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Cravo(do francês clavecin; italiano cembalo, clavicembalo; cravo inglês) é um instrumento musical de cordas de teclado com um método de extração de som dedilhado. Um músico que executa obras no cravo e suas variedades é chamado de cravista.

Dispositivo

Inicialmente, o cravo tinha uma forma quadrangular, no século XVII adquiriu uma forma triangular oblonga em forma de asa, cordas de metal começaram a ser usadas em vez de veias. Suas cordas são dispostas horizontalmente, paralelas às teclas, geralmente na forma de vários coros, e os grupos de cordas de diferentes manuais estão em diferentes níveis de altura. Externamente, os cravos eram geralmente elegantemente acabados: o corpo era decorado com desenhos, incrustações e entalhes. Na época de Luís XV, o acabamento do cravo combinava com os móveis elegantes da época. Nos séculos XVI-XVII, os cravos dos mestres de Antuérpia Ruckers destacaram-se pela qualidade sonora e pelo design artístico.

História

A primeira menção de um instrumento do tipo cravo (clavicembalum, do latim clavis - "chave" e cymbalum - "címbalo") aparece em uma fonte de 1397 de Pádua (Itália). A imagem mais antiga está no altar da catedral na cidade alemã de Minden, datada de 1425. A primeira descrição prática de um instrumento semelhante ao cravo (um clavicórdio dedilhado) com desenhos foi dada pelo holandês Arno de Zwolle por volta de 1445.

Cravos do século 15 não sobreviveram. A julgar pelas imagens, eram instrumentos curtos com um corpo pesado. A maioria dos cravos sobreviventes do século XVI foram feitos na Itália, onde Veneza era o principal centro de sua produção. Eles tinham um registro 8` (menos frequentemente dois registros 8` e 4`), eles se distinguiam por sua elegância. Seu corpo era mais frequentemente feito de cipreste. O ataque a esses cravos era mais distinto e o som mais abrupto do que o dos instrumentos flamengos posteriores. Antuérpia era o centro de produção de cravos mais importante do norte da Europa, onde os representantes da família Rückers trabalhavam desde 1579. Seus cravos têm cordas mais longas e corpos mais pesados ​​que os instrumentos italianos. Desde a década de 1590, cravos com dois manuais foram produzidos em Antuérpia.

HARVESIN, cembalo (francês clavecin, do latim tardio clavicymbalum - "pratos de teclado"; italiano cembalo), um instrumento musical de teclado de cordas. De acordo com a classificação aceita, é um instrumento de teclado dedilhado da classe dos cordofones. O mecanismo de transmissão da chave para a corda consiste no chamado empurrador (uma placa estreita de 10 a 25 cm de comprimento) e uma língua fixada em sua parte superior com uma palheta (“pena”; no passado era esculpida em um pena de corvo) que engancha a corda. Conhecido desde o século XV (as primeiras descrições e desenhos pertencem a Arno de Zwolle, por volta de 1445), desde o século XVI está distribuído em todos os países da Europa Ocidental; o apogeu da cultura do cravo - no final do século XVI - meados do século XVIII.

Normalmente o termo "cravo" é aplicado a grandes instrumentos com corpo em forma de asa (daí o nome alemão para o instrumento Flügel - "asa"), 1,5-2,5 m de comprimento. O teclado tem a mesma estrutura de outros instrumentos musicais de teclado, no entanto, em instrumentos do século XVI - início do século XVIII, a ordem de alternância das teclas "diatônicas" e "cromáticas" na parte do baixo do teclado é frequentemente violada devido ao uso da chamada oitava curta (com notas ausentes) . O cravo pode ter 1 ou 2 (raramente 3) teclados - manuais. As cordas são esticadas ao longo do corpo perpendicularmente ao teclado, dispostas em fileiras horizontais (geralmente 2-3). Nos séculos 16-17, os cravos eram construídos com um teclado de pedal (pé), composto por 9-12 teclas associadas à oitava do baixo do manual (não possuíam cordas próprias). Cada manual controla 1-2 linhas de cordas, que podem ser usadas juntas ou separadamente.

Diferentes fileiras de cordas, juntamente com a mecânica que as controla, são chamadas de registros, diferem em timbre e volume e, às vezes, em tom. Registros, cuja altura corresponde ao valor de face das teclas e da notação musical, são comumente chamados, por analogia com os registros de órgão, de 8 pés (designação abreviada 8'). Registros que soam uma oitava acima da escrita são chamados de 4 pés (4 ') (as cordas de um registro de 4 pés são cerca de 2 vezes mais curtas). A operação de troca de registradores geralmente é feita manualmente (com o auxílio de alavancas) durante o jogo. Nos cravos dos séculos XVII e XVIII, que possuem mais de um teclado, geralmente há uma cópula - dispositivo que proporciona o acoplamento mecânico dos teclados (assim, tocando um deles, você pode colocar os registros relacionados ao outro em movimento). ). O registro (a escolha dos registros e suas combinações) é menos importante do que no órgão, que está associado a um conjunto de registros mais modesto. No século XVIII, no entanto, o princípio da dinâmica de "terracing" foi amplamente utilizado, o que geralmente é característico do gênero de concerto instrumental (por exemplo, Concerto Italiano de J. S. Bach, 1735): o efeito é alcançado comparando a sonoridade maciça de os registros do manual inferior e o transparente do superior.

