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O romantismo na pintura é uma tendência filosófica e cultural na arte da Europa e da América no final do século XVIII - primeira metade do século XIX. A base para o desenvolvimento do estilo foi o sentimentalismo na literatura da Alemanha - o berço do romantismo. A direção estava se desenvolvendo na Rússia, França, Inglaterra, Espanha e outros países europeus.

História

Apesar das primeiras tentativas dos pioneiros El Greco, Elsheimer e Claude Lorrain, o estilo que conhecemos como Romantismo não ganhou força até quase o final do século XVIII, quando o elemento heróico do Neoclassicismo assumiu um papel importante na arte da época. . As pinturas passaram a refletir o ideal heróico-romântico baseado nos romances da época. Esse elemento heróico, combinado com o idealismo e a emotividade revolucionários, surgiu como resultado da Revolução Francesa como reação contra a arte acadêmica contida.

Após a Revolução Francesa de 1789, mudanças sociais significativas ocorreram em poucos anos. A Europa foi abalada por crises políticas, revoluções e guerras. Quando os líderes se reuniram no Congresso de Viena para planejar a reorganização dos assuntos europeus após as guerras napoleônicas, ficou claro que as esperanças de liberdade e igualdade dos povos não haviam se concretizado. No entanto, durante esses 25 anos, novas ideias foram formadas que se enraizaram nas mentes das pessoas na França, Espanha, Rússia, Alemanha.

O respeito pelo indivíduo, que já era um elemento-chave na pintura neoclássica, desenvolveu-se e enraizou-se. As pinturas dos artistas se distinguiam pela emotividade, sensualidade na transferência da imagem do indivíduo. No início do século 19, vários estilos começaram a mostrar traços de romantismo.

Metas

Os princípios e objetivos do Romantismo incluíam:

• Um retorno à natureza é exemplificado pela ênfase na espontaneidade na pintura que as pinturas demonstram;
• Crença na bondade da humanidade e nas melhores qualidades do indivíduo;
• Justiça para todos - a ideia foi difundida na Rússia, França, Espanha, Inglaterra.

Uma firme crença no poder dos sentimentos e emoções que dominam a mente e o intelecto.

Peculiaridades

Características do estilo:

1. A idealização do passado, o domínio dos temas mitológicos tornaram-se a linha principal da obra do século XIX.
2. Rejeição do racionalismo e dogmas do passado.
3. Maior expressividade através do jogo de luz e cor.
4. As pinturas transmitiam uma visão lírica do mundo.
5. Aumento do interesse por temas étnicos.

Pintores e escultores românticos tendem a expressar uma resposta emocional à vida privada, em contraste com a contenção e os valores universais promovidos pela arte neoclássica. O século 19 foi o início do desenvolvimento do romantismo na arquitetura, como evidenciado pelos requintados edifícios vitorianos.

Principais representantes

Entre os maiores pintores românticos do século XIX estavam tais representantes de I. Fussli, Francisco Goya, Caspar David Friedrich, John Constable, Theodore Géricault, Eugene Delacroix. A arte romântica não suplantou o estilo neoclássico, mas funcionou como um contrapeso ao dogmatismo e rigidez deste último.

O romantismo na pintura russa é representado pelas obras de V. Tropinin, I. Aivazovsky, K. Bryullov, O. Kiprensky. Os pintores da Rússia procuravam transmitir a natureza da forma mais emocional possível.
Paisagem era o gênero preferido entre os românticos. A natureza era vista como um espelho da alma, na Alemanha também é vista como um símbolo de liberdade e infinito. Artistas colocam imagens de pessoas tendo como pano de fundo a paisagem rural ou urbana, marinha. No romantismo na Rússia, França, Espanha, Alemanha, a imagem de uma pessoa não domina, mas complementa o enredo da imagem.

Os motivos Vanitas são populares, como árvores mortas e ruínas cobertas de vegetação, simbolizando a transitoriedade e a natureza finita da vida. Motivos semelhantes ocorreram anteriormente na arte barroca: os artistas emprestaram trabalhos com luz e perspectiva em pinturas semelhantes de pintores barrocos.

Objetivos do Romantismo: O artista demonstra uma visão subjetiva do mundo objetivo, e mostra uma imagem filtrada por sua sensualidade.

Em países diferentes

Romantismo alemão do século 19 (1800 - 1850)

Na Alemanha, a geração mais jovem de artistas reagiu à mudança dos tempos com um processo de introspecção: recuaram para o mundo das emoções, inspiraram-se em aspirações sentimentais pelos ideais de tempos passados, principalmente da era medieval, que agora é vista como uma época em que as pessoas viviam em harmonia consigo mesmas e com o mundo. Nesse contexto, as pinturas de Schinkel, como a Catedral Gótica sobre a Água, são representativas e características do período.

Os artistas românticos estavam muito próximos dos neoclássicos em seu anseio pelo passado, exceto que seu historicismo criticava os dogmas racionalistas do neoclassicismo. Os artistas neoclássicos estabeleceram tais tarefas: olharam para o passado para justificar sua irracionalidade e emotividade, preservaram as tradições acadêmicas da arte na transferência da realidade.

Romantismo espanhol do século 19 (1810 - 1830)

Francisco de Goya foi o líder indiscutível do movimento artístico romântico na Espanha, suas pinturas mostram traços característicos: uma propensão à irracionalidade, fantasia, emotividade. Em 1789, tornou-se o pintor oficial da corte real espanhola.

Em 1814, em homenagem ao levante espanhol contra as tropas francesas na Puerta del Sol, Madri, e à execução de espanhóis desarmados suspeitos de cumplicidade, Goya criou uma de suas maiores obras-primas - o 3 de maio. Obras notáveis: "Os Desastres da Guerra", "Caprichos", "Nude Maja".

Romantismo francês do século 19 (1815 - 1850)

Após as Guerras Napoleônicas, a República Francesa voltou a ser uma monarquia. Isso levou a um enorme impulso em direção ao Romantismo, que até agora foi travado pelo domínio dos neoclássicos. Os artistas franceses da era romântica não se limitaram ao gênero paisagem, trabalharam no gênero da arte do retrato. Os representantes mais proeminentes do estilo são E. Delacroix e T. Géricault.

Romantismo na Inglaterra (1820 - 1850)

I. Fusli foi o teórico e o representante mais proeminente do estilo.
John Constable pertencia à tradição inglesa do romantismo. Essa tradição buscava o equilíbrio entre uma profunda sensibilidade à natureza e o progresso da ciência da pintura e da gráfica. Constable abandonou a imagem dogmática da natureza, as pinturas são reconhecíveis pelo uso de manchas de cor para transmitir a realidade, o que aproxima o trabalho de Constable da arte do impressionismo.

As pinturas de William Turner, um dos maiores pintores ingleses do romantismo, refletem o desejo de observar a natureza como um dos elementos da criatividade. O clima de suas pinturas é criado não apenas pelo que ele retratou, mas também pela maneira como o artista transmitiu cor e perspectiva.

Significado na arte

O estilo romântico da pintura do século XIX e suas características especiais estimularam o surgimento de inúmeras escolas, como: a escola de Barbizon, as paisagens ao ar livre, a escola de pintores paisagistas de Norwich. O romantismo na pintura influenciou o desenvolvimento do esteticismo e do simbolismo. Os pintores mais influentes criaram o movimento pré-rafaelita. Na Rússia e na Europa Ocidental, o romantismo influenciou o desenvolvimento da vanguarda e do impressionismo.

Resumo do exame

Tema: "Romantismo como uma tendência na arte".

Executado aluno 11 classe "B" escola secundária nº 3

Boiprav Anna

professor de arte do mundo

cultura Butsu T.N.

Brest, 2002

1. Introdução

2. Causas do Romantismo

3. As principais características do romantismo

4. herói romântico

5. Romantismo na Rússia

a) Literatura

b) Pintura

c) Música

6. Romantismo da Europa Ocidental

uma pintura

b) Música

7. Conclusão

8. Referências

1. INTRODUÇÃO

Se você procurar no dicionário explicativo da língua russa, poderá encontrar vários significados da palavra "romantismo": 1. Uma tendência na literatura e na arte do primeiro quartel do século XIX, caracterizada pela idealização do passado, isolamento da realidade, o culto da personalidade e do homem. 2. Uma direção na literatura e na arte, imbuída de otimismo e do desejo de mostrar em imagens vivas o alto propósito do homem. 3. Um estado de espírito imbuído da idealização da realidade, contemplação sonhadora.

Como pode ser visto a partir da definição, o romantismo é um fenômeno que se manifesta não apenas na arte, mas também no comportamento, no vestuário, no estilo de vida, na psicologia das pessoas e ocorre em momentos críticos da vida, portanto, o tema do romantismo ainda é relevante nos dias de hoje. Vivemos na virada do século, estamos em uma fase de transição. Nesse sentido, na sociedade há descrença no futuro, desconfiança nos ideais, há um desejo de escapar da realidade circundante para o mundo de suas próprias experiências e ao mesmo tempo compreendê-lo. São essas características que são características da arte romântica. Por isso escolhi o tema “Romantismo como tendência na arte” para pesquisa.

O romantismo é uma camada muito grande de diferentes tipos de arte. O objetivo do meu trabalho é traçar as condições para o surgimento e as causas do surgimento do romantismo em diferentes países, investigar o desenvolvimento do romantismo em formas de arte como literatura, pintura e música, e compará-las. A principal tarefa para mim foi destacar as principais características do romantismo, características de todos os tipos de arte, para determinar que influência o romantismo teve no desenvolvimento de outras tendências da arte.

Ao desenvolver o tema, usei livros didáticos sobre arte, autores como Filimonova, Vorotnikov e outros, publicações enciclopédicas, monografias dedicadas a vários autores da era do romantismo, materiais biográficos de autores como Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova e outros.

2. RAZÕES PARA A ORIGEM DO ROMANTISMO

Quanto mais nos aproximamos da modernidade, mais curtos se tornam os intervalos de tempo do domínio de um ou outro estilo. O período de tempo do final do 18º-1º terço do século 19. considerada a era do romantismo (do romantismo francês; algo misterioso, estranho, irreal)

O que influenciou o surgimento de um novo estilo?

Estes são três eventos principais: a Grande Revolução Francesa, as Guerras Napoleônicas, a ascensão do movimento de libertação nacional na Europa.

Os trovões de Paris ressoaram por toda a Europa. O slogan "Liberdade, Igualdade, Fraternidade!" exerceu uma tremenda atração para todos os povos europeus. Com a formação das sociedades burguesas, a classe trabalhadora começou a agir contra o sistema feudal como uma força independente. A luta oposta das três classes - a nobreza, a burguesia e o proletariado - constituiu a base do desenvolvimento histórico do século XIX.

O destino de Napoleão e seu papel na história europeia por 2 décadas, 1796-1815, ocuparam as mentes dos contemporâneos. "O governante dos pensamentos" - A.S. falou sobre ele. Pushkin.

Para a França, foram anos de grandeza e glória, embora à custa da vida de milhares de franceses. A Itália via Napoleão como seu libertador. Os poloneses tinham grandes esperanças para ele.

Napoleão agiu como um conquistador agindo no interesse da burguesia francesa. Para os monarcas europeus, ele não era apenas um oponente militar, mas também um representante do mundo estranho da burguesia. Eles o odiavam. No início das Guerras Napoleônicas, havia muitos participantes diretos na revolução em seu "Grande Exército".

A personalidade do próprio Napoleão também foi fenomenal. O jovem Lermontov respondeu ao 10º aniversário da morte de Napoleão:

Ele é um estranho para o mundo. Tudo nele era um mistério.

O dia da exaltação - e a queda da hora!

Este mistério atraiu especialmente a atenção dos românticos.

Em conexão com as guerras napoleônicas e o amadurecimento da autoconsciência nacional, este período é caracterizado pela ascensão do movimento de libertação nacional. Alemanha, Áustria, Espanha lutaram contra a ocupação napoleônica, Itália - contra o jugo austríaco, Grécia - contra a Turquia, na Polônia lutaram contra o czarismo russo, Irlanda - contra os britânicos.

Mudanças surpreendentes ocorreram diante dos olhos de uma geração.

A França fervilhava acima de tudo: o turbulento quinto aniversário da Revolução Francesa, a ascensão e queda de Robespierre, as campanhas napoleônicas, a primeira abdicação de Napoleão, seu retorno da ilha de Elba ("cem dias") e o último

derrota em Waterloo, o sombrio 15º aniversário do regime da Restauração, a Revolução de Julho de 1860, a Revolução de Fevereiro de 1848 em Paris, que causou uma onda revolucionária em outros países.

Na Inglaterra, como resultado da revolução industrial na segunda metade do século XIX. produção mecanizada e relações capitalistas foram estabelecidas. A reforma parlamentar de 1832 abriu caminho para a burguesia chegar ao poder estatal.

Nas terras da Alemanha e da Áustria, os governantes feudais mantiveram o poder. Após a queda de Napoleão, eles trataram duramente a oposição. Mas mesmo em solo alemão, a locomotiva a vapor, trazida da Inglaterra em 1831, tornou-se um fator de progresso burguês.

As revoluções industriais, as revoluções políticas mudaram a face da Europa. “A burguesia, em menos de cem anos de dominação de classe, criou forças produtivas mais numerosas e grandiosas do que todas as gerações anteriores juntas”, escreveram os cientistas alemães Marx e Engels em 1848.

Assim, a Grande Revolução Francesa (1789-1794) marcou um marco especial que separa a nova era da Era do Iluminismo. Não só as formas do Estado, a estrutura social da sociedade, o alinhamento das classes mudaram. Todo o sistema de ideias, iluminado por séculos, foi abalado. Os iluministas prepararam ideologicamente a revolução. Mas eles não podiam prever todas as suas consequências. O "reino da razão" não aconteceu. A revolução, que proclamou a liberdade do indivíduo, deu origem à ordem burguesa, o espírito de cobiça e egoísmo. Tal foi a base histórica para o desenvolvimento da cultura artística, que apresentou uma nova direção - o romantismo.

3. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO ROMANTISMO

O romantismo como método e direção na cultura artística foi um fenômeno complexo e controverso. Em todos os países ele tinha uma expressão nacional brilhante. Não é fácil encontrar na literatura, na música, na pintura e no teatro elementos que unam Chateaubriand e Delacroix, Mickiewicz e Chopin, Lermontov e Kiprensky.

Os românticos ocuparam várias posições sociais e políticas na sociedade. Todos se rebelaram contra os resultados da revolução burguesa, mas se rebelaram de maneiras diferentes, pois cada um tinha seu ideal. Mas com todas as muitas faces e diversidade, o romantismo tem características estáveis.

A decepção nos tempos modernos deu origem a uma interesse no passado: às formações sociais pré-burguesas, à antiguidade patriarcal. Muitos românticos foram caracterizados pela ideia de que o exotismo pitoresco dos países do sul e do leste - Itália, Espanha, Grécia, Turquia - é um contraste poético com a vida cotidiana burguesa chata. Nesses países, então ainda pouco afetados pela civilização, os românticos buscavam personagens brilhantes e fortes, um modo de vida original e colorido. O interesse pelo passado nacional deu origem a uma massa de obras históricas.

Em um esforço para de alguma forma se elevar acima da prosa do ser, liberar as diversas habilidades do indivíduo, para finalmente se auto-realizar na criatividade, os românticos se opuseram à formalização da arte e à abordagem diretamente judiciosa, característica do classicismo. Todos eles vieram de negação do Iluminismo e dos cânones racionalistas do classicismo, que agrilhoou a iniciativa criativa do artista.E se o classicismo divide tudo em linha reta, em bom e ruim, em preto e branco, então o romantismo não divide nada em linha reta. O classicismo é um sistema, mas o romantismo não é. O romantismo avançou o avanço dos tempos modernos do classicismo ao sentimentalismo, que mostra a vida interior de uma pessoa em harmonia com o vasto mundo. E o romantismo opõe a harmonia ao mundo interior. É com o romantismo que o verdadeiro psicologismo começa a aparecer.

A principal tarefa do romantismo era imagem do mundo interior, vida espiritual, e isso poderia ser feito no material de histórias, misticismo, etc. Era preciso mostrar o paradoxo dessa vida interior, sua irracionalidade.

Em sua imaginação, os românticos transformaram a realidade pouco atraente ou entraram no mundo de suas experiências. A lacuna entre o sonho e a realidade, a oposição da bela ficção à realidade objetiva, estava no centro de todo o movimento romântico.

O romantismo coloca pela primeira vez o problema da linguagem da arte. “A arte é uma linguagem de um tipo muito diferente da natureza; mas também contém o mesmo poder milagroso que afeta de forma tão secreta e incompreensível a alma humana ”(Wackenroder e Tieck). Um artista é um intérprete da linguagem da natureza, um intermediário entre o mundo do espírito e as pessoas. “Graças aos artistas, a humanidade emerge como uma individualidade inteira. Artistas através da modernidade unem o mundo do passado com o mundo do futuro. Eles são o órgão espiritual mais elevado no qual as forças vitais de sua humanidade exterior se encontram, e onde a humanidade interior se manifesta antes de tudo” (F. Schlegel).

No entanto, o romantismo não foi uma tendência homogênea: seu desenvolvimento ideológico foi em direções diferentes. Entre os românticos estavam escritores reacionários, adeptos do antigo regime, que cantavam sobre a monarquia feudal e o cristianismo. Por outro lado, românticos com uma visão progressista expressavam protesto democrático contra o feudal e todo tipo de opressão, encarnavam o impulso revolucionário do povo por um futuro melhor.

O romantismo deixou toda uma época na cultura artística mundial, seus representantes foram: na literatura V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz e outros; nas artes plásticas de E. Delacroix, T. Géricault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky e outros; na música de F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin e outros. Descobriram e desenvolveram novos gêneros, prestaram muita atenção ao destino da personalidade humana, revelaram a dialética do bem e do mal, paixões humanas magistralmente reveladas, etc.

As formas de arte mais ou menos se igualavam em seu significado e produziam magníficas obras de arte, embora os românticos dessem prioridade à música na escala das artes.

4. HERÓI ROMÂNTICO

Quem é um herói romântico e como ele é?

Este é um individualista. O super-homem, que viveu duas fases: antes do choque com a realidade, vive num estado “rosa”, é possuído pelo desejo de realização, mudança do mundo; depois de uma colisão com a realidade, ele continua a considerar este mundo ao mesmo tempo vulgar e chato, mas não se torna um cético, um pessimista. Com o claro entendimento de que nada pode ser mudado, o desejo por um feito degenera em desejo de perigo.

Os românticos podiam dar valor eterno e duradouro a cada pequena coisa, a cada fato concreto, a tudo o que é singular. Joseph de Maistre chama-lhe "os caminhos da Providência", Germaine de Stael - "o seio fecundo do universo imortal". Chateaubriand no "Gênio do Cristianismo", em livro dedicado à história, aponta diretamente para Deus como o início do tempo histórico. A sociedade aparece como um vínculo inabalável, "o fio da vida que nos liga aos nossos ancestrais e que devemos estender aos nossos descendentes". Somente o coração de uma pessoa, e não sua mente, pode entender e ouvir a voz do Criador, através da beleza da natureza, através de sentimentos profundos. A natureza é divina, é fonte de harmonia e forças criativas, suas metáforas são muitas vezes transferidas pelos românticos para o léxico político. Para os românticos, a árvore torna-se símbolo de família, desenvolvimento espontâneo, percepção dos sucos da terra natal, símbolo de unidade nacional. Quanto mais inocente e sensível a natureza de uma pessoa, mais facilmente ela ouve a voz de Deus. Uma criança, uma mulher, um jovem nobre vê com mais frequência do que os outros a imortalidade da alma e o valor da vida eterna. A sede de felicidade dos românticos não se limita ao desejo idealista do Reino de Deus após a morte.

Além do amor místico por Deus, uma pessoa precisa de amor real e terreno. Incapaz de possuir o objeto de sua paixão, o herói romântico tornou-se um eterno mártir, condenado a esperar um encontro com sua amada na vida após a morte, "porque um grande amor é digno de imortalidade quando custa a vida de uma pessoa".

Um lugar especial no trabalho dos românticos é ocupado pelo problema do desenvolvimento e da educação do indivíduo. A infância é desprovida de leis, seus impulsos momentâneos violam a moralidade pública, obedecendo às suas próprias regras de brincadeira infantil. Em um adulto, reações semelhantes levam à morte, à condenação da alma. Em busca do reino celestial, uma pessoa deve compreender as leis do dever e da moralidade, só então ela pode esperar pela vida eterna. Como o dever é ditado aos românticos pelo desejo de obter a vida eterna, o cumprimento do dever dá a felicidade pessoal em sua manifestação mais profunda e poderosa. Ao dever moral acrescenta-se o dever de sentimentos profundos e interesses elevados. Sem misturar as virtudes dos sexos diferentes, os românticos defendem a igualdade do desenvolvimento espiritual de homens e mulheres. Da mesma forma, o amor a Deus e suas instituições dita o dever cívico. O esforço pessoal se completa na causa comum, no esforço de toda a nação, de toda a humanidade, de todo o mundo.

Cada cultura tem seu próprio herói romântico, mas Byron, em sua obra Charld Harold, deu uma representação típica do herói romântico. Ele colocou a máscara de seu herói (ele diz que não há distância entre o herói e o autor) e conseguiu cumprir o cânone romântico.

Todas as obras românticas são caracterizadas por características características:

Primeiro, em toda obra romântica não há distância entre o herói e o autor.

Em segundo lugar, o autor do herói não julga, mas mesmo que algo ruim seja dito sobre ele, a trama é construída de tal forma que o herói não tem culpa. O enredo de uma obra romântica costuma ser romântico. Os românticos também constroem uma relação especial com a natureza, gostam de tempestades, trovoadas, cataclismos.

5. ROMANTISMO NA RÚSSIA.

O romantismo na Rússia diferia do europeu ocidental em favor de um cenário histórico diferente e uma tradição cultural diferente. A Revolução Francesa não pode ser contada como uma das causas de sua ocorrência; um círculo muito restrito de pessoas tinha esperanças de transformações em seu curso. E os resultados da revolução foram completamente decepcionantes. A questão do capitalismo na Rússia no início do século XIX. não ficou. Portanto, não havia tal motivo. O verdadeiro motivo foi a Guerra Patriótica de 1812, na qual se manifestou todo o poder da iniciativa popular. Mas depois da guerra, o povo não conseguiu o testamento. Os melhores da nobreza, insatisfeitos com a realidade, foram para a Praça do Senado em dezembro de 1825. Esse ato também deixou sua marca na intelectualidade criativa. Os turbulentos anos do pós-guerra tornaram-se o ambiente em que se formou o romantismo russo.

