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Arte da Finlândia

M. Bezrukova (pintura e gráficos); I. Tsagarelli (escultura); O. Shvidkovsky S. Khan-Magomedov (arquitetura)

A formação da escola nacional finlandesa nas artes visuais remonta à primeira metade do século XIX. Em 1809, de acordo com a Paz de Friedrichsham, a Finlândia tornou-se parte do Império Russo como Grão-Ducado, e o país, que havia sido uma província sueca por cerca de 600 anos, recebeu relativa independência. Antes disso, a arte da Finlândia estava sujeita às influências suecas e, através da Suécia, às influências dinamarquesas. As tradições folclóricas foram preservadas apenas nas lendas do épico "Kalevala", em tapetes tecidos à mão - "ruyu" - e esculturas em madeira. Essas tradições vivas serviram de base para o surgimento da autoconsciência nacional na primeira metade do século XIX, facilitada pelas atividades do historiador e filólogo H. G. Portan, do escritor Runeberg e do colecionador das runas Kalevala por Lönnrot. Durante estes anos, surgiram vários artistas, que se propuseram a criar uma escola nacional de pintura e escultura. Um grande papel em sua formação pertence à Sociedade de Arte Finlandesa, que surgiu em 1846, liderada por Robert Ekman (1808-1873). Ele foi o autor de pinturas de gênero escritas com precisão documental, e os historiadores finlandeses o chamam de "pai da arte finlandesa". O trabalho de Ekman contribuiu para aproximar a arte da vida popular. Na pintura de paisagem, Werner Holmberg (1830-1860) abre caminho para a paisagem nacional. No entanto, a verdadeira ascensão da pintura finlandesa cai nas décadas de 1880-1890. e está associado aos nomes de A. Gallen-Kallela, A. Edelfelt, E. Jarnefelt e P. Halonen. A arte desses pintores entrou no fundo dourado da cultura artística finlandesa e representa a parte mais valiosa de sua contribuição para a arte mundial.

Albert Edelfelt (1854-1905) foi o primeiro artista finlandês a alcançar fama mundial. Seu trabalho ocupa um lugar importante na história do desenvolvimento da pintura finlandesa. Edelfelt, de origem sueca, estudou primeiro em Helsinque, depois na Academia de Artes de Antuérpia e completou sua educação em Paris com J. L. Gerome. O nome de Edelfelt está associado ao nascimento do impressionismo na Finlândia.

Edelfelt começa como um pintor histórico (“O rei sueco Karl insulta o cadáver de seu inimigo Stadtholder Flemming em 1537”, 1878; Helsinki, Ateneum), mas o verdadeiro florescimento de sua obra deve-se ao apelo a temas da vida do pessoas. As melhores telas do artista são "Mulheres de Ruokolahti" (1887), "Pescadores de ilhas distantes" (1898; ambos - Helsinque, Ateneum, "Contador de histórias Paraske" (1893; coleção particular alemã), que se distinguem por temas nacionais e o brilho da linguagem pictórica. Em " Babakh de Ruokolahti "o artista recria uma cena da vida folclórica - quatro camponesas em trajes nacionais estão conversando perto da cerca da igreja. O desejo constante de uma transmissão mais sutil da luz e do ar ambiente, para criar um som de cor holística da imagem, a expressividade da forma pictórica, o movimento livre do pincel são os traços característicos da maneira - pintor de Edelfelt.

Edelfelt foi um notável retratista que nos deixou uma galeria de seus contemporâneos; entre os melhores retratos estão "Retrato de L. Pasteur" (1885), "Retrato do cantor A. Akte" (1901), "Retrato da mãe" (1883; todos - Helsinque, Ateneum). Uma das últimas obras de Edelfelt foi a pintura monumental "A Celebração da Abertura da Universidade em Åbo" (1904) para a sala de reuniões da universidade em Helsinque.

Eero Järnefelt (1863-1937) entrou para a história da pintura finlandesa como cantor da vida de um camponês finlandês, um pintor de paisagens com alma e um excelente retratista. Ele estudou na escola de desenho da Sociedade de Artistas em Helsinque, depois na Academia de São Petersburgo e em Paris. Ele criou seus melhores trabalhos nas décadas de 1880 e 1890: Washerwomen on the Shore (1889; Helsinki, coleção particular), Return from the Berry Forest (1888; Hämeenlinna, Museum of Art), Forced Labor (1893; Helsinki, Ateneum). Todos eles foram escritos com base em impressões diretas. Assim, a pintura "Trabalho Forçado" fala sobre o trabalho árduo dos camponeses desenraizando e queimando tocos. Com muda censura, uma adolescente com o rosto coberto de fuligem olha para o espectador. Järnefelt criou retratos nítidos de várias figuras públicas finlandesas (“Retrato do Professor Danielson-Kalmar”, 1896; Helsinque, coleção particular).

A arte de Peka Halonen (1865-1933), que estudou primeiro em Helsinque, depois em Paris e na Itália, também tem caráter democrático. Dominando brilhantemente a técnica pictórica de trabalhar ao ar livre, Halonen aplicou toda sua habilidade à imagem de seu povo e da natureza nativa. Assim, seus “Wood Rafters at the Fire” (1893; Helsinki, Ateneum) estão imbuídos de um sentimento caloroso pela natureza dura e pelas pessoas pobres da Finlândia. Halonen resolve assuntos cotidianos em um plano monumental-épico, e ao mesmo tempo em paisagens ele se revela um poeta sutil: um remanso tranquilo da baía, casas carelianas, uma procissão tempestuosa da primavera do norte - tudo aqui é permeado de uma lírica sentimento. Apesar do fato de Järnefelt e Halonen terem morrido nos anos 30, seus melhores trabalhos foram criados na década de 1890, e a arte desses pintores ainda estava se desenvolvendo inteiramente nas tradições do século XIX.

Em contraste com eles, a obra do mais importante artista finlandês, Axel Gallen-Kallela (1865-1931), refletia as contradições que caracterizavam a arte do final do século XIX e início do século XX. Em 1900 Gallen-Kallela tornou-se um dos principais artistas do emergente estilo Art Nouveau e só gradualmente, nas duas últimas décadas de sua vida, superou o modernismo e voltou à pintura realista.

No período inicial da criatividade, Bastien-Lepage teve uma grande influência sobre o jovem artista. Já a obra da segunda metade da década de 1880. testemunham a maturidade e domínio do talento do artista. A pintura The First Lesson (1889; Helsinki, Ateneum), que retrata uma cabana de aldeia na qual um velho pescador ouve uma menina que lê, é marcada por traços de realismo genuíno. Viajando muito pelo país com o objetivo de um estudo mais profundo da vida das pessoas, Gallen-Kallela pinta paisagens e pinturas de gênero (O pastor de Panajärvi, 1892; Helsinque, coleção particular). Na década de 1890 a gama de temas de Gallen se expande, ele se volta para o épico nacional finlandês careliano "Kalevala" e cria uma série de obras sobre os temas do épico (tríptico "The Legend of Aino", 1891, Helsinki, Ateneum; "The Rapduction of Sampo ", 1896, Turku, Museum of Art; ", 1897, Helsinki, Ateneum, "Jokahainen's Revenge", 1903, gravura). Cada vez mais arrebatado pela ficção científica e heroísmo de Kalevala, Gallen começou a buscar novos dispositivos estilísticos para expressar especificidades racionais, mas essas buscas o levaram à estilização modernista característica da arte do início do século XX. Gradualmente, em seu trabalho, o interesse pelo grande tema da vida popular está diminuindo. A combinação de misticismo e naturalismo marcou seus afrescos na capela funerária de Yuselius em Pori (1901-1903). Há traços do modernismo nos murais do pavilhão finlandês na Exposição Mundial de Paris em 1900. Ao longo de sua longa carreira, Gallen criou muitas paisagens, retratos, trabalhou como ilustrador (ilustrações para o romance "Seven Brothers" de Alexis Kivi) ; nem tudo em seu legado pode ser aceito incondicionalmente, mas em seus melhores trabalhos de diferentes anos, criados antes do período de entusiasmo pelo modernismo e nos anos 20, encontramos um poder realista genuíno, nacionalidade profunda, dando o direito de considerar Gallen-Kallela um grande artista nacional, que trouxe glória ao seu país; não era à toa que o sr. Gorki o valorizava tanto, que se correspondia com ele durante muitos anos.

