Tele2, கட்டணங்கள், கேள்விகளில் உதவி

ஜப்பானியர்கள் 9 முதல் 12 ஆம் நூற்றாண்டுகளில், ஹியான் சகாப்தத்தில் (794-1185) விஷயங்களில் மறைந்திருக்கும் அழகைக் கண்டுபிடித்தனர், மேலும் அதை "மோனோ நோ அவேர்" (物の哀れ (もののあわれ)) என்ற சிறப்புக் கருத்துடன் நியமித்தனர். விஷயங்களின் சோகமான வசீகரம். "விஷயங்களின் வசீகரம்" என்பது ஜப்பானிய இலக்கியத்தில் அழகின் ஆரம்பகால வரையறைகளில் ஒன்றாகும், இது ஒவ்வொரு விஷயத்திற்கும் அதன் சொந்த தெய்வம் - காமி - மற்றும் அதன் தனித்துவமான கவர்ச்சி உள்ளது என்ற ஷின்டோ நம்பிக்கையுடன் தொடர்புடையது. அவரே என்பது விஷயங்களின் உள் சாராம்சம், இது மகிழ்ச்சியையும் உற்சாகத்தையும் ஏற்படுத்துகிறது.

- வாஷி (வாசி) அல்லது வகாமி (வாகமி).
கையேடு காகித தயாரித்தல். இடைக்கால ஜப்பானியர்கள் வாஷியை அதன் நடைமுறை குணங்களுக்காக மட்டுமல்ல, அதன் அழகுக்காகவும் மதிப்பிட்டனர். அவள் நுணுக்கம், கிட்டத்தட்ட வெளிப்படைத்தன்மை ஆகியவற்றால் பிரபலமானாள், இருப்பினும், அவளுடைய வலிமையை இழக்கவில்லை. கோசோ (மல்பெரி) மரத்தின் பட்டை மற்றும் வேறு சில மரங்களிலிருந்து வாஷி தயாரிக்கப்படுகிறது.
வாஷி காகிதம் பல நூற்றாண்டுகளாக பாதுகாக்கப்பட்டு வருகிறது, இதற்கு சான்றுகள் பண்டைய ஜப்பானிய கைரேகையின் ஆல்பங்கள் மற்றும் தொகுதிகள், ஓவியங்கள், திரைகள், வேலைப்பாடுகள் பல நூற்றாண்டுகளாக இன்றுவரை வந்துள்ளன.
வாஸ்யாவின் காகிதம் நார்ச்சத்து கொண்டது, நீங்கள் ஒரு நுண்ணோக்கி மூலம் பார்த்தால், காற்று மற்றும் சூரிய ஒளி ஊடுருவிச் செல்லும் விரிசல்களைக் காண்பீர்கள். இந்தத் தரம் திரைகள் மற்றும் பாரம்பரிய ஜப்பானிய விளக்குகள் தயாரிப்பில் பயன்படுத்தப்படுகிறது.
வாஷி நினைவுப் பொருட்கள் ஐரோப்பியர்களிடையே மிகவும் பிரபலமானவை. இந்த காகிதத்தில் இருந்து பல சிறிய மற்றும் பயனுள்ள பொருட்கள் தயாரிக்கப்படுகின்றன: பணப்பைகள், உறைகள், ரசிகர்கள். அவை மிகவும் நீடித்தவை, ஆனால் எடை குறைந்தவை.

- கோஹேய்.
காகித கீற்றுகளிலிருந்து தாயத்து. கோஹெய் - ஒரு ஷின்டோ பாதிரியாரின் சடங்கு ஊழியர்கள், அதில் காகித ஜிக்ஜாக் கீற்றுகள் இணைக்கப்பட்டுள்ளன. ஷின்டோ ஆலயத்தின் நுழைவாயிலில் அதே காகிதத் துண்டுகள் தொங்கவிடப்பட்டுள்ளன. ஷின்டோவில் காகிதத்தின் பங்கு பாரம்பரியமாக மிகப் பெரியது, மேலும் அதிலிருந்து தயாரிக்கப்படும் பொருட்களுக்கு எஸோதெரிக் பொருள் எப்போதும் இணைக்கப்பட்டுள்ளது. ஒவ்வொரு விஷயத்திலும், ஒவ்வொரு நிகழ்வுகளிலும், வார்த்தைகளிலும் கூட ஒரு காமி - ஒரு தெய்வம் - கோஹே போன்ற ஒரு வகையான பயன்பாட்டு கலையின் தோற்றத்தை விளக்குகிறது. ஷின்டோயிசம் நமது புறமதத்தை ஓரளவு ஒத்திருக்கிறது. ஷின்டோயிஸ்டுகளைப் பொறுத்தவரை, காமி குறிப்பாக வழக்கத்திற்கு மாறான எதிலும் வசிக்கத் தயாராக இருக்கிறார். உதாரணமாக, காகிதத்தில். மேலும் ஒரு கோஹேயில் ஒரு சிக்கலான ஜிக்ஜாக் முறுக்கப்பட்டது, இது இன்று ஷின்டோ ஆலயங்களின் நுழைவாயிலுக்கு முன்னால் தொங்குகிறது மற்றும் கோவிலில் ஒரு தெய்வம் இருப்பதைக் குறிக்கிறது. கோஹேயை மடிக்க 20 வழிகள் உள்ளன, குறிப்பாக வழக்கத்திற்கு மாறாக மடிந்தவை கமியை ஈர்க்கின்றன. Gohei முக்கியமாக வெள்ளை நிறத்தில் உள்ளது, ஆனால் தங்கம், வெள்ளி மற்றும் பல நிழல்களும் காணப்படுகின்றன. 9 ஆம் நூற்றாண்டிலிருந்து, சண்டை தொடங்குவதற்கு முன்பு சுமோ மல்யுத்த வீரர்களின் பெல்ட்களில் கோஹேயை வலுப்படுத்தும் வழக்கம் ஜப்பானில் உள்ளது.

- அனேசமா.
இது காகித பொம்மைகள் தயாரிப்பாகும். 19 ஆம் நூற்றாண்டில், சாமுராய் மனைவிகள் குழந்தைகள் விளையாடும் காகித பொம்மைகளை உருவாக்கி, வெவ்வேறு ஆடைகளை அணிவித்தனர். பொம்மைகள் இல்லாத காலத்தில், தாய், அக்கா, குழந்தை, தோழி என எல்லாப் பாத்திரங்களையும் "நடித்து" குழந்தைகளுக்கு ஒரே தலையாட்டி அனேசமா இருந்தான்.
பொம்மை ஜப்பானிய வாஷி காகிதத்தில் இருந்து மடிக்கப்பட்டு, முடி சுருக்கப்பட்ட காகிதத்தில் இருந்து தயாரிக்கப்பட்டு, மை கொண்டு சாயமிடப்பட்டு, பசையால் மூடப்பட்டிருக்கும், இது ஒரு பளபளப்பை அளிக்கிறது. ஒரு தனித்துவமான அம்சம் நீளமான முகத்தில் ஒரு நல்ல சிறிய மூக்கு. இன்று, இந்த எளிய பொம்மை, திறமையான கைகளைத் தவிர வேறு எதுவும் தேவையில்லை, பாரம்பரிய வடிவத்தில், முன்பு போலவே தொடர்ந்து செய்யப்படுகிறது.

- ஓரிகமி.
காகித மடிப்பு பண்டைய கலை (折り紙, லிட்.: "மடிந்த காகிதம்"). ஓரிகமி கலை அதன் வேர்களை பண்டைய சீனாவில் கொண்டுள்ளது, அங்கு காகிதம் கண்டுபிடிக்கப்பட்டது. ஆரம்பத்தில், ஓரிகமி மத விழாக்களில் பயன்படுத்தப்பட்டது. நீண்ட காலமாக, இந்த வகை கலை உயர் வகுப்புகளின் பிரதிநிதிகளுக்கு மட்டுமே கிடைத்தது, அங்கு நல்ல சுவையின் அடையாளம் காகித மடிப்பு நுட்பங்களை வைத்திருப்பது. இரண்டாம் உலகப் போருக்குப் பிறகுதான், ஓரிகமி கிழக்கைத் தாண்டி அமெரிக்காவிற்கும் ஐரோப்பாவிற்கும் வந்தது, அங்கு அது உடனடியாக அதன் ரசிகர்களைக் கண்டது. கிளாசிக் ஓரிகமி ஒரு சதுர தாளில் இருந்து மடிக்கப்படுகிறது.
மிகவும் சிக்கலான தயாரிப்புகளின் மடிப்புத் திட்டத்தை வரைவதற்குத் தேவையான வழக்கமான குறியீடுகளின் ஒரு குறிப்பிட்ட தொகுப்பு உள்ளது. ஜப்பானிய மாஸ்டர் அகிரா யோஷிசாவாவால் 20 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில் பெரும்பாலான வழக்கமான அறிகுறிகள் நடைமுறைக்கு வந்தன.
கிளாசிக்கல் ஓரிகமி பசை மற்றும் கத்தரிக்கோல் இல்லாமல் ஒரு சதுர சீரான வண்ணத் தாளைப் பயன்படுத்த பரிந்துரைக்கிறது. சமகால கலை வடிவங்கள் சில சமயங்களில் இந்த நியதியிலிருந்து விலகும்.

- கிரிகாமி.
கிரிகாமி என்பது கத்தரிக்கோலால் பலமுறை மடிக்கப்பட்ட காகிதத்தில் இருந்து பல்வேறு வடிவங்களை வெட்டுவது. மாதிரியை உருவாக்கும் செயல்பாட்டில் கத்தரிக்கோல் மற்றும் காகித வெட்டுகளைப் பயன்படுத்த அனுமதிக்கும் ஒரு வகை ஓரிகமி. கிரிகாமி மற்றும் பிற காகித மடிப்பு நுட்பங்களுக்கு இடையிலான முக்கிய வேறுபாடு இதுதான், இது பெயரில் வலியுறுத்தப்படுகிறது: 切る (கிரு) - வெட்டு, 紙 (காமி) - காகிதம். நாம் அனைவரும் குழந்தை பருவத்தில் ஸ்னோஃப்ளேக்குகளை வெட்ட விரும்பினோம் - கிரிகாமியின் மாறுபாடு, நீங்கள் ஸ்னோஃப்ளேக்குகளை மட்டுமல்ல, இந்த நுட்பத்தைப் பயன்படுத்தி பல்வேறு உருவங்கள், பூக்கள், மாலைகள் மற்றும் பிற அழகான காகித பொருட்களையும் வெட்டலாம். இந்த தயாரிப்புகளை அச்சிட்டு, ஆல்பம் அலங்காரங்கள், அஞ்சல் அட்டைகள், புகைப்பட சட்டங்கள், ஃபேஷன் வடிவமைப்பு, உள்துறை வடிவமைப்பு மற்றும் பிற பல்வேறு அலங்காரங்களுக்கு ஸ்டென்சில்களாகப் பயன்படுத்தலாம்.

- இகேபானா.
Ikebana, (jap 生け花 அல்லது いけばな) ஜப்பானிய மொழியிலிருந்து மொழிபெயர்க்கப்பட்டுள்ளது - ike" - life, "bana" - மலர்கள் அல்லது "வாழும் பூக்கள்." ஜப்பானியர்களின் மிக அழகான மரபுகளில் ஒன்று மலர் ஏற்பாடு செய்யும் ஜப்பானிய கலை. இகேபனாவைத் தொகுக்கும்போது, ​​​​பூக்களுடன், வெட்டப்பட்ட கிளைகள், இலைகள் மற்றும் தளிர்கள் பயன்படுத்தப்படுகின்றன.அடிப்படைக் கோட்பாடு நேர்த்தியான எளிமை, அதை அடைய அவர்கள் தாவரங்களின் இயற்கை அழகை வலியுறுத்த முயற்சிக்கின்றனர். Ikebana என்பது ஒரு புதிய இயற்கை வடிவத்தின் உருவாக்கம், இதில் ஒரு பூவின் அழகும், கலவையை உருவாக்கும் எஜமானரின் ஆன்மாவின் அழகும் இணக்கமாக இணைக்கப்பட்டுள்ளன.
இன்று ஜப்பானில் இகெபனாவின் 4 முக்கிய பள்ளிகள் உள்ளன: இகெனோபோ (இகெனோபோ), கோரியு (கோரியு), ஓஹாரா (ஓஹாரா), சோகெட்சு (சோகெட்சு). அவற்றைத் தவிர, இந்தப் பள்ளிகளில் ஒன்றைக் கடைப்பிடிக்கும் சுமார் ஆயிரம் வெவ்வேறு திசைகள் மற்றும் போக்குகள் உள்ளன.