O romantismo e, além disso, o nosso, russo, desenvolvido e moldado em nossas formas originais, o romantismo não foi um simples fenômeno literário, mas um fenômeno da vida, toda uma era de desenvolvimento moral, uma época que teve sua própria cor especial, realizou um perspectiva na vida ... Deixe a tendência romântica vir de fora, da vida ocidental e das literaturas ocidentais, encontrou na natureza russa o solo pronto para sua percepção e, portanto, se refletiu em fenômenos completamente originais, como o poeta e crítico Apollon Grigoriev avaliou - trata-se de um fenômeno cultural único, e sua caracterização mostra a complexidade essencial do romantismo, das entranhas de que saiu o jovem Gogol e com quem se associou não apenas no início de sua carreira de escritor, mas ao longo de sua vida.

Apollon Grigoriev determinou com precisão a natureza do impacto da escola romântica na literatura e na vida, incluindo a prosa da época: não uma simples influência ou empréstimo, mas uma vida e tendência literária característica e poderosa que deu fenômenos completamente originais na jovem literatura russa.

a) Literatura

O romantismo russo costuma ser dividido em vários períodos: inicial (1801-1815), maduro (1815-1825) e o período de desenvolvimento pós-dezembrista. No entanto, em relação ao período inicial, a convencionalidade desse esquema é marcante. Pois o alvorecer do romantismo russo está associado aos nomes de Zhukovsky e Batyushkov, poetas cuja obra e visão de mundo são difíceis de colocar lado a lado e comparar dentro do mesmo período, seus objetivos, aspirações, temperamentos são tão diferentes. Nos poemas de ambos os poetas, a influência imperiosa do passado, a era do sentimentalismo, ainda é sentida, mas se Zhukovsky ainda está profundamente enraizado nele, Batyushkov está muito mais próximo das novas tendências.

Belinsky observou com razão que a obra de Zhukovsky é caracterizada por "queixas sobre esperanças imperfeitas que não tinham nome, tristeza pela felicidade perdida, que Deus sabe em que consistia". De fato, na pessoa de Zhukovsky, o romantismo ainda dava seus primeiros passos tímidos, prestando homenagem ao anseio sentimental e melancólico, um anseio vago, quase imperceptível do coração, em uma palavra, àquele conjunto complexo de sentimentos que na crítica russa era chamado de "romantismo da Idade Média".

Uma atmosfera completamente diferente reina na poesia de Batyushkov: a alegria de ser, sensualidade franca, um hino ao prazer.

Zhukovsky é legitimamente considerado um representante proeminente do humanismo estético russo. Alheio às paixões fortes, Zhukovsky complacente e manso estava sob a influência notável das idéias de Rousseau e dos românticos alemães. Seguindo-os, ele atribuiu grande importância ao lado estético na religião, na moral e nas relações sociais. A arte adquiriu um significado religioso de Zhukovsky, ele procurou ver na arte uma “revelação” de verdades superiores, era “sagrado” para ele. É típico dos românticos alemães identificar poesia e religião. Encontramos a mesma coisa em Zhukovsky, que escreveu: "A poesia é Deus nos sonhos sagrados da terra". No romantismo alemão, ele estava especialmente próximo da atração por tudo além, pelo “lado noturno da alma”, pelo “inexprimível” na natureza e no homem. A natureza na poesia de Zhukovsky é cercada de mistério, suas paisagens são fantasmagóricas e quase irreais, como reflexos na água:

Como o incenso se funde com o frescor das plantas!

Que doce no silêncio à beira dos jatos que chapinham!

Quão quieto é o vento dos marshmallows nas águas

E vibração de salgueiro flexível!

A alma sensível, terna e sonhadora de Zhukovsky parece congelar docemente no limiar desta "luz misteriosa". O poeta, na expressão adequada de Belinsky, “ama e mergulha no seu sofrimento”, mas esse sofrimento não apunhala seu coração com feridas cruéis, pois mesmo na angústia e na tristeza sua vida interior é calma e serena. Portanto, quando em uma mensagem para Batyushkov, “o filho da felicidade e da diversão”, ele chama o poeta epicurista de “relativo à Musa”, é difícil acreditar nessa relação. Em vez disso, acreditamos no virtuoso Zhukovsky, que aconselha amigavelmente o cantor dos prazeres terrenos: "Rejeite a voluptuosidade, os sonhos são fatais!"

Batyushkov é uma figura em tudo oposta a Zhukovsky. Ele era um homem de fortes paixões, e sua vida criativa foi interrompida 35 anos antes de sua existência física: ainda muito jovem, ele mergulhou no abismo da loucura. Ele se dedicou com igual força e paixão a alegrias e tristezas: na vida, bem como em sua compreensão poética, ele - ao contrário de Zhukovsky - era estranho à "média dourada". Embora sua poesia também seja caracterizada pelo elogio da amizade pura, a alegria de um "canto humilde", mas seu idílio não é de modo algum modesto e tranquilo, pois Batyushkov não pode imaginá-lo sem a felicidade lânguida dos prazeres apaixonados e da intoxicação pela vida. Às vezes, o poeta é tão levado pelas alegrias sensuais que está pronto para rejeitar imprudentemente a sabedoria opressiva da ciência:

É nas verdades de triste

Estóicos sombrios e sábios chatos,

Sentado em vestidos de funeral,

Entre escombros e caixões

Encontraremos a doçura da nossa vida?

Deles, eu vejo alegria

Ele voa como uma borboleta de arbustos espinhosos.

Para eles não há encanto nos encantos da natureza,

As donzelas não cantam para eles, entrelaçando-se em danças redondas;

Para eles, como para os cegos,

Primavera sem alegria e verão sem flores.

A tragédia genuína raramente soa em seus poemas. Somente no final de sua vida criativa, quando começou a apresentar sinais de doença mental, um de seus últimos poemas foi gravado sob ditado, no qual soam claramente os motivos da futilidade da existência terrena:

Você se lembra do que você disse

Dizendo adeus à vida, Melquisedeque grisalho?

O homem nasceu escravo

Deitará como escravo na sepultura,

E a morte dificilmente lhe dirá

Por que ele andou pelo vale de lágrimas maravilhosas,

Sofreu, chorou, suportou,

Na Rússia, o romantismo como uma tendência literária desenvolvida pelos anos vinte do século XIX. Suas origens eram poetas, prosadores, escritores, e eles criaram o romantismo russo, que diferia do "europeu ocidental" em seu caráter nacional e original. O romantismo russo foi desenvolvido pelos poetas da primeira metade do século XIX, e cada poeta trouxe algo novo. O romantismo russo foi amplamente desenvolvido, adquiriu características características e tornou-se uma tendência independente na literatura. Em "Ruslan e Lyudmila" A.S. Pushkin há linhas: "Há um espírito russo, lá cheira a Rússia." O mesmo pode ser dito sobre o romantismo russo. Os heróis das obras românticas são almas poéticas que lutam pelo "alto" e pelo belo. Mas existe um mundo hostil que não permite que você sinta a liberdade, o que deixa essas almas incompreensíveis. Este mundo é áspero, então a alma poética foge para outro, onde há um ideal, luta pelo “eterno”. O romantismo baseia-se nesse conflito. Mas os poetas reagiram de maneira diferente a essa situação. Zhukovsky, Pushkin, Lermontov, partindo de uma coisa, constroem a relação de seus heróis e o mundo ao seu redor de maneiras diferentes, portanto, seus heróis tiveram caminhos diferentes para o ideal.

A realidade é terrível, rude, insolente e egoísta, não há lugar nela para os sentimentos, sonhos e desejos do poeta, seus heróis. "Verdadeiro" e eterno - no outro mundo. Daí o conceito de dois mundos, o poeta luta por um desses mundos em busca de um ideal.

A posição de Zhukovsky não era a posição de uma pessoa que entrou em luta com o mundo exterior, que o desafiou. Era um caminho através da unidade com a natureza, um caminho de harmonia com a natureza, em um mundo eterno e belo. Zhukovsky, na opinião de muitos pesquisadores (incluindo Yu.V. Mann), expressa sua compreensão desse processo de unidade em O Inexprimível. A unidade é o vôo da alma. A beleza que o cerca enche sua alma, está em você, e você está nela, a alma voa, nem tempo nem espaço existe, mas você existe na natureza, e neste momento que você vive, você quer cantar sobre essa beleza , mas não há palavras para expressar seu estado, há apenas um sentimento de harmonia. Você não é perturbado pelas pessoas ao seu redor, almas prosaicas, mais está aberto para você, você é livre.

Pushkin e Lermontov abordaram esse problema do romantismo de maneira diferente. Não há dúvida de que a influência exercida por Zhukovsky sobre Pushkin não poderia deixar de ser refletida na obra deste último. Os primeiros trabalhos de Pushkin são caracterizados pelo romantismo "civil". Sob a influência de "O cantor no acampamento dos guerreiros russos" Zhukovsky e as obras de Griboyedov, Pushkin escreve uma ode à "Liberdade", "A Chaadaev". Neste último, ele chama:

"Meu amigo! Dediquemos nossas almas à Pátria com impulsos maravilhosos...". Este é o mesmo desejo pelo ideal que Zhukovsky tinha, apenas Pushkin entende o ideal à sua maneira, portanto, o caminho para o ideal é diferente para o poeta. Ele não quer e não pode lutar apenas pelo ideal, o poeta o chama. Pushkin olhou para a realidade e o ideal de forma diferente. Você não pode chamar isso de rebelião, isso é uma reflexão sobre os elementos rebeldes. Isso se refletiu na ode "Mar". Esta é a força e o poder do mar, o mar está livre, atingiu o seu ideal. O homem também deve se tornar livre, seu espírito deve ser livre.

A busca de um ideal é a principal característica do romantismo. Ele se manifestou no trabalho de Zhukovsky, Pushkin e Lermontov. Todos os três poetas buscavam a liberdade, mas a buscavam de maneiras diferentes, a entendiam de maneira diferente. Zhukovsky procurava a liberdade enviada pelo "criador". Tendo encontrado a harmonia, uma pessoa se torna livre. Para Pushkin, a liberdade do espírito era importante, que deveria se manifestar em uma pessoa. Para Lermontov, apenas o herói rebelde é livre. Rebelião pela liberdade, o que poderia ser mais bonito? Essa atitude em relação ao ideal foi preservada nas letras de amor dos poetas. Na minha opinião, essa relação se deve ao tempo. Apesar de todos trabalharem quase no mesmo período, o tempo de seu trabalho era diferente, os acontecimentos se desenrolavam com uma velocidade extraordinária. Os personagens dos poetas também influenciaram muito seu relacionamento. O calmo Zhukovsky e o rebelde Lermontov são completamente opostos. Mas o romantismo russo se desenvolveu precisamente porque as naturezas desses poetas eram diferentes. Eles introduziram novos conceitos, novos personagens, novos ideais, deram uma visão completa do que é a liberdade, o que é a vida real. Cada um deles representa seu próprio caminho para o ideal, este é o direito de escolha de cada indivíduo.

O próprio surgimento do Romantismo foi muito perturbador. A individualidade humana agora estava no centro do mundo inteiro. O "eu" humano passou a ser interpretado como a base e o significado de toda existência. A vida humana passou a ser considerada como uma obra de arte, arte. O romantismo foi muito difundido no século XIX. Mas nem todos os poetas que se autodenominavam românticos transmitiam a essência dessa tendência.

Agora, no final do século 20, já podemos classificar os românticos do século passado nesta base em dois grupos. Um e provavelmente o mais extenso grupo é aquele que uniu os românticos “formais”. É difícil suspeitar de insinceridade, pelo contrário, eles transmitem com muita precisão seus sentimentos. Entre eles estão Dmitry Venevitinov (1805-1827) e Alexander Polezhaev (1804-1838). Esses poetas utilizaram a forma romântica, considerando-a a mais adequada para atingir seu objetivo artístico. Assim, D. Venevitinov escreve:

Eu sinto isso queima em mim

Chama sagrada da inspiração

Mas o espírito voa em direção ao objetivo sombrio...

Encontrarei um penhasco confiável,

Onde posso descansar meu pé firme?

Este é um típico poema romântico. Ele usa o vocabulário romântico tradicional - isso é tanto "a chama da inspiração" quanto "espírito ascendente". Assim, o poeta descreve seus sentimentos. Mas não mais. O poeta está vinculado ao quadro do romantismo, sua “aparência verbal”. Tudo é simplificado para alguns selos.

Representantes de outro grupo de românticos do século 19, é claro, foram A.S. Pushkin e M. Lermontov. Esses poetas, ao contrário, preencheram a forma romântica com seu próprio conteúdo. O período romântico na vida de A. Pushkin foi curto, então ele tem poucos trabalhos românticos. “Prisioneiro do Cáucaso” (1820-1821) é um dos primeiros poemas românticos de A.S. Pushkin. Diante de nós está uma versão clássica de uma obra romântica. O autor não nos dá um retrato do seu herói, nem sequer sabemos o seu nome. E isso não é surpreendente - todos os heróis românticos são semelhantes entre si. Eles são jovens, bonitos... e infelizes. O enredo da obra também é classicamente romântico. Prisioneira russa com os circassianos, uma jovem circassiana se apaixona por ele e o ajuda a escapar. Mas ele ama desesperadamente outro... O poema termina tragicamente - o circassiano se joga na água e morre, e o russo, libertado do cativeiro "físico", cai em outro cativeiro mais doloroso - o cativeiro da alma. O que sabemos sobre o passado do herói?

Um longo caminho leva à Rússia...

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Onde ele abraçou o sofrimento terrível,

Onde a vida agitada arruinou

Esperança, alegria e desejo.

Ele veio para a estepe em busca de liberdade, tentou escapar de sua vida passada. E agora, quando a felicidade parecia tão próxima, ele novamente teve que correr. Mas onde? De volta ao mundo onde ele "abraçou um sofrimento terrível".

Renegado da luz, amigo da natureza,

Ele deixou sua terra natal

E voou para uma terra distante

Com um alegre fantasma de liberdade.

Mas o “fantasma da liberdade” permaneceu apenas um fantasma. Ele sempre assombrará o herói romântico. Outro poema romântico é "Ciganos". Nele, o autor novamente não dá ao leitor um retrato do herói, só sabemos o nome dele - Aleko. Ele veio ao acampamento para conhecer o verdadeiro prazer, a verdadeira liberdade. Por ela, ele abandonou tudo o que o cercava. Ele estava livre e feliz? Parece que Aleko ama, mas com esse sentimento apenas infortúnio e desprezo vêm a ele. Aleko, que ansiava tanto pela liberdade, não conseguia reconhecer a vontade em outra pessoa. Neste poema, mais uma das características extremamente características da visão de mundo de um herói romântico se manifestou - egoísmo e completa incompatibilidade com o mundo exterior. Aleko não é punido com a morte, mas pior - pela solidão e pelo debate. Ele estava sozinho no mundo do qual fugiu, mas em outro, tão desejável, ficou sozinho novamente.

Antes de escrever O Prisioneiro do Cáucaso, Pushkin disse certa vez: “Não sou digno de ser o herói de um poema romântico”; no entanto, ao mesmo tempo, em 1820, Pushkin escreveu seu poema "A luz do dia se apagou ...". Nele você encontra todo o vocabulário inerente ao romantismo. Esta é a “margem remota”, e “oceano sombrio”, e “excitação e saudade”, que atormentam o autor. O refrão percorre todo o poema:

Acene debaixo de mim, oceano sombrio.

Está presente não apenas na descrição da natureza, mas também na descrição dos sentimentos do herói.

... Mas o antigo coração fere,

Feridas profundas de amor, nada cicatrizou...

Barulho, barulho, vela obediente,

Preocupe-se abaixo de mim, oceano sombrio...

Ou seja, a natureza se torna outro personagem, outro herói lírico do poema. Mais tarde, em 1824, Pushkin escreveu o poema "Para o mar". O herói romântico nele, como em "A luz do dia se apagou ...", novamente se tornou o próprio autor. Aqui Pushkin refere-se ao mar como um símbolo tradicional de liberdade. O mar é um elemento, que significa liberdade e felicidade. No entanto, Pushkin constrói este poema inesperadamente:

Você esperou, você ligou... Eu estava acorrentado;

Aqui minha alma foi dilacerada:

Encantado por uma paixão poderosa,

fiquei no litoral...

Podemos dizer que este poema completa o período romântico da vida de Pushkin. É escrito por um homem que sabe que depois de alcançar a chamada liberdade "física", o herói romântico não fica feliz.

Nas florestas, nos desertos estão em silêncio

Eu vou transferir, cheio de você,

Suas rochas, suas baías...

Neste momento, Pushkin chega à conclusão de que a verdadeira liberdade só pode existir dentro de uma pessoa e só ela pode torná-la verdadeiramente feliz.

A variante do romantismo de Byron viveu e sentiu em seu trabalho o primeiro na cultura russa Pushkin, depois Lermontov. Pushkin tinha o dom de prestar atenção às pessoas e, no entanto, o mais romântico dos poemas românticos da obra do grande poeta e prosador é, sem dúvida, A Fonte de Bakhchisarai.

O poema "A Fonte de Bakhchisaray" ainda apenas continua a busca de Pushkin no gênero de um poema romântico. E é certo que a morte do grande escritor russo impediu isso.

O tema romântico na obra de Pushkin recebeu duas opções diferentes: há um herói romântico herói ("cativo", "ladrão", "fugitivo"), distinguido por uma vontade forte, que passou por um teste cruel de paixões violentas, e há um herói sofredor em quem experiências emocionais sutis são incompatíveis com a crueldade do mundo exterior ("exílio", "prisioneiro"). O começo passivo em um personagem romântico agora adquiriu um disfarce feminino em Pushkin. A Fonte de Bakhchisaray desenvolve precisamente esse aspecto do herói romântico.

No "Prisioneiro do Cáucaso" toda a atenção foi dada ao "cativo" e muito pouco ao "Circassiano", agora pelo contrário - Khan Girey nada mais é do que uma figura não dramática e, de fato, o personagem principal é uma mulher, até dois - Zarema e Maria. A solução para a dualidade do herói encontrada em poemas anteriores (através da imagem dos irmãos acorrentados) também é usada por Pushkin aqui: o começo passivo é retratado no rosto de dois personagens - o ciumento, apaixonadamente apaixonado Zarema e o triste , perdeu a esperança e ama Maria. Ambas são duas paixões conflitantes de natureza romântica: decepção, desânimo, desesperança e ao mesmo tempo ardor espiritual, intensidade de sentimentos; a contradição é resolvida tragicamente no poema - a morte de Maria também não trouxe felicidade a Zarema, pois estão ligadas por laços misteriosos. Assim, em The Robber Brothers, a morte de um dos irmãos ofuscou para sempre a vida do outro.

No entanto, B.V. Tomashevsky observou com razão, “o isolamento lírico do poema também determinou alguma escassez de conteúdo ... A vitória moral sobre Zarema não leva a mais conclusões e reflexões ... “O Prisioneiro do Cáucaso” tem uma continuação clara na obra de Pushkin: tanto Aleko quanto Eugene Onegin permitem ... questões colocadas no primeiro poema do sul. “A Fonte de Bakhchisarai” não tem tal continuação ... "

Pushkin procurou e identificou o ponto mais vulnerável na posição romântica de uma pessoa: ele quer tudo apenas para si mesmo.

O poema de Lermontov "Mtsyri" também não reflete totalmente as características do romantismo.

Há dois heróis românticos neste poema, portanto, se este é um poema romântico, então é muito peculiar: primeiro, o segundo herói é transmitido pelo autor por meio de uma epígrafe; em segundo lugar, o autor não se conecta com Mtsyri, o herói resolve o problema da vontade própria à sua maneira, e Lermontov ao longo do poema só pensa em resolver esse problema. Ele não julga seu herói, mas também não o justifica, mas assume uma certa posição - compreensão. Acontece que o romantismo na cultura russa se transforma em reflexão. Acontece romantismo em termos de realismo.

Pode-se dizer que Pushkin e Lermontov não conseguiram se tornar românticos (embora Lermontov tenha conseguido cumprir as leis românticas - no drama 'Masquerade'). Por seus experimentos, os poetas mostraram que na Inglaterra a posição de um individualista poderia ser frutífera, mas não na Rússia. Embora Pushkin e Lermontov não tenham se tornado românticos, eles abriram o caminho para o desenvolvimento do realismo. Em 1825, o primeiro trabalho realista foi publicado: "Boris Godunov", depois "A Filha do Capitão", "Eugene Onegin", "Um Herói do Nosso Tempo" e muitos outros.

b) Pintura

Nas artes visuais, o romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e no grafismo, menos expressivo na escultura e na arquitetura. Os pintores românticos russos eram representantes proeminentes do romantismo nas artes visuais. Em suas telas expressavam o espírito de amor à liberdade, ação ativa, apelavam apaixonada e temperamentalmente à manifestação do humanismo. As telas cotidianas dos pintores russos se distinguem pela relevância e psicologismo, expressão inédita. As paisagens espiritualizadas e melancólicas são novamente a mesma tentativa dos românticos de penetrar no mundo humano, de mostrar como uma pessoa vive e sonha no mundo sublunar. A pintura romântica russa era diferente da estrangeira. Isso foi determinado pela situação histórica e pela tradição.

Características da pintura romântica russa:

A ideologia iluminista enfraqueceu, mas não entrou em colapso, como na Europa. Portanto, o romantismo não foi pronunciado.

O romantismo desenvolveu-se em paralelo com o classicismo, muitas vezes entrelaçando-se com ele.

A pintura acadêmica na Rússia ainda não se esgotou.

O romantismo na Rússia não era um fenômeno estável, os românticos eram atraídos pelo academicismo. Em meados do século XIX. a tradição romântica quase se extinguiu.