Helena Schjerfbeck (1862-1946), que recebeu sua educação artística em São Petersburgo, também era uma artista talentosa. Sua pintura The Recovering Child (1888; Helsinki, Ateneum) pertence às melhores realizações da pintura realista finlandesa. Mas com a propagação no final do século 19. modernismo na Finlândia Schjerfbeck, como muitos de seus colegas, se afasta do realismo. A obra de Juho Simberg (1873-1917), marcada por traços de misticismo e simbolismo, também foi contraditória. A influência do modernismo também deixou sua marca na obra do artista muito democrático Juho Rissanen (1879-1950).

No início do novo século, as tendências formalistas se intensificaram na arte da Finlândia. Começa um afastamento das tradições nacionais realistas, um recuo das tarefas da arte democrática. Em 1912, surgiu o grupo Septem, cujo chefe ideológico era Magnus Enkel (1870-1925); incluía V. Tome, M. Oinonen e outros. Em 1916, liderado por Tyukko Sallinen (1879-1955), outro grande grupo foi criado - "Novembro". Os artistas que faziam parte desses grupos, em detrimento do conteúdo da arte, gostavam dos problemas de luz e cor (“Setembro”) ou buscavam uma imagem distorcida e deformada da realidade (“Novembro”). os agrupamentos recentes mais significativos é o grupo Prism, que surgiu em 1956 e reúne artistas que trabalham de diversas maneiras. Isso inclui Sigrid Schaumann (n. 1877), Ragnar Eklund (1892-1960) - representantes da geração mais antiga de pintores, bem como Sam Vanni (n. 1908), trabalhando principalmente de maneira abstrata, e outros.

Do final dos anos 50. O abstracionismo captura todos os grandes círculos de artistas finlandeses. Mas junto com isso, vários pintores, como Lennart Segerstrode (n. 1892), Sven Grönvall (n. 1908), Eva Sederström (n. 1909), Eero Nelimarkka (n. 1891) e outros, continuam a trabalhar em tradições realistas.

Um lugar significativo na arte da Finlândia é ocupado por gráficos, cuja floração no século XIX foi associada aos nomes de Gallen-Kallela, A. Edelfelt, J. Simberg. Hoje, os sucessores das melhores tradições democráticas nas artes gráficas da Finlândia são Erkki Tanttu (n. 1917), Lennart Segerstrole, Vilho Askola (n. 1906) e outros mestres. Apesar da diferença de maneiras criativas e gêneros em que trabalham, eles estão unidos pelo desejo de mostrar a vida concreta da Finlândia de hoje, o amor pelo homem comum. L. Segerstrole, representante da geração mais antiga de artistas gráficos, dedica suas folhas “Seal Hunters” (1938), “After the Storm” (1938, ponta seca) ao tema do trabalho, elas estão imbuídas de simpatia pelo simples trabalho pessoa. E. Tanttu canta sobre a beleza do trabalho em suas gravuras "Forest sendo carregada" (1954), "Rafters" (1955), etc. E. Tanttu. Suas folhas se distinguem por uma interpretação monumental da imagem de uma pessoa e uma imagem poética da natureza nativa. A beleza e a severidade da paisagem finlandesa são transmitidas em seus trabalhos gráficos "Winter Morning" (1956), "Lake in Lappi-Ebi" (1958) de V. Askola.

Um notável mestre da ilustração de livros é Tapio Tapiovaara (n. 1908), autor de folhas gráficas sobre temas sociais agudos (“Events in Kemi in 1949”, 1950).

Um lugar significativo na vida artística da Finlândia é ocupado pela escultura amplamente desenvolvida. Os primeiros professores de escultores finlandeses foram mestres suecos. O fundador da escultura finlandesa é Karl Eneas Sjöstrand (1828-1906), que chegou em 1856 à então capital da Finlândia - Turku. Ele foi convidado a criar um monumento a H. G. Portan, o maior colecionador do épico finlandês; Este monumento ainda goza de merecido reconhecimento até hoje. Ao mesmo tempo, interessou-se pelo épico Kalevala e realizou várias obras sobre os temas do épico (Kullervo Speaks His Saber, 1867; Helsinki, Hesperia Park). Sjostrand é conhecido não apenas como artista, mas sobretudo como um mestre que organizou sua própria escola. As tradições realistas desta escola remontam ao início do século XX.

Entre seus alunos estavam famosos escultores finlandeses como Walter Runenberg (1836-1920) e Johannes Takkanen (1849-1885). Esses mestres eram representantes de duas linhas de desenvolvimento da escultura finlandesa. Tendo iniciado sua educação artística com Sjöstrand, eles continuaram em Copenhague e Roma, mas seus destinos foram diferentes. Para o filho de um famoso poeta finlandês, próximo aos círculos dominantes suecos, Walter Runenberg, o caminho para a arte foi simples e fácil. Tanto em sua terra natal quanto em Paris, onde se instalou a partir de meados da década de 1870, seus retratos e monumentos clássicos, cheios de pathos e idealizações externas, fizeram sucesso (“Psique com a Águia de Júpiter”, 1875, mármore, Helsinque. Ateneum alegórico escultura “Triste Finlândia”, 1883, bronze). Mas, apesar do sucesso e das ordens oficiais, este mestre classicista nada fez para o desenvolvimento da escultura nacional finlandesa - apenas a introduziu no mainstream da escola acadêmica romana da época, foi muito mais difícil para Johannes Takkanen, filho de um pobre camponês. O talentoso escultor, forçado a lutar contra a pobreza durante toda a sua curta vida (morreu aos 36 anos em Roma, quase um mendigo, entre pessoas que não conseguiam entender nem as últimas palavras do moribundo), não conseguiu ser reconhecido. Takkanen não pôde revelar seu talento - aplicar sua força na execução de esculturas monumentais. Mas mesmo aquelas pequenas figuras que sobreviveram testemunham o grande e original talento do mestre. Takkanen foi justamente chamado de cantor de beleza feminina, suas figuras estão cheias de lirismo e suavidade (“Chained Andromeda”, 1882; “Aino” - um motivo de Kalevala, 1876; ambos - Helsinki, Ateneum).

Simplicidade, naturalidade, tipos e imagens nacionais - tudo isso parecia muito ousado e incomum para a Roma clássica. Takkanen não recebeu apoio de sua terra natal. Foi assim que a Finlândia perdeu seu primeiro artista nacional.

