Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Dmitry Ulyanov nagtapos mula sa Ural Conservatory sa ilalim ng Propesor V. Yu. Pisarev at sa parehong taon ay natanggap ang Grand Prix sa I International Vocal Competition sa ilalim ng tangkilik ng UNESCO sa Kazakhstan (2000).

Dmitry Ulyanov nagtapos mula sa Ural Conservatory sa ilalim ng Propesor V. Yu. Pisarev at sa parehong taon ay natanggap ang Grand Prix sa I International Vocal Competition sa ilalim ng tangkilik ng UNESCO sa Kazakhstan (2000).

Noong 1997 siya ay naging soloista sa Yekaterinburg Opera at Ballet Theatre, at makalipas ang isang taon sa Moscow Novaya Opera Theater na pinangalanang E. V. Kolobov. Mula noong 2000 siya ay naging soloista ng Moscow Academic Musical Theater na pinangalanang K. S. Stanislavsky at V. I. Nemirovich-Danchenko, sa entablado kung saan gumaganap siya ng mga nangungunang tungkulin: Don Giovanni sa opera ng parehong pangalan, Don Basilio sa The Barber of Seville , Ramfis sa Aida , Collen sa "La Boheme", Herman sa "Tannhäuser", Gremin sa "Eugene Onegin", Gudal sa "Demon", Head sa "May Night", Ivan Khovansky sa "Khovanshchina", Kutuzov sa "War and Kapayapaan" at iba pang mga tungkulin . Bilang bahagi ng theater troupe, naglibot siya sa maraming lungsod ng Russia, gayundin sa Germany, Italy, Latvia, Estonia, China, South Korea, USA, at Cyprus.

Mula noong 2009 si Dmitry Ulyanov ay naging guest soloist ng Bolshoi Theatre, kung saan ginawa niya ang kanyang debut bilang Doctor sa opera na Wozzeck (direktor D. Chernyakov, conductor T. Currentzis). Noong 2014, ginanap niya dito ang mga bahagi ng Escamillo sa Carmen at Philip II sa Don Carlos, noong 2016 - si Boris Timofeevich sa Katerina Izmailova. Nakikipagtulungan din ang artista sa mga sinehan sa St. Petersburg, Novosibirsk, Perm, Cheboksary.

Ang internasyonal na karera ng mang-aawit ay aktibong umuunlad: ang Bastille Opera, ang National Rhine Opera, ang Capitol Theater ng Toulouse, ang Flemish Opera, ang National Opera ng Netherlands, ang Royal Theater sa Madrid at ang Maestrans sa Seville, ang Liceo Grand Teatro sa Barcelona, ​​​​ang Israeli Opera, ang Bagong Pambansang Teatro Tokyo, mga teatro ng opera ng Lyon, Basel, Monte Carlo, Bilbao, Cagliari, Marseille - ang listahan ng mga nangungunang opera house ay lumalaki bawat taon. Gumaganap siya sa mga pagdiriwang sa A Coruña at Aix-en-Provence; nakikipagtulungan sa mga konduktor na sina Ivor Bolton, Martin Brabbins, Juraj Valchukha, Laurent Campellone, Kirill Karabits, Stanislav Kochanovsky, Cornelius Meister, Tomas Netopil, Daniel Oren, Renato Palumbo, Ainars Rubikis, Giacomo Sagripanti, Mikhail Tatarnikov, Giuseppe Finzi, Han Pedro Halfter , Simone Young, Maris Jansons; kasama ang mga direktor na sina Vasily Barkhatov, Jean-Louis Grinda, Carolina Grubber, José Antonio Gutiérrez, Tatiana Gurbacha, Peter Konwitschny, Andreas Krigenburg, Eridan Noble, David Pountney, Laurent Peli, Emilio Sagi, Peter Sellars.

Kasama sa repertoire ng artist ang mga pangunahing bahagi sa mga opera ni Verdi (Macbeth, Don Carlos, Rigoletto, Sicilian Vespers); Wagner ("Valkyrie", "Tannhäuser", "Flying Dutchman"); sa French na "grand operas" ("The Jewess" ni Halévy, "Huguenots" ni Meyerbeer), sa mga opera ng Russian composers ("Boris Godunov", "Iolanthe", "The Golden Cockerel", "The Gambler").

Si Dmitry Ulyanov ay aktibong nagbibigay ng mga konsyerto, nakikipagtulungan sa Estado Capella - ang koro na pinangalanang A. Yurlov at ang symphony sa ilalim ng direksyon ni V. Polyansky.

Sa 2017/18 season, ginawa ng mang-aawit ang kanyang debut bilang Boris Godunov sa Bolshoi; siya ay gumanap ng Attila sa unang pagkakataon sa Opera Live festival sa Tchaikovsky Hall sa Moscow at ang Verdi festival sa Concert Hall ng Lyon. Mayroon ding mga debut sa Salzburg Festival, sa mga yugto ng Neapolitan San Carlo Theater at Vienna Opera.

Noong 2018/19, gumaganap si D. Ulyanov sa mga bagong produksyon ng mga opera Lady Macbeth ng Mtsensk District sa Paris National Opera at Opera Bastille (conductor - Ingo Metzmacher, direktor - Krzysztof Warlikowski), The Barber of Seville sa Bolshoi Theater ( konduktor - Pier Giorgio Morandi, direktor - Evgeny Pisarev); sa entablado ng Amsterdam Konsergebouw siya ay gumaganap ng Mussorgsky's Songs and Dances of Death, at sa National Center for the Performing Arts sa Beijing siya ay kumanta sa opera Tales of Hoffmann.

Dalawang beses na hinirang ang artist para sa Golden Mask Award sa kategoryang Best Actor in Opera. Noong 2016, siya ay iginawad sa Casta Diva Russian Opera Prize para sa kanyang pagganap sa bahagi ni Ivan Khovansky.

Bago ang personal na kakilala sa lalaking si Dmitry Ulyanov, siyempre, pamilyar na ako sa kanyang boses, narinig ko ito nang maraming beses sa teatro at, siyempre, sinuri, tulad ng sinasabi nila, "sa likod". Ang aming pagpupulong noong nakaraang taon sa mang-aawit sa Salzburg, kung saan si Dm. Nagtrabaho si Ulyanov sa produksiyon nina Maris Jansons at Andreas Krigenburg ng D. D. Shostakovich's Lady Macbeth ng Mtsensk District, at kahit na si Feruccio Furlanetto ay orihinal na inihayag bilang Boris Timofeevich Izmailov, sa lalong madaling panahon ay naging malinaw sa lahat na ang hitsura ni Dmitry sa pagganap na ito ay isang mahusay na tagumpay. . Sa panahon ng mga pag-eensayo, na dinaluhan ko sa tungkulin, natamaan ako sa seryosong saloobin ng mang-aawit sa trabaho, nang mahinahon ngunit matatag niyang hiniling sa direktor na si Andreas Kriegenburg na baguhin ang isang mise-en-scene na hindi angkop para sa pag-awit.

Pagkatapos, pagkatapos ng premiere at isang nakamamanghang tagumpay, nagkaroon ng napakatanyag na pagtanggap ng Russian Society of Friends of the Salzburg Festival sa Michelin restaurant na Carpe Diem, nang ipaliwanag ni Dmitry sa akin ang mga detalye ng pagtatrabaho sa tunog sa Don Giovanni ni Mozart, kinuha lang ito at kinanta para sa buong restaurant na harana ng "Deh, vieni alla finestra, o mio tesoro". Ang matitigas na madla ng isa sa mga pinakamahal na establisyimento sa Europa ay natigilan sa una, at pagkatapos ay sumambulat sa palakpakan at sumigaw ng "bravo!"

At pagkatapos ay mayroon nang mahabang gabi pagkatapos ng mga pagtatanghal, na nagiging mga gabi sa ilalim ng kalangitan ng Salzburg Agosto, nang, sa mainit na kumpanya ng kanyang mga kasamahan, nagkuwento si Dmitry mula sa kanyang buhay at kumanta sa gitara. Sa kasamaang palad, wala akong anumang mga pag-record kung paano kumanta si Dmitry gamit ang gitara, ngunit ang ilan sa kanyang mga kwento at opinyon ay nagpaisip sa akin at, natural, napukaw ang pagnanais na gawin ang mismong pakikipanayam.

Dmitry, nais kong magsimula sa isang tanong, marahil ay isang hindi kasiya-siya, ngunit hindi ka isa sa mga maaaring hindi balansehin ang mga naturang tanong.

Isang nakakaintriga na simula.

Itinatago mo ang iyong journal sa LiveJournal, at doon ay nakatagpo ako ng isang medyo malupit na polemikong entry, isang pagtanggi sa iyong mga masamang hangarin...

Naiintindihan ko kung tungkol saan ito. Hindi na ako nagtatago ng isang talaarawan sa LiveJournal: ito ay, sabihin nating, isang eksperimento sa lipunan, sa palagay ko, medyo hindi matagumpay, ngunit mayroon talagang isang entry sa paksang "sa aking mga maninirang-puri" (laughs). Magsimula tayo sa simula: ang sining ng opera ay isang multi-component synthetic na produkto. Gustuhin man natin o hindi, sa mismong istraktura nito ang sining na ito ay elitista, iyon ay, hindi naa-access nang walang espesyal na pagsasanay para sa pag-unawa. Siyempre, hindi kanais-nais na mapagtanto na palaging may isang kailaliman sa pagitan ng propesyonal na pang-unawa sa anumang bagay at ng baguhan, ngunit tila sa akin na ang mga pagtatasa ng mga tao na sa kanilang sarili ay hindi nakamit ang anuman sa propesyon na kanilang hinuhusgahan ay dapat na higit pa. maselan lahat pareho. At lumalabas na kung gaano kaunti ang naiintindihan ng isang tao, mas categorical ang kanyang mga paghuhusga.

Walang alinlangan. Ngunit hindi kinakailangan na makapag-spawn sa Amur upang maunawaan kung ang salmon ay sariwa o bulok sa harap mo.

Syempre hindi. Dito lamang ang kasanayang kinakailangan upang matukoy ang pagiging bago ng salmon, at ang kasanayang kinakailangan upang matukoy ang kalidad ng mga vocal, ay ganap na magkakaibang mga kasanayan: kung ang unang kasanayan (panlasa) ay natural, at ibinigay sa amin halos mula sa kapanganakan, kung gayon ang pangalawa. kasanayan (ang kasanayan ng pagsusuri sa musika) ay kailangang linangin sa sarili sa loob ng maraming taon, at malayong tiyak na ang gawaing ito ay mapuputungan ng tagumpay. Sa huli, ang isang propesyonal na musikero lamang (at kahit na hindi palaging) ang maaaring makilala, halimbawa, ang kadalisayan at mga nuances ng intonasyon, ang katumpakan ng posisyon ng boses, atbp., at ito ay ang parehong pangunahing hanay, kung wala ito. kakaibang pag-usapan ang kalidad ng pagkanta. At kapag nakakita ka ng mga kakaibang pagtatasa, napakahirap na huwag pansinin ang mga ito.

- Nag-aalala ka ba tungkol sa ganitong uri ng mga pagtatasa?

Pagdating sa akin ng personal - hindi isang patak, ngunit mayroon lang akong allergy sa kamangmangan sa mga paghatol. Siyempre, ang mga negatibong emosyon ay kailangang itago sa iyong sarili, at ito ay medyo madali, hangga't hindi ito tungkol sa iyong trabaho. Pagkatapos ng lahat, ito ay trabaho na ginagawang isang tao. At dito ang punto ay hindi na "lahat ay maaaring makasakit sa isang artista": maaari mong seryosong saktan ang sinuman sa pamamagitan ng hindi patas na pagsusuri sa kanyang trabaho. Ang kawalang-katarungang ito ang dahilan ng pagtanggi ko. Sa huli, pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga buhay na tao, kung hindi, kung minsan ay nagbabasa ka ng ilang mga pagsusuri, at nakukuha mo ang pakiramdam na tinatalakay nila ang isang washing machine o isang lumang bisikleta. Sa tingin ko ito ay mali: hindi kami makina, maunawaan. Hindi man lang namin kayang kantahin ang aming pinaka-madalas na gumanap na bahagi sa parehong paraan nang dalawang beses, hindi banggitin ang ganap na hindi maiiwasang mga kapintasan at kamalian sa boses at entablado. Kami ay mga buhay na tao, at mayroong isang malaking bilang ng mga kadahilanan na kailangang masuri nang mabuti.