O alcance do cravo mudou ao longo do tempo na direção da expansão: de aproximadamente 3 oitavas no século XV para 5 oitavas em meados do século XVIII. Os sistemas de temperamento são os mesmos do órgão e outros instrumentos de teclado da época. Além disso, os autores do século XVI-XVII (N. Vicentino, M. Mersenne, A. Kircher) descrevem cravos com mais de 12 teclas por oitava (teclas diferentes para "bem" e "sharp"), tornando possível tocar em todas as teclas em afinações puras e de meio-tom (tais cravos não eram amplamente utilizados devido à dificuldade particular de tocá-los).

A notação moderna da música para cravo é basicamente a mesma da música para piano. Nos séculos 15-18, os tipos de notação de cravo (a chamada tablatura) eram diversos (os mesmos eram usados ​​para todos os instrumentos de teclado), eles usavam sinais musicais, bem como letras (o sistema de correspondência de letras com notas coincidiu com o moderno) e números (existiam vários sistemas de numeração chave); havia também sistemas mistos de notas e letras, por exemplo, a “velha tablatura alemã”, onde a voz superior era gravada em notas e o restante em letras. O arranjo de notas em 2 pautas (para 2 mãos) apareceu por volta de 1400 nas peças do Faenza Codex (Itália). O número de linhas nas pautas não era constante (pode haver 6-8 delas). O sistema de duas pautas com 5 linhas cada apareceu pela primeira vez na coleção impressa "Frottole intabulate" de A. Antico (1517, Roma), a partir das edições parisienses de P. Attenyan (1529) tornou-se predominante na França, e a partir do A 2ª metade do século XVII estendeu-se a outros países europeus, afastando gradualmente o resto.

O som do cravo é com um ataque "explosivo", brilhante quando aparece, mas desaparecendo rapidamente. O volume do som praticamente não depende da força e do método de pressionar a tecla. As possibilidades limitadas de nuances dinâmicas são compensadas até certo ponto pela variedade de articulação. Manuais sobre como tocar o cravo dos séculos 16 a 18 dão muita atenção ao dedilhado. Um aspecto essencial de tocar cravo é a execução de melismas (decorações). No timbre, o papel dos tons agudos é grande, o que torna o som do cravo audível em uma sala de concertos de médio porte, mesmo em uma pequena orquestra. As orquestras do século XVIII podem ter usado 2 cravos; o próprio Kapellmeister costumava sentar-se ao cravo. Como a maioria dos instrumentos de teclado, o cravo possui recursos avançados de execução de várias vozes. No passado, improvisações solo eram amplamente praticadas. O repertório para cravo nos séculos XVI e XVII era basicamente comum a todos os tipos de teclados (incluindo o órgão). Principais cravistas: C. Merulo, G. Frescobaldi, M. Rossi, B. Pasquini, B. Marcello, B. Galuppi, D. Cimarosa (Itália); D. Scarlatti (Espanha); J. Chambonière, J. A. d'Anglebert, L. e F. Couperin, J. F. Rameau, J. Dufly (França). Uma das maiores conquistas da cultura musical mundial é a música de cravo alemã dos séculos XVI-XVIII; seus representantes: D. Buxtehude, S. Scheidt, J. Kunau, J. Froberger, J. K. Kerl, J. Pachelbel, J. S. Bach e seus filhos. O apogeu da escola de cravo inglesa dos séculos XVI e XVII está ligado principalmente ao virginal; os maiores cravistas do século 18 que trabalharam na Inglaterra foram G. F. Handel e J. K. Bach. O repertório do cravo russo não é rico, o instrumento era usado para acompanhar o canto; 3 sonatas para cravo foram criadas por D.S. Bortnyansky.

Como a maioria dos outros instrumentos musicais dos séculos XVI-XVIII, o cravo não tem uma aparência "clássica" padrão, mas é representado por muitas opções criadas por mestres de diferentes países, épocas e estilos. Escolas de mestres de importância europeia se desenvolveram (em diferentes épocas) no norte da Itália (os maiores centros são Veneza, Milão, Bolonha, Florença, entre os representantes - B. Cristofori), no sul da Holanda (o centro é Antuérpia, o maior representante é a família Ruckers), França (famílias Blanche, Tusken, irmãos Emsh), Inglaterra (J. Kirkman, família Hitchcock, Chudi e Broadwood), Alemanha (centros - Dresden, Hamburgo; famílias Grebner, Friederici, Silberman, Fleischer, Zell , Haas). O cravo é um assunto de artes e ofícios; a maioria dos instrumentos históricos sobreviventes é pintada, há incrustações com madrepérola e pedras preciosas; às vezes as chaves também eram decoradas.

Desde o último terço do século XVIII, o cravo foi perdendo popularidade rapidamente devido ao desenvolvimento do piano, mas por muito tempo permaneceu um instrumento de fazer música caseira, especialmente na periferia europeia e nos países da Nova Zelândia. Mundo. No início do século XIX, continuou a ser usado na casa de ópera italiana (para acompanhar recitativos).

Desde o final do século XIX, a cultura do cravo renasceu. No início, os instrumentos foram copiados, depois começaram a ser construídos de acordo com os gostos artísticos alterados (o modelo com registro de pedal tornou-se padrão, o registro de 16 pés, raro no passado, soando uma oitava abaixo do par, é amplamente utilizado ). Após a 2ª Guerra Mundial, os artesãos voltaram a copiar modelos antigos; muitas vezes um novo cravo é criado de acordo com um projeto individual. A escola de performance moderna foi fundada em meados do século 20 por V. Landovskaya. Outros grandes cravistas: R. Kerkpatrick, J. Dreyfus, K. Jakote, G. Leonhardt, B. van Asperen, I. Wiuniski, K. Rousset, P. Antay, A. B. Lyubimov. Desde a segunda metade do século 20, os cravistas dominam temperamentos autênticos, forma de articulação e dedilhado. A base do repertório de concertos é a música do século XVIII e épocas anteriores. O repertório do século XX é representado por obras de F. Poulenc (“Concert champêtre” para cravo e orquestra, 1926), M. Oana, A. Tisne, A. Louvier, D. Ligeti e outros compositores.

