Ang nilalaman ng artikulo

OPERA COMIC, sa orihinal na kahulugan ng termino: isang hanay ng mga pambansang uri ng genre ng opera na lumitaw noong 1730s at tumagal hanggang sa simula ng ika-19 na siglo. Sa hinaharap, ang termino ay nawala ang hindi malabo; ngayon ito ay madalas na ginagamit na may kaugnayan sa iba't ibang uri ng musikal at entertainment na pagtatanghal ng komedya na nilalaman (farce, buffooner, vaudeville, operetta, musikal, atbp.).

Ang pinagmulan at mga tampok ng genre.

Ang comic opera ay binuo sa mga bansang may nabuong kultura ng opera bilang alternatibo sa court opera seria (it. opera seria - serious opera), ang mga prinsipyo nito ay binuo noong ika-17 siglo. Mga kompositor ng Italyano ng paaralang Neapolitan (sa partikular, A. Scarlatti). Pagsapit ng ika-18 siglo Ang Italian court opera ay pumasok sa panahon ng krisis sa pag-unlad nito, na naging "costume concerts" - isang makinang, puspos ng virtuoso vocal effects, ngunit isang static na panoorin. Sa kabaligtaran, ang comic opera ay may higit na kakayahang umangkop, na katangian ng mga bago, mga batang anyo ng sining, at samakatuwid ay may higit na dinamika at potensyal na pag-unlad. Ang bagong theatrical genre ay naging laganap sa buong Europa, sa bawat bansa na bumuo ng sarili nitong iba't ibang comic opera.

Gayunpaman, sa kabila ng lahat ng mga pambansang kakaiba, ang pangkalahatang mga landas ng pag-unlad ng comic opera ay magkatulad. Ang pagbuo nito ay natukoy ng mga demokratikong prinsipyo ng Enlightenment. Salamat sa kanila, lumitaw ang mga bagong uso sa musika at operatic dramaturgy sa comic opera: kalapitan sa pang-araw-araw na buhay, folk melody (kapwa sa vocal at dance episodes), parody, kakaiba, "masked", characterization ng mga character. Sa mga plot constructions ng comic opera, ang solemne antique at historical-legendary lines, na nanatiling isang genre feature ng opera seria, ay hindi tuloy-tuloy na binuo. Ang mga demokratikong tendensya ay makikita rin sa mga pormal na tampok ng comic opera: mga kolokyal na dialogue, recitatives, dynamism ng aksyon.

Mga pambansang uri ng comic opera.

Ang Italya ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng comic opera, kung saan ang genre na ito ay tinawag na opera buffa (Italian opera buffa - comic opera). Ang pinagmulan nito ay ang mga comedy opera ng Roman school noong ika-17 siglo. at commedia dell'arte. Sa una, ito ay mga nakakatawang interlude na ipinasok para sa emosyonal na pagpapalabas sa pagitan ng mga gawa ng opera seria. Ang unang buffa opera ay Ginang Maid G. B. Pergolesi, isinulat ng kompositor bilang interlude sa kanyang sariling opera seria Proud na preso(1733). Sa hinaharap, ang mga buffa opera ay nagsimulang gumanap nang nakapag-iisa. Sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang maliit na sukat, isang maliit na bilang ng mga karakter, buffoon-type na arias, patter sa vocal parts, pagpapalakas at pag-unlad ng mga ensembles (kumpara sa opera seria, kung saan ang mga solong bahagi ang batayan, at ang mga ensemble at choir ay halos hindi kailanman ginamit). Ang mga katutubong genre ng kanta at sayaw ay nagsilbing batayan para sa musikal na dramaturhiya. Nang maglaon, ang liriko at sentimental na mga tampok ay tumagos sa buffa opera, inilipat ito mula sa magaspang na commedia dell'arte tungo sa mga kakaibang problema at mga prinsipyo ng plot ng C. Gozzi. Ang pag-unlad ng opera buffa ay nauugnay sa mga pangalan ng mga kompositor na sina N. Picchini, G. Paisiello, D. Cimarosa.

Espanyol na bersyon ng comic opera tonadilla(Spanish tonadilla - kanta, bawasan mula sa tonada - kanta). Tulad ng opera buffa, ang tonadilla ay ipinanganak mula sa isang numero ng kanta at sayaw na nagbukas ng isang pagtatanghal sa teatro o ginawa sa pagitan ng mga kilos. Mamaya nabuo sa isang hiwalay na genre. Ang unang tonadilla Inkeeper at driver(composer L. Mison, 1757). Ang iba pang mga kinatawan ng genre ay M. Pla, A. Guerrero, A. Esteve i Grimau, B. de Lacerna, J. Valledor. Sa karamihan ng mga kaso, ang mga kompositor mismo ang sumulat ng libretto para sa tonadilla.

Sa France, nabuo ang genre sa ilalim ng pangalan opera comique(fr. - comic opera). Nagmula ito bilang isang satirical na parody ng "grand opera". Hindi tulad ng linya ng pag-unlad ng Italyano, sa France ang genre ay unang nabuo ng mga playwright, na humantong sa kumbinasyon ng mga musikal na numero na may mga kolokyal na diyalogo. Kaya, si J.J. Rousseau ay itinuturing na may-akda ng unang French opéra comique ( mangkukulam sa nayon, 1752). Ang musikal na dramaturhiya ng opéra comique ay nabuo sa gawain ng mga kompositor na sina E. Duny, F. Philidor. Sa panahon ng pre-revolutionary, ang opéra comique ay nakakuha ng romantikong oryentasyon, saturation na may seryosong damdamin at nilalamang pangkasalukuyan (mga kompositor na P. Monsigny, A. Gretry).

Sa England, ang pambansang bersyon ng comic opera ay tinawag na ballad opera at higit sa lahat ay binuo sa genre ng social satire. Klasikong pattern - Opera ng mga Pulubi(1728) ng kompositor na si J. Pepush at playwright na si J. Gay, na naging isang nakakatawang parody ng mga kaugalian ng aristokrasya ng Ingles. Sa iba pang mga kompositor ng Ingles na nagtrabaho sa genre ng ballad opera, ang pinakasikat ay si Ch. Coffey, na ang trabaho ay nagkaroon ng malubhang impluwensya sa pag-unlad ng genre sa Germany .

Ang German at Austrian varieties ng comic opera ay may parehong pangalan singspiel(German Singspiel, mula sa singen - upang kumanta at Spiel - laro). Gayunpaman, ang German at Austrian Singspiel ay may sariling katangian. Kung sa Germany ang genre ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng English ballad opera, sa Austria ito ay nasa ilalim ng impluwensya ng Italian commedia dell'arte at ng French opéra comique. Ito ay dahil sa culturological originality ng kabisera ng Austria, Vienna, na noong ika-18 siglo ay naging kabisera ng Austria. isang internasyonal na sentro kung saan nabuo ang sining ng musika ng iba't ibang tao. Ang Austrian Singspiel, hindi katulad ng German, kasama ang couplet at ballad number, ay may kasamang malalaking operatic form: arias, ensembles, well-developed finals. Ang bahagi ng orkestra ay tumatanggap din ng higit na pag-unlad sa Austrian singspiel. Ang pinakasikat na kompositor ng Singspiel ay sina J. Shtandfuss, J. A. Giller, V. Müller, K. Dietersdorf at iba pa.

Pagbabago ng genre.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo ang pagbuo ng mga pambansang genre ng comic opera sa kanilang "dalisay" na anyo ay nagsimulang humina. Gayunpaman, sa kanilang batayan, ang mga bagong prinsipyo ng ilang mga uri ng musikal at entertainment arts ay nabuo nang sabay-sabay. At narito ang nangungunang papel muli ay kabilang sa Viennese musical school.

Sa isang banda, ang comic opera sa pangkalahatan at ang singspiel sa partikular ay nag-ambag sa repormasyon ng classical opera art, kung saan gumaganap ng malaking papel si W. A. ​​​​Mozart. Kasunod ng landas ng panloob na pag-renew at synthesis ng mga nakaraang anyo ng musikal, nilikha ni Mozart ang kanyang sariling konsepto ng opera, pinayaman ang medyo simpleng pamamaraan ng singspiel at opera buffa, na nagpapakilala ng sikolohikal na panghihikayat, makatotohanang mga motibo sa kanila, at dinadagdagan din sila ng musikal. mga anyo ng seryosong opera. Kaya, Kasal ni Figaro(1786) organikong pinagsama ang anyo ng opera buffa na may makatotohanang nilalaman; Don Juan(1787) pinagsasama ang komedya sa isang tunay na trahedya na tunog; mahiwagang plauta(1791) ay kinabibilangan ng iba't ibang genre ng musika sa klasikal na singspiel: extravaganza, chorale, fugue, atbp.

Kaayon ng Mozart at sa parehong mga prinsipyo sa Austria, isang makabagong rebisyon ng opera ang isinagawa ni J. Haydn ( Tunay na katatagan, 1776; Mundo ng buwan, 1977; Ang kaluluwa ng isang pilosopo, 1791). Ang mga dayandang ng singspiel ay malinaw na naririnig sa nag-iisang opera ni L. van Beethoven Fidelio (1805).

Ang mga tradisyon nina Mozart at Haydn ay naintindihan at ipinagpatuloy sa gawain ng Italyano na kompositor na si G.A. Rossini (mula sa Mga tala ng pangako para sa kasal, 1810, bago Barbero ng Seville, 1816, at Cinderella, 1817).

Ang isa pang sangay ng pag-unlad ng comic opera ay nauugnay sa paglitaw at pagbuo ng Viennese classical operetta school. Kung noong ika-18 siglo Ang mga uri ng comic opera ay madalas na tinatawag na operetta (Italian operetta, French opérette, lit. - maliit na opera), pagkatapos ay noong ika-19 na siglo. ito ay naging isang hiwalay na malayang genre. Ang mga prinsipyo nito ay nabuo sa France, ng kompositor na si J. Offenbach, at nakuha ang kanilang pormasyon sa kanyang Bouffe-Parisien theater.

Ang Viennese classical operetta ay pangunahing nauugnay sa pangalan ni I. Strauss (anak), na dumating sa genre na ito huli, sa ikalimang dekada ng kanyang buhay, nang siya ay isa nang sikat sa mundo na may-akda ng maraming klasikal na waltzes. Ang mga operetta ni Strauss ay nailalarawan sa pamamagitan ng melodic richness at iba't ibang mga musikal na anyo, katangi-tanging orkestra, detalyadong symphonic motif ng mga episode ng sayaw, at isang matatag na pag-asa sa Austro-Hungarian folk music. Sa lahat ng ito, walang alinlangan, ang mga tradisyon ng comic opera ay binabasa. Gayunpaman, sa pagbuo ng operetta bilang isang genre, ang pangunahing diin ay inilagay sa musikal at pagganap (parehong orkestra at vocal-choreographic) na mga kasanayan. Ang linya ng teksto ng dramaturgy, na matagumpay na nabuo sa English ballad opera at ang French opéra comique, ay nauwi sa wala at naging primitive dramaturgical crafts - ang libretto. Kaugnay nito, sa 16 na operetta na isinulat ni Strauss, tatlo lamang ang nakaligtas sa repertoire ng mga sinehan ng mga sumunod na panahon: Bat, Gabi sa Venice at Gypsy baron. Ito ay sa eskematiko libretto na ang tradisyonal na pagpapatungkol ng operetta sa light entertainment genre ay konektado din.

Ang pagnanais na ibalik ang lalim at lakas ng tunog sa sintetikong musikal at kamangha-manghang teatro ay nagdulot ng karagdagang pagbuo at pag-unlad ng genre ng musikal, kung saan umiiral ang tekstuwal, plastik at dramaturhiya sa musika sa isang hindi mapaghihiwalay na pagkakaisa, nang walang umiiral na presyon ng sinuman sa kanila.

Comic opera sa Russia.

Ang pag-unlad ng musikal na teatro sa Russia hanggang sa huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo. ay batay sa sining ng Kanlurang Europa. Sa partikular, ito ay pinadali ng espesyal na pagkahilig ni Catherine II sa mga "dayuhang" artist. Kung sa teatro ng drama ng Russia sa oras na iyon ang mga pangalan ng mga manunulat na Ruso na sina A. Sumarokov, M. Kheraskov, Y. Knyaznin, D. Fonvizin at iba pa ay kilala na, kung gayon ang mga pagtatanghal ng mga ballet at opera troupe ay batay lamang sa mga gawa. ng mga dayuhang may-akda. Kasama ng mga Russian amateur at propesyonal na grupo, ang French opéra comique at ang Italian opera buffa ay inanyayahan na maglibot sa court theater ng cabinet secretary ni Catherine II, Ivan Elagin, na namamahala sa theatrical "states". Ito ay higit sa lahat dahil sa mga extra-theatrical na interes ng mga maimpluwensyang courtier ni Catherine II (Prince Potemkin, Count Bezborodko, atbp.): sa oras na iyon ay itinuturing na magandang anyo ang magkaroon ng mga pakikipag-ugnayan sa mga dayuhang artista.

Laban sa background na ito, ang pagbuo ng paaralan ng opera ng Russia at ang sekular na paaralan ng mga kompositor ay nagsimula sa pagbuo ng pambansang comic opera. Ang landas na ito ay medyo natural: ito ay ang comic opera, dahil sa kanyang pangunahing demokratikong kalikasan, na nagbibigay ng pinakamataas na pagkakataon para sa pagpapakita ng pambansang kamalayan sa sarili.

Ang paglikha ng isang comic opera sa Russia ay nauugnay sa mga pangalan ng mga kompositor na si V. Pashkevich ( Problema mula sa karwahe, 1779; Kuripot, 1782), E. Fomina ( Coachmen sa isang setup, o isang laro kapag nagkataon, 1787; mga Amerikano, 1788), M. Matinsky ( Saint Petersburg Gostiny Dvor, 1782). Ang musika ay batay sa himig ng mga awiting Ruso; ang interpretasyon ng entablado ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang libreng paghalili ng recitative at melodic na pag-awit, isang masiglang makatotohanang pag-unlad ng mga katutubong karakter at pang-araw-araw na buhay, mga elemento ng panlipunang pangungutya. Ang pinakasikat na comic opera Melnik - isang mangkukulam, isang manlilinlang at isang matchmaker sa libretto ng playwright na si A. Ablesimov (komposer - M. Sokolovsky, 1779; mula 1792 ito ay ginanap sa musika ni E. Fomin). Nang maglaon, ang Russian comic opera (pati na rin ang European varieties nito) ay dinagdagan ng liriko at romantikong motif (mga kompositor na K. Kavos - Ivan Susanin,Nikitich,Firebird at iba pa.; A. Verstovsky - Pan Tvardovsky,libingan ni Askold at iba pa.).