- Ngunit ang iyong sariling mga pagtatasa ng iba pang mga mang-aawit ay maaari ding maging malupit.

Matalas? Sa palagay ko ito ay isang hitsura: sa aking mga iniisip ay walang ganap na pagnanais na saktan ang sinuman at, siyempre, walang kawalang-galang sa mga kasamahan o sa aking mga dakilang nauna. Tulad ng sinabi ko, kami, mga musikero, ay nakakarinig ng lahat ng iba, at ang objectivity ng mga pangungusap na ito (muli kong binibigyang diin - puro propesyonal na pananalita) ay maaaring mukhang malupit sa mga hindi nakakarinig ng mga pagkakamali o pagkukulang na halata sa isang propesyonal. Mas makatwiran, siyempre, na magpanggap na "ang lahat ay maayos", para lamang masiyahan at hindi maging sanhi ng negatibong emosyon sa sinuman, ngunit ako ay isang direktang tao at, tila, hindi masyadong komportable sa ganitong kahulugan. Bagaman, sa kabilang banda, hindi ako kumakatok sa pinto sa aking opinyon, hindi ko ito ipinapataw sa sinuman: kung hindi mo gusto ang aking opinyon, hindi mo kailangang isaalang-alang ito; kung hindi mo gusto ang aking boses - huwag pumunta sa mga pagtatanghal sa aking paglahok. Napakasimple nito.

Medyo nagulat ako sa mga taong patuloy na pumupunta sa aking mga pagtatanghal para sa kanilang sariling pera at "lubhang nagdurusa", tulad ng mga daga na "umiiyak, tinutusok ang kanilang sarili, ngunit patuloy na kumakain ng cactus." Para saan? Upang muling magsulat sa Internet, paano nila hindi nagustuhan muli ang lahat? May nakikita akong infantilism dito. Paumanhin, ngunit hindi kami kumakaway ng mga scoop sa sandbox. Para sa akin, ang opera ay sining pa rin ng mga mature na tao. Ito ay isang maingat na gawain, hindi lamang sa amin sa entablado, kundi pati na rin sa iyo - sa bulwagan. At ang gawaing ito ay dapat na nakabubuo sa magkabilang panig. Ang paghaharap dito ay hindi produktibo. Sa palagay ko ang pagnanais na igiit ang sarili sa mga salungatan, at hindi sa pakikipagtulungan, ay isang napakaliit na pagnanais, at, siyempre, naaawa ako sa gayong mga tao: para sa kanila, sa mundong ito, marami ang nananatiling sarado sa pag-unawa.

- Ngunit gayon pa man, ang manonood ay may karapatan na kawalang-kasiyahan. Mayroon din siyang sariling mga tala sa pakikinig. sa tainga, ang kanilang pamantayan, ang kanilang mga kagustuhan, ang kanilang mga ideya tungkol sa kagandahan. Sa palagay ko, pagkatapos ng lahat, ang isang ganap na mabaliw na manonood ay hindi bibili ng mga tiket para sa isang ordinaryong pagtatanghal sa opera.

Napakahirap pag-usapan ang tungkol sa pamantayan sa pangkalahatan. Una, lahat tayo ay may indibidwal na kulay ng timbre, tama ba? Ano ang mga pamantayan dito? Tanging ang impresyon na ang isang partikular na timbre, na sinamahan ng kumikilos na karisma, ay ginagawa sa isang partikular na tao. Ngunit ito ba ay isang pamantayan para sa pagtatasa ng kalidad ng tunog, o hindi bababa sa dramatikong bahagi ng pagganap? Narito ang lahat ay nasa antas ng "gusto - hindi gusto", iyon ay, eksklusibong subjective. Pangalawa, ito ang pinaka-dramatikong bahagi: maaari kang magkaroon hindi mapanghimasok o mahinhin vocal kakayahan, ngunit upang gumawa ng isang natitirang impression sa kanyang paglalaro. Kung kukuha tayo, halimbawa, ang kababalaghan ni Fyodor Ivanovich Chaliapin, kung gayon ang isang taong hindi pamilyar sa kasaysayan ng teatro ng opera, pagkatapos makinig sa kanyang mga pag-record, ay hindi mauunawaan kung bakit siya ay isang mahusay na mang-aawit sa opera.

- Bakit?

Siya ang unang pinagsama ang teatro ng drama at ang teatro ng opera sa kanyang trabaho, inalis ang huli sa mga pseudo-theatrical na "belkante" na mga cliché na nagpabaliw kay Wagner at nagdulot ng mga sarkastikong pagtatasa kay Leo Tolstoy. Ngunit kung pakikinggan mo ang sikat na pag-record ng kanyang Konchak, kung gayon hindi mo maririnig ang kilalang malalim na mas mababang "fa" sa "Ang katakutan ng kamatayan ay naghasik ng aking damask steel": Si Chaliapin ay wala lamang nito. Naiisip mo ba kung ano ang isusulat ngayon tungkol sa gayong "bass" na walang mas mababang mga nota?

Samantala, napakahalagang maunawaan hindi ang panandalian, ngunit ang epochal na halaga ng ito o ang pagganap na iyon. Sa lahat ng nasa itaas, si Fedor Ivanovich ay isang mahusay na bass-baritone sa kanyang panahon, kahit na natatakot siyang mamatay ni Adam Didur, ang may-ari ng isang tunay na malakas na bass, ngunit natalo siya sa mga subtleties at nuances ng dramatikong sangkap ( bagaman, siyempre, maaari ring makipagtalo tungkol dito). Kapag sinubukan nilang ikumpara ka sa ilang (kahit napakahusay) na mga rekord mula sa nakaraan, sinusuri ka sa mga tuntunin ng retro pamantayan, sasabihin ko, frozen readings na. Siyempre, may isang bagay na nag-aalala sa atin hanggang ngayon, ngunit imposibleng sumulong, na nakatuon lamang at eksklusibo sa nakaraan. At ito sa kabila ng katotohanan na kahit sa pamana ng nakaraan ay maraming bagay na hindi maintindihan at hindi lubos na nauunawaan.

- Ano sa palagay mo ang kilusang pasulong sa mundo ng klasikal na musikal na teatro?

Ito ay isang paksa ng malawak na talakayan. Matagal na tayong nabubuhay sa panahon ng digitalization ng tunog. At mula noong panahon ni Karajan at ang kanyang kilalang pakikipagtulungan sa korporasyon ng Sony, walang sinuman ang nalinlang tungkol sa kasapatan ng pag-record ng audio sa live na tunog. Ang pinakamalinaw na halimbawa ng rebolusyong ito sa ating pag-unawa sa kalidad ng mga operatikong vocal ay ang sikat na Karajan film-opera na Don Juan, kung saan ang tunog ay napakakinis na kahit na ang mga hindi pa nakakaalam ay nauunawaan na ang isang buhay na tao ay hindi kailanman magpapatunog ng materyal na ito nang perpekto.

Sumasang-ayon ako. Ang aking personal na karanasan sa pagdalo sa mga pagtatanghal, ang tunog na sa kalaunan ay hindi ko makilala sa pag-record, ay nagpapatunay nito.

Oo, ngayon ang opera mainstream ay ginawa hindi ng mga musikero, ngunit ng mga sound engineer. Ngunit mayroong isang pitfall dito: walang teknolohiya sa pag-record sa mundo ngayon na maaaring ganap na tumpak na maghatid ng live na tunog (at ito, sa pamamagitan ng paraan, ay isa sa mga dahilan kung bakit hindi tumitigil ang mga tao sa pagpunta sa teatro). Bukod dito, mayroong isang malaking bilang ng mga boses na hindi angkop para sa digital processing. Ang aking boses, halimbawa, o maraming iba pang mga tinig na sa pag-record, kahit na naproseso at "nakaunat", ay nawawalan ng isang malaking halaga ng mga overtone, at ngayon ito ay maaaring maging isang malaking problema sa karera, dahil madalas na ang mga mang-aawit ay pinipili ng mga pag-record ng audio, at hindi sa pamamagitan ng live auditions. Tulad ng karamihan sa mga tagapakinig sa una ay nakikita ang mang-aawit lalo na sa pamamagitan ng mga speaker o, mas masahol pa, sa pamamagitan ng mga headphone, at hindi mula sa entablado. Nabubuhay tayo sa panahon ng Digital Opera at, sa mahigpit na pagsasalita, hindi malinaw kung ito ay mabuti o masama.

- Buweno, ikaw, Dmitry, hindi ka maaaring magreklamo tungkol sa mga tagumpay sa karera.

May trabaho ako, salamat sa Diyos, sapat na. Ngunit nagtanong ka tungkol sa mga pangkalahatang uso, at maaga o huli, dadalhin nila tayo sa katotohanan na ang talagang maliwanag at promising na mga boses ay hindi hihingin dahil sa kanilang di-gramoponya.

- O dahil sa kanilang non-photogenic.

Ito ay isang hiwalay na paksa: ngayon panandalian at walang hanggan nagbago ng mga lugar, kahit na ang mga opera house ay maswerteng napuno, dahil walang recording ang maaaring palitan ang live na pagpapalitan ng enerhiya sa pagitan ng entablado at bulwagan. At least umaasa ako.

- Naiinis ka ba sa madla kapag ang madla ay mabigat o hindi tumutugon sa isang masining na salpok?

Hindi kailanman. Kung hindi ka sasagutin ng madla, nangangahulugan ito na wala kang ipinarating dito. O ngayon ay hindi ang parehong araw. Buweno, kung hindi natin pinag-uusapan, siyempre, tungkol sa mga pathologies, kapag nais ng isang artista na makarinig ng isang kulog ng palakpakan pagkatapos ng bawat hitsura sa entablado. Syempre, maganda kapag inalalayan ka sa likod, pero hindi ko matandaan ang mga palakpakan sa tungkulin sa aking kasaysayan. Sa aking palagay, napakahirap magpalakpakan ng mga manonood kung hindi nila ito gusto.

Noong nakaraang tag-araw sa Salzburg nagkaroon ka ng isang matunog na pagtanggap. Ano ang ibinigay sa iyo ng karanasang ito, bukod sa katanyagan sa Europa?

Ang pagtatrabaho sa Shostakovich's Lady Macbeth kasama ang isang natatanging koponan na pinamumunuan ni Mariss Jansons ay isang pambihirang regalo ng kapalaran, siyempre, at ang katotohanan na ang mga manonood ng pagdiriwang, na ganap na hindi pamilyar sa akin, ay pinahahalagahan ang gawaing ito ay nagkakahalaga ng maraming. Sa taong ito, nais ni maestro Jansons na anyayahan ako sa Queen of Spades, napag-usapan namin ang tungkol sa bahagi ng Tomsky, na kinanta ko mga 10 taon na ang nakalilipas, ngunit ngayon ay nagpasya akong huwag ulitin ang eksperimentong ito. Bilang karagdagan, mayroon akong malinaw na pag-unawa na ang pinakamahusay na mga boses ng opera, siyempre, ay nasa Russia, ngunit madalas kaming kulang sa banal na disiplina, na palaging batayan ng anumang tagumpay.

Pagkatapos ba ng iyong tagumpay sa Salzburg na nakatanggap ka ng imbitasyon mula sa Vienna Opera na kantahin ang Heneral sa Prokofiev's The Gambler?

Mayroong ilang mga kadahilanan, kabilang ang mga resulta ng aking matagumpay na debut sa tinubuang-bayan ni Mozart. Sa pagkakaalam ko, mahigpit at masigasig na sinusubaybayan ng Vienna ang nangyayari sa Summer Salzburg Festival, kung saan nagtitipon ang buong kulay ng European theatrical at musical establishment. Ang Salzburg ay legal lamang na independyente sa Vienna Opera, habang sa katunayan halos lahat ng mga teknikal na espesyalista dito ay mga empleyado ng Vienna Opera, ngunit hindi kailangang pag-usapan ang tungkol sa pangunahing orkestra ng pagdiriwang, na bumubuo sa core ng orkestra ng parehong Vienna Opera. .