- ஓரிபனா.
17 ஆம் நூற்றாண்டின் நடுப்பகுதியில், ஓஹாராவின் இரண்டு பள்ளிகள் (இகேபனாவின் முக்கிய வடிவம் - ஓரிபனா) மற்றும் கோரியு (முக்கிய வடிவம் - செக்) இகெனோபோவிலிருந்து புறப்பட்டன. சொல்லப்போனால், ஓஹாரா பள்ளி இன்னும் ஓரிபானு மட்டுமே படிக்கிறது. ஜப்பானியர்கள் சொல்வது போல், ஓரிகமி ஓரிகமியாக மாறாமல் இருப்பது மிகவும் முக்கியம். கோமி என்றால் ஜப்பானிய மொழியில் குப்பை என்று பொருள். எல்லாவற்றிற்கும் மேலாக, அது நடக்கும் போது, ​​நீங்கள் ஒரு துண்டு காகிதத்தை மடித்து, அதை என்ன செய்வது? உட்புறத்தை அலங்கரிப்பதற்கான பூங்கொத்துகளுக்கு ஓரிபனா நிறைய யோசனைகளை வழங்குகிறது. ஓரிபனா = ஓரிகாமி + இகேபனா

- தவறு.
பூக்கடையில் பிறந்த ஒரு வகை நுண்கலை. ஜப்பானில் அறுநூறு ஆண்டுகளுக்கும் மேலாக இருந்த போதிலும், பூக்கடை எட்டு ஆண்டுகளுக்கு முன்பு நம் நாட்டில் தோன்றியது. இடைக்காலத்தில், சாமுராய் ஒரு போர்வீரனின் வழியைப் புரிந்துகொண்டார். ஓஷிபானாவும் அந்த பாதையின் ஒரு பகுதியாக இருந்தது, அது ஹைரோகிளிஃப்களை எழுதுவது மற்றும் வாள் எடுப்பது போன்றது. தவறின் பொருள் என்னவென்றால், கணத்தில் (சடோரி) மொத்த இருப்பு நிலையில், மாஸ்டர் உலர்ந்த பூக்களின் (அழுத்தப்பட்ட பூக்கள்) ஒரு படத்தை உருவாக்கினார். இந்த படம் ஒரு திறவுகோலாக, அமைதிக்குள் நுழைந்து அதே சடோரியை அனுபவிக்கத் தயாராக இருப்பவர்களுக்கு வழிகாட்டியாக இருக்கும்.
"ஓஷிபானா" கலையின் சாராம்சம் என்னவென்றால், பூக்கள், மூலிகைகள், இலைகள், பட்டைகளை அழுத்தத்தின் கீழ் சேகரித்து உலர்த்துவதன் மூலம், அவற்றை அடிவாரத்தில் ஒட்டுவதன் மூலம், ஆசிரியர் தாவரங்களின் உதவியுடன் உண்மையான "ஓவியம்" படைப்பை உருவாக்குகிறார். வேறு வார்த்தைகளில் கூறுவதானால், தாவரங்களுடன் ஓவியம் வரைவது தவறு.
பூக்கடைக்காரர்களின் கலை படைப்பாற்றல் உலர்ந்த தாவரப் பொருட்களின் வடிவம், நிறம் மற்றும் அமைப்பு ஆகியவற்றைப் பாதுகாப்பதை அடிப்படையாகக் கொண்டது. ஜப்பானியர்கள் "ஓஷிபானா" ஓவியங்களை மறைதல் மற்றும் கருமையாவதிலிருந்து பாதுகாப்பதற்கான ஒரு நுட்பத்தை உருவாக்கியுள்ளனர். அதன் சாராம்சம் என்னவென்றால், கண்ணாடிக்கும் படத்திற்கும் இடையில் காற்று வெளியேற்றப்படுகிறது மற்றும் தாவரங்கள் கெட்டுப்போவதைத் தடுக்கும் ஒரு வெற்றிடம் உருவாக்கப்படுகிறது.
இது இந்த கலையின் வழக்கத்திற்கு மாறான தன்மையை மட்டுமல்ல, கற்பனை, சுவை, தாவரங்களின் பண்புகள் பற்றிய அறிவைக் காட்டுவதற்கான வாய்ப்பையும் ஈர்க்கிறது. பூக்கடைக்காரர்கள் ஆபரணங்கள், நிலப்பரப்புகள், ஸ்டில் லைஃப்கள், உருவப்படங்கள் மற்றும் கதை ஓவியங்களை உருவாக்குகிறார்கள்.

- போன்சாய்.
போன்சாய், ஒரு நிகழ்வாக, ஆயிரம் ஆண்டுகளுக்கு முன்பு சீனாவில் தோன்றியது, ஆனால் இந்த கலாச்சாரம் ஜப்பானில் மட்டுமே அதன் வளர்ச்சியின் உச்சத்தை எட்டியது. (பொன்சாய் - ஜப்பானிய 盆栽 lit. "ஒரு தொட்டியில் செடி") - ஒரு உண்மையான மரத்தின் சரியான நகலை மினியேச்சரில் வளர்க்கும் கலை. இந்த தாவரங்கள் நமது சகாப்தத்திற்கு பல நூற்றாண்டுகளுக்கு முன்பு புத்த பிக்குகளால் வளர்க்கப்பட்டன, பின்னர் உள்ளூர் பிரபுக்களின் நடவடிக்கைகளில் ஒன்றாக மாறியது.
போன்சாய் ஜப்பானிய வீடுகளையும் தோட்டங்களையும் அலங்கரித்தது. டோகுகாவா சகாப்தத்தில், பூங்கா வடிவமைப்பு ஒரு புதிய உத்வேகத்தைப் பெற்றது: அசேலியாக்கள் மற்றும் மேப்பிள்களின் சாகுபடி செல்வந்தர்களுக்கு ஒரு பொழுதுபோக்காக மாறியது. குள்ள பயிர் உற்பத்தியும் (ஹச்சி-நோ-கி - "ஒரு தொட்டியில் மரம்") வளர்ந்தது, ஆனால் அந்தக் காலத்தின் பொன்சாய் மிகப் பெரியதாக இருந்தது.
இப்போது சாதாரண மரங்கள் பொன்சாய்க்கு பயன்படுத்தப்படுகின்றன, அவை நிலையான கத்தரித்தல் மற்றும் பல்வேறு முறைகள் காரணமாக சிறியதாகின்றன. அதே நேரத்தில், வேர் அமைப்பின் அளவுகளின் விகிதம், கிண்ணத்தின் அளவு மற்றும் பொன்சாயின் தரைப் பகுதி ஆகியவற்றால் வரையறுக்கப்பட்டுள்ளது, இது இயற்கையில் வயது வந்த மரத்தின் விகிதாச்சாரத்திற்கு ஒத்திருக்கிறது.

- மிசுஹிகி.
மேக்ரேம் அனலாக். இது ஒரு பண்டைய ஜப்பானிய பயன்பாட்டு கலையாகும், இது சிறப்பு வடங்களில் இருந்து பல்வேறு முடிச்சுகளை கட்டி அவற்றிலிருந்து வடிவங்களை உருவாக்குகிறது. இத்தகைய கலைப் படைப்புகள் மிகவும் பரந்த நோக்கத்தைக் கொண்டிருந்தன - பரிசு அட்டைகள் மற்றும் கடிதங்கள் முதல் சிகை அலங்காரங்கள் மற்றும் கைப்பைகள் வரை. தற்போது, ​​மிசுஹிகி பரிசுத் துறையில் மிகவும் பரவலாகப் பயன்படுத்தப்படுகிறது - வாழ்க்கையில் ஒவ்வொரு நிகழ்வுக்கும், ஒரு பரிசு மிகவும் குறிப்பிட்ட முறையில் மூடப்பட்டு கட்டப்பட வேண்டும். மிசுஹிகி கலையில் பல முடிச்சுகள் மற்றும் கலவைகள் உள்ளன, மேலும் ஒவ்வொரு ஜப்பானியரும் அவை அனைத்தையும் இதயத்தால் அறிந்திருக்க மாட்டார்கள். நிச்சயமாக, மிகவும் பொதுவான மற்றும் எளிமையான முடிச்சுகள் பெரும்பாலும் பயன்படுத்தப்படுகின்றன: ஒரு குழந்தையின் பிறப்புக்கு வாழ்த்துக்களுக்கு, ஒரு திருமணம் அல்லது நினைவு, பிறந்த நாள் அல்லது பல்கலைக்கழக சேர்க்கைக்கு.

- குமிஹிமோ.
குமிஹிமோ ஒரு ஜப்பானிய பின்னல் வடம். நூல்களை நெசவு செய்யும் போது, ​​ரிப்பன்கள் மற்றும் லேஸ்கள் பெறப்படுகின்றன. இந்த சரிகைகள் சிறப்பு இயந்திரங்களில் நெய்யப்படுகின்றன - மருதை மற்றும் தகடை. மருதாய் இயந்திரம் வட்ட ஜரிகை நெய்வதற்கும், தகடாய் தட்டையானவைகளுக்கும் பயன்படுத்தப்படுகிறது. ஜப்பானிய மொழியில் குமிஹிமோ என்றால் "நெசவு கயிறுகள்" (குமி - நெசவு, ஒன்றாக மடிப்பு, ஹிமோ - கயிறு, சரிகை). ஸ்காண்டிநேவியர்கள் மற்றும் ஆண்டிஸில் வசிப்பவர்களிடையே இதேபோன்ற நெசவுகளைக் காணலாம் என்று வரலாற்றாசிரியர்கள் பிடிவாதமாக வலியுறுத்தினாலும், ஜப்பானிய கலையான குமிஹிமோ உண்மையில் மிகவும் பழமையான நெசவு வகைகளில் ஒன்றாகும். அதன் முதல் குறிப்பு 550 க்கு முந்தையது, புத்தமதம் ஜப்பான் முழுவதும் பரவியது மற்றும் சிறப்பு விழாக்களுக்கு சிறப்பு அலங்காரங்கள் தேவைப்பட்டன. பின்னர், குமிஹிமோ லேஸ்கள் பெண்கள் கிமோனோவில் ஓபி பெல்ட்டைப் பொருத்தி, முழு சாமுராய் ஆயுதக் களஞ்சியத்தையும் "பேக்" செய்வதற்கான கயிறுகளாகப் பயன்படுத்தத் தொடங்கினர் (சாமுராய் தங்கள் கவசம் மற்றும் குதிரைக் கவசங்களைக் கட்டுவதற்கு அலங்கார மற்றும் செயல்பாட்டு நோக்கங்களுக்காக குமிஹிமோவைப் பயன்படுத்தினார்) மற்றும் கனமான பொருட்களைக் கட்டுவதற்கும்.
நவீன குமிஹிமோவின் பல்வேறு வடிவங்கள் வீட்டில் தயாரிக்கப்பட்ட அட்டைத் தறிகளில் மிக எளிதாக நெய்யப்படுகின்றன.

- கொமோனோ.
கிமோனோ அதன் நேரத்தைச் செலுத்திய பிறகு அதில் என்ன மீதம் இருக்கிறது? அது தூக்கி எறியப்படுகிறது என்று நினைக்கிறீர்களா? இப்படி எதுவும் இல்லை! ஜப்பானியர்கள் அதை ஒருபோதும் செய்ய மாட்டார்கள். கிமோனோக்கள் விலை உயர்ந்தவை. அதை அப்படியே தூக்கி எறிவது நினைத்துப் பார்க்க முடியாதது மற்றும் சாத்தியமற்றது... மற்ற வகை கிமோனோ மறுசுழற்சியுடன், கைவினைஞர்கள் சிறிய துண்டுகளிலிருந்து சிறிய நினைவுப் பொருட்களை உருவாக்கினர். இவை குழந்தைகளுக்கான சிறிய பொம்மைகள், பொம்மைகள், ப்ரொச்ச்கள், மாலைகள், பெண்கள் நகைகள் மற்றும் பிற பொருட்கள், பழைய கிமோனோ சிறிய அழகான பொருட்களை தயாரிப்பதில் பயன்படுத்தப்படுகிறது, அவை கூட்டாக "கொமோனோ" என்று அழைக்கப்படுகின்றன. கிமோனோவின் பாதையைத் தொடர்ந்து, தங்கள் சொந்த வாழ்க்கையை எடுக்கும் சிறிய விஷயங்கள். "கொமோனோ" என்ற வார்த்தையின் அர்த்தம் இதுதான்.

