Maksim Gorky. "No fundo"

“O estado do repertório de Gorky em nossos teatros inspira sérias preocupações. Parece que apresentações como "Yegor Bulychov" nos Vakhtangovites, "Inimigos" no Teatro de Arte de Moscou e muitas outras apresentações refutaram há muito tempo a lenda sobre a inanimidade das peças de Gorky. Enquanto isso, recentemente, começaram a se ouvir vozes de que o espectador, dizem, não está olhando para Gorky, que o interesse por seu drama desapareceu. O número de novas produções diminuiu e as peças estão rapidamente desaparecendo do repertório. "

Este foi o início de uma carta de S. Birman, B. Babochkin, P. Vasiliev e outras figuras teatrais ao conselho editorial de "Cultura Soviética", publicada pelo jornal em 3 de janeiro de 1957.

Gorky, como foi notado na carta, “é muitas vezes incluído no repertório“ para a atribuição ”, porque“ é necessário ”, sem confiança nele como artista, sem entusiasmo. E agora apareceu toda uma série de performances, desprovidas de buscas criativas, repetindo com várias variações as amostras teatrais clássicas criadas há um quarto de século, ou mesmo meio século atrás. A falta de profundidade psicológica das imagens, a solução plana e unilateral dos personagens, o enfraquecimento da tensão dos conflitos tornam muitas performances monótonas e mundanas. "

Ao longo dos longos anos de cooperação de Gorky com o teatro, tudo aconteceu. Mas nunca antes, talvez, a questão do destino das peças de Gorky no palco tivesse sido colocada de forma tão aguda e incisiva. Havia mais do que boas razões para isso. Basta dizer que durante o período militar e cerca de sete ou oito primeiros anos do pós-guerra, o número de estreias encenadas com base nas obras de Gorky em teatros russos diminuiu de cinco a seis vezes.

Os críticos de teatro dos anos 60 também se queixam da presença de um grande número de clichês de palco na encenação das peças de Gorky. Ela observa que uma iconostase maciça, um samovar, móveis pesados em interiores cuidadosamente cercados, uma farsa para o dialeto do Volga na fala dos heróis, traços característicos, um ritmo geral abrandado, etc., tornaram-se um acessório obrigatório para o Desempenho "mercantil" ou "burguês", ela observa.A interpretação das peças em si muitas vezes acaba sendo tão inanimada quanto o estêncil. “Em diferentes cidades e diferentes teatros”, lemos em um dos artigos, “começaram a aparecer performances que não reivindicavam qualquer independência de pensamento, por assim dizer, reproduzindo“ samples clássicos ”, mas permanecendo pálidas, cópias simplificadas dos originais. ”26. As apresentações de "Yegor Bulychov" em Omsk, Kazan, Orel foram citadas como exemplos ... A peça "At the Bottom" no Tula Theatre acabou sendo "um elenco lento do Teatro de Arte de Moscou".

No próprio Teatro de Arte de Moscou, a peça "At the Bottom", apresentada em 8 de outubro de 1966 pela 1530ª vez, acabou sendo, embora não lenta, mas ainda um elenco da famosa produção de 1902. Kostyleva, Vasilisa, Natasha, Ash, Klesh, Ator, Tatarina, Alyoshka - pela primeira vez, foram interpretados por V. Shilovsky, L. Skudatina, L. Zemlyanikina, V. Peshkin, S. Desnitsky, N. Penkov, V. Petrov. Luka ainda era interpretado por Mushrooms. G. Borisova falou sobre o jogo da seguinte maneira:

“Uma performance maravilhosa foi criada pelos jovens - muito quentes, sinceros, intensos, talentosos. As cores da performance foram renovadas, e soou, brilhou de novo ... ”27.

Outro crítico, Yu Smelkov, foi mais contido no elogio e mais próximo da realidade. Ele não negou as habilidades profissionais dos jovens atores, observou que eles dominavam as características encontradas por seus antecessores, acrescentou alguns de seus próprios detalhes, eram orgânicos e temperamentais. “Mas, estranhamente,” ele se perguntou, “as emoções que foram generosamente gastas no palco não voaram sobre a rampa. A peça não sarou com uma nova vida, não teve um novo sentido nela ... "Segundo ele, os jovens atores lutaram não pela própria atuação juvenil, não por uma interpretação moderna da peça clássica, mas" pela direito de copiar o que foi encontrado há sessenta anos. " Faltava o desempenho juvenil do Teatro de Arte de Moscou. talvez a coisa mais importante - uma leitura criativa e independente da peça.

Na literatura crítica daqueles anos, havia outra falha bastante comum na produção das peças de Gorky - um foco exclusivo no passado. Assim, V. Sechin criticou o Sverdlovsk Drama Theatre pelo fato de que na peça "A Burguesia" a burguesia foi interpretada "antes de tudo, e quase exclusivamente - como um fenômeno social do passado histórico". O autor do artigo está convencido de que hoje o filisteu interessa “não apenas como representante de um certo estrato de uma sociedade de classes, mas também como categoria moral, portador de certa moral humana e filosofia de vida. Nem todos os fios do filisteu foram cortados pela revolução, alguns - muito significativos - se estenderam desde a casa dos Bessemyonovs até nossos pequenos e grandes apartamentos ”29. Ele culpa o mesmo pecado no Drama Theatre Gorky (Nizhny Novgorod) por encenar "Fake Coin". E. Balatova, referindo-se a esta questão, em seu artigo “No Mundo de Gorky” enfatizou: “Em muitas produções, o poder acusatório da dramaturgia de Gorky foi teimosamente direcionado para o século passado. Nos odiados "burgueses", "residentes de verão", "bárbaros" ele viu apenas uma imagem das abominações do passado - nada mais. A performance de Gorky cada vez mais se transformava em uma ilustração para um livro de história ”30.

A orientação para o passado ao encenar as peças de Gorky já foi dita. D. Zolotnitsky, por exemplo, em seu artigo "Contemporary for Contemporaries" observou que diretores e críticos "com uma rara unanimidade entre eles consideravam as peças de Gorky como obras do passado, sobre um" passado maldito "muito distante e irrevogavelmente desaparecido. Foi até publicado um livro sobre o dramaturgo Gorky, onde duzentas fotografias foram impressas com as legendas: "Conservador no início do século XX", "Liberal no início do século XX ..." 31. (Trata-se, obviamente, do livro de M. Grigoriev "Gorky - dramaturgo e crítico". M., 1946.)

A orientação para o passado, como vimos, também era característica do ensino na escola.

Assim, no início dos anos 60, a comunidade teatral percebeu claramente a necessidade de uma nova leitura de Gorky. A história cênica das obras de Gorky em nosso teatro ao longo do último quarto de século é uma história de buscas, erros, delírios, alegrias e tristezas a caminho da modernidade.

A história do palco da peça At the Bottom é especialmente instrutiva. Existem razões especiais para isso.

Segundo a crónica compilada por S. S. Danilov, pode-se concluir que, antes da revolução, quase todas as temporadas teatrais traziam duas ou três estreias da peça At the Bottom em teatros provinciais da Rússia32.

Um interesse constante pela peça persistiu durante os anos da guerra civil e na primeira década após outubro. Assim, em 1917 houve apresentações no Teatro da Comédia de Riga e no Teatro da União dos Teatros Dramáticos de Petrogrado. Em 8 de novembro de 1918, a peça foi encenada no Teatro de Alexandria. Em 1920, as apresentações foram realizadas em Kazan, no palco nacional da Bielo-Rússia, no Kiev Academic Ucraniano Theatre. Posteriormente, as apresentações foram celebradas em Baku, no Leningrad Comedy Theatre, com a participação de Moskvin (1927).

Quanto aos teatros de Moscou, de acordo com os dados apresentados por Mogilevsky, Filippov e Rodionov33, a peça At the Bottom resistiu a 222 apresentações em 7 temporadas pós-outubro e ocupou o quarto lugar em número de espectadores - 188.425 pessoas. Este é um número bastante elevado. Para efeito de comparação, lembremos que a princesa Turandot, que quebrou o recorde de número de atuações - 407, foi assistida por 172.483 espectadores. "The Blue Bird" foi apresentada 288 vezes, "The Inspector General" - 218, "Twelfth Night" - 151, "Woe from Wit" - 106.

Além do Teatro de Arte, a peça "At the Bottom" foi encenada pelo teatro Rogozhsko-Simonovsky ("regional"), onde foi encenada com mais frequência do que outras peças durante a Guerra Civil.

Em suma, nos anos 20, a peça At the Bottom era muito popular tanto em Moscou quanto na periferia. No entanto, na década seguinte, a atenção a ele diminuiu significativamente. De 1928 a 1939 S.S.Danilov não marcou nenhum. estreias. O número de apresentações no próprio Teatro de Arte de Moscou também diminuiu. O famoso espetáculo só voltará à vida em 1937, após o 35º aniversário de sua permanência no palco. Não se pode dizer que esta peça desapareceu completamente do palco. Foi encenado, por exemplo, no Sverdlovsk Drama Theatre, no Nizhny Novgorod - Gorky Drama Theatre e alguns outros. No entanto, deve-se admitir que para No fundo foi o momento mais enfadonho.

No final dos anos 30, o interesse pela peça aumentará novamente, mas não por muito tempo. Ela pode ser vista nos palcos de Ryazan, Ulyanovsk, Stalingrado, Odessa, Tomsk, Chelyabinsk, Barnaul e algumas outras cidades34. A produção de FN Kaverin no Teatro Drama de Moscou em B. Ordynka também data dessa época. É curioso notar que na maioria das produções dessa época, Lucas foi "subestimado". Na maioria das vezes, ele era interpretado de forma simplista e unilateral: um mentiroso consolador, um vigarista. Para desacreditar Luka, FN Kaverin, por exemplo, introduz em sua performance uma série de cenas não escritas por Gorky: arrecadar dinheiro para o funeral de Anna, Luka roubo desse dinheiro35. Revisores e críticos daqueles anos empurraram os cinemas nesta direção, exigindo que os atores que desempenhavam o papel de Lucas expusessem o herói, mais astuto, furtivo, vigarista, etc.

Luka também foi desacreditado, "rebaixado" por truques puramente cômicos. Assim, no teatro convidado da Criméia, Luka foi mostrado como um velho agitado e desajeitado, e no Teatro Drama de Chelyabinsk - cômico e engraçado. O Tomsk Drama Theatre apresentou Luka no mesmo plano de vaudeville. A tendência reveladora para com Luka, santificada pela autoridade do próprio Gorky e retomada pela crítica daqueles anos, passou a ser considerada quase a única correta e teve certa influência em alguns performers desta função no Teatro de Arte, por exemplo. , MM Tarkhanov.

As apresentações com o ex-Luka não duraram muito nos palcos dos teatros. Depois de dois ou três anos na história do palco da peça de Gorky, surgiu novamente uma pausa, que durou quase quinze anos (isso, é claro, não se aplica ao Teatro de Arte de Moscou).

Na primeira metade dos anos cinquenta, o interesse pela peça renasce. É encenado em Kirovograd, Minsk, Kazan, Yaroslavl, Riga, Tashkent e algumas outras cidades. Nas próximas cinco ou seis temporadas teatrais, houve quase mais estréias dessa performance do que nas duas décadas anteriores. L. Vivienne e V. Ehrenberg em 1956 criaram uma nova produção da peça "At the Bottom" no Teatro Drama Acadêmico Estadual de Leningrado com o nome A. S. Pushkin, que foi um acontecimento na vida artística daqueles anos. Em 1957, a peça foi encenada pelos teatros Voronezh, Georgian, Kalinin e o teatro do Komi ASSR. Mais tarde, novas produções foram encenadas em Pskov, Ufa, Maikop e outras cidades.

Nos anos 60, às vésperas do centenário do escritor, o número de apresentações de peças de Gorky nos cinemas do país aumentou significativamente. O interesse pelo jogo At the Bottom também aumentou. A esse respeito, surgiu a questão com nova urgência sobre como representar essa famosa peça, especialmente o papel de Lucas. Deve-se notar que a essa altura a produção de Stanislavsky e Nemirovich-Danchenko no Teatro de Arte de Moscou para algumas figuras teatrais já havia deixado de parecer um modelo indiscutível. Eles começaram a pensar em encontrar uma abordagem nova e mais moderna para a peça.

No congresso teatral do jubileu realizado na terra natal do escritor, na cidade de Gorky, o famoso crítico de teatro NA Abalkin disse que se encontrarmos Gorky a meio caminho, então "é necessário reforçar na imagem de Luka o que foi concebido pelo autor - exposição da nocividade do consolo ”. 36.

NA Abalkin formulou claramente o conceito revelador que se tornou tradicional. No entanto, nem todos os artistas, diretores e críticos de teatro seguiram esse caminho. Eles também não queriam copiar a apresentação clássica do Teatro de Arte de Moscou.

As opiniões de L.P. Varpakhovsky não são indiscutíveis, mas seu desejo por uma nova encarnação da peça no palco é indiscutível e totalmente justificado. Foi parcialmente implementado por ele em sua produção da peça "At the Bottom", no Teatro Kiev, em homenagem a Lesya Ukrainka. Em sua performance, ele tentou fugir da tradicional solução histórica e cotidiana do tema e pelo próprio desenho deu à peça um caráter um tanto generalizado. Em vez do livro-texto Kostylevskaya bunkhouse com todos os seus atributos familiares a todo o mundo desde o palco do Art Theatre, fileiras de beliches, uma enorme gaiola montada em tábuas ásperas com muitas células, apareceu diante do espectador. Nas células, como nas células mortas, as pessoas. Eles são esmagados pela vida, expulsos dela, mas eles ainda estão vivos e esperam por algo. Luka é muito incomum - V. Khalatov, poderoso, de ombros largos, ponderoso, decidido ... Nenhum traço da gentileza usual de Luka permaneceu. Ele não veio ao abrigo para consolar, mas para animar as pessoas. Não se parece com uma "migalha desdentada". O inquieto e ativo Luka-Khalatov parece estar tentando mover esta gaiola de madeira volumosa de seu lugar, para alargar as estreitas passagens escuras do abrigo.

Os críticos, em geral, reagiram favoravelmente à tentativa de ler a peça de Gorky de uma nova maneira, mas permaneceram insatisfeitos com a imagem de Satin. E. Balatova escreveu:

“Essa performance poderia se tornar um exemplo de uma leitura verdadeiramente nova da peça, se não sentisse a ausência de um elo essencial. Todo o desenrolar dos acontecimentos nos remete ao cetim “hino ao homem”, mas, obviamente com medo do pathos franco deste monólogo, o realizador o “conteve” tanto que acaba por ser um momento igualmente perceptível na performance. E, em geral, a figura de Satin fica em segundo plano. O fracasso é significativo o suficiente, nos leva à questão de que o heroísmo do teatro Gorky, apagado por muitos anos de clichês dos livros didáticos, também precisa buscar a solução atual, nova e fresca ”38. A observação do crítico é bastante correta e oportuna.

O desempenho do povo de Kiev pode ser chamado de experimental. Mas, a esse respeito, os kievitas não estavam sozinhos. Muito antes deles, o Pushkin Leningrad Drama Theatre realizou um interessante trabalho de pesquisa, ao preparar a já referida produção de At the Bottom.

Excepcionalmente modesto, discretamente, sem cartazes veiculados, sem entrevistas publicitárias em jornais, entrou no repertório do Teatro Drama Acadêmico de Leningrado em homenagem a A. Pushkin na temporada teatral de 1956-57, a peça "At the Bottom" dirigida por L. Vivien e V. Ehrenberg. Ele não caminhava com frequência, mas era notado. Os telespectadores e críticos da época ficaram impressionados, em primeiro lugar, pelo subtexto humanístico claramente expresso da performance, o desejo de transmitir às pessoas a ideia favorita de Gorky de que "tudo está em uma pessoa, tudo é para uma pessoa". A atuação, infelizmente, não foi igual, mas graças à excelente atuação de Simonov (Satin), Tolubeev (Bubnov), Skorobogatov (Luka), a ideia de que por mais humilhada que uma pessoa fosse, o verdadeiramente humano ainda iria se impor ele e prevalecerá, como irrompeu na peça nos monólogos de Satin, na dança de Bubnov, na travessura alegre de Alyoshka ...

O design também contribuiu para o som romanticamente otimista e otimista da performance. Antes do início de cada ação, à luz das luzes apagadas e bruxuleantes do auditório, músicas russas amplas e gratuitas eram ouvidas, como se movendo as cortinas teatrais, evocando pensamentos sobre as extensões do Volga, sobre alguma outra vida que não a vida de "inútil". E o palco em si não criava a impressão de uma bolsa de pedra fechada por todos os lados do espaço. Das pesadas abóbadas de tijolo do flophouse Kostylevo, bem conhecido por todos pela famosa decoração do Art Theatre, apenas um espelho e uma pequena parte da abóbada do porão permaneceram. O próprio teto desapareceu, como se tivesse desaparecido na escuridão azulada. Uma escada de tábuas ásperas envolvendo o degrau leva para o ar.

Os diretores e artistas se esforçaram para mostrar não só os horrores do "fundo", mas também como nessas condições quase desumanas o sentimento de protesto amadurece e se acumula lenta mas continuamente. N. Simonov, de acordo com o testemunho dos revisores, jogou o pensamento e o sentimento agudo de Cetim. De muitas maneiras, ele conseguiu transmitir o próprio nascimento do pensamento do herói sobre a dignidade, a força e o orgulho de uma pessoa.

Bubnov interpretado por Tolubeev, como eles escreveram então, não teve nada a ver com o comentarista sombrio, amargo e cínico do que estava acontecendo, que esse personagem era freqüentemente retratado em outras apresentações. Parecia a alguns que uma espécie de Alyoshka sem idade estava despertando nele. A interpretação de Luka por K. Skorobogatov também se revelou incomum.

K. Skorobogatov é um admirador convicto e de longa data do talento de Gorky como dramaturgo. Mesmo antes da guerra, ele interpretou Bulychov e Dostigaev no Teatro Dramático Bolshoi, e Antipa ("Os Zykovs") no Teatro Drama Acadêmico Pushkin. Ele também interpretou Luca, mas na produção de 1956 ele considerou esse papel o último. Não foi à toa que Skorobogatov admitiu em um de seus artigos: "Talvez nenhuma outra imagem pudesse fornecer um material tão nobre para generalizações filosóficas como esta."

Luka K. Skorobogatova é despretensioso, profissional, corajoso, inquieto e humano. Não há malícia em sua atitude para com as pessoas. Ele está convencido de que a vida não é normalmente organizada e, sinceramente, de todo o coração, deseja ajudar as pessoas. O executor das palavras do herói: "Bem, pelo menos vou colocar uma liteira aqui", - interpretou alegoricamente: "Bem, pelo menos vou limpar suas almas." Skorobogatov costumava estar muito longe da exposição externa do "velho perverso", mas agora seu Lucas, lemos nele. uma das resenhas engana e consola com inspiração, como um poeta que acredita na própria ficção e influencia contagiosamente ouvintes simples, ingênuos e sinceros.

A iniciativa dos Leningradianos foi contagiosa. Nos anos 60, além do povo de Kiev, novas formas de jogar são buscadas em Arkhangelsk, Gorky, Smolensk, Kirov, Vladivostok e outras cidades. O mesmo tempo também se aplica. encenando "At the Bottom" no "Sovremennik" de Moscou. Pode-se dizer sem exagero que nunca antes em nossos teatros esta peça foi submetida a experimentações tão difundidas como naquela época. Outra questão é até que ponto essa experimentação foi deliberada e teoricamente fundamentada, mas o desejo de se afastar do modelo de livro didático do Teatro de Arte de Moscou era claramente visível em muitas produções.

Assim, no Teatro Dramático de Vladivostok, a peça At the Bottom foi representada como um duelo de verdade e mentira. O diretor da peça V. Golikov subordinou todo o curso de ação e o próprio desenho à conhecida afirmação de AM Gorky sobre o conteúdo ideológico da peça: “... A principal questão que eu queria colocar era qual é melhor: verdade ou compaixão? O que é mais necessário? " Essas palavras soaram por trás da cortina antes do início da performance como uma espécie de epígrafe para toda a produção. Eles foram acompanhados por uma pequena mas significativa pausa e terminou com um grito humano de partir o coração. No palco, em vez de beliches, há cubos de vários tamanhos cobertos por uma tela de popa. Do meio do palco, uma escada subia quase até as grades. Ela serviu de sinal, um símbolo da profundidade do “fundo” onde os heróis se encontravam. Os acessórios domésticos são reduzidos ao mínimo. Os sinais da miséria da noite de hospedagem são dados condicionalmente: o Barão tem furos nas luvas, um cachecol sujo em volta do pescoço do ator, o resto do figurino está limpo. Na peça, tudo - sejam eventos, personagens, cenários - é visto como uma discussão em uma disputa.

Luka interpretado por N. Krylov não é um hipócrita ou egoísta. Não há nada nele que "fundamentaria" esta imagem. De acordo com F. Chernov, que analisou essa performance, Luka N. Krylova é um velho benevolente com cabelos brancos como a neve e uma camisa limpa. Ele sinceramente gostaria de ajudar as pessoas, mas, sábio na vida, sabe que isso é impossível, e com um sonho soporífero os distrai de tudo que é doloroso, doloroso, sujo. “A mentira de tal Lucas, não oprimido por quaisquer vícios pessoais de seu portador, aparece, por assim dizer, em sua forma mais pura, na versão mais 'bem-aventurada'. É por isso que a conclusão sobre a fatalidade da mentira, que decorre da performance, - conclui o revisor, - adquire o sentido de uma verdade invencível ”40.

No entanto, uma performance concebida de maneira interessante era repleta de grande perigo. O fato é que os diretores e artistas não buscavam tanto a verdade, mas demonstravam a tese sobre a nocividade do consolo e da mentira. Os heróis da “base” nesta performance foram condenados antecipadamente. Eles são arrancados, isolados do mundo. A escada gigante, embora subisse bem, não tirou nenhum dos habitantes do “fundo” a parte alguma. Ela apenas enfatizou a profundidade das favelas Kostyle e a futilidade de Satin, Ashes e outras tentativas de sair do porão. Uma contradição clara e, em essência, insolúvel surgiu entre a liberdade de pensamento e a condenação e desamparo predeterminados de uma pessoa que se encontrava no fundo de sua vida. A propósito, vimos a escadaria do palco do teatro de Leningrado, mas ali ela fortaleceu o som otimista da peça. Em geral, esse atributo foi usado por Richard Valentin no design da famosa peça de Reinhardt "At the Bottom".