Ang Russian comic opera ay minarkahan ang simula ng pagbuo noong ika-19 na siglo. dalawang direksyon ng pambansang musikal at entertainment theater. Ang una ay ang klasikal na opera ng Russia, ang mabilis na pag-unlad ng kung saan ay dahil sa mga talento ng M. Glinka, A. Dargomyzhsky, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov, P. Tchaikovsky at iba pa. Gayunpaman, iilan lamang ang natitira sa sangay ng sining ng musikal na ito. mga tampok ng orihinal na genre: pag-asa sa mga katutubong melodies at mga indibidwal na comedic episodes. Sa kabuuan, ang Russian opera ay organikong pumasok sa pangkalahatang tradisyon ng mundo ng mga klasiko ng opera.

Ang pangalawang direksyon ay mas malinaw na napanatili ang mga partikular na tampok ng komedya. Ito ang Russian vaudeville, kung saan ang diyalogo at nakakaaliw na aksyon, na binuo sa nakakatuwang intriga, ay pinagsama sa musika, mga taludtod at sayaw. Sa isang tiyak na kahulugan, ang Russian vaudeville ay maaaring ituring na isang uri ng "light genre" ng European operetta, ngunit mayroon itong sariling mga natatanging tampok. Ang dramatikong batayan ng vaudeville ay hindi isang libretto, ngunit isang mahusay na pagkakagawa ng dula. Sabihin, isa sa mga unang Ruso na may-akda ng vaudeville ay si A. Griboyedov ( Sariling pamilya, o may asawa, sa pakikipagtulungan kay A. Shakhovsky at N. Khmelnitsky, 1817; Sino ang isang kapatid na lalaki, sino ang isang kapatid na babae, o Panlilinlang pagkatapos ng panloloko, sa pakikipagtulungan kay P. Vyazemsky, 1923). Nagtrabaho si A. Pisarev sa genre ng vaudeville, kalaunan - F. Koni, D. Lensky (kanyang vaudeville Lev Gurych Sinichkin ay itinanghal hanggang sa araw na ito), V. Sollogub, P. Karatygin at iba pa. Kaya, hindi musikal, ngunit pampanitikang dramaturgy ang bumubuo sa batayan ng Russian vaudeville, habang ang musika ay binibigyan ng pantulong na papel sa mga nakapasok na couplet. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo Ginawa ni A. Chekhov ang kanyang kontribusyon sa pagpapaunlad ng vaudeville ( Oso,Pangungusap,Anibersaryo,Kasal atbp.), pag-alis nito sa static na balangkas ng genre at pagpapayaman sa mga karakter ng mga karakter.

Ang mga pagtatangka na bumuo ng genre ng comic opera batay sa isang kumbinasyon ng mga tradisyon ng operetta na may detalyadong sikolohikal na pag-unlad ng mga character ay ginawa sa Russia sa simula ng ika-20 siglo, kabilang ang Moscow Art Theater. Kaya, nilikha ni V. Nemirovich-Danchenko noong 1919 ang Musical Studio (Comic Opera) at itinanghal ang Moscow Art Theater kasama ang mga aktor nito anak ni Ango Lecoq at perichole Offenbach, nagpasya bilang "melodrama buff". Noong unang bahagi ng 20s, si Nemirovich-Danchenko ay nagtanghal ng mga comic opera dito Lysistrata Aristophanes, 1923; Carmencita at ang sundalo, 1924.

Noong panahon ng Sobyet, na nagpahayag ng sosyalistang realismo bilang pangunahing prinsipyo ng sining, ang walang kabuluhang kahulugan ng genre ng "operetta" ay lalong natatakpan ng neutral na "musical comedy". Sa katunayan, sa loob ng balangkas ng pangkalahatang terminong ito, mayroong maraming mga uri - mula sa klasikal na operetta hanggang sa hindi bababa sa klasikal na vaudeville; mula sa jazz approach sa musical hanggang sa Brechtian zong operas; kahit na "pathetic comedy", atbp.

Ang interes ng mga artista sa drama ng Russia sa musikal na teatro ay palaging napakahusay: naaakit sila ng pagkakataong subukan ang kanilang sarili sa isang bagong genre, upang ipakita ang kanilang mga kakayahan sa boses at plastik. Kasabay nito, ang synthetic musical genre ay walang alinlangan na lalo na kaakit-akit: ang tradisyonal na Russian acting school ay patuloy na nililinang ang sikolohiya, na hindi masyadong obligado para sa isang operetta o vaudeville. Ang pagkawasak ng "Iron Curtain" at pagsali sa pandaigdigang daloy ng kultura ay nagbigay sa Russia ng mga bagong pagkakataon para sa pagbuo ng sintetikong genre ng musikal, na sumakop sa buong mundo sa oras na iyon. At ngayon, ilang mga tao ang naaalala na ang kasaysayan ng pinakasikat na genre ng musika sa mundo ay nagsimula sa unang kalahati ng ika-18 siglo. mula sa comic opera.

Tatyana Shabalina

ital. opera, lit. - trabaho, trabaho, sanaysay

Isang uri ng musical drama. Ang opera ay batay sa synthesis ng mga salita, aksyon sa entablado at musika. Hindi tulad ng iba't ibang uri ng drama theater, kung saan gumaganap ang musika ng auxiliary, applied functions, sa opera ito ang nagiging pangunahing carrier at driving force ng aksyon. Ang isang opera ay nangangailangan ng isang holistic, patuloy na pagbuo ng musikal at dramatikong konsepto (tingnan). Kung ito ay wala, at ang musika lamang ang sumasaliw, ay naglalarawan ng tekstong pandiwa at ang mga kaganapang nagaganap sa entablado, kung gayon ang operatikong anyo ay nahuhulog, at ang pagiging tiyak ng opera bilang isang espesyal na uri ng musikal at dramatikong sining.

Ang paglitaw ng opera sa Italya sa pagliko ng ika-16-17 siglo. ay inihanda, sa isang banda, ng ilang mga anyo ng Renaissance t-ra, kung saan ang musika ay binigyan ng kahulugan. lugar (isang kahanga-hangang interlude, isang pastoral na drama, isang trahedya sa mga koro), at sa kabilang banda, isang malawak na pag-unlad sa parehong panahon ng solong pag-awit kasama ang instr. escort. Nasa O. na natagpuan ng mga paghahanap at eksperimento noong ika-16 na siglo ang kanilang buong ekspresyon. sa larangan ng expressive wok. monody, na may kakayahang maghatid ng iba't ibang mga nuances ng pagsasalita ng tao. Sumulat si B.V. Asafiev: "Ang dakilang kilusang Renaissance, na lumikha ng sining ng" bagong tao ", ay nagpahayag ng karapatang malayang ihayag ang kaluluwa, mga emosyon sa labas ng pamatok ng asetisismo, ay nagbigay-buhay din ng bagong pag-awit, kung saan ang tinig, inaawit na tunog naging pagpapahayag ng emosyonal na kayamanan ng puso ng tao sa Ang malalim na rebolusyong ito sa kasaysayan ng musika, na nagbago sa kalidad ng intonasyon, ibig sabihin, ang paglalantad ng panloob na nilalaman, kaluluwa, emosyonal na kalagayan na may boses at diyalekto ng tao, ay maaari lamang magdala ng opera. sining sa buhay "(Asafiev B.V., Izbr. works, vol. V, M., 1957, p. 63).

Ang pinakamahalaga, hindi maiaalis na elemento ng isang produksyon ng opera ay ang pagkanta, na naghahatid ng maraming karanasan ng tao sa pinakamagagandang shade. Sa pamamagitan ng diff. bumuo ng wok. mga intonasyon sa O. ay nagpapakita ng isang indibidwal na kaisipan. ang bodega ng bawat karakter, ang mga katangian ng kanyang karakter at ugali ay ipinapadala. Mula sa banggaan ng iba't ibang intonasyon. complexes, ang ugnayan sa pagitan ng kung saan ay tumutugma sa pagkakahanay ng mga puwersa sa mga drama. aksyon, ang "intonation dramaturgy" ng O. ay ipinanganak bilang isang musikal na drama. buo.

Ang pag-unlad ng symphony sa 18-19 na siglo. pinalawak at pinayaman ang mga posibilidad ng pagbibigay-kahulugan sa mga drama gamit ang musika. mga aksyon sa pagsasalita, ang pagsisiwalat ng nilalaman nito, na hindi palaging ganap na nabubunyag sa inaawit na teksto at mga aksyon ng mga tauhan. Ang orkestra ay gumaganap ng magkakaibang komentaryo at pangkalahatang papel sa opera. Ang mga pag-andar nito ay hindi limitado sa suporta sa wok. partido at nagpapahayag ng accentuation ng indibidwal, pinaka makabuluhan. mga sandali ng pagkilos. Maaari itong maghatid ng "undercurrent" ng aksyon, na bumubuo ng isang uri ng drama. kontra sa kung ano ang nangyayari sa entablado at kung ano ang kinakanta ng mga mang-aawit. Ang ganitong kumbinasyon ng iba't ibang mga plano ay isa sa pinakamalakas na pagpapahayag. mga trick sa O. Kadalasan ang orkestra ay nagtatapos, kumukumpleto sa sitwasyon, dinadala ito sa pinakamataas na punto ng mga drama. Boltahe. Ang isang mahalagang papel ay kabilang din sa orkestra sa paglikha ng background ng aksyon, na binabalangkas ang sitwasyon kung saan ito nagaganap. Paglalarawan ng orkestra. ang mga episode kung minsan ay nagiging kumpletong symphony. mga kuwadro na gawa. Purong orc. ang ilang mga kaganapan na bahagi ng mismong aksyon ay maaari ding isama sa pamamagitan ng paraan (halimbawa, sa mga symphonic intermission sa pagitan ng mga eksena). Sa wakas, orc. ang pag-unlad ay nagsisilbing isa sa mga nilalang. mga kadahilanan sa paglikha ng isang integral, kumpletong operatic form. Ang lahat ng nasa itaas ay kasama sa konsepto ng operatic symphonism, na gumagamit ng marami sa mga pampakay na pamamaraan. pag-unlad at paghubog, na namamayani sa "dalisay" na instr. musika. Ngunit ang mga diskarteng ito ay mas nababaluktot at malayang gamitin sa teatro, napapailalim sa mga kondisyon at kinakailangan ng teatro. mga aksyon.

Kasabay nito, ang reverse effect ni O. sa instr. musika. Kaya, nagkaroon ng hindi maikakailang impluwensya si O. sa pagbuo ng klasiko. symp. orkestra. Orc row. mga epekto na lumitaw kaugnay ng ilang mga gawaing teatro.-drama. order, pagkatapos ay naging pag-aari ng instr. pagkamalikhain. Ang pag-unlad ng operatic melody noong ika-17-18 siglo. naghanda ng ilang uri ng klasiko. instr. thematism. Ang mga kinatawan ng programmatic romanticism ay madalas na gumagamit ng mga pamamaraan ng operatic expressiveness. symphonism, na naghangad na magpinta sa pamamagitan ng instr. musika, mga konkretong larawan at larawan ng realidad, hanggang sa pagpaparami ng mga kilos at intonasyon ng pananalita ng tao.

O. ay gumagamit ng iba't ibang genre ng pang-araw-araw na musika - kanta, sayaw, martsa (sa kanilang maraming uri). Ang mga genre na ito ay nagsisilbi hindi lamang upang balangkasin ang background, kung saan ang aksyon ay paglalahad, upang lumikha ng isang nat. at lokal na kulay, ngunit din upang makilala ang mga character. Ang isang paraan na tinatawag na "generalization through the genre" (termino ni A. A. Alshwang) ay malawak na ginagamit sa O.. Ang kanta o sayaw ay nagiging isang paraan ng pagiging totoo. typification ng imahe, na inilalantad ang pangkalahatan sa partikular at indibidwal.

Pagkakaiba ng ratio. mga elementong bumubuo sa O. bilang sining. buo, nag-iiba depende sa pangkalahatang aesthetic. mga tendensiyang namamayani sa isang partikular na panahon, sa isang direksyon o iba pa, gayundin mula sa partikular na creative. mga gawaing nalutas ng kompositor sa gawaing ito. May mga orkestra na higit sa lahat ay vocal, kung saan ang orkestra ay itinalaga ng pangalawang, subordinate na tungkulin. Gayunpaman, ang orkestra ay maaaring Ch. tagadala ng drama. aksyon at dominahin ang wok. mga partido. Ang O. ay kilala, na itinayo sa kahalili ng natapos o medyo tapos na mga wok. mga anyo (aria, arioso, cavatina, iba't ibang uri ng ensembles, choirs), at O. preim. recitative warehouse, kung saan ang aksyon ay patuloy na umuunlad, nang walang dismemberment sa hiwalay. mga yugto (mga numero), O. na may nangingibabaw na solong simula at O. na may mga binuo na ensemble o koro. Lahat ng R. ika-19 na siglo inilagay ang konsepto ng "musical drama" (tingnan ang Musical Drama). Mga muse. ang drama ay tutol sa conditional O. ng isang "numbered" na istraktura. Ang kahulugan na ito ay nangangahulugan ng produksyon, kung saan ang musika ay ganap na napapailalim sa mga drama. pagkilos at sinusundan ang lahat ng kurba nito. Gayunpaman, ang kahulugan na ito ay hindi isinasaalang-alang ang tiyak regularidad ng operatic dramaturgy, na hindi naaayon sa mga batas ng drama sa lahat ng bagay. t-ra, at hindi nililimitahan ang O. sa ilang iba pang uri ng teatro. mga pagtatanghal na may musika, kung saan hindi ito gumaganap ng isang nangungunang papel.