Obras relacionadas ao romantismo começaram a aparecer na Rússia já na década de 1790 (as obras de Feodosy Yanenko "Viajantes pegos em uma tempestade" (1796), "Auto-retrato em um capacete" (1792). O protótipo é óbvio neles - Salvator Rosa, muito popular na virada dos séculos 18 e 19. Mais tarde, a influência desse artista proto-romântico será perceptível na obra de Alexander Orlovsky. Ladrões, cenas de fogueiras, batalhas acompanharam toda a sua carreira. Como em outros países , artistas pertencentes ao romantismo russo introduziram retratos, paisagens e cenas de gênero um clima emocional completamente novo.

Na Rússia, o romantismo começou a se manifestar primeiro em pintura de retrato. No primeiro terço do século XIX, em grande parte, ela perdeu contato com a alta aristocracia. Um lugar significativo começou a ser ocupado por retratos de poetas, artistas, patronos da arte, a imagem de camponeses comuns. Esta tendência foi especialmente pronunciada no trabalho de O.A. Kiprensky (1782-1836) e V.A. Tropinina (1776-1857).

Vasily Andreevich Tropinin esforçou-se por uma caracterização animada e descontraída de uma pessoa, expressa através de seu retrato. Retrato de um filho (1818), "Retrato de A.S. Pushkin" (1827), "Auto-retrato" (1846) surpreendem não com uma semelhança de retrato com os originais, mas com uma penetração extraordinariamente sutil no mundo interior de uma pessoa.

Retrato de um filho- Arsenia Tropinina é uma das melhores na obra do mestre. Cores douradas requintadas e suaves que lembram a pintura de valerie do século XVIII. No entanto, comparado com um retrato infantil típico do romantismo do século XVIII. aqui o design imparcial é impressionante - esta criança posa em uma extensão muito pequena. O olhar de Arseny desliza pelo espectador, ele está vestido casualmente, o portão é como se fosse acidentalmente aberto. A falta de representatividade está na extraordinária fragmentação da composição: a cabeça ocupa quase toda a superfície da tela, a imagem é recortada até as clavículas e, assim, o rosto do menino é automaticamente movido em direção ao espectador.

Extraordinariamente interessante história da criação "Retrato de Pushkin". Como de costume, para o primeiro contato com Pushkin, Tropinin foi à casa de Sobolevsky no playground dos cães, onde o poeta morava. O artista o encontrou em seu escritório brincando com cachorrinhos. Ao mesmo tempo, aparentemente, foi escrito de acordo com a primeira impressão, que Tropinin tanto apreciou, um pequeno estudo. Por muito tempo ele permaneceu fora da vista de seus perseguidores. Apenas quase cem anos depois, em 1914, foi publicado por P.M. Shchekotov, que escreveu que de todos os retratos de Alexander Sergeevich, ele “mais transmite suas características ... os olhos azuis do poeta são preenchidos com um brilho especial aqui, a virada da cabeça é rápida e os traços faciais são expressivos e móveis . Sem dúvida, aqui são capturadas as verdadeiras características do rosto de Pushkin, que encontramos individualmente em um ou outro dos retratos que chegaram até nós. Resta ficar intrigado”, acrescenta Shchekotov, “por que esse esboço encantador não recebeu a devida atenção dos editores e conhecedores do poeta”. Isso se explica pelas próprias qualidades do pequeno esboço: não havia o brilho das cores, nem a beleza da pincelada, nem “rotundas” magistralmente escritas nele. E Pushkin aqui não é uma "vitia" popular, nem um "gênio", mas, acima de tudo, um homem. E dificilmente se presta à análise por que tão grande conteúdo humano está contido na escala monocromática verde-acinzentada, verde-oliva, nas precipitadas, como se pinceladas aleatórias de um estudo de aparência quase indescritível. Relembrando na memória toda a vida e retratos posteriores de Pushkin, este esboço em termos da força da humanidade pode ser colocado ao lado da figura de Pushkin, esculpida pelo escultor soviético A. Matveev. Mas Tropinin não se propôs a essa tarefa, seu amigo não queria ver tal Pushkin, embora tenha ordenado retratar o poeta de uma forma simples e caseira.

Na avaliação do artista, Pushkin era "o poeta-czar". Mas ele também era um poeta popular, ele próprio e próximo de todos. “A semelhança do retrato com o original é impressionante”, escreveu Polevoy no final, embora tenha notado a falta de “rapidez de visão” e “expressão viva do rosto”, que muda e revive Pushkin a cada nova impressão. .

No retrato, tudo é pensado e verificado nos mínimos detalhes, e ao mesmo tempo não há nada deliberado, nada introduzido pelo artista. Até os anéis que adornam os dedos do poeta são destacados na medida em que o próprio Pushkin lhes deu importância na vida. Entre as revelações pitorescas de Tropinin, o retrato de Pushkin impressiona pela sonoridade de seu alcance.

O romantismo de Tropinin expressou distintamente origens sentimentais. Foi Tropinin quem fundou o gênero, retrato um tanto idealizado de um homem do povo (“A Rendeira” (1823)). “Tanto conhecedores quanto não conhecedores”, escreve Svinin sobre "Lacemaker" -- admiro ao olhar para esta imagem, que realmente conecta todas as belezas da arte pictórica: a graça do pincel, a iluminação correta e feliz, a cor é clara, natural, além disso, esse retrato revela a alma de uma beleza e que olhar malicioso de curiosidade que ela lança em alguém que entrou naquele momento. Seus braços, nus no cotovelo, pararam com o olhar, o trabalho parou, um suspiro voou de seu seio virgem, coberto com um lenço de musselina - e tudo isso é retratado com tanta verdade e simplicidade que essa imagem pode ser facilmente confundida para o trabalho mais bem sucedido do Sonho glorioso. Itens secundários, como travesseiro de renda e toalha, são arranjados com muita arte e trabalhados com finalidade...”

No início do século 19, Tver era um importante centro cultural da Rússia. Todas as pessoas proeminentes de Moscou estiveram aqui para noites literárias. Aqui, o jovem Orest Kiprensky conheceu A.S. Pushkin, cujo retrato, pintado mais tarde, tornou-se a pérola da arte do retrato mundial, e A.S. Pushkin dedicará poemas a ele, onde o chamará de “o favorito da moda de asas claras”. Retrato de Pushkin os pincéis de O. Kiprensky são a personificação viva de um gênio poético. Na virada resoluta da cabeça, nos braços cruzados vigorosamente sobre o peito, toda a aparência do poeta revela uma sensação de independência e liberdade. Foi sobre ele que Pushkin disse: “Eu me vejo como em um espelho, mas esse espelho me lisonjeia”. No trabalho sobre o retrato de Pushkin, Tropinin e Kiprensky se encontram pela última vez, embora esse encontro não ocorra em primeira mão, mas muitos anos depois na história da arte, onde, via de regra, dois retratos do maior poeta russo são comparados, criados simultaneamente, mas em lugares diferentes - um em Moscou. Outro em São Petersburgo. Agora, este é um encontro de mestres igualmente grandes em seu significado para a arte russa. Embora os admiradores de Kiprensky afirmem que as vantagens artísticas estão do lado de seu retrato romântico, onde o poeta se apresenta imerso em seus próprios pensamentos, sozinho com a musa, a nacionalidade e a democracia da imagem estão definitivamente do lado do Pushkin de Tropininsky.

Assim, os dois retratos refletiam duas áreas da arte russa, concentradas em duas capitais. E críticos posteriores escreverão que Tropinin foi para Moscou o que Kiprensky foi para São Petersburgo.

Uma característica distintiva dos retratos de Kiprensky é que eles mostram o charme espiritual e a nobreza interior de uma pessoa. O retrato de um herói, corajoso e de forte sentimento, deveria encarnar o pathos dos humores patrióticos e amante da liberdade de uma pessoa russa avançada.

em frente “Retrato de E.V. Davydov”(1809) mostra a figura de um oficial, que manifestava diretamente a expressão daquele culto de personalidade forte e corajosa, tão típico do romantismo daqueles anos. A paisagem fragmentada, onde um raio de luz luta com a escuridão, sugere as ansiedades espirituais do herói, mas em seu rosto há um reflexo de sensibilidade sonhadora. Kiprensky estava procurando o "humano" em uma pessoa, e o ideal não obscurecia dele os traços pessoais do personagem do modelo.

Retratos de Kiprensky, se você os olhar com os olhos da mente, mostram a riqueza espiritual e natural de uma pessoa, sua força intelectual. Sim, ele tinha o ideal de uma personalidade harmoniosa, como falavam seus contemporâneos, mas Kiprensky não procurou literalmente projetar esse ideal em uma imagem artística. Ao criar uma imagem artística, ele partiu da natureza, como se medisse o quão longe ou perto ela está de tal ideal. De fato, muitos daqueles retratados por ele estão às vésperas do ideal, direcionados a ele, enquanto o próprio ideal, segundo as ideias da estética romântica, é dificilmente alcançável, e toda arte romântica é apenas um caminho para ele.

Observando as contradições na alma de seus heróis, mostrando-as nos momentos ansiosos da vida, quando o destino muda, velhas ideias se desfazem, a juventude vai embora, etc., Kiprensky parece estar vivenciando junto com seus modelos. Daí o especial envolvimento do retratista na interpretação das imagens artísticas, o que confere ao retrato um toque íntimo.

No período inicial da criatividade em Kiprensky você não verá rostos infectados com ceticismo, análise que corrói a alma. Isso virá mais tarde, quando o tempo romântico sobreviver ao seu outono, dando lugar a outros humores e sentimentos, quando as esperanças do triunfo do ideal de uma personalidade harmoniosa desmoronar. Em todos os retratos de 1800 e nos retratos executados em Tver, Kiprensky mostra um pincel arrojado, construindo uma forma fácil e livremente. A complexidade das técnicas, a natureza da figura mudou de trabalho para trabalho.

Vale ressaltar que você não verá exaltação heróica nos rostos de seus heróis, pelo contrário, a maioria dos rostos é bastante triste, eles se entregam a reflexões. Parece que essas pessoas estão preocupadas com o destino da Rússia, pensam mais no futuro do que no presente. Nas imagens femininas representando esposas, irmãs de participantes de eventos significativos, Kiprensky também não se esforçou por uma exaltação heróica deliberada. A sensação de facilidade, naturalidade prevalece. Ao mesmo tempo, em todos os retratos há tanta verdadeira nobreza da alma. As imagens das mulheres atraem com sua dignidade modesta, integridade da natureza; nos rostos dos homens pode-se adivinhar um pensamento inquisitivo, uma prontidão para o ascetismo. Essas imagens coincidiam com o amadurecimento das ideias éticas e estéticas dos dezembristas. Seus pensamentos e aspirações foram então compartilhados por muitos (a criação de sociedades secretas com determinados programas sociais e políticos cai no período 1816-1821), o artista os conhecia e, portanto, podemos dizer que seus retratos de participantes dos eventos de 1812-1814, imagens de camponeses, criadas nos mesmos anos - uma espécie de paralelo artístico aos conceitos emergentes do Decembrismo.

O selo brilhante do ideal romântico é marcado “Retrato de V.A. Zhukovsky”(1816). O artista, criando um retrato encomendado por S.S. Uvarov, decidiu mostrar a seus contemporâneos não apenas a imagem do poeta, que era bem conhecido nos círculos literários, mas também demonstrar uma certa compreensão da personalidade do poeta romântico. Diante de nós está um tipo de poeta que expressou a tendência filosófica e sonhadora do romantismo russo. Kiprensky apresentou Zhukovsky em um momento de inspiração criativa. O vento despenteou o cabelo do poeta, as árvores estão perturbando seus galhos na noite, as ruínas de edifícios antigos são pouco visíveis. É assim que deve ser o criador de baladas românticas. As cores escuras exacerbam a atmosfera do misterioso. A conselho de Uvarov, Kiprensky não termina de pintar fragmentos individuais do retrato, para que a "completude excessiva" não extinga o espírito, o temperamento e a emotividade.

Muitos retratos foram pintados por Kiprensky em Tver. Além disso, quando pintou Ivan Petrovich Vulf, um proprietário de terras de Tver, ele olhou com emoção para a menina que estava à sua frente, sua neta, a futura Anna Petrovna Kern, a quem foi dedicada uma das obras líricas mais cativantes - A.S. Pushkin poema “Lembro-me de um momento maravilhoso... Tais associações de poetas, artistas, músicos tornaram-se uma manifestação de uma nova tendência na arte - o romantismo.

“Jovem Jardineiro” (1817) de Kiprensky, “Meio-dia Italiano” (1827) de Bryullov, “Reapers” ou “Reaper” (década de 1820) de Venetsianov são obras da mesma série tipológica, centradas na natureza e escritas claramente usando No entanto, a tarefa de cada um dos artistas - encarnar a perfeição estética da natureza simples - levou a uma certa idealização de aparências, roupas, situações em prol da criação de uma imagem-metáfora. Observando a vida, a natureza, o artista a repensou , poetizando o visível. Nesta combinação qualitativamente nova de natureza e imaginação com a experiência dos mestres antigos e renascentistas, dando origem a imagens antes desconhecidas da arte, e é uma das características do romantismo da primeira metade do século XIX A natureza metafórica, geralmente característica dessas obras de Venetsianov e Bryullov, foi uma das características mais importantes do romântico quando os artistas russos ainda estavam pouco familiarizados com o retrato romântico da Europa Ocidental. "Retrato de um pai (A. K. Schwalbe)"(1804) foi escrito por Orest Kiprensky sobre arte e o gênero retrato em particular.

As realizações mais significativas do romantismo russo são obras do gênero retrato. Os exemplos mais brilhantes e melhores do Romantismo são do período inicial. Muito antes de sua viagem à Itália, em 1816, Kiprensky, interiormente pronto para uma encarnação romântica, viu com novos olhos as pinturas dos velhos mestres. Cores escuras, figuras destacadas pela luz, cores ardentes, dramaturgia intensa tiveram forte impacto sobre ele. "Retrato de um Pai" é, sem dúvida, criado sob a impressão de Rembrandt. Mas o artista russo tomou apenas técnicas externas do grande holandês. "Retrato de um Pai" é uma obra absolutamente independente, possuindo uma energia interna própria e poder de expressão artística. Uma característica distintiva dos retratos de paisagem é a vivacidade de seu desempenho. Não há pitoresco aqui - a transferência instantânea do que ele viu para o papel cria um frescor único de expressão gráfica. Portanto, as pessoas retratadas nos desenhos nos parecem próximas e compreensíveis.

Estrangeiros chamado Kiprensky o russo Van Dyck, seus retratos estão em muitos museus ao redor do mundo. O sucessor do trabalho de Levitsky e Borovikovsky, o antecessor de L. Ivanov e K. Bryullov, Kiprensky, com seu trabalho, deu fama europeia à escola de arte russa. Nas palavras de Alexander Ivanov, "ele foi o primeiro a trazer o nome russo para a Europa ...".

O crescente interesse pela personalidade de uma pessoa, característico do romantismo, predeterminou o florescimento do gênero retrato na primeira metade do século XIX, onde o autorretrato se tornou a característica dominante. Via de regra, a criação de um autorretrato não era um episódio aleatório. Os artistas repetidamente escreviam e desenhavam, e essas obras se tornaram uma espécie de diário que refletia vários estados de espírito e fases da vida, e ao mesmo tempo eram um manifesto dirigido aos contemporâneos. auto-retrato não era um gênero personalizado, o artista escreveu para si mesmo, e aqui, como nunca antes, ele se tornou livre para se expressar. No século XVIII, os artistas russos raramente pintavam imagens originais, apenas o romantismo, com seu culto ao indivíduo, ao excepcional, contribuiu para o surgimento desse gênero. A variedade de tipos de autorretrato reflete a percepção dos artistas de si mesmos como uma personalidade rica e multifacetada. Eles ou aparecem no papel usual e natural do criador (“Auto-retrato em uma boina de veludo” de A. G. Varnek, década de 1810), depois mergulham no passado, como se tentassem em si mesmos (“Auto-retrato em um capacete e armadura” de F. I. Yanenko , 1792), ou, na maioria das vezes, aparece sem quaisquer atributos profissionais, afirmando o significado e a auto-estima de cada pessoa, liberada e aberta ao mundo, buscando e correndo, como, por exemplo, F. A. Bruni e O. A. Orlovsky em autorretratos na década de 1810. A prontidão para o diálogo e a abertura, características da solução figurativa das obras dos anos 1810-1820, são gradualmente substituídas por fadiga e decepção, imersão, recolhimento em si mesmo ("Auto-retrato" de M. I. Terebenev). Essa tendência se refletiu no desenvolvimento do gênero retrato como um todo.

Auto-retratos de Kiprensky apareceram, o que vale a pena notar, em momentos críticos da vida, eles testemunharam a ascensão ou queda da força mental. Através de sua arte, o artista olhou para si mesmo. No entanto, ele não usava, como a maioria dos pintores, um espelho; ele se pintava principalmente de acordo com sua ideia, queria expressar seu espírito, mas não sua aparência.

“Auto-retrato com pincéis atrás da orelha” construída sobre uma recusa, e claramente demonstrativa, na glorificação externa da imagem, sua normatividade clássica e construção ideal. As características faciais são delineadas aproximadamente, em geral. A luz lateral incide sobre o rosto, destacando apenas os recursos laterais. Reflexos separados de luz incidem sobre a figura do artista, extinta em uma cortina pouco visível, representando o fundo do retrato. Tudo aqui está subordinado à expressão da vida, sentimentos, humores. Este é um olhar sobre a arte romântica através da arte do autorretrato. O envolvimento do artista nos segredos da criatividade é expresso no misterioso romântico "sfumato do século XIX". Um tom esverdeado peculiar cria uma atmosfera especial do mundo artístico, no centro do qual está o próprio artista.

Quase simultaneamente com este autorretrato, e escrito “Auto-retrato em um lenço rosa”, onde outra imagem é incorporada. Sem indicação direta da profissão de pintor. A imagem de um jovem é recriada, sentindo-se à vontade, naturalmente, livremente. A superfície pictórica da tela é finamente construída. O pincel do artista aplica tinta com confiança. Deixando traços grandes e pequenos. A coloração é soberbamente desenvolvida, as cores não são brilhantes, combinam harmoniosamente entre si, a iluminação é calma: a luz se derrama suavemente no rosto do jovem, delineando suas feições, sem expressão e deformação desnecessárias.

Outro pintor notável foi Venetsianov. Em 1811, ele recebeu o título de acadêmico da Academia, nomeado para "Auto-retrato" e "Retrato de K.I. Golovachevsky com três alunos da Academia de Artes". São obras extraordinárias.

Venetsianov declarou-se um verdadeiro mestre em "Auto-retrato" 1811. Foi escrito de forma diferente do que outros artistas pintaram na época - A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek e até o servo V. Tropinin. Era comum que todos se imaginassem em uma auréola romântica, seus autorretratos eram uma espécie de confronto poético em relação ao ambiente. A exclusividade de cariz artístico manifestou-se na pose, nos gestos, no extraordinário do figurino especialmente concebido. No "Auto-Retrato" de Venetsianov, os pesquisadores observam, em primeiro lugar, a expressão estrita e intensa de uma pessoa ocupada ... chapéus de outros artistas. Venitsianov olha para si mesmo com sobriedade. A arte para ele não é um impulso inspirado, mas sobretudo uma questão que exige concentração e atenção. Pequeno em tamanho, quase monocromático em sua coloração de tons de azeitona, escrito com extrema precisão, é simples e complexo ao mesmo tempo. Não atraindo com o lado externo da pintura, ele para com o olhar. As bordas idealmente finas da fina moldura dourada dos óculos não escondem, mas enfatizam a nitidez dos olhos, não tanto focados na natureza (o artista se retratou com uma paleta e um pincel nas mãos), mas em as profundezas de seus próprios pensamentos. Uma testa grande e larga, o lado direito do rosto, iluminado por luz direta, e uma frente de camisa branca formam um triângulo de luz, atraindo primeiro o olhar do espectador, que no momento seguinte, seguindo o movimento do lado direito mão segurando um pincel fino, desliza para a paleta. Mechas onduladas, armações brilhantes, um laço solto na gola, uma linha suave do ombro e, por fim, um amplo semicírculo da paleta formam um sistema móvel de linhas suaves e fluidas, dentro do qual existem três pontos principais : brilho minúsculo das pupilas, e a ponta afiada da frente da camisa, quase fechando com paleta e pincel. Tal cálculo quase matemático na construção da composição do retrato confere à imagem uma compostura interna parcial e dá razão para supor que o autor tenha uma mente analítica, inclinada ao pensamento científico. No "Auto-retrato" não há vestígio de qualquer romantismo, então tão frequente na representação dos próprios artistas. Este é um autorretrato de um artista-pesquisador, um artista-pensador e trabalhador.

Outro trabalho - retrato de Golovachevsky- concebido como uma espécie de composição de enredo: a geração mais velha de mestres da Academia na pessoa do velho inspetor dá instruções aos talentos crescentes: o pintor (com uma pasta de desenhos. O arquiteto e o escultor. Mas Venetsianov não permita até mesmo uma sombra de qualquer artificialidade ou didatismo nesta foto: o bom velhinho Golovachevsky amigável interpreta para adolescentes alguma página lida em um livro. tons coloridos criam a impressão de paz e seriedade. Os rostos são lindamente pintados, cheios de significado interior. O retrato foi uma das maiores realizações da pintura de retratos russa.

E na obra de Orlovsky de 1800, aparecem trabalhos de retrato, principalmente na forma de desenhos. Em 1809, uma folha de retrato tão emocionalmente rica como "Auto-retrato". Executado com um suculento traço livre de sanguíneo e carvão (com realce de giz), o "Auto-retrato" de Orlovsky atrai com sua integridade artística, caracterização da imagem, arte de execução. Ao mesmo tempo, permite discernir alguns aspectos peculiares da arte de Orlovsky. O "auto-retrato" Orlovsky, é claro, não visa reproduzir com precisão a aparência típica do artista daqueles anos. Antes de nós - em muitos aspectos deliberada. A aparência exagerada de um “artista” que opõe seu próprio “eu” à realidade circundante, ele não se preocupa com a “decência” de sua aparência: pente e escova não tocaram seus cabelos exuberantes, em seu ombro está a borda uma capa de chuva xadrez sobre uma camisa de gola aberta. Uma virada acentuada da cabeça com um olhar "sombrio" sob as sobrancelhas deslocadas, um corte rente do retrato, no qual o rosto é retratado de perto, contrastes de luz - tudo isso visa alcançar o efeito principal de oposição a pessoa retratada para o ambiente (e, portanto, para o espectador).