Essa ideia também foi a base da produção de L. Shcheglov no Smolensk Drama Theatre. L. Shcheglov apresentou o mundo dos maltrapilhos Gorky como um mundo de alienação. Aqui todo mundo vive sozinho, sozinho. As pessoas estão desunidas. Lucas é o apóstolo da alienação, pois está sinceramente convencido de que todos devem lutar apenas por si mesmos. Luka (S. Cherednikov) - de acordo com o testemunho do autor da crítica, O. Korneva, é uma planta enorme, um velho robusto, com o rosto vermelho, envelhecido e queimado pelo sol. Ele entra no abrigo não de lado, não silenciosamente e imperceptivelmente, mas ruidosamente, ruidosamente, com passos largos. Ele não é um consolador, mas ... uma chupeta, domador da rebelião humana, de cada impulso, de cada ansiedade. Ele persistentemente, até mesmo teimosamente, diz a Anna sobre a paz que supostamente a aguarda após a morte, e quando Anna interpreta as palavras do velho à sua maneira e expressa seu desejo de sofrer aqui na terra, Luke, o crítico escreve, “apenas ordena que ela morrer ”41.

O cetim, por outro lado, busca unir esse povo miserável. “Aos poucos, diante de nossos olhos”, lemos na resenha, “nos seres humanos, separados pelas circunstâncias, abandonados aqui pela vontade, um sentimento de camaradagem, um desejo de se entender, uma consciência da necessidade de viver juntos começa para despertar."

A ideia de superação da alienação, que por si só é interessante, não encontrou expressão suficientemente fundamentada na peça. Ao longo de toda a ação, ela não conseguiu abafar a impressão da batida fria e desapaixonada do metrônomo, que soou na escuridão do auditório e contou os segundos, minutos e horas de vida humana existindo sozinha. A manifestação do conceito também não conduziu a alguns métodos convencionais de configuração da performance, que foram concebidos mais para o efeito da percepção do que para o desenvolvimento da ideia principal da performance. Os artistas são excepcionalmente jovens. Seus trajes modernos são completamente diferentes dos trapos pitorescos dos vagabundos Gorky, e jeans em cetim e calças estilosas no Barão confundiram até mesmo os mais livres de críticos e espectadores preconceituosos, especialmente porque alguns dos personagens (Bubnov, Klesh) apareceram disfarçados de artesãos da época, e Vasilisa apareceu com as roupas da esposa de um comerciante Kustodian.

O Teatro Arkhangelsk Lomonosov (dirigido por V. Terentyev) teve como base para sua produção a ideia favorita de Gorky de uma atitude atenta para com cada ser humano individualmente. As pessoas do “fundo” na interpretação dos artistas de Arkhangelsk não se importam muito com sua posição externa de vagabundos e “sem valor”. " Sua principal característica é uma luta inerradicável pela liberdade. De acordo com E. Balatova, que analisou esta performance, “não é aglomeração, não é aglomeração que torna a vida neste abrigo insuportável. Alguma coisa de dentro explode a todos, explode em palavras desajeitadas, ásperas, desajeitadas ”42. Tick (N. Tenditny) está correndo, Nastya (O. Ukolova) está balançando fortemente, Ash (E. Pavlovsky) está se mexendo, pronto para fugir para a Sibéria ... Luka e Satin não são antípodas, eles estão unidos por uma curiosidade aguda e genuína sobre as pessoas. No entanto, também não foram inimigos nas atuações de outros teatros. Luka (B. Gorshenin) observa atentamente os abrigos noturnos, observa E. Balatova em sua resenha, condescendente, voluntária e às vezes maliciosamente "alimentando-os" com sua experiência cotidiana. Satin (S. Plotnikov) passa facilmente da irritação irritante às tentativas de despertar algo humano nas almas endurecidas de seus camaradas. O revisor conclui que uma atitude atenta para viver os destinos humanos, e não ideias abstratas, deu à performance um “frescor especial”, e dessa “corrente quente de humanidade nasce um ritmo agitado, rápido e profundamente emocional de toda a performance”.

Em alguns aspectos, a atuação do Kirov Drama Theatre também foi curiosa, e um artigo muito elogiável sobre ele apareceu na revista Teatr 43. A peça foi exibida no All-Union Gorky Theatre Festival na primavera de 1968 em Nizhny Novgorod (na época a cidade de Gorky) e recebeu uma avaliação mais contida e objetiva44. Na presença de achados indiscutíveis, a intenção do diretor era muito rebuscada, virando o conteúdo da peça do avesso. Se a ideia principal da peça pode ser expressa pelas palavras “você não pode viver assim”, o diretor queria dizer algo exatamente o contrário: você pode viver assim, porque não há limite para a adaptabilidade de uma pessoa ao infortúnio. Cada um dos protagonistas confirmou esta tese inicial usando seu próprio modelo. Baron (A. Starochkin) demonstrou suas qualidades de cafetão, mostrou seu poder sobre Nastya; Natasha (T. Klinova) - suspeita, desconfiança; Bubnov (R. Ayupov) - uma aversão odiosa e cínica por si mesmo e pelas outras pessoas, e todos juntos - desunião, indiferença para com os problemas próprios e de outras pessoas.

Luka I. Tomkevich irrompe neste mundo sufocante e sombrio, possuído, zangado, ativo. De acordo com I. Romanovich, ele "traz consigo o sopro poderoso da Rússia, seu povo desperto". Mas Satin desbotou completamente e se tornou a figura mais ineficaz da performance. Uma interpretação tão inesperada, que torna Lucas quase um Petrel, e de Cetim - apenas um comum mais afiado, não é de forma alguma justificada pelo próprio conteúdo da peça. A tentativa do diretor de complementar Gorky, de "ampliar" os textos das falas do autor (espancar uma velha colegial, brigar, perseguir vigaristas etc.) também não recebeu respaldo nas críticas.

As mais notáveis durante esses anos foram duas apresentações - na terra natal do artista, em Nizhny Novgorod, e em Moscou, no Sovremennik Theatre.

A peça At the Bottom no Gorky Academic Drama Theatre em homenagem a A. M. Gorky, premiada com o Prêmio Estadual da URSS e reconhecida como uma das melhores no festival de teatro em 1968, foi de fato interessante e instrutiva em muitos aspectos. Ao mesmo tempo, ele causou polêmica nos círculos teatrais e na imprensa. Alguns críticos e resenhistas de teatro viram uma virtude no esforço do teatro de ler a peça de uma maneira nova, enquanto outros, pelo contrário, uma desvantagem. I. Vishnevskaya deu as boas-vindas à ousadia de Nizhny Novgorod, e N. Barsukov se opôs à modernização da peça.

Ao avaliar esta produção (diretor B. Voronov, artista V. Gerasimenko) I. Vishnevskaya partiu de uma ideia humanística geral. Hoje, quando as boas relações humanas estão se tornando o critério do verdadeiro progresso, ela escreveu, poderia o Luka de Gorky estar conosco, não deveríamos ouvi-lo novamente, separando o conto da verdade, a mentira da gentileza? Na opinião dela, Lucas chegava às pessoas com o bem, com um pedido para não ofender ninguém. Foi esse Luka que ela viu interpretado por N. Levkoyev. Ela relacionou sua brincadeira com as tradições do grande Moskvin; bondade Lucas atribuiu um efeito benéfico às almas dos inquilinos. “E o mais interessante nesta performance”, concluiu, “é a proximidade de Satin e Luka, ou melhor, o nascimento daquele Satin que amamos e conhecemos, logo após o encontro com Luka” 46.

N. Barsukov defendeu uma abordagem histórica para a peça e valorizada na performance, antes de mais nada, o que faz o auditório sentir “o século passado”. Ele admite que Levkoevsky Luka é “um velho simples, caloroso e sorridente”, que “evoca o desejo de estar sozinho com ele, de ouvir suas histórias de vida, sobre o poder da humanidade e da verdade”. Mas ele se opõe a tomar como padrão a interpretação humanística da imagem de Luka, vinda de Moskvin para o palco. Em sua profunda convicção, por mais sincero que Lucas possa ser apresentado, o bem que ele prega é inativo e prejudicial. Ele também é contra ver entre Satin e Luka "algum tipo de harmonia", já que existe um conflito entre eles. Ele também discorda da afirmação de Vishnevskaya de que o suposto suicídio do Ator não é fraqueza, mas "um ato de limpeza moral". O próprio Lucas, "confiando na humanidade abstrata, mostra-se indefeso e forçado a deixar aqueles de quem gosta" 47.

Na disputa entre as críticas, os editores da revista se posicionaram ao lado de N. Barsukov, acreditando que sua visão sobre o problema dos "clássicos e da modernidade" é mais correta. No entanto, a disputa não para por aí. A atuação foi destaque no referido festival de Gorky. Novos artigos sobre ele apareceram na Literaturnaya Gazeta, na revista Teatr e em outras publicações. Os artistas aderiram à polêmica.

N. A. Levkoev, Artista do Povo da RSFSR, intérprete do papel de Lucas, disse:

“Considero Luka principalmente um filantropo.

Tem uma necessidade orgânica de fazer o bem, ama uma pessoa, sofre ao vê-la esmagada pela injustiça social e procura ajudá-la no que pode.

... Cada um de nós tem traços separados do caráter de Lucas, sem os quais simplesmente não temos o direito de viver. Luke diz - aquele que crê encontrará. Recordemos a letra do nosso canto, que trovejou em todo o mundo: «Quem procura, sempre encontrará». Luke diz que quem quer algo difícil sempre vai conseguir. É aí que está, modernidade ”48.

Descrevendo a produção de At the Bottom no Gorky Drama Theatre, Vl. Pimenov sublinhou: “Esta performance é boa porque percebemos o conteúdo da peça de uma forma nova, a psicologia das pessoas do“ fundo ”. Claro que se pode interpretar o programa de vida de Luka de uma forma diferente, mas gosto de Luka Levkoeva, que ele interpretou bem, de forma sincera, sem rejeitar, no entanto, completamente o conceito que agora existe como reconhecido, como livro didático. Sim, Gorky escreveu que Luka não tinha nada de bom, ele era apenas um enganador. No entanto, parece que o escritor jamais teria proibido a busca de novas soluções nas personagens dos heróis de suas peças ”49.

Aliás, em seu artigo sobre a peça, publicado na Literaturnaya Gazeta, Vl. Pimenov abordou o jogo e outro intérprete do papel de Luka entre os residentes de Gorky - V. Dvorzhetsky. Segundo ele, Dvorzhetsky “retrata Luka como um pregador profissional. Ele é mais seco, mais rígido, simplesmente aceita e acrescenta à alma os pecados e as angústias alheias ... ”.

O crítico apreciou muito a imagem de Satin, criada por V. Samoilov. Ele “não é um orador que proclama solenemente verdades altas, este Satin em Samoilov é um homem com um destino específico, paixões vivas, próximo e compreensível para as pessoas do albergue ... Olhando para Satin-Samoilov, você entende que é nesta peça de Gorky que muitos começos do drama intelectual são colocados a modernidade "50. Ator (N. Voloshin), Bubnov (N. Khlibko), Tick (E. Novikov) estão perto de Satin. São pessoas "com dignidade humana ainda não destruídas até o fim".

Na edição de maio da revista "Theatre" de 1968, havia um artigo detalhado e em muitos aspectos interessante de V. Sechin "Gorky" à moda antiga. " Depois de reprovar o Sverdlovsk Drama Theatre pelo fato de que em seu "Bourgeois" ele trata o filistinismo "principalmente e quase exclusivamente - como um fenômeno social do passado histórico", ele se concentra na produção de Nizhny Novgorod de "At the Bottom" e no disputa entre Barsukov e Vishnevskaya principalmente toma o lado deste último ...

Em sua opinião, o Levkoevsky Lucas, a quem ele valoriza muito, não é um "pregador nocivo" e não é religioso. A palavra preferida de Lucas não é “deus”, que ele dificilmente chama, mas “homem”, e “o que era considerado prerrogativa de Cetim é na verdade a essência da imagem de Lucas” 51. Segundo a crítica, durante a atuação “Luka não mente para ninguém e não engana ninguém”. “É geralmente aceito”, observa o autor. - que por causa do conselho de Lucas, tudo acaba tragicamente e a vida dos albergues não só não muda para melhor, como se torna ainda pior. Mas nenhum deles age de acordo com o conselho de Lucas! ”52.

O cetim na peça, e em essência, é uma espécie de oposto de Luca. Luke avisa Ash e Satin incita. Satin Samoilova é desafiadoramente pitoresco.

Há "a vulnerabilidade de Mefistófeles nele, como se ele não pudesse perdoar o mundo por estar condenado a ser um destruidor, não um criador" 53.

Um evento significativo na história do palco de At the Bottom foi a produção no Moscow Sovremennik. Diretor - G. Volchek, artista - P. Kirillov.

O caráter geral da apresentação foi definido com bastante precisão por I. Solovyova e V. Shitova: as pessoas são como as pessoas comuns, e cada pessoa vale seu próprio preço; e a vida aqui é como a vida, uma das variantes da vida russa; e os abrigos noturnos - “não humanos que acendem espontaneamente lixo, não lixo podre, não casca, mas gente espancada, amassada, mas não gasta, - com sua própria marca, ainda perceptível em todos” 54.

Eles são excepcionalmente jovens, decentes à sua maneira, não são organizados na vida noturna, não agitam seus trapos, não criam horrores. E seu porão não parece uma caverna, ou uma sarjeta, ou um poço sem fundo. Este é apenas um refúgio temporário, onde, pelas circunstâncias, acabaram, mas não vão ficar. Eles pouco se importam em ser como os abrigos noturnos do mercado Khitrov ou os habitantes de Nizhny Novgorod Millionka. Preocupam-se com algum pensamento mais importante, a ideia de que todos são pessoas, de que o principal não está na situação, mas nas relações reais entre as pessoas, nessa liberdade interior de espírito, que se encontra até no “fundo”. Os artistas do "Sovremennik" se esforçam para criar no palco não tipos, mas imagens de pessoas sensíveis, pensantes, facilmente vulneráveis e sem "canecas da paixão". O barão interpretado por A. Myagkov é o menos parecido com um cafetão tradicional. Em sua atitude para com Nastya, um calor humano latente aparece. Bubnov (P. Shcherbakov) também esconde sob o cinismo algo, na verdade, muito gentil, e Vaska Ashes (O. Dal) tem realmente vergonha de ofender o Barão, embora, talvez, ele merecesse. Luka Igor Kvasha não brinca com gentileza, ele é realmente gentil, senão por natureza, pelo menos por sua convicção mais profunda. Sua fé na força mental inesgotável do homem é inerradicável, e ele mesmo, de acordo com a observação correta dos críticos, "se curvará, experimentará toda a dor, manterá uma memória humilhante disso - e se endireitará". Ele cederá, mas não recuará. Satin (E. Evstigneev) irá longe no ceticismo, mas no momento certo se interromperá em uma frase familiar e redescobrirá para si e para os outros que é necessário não se arrepender, mas respeitar uma pessoa. O conceito profundamente humanístico da performance aproxima tanto performers quanto espectadores do principal - superar a ideia de “fundo”, compreender aquela verdadeira liberdade de espírito, sem a qual a vida real é impossível.

A peça, infelizmente, para por aí e não revela totalmente as possibilidades potenciais inerentes à peça. A tendenciosidade da peça, como A. Obraztsova, um dos primeiros críticos da peça, também observou, é mais ampla, mais profunda, filosoficamente mais significativa do que a tendenciosidade de sua interpretação cênica. “Na peça, não se sente o suficiente o clima de uma disputa filosófica complexa e responsável ... Uma superabundância de sensibilidade às vezes torna difícil refletir sobre alguns pensamentos importantes. As forças em discussão nem sempre estão claramente posicionadas ... ”55.

A. Obraztsova, apreciando muito a performance como um todo, não ficou inteiramente satisfeita com a revelação do conteúdo filosófico e intelectual da peça. Permanecendo fisicamente no fundo da vida, os heróis de Gorky em suas mentes já estão surgindo do fundo da vida. Eles compreendem liberdade de responsabilidade ("a pessoa paga por tudo por si mesma"), liberdade de propósito ("a pessoa nasce para o melhor"), estão próximos da liberação da percepção anárquica e da interpretação da liberdade, mas tudo isso, de acordo com o crítico, "não se encaixava" na performance. Principalmente nesse sentido, a final não foi um sucesso.

Na opinião de V. Sechin, o finale também não deu certo na atuação do Gorky Drama Theatre.

“Mas Luke se foi. Nightcrawlers estão bebendo. E o teatro cria uma atmosfera pesada, cheia de drama, de bebedeira. Ainda não há um sentimento genuíno de uma explosão pré-trovoada, mas parece que a tarefa dos futuros diretores de At the Bottom será justamente colocar os abrigos noturnos do quarto ato à beira de estarem prontos para as ações mais ativas : ainda não está claro o que cada um deles pode fazer, mas uma coisa é certa - é impossível viver assim, algo deve ser feito. E então a música “O sol nasce e se põe” não será épico-calma e pacífica, como nesta performance, mas, ao contrário, será um sinal de prontidão para a ação ”56.

A produção de At the Bottom no Sovremennik de Moscou não provocou nenhuma controvérsia particular ou polêmica na crítica teatral, semelhante àquela em torno da produção de Gorky. Aparentemente, isso se explica pelo fato de que a atuação dos moscovitas foi mais definida e completa, tanto nos detalhes quanto no desenho geral, do que a de seus colegas provinciais. Os últimos estavam, por assim dizer, a meio caminho de uma nova leitura da peça e não estavam tão determinados a fazê-lo. Muito para eles se desenvolveu espontaneamente, graças às personalidades brilhantes dos intérpretes. Isso se aplica principalmente às principais figuras da peça, Samoilov - Satin e Levkoev - Luka. O finale estava claramente em desarmonia com aqueles impulsos de humanidade, que constituíam a própria essência da performance. Na interpretação dos moradores de Gorky, o final acabou se revelando ainda mais tradicional do que quase as soluções mais tradicionais, já que fechava quase que hermeticamente todas as saídas para os moradores do albergue.

Ao mesmo tempo, a atuação dos moradores de Gorky naqueles anos acabou sendo, talvez, a única em que não havia, ou melhor, nenhuma intencionalidade do diretor se fez sentir. Partindo da tradicional experiência de retratar gente do "fundo", inspirada na famosa produção de Stanislávski e acumulada por seu teatro, de cujo palco a famosa peça não saía muitos anos antes, B. Voronov e sua trupe encontraram algo novo simplesmente, naturalmente, sem um objetivo premeditado. Críticos controversos encontraram facilmente o que queriam na peça.

Freqüentemente, eles avaliam o mesmo fenômeno de maneira exatamente oposta. Assim, na opinião de alguns, o Tick realizado por E. Novikov "ganha liberdade na mesa comum do flophouse", enquanto outros, olhando para o mesmo jogo, objetaram que ele, Tick, ainda "não se funde com o flophouse , seu riacho lamacento. "

Assim, os anos 60 foram uma etapa importante na história do palco da peça At the Bottom. Eles confirmaram a vitalidade da obra, sua contemporaneidade e as possibilidades cênicas inesgotáveis do drama de Gorky. As apresentações do Leningrado Drama Theatre em homenagem a AS Pushkin, o Gorky Drama Theatre em homenagem a A. M. Gorky, o Moscow Sovremennik Theatre revelaram o conteúdo humanístico da peça “At the Bottom” de uma nova maneira. Também houve tentativas interessantes de ler a famosa peça à sua maneira em Kiev, Vladivostok, Smolensk, Arkhangelsk e algumas outras cidades. Após muitos anos de negligência de nossos teatros com essa peça de Gorky, os anos 60 foram triunfantes para ela. Infelizmente, os sucessos alcançados no palco não se desenvolveram na década seguinte. Assim que os dias do jubileu de Gorky acabaram, as performances começaram a "se estabilizar", "se desgastar", envelhecer ou até mesmo desaparecer completamente do palco - em vez de seguir em frente, em direção aos dias atuais.

Qual é a razão?

Em qualquer coisa, mas não na perda de interesse pela peça por parte do espectador.

Por exemplo, a peça "At the Bottom" no Gorky Drama Theatre foi apresentada durante onze anos e todos esses anos desfrutaram de constante atenção do público. Isso pode ser visto na seguinte tabela estatística.

Devemos parar por aqui.

Um dos motivos foi a imprudência e a pressa com que as apresentações do jubileu foram preparadas. Apesar de toda a sua simplicidade externa e despretensão, a peça At the Bottom é multidimensional, multifacetada e cheia do significado filosófico mais profundo. Nossos diretores durante esses anos experimentaram muito e com ousadia, mas nem sempre fundamentaram adequadamente seus experimentos. Os críticos, no entanto, exaltaram imensamente empreendimentos teatrais, como foi o caso, por exemplo, com a produção no Kirov Drama Theatre, ou os submeteram a uma condenação irracional e nas tentativas dos teatros de ler Gorky de uma nova maneira eles não viram nada além uma contradição com o desenvolvimento da nossa literatura e de toda a nossa arte ”.

A peça "At the Bottom" não teve muita sorte com as críticas.

O primeiro e, talvez, o mais tendencioso e severo crítico dela foi o próprio Maxim Gorky.

Em conversa com um funcionário da St. Petersburg Vedomosti, Gorky repetirá e reforçará o que foi dito.

“Gorky reconheceu abertamente sua criação dramática como uma obra fracassada, estranha em conceito tanto à visão de mundo de Gorky quanto a seus humores literários anteriores. A textura da peça não corresponde de forma alguma à sua construção final. Segundo a ideia principal do autor, Lucas, por exemplo, era considerado um tipo negativo. Em contraste, era para dar um tipo positivo - Satin, o verdadeiro herói da peça, o alter ego de Gorky. Na realidade, tudo deu-se ao contrário: Lucas, com o seu filosofar, tornou-se um tipo positivo, e Cetim, inesperadamente para si, viu-se no papel de choramingo dolorido de Luka ”58.

Passará um pouco mais de tempo e a confissão de outro autor aparecerá no "jornal de Petersburgo":

“- É verdade que você mesmo está insatisfeito com o seu trabalho? - Sim, a peça está mal escrita. Não tem oposição ao que Lucas diz; A principal questão que eu sou. queria colocar - o que é melhor, verdade ou compaixão? O que é mais necessário? É necessário trazer compaixão a ponto de usar mentiras como Lucas? Esta não é uma questão subjetiva, mas filosófica geral. Lucas é o representante da compaixão e até mesmo da mentira como meio de salvação, mas não há representantes da verdade na peça contra a oposição da pregação de Lucas. Tick, Baron, Ashes - esses são os fatos da vida, mas é preciso distinguir os fatos da verdade. Eles estão longe de ser a mesma coisa. Bubnov está protestando contra a mentira. " E, ainda, que “as simpatias do autor“ No fundo ”não estão do lado dos pregadores da mentira e da compaixão, mas, pelo contrário, do lado daqueles que lutam pela verdade” 59.

Com o passar dos anos, a atitude negativa em relação à peça por parte de seu autor não só não enfraquecerá, como até se intensificará.