- கன்சாஷி.
ஹேர்பின்களை அலங்கரிக்கும் கலை (பெரும்பாலும் பூக்கள் (பட்டாம்பூச்சிகள், முதலியன) துணியால் செய்யப்பட்ட (முக்கியமாக பட்டு) ஜப்பானிய கன்சாஷி (கன்சாஷி) ஒரு பாரம்பரிய ஜப்பானிய பெண் சிகை அலங்காரத்திற்கான ஒரு நீண்ட ஹேர்பின் ஆகும். அவை மரம், அரக்கு, வெள்ளி ஆகியவற்றால் செய்யப்பட்டன. , பாரம்பரிய சீன மற்றும் ஜப்பானிய சிகை அலங்காரங்களில் ஆமை ஓடு பயன்படுத்தப்பட்டது.சுமார் 400 ஆண்டுகளுக்கு முன்பு, ஜப்பானில், பெண்களின் சிகை அலங்காரங்களின் பாணி மாறியது: பெண்கள் பாரம்பரிய வடிவமான தாரேகாமி (நீண்ட நேரான கூந்தல்) தலைமுடியை சீப்புவதை நிறுத்திவிட்டு, சிக்கலான மற்றும் சிக்கலான மற்றும் வினோதமான வடிவங்கள் - நிஹோங்கமி பல்வேறு பொருட்களைப் பயன்படுத்தியது - ஹேர்பின்கள், குச்சிகள், சீப்புகள் மணிக்கட்டு நகைகள் மற்றும் நெக்லஸ்கள், எனவே சிகை அலங்காரங்கள் அலங்காரங்கள் சுய வெளிப்பாட்டிற்கான முக்கிய அழகு மற்றும் களமாக இருந்தன - அத்துடன் பையின் சுவை மற்றும் தடிமன் ஆகியவற்றை நிரூபிக்கிறது. உரிமையாளர் போல. வேலைப்பாடுகளில் நீங்கள் பார்க்க முடியும் - நீங்கள் உற்று நோக்கினால் - ஜப்பானிய பெண்கள் தங்கள் சிகை அலங்காரங்களில் இருபது விலையுயர்ந்த கன்சாஷி வரை எளிதாக தொங்கவிடுகிறார்கள்.
தங்கள் சிகை அலங்காரங்களுக்கு அதிநவீனத்தையும் நேர்த்தியையும் சேர்க்க விரும்பும் ஜப்பானிய இளம் பெண்களிடையே கன்சாஷியைப் பயன்படுத்தும் பாரம்பரியத்தில் இப்போது மீண்டும் எழுச்சி ஏற்பட்டுள்ளது, நவீன பாரெட்டுகளை ஒன்று அல்லது இரண்டு அழகான கையால் செய்யப்பட்ட பூக்களால் அலங்கரிக்கலாம்.

- கினுசைகா.
ஜப்பானில் இருந்து ஒரு அற்புதமான ஊசி வேலை. கினுசைகா (絹彩画) என்பது பாடிக் மற்றும் ஒட்டுவேலைக்கு இடையே உள்ள குறுக்குவெட்டு ஆகும். முக்கிய யோசனை என்னவென்றால், புதிய ஓவியங்கள் பழைய பட்டு கிமோனோக்களிலிருந்து ஒன்றாக இணைக்கப்பட்டுள்ளன - உண்மையான கலைப் படைப்புகள்.
முதலில், கலைஞர் காகிதத்தில் ஒரு ஓவியத்தை உருவாக்குகிறார். பின்னர் இந்த வரைபடம் ஒரு மர பலகைக்கு மாற்றப்படுகிறது. வடிவத்தின் விளிம்பு பள்ளங்கள் அல்லது பள்ளங்கள் மூலம் வெட்டப்படுகிறது, பின்னர் சிறிய துண்டுகள், நிறம் மற்றும் தொனியில் பொருந்தும், பழைய பட்டு கிமோனோவில் இருந்து வெட்டப்படுகின்றன, மேலும் இந்த துண்டுகளின் விளிம்புகள் பள்ளங்களை நிரப்புகின்றன. அத்தகைய படத்தைப் பார்க்கும்போது, ​​நீங்கள் ஒரு புகைப்படத்தைப் பார்க்கிறீர்கள் அல்லது ஜன்னலுக்கு வெளியே உள்ள நிலப்பரப்பைப் பார்ப்பது போன்ற உணர்வை நீங்கள் பெறுவீர்கள், அவை மிகவும் யதார்த்தமானவை.

- தெமாரி.
இவை பாரம்பரிய ஜப்பானிய வடிவியல் எம்ப்ராய்டரி செய்யப்பட்ட பந்துகள், அவை ஒரு காலத்தில் குழந்தைகளின் பொம்மைகளாக இருந்தன, இப்போது ஜப்பானில் மட்டுமல்ல, உலகம் முழுவதும் பல ரசிகர்களைக் கொண்ட கலை வடிவமாக மாறியுள்ளன. நீண்ட காலத்திற்கு முன்பு இந்த தயாரிப்புகள் சாமுராய் மனைவிகளால் பொழுதுபோக்கிற்காக தயாரிக்கப்பட்டதாக நம்பப்படுகிறது. ஆரம்பத்தில், அவை உண்மையில் ஒரு பந்து விளையாட்டுக்கான பந்தாகப் பயன்படுத்தப்பட்டன, ஆனால் படிப்படியாக அவை கலைக் கூறுகளைப் பெறத் தொடங்கின, பின்னர் அலங்கார ஆபரணங்களாக மாறியது. இந்த பந்துகளின் நுட்பமான அழகு ஜப்பான் முழுவதும் அறியப்படுகிறது. இன்று, வண்ணமயமான, கவனமாக வடிவமைக்கப்பட்ட தயாரிப்புகள் ஜப்பானில் நாட்டுப்புற கைவினை வகைகளில் ஒன்றாகும்.

- யுபினுகி.
ஜப்பனீஸ் திம்பிள்ஸ், கை தையல் அல்லது எம்பிராய்டரி செய்யும் போது, ​​​​அவை வேலை செய்யும் கையின் நடுவிரலின் நடுத்தர ஃபாலன்க்ஸில் வைக்கப்படுகின்றன, விரல் நுனியின் உதவியுடன் ஊசி விரும்பிய திசையில் கொடுக்கப்படுகிறது, மேலும் ஊசி நடுவில் உள்ள மோதிரத்தின் வழியாக தள்ளப்படுகிறது. வேலையில் விரல். ஆரம்பத்தில், ஜப்பனீஸ் யூபினுகி திம்பிள்ஸ் மிகவும் எளிமையாக செய்யப்பட்டன - அடர்த்தியான துணி அல்லது தோலின் ஒரு துண்டு பல அடுக்குகளில் 1 செமீ அகலத்தில் இறுக்கமாக விரலில் சுற்றப்பட்டு, சில எளிய அலங்கார தையல்களுடன் ஒன்றாக இணைக்கப்பட்டது. யூபினுகி ஒவ்வொரு வீட்டிலும் அவசியமான பொருளாக இருந்ததால், அவை பட்டு நூல்களால் வடிவியல் எம்பிராய்டரி மூலம் அலங்கரிக்கத் தொடங்கின. தையல்களின் பின்னிணைப்பில் இருந்து, வண்ணமயமான மற்றும் சிக்கலான வடிவங்கள் உருவாக்கப்பட்டன. ஒரு எளிய வீட்டுப் பொருளிலிருந்து யூபினுகி அன்றாட வாழ்க்கையை "ரசிக்கும்", அலங்காரத்திற்கான ஒரு பொருளாகவும் மாற்றியுள்ளார்.
யூபினுகி இன்னும் தையல் மற்றும் எம்பிராய்டரியில் பயன்படுத்தப்படுகிறது, ஆனால் அவை அலங்கார மோதிரங்கள் போன்ற எந்த விரலிலும் கைகளில் அணிந்திருப்பதைக் காணலாம். யுபினுகி-பாணி எம்பிராய்டரி பல்வேறு பொருட்களை மோதிர வடிவில் அலங்கரிக்கப் பயன்படுகிறது - நாப்கின் மோதிரங்கள், வளையல்கள், டெமாரி ஸ்டாண்டுகள், யுபினுகி எம்பிராய்டரி மூலம் அலங்கரிக்கப்பட்டுள்ளது, அதே பாணியில் எம்பிராய்டரி செய்யப்பட்ட ஊசி படுக்கைகளும் உள்ளன. யூபினுகி வடிவங்கள் டெமாரி ஓபி எம்பிராய்டரிக்கு சிறந்த உத்வேகமாக இருக்கும்.

- சுய்போகுகா அல்லது சுமி.
ஜப்பானிய மை ஓவியம். இந்த சீன ஓவியம் 14 ஆம் நூற்றாண்டு மற்றும் 15 ஆம் நூற்றாண்டின் இறுதியில் ஜப்பானிய கலைஞர்களால் ஏற்றுக்கொள்ளப்பட்டது. ஜப்பானில் ஓவியத்தின் முக்கிய நீரோட்டமாக மாறியது. Suibokuga ஒரே வண்ணமுடையது. இது கருப்பு மை (சுமி) பயன்படுத்துவதன் மூலம் வகைப்படுத்தப்படுகிறது, ஒரு கடினமான வடிவமான கரி அல்லது சீன மை சூட்டில் இருந்து தயாரிக்கப்படுகிறது, இது ஒரு மை பானையில் அரைக்கப்பட்டு, தண்ணீரில் நீர்த்தப்பட்டு, காகிதம் அல்லது பட்டு மீது துலக்கப்படுகிறது. மோனோக்ரோம் மாஸ்டருக்கு முடிவில்லாத டோனல் விருப்பங்களை வழங்குகிறது, இது சீனர்கள் நீண்ட காலத்திற்கு முன்பு மை "வண்ணங்கள்" என அங்கீகரிக்கப்பட்டது. Suibokuga சில நேரங்களில் உண்மையான வண்ணங்களைப் பயன்படுத்த அனுமதிக்கிறது, ஆனால் அதை மெல்லிய, வெளிப்படையான பக்கவாதம் வரை கட்டுப்படுத்துகிறது, அது எப்போதும் மை கோட்டிற்கு அடிபணிந்திருக்கும். மை ஓவியம் கைரேகைக் கலையுடன் இறுக்கமாக கட்டுப்படுத்தப்பட்ட வெளிப்பாடு மற்றும் வடிவத்தின் தொழில்நுட்ப தேர்ச்சி போன்ற அத்தியாவசிய பண்புகளை பகிர்ந்து கொள்கிறது. மை ஓவியத்தின் தரம், கைரேகையைப் போலவே, மையால் வரையப்பட்ட கோட்டின் ஒருமைப்பாடு மற்றும் எதிர்ப்பைக் குறைக்கிறது, இது, எலும்புகள் திசுக்களை தன்னகத்தே வைத்திருப்பது போல, கலைப் படைப்பை தன்னகத்தே வைத்திருக்கும்.

- எதேகாமி.
வரையப்பட்ட அஞ்சல் அட்டைகள் (இ - படம், குறியிடப்பட்ட - கடிதம்). உங்கள் சொந்த கைகளால் அஞ்சலட்டை தயாரிப்பது பொதுவாக ஜப்பானில் மிகவும் பிரபலமான செயலாகும், மேலும் விடுமுறைக்கு முன்பு அதன் புகழ் இன்னும் அதிகரிக்கிறது. ஜப்பானியர்கள் தங்கள் நண்பர்களுக்கு அஞ்சல் அட்டைகளை அனுப்ப விரும்புகிறார்கள், அவர்களும் அவற்றைப் பெற விரும்புகிறார்கள். இது ஒரு வகை விரைவு கடிதம் சிறப்பு வெற்றிடங்கள், இது ஒரு உறை இல்லாமல் அஞ்சல் மூலம் அனுப்பப்படும். எட்காமியில் சிறப்பு விதிகள் அல்லது நுட்பங்கள் எதுவும் இல்லை, சிறப்பு பயிற்சி இல்லாமல் எவரும் அதை செய்ய முடியும். எடகாமி மனநிலை, பதிவுகள் ஆகியவற்றை துல்லியமாக வெளிப்படுத்த உதவுகிறது, இது ஒரு படம் மற்றும் ஒரு சிறிய கடிதம் கொண்ட கையால் செய்யப்பட்ட அஞ்சலட்டை, அனுப்புபவரின் உணர்ச்சிகளான அரவணைப்பு, ஆர்வம், கவனிப்பு, அன்பு போன்றவற்றை வெளிப்படுத்துகிறது. அவர்கள் விடுமுறை நாட்களில் இந்த அஞ்சல் அட்டைகளை அனுப்புகிறார்கள், அது போலவே, பருவங்கள், செயல்பாடுகள், காய்கறிகள் மற்றும் பழங்கள், மக்கள் மற்றும் விலங்குகளை சித்தரிக்கும். இந்த படம் எவ்வளவு எளிமையாக வரையப்பட்டதோ, அவ்வளவு சுவாரஸ்யமாக இருக்கும்.