Nas décadas de 1880-1890. escultura torna-se um dos principais gêneros na Finlândia. Monumentos a grandes figuras são erguidos nas cidades, esculturas de parques e relevos são criados para decorar edifícios públicos e privados. O foco principal de toda escultura monumental era a promoção de ideias nacionais; Foi durante essas décadas que a orientação artística dos escultores finlandeses e os caminhos que a escultura moderna finlandesa seguirá são mais claramente definidos. A linha salão-tradicional foi muito claramente representada pela obra de Wille Wallgren (1855-1940). Emil Wikström (1864-1942) foi o mestre mais brilhante que desenvolveu as tradições folclóricas da escultura finlandesa.

Wallgren se estabeleceu em Paris por volta de 1880. Pequenas figuras de gênero de Wallgren (Maryatta, 1886, mármore, Turku, Museu de Arte; Eco, 1887, mármore; Primavera, 1895, ouro, ambos - Helsinque, Ateneum e etc.). Suas obras são caracterizadas pela decoração artística, sensualidade e muitas vezes açucar. No final da década de 1890 ele começa a se deixar levar por proporções alongadas, uma linha de contorno sinuosa. Ao longo dos anos, ele manifesta cada vez mais uma gravitação em direção à decoração e à literatura. Quando Wallgren tentou retratar suas garotas coquetes em formas monumentais (Havis Amanda Fountain em Helsinki, 1908), ele falhou, pois era um mestre das pequenas formas.

Ao contrário de Wallgren, Emil Wikström apenas na década de 1890. presta homenagem ao virtuosismo do salão francês (The Dream of Innocence, 1891; Helsinki, Ateneum). Já em 1900. sua arte o amadurece. A história e a modernidade da Finlândia tornam-se os principais temas de suas obras. O processamento do material também está mudando, alguma pretensão dá lugar a uma forma plástica forte. Esta é uma de suas obras centrais - um friso na fachada principal da Câmara dos Representantes do Seimas (1902, Helsinque). Esta grandiosa composição, feita em bronze, consiste em cenas alegóricas que contam a história do povo finlandês, seu trabalho e a luta pela independência. Wikström também é conhecido como um mestre do retrato e da escultura monumental. Em 1886, ele completou um retrato bem-sucedido do pintor Gallen-Kallela (bronze, Helsinque, Ateneum), em 1902 - um monumento ao colecionador do épico Kalevala Lönnrot (Helsinque), a composição "Vigas de madeira". Uma de suas últimas obras foi um monumento a I. V. Snellman (1923, Helsinque). As obras monumentais e retratistas de Wikström são caracterizadas por um profundo realismo, a capacidade de encontrar o mais característico, típico na pessoa que está sendo retratada.

O aluno de Wikström foi Emil Halonen (1875-1950), que reviveu as tradições folclóricas da escultura em madeira. Possui inúmeros relevos em pinho ("The Deer Buster", 1899), esculturas em madeira ("Young Girl", 1908; ambas as obras - Helsinki, Ateneum). O trabalho mais interessante de Halonen foram os relevos para o pavilhão finlandês na Exposição Mundial de Paris em 1900 (Helsinki, Ateneum), feitos de maneira um tanto arcaica, imitando a talha popular; de forma simples e concisa, reproduziam cenas da vida popular. As técnicas de escultura em madeira desenvolvidas por Halonen foram continuadas e desenvolvidas por escultores como Albin Kaasinen (n. 1892) e Hannes Autere (n. 1888), criadores de cenas da vida popular, contando sobre seus contemporâneos com muito humor e habilidade.

Em 1910, por iniciativa de Felix Nylund (1878-1940), foi criada a União dos Escultores Finlandeses, que teve um importante papel organizador. O trabalho inicial do próprio Nylund é caracterizado por um desejo de uma forma plástica generalizada, mantendo o interesse pelas características psicológicas do modelo. Particularmente bons são os retratos de seus filhos (Erwin, 1906, mármore; Helsinque, Ateneum), que se distinguem pelo frescor e calor. Mais tarde, Nylund, como a maioria dos artistas da geração mais velha, interessou-se pelas tendências modernistas e afastou-se do realismo.

Os anos dez e vinte foram marcados na arte finlandesa por uma gravitação em direção ao expressionismo e depois ao abstracionismo. Começa a busca por "volume auto-sustentável", "forma pura", etc., e apenas alguns escultores conseguem resistir a essas influências alienígenas. Entre eles, deve-se primeiro nomear o maior escultor realista moderno que trouxe fama mundial à Finlândia - Väinö Aaltonen (n. 1894).

Aaltonen recebeu sua educação artística na escola de desenho em Turku sob a orientação de V. Westerholm. A escola produziu pintores, mas ao contrário das suposições de seus professores, Aaltonen tornou-se escultor. A arte da escultura o atraiu desde a infância, era sua vocação. Aaltonen é o mestre que se diz na Finlândia ter despertado rochas de granito do sono eterno. O granito preto e vermelho tornou-se o material favorito de Aaltonen. A gama deste artista é extraordinariamente ampla: ele criou uma enorme galeria de retratos de seus contemporâneos, esculturas de parques e estátuas de atletas, lápides e relevos monumentais que adornam edifícios governamentais e públicos, escultura de câmara feita de madeira e terracota, pinturas a óleo e têmpera sobre os temas do Kalevala. Já os primeiros trabalhos de Aaltonen - uma série das chamadas "Maids" ("Wade Girl", 1917-1922, granito; "Seated Young Girl", 1923-1925, granito; todos em coleções particulares) - despertaram o interesse do público com suas grande lirismo, calor e poesia na representação de um corpo feminino nu e a extraordinária suavidade do processamento do material. Nos mesmos anos, Aaltonen também se ocupou com o tema do corpo masculino nu e criou uma de suas obras-primas - a estátua do corredor Paavo Nurmi (1924-1925, bronze; Helsinque); a leveza, confiança e liberdade de um corpo forte e musculoso são perfeitamente transmitidas pelo escultor. Mal tocando o pedestal com o pé, Nurmi parece estar voando para a frente.

Aaltonen começou a se envolver na arte do retrato em sua juventude e continua a trabalhar nesse gênero até hoje. Ele pode ser considerado um dos criadores do retrato escultórico finlandês moderno. Sua arte baseia-se em uma profunda penetração no mundo interior da pessoa retratada e uma seleção rigorosa dos elementos que compõem as características do modelo.

Entre os melhores retratos de Aaltonen está o retrato da escritora Maria Jotuni (1919, mármore; coleção particular) com um rosto gentil e um pouco triste; a cabeça austera, cheia de força e dignidade de V. Westerholm (1925, granito; coleção particular) transmite a profunda concentração do professor Aaltonen. Belos retratos do compositor Jean Sibelius (1935, mármore; Pori, Sibelius House Museum), cuja cabeça imponente parece brotar de um bloco de pedra, e do poeta Aarro Hellaakoski (1946, bronze; coleção particular), onde o último laconismo da formas e meios de expressão não interferem na recriação da aparência desse amigo desiludido de sua juventude, Aaltonen.