Ang katagang "Oh." kondisyonal at lumitaw nang huli kaysa sa uri ng music-drama na itinalaga niya. gumagana. Sa unang pagkakataon, ginamit ang pangalang ito sa ibinigay na kahulugan nito noong 1639, at pumasok ito sa pangkalahatang paggamit noong ika-18 - unang bahagi ng ika-16 na siglo. ika-19 na siglo Ang mga may-akda ng mga unang opera, na lumitaw sa Florence sa pagliko ng ika-16 at ika-17 siglo, ay tinawag silang "mga drama sa musika" (Drama per musica, lit. "drama through music" o "drama for music"). Ang kanilang paglikha ay sanhi ng pagnanais para sa muling pagkabuhay ng ibang Griyego. trahedya. Ang ideyang ito ay isinilang sa isang lupon ng mga humanist na iskolar, manunulat, at musikero na pinagsama sa paligid ng Florentine nobleman na si G. Bardi (tingnan ang Florentine Camerata). Ang mga unang halimbawa ng O. ay itinuturing na "Daphne" (1597-98, hindi napanatili) at "Eurydice" (1600) ni J. Peri sa susunod. O. Rinuccini (sinulat din ni G. Caccini ang musika para sa "Eurydice"). Ch. ang gawaing inihain ng mga may-akda ng musika ay ang kalinawan ng declamation. Wok. ang mga bahagi ay pinananatili sa isang melodic-recitative na bodega at naglalaman lamang ng ilang, hindi magandang binuo na mga elemento ng coloratura. Noong 1607 mayroong isang post sa Mantua. O. "Orpheus" ni C. Monteverdi, isa sa pinakadakilang musikero-playwright sa kasaysayan ng musika. Dinala niya ang tunay na drama sa O., ang katotohanan ng mga hilig, nagpayaman sa kanyang ekspresyon. pondo.

Ipinanganak sa isang aristokratikong kapaligiran. ang salon, O. sa kalaunan ay nagdemokratize, nagiging accessible sa mas malawak na mga seksyon ng populasyon. Sa Venice, na naging gitna. ika-17 siglo ch. sentro para sa pag-unlad ng genre ng opera, noong 1637 ang unang pampublikong teatro ay binuksan. teatro ng opera ("San Cassiano"). Ang pagbabago sa panlipunang base ng wika ay nakaapekto sa mismong nilalaman at katangian nito. pondo. Kasama ang mitolohiya Ang mga plot ay lilitaw sa kasaysayan. mga tema, mayroong labis na pananabik para sa matalas, matinding drama. mga salungatan, ang kumbinasyon ng trahedya sa komiks, ang kahanga-hanga sa katawa-tawa at ang kasuklam-suklam. Wok. Ang mga bahagi ay melodiko, nakuha ang mga tampok ng bel canto, at bumangon nang nakapag-iisa. solong episode ng ariose type. Ang mga huling opera ni Monteverdi ay isinulat para sa Venice, kabilang ang The Coronation of Poppea (1642), na muling binuhay sa repertoire ng modernong panahon. mga sinehan sa opera. F. Cavalli, M. A. Chesti, G. Legrenzi, A. Stradella ay kabilang sa pinakamalaking kinatawan ng Venetian opera school (tingnan ang Venetian school).

Ang pagkahilig sa pagtaas ng melodic. simula at pagkikristal ng mga natapos na woks. mga form, na binalangkas ng mga kompositor ng Venetian school, ay higit na binuo ng mga masters ng Neapolitan opera school, na binuo sa simula. Ika-18 siglo Ang unang pangunahing kinatawan ng paaralang ito ay si F. Provencale, ang pinuno nito - A. Scarlatti, kabilang sa mga kilalang masters - L. Leo, L. Vinci, N. Porpora at iba pa. Opera sa Italyano. Ang mga libretto sa istilo ng paaralang Neapolitan ay isinulat din ng mga kompositor ng iba pang nasyonalidad, kasama sina I. Hase, G. F. Handel, M. S. Berezovsky, at D. S. Bortnyansky. Sa paaralang Neapolitan, sa wakas ay nabuo ang anyo ng aria (lalo na ang da capo), isang malinaw na hangganan ang naitatag sa pagitan ng aria at ng recitative, at ang dramaturhiya ay tinukoy. pagkakaiba ng mga function. elemento ng O. sa kabuuan. Ang aktibidad ng mga librettist na sina A. Zeno at P. Metastasio ay nag-ambag sa pagpapatatag ng operatic form. Nakabuo sila ng isang maayos at kumpletong uri ng opera seria ("seryosong opera") sa mitolohiko. o historical-heroic. balangkas. Pero sa pagdaan ng panahon drama. ang nilalaman nitong O. lalong kumupas sa background, at naging isang libangan. "isang konsiyerto sa mga kasuotan", ganap na sumusunod sa mga kapritso ng mga birtuoso na mang-aawit. Nasa Ser. ika-17 siglo ital. O. ay lumaganap sa ilang Europe. mga bansa. Ang pakikipagkilala sa kanya ay nagsilbi bilang isang insentibo para sa paglitaw sa ilan sa mga bansang ito ng kanilang sariling pambansang. opera t-ra. Sa England, si G. Purcell, gamit ang mga nakamit ng Venetian opera school, ay lumikha ng isang malalim na orihinal na gawa. sa katutubong wika na "Dido at Aeneas" (1680). Si J. B. Lully ang nagtatag ng Pranses. liriko na trahedya - ang uri ng heroic-tragic. O., sa maraming aspeto malapit sa classic. mga trahedya nina P. Corneille at J. Racine. Kung ang "Dido at Aeneas" ni Purcell ay nanatiling iisang phenomenon na walang karugtong sa Ingles. lupa, pagkatapos ay ang genre ng liriko. ang trahedya ay malawakang binuo sa France. Ang rurok nito sa ser. Ika-18 siglo ay nauugnay sa gawain ni J. F. Rameau. Gayunpaman, ang Italyano serye ng opera, na nangibabaw noong ika-18 siglo. sa Europa, madalas na naging preno sa pag-unlad ng nat. O.

Noong 30s. Ika-18 siglo sa Italya, lumitaw ang isang bagong genre - ang opera buffa, na binuo mula sa komiks. interludes, to-rye ito ay kaugalian na gumanap sa pagitan ng mga aksyon ng serye ng opera. Ang unang halimbawa ng genre na ito ay karaniwang itinuturing na mga interludes ni G. V. Pergolesi na The Servant-Mistress (1733, na ginanap sa pagitan ng mga gawa ng kanyang opera-serye na The Proud Prisoner), na sa lalong madaling panahon ay nakatanggap ng kanilang sariling kahalagahan. magandang tanawin gumagana. Ang karagdagang pag-unlad ng genre ay konektado sa gawain ng computer. N. Logroshino, B. Galuppi, N. Piccinni, D. Cimarosa. Sinasalamin ng opera-buffa ang advanced realist. uso sa panahong iyon. Stilted conditionally heroic. ang mga tauhan ng opera seria ay sumasalungat sa mga larawan ng mga ordinaryong tao mula sa totoong buhay, mabilis at malinaw na nabuo ang aksyon, ang himig na nauugnay sa Nar. pinagmulan, pinagsama ang isang matalim na katangian sa melodiousness ng isang malambot na pakiramdam. bodega.

Kasama ng Italyano opera buffa noong ika-18 siglo. ibang nat. mga uri ng komiks. A. Ang pagtatanghal ng "The Maid-Mistress" sa Paris noong 1752 ay nakatulong sa pagpapalakas ng posisyon ng mga Pranses. opera comedian, nag-ugat sa Nar. patas na pagtatanghal, na sinasabayan ng pag-awit ng mga simpleng couplet na kanta. Demokratiko demanda sa ital. Ang mga "buffon" ay suportado ng mga pinuno ng Pranses. Enlightenment D. Diderot, J. J. Rousseau, F. M. Grimm at iba pa. ang mga opera nina F. A. Philidor, P. A. Monsigny, at A. E. M. Grétry ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pagiging totoo. nilalaman, nabuong sukat, melodic. kayamanan. Sa England, lumitaw ang isang ballad opera, ang prototype kung saan ay ang "Opera of the Beggars" ni J. Pepusch sa op. J. Gaia (1728), na isang socially pointed satire sa aristokratiko. serye ng opera. Naimpluwensyahan ng "The Beggar's Opera" ang pagbuo sa gitna. Ika-18 siglo Aleman Singspiel, na kalaunan ay nakipag-ugnay sa Pranses. komedyante sa opera, pinapanatili ang nat. tauhan sa matalinghagang sistema at musika. wika. Ang pinakamalaking kinatawan ng North German. ang Singspiel ay sina I. A. Hiller, K. G. Nefe, I. Reichardt, ang Austrian - I. Umlauf at K. Dittersdorf. Ang genre ng singspiel ay malalim na inisip ni W. A. ​​​​Mozart sa The Abduction from the Seraglio (1782) at The Magic Flute (1791). Sa simula. ika-19 na siglo sa genre na ito ay ipinahayag romantiko. uso. Ang mga tampok ng singspiel ay pinapanatili ng "software" na produkto. Aleman musika romanticism "Libreng tagabaril" K. M. Weber (1820). Batay kay Nar. kaugalian, kanta at sayaw na binuo nat. Mga genre ng Espanyol. musika t-ra - sarsuwela at nang lumaon (ika-2 kalahati ng ika-18 siglo) tonadilla.

Sa huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo Bumangon ang Ruso. komiks O., sumasalok ng mga kwento mula sa mga amang lupain. buhay. Batang Ruso. O. kinuha sa ilang mga elemento ng Italyano. opera buffa, pranses komedyante sa opera, Aleman singspiel, ngunit sa pamamagitan ng likas na katangian ng mga imahe at intonasyon. sa mga tuntunin ng musika, ito ay malalim na orihinal. Ang mga karakter nito ay para sa karamihan ng mga tao mula sa mga tao, ang musika ay batay sa paraan. sukatin (minsan ganap) sa himig ng Nar. mga kanta. O. sinakop ang isang mahalagang lugar sa gawain ng mahuhusay na Ruso. masters E. I. Fomin ("Coachmen on the base", 1787, atbp.), V. A. Pashkevich ("Kasawian mula sa karwahe", 1779; "St. I ed. 1792, atbp.). Sa pagliko ng 18-19 na siglo. nat. type nar.-household comic. Ang O. ay nagmula sa Poland, Czech Republic, at ilang iba pang mga bansa.

Diff. mga genre ng opera, malinaw na naiiba sa unang palapag. Ika-18 siglo, sa kurso ng makasaysayang nagtagpo ang pag-unlad, ang mga hangganan sa pagitan nila ay kadalasang naging kondisyonal at kamag-anak. Ang nilalaman ng komiks Lumalim ang lawa, ang mga elemento ng pagiging sensitibo ay ipinakilala dito. kalunos-lunos, dramatiko, at kung minsan ay kabayanihan ("Richard the Lionheart" Gretry, 1784). Sa kabilang banda, ang "seryosong" kabayanihan Nakuha ni O. ang higit na pagiging simple at pagiging natural, pinalaya ang sarili mula sa kanyang likas na magarbong retorika. Ang kalakaran patungo sa pagpapanibago ng tradisyon. uri ng opera-serye ay makikita sa gitna. Ika-18 siglo sa Italyano comp. N. Jommelli, T. Traetta at iba pa. Katutubong musika at drama. ang reporma ay isinagawa ni K. V. Gluck, arts. ang mga prinsipyong nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga ideya nito. at Pranses Enlightenment. Sinimulan ang kanyang reporma sa Vienna noong 60s. Ika-18 siglo ("Orpheus and Eurydice", 1762; "Alceste", 1767), natapos niya ito makalipas ang isang dekada sa ilalim ng pre-rebolusyonaryong kondisyon. Paris (ang culmination ng kanyang operatic innovation - "Iphigenia in Tauris", 1779). Nagsusumikap para sa isang makatotohanang pagpapahayag ng mga dakilang hilig, para sa mga drama. ang pagbibigay-katwiran sa lahat ng elemento ng pagganap ng opera, tinalikuran ni Gluck ang anumang mga iniresetang pamamaraan. Ginamit niya ang express. pondo tulad ng Italyano. Oh, sobrang Pranses. liriko trahedya, na nagpapasakop sa kanila sa isang manunulat ng dula. intensyon.

Ang tugatog ng pag-unlad ni O. noong ika-18 siglo. ay ang gawain ng Mozart, to-ry synthesized ang mga nagawa ng iba't-ibang pambansang. mga paaralan at itinaas ang genre na ito sa isang hindi pa nagagawang taas. Ang pinakadakilang realist artist, si Mozart ay naglatag ng matatalim at matinding drama na may mahusay na kapangyarihan. mga salungatan, lumikha ng matingkad, masiglang nakakumbinsi na mga karakter ng tao, inilalantad ang mga ito sa mga kumplikadong relasyon, interweaving at pakikibaka ng mga magkasalungat na interes. Para sa bawat balangkas, nakakita siya ng isang espesyal na anyo ng musikal na drama. pagkakatawang-tao at ang kaukulang pagpapahayag. pondo. Sa "The Wedding of Figaro" (1786) ito ay ipinahayag sa mga anyo ng Italyano. Ang opera buffa ay malalim at makabagong makatotohanan. nilalaman, sa "Don Juan" (1787) ang komedya ay pinagsama sa mataas na trahedya (dramma giocosa - "jolly drama", ayon sa sariling kahulugan ng kompositor), sa "The Magic Flute" ang mga kahanga-hangang moral ay ipinahayag sa isang kamangha-manghang anyo. mithiin ng kabaitan, pagkakaibigan, katatagan ng damdamin.