Em The Life of Klim Samgin, até Dronov, que geralmente gosta da peça, vai chamá-la de “a peça mais ingênua”. Quanto aos outros heróis, eles condenam direta e inequivocamente esta obra de Gorky.

Dmitry Samgin diz a Klim: “Mas eu não gostei da peça, não há nada nela, apenas palavras. Feuilleton sobre o tema do humanismo. E - surpreendentemente na hora errada, esse humanismo, se aqueceu para o anarquismo! Em geral, química ruim. " Um certo Depsames dirá sobre ela assim: "Você olha o teatro dos vagabundos e pensa em achar ouro na lama, mas não tem ouro, tem pirita, é feito ácido sulfúrico, pra que as ciumentas borrifassem aos olhos de seus disputantes ... "

Claro, as declarações dos heróis de The Life of Klim Samgin sobre a peça "At the Bottom" e sobre "inúteis", vagabundos e vagabundos refletiam aquela confusão crítica, aquele "tumulto da época", que era característico de pré- disputas revolucionárias sobre a peça. Mas Gorky escreve um artigo "On Plays" (1933), no qual não deixa dúvidas sobre sua atitude em "At the Bottom": "De tudo o que disse sobre esta peça, espero que esteja claro até que ponto ela não teve sucesso. , nele as observações estabelecidas acima e quão fraco é "enredo". “No fundo”, a peça está desatualizada e, possivelmente, até prejudicial hoje ”(26, 425).

A atitude implacável de Gorky para com suas próprias criações é bem conhecida. SI Sukhikh, que investigou especialmente esta questão, calculou que os textos de Gorky publicados "contêm mais de duzentas declarações do escritor sobre si mesmo, e quase todas elas - com raras exceções - têm um caráter agudamente crítico". Em apoio à sua conclusão, ele cita uma série de respostas do artista às suas obras: “Chelkash” é uma história desajeitada ”(29, 436); a história do programa “O Leitor” dos anos 90 - “uma coisa muito caótica” (25.352); "Que coisa nojenta esse meu" Leitor "!" (28, 247); "Foma Gordeev" - "Desisti com" Foma ". O próprio Foma é chato ... E há muitos supérfluos nessa história "(28, 92) ..." Mãe "-" o livro é muito ruim, escrito em estado de paixão e irritação * com intenções de agitação ".. . "Burguês" - "a peça é incrivelmente enfadonha ... Longa, enfadonha e absurda" (28, 272).

A partir dos materiais citados pelo pesquisador, pode-se perceber que, mesmo tendo como pano de fundo os julgamentos pouco lisonjeiros de Gorky sobre suas próprias criações, sua atitude em relação a At the Bottom era de alguma forma especialmente cruel. Isso teve consequências. Os diretores e diretores da década de 1930 perderam o interesse pela peça. Não é à toa que o prefácio de uma das coleções dedicadas a esta obra diz: “No fundo” nos últimos anos, com exceção do Teatro de Arte de Moscou, não apareceu em nosso palco ”61. No próprio Teatro de Arte, a peça era encenada com menos frequência do que o normal naquela época. Essa caracterização depreciativa causou uma impressão particularmente forte nas críticas.

A crítica dos anos 20 em relação a No fundo, francamente, foi escassa e de pouco interesse. Vários, às vezes muito mordazes, mas julgamentos superficiais foram expressos sobre a peça. Foi dito, por exemplo, que a peça de Gorky é “a filosofia dos escravos, a poesia dos impotentes e desesperados” 62.

Após o discurso de A.M. Gorky, eles começaram a olhar para a peça não tanto como uma obra de arte, mas como uma denúncia do passado. O objetivo principal e quase único do autor - acreditava-se então - consistia em expor Lucas, na exposição implacável de seu consolo e mentiras.

Vale ressaltar que alguns críticos, caracterizando o caráter nocivo do "velho ímpio", desviaram a conversa para expor o próprio autor, que, ao que parece, outrora simpatizou com Luka. Ele se lembrou da busca e da edificação de Deus e de outros pecados, e chegou à conclusão de que a peça "At the Bottom" é, na verdade, uma obra com falhas no sentido ideológico.

O autor aponta diretamente que a discordância de opiniões sobre a peça "At the Bottom" é gerada pelos vícios da própria peça. Uma reação muito contraditória e mutuamente exclusiva à imagem de Lucas e Satin, tanto dos leitores da peça como dos críticos de teatro, ocorre, em sua opinião, principalmente porque este astuto consolador, "conciliador do irreconciliável", pregadores enganosos da paz de classe entre escravos e senhores é exposta, é desmascarada não tanto da classe como das posições humanas universais. Na peça At the Bottom, ele escreve, "as posições democráticas gerais são claramente sentidas, e não as posições da democracia proletária". O próprio Prozhogin não reconhece nem o conteúdo democrático geral nem o conteúdo humano geral no humanismo, uma vez que, a partir dessas posições, nada pode ser alcançado exceto "mudanças insignificantes na ordem constitucional", na realidade há apenas humanismo proletário e humanismo burguês. “E uma vez que a essência de classe do humanismo proletário e socialista nesta peça não foi expressa por Gorky com clareza suficiente, então as mãos sujas de representantes de diferentes classes, diferentes orientações políticas e ideológicas, estendeu-se a Satin, bem como a Luka. "

“Humanismo”, lemos de V. Prozhogin, “é um conceito histórico puramente de classe. O humanismo geral é desenvolvido pela classe trabalhadora, mas só se tornará uma realidade tangível quando a própria classe trabalhadora, tendo abolido todas as classes exploradoras hostis, se abolir como classe, criando uma sociedade sem classes ”. Nesse ínterim, existem dois mundos, qualquer conversa sobre o comum a toda a humanidade lhe parece não apenas sem sentido, mas também prejudicial, beneficiando nossos oponentes ideológicos.

Do ponto de vista de V. Prozhogin, não há necessidade de falar sobre os méritos artísticos da peça "No Fundo": a lenda sobre esta peça como "o auge da criatividade de Gorky" foi criada para fins ideológicos por muitos crítica burguesa liberal. Com a peça At the Bottom, em sua opinião, “queriam enfraquecer a influência sobre as massas mais amplas do povo, sobre a classe trabalhadora, obras-primas gorki como a história“ Mãe ”, a peça“ Inimigos ”e sua primeira peça. “Burguês”. Aconselha a ouvir com mais atenção a autoavaliação da peça do próprio Gorky e critica, por um lado, Luka, este feroz pregador da não resistência ao mal pela violência, consolador e mentiroso, por outro, Satin , a quem ele chama de mais perspicaz filosofar. No final das contas, o culpado é Gorky, que em algum momento não conseguiu se orientar em uma difícil situação ideológica.

A inconsistência das declarações de V. Prozhogin é óbvia; o terreno fértil que os criou também é óbvio - a estética sociológica vulgar das décadas de 1920 e 1930. BA Bialik criticou essas declarações em seu artigo "Man" 64.

As recaídas do sociologismo vulgar na forma com a qual nos encontramos no livro de V. Prozhogin são um fenômeno raro nos tempos modernos (pelo menos na impressão). É fácil expor suas fraquezas. É muito mais difícil compreender outra coisa, a saber: o que V. Prozhogin disse, de uma forma ou de outra reiteramos nas aulas, nos departamentos universitários e nas páginas de publicações respeitáveis e não muito respeitáveis, apenas, talvez, em mais sofisticadas formulários.

Com efeito, a ideia de expor Lucas não perpassou toda a história da nossa crítica literária? Até mesmo V.V.Borovsky considerou Luka como um “charlatão da humanidade”, A. Myasnikov achou essas palavras completamente justas e acrescentou algumas palavras fortes de si mesmo ao “mentir acalma o sofrimento, sedento de esquecimento nas mentiras” 65.

Já no final da década de 1930, Yu Yuzovsky apresentou uma ideia sensata de não identificar Luka do artigo de Gorky com a imagem de Luka da peça de Gorky. Quando questionado sobre como o Luka deve ser jogado, ele respondeu: “Você deve jogar o Luka, que é dado na peça” 66.

“Nossos teatros e nossos críticos”, escreveu ele então, “ficaram por muito tempo sob a impressão das instruções de Gorky de que a peça era prejudicial. Essa visão está sendo revisada, os cinemas, depois de uma longa pausa, voltam à peça. Mas, ao mesmo tempo, eles têm medo de levar o assunto a uma conclusão lógica e assumir uma posição indiferente que só pode trazer danos. Já apareceram espetáculos no palco periférico, sobre os quais críticos locais escreveram que Luka é um "canalha", "canalha", "provocador", "canalha" e que provoca "nojo no auditório" - mentira que Luka não faria ousaram fazer. ... Os mesmos críticos escreveram sobre o fracasso dessas performances e se perguntaram por que isso aconteceu ”67.

Mas "revisitar" não foi uma tarefa fácil para os teatros e também para a crítica. O próprio Yuzovsky, que apelou em nome da verdade "para devolver a Luka o que lhe pertence", essas palavras em muitos aspectos permaneceram apenas uma declaração. “Interpretando a peça da maneira mais detalhada”, diz um artigo, “ele (Yu. Yuzovsky), é claro, não substituiu Luka da peça por Luka do artigo, como outros autores às vezes faziam, mas ele também, de bom grado ou de má vontade, essas duas imagens diferentes combinaram inesperadamente, e Luke da peça no final acabou sendo "prejudicial" e "exposto" 68. A principal característica da psicologia e ideologia de Lucas, conclui Yuzovsky, “é uma característica da escravidão, uma psicologia da escravidão, uma ideologia da escravidão” 69. O crítico "liga" Luka firmemente a Kostylev e Bubnov e encontra nele, além disso, muitas deficiências pessoais. Ele, Luca, “instintivamente covarde em todos os casos em que ocorre uma colisão, nos casos em que pode sofrer” 70. Como resultado, Yu Yuzovsky chegará ao que PS Kogan havia argumentado uma década antes: Luka é “o consolador de escravos e senhores” 71.

Os anos seguintes não trouxeram nada reconfortante para Luka. Ao contrário, sua caracterização em nossas obras críticas tornou-se ainda mais dura, ainda mais categórica. Ele foi privado até mesmo daquelas poucas qualidades morais positivas que Yuzovsky tentou "devolver" a ele: bondade, compaixão pelas pessoas. A própria sinceridade de Lucas foi atribuída a ele, visto que uma mentira sincera, diziam, era mais prejudicial do que a mentira do fariseu. O pobre Luka carregava consigo todas as agruras dos "bandidos": Luka, este inimigo da transformação revolucionária da vida, desfere o último e traiçoeiro golpe nos seus companheiros de infortúnio com as suas mentiras consoladoras. Ele foi declarado cúmplice direto de Kostylev e culpado não só da morte do Ator, mas também do “drama espiritual do Carrapato e, em geral, de todos os infortúnios dos albergues.

B. A. Bialik, que em suas obras sobre a peça "At the Bottom" procede principalmente das idéias de Yu. Yuzovsky, embora caracterizando Luka, no entanto, rejeita resolutamente a idéia de seu antecessor sobre dois Luks. À questão de saber se Lucas acabou sendo um daqueles pregadores "frios" da peça, privado de "fé viva e eficaz", que Gorky lembrou em seu ensaio sobre Leão Tolstoi e sobre quem ele escreveu mais tarde em seu artigo "Sobre Plays ”, B. A. Bialik responde afirmativamente: acabou.

O humanismo de Lucas - na visão do crítico - não é apenas imaginário, mas também egoísta, e sua bondade é falsa. Ele não acredita em uma única palavra de Lucas e todos os seus famosos aforismos "viram" do avesso.

“O que significa o pensamento da boca de Lucas que uma pessoa,“ seja o que for, sempre vale o seu preço ... ”- pergunta o crítico e responde:“ Significa que todas as pessoas são iguais não pela força, mas pela fraqueza ... ”72.

“Lucas profere palavras que soam para que possam ser passadas como o pensamento do próprio Gorky:“ Um homem pode fazer qualquer coisa ... se ao menos quiser ... ”“ Mas que ideia essas palavras carregam nas de Lucas? - o crítico pergunta novamente e responde a si mesmo:

"Na opinião de Lucas, querer algo significa acreditar em algo, e acreditar significa ganhar força para perseverar."

“Pode-se perguntar”, B. Bialik faz mais uma pergunta, “e o pensamento de Luka de que em uma pessoa deve-se primeiro ver o que é bom e não o que é mau? Não é este um dos pensamentos mais queridos do próprio Gorky, que se declarou: “Eu, obviamente, fui criado pela natureza para caçar o bom e o positivo, e não o negativo” (24, 389)? ”

Mas nosso crítico não é daqueles que podem seguir esses paralelos. Você nunca sabe que palavras um velho astuto pode proferir! Você tem que estar vigilante. Para fazer isso, “basta ponderar o que Lucas entende por“ bom ”em uma pessoa, e imediatamente ficará claro” que para Lucas “o bom, o melhor em uma pessoa é a capacidade de perseverar” 73.

Suponhamos que não seja necessário confiar nas palavras, embora na peça a palavra seja a ação. Mas além das palavras, Luka tem ações, relações bastante definidas com outras pessoas ... Mas B. A. Bialik dificilmente toca no conteúdo específico da imagem, como, aliás, de toda a peça como um todo. Ele fala sobre Luka e outros habitantes do albergue como se estivesse em cima do texto e analisa não tanto a trama viva da obra, mas vários julgamentos sobre ele, conceitos, pontos de vista e assim por diante. O próprio Lucas interessa ao pesquisador não como uma pessoa viva, mas como um típico portador da ideia de consolo. O crítico “arranca” tudo o que pode com esta ideia, compara Luka não só com Oblomov, Zosima e Karataev (o velho já se habituou a isso há muito tempo), mas também com o próprio Leão Tolstói. Ele testa a força da posição do herói com uma citação de Lenin e afirma a nocividade das mentiras do astuto andarilho com tal confiança e categorização que mesmo dez Lucas não podem resistir.

A propósito, V. Prozhogin, acusando Luka, também menos que tudo confia no texto da peça. Em suas mãos estão as proposições e citações dos artigos de Gorky, com os quais ele opera com muita habilidade. O crítico parece em seu livro não tão primitivo e indefeso como pode parecer na resenha de B. A. Bialik, que foi mencionada acima. Entre V. Prozhogin e seu crítico, autor de um livro sobre o drama de Gorky, há uma certa semelhança na abordagem da imagem de Luka. Consiste no facto de ambos os investigadores interpretarem esta imagem a partir de uma ideia pré-fabricada do tipo de edredão “frio”, composta não tanto a partir da peça como do referido artigo de M. Gorky. Voluntária ou involuntariamente, consciente ou imperceptivelmente para si mesmo, B. A. Bialik "ajusta" a imagem de Luka de "At the Bottom" ao tipo de edredom desenhado por Gorky em seu artigo "On Plays". Quanto a V. Prozhogin, ele parte da identificação dessas duas imagens a partir de um axioma.

V. Prozhogin, como já mencionado, criticou não só Luka, mas também Satin. B. A. Bialik, ao contrário, refere-se a Satin como um herói inquestionavelmente positivo, o principal oponente de Lucas. Nas palavras de Satin sobre um homem cujo nome "soa com orgulho", ele vê "uma refutação direta dos próprios fundamentos da atitude de Lucas para com o homem como um ser fraco, necessitado de piedade, em ilusões, engano e autoengano", e nas falas de Satin que concluem o segundo e o quarto atos, ele imagina “a dor da pessoa e a raiva pela sua fraqueza, aquela fraqueza pela qual a pessoa deixa de ser Humano” 74.

Mas tudo o que parece crítica nos discursos de Satin tem que ser assumido com fé, já que quase não há evidências a esse respeito em seu livro. Em geral, Satin, como um herói de B. A. Bialik, é de pouco interesse. Do extenso capítulo de seu livro dedicado à peça "At the Bottom" e ocupando cerca de sessenta páginas, a participação da Satin no total não atribuiu mais do que duas.

Não vamos adivinhar por que o crítico não acredita nem um centavo em Luka e acredita completamente em Cetim. Notemos apenas que a exaltação desse herói já foi delineada por Yuzovsky, que ligou o passado a Luka, e o futuro a Satin. “A única imagem”, escreveu ele, “sobre a qual podemos dizer que no início é igual ao final é Cetim, mas isso porque sua posição é a única correta em relação às outras e não precisa ser corrigido neste caso ”75.

No entanto, na crítica a Satin de V. Prozhogin, não há atividade própria, pois a partir de meados dos anos cinquenta, nossos críticos literários começaram a mostrar uma atitude negativa não só para Luka, mas também para Satin. Assim, B. Mikhailovsky em seu livro "Dramaturgia de Gorky da Época da Primeira Revolução Russa" (1955) reduziu o significado dos conceitos filosóficos da peça "No Fundo" não apenas para denunciar a "mentira reconfortante" de Luka, mas também à crítica do "anarquismo" na pessoa de Cetim. S. V. Kastorsky caracteriza Satin como um individualista, que "é caracterizado pela filosofia vagabunda do anarquismo, que ecoa de alguma forma com o nietzscheanismo." Segundo o pesquisador, os impulsos humanísticos saudáveis ainda não morreram em Satin, mas "morrerão gradualmente nele" 76.

B. Kostelyanets, citando as palavras de Yuzovsky sobre a estática e imutabilidade de Satin, levantou diretamente a questão da ressonância do herói Gorki. Ele achou esta imagem não menos contraditória do que a imagem de Lucas, e chegou à conclusão de que, neste sentido, a peça “não desmascara” nem Tick nem Luka e não “coroa” Cetim.

Por fim, detenhamo-nos na chamada “falha” de M. Gorky como autor da peça “At the Bottom”.

Fim do trecho introdutório.

Chekhov, que chegou à literatura na década de 80 do século XIX, sentiu agudamente a ruína das velhas formas de vida e a inevitabilidade do surgimento de novas. Isso gerou esperança e ansiedade. Esses sentimentos se refletem na última peça do dramaturgo "The Cherry Orchard". Um cineasta francês disse que a peça dá "uma sensação física do fluxo do tempo". Três horas de palco consomem cinco meses da vida dos heróis. Os personagens da peça sempre têm medo de perder tempo, chegar atrasados no trem ou não receber dinheiro da avó Yaroslavl.

A obra cruza o passado, o presente e o futuro. Pessoas de diferentes gerações aparecem diante do leitor. Anya tem 17 anos, Gaev tem 51 anos e Firs tem 87 anos. A memória do passado é guardada por "testemunhas mudas": "uma capela há muito abandonada", um guarda-roupa centenário, "uma antiga libré de Abetos". Ao contrário de outras obras de clássicos russos, não há conflito de gerações na peça. O enredo da comédia é determinado pelo destino do pomar de cerejas. No entanto, não vemos uma luta entre os atores. Lopakhin está tentando ajudar Ranevskaya e Gaev a salvar a propriedade, mas os próprios proprietários não podem tomar decisões. Ranevskaya não vê um inimigo em Lopakhin, mesmo depois de ter comprado o pomar de cerejas no leilão. Não há confrontos abertos entre os jovens e as velhas gerações. Anya ama sinceramente sua mãe, Petya também é apegada a Ranevskaya. Sem discutir entre si, os heróis involuntariamente entram em conflito com o próprio pomar de cerejas.

Este símbolo tem muitos significados na peça. O pomar de cerejas é uma criação maravilhosa da natureza e das mãos humanas. Ele personifica a beleza, espiritualidade, tradição. O jardim vive em várias dimensões temporais. Para Ranevskaya e Gaev, ele guarda a memória da infância, da juventude e pureza irremediavelmente perdidas, da época em que todos eram felizes. O jardim os inspira, dá esperança e os limpa da sujeira do dia a dia. Olhando pela janela, Ranevskaya começa a falar quase poesia, até Gaev se esquece dos termos de bilhar quando vê “todo o jardim branco”. Mas nem o irmão nem a irmã estão fazendo nada para salvar a propriedade. Gaev se protege da vida e se esconde em sua palavra ridícula "quem", que é pronunciada para o lugar e fora do lugar. Ranevskaya continua levando um estilo de vida luxuoso. Apesar das lágrimas, ela é indiferente ao destino do jardim e ao destino de suas filhas, que deixa sem sustento.

O novo proprietário Lopakhin, embora saiba que comprou uma propriedade, “não há nada mais bonito no mundo”, vai cortar o jardim e arrendar o terreno para os veranistas. Pedro

Trofimov orgulhosamente declara que "Toda a Rússia é nosso jardim", mas não tem interesse em uma propriedade particular. O pomar de cerejas está em perigo e ninguém pode evitá-lo. O jardim está morrendo. No quarto ato, ouve-se o barulho de machados destruindo árvores. O pomar de cerejas, como pessoa, está experimentando o florescimento, o declínio e a morte. No entanto, há algo de sinistro no fato de que um belo recanto da natureza foi apagado da face da terra. É provavelmente por isso que o destino de todos os heróis parece ser triste. Não são apenas os antigos proprietários do jardim que se sentem infelizes. Lopakhin, no momento de seu triunfo, de repente percebeu que estava cercado por uma "vida desajeitada e infeliz". Petya Trofimov, que sonhava com um grande futuro, parece lamentável e desamparado. E até mesmo Anya está feliz apenas porque ela ainda não tem uma ideia dos testes que a esperam.

Com a mão leve de Firs, o apelido de "idiota" é atribuído a muitos heróis. Isso se aplica não apenas a Epikhodov. A sombra de seu fracasso está com todos os heróis. Isso se manifesta tanto no pequeno (grampos espalhados, batendo no candelabro, caindo da escada), e no grande. Os heróis sofrem com a consciência do tempo que passa impiedosamente. Eles perdem mais do que ganham. Cada um deles é solitário à sua maneira. O jardim que costumava unir os heróis em torno de si não está mais lá. Junto com a beleza, os heróis da peça perdem compreensão e sensibilidade. Esquecido e abandonado em uma casa trancada, os antigos Firs. Isso aconteceu não só pela pressa de sair, mas também por algum tipo de surdez mental.

A primeira apresentação dramática de The Snow Maiden aconteceu em 11 de maio de 1873 no Teatro Maly em Moscou. A música para a peça foi encomendada por P.I. Tchaikovsky Ostrovsky no processo de trabalho na peça em partes enviou seu texto a Tchaikovsky. “A música de Tchaikovsky para The Snow Maiden é encantadora”, escreveu o dramaturgo. ""Donzela de neve"<...>foi escrito por ordem da diretoria de teatros e, mas a pedido de Ostrovsky em 1873, na primavera, e então foi dado, - mais tarde, em 1879, Tchaikovsky lembrou. - Esta é uma das minhas criações favoritas. A primavera foi maravilhosa, senti-me bem na alma, como sempre quando se aproximava o verão e a liberdade de três meses.