O pathos da afirmação da individualidade - uma das características mais progressistas da arte da época - forma o principal tom ideológico e emocional do retrato, mas aparece em um aspecto peculiar que quase nunca é encontrado na arte russa daquele período. A afirmação da personalidade passa não tanto por revelar a riqueza do seu mundo interior, mas por uma forma mais externa de rejeitar tudo o que a rodeia. A imagem ao mesmo tempo, é claro, parece esgotada, limitada.

Tais soluções são difíceis de encontrar na arte de retrato russa da época, onde já em meados do século XVIII os motivos cívicos e humanísticos soavam alto e a personalidade da pessoa nunca rompeu fortes laços com o meio ambiente. Sonhando com uma ordem social melhor e democrática, os melhores povos da Rússia daquela época não estavam de forma alguma desvinculados da realidade, eles rejeitaram conscientemente o culto individualista da “liberdade pessoal” que floresceu no solo da Europa Ocidental, afrouxado pela revolução burguesa . Isso se manifestou claramente como um reflexo de fatores reais na arte do retrato russo. Basta comparar o "Auto-retrato" de Orlovsky com o simultâneo "Auto-retrato" Kiprensky (por exemplo, 1809), de modo que a séria diferença interna entre os dois retratistas chama a atenção imediatamente.

Kiprensky também "heroica" a personalidade de uma pessoa, mas mostra seus verdadeiros valores internos. No rosto do artista, o espectador distingue as características de uma mente forte, caráter, pureza moral.

Toda a aparência de Kiprensky é coberta com incrível nobreza e humanidade. Ele é capaz de distinguir entre “bem” e “mal” no mundo circundante e, rejeitando o segundo, ama e aprecia o primeiro, ama e aprecia pessoas que pensam da mesma forma. Ao mesmo tempo, temos diante de nós, sem dúvida, uma forte individualidade, orgulhosa da consciência do valor de suas qualidades pessoais. Exatamente o mesmo conceito da imagem do retrato está subjacente ao conhecido retrato heróico de D. Davydov por Kiprensky.

Orlovsky, em comparação com Kiprensky, bem como com alguns outros retratistas russos da época, resolve de forma mais limitada, direta e externa a imagem de uma “personalidade forte”, enquanto se concentra claramente na arte da França burguesa. Quando você olha para o seu “Auto-retrato”, os retratos de A. Gro, Géricault involuntariamente vêm à mente. O perfil de Orlovsky “Auto-retrato” de 1810, com seu culto à “força interior” individualista, no entanto, já é desprovido da forma nítida de “esboço” do “Auto-retrato” de 1809 ou "Retrato de Duport". Neste último, Orlovsky, assim como no Autorretrato, usa uma pose espetacular, “heróica”, com um movimento brusco, quase cruzado, da cabeça e dos ombros. Ele enfatiza a estrutura irregular do rosto de Duport, seu cabelo desgrenhado, com o objetivo de criar uma imagem de retrato que seja auto-suficiente em seu caráter único e aleatório.

"A paisagem deve ser um retrato", escreveu K. N. Batyushkov. A maioria dos artistas que se voltaram para o gênero aderiu a essa configuração em seus trabalhos. paisagem. Entre as exceções óbvias, gravitando em torno da paisagem fantástica, estavam A. O. Orlovsky ("Sea View", 1809); A. G. Varnek ("Vista nos arredores de Roma", 1809); P. V. Basin ("O céu ao pôr do sol nos arredores de Roma", "Paisagem noturna", ambos - 1820). Criando tipos específicos, eles mantiveram o imediatismo da sensação, a riqueza emocional, alcançando um som monumental com técnicas de composição.

O jovem Orlrovsky via na natureza apenas forças titânicas, não sujeitas à vontade do homem, capazes de causar uma catástrofe, um desastre. A luta de um homem com um elemento marinho revolto é um dos temas favoritos do artista de seu período romântico “rebelde”. Tornou-se o conteúdo de seus desenhos, aquarelas e pinturas a óleo de 1809-1810. a cena trágica é mostrada na imagem "Naufrágio"(1809(?)). Na escuridão que caiu no chão, entre as ondas furiosas, pescadores afogados escalam freneticamente as rochas costeiras nas quais seu navio caiu. Sustentada em tons avermelhados severos, a cor potencializa a sensação de ansiedade. Terríveis são os ataques de ondas poderosas, prenunciando uma tempestade e em outra foto - “À beira-mar”(1809). Também desempenha um grande papel emocional no céu tempestuoso, que ocupa a maior parte da composição. Embora Orlovsky não tenha dominado a arte da perspectiva aérea, as transições graduais dos planos são resolvidas aqui de forma mais harmoniosa e suave. A cor ficou mais clara. Brinque lindamente em um fundo marrom-avermelhado, as manchas vermelhas das roupas dos pescadores. Elemento do mar inquieto e ansioso em aquarela "Barco a vela"(c.1812). E mesmo quando o vento não sacode a vela e não ondula a superfície da água, como na aquarela “Seascape com navios”(c. 1810), o espectador não deixa a premonição de que uma tempestade seguirá a calmaria.

Com todo o drama e emoção dos sentimentos, as marinhas de Orlovsky não são tanto fruto de suas observações de fenômenos atmosféricos, mas o resultado de uma imitação direta dos clássicos da arte. Em particular, J. Vernet.

As paisagens de S. F. Shchedrin tinham um caráter diferente. Eles são preenchidos com a harmonia da coexistência do homem e da natureza ("Terraço à beira-mar. Cappuccini perto de Sorrento", 1827). Numerosas vistas de Nápoles e dos arredores de seu pincel gozaram de extraordinário sucesso e popularidade.

A criação de uma imagem romântica de São Petersburgo na pintura russa está associada ao trabalho de M. N. Vorobyov. Em suas telas, a cidade aparecia envolta em misteriosos nevoeiros de São Petersburgo, uma suave neblina de noites brancas e uma atmosfera saturada de umidade do mar, onde os contornos dos edifícios são apagados e o luar completa o sacramento. O mesmo início lírico distingue as vistas dos arredores de São Petersburgo executadas por ele ("Pôr do sol nos arredores de São Petersburgo", 1832). Mas a capital do norte também foi vista pelos artistas de uma forma diferente e dramática, como uma arena para a colisão e luta de elementos naturais (V. E. Raev, Alexander Column during a Thunderstorm, 1834).

As brilhantes pinturas de I. K. Aivazovsky encarnaram vividamente os ideais românticos de intoxicação com a luta e o poder das forças naturais, a resistência do espírito humano e a capacidade de lutar até o fim. No entanto, um grande lugar na herança do mestre é ocupado por marinhas noturnas dedicadas a lugares específicos onde a tempestade dá lugar à magia da noite, um tempo que, segundo a visão dos românticos, é preenchido com uma misteriosa vida interior, e onde a busca pictórica do artista visa extrair extraordinários efeitos de iluminação ("Vista de Odessa em uma noite enluarada", "Vista de Constantinopla ao luar", ambas - 1846).

O tema dos elementos naturais e do homem pego de surpresa, tema favorito da arte romântica, foi interpretado de forma diferente pelos artistas dos anos 1800-1850. As obras foram baseadas em fatos reais, mas o significado das imagens não está em sua recontagem objetiva. Um exemplo típico é a pintura de Pyotr Basin "Terremoto em Rocca di Papa perto de Roma"(1830). É dedicado não tanto à descrição de um evento específico quanto à representação do medo e horror de uma pessoa que se depara com uma manifestação dos elementos.

Os luminares da pintura russa desta época foram K.P. Bryullov (1799-1852) e A.A. Ivanov (1806-1858). O pintor e desenhista russo K.P. Bryullov, enquanto ainda estudante da Academia de Artes, dominou a habilidade incomparável do desenho. O trabalho de Bryullov é geralmente dividido em antes de "O Último Dia de Pompéia" e depois. O que foi criado antes ....?!

“Manhã Italiana” (1823), “Ermilia com os Pastores” (1824) baseado no poema de Torquatto Tasso “A Libertação de Jerusalém”, “Meio-dia Italiano” (“Mulher Italiana Colhendo Uvas”, 1827), “Cavaleiro” ( 1830), “Bathsheba” (1832) - todas essas pinturas estão imbuídas de uma alegria de vida brilhante e indisfarçável. Tais obras estavam em sintonia com os primeiros poemas epicuristas de Pushkin, Batyushkov, Vyazemsky, Delvig. A velha maneira, baseada na imitação dos grandes mestres, não satisfez Bryullov, e ele escreveu “Italian Morning”, “Italian Noon”, “Bathsheba” ao ar livre.

Enquanto trabalhava no retrato, Bryullov pintou apenas a cabeça da vida. Todo o resto era muitas vezes ditado a ele por sua imaginação. O fruto dessa livre improvisação criativa é "Cavaleiro". A principal coisa no retrato é o contraste de um animal aquecido e ascendente com narinas inchadas e olhos brilhantes e uma amazona graciosa que calmamente retém a energia frenética de um cavalo (domar animais é um tema favorito dos escultores clássicos, Bryullov resolveu na pintura) .

NO "Batseba" o artista usa a história bíblica como pretexto para mostrar um corpo nu ao ar livre e transmitir o jogo de luzes e reflexos na pele clara. Em "Bathsheba" ele criou a imagem de uma jovem, cheia de alegria e felicidade. O corpo nu brilha e resplandece cercado por verdes olivas, roupas de cerejeira, um reservatório transparente. As formas elásticas suaves do corpo combinam-se lindamente com o tecido branqueador e a cor chocolate da mulher árabe que serve Bathsheba. As linhas fluidas dos corpos, do lago e dos tecidos dão um ritmo suave à composição do quadro.

A pintura tornou-se uma nova palavra na pintura "O último dia de Pompéia"(1827-1833). Ela tornou o nome do artista imortal e muito famoso durante sua vida.

Seu enredo, aparentemente, foi escolhido sob a influência de seu irmão Alexandre, que estudou intensamente as ruínas de Pompeia. Mas as razões para escrever o quadro são mais profundas. Gogol percebeu isso, e Herzen disse diretamente que em O Último Dia de Pompéia encontraram seu lugar, talvez, um reflexo inconsciente dos pensamentos e sentimentos do artista, causados ​​pela derrota do levante dezembrista na Rússia. Não sem razão, entre as vítimas dos elementos furiosos na moribunda Pompéia, Bryullov colocou seu auto-retrato e deu as características de seus conhecidos russos a outros personagens da imagem.

A comitiva italiana de Bryullov também desempenhou um papel, que poderia lhe contar sobre as tempestades revolucionárias que varreram a terra da Itália nos anos anteriores, sobre o triste destino dos carbonários durante os anos de reação.

A grandiosa imagem da morte de Pompeia está imbuída do espírito do historicismo, mostra a mudança de uma época histórica para outra, a supressão do antigo paganismo e o início de uma nova fé cristã.

O artista percebe dramaticamente o curso da história, a mudança de época como um choque para a humanidade. No centro da composição, uma mulher que caiu de uma carruagem e foi esmagada até a morte personificava, aparentemente, a morte do mundo antigo. Mas perto do corpo da mãe, o artista colocou um bebê vivo. Retratando filhos e pais, um jovem e uma mãe velha, filhos e um pai decrépito, o artista mostrava as velhas gerações desaparecendo na história e as novas vindo para substituí-las. O nascimento de uma nova era nas ruínas de um mundo antigo e em ruínas é o verdadeiro tema da pintura de Bryullov. Quaisquer que sejam as mudanças que a história traz, a existência da humanidade não para, e sua sede de vida permanece inabalável. Esta é a ideia principal por trás de The Last Day of Pompeii. Esta imagem é um hino à beleza da humanidade, que permanece imortal em todos os ciclos da história.

A tela foi exibida em 1833 na Exposição de Arte de Milão, causando uma enxurrada de respostas entusiásticas. A Itália resistida foi conquistada. O aluno de Bryullov, G. G. Gagarin, testemunha: “Esta grande obra despertou um entusiasmo sem limites na Itália. As cidades onde a pintura foi exposta organizaram recepções solenes para o artista, poemas foram dedicados a ele, ele foi carregado pelas ruas com música, flores e tochas... compreensível e apreciado por todos.

O escritor inglês Walter Scott (representante da literatura romântica, famoso por seus romances históricos) passou uma hora no estúdio de Bryullov, sobre o qual disse que não era um quadro, mas um poema inteiro. As academias de artes de Milão, Florença, Bolonha e Parma elegeram o pintor russo como membro honorário.

A tela de Bryullov evocou respostas entusiásticas de Pushkin e Gogol.

Vesúvio zev aberto - fumaça jorrou em uma chama de clube

Amplamente desenvolvido como uma bandeira de batalha.

A terra está preocupada - das colunas impressionantes

Os ídolos estão caindo!..

Pushkin escreveu sob a impressão da imagem.

Começando com Bryullov, os pontos de virada na história se tornaram o principal assunto da pintura histórica russa, retratando cenas folclóricas grandiosas, onde cada pessoa é participante do drama histórico, onde não há principal e secundário.

"Pompéia" pertence, em geral, ao classicismo. O artista revelou habilmente a plasticidade do corpo humano na tela. Todos os movimentos espirituais das pessoas foram transmitidos por Bryullov, principalmente na linguagem da plasticidade. Figuras separadas, dadas em um movimento tempestuoso, são coletadas em grupos equilibrados e congelados. Flashes de luz enfatizam as formas dos corpos e não criam fortes efeitos pictóricos. No entanto, a composição da pintura, que tem um forte avanço no centro na profundidade, retratando um acontecimento extraordinário na vida de Pompeia, foi inspirada no romantismo.

O romantismo como visão de mundo existiu na Rússia em sua primeira onda desde o final do século XVIII até a década de 1850. A linha do romântico na arte russa não parou na década de 1850. O tema do estado de ser, descoberto pelos românticos para a arte, foi posteriormente desenvolvido pelos artistas da Rosa Azul. Os herdeiros diretos dos românticos foram, sem dúvida, os simbolistas. Temas românticos, motivos, dispositivos expressivos entraram na arte de diferentes estilos, direções, associações criativas. A visão de mundo romântica ou visão de mundo acabou sendo uma das mais vivas, tenazes e frutíferas.

O romantismo como atitude geral, característica principalmente dos jovens, como desejo de uma liberdade ideal e criativa, ainda vive constantemente na arte mundial.

c) Música

O romantismo em sua forma mais pura é um fenômeno da arte da Europa Ocidental. Música russa do século 19. de Glinka a Tchaikovsky, as características do classicismo foram combinadas com as características do romantismo, o elemento principal era um princípio nacional brilhante e original. O romantismo na Rússia deu um salto inesperado quando essa tendência parecia coisa do passado. Dois compositores do século 20, Scriabin e Rachmaninov, ressuscitaram características do romantismo como o vôo desenfreado da fantasia e a alma das letras. Assim, o século XIX chamada era da música clássica.

O tempo (1812, o levante dezembrista, a reação que se seguiu) deixou sua marca na música. Seja qual for o gênero que escolhemos - romance, ópera, balé, música de câmara - em todos os lugares os compositores russos disseram sua nova palavra.

A música da Rússia, com toda a sua elegância de salão e estrita adesão às tradições da escrita instrumental profissional, incluindo a escrita sonata-sinfônica, é baseada na coloração modal única e na estrutura rítmica do folclore russo. Alguns confiam amplamente na música cotidiana, outros em formas originais de fazer música e ainda outros na antiga modalidade dos antigos modos camponeses russos.

início do século 19 - estes são os anos do primeiro e brilhante florescimento do gênero romance. As letras modestas e sinceras ainda soam e encantam os ouvintes. Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851). Ele escreveu romances para os versos de muitos poetas, mas os imortais são "Rouxinol" aos versos de Delvig, "Estrada de inverno", "Eu te amo" nos poemas de Pushkin.

Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) escreveu música para performances dramáticas, mas nós o conhecemos mais de romances famosos “Vestido de verão vermelho”, “Não me acorde ao amanhecer”, “Uma vela solitária fica branca”.

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858)- compositor, pianista, violinista e professor, é dono de romances como “O sino toca monotonamente”, “No alvorecer de uma juventude nebulosa” e etc

O lugar mais proeminente aqui é ocupado pelos romances de Glinka. Ninguém mais havia conseguido uma fusão tão natural da música com a poesia de Pushkin, Zhukovsky.

Mikhail Ivanovich Glinka (1804-1857)- um contemporâneo de Pushkin (5 anos mais novo que Alexander Sergeevich), um clássico da literatura russa, tornou-se o fundador dos clássicos musicais. Seu trabalho é um dos pináculos da cultura musical russa e mundial. Combina harmoniosamente a riqueza da música folclórica e as maiores conquistas da habilidade do compositor. O trabalho realista profundamente folclórico de Glinka refletiu o poderoso florescimento da cultura russa na primeira metade do século XIX, associado à Guerra Patriótica de 1812 e ao movimento dezembrista. Luz, caráter de afirmação da vida, harmonia de formas, beleza de melodias expressivas e melodiosas, variedade, brilho e sutileza de harmonias são as qualidades mais valiosas da música de Glinka. Na famosa ópera "Ivan Susanin"(1836) recebeu uma brilhante expressão da ideia de patriotismo popular; A grandeza moral do povo russo também é glorificada na ópera de conto de fadas “ Ruslan e Ludmila". Obras orquestrais de Glinka: “Fantasy Waltz”, “Noite em Madrid” e especialmente "Kamarinskaya", formam a base do sinfonismo clássico russo. Notável pelo poder de expressão dramática e pelo brilho das características da música para a tragédia "Príncipe Kholmsky". As letras vocais de Glinka (romances “Lembro-me de um momento maravilhoso”, “Dúvida”) é uma encarnação insuperável da poesia russa na música.

6. ROMANTISMO DA EUROPA OCIDENTAL

uma pintura

Se a França foi o ancestral do classicismo, então “para encontrar as raízes da escola romântica”, escreveu um de seus contemporâneos, “deveríamos ir à Alemanha. Ela nasceu lá, e lá os românticos italianos e franceses modernos formaram seus gostos.

fragmentado Alemanha não conhecia o levante revolucionário. Muitos dos românticos alemães eram estranhos ao pathos das ideias sociais avançadas. Eles idealizaram a Idade Média. Eles se renderam a impulsos espirituais inexplicáveis, falaram sobre o abandono da vida humana. A arte de muitos deles era passiva e contemplativa. Eles criaram seus melhores trabalhos no campo da pintura de retratos e paisagens.

Um notável pintor de retratos foi Otto Runge (1777-1810). Retratos deste mestre, com calma exterior, surpreendem com uma vida interior intensa e intensa.

A imagem do poeta romântico é vista por Runge em "Auto-retrato". Ele se examina cuidadosamente e vê um jovem de cabelos escuros, olhos escuros, sério, cheio de energia, pensativo, introspectivo e de força de vontade. O artista romântico quer conhecer a si mesmo. A forma de execução do retrato é rápida e arrebatadora, como se a energia espiritual do criador já devesse ser transmitida na textura da obra; em uma faixa colorida escura, aparecem contrastes de claro e escuro. O contraste é uma técnica pictórica característica dos mestres românticos.

Para captar o jogo mutável dos humores de uma pessoa, para examinar sua alma, um artista de um armazém romântico sempre tentará. E, a esse respeito, os retratos infantis servirão de material fértil para ele. NO retrato das crianças Hülsenbeck(1805) Runge não só transmite a vivacidade e imediatismo do caráter de uma criança, mas também encontra uma recepção especial para um clima brilhante, que encanta as aberturas ao ar livre do 2º andar. século 19 O fundo da imagem é uma paisagem, que atesta não apenas o dom colorístico do artista, atitude admiradora em relação à natureza, mas também o surgimento de novos problemas na reprodução magistral das relações espaciais, tons claros de objetos ao ar livre. Um mestre romântico, desejando fundir seu “eu” com as extensões do Universo, se esforça para capturar a aparência sensualmente tangível da natureza. Mas com essa sensualidade da imagem, ele prefere ver o símbolo do grande mundo, “a ideia do artista”.

Runge, um dos primeiros artistas românticos, se propôs a sintetizar as artes: pintura, escultura, arquitetura, música. O som conjunto das artes deveria expressar a unidade das forças divinas do mundo, cada partícula simbolizando o cosmos como um todo. O artista fantasia, reforçando seu conceito filosófico com as ideias do famoso pensador alemão do 1º andar. século 17 Jacob Boehme. O mundo é uma espécie de todo místico, cada partícula do qual expressa o todo. Essa ideia está relacionada aos românticos de todo o continente europeu. Em forma poética, o poeta e pintor inglês William Blake assim o expressou:

Veja a eternidade em um momento

Um mundo enorme - no espelho de areia,

Em um único punhado - infinito

E o céu está em uma xícara de uma flor.

O ciclo Runge, ou, como ele o chamava, o "fantástico poema musical" "Horas do dia"- manhã, meio-dia, noite - a expressão deste conceito. Ele deixou em poesia e prosa uma explicação de seu modelo conceitual do mundo. A imagem de uma pessoa, paisagem, luz e cor são símbolos do ciclo em constante mudança da vida natural e humana.

Outro notável pintor romântico alemão, Caspar David Friedrich (1774-1840), preferiu a paisagem a todos os outros gêneros e pintou apenas quadros da natureza durante seus setenta anos de vida. O principal motivo do trabalho de Friedrich é a ideia da unidade do homem e da natureza.

“Ouça a voz da natureza que fala dentro de nós”, o artista instrui seus alunos. O mundo interior de uma pessoa personifica a infinidade do Universo, portanto, tendo ouvido a si mesmo, uma pessoa é capaz de compreender as profundezas espirituais do mundo.

A posição de escuta determina a principal forma de “comunicação” de uma pessoa com a natureza e sua imagem. Esta é a grandeza, mistério ou iluminação da natureza e o estado consciente do observador. É verdade que muitas vezes Friedrich não permite que a figura “entre” no espaço da paisagem de suas pinturas, mas na sutil penetração da estrutura figurativa das extensas extensões, a presença de um sentimento, a experiência de uma pessoa é sentida. O subjetivismo na representação da paisagem chega à arte apenas com o trabalho dos românticos, prenunciando a revelação lírica da natureza pelos mestres do 2º andar. século 19 Pesquisadores observam nas obras de Friedrich "expansão do repertório" de motivos paisagísticos. O autor está interessado no mar, nas montanhas, nas florestas e nas várias tonalidades do estado da natureza em diferentes épocas do ano e do dia.