Lit.: Neupert H. Das Cembalo. 3. Aufl. Kassel, 1960; Hubbard F. Três séculos de fabricação de cravo. 2º. Camb., 1967; Boalch D. Fabricantes do cravo e clavicórdio, 1440-1840. 2ª edição. Oxf., 1974; Harich-Schneider E. Die Kunst des Cembalo-Spiels. 4.Aufl. Kassel, 1979; Henkel H. Beiträge zum historischen Cembalobau. Lpz., 1979; O cravo histórico. N.Y., 1984-1987. Vol. 1-2; Música de Kopchevsky N. A. Clavier: questões de performance. M., 1986; Mercier-Y thier C. Les clavecins. R., 1990; Bedford F. Harpsichord e música de clavicórdio do século XX. Berk., 1993; Apel W. Geschichte der Orgel- und Klaviermusik bis 1700. Kassel u. a., 2004; Druskin M. Sobr. op. São Petersburgo, 2007. Vol. 1: Música de cravo da Espanha, Inglaterra, Holanda, França, Itália, Alemanha nos séculos XVI-XVIII.

CRAVO

Certamente em shows você já notou um instrumento musical que parece um piano, mas é bem menor em tamanho, com vários teclados e um som metálico completamente diferente? O nome deste instrumento é cravo (derivado da palavra francesa). Em cada país é chamado de forma diferente: na França e na Rússia é um cravo, na Itália é um cembalo (e às vezes um clavichembalo), na Inglaterra é um cravo. O cravo é um instrumento musical de cordas de teclado cujo som é dedilhado.

som, timbre:

O som do cravo é difícil de confundir com qualquer outro instrumento, é especial, brilhante e abrupto. Assim que você ouve esse som, danças antigas, bailes e nobres damas da corte em vestidos magníficos com penteados inimagináveis ​​aparecem imediatamente. A principal diferença entre o cravo é que seu som não pode mudar suavemente na dinâmica, como outros instrumentos. Para resolver esse problema, os mestres tiveram a ideia de adicionar outros registros, que são ativados com a ajuda de interruptores e alavancas manuais. Eles estão localizados nas laterais do teclado. Um pouco mais tarde, os pedais apareceram para facilitar o jogo.
Fatos interessantes:

• O cravo sempre foi considerado um instrumento aristocrático que adornava os salões e salões das pessoas mais ricas da Europa. É por isso que antigamente era feito de tipos caros de madeira, as chaves eram cobertas com placas de tartaruga, madrepérola, e às vezes eram incrustadas com pedras preciosas.
• Você já reparou que alguns cravos têm teclas pretas na parte inferior e teclas brancas na parte superior - tudo é exatamente o oposto de um piano de cauda ou piano? Cravos com esta coloração chave eram comuns na França no século XVII. Como os historiadores explicam, esse acabamento de teclado estava associado ao estilo galante que prevalecia na arte da época - as mãos brancas como a neve dos cravistas pareciam muito elegantes e em relevo no teclado preto.
• No início, o cravo foi colocado sobre a mesa; um pouco mais tarde, os artesãos acrescentaram belas pernas.
• Certa vez, o maestro tinha que sentar-se ao cravo, e conseguia tocar com a mão esquerda e conduzir os músicos com a direita.
• Tentando recriar o som do cravo, alguns mestres se arriscaram. Assim, no piano Outubro Vermelho, feito nos tempos soviéticos, o terceiro pedal abaixa um tecido especial nas cordas, às quais são presas palhetas de metal. Martelos os golpeiam e um som característico ocorre. O piano soviético "Accord" tem o mesmo design.
• Os pedais no cravo não apareceram até 1750.
• No início, a dinâmica do som foi alterada duplicando e triplicando as cordas, somente nos séculos XVII-XVIII começaram a fazer instrumentos com 2 ou até 3 manuais localizados um sobre o outro com registros diferentes. Neste caso, o manual superior foi afinado uma oitava acima.
• Por muito tempo, o instrumento do mestre italiano Hieronymus em 1521 foi considerado o cravo mais antigo que sobreviveu até hoje, mas mais tarde encontraram um cravo mais antigo, feito em 18 de setembro de 1515 por Vicente de Livigimeno.
• Os cravos do século XVI eram predominantemente de origem italiana (Veneza) e eram feitos de cipreste. Os instrumentos franceses com dois teclados (manuais) eram de nogueira.
• A maioria dos cravos tem um registro de alaúde, caracterizado por um timbre nasal. Para conseguir esse som, as cordas eram abafadas com pedaços de pano feitos de feltro ou couro.
• Na Idade Média, na corte do rei espanhol Filipe II, havia o chamado "cravo de gato". Era um dispositivo composto por um teclado e uma caixa retangular com vários compartimentos onde eram colocados os gatos. Antes disso, os animais eram tocados, pisando em suas caudas e dispostos de acordo com suas vozes. Em seguida, as caudas dos gatos infelizes foram fixadas sob as teclas, quando pressionadas, uma agulha espetada nelas. O animal gritou alto e o artista continuou a tocar sua melodia. Sabe-se que Perth I também encomendou um "cravo de gato" para seu gabinete de curiosidades.
• O famoso cravista francês F. Couperin tem um tratado "A Arte de Tocar o Cravo", que é usado pelos músicos do nosso tempo.
• Foi Couperin quem começou a usar ativamente o polegar (primeiro dedo) ao tocar cravo, antes disso, os músicos tocavam apenas quatro, e o quinto não estava envolvido. Essa ideia logo foi adotada por outros artistas.
• O famoso performer Handel, quando criança, foi obrigado a praticar o cravo no sótão, pois seu pai era contra a carreira de músico e sonhava em se formar em direito.
• Curiosamente, a ação do saltador foi descrita por W. Shakespeare em seu 128º soneto.
• Os músicos que tocavam cravo eram chamados clavieristas, já que também possuíam com sucesso o órgão e o clavicórdio.
• Vale ressaltar que o alcance do cravo de concerto é ser. O século XVIII era mais amplo que o do piano, que o suplantou um pouco mais tarde