- Paano mo maa-assess ang mga prospect para sa mga festival forum tulad ng sa Salzburg?

Sa tingin ko, mas maraming atensyon ang natuon sa mga gawa ng pagdiriwang kaysa sa kasalukuyang repertoire ng parehong Vienna Opera, kung saan ang iyong debut ay madaling hindi napapansin. Sa isang pagdiriwang, ito ay halos imposible. Samakatuwid, ang Salzburg Festival ay isang mahusay na launching pad. Hindi madaling makarating dito, ngunit kung nakapasok ka na at matagumpay na gumanap, hindi ka maiiwan na walang trabaho. Pagkatapos ng Salzburg, nakatanggap ako ng isang imbitasyon hindi lamang mula sa Vienna, kundi pati na rin mula sa Naples, at mula sa Paris partikular para sa bahagi ni Boris Timofeevich, nagustuhan ko ang aking trabaho. Plus a few more suggestions na hindi ko na ibo-voice pa.

Ito ba ang atensyon ng world musical elite sa Salzburg Festival kahit papaano ay konektado sa mataas na halaga at prestihiyo nito?

Kumbaga, oo. Ang publiko na maaaring magbayad ng halos kalahating libong euro para sa isang tiket ay isang espesyal na publiko. At kahit na mayroon ding sapat na mga turista sa Salzburg Festival, ang pangunahing gulugod ng mga manonood at tagapakinig ay ang pampublikong nagsasalita ng Aleman, na ang interes sa opera house ay madalas na lumampas sa sikat na klasikal na pamana, dahil napakabihirang at malayo sa pinakasikat. Ang mga gawa ay itinanghal at ginanap sa Salzburg sa tag-araw, ang mga tiket na hindi rin makukuha. Bagaman ngayon ay may maliit na pamumuhunan sa pagpapaunlad ng opera.

- Well, marahil ang mga namumuhunan ay hindi nais na mamuhunan sa isang illiquid na produkto?

Ang klasikal na sining, tulad ng akademikong agham, ay hindi mabilis na pera. Ako ay hindi nangangahulugang isang tagahanga ng pang-eksperimentong sining, ngunit ang mga tradisyon ng pagsemento ay lubhang mapanganib din. Pagkatapos ng lahat, ito ay ang pagbuo ng klasikal na opera bilang isang genre na humantong sa paglitaw ng mga modernong uri ng musika. Kailangan nating maunawaan na hindi lahat ng gusto natin ay mabubuhay. Ito ay isang hindi kasiya-siyang pag-unawa, ngunit kung wala ito ay walang paraan pasulong.

Dmitry, ano ang lugar ng mang-aawit sa mga uso na ito? Nararamdaman mo ba na sa pamamagitan ng pagtatanghal sa iba't ibang pandaigdigang lugar, nakikilahok ka sa ilang pandaigdigang makasaysayang proseso ng kultura?

Hindi pa sapat (laughs). Ang responsibilidad para sa mga pandaigdigang proseso ay pinapasan ng ganap na magkakaibang mga tao. Kami, ang mga artista, ay may sapat na pag-aalala kung wala ito. Kailangan mo lang gawin ng maayos ang iyong trabaho. Bagaman, kung iisipin mo, ngayon ay maaari ko nang kunin ang kalayaan na sabihin na sapat kong kinakatawan ang mga obra maestra ng pamana ng boses ng Russia sa entablado ng mundo, na napakahalaga lamang sa usapin ng globalisasyon ng kultura. Ngunit gayon pa man, kami, ang mga artista, ay lubos na umaasa sa kasalukuyang sitwasyon, at sa panlasa ng mga direktor, konduktor at quartermaster, at, siyempre, kami ay lubos na umaasa sa aming sariling kapakanan, sa aming pangunahing mapagkukunan sa pagtatrabaho - sa sarili nating boses.

Ang ilang mga artist, tila, ay hindi nakakaranas ng pag-asa sa kanilang sariling boses at patuloy na "matagumpay" na gumanap kahit na walang boses na natitira.

Ito ay isang malaking problema. Siyempre, ang isang makatuwirang tao ay dapat maging tapat sa kanyang sarili. Tinuruan ko ang aking sarili na huwag kunin ang isang bagay na garantisadong hindi ako magtatagumpay. Ito ay maaaring mukhang hindi kapani-paniwala, ngunit ako ay likas na isang medyo mahiyain pagdating sa walang kamali-mali na mga resulta. Ako ay labis na nag-aalala kapag may hindi gumagana para sa akin; ang pagiging perpekto na ito kung minsan ay labis na nakakasagabal, ngunit kung wala ang pagiging tumpak na ito sa sarili, walang mangyayari: dapat na magagawa ng isa na produktibong pahirapan ang sarili. At, siyempre, ang pinakamasama ay kapag alam ng isang tao na may isang bagay na hindi gumagana para sa kanya, ngunit nagpapanggap pa rin siya na ang lahat ay maayos sa kanya. Ito ay gumagawa ng isang malalim na impresyon.

Ngunit ang parehong bagay ay nangyayari sa pinaka dumudugo na lugar ng modernong opera house - sa pagdidirekta ng opera: malinaw na karamihan sa mga direktor ay nabigo sa pagtatanghal ng opera, ngunit nagpapanggap sila na sila ay nagtagumpay.

Narito ang sitwasyon ay medyo mas simple. Ang mga direktor, hindi katulad natin, mga musikero, ay nagsisilbi sa kaayusan ng lipunan para sa kabalbalan at iskandalo. Kung ang order na ito ay hindi umiiral, kung ang modernong lipunan ay magagawang tangkilikin ang mataas na kalidad na produksyon ng teatro nang walang isang kailangang-kailangan na elemento ng iskandalo, ang mga labis na produksyon ay hindi hihingin ng sinuman, at ang mga direktor na nagtatrabaho sa buong materyal ay hindi lamang makakatanggap ng mga order. Ngunit sila ay tumatanggap ng mga utos at madalas na gumagawa ng mga bagay sa entablado na ang isang makatwirang tao kung minsan ay nakakainip lamang, dahil ito kabalbalan lahat ay nakatutok sa isang medyo average na amateur na pananaw. Bagama't tila kakaiba, halos walang natuklasan sa genre ng "opera ng direktor" ngayon, dahil ang genre na ito ay nahuhumaling sa sarili nito at nagsisilbi sa sarili nito, kadalasan ay hindi nauunawaan ang layunin ng pagdidirekta sa opera.

- At ano ang layuning ito, sa iyong opinyon?

Ang pagdidirekta ay dapat biswal na maunawaan ang marka, ipakita dito kung ano ang mahirap o imposibleng marinig nang walang aksyong pandulaan. Iyon ay, ang mahusay na pagdidirekta ay dapat magsabi ng isang bagay na mahalaga tungkol sa Musika mismo, tungkol sa lalim at kahulugan nito, at hindi tungkol sa kung paano ito naririnig (o sa halip, kung paano ito hindi naririnig) direktor. Ito ay talagang isang napakadaling gawain kung mahal mo ang materyal na iyong ginagawa.

- Ito ay lumiliko na ang karamihan sa mga modernong direktor ng opera ay hindi gusto ang opera?

Kadalasan, ito ang tanging konklusyon na maaaring ipaliwanag kung ano ang nangyayari sa entablado sa ilang mga modernong produksyon. Bagaman, siyempre, palaging may mga masayang pagbubukod, at mayroong ilang aktwal na mga modernistang direktor na taimtim na umiibig sa opera. Tila sa akin ay walang karapat-dapat na gawin kung walang pag-ibig.

- Ang iyong trabaho sa teatro ay nagsimula rin sa pag-ibig?

Mula sa stress (laughs). Ang unang karanasan sa pagpasok sa entablado ay naganap sa teatro ng paaralan sa vaudeville ni Vladimir Sollogub na "Trouble from a Gentle Heart". Ang estadong ito ay hindi nakalimutan o inilarawan! Parang sa The Matrix, kung matatandaan mo, noong inabot ni Neo ang likidong salamin, at sumanib ito sa kanya, na tinulak siya sa ibang realidad.

- Sa The Matrix, walang paraan si Neo pabalik: ang eksena ba ay nagdudulot ng parehong kakila-kilabot na pagkagumon sa buhay?

hindi maibabalik na pagkagumon. Ang entablado ay ang pinaka-kahila-hilakbot na gamot: binibigyan ka nito hindi lamang ng pagkakataon na makaramdam na tulad ng isang tagalikha, na sumasalamin, iyon ay, nagbibigay ng "laman" sa mga ideya at imahe na walang laman, nagbibigay ito sa iyo ng ibang katotohanan na imposible nang wala ka. Pagkatapos ng lahat, anuman ang mangyari sa bawat isa sa atin, ang globo ay hindi titigil sa pag-ikot, at, sa pangkalahatan, walang magbabago sa ordinaryong buhay. Ngunit sa entablado - lahat ay maaaring gumuho. Lahat. At ang responsibilidad na ito sa mundo na imposible kung wala ka ay isang nakakabaliw na pakiramdam.

Ano ang nagbibigay sa iyo ng ganitong pakiramdam? Siguro kung wala ito (pati na rin ang walang droga) mas kalmado ang buhay? Pagkatapos ng lahat, ang artista, na pumapasok sa entablado, sa bawat oras ay binibigyan ang kanyang sarili na punitin ng madla, ang konduktor, ang materyal na kanyang ginagampanan ...

Lahat ng bagay sa buhay ay may presyo nito, ngunit tila sa akin ay walang trabaho ang maaaring kumuha ng higit sa iyo kaysa sa iyong maibibigay kapalit ng propesyonal na kasiyahan. Hindi mangyayari na nagbigay ka ng 100%, ngunit nakatanggap ka ng mga emosyon at kasiyahan lamang ng 10%. Upang makakuha ng 10, kailangan mong magbigay ng 10, at ang teatro sa ganitong kahulugan ay isang medyo balanseng sistema. Ang manonood ay napakahirap linlangin: maaaring hindi niya maintindihan ang pamamaraan ng mga vocal, ngunit palagi niyang nararamdaman kapag binigay mo ang lahat ng iyong makakaya at ibigay ang iyong sarili sa entablado hanggang sa dulo.

- Iyon ay, sa iyong opinyon, sa teatro ito ay mahalaga "paano", at hindi "ano"?

Sa madaling salita, oo. Una, ang teatro ay bihirang nagsasabi sa amin ng isang bagay na ganap na bago (kung ito ay hindi isang teatro para sa mga bata), at pangalawa, palaging mahalagang maunawaan na ang talento sa kanyang sarili ay isang medyo passive na mapagkukunan na walang halaga kung hindi ito gagastusin. At ang kakayahang gumastos ng talento - ito ang pinaka "paano", iyon ay, kasanayan. Pagkatapos ng lahat, maaari kang maging isang baguhan o isang artisan na walang gaanong talento, ngunit kung walang maingat at nakakapinsalang trabaho, hindi ka kailanman magiging isang master. Sa pangkalahatan, ang entablado ay nagbibigay sa akin ng maraming pagkakataon upang maunawaan ang mundo at mga tao. Ang pamumuhay sa iba't ibang buhay sa entablado, nakatuon ako sa kung paano at bakit pinipili ng aking mga karakter ang ilang mga desisyon, kung bakit sila kumilos nang ganito at hindi kung hindi man. Ang panonood ng ilang uri ng banggaan mula sa gilid ay kapansin-pansing naiiba mula sa kapag ikaw ay nasa loob ng sitwasyon.

- Ano ang iyong paboritong partido sa bagay na ito?

Boris Godunov, siyempre.

- Dahil sa kapansin-pansing kayamanan nito?