Gostei da peça de Ostrovsky e em três semanas escrevi a música sem nenhum esforço. Parece-me que nesta música deve haver um clima de primavera alegre perceptível, que foi então imbuído. "

Todas as três trupes do então Imperial Theatre estiveram envolvidas na performance: drama, ópera e balé.

“Eu mesmo enceno a peça, como um mestre completo”, relatou Ostrovsky com alegria, “está muito bem compreendido aqui que somente sob esta condição tudo correrá bem e terá sucesso. Amanhã irei ler The Snow Maiden para os artistas pela terceira vez, depois irei repassar os papéis de cada um separadamente ”. A cena do derretimento da Donzela da Neve foi discutida por um longo tempo. Assistente de motorista de palco K.F. Waltz lembrou: “Decidiu-se cercar a Donzela da Neve com várias fileiras de orifícios minúsculos no chão do palco, de onde iriam subir filetes de água que, engrossando, deveriam ocultar a figura do intérprete, que desce imperceptivelmente na escotilha sob o feixe de um holofote. "

Em conexão com a renovação das instalações do Teatro Maly "Snow Maiden", foi decidido jogar no Bolshoi. Para atores dramáticos, o palco do Teatro Bolshoi revelou-se inconveniente. Era muito grande e acusticamente não adaptado para uma voz natural e cotidiana. Isso dificultou muito o sucesso da performance. Ator P.M. Sadovsky escreveu a Ostrovsky, que não estava presente na estreia: "O público ouviu a peça com grande atenção, mas não ouviu muito, então a cena de Kupava com o czar, apesar de todos os esforços de Nikulina para falar alto e claro , foi apenas meio audível. " No dia seguinte à apresentação, o dramaturgo V.I. Rodislavsky enviou a Ostrovsky um "relatório" detalhado, no qual ele relatava as mesmas deficiências da performance: "... muitas belezas poéticas maravilhosas e de primeira classe, tão generosamente espalhadas por você na peça, pereceram e só podem ser ressuscitadas em imprimir ... Mas vou te contar na ordem ... O adorável monólogo de Leshy desapareceu completamente. O vôo de Spring foi bem sucedido, mas seu monólogo poético parecia longo. A espirituosa canção folclórica sobre os pássaros desapareceu, porque a música não permitia ouvir as palavras, tão agudas que os censores pensaram nelas. Os pássaros dançantes foram aplaudidos. A maravilhosa história de Frost sobre suas diversões desapareceu, porque não foi iniciada por uma história, mas por cantar com uma música que abafava as palavras. O monólogo de Maslyanitsa falhou, porque Milensky falou por trás das cortinas, e não escondido em uma efígie de palha ... No primeiro ato, a adorável canção de Lelya foi repetida ... As aparições da sombra da Donzela da Neve não tiveram sucesso ... Meu favorito a história é sobre o poder das flores ... não foi notado, a procissão desapareceu, o desaparecimento da Donzela da Neve não foi muito habilidoso ... O teatro estava completamente lotado, não havia um único espaço vazio ... O grito do ligustro teve muito sucesso. "

O crítico escreveu sobre a atitude do público em relação a The Snow Maiden: “... alguns imediatamente se afastaram dela, porque ela estava além da compreensão deles, e declararam que a peça era ruim, que havia falhado, etc. Outros, para a surpresa deles, notou que, ao assistirem pela segunda vez, começaram a gostar ... A música ... é original e muito boa, o principal é que combina perfeitamente com o caráter de toda a peça. "

Durante a vida de Ostrovsky, The Snow Maiden foi apresentado 9 vezes no Moscow Maly Theatre. A última apresentação ocorreu em 25 de agosto de 1874.

Em 1880 N.A. Rimsky-Korsakov pediu a Ostrovsky permissão para usar o texto de A donzela da neve para criar uma ópera. O próprio compositor compôs o libreto, em coordenação com o autor. Posteriormente, Rimsky-Korsakov relembrou: “A primeira vez que li The Snow Maiden por volta de 1874, quando tinha acabado de ser publicado. Na época não gostei muito da leitura; o reino dos Berendei parecia estranho para mim. Por quê? As ideias dos anos 60 ainda estavam vivas em mim, ou as demandas das tramas da chamada vida, que estavam em uso nos anos 70, me mantinham acorrentado?<...>Em suma, o conto maravilhoso e poético de Ostrovsky não me impressionou. No inverno de 1879-1880, li novamente A donzela da neve e foi como se a visse de incrível beleza. Eu imediatamente quis escrever uma ópera baseada neste enredo. "

A primeira apresentação da ópera de Rimsky-Korsakov aconteceu em São Petersburgo, no Teatro Mariinsky, em 29 de janeiro de 1882.

No inverno de 1882/83, The Snow Maiden foi apresentada em uma produção dramática por amadores na casa dos Mamontovs. Representantes proeminentes da intelectualidade artística foram atraídos por ele. A performance marcou uma tentativa de uma nova leitura da peça. A parte artística da produção foi assumida por V.M. Vasnetsov. O talento do artista se manifestou neste trabalho com a maior força: ele conseguiu não só imbuir na poesia do conto de fadas maravilhoso de Ostrovsky, reproduzir sua atmosfera especial, seu espírito russo, mas também cativar outros participantes na performance. Além disso, ele desempenhou perfeitamente o papel de Papai Noel.

A peça na casa dos Mamontovs foi o prólogo da produção de "The Snow Maiden" de N.А. Rimsky-Korsakov no palco da Private Russian Opera S.I. Mamontov em Moscou em 8 de outubro de 1885. A decoração foi realizada por V.M. Vasnetsov, I.I. Levitan e K.A. Korovin. O trabalho dos artistas refletia principalmente essa nova percepção do conto de fadas de Ostrovsky e da ópera de Rimsky-Korsakov, que contribuiu para o renascimento do interesse público por essas obras. Após a estreia, diversos jornais exigiram insistentemente que a ópera The Snow Maiden fosse incluída no repertório do Teatro Bolshoi. No entanto, no palco do Teatro Bolshoi "The Snow Maiden" foi apresentada apenas em 26 de janeiro de 1893.

Em 1900, The Snow Maiden foi exibido em dois cinemas em Moscou - no New Theatre e no Moscow Art Theatre. O maravilhoso ator e diretor russo V.E. Meyerhold escreveu sobre a apresentação no Teatro de Arte de Moscou: “A peça foi encenada de maneira incrível. Tantas cores que, ao que parece, seriam suficientes para dez jogadas. " Deve-se notar que o brilho da performance baseou-se no estudo do conteúdo etnográfico da peça; refletia uma tentativa de transmitir o verdadeiro pitoresco da vida antiga e de abordar essa tarefa com seriedade, de estudar, tanto quanto possível, formas reais de arte popular aplicada: trajes, condições de vida dos camponeses.

"Pequenas tragédias" foram encenadas separadamente no palco. Mais de todos os "sortudos" foram "Mozart e Salieri" e "The Stone Guest", menos - "The Covetous Knight" e muito pouco - "Feast in Time of Plague".

The Stone Guest foi encenado pela primeira vez em 1847 em São Petersburgo. V. Karatygin desempenhou o papel de Don Guan, V. Samoilov - no papel de Dona Anna.

"The Miserly Knight" também foi encenado pela primeira vez em São Petersburgo em 1852, com V. Karatygin no papel-título. E em Moscou, no Teatro Maly, em 1853, M. Schepkin interpretou o Barão.

Em 1899, por ocasião do 100º aniversário do nascimento de Pushkin, foi realizada a primeira "Festa durante a Peste".

A lenta penetração do drama de Pushkin no palco não se deve apenas às proibições da censura. O teatro ainda não estava pronto para perceber a inovação do drama, que consistia em um sistema diferente de imagens, no delineamento psicológico dos personagens, na liberdade da "unidade" classicista de lugar e tempo, no condicionamento do comportamento do herói pelas circunstâncias.

Todas as "pequenas tragédias" apareceram pela primeira vez no cinema: nas décadas de 1970 e 1980. apareceu um filme dirigido por Schweitzer, em que toda a tetralogia encontrou sua própria interpretação. Os críticos elogiaram o filme como uma tentativa válida de penetrar na essência do plano de Pushkin.

Antes do aparecimento deste filme (no início dos anos 60), foi criada uma versão para a televisão de Mozart e Salieri, na qual Salieri era interpretado pelo maravilhoso ator trágico do nosso tempo Nikolai Simonov, e Mozart era interpretado pelo jovem Innokenty Smoktunovsky. Foi o trabalho mais interessante de grandes atores. No filme de Schweitzer, Smoktunovsky já interpretou Salieri, não menos talentoso do que Mozart uma vez. Valery Zolotukhin interpretou Mozart no filme. Ele acabou por ser mais fraco do que Salieri-Smoktunovsky. E a ideia de que "gênio e vilania são incompatíveis" de alguma forma não soava.

A importância do drama de Pushkin no desenvolvimento do teatro russo.

Os dramas de Pushkin reformaram o teatro russo. O manifesto teórico da reforma se expressa em artigos, notas, cartas.

De acordo com Pushkin, um dramaturgo deve ter destemor, astúcia, vivacidade de imaginação, mas o mais importante, ele deve ser um filósofo, ele deve ter os pensamentos de estado de um historiador e liberdade.

“A verdade das paixões, a plausibilidade dos sentimentos nas supostas circunstâncias ...”, ou seja, o condicionamento do comportamento do herói pelas circunstâncias - esta fórmula de Pushkin, aliás, é uma lei no drama. Pushkin está convencido de que é sempre interessante observar a alma humana.

O objetivo da tragédia, de acordo com Pushkin, é o homem e as pessoas, o destino humano, o destino das pessoas. A tragédia classicista não conseguiu transmitir o destino do povo. Para estabelecer uma tragédia verdadeiramente nacional, será necessário "derrubar os costumes, costumes e conceitos de séculos inteiros" (A.S. Pushkin).

A dramaturgia de Pushkin estava à frente de seu tempo e deu origem à reforma do teatro. No entanto, não poderia haver uma transição abrupta para uma nova técnica dramática. O teatro foi se adaptando gradualmente ao novo drama: novas gerações de atores deveriam crescer, educadas no novo drama.

N.V. Gogol e teatro

Nikolai Vasilyevich Gogol (1809-1852) - um dos escritores russos mais difíceis, contraditório, em muitos aspectos confuso (ao lado dele você pode colocar apenas Dostoiévski e Tolstoi).

Em Gogol, como em Pushkin, ele vive artista e pensador. Mas, como artista, Gogol é incomparavelmente mais forte do que Gogol pensador. Existe uma contradição entre sua visão de mundo e criatividade, que às vezes era explicada por sua doença. Mas isso é apenas parcialmente verdade. Por suas convicções, Gogol era um monarquista, ele considerava justo o sistema de estado existente; estava convencido de que com seu trabalho ele serve para fortalecer o estado. Mas as leis são mal utilizadas, porque há funcionários burocráticos descuidados que distorcem as leis e o próprio sistema estatal. E com seu trabalho, Gogol criticava esses funcionários, esperando que assim fortificasse o Estado.

O que explica essas contradições entre cosmovisão e criatividade?

A verdadeira criatividade é sempre verdadeira. O coração do artista sempre entende mais do que a cabeça. Quando um artista se entrega completamente à criatividade, ele não pode analisá-la simultaneamente, porque a criatividade é um processo subconsciente. O processo criativo captura completamente o artista, e ele, contra sua vontade, reflete a verdade da vida (se, claro, este for um grande artista).

Gogol atribuía grande importância ao teatro e ao drama. Seus pensamentos sobre teatro e drama estão espalhados em suas cartas (ao ator do Maly Theatre MS Shchepkin, a seus contemporâneos-escritores, bem como no artigo "Patrulha teatral", alguns outros e no "Aviso ao Inspetor Geral") . Esses pensamentos podem ser resumidos da seguinte forma:

"Drama e teatro são alma e corpo, não podem ser separados."

E houve uma opinião de que teatro pode viver sem drama, assim como drama sem teatro.

Gogol viu o alto propósito do teatro na educação e educação do povo, ele atribuiu a isso a importância de um templo.

“O teatro não é uma bagatela nem um vazio, se você levar em conta o fato de que uma multidão de cinco, seis mil pessoas cabem de repente, e que toda essa multidão, em nada semelhante a uns aos outros, separando-os por unidades, podem ser subitamente dominados por um choque. Chore com lágrimas e ria com uma risada geral. Este é o tipo de cadeira com a qual você pode dizer muito para o mundo do bem ... "

"O teatro é uma grande escola, seu propósito é profundo: ele lê uma lição viva e útil para uma multidão inteira, mil pessoas de cada vez ..."

Portanto, Gogol atribuiu grande importância ao repertório dos teatros. O repertório teatral da época consistia em grande parte em dramas da Europa Ocidental traduzidos, muitas vezes de forma distorcida, com grandes abreviaturas, às vezes não traduzidas, mas “recontadas”. Também havia peças russas nos cinemas, mas de conteúdo insignificante.

Gogol acreditava que o repertório dos teatros deveria incluir peças clássicas antigas, mas seus "Você tem que ver com seus próprios olhos." Isso significava que os clássicos precisavam ser compreendidos na corrente principal dos problemas modernos, para revelar sua relevância.

“… É necessário introduzir em palco em todo o seu esplendor todas as obras dramáticas mais perfeitas de todas as idades e povos. É necessário dar-lhes mais vezes, tão frequentemente quanto possível ... Você pode fazer todas as peças novamente frescas, novas, curiosas para todos, jovens e velhos, se ao menos você puder colocá-las adequadamente no palco. O público não tem seus próprios caprichos; ela irá aonde quer que eles a levem. "

Gogol escreveu muito vividamente sobre o público e seu julgamento em seu trabalho "Partida teatral após a apresentação de uma nova comédia" , onde, na forma de diálogos de diferentes espectadores, caracterizou seus gostos e morais em relação ao teatro.

Interessado em Gogol e questões de atuação. A maneira classicista de interpretar o papel não o satisfazia, estava longe da existência realista do ator no palco. Gogol disse que um ator não deve representar no palco, mas sim transmitir ao espectador os pensamentos inerentes à peça, e para isso é necessário se curar completamente com os pensamentos do herói. "O artista deve transmitir a alma, e não mostrar o vestido."

Toque, de acordo com Gogol, deve representar um todo artístico. Isso significava que os atores tinham que representar no conjunto. E para isso, os atores não conseguem memorizar o texto sozinhos; preciso ensaiar todos juntos de improviso. Gogol fala sobre isso, em particular, em "Um aviso prévio para aqueles que gostariam de jogar" O Inspetor "corretamente. Nessas suas observações, vê-se o início da encenação e daquele método de ensaio, que mais tarde será chamado de método de análise efetiva da peça e do papel.

A amizade de Gogol com o grande ator russo Shchepkin afetou suas opiniões sobre a arte do teatro e da atuação. Entregando o "Inspetor" a Shchepkin, ele presumiu que Shchepkin dirigiria a produção. Foi nas regras que o primeiro ator da trupe dirigiu a produção. Em seus "Avisos", Gogol observou o que há de mais essencial em cada personagem, que - o que Stanislávski chamaria mais tarde O grão do papel... Não é por acaso que Stanislávski conduziu o primeiro ensaio sobre o sistema de educação do ator que ele criou com base no Inspetor Geral.

Na obra de Gogol existem elementos de fantasia, às vezes até misticismo. (É sabido que Gogol era religioso, e nos últimos anos de sua vida caiu no misticismo; tem artigos desse período.)

Ficção, imaginação, fantasia são elementos essenciais da criatividade. E a veracidade do artista não é que ele descreve o que muitas vezes realmente acontece, mas também naquele o que poderia ser.

Arte de Gogol hiperbólico... Este é o seu dispositivo artístico. Arte começa com processo de seleção fenômenos da vida em sua seqüência. Este é o início do processo criativo. Elementos fantásticos na obra de Gogol, seu grotesco não diminua, mas enfatize realismo.(Realismo não é naturalismo).

Gogol estava ciente da necessidade de escrever uma comédia pública. Ele escreveu a comédia "Vladimir III Grau", mas era incômoda, e Gogol percebeu que não era adequada para o teatro. Além disso, o próprio autor observa: "A caneta é colocada em lugares ... que não podem faltar no palco ... Mas o que é uma comédia sem verdade e raiva?"

Os pensamentos de Gogol são curiosos sobre o quadrinho : “O engraçado se revela por si mesmo justamente na seriedade com que cada um dos personagens está ocupado, apressado, até mesmo ardente com seu trabalho, como se fosse a tarefa mais importante de sua vida. O espectador só pode ver um pouco de sua preocupação do lado de fora.

Em 1833, Gogol escreveu a comédia Noivos, onde a situação é a seguinte: a noiva não quer perder nenhum dos noivos e, aparentemente, perde todos eles. Podkolesin e Kochkarev não estavam nele. E em 1835 acabou a comédia, onde Podkolesin e Kochkarev já apareciam. Ao mesmo tempo, um novo nome foi estabelecido - "Casamento". No outono do mesmo ano, Gogol preparou o texto da comédia para entregá-lo ao teatro, mas, tendo assumido o "Inspetor Geral" em outubro-dezembro de 1835, adiou sua intenção.

Na versão impressa, "Casamento" apareceu em 1842 na Collected Works of Gogol (v.4). Foi encenado em São Petersburgo em dezembro de 1842 na apresentação beneficente Sosnitsky e em Moscou em fevereiro de 1843 na apresentação beneficente Shchepkin.

Em São Petersburgo, a peça não teve sucesso, os atores interpretaram, segundo Belinsky, “vil e desprezível. Sosnitsky (ele interpretou Kochkarev) nem sabia o papel ... "Belinsky não estava satisfeito com a produção de Moscou, embora" mesmo aqui os atores dos papéis centrais Shchepkin (Podkolesin) e Zhivokini (Kochkarev) fossem fracos.

O motivo do fracasso de palco de "Casamento" foi a forma incomum da peça (falta de intriga externa, desenvolvimento lento da ação, episódios inseridos, material doméstico de comerciante etc.).

Mas tudo isso aconteceu depois que o "Inspetor Geral" foi escrito.

“O teatro deveria ser um espelho” - considerado Gogol. Vamos relembrar a epígrafe ao Inspetor-Geral: "Não há razão para culpar o espelho se o rosto é torto." Mas sua comédia também se tornou uma "lupa" (como Mayakovsky dirá sobre o teatro).

“O auditor foi escrito por Gogol em dois meses (em outubro de 1835, Pushkin sugeriu a trama para ele, e no início de dezembro a peça estava pronta). Não importa se o enredo foi sugerido ou emprestado, importante,que o escritor vai dizer com este enredo.

Durante oito anos, Gogol lapidou a palavra, a forma, as imagens, enfatizando deliberadamente alguns aspectos da comédia (nomes significativos de personagens, por exemplo). Todo o sistema de imagens contém um pensamento profundo. Recepção artística - grotesco- forte exagero. Ao contrário das caricaturas, é repleto de conteúdo profundo. Gogol faz uso extensivo da técnica grotesca.

Mas os métodos do comic externo não são o caminho do grotesco. Eles conduzem à fragmentação da obra, ao início do vaudeville.

Os dias de caso de amor pela comédia acabaram.

Gogol estabelece a base da trama das aspirações humanas naturais - uma carreira oficial, o desejo de obter uma herança por meio de um casamento bem-sucedido, etc.

Os contemporâneos de Gogol não entenderam, não deram ouvidos aos comentários do autor. Gogol considerou Khlestakov o personagem principal de sua comédia. Mas o que aconteceu Khlestakov? Khlestakov - nenhuma coisa. Isto "nenhuma coisa" muito difícil de jogar. Ele não é um aventureiro, nem um vigarista, nem um canalha endurecido. Esta é uma pessoa que por um momento, por um momento, por um minuto quer se tornar algo. E essa é a essência da imagem, por isso ela é moderna em qualquer época. Gogol lutou contra a vulgaridade de uma pessoa vulgar, denunciou o vazio humano. Portanto, o conceito de "Khlestakovismo" tornou-se generalizado. A versão final do "Inspetor" - 1842

Mas as primeiras estreias ocorreram antes mesmo da versão final.

Em 19 de abril de 1836, O Inspetor Geral foi apresentado pela primeira vez no palco do Teatro Alexandrinsky. Gogol estava insatisfeito com esta produção, em particular, com o ator Dur no papel de Khlestakov, que, sendo um ator de vaudeville, interpretou Khlestakov de uma maneira vaudeville. As imagens de Dobchinsky e Bobchinsky eram caricaturas perfeitas. Sosnitsky sozinho, no papel de governador, satisfez o autor. Ele interpretou o governador como um grande burocrata com boas maneiras.

A última - uma cena silenciosa - também não deu certo: os atores não ouviram a voz do autor e ele alertou contra as caricaturas.

Mais tarde, Gorodnichy foi interpretado por V.N. Davydov, Osipa - Vasiliev, depois K.A. Varlamov.

A sátira pode não causar risos na platéia, mas sim raiva, indignação.

Transferindo a peça para o Teatro Maly, Gogol esperava que Shchepkin dirigisse a produção e levasse em consideração tudo o que preocupava o autor.

A estreia em Moscou aconteceu no mesmo ano de 1836 (foi planejada no palco do Teatro Bolshoi, mas foi representada no Teatro Maly: há um auditório menor). A reação do público não foi tão forte como em São Petersburgo. Gogol também não ficou totalmente satisfeito com esta produção, embora alguns erros tenham sido evitados aqui. Mas a reação do público, bastante contida, desanimou. É verdade que, depois da apresentação, os amigos explicaram qual era o problema: metade do auditório são aqueles que dão propina, e a outra metade são aqueles que os aceitam. Esta é a razão pela qual o público não riu.

No Teatro Maly, Khlestakov foi interpretado por Lensky (e também vaudeville), mais tarde por Shumsky (sua peça já atendia aos requisitos do autor), ainda mais tarde esse papel foi desempenhado por M.P. Sadovsky. O governador foi interpretado por Shchepkin (mais tarde - Samarin, Maksheev, Rybakov). EM. Shchepkin, que interpretou o governador, criou a imagem de um ladino desonesto que é um companheiro com seus subordinados; com eles, ele também corrige todos os ultrajes. Osip foi interpretado por Prov Sadovsky. Anna Andreevna foi interpretada por N.A. Nikulin, mais tarde - A.A. Yablochkina, E. D. Turchaninov, V.N. Arado.

A história do palco de "O Inspetor Geral" é rica. Mas as performances nem sempre revelavam o conteúdo satírico que se dirigia ao presente. Às vezes, uma comédia era encenada como uma peça sobre o passado.