Devo confessar que estou falando do cravo como um assunto profundamente pessoal para mim. Tendo tocado nele há quase quarenta anos, desenvolvi uma profunda ligação com certos autores e toquei em concertos ciclos completos de tudo o que eles escreveram para este instrumento. Em primeiro lugar, isso diz respeito a François Couperin e Johann Sebastian Bach. O que eu disse servirá, espero, de desculpa para meus vícios, que, temo, não serei capaz de evitar.

DISPOSITIVO

Uma grande família de instrumentos dedilhados com cordas de teclado é conhecida. Eles diferem em tamanho, forma e recursos sonoros (coloridos). Quase todos os artesãos que faziam esses instrumentos antigamente tentavam adicionar algo próprio ao design deles.

Há muita confusão sobre como eles foram chamados. Em termos mais gerais, os instrumentos são divididos de acordo com sua forma em longitudinais (que lembra um piano pequeno, mas com formas angulares - o piano tem formas arredondadas) e retangulares. É claro que essa diferença não é de forma alguma decorativa: com uma disposição diferente das cordas em relação ao teclado, o lugar na corda em que a palheta, característica de todos esses instrumentos, tem um efeito muito significativo no timbre da som.

I. Vermeer de Delft. Mulher sentada no cravo
OK. 1673–1675 Galeria Nacional, Londres

O cravo é o maior e mais complexo instrumento desta família.

na Rússia desde o século XVIII. O nome francês mais utilizado para o instrumento é o cravo ( clavecina), mas encontra-se, principalmente, na prática musical e acadêmica, e italiana - cembalo ( cembalo; Nomes italianos também são conhecidos clavicembalo, gravicembalo). Na literatura musicológica, especialmente quando se trata de música barroca inglesa, o nome inglês deste instrumento aparece sem tradução cravo.

No cravo, a principal característica da extração de som é que o chamado jumper (caso contrário, o empurrador) é instalado na extremidade traseira da chave, na parte superior da qual uma pena é fixada. Quando um músico pressiona uma tecla, sua extremidade traseira sobe (porque a tecla é uma alavanca) e o jumper sobe, e a pena puxa a corda. Quando a chave é solta, a pena desliza silenciosamente graças a uma mola que permite que ela se desvie levemente.

Diferentes tipos de instrumentos de cordas de teclado

Vale ressaltar que a descrição da ação do saltador, e extraordinariamente precisa, foi dada por W. Shakespeare em seu 128º soneto. Das muitas opções de tradução, a essência de tocar cravo é com mais precisão - além do lado artístico e poético - a tradução de Modest Tchaikovsky:

Quando você, minha música, tocando,
Coloque essas teclas em movimento
E, com seus dedos acariciando-os tão suavemente,
A consonância das cordas suscita admiração,
Então com ciúmes eu olho para as chaves,
Como eles se agarram às palmas das suas mãos;
Bocas queimando e desejando um beijo
Eles olham com inveja para sua audácia.
Ah, se o destino de repente virasse
Eu numa fila dessas dançarinas secas!
Estou feliz que sua mão deslizou sobre eles, -
Sua falta de alma é mais abençoada do que lábios vivos.
Mas se eles estão felizes, então
Deixe-os beijar seus dedos, deixe-me beijar seus lábios.

De todos os tipos de instrumentos de cordas de teclado dedilhadas, o cravo é o maior e mais complexo. É usado tanto como instrumento solo quanto como acompanhamento. É indispensável na música barroca como um conjunto. Mas antes de falar do enorme repertório para este instrumento, outra coisa precisa ser explicada em seu design.

No cravo, todas as cores (timbres) e dinâmicas (ou seja, a potência do som) foram originalmente estabelecidas no próprio instrumento pelo criador de cada cravo individual. Nisto, é até certo ponto semelhante a um órgão. No cravo, você não pode alterar o som alterando a força da tecla. Para efeito de comparação: no piano, toda a arte da interpretação está na riqueza do toque, ou seja, na variedade de maneiras de pressionar ou golpear a tecla.

Diagrama do mecanismo do cravo

Arroz. MAS: 1. Haste; 2. Amortecedor; 3. Jumper (empurrador); 4. Barra de registro; 5. Veado;
6. Jumper de quadro (empurrador); 7. Chave

Arroz. B. Jumper (empurrador): 1. Amortecedor; 2. Corda; 3. Pena; 4. Língua; 5. Poltrona; 6. Primavera

Claro, depende da sensibilidade do cravista tocar se o instrumento soa musicalmente ou “como uma panela” (Voltaire disse grosseiramente). Mas a força e o timbre do som não dependem do cravista, pois entre o dedo do cravista e a corda existe um complexo mecanismo de transmissão em forma de saltador e pena. Novamente, para comparação: no piano, bater na tecla afeta diretamente a ação do martelo batendo na corda, enquanto no cravo, o efeito na pena é indireto.