De grande interesse são as obras monumentais de Aaltonen. As suas figuras nuas na ponte de Tampere (1927-1929, bronze) são profundamente nacionais na sua interpretação das imagens. A heroína de Kalevala Maryatta (1934, bronze; propriedade do autor) é bela em sua estrita contenção: uma jovem com um vestido caindo no chão está segurando uma criança no alto em seus braços, seu olhar está cheio de tristeza e ternura, os contornos de sua silhueta esguia são suaves. O monumento a Alexis Kivi (1934, bronze) em Helsinque recria a triste imagem do grande escritor finlandês, que morreu precocemente na pobreza sem receber reconhecimento em vida. Pensamentos amargos dominam um homem sentado em pensamentos profundos, a cabeça caída, as mãos caídas impotentes sobre os joelhos. Formas estritas de um monumento muito compacto se encaixam bem no conjunto da cidade.

Entre os relevos monumentais de Aaltonen, o monumento em homenagem aos primeiros colonos finlandeses em Delaware (Canadá; 1938, granito vermelho) ocupa um lugar especial - este é talvez um dos mais nacionais em espírito de suas obras. O monumento é uma laje, cujos lados longitudinais são decorados com relevos. O relevo "Adeus à costa nativa" é especialmente bom. Ao longe no mar, os contornos de um navio são visíveis, e em primeiro plano, perto da costa rochosa, os enlutados congelaram em um silêncio severo; em poucos minutos, o barco levará os temerários ao navio que vai para países desconhecidos em busca de uma vida melhor. Sempre evitando pathos, efeitos e movimentos bruscos, Aaltonen escolheu o momento em que todas as palavras já haviam sido ditas - houve um momento de silêncio. A extrema lapidaridade da solução plástica do relevo é contraposta pela clara elaboração do desenho de contorno das figuras.

Encontramos essa especificidade nacional tanto nos tipos quanto na interpretação das imagens nas pinturas e obras gráficas de Aaltonen, como "Kullervo" (1930-1940, têmpera), na poética "Retorno da ordenha noturna" (1939, desenho; ambos são propriedade do autor).

Os temas da paz e da amizade entre os povos, a solidariedade dos trabalhadores são próximos e queridos para Aaltonen. Em 1952, o monumento de bronze "Amizade" remonta a, simbolizando a amizade entre a cidade finlandesa de Turku e a cidade sueca de Gotemburgo (monumentos foram erguidos em ambas as cidades). Uma grande contribuição para a causa da paz foi a escultura de Aaltonen "Paz" em Lahti (1950-1952, granito), representando o mundo na forma de uma figura monumental de uma mulher com os braços erguidos, como se bloqueando o caminho para a guerra . Para esta escultura em 1954 Aaltonen foi premiado com uma medalha de ouro pelo Conselho Mundial da Paz.

Apesar do fato de que nas últimas décadas o abstracionismo como uma tendência oficial assumiu um lugar bastante forte na escultura finlandesa, um grande grupo de jovens artistas, desenvolvendo de forma inovadora os fundamentos realistas da arte tanto no retrato quanto na escultura monumental, não permite que os abstracionistas tomem uma atitude lugar de liderança. Entre os mestres realistas deve-se citar grandes artistas como Essi Renvall (n. 1911) e Aimo Tukiyainen (n. 1917). Essi Renvall é uma artista de talento sutil e lírico, possui muitos retratos de seus contemporâneos (“Onni Okkonen”, bronze), as imagens de seus filhos são especialmente atraentes. Além dos retratos, Renvall também cria imagens generalizadas de pessoas comuns (“Mulher Têxtil”, bronze; parque em Tampere). Renvall trabalha em mármore e bronze e, recentemente, para aumentar a expressividade, utiliza embutidos com pedras coloridas e metal. Aimo Tukiyainen cria retratos monumentalmente interpretados (Retrato de Tovio Pekkanen, 1956, bronze) e monumentos (Monumento a Eet Salin, 1955, bronze); este monumento, situado no meio da piscina, retrata um homem cansado em roupas de trabalho ajoelhado para lavar a poeira do rosto.

A arte da medalha da Finlândia, que floresceu nas últimas décadas, é amplamente dedicada à luta pelo fortalecimento da paz. As medalhas de Aaltonen, Gerda Kvist (n. 1883) e outros mestres, dedicadas a contemporâneos e eventos notáveis, são surpreendentemente finas, harmoniosas e plásticas.

Os anos noventa do século XIX foram marcados por uma viragem decisiva no desenvolvimento da arquitetura finlandesa, que, afastando-se do academismo classicista tradicional, enveredou pelo caminho da busca no espírito de uma nova direção nacional-romântica. A atenção à arquitetura folclórica finlandesa e careliana característica deste período foi associada ao crescimento da identidade nacional e ao mesmo tempo ecoou a tendência no uso de materiais locais, que se manifestou na arquitetura da Europa Ocidental (especialmente inglesa e sueca). Na última década do século XIX, os estudos dos arquitectos J. Blomsted e V. Suksdorf (“Edifícios e formas decorativas da Carélia”, 1900), as obras de artistas finlandeses que celebram a beleza peculiar deste país setentrional, a música de Jan Sibedius (sinfonia do poema "Finlândia", a lenda "Tuonel Swan", "Spring Song"), desenhando imagens da natureza áspera da região.

Nesta atmosfera, forma-se uma galáxia de destacados arquitetos finlandeses, entre os quais o lugar de maior destaque é ocupado por Lare Sonck, Hermann Geselius, Armas Lindgren e especialmente Eliel Saarinen (1873-1950). Sonck foi um dos primeiros a usar edifícios de madeira e alvenaria de pedra bruta nesses anos para obter uma expressividade especial da arquitetura do romantismo nacional. A sua catedral em Tampere (1902-1907) recebeu ampla e merecida fama pela emotividade da imagem, pela força e harmonia da ideia.

Na Exposição Mundial de Paris em 1900, foi amplamente reconhecido o pavilhão finlandês, criado por Geselius, Lindgren e Saarinen, que se destacava no cenário de uma massa de edifícios ecléticos e sobrecarregados com sua simplicidade e clareza composicional. Uma das obras mais marcantes deste período é um edifício residencial em Vtreska, construído para si por um grupo de arquitetos em 1902. O edifício distingue-se pela monumentalidade excepcional, composição pitoresca das massas e se funde organicamente com a natureza circundante. Neste edifício, o planejamento livre das instalações e o uso das possibilidades expressivas da madeira e do granito são levados a um alto grau de perfeição.

De grande importância para a arquitetura finlandesa desse período, como os próprios arquitetos finlandeses admitem, foi a conexão com a cultura artística russa contemporânea, na qual naqueles anos havia um interesse generalizado em dominar as tradições da arquitetura popular, arte aplicada, folclore ( Essa influência foi determinada pela existência de laços culturais estreitos entre a arte russa e finlandesa. Em particular, Eliel Saarinen era membro titular da Academia de Artes de São Petersburgo e mantinha contatos constantes com figuras da cultura russa como M. Gorky, I. Grabar, N. Roerich e outros.).