1811-1812 marcada pela criação de uma série de paisagens de montanha como resultado da viagem do artista à serra. “Manhã nas montanhas” representa pitorescamente uma nova realidade natural, nascida nos raios do sol nascente. Tons roxo-rosados ​​os envolvem e os privam de volume e gravidade material. Os anos da batalha com Napoleão (1812-1813) transformam Friedrich em temas patrióticos. Ilustrando, inspirado no drama de Kleist, escreve "Tumba de Armínio"- uma paisagem com os túmulos de antigos heróis germânicos.

Friedrich era um mestre sutil de paisagens marítimas: “Ages”, “Moonrise over the Sea”, “Morte de “Nadezhda” no gelo”.

As últimas obras do artista - "Descanse no campo", "Grande pântano" e "Lembrando as montanhas gigantes", "Montanhas gigantes" - uma série de cadeias de montanhas e pedras em primeiro plano escureceram. Isso, aparentemente, é um retorno ao sentimento experimentado da vitória de uma pessoa sobre si mesma, a alegria da ascensão ao “topo do mundo”, o desejo de alturas brilhantes e inconquistadas. Os sentimentos do artista compõem de maneira especial essas massas montanhosas, e novamente se lê o movimento da escuridão dos primeiros passos para a luz futura. O pico da montanha ao fundo é destacado como o centro das aspirações espirituais do mestre. A imagem é muito associativa, como qualquer obra dos românticos, e envolve diferentes níveis de leitura e interpretação.

Friedrich é muito preciso no desenho, musicalmente harmonioso na construção rítmica de suas pinturas, nas quais tenta falar através das emoções da cor e dos efeitos de luz. “Muitos recebem pouco, poucos recebem muito. Cada um abre a alma da natureza de uma maneira diferente. Portanto, ninguém ousa transferir sua experiência e suas regras para outro como uma lei incondicional obrigatória. Ninguém é a medida de todos. Todo mundo carrega dentro de si uma medida apenas para si e para naturezas mais ou menos afins a si mesmo ”, esta reflexão do mestre prova a incrível integridade de sua vida interior e criatividade. A singularidade do artista é palpável apenas na liberdade de seu trabalho - o romântico Friedrich se apoia nisso.

Mais formal parece ser o afastamento dos artistas - "clássicos" - representantes do classicismo de outro ramo da pintura romântica na Alemanha - os nazarenos. Fundada em Viena e radicada em Roma (1809-1810), a “União de São Lucas” uniu os mestres com a ideia de reviver a arte monumental das questões religiosas. A Idade Média foi um período favorito da história para os românticos. Mas em sua busca artística, os nazarenos se voltaram para as tradições da pintura do início da Renascença na Itália e na Alemanha. Overbeck e Geforr foram os iniciadores de uma nova aliança, que mais tarde se juntou a Cornelius, J. Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Esse movimento dos nazarenos correspondia às suas próprias formas de oposição aos acadêmicos classicistas na França, Itália e Inglaterra. Por exemplo, na França, os chamados artistas “primitivos” surgiram da oficina de David, e na Inglaterra, os pré-rafaelitas. No espírito da tradição romântica, eles consideravam a arte a “expressão dos tempos”, o “espírito do povo”, mas suas preferências temáticas ou formais, que a princípio soavam como um slogan de unificação, depois de um tempo se tornaram nos mesmos princípios doutrinários que os da Academia, que eles negaram.

A arte do romantismo na França desenvolvidos de maneiras específicas. A primeira coisa que o distinguiu de movimentos semelhantes em outros países foi seu caráter ofensivo ativo (“revolucionário”). Poetas, escritores, músicos e artistas defenderam suas posições não apenas criando novas obras, mas também participando de polêmicas em revistas e jornais, o que os pesquisadores caracterizam como uma “batalha romântica”. Os famosos V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz e muitos outros escritores, compositores e jornalistas franceses “afiaram suas penas” em controvérsias românticas.

A pintura romântica na França surge como uma oposição à escola classicista de David, a arte acadêmica, referida como a “escola” em geral. Mas isso deve ser entendido em um sentido mais amplo: foi uma oposição à ideologia oficial da época reacionária, um protesto contra suas limitações pequeno-burguesas. Daí a patética natureza das obras românticas, a sua excitação nervosa, a atração por motivos exóticos, por tramas históricas e literárias, por tudo o que possa afastar a “obscuridade do quotidiano”, daí este jogo de imaginação e, por vezes, pelo contrário, devaneios e uma completa falta de atividade.

Os representantes da “escola”, os acadêmicos, rebelaram-se principalmente contra a linguagem dos românticos: sua excitada coloração quente, sua modelagem da forma, não aquela familiar aos “clássicos”, estatuária-plástica, mas construída sobre fortes contrastes de manchas de cor; seu design expressivo, recusando deliberadamente precisão e classicismo; sua composição ousada, às vezes caótica, desprovida de majestade e calma inabalável. Ingres, o inimigo implacável dos românticos, até o fim de sua vida disse que Delacroix "escreve com uma vassoura louca", e Delacroix acusou Ingres e todos os artistas da "escola" de frieza, racionalidade, falta de movimento, que eles não escrevem, mas "pintam" suas pinturas. Mas este não foi um simples confronto de duas personalidades brilhantes e completamente diferentes, foi uma luta entre duas visões de mundo artísticas diferentes.

Essa luta durou quase meio século, o romantismo na arte não venceu fácil e nem imediatamente, e o primeiro artista dessa tendência foi Theodore Géricault (1791-1824) - um mestre das formas monumentais heróicas, que combinou em seu trabalho tanto classicismo características e características do próprio romantismo e, finalmente, um poderoso início realista, que teve um enorme impacto na arte do realismo em meados do século XIX. Mas durante sua vida ele foi apreciado apenas por alguns amigos íntimos.

O nome de Theodore Zhariko está associado aos primeiros sucessos brilhantes do romantismo. Já em suas primeiras pinturas (retratos de militares, imagens de cavalos), os ideais antigos retrocederam diante da percepção direta da vida.

No salão em 1812 Géricault mostra uma foto "Oficial dos cavaleiros imperiais durante o ataque." Era o ano do apogeu da glória de Napoleão e do poder militar da França.

A composição da imagem apresenta o cavaleiro em uma perspectiva inusitada do momento “súbito” em que o cavalo empinou, e o cavaleiro, segurando a posição quase vertical do cavalo, virou-se para o espectador. A imagem de tal momento de instabilidade, a impossibilidade de postura potencializa o efeito do movimento. O cavalo tem um ponto de apoio, ele deve cair no chão, ferrar na luta que o trouxe a tal estado. Muito convergiu neste trabalho: a fé incondicional de Géricault na possibilidade de uma pessoa possuir seus próprios poderes, um amor apaixonado pela representação de cavalos e a coragem de um mestre noviço em mostrar o que só a música ou a linguagem da poesia podiam transmitir - a excitação de uma batalha, o início de um ataque, a tensão final das forças de uma criatura viva. O jovem autor construiu sua imagem na transmissão da dinâmica do movimento, e era importante para ele preparar o espectador para “pensar”, desenhar com “visão interior” e noção do que queria retratar.

As tradições dessa dinâmica da narrativa pictórica do romance na França praticamente não existiam, exceto talvez nos relevos dos templos góticos, porque quando Géricault chegou à Itália pela primeira vez, ficou impressionado com o poder oculto das composições de Michelangelo. “Eu tremi”, escreve ele, “duvidei de mim mesmo e por muito tempo não consegui me recuperar dessa experiência”. Mas Stendhal apontou Michelangelo como o precursor de uma nova tendência estilística na arte ainda mais cedo em seus artigos polêmicos.

A pintura de Géricault anunciava não apenas o nascimento de um novo talento artístico, mas também prestava homenagem à paixão e decepção do autor com as ideias de Napoleão. Existem vários outros trabalhos relacionados a este tema: Oficial Carabinieri”, “Oficial Cuirassier antes do ataque”, “Retrato de um carabinieri”, “Cuirassier ferido”.

No tratado “Reflexão sobre o estado da pintura na França”, ele escreve que “o luxo e as artes se tornaram... uma necessidade e, por assim dizer, alimento para a imaginação, que é a segunda vida de uma pessoa civilizada. .. Não sendo uma questão de primeira necessidade, as artes só aparecem quando as necessidades essenciais são satisfeitas e quando a abundância vem. Um homem, livre das preocupações cotidianas, começou a buscar prazeres para se livrar do tédio, que inevitavelmente o ultrapassaria em meio ao contentamento.

Tal compreensão do papel educacional e humanístico da arte foi demonstrada por Géricault após retornar da Itália em 1818 - ele começa a se dedicar à litografia, replicando uma variedade de tópicos, incluindo a derrota de Napoleão ( “Retorno da Rússia”).

Ao mesmo tempo, o artista se volta para a representação do naufrágio da fragata Meduza na costa da África, que agitou a sociedade da época. O desastre ocorreu por culpa de um capitão inexperiente, nomeado para o cargo sob patrocínio. Os passageiros sobreviventes do navio, o cirurgião Savigny e o engenheiro Correar, falaram detalhadamente sobre o acidente.

O navio moribundo conseguiu jogar fora a jangada, na qual um punhado de pessoas resgatadas chegou. Por doze dias eles foram carregados ao longo do mar revolto até encontrarem a salvação - o navio "Argus".

Géricault estava interessado na situação de tensão máxima da força espiritual e física humana. A pintura mostrava 15 passageiros sobreviventes em uma balsa quando viram o Argus no horizonte. “A Jangada da Medusa” foi o resultado de um longo trabalho preparatório do artista. Ele fez muitos esboços do mar revolto, retratos de pessoas resgatadas no hospital. A princípio, Géricault queria mostrar a luta das pessoas em uma jangada umas com as outras, mas depois se estabeleceu no comportamento heróico dos vencedores do elemento mar e da negligência do estado. As pessoas suportaram corajosamente o infortúnio, e a esperança da salvação não os deixou: cada grupo na jangada tem suas próprias características. Na construção da composição, Géricault escolhe um ponto de vista de cima, que lhe permitiu combinar a cobertura panorâmica do espaço (as distâncias do mar são visíveis) e retratar, aproximando todos os habitantes da jangada do primeiro plano. O movimento é construído sobre o contraste das figuras que jazem impotentes em primeiro plano e os impetuosos do grupo dando sinais ao navio que passa. A clareza do ritmo do crescimento da dinâmica de grupo para grupo, a beleza dos corpos nus, a cor escura da imagem dão uma certa nota de convencionalidade da imagem. Mas essa não é a essência da questão para o espectador perceptivo, para quem a convencionalidade da linguagem até ajuda a entender e sentir o principal: a capacidade de uma pessoa lutar e vencer. O oceano ruge. A vela está gemendo. As cordas estão tocando. A balsa estala. O vento empurra as ondas e rasga as nuvens negras em pedaços.

Não é a própria França, impelida pela tempestade da história? pensou Eugene Delacroix, ao lado da pintura. “A jangada da Medusa chocou Delacroix, ele chorou e, como um louco, saltou da oficina de Géricault, que visitava com frequência.

Tais paixões não conheciam a arte de Davi.

Mas a vida de Géricault terminou tragicamente cedo (ele estava em estado terminal depois de cair de um cavalo), e muitos de seus planos permaneceram inacabados.

A inovação de Géricault abriu novas oportunidades para transmitir o movimento que preocupava os românticos, os sentimentos subjacentes de uma pessoa, a expressividade textural colorida da imagem.

O herdeiro de Géricault em sua busca foi Eugene Delacroix. É verdade que Delacroix teve o dobro do tempo de vida e conseguiu não apenas provar a correção do romantismo, mas também abençoar a nova direção na pintura do 2º andar. século 19 - impressionismo.

Antes de começar a escrever por conta própria, Eugene estudou na escola Lerain: pintou da vida, copiou os grandes Rubens, Rembrandt, Veronese, Ticiano no Louvre ... O jovem artista trabalhava de 10 a 12 horas por dia. Lembrou-se das palavras do grande Michelangelo: “A pintura é uma amante ciumenta, exige a pessoa inteira…”

Delacroix, após as performances de demonstração de Géricault, estava bem ciente de que o tempo de fortes convulsões emocionais havia chegado na arte. Primeiro, ele tenta compreender uma nova era para ele por meio de tramas literárias conhecidas. Sua pintura "Dante e Virgílio", apresentado no salão de 1822, é uma tentativa através das imagens associativas históricas de dois poetas: a antiguidade - Virgílio e o Renascimento - Dante - de olhar para um caldeirão fervente, o "inferno" da era moderna. Uma vez em sua "Divina Comédia", Dante tomou as terras de Virgílio como escolta em todas as esferas (céu, inferno, purgatório). Na obra de Dante, um novo mundo renascentista surgiu ao vivenciar a memória da antiguidade na Idade Média. Símbolo do romântico como síntese da antiguidade, o Renascimento e a Idade Média surgiram no “horror” das visões de Dante e Virgílio. Mas a complexa alegoria filosófica acabou sendo uma boa ilustração emocional da era pré-renascentista e uma obra-prima literária imortal.

Delacroix tentará encontrar uma resposta direta no coração de seus contemporâneos através de sua própria dor. Os jovens daquela época, ardendo de liberdade e ódio pelos opressores, simpatizam com a guerra de libertação da Grécia. O romântico bardo da Inglaterra, Byron, vai lá lutar. Delacroix vê o significado da nova era na representação de um evento histórico mais específico - a luta e o sofrimento da Grécia amante da liberdade. Ele se detém na trama da morte da população da ilha grega de Quios, capturada pelos turcos. No Salão de 1824, Delacroix mostra uma pintura "Massacre na ilha de Chios". contra o pano de fundo de uma extensão infinita de terreno montanhoso. Que ainda grita da fumaça dos incêndios e da batalha incessante, o artista mostra vários grupos de mulheres e crianças feridas e exaustas. Eles tiveram os últimos minutos de liberdade antes da aproximação dos inimigos. O turco em um cavalo empinado à direita parece pairar sobre todo o primeiro plano e a multidão de sofredores que estão lá. Corpos lindos, rostos de gente cativada. A propósito, Delacroix escreverá mais tarde que a escultura grega foi transformada por artistas em hieróglifos que escondiam a verdadeira beleza grega do rosto e da figura. Mas, revelando a “beleza da alma” nos rostos dos gregos derrotados, o pintor dramatiza tanto os acontecimentos que, para manter um único ritmo dinâmico de tensão, vai à deformação dos ângulos da figura. Esses "erros" já foram "resolvidos" pela obra de Géricault, mas Delacroix mais uma vez demonstra o credo romântico de que a pintura "não é a verdade de uma situação, mas a verdade de um sentimento".

Em 1824, Delacroix perdeu seu amigo e professor, Géricault. E ele se tornou o líder da nova pintura.

Anos se passaram. Uma a uma, as fotos foram aparecendo: “Grécia nas ruínas de Missalunga”, “Morte de Sardanapalus” e outros.O artista tornou-se um pária nos círculos oficiais da pintura. Mas a Revolução de Julho de 1830 mudou a situação. Ela inflama o artista com o romance de vitórias e realizações. Ele pinta um quadro "Liberdade nas Barricadas".

Em 1831, no Salão de Paris, os franceses viram pela primeira vez a pintura de Eugene Delacroix "Liberdade nas Barricadas", dedicada aos "três dias gloriosos" da Revolução de Julho de 1830. A tela impressionou os contemporâneos com o poder, a democracia e a coragem da decisão artística. Segundo a lenda, um respeitável burguês exclamou: “Você diz - o chefe da escola? Diga-me melhor - o chefe da rebelião! Após o fechamento do Salão, o governo, assustado com o formidável e inspirador apelo que emanava da pintura, apressou-se em devolvê-la ao autor. Durante a revolução de 1848, foi novamente exposto ao público no Palácio de Luxemburgo. E novamente voltou para o artista. Somente depois que a tela foi exibida na Exposição Mundial de Paris em 1855, ela foi parar no Louvre. Uma das melhores criações do romantismo francês é mantida aqui até hoje - um relato inspirado de testemunha ocular e um monumento eterno à luta do povo por sua liberdade.

Que linguagem artística o jovem romântico francês encontrou para fundir esses dois princípios aparentemente opostos - uma generalização ampla e abrangente e uma realidade concreta cruel em sua nudez?

Paris dos famosos dias de julho de 1830. Ar saturado de fumaça cinza e poeira. Uma cidade linda e majestosa, desaparecendo em uma névoa de pó. Ao longe, quase imperceptíveis, mas orgulhosamente erguem-se as torres da Catedral de Notre Dame - um símbolo da história, da cultura e do espírito do povo francês. Dali, da cidade enfumaçada, sobre as ruínas das barricadas, sobre os cadáveres dos camaradas mortos, os insurgentes teimosa e resolutamente avançam. Cada um deles pode morrer, mas o passo dos rebeldes é inabalável - eles são inspirados pela vontade de vencer, de liberdade.

Essa força inspiradora está encarnada na imagem de uma bela jovem, em uma explosão apaixonada que a chama. Com energia inesgotável, rapidez de movimento livre e juvenil, ela é como uma deusa grega

Nick vence. Sua figura forte está vestida com um vestido de chiton, seu rosto com traços perfeitos, com olhos ardentes, está voltado para os rebeldes. Em uma mão ela segura a bandeira tricolor da França, na outra - uma arma. Na cabeça há um boné frígio - um antigo símbolo de libertação da escravidão. Seu passo é rápido e leve - é assim que as deusas andam. Ao mesmo tempo, a imagem de uma mulher é real - ela é filha do povo francês. Ela é a força orientadora por trás do movimento do grupo nas barricadas. Dele, como de uma fonte de luz no centro da energia, irradiam raios, carregados de sede e vontade de vencer. Aqueles que estão próximos a ele, cada um à sua maneira, expressam seu envolvimento neste chamado inspirador e inspirador.

À direita está um menino, um gamen parisiense, brandindo pistolas. Ele está mais próximo da Liberdade e, por assim dizer, inflamado por seu entusiasmo e alegria de livre impulso. Em um movimento rápido e impaciente de menino, ele está até um pouco à frente de seu inspirador. Este é o antecessor do lendário Gavroche, retratado vinte anos depois por Victor Hugo no romance Os Miseráveis: “Gavroche, cheio de inspiração, radiante, assumiu a tarefa de colocar tudo em movimento. Ele correu para frente e para trás, ele subiu, ele desceu

para baixo, levantou-se novamente, farfalhando, brilhando de alegria. Parece que ele veio aqui para animar a todos. Ele tinha algum motivo para isso? Sim, claro, sua pobreza. Ele tinha asas? Sim, claro, sua alegria. Foi uma espécie de turbilhão. Parecia encher o ar consigo mesmo, estando presente em todos os lugares ao mesmo tempo... Enormes barricadas o sentiam em sua espinha dorsal.

Gavroche na pintura de Delacroix é a personificação da juventude, um "belo impulso", uma aceitação alegre da brilhante ideia de Liberdade. Duas imagens - Gavroche e Liberty - parecem se complementar: uma é um fogo, a outra é uma tocha acesa. Heinrich Heine contou que resposta animada a figura de Gavroche evocou entre os parisienses. "Inferno! exclamou um merceeiro. "Aqueles meninos lutaram como gigantes!"

À esquerda está um estudante com uma arma. Anteriormente, era visto como um autorretrato do artista. Este rebelde não é tão rápido quanto Gavroche. Seu movimento é mais contido, mais concentrado, significativo. As mãos apertam com confiança o cano da arma, o rosto expressa coragem, firme determinação de permanecer até o fim. Esta é uma imagem profundamente trágica. O estudante está ciente da inevitabilidade das perdas que os rebeldes sofrerão, mas as vítimas não o assustam - a vontade de liberdade é mais forte. Atrás dele está um trabalhador igualmente corajoso e resoluto com um sabre. Ferido aos pés da Liberdade. Ele se levanta com dificuldade para olhar novamente para a Liberdade, para ver e sentir com todo o coração aquela beleza pela qual está morrendo. Esta figura traz um começo agudamente dramático ao som da tela de Delacroix. Se as imagens de Gavroche, Liberty, o estudante, o trabalhador - quase símbolos, a personificação da vontade inflexível dos combatentes da liberdade - inspiram e chamam o espectador, então o homem ferido clama por compaixão. O homem se despede da Liberdade, se despede da vida. Ele ainda é um impulso, um movimento, mas já um impulso desvanecido.

Sua figura é transitória. O olhar do espectador, ainda fascinado e arrebatado pela determinação revolucionária dos rebeldes, desce ao pé da barricada, coberto com os corpos dos gloriosos soldados mortos. A morte é apresentada pelo artista em toda a nudez e evidência do fato. Vemos os rostos azuis dos mortos, seus corpos nus: a luta é impiedosa, e a morte é uma companheira tão inevitável dos rebeldes quanto a bela inspiradora Liberdade.

Mas não exatamente igual! Da visão terrível na borda inferior da imagem, novamente levantamos nossos olhos e vemos uma bela figura jovem - não! a vida vence! A ideia de liberdade, encarnada de forma tão visível e tangível, é tão focada no futuro que a morte em seu nome não é terrível.

O artista retrata apenas um pequeno grupo de rebeldes, vivos e mortos. Mas os defensores da barricada parecem extraordinariamente numerosos. A composição é construída de tal forma que o grupo de lutadores não é limitado, não fechado em si mesmo. Ela é apenas parte de uma avalanche interminável de pessoas. O artista dá, por assim dizer, um fragmento do grupo: a moldura do quadro corta as figuras da esquerda, da direita e de baixo.

Normalmente a cor nas obras de Delacroix adquire um som emocional, desempenha um papel dominante na criação de um efeito dramático. As cores, às vezes furiosas, às vezes desbotadas, abafadas, criam uma atmosfera tensa. Em Liberty at the Barricades, Delacroix parte desse princípio. Com muita precisão, escolhendo inconfundivelmente a tinta, aplicando-a com traços largos, o artista transmite a atmosfera da batalha.