HISTÓRIA

A história inicial do cravo remonta às brumas do tempo. É mencionado pela primeira vez no tratado de John de Muris, The Mirror of Music (1323). Uma das primeiras representações do cravo está no Livro das Maravilhas de Weimar (1440).

Por muito tempo acreditou-se que o instrumento mais antigo que chegou até nós foi feito por Hieronymus de Bolonha e datado de 1521. Ele é mantido em Londres, no Victoria and Albert Museum. Mas recentemente foi estabelecido que existe um instrumento vários anos mais velho, também criado por um mestre italiano - Vincentius de Livigimeno. Foi apresentado ao Papa Leão X. Sua produção começou, segundo a inscrição na caixa, em 18 de setembro de 1515.

Cravo. Livro das Maravilhas de Weimar. 1440

Para evitar a monotonia do som, os mestres de cravo, já em um estágio inicial do desenvolvimento do instrumento, começaram a fornecer cada tecla não com uma corda, mas com duas, é claro, de um timbre diferente. Mas logo ficou claro que, por razões técnicas, mais de dois conjuntos de cordas para um teclado não podiam ser usados. Surgiu então a ideia de aumentar o número de teclados. Por volta do século XVII os cravos musicalmente mais ricos são instrumentos com dois teclados (ou seja, manuais, de lat. manus- "mão").

Do ponto de vista musical, tal instrumento é o melhor meio para executar um repertório barroco diversificado. Muitas das obras dos clássicos do cravo foram escritas especificamente para o efeito de tocar em dois teclados, por exemplo, uma série de sonatas de Domenico Scarlatti. F. Couperin estipulou especificamente no prefácio à terceira coleção de suas peças para cravo que nele colocasse as peças que ele chama "Pedaços Croises"(joga com cruzar [mãos]). “Peças com esse nome”, continua o compositor, “devem ser tocadas em dois teclados, um dos quais deve soar abafado pela mudança de registro”. Para quem não tem um cravo de dois manuais, Couperin dá recomendações de como tocar o instrumento com um teclado. Mas, em vários casos, a exigência de um cravo de dois manuais é uma condição indispensável para uma execução artística completa de uma composição. Assim, na folha de rosto da coleção que contém a famosa "Abertura Francesa" e "Concerto Italiano", Bach indicava: "para um clavicembalo com dois manuais".

Do ponto de vista da evolução do cravo, dois manuais não eram o limite: conhecemos exemplos de cravos com três teclados, embora não conheçamos obras que requeiram categoricamente tal instrumento para sua execução. Em vez disso, esses são os truques técnicos de fabricantes de cravo individuais.

O cravo durante o seu brilhante apogeu (séculos XVII-XVIII) foi tocado por músicos que possuíam todos os instrumentos de teclado que existiam naquela época, nomeadamente o órgão e o clavicórdio (por isso eram chamados de cravos).

Cravos foram criados não apenas por fabricantes de cravo, mas também por construtores de órgãos. E era natural aplicar na construção do cravo algumas ideias fundamentais que já haviam sido amplamente utilizadas no projeto de órgãos. Em outras palavras, os cravistas seguiram o caminho dos construtores de órgãos na ampliação dos recursos de registro de seus instrumentos. Se no órgão havia cada vez mais conjuntos de tubos distribuídos entre os manuais, então no cravo passaram a utilizar um número maior de conjuntos de cordas, também distribuídos entre os manuais. Em volume, esses registros de cravo não diferiam muito, mas em termos de timbre, eram bastante significativos.

Página de título da primeira coleção de música
para virginal "Parthenia". Londres. 1611

Assim, além de dois conjuntos de cordas (um para cada teclado), que soavam em uníssono e correspondiam em altura aos sons gravados nas notas, poderia haver registros de quatro pés e dezesseis pés. (Até mesmo a designação dos registros foi emprestada por fabricantes de cravos de construtores de órgãos: tubos os órgãos são indicados em pés, e os principais registros correspondentes à notação musical são os chamados oito pés, enquanto os tubos que fazem sons uma oitava acima do notado são chamados de quatro pés, uma oitava abaixo - respectivamente dezesseis pés. No cravo, nos mesmos compassos, os registros formados pelos conjuntos cordas.)

Assim, a gama de som de um grande cravo de concerto de meados do século XVIII. não só não era mais estreito que o pianoforte, mas ainda mais largo. E isso apesar do fato de que a notação musical da música para cravo parece mais estreita do que a música para piano.

MÚSICA

Por volta do século 18 o cravo acumulou um repertório extraordinariamente rico. Como um instrumento extremamente aristocrático, espalhou-se por toda a Europa, tendo seus apologistas mais brilhantes em todos os lugares. Mas se falamos das escolas mais fortes dos séculos XVI e XVII, devemos primeiro nomear os virginalistas ingleses.

Não contaremos aqui a história do virginal, apenas observaremos que se trata de uma espécie de instrumento de cordas dedilhadas no teclado, semelhante em som ao cravo. Vale ressaltar que em um dos últimos estudos aprofundados sobre a história do cravo ( Kottic E. Uma História do Cravo. Bloomington. 2003), o virginal, assim como o espineta (outra variedade), são considerados em consonância com a evolução do cravo propriamente dito.