Em 1908, no Teatro de Arte de Moscou "O Inspetor Geral" foi encenado como uma galeria de personagens vívidos, a performance continha muitos detalhes da vida cotidiana, ou seja, era uma comédia cotidiana (dirigida por Stanislavsky e Moskvin). Mas é verdade, deve-se notar que essa performance foi experimental no sentido de que Stanislávski testou seu "sistema" nesta produção; é por isso que se deu atenção aos personagens e aos detalhes do cotidiano.

E na temporada 1921/22 no Teatro de Arte de Moscou - uma nova solução de palco para "O Inspetor Geral". Essa performance carecia de detalhes naturalistas da vida cotidiana. A direção seguia a linha de busca do grotesco. Khlestakov foi interpretado por Mikhail Chekhov - um ator brilhante, afiado e grotesco. Sua atuação nesse papel ficou na história do teatro como um exemplo vivo do grotesco na arte de representar.

Em 1938, I. Ilyinsky tocou no Teatro Maly Khlestakov.

Em meados dos anos 50, apareceu uma adaptação para o cinema de O Inspetor Geral, em que atuavam principalmente os atores do Teatro de Arte de Moscou, e Khlestakova era estudante do departamento de história da Universidade I. Gorbachev de Leningrado, que mais tarde se tornou ator, artístico diretor do Teatro Alexandrinsky.

A produção mais interessante de meados do nosso século, talvez, possa ser considerada a performance BDT, encenada em 1972 por G.A. Tovstonogov. O prefeito foi interpretado por K. Lavrov, Khlestakov O. Basilashvili, Osip - S. Yursky.

Nessa performance, um personagem importante foi o Medo - o medo de retribuição pelo que eles fizeram. Isso foi incorporado na forma de uma carruagem preta, que geralmente carrega o inspetor. Esta carruagem ficou pendurada como uma espada de Dâmocles sobre o tabuleiro do palco durante toda a apresentação. Ler: todos os oficiais sob a espada de Dâmocles. O medo, até mesmo o horror, às vezes instalava no governador de forma que ele não conseguia se controlar. Na primeira cena, de maneira bastante profissional, ele ordena aos funcionários que ponham as coisas em ordem para que possam "seguir em frente". Mas quando o medo se aproxima dele, ele não consegue se controlar.

Mais ou menos na mesma época, o Inspetor Geral apareceu no Teatro de Sátira de Moscou. Foi dirigido por V. Pluchek, o principal diretor deste teatro. Os atores mais famosos jogaram nele: Gorodnichy - Papanov, Khlestakov - A. Mironov, outros papéis foram desempenhados por artistas não menos populares que apareciam semanalmente na série de TV "Zucchini 13 Chairs". A performance não só não acarretou sátira, mas apenas risos causados pelo fato de os participantes da performance serem percebidos através dos personagens da “taverna”, e não da peça de Gogol. Provavelmente foi assim que se realizaram as primeiras produções da comédia nas capitais, com o que Gogol estava insatisfeito.

N.V. Gogol não só levou os crimes oficiais ao ridículo universal, mas também mostrou o processo de transformar uma pessoa em um tomador de suborno consciente . Tudo isso faz da comédia "O Inspetor Geral" uma obra de grande poder acusatório.

Gogol lançou uma base sólida para a criação do drama nacional russo. Antes de O Inspetor Geral, só se pode citar “Menor” e “Ai do Espírito” de Griboyedov, de Fonvizin - peças nas quais nossos compatriotas foram retratados artisticamente.

O “Inspetor” adquiriu força de documento denunciando o sistema existente. Ele influenciou o desenvolvimento da consciência social dos contemporâneos de Gogol, bem como das gerações subsequentes.

A comédia "O Inspetor Geral" contribuiu para o fato de que nossas habilidades de atuação russas foram capazes de se afastar dos métodos de atuação emprestados de atores estrangeiros, que dominavam o palco desde o século 18, e para dominar o método realista.

Uma comédia de um ato apareceu em 1842 "Jogadoras". Em termos de nitidez de cores realistas, a força da orientação satírica e a perfeição da habilidade artística, ele pode ser colocado ao lado das famosas comédias de Gogol.

A tragicômica história do experiente Ikharev, que foi habilmente e engenhosamente enganado e roubado por vigaristas ainda mais hábeis, adquire um significado amplo e generalizado. Ikharev, tendo derrotado o provinciano com cartas marcadas, espera “cumprir o dever de uma pessoa iluminada”: “vestir-se de acordo com o modelo metropolitano”, caminhar “ao longo do dique Aglitskaya” em São Petersburgo e jantar em Moscou no “Yar ”. Toda a "sabedoria" de sua vida é "enganar a todos e não ser enganado a si mesmo". Mas ele mesmo foi enganado por predadores ainda mais hábeis. Ikharev está indignado. Ele clama à lei para punir os vigaristas. Ao que Glove observa que ele não tem o direito de apelar para a lei, porque ele próprio agiu ilegalmente. Mas Ikharev acha que ele está absolutamente certo, porque ele confiou nos fraudadores, e eles o roubaram.

The Gamblers é a pequena obra-prima de Gogol. Aqui se atinge o propósito ideal da ação, a completude do desenvolvimento do enredo, revelando no final da peça toda a vileza da sociedade.

O intenso interesse pela ação se alia à divulgação dos personagens. Por todo o laconicismo dos acontecimentos, os personagens da comédia mostram-se com completude exaustiva. A própria intriga da comédia parece um caso corriqueiro do dia-a-dia, arrancado da vida, mas graças ao talento de Gogol, esse “caso” adquire um amplo caráter revelador.

Valor de Gogol pois o desenvolvimento do teatro russo é difícil de superestimar.

Gogol atua como um inovador notável, descartando formas e métodos convencionais que já sobreviveram a si mesmos, criando novos princípios de drama. Os princípios dramáticos de Gogol e sua estética teatral marcaram a vitória do realismo. O maior mérito inovador do escritor foi a criação de um teatro da verdade da vida, aquele realismo efetivo, aquele drama de orientação social que abriu o caminho para o desenvolvimento da arte dramática russa.

Turgenev, em 1846, escreveu sobre Gogol que "ele mostrou o caminho ao longo do qual nossa literatura dramática acabaria por seguir". Essas palavras perspicazes de Turgenev foram totalmente justificadas. Todo o desenvolvimento do drama russo no século 19, até Chekhov e Gorky, deve muito a Gogol. No drama de Gogol, a importância social da comédia foi expressa de maneira especialmente completa.

A comédia "Our People - Let Us Numbered" tem uma composição própria e bem definida. No início da comédia, não vemos a exposição: o autor não nos conta um breve histórico do que será discutido na obra.

Composição de comédia

O início imediato da comédia é o começo: o leitor vê uma jovem Lipochka, que deseja desesperadamente se casar, e não sem protestar concorda com a candidatura proposta por seu pai - o escriturário Podkhalyuzin. Em toda comédia existe uma chamada força motriz, muitas vezes é o personagem principal, que muitas vezes se contrapõe à maioria dos personagens, ou por sua participação ativa contribui para o desenvolvimento agudo do enredo.

Na peça "O nosso povo - vamos contar" tal estatuto é atribuído ao comerciante Bolshov, que, com o apoio dos seus familiares, inventou uma aventura financeira e a pôs em prática. A parte mais importante da composição é o clímax da comédia - aquela parte da obra em que os personagens experimentam o máximo de intensidade das emoções.

A peça culmina em um episódio em que Lipochka abertamente fica do lado do marido e diz ao pai que eles não pagarão um centavo pelos empréstimos dele. O clímax é seguido por um desfecho - um resultado lógico dos eventos. No desenlace, os autores resumem toda a comédia, expõem toda a sua essência.

O desfecho "Nosso povo - vamos contar" é a tentativa de Podkhalyuzin de barganhar com os credores do pai de sua esposa. Alguns escritores, a fim de atingir o máximo momento dramático, intencionalmente introduzem uma cena final silenciosa na comédia, que finalmente encerra a ação.

Mas Alexander Ostrovsky usa uma técnica diferente - Podkhalyuzin permanece fiel aos seus princípios sobre o último, prometendo, em vez de um desconto de credor, não enganá-lo em sua futura loja.

O destino da peça no palco

Todos sabem que as peças, ao contrário de outros gêneros da literatura, se transformam em outra forma de arte não menos importante - o teatro. No entanto, nem todas as peças têm um destino no palco. Muitos são os fatores que facilitam ou dificultam a realização de peças teatrais. O principal critério que determina a viabilidade da peça no futuro é a sua relevância para os tópicos abordados pelo autor.

A peça "Nossa gente - seremos numerados" foi criada em 1849. No entanto, por longos onze anos, a censura czarista não deu permissão para encená-lo no teatro. Pela primeira vez, "Nosso povo - seremos contados" foi encenada pelos atores do teatro Voronezh em 1860. Em 1961, a censura estadual fez suas próprias modificações na peça e permitiu que ela fosse encenada nos teatros do império em versão editada.

Essa versão sobreviveu até o final de 1881. Deve-se notar que quando o famoso diretor A.F. Fedotov tomou a liberdade em 1872 e encenou a peça em sua forma original em seu Teatro do Povo, este teatro foi fechado para sempre após alguns dias por ordem do imperador.

A peça "At the Bottom" foi escrita por M. Gorky em 1902. Gorky sempre se preocupou com perguntas sobre uma pessoa, sobre o amor, sobre a compaixão. Todas essas questões constituem o problema do humanismo, que permeia muitas de suas obras. Um dos poucos escritores, ele mostrou toda a miséria da vida, seu “fundo”. Na peça At the Bottom, ele escreve sobre aquelas pessoas que não têm sentido na vida. Eles não vivem, eles existem. O tema dos vagabundos é muito próximo de Gorky, pois houve um tempo em que ele também tinha que vagar com uma mochila nas costas. Gorky escreve precisamente uma peça, não um romance, não um poema, pois deseja que todos entendam o significado dessa obra, inclusive analfabetos comuns. Com sua peça, ele queria chamar a atenção das pessoas para as camadas mais baixas da sociedade. A peça At the Bottom foi escrita para o Teatro de Arte de Moscou. A princípio, a censura proibiu a encenação dessa peça, mas depois, após o retrabalho, ainda permitiu. Ela estava convencida do fracasso total da peça. Mas a peça causou uma grande impressão no público, causando uma tempestade de aplausos. O espectador foi tão fortemente influenciado pelo fato de que pela primeira vez vagabundos são mostrados no palco, mostrados com sua sujeira, sua impureza moral. Esta peça é profundamente realista. A singularidade do drama reside no fato de que os problemas filosóficos mais complexos são discutidos nele não por mestres das disputas filosóficas, mas por “moradores de rua”, incultos ou degradados, com a língua presa ou incapazes de encontrar as palavras “necessárias”. A conversa é conduzida na linguagem da comunicação cotidiana e, às vezes, na linguagem de disputas mesquinhas, abuso de "cozinha", escaramuças de bêbados.

No gênero literário, a peça "At the Bottom" é um drama. O drama é caracterizado pela trama e natureza conflitante da ação. Na minha opinião, o trabalho indica claramente dois começos dramáticos: social e filosófico.

Sobre a presença de conflito social na peça até o seu nome diz - “No fundo”. O comentário, colocado no início do primeiro ato, cria uma imagem enfadonha de um flophouse. “Um porão semelhante a uma caverna. O teto é pesado, abóbadas de pedra, fumê, com gesso esfarelado ... Em toda parte ao longo das paredes há beliches. " A imagem não é agradável - está escura, suja, fria. A seguir estão as descrições dos residentes do abrigo, ou melhor, as descrições de suas ocupações. O que eles estão fazendo? Nastya está lendo, Bubnov e Klesh estão ocupados com seu trabalho. Tem-se a impressão de que trabalham com relutância, por tédio, sem entusiasmo. Eles são todos mendigos, criaturas miseráveis, miseráveis vivendo em um buraco sujo. Outro tipo de pessoa também está presente na peça: Kostylev, o dono do abrigo, sua esposa Vasilisa. Na minha opinião, o conflito social da peça reside no fato de os moradores do abrigo sentirem que estão vivendo “no fundo”, que estão desligados do mundo, que só existem. Todos eles têm um objetivo acalentado (por exemplo, o ator quer voltar ao palco), eles têm seus próprios sonhos. Eles estão procurando a força para resistir a essa realidade feia. E para Gorky, a própria busca pelo melhor, pelo belo, é maravilhoso.

Todas essas pessoas são colocadas em condições terríveis. Eles estão doentes, mal vestidos e muitas vezes com fome. Quando eles têm dinheiro, as festas são imediatamente organizadas no flop. Então, eles tentam abafar a dor em si mesmos, para esquecer, para não lembrar sua posição miserável de “ex-gente”.

É interessante como o autor descreve as atividades de seus personagens no início da peça. Kvashnya continua a discussão com o Carrapato, o Barão habitualmente provoca Nastya, Anna geme “todos os dias ...”. Tudo continua, tudo isso não acontecia desde o primeiro dia. E as pessoas gradualmente param de se notar. Aliás, a falta de um início narrativo é uma marca registrada do drama. Se você ouvir as falas dessas pessoas, é impressionante que quase todas elas não reagem aos comentários dos outros, todas falam ao mesmo tempo. Eles estão desunidos sob o mesmo teto. Os moradores do abrigo, na minha opinião, estão cansados, cansados da realidade que os cerca. Bubnov não sem razão diz: "E as cordas estão podres ...".

Nessas condições sociais em que essas pessoas estão inseridas, a essência de uma pessoa é exposta. Bubnov observa: "Lá fora, não importa como você pinte a si mesmo, tudo será apagado." Os moradores do abrigo tornam-se, segundo o autor, “filósofos relutantes”. A vida os faz pensar nos conceitos humanos universais de consciência, trabalho, verdade.

Duas filosofias são mais claramente contrastadas na peça: Luke e Satina. Satin diz: "O que é a verdade? .. O homem é a verdade! .. A verdade é o deus de um homem livre!" Para o andarilho Lucas, essa "verdade" é inaceitável. Ele acredita que uma pessoa deve ouvir o que a fará se sentir mais tranquila e mais tranquila, que para o bem de uma pessoa é possível mentir. Os pontos de vista de outros habitantes também são interessantes. Por exemplo, Tick pensa: "... Você não pode viver ... Aqui está - a verdade! .. Droga!"

As avaliações de Luka e Satin sobre a realidade diferem agudamente. Lucas traz um novo espírito para a vida do abrigo - o espírito de esperança. Com seu surgimento, algo ganha vida - e as pessoas começam a falar com mais frequência sobre seus sonhos e planos. O ator está animado com a ideia de encontrar um hospital e se recuperar do alcoolismo, Vaska Ashes vai para a Sibéria com Natasha. Luca está sempre pronto para confortar e dar esperança. O Wanderer acreditava que era preciso aceitar a realidade e olhar o que estava acontecendo ao seu redor com calma. Lucas prega a capacidade de se “adaptar” à vida, de não perceber suas verdadeiras dificuldades e seus próprios erros: “É verdade que nem sempre é por causa da doença de uma pessoa ... nem sempre é verdade que você pode curar sua alma ... "

Satin tem uma filosofia completamente diferente. Ele está pronto para expor os vícios da realidade circundante. Em seu monólogo, Satin diz: “Homem! É ótimo! Parece ... orgulhoso! Pessoa! Devemos respeitar a pessoa! Não se arrependa ... Não o humilhe com pena ... deve ser respeitado! " Mas, na minha opinião, é preciso respeitar quem trabalha. E os moradores do abrigo parecem sentir que não têm chance de sair dessa pobreza. Portanto, eles são tão atraídos pelo afetuoso Lucas. O andarilho é surpreendentemente preciso em busca de algo íntimo nas mentes dessas pessoas e decora esses pensamentos e esperanças em tons brilhantes e iridescentes.

Infelizmente, nas condições em que vivem Satin, Tick e outros habitantes do “fundo”, tal contraste entre ilusões e realidade tem um triste resultado. A pergunta que desperta nas pessoas: como e como viver a seguir? E neste momento Luke desaparece ... Ele não está pronto e não quer responder a essa pergunta.

A compreensão da verdade enfeitiça os habitantes do abrigo. O cetim se distingue pela maior maturidade de julgamentos. Sem perdoar "mentiras por piedade", Satin pela primeira vez se levanta para a compreensão da necessidade de melhorar o mundo.

A incompatibilidade entre ilusão e realidade acaba sendo muito dolorosa para essas pessoas. O Ator acaba com sua vida, o Tatar se recusa a orar a Deus ... A morte do Ator é um passo de uma pessoa que falhou em perceber a verdadeira verdade.

No quarto ato, o movimento do drama é determinado: a vida desperta na alma sonolenta do "albergue". As pessoas são capazes de sentir, ouvir umas às outras, ter empatia.

Muito provavelmente, o conflito de visões de Satin e Luke não pode ser chamado de conflito. Eles correm em paralelo. Em minha opinião, se você combinar o caráter acusatório de Satin e a pena pelo povo de Luke, obterá a Pessoa ideal que pode reviver a vida em um abrigo.

Mas essa pessoa não existe - e a vida no abrigo continua a mesma. O mesmo externamente. Algum tipo de colapso ocorre internamente - as pessoas começam a pensar mais sobre o significado e o propósito da vida.

A peça “At the Bottom” como uma obra dramática é caracterizada por conflitos que refletem contradições humanas universais: contradições nas visões da vida, no modo de vida.

O drama como gênero literário retrata uma pessoa em conflito agudo, mas não em situações desesperadoras. Os conflitos da peça realmente não são desesperadores - afinal (de acordo com a intenção do autor) o princípio ativo, a atitude para com o mundo, vence.

M. Gorky, um escritor com um talento incrível, na peça "At the Bottom" incorporou a colisão de diferentes visões sobre o ser e a consciência. Portanto, essa peça pode ser chamada de drama sócio-filosófico.

Em suas obras, M. Gorky muitas vezes revelou não apenas a vida cotidiana das pessoas, mas também os processos psicológicos que ocorrem em suas mentes. Na peça At the Bottom, o escritor mostrou que a proximidade de pessoas trazidas à vida na pobreza com um pregador da expectativa paciente de um “homem melhor” necessariamente leva a um ponto de inflexão na mente das pessoas. Nos abrigos, M. Gorky captou o primeiro e tímido despertar da alma humana - o mais belo para um escritor.

A peça "At the Bottom" mostrou a inovação dramática de Maxim Gorky. Usando as tradições da herança dramática clássica, principalmente de Tchekhov, o escritor cria um gênero de drama sócio-filosófico, desenvolvendo seu próprio estilo dramático com seus traços característicos pronunciados.

A especificidade do estilo dramático de Gorky está associada à atenção primária do escritor ao lado ideológico da vida humana. Cada ato de uma pessoa, cada palavra sua reflete as peculiaridades de sua consciência, o que determina o caráter aforístico do diálogo, que é sempre carregado de significado filosófico, que é característico das peças de Gorky, e a originalidade da estrutura geral de sua tocam.

Gorky criou uma obra dramática de um novo tipo. A peculiaridade da peça é que a força motriz da ação dramática é a luta de ideias. Os eventos externos da peça são determinados pela atitude dos personagens em relação à questão principal sobre a pessoa, a questão em torno da qual há uma disputa, um choque de posições. Portanto, o centro da ação na peça não permanece constante, ele está em constante mudança. Surgiu a chamada composição dramática “sem heróis”. A peça é um ciclo de pequenos dramas que se interligam por uma única linha norteadora de luta - uma atitude perante a ideia de consolo. Em seu entrelaçamento, esses dramas particulares que se desenrolam na frente do espectador criam uma tensão de ação excepcional. A característica estrutural do drama de Gorky consiste em deslocar a ênfase dos eventos da ação externa para a compreensão do conteúdo interno da luta ideológica. Portanto, o desenlace da trama ocorre não no último, quarto ato, mas no terceiro. A partir do último ato, o escritor assume muitas faces, inclusive Luka, embora seja com ele que se liga a linha principal no desenvolvimento da trama. O último ato foi desprovido de eventos externos. Mas foi ele quem se tornou o mais significativo em conteúdo, não cedendo aos três primeiros em tensão, pois aqui se resumiram os resultados da principal disputa filosófica.

Conflito dramático da peça "At the Bottom"

A maioria dos críticos via At the Bottom como uma peça estática, como uma série de esboços da vida cotidiana, cenas internamente não relacionadas, como uma peça naturalística desprovida de ação, o desenvolvimento de conflitos dramáticos. Na verdade, na peça "At the Bottom" há uma dinâmica interna profunda, o desenvolvimento ... A coesão das observações, ações, cenas da peça é determinada não pelas motivações cotidianas ou do enredo, mas pelo desenvolvimento de aspectos sócio-filosóficos problemas, o movimento dos temas, sua luta. Esse subtexto, essa tendência que V. Nemirovich-Danchenko e K. Stanislavsky descobriram nas peças de Chekhov, em “At the Bottom” de Gorky, adquire um significado decisivo. ” “Gorky retrata a consciência das pessoas da“ base ”. A trama se desdobra não tanto na ação externa quanto nos diálogos dos personagens. São as conversas dos inquilinos que determinam o desenvolvimento do conflito dramático.

Uma coisa surpreendente: quanto mais os hóspedes querem esconder de si mesmos o verdadeiro estado de coisas, mais eles se deliciam em convencer os outros de mentiras. Dá-lhes um prazer especial torturar seus companheiros na desgraça, tentando tirar deles a última coisa que têm - a ilusão

O que nós vemos? Acontece que não existe uma verdade única. E há pelo menos duas verdades - a verdade do "fundo" e a verdade do que há de melhor no homem. Que verdade vence no jogo de Gorky? À primeira vista - a verdade do "fundo". Nenhum dos inquilinos não tem como escapar desse "beco sem saída da existência". Nenhum dos personagens da peça melhora - apenas piora. Anna morre, Tick finalmente "afunda" e desiste da esperança de escapar do abrigo, Tártaro perde a mão, o que significa que ele também fica desempregado, Natasha morre moralmente, e talvez até fisicamente, Vaska Ashes vai para a prisão, até o oficial de justiça Medvedev torna-se um dos abrigos noturnos ... O abrigo acolhe a todos e não deixa ninguém sair, a não ser uma pessoa - o andarilho Lucas, que divertia os infelizes com contos de fadas e desaparecia. O ponto culminante da decepção geral é a morte do Ator, a quem foi Lucas quem infundiu uma vã esperança de recuperação e de uma vida normal.

“Os consoladores desta série são os mais inteligentes, experientes e eloqüentes. É por isso que são os mais prejudiciais. Este é exatamente o tipo de consolador que Luke deveria ser na peça At the Bottom, mas eu, aparentemente, não consegui torná-lo assim. “At the Bottom” é uma peça ultrapassada e, talvez, até prejudicial nos nossos dias ”(Gorky, 1930).