Sa partidong ito, ang tema ng relasyon ng isang tao, una sa lahat, sa kanyang sarili, sa kanyang kaluluwa, sa kanyang budhi, ay itinaas. Si Boris Godunov ay nahaharap sa kawalan ng kakayahan na bayaran ang presyo na ibinibigay sa kanya ng buhay para sa kung ano ang natanggap niya mula dito. Sa palagay ko ngayon, ang "Boris Godunov" ay dapat pakinggan hindi lamang bilang isang makasaysayang, ngunit bilang isang sosyo-pilosopiko na musikal na drama - bilang isang kuwento na walang imposible sa buhay na ito, ngunit kadalasan ay hindi pa tayo handang bayaran ang presyo na ating ginawa. gusto para sa kung ano ang gusto natin, na ang buhay ay nagpapakita sa atin.

- Anong presyo ang kailangan mong bayaran para sa iyong tagumpay sa propesyon?

Ang tagumpay sa anumang negosyo ay konektado lamang sa kakayahang gumawa ng kahit isang bagay na medyo mas mahusay kaysa sa iba, at palaging gumawa ng isang bagay ngayon na mas mahusay kaysa sa iyong sarili kahapon. Ang patuloy na kumpetisyon sa iyong sarili ay marahil ang presyo: hindi ka makakapagpapahinga sa nagawa mo na. Ikaw ay napapailalim lamang sa iyong kapalaran at iyong boses, at anumang paghinto sa pag-unlad ay parang kamatayan. Sa tingin ko ito ay isang makatwirang presyo.

- Mayroon bang anumang mga pagkakamali sa iyong karera na nais mong bigyan ng babala laban sa mga nagsisimulang mang-aawit?

Marahil ay walang mga pagkakamali sa karera na may ilang uri ng nakamamatay na kahalagahan, kung hindi, ang lahat ay halos hindi magiging maayos. Marahil ay napalampas ko ang ilang mga kagiliw-giliw na alok, pagkatapos kung saan ang karera ay maaaring kumuha ng isang mas mahusay na landas, ngunit sa palagay ko ang lahat ay maayos pa rin. Marahil, posible na makamit ang seryosong pagkilala nang mas mabilis, ngunit, sa kabilang banda, ang mga ito ay mga tenor at soprano - lahat ng bata at maaga, at ang mga basses, tulad ng magandang cognac, ay nangangailangan ng oras upang magluto, makakuha ng sapat na mga kulay at lilim ng lasa (laughs). Sa katunayan, upang kantahin ang parehong Boris Godunov, dapat kang makaipon ng isang malaking halaga ng kaalaman, kasanayan at karanasan sa buhay, kung wala ang pag-apila sa materyal na ito ay ang napaka-fatal na pagkakamali - upang kumuha ng isang seryosong pisikal at emosyonal na pagkarga nang walang pagiging handa. Ito, sa palagay ko, ay talagang mahalaga para sa mga batang mang-aawit: hindi upang pangunahan ng iyong pagnanais na kumanta ng isang mahirap na bahagi bago ka handa para dito. Ang kasaysayan ay puno ng malungkot na mga halimbawa ng mabilis na karera, kapag ang isang tao ay nagsimula nang maaga, pumili ng mga partido para sa kanyang sarili, at pagkatapos ng limang taon siya ay labis na nagtrabaho at nawala sa entablado.

- Tulad ng Vysotsky: "Nagmadali ako ng sampung libo, tulad ng limang daan - at naghurno!"

Eksakto! Lagi nating tatandaan na malayo ang distansya natin, kailangan pa nating tumakbo ng marathon, hindi isang daang metro. Ngunit ang pinakamahalagang payo: pumunta pa rin sa mga audition, subukan, maghanap ng ahente sa lalong madaling panahon. Napakahalaga nito para sa isang karera ngayon, mas mahalaga kaysa noong nagsimula ang aking henerasyon.

- Ang iyong pangarap, Dmitry?

Magandang tanong! I think a real dream should be almost unattainable, kasi kapag nagkatotoo ang pangarap, tapos, madalas, wala ka nang masabi, ayun, tapos na ang cycle mo at kailangan mo nang umalis. Magiging mahusay na matuto kung paano lumipad o kumanta, halimbawa, sa Mars (laughs). Pero seryoso: Pangarap ko lang kumanta hangga't maaari, kumanta ng marami pang bagong kawili-wiling bahagi, at patuloy na nagpapasaya sa manonood at nakikinig. Gaano karaming kapangyarihan ang sapat. Ang pangunahing bagay ay na ang Panginoon ay nagbibigay ng kalusugan para sa pagpapatupad ng lahat ng mga plano at na "ang abo ng Klaas ay kumatok sa aking puso", na ang apoy sa aking kaluluwa ay hindi namamatay, at ang Musika ay nagpapaliit sa aking puso, tulad ng dati. at nanginginig sa tuwa. Pagkatapos lamang ay magkakaroon ako ng isang bagay na marinig, at kung ano ang maramdaman, at kung ano ang sasabihin sa manonood.

Ang panayam ay isinagawa ni Alexander Kurmachev

Noong 2000 nagtapos siya mula sa Ural State Conservatory (klase ng V. Pisarev), sa parehong taon natanggap niya ang Grand Prix ng I International Vocal Competition "Shabyt" sa Astana (Kazakhstan), na ginanap sa ilalim ng tangkilik ng UNESCO.

Noong 1997 siya ay isang soloista sa Yekaterinburg Opera at Ballet Theatre.
Noong 1998-2000, siya ay isang soloista sa Novaya Opera Theater sa Moscow, kung saan ginampanan niya ang mga bahagi ng Loredano (Ang Dalawang Foscari ni G. Verdi), Varlaam (Boris Godunov ni M. Mussorgsky) at Stromminger (Valli ni A. Catalani). Naglibot siya kasama ang teatro sa Russia at Europa.

Mula noong 2000 - soloista ng Moscow Academic Musical Theater. K.S. Stanislavsky at Vl.I. Nemirovich-Danchenko, kung saan ginampanan niya ang mga sumusunod na bahagi: Ivan Khovansky ("Khovanshchina" ni M. Mussorgsky), Kutuzov ("Digmaan at Kapayapaan" ni S. Prokofiev), Raimondo ("Lucia di Lammermoor" ni G. Donizetti), Lindorf -Coppelius-Dapertutto- Miracle (“The Tales of Hoffmann” ni J. Offenbach), Father Superior (“Force of Destiny” ni G. Verdi), Head (“May Night” ni N. Rimsky-Korsakov), Don Basilio ( “The Barber of Seville” ni G. Rossini), Don Alfonso (“Ginagawa Ito ng Lahat ng Babae” ni W.A. Mozart), Gremin (“Eugene Onegin” ni P. Tchaikovsky), Rocco (“Fidelio” ni L. van Beethoven), Collen (“La Boheme” ni G. Puccini), Goodal (“ Demon” ni A. Rubinstein), Herman ("Tannhäuser" ni R. Wagner), Ramfis ("Aida" ni G. Verdi), ang title role sa " Don Giovanni" ni V.A. Mozart.
Siya ay naglibot kasama ang theater troupe sa USA, South Korea, Germany, Cyprus, Latvia, Estonia, at gayundin sa maraming lungsod ng Russia.

Noong 2008-09 ginampanan niya ang bahagi ng Banquo (Macbeth ni G. Verdi) sa isang pinagsamang produksyon ng Novosibirsk State Opera and Ballet Theater at ng Paris National Opera (conductor T. Currentzis, direktor D. Chernyakov).

Noong 2010, kinanta niya ang bahagi ng Cardinal De Brogni sa The Jewess at the Israel Opera ni F. Halévy, Tel Aviv (direktor D. Pountney, conductor D. Oren). Lumahok sa mga produksyon ng Municipal Opera ng Marseille, Monte Carlo Opera, National Rhine Opera (Strasbourg), Capitol Theater (Toulouse), Cagliari Theater (Italy).

Matapos gawin ang kanyang debut noong Pebrero 2011 sa Teatro Real sa Madrid (Spain) bilang Marseille sa isang concert performance ng G. Meyerbeer's Les Huguenots na isinagawa ni Renato, nagsimulang makipagtulungan si Palumbo sa Teatro Real at iba pang Spanish theaters, tulad ng Teatro Maestranza sa Seville.(The Grand Inquisitor in G. Verdi's Don Carlos, Hunding in R. Wagner's The Valkyrie), La Coruña Festival (Sparafuccile in Verdi's Rigoletto with Leo Nucci in the title role). Noong 2012, ginampanan niya ang papel ni Haring René (Iolanthe ni P. Tchaikovsky) sa isang bagong produksyon na idinirek ni P. Sellars at conductor na si T. Currentzis sa entablado ng Teatro Real. Ang pagtatanghal ay nai-broadcast sa MEZZO TV channel at inilabas sa DVD. Kasama sa kanyang repertoire sa teatro na ito ang mga tungkulin ni Pimen sa dulang Boris Godunov ni M. Mussorgsky (konduktor Harmut Henchen, direktor na si Johan Simons), Don Basilio sa The Barber of Seville ni G. Rossini, Banquo sa Macbeth ni G. Verdi. Noong 2013, ginawa niya ang kanyang debut sa entablado ng Bilbao Opera bilang Procida sa Verdi's Sicilian Vespers. Ginampanan din niya ang bahagi ng Sparafuccile sa Maestranza Theater sa Seville (konduktor Pedro Halfter, Leo Nucci sa pamagat na papel).

Nangunguna sa aktibong aktibidad ng konsiyerto, nakikipagtulungan sa State Academic Choir. A. Yurlov, State Academic Symphony Chapel sa ilalim ng direksyon ni V. Polyansky. Nakikipagtulungan sa ilang mga teatro ng opera ng Russia (St. Petersburg, Novosibirsk, Perm, Cheboksary).

Noong 2009 ginawa niya ang kanyang debut sa Bolshoi Theater bilang Doctor (A. Berg's Wozzeck, direktor D. Chernyakov, conductor T. Currentzis). Noong 2014 ay kinanta niya ang mga papel nina Escamillo (Carmen ni G. Bizet) at Philip II (Don Carlos ni G. Verdi). Noong 2016 - ang bahagi ng Boris Timofeevich ("Katerina Izmailova" ni D. Shostakovich), noong 2017 - ang pamagat na papel sa "Boris Godunov" ni M. Mussorgsky.

Noong 2014-15 season, ginampanan niya ang bahagi ng Escamillo sa Carmen ni G. Bizet (New National Theater sa Tokyo), Don Basilio sa The Barber of Seville (Liceo Theater sa Barcelona), De Brogni sa F. Halévy's Judea (Flemish opera sa Antwerp), Dositheus sa Khovanshchina ni M. Mussorgsky (Basel Opera).

Noong 2015, ginawa niya ang kanyang unang hitsura sa Aix-en-Provence Festival bilang King René sa Iolanthe ni Tchaikovsky (konduktor na si Teodor Currentzis, direktor na si Peter Sellars). Kinanta niya ang bahagi ng General (The Gambler ni S. Prokofiev) sa Monte Carlo Opera (conductor na si Mikhail Tatarnikov, director Jean-Louis Grinda).

Sa 2016/17 season, ginampanan niya ang mga tungkulin ni Daland (The Flying Dutchman ni R. Wagner) sa Flemish Opera, Konchak at Vladimir Galitsky sa paggawa ng Prince Igor ng National Opera of the Netherlands (conductor Stanislav Kochanovsky, director Dmitry Chernyakov), Tsar Dodon (The Golden Cockerel ”) sa Teatro Real sa Madrid (conductor Ivor Bolton, director Laurent Pelli).

Sa 2017/18 season ginawa niya ang kanyang debut sa Salzburg Festival bilang Boris Timofeevich (Lady Macbeth ng Mtsensk District ni D. Shostakovich) at sa Vienna State Opera bilang General (The Gambler ni S. Prokofiev). Bilang bahagi ng IV Opera Live Music Festival, una niyang kinanta ang title role sa opera na Attila ni G. Verdi (concert performance). Kinanta niya ang parehong bahagi sa entablado ng Auditorium concert hall sa Lyon bilang bahagi ng Verdi Festival. Noong Abril 2018, ginawa niya ang kanyang debut sa entablado ng Neapolitan San Carlo Theater, na gumaganap ng bahagi ni Boris Timofeevich sa opera Lady Macbeth ng Mtsensk District.