Em relação ao nome do virginal, vale notar que uma das etimologias propostas o eleva ao inglês virgem e para o latim Virgem, isto é, "virgem", porque Elizabeth I, a rainha virgem, adorava bancar a virginal. De fato, o virginal apareceu antes mesmo de Elizabeth. A origem do termo "virginel" é mais correta para levar de outra palavra latina - virgem("varinha"), que indica o mesmo jumper.

É interessante que na gravura que adorna a primeira edição impressa da música para o virginal (“Parthenia”), o músico é retratado na forma de uma virgem cristã - S. Cecília. Aliás, o próprio nome da coleção vem do grego. partenos que significa "virgem".

Para decorar esta edição, uma gravura da pintura do artista holandês Hendrik Goltzius “St. Cecília". No entanto, o gravador não fez uma imagem espelhada da imagem no quadro, então tanto a gravura em si quanto o artista ficaram de cabeça para baixo - sua mão esquerda é muito mais desenvolvida que a direita, o que, é claro, não poderia ter sido um virginista daquele tempo. Existem milhares desses erros em gravuras. O olho de um não músico não percebe isso, mas o músico percebe imediatamente o erro do gravador.

Várias páginas maravilhosas cheias de sentimento entusiasmado foram dedicadas à música dos virginalistas ingleses pelo fundador do renascimento do cravo no século XX. a maravilhosa cravista polonesa Wanda Landowska: “Esvaindo de corações mais dignos que os nossos, e nutrida por canções folclóricas, a velha música inglesa - ardente ou serena, ingênua ou patética - canta a natureza e o amor. Ela exalta a vida. Se ela se volta para o misticismo, então ela glorifica a Deus. Inconfundivelmente magistral, é ao mesmo tempo espontâneo e ousado. Muitas vezes parece mais moderno do que o mais recente e melhor. Abra o seu coração ao encanto desta música, essencialmente desconhecida. Esqueça que ela é velha, e não pense que por causa disso ela é privada de sentimento humano.

Estas linhas foram escritas no início do século XX. Ao longo do século passado, muito foi feito para revelar e apreciar em sua totalidade a inestimável herança musical dos virginalistas. E que nomes são esses! Os compositores William Bird e John Bull, Martin Pearson e Gil Farnaby, John Munday e Thomas Morley...

Houve contatos estreitos entre a Inglaterra e a Holanda (já a gravura "Parthenia" testemunha isso). Os cravos e virginais dos mestres holandeses, especialmente da dinastia Ruckers, eram bem conhecidos na Inglaterra. Ao mesmo tempo, de uma maneira estranha, a própria Holanda não pode se gabar de uma escola de composição tão brilhante.

No continente, as escolas de cravo originais eram italianas, francesas e alemãs. Mencionaremos apenas três de seus principais representantes - François Couperin, Domenico Scarlatti e Johann Sebastian Bach.

Um dos sinais claros e óbvios do talento de um compositor excepcional (o que é verdade para qualquer compositor de qualquer época) é o desenvolvimento de seu próprio estilo de expressão, puramente pessoal e único. E na massa total de inúmeros escritores, não haverá tantos criadores verdadeiros. Esses três nomes certamente pertencem aos criadores. Cada um deles tem seu próprio estilo único.

François Couperin

François Couperin(1668–1733) - verdadeiro poeta cravo. Ele provavelmente poderia se considerar um homem feliz: todas (ou quase todas) suas obras para cravo, ou seja, exatamente o que compõe sua fama e importância mundial, foram publicadas por ele mesmo e formam quatro volumes. Assim, temos uma ideia exaustiva da sua herança cravo. O autor destas linhas teve a sorte de executar um ciclo completo de composições para cravo de Couperin em oito programas de concertos que foram apresentados em um festival de sua música realizado em Moscou sob o patrocínio do Sr. Pierre Morel, Embaixador da França na Rússia.

Lamento não poder pegar meu leitor pela mão, conduzi-lo ao cravo e tocar, por exemplo, a Máscara Francesa de Couperin ou as Máscaras Dominó. Quanto charme e beleza nele! Mas quanta profundidade psicológica também. Aqui, cada máscara é de uma determinada cor e - o que é muito importante - caráter. As observações do autor explicam as imagens e cores. São doze máscaras (e cores) no total, e elas aparecem em uma certa sequência.

Já tive uma vez uma razão para recordar esta peça de Couperin em conexão com a história do “Quadrado Negro” de K. Malevich (ver art. n.º 18/2007). O fato é que o esquema de cores de Couperin, começando pelo branco (a primeira variação, simbolizando a virgindade), termina com uma máscara preta (Fúria ou Desespero). Assim, dois criadores de épocas e artes diferentes criaram obras com um significado profundamente simbólico: para Couperin, este ciclo simboliza os períodos da vida humana - as idades de uma pessoa (doze para o número de meses, cada um para seis anos - isto é uma alegoria conhecida na época barroca). Como resultado, Couperin tem uma máscara preta, Malevich tem um quadrado preto. Em ambos, o aparecimento do preto é resultado da ação de muitas forças. Malevich declarou sem rodeios: "Considero o branco e o preto derivados de cores e esquemas de cores". Couperin apresentou-nos esta gama colorida.

É claro que Couperin tinha cravos maravilhosos à sua disposição. Isso não é surpreendente - afinal, ele era o cravista da corte de Luís XIV. Os instrumentos, com seu som, foram capazes de transmitir toda a profundidade das ideias do compositor.