- ஃபுரோஷிகி.
ஜப்பானிய போர்த்தி நுட்பம் அல்லது துணியை மடக்கும் கலை. ஃபுரோஷிகி நீண்ட காலமாக ஜப்பானியர்களின் வாழ்க்கையில் நுழைந்தார். காமகுரா-முரோமாச்சி காலத்தின் (1185 - 1573) பழங்கால சுருள்கள், தலையில் துணியால் சுற்றப்பட்ட துணி மூட்டைகளை சுமந்து செல்லும் பெண்களின் உருவங்களுடன் பாதுகாக்கப்பட்டுள்ளன. இந்த சுவாரஸ்யமான நுட்பம் கிபி 710 - 794 இல் ஜப்பானில் தோன்றியது. "ஃபுரோஷிகி" என்ற வார்த்தையானது "குளியல் விரிப்பு" என்று மொழிபெயர்க்கப்பட்டுள்ளது மற்றும் அனைத்து வடிவங்கள் மற்றும் அளவுகளில் உள்ள பொருட்களை போர்த்தி எடுத்துச் செல்ல பயன்படுத்தப்படும் ஒரு சதுரத் துணியாகும்.
பழைய நாட்களில், ஜப்பானிய குளியல் (ஃபுரோ) லேசான பருத்தி கிமோனோவில் நடப்பது வழக்கமாக இருந்தது, பார்வையாளர்கள் வீட்டிலிருந்து கொண்டு வந்தனர். குளித்தவர் ஒரு சிறப்பு விரிப்பையும் (ஷிகி) கொண்டு வந்தார், அதில் அவர் ஆடைகளை அவிழ்க்கும் போது நின்றார். "குளியல்" கிமோனோவாக மாறிய பிறகு, பார்வையாளர் தனது ஆடைகளை ஒரு விரிப்பில் போர்த்தி, குளித்த பிறகு ஈரமான கிமோனோவை ஒரு கம்பளத்தில் போர்த்தி வீட்டிற்கு கொண்டு வந்தார். இதனால், குளியல் பாய் பலதரப்பட்ட பையாக மாறியுள்ளது.
Furoshiki பயன்படுத்த மிகவும் எளிதானது: துணி நீங்கள் போர்த்தி என்று பொருளின் வடிவத்தை எடுக்கும், மற்றும் கைப்பிடிகள் சுமைகளை எளிதாக்குகிறது. கூடுதலாக, ஒரு பரிசு கடினமான காகிதத்தில் அல்ல, ஆனால் ஒரு மென்மையான, பல அடுக்கு துணியில் மூடப்பட்டிருக்கும், ஒரு சிறப்பு வெளிப்பாட்டைப் பெறுகிறது. எந்தவொரு சந்தர்ப்பத்திலும், தினசரி அல்லது பண்டிகைக்கு ஃபுரோஷிகியை மடிப்பதற்கு பல திட்டங்கள் உள்ளன.

- அமிகுருமி.
சிறிய அடைத்த விலங்குகள் மற்றும் மனித உருவம் கொண்ட உயிரினங்களை பின்னல் அல்லது பின்னல் செய்யும் ஜப்பானிய கலை. அமிகுருமி (編み包み, லிட்.: "பின்னப்பட்ட-சுற்றப்பட்ட") பெரும்பாலும் அழகான விலங்குகள் (கரடிகள், முயல்கள், பூனைகள், நாய்கள் போன்றவை), சிறிய மனிதர்கள், ஆனால் அவை மனித பண்புகளைக் கொண்ட உயிரற்ற பொருட்களாகவும் இருக்கலாம். உதாரணமாக, கப்கேக்குகள், தொப்பிகள், கைப்பைகள் மற்றும் பிற. Amigurumi பின்னப்பட்ட அல்லது பின்னப்பட்ட அல்லது crocheted. சமீபத்தில், குரோச்செட் அமிகுருமி மிகவும் பிரபலமானது மற்றும் மிகவும் பொதுவானது.
ஒரு எளிய பின்னல் முறையில் நூலில் இருந்து பின்னப்பட்டது - ஒரு சுழல் மற்றும், ஐரோப்பிய பின்னல் முறையைப் போலல்லாமல், வட்டங்கள் பொதுவாக இணைக்கப்படவில்லை. அவை நூல் தடிமனுக்கு ஒப்பீட்டளவில் சிறிய அளவில் குத்தப்பட்டு, திணிப்பு வெளியே வருவதற்கு எந்த இடைவெளியும் இல்லாமல் மிகவும் அடர்த்தியான துணியை உருவாக்குகின்றன. அமிகுருமிகள் பெரும்பாலும் பகுதிகளிலிருந்து தயாரிக்கப்பட்டு பின்னர் ஒன்றாக இணைக்கப்படுகின்றன, சில அமிகுருமிகளைத் தவிர, அவை கைகால்கள் இல்லை, ஆனால் தலை மற்றும் உடற்பகுதி மட்டுமே உள்ளன, அவை முழுவதுமாக இருக்கும். மூட்டுகள் சில நேரங்களில் பிளாஸ்டிக் துண்டுகளால் நிரப்பப்படுகின்றன, அவை நேரடி எடையைக் கொடுக்கின்றன, அதே நேரத்தில் உடலின் மற்ற பகுதிகள் ஃபைபர்ஃபில் மூலம் நிரப்பப்படுகின்றன.
அமிகுருமி அழகியல் பரவலானது அவற்றின் அழகால் ("கவாய்") எளிதாக்கப்படுகிறது.

இது பல நுட்பங்கள் மற்றும் பாணிகளை உள்ளடக்கியது. அதன் வரலாறு முழுவதும், இது பெரிய அளவிலான மாற்றங்களுக்கு உட்பட்டுள்ளது. புதிய மரபுகள் மற்றும் வகைகள் சேர்க்கப்பட்டன, மேலும் அசல் ஜப்பானிய கொள்கைகள் இருந்தன. ஜப்பானின் அற்புதமான வரலாற்றுடன், பல தனித்துவமான மற்றும் சுவாரஸ்யமான உண்மைகளை முன்வைக்க ஓவியம் தயாராக உள்ளது.

பண்டைய ஜப்பான்

முதல் பாணிகள் நாட்டின் மிகப் பழமையான வரலாற்றுக் காலத்தில், கிறிஸ்துவுக்கு முன்பே தோன்றின. இ. அப்போது கலை மிகவும் பழமையானது. முதலில், 300 கி.மு. e., பல்வேறு வடிவியல் உருவங்கள் தோன்றின, அவை குச்சிகளின் உதவியுடன் மட்பாண்டங்களில் செய்யப்பட்டன. வெண்கல மணிகளில் ஆபரணமாக தொல்பொருள் ஆராய்ச்சியாளர்களால் கண்டுபிடிக்கப்பட்ட அத்தகைய கண்டுபிடிப்பு பிற்காலத்திற்கு சொந்தமானது.

சிறிது நேரம் கழித்து, ஏற்கனவே 300 கி.பி. e., பாறை ஓவியங்கள் தோன்றும், அவை வடிவியல் ஆபரணத்தை விட மிகவும் வேறுபட்டவை. இவை ஏற்கனவே படங்களுடன் கூடிய முழுமையான படங்கள். அவை கிரிப்ட்களுக்குள் கண்டுபிடிக்கப்பட்டன, மேலும் அவற்றில் வர்ணம் பூசப்பட்டவர்கள் இந்த புதைகுழிகளில் புதைக்கப்பட்டிருக்கலாம்.

7 ஆம் நூற்றாண்டில் கி.பி. இ. சீனாவில் இருந்து வரும் ஸ்கிரிப்டை ஜப்பான் ஏற்றுக்கொள்கிறது. அதே நேரத்தில், முதல் ஓவியங்கள் அங்கிருந்து வருகின்றன. பின்னர் ஓவியம் கலையின் ஒரு தனி கோளமாக தோன்றுகிறது.

எடோ

எடோ முதல் மற்றும் கடைசி ஓவியத்திலிருந்து வெகு தொலைவில் உள்ளது, ஆனால் அவள்தான் கலாச்சாரத்திற்கு நிறைய புதிய விஷயங்களைக் கொண்டு வந்தாள். முதலாவதாக, இது வழக்கமான நுட்பத்தில் சேர்க்கப்பட்ட பிரகாசம் மற்றும் புத்திசாலித்தனம், இது கருப்பு மற்றும் சாம்பல் டோன்களில் செய்யப்படுகிறது. இந்த பாணியின் மிக முக்கியமான கலைஞராக சோடாசு கருதப்படுகிறார். அவர் உன்னதமான ஓவியங்களை உருவாக்கினார், ஆனால் அவரது கதாபாத்திரங்கள் மிகவும் வண்ணமயமானவை. பின்னர், அவர் இயற்கைக்கு மாறினார், மேலும் பெரும்பாலான நிலப்பரப்புகள் கில்டிங் பின்னணியில் செய்யப்பட்டன.

இரண்டாவதாக, எடோ காலத்தில், கவர்ச்சியான, நம்பன் வகை தோன்றியது. இது நவீன ஐரோப்பிய மற்றும் சீன நுட்பங்களைப் பயன்படுத்தியது, அவை பாரம்பரிய ஜப்பானிய பாணிகளுடன் பின்னிப்பிணைந்தன.

மூன்றாவதாக, நாங் பள்ளி தோன்றும். அதில், கலைஞர்கள் முதலில் சீன எஜமானர்களின் படைப்புகளை முழுமையாகப் பின்பற்றுகிறார்கள் அல்லது நகலெடுக்கிறார்கள். பின்னர் ஒரு புதிய கிளை தோன்றுகிறது, இது பன்ஜிங் என்று அழைக்கப்படுகிறது.

நவீனமயமாக்கல் காலம்

எடோ காலம் மீஜியை மாற்றுகிறது, இப்போது ஜப்பானிய ஓவியம் ஒரு புதிய கட்ட வளர்ச்சியில் நுழைய வேண்டிய கட்டாயத்தில் உள்ளது. இந்த நேரத்தில், மேற்கத்திய மற்றும் போன்ற வகைகள் உலகம் முழுவதும் பிரபலமாகி வருகின்றன, எனவே கலையின் நவீனமயமாக்கல் ஒரு பொதுவான மாநிலமாக மாறியது. இருப்பினும், அனைத்து மக்களும் மரபுகளை மதிக்கும் நாடான ஜப்பானில், இந்த நேரத்தில் நிலைமை மற்ற நாடுகளில் நடந்ததை விட கணிசமாக வேறுபட்டது. இங்கே, ஐரோப்பிய மற்றும் உள்ளூர் தொழில்நுட்ப வல்லுநர்களுக்கு இடையேயான போட்டி கடுமையாக வெடிக்கிறது.

இந்த கட்டத்தில் அரசாங்கம் மேற்கத்திய பாணிகளில் தங்கள் திறமைகளை மேம்படுத்த பெரும் வாக்குறுதியைக் காட்டும் இளம் கலைஞர்களுக்கு முன்னுரிமை அளிக்கிறது. எனவே, அவர்கள் ஐரோப்பாவிலும் அமெரிக்காவிலும் உள்ள பள்ளிகளுக்கு அனுப்புகிறார்கள்.

ஆனால் இது காலத்தின் தொடக்கத்தில் மட்டுமே இருந்தது. உண்மை என்னவென்றால், நன்கு அறியப்பட்ட விமர்சகர்கள் மேற்கத்திய கலையை மிகவும் கடுமையாக விமர்சித்துள்ளனர். இந்த சிக்கலைச் சுற்றி ஒரு பெரிய பரபரப்பைத் தவிர்க்க, ஐரோப்பிய பாணிகள் மற்றும் நுட்பங்கள் கண்காட்சிகளில் இருந்து தடை செய்யத் தொடங்கின, அவற்றின் காட்சி நிறுத்தப்பட்டது, அதே போல் அவற்றின் பிரபலமும்.

ஐரோப்பிய பாணிகளின் தோற்றம்

பின்னர் தைஷோ காலம் வருகிறது. இந்த நேரத்தில், வெளிநாட்டுப் பள்ளிகளில் படிக்கச் சென்ற இளம் கலைஞர்கள் மீண்டும் தங்கள் தாய்நாட்டிற்கு வருகிறார்கள். இயற்கையாகவே, அவர்கள் ஜப்பானிய ஓவியத்தின் புதிய பாணிகளைக் கொண்டு வருகிறார்கள், அவை ஐரோப்பிய ஓவியங்களுக்கு மிகவும் ஒத்தவை. இம்ப்ரெஷனிசம் மற்றும் பிந்தைய இம்ப்ரெஷனிசம் தோன்றும்.

இந்த கட்டத்தில், பண்டைய ஜப்பானிய பாணிகள் புத்துயிர் பெறும் பல பள்ளிகள் உருவாகின்றன. ஆனால் மேற்கத்தியப் போக்குகளை முற்றிலுமாக அகற்றுவது சாத்தியமில்லை. எனவே, கிளாசிக் காதலர்கள் மற்றும் நவீன ஐரோப்பிய ஓவியத்தின் ரசிகர்கள் இருவரையும் மகிழ்விப்பதற்காக பல நுட்பங்களை இணைப்பது அவசியம்.