Noong 2018 sa entablado ng Musical Theater. K.S. Stanislavsky at Vl.I. Si Nemirovich-Danchenko ay nagdaos ng isang solong konsiyerto na nakatuon sa ika-20 anibersaryo ng artistikong aktibidad.

Mahilig ka bang kumanta noong bata ka?

Oo, at ang pakikilahok sa mga pagtatanghal ng opera house bilang bahagi ng nabanggit na kapilya ay lalong hindi malilimutan. Noong nakaraang season sa aking kasalukuyang "tahanan" - MAMT - "The Tales of Hoffmann" ay itinanghal, nais kong ipaalala sa konduktor na si Evgeny Vladimirovich Brazhnik na kilala ko siya mula noong edad na 9, napunta sa entablado sa "Pagliacci" at " Karangalan ng Bansa" ". Pagkatapos ay nakilala namin siya sa Ural Conservatory, at sa wakas, dito sa Moscow. Ganito ang naging tulay mula pagkabata ...

Bata pa lang ako, mahilig na akong magbasa, pero hindi ko masyadong natuon ang atensyon ko sa musika at pagkanta. Ito ay mas katulad ng entertainment mula sa paaralan, ang mga unang paglilibot, tulad ng mga pakikipagsapalaran, kahit na nagpunta sa ibang bansa, sa GDR. Naaalala kong kumanta ako nang live sa Berlin Radio kasama ang lokal na koro. Nagustuhan ko ang pag-awit ng choral, mga katutubong kanta, para sabihin na ang opera ay nakakabighani - hindi ito ang kaso.

Ang repertoire ba noon ay higit sa lahat ay Sobyet-pioneer?

Hindi lang. Bilang karagdagan sa mga tradisyonal na awiting pambata, nagtanghal kami ng Bach, Handel, at iba pang sagradong musika, kabilang ang mga choral works ni Dm. Bortnyansky. Madalas kaming pumunta sa iba't ibang mga kumpetisyon sa ibang mga lungsod, mabuti, at sa Moscow, sa iba't ibang mga pagdiriwang. Ngunit ngayon, kapag naaalala ko ang aking mga impresyon sa choral noong bata pa ako, para bang nasa ibang buhay at hindi kasama ko.

Nang magsimula ang voice mutation, huminto ako sa pag-aaral sa choir, napagpasyahan kong mananatili ang pagkanta sa nakaraan. Bukod dito, sa aming paaralan ay mayroong isang teatro ng drama, at interesado ako sa negosyong ito. Nawala siya sa mga pag-eensayo sa lahat ng kanyang libreng oras sa high school, naglaro ng iba't ibang mga tungkulin sa mga engkanto, vaudeville, kaunti sa klasikal na "paaralan" na repertoire, lumahok, siyempre, sa lahat ng mga kaganapan sa maligaya, at sa parehong oras ay nakikibahagi sa isang dance club. Naaalala ko nang may kasiyahan ang aking mga unang tungkulin - si Alexander sa vaudeville ni V. Sollogub na "Trouble from a Gentle Heart", ang Magician sa "An Ordinary Miracle" ni E. Schwartz. Sa pamamagitan ng paraan, ang koponan na lumitaw sa paaralan sa kalaunan ay nakakuha ng katayuan ng isang studio, ngayon ay umiiral na ito bilang isang independiyenteng teatro na tinatawag na Theater-School Game.

Kasabay nito, sa ika-9 na baitang, "ayon sa programa", bilang isang may sapat na gulang, muli akong nakarating sa Opera, kay Eugene Onegin. Nabigo ako, dahil si Tatyana ay inawit ng isang tiyak na "tiya" sa edad na malayo sa 16-taong-gulang na pangunahing tauhang si Pushkin, at napagpasyahan kong mas mabuti, pagkatapos ng lahat, isang dramatikong eksena, lalo na dahil palaging may pagkakataon. kumanta sa dula. Actually, halos lahat ng productions namin kumanta ako, at ang unang nagsabi sa akin tungkol sa presensya ng isang espesyal na boses ay ang aming mga direktor at guro. Pagkatapos ng graduation, seryoso kong pinangarap na makapasok sa acting department, ngunit pinigilan nila akong pumunta sa mga institute ng teatro sa Moscow, sinabi nila na may maliit na pagkakataon, at pinayuhan akong mag-audition sa aming Ural Conservatory, dahil may napakagandang boses. mas mabuting pumunta doon, at hindi sa local theater institute.

Nakumpirma na nila sa mga konsultasyon na oo, mahusay na mga kasanayan sa boses, dapat kong subukan ang hindi bababa sa isang sub-course, dahil mayroong isang pundasyon ng musikal at choral, ngunit hindi ko natapos ang aking pag-aaral bago ang "crust" tungkol sa pagtatapos sa isang paaralan ng musika. . Sa loob ng isang taon kailangan kong maghanda para sa pagpasok nang masigasig, magsanay ng solfeggio, kumuha ng ilang mga vocal lesson, at matuto ng teorya. Tapos nadala talaga ako sa opera, nagsimula akong makinig ng mga recordings, mostly basses. Ang konsiyerto ni Boris Shtokolov sa bulwagan ng Sverdlovsk Philharmonic ay gumawa ng isang mahusay na impression. Kung gaano kaganda at kalakas ang kanyang tinig, at ang katotohanan na ang sikat na mang-aawit, ang ating kababayan, ay nagtapos mula sa parehong Ural Conservatory, ay nahuhulog sa kaluluwa.

Mayroon bang anumang pagdududa sa kahulugan na mayroon ka ring tunay na bass?

Well, pagkatapos ng mutation, ang ilan sa choir ay nagsalita tungkol sa baritone, ngunit pagkatapos ay hindi ko na kantahin ang tuktok, sabihin nating, hanggang sa alam ko kung paano, ngunit ang lower F ay nasa edad na 17, kaya nagkaroon Walang duda.

Mayroon bang sinuman sa pamilya ang may ganoong pambihirang boses?

Sabi nila lolo sa tuhod. Mas gusto ng aking ama na kumanta sa baritonong boses; mahilig ding kumanta ang nanay ko, nag-duet pa sila sa parehong choir studio sa Chelyabinsk. Ngunit lahat ng ito ay nasa antas ng amateur, wala nang iba pa.

Maswerte ka ba sa iyong guro?

Sobrang iniisip ko. Nais nilang dalhin ako sa departamento ng paghahanda, ngunit lumabas na naipasa ko ang lahat ng mga pagsusulit nang perpekto at nakakuha ng pinakamataas na marka sa pagpasa sa mga boses ng lalaki at agad na naging isang freshman. Dinala ako sa klase ni Valery Yuryevich Pisarev, ang nangungunang bass ng Sverdlovsk Opera House sa loob ng maraming taon, na kumanta ng maraming mga tungkulin, parehong kabayanihan at katangian, kabilang ang repertoire ng Sobyet.

Ang unang taon ang pinakamahirap. Naisip ko tuloy, kailan ba talaga tayo magsisimulang maghanda ng mga party? At pinananatili niya ako sa vocalises, sa 2-3 arias, ilang mga romansa, pagkamit ng tamang pamamaraan ng pagkanta. At sa nangyari, siya ay ganap na tama. Ginagamit ko pa rin ang base na inilatag sa pinakadulo simula.

Ngunit sa pagtatapos ng ika-1 taon, inanyayahan ako ni Evgeny Vladimirovich Brazhnik, na namuno sa klase ng opera, na gawin ang aking debut sa teatro. Sa edad na 19, una akong lumabas sa entablado ng opera bilang Angelotti sa Tosca. Mula sa 2nd year pinagsama ko ang pag-aaral at trabaho, naghanda ng mga bagong tungkulin, nakakuha ng karanasan sa entablado. At sa ika-3 taon ay lumipat na siya sa Moscow, at natapos ang 4-5 na kurso sa isang taon, bilang isang panlabas na mag-aaral. Lumapit sa akin ang manager. Nikolai Nikolayevich Golyshev, ang departamento, na nagpapahintulot sa part-time na edukasyon. Ito ay lumabas na dumating ako sa sesyon mula sa Moscow hanggang Yekaterinburg at inilibing ang aking mga pagsusulit tulad ng mga solo concert. Dahil tumakbo na ang lahat para makinig at pumuna, na para bang may binibisita silang guest performer mula sa kabisera. At walang muwang akong umaasa na kumanta nang tahimik para sa komisyon!

Sa murang edad sa propesyonal na yugto, nakatulong ba sa iyo ang karanasan ng drama sa paaralan? mga studio?

Sa tingin ko, oo, sa mga tuntunin ng laro, naramdaman kong madali. Ngunit agad kong naunawaan ang pagkakaiba. Ang isang dramatikong aktor ay mas malaya sa kanyang pananalita - sa ritmo nito, huminto. At sa opera, ang lahat ay una na itinakda ng kompositor, bahagyang ng konduktor, at hindi napakadaling iugnay ang iyong mga gawain sa pag-arte sa musikal na teksto. Pagkatapos ay napagtanto ko na sa katunayan ay walang mas malaya kaysa sa musika, at ang epekto ng opera ay mas malakas kaysa sa drama.

Sa lalong madaling panahon naging soloista ka sa Moscow Novaya Opera.

Oo, tinulungan ako ng aking katutubong conservatory dito. Isang Experimental Youth Theater ang inorganisa batay sa Opera Studio, at ako ay inanyayahan sa paggawa ng opera ni J. Massenet na "Thais", sa Pranses. Kinanta ko si Elder Palemon, in very good make-up, walang nakakilala, even my acting teacher! Ang isa sa mga pagtatanghal ay dinaluhan ni Evgeny Vladimirovich Kolobov, na nagmula sa Moscow bilang chairman ng komisyon para sa mga pagsusuri sa estado. Nagustuhan niya ang boses ko, akala niya ay adult singer ako, at least 35 years old. At nang dalhin nila ako sa kanya, labis akong nagulat: “Ano, bata pa! Ngunit, gayon pa man, halika, dadalhin ko ito sa aking teatro sa Moscow. Sa pamamagitan ng paraan, hindi ako partikular na sabik para sa kabisera. Nagustuhan ko rin ang aking katutubong teatro, maraming mga plano, nagbigay si Brazhnik ng isang listahan ng 15 mga partido, parehong maliit, tulad ng Ferrando sa Il trovatore, at mga pangunahing, hanggang sa Mephistopheles Gounod, na, siyempre, ay maaga noon. Hinikayat ako ng aking asawa na pumunta sa Kolobov - siya ang aking kasama. Lagi akong nakikinig sa payo niya. Kaya naging soloista ako sa Novaya Opera. Sa loob ng halos tatlong taon ay nagtrabaho lamang ako doon, pagkatapos ay pinagsama ko ang trabaho sa Novaya Opera na may mga imbitasyon sa Stanislavsky Theater, na napakabihirang, at sa wakas ay nanirahan dito, sa Bolshaya Dmitrovka.

Bakit ka nagpasya na baguhin ang "pangunahing bahay" sa halos katumbas na tropa?

Sa mga terminong pangmusika, ang karanasan ng pakikipag-usap sa maestro Kolobov ay, siyempre, lubhang mahalaga at mahalaga. Ngunit sa kanyang mga huling taon, siya ay, tulad ng nangyari nang maglaon, ay may malubhang sakit, at nagustuhan niyang umupo sa kanyang opisina nang mag-isa kasama ang mga marka, at hindi na nakikialam sa mga problema sa panloob na teatro. Nagkaroon ng patuloy na paglilipat ng mga soloista sa teatro, tila inanyayahan ka, ngunit hindi ka talaga kailangan, mas abala ka sa mga sumusuporta sa mga tungkulin, at walang pag-asa na gumanap ng isang bagay na makabuluhan.

At anong papel ang debut sa MAMT?