Domenico Scarlatti(1685-1757). Este compositor tem um estilo completamente diferente, mas assim como Couperin, uma caligrafia inconfundível é o primeiro e óbvio sinal de gênio. Este nome está inextricavelmente ligado ao cravo. Embora em sua juventude Domenico tenha escrito músicas diferentes, ele posteriormente se tornou famoso precisamente como o autor de um grande número (555) sonatas para cravo. Scarlatti expandiu extraordinariamente as possibilidades de execução do cravo, introduziu um alcance virtuoso sem precedentes na técnica de tocá-lo.

Uma espécie de paralelo com Scarlatti na história posterior da música para piano é o trabalho de Franz Liszt, que, como você sabe, estudou especificamente as técnicas de execução de Domenico Scarlatti. (A propósito, já que estamos falando de paralelos com a arte do piano, Couperin também teve um herdeiro espiritual em certo sentido - este, é claro, foi F. Chopin.)

Na segunda metade de sua vida, Domenico Scarlatti (não confundir com seu pai, o famoso compositor de ópera italiano Alessandro Scarlatti) foi o cravista da corte da rainha espanhola Maria Bárbara, e a grande maioria de suas sonatas foram escritas especificamente para ela. . Podemos concluir com segurança que ela era uma excelente cravista se tocasse essas sonatas às vezes extremamente técnicas.

I. Vermeer de Delft. A garota do espineta. OK. 1670. Coleção particular

A este respeito, lembro-me de uma carta (1977) que recebi da notável cravista tcheca Zuzanna Ruzickova: “Caro Sr. Maikapar! Eu tenho um pedido para você. Como você sabe, há muito interesse em cravos autênticos agora, e há muita discussão em torno disso. Um dos documentos chave na discussão sobre estes instrumentos em ligação com D. Scarlatti é a pintura de Vanloo, que representa Maria Bárbara de Portugal, mulher de Filipe V. (Z. Ruzickova enganou-se - Maria Bárbara era mulher de Fernando VI , filho de Filipe V. - SOU.). Rafael Pouyana (um importante cravista francês contemporâneo - SOU.) acredita que o quadro foi pintado após a morte de Maria Bárbara e, portanto, não pode ser uma fonte histórica. A pintura está no Hermitage. Seria muito importante se você pudesse me enviar os documentos desta pintura.”

Fragmento. 1768. Hermitage, São Petersburgo

A pintura referida na carta é “Sexteto” de L.M. Vanloo (1768).

Encontra-se no Hermitage, no armazém do departamento de pintura francesa do século XVIII. Responsável de Departamento I.S. Nemilova, tendo aprendido sobre o propósito da minha visita, me acompanhou até uma grande sala, ou melhor, um salão, onde há pinturas que não foram incluídas na exposição principal. Quantas obras de grande interesse do ponto de vista da iconografia musical, ao que parece, são mantidas aqui! Um após o outro, apresentamos grandes molduras, nas quais foram instaladas 10 a 15 pinturas, e consideramos assuntos de nosso interesse. E finalmente, "Sexteto" L.M. Vanloo.

Segundo alguns relatos, esta pintura retrata a rainha espanhola Maria Bárbara. Se essa hipótese fosse comprovada, poderíamos ter um cravo tocado pelo próprio Scarlatti! Quais são as razões para reconhecer na cravista retratada na pintura de Vanloo, Maria Barbara? Em primeiro lugar, parece-me que existe de facto uma semelhança superficial entre a senhora aqui retratada e os conhecidos retratos de Maria Bárbara. Em segundo lugar, Vanloo viveu na corte espanhola por um tempo relativamente longo e, portanto, poderia pintar um quadro sobre um tema da vida da rainha. Em terceiro lugar, também é conhecido outro nome para a pintura - “Concerto Espanhol” e, em quarto lugar, alguns musicólogos estrangeiros (por exemplo, K. Zaks) estão convencidos de que Maria Barbara está na pintura.

Mas Nemilova, como Rafael Puyana, duvidou dessa hipótese. O quadro foi pintado em 1768, ou seja, doze anos após a saída do artista da Espanha e dez anos após a morte de Maria Bárbara. A história de sua ordem é conhecida: Catarina II transmitiu a Vanloo através do príncipe Golitsyn o desejo de ter uma pintura dele. Este trabalho veio imediatamente para São Petersburgo e foi mantido aqui o tempo todo, Golitsyn deu a Catarina como um "Concerto". Quanto ao nome “Spanish Concerto”, os trajes espanhóis em que os personagens são representados tiveram um papel em sua aparência e, como explicou Nemilova, são trajes teatrais, e não aqueles que estavam na moda.

W. Landowska

Na foto, claro, chama a atenção o cravo – um instrumento bimanual com característica da primeira metade do século XVIII. a coloração das teclas, o inverso do moderno (as que são pretas no piano são brancas neste cravo e vice-versa). Além disso, ainda carece de pedais para troca de registros, embora já fossem conhecidos na época. Esta melhoria é encontrada na maioria dos cravos de concerto de duplo manual modernos. A necessidade de trocar os registros manualmente ditava uma certa abordagem para a escolha do registro no cravo.

Atualmente, duas direções estão claramente definidas na prática performática: os defensores da primeira acreditam que todas as possibilidades modernas do instrumento devem ser usadas (tal opinião foi compartilhada, por exemplo, por V. Landowska e, a propósito, Zuzanna Ruzickova ), outros acreditam que ao tocar música antiga no cravo moderno, não se deve ir além daqueles meios de execução, com base nos quais os antigos mestres escreveram (como pensam Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, o mesmo Rafael Puyana e outros).