சில பள்ளிகள் மாநிலத்தால் நிதியளிக்கப்படுகின்றன, இதற்கு நன்றி பல தேசிய மரபுகள் பாதுகாக்கப்படுகின்றன. தனியார் வர்த்தகர்கள், மறுபுறம், புதியதை விரும்பும் நுகர்வோரின் வழியைப் பின்பற்ற வேண்டிய கட்டாயத்தில் உள்ளனர், அவர்கள் கிளாசிக்ஸால் சோர்வடைந்துள்ளனர்.

இரண்டாம் உலகப்போர் ஓவியம்

போர்க்காலம் தொடங்கிய பிறகு, ஜப்பானிய ஓவியம் சில காலம் நிகழ்வுகளிலிருந்து விலகி இருந்தது. இது தனித்தனியாகவும் சுதந்திரமாகவும் வளர்ந்தது. ஆனால் இப்படியே என்றென்றும் தொடர முடியவில்லை.

காலப்போக்கில், நாட்டில் அரசியல் நிலைமை மோசமாகி வரும்போது, ​​உயர்ந்த மற்றும் மரியாதைக்குரிய நபர்கள் பல கலைஞர்களை ஈர்க்கிறார்கள். அவர்களில் சிலர், போரின் தொடக்கத்தில் கூட, தேசபக்தி பாணியில் உருவாக்கத் தொடங்குகிறார்கள். மீதமுள்ளவர்கள் அதிகாரிகளின் உத்தரவின் பேரில் மட்டுமே இந்த செயல்முறையைத் தொடங்குகிறார்கள்.

அதன்படி, இரண்டாம் உலகப் போரின் போது ஜப்பானிய நுண்கலைகள் குறிப்பாக உருவாக்க முடியவில்லை. எனவே, ஓவியம் வரைவதற்கு அதை தேக்கம் என்று அழைக்கலாம்.

நித்திய சுைபோகுகா

ஜப்பானிய சுமி-இ ஓவியம் அல்லது சுய்போகுகா என்றால் "மை வரைதல்" என்று பொருள். இது இந்த கலையின் பாணியையும் நுட்பத்தையும் தீர்மானிக்கிறது. இது சீனாவிலிருந்து வந்தது, ஆனால் ஜப்பானியர்கள் அதற்கு தங்கள் சொந்த பெயரைக் கொடுக்க முடிவு செய்தனர். ஆரம்பத்தில் இந்த நுட்பத்திற்கு எந்த அழகியல் பக்கமும் இல்லை. ஜென் படிக்கும் போது துறவிகள் சுய முன்னேற்றத்திற்காக இது பயன்படுத்தப்பட்டது. மேலும், முதலில் அவர்கள் படங்களை வரைந்தனர், பின்னர் அவர்கள் அவற்றைப் பார்க்கும்போது அவர்களின் செறிவுக்கு பயிற்சி அளித்தனர். கண்டிப்பான கோடுகள், தெளிவற்ற டோன்கள் மற்றும் நிழல்கள் முன்னேற்றத்திற்கு உதவுகின்றன என்று துறவிகள் நம்பினர் - இவை அனைத்தும் மோனோக்ரோம் என்று அழைக்கப்படுகின்றன.

ஜப்பானிய மை ஓவியம், பல்வேறு வகையான ஓவியங்கள் மற்றும் நுட்பங்கள் இருந்தபோதிலும், அது முதல் பார்வையில் தோன்றும் அளவுக்கு சிக்கலானது அல்ல. இது 4 அடுக்குகளை மட்டுமே அடிப்படையாகக் கொண்டது:

1. கிரிஸான்தமம்.
2. ஆர்க்கிட்.
3. பிளம் கிளை.
4. மூங்கில்.

சிறிய எண்ணிக்கையிலான அடுக்குகள் தொழில்நுட்பத்தின் வளர்ச்சியை வேகமாக உருவாக்காது. சில எஜமானர்கள் கற்றல் வாழ்நாள் முழுவதும் நீடிக்கும் என்று நம்புகிறார்கள்.

சுமி-இ நீண்ட காலத்திற்கு முன்பு தோன்றிய போதிலும், அதற்கு எப்போதும் தேவை உள்ளது. மேலும், இன்று நீங்கள் இந்த பள்ளியின் எஜமானர்களை ஜப்பானில் மட்டுமல்ல, அதன் எல்லைகளுக்கு அப்பால் பரவலாகவும் சந்திக்கலாம்.

நவீன காலம்

இரண்டாம் உலகப் போரின் முடிவில், ஜப்பானில் கலை பெரிய நகரங்களில் மட்டுமே செழித்து வளர்ந்தது, கிராமவாசிகளுக்கும் கிராமவாசிகளுக்கும் போதுமான கவலைகள் இருந்தன. பெரும்பாலும், கலைஞர்கள் போரின் இழப்புகளிலிருந்து தங்கள் முதுகைத் திருப்பி, நவீன நகர்ப்புற வாழ்க்கையை அதன் அனைத்து அலங்காரங்கள் மற்றும் கேன்வாஸில் சித்தரிக்க முயன்றனர். ஐரோப்பிய மற்றும் அமெரிக்க யோசனைகள் வெற்றிகரமாக ஏற்றுக்கொள்ளப்பட்டன, ஆனால் இந்த விவகாரம் நீண்ட காலம் நீடிக்கவில்லை. பல மாஸ்டர்கள் படிப்படியாக அவர்களிடமிருந்து ஜப்பானிய பள்ளிகளை நோக்கி நகரத் தொடங்கினர்.

அது எப்போதும் நாகரீகமாகவே இருந்து வருகிறது. எனவே, நவீன ஜப்பானிய ஓவியம் செயல்படுத்தும் நுட்பம் அல்லது செயல்பாட்டில் பயன்படுத்தப்படும் பொருட்களில் மட்டுமே வேறுபடுகிறது. ஆனால் பெரும்பாலான கலைஞர்கள் பல்வேறு புதுமைகளை நன்கு உணரவில்லை.

அனிம் மற்றும் ஒத்த பாணிகள் போன்ற நாகரீகமான நவீன துணை கலாச்சாரங்களைக் குறிப்பிடுவது சாத்தியமில்லை. பல கலைஞர்கள் கிளாசிக் மற்றும் இன்றைய தேவைக்கு இடையே உள்ள கோட்டை மங்கலாக்க முயற்சிக்கின்றனர். பெரும்பாலும், இந்த நிலை வணிகம் காரணமாகும். கிளாசிக் மற்றும் பாரம்பரிய வகைகள் உண்மையில் வாங்கப்படவில்லை, எனவே, உங்களுக்கு பிடித்த வகைகளில் ஒரு கலைஞராக பணியாற்றுவது லாபமற்றது, நீங்கள் ஃபேஷனுக்கு ஏற்ப மாற்ற வேண்டும்.

முடிவுரை

சந்தேகத்திற்கு இடமின்றி, ஜப்பானிய ஓவியம் நுண்கலைகளின் பொக்கிஷம். ஒருவேளை கேள்விக்குரிய நாடு மட்டுமே மேற்கத்திய போக்குகளைப் பின்பற்றாத, ஃபேஷனுக்கு ஏற்ப மாறாமல் இருந்திருக்கலாம். புதிய நுட்பங்களின் வருகையின் போது பல அடிகள் இருந்தபோதிலும், ஜப்பானிய கலைஞர்கள் இன்னும் பல வகைகளில் தேசிய மரபுகளைப் பாதுகாக்க முடிந்தது. அதனால்தான், நவீன காலத்தில், கிளாசிக்கல் பாணியில் செய்யப்பட்ட ஓவியங்கள் கண்காட்சிகளில் மிகவும் மதிக்கப்படுகின்றன.

கலை மற்றும் வடிவமைப்பு

3946

01.02.18 09:02

ஜப்பானில் இன்றைய கலைக் காட்சி மிகவும் மாறுபட்டது மற்றும் ஆத்திரமூட்டும்: ரைசிங் சன் நிலத்தைச் சேர்ந்த எஜமானர்களின் வேலையைப் பார்த்தால், நீங்கள் வேறொரு கிரகத்தில் இறங்கிவிட்டீர்கள் என்று நினைப்பீர்கள்! உலக அளவில் தொழில்துறையின் நிலப்பரப்பை மாற்றிய புதுமையாளர்களுக்கு இது தாயகமாகும். தகாஷி முரகாமியின் (இன்று அவரது பிறந்தநாளைக் கொண்டாடும்) நம்பமுடியாத உயிரினங்கள் முதல் குசாமாவின் வண்ணமயமான பிரபஞ்சம் வரை 10 சமகால ஜப்பானிய கலைஞர்கள் மற்றும் அவர்களின் படைப்புகளின் பட்டியல் இங்கே.

எதிர்கால உலகங்கள் முதல் புள்ளியிடப்பட்ட விண்மீன்கள் வரை: சமகால ஜப்பானிய கலைஞர்கள்

தகாஷி முரகாமி: பாரம்பரியவாதி மற்றும் கிளாசிக்

சந்தர்ப்பத்தின் ஹீரோவுடன் தொடங்குவோம்! தகாஷி முரகாமி ஜப்பானின் மிகச் சிறந்த சமகால கலைஞர்களில் ஒருவர், ஓவியங்கள், பெரிய அளவிலான சிற்பங்கள் மற்றும் பேஷன் ஆகியவற்றில் பணிபுரிகிறார். முரகாமியின் பாணி மங்கா மற்றும் அனிமேஷால் பாதிக்கப்படுகிறது. அவர் ஜப்பானிய கலை மரபுகள் மற்றும் நாட்டின் போருக்குப் பிந்தைய கலாச்சாரத்தை ஆதரிக்கும் சூப்பர்ஃப்ளாட் இயக்கத்தின் நிறுவனர் ஆவார். முரகாமி தனது சக சமகாலத்தவர்களில் பலரை ஊக்குவித்தார், அவர்களில் சிலரையும் நாம் இன்று அறிந்து கொள்வோம். தகாஷி முரகாமியின் "துணை கலாச்சார" படைப்புகள் ஃபேஷன் மற்றும் கலை கலை சந்தைகளில் வழங்கப்படுகின்றன. அவரது ஆத்திரமூட்டும் மை லோன்சம் கவ்பாய் (1998) நியூயார்க்கில் 2008 இல் சோதேபியில் $15.2 மில்லியனுக்கு விற்கப்பட்டது. உலகப் புகழ்பெற்ற பிராண்டுகளான மார்க் ஜேக்கப்ஸ், லூயிஸ் உய்ட்டன் மற்றும் இஸ்ஸி மியாகே ஆகியோருடன் முரகாமி ஒத்துழைத்துள்ளார்.

டைகோ அசிமா மற்றும் அவரது சர்ரியல் பிரபஞ்சம்

கலை தயாரிப்பு நிறுவனமான கைகாய் கிகி மற்றும் சூப்பர்ஃப்ளாட் இயக்கத்தின் உறுப்பினர் (இரண்டும் தகாஷி முரகாமியால் நிறுவப்பட்டது), சிஹோ ஆஷிமா தனது கற்பனை நகரக் காட்சிகள் மற்றும் வித்தியாசமான பாப் உயிரினங்களுக்கு பெயர் பெற்றவர். கலைஞன் பேய்கள், பேய்கள், அயல்நாட்டு இயற்கையின் பின்னணியில் சித்தரிக்கப்பட்ட இளம் அழகானவர்கள் வசிக்கும் சர்ரியலிஸ்டிக் கனவுகளை உருவாக்குகிறார். அவரது படைப்புகள் பொதுவாக பெரிய அளவிலானவை மற்றும் காகிதம், தோல், பிளாஸ்டிக் ஆகியவற்றில் அச்சிடப்படுகின்றன. 2006 ஆம் ஆண்டில், இந்த சமகால ஜப்பானிய கலைஞர் லண்டனில் உள்ள அண்டர்கிரவுண்ட் கலையில் பங்கேற்றார். அவர் மேடையில் 17 தொடர்ச்சியான வளைவுகளை உருவாக்கினார் - மாயாஜால நிலப்பரப்பு படிப்படியாக பகலில் இருந்து இரவு வரை, நகர்ப்புறத்திலிருந்து கிராமத்திற்கு மாறியது. குளோசெஸ்டர் சாலை குழாய் நிலையத்தில் இந்த அதிசயம் மலர்ந்தது.