No final da primeira década do século XX na Finlândia, está surgindo uma nova direção, de caráter próximo ao modernismo russo, mas diferindo dele em grande concisão e contenção. Eliel Saarinen também é o maior mestre aqui. Em seus projetos do Palácio da Paz em Haia (1905), a Dieta Finlandesa (1908), a prefeitura de Tallinn (1912) e especialmente no projeto concluído da estação ferroviária em Helsinque (1904-1914), o método favorito de Saarinen de contrapor uma torre maciça e um volume horizontal pesado está sendo desenvolvido, servindo como uma base inabalável para ela. Este tema atinge o seu apogeu no projeto da Casa-Museu da Cultura Nacional, conhecido como Casas Kalevala em Munkkiniemi (1921), onde o edifício, belo em seu desenho e estrutura proporcional, se assemelha a uma estrutura de fortaleza, criada como que por processamento o topo de uma rocha de granito. A imagem do edifício público desenvolvido por Saarinen é um tanto dura e sombria, mas é singularmente original e organicamente conectada com as características nacionais da arquitetura finlandesa.

As primeiras obras urbanísticas de Saarinen também pertencem a este período (projeto de concurso Canberra, 1912; Plano diretor Munkkiniemi-Haaga, 1910-1915), em que o desejo de monumentalização máxima de grandes complexos urbanos é combinado com novas ideias emergentes sobre o corpo de o assentamento e a diferenciação de suas partes individuais.

O fim da Primeira Guerra Mundial e a concessão da independência do Estado à Finlândia por iniciativa de V. I. Lenin foi marcado no campo da arquitetura por uma série de grandes obras de desenvolvimento urbano. O mais significativo deles foi o projeto da Grande Helsinque (1918), que fez de Eliel Saarinen uma das autoridades reconhecidas no planejamento urbano mundial. O projeto realizou a diferenciação das áreas residenciais da capital e a descentralização do assentamento em cidades satélites com uma consistência que ninguém havia alcançado antes. O autor fez excelente uso de áreas suburbanas, recortadas por lagos e baías, para localizar conjuntos residenciais individuais, organicamente integrados à natureza.

Nos anos 20-30. na Finlândia, estão sendo construídos vários edifícios públicos e comerciais grandes e arquitetonicamente significativos. Entre eles destaca-se o edifício do parlamento (1931, arquitecto I. Siren). É característico que este edifício seja sustentado em formas equilibradas e rigorosas de neoclassicismo, que se preservaram até a década de 1930. posição forte na Finlândia.

Interessante e mais moderno em suas formas foi construído em Helsinque em 1926-1931. outro representante proeminente da arquitetura finlandesa, Sigurd Frosterus, loja de departamentos Stockman. Suas formas externas refletiam o monumentalismo inerente à arquitetura finlandesa da época. Os interiores da loja de departamentos, construídos com base em uma estrutura de concreto armado, receberam um amplo espaço comercial aberto e livremente organizado, característico de novos edifícios desse tipo.

A partir dos anos 30. século 20 A figura principal da arquitetura finlandesa é Alvar Aalto (n. 1898), um arquiteto talentoso que veio da família de um guarda florestal e mais tarde ganhou, como Eliel Saarinen, fama mundial e se tornou um dos maiores arquitetos do nosso tempo. Em 1929-1933. A. Aalto está construindo um sanatório de tuberculose em Paimio, no sudoeste da Finlândia, inteiramente projetado no espírito do funcionalismo europeu e ao mesmo tempo distinguido pela originalidade local - excepcional pureza e frescor de suas formas arquitetônicas, composição livre de volumes, conexão orgânica com o relevo e paisagem arborizada da região. Junto com o edifício Bauhaus em Dessau de W. Gropius e as obras de Le Corbusier, este edifício é um dos mais famosos e marco no desenvolvimento da arquitetura moderna. Outra obra de A. Aalto, assim como o sanatório de Paimio, merecidamente considerado um dos melhores edifícios europeus dos anos 30, foi o edifício da biblioteca em Vyborg. Chama a atenção para a base funcional cuidadosamente pensada do plano, a veracidade da aparência externa do edifício e grande expressividade emocional. Na sala de conferências da biblioteca foi utilizado um tecto acústico de madeira especial de forma curvilínea, que conferiu ao interior uma singularidade e uma nova forma para aqueles anos.

O mérito de Aalto neste e em vários outros edifícios foi que, percebendo a base racionalista do construtivismo e usando-o em solo finlandês, ele se opôs às suas limitações desde o início e começou a desenvolver os princípios estéticos de uma nova direção, para busca de sua linguagem artística. Aalto observou que "o funcionalismo técnico não pode ser o único na arquitetura" e que uma das tarefas importantes da arquitetura moderna "é resolver problemas psicológicos". Outras obras significativas de A. Aalto incluem o pavilhão finlandês na Exposição Internacional de Nova York, a vila de Mairea em Noormarku e a fábrica de marcenaria em Sunil (1936-1939). No último trabalho, Aalto também atua como urbanista: ele cria não apenas um complexo de instalações industriais, mas também uma vila residencial para trabalhadores, continuando as melhores tradições da arquitetura finlandesa - levando em consideração e uso cuidadoso do ambiente natural.

Novos recursos na arquitetura de edifícios públicos são introduzidos por Eric Brugmann (1891-1955). Ele é o primeiro nos países escandinavos a abrir amplamente o interior com a ajuda de um vitral de vidro para o espaço circundante (a capela em Turku, 1938-1941), procurando criar um novo efeito artístico e uma nova unidade de arquitetura e natureza.

Uma grande construção desse período foi também o Complexo Olímpico de Helsinque, que incluiu um excelente estádio (1934-1952, arquitetos Irjo Lindgren e Toivo Jantti) e a Vila Olímpica (arquitetos X. Eklund e M. Välikangas), que se tornou o primeiro cidade satélite da capital finlandesa.

Após a Segunda Guerra Mundial, a economia finlandesa rapidamente se estabilizou graças à expansão das relações comerciais com a União Soviética, e os arquitetos finlandeses puderam começar a implementar várias ideias de planejamento urbano e construção em massa anteriormente apenas delineadas. Sua maior e mais significativa obra, que teve grande repercussão, foi a construção da cidade-jardim de Tapiola, a 9 km de Helsinque ( Os autores de Tapiola: arquitetos O, Meyerman e I. Siltavuori (plano geral), A. Blomstead, V. Revell, M. Tavio, A. Ervi, K. e X. Siren, T. Nironen e outros. A construção é realizada por uma cooperativa habitacional especialmente criada desde 1952.). Durante a construção de Tapiola, os arquitetos buscaram superar a separação do homem da natureza, característica das grandes cidades capitalistas. A cidade de 15 mil habitantes foi construída em meio a vegetação natural em um terreno acidentado com afloramentos de base granítica continental e abrange uma área de mais de 230 hectares. Particular atenção é dada à proteção da vida selvagem e paisagens pitorescas, quase intocadas. Caracteristicamente, o desenvolvimento residencial ocupa apenas 25 por cento da terra, enquanto os espaços verdes livres - 75 por cento. Na verdade, aqui não se trata de espaços verdes intercalados com desenvolvimento urbano, mas sim de casas – numa massa de floresta natural, aplicando-se na sua localização aos conjuntos arbóreos existentes, topografia, rebordos rochosos e condições de insolação. A rede de estradas de asfalto, dispostas em faixas pitorescas ao longo das diferenças da superfície natural da terra, foi reduzida ao mínimo necessário.