Mahusay na Pranses. ang rebolusyon ay nagbigay ng bagong impetus sa pag-unlad ng O. Vkon. Ika-18 siglo sa France, ang genre ng "opera ng kaligtasan" ay lumitaw, kung saan ang paparating na panganib ay napagtagumpayan salamat sa tapang, tapang at walang takot ng mga bayani. Ang O. na ito ay tinuligsa ang paniniil at karahasan, inawit ang kagitingan ng mga mandirigma para sa kalayaan at katarungan. Ang kalapitan ng mga plot hanggang sa kasalukuyan, ang dynamism at bilis ng pagkilos ay nagdala ng "opera ng kaligtasan" na mas malapit sa opera comedian. Kasabay nito, ito ay nakikilala sa pamamagitan ng matingkad na drama ng musika, ang pagtaas ng papel ng orkestra. Ang mga karaniwang halimbawa ng genre na ito ay ang Lodoiska (1791), Eliza (1794) at ang partikular na sikat na O. Two Days (Water Carrier, 1800) ni L. Cherubini, gayundin ang The Cave ni J. F. Lesueur (1793 ). Ang "opera ng kaligtasan" ay magkadugtong sa balangkas at sa dramaturhiya nito. istraktura "Fidelio" L. Beethoven (1805, 3rd edition 1814). Ngunit itinaas ni Beethoven ang nilalaman ng kanyang opera sa isang mataas na ideolohikal na generalisasyon, pinalalim ang mga imahe, at sinamahan ang operatic form. Ang "Fidelio" ay nasa isang par sa kanyang pinakamagagandang symphony. mga nilikha, na sumasakop sa isang espesyal na lugar sa mundo ng opera art.

Noong ika-19 na siglo may malinaw na pagkakaiba. nat. mga paaralan ng opera. Ang pagbuo at paglago ng mga paaralang ito ay nauugnay sa pangkalahatang proseso ng pagbuo ng mga bansa, kasama ang pakikibaka ng mga tao para sa kapangyarihang pampulitika. at espirituwal na kalayaan. Ang isang bagong direksyon ay nabuo sa sining - romantisismo, na nilinang, bilang laban sa cosmopolitan. uso ng Enlightenment, tumaas na interes sa nat. mga anyo ng buhay at lahat ng bagay kung saan ipinakita ang "espiritu ng mga tao". O. ay binigyan ng isang mahalagang lugar sa aesthetics ng romanticism, isa sa mga pundasyon kung saan ay ang ideya ng synthesis ng sining. Para sa mga romantiko O. ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga plot mula sa mga bunks. mga engkanto, alamat at tradisyon o mula sa makasaysayang nakaraan ng bansa, makulay na itinatanghal na mga larawan ng buhay at kalikasan, ang pagsasanib ng tunay at kamangha-manghang. Ang mga romantikong kompositor ay nagsusumikap na isama ang malakas, matingkad na damdamin at malinaw na magkasalungat na estado ng pag-iisip; pinagsasama nila ang mabagyo na kalunos-lunos na may panaginip na liriko.

Isa sa mga nangungunang lugar sa pag-unlad ng O. pinanatili ang Italyano. paaralan, bagama't wala na siyang ganoong pagbubukod. mga halaga, tulad noong ika-18 siglo, at nagdulot ng matalim na pamumuna mula sa mga kinatawan ng ibang pambansa. mga paaralan. Tradisyonal Mga genre ng Italyano. O. ay na-update at binago sa ilalim ng impluwensya ng mga kinakailangan ng buhay. Wok. ang simula ay patuloy na nangingibabaw sa natitirang bahagi ng mga elemento ng boses, ngunit ang melody ay naging mas nababaluktot, kapansin-pansing makabuluhan, isang matalim na linya sa pagitan ng recitative at melodic. ay nabura sa pamamagitan ng pag-awit, mas binigyang pansin ang orkestra bilang isang paraan ng musika. katangian ng mga larawan at sitwasyon.

Ang mga tampok ng bago ay malinaw na ipinakita ni G. Rossini, na ang gawain ay lumago sa Italyano. kultura ng opera noong ika-18 siglo. Ang kanyang "The Barber of Seville" (1816), na siyang pinakatuktok ng pag-unlad ng opera buffa, ay malaki ang pagkakaiba sa tradisyon. mga halimbawa ng genre na ito. Ang komedya ng mga sitwasyon, na hindi malaya sa mga elemento ng mababaw na buffoonery, ay naging realista para kay Rossini. isang komedya ng mga tauhan na pinagsasama ang kasiglahan, kasiyahan at talino na may angkop na pangungutya. Ang mga melodies ng opera na ito, madalas na malapit sa folk, ay may matalas na katangian at napakatumpak na tumutugma sa mga imahe ng mga character. Sa "Cinderella" (1817) komiks. O. nakakakuha ng liriko-romantiko. pangkulay, at sa "The Thieving Magpie" (1817) ay lumalapit sa pang-araw-araw na drama. Sa kanyang mature na opera-seria, na puno ng kalunos-lunos na pagkamakabayan at katutubong-pagpapalaya. pakikibaka ("Moses", 1818; "Mohammed", 1820), pinalakas ni Rossini ang papel ng koro, lumikha ng malalaking bunks. mga eksenang puno ng drama at kadakilaan. Nar.-libre. ang mga ideya ay lalong malinaw na ipinahayag sa O. "William Tell" (1829), kung saan lumampas si Rossini sa Italyano. tradisyon ng opera, na inaasahan ang ilang mga tampok ng Pranses. malaking romantiko. O.

Noong 30-40s. ika-19 na siglo ang gawain nina V. Bellini at G. Donizetti ay nabuksan, ang unang O. ng batang si G. Verdi ay lumitaw, na nagsisilbing matingkad na mga halimbawa ng Italyano. romantikismo. Masasalamin ng mga kompositor sa kanilang O. makabayan. pagtaas na nauugnay sa kilusang Italyano. Risorgimento, pag-igting ng mga inaasahan, pagkauhaw para sa isang libreng mahusay na pakiramdam. Sa Bellini, ang mga mood na ito ay kinulayan ng mga tono ng malambot, parang panaginip na liriko. Isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa - O. sa makasaysayang. balangkas na "Norma" (1831), kung saan binibigyang diin ang personal na drama. "Sleepwalker" (1831) - liriko na drama. O. mula sa buhay ng mga ordinaryong tao; O. "Puritans" (1835) pinagsamang liriko. dula na may temang katutubong-relihiyon. lumaban. Historical-romantic. isang drama na may matinding hilig ay katangian ng gawa ni Donizetti ("Lucia di Lammermoor", 1835; "Lucretia Borgia", 1833). Sumulat din sila ng mga komiks. O. (ang pinakamahusay sa kanila - "Don Pasquale", 1843), na nagkokonekta sa mga tradisyon. buffoonery na may simple at hindi nagpapanggap. liriko. Gayunpaman, ang komiks ang genre ay hindi nakaakit ng mga romantikong kompositor. direksyon, at si Donizetti ang tanging pangunahing Italyano pagkatapos ng Rossini. ibig sabihin ng isang master na nakatuon sa genre na ito. atensyon sa iyong trabaho.

Ang pinakamataas na punto ng pag-unlad ng Italyano. O. noong ika-19 na siglo. at isa sa mga pinakadakilang yugto ng sining ng opera sa mundo ay ang gawa ni Verdi. Ang kanyang unang O. Nebuchadnezzar (Nabucco, 1841), Lombard sa Unang Krusada (1842), Ernani (1844), na bumihag sa makabayang madla. kalunos-lunos at matayog na kabayanihan. damdamin, hindi wala ng, gayunpaman, isang tiyak na kuyog ng romantiko. mga stilts. Noong 50s. nilikha niya ang malaking drama. lakas. Sa O. "Rigoletto" (1851) at "Il trovatore" (1853), na pinanatili ang romantikong. mga tampok, na naglalaman ng malalim na makatotohanan. nilalaman. Sa "La Traviata" (1853), ginawa ni Verdi ang susunod na hakbang tungo sa realismo, kinuha ang paksa mula sa pang-araw-araw na buhay. Op. 60-70s - "Don Carlos" (1867), "Aida" (1870) - gumagamit siya ng mga monumental na operatic form, pinayaman ang mga pasilidad ng wok. at orc. pagpapahayag. Kumpletuhin ang pagsasanib ng musika sa drama. aksyon na nakamit niya. sa O. "Othello" (1886), pinagsasama ang kapangyarihan ng mga hilig ni Shakespeare sa isang hindi pangkaraniwang kakayahang umangkop at sensitibong paghahatid ng lahat ng sikolohikal. mga nuances. Sa pagtatapos ng iyong creative paraan na bumaling si Verdi sa genre ng komedya ("Falstaff", 1892), ngunit lumayo siya sa mga tradisyon ng opera buffa, na lumilikha ng produkto. na may patuloy na umuusbong sa pamamagitan ng pagkilos at isang mataas na katangiang dila ng wok. mga partido batay sa pagbigkas. prinsipyo.

Sa Germany, dati ika-19 na siglo O. ng isang malaking anyo ay hindi umiiral. Dep. pagtatangka upang lumikha ng isang malaking Aleman. O. sa makasaysayang tema noong ika-18 siglo. ay hindi nagtagumpay. Pambansa Aleman O., na nagkaroon ng hugis sa mainstream ng romanticism, nabuo mula sa singspiel. Naimpluwensyahan ng Romantico pinayamang ideya ang matalinghagang globo at pagpapahayag. paraan ng genre na ito, pinalaki ang saklaw nito. Isa sa mga unang Aleman romantiko Ang O. ay "Ondine" ni E. T. A. Hoffmann (1813, post. 1816), ngunit ang kasagsagan ng pambansa. Nagsimula ang Opera t-ra sa paglitaw ng "Free shooter" ni K. M. Weber (1820). Ang napakalaking kasikatan ng O. na ito ay batay sa kumbinasyon ng realismo. mga pintura ng pang-araw-araw na buhay at tula. tanawin na may mga sakramento. demonyo pantasya. Ang "Libreng tagabaril" ay nagsilbing mapagkukunan ng mga bagong makasagisag na elemento at coloristic. mga diskarte hindi lamang para sa operatic creativity pl. kompositor, ngunit para din sa mga romantikong. software symphony. Sa istilong hindi gaanong solid ang malaking "knight's" O. "Evryant" Weber (1823) ay naglalaman, gayunpaman, ng mahahalagang natuklasan na nakaimpluwensya sa karagdagang pag-unlad ng opera sa Germany. Mula sa "Evryants" ay umaabot ng isang direktang thread patungo sa pagkakaisa. produksyon ng opera. R. Schumann "Genoveva" (1849), pati na rin ang "Tannhauser" (1845) at "Lohengrin" (1848) Wagner. Sa "Oberon" (1826), bumaling si Weber sa genre ng kamangha-manghang singspiel, na nagpapalakas ng kakaiba sa musika. silangan pangkulay. Mga kinatawan ng romantikong mga direksyon sa loob nito. O. ay sina L. Spohr at G. Marschner din. A. Lorzing, O. Nikolai, F. Flotov binuo ang mga tradisyon ng singspiel sa ibang paraan, na ang gawain ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tampok ng mababaw na libangan.

Noong 40s. ika-19 na siglo hinirang bilang pinakadakilang master nito. sining ng opera R. Wagner. Ang una niyang mature, independent. sa istilong O. Ang "The Flying Dutchman" (1841), "Tannhäuser", "Lohengrin" ay higit na nauugnay sa romantiko. mga tradisyon ng simula ng siglo. Kasabay nito, tinukoy na nila ang direksyon ng musika at dramaturhiya. Ang mga reporma ni Wagner, ganap na ipinatupad niya noong 50-60s. Ang mga prinsipyo nito, na itinakda ni Wagner sa theoretical at publicistic. mga gawa, na nagmula sa pagkilala sa nangungunang kahalagahan ng mga drama. nagsimula sa O.: "ang drama ang layunin, ang musika ang paraan para sa pagsasakatuparan nito." Nagsusumikap para sa pagpapatuloy ng musika. pag-unlad, tinalikuran ni Wagner ang tradisyon. O. mga anyo ng "numbered" na istraktura (aria, ensemble, atbp.). Inilatag niya ang batayan para sa operatic dramaturgy na may kumplikadong sistema ng mga leitmotif na binuo ni Ch. arr. sa orkestra, bilang isang resulta kung saan ang papel ng mga symphony sa kanyang O. makabuluhang tumaas. simulan. Clutch at lahat ng uri ng polyphonic. kumbinasyon ng iba't-ibang Ang leitmotifs ay bumuo ng walang tigil na umaagos na musika. tela - "isang walang katapusang himig". Ang mga prinsipyong ito ay ganap na ipinahayag sa "Tristan at Isolde" (1859, post. 1865) - ang pinakadakilang gawain ng romantikong sining ng opera, na sumasalamin sa pananaw sa mundo ng romantikismo na may pinakamalaking pagkakumpleto. Ang isang binuo na sistema ng mga leitmotif ay nagpapakilala rin sa O. "The Nuremberg Mastersingers" (1867), ngunit ito ay makatotohanan. ibig sabihin ng balangkas na tinukoy. ang papel sa O. ng mga elemento ng kanta at masigla, dinamikong nar. mga eksena. Gitna. Ang lugar sa gawain ni Wagner ay inookupahan ng isang maringal na opera tetralogy, na nilikha sa halos isang-kapat ng isang siglo, - "Ring of the Nibelung" ("Gold of the Rhine", "Valkyrie", "Siegfried" at "Death of the Gods", ganap na post. 1876). Ang pagkondena sa kapangyarihan ng ginto bilang pinagmumulan ng kasamaan ay nagbibigay ng "Ring of the Nibelung" na anti-kapitalista. direksyon, ngunit ang pangkalahatang konsepto ng tetralogy ay magkasalungat at walang pagkakapare-pareho. O.-misteryo "Parsi-fal" (1882), para sa lahat ng sining nito. ang mga halaga ay nagpatotoo sa krisis ng romantiko. pananaw sa mundo sa gawa ni Wagner. Music-drama. ang mga prinsipyo at gawain ni Wagner ay nagdulot ng malaking kontrobersya. Paghahanap ng masigasig na mga tagasunod at apologist sa maraming musikero, mahigpit silang tinanggihan ng iba. Ang bilang ng mga kritiko, pinahahalagahan ang purong musika. mga tagumpay ni Wagner, naniniwala na siya ay nasa bodega ng kanyang talento bilang isang symphonist, at hindi isang teatro. kompositor, at nagpunta sa O. sa maling landas. Sa kabila ng matalim na hindi pagkakasundo sa kanyang pagtatasa, ang kahalagahan ni Wagner ay malaki: naimpluwensyahan niya ang pagbuo ng con music. 19 - magmakaawa. ika-20 siglo Ang mga problemang iniharap ni Wagner ay nakahanap ng iba't ibang solusyon para sa mga kompositor na kabilang sa dec. nat. paaralan at sining. mga direksyon, ngunit walang nag-iisip na musikero ang hindi matukoy ang kanyang saloobin sa mga pananaw at pagkamalikhain. pagsasanay sa Aleman. repormador sa opera.