சிஹாரு ஷிமா மற்றும் எல்லையற்ற இழைகள்

மற்றொரு கலைஞரான சிஹாரு ஷியோட்டா, குறிப்பிட்ட அடையாளங்களுக்கான பெரிய அளவிலான காட்சி நிறுவல்களில் பணியாற்றி வருகிறார். அவர் ஒசாகாவில் பிறந்தார், ஆனால் இப்போது ஜெர்மனியில் - பெர்லினில் வசிக்கிறார். அவரது பணியின் மையக் கருப்பொருள்கள் மறதி மற்றும் நினைவகம், கனவுகள் மற்றும் யதார்த்தம், கடந்த கால மற்றும் நிகழ்காலம், மேலும் பதட்டத்தின் மோதல். சிஹாரு ஷியோட்டாவின் மிகவும் பிரபலமான படைப்புகள் கறுப்பு நூலின் ஊடுருவ முடியாத வலைகள் ஆகும், அவை பழைய நாற்காலிகள், திருமண ஆடைகள், எரிந்த பியானோ போன்ற பல அன்றாட மற்றும் தனிப்பட்ட பொருட்களை மூடுகின்றன. 2014 கோடையில், ஷியோட்டா தனக்கு நன்கொடையாக வழங்கப்பட்ட காலணிகள் மற்றும் பூட்ஸை (அதில் 300 க்கும் மேற்பட்டவை) சிவப்பு நூல் நூல்களுடன் இணைத்து அவற்றை கொக்கிகளில் தொங்கவிட்டாள். சிஹாருவின் முதல் கண்காட்சி ஜெர்மனியின் தலைநகரில் 2016 இல் பெர்லின் கலை வாரத்தின் போது நடத்தப்பட்டது மற்றும் ஒரு பரபரப்பை ஏற்படுத்தியது.

ஏய் அரகாவா: எல்லா இடங்களிலும், எங்கும் இல்லை

Ei Arakawa மாற்றத்தின் நிலைகள், உறுதியற்ற காலங்கள், ஆபத்து கூறுகள் ஆகியவற்றால் ஈர்க்கப்பட்டார், மேலும் அவரது நிறுவல்கள் பெரும்பாலும் நட்பு மற்றும் குழுப்பணியின் கருப்பொருளைக் குறிக்கின்றன. சமகால ஜப்பானிய கலைஞரின் நம்பிக்கையானது "எல்லா இடங்களிலும் ஆனால் எங்கும்" காலவரையற்ற செயல்திறன் மூலம் வரையறுக்கப்படுகிறது. அவரது படைப்புகள் எதிர்பாராத இடங்களில் தோன்றும். 2013 ஆம் ஆண்டில், அரகாவாவின் படைப்புகள் வெனிஸ் பைனாலே மற்றும் மோரி கலை அருங்காட்சியகத்தில் (டோக்கியோ) ஜப்பானிய சமகால கலை கண்காட்சியில் காட்சிக்கு வைக்கப்பட்டன. ஹவாய் பிரசன்ஸ் இன்ஸ்டாலேஷன் (2014) என்பது நியூயார்க்கை தளமாகக் கொண்ட கலைஞரான கரிசா ரோட்ரிக்ஸ் உடன் இணைந்து விட்னி பைனாலேயில் இடம்பெற்றது. மேலும் 2014 ஆம் ஆண்டில், அரகாவா மற்றும் அவரது சகோதரர் டோமு, யுனைடெட் பிரதர்ஸ் என்று அழைக்கப்படும் ஒரு டூயட் பாடலை நிகழ்த்தி, ஃபிரைஸ் லண்டனுக்கு அவர்களின் "வேலை" "தி திஸ் சூப் டேஸ்ட் ஆம்பிவலன்ட்" "கதிரியக்க" ஃபுகுஷிமா டைகான் வேர்களுடன் பார்வையாளர்களுக்கு வழங்கினர்.

கோகி டனகா: உறவு மற்றும் மீண்டும் மீண்டும்

2015 ஆம் ஆண்டில், கோகி தனகா ஆண்டின் சிறந்த கலைஞராக தேர்ந்தெடுக்கப்பட்டார். தனகா படைப்பாற்றல் மற்றும் கற்பனையின் பகிரப்பட்ட அனுபவத்தை ஆராய்கிறார், திட்ட பங்கேற்பாளர்களிடையே பரிமாற்றத்தை ஊக்குவிக்கிறார், மேலும் ஒத்துழைப்பிற்கான புதிய விதிகளை பரிந்துரைக்கிறார். 2013 வெனிஸ் பைனாலில் ஜப்பானிய பெவிலியனில் அவரது நிறுவல், கலைப் பரிமாற்றத்திற்கான ஒரு தளமாக விண்வெளியை மாற்றும் பொருட்களின் வீடியோக்களைக் கொண்டிருந்தது. கோகி தனகாவின் நிறுவல்கள் (அவரது முழுப் பெயரான நடிகருடன் குழப்பமடையக்கூடாது) பொருள்களுக்கும் செயல்களுக்கும் இடையிலான உறவை விளக்குகிறது, எடுத்துக்காட்டாக, வீடியோவில் சாதாரண பொருட்களால் செய்யப்பட்ட எளிய சைகைகளின் பதிவு உள்ளது (காய்கறிகளை வெட்டும் கத்தி, ஒரு கண்ணாடியில் பீர் ஊற்றப்படுகிறது, ஒரு குடையைத் திறப்பது). குறிப்பிடத்தக்க எதுவும் நடக்காது, ஆனால் வெறித்தனமான மறுபரிசீலனை மற்றும் சிறிய விவரங்களுக்கு கவனம் செலுத்துவது பார்வையாளரை சாதாரணமாக பாராட்ட வைக்கிறது.

மரிகோ மோரி மற்றும் நெறிப்படுத்தப்பட்ட வடிவங்கள்

மற்றொரு சமகால ஜப்பானிய கலைஞரான மரிகோ மோரி, வீடியோக்கள், புகைப்படங்கள், பொருள்களை இணைத்து மல்டிமீடியா பொருட்களை "கற்பிக்கிறார்". அவர் ஒரு குறைந்தபட்ச எதிர்கால பார்வை மற்றும் நேர்த்தியான, சர்ரியல் வடிவங்களைக் கொண்டுள்ளார். மௌரியின் படைப்புகளில் ஒரு தொடர்ச்சியான கருப்பொருள் மேற்கத்திய புராணக்கதைகளை மேற்கத்திய கலாச்சாரத்துடன் இணைப்பதாகும். 2010 ஆம் ஆண்டில், மரிகோ ஃபாவ் அறக்கட்டளையை நிறுவினார். மிக சமீபத்தில், அறக்கட்டளையின் நிரந்தர நிறுவல், தி ரிங்: ஒன் வித் நேச்சர், ரியோ டி ஜெனிரோவிற்கு அருகிலுள்ள ரெசெண்டேவில் உள்ள அழகிய நீர்வீழ்ச்சியின் மீது ஏற்றப்பட்டது.

ரியோஜி இகேடா: ஒலி மற்றும் வீடியோ தொகுப்பு

ரியோஜி இகேடா ஒரு புதிய மீடியா கலைஞர் மற்றும் இசையமைப்பாளர் ஆவார், அதன் பணி முக்கியமாக வெவ்வேறு "மூல" நிலைகளில் ஒலியுடன் தொடர்புடையது, சைனூசாய்டல் ஒலிகள் முதல் மனித செவிப்புலன் விளிம்பில் அதிர்வெண்களைப் பயன்படுத்தும் சத்தங்கள் வரை. அவரது மூச்சடைக்கக்கூடிய நிறுவல்களில் கணினியால் உருவாக்கப்பட்ட ஒலிகள் பார்வைக்கு வீடியோ கணிப்புகள் அல்லது டிஜிட்டல் டெம்ப்ளேட்களாக மாற்றப்படுகின்றன. Ikeda இன் ஆடியோவிஷுவல் கலைப் பொருட்கள் அளவு, ஒளி, நிழல், தொகுதி, மின்னணு ஒலிகள் மற்றும் ரிதம் ஆகியவற்றைப் பயன்படுத்துகின்றன. கலைஞரின் புகழ்பெற்ற சோதனைப் பொருள் 28 மீட்டர் நீளமும் 8 மீட்டர் அகலமும் கொண்ட ஒரு பகுதியை ஒளிரச் செய்யும் ஐந்து ப்ரொஜெக்டர்களைக் கொண்டுள்ளது. அலகு தரவுகளை (உரை, ஒலிகள், புகைப்படங்கள் மற்றும் திரைப்படங்கள்) பார்கோடு மற்றும் பூஜ்ஜியங்கள் மற்றும் ஒன்றின் பைனரி வடிவங்களாக மாற்றுகிறது.

Tatsuo Miyajima மற்றும் LED கவுண்டர்கள்

நவீன ஜப்பானிய சிற்பி மற்றும் மாண்டேஜ் கலைஞரான டாட்சுவோ மியாஜிமா தனது கலையில் மின்சுற்றுகள், வீடியோக்கள், கணினிகள் மற்றும் பிற கேஜெட்களைப் பயன்படுத்துகிறார். மியாஜிமாவின் முக்கிய கருத்துக்கள் மனிதநேய கருத்துக்கள் மற்றும் புத்த போதனைகளால் ஈர்க்கப்பட்டுள்ளன. அவரது அமைப்பில் எல்இடி கவுண்டர்கள் 1 முதல் 9 வரை மீண்டும் மீண்டும் ஒளிரும், இது வாழ்க்கையிலிருந்து இறப்புக்கான பயணத்தை குறிக்கிறது, ஆனால் 0 ஆல் குறிக்கப்படும் இறுதித் தன்மையைத் தவிர்க்கிறது (டாட்சுவோவின் வேலையில் பூஜ்யம் ஒருபோதும் தோன்றாது). கட்டங்கள், கோபுரங்கள் மற்றும் வரைபடங்களில் உள்ள எங்கும் நிறைந்த எண்கள், தொடர்ச்சி, நித்தியம், இணைப்பு மற்றும் நேரம் மற்றும் இடத்தின் ஓட்டம் பற்றிய கருத்துக்களில் மியாஜிமாவின் ஆர்வத்தை வெளிப்படுத்துகின்றன. மிக நீண்ட காலத்திற்கு முன்பு, மியாஜிமாவின் ஆரோ ஆஃப் டைம் பொருள் "நியூயார்க்கில் காணக்கூடிய முழுமையற்ற எண்ணங்கள்" தொடக்க கண்காட்சியில் காட்டப்பட்டது.

நாரா யோஷிமோடோ மற்றும் தீய குழந்தைகள்

நாரா யோஷிமோடோ குழந்தைகள் மற்றும் நாய்களின் ஓவியங்கள், சிற்பங்கள் மற்றும் வரைபடங்களை உருவாக்குகிறார், குழந்தைத்தனமான சலிப்பு மற்றும் விரக்தியின் உணர்வையும், சிறு குழந்தைகளுக்கு இயற்கையாக வரும் கடுமையான சுதந்திரத்தையும் பிரதிபலிக்கும் பாடங்கள். யோஷிமோட்டோவின் படைப்புகளின் அழகியல் பாரம்பரிய புத்தக விளக்கப்படங்கள், அமைதியற்ற பதற்றம் மற்றும் கலைஞரின் பங்க் ராக் மீதான காதல் ஆகியவற்றின் கலவையை நினைவூட்டுகிறது. 2011 ஆம் ஆண்டில், நியூயார்க்கில் உள்ள ஏசியன் சொசைட்டி மியூசியம், சமகால ஜப்பானிய கலைஞரின் 20 ஆண்டுகால வாழ்க்கையை உள்ளடக்கிய "யோஷிடோமோ நாரா: யாரும் முட்டாள்" என்ற தலைப்பில் யோஷிடோமோவின் முதல் தனி கண்காட்சியை நடத்தியது.கண்காட்சிகள் உலக இளைஞர்களின் துணை கலாச்சாரங்கள், அவர்களின் அந்நியப்படுதல் மற்றும் எதிர்ப்பு ஆகியவற்றுடன் நெருக்கமாக இணைக்கப்பட்டுள்ளன. .

யாயோய் குசாமா மற்றும் அயல்நாட்டு வடிவங்களுடன் வளரும் இடம்

ஏழு தசாப்தங்களாக யாயோய் குசாமாவின் அற்புதமான படைப்பு வாழ்க்கை வரலாறு. இந்த நேரத்தில், ஒரு அற்புதமான ஜப்பானிய பெண் ஓவியம், கிராபிக்ஸ், படத்தொகுப்பு, சிற்பம், சினிமா, வேலைப்பாடு, சுற்றுச்சூழல் கலை, நிறுவல், அத்துடன் இலக்கியம், ஃபேஷன் மற்றும் ஆடை வடிவமைப்பு ஆகிய துறைகளைப் படிக்க முடிந்தது. குசாமா டாட் கலையின் மிகவும் தனித்துவமான பாணியை உருவாக்கினார், அது அவரது வர்த்தக முத்திரையாக மாறியது. 88 வயதான குசாமாவின் படைப்புகளில் முன்வைக்கப்படும் மாயையான தரிசனங்கள் - உலகம் அயல்நாட்டு பெருகும் வடிவங்களால் மூடப்பட்டிருப்பதாகத் தோன்றும்போது - அவள் குழந்தை பருவத்திலிருந்தே அனுபவித்த பிரமைகளின் விளைவு. வண்ணமயமான புள்ளிகளைக் கொண்ட அறைகள் மற்றும் அவற்றின் குவிப்புகளை பிரதிபலிக்கும் "முடிவற்ற" கண்ணாடிகள் அடையாளம் காணக்கூடியவை, அவற்றை வேறு எதையும் குழப்ப முடியாது.

