem verdejante da paisagem serena.

Em geral, a imagem estava imbuída de um sentimento de tristeza oculta, paz e paz de espírito idílica. Uma estóica reconciliação com o destino, uma aceitação sábia e digna da morte fez com que o classicismo de Poussin se relacionasse com a visão de mundo antiga. O pensamento da morte não causava desespero, mas era percebido como uma manifestação inevitável das leis do ser.

Mestres do "gênero galante": pintura rococó

Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, "festas galantes", imagens idílicas da vida do "pastor" contra o pano de fundo da natureza intocada, o mundo dos casos de amor complexos e alegorias engenhosas. A vida humana é instantânea e fugaz, e por isso é preciso agarrar o “momento feliz”, apressar-se a viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”.

Para a maioria dos pintores rococós, Vênus, Diana, ninfas e cupidos superam todas as outras divindades. Todos os tipos de "banhos", "banheiros matinais" e prazeres instantâneos são agora quase o assunto principal da imagem. Nomes de cores exóticas entram em moda: “a cor da coxa de uma ninfa assustada” (carne), “a cor de uma rosa flutuando no leite” (rosa pálido), “a cor do tempo perdido” (azul). Composições esbeltas e bem pensadas do classicismo dão lugar a um padrão elegante e sofisticado.

Antoine Watteau(1684-1721) contemporâneos chamavam "o poeta do lazer descuidado", "o cantor da graça e da beleza". Em suas obras, ele capturou piqueniques em parques verdes, concertos musicais e teatrais no seio da natureza, confissões apaixonadas e brigas de amantes, encontros idílicos, bailes e bailes de máscaras. Ao mesmo tempo, há uma tristeza dolorosa em suas pinturas, uma sensação de transitoriedade da beleza e a natureza efêmera do que está acontecendo.

Uma das pinturas famosas do artista - "Peregrinação à Ilha de Cythera", graças ao qual foi admitido na Real Academia de Pintura e Escultura e recebeu o título de "mestre das festividades galantes". Senhoras encantadoras e cavalheiros galantes reuniam-se na costa repleta de flores da baía marítima. Eles navegaram para a ilha de Cythera - a ilha da deusa do amor e da beleza Vênus (identificada com a deusa grega do amor Afrodite), onde, segundo a lenda, ela emergiu da espuma do mar. O festival do amor começa com uma estátua representando Vênus e cupidos, um dos quais desce para colocar uma guirlanda de louros na mais bela das deusas. Ao pé da estátua estão empilhadas armas, armaduras, liras e livros - símbolos de guerra, artes e ciências. Bem, o amor realmente pode conquistar tudo!

A ação se desenrola como um filme, contando sequencialmente sobre a caminhada de cada um dos casais apaixonados. Na relação entre os personagens, reina a linguagem das dicas: de repente

olhares lançados, o gesto convidativo de um leque nas mãos de uma menina, um discurso cortado no meio de uma frase... A harmonia do homem e da natureza é sentida em tudo. Mas já é noite, o pôr do sol dourado colore o céu. O feriado do amor desaparece, enchendo de tristeza a diversão despreocupada dos casais apaixonados. Muito em breve eles retornarão à sua nave, que os levará do mundo irreal ao mundo da realidade cotidiana. Um maravilhoso veleiro - o navio do amor - está pronto para navegar. Cores quentes e suaves, cores suaves, pinceladas leves que mal tocavam a tela - tudo isso cria uma atmosfera especial de charme e amor.

E novamente eu amo a terra para

Quais são os raios do pôr do sol tão solenes,

Com um pincel leve Antoine Watteau

Tocou meu coração uma vez.

G. Ivanov

A pintura de Watteau pertence às verdadeiras obras-primas. Gilles (Pierrot), criado como signo para apresentações de comediantes itinerantes. Gilles é o personagem principal e favorito da comédia francesa de máscaras, consoante com Pierrot, o herói da comédia italiana dell'arte. A criatura desajeitada e ingênua parece ter sido especialmente criada para o constante ridículo e truques do hábil e astuto Arlequim. Gilles é retratado em um terno branco tradicional com uma capa e um chapéu redondo. Ele fica imóvel e perdido na frente do espectador, enquanto outros comediantes se acomodam para descansar. Ele parece estar à procura de um interlocutor que seja capaz de ouvi-lo e compreendê-lo. Há algo tocante e desprotegido na pose absurda do comediante com as mãos frouxamente abaixadas, o olhar fixo. Na aparência cansada e triste do bufão, espreitava o pensamento da solidão de uma pessoa forçada a divertir e entreter um público entediado. A abertura emocional do herói faz dele uma das imagens mais profundas e significativas da história da pintura mundial.

Artisticamente, a pintura é brilhante. A simplicidade máxima do motivo e da composição é combinada aqui com um padrão preciso e um esquema de cores cuidadosamente pensado. O capuz branco fantasmagórico é pintado com pinceladas cuidadosas e ao mesmo tempo ousadas. Tons prateados pálidos, cinza-lilás, ocre-acinzentados fluem e brilham, quebram em centenas de destaques trêmulos. Tudo isso cria uma atmosfera incrível para a percepção do profundo significado filosófico da imagem. Como discordar da afirmação de um de seus contemporâneos: "Watto escreve não com tintas, mas com mel, âmbar derretido".