Imagens de Satin, Baron, Bubnov na peça "At the Bottom"

A peça "At the Bottom" de Gorky foi escrita em 1902 para a trupe do Moscow Art Public Theatre. Por muito tempo, Gorky não conseguiu encontrar o título exato da peça. Inicialmente chamava-se "Little House", depois "Without the Sun" e, por fim, "At the Bottom". O próprio nome tem um grande significado. Pessoas que caíram para o fundo nunca irão subir para a luz, para uma nova vida. O tema do humilhado e do insultado não é novo na literatura russa. Lembremos os heróis de Dostoiévski, que também "não têm para onde ir". Muitas semelhanças podem ser encontradas nos heróis de Dostoiévski e Gorki: este é o mesmo mundo de bêbados, ladrões, prostitutas e cafetões. Só ele é mostrado de forma ainda mais terrível e realista por Gorky. Na peça de Gorky, o público viu pela primeira vez o mundo desconhecido dos rejeitados. Essa verdade dura e impiedosa sobre a vida das classes sociais mais baixas, sobre seu destino desesperador, o drama mundial ainda não conheceu. Sob as abóbadas do abrigo Kostylevo estavam pessoas dos mais diversos caracteres e status sociais. Cada um deles é dotado de características próprias. Aqui está o trabalhador Tick, sonhando com um trabalho honesto, e Ashes, ansiando pela vida certa, e o Ator, tudo absorto nas memórias de sua antiga glória, e Nastya, lutando apaixonadamente por um grande e verdadeiro amor. Todos eles merecem um destino melhor. O mais trágico é a situação deles agora. As pessoas que vivem neste porão em forma de caverna são vítimas trágicas de uma ordem horrível e cruel em que uma pessoa deixa de ser humana e está condenada a prolongar uma existência miserável. Gorky não faz uma exposição detalhada das biografias dos heróis da peça, mas mesmo os poucos traços que reproduz revelam perfeitamente a intenção do autor. Em poucas palavras, a tragédia da vida de Anna é descrita. “Não me lembro quando estava cheia”, diz ela. “Eu tremia cada pedaço de pão ... Eu tremia toda a minha vida ... Eu estava atormentada ... como se não pudesse comer outro. ... Toda a minha vida andei em farrapos ... toda a minha vida infeliz ... "O trabalhador Tick diz sobre sua situação desesperadora:" Não há trabalho ... não há força ... Essa é a verdade! Não há refúgio , sem refúgio! Você tem que morrer ... Essa é a verdade! " Os habitantes do “fundo” são expulsos da vida pelas condições que prevalecem na sociedade. O homem é deixado por sua própria conta. Se ele tropeçar, sair de uma rotina, ele se depara com um "fundo", inevitável morte moral e muitas vezes física. Anna morre, o Ator suicida-se e os demais estão exaustos, desfigurados pela vida até o último grau. E mesmo aqui, neste mundo terrível de párias, as leis do lobo do "fundo" continuam a operar. A figura do dono do albergue Kostylev, um dos "mestres da vida", que está disposto a arrancar o último centavo até de seus infelizes e desfavorecidos hóspedes, é nojenta. Sua esposa, Vasilisa, é igualmente repugnante por sua imoralidade. O terrível destino dos habitantes do abrigo torna-se especialmente óbvio se o compararmos com aquilo a que uma pessoa é chamada. Sob os arcos escuros e sombrios de uma casa noturna, entre os vagabundos miseráveis e aleijados, infelizes e sem-teto, as palavras sobre o homem, sobre sua vocação, sobre sua força e sua beleza soam como um hino solene: "O homem é verdade! Tudo é no homem, tudo é para o homem! Só existe um homem, todo o resto é obra de suas mãos e de seu cérebro! Homem! Isso é ótimo! Parece orgulhoso! " Palavras orgulhosas sobre o que uma pessoa deve ser e o que uma pessoa pode ser, definem ainda mais nitidamente o quadro da situação real de uma pessoa, que o escritor pinta. E esse contraste assume um significado especial ... O monólogo ardente de Satin sobre uma pessoa soa um tanto antinatural em uma atmosfera de escuridão impenetrável, especialmente depois que Luka foi embora, o Ator se enforcou e Vaska Ash foi preso. O próprio escritor sentia isso e explicava isso pelo fato de que a peça deveria ter um raciocinador (o porta-voz dos pensamentos do autor), mas os heróis retratados por Gorky dificilmente podem ser chamados de porta-vozes das idéias de alguém em geral. Portanto, Gorky coloca seus pensamentos na boca de Cetim, o personagem mais amante da liberdade e justo.

O autor começou a escrever uma peça em Nizhny Novgorod, onde, segundo a observação de um contemporâneo de Gorky, Rozov, era o melhor e mais conveniente lugar para reunir toda a ralé ... Isso explica o realismo dos personagens , sua completa semelhança com os originais. Alexey Maksimovich Gorky explora a alma e os personagens de vagabundos de diferentes posições, em diferentes situações de vida, tentando entender quem eles são, o que trouxe pessoas tão diferentes para o fundo da vida. O autor está tentando provar que as cabanas noturnas são pessoas comuns, sonham com a felicidade, sabem amar, têm compaixão e, o mais importante, pensam.

Em termos de gênero, a peça At the Bottom pode ser classificada como filosófica, porque da boca dos heróis ouvimos conclusões interessantes, às vezes teorias sociais inteiras. Por exemplo, o Barão se consola com o fato de que não há nada que esperar ... Não espero nada! Tudo já ... foi! Acabou! .. Ou pandeiro Então bebi e fico contente!

Mas o verdadeiro talento para filosofar vem de Satin, um ex-funcionário do telégrafo. Ele fala sobre o bem e o mal, sobre a consciência, sobre o destino do homem. Às vezes sentimos que ele é o porta-voz do autor, não há mais ninguém na peça para dizer isso de maneira clara e inteligente. Sua frase Man soa com orgulho! tornou-se alado.

Mas Sateen justifica sua posição com esses raciocínios. Ele é uma espécie de ideólogo de base, justificando sua existência. O cetim prega o desprezo pelos valores morais E onde estão a honra, a consciência Em pé, em vez de chuteira, você não vai colocar nem a honra nem a consciência ... Os espectadores se maravilham com o jogador e o mais astuto, que fala do verdade, sobre a justiça, a imperfeição do mundo, em que ele próprio é um pária.

Mas todas essas pesquisas filosóficas do herói são apenas um duelo verbal com seu antípoda de visão de mundo, com Lucas. O realismo sóbrio e às vezes cruel de Cetim colide com os discursos suaves e dóceis do andarilho. Luke enche os inquilinos de sonhos, encoraja-os a serem pacientes. Nesse aspecto, ele é uma pessoa verdadeiramente russa, pronta para a compaixão e a obediência. Esse tipo é profundamente amado pelo próprio Gorky. Lucas não recebe nenhum benefício em dar esperança às pessoas, não há interesse próprio nisso. Essa é a necessidade de sua alma. O pesquisador da criatividade de Maxim Gorky I. Novich falava de Luka assim ... ele consola não do amor desta vida e da crença de que ela é boa, mas da entrega ao mal, da reconciliação com ela. Por exemplo, Lucas garante a Anna que uma mulher deve suportar as surras do marido. Seja paciente! Todos, querida, resistem.

Surgindo de repente, da mesma forma que de repente, Luka desaparece, revelando suas possibilidades em cada habitante do abrigo. Os heróis pensaram sobre a vida, a injustiça, seu destino desesperador.

Apenas Bubnov e Satin se reconciliaram com sua posição de inquilinos noturnos. Bubnov difere de Satin por considerar a pessoa uma criatura sem valor, o que significa que ela é digna de uma vida suja. .

Gorky mostra que, em um mundo amargo e cruel, só as pessoas que estão firmes em seus pés, que estão cientes de sua posição, que nada evitam, podem permanecer vivas. Os indefesos inquilinos da noite Barão, que vive no passado, Nastya, que substitui a vida com fantasias, perecem neste mundo. Anna morre, o Ator impõe as mãos sobre si mesmo. De repente, ele percebe a impossibilidade de seu sonho, a irrealidade de sua realização. Vaska Ashes, sonhando com uma vida brilhante, vai para a prisão.

Lucas, independente de sua vontade, torna-se o culpado pela morte dessas pessoas nada más, os habitantes do abrigo não precisam de promessas, mas. ações específicas das quais Lucas não é capaz. Ele desaparece, antes corre, provando assim a inconsistência de sua teoria, a vitória da razão sobre o sonho de Tako, os pecadores desaparecem da face dos justos!

Mas Satin, como Luca, não é menos o culpado da morte do ator. Depois de quebrar o sonho de um hospital para alcoólatras, Satin rasga os últimos fios da esperança do ator que o conecta com a vida.

Gorky quer mostrar que, contando apenas com a própria força, uma pessoa pode sair do fundo, uma pessoa pode fazer qualquer coisa ... se apenas quiser. Mas não existem personagens tão fortes lutando pela liberdade na peça.

Na obra vemos a tragédia dos indivíduos, sua morte física e espiritual. No fundo, as pessoas perdem sua dignidade humana junto com seus nomes e sobrenomes. Muitos hóspedes têm os apelidos de Bócio torto, Tártaro, Ator.

Como o humanista Gorky aborda o problema principal da obra? Ele realmente reconhece a insignificância do homem, a baixeza de seus interesses? Não, o autor acredita nas pessoas não apenas fortes, mas também honestas, trabalhadoras, diligentes. O serralheiro Klesh é uma dessas pessoas na peça. Ele é o único morador do fundo com uma chance real de renascimento. Orgulhoso de seu cargo, Tick despreza o resto dos albergues. Mas aos poucos, sob a influência dos discursos de Satin sobre a futilidade do trabalho, ele perde a confiança em si mesmo, desistindo de suas mãos diante do destino. Nesse caso, não era mais o astuto Lucas, mas o tentador de cetim que suprimia a esperança de uma pessoa. Acontece que, tendo pontos de vista diferentes sobre posições de vida, Satin e Luke estão igualmente empurrando as pessoas para a morte.

Criando personagens realistas, Gorky enfatiza os detalhes do cotidiano, atuando como um artista brilhante. Uma existência sombria, crua e primitiva preenche a peça com algo sinistro, opressor, aumentando a sensação de irrealidade do que está acontecendo. O abrigo, localizado abaixo do nível do solo, desprovido de luz solar, lembra um pouco o observador do inferno no qual as pessoas estão morrendo.

O horror é causado pela cena em que a moribunda Anna fala com Luca. Esta última conversa dela é como uma confissão. Mas a conversa é interrompida pelos gritos de jogadores bêbados, uma sombria canção de prisão. Torna-se estranho perceber a fragilidade da vida humana, negligenciá-la, porque mesmo na hora da morte, Anna está assombrada.

As observações do autor nos ajudam a representar melhor os heróis da peça. Concisos e claros, eles contêm uma descrição dos personagens, nos ajudam a revelar alguns aspectos de seus personagens. Além disso, um novo significado oculto é adivinhado na canção da prisão introduzida na tela narrativa. As linhas eu quero ser livre, sim, eh! .. Não posso quebrar a corrente ..., elas mostram que o fundo segura tenazmente seus habitantes, e os albergues não podem escapar de seu abraço, por mais que tentem.

A peça acabou, mas Gorky não dá uma resposta inequívoca às principais questões sobre o que é a verdade da vida e pelo que uma pessoa deve se esforçar, deixando a nós decidir. A frase final de Satin Eh ... estragou a música ... o bobo é ambíguo e te faz pensar. Quem é o tolo? O Enforcado ou o Barão que trouxe a notícia sobre isso O tempo passa, as pessoas mudam, mas, infelizmente, o assunto do fundo continua relevante até hoje. Mais e mais pessoas estão indo para o fundo da vida devido a convulsões econômicas e políticas. Suas fileiras estão crescendo a cada dia. Não pense que eles são perdedores. Não, muitas pessoas inteligentes, decentes e honestas vão para o fundo. Eles se esforçam para sair deste reino das trevas o mais rápido possível, para agir a fim de viver uma vida plena novamente. Mas a pobreza dita seus termos a eles. E aos poucos a pessoa perde todas as suas melhores qualidades morais, preferindo se entregar ao acaso.

Gorky com uma peça No fundo queria provar que só na luta está a essência da vida. Quando uma pessoa perde a esperança, para de sonhar, ela perde a fé no futuro.

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Essa ideia também foi a base da produção de L. Shcheglov no Smolensk Drama Theatre. L. Shcheglov apresentou o mundo dos maltrapilhos Gorky como um mundo de alienação. Aqui todo mundo vive sozinho, sozinho. As pessoas estão desunidas. Lucas é o apóstolo da alienação, pois está sinceramente convencido de que todos devem lutar apenas por si mesmos. Luka (S. Cherednikov) - de acordo com o testemunho do autor da crítica, O. Korneva, é uma planta enorme, um velho robusto, com o rosto vermelho, envelhecido e queimado pelo sol. Ele entra no abrigo não de lado, não silenciosamente e imperceptivelmente, mas ruidosamente, ruidosamente, com passos largos. Ele não é um consolador, mas ... uma chupeta, domador da rebelião humana, de cada impulso, de cada ansiedade. Ele persistentemente, até mesmo teimosamente, diz a Anna sobre a paz que supostamente a aguarda após a morte, e quando Anna interpreta as palavras do velho à sua maneira e expressa o desejo de sofrer aqui na terra, Luke, o crítico escreve, “apenas ordena que ela morrer" 41
Vida teatral, 1967, nº 10, p. 24

Tick (N. Tenditny) está correndo, Nastya (O. Ukolova) está balançando fortemente, Ash (E. Pavlovsky) está se mexendo, pronto para fugir para a Sibéria ... Luka e Satin não são antípodas, eles estão unidos por uma curiosidade aguda e genuína sobre as pessoas. No entanto, também não foram inimigos nas atuações de outros teatros. Luka (B. Gorshenin) observa atentamente os abrigos noturnos, observa E. Balatova em sua resenha, condescendente, voluntária e às vezes maliciosamente "alimentando-os" com sua experiência cotidiana. Satin (S. Plotnikov) passa facilmente da irritação irritante às tentativas de despertar algo humano nas almas endurecidas de seus camaradas. O revisor conclui que uma atitude atenta para viver os destinos humanos, e não ideias abstratas, deu à performance um “frescor especial”, e dessa “corrente quente de humanidade nasce um ritmo agitado, rápido e profundamente emocional de toda a performance”.

Em alguns aspectos, a atuação do Kirov Drama Theatre também foi curiosa. Um artigo muito elogiável sobre o assunto apareceu na revista "Theatre" 43
Veja: I. Romanovich, Ordinary Misfortune. "No fundo". M. Gorky. Dirigido por V. Lansky. Teatro dramático com o nome de S. M. Kirov. Kirov, 1968. - Teatro, 1968, nº 9, p. 33-38.

A peça foi exibida no All-Union Gorky Theatre Festival na primavera de 1968 em Nizhny Novgorod (na época a cidade de Gorky) e recebeu uma avaliação mais contida e objetiva 44
Veja: 1968 - o ano de Gorky. - Teatro, 1968, n ° 9, p. 14

Na presença de achados indiscutíveis, a intenção do diretor era muito rebuscada, virando o conteúdo da peça do avesso. Se a ideia principal da peça pode ser expressa pelas palavras “você não pode viver assim”, o diretor queria dizer algo exatamente o contrário: você pode viver assim, porque não há limite para a adaptabilidade de uma pessoa ao infortúnio. Cada um dos protagonistas confirmou esta tese inicial usando seu próprio modelo. Baron (A. Starochkin) demonstrou suas qualidades de cafetão, mostrou seu poder sobre Nastya; Natasha (T. Klinova) - suspeita, desconfiança; Bubnov (R. Ayupov) - uma aversão odiosa e cínica por si mesmo e pelas outras pessoas, e todos juntos - desunião, indiferença para com os problemas próprios e de outras pessoas.

Luka I. Tomkevich irrompe neste mundo sufocante e sombrio, possuído, zangado, ativo. De acordo com I. Romanovich, ele "traz consigo o sopro poderoso da Rússia, seu povo desperto". Mas Satin desbotou completamente e se tornou a figura mais ineficaz da performance. Uma interpretação tão inesperada, que torna Lucas quase um Petrel, e de Cetim - apenas um comum mais afiado, não é de forma alguma justificada pelo próprio conteúdo da peça. A tentativa do diretor de complementar Gorky, de "expandir" os textos das falas do autor (espancar uma velha colegial, brigar, perseguir vigaristas etc.) também não recebeu respaldo nas críticas. 45
Alekseeva A. N. Problemas modernos de interpretação cênica do drama de A. M. Gorky. - No livro: leituras de Gorky. 1976. Proceedings of the conference “A. M. Gorky e o teatro ". Gorky, 1977, p. 24

As mais notáveis durante esses anos foram duas apresentações - na terra natal do artista, em Nizhny Novgorod, e em Moscou, no Sovremennik Theatre.

N. Barsukov defendeu uma abordagem histórica para a peça e valorizada na performance, antes de mais nada, o que faz o auditório sentir “o século passado”. Ele admite que Levkoevsky Luka é “um velho simples, caloroso e sorridente”, que “evoca o desejo de estar sozinho com ele, de ouvir suas histórias de vida, sobre o poder da humanidade e da verdade”. Mas ele se opõe a tomar como padrão a interpretação humanística da imagem de Luka, vinda de Moskvin para o palco. Em sua profunda convicção, por mais sincero que Lucas possa ser apresentado, o bem que ele prega é inativo e prejudicial. Ele também é contra ver entre Satin e Luka "algum tipo de harmonia", já que existe um conflito entre eles. Ele também discorda da afirmação de Vishnevskaya de que o suposto suicídio do Ator não é fraqueza, mas "um ato de limpeza moral". O próprio Lucas, "confiando na humanidade abstrata, acaba por ser indefeso e forçado a deixar aqueles com quem se preocupa" 47
Barsukov N. Truth - para Gorky. - Vida teatral, 1967, nº 24, p. 12

N. A. Levkoev, Artista do Povo da RSFSR, intérprete do papel de Lucas, disse:

“Considero Luka principalmente um filantropo.

Tem uma necessidade orgânica de fazer o bem, ama uma pessoa, sofre ao vê-la esmagada pela injustiça social e procura ajudá-la no que pode.

Descrevendo a produção de At the Bottom no Gorky Drama Theatre, Vl. Pimenov sublinhou: “Esta performance é boa porque percebemos o conteúdo da peça de uma forma nova, a psicologia das pessoas do“ fundo ”. Claro que se pode interpretar o programa de vida de Luka de uma forma diferente, mas gosto de Luka Levkoeva, que interpretou bem, de forma sincera, sem rejeitar, no entanto, completamente o conceito que agora existe como reconhecido, como livro didático. Sim, Gorky escreveu que Luka não tinha nada de bom, ele era apenas um enganador. No entanto, parece que o escritor jamais teria proibido a busca de novas soluções nos personagens dos heróis de suas peças ”. 49
Ibidem, p. dezesseis.

O crítico apreciou muito a imagem de Satin, criada por V. Samoilov. Ele “não é um orador que transmite solenemente verdades em alto e bom som, este Satin em Samoilov é uma pessoa com um destino específico, paixões vivas, próxima e compreensível para as pessoas do albergue ... Olhando para Satin-Samoilov, você entende que está em esta peça de Gorky que muitos começos do drama intelectual são colocados na modernidade " 50
Pimenov V.L. Tradicional e novo. "At the Bottom" no Gorky Drama Theatre. - Jornal literário, 1968, 20 de março.

Ator (N. Voloshin), Bubnov (N. Khlibko), Tick (E. Novikov) estão perto de Satin. São pessoas "com dignidade humana ainda não destruídas até o fim".

Em sua opinião, o Levkoevsky Lucas, a quem ele valoriza muito, não é um "pregador nocivo" e não é religioso. A palavra favorita de Lucas não é "deus", que ele quase nunca chama, mas "homem", e "o que era considerado prerrogativa de Cetim é na verdade a essência da imagem de Lucas". 51
Theatre, 1968, nº 5, p. 22

Segundo a crítica, durante a atuação “Luka não mente para ninguém e não engana ninguém”. “É geralmente aceito”, observa o autor. - que por causa do conselho de Lucas, tudo acaba tragicamente e a vida dos albergues não só não muda para melhor, como se torna ainda pior. Mas nenhum deles está agindo de acordo com o conselho de Lucas! " 52
Ibidem, p. 24

O cetim na peça, e em essência, é uma espécie de oposto de Luca. Luke avisa Ash e Satin incita. Satin Samoilova é desafiadoramente pitoresco.

Há "a vulnerabilidade de Mefistófeles nele, como se ele não pudesse perdoar o mundo por estar condenado a ser um destruidor e não um criador." 53
Theatre, 1968, nº 5, p. 25

Um evento significativo na história do palco de At the Bottom foi a produção no Moscow Sovremennik. Diretor - G. Volchek, artista - P. Kirillov.

O caráter geral da apresentação foi definido com bastante precisão por I. Solovyova e V. Shitova: as pessoas são como as pessoas comuns, e cada pessoa vale seu próprio preço; e a vida aqui é como a vida, uma das variantes da vida russa; e os abrigos noturnos - “não humanos que acendem espontaneamente lixo, não lixo, não casca, mas pessoas espancadas, amassadas, mas não gastas - com sua própria marca, ainda perceptível em todos”. 54
Soloviev I., Shitova V. People of the new performance, - Theatre, 1969, no 3, p. 7

A peça, infelizmente, para por aí e não revela totalmente as possibilidades potenciais inerentes à peça. A tendenciosidade da peça, como A. Obraztsova, um dos primeiros críticos da peça, também observou, é mais ampla, mais profunda, filosoficamente mais significativa do que a tendenciosidade de sua interpretação cênica. “Na peça, não se sente o suficiente o clima de uma disputa filosófica complexa e responsável ... Uma superabundância de sensibilidade às vezes torna difícil refletir sobre alguns pensamentos importantes. As forças na discussão nem sempre são claras o suficiente ... " 55
Cultura soviética, 1968, 28 de dezembro.

Na opinião de V. Sechin, o finale também não deu certo na atuação do Gorky Drama Theatre.

“Mas Luke se foi. Nightcrawlers estão bebendo. E o teatro cria uma atmosfera pesada, cheia de drama, de bebedeira. Ainda não há um sentimento genuíno de uma explosão pré-trovoada, mas parece que a tarefa dos futuros diretores de At the Bottom será justamente colocar os abrigos noturnos do quarto ato à beira de estarem prontos para as ações mais ativas : ainda não está claro o que cada um deles pode fazer, mas uma coisa é certa - é impossível viver assim, algo deve ser feito. E então a música "O sol nasce e se põe" não será épico-calma e pacífica, como nesta performance, mas, ao contrário, um sinal de prontidão para a ação. " 56
Sechin V. Gorky "à moda antiga". - Teatro, 1968, n ° 5, p. 26

Qual é a razão?