Oo, sa pangkalahatan, isang maliit din, kahit dalawa, sina Benoit at Alcindor sa La Bohème, ngunit kaagad pagkatapos nito ay kumanta rin siya ng Collin. Ngunit ang produksyon na iyon ni A.B. Titel ay naaalala ng marami, dahil malinaw na inihayag nina Olga Guryakova at Akhmet Agadi ang kanilang sarili sa mga pangunahing tungkulin. Sa loob ng ilang taon ay kumanta din siya ng mga bahagi ng pangalawang posisyon, ngunit sa lalong madaling panahon nangyari si Gremin, at mas maraming kawili-wiling mga gawa ang sumunod, kasama ang mga imbitasyon sa ibang bansa ay nagsimula.

Narinig kita sa "Lucia di Lammermoor" at "Force of Destiny" sa entablado ng MAMT, parehong beses sa mga larawan ng mga kleriko: mentor Raimondo at Padre Guardiano. Isang kamangha-manghang kumbinasyon ng tunay na Russian bass density at kayamanan ng timbre (noong sinaunang panahon, anumang katedral ay natutuwa na magkaroon ng tulad ng isang archdeacon) kasama sina Donizetti at Verdi na nahuhulog sa istilong Italyano. Nag-aaral ka ba kung minsan sa isang guro ngayon, o nakakatulong ba na pumili ka ng tamang asawa para sa iyong sarili?

Oo, tama, guro ko na ngayon ang asawa ko - at accompanist, at conductor, at lahat ng bagay sa mundo. Sa kasamaang palad, siya ay abala, nagtatrabaho siya sa Gnessin Academy para sa mga bokalista at konduktor ng koro. Siya ay hindi lamang isang kahanga-hangang pianista at bihasa sa lahat ng mga istilo, ngunit naririnig din niya nang tama ang lahat ng aming mga kapintasan, maaari niyang sabihin sa iyo kung paano ayusin ito. Siya ang aking pinakamahusay na consultant at assistant.

Ang premiere ng tagsibol ng Musical Theatre - "Digmaan at Kapayapaan" ni Prokofiev ay mayaman sa mga laudatory na pagsusuri mula sa mga seryosong kritiko ng musika. Lalo na kapansin-pansin ang pagiging mapanghikayat ng bahagi ni Dmitry Ulyanov ng Kutuzov, at hindi lamang ang vocal.

Ang lahat ay naging maayos sa produksyon na ito, dahil, salungat sa posibleng mga inaasahan, hindi ginawang makabago ni Alexander Borisovich Titel ang aksyon sa isang naka-istilong paraan, sa gayon ay pinapayagan ang madla na tumuon sa mga character at kanilang mga performer. Sa tingin ko, mas mahirap para sa isang artista na maglaro ng isang makasaysayang imahe sa isang modernong dyaket at amerikana. Kapag mayroong isang entourage ng oras, hindi mo napapansin na nakuha mo, kung hindi direkta sa estado ng iyong bayani, ngunit parang sinusubukan mong maglakbay pabalik sa nakaraan - 200 taon na ang nakakaraan. Sa palagay ko kahit na ang mga istoryador ay hindi tiyak na sasabihin kung anong uri ng tao ang totoong Prinsipe M.I. Kutuzov, ngunit maaari mong subukang ilipat ang iyong isip sa panahong iyon upang maunawaan ang kanyang mga aksyon at karakter. Ngunit sa parehong oras, naiintindihan mo na narito ka at ngayon, at dinadala mo ang papel hindi lamang ng mas modernong mga prototype, kundi pati na rin ang iyong kasalukuyang sarili.

Gaano kalalim ang iyong "sumisid" sa materyal? At a minimum, binasa nila ulit ang nobela ni Leo Tolstoy, ano pa?

Hindi ko masasabi na ako ay isang tagahanga ng malalim na "paghuhukay" sa mga makasaysayang pangunahing mapagkukunan, marahil ay may mga maselan sa aking mga kasamahan ... Binasa muli ni Tolstoy, sa totoo lang, lalo na ang mga kabanata tungkol sa digmaan at tungkol sa Kutuzov, Pierre, Prinsipe Andrei. Dagdag pa, tumingin ako sa mga makasaysayang materyales, muling nag-leaf sa pamamagitan ng mga reproductions ng mga painting na may kaugnayan sa panahong iyon, nirepaso ang napakatalino na pelikula ni S. Bondarchuk.

Ngunit ang mas mahalaga dito ay ang musikal na tela ni Prokofiev, na seryosong naiiba kahit sa nobela ni Tolstoy, hindi sa banggitin ang konteksto ng kasaysayan. Ang pangunahing bagay para sa akin ay lubusang pag-aralan ang materyal ng opera.

At saka, nakabuo na ako ng sarili kong prinsipyo. Bago at sa panahon ng trabaho sa papel, hindi ako nakikinig sa anumang mga rekord. Kapag alam mo lang Yu, na binalak sa loob ng 2-3 season, pagkatapos ay maghahanap at manonood ako ng video mula sa performance, isang live na performance, kaysa makinig lang sa isang nalinis na studio audio recording. Malamang, galing ito sa hilig ko sa drama theater. I can compare several productions, if they are different, traditional and modern, even better. Sa sandaling magsimula akong magtrabaho sa mga tala - lahat, tanging ang aking sarili. Dahil hindi mo sinasadyang makopya kung direkta kang nakikinig habang nag-aaral. Unti-unti akong nagsisimulang mangolekta ng makasaysayang materyal, isipin kung paano ko bubuo ang papel sa aking sariling paghuhusga. Sinusubukan kong "mag-isa" kasama ang kompositor, upang maunawaan kung ano ang nais niyang ipahayag, upang bungkalin ang kanyang musikal na wika.

At pagkatapos ay dumating ang konduktor na may sariling pananaw sa musika, at ang pinakamakapangyarihang modernong direktor, na madalas na walang pinag-iiwan sa libretto...

Ito ay isang normal na creative na paghahanap, kapag ang isang bagong pagganap ay ipinanganak sa magkasanib na mga pagtatangka upang maabot ang isang kompromiso. Minsan posible na bigyan ang direktor ng ilang mga pahiwatig ng kanyang sariling mga natuklasan, upang makabuo ng isang bagay, upang makahanap ng mga punto ng pakikipag-ugnay sa konduktor.

Ang mga direktor, anuman ang kanilang konserbatismo o radikalismo, ay nahahati sa mga nagpapahintulot sa artist na "mag-imbento, subukan at lumikha", na binabalangkas lamang ang pangkalahatang konsepto ng imahe, ang pagguhit ng papel, at napaka-metikulosong "tutor" na handa. upang patatagin ang bawat kilos, pagliko ng ulo, bahagyang hindi sa pamamagitan ng mga parisukat upang bumuo ng isang mise-en-scène. Ano ang mas malapit sa iyo?

Siyempre, kapag ang "hakbang pakaliwa - hakbang pakanan" ay hinabol ng napakahirap, ito ay mahirap. Ngunit sa palagay ko sa sinumang direktor ay makakahanap ako ng paraan upang maipahayag ang aking malikhaing sarili.

Nagkaroon ba ng anumang mga salungatan? Well, halimbawa, ngayon ay naka-istilong ilantad ang mga mang-aawit, hindi lahat ay handa para sa parehong pisikal at, pinaka-mahalaga, sa pag-iisip.

Hindi sila nag-alok na pumunta sa entablado ng ganap na hubad, ngunit kailangan nilang maging kalahating hubad ... Ang Grand Inquisitor sa Don Carlos.

Wow! Bakit hinubaran ang isang siyamnapung taong gulang na lalaki?

Doon ito naging makatwiran at malakas ang epekto, ang pagganap ay sa Seville. Nagkaroon ng ganoong agos sa medieval na Katolisismo - ang mga flagellant na nakikibahagi sa self-flagellation ng mga panatiko. Sa produksyon ng Giancarlo Del Monaco, tila upang bigyang-diin ang asetisismo ng Grand Inquisitor, ang kanyang kalupitan kahit na sa kanyang sarili, ang aking kasuotan ay binubuo ng isang uri ng malawak na loincloth at isang bagay na tulad ng isang strip ng tela na nakabitin mula sa leeg. Bukod dito, sinubukan ng mga make-up artist, sa loob ng dalawang oras ay pininturahan nila ang katawan ng mga duguang guhit mula sa mga pilikmata. Ang tradisyunal na papel ng bass - mga hari, mga hari, mga espirituwal na dignitaryo, ay talagang malayo sa "striptease", umaasa ako na hindi ko ito kailangang harapin.

Siyanga pala, napakabata mo, may texture na lalaki, 35 years old, dawn-zenith. At ang boses ay nagdidikta ng mga tungkulin sa edad: mga pinuno, ama, matalinong matatanda. Hindi ba't nakakahiya na, halimbawa, ang nag-iisang hero-lover bass - si Ruslan, ang dumaan sa iyo?

Ruslan - oo, pasensya na at sana makarating ako sa oras. Ngunit noong una ay naunawaan ko na dahil hindi ako isang tenor, hindi ko kayang gampanan ang hero-lover. Mahinahon akong naka-relate sa aking mga "matanda". Sa kabaligtaran, kung minsan ay walang sapat na katangian na pampaganda - isang balbas, kulay-abo na buhok, upang maging mas komportable. Kamakailan ay kumanta si Haring René sa Iolanthe sa Madrid. Sa prinsipyo, isang napaka-kagiliw-giliw na sikolohikal na produksyon ni Peter Sellers, nagustuhan kong magtrabaho sa kanya. Ngunit lumabas ako sa isang modernong overcoat sa ibabaw ng isang business suit. At ito ay naka-out na ang hari ng Provence Rene, tulad ng isang uri ng kondisyon na ama-negosyante. And I would have a crown and a mantle, I would have showed my acting ability much more strongly, although they were accepted just fine anyway. Ang kantahin ang Philip II sa Don Carlos sa portrait make-up, ito ay isang panaginip.

Ang makasaysayang Philip II ay lampas kaunti sa apatnapu sa oras ng pagkamatay ng kanyang anak, malayo rin sa pagiging matandang lalaki.

Well, oo, at si Gremin ay 35 taong gulang lamang, ayon kina Pushkin at Lotman.

Muntik ko nang makalimutan, madalas kasi ang mga basses na kinukuha para kay Don Juan Mozart, lover for all time talaga yan!

Hindi ako matatakot, kaya kong magsalita. Para sa akin, ang pinakamahusay na Don Juan sa maraming dakila ay si Cesare Siepi, lalo na ang bass. Tingnan natin kung paano ito nangyayari...

Ngunit sa kabilang banda, ang mga basses ay may mas malawak na espasyo sa pag-arte kaysa sa mga tenor: mga bayani, kontrabida, mga karakter sa komiks, at mga karakter. Sino ang mas malapit sa iyo?

Interesado ako sa lahat, pinakamahusay na magpalit ng magkakaibang mga character. Napakahusay na gumanap ng apat na papel nang sabay-sabay sa The Tales of Hoffmann, upang mahanap sa mga karakter na ito ang isang mapag-isang nakamamatay na simula at iba't ibang kulay sa mga imahe, upang hubugin ang isang bagay na buo sa apat na maskara. Ang makasaysayang kumander na si Kutuzov o ang marangal na Heneral Gremin, at sa kaibahan, si Don Basilio sa The Barber of Seville, na kinanta ko sa lumang produksyon ng Musical Theater at maaaring gawin sa bago. Maaari kang magsaya at magbiro doon. Bilang ang pinaka-kanais-nais na mga bahagi sa ngayon, maaari kong pangalanan si King Philip, Mephistopheles Gounod at Boris Godunov - bass na "Three Whales".

At si Susanin?

Syempre! At gusto ko ring kantahin si Melnik sa Dargomyzhsky's Mermaid, napakagandang role!

Oh, marami na ang nagsasalita tungkol sa nakalimutang "Sirena" na Ruso! Siguro, sa wakas, maririnig na nila tayo at itanghal ang opera na ito sa lalong madaling panahon?

Ito ay mabuti upang! Samantala, si Dosifey ay nasa plano na para sa Khovanshchina sa Madrid at Escamillo sa Carmen sa Tokyo.