ததாசு தகமினே. "காட் சேவ் அமெரிக்கா", 2002. வீடியோ (8 நிமி. 18 நொடி.)

இரட்டைக் கண்ணோட்டம்: ஜப்பானிய சமகால கலை
கியூரேட்டர்கள் எலெனா யாய்ச்னிகோவா மற்றும் கென்ஜிரோ ஹோசாகா

பகுதி ஒன்று: "யதார்த்தம்/சாதாரண உலகம்".மாஸ்கோ நவீன கலை அருங்காட்சியகம், மலைகள். மாஸ்கோ, எர்மோலேவ்ஸ்கி லேன், 17
பாகம் இரண்டு: "கற்பனை உலகம்/கற்பனை".மாஸ்கோ நவீன கலை அருங்காட்சியகம், மலைகள். மாஸ்கோ, கோகோலெவ்ஸ்கி பவுல்வர்டு, 10

மாஸ்கோ மியூசியம் ஆஃப் மாடர்ன் ஆர்ட், ஜப்பான் அறக்கட்டளையுடன் இணைந்து, சமகால ஜப்பானிய கலைஞர்களுடன் பொது மக்களுக்கு அறிமுகப்படுத்த வடிவமைக்கப்பட்ட "இரட்டைக் கண்ணோட்டம்: ஜப்பானிய சமகால கலை" கண்காட்சியை வழங்குகிறது.
இரட்டைக் கண்ணோட்டம் என்பது வெவ்வேறு நாடுகளைச் சேர்ந்த இரண்டு கண்காணிப்பாளர்கள், இரண்டு அருங்காட்சியகத் தளங்கள் மற்றும் இரண்டு பகுதி திட்ட அமைப்பு. Elena Yaichnikova மற்றும் Kenjiro Hosaka ஆகியோரால் தொகுக்கப்பட்ட இந்த கண்காட்சியானது 1970 களில் இருந்து தற்போது வரை பணியாற்றிய பல்வேறு பாணிகளில் 30 க்கும் மேற்பட்ட கலைஞர்களின் படைப்புகளை ஒன்றிணைக்கிறது. இந்த திட்டம் இரண்டு பகுதிகளைக் கொண்டுள்ளது - "உண்மையான உலகம் / அன்றாட வாழ்க்கை" மற்றும் "கற்பனை உலகம் / கற்பனைகள்" - இவை 17 எர்மோலேவ்ஸ்கி லேன் மற்றும் 10 கோகோலெவ்ஸ்கி பவுல்வர்டில் உள்ள அருங்காட்சியக மைதானத்தில் அமைந்துள்ளன.

பகுதி ஒன்று: "எதார்த்தம்/சாதாரண உலகம்"

"ரியல் வேர்ல்ட்/எவ்ரிடே" என்ற கண்காட்சியின் முதல் பகுதி, 20 ஆம் நூற்றாண்டின் உலக வரலாற்றின் (யசுமாசா மோரிமுரா, யோஷினோரி நிவா மற்றும் யுகென் டெருயா) நவீன கட்டமைப்பின் பிரதிபலிப்புகள் மூலம் நம்மைச் சுற்றியுள்ள உலகத்தைப் பற்றிய ஜப்பானிய கலைஞர்களின் பார்வையை வழங்குகிறது. சமூகம் (டம்ப் டைப் மற்றும் தடாசு தகாமைன்), நகர்ப்புற இடத்துடனான தொடர்பு (கோன்சோ மற்றும் சிம்போம்) மற்றும் அன்றாட வாழ்வில் கவிதைக்கான தேடல் (ஷிமாபுகு, சுயோஷி ஓசாவா, கோஹெய் கோபயாஷி மற்றும் டெட்சுயா உமேடா). யசுமாசா மொரிமுரா வீடியோ படைப்புகளின் தொடரில் "ரெக்விம்" பல்வேறு வரலாற்று கதாபாத்திரங்களாக மாறுகிறார்: சாப்ளின், எழுத்தாளர் யுகியோ மிஷிமா மற்றும் லெனின் - மற்றும் அவர்களின் வாழ்க்கையிலிருந்து அத்தியாயங்களை மீண்டும் உருவாக்குகிறார். மற்றொரு திட்ட பங்கேற்பாளர், டெட்சுயா உமேடா, மேம்பட்ட வழிமுறைகள், சாதாரண விஷயங்களிலிருந்து நிறுவல்களை உருவாக்குகிறார் - இதனால், மிகவும் சாதாரணமான அன்றாட வாழ்க்கை கலையாகிறது. கண்காட்சியில் யோகோ ஓனோவின் படைப்புகள் இடம்பெறும் - 1965 மற்றும் 2003 இன் பதிப்பில் பிரபலமான "கட் பீஸ்" மற்றும் ஒலி நிறுவல் "இருமல் துண்டு" (1961). மேற்கத்திய நவீனத்துவத்திற்கு ஜப்பானிய மாற்றீட்டை வழங்கிய மோனோ-ஹா இயக்கத்தின் (மோனோ-ஹா, "ஸ்கூல் ஆஃப் திங்ஸ்" என மொழிபெயர்க்கப்பட்டுள்ளது) மையப் பிரதிநிதிகளில் ஒருவரான கிஷியோ சுகாவின் படைப்புகளை கண்காட்சி முன்வைக்கும். புகைப்படப் பிரிவு தோஷியோ ஷிபாடா, தகாஷி ஹோம்மா மற்றும் லியேகோ ஷிகா ஆகியோரின் படைப்புகளை வழங்கும்.

யாயோய் குசமா. "நான் இங்கே இருக்கிறேன் ஆனால் எங்கும் இல்லை", 2000. கலப்பு ஊடகம். Maison de la culture du Japon, Paris இல் நிறுவல்.
ஆசிரியரின் தொகுப்பு

திட்டத்தின் இரண்டாம் பாகத்தை உருவாக்கும் படைப்புகள், நிஜ வாழ்க்கையில் நாம் காண முடியாத அனைத்தும், அதன் எல்லைகளுக்கு அப்பாற்பட்ட அனைத்தும் இருக்கும் ஒரு இலவச, கற்பனை உலகத்தை பொதுமக்களுக்கு வழங்கும். கண்காட்சியின் இந்த பகுதியின் கலைஞர்களின் படைப்புகள் ஜப்பானிய பாப் கலாச்சாரம், கற்பனை உலகம், அப்பாவித்தனம், தொன்மங்கள் மற்றும் உலகின் அண்டவியல் கட்டமைப்பைப் பற்றிய பிரதிபலிப்புகளைக் குறிக்கின்றன. கண்காட்சியின் ஒவ்வொரு பங்கேற்பாளரும் தனது சொந்த அர்த்தத்தை "கற்பனை" என்ற கருத்தில் வைக்கிறார்கள். எனவே கலைஞர் தடானோரி யோகூ, கற்பனை உலகத்துடனான தனது உறவில், காணாமல் போவதை அல்லது "சுய-காணாமல் போவதை" தனது படைப்புகளின் முக்கிய கருப்பொருளாக ஆக்குகிறார். யயோய் குசாமாவின் படைப்பிலும் இதேபோன்ற மையக்கருத்தைக் காணலாம்: அவளுடைய கற்பனைகளை யதார்த்தமாக வெளிப்படுத்துவதன் மூலம், அவள் வினோதமான வடிவங்கள் நிறைந்த உலகத்தை உருவாக்குகிறாள். புகுஷிமா -1 அணுமின் நிலையத்தில் வெடிப்பு ஏற்பட்ட பயங்கரமான நேரத்தில் கென்ஜி யானோபேவின் "சூரியனின் குழந்தை" (2011) என்ற மாபெரும் சிற்பம் உருவாக்கப்பட்டது. அவரது நினைவுச்சின்னமான பொருள் கற்பனைகளின் குறுக்குவெட்டு புள்ளியாக மாறுகிறது. உண்மையான எல்லையில் அனுபவிக்கும் அனுபவம் ஒரு புதிய உலகத்தை உருவாக்குவதற்கான உந்துதலாக மாறும் என்பதை கலைஞர் புரிந்துகொள்கிறார். கற்பனை உலகம்/பேண்டஸி பகுதி யோஷிடோமோ நாரா, தகாஷி முரகாமி, மகோடோ ஐடா, ஹிராகி சாவா மற்றும் பலரின் படைப்புகளையும் கொண்டுள்ளது.
சில படைப்புகள் கண்காட்சிக்காகவே உருவாக்கப்பட்டன. கலைஞர் யோஷினோரி நிவா தனது திட்டத்திற்காக மாஸ்கோவிற்கு வந்தார் “விளாடிமிர் லெனின் மாஸ்கோ அடுக்குமாடி குடியிருப்பில் தேவை” (2012) மஸ்கோவியர்களின் அடுக்குமாடி குடியிருப்புகளில் புரட்சியாளரின் ஆளுமை தொடர்பான கலைப்பொருட்களைக் கண்டுபிடிப்பதற்காக. அவரது படைப்புகள் மாஸ்கோவைச் சுற்றி அவரது தேடல்கள் மற்றும் பயணங்களின் வீடியோ ஆவணமாகும். கலைஞர் டெட்சுயா உமேடா, அவரது படைப்புகள் இரண்டு இடங்களில் ஒரே நேரத்தில் வழங்கப்படும், தளத்தில் தனது நிறுவல்களை உணர மாஸ்கோவிற்கு வருவார்.
இந்த இரண்டும், முதல் பார்வையில், கண்காட்சியின் ஒப்பிடமுடியாத பகுதிகள் ஜப்பானிய கலையின் இரண்டு துருவங்களைக் காட்ட வடிவமைக்கப்பட்டுள்ளன, அவை உண்மையில் ஒருவருக்கொருவர் பிரிக்க முடியாதவை.
கண்காட்சியின் கட்டமைப்பிற்குள், திட்ட பங்கேற்பாளர்களுடன் திறந்த மாஸ்டர் வகுப்புகள் மற்றும் ஆக்கபூர்வமான சந்திப்புகளை நடத்தவும் திட்டமிடப்பட்டுள்ளது. ஜப்பானிய கண்காணிப்பாளர் கென்ஜிரோ ஹோசாகா மற்றும் கலைஞர் கென்ஜி யானோபே ஆகியோரின் விரிவுரைகள் இருக்கும். ரஷ்யாவைப் பொறுத்தவரை, இந்த கண்காட்சி முதன்முறையாக சமகால ஜப்பானிய கலையை அத்தகைய அளவில் வழங்குகிறது.

யோஷிதோமோ நர. "கேண்டி-ப்ளூ நைட்", 2001. 1166.5 x 100 செ.மீ. கேன்வாஸில் அக்ரிலிக்
புகைப்படம்: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Space of Separation", 1975. கிளைகள் மற்றும் கான்கிரீட் தொகுதிகள். 184 x 240 x 460 செ.மீ
புகைப்படம்: Yoshitaka Uchida

கென்ஜி யானோபே. "சூரியனின் குழந்தை", 2011. கண்ணாடியிழை, எஃகு, நியான் போன்றவை. 620 x 444 x 263 செ.மீ. Ezpo"70 என்ற நினைவு பூங்காவில் நிறுவல்
புகைப்படம்: தாமஸ் ஸ்வாப்

உலகெங்கிலும் வளர்ந்து வரும் தொழில்நுட்பங்களின் நாடாக ஜப்பான் கருதப்பட்டாலும், சமகால சமகால கலை பாரம்பரியத்துடன் உறவுகளை முறித்துக் கொள்ள அவசரப்படவில்லை. கண்காட்சி “மோனோ நோ அவேர். தி சார்ம் ஆஃப் திங்ஸ்” பிளாஸ்டிக் யுகத்தில் மனித நிலையைப் பற்றிய சோகக் கதை.