Nag-ambag ang Romantisismo sa pagpapanibago ng matalinghaga at pampakay. spheres ng opera, ang paglitaw ng mga bagong genre nito sa France. Franz. romantiko O. umunlad sa paglaban sa akademiko. pag-angkin ng Napoleonic Empire at ang panahon ng Restoration. Isang tipikal na kinatawan ng panlabas na kamangha-manghang, ngunit malamig na akademiko sa musika. T-re ay si G. Spontini. Ang kanyang O. "Vestal" (1805), "Fernand Cortes, o ang Conquest of Mexico" (1809) ay puno ng mga dayandang ng militar. mga prusisyon at paglalakad. kabayanihan ang tradisyon na nagmumula sa Gluck ay ganap na muling isinilang sa kanila at nawawala ang progresibong kahalagahan nito. Mas mahalaga ang genre ng komiks. O. Panlabas na magkadugtong sa genre na ito na "Joseph" ni E. Megul (1807). Ang O. na ito, na isinulat sa isang kuwento sa Bibliya, ay nag-uugnay sa klasiko. mahigpit at pagiging simple na may ilang mga tampok ng romantikismo. Romantiko. Ang pangkulay ay likas sa O. sa fairy-tale plots ng N. Isoire ("Cinderella", 1810) at A. Boildieu ("Little Red Riding Hood", 1818). Ang pagtaas ng Pranses operatic romanticism ang nakataya. 20s at 30s Sa larangan ng komedya O. siya ay makikita sa "White Lady" Boildieu (1825) kasama ang kanyang patriarchal-idyllic. kulay at misteryo. pantasya. Noong 1828 mayroong isang post sa Paris. "The Mute from Portici" ni F. Aubert, na isa sa mga unang halimbawa ng isang grand opera. Ang sikat na Ch. arr. parang master comedian. operatic genre, nilikha ni Aubert ang O. drama. plano na may maraming sitwasyon ng matinding salungatan at malawakang naka-deploy na dynamic. nar. mga eksena. Ang ganitong uri ng O. ay higit na binuo sa William Tell ni Rossini (1829). Ang pinaka-kilalang kinatawan ng makasaysayang at romantikong. Pranses O. naging J. Meyerbeer. Mastery ng malalaking pagtatanghal sa entablado. masa, ang mahusay na pamamahagi ng mga contrast at ang maliwanag na pandekorasyon na paraan ng mga muse. Ang mga liham ay nagpapahintulot sa kanya, sa kabila ng kilalang eclectic na istilo, na lumikha ng mga akdang nakakakuha ng aksyon na may matinding drama at puro nakamamanghang teatro. pagiging showiness. Ang unang Parisian opera ni Meyerbeer na "Robert the Devil" (1830) ay naglalaman ng mga elemento ng isang madilim na demonyo. kathang-isip sa diwa nito. romantikong maaga. ika-19 na siglo Ang pinakamaliwanag na halimbawa ng Pranses. romantiko O. - "Huguenots" (1835) sa makasaysayang. isang balangkas mula sa panahon ng socio-religious. pakikipagbuno sa France noong ika-16 na siglo. Ang mga huling opera ni Meyerbeer (The Prophet, 1849; The African Woman, 1864) ay nagpapakita ng mga palatandaan ng paghina ng genre. Malapit sa Meyerbeer sa interpretasyon ng makasaysayang. mga paksa F. Halevi, ang pinakamahusay sa O. to-rogo - "Zhidovka" ("Anak na babae ng Cardinal", 1835). Isang espesyal na lugar sa Pranses musika t-re ser. ika-19 na siglo sumasakop sa operatikong gawain ni G. Berlioz. Sa O. "Benvenuto Cellini" (1837), na puno ng diwa ng Renaissance, umasa siya sa mga tradisyon at anyo ng komedya. genre ng opera. Sa opera dilogy na "Trojans" (1859) ipinagpatuloy ni Berlioz ang kabayanihan ni Gluck. tradisyon, pinipinta ito sa isang romantikong. mga tono.

Noong 50-60s. ika-19 na siglo lumalabas ang lyrical opera. Kumpara sa malaking romantic. O. ang sukat nito ay mas katamtaman, ang aksyon ay puro sa relasyon ng ilan. mga aktor, na walang halo ng kabayanihan at romantikismo. pagiging eksklusibo. Mga kinatawan ng liriko. O. madalas bumaling sa mga kuwento mula sa produksyon. panitikan sa daigdig at dramaturhiya (W. Shakespeare, J. W. Goethe), ngunit binigyang-kahulugan ang mga ito sa pang-araw-araw na termino. Ang mga kompositor ay may hindi gaanong malakas na pagkamalikhain. indibidwalidad, minsan ay humantong ito sa pagiging banal at isang matinding kontradiksyon sa pagitan ng matamis-sentimental na kalikasan ng musika at ang pagkakasunud-sunod ng mga drama. mga larawan (halimbawa, "Hamlet" ni A. Thomas, 1868). Kasabay nito, sa pinakamahusay na mga halimbawa ng genre na ito, ang pansin ay binabayaran sa panloob. mundo ng tao, banayad na sikolohiya, nagpapatotoo sa pagpapalakas ng realismo. elemento sa opera art. Prod., Inaprubahan ang genre ng liriko. O. sa Pranses. musika t-re at pinaka-ganap na katawanin ang mga katangiang katangian nito ay ang "Faust" ni C. Gounod (1859). Sa iba pa.O. ang kompositor na ito ay namumukod-tanging "Romeo and Juliet" (1865). Sa dami ng liriko O. Ipinakita ang personal na drama ng mga bayani laban sa backdrop ng exotic. buhay at kalikasan silangan. mga bansa ("Lakme" L. Delibes, 1883; "Pearl Diggers", 1863, at "Jamile", 1871, J. Bizet). Noong 1875, lumitaw ang "Carmen" ni Bizet - makatotohanan. isang drama mula sa buhay ng mga ordinaryong tao, kung saan ang katotohanan ng mga hilig ng tao, ay kapansin-pansing ipahahayag. ang lakas at bilis ng pagkilos ay pinagsama sa isang hindi pangkaraniwang maliwanag at makatas na katutubong-genre na lasa. Sa produksyong ito Nalampasan ni Bizet ang mga limitasyon ng liriko. O. at tumaas sa taas ng operatic realism. Sa mga pinakakilalang master ng liriko. O. ay kabilang din kay J. Massenet, na may banayad na pagtagos at biyaya ay nagpahayag ng matalik na karanasan ng kanyang mga bayani (Manon, 1884; Werther, 1886).

Kabilang sa mga batang pambansa mga paaralan na umabot sa kapanahunan at kalayaan noong ika-19 na siglo, ang pinakamalaking kahalagahan ay ang Russian. Ang kinatawan ng Russian operatic romanticism, na nakikilala sa pamamagitan ng isang binibigkas na nat. karakter, ay A. N. Verstovsky. Sa kanyang O. ang pinakamahalaga ay ang "Askold's Grave" (1835). Sa pagdating ng klasiko mga obra maestra ng M. I. Glinka Rus. Ang paaralan ng opera ay pumasok sa kanyang kapanahunan. Ang pagkakaroon ng pinagkadalubhasaan ang pinakamahalagang tagumpay ng Kanlurang Europa. musika mula kay Gluck at Mozart hanggang sa kanyang Italyano, Aleman. at Pranses mga kontemporaryo, nag-isa si Glinka. paraan. Ang originality ng kanyang mga opera productions. ay nakaugat sa isang malalim na koneksyon kay Nar. lupa, na may mga advanced na agos ng Rus. Mga lipunan. buhay at kultura ng panahon ng Pushkin. Sa "Ivan Susanin" (1836), nilikha niya ang nat. Ruso makasaysayang uri. O., ang bayani kung saan ay isang tao mula sa mga tao. Ang drama ng mga imahe at aksyon ay pinagsama sa opera na ito sa monumental na kadakilaan ng estilo ng oratorio. Parehong orihinal na epiko. dramaturgy O. "Ruslan and Lyudmila" (1842) kasama ang gallery nito ng magkakaibang mga imahe, na ipinakita laban sa background ng marilag na mga kuwadro na gawa ni Dr. Russia at kaakit-akit na kaakit-akit na magic-fantastic. mga eksena. Rus. mga kompositor ng 2nd floor. Ang ika-19 na siglo, na umaasa sa mga tradisyon ng Glinka, ay pinalawak ang mga tema at makasagisag na istraktura ng operatic na pagkamalikhain, nagtakda ng kanilang sarili ng mga bagong gawain at nakahanap ng angkop na paraan upang malutas ang mga ito. Lumikha si A. S. Dargomyzhsky ng kama sa bahay. drama "Sirena" (1855), sa isang kuyog at hindi kapani-paniwala. ang mga episode ay nagsisilbing katawanin ang buhay na makatotohanan. nilalaman. Sa O. "The Stone Guest" (sa hindi nabagong teksto ng "maliit na trahedya" ni A. S. Pushkin, 1866-69, natapos ni Ts. A. Cui, na ginamit ni N. A. Rimsky-Korsakov, 1872), iniharap niya ang isang repormista gawain - upang lumikha ng isang trabaho na walang mga operatic convention, kung saan ang isang kumpletong pagsasanib ng musika at drama ay makakamit. mga aksyon. Hindi tulad ni Wagner, na inilipat ang sentro ng grabidad sa pag-unlad ng orkestra, si Dargomyzhsky ay pangunahing nagsumikap para sa makatotohanang sagisag ng mga intonasyon ng buhay na pagsasalita ng tao sa vocal melody.

Ang kahalagahan ng mundo Rus. Ang opera school ay inaprubahan ni A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, P. I. Tchaikovsky. Para sa lahat ng mga pagkakaiba, malikhain ang kanilang mga indibidwalidad ay pinagsama ng isang karaniwang tradisyon at pangunahing. ideolohikal at aesthetic. mga prinsipyo. Karaniwan sa kanila ay advanced na demokratiko. oryentasyon, pagiging totoo ng mga imahe, binibigkas nat. ang kalikasan ng musika, ang pagnanais para sa pag-apruba ng mataas na humanistic. mithiin. Ang kayamanan at kakayahang magamit ng nilalaman ng buhay na nakapaloob sa gawain ng mga kompositor na ito ay tumutugma sa iba't ibang uri ng mga paggawa ng opera. at paraan ng musika. dramaturhiya. Mussorgsky na may dakilang kapangyarihan na makikita sa "Boris Godunov" (1872) at "Khovanshchina" (1872-80, natapos ni Rimsky-Korsakov, 1883) ang pinakamatalas na socio-historical. mga tunggalian, ang pakikibaka ng mamamayan laban sa pang-aapi at kawalan ng karapatan. Kasabay nito, ang maliwanag na balangkas ng mga tabla. ang masa ay pinagsama sa isang malalim na pagtagos sa espirituwal na mundo ng pagkatao ng tao. Si Borodin ang may-akda ng historikal-makabayan. O. "Prince Igor" (1869-87, kinumpleto nina Rimsky-Korsakov at A. K. Glazunov, 1890) kasama ang matambok at solidong larawan ng mga character, monumental na epiko. mga painting ni Dr. Russia, to-Crym laban sa silangan. mga eksena sa kampo ng Polovtsian. Rimsky-Korsakov, na humarap kay Preim. sa globo ng buhay at mga ritwal, upang mabulok. mga anyo ng katutubong patula pagkamalikhain, nilikha ang opera fairy tale na "The Snow Maiden" (1881), ang opera epic na "Sadko" (1896), ang opera legend na "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" (1904), ang satirically pointed fairy tale O. "The Golden Cockerel" ( 1907) at iba pa. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng malawakang paggamit ng mga melodic ng katutubong awit kasabay ng yaman ng orc. kulay, isang kasaganaan ng symphonic at mapaglarawang mga yugto, na puno ng banayad na pakiramdam ng kalikasan, at kung minsan ay may matinding drama ("The Battle of Kerzhents" mula sa "The Tale of the Invisible City of Kitezh ..."). Si Tchaikovsky ay interesado sa Ch. arr. mga problemang nauugnay sa mental na buhay ng isang tao, ang relasyon ng indibidwal at ng kapaligiran. Sa harapan sa kanyang O. - sikolohikal. tunggalian. Kasabay nito, binigyang pansin niya ang paglalarawan ng pang-araw-araw na buhay, ang tiyak na sitwasyon sa buhay kung saan nagaganap ang aksyon. sample ng Ruso. liriko O. ay "Eugene Onegin" (1878) - prod. malalim na pambansang kapwa sa kalikasan ng mga imahe at sa musika. wikang nauugnay sa kulturang Ruso. mga bundok mga awiting romansa. Sa The Queen of Spades (1890) liriko. ang drama ay umaakyat sa trahedya. Ang musika nitong O. ay tinatagusan ng tuloy-tuloy na matinding agos ng symphonic music. pag-unlad, pagpapaalam sa musika. dramaturgy concentration at purposefulness. Talamak na sikolohikal. ang tunggalian ay nasa sentro ng atensyon ni Tchaikovsky kahit na siya ay bumaling sa makasaysayang. mga plot ("Maid of Orleans", 1879; "Mazepa", 1883). Rus. lumikha din ang mga kompositor ng maraming komiks. O. sa mga plots mula sa bunks. buhay, kung saan ang simula ng komedya ay pinagsama sa mga elemento ng lyrical at fairy-tale fantasy ("Sorochinskaya Fair" ni Mussorgsky, 1874-80, natapos ni Cui, 1916; "Cherevichki" ni Tchaikovsky, 1880; "May Night", 1878, at "Ang Gabi Bago ang Pasko ", 1895, Rimsky-Korsakov).