O centro de Tapiola (1954-1962, arquiteto Aarne Ervi) é característico de novas ideias para a construção de um conjunto urbano. Espaço livre e ao mesmo tempo claramente diferenciado é bem organizado nele, contrastes dinâmicos de verticais arquitetônicas e espalhadas, volumes horizontais são criados, rotas de pedestres e transportes são separadas. O princípio público aqui é combinado com alguma intimidade, motivos regulares - com pitoresco (por exemplo, a clara geometria da praça pavimentada com lajes perto de edifícios comerciais é animada por grupos de árvores preservadas nos locais onde cresciam em liberdade antes do início da construção) . A estrutura dos conjuntos residenciais em Tapiola leva em conta as necessidades de vários grupos da população: por composição etária e estado civil. Junto com isso (e isso é típico de toda a prática do planejamento urbano capitalista), há uma diferenciação da construção de acordo com o status social e a segurança material dos cidadãos. De acordo com isso, vários tipos de edifícios foram usados ​​- de casas de torre de 8 a 11 andares a casas geminadas de 1 a 2 andares.

Tapiola desenvolveu uma série de novos tipos interessantes de edifícios públicos, como a escola tipo pavilhão projetada pelos arquitetos Kaja e Heikki Siren. O edifício da Rua Mennin-kaisentie, executado pelo arquiteto A. Blomsted, é peculiar em sua arquitetura. A rua passa ao pé de um maciço granítico, sobre o qual se situa um conjunto de edifícios de vários pisos. Do outro lado, há uma cadeia de casas geminadas voltadas para a floresta e lagos. O ritmo de volumes alternados, geometricamente simples, de um e dois andares, estendidos na curva entre o gramado e a floresta, os contrastes de paredes lisas e claras e vitrais, a variedade de cores dos prédios, as velas de pinheiros, entre as quais uma fileira de edifícios é colocada - tudo isso cria uma composição arquitetônica e espacial diversificada, excepcionalmente expressiva e pitoresca.

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Deve-se notar que, além de Tapiola, várias outras áreas e complexos residenciais notáveis ​​foram construídos na Finlândia do pós-guerra.

Os arquitetos finlandeses também alcançaram sucessos notáveis ​​na construção de edifícios públicos e administrativos. Em 1958, A. Aalto construiu a Casa da Cultura em Helsinque para organizações de trabalhadores, na qual usou uma combinação livre de volumes de desenvolvimento orgânico e planos curvilíneos de tijolos. O anfiteatro de localização assimétrica distingue-se não só pela frescura das suas formas, mas também pela sua excelente acústica, tornando-se numa das melhores salas deste tipo na Europa. O mesmo autor é proprietário do excelente edifício das instituições de segurança social em Helsínquia (1952), em que o arquitecto procurou ultrapassar o espírito oficial desses edifícios, o complexo de edifícios da câmara municipal em Säjunyatealo (1956), que é essencialmente o centro do microdistrito e inclui um conjunto de elementos de serviço público, administrativo o edifício da firma "Rautatalo", forrado a cobre e bronze. Deve-se notar que os arquitetos finlandeses utilizam amplamente as fachadas de chapas e perfis metálicos (cobre, bronze, anodizado e alumínio liso), o que confere aos seus edifícios uma expressividade peculiar.

Uma das maiores instituições de ensino construídas após a guerra é o Instituto dos Trabalhadores em Turku (1958, arquiteto A. Ervi), no qual o arquiteto utilizou os contrastes de um espaço envolvente livremente organizado e o claro geometrismo dos edifícios agrupados em torno de um pátio pavimentado com lajes com piscina retangular e grupo escultórico. Nas escolas e outros edifícios educacionais, os arquitetos finlandeses usam amplamente salas e auditórios universais, usando sistemas de divisórias deslizantes, bancos de anfiteatro mecanicamente retráteis, criando a oportunidade de variar a natureza do espaço interior, capacidade da sala, etc. de diferentes maneiras.

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Em todos os lugares, as principais características da arquitetura finlandesa moderna permanecem a simplicidade e conveniência, grande expressividade emocional, uso discreto da cor, o uso de materiais locais naturais e tradicionais na Finlândia (madeira, granito) e - o mais importante - a capacidade de se encaixar organicamente no ambiente natural, aproveitar todas as possibilidades que o micro-relevo, a abundância de lagos, a reentrância da costa, a natureza pitoresca e virgem da região florestal sugerem ao arquiteto. Esta última característica é claramente vista não só em edifícios residenciais e públicos, mas também na maioria dos edifícios industriais, que, como a central no rio Oulun-Yoki (1949, arquiteto A. Ervi), crescem naturalmente a partir de uma base rochosa de granito cercada por pinheiros delgados e ligeiramente sombrios.

Deve-se notar, no entanto, que o escopo limitado da construção praticamente não forneceu a base econômica necessária para a produção de construção em massa industrial, tipificada. Os edifícios principais são feitos de acordo com projetos individuais. Apenas casas de madeira pré-fabricadas de um andar, destinadas principalmente às áreas rurais, são fabricadas por métodos industriais em fábricas especiais de construção de casas.

Os arquitetos finlandeses usam a síntese das artes com muita moderação, limitando-se, via de regra, apenas a pintar casas, o que é feito com muita habilidade. Nos conjuntos arquitetônicos urbanos, encontram-se esculturas decorativas e memoriais, elementos de artes e ofícios e pequenas formas arquitetônicas são utilizadas com grande tato.

Cultura e arte são patrimônio e propriedade de cada estado. A "Terra dos Mil Lagos" não é apenas um paraíso de esqui e pesca para viajantes e turistas, mas também um lugar para vários historiadores de arte e simplesmente conhecedores de criatividade. A arte é muito desenvolvida na Finlândia, em particular a pintura. Muitas galerias de arte, museus e exposições irão encantar até os mais sofisticados conhecedores de belas artes.

Artistas do país Suomi, que receberam uma educação europeia no século XIX, tornaram-se o principal fator impulsionador que deu impulso ao desenvolvimento das belas artes na Finlândia. Antes de começar a conhecer os representantes da pintura finlandesa, vamos conhecer o trabalho do "pai da arte e da pintura finlandesa" Robert Ekman.

Robert Wilhelm Ekman

Nascido em 1808, o artista em suas pinturas retratava a vida dos camponeses finlandeses comuns, todas as dificuldades de suas vidas, concentrando a atenção da sociedade na política social do estado finlandês em relação aos plebeus. Quando Robert tinha 16 anos, ele foi para Estocolmo para estudar na Academia Sueca de Artes. Como jovem e brilhante talento, Ekman recebeu uma bolsa sueca por seu talento, e mais tarde sua vocação como artista contribuiu para que ele fosse estudar na Itália e na França e depois na Holanda. Nesses países, o mestre do pincel passou sete anos inteiros de 1837 a 1844.

Voltando ao país Suomi, Robert Wilhelm se estabeleceu na cidade de Turku, onde começou a pintar a catedral local com seus afrescos e desenhos nas paredes. Depois disso, fundou uma escola de desenho na cidade, que dirigiu até 1873. Ele delineou muito claramente o abismo que havia entre a nobreza e os camponeses. As pinturas do pintor chocaram a todos com seu realismo único e não inventado. O "pai da pintura e arte finlandesa" morreu em 1873.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela nasceu na pequena cidade finlandesa de Bjorneborg (nome moderno Pori) em abril de 1863. Lutador pela independência da Finlândia, o artista em seu trabalho fez o possível para retratar um chamado à nação para lutar pela independência de seu país. O modernismo inerente ao pintor permitiu que Axel Gallen Kallela criasse pinturas muito realistas. Após o fim da Guerra Civil Finlandesa (1918), o artista se envolveu em heráldica e design de bandeiras. Em meados do século XX, o artista viveu e trabalhou por algum tempo nos Estados Unidos da América, onde realizou com sucesso exposições de suas obras. O pintor morreu em 1931 em Estocolmo, ele morreu de pneumonia.