Isa itong iskursiyon sa baritone area. Mayroon ding mataas na tessitura!

Hindi, parang komportable sa akin ang lahat sa bahagi ng Toreador, at malayo ako sa unang bass na kakanta ng Escamillo. Oo, nararamdaman namin ni Scarpia kung ano ang magagawa ko sa hinaharap, ang pag-arte nitong kontrabida role ay napaka-fertile. Buti na lang, versatile ang boses ko. Ipagpalagay na kumanta ako ng tatlong arias mula sa "Prince Igor": Konchak, Galitsky at Igor mismo. Marahil ay mag-iingat ako sa buong bahagi ng Prinsipe Igor, pag-iisipan ko ito, ngunit ang iba pang dalawang tungkulin - mangyaring, hindi bababa sa isang pagganap!

Sa ganoong malawak na hanay, gumagana ba ito para sa iyo sa opera ng ika-20 siglo, kung saan hindi gaanong mahalaga ang boses, ngunit ang kakayahang malinaw na boses kung minsan ay lubhang hindi komportable sa musikal at pampanitikan na teksto?

Wala pa akong gaanong karanasan sa kontemporaryong opera, ngunit hindi ako natatakot na mag-eksperimento. Confident ako sa vocal school ko. Sa paggawa ng Bolshoi Theatre na "Wozzeck" ni A. Berg, inanyayahan akong agarang palitan ang bahagi ng Doktor. Ang estilo ng musikal ay ganap na dayuhan sa akin, ngunit sa lalong madaling panahon naunawaan ko ang sistema at istraktura ng paaralan ng Novovensk, naunawaan ito, nasanay dito, at ang gawain ay naging kawili-wili. Natutunan ko ang lahat ng materyal sa halos isang linggo, na palaging sinasabi ni Teodor Currentzis, ang conductor-producer ng produksyong ito, sa lahat. Hindi ko masabi kung ano ang napakahirap para sa boses, dahil ang upper F-sharp ay kinukuha sa falsetto doon, at ang lower D ay maaaring matalo. Ngunit, sa prinsipyo, ang mga gawa ni A. Berg ay mga klasiko din ng ika-20 siglo. Narito ang isang ganap na modernong opera ni A. Kurlyandsky "Nosferatu", tulad ng sinasabi ng mga kasamahan, sa pangkalahatan - isang pagtingin sa mga vocal sa isang bagong paraan. Para magdesisyon kung kaya ko o hindi, kailangan kong makita ang musical material, tapos sasabihin ko para sigurado kung ito ang bahagi ko. Hindi ito gagana sa pamamagitan ng tainga. Kamakailan lamang, kumanta siya sa Les Noces ni Stravinsky. Gayundin, tulad ng isang klasiko, ngunit malayo sa karaniwan. Ito ay isang maikling gawain na may mahirap na ritmo, ang bass ay may medyo kumplikadong solo, ngunit noong natutunan ko ito, nagustuhan ko ito.

Mabilis ka bang natututo ng bagong materyal, sa iyong sarili o tumutulong ba ang iyong asawa?

Ang asawa, kung konektado, ay nasa huling yugto. Sa una - sa pamamagitan lamang ng aking sarili, mabilis kong nahawakan, tila mayroon akong photographic musical musical memory. Susunod ay ang magkasanib na proseso ng "paggulong" at pagkanta.

At ano ang tungkol sa mga banyagang wika, kung wala ito ngayon ay wala kahit saan?

Ang aking Ingles ay nasa isang mahusay na antas, at maaari ko ring ipaliwanag ang aking sarili sa Italyano. Maaari akong matuto at kumanta sa Pranses at Aleman, magsabi ng ilang mga parirala, ngunit wala nang higit pa. Mayroong, tulad ng sinasabi nila, isang mahusay na auditory perception ng mga wika, ang pagbigkas ng mga coach ay pinuri, naiintindihan ko. Ngayon ay nagsimula na ang panahon ng "Pranses", kumakanta ako at nagtuturo ng maraming bahagi sa wikang ito, kaya kailangan kong matuto. Maging ang tradisyonal na Italyano na papel ni Procida sa Sicilian Vespers ni Verdi, na pinangarap niya, ay magaganap sa unang pagkakataon sa French edition ng opera na ito, sa Opera House sa Bilbao (Spain).

Nagsimula ang aking "French" noong 2010 sa papel na Cardinal de Brogni sa Halevi's Judea sa Tel Aviv, kung saan kumanta sina Neil Shikoff at Marina Poplavskaya sa unang cast, at si Francisco Casanova ay gumanap bilang Eleazar sa pangalawang cast; ilang sandali pa, kinanta ko ang papel ng Cardinal bilang guest soloist sa isang produksyon ng Mikhailovsky Theatre, na ngayon ay kasama si Shikoff.

Paano ka nakipagtulungan sa isang stellar at adult na kasosyo?

Galing! Solid goodwill at walang snobbery sa mga batang kasamahan. Ganun din sa entablado at isa pang "patriarch", si Leo Nucci, maswerte akong kumanta kasama niya sa "Rigoletto" sa Spain, ako si Sparafucile. Lumipad si Nucci, tila, mula sa Japan, at pagkatapos ng 10-oras na paglipad, kinanta niya ang pag-eensayo ng damit nang buong boses at may napakalaking pagbabalik, at pagkatapos ay may mas galit na galit - dalawang pagtatanghal. Nang lapitan ko siya para magpa-autograph, laking gulat niya: “Ano, mga kasamahan tayo, anong autograph?”

Gayundin sa aking French luggage ay mayroon ding madalang na laro ng Marseille sa Les Huguenots ng Meyerbeer, kasama ang isang "apat" mula sa Hoffmann's Tales, at ngayon sa malapit na hinaharap - ang bullfighter na si Escamillo.

At sa parehong oras, ang Espanya ay palaging tunog sa iyong mga plano

Oo, mayroon akong permanenteng ahente sa Espanya, kaya mayroon akong mga imbitasyon at kontrata. Sa Spain, mayroong hindi sinasabing pakikibaka sa pagitan ng Barcelona's Liceu at Madrid's Royal Opera, pati na rin ang Reina Sofia Theater Center sa Valencia. Ang susunod sa ranggo ay ang mga sinehan sa Seville, Bilbao, well, ilan pang lokal. Umaasa akong lumahok sa mga laban na ito nang higit sa isang beses!

Pagbabalik sa pag-uusap tungkol sa mga wika: pakikinig sa aming mga batang mang-aawit, kumbinsido ako ng higit sa isang beses na, kakaiba, kumakanta sila ng mga gawang Ruso na mas masahol pa kaysa sa mga Kanluranin. Bibigyan ka rin ng mga katutubong klasiko na may b tungkol sa mas maraming trabaho?

Ang musikang Ruso ay mas mahirap para sa isang bokalista, totoo iyon. At gayon pa man, sa aking opinyon, iba ang problema. Sa Kanluran, pagkatapos ng lahat, mayroong isang espesyalisasyon, ang mga mang-aawit ay nahahati sa Mozart, Wagner, Baroque, Belkant, Verdi, atbp. Maliban sa mga bihirang phenomena, ngunit sila ay isang espesyal na artikulo.

At madalas tayong maghalo-halo. Ang isang tao na dumating sa teatro ay dapat kumanta ng Mozart ngayon, Mussorgsky sa isang araw, Verdi ngayong linggo. At kapag nag-aaral ang mga kabataan, ngayon ay sinisikap nilang bigyang pansin ang musikang Kanluranin, umaasa na makagawa ng isang matagumpay na karera sa Europa at USA. At ang pagganap nina Tchaikovsky at Glinka, ayon sa pagkakabanggit, ay pilay. Oo, may ganyang uso.

Ngunit para sa akin, ang kahirapan sa Russian opera ay tiyak ang katutubong wika, na naiintindihan ng lahat dito. Buweno, nakalimutan mo, o hindi mo man lang natapos ang iyong tekstong Italyano, binastos ito, bahagyang "pinikit" - kakaunti ang nakaintindi. At anumang mga kapintasan at pagkukulang sa katutubong wika ay agad na maririnig, lalo na ang mga phonetic. Samakatuwid, sa kabalintunaan, mas mahirap para sa mga mag-aaral na matutunan kung paano kumanta nang tama sa kanilang sariling wika kaysa sa isang banyaga. Gayundin sa musikang Ruso ay mas mahirap na makayanan ang paghinga, upang malaman kung paano gamitin ito nang tama.

Sinusuportahan mo ba ang punto ng view na ang stagione system, kapag ang isang bagong produksyon na may pinagsamang koponan ay ginanap mula 5 hanggang 12 beses, at pagkatapos ay ang mga mang-aawit ay pumunta sa isang lugar upang ihanda ang susunod na pagtatanghal, ay mas kapaki-pakinabang para sa mga boses kaysa sa isang repertory theater na may salit-salit na mga gawa mula sa iba't ibang panahon at istilo? Ilulubog mo ang iyong sarili sa Verdi sa loob ng isa o dalawang buwan, pagkatapos ay isa pang may-akda, na nag-aayos ng vocal na paraan sa kanyang partikular na musikal na wika

Hindi ko masagot ayon sa kategorya, ang bawat sistema ay may mga kalamangan at kahinaan nito. Napag-usapan na namin ang tungkol sa kahirapan ng "paglukso" mula sa Russian hanggang sa Pranses o Italyano na musika. Ngunit kung propesyonal mong pagmamay-ari ang device, hindi ito ang pangunahing problema. Para sa akin personal, ang kahirapan ay namamalagi sa ibang lugar. Kapag madalas kang naglalakbay sa mga kontrata, kumakanta ka ng ilang bahagi nang mas madalas, at ang ilan ay napakabihirang, halos isang beses bawat dalawang taon. At medyo mahirap panatilihin sa memorya, sa kondisyon ng pagtatrabaho, maraming mga tungkulin. Dapat nating tandaan ang nakalimutan, ibalik, pag-aaksaya ng mahalagang oras. Pero maganda pa rin ang alaala, salamat sa Diyos!

Kung kumanta ka ng isang serye ng mga pagtatanghal, pagkatapos ay maaari kang tumutok sa isang bagay, dalhin ang papel sa pagiging perpekto, ganap na isawsaw ang iyong sarili sa musika, sa balangkas, na kung paano ko malapit nang magkaroon ng Pimen sa Boris Godunov sa Madrid. Hindi ko masasabi na ako ay isang sintetikong mang-aawit, pagkatapos ng lahat, ako ay mas angkop para sa Mussorgsky, Verdi, Wagner, ngunit maaari kong kantahin ang Mozart, Rossini, at Prokofiev. Sa Europa, ito ang aking trump card, na nakuha sa pamamagitan lamang ng karanasan sa aming repertory theater. At kapag ang mga kasamahan sa Kanluran ay kahalili lamang ng mga bloke ng pagtatanghal, 6-8 beses sa isang pangalan, ang stigma ng "Baroque", "Wagnerian", atbp. ay mas madaling dumikit sa kanila. Malayo sa lahat ay nagtagumpay sa paggawa ng isang pambihirang tagumpay sa isa pang repertoire, kahit na ninanais, mayroong isang buong layer ng malalakas na mang-aawit ng isang average, kahit na mataas na antas, na "pinakain" ng 3-4 na bahagi sa buong buhay nila.

Pagkatapos, siyempre, pinakamainam na kumanta ng 4-6 na pagtatanghal, ngunit kapag higit sa isang dosenang mga ito ay binalak, ang pagkapagod ay naipon sa pagtatapos ng proyekto. Ito ay hindi na nagsisimula kang mekanikal na gumanap ng musika at mise-en-scenes, ngunit ang pag-aayos sa materyal ay lumitaw, lalo na ang sikolohikal. Gayunpaman, sa parehong oras, ang kalidad ng pagganap ay nagpapabuti lamang mula sa pagganap hanggang sa pagganap, at kapag kumanta ka sa huling, ikasampung beses, ang lahat ay halos ganap na napupunta, at ikinalulungkot mo na ang pagtatanghal na ito, na inaasahan mo, ay talagang ang pangwakas. isa...