Sa kahulugan ng paglalagay ng mga bagong gawain at otd. mahalagang dramaturhiya. Ang mga natuklasan ay interesado sa opera ni A. N. Serov - "Judith" (1862) sa isang kuwento sa Bibliya, na binibigyang kahulugan sa isang oratorical plan, "Rogneda" (1865) sa isang kuwento mula sa kuwento ni Dr. Russia at "The Enemy Force" (1871, nakumpleto ni B.C. Serova at H.P. Solovyov), na batay sa modernong. domestic drama. Gayunpaman, binabawasan ng estilo ng eclectic ang kanilang sining. halaga. Ang kahalagahan ng mga opera ni Ts. A. Cui na "William Ratcliff" (1868), "Angelo" (1875) at iba pa ay lumilipas. Ang mga klasiko ng opera ay inookupahan ng "Oresteia" ni S. I. Taneyev (1894), kung saan ang balangkas ay antigo. ang trahedya ay nagsisilbi sa kompositor para sa pagtatanghal ng mahusay at sa pangkalahatan ay makabuluhang moral. mga problema. S. V. Rachmaninov sa "Aleko" (1892) ay nagbigay ng isang tiyak na pagkilala sa mga hilig ng verist. Sa The Miserly Knight (1904) ipinagpatuloy niya ang tradisyon ng mga pagbigkas. O. na nagmumula sa "Stone Guest" (ang ganitong uri ng O. ay ipinakita sa pagliko ng ika-19-20 na siglo ng mga gawa tulad ng "Mozart at Salieri" ni Rimsky-Korsakov, 1897; "Feast during the Plague" ni Cui , 1900), ngunit pinalakas ang papel ng symphony. simulan. Ang pagnanais na symphonize ang operatic form ay ipinahayag din sa kanyang O. "Francesca da Rimini" (1904).

Lahat ng R. ika-19 na siglo Ang Polish at Czech ay sumulong. mga paaralan ng opera. Ang lumikha ng Polish national O. ay si S. Moniuszko. Ang pinakasikat sa kanyang O. "Pebbles" (1847) at "Enchanted Castle" (1865) kasama ang kanilang maliwanag na nat. ang kulay ng musika, ang pagiging totoo ng mga imahe. Ipinahayag ni Moniuszko ang pagiging makabayan sa kanyang gawaing opera. mood ng advanced na lipunan ng Poland, pagmamahal at pakikiramay para sa mga karaniwang tao. Ngunit wala siyang mga kahalili sa musikang Polish noong ika-19 na siglo. Ang kasagsagan ng Czech opera theater ay nauugnay sa mga aktibidad ni B. Smetana, na lumikha ng historical-heroic, maalamat ("Brandenburgers in the Czech Republic", 1863; "Dalibor", 1867; "Libuše", 1872) at comedy- sambahayan ("The Bartered Bride" , 1866) O. Naaninag nila ang kalunos-lunos ng pambansang-palaya. ang laban ay binibigyan ng makatotohanan. mga larawan ng mga tao buhay. Ang mga nakamit ng Smetana ay binuo ni A. Dvorak. Ang kanyang kamangha-manghang mga opera na "Devil and Kacha" (1899) at "Mermaid" (1900) ay puno ng mga tula ng kalikasan at mga tao. kathang-isip. Pambansa O., batay sa mga plot mula sa Nar. buhay at nakikilala sa pamamagitan ng kalapitan ng mga muse. wika sa katutubong intonasyon, ay nangyayari sa mga mamamayan ng Yugoslavia. Nagkamit ng katanyagan O. Croatian comp. V. Lisinsky ("Porin", 1851), I. Zaits ("Nikola Shubich Zrinsky", 1876). F. Erkel ay ang lumikha ng isang malaking makasaysayang at romantiko. nakabitin. O. "Bank bang" (1852, post. 1861).

Sa pagliko ng ika-19-20 siglo. may mga bagong uso sa opera na nauugnay sa mga pangkalahatang uso sa sining. kultura ng panahong ito. Ang isa sa mga ito ay ang verism, na pinakalat sa Italya. Tulad ng mga kinatawan ng trend na ito sa panitikan, ang mga kompositor ng verist ay naghahanap ng materyal para sa matatalim na drama. probisyon sa ordinaryong pang-araw-araw na katotohanan, ang mga bayani ng kanilang mga produkto. pinili nila ang mga ordinaryong tao, hindi nakikilala sa pamamagitan ng anumang mga espesyal na katangian, ngunit may kakayahang makaramdam ng malalim at malakas. Ang mga karaniwang halimbawa ng veristic opera dramaturgy ay P. Mascagni's Rural Honor (1889) at R. Leoncavallo's Pagliacci (1892). Ang mga tampok ng verism ay katangian din ng operatic work ni G. Puccini. Gayunpaman, siya, overcoming ang kilalang naturalistic. ang mga limitasyon ng veristic aesthetics, sa pinakamahusay na mga yugto ng kanyang mga gawa. umabot ng tunay na makatotohanan. lalim at kapangyarihan ng pagpapahayag ng mga karanasan ng tao. Sa kanyang O. "La Boheme" (1895), ang drama ng mga ordinaryong tao ay ginawang tula, ang mga tauhan ay pinagkalooban ng espirituwal na kadakilaan at kapitaganan ng pakiramdam. Sa "Tosca" (1899) na mga drama, ang mga kaibahan ay hinahasa at liriko. nagiging tragic ang drama. Sa kurso ng pag-unlad, ang makasagisag na istraktura at estilo ng trabaho ni Puccini ay pinalawak, pinayaman ng mga bagong elemento. Bumaling sa mga eksena mula sa buhay sa labas ng Europa. peoples ("Madama Butterfly", 1903; "Girl from the West", 1910), pinag-aralan niya at ginamit ang kanilang alamat sa kanyang musika. Sa kanyang huling O. "Turandot" (1924, nakumpleto ni F. Alfano) fabulously exotic. Ang balangkas ay binibigyang kahulugan sa diwa ng sikolohiya. isang drama na pinagsasama ang isang kalunos-lunos na simula sa isang kakatuwa-komedya. Sa musika Sinasalamin ng wika ni Puccini ang ilan sa mga pananakop ng impresyonismo sa larangan ng armonya at orc. kulay. Gayunpaman wok. ang simula ay nagpapanatili ng nangingibabaw na papel nito. tagapagmana ng Italyano. operatic tradition noong ika-19 na siglo, napansin siya. master ng bel canto. Ang isa sa mga pinakamalakas na punto ng kanyang trabaho ay nagpapahayag, puno ng damdamin na melodies ng malawak na paghinga. Kasabay nito, sa kanyang O. tumataas ang papel ng recitative-declamation. at ariose forms, wok. nagiging mas flexible at libre ang intonasyon.

Sinundan ni E. Wolf-Ferrari ang isang espesyal na landas sa kanyang gawaing opera, nagsusumikap na pagsamahin ang mga tradisyon ng Italyano. buffa opera na may ilang elemento ng veristic operatic dramaturgy. Kabilang sa kanyang O. - "Cinderella" (1900), "Four Tyrants" (1906), "Madonna's Necklace" (1911), atbp.

Mga usong katulad ng Italyano. umiral ang verismo sa opera art ng ibang bansa. Sa France, nauugnay sila sa isang reaksyon laban sa impluwensyang Wagnerian, na lalo na binibigkas sa O. "Fervaal" V. d "Andy (1895). Ang direktang pinagmumulan ng mga tendensiyang ito ay ang malikhaing karanasan ni Bizet ("Carmen"), pati na rin ang aktibidad na pampanitikan E. Zola A. Bruno, na nagpahayag ng mga kinakailangan ng katotohanan ng buhay sa musika, pagiging malapit sa mga interes ng modernong tao, ay lumikha ng isang serye ng O. batay sa mga nobela at kwento ni Zola (bahagi sa kanyang libre), kabilang ang: "The Siege of the Mill" (1893, ang balangkas ay sumasalamin sa mga kaganapan ng digmaang Franco-Prussian noong 1870), "Messidor" (1897), "Hurricane" (1901). Sa pagsisikap na dalhin ang pagsasalita ng mga karakter na mas malapit sa karaniwang sinasalitang wika, isinulat niya ang O. sa mga tekstong prosa. Gayunpaman, ang kanyang makatotohanang mga prinsipyo ay hindi sapat na pare-pareho, at ang drama ng buhay ay madalas na pinagsama sa kanya na may malabong simbolismo. Ang isang mas mahalagang gawain ay O. "Louise" G. Charpentier (1900), na nakakuha ng katanyagan salamat sa mga nagpapahayag na mga imahe ng mga ordinaryong tao at maliwanag, kaakit-akit na mga kuwadro na buhay Parisian.

Sa Germany, ang mga tendensya ng verist ay makikita sa O. "Valley" ni E. d'Alber (1903), ngunit ang direksyong ito ay hindi malawakang ginagamit.

Bahagyang nakikipag-ugnayan sa verism ni L. Janacek sa O. "Enufa" ("Her stepdaughter", 1903). Sa parehong oras sa paghahanap ng totoo at express. musika pagbigkas, batay sa mga intonasyon ng buhay na pagsasalita ng tao, ang kompositor ay lumapit kay Mussorgsky. Kaugnay ng buhay at kultura ng kanyang mga tao, nilikha ni Janacek ang produkto. mahusay na makatotohanan. pwersa, mga imahe at ang buong kapaligiran ng aksyon to-rogo ay malalim nat. karakter. Ang kanyang trabaho ay minarkahan ng isang bagong yugto sa pag-unlad ng Czech. O. pagkatapos ng Smetana at Dvorak. Hindi siya pumasa sa mga nagawa ng impresyonismo at iba pang sining. agos sa simula ika-20 siglo, ngunit nanatiling tapat sa mga tradisyon ng kanyang pambansa. kultura. Sa O. "The Travels of Pan Brouchka" (1917) heroic. Ang mga larawan ng Czech Republic noong panahon ng mga digmaang Hussite, na nakapagpapaalaala sa ilang pahina ng gawa ni Smetana, ay inihambing sa isang kakaibang phantasmagoria na may kulay na ironically. Ang banayad na pakiramdam ng Czech. kalikasan at buhay ay puspos ng O. "The Adventures of a Cheating Fox" (1923). Karaniwan para kay Janacek ay ang apela sa mga plot ng Russian. klasiko panitikan at dramaturhiya: "Katya Kabanova" (batay sa "Thunderstorm" ni A. N. Ostrovsky, 1921), "Mula sa Bahay ng mga Patay" (batay sa nobela ni F. M. Dostoevsky "Mga Tala mula sa Bahay ng mga Patay", 1928). Kung sa una nitong O. ang binibigyang-diin ay ang liriko. drama, pagkatapos ay sa pangalawang kompositor hinahangad na ihatid ang isang kumplikadong larawan ng relasyon decomp. mga karakter ng tao, na ginamit sa mataas na pagpapahayag na paraan ng musika. mga ekspresyon.

Para sa Impresyonismo, op. Ang mga elemento ng to-rogo ay ginamit sa opera ng maraming kompositor nang maaga. Ika-20 siglo, sa pangkalahatan, ang grabitasyon sa mga drama ay hindi katangian. mga genre. Isang halos natatanging halimbawa ng isang produksyon ng opera na patuloy na naglalaman ng mga estetika ng impresyonismo ay ang "Pelléas et Mélisande" ni C. Debussy (1902). Ang pagkilos ni O. ay nababalot sa isang kapaligiran ng hindi malinaw na mga pag-iisip, pananabik at mga inaasahan, lahat ng mga kaibahan ay naka-mute at humina. Sa pagsisikap na ilipat sa wok. partido intonation warehouse speech character, si Debussy ay sumunod sa mga prinsipyo ng Mussorgsky. Ngunit ang mismong mga larawan ng kanyang O. at ang buong misteryo ng takipsilim. ang mundo kung saan nagaganap ang aksyon ay nagtataglay ng imprint ng simbolismo. misteryo. Ang pambihirang subtlety ng makulay at nagpapahayag na mga nuances, ang sensitibong tugon ng musika sa pinakamaliit na pagbabago sa mood ng mga character ay pinagsama sa kilalang one-dimensionality ng pangkalahatang kulay.

Ang uri ng impresyonistang O. na nilikha ni Debussy ay hindi binuo sa alinman sa kanyang sarili. pagkamalikhain, o sa Pranses. sining ng opera noong ika-20 siglo. Ang "Ariana and the Bluebeard" ni P. Duke (1907), na may ilang panlabas na pagkakahawig sa O. "Pelleas at Mélisande", ay mas makatwiran. ang kalikasan ng musika at ang pamamayani ng makulay-naglalarawan. mga elemento kaysa sa psychologically expressive. Si M. Ravel ay pumili ng ibang landas sa isang one-act comic. O. "Spanish Hour" (1907), kung saan ang matalas na katangian ng musika. ang deklamasyon na nagmumula sa "Kasal" ni Mussorgsky ay pinagsama sa isang makulay na paggamit ng mga elemento ng Espanyol. nar. musika. Ang likas na regalo ng kompositor ay katangian. naapektuhan din ng delineasyon ng mga imahe ang O.-ballet na The Child and the Magic (1925).

Sa kanya. O. con. 19 - magmakaawa. ika-20 siglo kapansin-pansin ang impluwensya ni Wagner. Gayunpaman, ang Wagnerian musical dramaturgy. ang mga prinsipyo at istilo ay pinagtibay ng karamihan sa kanyang mga tagasunod na si epigone. Sa isang hindi kapani-paniwalang romantiko opera ni E. Humperdinck (ang pinakamaganda sa kanila ay sina Hans at Gretel, 1893), ang Wagnerian na lush harmony at orchestration ay pinagsama sa simpleng melodic melody ng Nar. bodega. Ipinakilala ni X. Pfitzner ang mga elemento ng simbolismong relihiyoso at pilosopikal sa interpretasyon ng fairy tale at maalamat na mga plot ("Rose from the Garden of Love", 1900). Klerikal na Katoliko. ang mga tendensya ay makikita sa kanyang O. "Palestrina" (1915).