Oscar Kleineh

O mais famoso pintor de paisagens marinhas finlandês nasceu em setembro de 1846 na capital da Finlândia. As raízes alemãs de Oscar "viram em socorro", o que lhe permitiu estudar na Alemanha, nomeadamente em Düsseldorf. Mais tarde, Kleinech continuou seus estudos em São Petersburgo e Karlsruhe. A maior popularidade do pintor marinho foi trazida por pinturas que retratam naturezas-mortas e paisagens marinhas, o trabalho de um autor é exibido no Hermitage de São Petersburgo. O artista morreu em sua cidade natal, Helsinque, em 1919.

Um retrato dos sobrinhos de Alexandre III, pintado por um dos mais famosos artistas finlandeses Albert Edelfelt e considerado perdido na Finlândia, foi inesperadamente encontrado no museu de arte da cidade de Rybinsk.

O crítico de arte finlandês Sani Kontula-Webb, que estuda os laços artísticos finlandês-russos há mais de 10 anos, encontrou a pintura por acaso na Internet, no site do Museu-Reserva de Rybinsk, mas com um nome diferente. Uma consulta com o nome do artista, inserida no mecanismo de busca em cirílico, provavelmente pela centésima vez, de repente deu um resultado inesperado - o olhar do pesquisador captou uma imagem que não havia sido vista antes, mas parecia muito familiar.

"Na Finlândia, a pintura foi considerada perdida. Nas fontes russas, também não encontrei informações sobre seu paradeiro. Nenhuma reprodução dela foi impressa em nenhum lugar antes. Mas os esboços feitos por Edelfelt estão armazenados no Ateneum, e eu tinha uma idéia aproximada de como o retrato deve ficar ", disse ela. "Fontanka.fi" Sani Kontula-Webb.

Foto: Sani Kontula Webb
Sani Kontula-Webb escreve uma dissertação sobre a influência da Academia na arte da Finlândia durante sua autonomia (de 1809 a 1917).

Estamos falando de um retrato de dois sobrinhos do imperador Alexandre III - Boris e Cirilo, filhos de seu irmão, o príncipe Vladimir. O trabalho de Edelfelt chamado "Crianças" está armazenado no Museu Rybinsk, na folha de dados da pintura, compilada nos anos 80, diz que as meninas são retratadas nela - as crianças estão vestidas com vestidos e seus cabelos são longos e encaracolados, de acordo com a moda daqueles tempos. Mas a descrição está desatualizada.

Foto: Sani Kontula Webb
A pintura "Crianças" retrata os sobrinhos do imperador Alexandre III, os filhos do príncipe Vladimir Alexandrovich Kirill e Boris.
O retrato foi pintado em 1881 por ordem do príncipe Vladimir, que chefiava a Academia de Artes, e foi originalmente mantido em seu palácio em Tsarskoe Selo. O que aconteceu após a revolução permaneceu desconhecido para os críticos de arte finlandeses. De acordo com o certificado de registro, entrou no armazenamento do Museu Rybinsk em 1921.

Foto: Sani Kontula Webb
O número do inventário na parte de trás da pintura indica que ela foi mantida no palácio do príncipe Vladimir.
A pintura não foi valorizada. No leilão de Bukovskis, as obras de Albert Edelfelt foram vendidas por valores que variaram de 18.000 a 120.000 euros.

"Albert Edelfelt para a Finlândia é como Repin para a Rússia", diz Kontula-Webb. Foi o retrato dos filhos do príncipe Vladimir que abriu caminho para o artista aos favoritos da corte imperial russa. Depois disso, Edelfelt foi apresentado à esposa do imperador Alexandre III, Maria Fedorovna (Dagmar), e ela encomendou retratos de seus filhos - Xenia e Mikhail. Então Nicolau II posou pessoalmente para o artista, o que foi considerado um grande sinal de respeito - os retratos oficiais geralmente eram copiados de um existente ou de uma fotografia.

O Museu Rybinsk reagiu favoravelmente à ideia dos finlandeses de organizar uma exposição, mas primeiro a pintura precisa ser restaurada.

Questionado pelo Fontanka.fi sobre a possibilidade de encontrar outras obras perdidas do pintor finlandês, Sani Kontula-Webb respondeu com dúvida e esperança. Segundo ela, havia um retrato de câmara de Nicolau II, destinado a sua esposa Alexandra. Nele, o imperador é retratado em um roupão em casa: "Se, é claro, ele sobreviveu até hoje após a revolução ..."

Albert Gustaf Aristides Edelfelt (em sueco: Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905) foi um pintor e artista gráfico finlandês de origem sueca. Ele pintou quadros sobre assuntos históricos e cotidianos, retratos, paisagens. Trabalhou em pintura monumental. Ele usou pastéis e aquarelas. Algumas de suas obras estão guardadas em l'Hermitage.

O interesse pela arte nos países desenvolvidos permanece relevante em todos os momentos!
Na Finlândia, a arte contemporânea continua a se desenvolver e atrai muitos adeptos com sua ousadia, autossuficiência e, claro, técnicas nacionais únicas.
Hoje, assim como há muitos anos, a arte contemporânea finlandesa mostra uma conexão especial entre os finlandeses e a natureza. O design escandinavo acena com sua simplicidade e notas naturais. O tema da interação entre o homem e todos os seres vivos que o cercam ainda ocupa um lugar fundamental na arte contemporânea finlandesa. Artistas, fotógrafos e designers finlandeses continuam a buscar inspiração para seus trabalhos no que é verdadeiramente vivo e fundamental: o homem, a natureza, a beleza, a música.

O correspondente do portal cultural e de informação Finmaa encontrou-se com uma conhecida artista contemporânea finlandesa, Kaarina Helenius, e procurou saber como e como vive um artista contemporâneo na Finlândia.

Finmaa:— O que significa arte contemporânea na Finlândia hoje?
- Eu caracterizaria a arte contemporânea como obras feitas com a ajuda de outras técnicas novas. Velhos truques também podem ser usados, mas com um novo olhar sobre coisas antigas.

Finmaa:— Quanto a arte contemporânea está em demanda, se falarmos do interesse de um comprador real? Você pode ganhar a vida fazendo isso na Finlândia?
— A arte contemporânea está em alta demanda na Finlândia. Os finlandeses estão especialmente interessados ​​no trabalho de jovens artistas. No entanto, não há muitos artistas na Finlândia que vivem apenas da arte. Normalmente, o artista tem formação profissional e realiza outros tipos de trabalho em paralelo. Por exemplo, eu sou um designer gráfico. Tenho minha própria agência de publicidade e durante o dia trabalho em meu escritório. Eu gosto de fazer as duas coisas, então gosto de fazer dois tipos de trabalho.