மோனோ நோ அவேர் - ஜப்பனீஸ் கலாச்சாரத்தின் ஒரு அழகியல் கொள்கை பண்பு, இது கண்காட்சிக்கு பெயர் கொடுத்தது, பொருள்களின் சோகமான வசீகரம், விஷயங்கள் மற்றும் நிகழ்வுகளின் வெளிப்படையான மற்றும் மறைமுகமான அழகில் ஈர்க்கும் உணர்வு, காரணமற்ற சோகத்தின் கட்டாய நிழலுடன். காணக்கூடிய எல்லாவற்றின் மாயை மற்றும் பலவீனத்தின் உணர்வால். இது பாரம்பரிய ஜப்பானிய மதமான ஷின்டோயிசத்துடன் பிரிக்கமுடியாத வகையில் இணைக்கப்பட்டுள்ளது. ஷின்டோயிஸ்டுகள் அனைத்தும் ஆன்மீக சாரமான "காமி" உடையவை என்று நம்புகிறார்கள். இது எந்த பொருளிலும் உள்ளது: மரத்திலும் கல்லிலும். "காமி" அழியாதது மற்றும் வாழ்க்கை மற்றும் இறப்பு சுழற்சியில் சேர்க்கப்பட்டுள்ளது, இதன் மூலம் உலகில் உள்ள அனைத்தும் தொடர்ந்து புதுப்பிக்கப்படுகின்றன.

சமகால கலை ஒரு சர்வதேச மொழியைப் பேசுகிறது என்றாலும், இந்த கண்காட்சியில் வழங்கப்பட்ட ஜப்பானிய சமகால கலை அவர்களின் மரபுகளின் கண்ணோட்டத்தில் சிறப்பாகப் பார்க்கப்படுகிறது.

கலைஞர் ஹிராகி சாவாவின் அறிமுக நிறுவல் ஒரு முழு அறையையும் எடுத்துக் கொண்டது, மேலும் இது ஒரு நிழல் தியேட்டர் ஆகும், அங்கு நடிகர்கள் வீட்டுப் பாத்திரங்கள். இது குழந்தைகள் ரயில்வே கொள்கையின் அடிப்படையில் கட்டப்பட்டது. கலைஞரால் உருவாக்கப்பட்ட நிலப்பரப்பு வழியாக ஒளிரும் விளக்கு கொண்ட ஒரு ரயில் செல்கிறது, ஒளியின் கதிர், விஷயங்களின் மைக்ரோ உலகில் இருந்து ஒரு மேக்ரோ உலகத்தைப் பெற்றெடுக்கிறது. இப்போது இது ஒரு பிர்ச் தோப்பு, மற்றும் செங்குத்தாக நிற்கும் பென்சில்கள் அல்ல; மற்றும் இவை வயல்களில் உள்ள மின் கம்பிகள், மற்றும் துணிகளை தொங்கவிடவில்லை; மற்றும் கைப்பிடிகள் கொண்ட ஒரு தலைகீழ் பிளாஸ்டிக் பேசின் ஒரு சுரங்கப்பாதை. இந்த வேலை "உள்ளே" என்று அழைக்கப்படுகிறது, இது முன்பு வெனிஸ் பைனாலில் காட்டப்பட்டது.

ஷினிஷிரோ கானோவின் ஓவியத்தை பழமையான சர்ரியலிசம் என்று அழைக்கலாம். கானோவின் ஸ்டில் லைஃப், ஒரு கூடைப்பந்து, பூமி கிரகம் மற்றும் பழங்கள் ஒரு தட்டில் உள்ளன.

ஓவியத்தில் எந்த ஓவியமும் இல்லை, ஆனால் எண்ணெயில் வரையப்பட்ட ஒரு சட்டகம் மட்டுமே. ஒரு கேன்வாஸில், சிவப்பு கிமோனோவில் ஒரு தெய்வத்தின் உருவம், மற்றொன்றில் ஒரு கொக்கியில் தொங்கவிடப்பட்ட சிவப்பு துண்டுடன் இணைக்கப்பட்டுள்ளது. இந்த சித்திரத் தொடர் உலகின் மாயையான தன்மையைப் பற்றியது அல்லவா? அல்லது ஒவ்வொரு பொருளுக்கும் ஒரு காமி இருக்கலாம்.

மசாயா சிபாவின் ஓவியத்தில், ஒரு அழகான காட்டின் பின்னணியில், இரண்டு உருவங்கள் உள்ளன: மானுடவியல் உயிரினங்கள் வெள்ளை நிறத்தில் இருந்து சிதைந்து, ஒரு ஆணும் பெண்ணும் போலவே இருக்கும். அவை ஓரியண்டல் நாடக பொம்மைகள் போன்ற குச்சிகளில் பொருத்தப்பட்டுள்ளன. பொருள் மரணமானது, அது ஒரு ஷெல் மட்டுமே - ஆசிரியர் நமக்குச் சொல்ல விரும்புவது போல. அவரது மற்ற ஓவியப் படைப்பான "ஸ்லீப்பிங் மேன்" இதே போன்றது. படத்தில் யாரும் இல்லை, ஒட்டோமானில் ஒரு சில விஷயங்கள் மட்டுமே உள்ளன: பழைய புகைப்படங்கள் மற்றும் அஞ்சல் அட்டைகள், வளர்ந்த கற்றாழை, கையுறைகள், பிடித்த நாடாக்கள், மசாலா ஜாடி மற்றும் கருவிகளின் தொகுப்பு.

கலைஞர் டெப்பெய் கனுஜி அதே கொள்கையின்படி தனது நபரை "சிற்பங்கள்" (கட்டமைக்கப்பட்ட பொருள்) செய்கிறார்: அவர் வீட்டு குப்பைகளை ஒரு மானுடவியல் உயிரினத்தின் வடிவத்தில் ஒட்டுகிறார் மற்றும் அதை வெள்ளை வண்ணப்பூச்சுடன் மூடுகிறார்.

ஒரு பெரிய மண்டலா தரையில் உப்பு வரிசையாக உள்ளது; இது ஜப்பானின் பாரம்பரிய கோவில் சடங்கு, இது வெளிப்படையாக பௌத்தத்தில் இருந்து வருகிறது. அத்தகைய நகை ஒரு தளம் அல்லது ஒரு மர்மமான நிலத்தின் வரைபடத்தின் ஆவியைப் பிடிக்கிறது, மேலும் அருங்காட்சியகத்தில் காற்று இல்லாதது எவ்வளவு நல்லது. இந்த நிறுவல் தனித்துவமானது, கலைஞர் அதை அருங்காட்சியகத்தின் சுவர்களுக்குள் பல நாட்கள் செய்தார். ஒரு சுவாரஸ்யமான ஜப்பானிய பாரம்பரியமும் உள்ளது: சண்டைக்கு முன், சுமோ மல்யுத்த வீரர்கள் தரையில் உப்பு தூவினர்.

ஹிரோகி மொரிட்டாவின் நிறுவல் "எவியனிலிருந்து வோல்விக் வரை" ஜப்பானுக்கு ஒரு சுவாரஸ்யமான சமகால தலைப்பைத் திறக்கிறது - பிளாஸ்டிக் மறுசுழற்சி. கண்ணாடி அலமாரியில் ஒரு பாட்டில் ஈவியன் தண்ணீர் உள்ளது, அதிலிருந்து வரும் நிழல் தரையில் நிற்கும் மற்றொரு வோல்விக் பாட்டிலின் கழுத்தில் சரியாக விழுகிறது. பாட்டிலில் இருந்து பாட்டிலுக்கு தண்ணீர் கொட்டுவது போன்ற மாயையை உருவாக்குகிறது. முதல் பார்வையில் அபத்தம். ஜப்பானியர்களைப் பொறுத்தவரை, இந்த கருத்தியல் வேலை "காமி" புழக்கத்தை அடையாளப்படுத்துகிறது, அதாவது ஆன்மீக சாரம், ஆனால் நேரடி அர்த்தத்தில் மறுசுழற்சி கொள்கை - மறுசுழற்சி செய்யக்கூடிய பொருட்களின் மறுசுழற்சி. ஒரு தீவு நாடாக, பிளாஸ்டிக் கழிவுகளை எவ்வாறு சேகரிப்பது, வரிசைப்படுத்துவது மற்றும் மறுசுழற்சி செய்வது எப்படி என்பதை முதலில் கற்றுக்கொண்ட நாடுகளில் ஜப்பானும் ஒன்று. இதன் விளைவாக வரும் பொருட்களிலிருந்து, புதிய பாட்டில்கள் மற்றும் ஸ்னீக்கர்கள் மட்டும் மீண்டும் உற்பத்தி செய்யப்படுகின்றன, ஆனால் செயற்கை தீவுகள் கூட உருவாக்கப்படுகின்றன.

Teppei Kuneuji இன் நிறுவல் முதல் பார்வையில் குப்பை வரிசைப்படுத்தும் நிலையத்தை ஒத்திருக்கிறது. பிளாஸ்டிக் பொருள்கள் வெவ்வேறு வரிசைகளில் இங்கு அமைக்கப்பட்டுள்ளன: ஸ்கூப்கள், அச்சுகள், பல்வேறு பொம்மைகள், ஹேங்கர்கள், வண்ண பல் துலக்குதல், குழல்களை, கண்ணாடிகள் மற்றும் பிற. வெள்ளைப் பொடியைத் தூவி, அவர்கள் நித்தியமாக இங்கே கிடக்கிறார்கள் என்று தெரிகிறது. இந்த பழக்கமான பொருள்களின் நடுவே நீங்கள் நடக்கும்போது, ​​ஆனால் இப்போது பயன்படுத்தப்படாமல், அவை ஏற்கனவே பிரிக்கப்பட்டிருப்பதை நினைத்துப் பார்க்கும்போது, ​​ஒரு பாறைத் தோட்டத்தில் தியானம் செய்வது போன்ற உணர்வை ஒருவர் பெறுகிறார். அவரது புகைப்பட படத்தொகுப்புகளில், டெப்பே குனேயுஜி "மன ரீதியாக" கட்டுமான குப்பைகளிலிருந்து கோபுரங்களை உருவாக்குகிறார். ஆனால் இவை கலை இரட்டையர்களான ஃபிஷ்லி மற்றும் வெயிஸ் போன்ற இயக்கச் சங்கிலிகள் அல்ல, ஆனால் ஒரு பௌத்த புனித கட்டிடம் போன்றது, அதில் கல் பிணைப்பு இல்லாமல் கல்லில் தங்கியுள்ளது.

கலைஞரான சுதா யோஷிஹிரோ, மொய்காவைக் கண்டும் காணும் அருங்காட்சியக ஜன்னலில் உள்ள பலகங்களுக்கு இடையில் ஒரு உதிர்ந்த இதழுடன் திறமையாக செய்யப்பட்ட மரத்தாலான இளஞ்சிவப்பு ரோஜாவை வைத்தார். அருங்காட்சியகத்தில் இந்த மிக நுட்பமான மற்றும் கவிதைத் தலையீட்டைப் பார்த்து, ஹைக்கூ வகையிலான ஜப்பானிய வசனங்களில் பேசத் தொடங்க விரும்புகிறேன்: "குளிர்காலம். அருங்காட்சியகத்தில் ஒரு ரோஜா கூட என்றென்றும் பூக்கும்.

ஒனிஷி யசுகியின் மற்றொரு குறைவான கவிதைப் படைப்பான தி ஆப்போசிட் ஆஃப் வால்யூம் இடைக்கால ஓவியரும் ஜென் துறவியுமான டோயோ சேஷுவின் வேலையைக் குறிக்கிறது. இந்த ஜப்பானிய கிளாசிக் சீன மோனோக்ரோம் மை வரைபடத்தை ரைசிங் சன் நிலத்திற்கு கொண்டு வருவதில் பிரபலமானது.

Yasuaki இன் நிறுவல் என்பது ஒரு சாம்பல் நிற பாலிஎதிலீன் முப்பரிமாண நிழற்படமாகும், அதில் உறைந்த திரவ பிளாஸ்டிக் ஜெட் விமானங்கள் (மழை போன்றவை) கூரையிலிருந்து விழுகின்றன. டோயோ சேஷுவின் ஒரே வண்ணமுடைய ஓவியத்தைப் போல, மழையின் கீழ் ஒரு "வெற்று" மலையை உருவாக்க, கலைஞர் பெட்டிகளுக்கு வெளியே ஒரு மலையை உருவாக்கி, மெல்லிய பாலிஎதிலின்களால் மூடி, பின்னர் சூடான பிளாஸ்டிக்கை சொட்ட வேண்டும் என்று வதந்தி உள்ளது. கூரை.

இறுதியாக, கெங்கோ கிட்டோ நிறுவல்: ஒலிம்பிக் போட்டிகளுக்காக ரஷ்யாவிற்கு கொண்டு வரப்பட்ட "ஜப்பானிய வாழ்த்துக்கள்" என்பது போல் கீழே தொங்கும் வண்ண பிளாஸ்டிக் விளையாட்டு வளையங்களின் மாலைகள். "தி சார்ம் ஆஃப் திங்ஸ்" என்ற கண்காட்சியானது, ஜப்பானிய கலைஞர்கள் சுற்றுச்சூழல் மட்டுமல்ல, ஆன்மீகப் பிரச்சினைகளையும் தொடும் பொருளாக பிளாஸ்டிக்கைப் பயன்படுத்துகிறது என்பது ஆர்வமாக உள்ளது.