Kaunti pa tungkol sa mga teksto. Makasaysayang nabuo sa MAMT na walang prompter, naniniwala sina Konstantin Sergeevich at Vladimir Ivanovich na dapat malaman ng mga artista ang lahat sa pamamagitan ng puso, kaya ang mga kuwento ng mga lumang-timer tungkol sa mga nakalimutang salita ay naging biro. At paano ang tungkol sa Europa, umaasa din para sa kanilang sariling memorya?

May mga nag-uudyok lamang sa ilang lugar sa Alemanya, ngunit sa Espanya, sa Madrid, kung saan ako kumakanta, wala sila roon, tulad ng karamihan sa iba pang modernong mga sinehan. Kung nakalimutan mo - lumabas ka hangga't maaari. Samakatuwid, ang kakila-kilabot na panaginip ng lahat ng mga bokalista tungkol sa nakalimutang teksto ay may kaugnayan, at hindi ako nakatakas, ito ang kaso. Lahat tayo ay tao, ang ilang mga biglaang pagbagsak sa ulo ay nangyayari. Nakalimutan ko ang mga salita, tanyag na muling binubuo ang aking sarili kahit na sa maliit na papel ni Zaretsky pabalik sa Novaya Opera. Habang nagdusa si Lensky sa kanyang "Saan, kung saan" nagpasya siyang ulitin sa pag-iisip, at natigil. Dahil sa kakila-kilabot, nagsimula siyang magtanong sa mga miyembro ng orkestra, bilang isang resulta, nakabuo siya ng isang bagong bagay tungkol sa "... sa mga duels ako ay isang klasiko, isang pedant ..." medyo maayos, pinuri ng konduktor ang kanyang pagiging maparaan. Sa totoo lang, madalas akong gumagawa ng sarili kong mga salita, lalo na sa panahon ng pag-aaral, kapag kailangan kong "humiwalay" sa mga nota at kumanta nang buong puso.

Mga taon ng aktibidad Bansa

USSR→Russia

Mga propesyon

mang-aawit sa opera

boses ng kumakanta Mga genre Mga kolektibo dmitryulyan.com

Ulyanov, Dmitry Borisovich(ipinanganak noong Hunyo 2, 1977 sa Chelyabinsk) - Russian opera singer, bass, soloist ng Moscow Academic Musical Theater. K. S. Stanislavsky at Vl. I. Nemirovich-Danchenko

Talambuhay

Pagsisimula ng paghahanap

Noong 1997, pagkatapos makumpleto ang kanyang unang taon sa conservatory, narinig siya ng punong konduktor ng Yekaterinburg Opera at Ballet Theater E.V. Puccini "Tosca") noong Disyembre 6, 1997. Gayunpaman, noong 1998 siya ay naging soloista ng Novaya Opera Theater (Moscow) sa paanyaya ng punong konduktor ng teatro E. Kolobov, kung saan kumanta siya ng maraming bahagi, kabilang ang Loredano (G. Verdi's "Two Foscari"), Varlaam (M. Mussorgsky "Boris Godunov") at iba pa. Naglibot siya kasama ang tropa ng teatro sa maraming lungsod sa Russia at Europa.

MAMT sila. Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko

Noong Agosto 2000, lumipat si Dmitry sa tropa ng Moscow Academic Musical Theater. K. S. Stanislavsky at Vl. I. Nemirovich-Danchenko, at sa lalong madaling panahon ay naging isa sa mga nangungunang soloista ng teatro. Kabilang sa mga pangunahing tungkuling ginagampanan niya ay tulad ni Don Alfonso (W. A. ​​​​Mozart "Gayundin ang lahat ng kababaihan"), Raimondo (G. Donizetti "Lucia Di Lammermoor"), Don Basilio (G. Rossini "Ang Barbero ng Seville"), Gremin ( P. I. Tchaikovsky "Eugene Onegin"), Pan Head (N. A. Rimsky-Korsakov "May Night") at marami pang iba. Sa nakalipas na ilang taon, si Dmitry ay nakikilahok sa lahat ng mahahalagang premiere sa entablado ng kanyang katutubong teatro. Halimbawa, ginampanan niya ang papel ni Padre Guardiano sa opera ni G. Verdi na "The Power of Destiny" (dir. F. Korobov, dir. G. Isahakyan) noong Oktubre 2010, at gayundin noong Mayo 8 at 10, 2011 ay mahusay na gumanap ng mga tungkulin nina Lindorff, Coppelius, Dapertutto at Doctor Miracle sa isang pagtatanghal sa bagong premiere ng opera ni J. Offenbach na The Tales of Hoffmann (direksyon ni E. Brazhnik, sa direksyon ni A. Titel). Nilibot bilang bahagi ng theater troupe sa Italy (Gremin - "Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky, Trieste, 2009), Germany (Don Alfonso - "Cosi Fan Tutte" ni W. Mozart, 2006), sa Latvia, Estonia, Cyprus , sa USA (“La Boheme” ni G. Puccini, 2002; “Tosca” ni G. Puccini, “La Traviata” ni G. Verdi, 2004), sa South Korea (2003), sa maraming lungsod ng Russia (St. Petersburg, Yekaterinburg, Samara, Saratov, Kirov, Rostov-on-Don, Cheboksary, atbp.) Halimbawa, noong Marso 13, 2005, bilang bahagi ng tour ng teatro sa Yekanterinburg, isang concert performance ng opera ni L. Beethoven na "Fidelio" (Ang bahagi ni Rocco) ay naganap sa Aleman na isinagawa ni Thomas Sanderling

Karera sa Russia

Si Dmitry ay aktibong nakikipagtulungan sa maraming mga teatro ng Russia. Noong Oktubre 2011, ginawa niya ang kanyang debut sa entablado ng Mikhailovsky Theater, St. Petersburg, sa papel ni Cardinal De Brogni (F. Halevi "The Jewess"), kung saan ginampanan ng sikat na American tenor na si Neil Shikoff ang papel ni Eleazar. Noong Nobyembre 2010, ginawa ni Dmitry ang kanyang debut sa entablado ng Bolshoi Theater ng Russia, kung saan mahusay niyang ginampanan ang bahagi ng Doctor sa premiere ng opera ni A. Berg na Wozzeck na pinamunuan nina Dmitry Chernyakov at Teodor Currentzis at naging guest soloist ng Bolshoi Theatre ng Russia. Disyembre 6-10, 2006 ay nakibahagi sa XVI International Opera Festival. M. D. Mikhailov sa Cheboksary. Mahusay na ginampanan ni Dmitry ang bahagi ng Don Basilio (Rossini's The Barber of Seville), at nakibahagi rin sa panghuling konsiyerto ng Gala ng pagdiriwang. Nangunguna sa aktibong aktibidad ng konsiyerto, nakikipagtulungan sa State Academic Choir. A. Yurlov sa ilalim ng mga bisig. G. Dmitryak, kasama ang State Academic Symphony Chapel sa ilalim ng braso. V. Polyansky,; bilang bahagi ng International Days of Russia, nag-tour siya kasama ang isang concert program sa China (Beijing, Shanghai) noong Agosto 2006. Noong Disyembre 2003, kinanta niya ang title role sa isang concert performance ng opera ni Grechaninov na Dobrynya Nikitich sa Moscow Philharmonic kasama ang National Academic Orchestra of Folk Instruments na isinagawa ni N. Kalinina; sa parehong taon ay lumahok siya sa pagbubukas ng seremonya ng Krasnodar Conservatory.

Banyagang karera

Kaayon ng Ruso, ang dayuhang karera ni Dmitry ay matagumpay ding umuunlad. Halimbawa, noong Pebrero 2011, matagumpay na ginawa ni Dmitry ang kanyang debut sa entablado ng Royal Opera ng Madrid bilang Marseille sa isang concert production ng opera ni J. Meyerbeer na "Huguenots" sa ilalim ng direksyon ni Renato Palumbo, at noong Enero 2012 sa parehong yugto sa unang pagkakataon ay gagampanan niya ang papel ni Haring René sa opera ni P. Tchaikovsky na "Iolanta" (konduktor - T. Currentzis, direktor - Peter Sellars). Noong Hunyo 2011, kamangha-manghang ginampanan ni Dmitry ang papel ng Grand Inquisitor sa paggawa ng opera ni G. Verdi na "Don Carlos" (direktor - Giancarlo Del Monaco) sa entablado ng Teatro de la Maestranza sa Seville, Spain, at na noong Oktubre Noong 2011 sa parehong teatro ay kinanta ang papel ng Hunding sa opera ni R. Wagner na "Valkyrie". Noong Abril 2010, ginawa rin niya ang kanyang debut sa entablado ng Tel Aviv Opera, Israel sa opera na The Jewess ni F. Halevi, kung saan ginampanan niya ang papel ni Cardinal De Brogny sa ilalim ng direksyon ng conductor na si Daniel Oren sa isang produksyon ni David. Pountney. Noong Hulyo 2010, nakibahagi siya sa International Festival of Forbidden Music sa entablado ng Municipal Opera sa Marseille, kung saan ginampanan niya ang pamagat na papel sa isang pagganap ng konsiyerto ng opera na "Shylock" ni A. Finzi.

Noong 2008-2009 season, ginawa ni Dmitry ang kanyang debut bilang Tomsky sa entablado ng Monte-Carlo Opera (konduktor - D. Yurovsky), at nakibahagi din sa isang magkasanib na proyekto ng Novosibirsk Opera Theater at Opera Bastille, Paris - isang napakagandang produksyon ng opera ni G. Verdi na "Macbeth" , kung saan ginampanan niya ang bahagi ng Banquo sa premiere sa Novosibirsk at kalaunan sa Opéra Bastille (Paris). Direktor ng entablado - Dmitry Chernyakov, konduktor - Teodor Currentzis.

Noong Pebrero 2010, kinanta niya ang bahagi ng Don Marco sa G. C. Menotti's The Saint of Bleecker Street (isinagawa ni Jonathan Webb, dir. Stefan Medcalf), noong Disyembre 2008 - ang bahagi ng Tsar (Aida) , at noong Disyembre 2007 ang papel ni Don Basilio (Ang Barbero ng Seville) sa entablado ng Municipal Opera sa Marseille, France.

Noong Enero 2006, ginampanan niya ang bahagi ng Varlaam (Boris Godunov ni M. Mussorgsky, na itinanghal ni A. Tarkovsky, na isinagawa ni V. Polyanichko) sa Monte Carlo Opera.

Noong Setyembre 2005, ginampanan niya ang papel ni Prince Gremin (Eugene Onegin ni P. Tchaikovsky, dir. - M. Morelli, conductor - K. Karabitz) sa National Rhine Opera (Strasbourg, France); noong Abril 2005 - ang bahagi ng Varlaam (Boris Godunov ni M. Mussorgsky, dir. - N. Joel, dir. - B. Kontarsky) sa Teatre Du Capitole (Toulouse, France), pati na rin ang solong konsiyerto sa entablado ng teatro na ito ( concertmaster - E. Ulyanova)..

Noong Disyembre 2002 - Enero 2003, lumahok siya sa paggawa ng opera ni P. I. Tchaikovsky na Oprichnik sa Cagliari (Italy). Ang pagganap ay naitala sa video at CD, dir. - G. Rozhdestvensky, dir. - Graham Wick.

Mga pakikipag-ugnayan at gumanap na bahagi

Mga titulo at parangal

Discography

Mga Tala

Mga link

• Impormasyon tungkol sa mang-aawit sa opisyal na website ng MAMT sa kanila. K. S. Stanislavsky at Vl. I. Nemirovich-Danchenko
• Channel ng mang-aawit YouTube
• Opisyal na site dmitryulyan.com

Mga Kategorya:

• Mga personalidad sa pagkakasunud-sunod ng alpabeto
• Mga musikero ayon sa alpabeto
• Hunyo 2
• Ipinanganak noong 1977
• Ipinanganak sa Chelyabinsk
• Mga mang-aawit at mang-aawit ng Opera ng Russia
• Mga Tao: Moscow Musical Theatre. Stanislavsky at Nemirovich-Danchenko

Wikimedia Foundation. 2010 .