Bilang isa sa mga tagasunod ni Wagner, sinimulan ni R. Strauss ang kanyang operatikong gawain ("Guntram", 1893; "Walang Apoy", 1901), ngunit sa hinaharap ay sumailalim ito sa isang makabuluhang pagbabago. ebolusyon. Sa "Salome" (1905) at "Electra" (1908), lumitaw ang mga tendensyang ekspresyonista, bagama't sa halip ay mababaw ang naramdaman ng kompositor. Ang pagkilos sa mga O. na ito ay nabubuo nang may patuloy na paglaki ng damdamin. pag-igting, ang intensity ng mga hilig minsan ay hangganan sa pathological estado. pagkahumaling. Ang kapaligiran ng nilalagnat na kaguluhan ay sinusuportahan ng isang napakalaking at mayamang kulay na orkestra, na umaabot sa napakalaking lakas ng tunog. Isinulat noong 1910, ang lyric-comedy na O. "The Knight of the Roses" ay minarkahan ang pagbabago sa kanyang trabaho mula sa ekspresyonista hanggang sa neoclassical (tingnan ang Neoclassicism) na mga tendensya. Ang mga elemento ng estilo ng Mozart ay pinagsama sa O. na may sensual na kagandahan at kagandahan ng Viennese waltz, ang texture ay nagiging mas magaan at mas transparent, nang hindi, gayunpaman, ganap na nagpapalaya sa sarili mula sa Wagnerian na ganap na tunog na luho. Sa kasunod na mga opera, si Strauss ay bumaling sa mga stylization sa diwa ng mga baroque muse. t-ra ("Ariadne auf Naxos", 1912), sa mga anyo ng klasikong Viennese. operettas ("Arabella", 1932) o mga buffa opera noong ika-18 siglo. ("The Silent Woman", 1934), sa sinaunang pastoral sa repraksyon ng Renaissance ("Daphne", 1937). Sa kabila ng kilalang eclecticism ng istilo, ang mga opera ni Strauss ay nakakuha ng katanyagan sa mga tagapakinig dahil sa pagkakaroon ng musika at ang pagpapahayag ng mga melodies. wika, isang mala-tula na sagisag ng mga simpleng tunggalian sa buhay.

Mula sa con. ika-19 na siglo pagnanais na lumikha ng isang pambansa Ang opera t-ra at ang muling pagkabuhay ng mga nakalimutan at nawalang mga tradisyon sa lugar na ito ay ipinakita sa UK, Belgium, Spain, Denmark, Norway. Kabilang sa mga produkto na nakatanggap ng internasyonal. pagkilala - "Rural Romeo at Julia" F. Dilius (1901, England), "Life is short" M. de Falla (1905, Spain).

ika-20 siglo nag-ambag na paraan. mga pagbabago sa mismong pag-unawa sa genre ng opera. Nasa unang dekada na ng ika-20 siglo. ang opinyon ay ipinahayag na ang O. ay nasa isang estado ng krisis at walang mga prospect para sa karagdagang pag-unlad. Sumulat si VG Karatygin noong 1911: "Ang Opera ay ang sining ng nakaraan, bahagi ng kasalukuyan." Bilang isang epigraph sa kanyang artikulong "Drama at Musika", kinuha niya ang pahayag ng VF Komissarzhevskaya: "Kami ay lumilipat mula sa opera patungo sa drama na may musika" (koleksiyong "Alkonost", 1911, p. 142). Ilang moderno zarub. ipinapanukala ng mga may-akda na talikuran ang katagang "O." at palitan ito ng mas malawak na konsepto ng "musical theatre", dahil pl. prod. Ang ika-20 siglo, na tinukoy bilang O., ay hindi nakakatugon sa itinatag na pamantayan ng genre. Ang proseso ng pakikipag-ugnayan at interpenetration ay nabubulok. genre, na isa sa mga palatandaan ng pag-unlad ng musika sa ika-20 siglo, ay humahantong sa paglitaw ng produksyon. halo-halong uri, kung saan mahirap makahanap ng hindi malabo na kahulugan. O. lumalapit sa oratorio, cantata, ito ay gumagamit ng mga elemento ng pantomime, estr. mga review, maging ang sirko. Kasama ang mga pamamaraan ng pinakabagong teatro. teknolohiya sa O., ang mga paraan ng cinematography at radio engineering ay ginagamit (ang mga posibilidad ng visual at auditory perception ay pinalawak sa tulong ng film projection, radio equipment), atbp. Sabay-sabay. kasama nito, may posibilidad na makilala ang pagitan ng mga tungkulin ng musika at drama. pagkilos at pagbuo ng mga operatic form batay sa mga block diagram at prinsipyo ng "pure" instr. musika.

Sa Kanluran.-Europa. O. ika-20 siglo naimpluwensyahan ang sining. agos, kung saan ang ekspresyonismo at neoclassicism ang pinakamahalaga. Ang dalawang magkasalungat na ito, bagama't kung minsan ay magkakaugnay, ang mga uso ay pantay na sumasalungat sa parehong Wagnerismo at realismo. operatic aesthetics, na nangangailangan ng tunay na pagmuni-muni ng mga salungatan sa buhay at mga partikular na larawan. Ang mga prinsipyo ng expressionist operatic dramaturgy ay ipinahayag sa monodrama ni A. Schoenberg na "Waiting" (1909). Halos wala ng mga panlabas na elemento. aksyon, ito ay produksyon. ay batay sa patuloy na pagpilit ng isang malabo, nakakagambalang pag-iisip, na nagtatapos sa isang pagsabog ng kawalan ng pag-asa at kakila-kilabot. Ang mahiwagang simbolismo na sinamahan ng katawa-tawa ay nagpapakilala sa mga muse. Ang drama ni Schoenberg na "The Happy Hand" (1913). Mas nabuong dramaturgy. Ang ideya ay nasa puso ng kanyang hindi natapos. A. "Moses and Aaron" (1932), ngunit ang mga imahe nito ay napakamalas at mga simbolo lamang ng relihiyosong moral. mga representasyon. Sa kaibahan sa Schoenberg, ang kanyang mag-aaral na si A. Berg ay bumaling sa mga kuwento mula sa totoong buhay sa opera at hinahangad na itaas ang mga matinding problema sa lipunan. Mahusay na kapangyarihan ng drama. ang kanyang ekspresyon ay nakikilala sa pamamagitan ng O. Wozzeck (1921), na puno ng malalim na pakikiramay para sa mga nawalan ng karapatan, itinapon sa dagat ng buhay ng mga mahihirap, at pagkondena sa well-fed kasiyahan ng "mga nasa kapangyarihan." Kasabay nito, walang ganap na realista sa Wozzeck. mga tauhan, mga tauhan O. kumikilos nang walang malay, dahil sa hindi maipaliwanag na likas na pagnanasa at pagkahumaling. Hindi natapos Ang opera ni Berg na "Lulu" (1928-35), na may kasaganaan ng mga kapansin-pansing kahanga-hangang mga sandali at ang pagpapahayag ng musika, ay walang ideolohikal na kahalagahan, naglalaman ng mga elemento ng naturalismo at masakit na erotika.

Ang operatic aesthetics ng neoclassicism ay nakabatay sa pagkilala sa "autonomy" ng musika at sa pagsasarili nito mula sa aksyong nilalaro sa entablado. Si F. Busoni ay lumikha ng isang uri ng neoclassical na "play opera" ("Spieloper"), na nakikilala sa pamamagitan ng sinasadyang conventionality, implausibility ng aksyon. Sinubukan niyang tiyakin na ang mga karakter na O. "sinasadyang naiiba kaysa sa buhay." Sa kanyang O. "Turandot" (1917) at "Harlequin, o Windows" (1916), hinangad niyang muling likhain sa isang modernisadong anyo ang uri ng Italyano. commedia dell'arte. Ang musika ng parehong O., na binuo sa kahalili ng mga maikling closed episode, pinagsasama ang stylization sa mga elemento ng kakatwa. Mahigpit, structurally finished forms instr. musika ay ang batayan ng kanyang O. "Doctor Faust" (nakumpleto ni F. Yarnakh, 1925), kung saan ang kompositor ay nagbigay ng malalim na mga problema sa pilosopikal.

I. F. Stravinsky ay malapit kay Busoni sa kanyang mga pananaw sa kalikasan ng sining ng opera. Ang parehong kompositor ay pantay na pagalit sa tinatawag nilang "verism", ibig sabihin sa salitang ito ay anumang pagsusumikap para sa mala-buhay na posibilidad ng mga imahe at sitwasyon sa operatic theater. Nagtalo si Stravinsky na ang musika ay hindi kayang ihatid ang kahulugan ng mga salita; kung ang pag-awit ay nagsasagawa ng gayong gawain, kung gayon sa paggawa nito ay "iiwan nito ang mga limitasyon ng musika." Ang kanyang unang O. "Nightingale" (1909-14), na salungat sa istilo, ay pinagsasama ang mga elemento ng impresyonistikong kulay exoticism sa isang mas mahigpit na nakabubuo na paraan ng pagsulat. Isang kakaibang uri ng Ruso. Ang opera-buffa ay "Moor" (1922), wok. ang mga party to-roy ay batay sa kabalintunaan at kakatwang pagbabago ng mga intonasyon ng pang-araw-araw na pag-iibigan noong ika-19 na siglo. Ang pagnanais na likas sa neoclassicism para sa pagiging pandaigdigan, para sa sagisag ng "unibersal", "transpersonal" na mga ideya at ideya sa mga anyo na walang pambansang. at temporal na katiyakan, pinaka-malinaw na ipinakita sa Stravinsky's O.-oratorio "Oedipus Rex" (batay sa trahedya ni Sophocles, 1927). Ang impresyon ng alienation ay pinadali ng libre, na nakasulat sa isang hindi maintindihan na moderno. tagapakinig ng Latin wika. Gamit ang mga anyo ng lumang baroque opera kasama ang mga elemento ng oratorio genre, ang kompositor ay sadyang nagsusumikap para sa isang pagtatanghal sa entablado. kawalang-kilos, estatwa. Ang kanyang melodrama na Persephone (1934) ay may katulad na karakter, kung saan ang mga operatic form ay pinagsama sa pagbigkas at sayaw. pantomime. Sa O. "The Adventures of the Rake" (1951), upang isama ang satirical-moralizing plot, si Stravinsky ay bumaling sa mga anyo ng komiks. mga opera noong ika-18 siglo, ngunit ipinakilala ang ilang mga tampok ng romantikong. pantasya at alegorya.

Ang neoclassical na interpretasyon ng genre ng opera ay katangian din ni P. Hindemith. Ang pagkakaroon ng ibinigay sa O. 20s. isang kilalang pagpupugay sa mga sunod sa moda dekadenteng uso, sa kanyang mature na panahon ng pagkamalikhain ay bumaling siya sa malalaking ideya ng isang intelektwalisadong plano. Sa monumental na O. sa isang balangkas mula sa panahon ng mga digmaang magsasaka sa Alemanya, "Artist Mathis" (1935) laban sa backdrop ng mga kuwadro na gawa ng mga bunks. kilusan ay nagpapakita ng trahedya ng artist, na nananatiling malungkot at hindi nakikilala. O. "The Harmony of the World" (1957), ang bayani kung saan ay ang astronomer na si Kepler, ay nakikilala sa pagiging kumplikado at multi-komposisyon ng komposisyon. Pagsisikip ng abstract rationalistic. simbolismo ang gumagawa ng produksyong ito. mahirap malasahan para sa nakikinig at dramaturgically ng maliit na epekto.

Sa italyano. O. ika-20 siglo isa sa mga manipestasyon ng neoclassicism ay ang apela ng mga kompositor sa mga anyo at tipikal na larawan ng opera art noong ika-17-18 na siglo. Ang kalakaran na ito ay natagpuang ekspresyon, sa partikular, sa akda ni J. F. Malipiero. Kabilang sa kanyang mga gawa. para sa musika t-ra - mga cycle ng opera miniature na "Orpheids" ("Death of Masks", "Seven Songs", "Orpheus, or the Eighth Song", 1919-22), "Three Goldoni Comedies" ("Coffee House", "Signor Todero the Grump" , "Kyodzhin skirmishes", 1926), pati na rin ang malaking makasaysayang at trahedya. O. "Julius Caesar" (1935), "Antony at Cleopatra" (1938).

Ang mga neoclassical na tendensya ay bahagyang nagpakita ng kanilang sarili sa Pranses. opera theater noong 20-30s, ngunit dito hindi sila nakatanggap ng sunud-sunod, tapos na. mga ekspresyon. Ipinahayag ito ni A. Honegger sa kanyang pagkahumaling sa mga sinaunang tema at biblikal bilang pinagmumulan ng "walang hanggan" na pangkalahatang moral na mga pagpapahalaga. Sa pagsisikap na gawing pangkalahatan ang mga imahe, na nagbibigay sa kanila ng isang "overtemporal" na karakter, inilapit niya si O. sa oratorio, kung minsan ay ipinakilala niya sa kanyang mga gawa. mga elementong liturhiya. Kasabay nito, ang musika ang wika ng kanyang Op. na nakikilala sa pamamagitan ng masigla at matingkad na pagpapahayag, ang kompositor ay hindi umiwas sa pinakasimpleng mga pagliko ng kanta. Pagkakaisa prod. Honegger (maliban sa isinulat na kasama ni J. Iber at hindi may malaking halaga O. "Eaglet", 1935), na maaaring tawaging O. sa kanyang sarili. kahulugan ng salita, ay "Antigone" (1927). Ang mga akdang gaya ng "King David" (1921, 3rd edition, 1924) at "Judith" (1925) ay dapat na uriin bilang mga drama. oratorio, mas matatag sila sa conc. repertoire kaysa sa entablado ng opera. Ang kompositor mismo ang nagbigay ng kahulugang ito sa isa sa kanyang pinakamahalagang mga gawa. "Jeanne d" Arc sa stake "(1935), na ipinaglihi sa kanya bilang isang mass folk performance na ginanap sa open air. Diversified sa komposisyon, medyo eclectic opera work ni D. Milhaud ay sumasalamin din sa mga sinaunang at biblikal na tema ("Eumenides", 1922; "Medea", 1938; "David", 1953) Sa kanyang Latin-American trilogy na "Christopher Columbus" (1928), "Maximilian" (1930) at "Bolivar" (1943), muling binuhay ni Milhaud ang uri ng mahusay na makasaysayang- romantiko Ang una sa mga musikal na expression na ito ay lalo na malakihan, kung saan ang pagpapakita ng iba't ibang mga plano ng aksyon ay nakakamit nang sabay-sabay sa tulong ng mga kumplikadong polytonal na diskarte sa musika at ang paggamit ng pinakabagong paraan ng teknolohiya sa teatro, kabilang ang Isang pagkilala sa verist tendencies ay ang kanyang O. "Poor Sailor" (1926). Ang pinakamalaking tagumpay ay ang cycle ng opera miniatures ni Milhaud ("operas-minutes"), batay sa parodic refraction ng mythological plots: "The Rape of Europa", "The Inabandonang Ariadne" at "The Liberation of Theseus" (1927).