Mas a gama de cores é restrita. Delacroix se concentra na modelagem em relevo da forma. Isso foi exigido pela solução figurativa da imagem. Afinal, retratando um evento específico de ontem, o artista também criou um monumento a esse evento. Portanto, as figuras são quase esculturais. Portanto, cada personagem, fazendo parte de um todo único da imagem, também constitui algo fechado em si mesmo, representa um símbolo lançado em uma forma completa. Portanto, a cor não afeta apenas emocionalmente os sentimentos do espectador, mas carrega uma carga simbólica. Aqui e ali, uma tríade solene de vermelho, azul e branco pisca no espaço marrom-acinzentado - as cores da bandeira da Revolução Francesa de 1789. A repetição repetida dessas cores sustenta o poderoso acorde da bandeira tricolor sobre as barricadas.

A pintura de Delacroix "Liberdade nas Barricadas" é uma obra complexa e grandiosa em seu escopo. Aqui se combinam a autenticidade do fato visto diretamente e o simbolismo das imagens; realismo, chegando ao naturalismo brutal e beleza ideal; áspero, terrível e sublime, puro.

A pintura “Liberdade nas Barricadas” consolidou a vitória do romantismo na pintura francesa. Nos anos 30, mais duas pinturas históricas: "Batalha de Poitiers" e "O Assassinato do Bispo de Liège".

Em 1822 o artista visitou o norte da África, Marrocos, Argélia. A viagem causou-lhe uma impressão indelével. Nos anos 50, aparecem pinturas em sua obra, inspiradas nas lembranças dessa jornada: ”Caça aos leões”, “Marroquino selando um cavalo” e outras cores contrastantes brilhantes criam um som romântico para essas pinturas. Neles, aparece a técnica do traço largo.

Delacroix, como romântico, registrou o estado de sua alma não apenas na linguagem das imagens pictóricas, mas também na forma literária de seus pensamentos. Descreveu bem o processo de criação do artista romântico, seus experimentos em cores, reflexões sobre a relação entre música e outras formas de arte. Seus diários tornaram-se a leitura favorita dos artistas das gerações subsequentes.

A escola romântica francesa fez progressos significativos no campo da escultura (Rud e seu relevo Marselhesa), pintura de paisagem (Camille Corot com suas imagens da natureza da França ao ar livre).

Graças ao romantismo, a visão subjetiva pessoal do artista toma a forma de uma lei. O impressionismo destruirá completamente a barreira entre o artista e a natureza, declarando a arte uma impressão. Os românticos falam da fantasia do artista, "a voz de seus sentimentos", que lhe permite interromper o trabalho quando o mestre o considera necessário, e não conforme exigido pelos padrões acadêmicos de completude.

Se as fantasias de Géricault centravam-se na transmissão do movimento, Delacroix no poder mágico da cor, e os alemães acrescentavam a isso um certo “espírito da pintura”, então Espanhol Os românticos na pessoa de Francisco Goya (1746-1828) mostraram as origens folclóricas do estilo, seu caráter fantasmagórico e grotesco. O próprio Goya e seu trabalho parecem longe de qualquer estrutura estilística, especialmente porque o artista muitas vezes teve que seguir as leis do material da performance (quando, por exemplo, ele fez pinturas para tapetes de treliça) ou as exigências do cliente.

Sua fantasmagoria veio à tona em séries de gravuras “Caprichos” (1797-1799),"Desastres de Guerra" (1810-1820),“Disparantes (“Follies”)(1815-1820), os murais da "Casa dos Surdos" e a Igreja de San Antonio de la Florida em Madrid (1798). Doença grave em 1792. levou à surdez completa do artista. A arte do mestre após sofrer um trauma físico e espiritual torna-se mais concentrada, pensativa, internamente dinâmica. O mundo exterior, fechado devido à surdez, ativou a vida espiritual interior de Goya.

Em gravuras “Caprichos” Goya alcança força excepcional na transferência de reações instantâneas, sentimentos impetuosos. O desempenho em preto e branco, graças à combinação ousada de grandes manchas, a ausência de linearidade característica dos gráficos, adquire todas as propriedades de uma pintura.

Murais da Igreja de Santo Antônio em Madri Goya cria, ao que parece, em um só fôlego. O temperamento do traço, o laconismo da composição, a expressividade das características dos personagens, cujo tipo é tomado por Goya diretamente da multidão, são surpreendentes. O artista retrata o milagre de Anthony da Flórida, que fez o homem assassinado ressuscitar e falar, que nomeou o assassino e, assim, salvou da execução o inocente condenado. O dinamismo da multidão que reage brilhantemente é transmitido por Goya tanto nos gestos quanto nas expressões faciais dos rostos retratados. No esquema composicional da distribuição das pinturas no espaço da igreja, o pintor segue Tiepolo, mas a reação que ele evoca no espectador não é barroca, mas puramente romântica, afetando o sentimento de cada espectador, chamando-o a se voltar para ele mesmo.

Acima de tudo, esse objetivo é alcançado na pintura do Conto del Sordo (“Casa dos Surdos”), em que Goya viveu desde 1819. As paredes dos quartos são cobertas com quinze composições de natureza fantástica e alegórica. Percebê-los requer profunda empatia. As imagens surgem como uma espécie de visões de cidades, mulheres, homens, etc. A cor, piscando, puxa uma figura, depois outra. A pintura como um todo é escura, é dominada por manchas brancas, amarelas, vermelho-rosadas, flashes de sentimentos perturbadores. As gravuras da série "Disparantes" .

Goya passou os últimos 4 anos na França. É improvável que ele soubesse que Delacroix não se separava de seus "Caprichos". E não podia prever como Hugo e Baudelaire se deixariam levar por essas gravuras, que grande influência teria sua pintura sobre Manet, e como nos anos 80 do século XIX. V. Stasov convidará artistas russos para estudar seus "Desastres da Guerra"

Mas nós, diante disso, sabemos o enorme impacto que essa arte “sem estilo” de um ousado realista e inspirado romântico teve na cultura artística dos séculos XIX e XX.

O fantástico mundo dos sonhos também é realizado em suas obras do artista romântico inglês William Blake (1757-1827). Inglaterra foi um país clássico da literatura romântica. Byron. Shelley tornou-se a bandeira deste movimento muito além da "nebulosa Albion". Na França, na crítica da revista à época das “batalhas românticas”, os românticos eram chamados de “shakespearianos”. A principal característica da pintura inglesa sempre foi o interesse pela personalidade humana, o que permitiu o desenvolvimento do gênero retrato. O romantismo na pintura está intimamente relacionado ao sentimentalismo. O interesse romântico na Idade Média gerou uma grande literatura histórica. O mestre reconhecido de que é V. Scott. Na pintura, o tema da Idade Média determinou o aparecimento dos chamados Perafaelitas.

William Blake é um tipo incrível de romântico na cena cultural inglesa. Ele escreve poesia, ilustra seus próprios e outros livros. Seu talento procurou abraçar e expressar o mundo em uma unidade holística. Suas obras mais famosas são ilustrações para o bíblico "Livro de Jó", "A Divina Comédia" de Dante, "Paraíso Perdido" de Milton. Ele povoa suas composições com figuras titânicas de heróis, que correspondem ao seu entorno de um mundo irreal iluminado ou fantasmagórico. Uma sensação de orgulho rebelde ou harmonia, difícil de criar a partir de dissonâncias, domina suas ilustrações.

As gravuras de paisagem para as "Pastorais" do poeta romano Virgílio parecem um pouco diferentes - são mais idílicamente românticas do que suas obras anteriores.

O romantismo de Blake está tentando encontrar sua própria fórmula artística e forma de existência do mundo.

William Blake, tendo vivido uma vida de extrema pobreza e obscuridade, após sua morte foi classificado entre os clássicos da arte inglesa.

Na obra de pintores paisagistas ingleses do início do século XIX. hobbies românticos são combinados com uma visão mais objetiva e sóbria da natureza.

Paisagens romanticamente elevadas são criadas por William Turner (1775-1851). Ele gostava de retratar tempestades, aguaceiros, tempestades no mar, pôr do sol brilhante e ardente. Turner muitas vezes exagerava os efeitos da iluminação e intensificava o som da cor mesmo quando pintava o estado calmo da natureza. Para maior efeito, utilizou a técnica de aquarela e aplicou tinta a óleo em camada bem fina e pintou diretamente no chão, conseguindo transbordamentos iridescentes. Um exemplo é a imagem “Chuva, vapor e velocidade”(1844). Mas mesmo o conhecido crítico da época, Thackeray, não conseguiu entender corretamente, talvez, a imagem mais inovadora tanto em design quanto em execução. “A chuva é indicada por manchas de massa de vidraceiro sujas”, escreveu ele, “espalhados na tela com uma espátula, a luz do sol com um brilho opaco rompe pedaços muito grossos de cromo amarelo sujo. As sombras são transmitidas por tons frios de kraplak escarlate e manchas de cinábrio de tons suaves. E embora o fogo na fornalha da locomotiva pareça vermelho, não pretendo afirmar que não seja pintado com cor de cabalto ou ervilha. Outro crítico encontrou na coloração de Turner a cor de "ovos mexidos e espinafre". As cores do falecido Turner geralmente pareciam completamente impensáveis ​​e fantásticas para os contemporâneos. Levou mais de um século para ver neles o grão de observações reais. Mas, como em outros casos, foi aqui. Um curioso relato de uma testemunha ocular, ou melhor, uma testemunha do nascimento de “Chuva, vapor e velocidade”, foi preservado. Uma certa Sra. Simone estava viajando em um compartimento do Western Express com um senhor idoso sentado à sua frente. Ele pediu permissão para abrir a janela, enfiou a cabeça na chuva torrencial e permaneceu nessa posição por algum tempo. Quando ele finalmente fechou a janela. A água escorria dele em córregos, mas ele fechou os olhos alegremente e se recostou, claramente apreciando o que acabara de ver. Uma jovem curiosa decidiu experimentar seus sentimentos por si mesma - ela também colocou a cabeça para fora da janela. Também se molhou. Mas tive uma impressão inesquecível. Imagine sua surpresa quando, um ano depois, em uma exposição em Londres, ela viu Rain, Steam and Speed. Alguém atrás dela comentou criticamente: “Extremamente típico de Turner, certo. Ninguém jamais viu tal mistura de absurdos.” E ela, incapaz de se conter, disse: "Eu vi".

Talvez esta seja a primeira imagem de um trem na pintura. o ponto de vista é tomado de algum lugar acima, o que possibilitou uma ampla cobertura panorâmica. O Western Express sobrevoa a ponte a uma velocidade absolutamente excepcional para a época (superior a 150 km por hora). Além disso, esta é provavelmente a primeira tentativa de retratar a luz através da chuva.

Arte inglesa de meados do século XIX. desenvolvido em uma direção completamente diferente da pintura de Turner. Embora sua habilidade fosse geralmente reconhecida, nenhum dos jovens o seguiu.

Turner tem sido considerado um precursor do impressionismo. Parece que foram os artistas franceses que deveriam ter desenvolvido ainda mais sua busca pela cor da luz. Mas esse não é o caso. Essencialmente, a influência de Turner sobre os impressionistas remonta a From Delacroix to Neo-Impressionism, de Paul Signac, publicado em 1899, onde ele descreveu como "em 1871, durante sua longa estadia em Londres, Claude Manet e Camille Pissarro descobriram Turner. Maravilharam-se com a qualidade confiante e mágica de suas cores, estudaram seu trabalho, analisaram sua técnica. A princípio, eles ficaram surpresos com seu retrato de neve e gelo, chocados com a maneira como ele conseguia transmitir uma sensação da brancura da neve, que eles mesmos não conseguiam, com grandes manchas de branco prateado espalhadas com pinceladas largas. . Eles viram que essa impressão não havia sido alcançada apenas com cal. E uma massa de traços multicoloridos. Infligidos um ao lado do outro, o que produzia essa impressão, se você os olhar de longe.

Durante esses anos, Signac estava procurando por toda parte a confirmação de sua teoria do pontilhismo. Mas em nenhuma das pinturas de Turner, que os artistas franceses puderam ver na Galeria Nacional em 1871, há a técnica do pontilhismo descrita por Signac, nem há “grandes manchas de branco”. mais forte em 1870 -e, e na década de 1890.

Turner foi estudado com mais cuidado por Paul Signac - não apenas como um precursor do impressionismo, sobre o qual ele escreveu em seu livro, mas também como um grande artista inovador. Sobre as pinturas tardias de Turner "Chuva, vapor e velocidade", "Exílio", "Manhã" e "Noite do dilúvio", Signac escreveu a seu amigo Angrand: belo sentido da palavra."

A avaliação entusiástica de Signac marcou o início da compreensão moderna da busca pictórica de Turner. Mas nos últimos anos, às vezes acontece que eles não levam em conta o subtexto e a complexidade das direções de sua busca, selecionando unilateralmente exemplos das “pinturas de fundo” realmente inacabadas de Turner, tentando descobrir nele o antecessor do impressionismo.

Dos artistas mais recentes, tudo sugere naturalmente uma comparação com Monet, que reconheceu a influência de Turner sobre ele. Existe até um enredo que é absolutamente semelhante em ambos - a saber, o portal ocidental da Catedral de Rouen. Mas se Monet nos dá um estudo da iluminação solar do edifício, ele não nos dá o gótico, mas algum tipo de modelo nu, Turner entende por que o artista, completamente absorvido pela natureza, se interessou por esse tema - em sua imagem é justamente a combinação da grandiosidade avassaladora do todo e do infinito que atinge uma variedade de detalhes que aproxima as criações da arte gótica das obras da natureza.

A natureza especial da cultura inglesa e da arte romântica abriu a possibilidade do surgimento do primeiro artista plein air, que lançou as bases para a imagem leve da natureza no século XIX, John Constable (1776-1837). O inglês Constable elege a paisagem como gênero principal de sua pintura: “O mundo é grande; não há dois dias iguais, nem duas horas iguais; Desde a criação do mundo, não há duas folhas iguais em uma árvore, e todas as obras de arte genuínas, como as criações da natureza, diferem umas das outras”, disse ele.

O policial pintou grandes esboços a óleo ao ar livre com uma observação sutil dos diferentes estados da natureza, neles ele foi capaz de transmitir a complexidade da vida interior da natureza e sua vida cotidiana. (“Vista de Highgate de Hempstead Hills”, OK. 1834; "carrinho de feno" 1821; “Detham Valley”, cerca de 1828) conseguiu isso com a ajuda de técnicas de escrita. Pintou com pinceladas móveis, às vezes grossas e ásperas, às vezes mais suaves e transparentes. Os impressionistas chegariam a isso apenas no final do século. A pintura inovadora de Constable influenciou as obras de Delacroix, bem como todo o desenvolvimento da paisagem francesa.

A arte de Constable, assim como muitos aspectos da obra de Géricault, marcaram o surgimento de uma tendência realista na arte européia do século XIX, que se desenvolveu inicialmente em paralelo com o romantismo. Mais tarde, seus caminhos divergiram.

Os românticos abrem o mundo da alma humana, individual, diferente de qualquer outra pessoa, mas sincera e, portanto, próxima de toda visão sensual do mundo. A instantaneidade da imagem na pintura, como dizia Gelacroix, e não sua consistência na performance literária, determinava o foco dos artistas na transmissão mais complexa do movimento, para o qual novas soluções formais e colorísticas foram encontradas. O romantismo deixou um legado da segunda metade do século XIX. todos esses problemas e a individualidade artística liberada das regras do academismo. O símbolo, que entre os românticos deveria expressar a combinação essencial de ideia e vida, na arte da segunda metade do século XIX. dissolve-se na polifonia da imagem artística, captando a diversidade de ideias e do mundo envolvente.

b) Música

A ideia de síntese artística encontrou expressão na ideologia e na prática do romantismo. O romantismo na música tomou forma nos anos 20 do século XIX sob a influência da literatura do romantismo e desenvolveu-se em estreita ligação com ela, com a literatura em geral (recorrendo a gêneros sintéticos, principalmente ópera, canção, miniaturas instrumentais e programação musical). O apelo ao mundo interior de uma pessoa, característico do romantismo, se expressava no culto do subjetivo, a ânsia pelo emocionalmente intenso, que determinava a primazia da música e da letra no romantismo.

Música da 1ª metade do século XIX. evoluiu rapidamente. Surgiu uma nova linguagem musical; na música instrumental e vocal de câmara, a miniatura recebeu um lugar especial; a orquestra soava com um espectro diversificado de cores; as possibilidades do piano e do violino foram reveladas de uma nova maneira; a música dos românticos era muito virtuosa.

O romantismo musical se manifestou em diversos ramos associados a diferentes culturas nacionais e a diversos movimentos sociais. Assim, por exemplo, o estilo íntimo e lírico dos românticos alemães e o pathos civil "oratório", característico da obra dos compositores franceses, diferem significativamente. Por sua vez, representantes de novas escolas nacionais que surgiram a partir de um amplo movimento de libertação nacional (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), bem como representantes da escola de ópera italiana, intimamente associada ao movimento Risorgimento (Verdi, Bellini), em muitos aspectos diferem dos contemporâneos na Alemanha, Áustria ou França, em particular, a tendência de preservar as tradições clássicas.

No entanto, todos eles são marcados por alguns princípios artísticos gerais que nos permitem falar de uma única estrutura romântica de pensamento.

Devido à capacidade especial da música de revelar de forma profunda e penetrante o rico mundo das experiências humanas, ela foi colocada em primeiro lugar entre outras artes pela estética romântica. Muitos românticos enfatizavam um início intuitivo da música, atribuindo-lhe a propriedade de expressar o “incognoscível”. A obra de destacados compositores românticos tinha uma forte base realista. O interesse pela vida das pessoas comuns, a plenitude da vida e a verdade dos sentimentos, a confiança na música da vida cotidiana determinaram o realismo do trabalho dos melhores representantes do romantismo musical. Tendências reacionárias (misticismo, fuga da realidade) são inerentes apenas a um número relativamente pequeno de obras de românticos. Eles apareceram em parte na ópera Euryanta de Weber (1823), em alguns dramas musicais de Wagner, oratório Cristo de Liszt (1862), etc.

No início do século 19, estudos fundamentais de folclore, história, literatura antiga apareceram, lendas medievais, arte gótica e a cultura do Renascimento que havia sido esquecida foram ressuscitadas. Foi nessa época que muitas escolas nacionais de um tipo especial se desenvolveram na obra do compositor da Europa, destinadas a expandir significativamente as fronteiras da cultura europeia comum. russo, que logo conquistou, se não o primeiro, um dos primeiros lugares na criatividade cultural mundial (Glinka, Dargomyzhsky, "Kuchkists", Tchaikovsky), polonês (Chopin, Moniuszko), tcheco (Sour Cream, Dvorak), húngaro ( List), depois norueguês (Grieg), espanhol (Pedrel), finlandês (Sibelius), inglês (Elgar) - todos eles, fundindo-se no mainstream geral da criatividade do compositor na Europa, de forma alguma se opuseram às tradições antigas estabelecidas . Surgiu um novo círculo de imagens, expressando os traços nacionais únicos da cultura nacional a que o compositor pertencia. A estrutura de entonação da obra permite que você reconheça instantaneamente de ouvido pertencente a uma determinada escola nacional.

Os compositores envolvem na linguagem musical europeia comum as reviravoltas entoacionais do folclore antigo, principalmente camponês, de seus países. Eles, por assim dizer, limparam a música folclórica russa da ópera laqueada, introduziram no sistema de entonação cosmopolita das canções do século XVIII de gêneros folclóricos cotidianos. O fenômeno mais marcante na música do romantismo, que é percebido de forma especialmente vívida quando comparado com a esfera figurativa do classicismo, é o domínio do princípio lírico-psicológico. Claro, uma característica distintiva da arte musical em geral é a refração de qualquer fenômeno através da esfera dos sentimentos. A música de todas as épocas está sujeita a esse padrão. Mas os românticos superaram todos os seus antecessores no valor do início lírico em sua música, na força e perfeição em transmitir as profundezas do mundo interior de uma pessoa, os tons mais sutis de humor.

O tema do amor ocupa um lugar dominante nele, porque é esse estado de espírito que reflete de forma mais abrangente e completa todas as profundezas e nuances da psique humana. Mas é altamente característico que esse tema não se limite aos motivos do amor no sentido literal da palavra, mas se identifique com a mais ampla gama de fenômenos. As experiências puramente líricas dos personagens são reveladas tendo como pano de fundo um amplo panorama histórico. O amor de uma pessoa por seu lar, por sua pátria, por seu povo, percorre como um fio a obra de todos os compositores românticos.

Um grande lugar é dado em obras musicais de pequenas e grandes formas à imagem da natureza, estreita e inextricavelmente entrelaçada com o tema da confissão lírica. Como as imagens do amor, a imagem da natureza personifica o estado de espírito do herói, tantas vezes colorido por uma sensação de desarmonia com a realidade.

O tema da fantasia muitas vezes concorre com imagens da natureza, que provavelmente são geradas pelo desejo de escapar do cativeiro da vida real. Típica para os românticos era a busca por um maravilhoso, cintilante com a riqueza de cores do mundo, oposto ao cinza do cotidiano. Foi durante esses anos que a literatura foi enriquecida com contos de fadas, baladas de escritores russos. Entre os compositores da escola romântica, imagens fabulosas, fantásticas adquirem um colorido único nacional. As baladas são inspiradas em escritores russos e, graças a isso, são criadas obras de um plano grotesco fantástico, simbolizando, por assim dizer, o lado errado da fé, lutando para reverter as ideias de medo das forças do mal.

Muitos compositores românticos também atuaram como escritores e críticos de música (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt, etc.). O trabalho teórico de representantes do romantismo progressista deu uma contribuição muito significativa para o desenvolvimento das questões mais importantes da arte musical. O romantismo também encontrou expressão nas artes cênicas (o violinista Paganini, o cantor A. Nurri e outros).

O significado progressivo do Romantismo neste período reside principalmente na atividade Franz Liszt. A obra de Liszt, apesar da visão de mundo contraditória, era basicamente progressiva, realista. Um dos fundadores e clássicos da música húngara, um notável artista nacional.

Temas nacionais húngaros são amplamente refletidos em muitas das obras de Liszt. As composições românticas e virtuosas de Liszt expandiram as possibilidades técnicas e expressivas de tocar piano (concertos, sonatas). Significativas foram as conexões de Liszt com representantes da música russa, cujas obras ele promoveu ativamente.