Finmaa:— Você mora e trabalha em Hämeenlinna. Qual você acha que é a atmosfera certa para a criatividade nesta cidade ou na Finlândia em geral?
— Hämeenlinna é uma pequena cidade que está convenientemente localizada em relação a outras cidades culturais da Finlândia. A partir daqui é fácil chegar a Helsínquia ou Tampere. Hämeenlinna é uma cidade muito calma, é seguro viver aqui e é fácil ser criativo. Por exemplo, meu estúdio, onde desenho minhas pinturas, está localizado no território do antigo quartel. Tem uma atmosfera muito calma e pacífica, bela natureza e um ótimo lugar para caminhar.

Finmaa:— O que te inspira no seu trabalho? Como nascem as imagens de suas pinturas?
-Sou inspirado pela música, moda e natureza. Crio todas as imagens na minha cabeça e, quando começo a desenhar, já sei o que deve acontecer.

Finmaa:— Quanto tempo leva um trabalho, suas pinturas são fáceis para você ou é um trabalho realmente difícil e minucioso?
Uma pintura leva cerca de 2-4 semanas. Uso tintas a óleo, que aplico com pinceladas no material. Eu desenho todas as imagens primeiro na minha cabeça, há muitas ideias. Se há imagens humanas em meu trabalho, convido pessoas reais e faço esboços da vida e, a partir do esboço, começo a desenhar uma imagem. Eu tento desenhar o esboço da melhor forma possível, pois o tempo é sempre limitado. Trabalho no meu atelier à noite depois do meu trabalho principal e aos fins-de-semana.

Finmaa:- Você desenha a natureza, essa direção é mais procurada hoje ou é sua auto-expressão?
— No meu trabalho, não tento criar pinturas da moda ou focar em pessoas nuas. Eu sempre quero mostrar sentimentos ou eventos. O homem é apenas parte da ideia.

Finmaa: Como você se interessou pelo desenho? Onde você começou?
— Eu tenho uma educação artística profissional. Estudei em uma escola de arte na cidade de Hyvinkää. Também tenho experiência em comércio e design gráfico.
Apaixonei-me pelo desenho por acaso aos 18 anos. Gostei dessa ocupação e fui estudar como artista profissional. Um pouco depois, percebi que gosto dessa profissão e quero trabalhar seriamente nessa área. Depois da escola de artes, estudei design gráfico, do qual também gostava muito. Na Finlândia é difícil ser apenas um artista, apesar do apoio do Estado. Assim começou minha carreira nas artes. Mais tarde, tive minhas próprias exposições, que foram realizadas em diferentes cidades da Finlândia.

Finmaa:— Que dificuldades um artista ou designer enfrenta em seu trabalho na Finlândia?
— Na Finlândia, os artistas podem contar com apoio financeiro do Estado, mas isso não é suficiente para uma vida normal. A situação econômica do país também afeta a venda de pinturas.

Finmaa:- No que você está trabalhando agora?
– Agora estou pintando quadros para minha próxima exposição, que será realizada na Rússia, na cidade de São Petersburgo, em maio de 2016. Também estou planejando várias exposições na Finlândia para 2016 e 2017.

Finmaa: O que mais você gosta de fazer no seu tempo livre? Você tem um hobby?
— Quase não tenho tempo livre, mas adoro correr e às vezes vou à academia.

Finmaa:- Você gosta de viajar? Você conseguiu visitar a Rússia e em qual cidade? O que você gostou e lembra?
— A primeira vez que consegui visitar a Rússia foi em março de 2015. Então eu morava na Casa-Finlândia na rua Bolshaya Konyushennaya. Gostei muito desta cidade e vim pela segunda vez, já em setembro. Gosto muito da cozinha nacional russa. As pessoas em São Petersburgo também são muito simpáticas e acolhedoras. Estou muito interessado em arte contemporânea e design de jovens artistas russos. São Petersburgo tem muitos centros de design, galerias de exposições e lojas de moda. Eu não falo russo, só sei algumas palavras, mas gostaria de aprender esse idioma. Ainda não estive em outras cidades russas, mas estou pronto para voltar a São Petersburgo de novo e de novo!

Finmaa:— Se você tem um sonho?
— Quero muito continuar fazendo o que amo e criar novos projetos. Recentemente, trabalhei no design de uma linha de joias de prata para uma empresa finlandesa. O projeto foi muito bem sucedido e estou ansioso para continuar a trabalhar nesta área.

Finmaa, 2016.
Hämeenlinna, Finlândia

Hugo Simberg
Haavoittunut enkeli - anjo ferido
(1903)
O enredo da imagem se desenrola em um contexto histórico reconhecível: este é o Parque Eleintarha (lit. “zoo”) e a Baía de Töölö em Helsinque. No início do século 20, o parque era uma área de lazer popular para os trabalhadores, e também abrigava instituições de caridade. O caminho percorrido pelas personagens sobreviveu até hoje: a procissão segue em direção à então existente escola para meninas cegas e um abrigo para deficientes.
A pintura retrata dois meninos carregando em uma maca um anjo afeminado vendado com uma asa sangrando. Um dos meninos olha fixamente e carrancudo diretamente para o espectador, seu olhar expressa simpatia pelo anjo ferido ou desprezo. A paisagem de fundo é deliberadamente dura e esparsa, mas dá a impressão de calma. O enredo não trivial abre espaço para uma ampla gama de interpretações. As roupas e os sapatos ásperos dos meninos, seus rostos carrancudos e sérios contrastam com a figura frágil de um anjo vestido com um vestido leve, que sugere a oposição da vida e da morte, o sangue na asa do anjo e a venda é um sinal de vulnerabilidade e existência efêmera, mas em sua mão o anjo segura um buquê de flocos de neve é ​​um símbolo de renascimento e recuperação. A vida aqui parece estar perto da morte. Um dos meninos virou-se para o público, rompendo o espaço hermético da imagem, deixando claro que as questões de vida e morte estão diretamente relacionadas a eles. O próprio Simberg se recusou a dar qualquer interpretação de The Wounded Angel, deixando o espectador tirar suas próprias conclusões.
A pintura teve um enorme impacto na cultura finlandesa. Referências a ele são encontradas em muitas obras de arte erudita e popular. O vídeo da banda de metal finlandesa Nightwish para a música "Amaranth" toca no tema "The Wounded Angel".

2.


Albert Edelfelt
Pariisin Luxembourgin puistossa - Nos Jardins de Luxemburgo de Paris.
(1887)

3.

Akseli Gallen-Kallela
Akka ja kissa - Avó e gato
(1885)
Em Gallen-Kallela, em geral, todas as pinturas são obras-primas, este é realmente um artista de classe mundial.
Este quadro está escrito de maneira enfaticamente naturalista, mas, apesar de toda a sua simplicidade, é cheio de simpatia e amor pelas pessoas mais simples e mais pobres.
A pintura foi adquirida pelo Museu de Arte de Turku em 1895 e ainda está lá hoje.
Eu sempre traduzo a palavra akka com dificuldade - tanto “mulher” quanto “avó”.

4.

Aqui vou mostrar um gostinho e acrescentar outra foto de Helene Schjerfbeck - em russo lemos o nome dela Helena Schjerfbeck.
Existem pinturas mais famosas de autores finlandeses, mas às vezes são dolorosamente sombrias.
E aqui está um raio de luz e calor.
1882 pintura, Tanssiaiskengät - Sapatos de dança.