Por termos dado tanta atenção à pintura de Vanloo, notamos que o próprio artista, por sua vez, acabou sendo personagem de um retrato musical: a peça para cravo do compositor francês Jacques Dufly, que se chama “Vanloo”, é bem conhecido.

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685-1750). Sua herança de cravo é de valor excepcional. A minha experiência de tocar em concerto tudo o que Bach escreveu para este instrumento atesta que o seu legado cabe em quinze (!) programas de concerto. Ao mesmo tempo, os concertos para cravo e cordas devem ser contados separadamente, assim como a massa de obras em conjunto, que são impensáveis ​​sem o cravo.

Deve-se reconhecer que, apesar de toda a singularidade de Couperin e Scarlatti, cada um deles cultivou um estilo individual. Bach era universal. Os já mencionados "Concerto Italiano" e "Abertura Francesa" são exemplos do estudo de Bach sobre a música dessas escolas nacionais. E estes são apenas dois exemplos, em seus nomes refletindo a consciência de Bach. Aqui você pode adicionar seu ciclo de "Suítes Francesas". Pode-se especular sobre a influência inglesa em suas suítes inglesas. E quantas amostras musicais de diferentes estilos existem nas suas obras que não refletem isso em seus títulos, mas incluem na própria música! Desnecessário dizer, quão amplamente sua tradição nativa do cravo alemão é sintetizada em seu trabalho.

Não sabemos exatamente quais cravos Bach tocava, mas sabemos que ele se interessava por todas as inovações técnicas (inclusive no órgão). Seu interesse em expandir as possibilidades de execução do cravo e outros teclados é mais claramente demonstrado pelo famoso ciclo de prelúdios e fugas em todas as teclas "O Cravo Bem Temperado".

Bach era um verdadeiro mestre do cravo. I. Forkel, o primeiro biógrafo de Bach, relata: “Ninguém poderia substituir as penas gastas em seu cravo por novas para que ele ficasse satisfeito - ele mesmo o fez. Ele sempre afinava seu cravo, e era tão habilidoso nesse aspecto que a afinação nunca levava mais de um quarto de hora. Com seu método de afinação, todas as 24 teclas estavam à sua disposição e, improvisando, fazia com elas o que bem entendesse.

Já durante a vida do brilhante criador da música para cravo, o cravo começou a perder terreno. Em 1747, quando Bach visitou o rei da Prússia, Frederico o Grande, em Potsdam, deu-lhe um tema para improvisar, e Bach, aparentemente, já estava improvisando no "pianoforte" (como era chamado o novo instrumento na época) - um dos quatorze ou quinze, que foram feitos para o rei por um amigo de Bach, o famoso mestre de órgão Gottfried Zilberman. Bach aprovou seu som, embora antes não gostasse do piano.

Mozart ainda escrevia para o cravo em sua juventude, mas no geral seu trabalho com cravo é, é claro, direcionado ao pianoforte. Os editores das primeiras obras de Beethoven indicavam nas páginas de título que suas sonatas (pense nisso, até mesmo a Patética, publicada em 1799) eram destinadas "para cravo ou pianoforte". Os editores foram ao truque: não queriam perder aqueles clientes que tinham cravos velhos em suas casas. Mas cada vez mais frequentemente apenas o corpo permaneceu dos cravos: o "recheio" do cravo foi removido como desnecessário e substituído por um novo tipo de martelo, isto é, piano, mecânico.

Coloca-se a questão: porque é que este instrumento, que tinha uma história tão longa e um património artístico tão rico, existia no final do século XVIII. expulso da prática musical e substituído pelo piano? E não apenas forçado, mas completamente esquecido no século 19? E, afinal, não se pode dizer que quando esse processo de deslocamento do cravo começou, o piano era o melhor instrumento em suas qualidades. Muito pelo contrário! Carl Philipp Emanuel Bach, um dos filhos mais velhos de Johann Sebastian, escreveu seu concerto duplo para cravo e piano forte com orquestra, com o objetivo de demonstrar em primeira mão as vantagens do cravo sobre o piano.

Há apenas uma resposta: a vitória do piano sobre o cravo tornou-se possível sob condições de uma mudança radical nas preferências estéticas. A estética barroca, que se baseia ou em um conceito claramente formulado ou claramente sentido da teoria dos afetos (brevemente a essência: um humor, afetar, - uma tinta sonora), para o qual o cravo era um meio de expressão ideal, deu lugar primeiro à visão de mundo do sentimentalismo, depois a uma direção mais forte - classicismo e, finalmente, romantismo. Em todos esses estilos, o mais atraente e cultivado foi, ao contrário, a ideia mutabilidade- sentimentos, imagens, humores. E o piano foi capaz de expressar isso.

Este instrumento adquiriu um pedal com suas fantásticas capacidades e tornou-se capaz de criar incríveis subidas e descidas na sonoridade ( crescendo e diminuendo). O cravo não poderia fazer tudo isso em princípio - devido às peculiaridades de seu design.

Vamos parar e relembrar este momento para que possamos iniciar nossa próxima conversa com ele - sobre o piano e especificamente sobre o grande show piano de cauda, ou seja, o "instrumento real", o verdadeiro mestre de toda a música romântica.

Na nossa história, história e modernidade misturam-se, pois hoje o cravo e outros instrumentos desta família revelaram-se invulgarmente comuns e procurados devido ao enorme interesse pela música do Renascimento e do Barroco, ou seja, época em que surgiram e sobreviveram à sua idade de ouro.