Em qualquer coisa, mas não na perda de interesse pela peça por parte do espectador.

Devemos parar por aqui.

A peça "At the Bottom" não teve muita sorte com as críticas.

O primeiro e, talvez, o mais tendencioso e severo crítico dela foi o próprio Maxim Gorky.

Descrevendo o brilhante sucesso da peça no Teatro de Arte de Moscou, ele escreveu a K. Pyatnitsky: “No entanto, nem o público, nem os críticos - a peça não foi vista até o fim. Louvor - elogio, mas não quero entender. Agora eu entendo - de quem é a culpa? O talento de Moskvin - Luke ou a incapacidade do autor? E não estou me divertindo muito. " 57
Gorky M. Sobr. op. em 30 volumes, M., 1949-1956, vol. 28, pág. 279. No futuro, as referências a esta edição serão fornecidas no texto, indicando o volume e a página.

Em conversa com um funcionário da St. Petersburg Vedomosti, Gorky repetirá e reforçará o que foi dito.

“Gorky reconheceu abertamente sua criação dramática como uma obra fracassada, estranha em conceito tanto à visão de mundo de Gorky quanto a seus humores literários anteriores. A textura da peça não corresponde de forma alguma à sua construção final. Segundo a ideia principal do autor, Lucas, por exemplo, era considerado um tipo negativo. Em contraste, era para dar um tipo positivo - Satin, o verdadeiro herói da peça, o alter ego de Gorky. Na verdade, tudo acabou ao contrário: Luke, com seu filosofar, tornou-se um tipo positivo, e Satin, inesperadamente para si mesmo, se viu no papel do choramingo dolorido de Luka. " 58
Notícias internas (Moscou). - St. Petersburg vedomosti, 1903, 14 de abril.

Passará um pouco mais de tempo e a confissão de outro autor aparecerá no "jornal de Petersburgo":

“- É verdade que você mesmo está insatisfeito com o seu trabalho? - Sim, a peça está mal escrita. Não tem oposição ao que Lucas diz; A principal questão que eu sou. queria colocar - o que é melhor, verdade ou compaixão? O que é mais necessário? É necessário trazer compaixão a ponto de usar mentiras como Lucas? Esta não é uma questão subjetiva, mas filosófica geral. Lucas é o representante da compaixão e até mesmo da mentira como meio de salvação, mas não há representantes da verdade na peça contra a oposição da pregação de Lucas. Tick, Baron, Ashes - esses são os fatos da vida, mas é preciso distinguir os fatos da verdade. Eles estão longe de ser a mesma coisa. Bubnov está protestando contra a mentira. " E, ainda, que "as simpatias do autor" At the Bottom "não estão do lado dos pregadores da mentira e da compaixão, mas, ao contrário, do lado daqueles que lutam pela verdade" 59
Nemanov L. Conversa no navio com M. Gorky, - jornal de Petersburgo, 1903, 15 nyunya.

Da experiência de trabalho. Drama sócio-filosófico de M. Gorky "At the Bottom"

Metas:

para dar uma ideia inicial do drama sócio-filosófico como um gênero de drama;
familiarizar-se com o conteúdo ideológico da peça de Gorky "At the Bottom";
desenvolver a capacidade de analisar uma obra dramática.

Tarefas:

para determinar o significado filosófico do título da peça de Gorky "At the Bottom";
descobrir os métodos do autor para transmitir a atmosfera de separação espiritual das pessoas, revelando o problema da superação imaginária e real de uma situação humilhante, do sono e do despertar da alma.

Progresso da aula

I. Observações introdutórias.

1. Professor. Gorky se tornou um inovador não apenas no romantismo russo, mas também no drama. Originalmente, ele falou sobre a inovação de Chekhov, que "matou o realismo" (drama tradicional), elevando as imagens a um "símbolo espiritualizado". Mas o próprio Gorky seguiu Tchekhov.

O drama de Gorky completa 105 anos em 2007 (a estréia aconteceu em 18 de dezembro de 1902 no antigo Teatro de Arte de Moscou); Desde então, a peça foi encenada, filmada muitas vezes na Rússia e no exterior, dezenas de obras críticas e científicas se dedicaram a ela, mas dificilmente alguém se atreveria a dizer que até hoje tudo se sabe sobre esta obra.

2. Uma mensagem individual de um aluno "O destino da peça de Gorky" At the Bottom "no palco.

O arquivo do Teatro de Arte de Moscou contém um álbum com mais de quarenta fotografias tiradas pelo artista M. Dmitriev nos abrigos de Nizhny Novgorod. Eles serviram como material visual para atores, maquiadores e figurinistas durante uma peça no Teatro de Arte de Moscou de Stanislavsky.

Em algumas das fotografias, a mão de Gorky fez comentários, dos quais se segue que muitos dos personagens de At the Bottom tinham protótipos reais no ambiente do vagabundo de Nizhny Novgorod. Tudo isso sugere que tanto o autor quanto o diretor, para atingir o máximo efeito cênico, se empenham, antes de mais nada, na autenticidade da vida.

A estreia de At the Bottom, que aconteceu em 18 de dezembro de 1902, foi um sucesso fenomenal. Os papéis na peça foram interpretados por: Satin - Stanislavsky, Luka - Moskvin, Barão - Kachalov, Natasha - Andreeva, Nastya - Knipper.

Tamanha inflorescência de atores famosos, somada à originalidade das decisões do autor e do diretor, deu um resultado inesperado. A própria fama de At the Bottom é uma espécie de fenômeno cultural e social do início do século 20 e não tem igual em toda a história do teatro mundial.

“A primeira apresentação desta peça foi um triunfo contínuo”, escreveu MF Andreeva. - O público estava em alvoroço. O autor foi convocado inúmeras vezes. Ele resistiu, não quis sair, foi literalmente empurrado para o palco. ”

Em 21 de dezembro, Gorky escreveu a Pyatnitsky: "O sucesso da peça é excepcional, eu não esperava nada assim ..." O próprio Pyatnitsky escreveu a L. Andreev: "O drama de Maksimych é uma delícia! Ele, como uma flecha, terá o suficiente na testa de todos aqueles que falaram sobre o declínio de seu talento. " “At the Bottom” foi muito apreciada por A. Chekhov, que escreveu ao autor: “Ela é nova e sem dúvida boa. O segundo ato é muito bom, este é o melhor, o mais poderoso, e quando li, principalmente o final, quase pulei de prazer. "

"At the Bottom" é a primeira obra de M. Gorky, que trouxe ao autor fama mundial. Em janeiro de 1903, a estreia da peça aconteceu em Berlim, no Teatro Max Reinhardt, dirigida por Richard Valletin, que interpretou o papel de Cetim. Em Berlim, a peça teve 300 apresentações consecutivas e, na primavera de 1905, sua 500ª apresentação foi celebrada.

Muitos de seus contemporâneos notaram na peça um traço característico do início de Gorky - a grosseria.

Alguns chamaram de falha. Por exemplo, A. Volynsky escreveu a Stanislavsky após a peça At the Bottom: “Gorky não tem aquele coração terno e nobre que canta e chora como Tchekhov. É grosseiro para ele, como se não fosse místico o suficiente, não estava imerso em qualquer tipo de graça. "

Outros viram isso como uma manifestação de uma notável personalidade integral que veio das classes mais baixas e, por assim dizer, "explodiu" as idéias tradicionais sobre o escritor russo.

3. Professor. “At the Bottom” é uma peça programática para Gorky: criada no alvorecer do início do século XX, expressava muitas das suas dúvidas e esperanças em relação às perspectivas do homem e da humanidade de se transformarem, transformarem a vida e abrirem as fontes de forças criativas necessárias para isso.

Isso é afirmado no tempo simbólico da peça, nas observações do primeiro ato: “O início da primavera. Manhã". Sua correspondência atesta com eloquência a mesma direção dos pensamentos de Gorky.

Na véspera da Páscoa de 1898, Gorky saudou Tchecov de forma promissora: "Cristo ressuscitou!" Ele é tudo. Ele até criou Deus ... Tenho certeza que o homem é capaz de se aperfeiçoar sem fim, e todas as suas atividades - junto com ele, também se desenvolverão ... de século em século. Eu acredito na infinidade da vida, e eu entendo a vida como um movimento em direção à perfeição do espírito. "

Um ano depois, em uma carta a Leão Tolstoi, ele quase literalmente repetiu esta tese de princípio para si mesmo em conexão com a literatura: “Mesmo um grande livro está apenas morto, uma sombra negra de uma palavra e um indício de verdade, e o homem está um repositório do Deus vivo. Eu entendo Deus como um esforço indomável pela perfeição, pela verdade e pela justiça. Portanto, uma pessoa má é melhor do que um bom livro. "

4. Quais são suas impressões sobre a peça lida de Gorky?

II. Trabalhe no tópico da lição. Trabalhando com o texto da peça de Gorky.

1. Como você entende o título da peça: "At the Bottom"?

Professor. Como Gorky combinou fé no homem - "o repositório do Deus vivo" capaz de "aperfeiçoamento sem fim", fé na vida - "movimento em direção à perfeição do espírito" - e vegetação "No fundo da vida" (este é um das variantes do nome do drama)?

Suas palavras, em comparação com os personagens da peça, não parecem uma zombaria de uma pessoa, e seus personagens contra o pano de fundo dessas palavras - uma caricatura da humanidade?

Não, porque temos diante de nós dois lados da visão comum de Gorky: nas letras - impulsos ideais, na criatividade - um estudo artístico das capacidades humanas.

O Deus-homem e o “fundo” são contrastes, e o contraste nos fez procurar leis secretas invisíveis mas existentes do ser e do espírito, capazes de “harmonizar os nervos”, mudar uma pessoa “fisicamente”, puxando-a para fora do fundo e devolvê-lo “ao centro do processo vital”.

Essa filosofia se concretiza no sistema de imagens, composição, leitmotifs, simbolismo, na palavra da peça.

Fundo na peça é ambíguo e, como muito em Gorky, é simbólico. O título correlaciona as circunstâncias da vida e a alma de uma pessoa.

Fundo - este é o fundo da vida, da alma, um grau extremo de declínio, uma situação de desesperança, um beco sem saída, comparável àquele sobre o qual Marmeladov de Dostoiévski disse amargamente - "quando não há outro lugar para ir".

“O fundo da alma” é o mais íntimo, escondido nas pessoas. “Acontece que lá fora, não importa como você se pinte, tudo será apagado”, afirmou Bubnov, relembrando seu brilho, pintado no sentido literal e figurativo de seu passado, e logo, voltando-se para o Barão, esclareceu: “O que aconteceu foi, mas não havia mais nada. ... "

2. O que você pode dizer sobre o local da ação? Quais são suas impressões sobre o ambiente em que os eventos principais acontecem?

O dormitório dos Kostylev lembra uma prisão, não é à toa que seus habitantes cantam a canção da prisão "O sol nasce e se põe". Os que estão presos no porão pertencem a diferentes camadas da sociedade, mas todos têm o mesmo destino, são renegados da sociedade e ninguém consegue sair daqui.

Um detalhe importante: o interior do abrigo não é tão sombrio, frio e ansioso como o exterior. Aqui está uma descrição do mundo exterior no início do terceiro ato: “Wasteland - um quintal cheio de vários entulhos e coberto de ervas daninhas. Bem no fundo há um firewall de tijolos altos. Cobre o céu ... Noite, o sol se põe, brilhando uma luz avermelhada no firewall. "

É o início da primavera, a neve derreteu recentemente. "Cachorro da geladeira ..." - diz, tremendo, Tick, entrando pela entrada. No final, o Ator se enforcou neste terreno baldio.

Ainda está quente por dentro e as pessoas moram aqui.

- Quem são eles?

3. Questionário sobre o conteúdo do trabalho.

A) Qual dos personagens da peça "At the Bottom" ...

1)… declara que “parece não ter caráter”?(Barão.)

2) ... não quer chegar a um acordo com a vida no "fundo" e declara:
"Sou uma pessoa que trabalha ... e desde muito cedo trabalho ... vou sair ... vou arrancar minha pele, mas vou sair"?(Ácaro.)

3) ... sonhava com uma vida assim “para que pudesse se respeitar”?(Cinzas.)

4) ... vive com sonhos de um grande e verdadeiro amor humano?(Nastya.)

5) ... acredita que será melhor no outro mundo, mas ainda quer viver pelo menos um pouco mais nesse mundo?(Anna.)

6) ... "deitar no meio da rua, tocar acordeão e gritar:" Não quero nada, não quero nada "?(Sapateiro Alyoshka.)

7) ... diz para a pessoa que a ofereceu em casamento: "... casar com uma mulher é o mesmo que pular num buraco de gelo no inverno"?(Kvashnya.)

8) ... escondendo-se atrás do serviço de Deus, roubando pessoas! “... e vou jogar meia moeda em você, - vou comprar óleo na lâmpada do ícone ... e meu sacrifício vai queimar na frente do ícone sagrado ...”?(Kostylev.)

9) ... fica indignado: “E por que separam as pessoas quando brigam? Que se espancassem livremente ... brigariam menos, porque se lembrariam mais das surras ... ”?(Policial Medvedev.)

10) ... acabou em um abrigo porque deixou a esposa, com medo de matá-la, com ciúme de outra?(Pandeireta.)

11) ... consolou a todos com uma bela mentira, e em um momento difícil "desapareceu da polícia ... como fumaça de um incêndio ..."?(Wanderer Luke.)

12) ... espancado, escaldado com água fervente, pede para ser levado para a prisão?(Natasha.)

13) ... afirmou: "Mentiras são a religião de escravos e senhores ... A verdade é o deus de um homem livre!"?(Cetim.)

B) Que circunstâncias trouxeram cada um deles ao abrigo de Kostylev?

1) Ex-funcionário do Tesouro?(O Barão foi mandado para a prisão por desvio de dinheiro do Estado e acabou em um abrigo.)

2) Um vigia no país?(O abrigo de Luka é apenas um dos pontos de suas andanças.)

3) Ex-operador de telégrafo?(Sateen, por causa de sua irmã, "matou o canalha de paixão e irritação", foi para a cadeia, depois que a cadeia acabou em um abrigo.)

4) Furrier? (Bubnov já foi dono de sua própria oficina; depois de deixar sua esposa, ele perdeu "sua instituição" e acabou em um fracasso.)

Professor. Essas pessoas são obrigadas a morar no mesmo cômodo, o que só pesa sobre elas: não estão prontas para se ajudar em nada.

- Releia o início da peça (antes que Luke apareça no flophouse).

1. Gorky transmitiu a estabilidade da alienação das pessoas na forma polílogo, composto de réplicas que não se encaixam. Todos os comentários soam de ângulos diferentes - as palavras finais de Anna se alternam com os gritos dos abrigos noturnos jogando cartas (Satin e Baron) e damas (Bubnov e Medvedev):

Anna. Eu não me lembro - quando eu estava cheio ... Toda minha vida andei em farrapos ... toda minha vida infeliz ... Para quê?

Lucas. Oh você, criança! Cansado? Nenhuma coisa!

Ator (Bócio Torto). Jack vai ... jack, droga!

Barão. E nós temos um rei.

Mite. Eles sempre vão vencer.

Cetim. Este é o nosso hábito ...

Medvedev. Rei!

Bubnov. E eu tenho ... bem ...

Anna. Estou morrendo aqui ...

2. Em comentários separados, palavras que possuem um som simbólico são destacadas. As palavras de Bubnov “as cordas estão podres” sugerem a ausência de laços entre os inquilinos noturnos. Bubnov observa a posição de Nastya: "Você é supérfluo em toda parte." Isso indica mais uma vez que os residentes de Kostylev dificilmente "toleram" uns aos outros.

3. Párias da sociedade rejeitam muitas verdades aceitas. Vale a pena, por exemplo, Tick dizer que os inquilinos da noite vivem sem honra e sem consciência, pois Bubnov lhe responderá: “Para que serve a consciência? Eu não sou rico ", e Vaska Ashes cita as palavras de Satin:" Cada pessoa quer que seu próximo tenha sua consciência, mas, veja, não é lucrativo para ninguém tê-la. "

5. Qual a diferença entre a atmosfera do 2º e 3º atos a partir do 1º?

Os alunos refletem sobre exemplos do texto.

A atmosfera dos atos 2 e 3 é diferente em comparação com 1. Um motivo contínuo surge para que os habitantes do albergue partam para algum mundo ilusório. A situação muda com o aparecimento do andarilho Lucas, que, com os seus "contos de fadas", revive sonhos e esperanças nas almas das cabanas noturnas.

O vagabundo sem passaporte Luka, que foi muito "esmagado" na vida, chegou à conclusão de que uma pessoa é digna de pena, e generosamente dá isso aos seus inquilinos. Ele atua como um consolador que deseja alegrar uma pessoa ou reconciliá-la com uma existência sem alegria.

O velho aconselha Anna moribunda a não ter medo da morte: ela traz paz, que Anna, eternamente faminta, nunca conheceu. O bêbado ator Luka inspira esperança de cura em uma clínica gratuita para alcoólatras, embora saiba que essa clínica não existe. Ele fala com Vaska Peplu sobre a oportunidade de começar uma nova vida com Natasha na Sibéria.

Mas tudo isso é apenas uma mentira reconfortante, que só pode acalmar temporariamente uma pessoa, abafando uma realidade difícil.

Os peregrinos também compreendem isso, mas ouvem com prazer o velho: querem acreditar nos seus "contos de fadas", neles desperta sonhos de felicidade.

Bubnov. E por que é ... uma pessoa adora mentir tanto? Sempre - como antes, o investigador está ... certo!

Natasha. Aparentemente, mentiras são ... mais agradáveis do que a verdade ... Eu também ...

Natasha. Eu faço as pazes ... eu as invoco e - eu espero ...

Barão. Que?

Natasha (sorrindo sem graça).Então ... Então, eu acho que amanhã ... alguém virá ... alguém ... especial ... Ou algo vai acontecer ... também - sem precedentes ... eu espero muito tempo ... sempre - eu estou esperando ... E então ... de fato - o que você pode pedir?

Há uma liberação enganosa das circunstâncias nas observações dos inquilinos noturnos. O círculo da existência parecia estar fechado: da indiferença - a um sonho inatingível, a partir dele - a choques reais ou à morte (Anna morre, Kostylev é morto). Enquanto isso, é nesse estado dos heróis que o dramaturgo encontra a fonte de sua mudança emocional.

III. Resumo das aulas.

- Faça uma generalização: quais são as características do drama de Gorky - no desenvolvimento da ação, no conteúdo?

Isto é um exemplo drama sócio-filosófico.Como você entende esta definição?

Na peça At the Bottom, o autor não se limitou a retratar os aspectos sociais e cotidianos característicos da realidade russa. Não se trata de um cotidiano, mas de uma peça sócio-filosófica, que se baseia na disputa sobre uma pessoa, sua posição na sociedade e a atitude em relação a ela. E nessa disputa (em um grau ou outro), quase todos os moradores do abrigo estão envolvidos.

Trabalho de casa.

Individualmente: problema Humano na peça de Gorky, At the Bottom.

3) Memorize os famosos monólogos de Satin sobre a verdade e sobre o homem (ato 4).

Aluna, preparado para a lição por conta própria,lê o poema de N. Zabolotsky “Não deixe sua alma ser preguiçosa”.

Ministério da Educação da Federação Russa

Ulyanovsk State University

Faculdade de Cultura e Artes

Departamento de Filologia

Resumo do curso:"Teoria e história da literatura russa"

Tópico:"História teatral do" Dote ", de A. N. Ostrovsky

Realizado:

Aluno do grupo K-11

Vikhereva M.A.

Verificado:

Professor Associado do Departamento de Filologia

Matlin M.G.

Ulyanovsk 2009

Em 1878, N. Ostrovsky escreveu o drama "O Dote", sobre o qual disse aos amigos: "Esta será a minha quadragésima obra original." Ele o escreveu por cerca de quatro anos.

O dote tem um destino estranho. Aceito inicialmente pela crítica

como uma peça comum, acabou se tornando uma obra-prima geralmente reconhecida.

A estreia ocorreu em Moscou e São Petersburgo em novembro de 1878.

O crítico contemporâneo de Ostrovsky, P. D. Boborykin, deu à peça a seguinte conclusão: "Em seu último drama, todos os motivos e posições são antigos, retirados de seu repertório e não podem ser de nenhum interesse para o público moderno desenvolvido." O destino da peça no palco refutou esse julgamento.

Larisa Ogudalova é jovem, bonita e talentosa, mas ela não tem o principal para este mundo - dinheiro. Ela é um dote. Sua mãe, Kharita Ignatievna, já se casou com suas duas filhas, agora é a vez de Larisa. Kharita Ignatievna é animada e empreendedora - pessoas ricas e nobres vêm a sua casa, por exemplo, Knurov é um milionário; Paratov é um mestre brilhante; Vozhevatov é um rico comerciante. Larisa tem um charme incrível e encanta a população masculina. Sua beleza não deixa ninguém indiferente. Larisa não é apenas uma garota bonita e talentosa, mas também tem uma vantagem importante - uma alma rica que se esforça por uma espiritualidade mais elevada. Ela adora Paratov, o dono do vaporizador de andorinhas. Ele fica fascinado por ela, mas não pensa em fazer propostas.

Um dia ele sai a negócios e retorna como o noivo da noiva "com minas de ouro". Larisa, cansada de esperar por Paratov, decide se casar com Karandyshev, um funcionário mesquinho, pessoa insignificante e vaidosa. Na ocasião do noivado, Karandyshev convida Knurov, Paratov e Vozhevatov. Tendo embriagado Karandyshev com vinho, Paratov convence Larisa a “ir com ele esta noite” à “Andorinha”. Larisa, acreditando no amor de Paratov, concorda.

No barco ela se rende a ele, mas pela manhã ele a informa de seu noivado. Knurov e Vozhevatov lançaram sortes de quem ela será a amante. Karandyshev atira em Larisa, ela morre com palavras de gratidão. Ela mesma não teve forças para entrar no Volga.

Os contemporâneos viram em "A Noiva" uma exposição do sistema social de vida existente, formado sob a influência do poder do dinheiro, mas nesta peça Ostrovsky também explorou o mundo interior de uma pessoa. A peça se chama "Dote", mas o drama da heroína, uma jovem, linda e talentosa garota Larisa Ogudalova não é que ela seja um dote. Ela quer mudar sua vida e deliberadamente vai para a pobreza, decidindo se casar com Karandyshev. Seu drama reside no fato de que ela não encontra em seu meio um igual em sua disposição mental. “Eu estava procurando o amor e não encontrei”. Em volta de Larisa, há uma dança redonda de homens que a amam à sua maneira. Mas o que eles podem oferecer a ela?