François Boucher(1703-1770) se considerava um fiel aluno de Watteau. Alguns o chamavam de "artista das graças", "Anacreon da pintura", "pintor real". Este viu nele um "artista hipócrita", "que tem tudo menos a verdade". Outros ainda comentaram com ceticismo: "Sua mão colhe rosas onde outros encontram apenas espinhos".

O pincel do artista pertence a uma série de retratos cerimoniais da amante do rei Luís XV, Marquesa de Pompadour. Sabe-se que ela patrocinou Bush, mais de uma vez lhe encomendou pinturas sobre temas religiosos para residências de campo e mansões parisienses. na foto "Senhora de Pompadour" a heroína é apresentada cercada de flores espalhadas e objetos luxuosos, que lembram seus gostos artísticos e hobbies. Ela se reclina majestosamente contra o pano de fundo de cortinas exuberantes e solenes. O livro em sua mão é um claro indício de esclarecimento e compromisso com atividades intelectuais. A Marquesa de Pompadour agradeceu generosamente ao artista, nomeando-o primeiro como diretor da Manufatura Gobelin e depois como presidente da Academia de Artes, dando-lhe o título de "primeiro pintor do rei".

François Boucher mais de uma vez se voltou para a representação de cenas frívolas, cujos personagens principais eram pastores tímidos e fofos ou donzelas nuas gordas na forma de Vênus e Diana mitológicas. Suas pinturas estão repletas de insinuações ambíguas, detalhes picantes (a bainha levantada da saia de cetim do pastor, a perna coquete levantada da Diana no banho, o dedo pressionado na boca, o olhar eloquente e convidativo, os cordeiros agarrados às pernas dos amantes , beijando pombas, etc.). Pois bem, o artista conhecia muito bem a moda e os gostos de sua época!

Na história da pintura mundial, François Boucher continua sendo um magnífico mestre da cor e do desenho requintado. Composições espirituosas, ângulos incomuns de personagens, acentos de cores ricas, reflexos brilhantes de cores transparentes aplicadas com pequenos traços leves, ritmos suaves e fluidos - tudo isso faz de F. Boucher um pintor insuperável. Suas pinturas se transformam em painéis decorativos, decoram os interiores exuberantes de salões e salas de estar, chamam ao mundo da felicidade, do amor e dos belos sonhos.

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CLASSICISMO - (do latim classicus - exemplar) - o estilo artístico da arte européia dos séculos XVII e XIX, uma das características mais importantes do qual foi o apelo à arte antiga como o modelo mais alto e a confiança nas tradições do alto Renascimento . A arte do classicismo refletia as idéias da estrutura harmoniosa da sociedade, mas em muitos aspectos as perdeu em comparação com a cultura do Renascimento. Os conflitos do indivíduo e da sociedade, ideal e realidade, sentimentos e razão testemunham a complexidade da arte do classicismo.

As formas artísticas do classicismo são caracterizadas pela estrita organização, equilíbrio, clareza e harmonia das imagens. A arquitetura do classicismo é caracterizada por um sistema de ordem inspirado em amostras antigas, clareza e correção geométrica de volumes e layout, pórticos, colunas, estátuas e relevos que se destacam na superfície das paredes. ordem jônica ordem dórica ordem coríntia

Na pintura, o desenrolar lógico do enredo, uma composição clara e equilibrada, uma clara transferência de volume, o papel subordinado da cor com a ajuda do claro-escuro, o uso de cores locais (Nicolas Poussin) adquiriram a principal importância. As façanhas de Rinaldo As façanhas de Rinaldo 1628

Pastores na Arcádia Pastores na Arcádia

O classicismo do século XVIII - início do século XIX (na história da arte estrangeira é frequentemente chamado de neoclassicismo), que se tornou um estilo pan-europeu, formou-se principalmente no seio da cultura francesa, sob forte influência das ideias do Iluminismo . O drama corajoso das imagens históricas e do retrato é inerente às obras do chefe do classicismo francês, o pintor Jacques Louis David. Napoleão cruzando os Alpes

Bertel Thorvaldsen JasonBertel Thorvaldsen Jason, Museu Thorvaldsen Copenhagen Jean Antoine Houdon. Voltaire "Comédia Francesa", Paris

Classicismo russo na segunda metade do século 18 - início do século 19. incorporou um novo florescimento da cultura, sem precedentes em escopo, pathos nacional e plenitude ideológica: conjuntos arquitetônicos e edifícios de V. Bazhenov, M. Kazakov, J. Quarenghi, A. Zakharov, K. Rossi, A. Voronikhin, esculturas de M. Kozlovsky, F. Shchedrin, I. Martos, pinturas de A. Losenko, A. Ivanov e outros.

Ivanov A. A. Aparição de Cristo a Maria Madalena após a Ressurreição