Ao mesmo tempo, Liszt desempenhou um grande papel no desenvolvimento da arte musical mundial. Depois de Liszt, “tudo se tornou possível para o pianoforte”. As características de sua música são a improvisação, a exaltação romântica dos sentimentos, a melodia expressiva. Liszt é valorizado como compositor, intérprete, figura musical. Principais obras do compositor: ópera “ Dom Sancho ou o castelo do amor”(1825), 13 poemas sinfônicos” Tasso ”, ” Prometeu ”, “Aldeia” e outros, obras para orquestra, 2 concertos para piano e orquestra, 75 romances, coros e outras obras igualmente conhecidas.

Uma das primeiras manifestações do romantismo na música foi a criatividade Franz Schubert(1797-1828). Schubert entrou na história da música como o maior dos fundadores do romantismo musical e o criador de uma série de novos gêneros: sinfonia romântica, miniatura de piano, canção lírico-romântica (romance). O mais importante em seu trabalho é música, em que mostrou especialmente muitas tendências inovadoras. Nas canções de Schubert, o mundo interior de uma pessoa é mais profundamente revelado, sua conexão característica com a música folclórica é mais perceptível, uma das características mais significativas de seu talento é mais manifestada - a incrível variedade, beleza, charme das melodias. As melhores músicas do período inicial são “ Margarita na roda de fiar ”(1814) , “rei da floresta". Ambas as canções são escritas com as palavras de Goethe. No primeiro deles, a menina abandonada lembra de sua amada. Ela está solitária e sofrendo profundamente, sua música é triste. Uma melodia simples e sincera é ecoada apenas pelo zumbido monótono da brisa. "O Rei da Floresta" é uma obra complexa. Esta não é uma canção, mas sim uma cena dramática onde três personagens aparecem diante de nós: um pai cavalgando pela floresta, uma criança doente que ele carrega consigo e um formidável rei da floresta que aparece para um menino em delírio febril. Cada um deles tem sua própria linguagem melódica. As canções de Schubert "Trout", "Barcarolle", "Morning Serenade" não são menos famosas e amadas. Escritas em anos posteriores, essas músicas são notáveis ​​por sua melodia surpreendentemente simples e expressiva e cores frescas.

Schubert também escreveu dois ciclos de canções - “ belo moleiro"(1823), e" caminho de inverno”(1872) - nas palavras do poeta alemão Wilhelm Müller. Em cada uma delas, as canções estão unidas por um enredo. As músicas do ciclo “The Beautiful Miller’s Woman” falam sobre um menino. Seguindo o curso do riacho, ele parte em uma jornada em busca de sua felicidade. A maioria das músicas deste ciclo tem um caráter leve. O clima do ciclo “Winter Way” é completamente diferente. Um jovem pobre é rejeitado por uma noiva rica. Em desespero, ele deixa sua cidade natal e vai vagar pelo mundo. Seus companheiros são o vento, uma nevasca, um corvo ameaçador.

Os poucos exemplos dados aqui nos permitem falar sobre as características da composição de Schubert.

Schubert adorava escrever música de piano. Para este instrumento, ele escreveu um grande número de obras. Como as músicas, suas obras para piano eram próximas da música cotidiana e igualmente simples e compreensíveis. Os gêneros favoritos de suas composições foram danças, marchas e nos últimos anos de sua vida - improvisados.

Valsas e outras danças geralmente apareciam nos bailes de Schubert, em passeios pelo campo. Lá ele os improvisou e os gravou em casa.

Se compararmos as peças para piano de Schubert com suas canções, podemos encontrar muitas semelhanças. Em primeiro lugar, é uma grande expressividade melódica, graça, justaposição colorida de maior e menor.

Um dos maiores Francês compositores da segunda metade do século XIX Georges Bizet, o criador de uma criação imortal para o teatro musical - óperas “Carmem”e música maravilhosa para o drama de Alphonse Daudet“ arlesiano ”.

O trabalho de Bizet é caracterizado pela precisão e clareza de pensamento, novidade e frescor de meios expressivos, completude e elegância de forma. Bizet caracteriza-se pela agudeza da análise psicológica na compreensão dos sentimentos e ações humanas, característica da obra dos grandes compatriotas do compositor - os escritores Balzac, Flaubert, Maupassant. O lugar central na obra de Bizet, diversa em gêneros, é a ópera. A arte operística do compositor surgiu em solo nacional e foi alimentada pelas tradições da ópera francesa. Bizet considerou como primeira tarefa em sua obra superar as restrições de gênero existentes na ópera francesa, que dificultam seu desenvolvimento. A ópera “grande” parece-lhe um gênero morto, a ópera lírica irrita com seu choro e estreiteza pequeno-burguesa, o cômico merece atenção mais do que outros. Pela primeira vez na ópera de Bizet, aparecem cenas domésticas e de massa suculentas e animadas, antecipando a vida e cenas vívidas.

Música de Bizet para o drama de Alphonse Daudet “Arlesiano” é conhecida principalmente por duas suítes de concertos compostas por seus melhores números. Bizet usou algumas melodias provençais autênticas : “Marcha dos Três Reis” e "Dança de cavalos brincalhões".

ópera de Bizet Carmem” é um drama musical que se desenrola diante do público com veracidade convincente e com cativante poder artístico a história de amor e morte de seus heróis: o soldado José e a cigana Carmen. A Opera Carmen foi criada com base nas tradições do teatro musical francês, mas ao mesmo tempo também introduziu muitas coisas novas. Com base nas melhores realizações da ópera nacional e reformando seus elementos mais importantes, Bizet criou um novo gênero - um drama musical realista.

Na história da ópera do século XIX, a ópera Carmen ocupa um dos primeiros lugares. Desde 1876, sua procissão triunfal começou nos palcos das casas de ópera de Viena, Bruxelas e Londres.

A manifestação de uma relação pessoal com o meio ambiente foi expressa por poetas e músicos, antes de tudo, no imediatismo, na “abertura” emocional e na paixão de expressão, no esforço de convencer o ouvinte com a ajuda da intensidade incessante do tom da música. reconhecimento ou confissão.

Essas novas tendências na arte tiveram uma influência decisiva no surgimento ópera lírica. Surgiu como antítese da "grande" ópera e da ópera cômica, mas não poderia deixar de lado suas conquistas e conquistas no campo da dramaturgia operística e dos meios de expressão musical.

Uma característica distintiva do novo gênero de ópera era a interpretação lírica de qualquer enredo literário - sobre um tema histórico, filosófico ou moderno. Os heróis da ópera lírica são dotados de feições de gente comum, desprovidas de exclusividade e alguma hiperbolização, características de uma ópera romântica. O artista mais significativo no campo da ópera lírica foi Charles Gounod.

Entre a herança operística bastante numerosa de Gounod, a ópera “ Fausto" ocupa um lugar especial e, pode-se dizer, excepcional. Sua fama e popularidade mundial são inigualáveis ​​por outras óperas de Gounod. O significado histórico da ópera Fausto é especialmente grande porque não foi apenas a melhor, mas em essência a primeira entre as óperas da nova direção, sobre a qual Tchaikovsky escreveu: “É impossível negar que Fausto foi escrito, se não com gênio, então com habilidade extraordinária e sem identidade significativa”. Na imagem de Fausto, a nítida inconsistência e “bifurcação” de sua consciência, a eterna insatisfação causada pelo desejo de conhecer o mundo, são suavizadas. Gounod não conseguiu transmitir toda a versatilidade e complexidade da imagem do Mefistófeles de Goethe, que encarnava o espírito de crítica militante daquela época.

Uma das principais razões para a popularidade de "Fausto" foi que ele concentrou as melhores e fundamentalmente novas características do jovem gênero da ópera lírica: uma transferência emocionalmente direta e vividamente individual do mundo interior dos personagens da ópera. O profundo significado filosófico do Fausto de Goethe, que buscava revelar os destinos históricos e sociais de toda a humanidade a exemplo do conflito dos personagens principais, foi encarnado por Gounod na forma de um drama lírico humano de Marguerite e Fausto.

compositor, maestro, crítico musical francês Héctor Berlioz entrou para a história da música como o maior compositor romântico, criador do programa sinfonia, inovador no campo da forma musical, harmonia e principalmente instrumentação. Em seu trabalho, eles encontraram uma encarnação vívida das características do pathos e do heroísmo revolucionários. Berlioz conhecia M. Glinka, cuja música ele apreciava muito. Ele estava em termos de amizade com os líderes do "Mighty Handful", que aceitou com entusiasmo seus escritos e princípios criativos.

Criou 5 obras musicais de palco, incluindo a ópera “ Benvenuto Cillini ”(1838), “ Cavalos de Troia ”,”Beatriz e Benedito(baseado na comédia de Shakespeare Muito Barulho por Nada, 1862); 23 obras vocais e sinfônicas, 31 romances, coros, escreveu os livros “Grande Tratado de Instrumentação e Orquestração Moderna” (1844), “Noites na Orquestra” (1853), “Através de Canções” (1862), “Curiosidades Musicais” (1859), “Memórias” (1870), artigos, resenhas.

Alemão compositor, maestro, dramaturgo, publicitário Ricardo Wagner entrou para a história da cultura musical mundial como um dos maiores criadores musicais e grandes reformadores da arte operística. O objetivo de suas reformas era criar uma monumental obra vocal-sinfônica programática em forma dramática, projetada para substituir todos os tipos de ópera e música sinfônica. Tal obra era um drama musical, em que a música flui em um fluxo contínuo, mesclando todos os elos dramáticos. Rejeitando o canto acabado, Wagner os substituiu por uma espécie de recitativo emocionalmente rico. Um grande lugar nas óperas de Wagner é ocupado por episódios orquestrais independentes, que são uma valiosa contribuição para a música sinfônica mundial.

A mão de Wagner pertence a 13 óperas:“ O Holandês Voador”(1843),,”Tannhäuser”(1845),“Tristão e Isolda”(1865), “Ouro do Reno”(1869) e etc.; coros, peças para piano, romances.

Outro notável compositor, maestro, pianista, professor e figura musical alemão foi Felix Mendelssohn-Bartholdy. A partir dos 9 anos ele começou a se apresentar como pianista, aos 17 anos ele criou uma das obras-primas - uma abertura para uma comédia “ C ele está em uma noite de verão" Shakespeare. Em 1843 fundou o primeiro conservatório na Alemanha em Leipzig. Na obra de Mendelssohn, "um clássico entre os românticos", os traços românticos são combinados com o sistema clássico de pensamento. Sua música é caracterizada por melodia brilhante, democratismo de expressão, moderação de sentimentos, calma de pensamento, predominância de emoções brilhantes, humor lírico, não sem um leve toque de sentimentalismo, formas impecáveis, artesanato brilhante. R. Schumann o chamou de "Mozart do século 19", G. Heine - "um milagre musical".

Autor de sinfonias românticas de paisagem (“escocesas”, “italianas”), aberturas de concertos de programa, um concerto de violino popular, ciclos de peças para piano “Canção sem palavras”; óperas O Casamento de Camacho Escreveu música para a peça dramática Antígona (1841), Édipo em dois pontos (1845) de Sófocles, Atalia de Racine (1845), Sonho de uma noite de verão (1843) de Shakespeare e outros; oratórios "Paulo" (1836), "Elijah" (1846); 2 concertos para piano e 2 para violino.

NO italiano cultura musical um lugar especial pertence a Giuseppe Verdi - um excelente compositor, maestro, organista. A principal área de trabalho de Verdi é a ópera. Ele atuou principalmente como porta-voz dos sentimentos heróico-patrióticos e das ideias de libertação nacional do povo italiano. Nos anos seguintes, prestou atenção aos dramáticos conflitos gerados pela desigualdade social, violência, opressão e denunciou o mal em suas óperas. Características da obra de Verdi: música folclórica, temperamento dramático, brilho melódico, compreensão das leis do palco.

Escreveu 26 óperas: “ Nabucco”, “Macbeth”, “Troubador”, “La Traviata”, “Otelo”, “Aida" e etc . , 20 romances, conjuntos vocais .

Jovem norueguês compositor Edvard Grieg (1843-1907) aspirava ao desenvolvimento da música nacional. Isso se expressou não apenas em seu trabalho, mas também na promoção da música norueguesa.

Durante seus anos em Copenhague, Grieg escreveu muita música: “ Imagens poéticas” e "Humoresque", sonata para piano e sonata para primeiro violino, canções. A cada nova obra, a imagem de Grieg como compositor norueguês emerge mais claramente. Na lírica sutil "Quadros poéticos" (1863), os traços nacionais ainda irrompem timidamente. A figura rítmica é frequentemente encontrada na música folclórica norueguesa; tornou-se característica de muitas das melodias de Grieg.

A obra de Grieg é vasta e multifacetada. Grieg escreveu obras de vários gêneros. Concerto para piano e baladas, três sonatas para violino e piano e uma sonata para violoncelo e piano, o quarteto atesta o desejo constante de Grieg pela forma grande. Ao mesmo tempo, o interesse do compositor por miniaturas instrumentais permaneceu inalterado. Na mesma medida que o pianoforte, o compositor foi atraído pela miniatura vocal de câmara - um romance, uma canção. Não seja o principal com Grieg, o campo da criatividade sinfônica é marcado por obras-primas como as suítes “ Por Gounod ”, “Desde os dias de Holberg". Um dos tipos característicos da obra de Grieg é o processamento de canções e danças folclóricas: na forma de peças simples para piano, um ciclo de suítes para piano a quatro mãos.

A linguagem musical de Grieg é brilhantemente original. A individualidade do estilo do compositor é sobretudo determinada pela sua profunda ligação com a música folclórica norueguesa. Grieg usa amplamente recursos de gênero, estrutura de entonação, fórmulas rítmicas de canções folclóricas e melodias de dança.

O notável domínio de Grieg no desenvolvimento variacional e variante de uma melodia está enraizado nas tradições folclóricas de repetição repetida de uma melodia com suas mudanças. “Gravei a música folclórica do meu país.” Por trás dessas palavras está a atitude reverente de Grieg em relação à arte popular e o reconhecimento de seu papel decisivo para sua própria criatividade.

7. CONCLUSÃO

Com base no exposto, pode-se tirar as seguintes conclusões:

O surgimento do romantismo foi influenciado por três eventos principais: a Revolução Francesa, as Guerras Napoleônicas, a ascensão do movimento de libertação nacional na Europa.

O romantismo como método e direção na cultura artística foi um fenômeno complexo e controverso. Em todos os países ele tinha uma expressão nacional brilhante. Os românticos ocuparam várias posições sociais e políticas na sociedade. Todos se rebelaram contra os resultados da revolução burguesa, mas se rebelaram de maneiras diferentes, pois cada um tinha seu ideal. Mas com todas as muitas faces e diversidade, o romantismo tem características estáveis:

Todos eles vieram da negação do Iluminismo e dos cânones racionalistas do classicismo, que agrilhoaram a iniciativa criativa do artista.

Eles descobriram o princípio do historicismo (os iluministas julgavam o passado anti-histórico para eles era "razoável" e "irracional"). Vimos personagens humanos no passado, moldados por seu tempo. O interesse pelo passado nacional deu origem a uma massa de obras históricas.

Interesse por uma personalidade forte que se opõe a todo o mundo ao seu redor e confia apenas em si mesmo.

Atenção ao mundo interior do homem.

O romantismo foi amplamente desenvolvido tanto nos países da Europa Ocidental quanto na Rússia. No entanto, o romantismo na Rússia diferia do europeu ocidental em favor de um cenário histórico diferente e uma tradição cultural diferente. A verdadeira razão para o surgimento do romantismo na Rússia foi a Guerra Patriótica de 1812, na qual se manifestou todo o poder da iniciativa popular.

Características do romantismo russo:

O Romantismo não se opôs ao Iluminismo. A ideologia iluminista enfraqueceu, mas não entrou em colapso, como na Europa. O ideal de um monarca iluminado não se esgotou.

O romantismo desenvolveu-se em paralelo com o classicismo, muitas vezes entrelaçando-se com ele.

O romantismo na Rússia se manifestou de diferentes maneiras em diferentes tipos de arte. Na arquitetura, não era lido. Na pintura, secou em meados do século XIX. Ele apareceu apenas parcialmente na música. Talvez apenas na literatura o romantismo se manifestasse de forma consistente.

Nas artes visuais, o romantismo manifestou-se mais claramente na pintura e no grafismo, menos expressivo na escultura e na arquitetura.

Os românticos abrem o mundo da alma humana, individual, diferente de qualquer outra pessoa, mas sincera e, portanto, próxima de toda visão sensual do mundo. A instantaneidade da imagem na pintura, como dizia Delacroix, e não sua consistência na performance literária, determinava o foco dos artistas na transmissão mais complexa do movimento, para o qual novas soluções formais e colorísticas foram encontradas. O romantismo deixou um legado da segunda metade do século XIX. todos esses problemas e a individualidade artística liberada das regras do academismo. O símbolo, que entre os românticos deveria expressar a combinação essencial de ideia e vida, na arte da segunda metade do século XIX. dissolve-se na polifonia da imagem artística, captando a diversidade de ideias e do mundo envolvente. O romantismo na pintura está intimamente relacionado ao sentimentalismo.

Graças ao romantismo, a visão subjetiva pessoal do artista toma a forma de uma lei. O impressionismo destruirá completamente a barreira entre o artista e a natureza, declarando a arte uma impressão. Os românticos falam da fantasia do artista, "a voz de seus sentimentos", que lhe permite interromper o trabalho quando o mestre o considera necessário, e não conforme exigido pelos padrões acadêmicos de completude.

O romantismo deixou toda uma era na cultura artística mundial, seus representantes foram: na literatura russa Zhukovsky, A. Pushkin, M. Lermontov e outros; nas artes plásticas E. Delacroix, T. Géricault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin e outros; na música de F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin e outros. Descobriram e desenvolveram novos gêneros, prestaram muita atenção ao destino da personalidade humana, revelaram a dialética do bem e do mal, paixões humanas magistralmente reveladas, etc.

As formas de arte mais ou menos se igualavam em seu significado e produziam magníficas obras de arte, embora os românticos dessem prioridade à música na escala das artes.

O romantismo como visão de mundo existiu na Rússia em sua primeira onda desde o final do século XVIII até a década de 1850. A linha do romântico na arte russa não parou na década de 1850. O tema do estado de ser, descoberto pelos românticos para a arte, foi posteriormente desenvolvido pelos artistas da Rosa Azul. Os herdeiros diretos dos românticos foram, sem dúvida, os simbolistas. Temas românticos, motivos, dispositivos expressivos entraram na arte de diferentes estilos, direções, associações criativas. A visão de mundo romântica ou visão de mundo acabou sendo uma das mais vivas, tenazes e frutíferas.

O romantismo como atitude geral, característica principalmente dos jovens, como desejo de uma liberdade ideal e criativa, ainda vive constantemente na arte mundial.

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Esta pintura é construída em tons, não azuis, não rosas, mas tons de cinza. Tudo está coberto de escuridão - não, não é verdade. Uma noite clara, porque o ar está limpo, não há ninguém, não há fumaças e reflexos das cidades. Noite - há vida, não há som. A civilização está em algum lugar lá fora, além do horizonte. Kuindzhi sabia mostrar a amplitude de sua terra natal e as cores vivas de um pequeno palco.

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1.1 Principais características do romantismo

Romantismo - (francês romantismo, do francês medieval romant - romance) - uma direção na arte, formada dentro do movimento literário geral na virada dos séculos XVIII-XIX. Na Alemanha. Tornou-se difundido em todos os países da Europa e América. O pico mais alto do romantismo cai no primeiro quartel do século XIX.

A palavra francesa romantismo remonta ao romance espanhol (na Idade Média, os romances espanhóis eram chamados assim, e depois o romance cavalheiresco), o romântico inglês, que se transformou no século XVIII. em romantique e, em seguida, significando "estranho", "fantástico", "pitoresco". No início do século XIX. o romantismo torna-se a designação de uma nova direção, oposta ao classicismo.

Entrando na antítese "classicismo" - "romantismo", a direção assumiu a oposição da exigência classicista de regras à liberdade romântica das regras. O centro do sistema artístico do romantismo é o indivíduo, e seu principal conflito é entre os indivíduos e a sociedade. O pré-requisito decisivo para o desenvolvimento do romantismo foram os eventos da Revolução Francesa. O surgimento do romantismo está associado ao movimento anti-iluminista, cujas causas estão na decepção com a civilização, no progresso social, industrial, político e científico, que resultou em novos contrastes e contradições, nivelamento e devastação espiritual do indivíduo.

O Iluminismo pregava a nova sociedade como a mais "natural" e "razoável". As melhores mentes da Europa fundamentaram e prefiguraram esta sociedade do futuro, mas a realidade acabou por estar fora do controle da "razão", o futuro - imprevisível, irracional, e a ordem social moderna começou a ameaçar a natureza do homem e sua liberdade pessoal. A rejeição dessa sociedade, o protesto contra a falta de espiritualidade e o egoísmo já se reflete no sentimentalismo e no pré-romantismo. O romantismo expressa essa rejeição de forma mais acentuada. O Romantismo também se opôs ao Iluminismo em nível verbal: a linguagem das obras românticas, que se esforçavam para serem naturais, "simples", acessíveis a todos os leitores, era algo oposto aos clássicos com seus temas nobres, "sublimes", típicos, por exemplo, para a tragédia clássica.

Entre os românticos europeus ocidentais posteriores, o pessimismo em relação à sociedade adquire proporções cósmicas, torna-se a "doença do século". Os heróis de muitas obras românticas são caracterizados por humores de desesperança, desespero, que adquirem um caráter universal. A perfeição está perdida para sempre, o mundo é governado pelo mal, o caos antigo está ressuscitando. O tema do "mundo terrível", característico de toda a literatura romântica, foi mais claramente incorporado no chamado "gênero negro" (no "romance gótico" pré-romântico - A. Radcliffe, C. Maturin, no " drama do rock", ou "tragédia do rock", - Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer), bem como nas obras de Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe e N. Hawthorne.