Knurov e Vozhevatov - dinheiro, Paratov - prazer. Karandyshev acredita que está sacrificando sua honra a Larisa. Mas ninguém quer, nem podem olhar em sua alma. Larisa é bela justamente pela beleza de sua alma, todos se sentem atraídos por ela, todos querem testemunhar sua presença, mas todos existem no mundo de seus afetos, não são dados a subir acima do nível de sua existência.

Todos eles vivem na esfera material, em seu próprio ambiente. E neste ambiente sufoca Larissa, cuja vida obedece às leis da alma.

Os fãs de Larisa sentem sua diferença e isso os atrai. “Afinal, em Larisa Dmitrievna não há terreno, este mundo,” - diz Knurov. Mas, com o melhor de suas idéias sobre uma mulher, eles acreditam que Larisa precisa de luxo. Larissa é chamada de dote na peça, mas ela não sofre por ser pobre, ela é até indiferente à riqueza: ela concorda em se casar com Karandyshev e ir ao vilarejo para fugir da agitação mercenária da cidade. O dinheiro não traria felicidade para Larissa, mas a protegeria da humilhação vivida pela dote. Ela morre porque se sentia infinitamente solitária entre pessoas que queriam cada uma delas.

A história das apresentações teatrais do drama "Dote".

Os primeiros intérpretes do papel de Larisa Ogudalova foram

três ao mesmo tempo não são apenas as melhores, mas também atrizes notáveis da época, mas, curiosamente, nenhuma delas conseguiu criar uma interpretação de palco interessante.

G.N. Fedotova se apresentou na estréia do Teatro Maly. Ela foi uma atriz brilhante, que teve tanto sucesso em papéis dramáticos e cômicos. O papel de Larisa desempenhado por Fedotova foi reconhecido como malsucedido. Aqui estão algumas observações dos críticos: "É finalmente privado da verdade e da originalidade"; “A lacuna entre o tom melodramático assumido pela atriz e“ o resto da vida cotidiana ”tornou o rosto da atriz“ falso e banal ”e assim por diante.

Logo o papel foi transferido para M.N. Ermolova. No contexto do jogo malsucedido de Fedotova, Larisa Ermolova venceu claramente. Os críticos acharam Ermolova muito convincente. Ela adorava participar das peças de Ostrovsky e, em virtude de seu temperamento trágico, dotou as heroínas de suas peças de uma força moral que as eleva acima das que estão ao seu redor.

Mas foi precisamente pelas peculiaridades do seu talento que ela fez de Larisa um cunho integral e intransigente, de protesto decidido e irado, o que em geral mudou o caráter da heroína do "Dote", que se caracterizava pela fraqueza, pela angústia e demolir.

Em São Petersburgo, Larissa foi interpretada por M.G.Savina. A própria Savina estava infeliz com seu jogo. Em uma turnê pelas províncias, onde interpretou seus papéis favoritos, ela interpretou "Dote" três vezes e partiu para sempre. Em "Noiva" ela interpretou Larissa "muito ideal", "muito incompreensível" do ponto de vista do bom senso.

Em São Petersburgo, "Dote" deixou o palco em 1882 e não apareceu nele por 15 anos. Em Moscou, a peça durou mais tempo - até 1891. O dote foi retomado em ambos os palcos da capital em 1896 e 1897. E a essa altura a visão da peça havia mudado.

Vera Fedorovna Komissarzhevskaya, atuando como Larisa Ogudalova, fez desta peça a peça mais famosa de Ostrovsky.

Além disso, o nome de Komissarzhevskaya tornou-se parte da história do "Dote". De acordo com o crítico A.V. Amfiteatrova, ela fez muito mais por esse papel do que o próprio Ostrovsky. "Nem Fedotova, nem Ermolova, nem Savina adivinharam o que era Larisa, assim como Ostrovsky não entendeu a profundidade que ele criou." Essa é a peculiaridade do destino daquelas obras em que o autor “adivinha” problemas eternos com sua intuição artística.

O que Larisa foi interpretado por Komissarzhevskaya, para quem esse papel também se tornou especial em sua vida? Como os críticos escreveram muito mais tarde, é "um papel histórico, pois cria história".

O próprio Ostrovsky e os primeiros artistas viram no destino de Larisa

drama social.

Larissa, com sua bela alma, sofrendo de falta de amor, morre entre pessoas preocupadas com seus interesses mercantis e vãos. Komissarzhevskaya foi uma atriz da nova era, o início do século 20, ocupada com a busca de novas formas de arte.

A própria atriz disse que ela, talvez, deu sua compreensão a Larisa, e não a Ostrovsky. Ela está interessada em "antes de tudo, uma alma feminina generalizada com tudo o que nela há de eterno". Em outras palavras, Komissarzhevskaya fugiu do conflito social. A tragédia de sua Larissa não é ser um dote, mas ser mentalmente solitária entre as pessoas: teme por sua alma, condenada ao sofrimento. Komissarzhevskaya interpretou Larisa "tragicamente solitária e tragicamente condenada".

Muito provavelmente, toda a história das atuações de "Dote"

pode ser dividido em dois períodos opostos: antes de Komissarzhevskaya e depois dela.

Da experiência de trabalho. Drama sócio-filosófico de M. Gorky "At the Bottom"

para dar uma ideia inicial do drama sócio-filosófico como um gênero de drama;
familiarizar-se com o conteúdo ideológico da peça de Gorky "At the Bottom";
desenvolver a capacidade de analisar uma obra dramática.

para determinar o significado filosófico do título da peça de Gorky "At the Bottom";
descobrir os métodos do autor para transmitir a atmosfera de separação espiritual das pessoas, revelando o problema da superação imaginária e real de uma situação humilhante, do sono e do despertar da alma.

Progresso da aula

I. Observações introdutórias.

2. Uma mensagem individual de um aluno "O destino da peça de Gorky" At the Bottom "no palco.

Muitos de seus contemporâneos notaram na peça um traço característico do início de Gorky - a grosseria.

Outros viram isso como uma manifestação de uma notável personalidade integral que veio das classes mais baixas e, por assim dizer, "explodiu" as idéias tradicionais sobre o escritor russo.

4. Quais são suas impressões sobre a peça lida de Gorky?

II. Trabalhe no tópico da lição. Trabalhando com o texto da peça de Gorky.

1. Como você entende o título da peça: "At the Bottom"?

Suas palavras, em comparação com os personagens da peça, não parecem uma zombaria de uma pessoa, e seus personagens contra o pano de fundo dessas palavras - uma caricatura da humanidade?

Não, porque temos diante de nós dois lados da visão comum de Gorky: nas letras - impulsos ideais, na criatividade - um estudo artístico das capacidades humanas.

Essa filosofia se concretiza no sistema de imagens, composição, leitmotifs, simbolismo, na palavra da peça.

Fundo na peça é ambíguo e, como muito em Gorky, é simbólico. O título correlaciona as circunstâncias da vida e a alma de uma pessoa.

2. O que você pode dizer sobre o local da ação? Quais são suas impressões sobre o ambiente em que os eventos principais acontecem?

É o início da primavera, a neve derreteu recentemente. "Cachorro da geladeira ..." - diz, tremendo, Tick, entrando pela entrada. No final, o Ator se enforcou neste terreno baldio.

Ainda está quente por dentro e as pessoas moram aqui.

- Quem são eles?

3. Questionário sobre o conteúdo do trabalho.

A) Qual dos personagens da peça "At the Bottom" ...

1)… declara que “parece não ter caráter”? (Barão.)

2) ... não quer chegar a um acordo com a vida no "fundo" e declara:
"Sou uma pessoa que trabalha ... e desde muito cedo trabalho ... vou sair ... vou arrancar minha pele, mas vou sair"? (Ácaro.)

3) ... sonhava com uma vida assim “para que pudesse se respeitar”? (Cinzas.)

4) ... vive com sonhos de um grande e verdadeiro amor humano? (Nastya.)

5) ... acredita que será melhor no outro mundo, mas ainda quer viver pelo menos um pouco mais nesse mundo? (Anna.)

6) ... "deitar no meio da rua, tocar acordeão e gritar:" Não quero nada, não quero nada "? (Sapateiro Alyoshka.)

7) ... diz para a pessoa que a ofereceu em casamento: "... casar com uma mulher é o mesmo que pular num buraco de gelo no inverno"? (Kvashnya.)

9) ... fica indignado: “E por que separam as pessoas quando brigam? Que se espancassem livremente ... brigariam menos, porque se lembrariam mais das surras ... ”? (Policial Medvedev.)

10) ... acabou em um abrigo porque deixou a esposa, com medo de matá-la, com ciúme de outra? (Pandeireta.)

11) ... consolou a todos com uma bela mentira, e em um momento difícil "desapareceu da polícia ... como fumaça de um incêndio ..."? (Wanderer Luke.)

12) ... espancado, escaldado com água fervente, pede para ser levado para a prisão? (Natasha.)

13) ... afirmou: "Mentiras são a religião de escravos e senhores ... A verdade é o deus de um homem livre!"? (Cetim.)

B) Que circunstâncias trouxeram cada um deles ao abrigo de Kostylev?

1) Ex-funcionário do Tesouro? (O Barão foi mandado para a prisão por desvio de dinheiro do Estado e acabou em um abrigo.)

2) Um vigia no país? (O abrigo de Luka é apenas um dos pontos de suas andanças.)

3) Ex-operador de telégrafo? (Sateen, por causa de sua irmã, "matou o canalha de paixão e irritação", foi para a cadeia, depois que a cadeia acabou em um abrigo.)

4) Furrier? (Bubnov já foi dono de sua própria oficina; depois de deixar sua esposa, ele perdeu "sua instituição" e acabou em um fracasso.)

Professor. Essas pessoas são obrigadas a morar no mesmo cômodo, o que só pesa sobre elas: não estão prontas para se ajudar em nada.

- Releia o início da peça (antes que Luke apareça no flophouse).

1. Gorky transmitiu a estabilidade da alienação das pessoas na forma de um polílogo, composto de réplicas que não se encaixam. Todos os comentários soam de ângulos diferentes - as palavras finais de Anna se alternam com os gritos dos abrigos noturnos jogando cartas (Satin e Baron) e damas (Bubnov e Medvedev):

Anna. Eu não me lembro - quando eu estava cheio ... Toda minha vida andei em farrapos ... toda minha vida infeliz ... Para quê?

Lucas. Oh você, criança! Cansado? Nenhuma coisa!

Ator (Bócio Torto). Jack vai ... jack, droga!

Barão. E nós temos um rei.

Mite. Eles sempre vão vencer.

Cetim. Este é o nosso hábito ...

Medvedev. Rei!

Bubnov. E eu tenho ... bem ...

Anna. Estou morrendo aqui ...

5. Qual a diferença entre a atmosfera do 2º e 3º atos a partir do 1º?

Os alunos refletem sobre exemplos do texto.

Mas tudo isso é apenas uma mentira reconfortante, que só pode acalmar temporariamente uma pessoa, abafando uma realidade difícil.

Os peregrinos também compreendem isso, mas ouvem com prazer o velho: querem acreditar nos seus "contos de fadas", neles desperta sonhos de felicidade.

Bubnov. E por que é ... uma pessoa adora mentir tanto? Sempre - como antes, o investigador está ... certo!

Natasha. Aparentemente, mentiras são ... mais agradáveis do que a verdade ... Eu também ...

Natasha. Eu faço as pazes ... eu as invoco e - eu espero ...

Barão. Que?

III. Resumo das aulas.

- Faça uma generalização: quais são as características do drama de Gorky - no desenvolvimento da ação, no conteúdo?

Isto é um exemplo drama sócio-filosófico.Como você entende esta definição?

Trabalho de casa.

Individualmente: o problema humano na peça de Gorky, At the Bottom.

3) Memorize os famosos monólogos de Satin sobre a verdade e sobre o homem (ato 4).

Aluna, preparado para a lição por conta própria,lê o poema de N. Zabolotsky “Não deixe sua alma ser preguiçosa”.

No quarto ato, o movimento do drama é determinado: a vida desperta na alma sonolenta do "albergue". As pessoas são capazes de sentir, ouvir umas às outras, ter empatia.

A peça “At the Bottom” como uma obra dramática é caracterizada por conflitos que refletem contradições humanas universais: contradições nas visões da vida, no modo de vida.

Conflito dramático da peça "At the Bottom"

Imagens de Satin, Baron, Bubnov na peça "At the Bottom"

Gorky com uma peça No fundo queria provar que só na luta está a essência da vida. Quando uma pessoa perde a esperança, para de sonhar, ela perde a fé no futuro.

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O drama de Sergei Grigorievich Chavain "Apiário" ("Moksh Otar") é caro ao coração de cada Mari de uma maneira especial. A brilhante originalidade e a originalidade nacional desta obra literária determinaram em grande parte sua longevidade e seu interessante destino no palco do Mari Drama Theatre. Pela primeira vez a luz da rampa "Apiário" viu durante a vida do autor, em 20 de outubro de 1928. Sergei Grigorievich Chavain escreveu para o teatro uma história romântica sobre o triunfo do bem e da justiça, sobre a transformação de uma floresta selvagem em uma pessoa culta e letrada - um professor. Parece que o caminho exato para alcançar o bem-estar das pessoas foi encontrado - iluminação de mentes, trabalho coletivo para o bem das pessoas e amor. Nisto o escritor viu a garantia do triunfo inevitável das transformações revolucionárias da primeira década de vida do nosso estado. O ímpeto direto para escrever o drama, segundo o próprio autor, foi o romance histórico de Al.Altayev "Stenkina Freeman" (1925). Neste romance, uma das heroínas é uma jovem Kiavia, que se apaixonou por Ataman Danilka do exército de Stepan Razin. Ela morre na floresta sem esperar por seu amado. O drama de S. Chavaina tornou-se uma obra inovadora na literatura mari. Combina com sucesso cores realistas e românticas; o enredo dramático inclui organicamente cenas de vocais e balé. As canções e danças usadas na peça ajudam a compreender o estado interno dos personagens, o significado emocional de episódios e imagens individuais e expandem as imagens do palco. O início da canção-poética ganha destaque em "Apiário". O drama é musical não apenas pela abundância de canções, danças e danças, é musical em sua estrutura mais íntima, alma, poética. Para o teatro daqueles anos, a produção de "Apiário" teve grande importância. Na verdade, esse evento se tornou um divisor de águas na história da formação do teatro Mari, separando o período amador de sua existência do profissional. A peça, encenada pelo diretor Naum Isaevich Kalender, tornou-se a primeira apresentação profissional do Teatro Mari Drama baseada na peça original. Essa performance deu a oportunidade de brilhar de uma nova maneira, para revelar mais plenamente o talento dramático de muitos atores. O papel de Clavius foi interpretado por Anastasia Filippova, de 16 anos. A interpretação da imagem da heroína, por ela dada, tornou-se, em muitos aspectos, uma referência para os intérpretes subsequentes. O professor Michi foi interpretado por Vasily Nikitich Yakshov, o buster - Alexey Ivanovich Mayuk-Egorov. O papel de Peter Samson foi interpretado por M. Sorokin, o avô Corey - por Pavel Toydemar, Onton - por Peter Paidush e. Dr. Fornecido por N. O calendário do apiário foi um grande sucesso. Tendo viajado todos os cantões do MAO, Chuvashia e Tatarstan, no verão de 1930 o teatro Mari levou seu trabalho a Moscou para a Primeira Olimpíada de Teatros e Artes Pan-Russas dos Povos da URSS, e foi premiado com o Primeiro Grau Diploma. Na conclusão do júri da Olimpíada, o Teatro Mari é considerado um fenômeno de extrema importância. E também que o MAO State Theatre é o mais jovem de todos os teatros participantes da I Olimpíada All-Union. “O teatro conhece bem o seu ambiente nacional, sabe com quem lutar com a arma do teatro e em que apelar o seu público, encena com muita sinceridade e persuasão”. As repressões da década de 1930 se transformaram em uma tragédia completa para a cultura Mari, que tirou da vida os nomes e as criações dos melhores representantes da intelectualidade criativa Mari. Entre eles estava o escritor S. Chavine, reabilitado em 1956. Nesta época, Sergei Ivanov, um graduado do departamento de direção do GITIS, veio para o Margosteater. "Apiário" tornou-se sua segunda produção independente no teatro. A volta da obra do clássico da literatura Mari ao palco do teatro foi preparada como um feriado para todo o público da república. A decoração da nova produção de "Apiário" foi confiada ao famoso escultor Mari, especialista na vida e cultura nacional, F. Shaberdin, que executou o honroso trabalho com amor e bom gosto. O compositor K. Smirnov apresentou o arranjo musical apropriado. As danças foram encenadas pelos atores I. Yakaev e G. Pushkin. " Se na primeira produção a ênfase principal foi colocada na ideia da luta de classes na aldeia Mari na segunda metade da década de 1920, na nova obra do teatro a ideia da vitória do novo sobre o antigo foi destacado. Na peça, junto com conhecidos atores experientes, como T. Grigoriev (Samson Peter), G. Pushkin (Koriy), T. Sokolov, I. Rossygin (Oruzuy), I. Yakaev (Epsei), A. Strausova ( Petr vate) e outros foram empregados por recém-formados no estúdio Mari no Instituto de Teatro de Leningrado. A. N. Ostrovsky. R. Russina desempenhou o papel de Clavius. Matveev jogou o punho de Peter Samsonov. K. Korshunov personificou a imagem do professor Dmitry Ivanovich. O diretor O. Irkabaev em 1988 abordou a produção do drama Chavaina de uma nova maneira. Em sua leitura, "Apiário" da história do órfão Clavius, como se acreditava comumente da bancada da escola, cresceu em uma reflexão sobre o destino do povo Mari, e a imagem do personagem principal tornou-se um símbolo de sua alma. Em entrevista ao jornal "Mariy Kommuna", o realizador afirmou que "esta peça está muito em sintonia com os tempos de hoje. Com seu potencial criativo, gentileza de pensamentos, calor interior. A encenação permite falar do hoje, da nossa vida hoje. Os criadores da peça foram muito cuidadosos com o texto da peça de Chavain, mantendo-a literalmente ao ponto. E com base em uma peça clássica, eles ergueram um prédio novo e bastante estreito para sua apresentação. No processo de trabalho, o romance e a euforia poética inerentes à peça de S. Chavain foram em grande parte silenciados. O apiário florestal de Pedro Samsonov é apresentado como um lugar onde as pessoas são humilhadas, onde interesses egoístas rompem os destinos humanos. Seguindo a ideia do diretor, o artista N. Efaritskaya criou cenários que diferem das tradições de produções anteriores. Não é um belo apiário entre as infindáveis florestas de Mari, mas um pedaço de terra abraçado por ele por todos os lados, isolado do mundo exterior. Os cortes horizontais da copa de uma enorme árvore, como se pesados tetos baixos pressionados, limitam o espaço. A insegurança de uma pessoa é sentida diante de seu poder cruel. Assim, o arranjo musical. A música de Sergei Makov é um componente orgânico da performance, consoante com a intenção do diretor. Ao criar a peça, o diretor se esforçou para construir os personagens dos personagens com a ajuda e com base na análise psicológica. Um material dramático, contendo um potencial poderoso para uma leitura não convencional, tornou isso possível. Por exemplo, a imagem de Clavius. Uma menina órfã de 17 anos mora na floresta, em um apiário, é selvagem, impetuosa, evita as pessoas. É muito natural para ela se comunicar com abelhas, árvores, como se fosse com seres vivos. As atrizes V. Moiseeva, S. Gladysheva, A. Ignatieva, performers do papel de Clavius, criaram um desenho preciso do comportamento da heroína no palco, correspondendo à personagem. De maneira semelhante, os personagens de outros personagens foram revisados. Em artigo dedicado aos resultados da temporada teatral, MA Georgina enfatiza que o principal na nova produção de "Apiário" de Chavain é "a vontade de se afastar dos palcos desatualizados e dos clichês de atores que puxam a arte cênica de Mari de volta, ofuscando a originalidade criativa dos atores. "revisão de teatros folclóricos e grupos de teatro. Na república, o diploma de primeiro grau foi concedido ao coletivo de teatro da casa de cultura rural de Mustaevsky, na região de Sernur. Este coletivo, entre 20 coletivos, participou do show zonal, que aconteceu em Ulyanovsk. Eles mostraram o "Muksh Otar" de Chavain e receberam um diploma de primeiro grau. O diretor artístico do grupo V.K. Stepanov, Z.A. Vorontsova (Clavius), I.M. Vorontsov (Epsei) receberam diplomas de primeiro grau. Artistas amadores tocados: MI Mustaev (Potr kugizai); V.S.Bogdanov (Onton); A.A. Strizhov (Orozoi); Z.V. Ermakova (Tatiana Grigorievna); a dança das abelhas foi executada pelos alunos do 10º ano da escola local. Ao todo, 20 pessoas participaram da produção. Artistas do povo do MASSR I.T. Yakaev e S.I. Kuzminykh. A equipe mostrou uma cena da peça na casa dos oficiais da guarnição local, pela qual receberam um Certificado de Mérito. A estréia da peça "Apiário", dirigida por O. Irkabaev, aconteceu de 26 a 27 de abril de 1988. Na próxima temporada teatral, a performance apareceu na frente do público de uma forma modificada. O cenário mudou. Os criadores da peça fizeram um certo trabalho que tornou a versão do diretor mais convincente. Para o 120º aniversário do nascimento de S. Chavain, o diretor A. Yamaev preparou uma nova produção de "Apiário". A estreia da performance ocorreu em novembro de 2007. A música foi escrita pelo compositor Sergei Makov. O artista Ivan Yamberdov criou decorações monumentais magníficas. Coreógrafo - Homenageado Trabalhador da RME Tamara Viktorovna Dmitrieva. A apresentação foi calorosamente recebida pelos amantes do teatro. E acredito que a peça "Apiário" terá uma vida longa e feliz no palco do Teatro Nacional de Drama de Mari que leva o nome de M. Shketan. A peça "Moksh Otar" pode ser encontrada e lida no departamento de literatura e bibliografia de história local nacional nas seguintes edições: 1. Chavain S.G. Mӱksh otar / S.G. Chavain. - Yoshkar-Ola: Margosizdat, 1933.-- 87s. 2. Mӱksh otar // Chavain S. Oypogo / S. Chavain. - Yoshkar-Ola: março livro editora, 1956. - pp. 186 - 238. 3. Mӱksh otar // Chavain S.G. Sylnymutan de works-vlak: 5º volume dene lektesh: 4 -th t.: Play-vlak / S.G. Chavain. - Yoshkar-Ola: Livro. Luxho Mar editora, 1968. - P.200 - 259. 4. Muksh otar // Chavain S.G. Vozmyzho padrinho tom dene luktaltesh: 3º volume: play-vlak, romance "Elnet". –Yoshkar-Ola: Livro. Luxho Mari Publishing House, 1981. - pp. 5-52.