Ao mesmo tempo, o romantismo é baseado em ideias que desafiam o "mundo terrível" - principalmente as ideias de liberdade. A decepção do romantismo é uma decepção na realidade, mas o progresso e a civilização são apenas um lado dela. A rejeição deste lado, a falta de fé nas possibilidades da civilização fornecem outro caminho, o caminho para o ideal, para o eterno, para o absoluto. Este caminho deve resolver todas as contradições, mudar completamente a vida. Este é o caminho para a perfeição, "para a meta, cuja explicação deve ser buscada do outro lado do visível" (A. De Vigny). Para alguns românticos, forças incompreensíveis e misteriosas dominam o mundo, que devem ser obedecidas e não tentar mudar o destino (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky). Para outros, o "mal global" provocou protesto, exigiu vingança, luta (primeiro A.S. Pushkin). O comum era que todos eles viam no homem uma única entidade, cuja tarefa não se reduz a resolver problemas comuns. Ao contrário, sem negar a vida cotidiana, os românticos buscavam desvendar o mistério da existência humana, voltando-se para a natureza, confiando em seus sentimentos religiosos e poéticos.

Um herói romântico é uma pessoa complexa e apaixonada, cujo mundo interior é extraordinariamente profundo, sem fim; é todo um universo cheio de contradições. Os românticos estavam interessados ​​em todas as paixões, altas e baixas, que se opunham umas às outras. Alta paixão - amor em todas as suas manifestações, baixa - ganância, ambição, inveja. A prática material humilde do romance se opunha à vida do espírito, especialmente religião, arte e filosofia. O interesse por sentimentos fortes e vívidos, paixões que tudo consomem, pelos movimentos secretos da alma são características do romantismo.

Você pode falar sobre o romance como um tipo especial de personalidade - uma pessoa de fortes paixões e altas aspirações, incompatíveis com o mundo cotidiano. Circunstâncias excepcionais acompanham essa natureza. Fantasia, música folclórica, poesia, lendas tornam-se atraentes para os românticos - tudo o que por um século e meio foi considerado como gêneros menores, não dignos de atenção. O romantismo caracteriza-se pela afirmação da liberdade, da soberania do indivíduo, do aumento da atenção ao indivíduo, único no homem, do culto do indivíduo. A confiança no valor próprio de uma pessoa se transforma em um protesto contra o destino da história. Muitas vezes, o herói de uma obra romântica torna-se um artista capaz de perceber criativamente a realidade. A clássica “imitação da natureza” se opõe à energia criativa do artista que transforma a realidade. Ele cria seu próprio mundo especial, mais belo e real do que a realidade percebida empiricamente. É a criatividade que é o sentido da existência, representa o valor mais alto do universo. Os românticos defendiam apaixonadamente a liberdade criativa do artista, sua imaginação, acreditando que o gênio do artista não obedece às regras, mas as cria.

Os românticos se voltaram para diferentes épocas históricas, foram atraídos por sua originalidade, atraídos por países e circunstâncias exóticas e misteriosas. O interesse pela história tornou-se uma das conquistas duradouras do sistema artístico do romantismo. Expressou-se na criação do gênero do romance histórico, cujo fundador é W. Scott, e em geral o romance, que adquiriu uma posição de liderança na época considerada. Os românticos reproduzem com precisão e precisão os detalhes históricos, o pano de fundo, a cor de uma determinada época, mas os personagens românticos são dados fora da história, eles, como regra, estão acima das circunstâncias e não dependem delas. Ao mesmo tempo, os românticos perceberam o romance como um meio de compreender a história, e da história foram penetrar nos segredos da psicologia e, consequentemente, da modernidade. O interesse pela história também se refletiu nas obras de historiadores da escola romântica francesa (O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

É na época do Romantismo que se dá a descoberta da cultura da Idade Média, e a admiração pela antiguidade, característica da época passada, também não esmorece no final do XVIII – início. século 19 A diversidade de características nacionais, históricas, individuais também tinha um significado filosófico: a riqueza de um único mundo inteiro consiste na totalidade dessas características individuais, e o estudo da história de cada povo separadamente permite traçar, nas palavras de Burke, vida ininterrupta através de novas gerações que se sucedem.

A época do Romantismo foi marcada pelo florescimento da literatura, uma das características distintivas da qual era a paixão pelos problemas sociais e políticos. Tentando compreender o papel do homem nos eventos históricos em curso, os escritores românticos gravitaram em direção à precisão, concretude e confiabilidade. Ao mesmo tempo, a ação de suas obras muitas vezes se desenrola em um cenário incomum para um europeu - por exemplo, no Oriente e na América, ou, para os russos, no Cáucaso ou na Crimeia. Assim, os poetas românticos são predominantemente letristas e poetas da natureza e, portanto, em seu trabalho (no entanto, assim como em muitos prosadores), um lugar significativo é ocupado pela paisagem - em primeiro lugar, o mar, as montanhas, o céu, os elementos tempestuosos , com o qual o herói está associado a relacionamentos complexos. A natureza pode ser semelhante à natureza apaixonada de um herói romântico, mas também pode resistir a ele, revelar-se uma força hostil com a qual ele é forçado a lutar.

Imagens inusitadas e vívidas da natureza, vida, vida e costumes de países e povos distantes também inspiraram os românticos. Eles buscavam características que constituíssem a base fundamental do espírito nacional. A identidade nacional se manifesta principalmente na arte folclórica oral. Daí o interesse pelo folclore, o processamento de obras folclóricas, a criação de suas próprias obras com base na arte popular.

O desenvolvimento dos gêneros do romance histórico, conto de fantasia, poema lírico-épico, balada é mérito dos românticos. Sua inovação também se manifestou nas letras, em particular, no uso da polissemia da palavra, no desenvolvimento da associatividade, na metáfora, nas descobertas no campo da versificação, da métrica e do ritmo.

O romantismo é caracterizado por uma síntese de gêneros e gêneros, sua interpenetração. O sistema de arte romântico foi baseado em uma síntese de arte, filosofia e religião. Por exemplo, para um pensador como Herder, a pesquisa linguística, as doutrinas filosóficas e as notas de viagem servem como a busca de formas de renovação revolucionária da cultura. Grande parte da conquista do romantismo foi herdada pelo realismo do século XIX. - uma propensão para a fantasia, grotesco, uma mistura de alto e baixo, trágico e cômico, a descoberta do "homem subjetivo".

Na era do romantismo, floresce não apenas a literatura, mas também muitas ciências: sociologia, história, ciência política, química, biologia, doutrina evolutiva, filosofia (Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, filosofia natural, a essência do que se resume ao fato de que a natureza - uma das vestimentas de Deus, "a veste viva da Divindade").

O romantismo é um fenômeno cultural na Europa e na América. Em diferentes países, seu destino teve características próprias.

1.2 Romantismo na Rússia

No início da segunda década do século XIX, o romantismo ocupa um lugar fundamental na arte russa, revelando mais ou menos plenamente sua identidade nacional. É extremamente arriscado reduzir essa originalidade a algum recurso ou mesmo à soma de recursos; o que temos diante de nós é antes a direção do processo, bem como seu ritmo, sua força - se compararmos o romantismo russo com os "romantismos" mais antigos das literaturas européias.

Já observamos esse desenvolvimento forçado na pré-história do romantismo russo - na última década do século XVIII. - nos primeiros anos do século XIX, quando houve um entrelaçamento inusitado das tendências pré-românticas e sentimentais com as tendências do classicismo.

A reavaliação da razão, a hipertrofia da sensibilidade, o culto da natureza e do homem natural, a melancolia elegíaca e o epicurismo combinavam-se com momentos de sistematismo e racionalidade, especialmente evidentes no campo da poética. Estilos e gêneros foram simplificados (principalmente pelos esforços de Karamzin e seus seguidores), houve uma luta com metáfora excessiva e ornamentação do discurso por causa de sua "precisão harmônica" (a definição de Pushkin da característica distintiva da escola fundada por Zhukovsky e Batyushkov).

A rapidez do desenvolvimento deixou sua marca no estágio mais maduro do romantismo russo. A densidade da evolução artística também explica o fato de ser difícil reconhecer fases cronológicas claras no romantismo russo. Os historiadores literários dividem o romantismo russo nos seguintes períodos: o período inicial (1801 - 1815), o período de maturidade (1816 - 1825) e o período de seu desenvolvimento pós-outubro. Este é um esquema exemplar, porque. pelo menos dois desses períodos (o primeiro e o terceiro) são qualitativamente heterogêneos e não possuem ao menos a unidade relativa de princípios que distinguiram, por exemplo, os períodos do romantismo de Jena e Heidelberg na Alemanha.

O movimento romântico na Europa Ocidental - especialmente na literatura alemã - começou sob o signo da completude e inteireza. Tudo o que estava desunido buscava a síntese: na filosofia natural, na sociologia, na teoria do conhecimento, na psicologia - pessoal e social e, claro, no pensamento artístico, que unia todos esses impulsos e, por assim dizer, , deu-lhes nova vida.

O homem procurou fundir-se com a natureza; personalidade, individual - com o todo, com as pessoas; conhecimento intuitivo - com lógica; elementos subconscientes do espírito humano - com as mais altas esferas de reflexão e razão. Embora a proporção de momentos opostos às vezes parecesse conflitante, a tendência à união deu origem a um espectro emocional especial de romantismo, multicolorido e heterogêneo, com predominância de um tom brilhante e maior.

Só gradualmente a natureza conflituosa dos elementos cresceu em sua antinomia; a ideia da síntese desejada dissolveu-se na ideia de alienação e confronto, o ânimo maior otimista deu lugar a um sentimento de decepção e pessimismo.

O romantismo russo está familiarizado com as duas etapas do processo - inicial e final; no entanto, ao fazê-lo, ele forçou o movimento geral. As formas finais apareceram antes que as formas iniciais florescessem; os intermediários amassaram ou caíram. Contra o pano de fundo das literaturas da Europa Ocidental, o romantismo russo parecia ao mesmo tempo menos e mais romântico: era inferior a elas em riqueza, ramificação, amplitude do quadro geral, mas superado na certeza de alguns resultados finais.

O fator sociopolítico mais importante que influenciou a formação do romantismo é o decembrismo. A refração da ideologia dezembrista no plano da criação artística é um processo extremamente complexo e demorado. Não percamos, porém, de vista que adquiriu uma expressão precisamente artística; que os impulsos dezembristas estavam revestidos de formas literárias bastante concretas.

Muitas vezes, o "decembrismo literário" foi identificado com um certo imperativo fora da criatividade artística, quando todos os meios artísticos estão subordinados a um objetivo extraliterário, que, por sua vez, decorre da ideologia dezembrista. Esse objetivo, essa “tarefa” teria sido supostamente nivelada ou até mesmo posta de lado por “sinais de sílabas ou signos de gênero”. Na realidade, tudo era muito mais complicado.

A natureza específica do romantismo russo é claramente visível nas letras desta época, ou seja, na relação lírica com o mundo, no tom principal e na perspectiva da posição do autor, no que se costuma chamar de "imagem do autor". Vejamos a poesia russa desse ponto de vista, para formar pelo menos uma ideia superficial de sua diversidade e unidade.

A poesia romântica russa revelou uma gama bastante ampla de "imagens do autor", às vezes se aproximando, às vezes, ao contrário, polemizando e contrastando umas com as outras. Mas sempre a "imagem do autor" é uma tal condensação de emoções, humores, pensamentos ou detalhes cotidianos e biográficos (os "restos" da linha de alienação do autor, mais amplamente representados no poema, entram na obra lírica) , que decorre da oposição ao meio ambiente. A conexão entre o indivíduo e o todo foi quebrada. O espírito de confronto e desarmonia paira sobre a aparência do autor mesmo quando em si parece descomplicadamente clara e inteira.

O pré-romantismo conhecia basicamente duas formas de expressar o conflito nas letras, que podem ser chamadas de oposições líricas - a forma elegíaca e a epicurista. A poesia romântica os desenvolveu em uma série de mais complexos, profundos e individualmente diferenciados.

Mas, por mais importantes que sejam as formas mencionadas acima, elas, é claro, não esgotam toda a riqueza do romantismo russo.

A arte do romantismo se forma na polêmica com o classicismo. No aspecto social, o surgimento do romantismo está associado à Grande Revolução Francesa do século XVIII; surge como uma reação de entusiasmo geral sobre seu início, mas também como uma profunda decepção com as capacidades de uma pessoa quando é derrotada. Além disso, o romantismo alemão foi mais tarde considerado uma versão sem derramamento de sangue da Revolução Francesa.

Como movimento ideológico e artístico, o romantismo se declara na primeira metade do século XIX. Surge principalmente como uma tendência literária - aqui a atividade dos românticos é alta e bem-sucedida. A música da época não é menos significativa: vocais, música instrumental, teatro musical (ópera e balé) do romantismo ainda formam a base do repertório hoje. No entanto, nas artes visuais e espaciais, o romantismo manifestou-se menos claramente tanto no número de obras criadas como no seu nível. A pintura romântica atinge o nível das obras-primas na Alemanha e na França, o resto da Europa fica para trás. Não é costume falar da arquitetura do romantismo. Só a arte da jardinagem revela aqui alguma originalidade, e mesmo assim os românticos desenvolvem aqui a ideia de uma paisagem inglesa, ou parque natural. Há também um lugar para algumas tendências neo-góticas de romance viram sua arte na série: gótico - barroco - romantismo. Há muito neogótico nos países eslavos.

Belas artes do romantismo

No século XVIII. o termo "romântico" significava "estranho", "fantástico", "pitoresco". É fácil perceber que as palavras "romance", "roman" (cavaleiro) são etimologicamente muito próximas.

No século 19 o termo foi interpretado como o nome de um movimento literário, oposto em suas configurações ao classicismo.

Nas artes visuais, o romantismo manifestou-se de forma interessante na pintura e no grafismo, menos claramente na escultura. A escola de romantismo mais consistente se desenvolveu na França, onde havia uma luta obstinada contra o dogmatismo e o racionalismo abstrato na arte oficial no espírito do classicismo acadêmico. O fundador da escola romântica de pintura foi Theodore Géricault (1791-1824). Ele estudou com os mestres do classicismo, mas, tendo retido do classicismo uma tendência a imagens heroicas generalizadas, Géricault pela primeira vez expressou na pintura um sentido de conflito do mundo, um desejo de uma expressão expressiva de eventos significativos de nosso tempo . Já os primeiros trabalhos do artista revelam uma elevada emotividade, o "nervo" da época das guerras napoleónicas, em que havia muita bravata ("Oficial dos cavaleiros da guarda imperial, partindo para o ataque", "Cuirassier ferido deixando o campo de batalha"). Eles são marcados por uma atitude trágica, um sentimento de confusão. Os heróis do classicismo não experimentaram tais sentimentos ou não os expressaram publicamente e não estetizaram o desânimo, a confusão, a melancolia. As telas pitorescas dos artistas românticos são pintadas de forma dinâmica, a coloração é dominada por um tom escuro, que é animado por acentos de cores intensas, pinceladas impetuosas.

Géricault cria uma imagem incrivelmente dinâmica de "Correndo cavalos livres em Roma". Aqui ele se destaca na persuasão da transferência de movimento de todos os artistas anteriores. Uma das principais obras de Géricault é a pintura "A Jangada da Medusa". Nele, ele retrata fatos reais, mas com tal poder de generalização que os contemporâneos viram nele não a imagem de um naufrágio em particular, mas toda a Europa em desespero. E apenas alguns, as pessoas mais persistentes continuam a luta pela sobrevivência. O artista mostra uma complexa gama de sentimentos humanos - de um desespero sombrio a uma explosão tempestuosa de esperança. A dinâmica desta tela é determinada pela diagonal da composição, modelagem espetacular de volumes, mudanças contrastantes de luz e sombra.

Géricault conseguiu provar-se um mestre do gênero retrato. Aqui ele também atua como inovador, definindo as especificidades figurativas do gênero retrato. No "Retrato de um Delacroix de vinte anos" e nos autorretratos, a ideia de um artista romântico como criador independente é expressa uma personalidade brilhante e emocional. Ele lançou as bases para o retrato romântico, mais tarde um dos gêneros românticos de maior sucesso.

Géricault também se juntou à paisagem. Viajando pela Inglaterra, ele ficou impressionado com sua aparência e prestou homenagem às suas belezas, criando muitas pinturas de paisagens, pintadas em óleo e aquarela. Eles são ricos em cores, sutis na observação, não estranhos à crítica social. O artista as chamou de "Grandes e pequenas suítes inglesas". Como é típico para um romântico chamar um ciclo pictórico de um termo musical!

Infelizmente, a vida de Géricault foi curta, mas ele lançou as bases para uma gloriosa tradição.

Desde a década de 1820 tornou-se o chefe dos pintores românticos Fernando Victor Eugene Delacroix (1798-1863). Ele experimentou uma forte influência de Géricault, com quem foi amigo da bancada estudantil. Estudou a pintura de antigos mestres, especialmente Rubens. Viajou pela Inglaterra, ficou fascinado com a pintura de Constable. Delacroix possuía um temperamento apaixonado, poderosa imaginação criativa e alta eficiência. Desde os primeiros passos no campo profissional, Delacroix segue resolutamente os românticos. A primeira pintura que ele exibiu foi de Dante e Virgílio em um barco cruzando o Estige ("Barco de Dante"). A imagem está cheia de tragédia, pathos sombrio. Com a tela seguinte, "Massacre em Quios", ele respondeu a eventos reais relacionados ao sofrimento dos gregos do jugo turco. Aqui ele expressou abertamente sua posição política, tomando o lado dos gregos no conflito, com quem simpatizava, enquanto o governo francês flertava com a Turquia.

A pintura causou ataques políticos e de crítica de arte, especialmente depois que Delacroix, influenciado pelo trabalho de Constable, reescreveu a pintura em cores mais claras. Em resposta às críticas, o artista cria a tela "Grécia nas ruínas de Misssolunga", na qual novamente se refere ao tema ardente da luta da Grécia pela libertação do jugo turco. Esta pintura de Delacroix é mais simbólica, uma figura feminina com a mão levantada em um gesto de xingar os invasores, ou em um chamado para lutar, personifica todo o país. Parece antecipar a imagem da Liberdade na próxima e mais famosa obra do artista.

Em busca de novos heróis, personalidades fortes, Delacroix muitas vezes recorre às imagens literárias de Shakespeare, Goethe, Byron, Scott: "Tasso em um manicômio", "A morte de Sardanapalus", "O assassinato do bispo de Liege"; faz litografias para "Fausto", "Hamlet", expressando os mais sutis matizes dos sentimentos dos personagens, o que rendeu elogios de Goethe. Delacroix aborda a ficção da mesma forma que seus predecessores abordavam as Escrituras, tornando-a uma fonte inesgotável de assunto para pinturas.

Em 1830, sob a influência direta da Revolução de Julho, Delacroix pintou uma grande tela "Liberdade guiando o povo" ("Liberdade nas Barricadas"). Acima das figuras realisticamente retratadas dos participantes da luta revolucionária, pobres, principalmente jovens, inspirados pela luta, paira uma mulher magnífica, que lembra os "gênios" de Veronese. Ela tem uma bandeira nas mãos, seu rosto está inspirado. Esta não é apenas uma alegoria da liberdade no espírito do classicismo, é um símbolo sublime de impulso revolucionário. No entanto, é impossível abandonar a figura feminina viva e sensual - ela é tão atraente. A imagem acabou sendo complexa, charmosa, dinâmica.

Como um verdadeiro romântico, Delacroix viaja para países exóticos: Argélia, Marrocos. Da viagem, ele traz cinco pinturas, entre as quais "Caça ao Leão em Marrocos", aparentemente uma homenagem ao seu amado Rubens.

Delacroix trabalha muito como decorador, criando obras monumentais nos palácios Bourbon e Luxembourg, igrejas parisienses. Ele continua trabalhando no gênero retrato, criando imagens de pessoas da época do romantismo, como F. ​​Chopin. Criatividade Delacroix pertence ao auge da pintura do século XIX.

Pintura e gráficos romantismo alemão tende a ser sentimental na maior parte. E se a literatura romântica alemã realmente compõe toda uma era, então você não pode dizer o mesmo sobre as artes visuais: na literatura havia “Tempestade e Massacre”, e nas artes visuais - a idealização da vida patriarcal familiar. Nesse sentido, a criatividade Ludwig Richter (1803-1884): "Primavera da floresta perto de Aricci", "Procissão de casamento na primavera", etc. Ele também possui inúmeros desenhos sobre temas de contos de fadas e canções folclóricas, feitos de maneira bastante seca.

Mas há uma figura em grande escala no romantismo alemão que não pode ser ignorada. isto Gaspar David Friedrich (1774-1840). Ele era um pintor de paisagens e estudou na Academia de Belas Artes de Copenhague. Mais tarde, ele se estabeleceu em Dresden e ensinou.

Seu estilo de paisagem é original, as pinturas são lembradas desde o primeiro encontro, sente-se nelas que são paisagens de um artista romântico: expressam consistentemente as especificidades de uma visão de mundo romântica. Ele pintou paisagens do sul da Alemanha e da costa do Báltico, rochas selvagens cobertas de florestas, dunas do deserto e um mar congelado. As pessoas às vezes estão presentes em suas pinturas, mas raramente vemos seus rostos: as figuras, via de regra, dão as costas ao espectador. Friedrich procurou transmitir o poder elementar da natureza. Ele procurou e descobriu a consonância das forças naturais e dos humores e missões humanas. E embora ele reflita a vida com bastante precisão, a arte de Friedrich não é realista. Isso assustou os críticos de arte soviéticos no passado recente, pouco se escreveu sobre o artista, quase não havia reproduções dele. Agora a situação mudou, e podemos apreciar a profunda espiritualidade de suas pinturas, a contemplação melancólica e desapegada das paisagens de Friedrich. O ritmo claro da composição, a severidade do desenho são combinados em suas obras com os contrastes do claro-escuro, ricos em efeitos de iluminação. Mas às vezes Friedrich chega em sua emotividade à melancolia dolorosa, uma sensação da fragilidade de tudo o que é terreno, ao estupor de um transe místico. Hoje estamos experimentando uma onda de interesse pela obra de Friedrich. Suas obras de maior sucesso são "Morte de Nadezhda no Gelo", "Cemitério Monástico sob a Neve", "Missa em uma Ruína Gótica", "Pôr do Sol no Mar" e outros.

NO romantismo russo há muita contradição na pintura. Além disso, por muitos anos acreditou-se que um bom artista é um realista. É provavelmente por isso que se estabeleceu a opinião de que O. Kiprensky e A. Venetsianov, V. Tropinin e mesmo A. Kuindzhi são realistas, o que nos parece incorreto, são românticos.