Kasabay ng panawagan sa mga kamahalan. mga larawan ng sinaunang panahon, ang semi-legendary na biblikal na mundo o ang Middle Ages sa operatic work noong 20s. mayroong isang ugali sa talamak na topicality ng nilalaman at agarang. tugon sa mga phenomena ng modernong katotohanan. Minsan ito ay limitado sa pagtugis ng murang sensasyonalismo at humantong sa paglikha ng produksyon. magaan, semi-farce na karakter. Sa O. "Jump over the shadow" (1924) at "Johnny plays" (1927) E. Kreneka ironically colored picture of modern. burgis ang mga moral ay ipinakita sa anyo ng isang sira-sirang-libangan. teatro. aksyon na may eclectic na musika na pinagsasama ang urban mga ritmo at elemento ng jazz na may banal na liriko. himig. Mababaw din ang pagpapahayag ng satirista. isang elemento sa O. "From Today to Tomorrow" ni Schoenberg (1928) at "News of the Day" ni Hindemith (1929), na sumasakop sa episodiko. lugar sa mga gawa ng mga kompositor na ito. Mas tiyak na nakapaloob sa panlipunang kritikal. tema sa musical theater. prod. K. Weil, isinulat sa pakikipagtulungan sa B. Brecht - "The Threepenny Opera" (1928) at "The Rise and Fall of the City of Mahagonny" (1930), kung saan pinupuna rin ang satirical criticism. paglalantad sa mga pundasyon ng kapitalismo. gusali. Ang mga produktong ito kumakatawan sa isang bagong uri ng opus ng kanta, lubos na nauugnay sa nilalaman, na naka-address sa isang malawak na demokratikong komunidad. madla. Ang batayan ng kanilang simple, malinaw at maliwanag na musika ay dec. mga kontemporaryong genre. musikang masa. buhay.

Matapang na lumalabag sa karaniwang mga operatic canon ng P. Dessau sa kanyang O. sa mga teksto ni Brecht - "The Condemnation of Lucullus" (1949), "Puntila" (1960), na nakikilala sa pamamagitan ng sharpness at rigidity ng muses. ibig sabihin, isang kasaganaan ng mga hindi inaasahang theatrical effect, ang paggamit ng mga sira-sira na elemento.

Ang iyong musika. Ang t-r, batay sa mga prinsipyo ng demokrasya at accessibility, ay nilikha ni K. Orff. Ang pinagmulan ng kanyang t-ra ay magkakaiba: ang kompositor ay bumaling sa ibang Griyego. trahedya, sa kalagitnaan ng siglo. misteryo, kay Nar. mga laro sa teatro at mga palabas na nakakatawa, pinagsamang mga drama. aksyon na may epiko pagsasalaysay, malayang pinagsasama ang pag-awit sa usapan at ritmikong pagbigkas. Wala sa mga eksena prod. Si Orpah ay hindi O. sa karaniwang kahulugan. Ngunit bawat isa sa kanila ay may kahulugan. musical-dramaturgic. intensyon, at musika ay hindi limitado sa mga purong inilapat na function. Relasyon sa pagitan ng musika at entablado Nag-iiba-iba ang pagkilos depende sa partikular na creative. mga gawain. Kabilang sa kanyang mga gawa. namumukod-tangi ang mga eksena. cantata "Carmina Burana" (1936), fabulously allegorical. musika mga dulang pinagsasama ang mga elemento ng O. at dula. mga pagtatanghal, "Moon" (1938) at "Clever Girl" (1942), musika. drama na "Bernauerin" (1945), isang uri ng musika. antigong pagpapanumbalik. mga trahedya - "Antigone" (1949) at "Oedipus Rex" (1959).

Kasabay nito, ang ilang major composers, Ser. Ang ika-20 siglo, na nag-update ng mga anyo at paraan ng pagpapahayag ng opera, ay hindi lumihis sa mga tradisyon. ang mga pundasyon ng genre. Kaya, pinanatili ni B. Britten ang mga karapatan ng malambing na wok. melodies tulad ng ch. paraan ng paghahatid ng estado ng pag-iisip ng mga tauhan. Sa karamihan ng kanyang mga pagtatanghal, ang matinding sa pamamagitan ng pag-unlad ay pinagsama sa mga ariose na yugto, ensemble, at pinalawig na mga koro. mga eksena. Kabilang sa mga pinakamasama. prod. Britten - ekspresyong may kulay na pang-araw-araw na drama na "Peter Grimes" (1945), kamara O. "The Desecration of Lucretia" (1946), "Albert Herring" (1947) at "The Turn of the Screw" (1954), fabulously romantic. O. "A Midsummer Night's Dream" (1960). Sa operatikong gawain ni G. Menotti, ang mga tradisyon ng verist ay nakatanggap ng isang modernisadong repraksyon kasabay ng ilang mga katangian ng ekspresyonismo (Medium, 1946; Consul, 1950, atbp.). Binigyang-diin ni F. Poulenc ang kanyang katapatan sa klasiko. tradisyon, na tinatawag sa dedikasyon O. "Dialogues of the Carmelites" (1956) ang mga pangalan ni C. Monteverdi, M. P. Mussorgsky at C. Debussy. Flexible na paggamit ng mga tool sa wok. ang pagpapahayag ay ang pinakamalakas na bahagi ng monodrama na "The Human Voice" (1958). Ang komiks ay nakikilala rin sa maliwanag na himig. Ang opera ni Poulenc na "Breasts of Tiresias" (1944), sa kabila ng surrealistic. kahangalan at eccentricity ng entablado. mga aksyon. Preim ng tagasuporta ni O. wok. ang uri ay X. V. Henze ("The Stag King", 1955; "Prince of Homburg", 1960; "Bassarids", 1966, atbp.).

Kasama ang iba't ibang anyo at istilo Mga uso sa ika-20 siglo nailalarawan ng iba't ibang uri ng pambansa mga paaralan. Ang ilan sa kanila ay nakarating sa internasyonal sa unang pagkakataon. pagkilala at igiit ang kanilang kalayaan. lugar sa pag-unlad ng sining ng opera sa mundo. B. Bartok ("Duke Bluebeard's Castle", 1911) at Z. Kodaly ("Hari Janos", 1926; "Sekey spinning mill", 1924, 2nd ed. 1932) ay nagpakilala ng mga bagong larawan at paraan ng musical dramaturgy. pagpapahayag sa Hungarian O., patuloy na nakikipag-ugnayan sa nat. tradisyon at umaasa sa intonasyon. build hung. nar. musika. Ang unang mature na ispesimen ng Bolg. nat. O. ay "Tsar Kaloyan" ni P. Vladigerov (1936). Para sa sining ng opera ng mga mamamayan ng Yugoslavia, ang gawain ni J. Gotovac ay lalong mahalaga (ang kanyang O. "Ero from the Other World", 1935, ang pinakasikat).

Isang malalim na orihinal na uri ng Amer. nat. Ang O. ay nilikha ni J. Gershwin batay sa Afro-Amer. musika alamat at tradisyon ng Negro. "teatro ng minstrel". Isang kapana-panabik na kwento mula sa buhay ng isang Negro. mahirap kasabay ng express. at naa-access na musika, gamit ang mga elemento ng blues, spirituals at jazz dances. ritmo nagdala sa kanya O. "Porgy at Bess" (1935) sa buong mundo katanyagan. Pambansa O. bubuo sa isang bilang ng Lat.-Amer. mga bansa. Isa sa mga nagtatag ng Argent. opera t-ra F. Nakalikha si Boero ng mga akdang mayaman sa mga elemento ng alamat. sa mga eksena mula sa buhay ng mga gaucho at magsasaka ("Rakela", 1923; "Mga Magnanakaw", 1929).

Sa con. 60s sa Kanluran, isang espesyal na genre ng "rock opera" ang lumitaw, gamit ang mga paraan ng modernong. sari-sari at musikang pambahay. Ang isang tanyag na halimbawa ng genre na ito ay ang Christ Superstar ni E. L. Webber (1970).

Mga pangyayari noong ika-20 siglo - ang opensiba ng pasismo sa ilang mga bansa, ang 2nd World War ng 1939-45, ang matinding pinalubha na pakikibaka ng mga ideolohiya - naging sanhi ng maraming mga artista na kailangang mas malinaw na tukuyin ang kanilang posisyon. Lumitaw ang mga bagong tema sa demanda, na hindi madaanan ni O.. mga tao. Tinutukoy bilang "Oh." prod. L. Nono "Intolerance 1960" (sa bagong edisyon ng "Intolerance 1970") ay nagpapahayag ng galit na protesta ng komunistang kompositor laban sa mga kolonyal na digmaan, ang pag-atake sa karapatan ng mga manggagawa, ang pag-uusig sa mga mandirigma para sa kapayapaan at hustisya sa kapitalista . mga bansa. Ang mga tuwiran at tahasang kaugnayan sa modernidad ay sanhi rin ng mga akdang gaya ng "The Prisoner" ("Prisoner") ni L. Dallapikkola (1948), "Simplicius Simplicissimus" ni K. A. Hartman (1948), "Soldiers" ni B. A. Zimmerman ( 1960) , kahit na ang mga ito ay batay sa mga klasikong plot. litro. K. Penderetsky sa O. "Devils from Loudin" (1969), na nagpapakita ng Middle Ages. panatisismo at panatisismo, di-tuwirang tinutuligsa ang pasistang obskurantismo. Ang mga Op. iba ang istilo. oryentasyon, at isang moderno o malapit sa modernong tema ay hindi palaging binibigyang-kahulugan sa kanila mula sa malinaw na may kamalayan na mga posisyong ideolohikal, ngunit sinasalamin nila ang isang pangkalahatang kalakaran patungo sa isang mas malapit na koneksyon sa buhay, isang aktibong pagpasok sa mga proseso nito, na sinusunod sa gawain ng mga progresibong dayuhang bansa. . mga artista. Kasabay nito, sa operatic art-ve app. mga bansang nagpapakita ng mapanirang anti-arts. modernong uso. "avant-garde", na humahantong sa kumpletong pagkawatak-watak ng O. bilang isang musical-dramatic. genre. Ganito ang "anti-opera" na "State Theater" ni M. Kagel (1971).

Sa USSR, ang pag-unlad ng O. ay inextricably na nauugnay sa buhay ng bansa, ang pagbuo ng mga kuwago. musika at teatro. kultura. K ser. 20s isama ang una, sa maraming aspeto ay hindi pa rin perpektong mga pagtatangka na lumikha ng isang O. sa isang balangkas mula sa modernity o nar. rebolusyonaryo mga galaw ng nakaraan. Dep. Ang mga kagiliw-giliw na natuklasan ay kinabibilangan ng mga gawa tulad ng "Ice and Steel" ni V.V. Deshevov, "Northern Wind" ni L.K. Knipper (parehong 1930) at ilang iba pa. O. magdusa mula sa schematism, walang buhay ng mga imahe, eclecticism ng muses. wika. Ang pag-aayuno ay isang pangunahing kaganapan. noong 1926 O. "Pag-ibig para sa tatlong dalandan" ni S. S. Prokofiev (op. 1919), na naging malapit sa mga kuwago. sining. kultura na may nagpapatibay sa buhay na katatawanan, dinamismo, at matingkad na dula. Sinabi ni Dr. Ang mga panig ng talento ni Prokofiev bilang isang playwright ay lumitaw sa O. "The Gambler" (2nd edition, 1927) at "Fiery Angel" (1927), na nakikilala sa pamamagitan ng matinding drama, mastery ng matalas at mahusay na layunin na sikolohikal. katangian, sensitibong pagtagos sa intonasyon. istruktura ng pagsasalita ng tao. Ngunit ang mga produktong ito kompositor, na noon ay nanirahan sa ibang bansa, ay dumaan sa atensyon ng mga kuwago. ang publiko. Ang makabagong kahalagahan ng operatic dramaturgy ni Prokofiev ay lubos na pinahahalagahan nang maglaon, nang si Sov. Si O. ay tumaas sa isang mas mataas na antas, na nagtagumpay sa kilalang primitivism at immaturity ng mga unang eksperimento.

Ang mga matalim na talakayan ay sinamahan ng paglitaw ng O. "The Nose" (1929) at "Lady Macbeth ng Mtsensk District" ("Katerina Izmailova", 1932, bagong edisyon 1962) ni D. D. Shostakovich, na iniharap sa harap ng mga kuwago. teatro ng musika mag-claim ng maraming malalaki at seryosong makabagong gawain. Ang dalawang O. na ito ay hindi pantay sa halaga. Kung "The Nose" na may pambihirang yaman ng fiction, swiftness of action at kaleidoscopic. Ang mga kumikislap na nakakatakot na itinuturo na mga imahe-mask ay isang matapang, kung minsan ay mapangahas na eksperimento ng isang batang kompositor, pagkatapos ay "Katerina Izmailova" - produksyon. masters, na nag-uugnay sa lalim ng ideya sa pagkakaisa at pag-iisip ng musikal at dramaturhiya. pagkakatawang-tao. Ang malupit, walang awa na katotohanan ng paglalarawan ng mga kakila-kilabot na panig ng matandang mangangalakal. buhay, disfiguring at distorting kalikasan ng tao, inilalagay ang O. sa isang par sa mga dakilang likha ng Russian. pagiging totoo. Si Shostakovich sa maraming aspeto ay lumalapit dito kay Mussorgsky at, sa pagbuo ng kanyang mga tradisyon, binibigyan sila ng bago, moderno. tunog.

Ang mga unang tagumpay sa sagisag ng mga kuwago. ang mga tema sa genre ng opera ay nabibilang sa gitna. 30s Melodich. pagiging bago ng musika batay sa intonasyon. bumuo ng mga kuwago. kanta ng masa, naaakit ang atensyon ni O. "Quiet Don" II Dzerzhinsky (1935). Ito ay isang produksyon nagsilbing prototype ng namamayani sa 2nd floor. 30s "song opera", kung saan ang kanta ang pangunahing elemento ng muses. dramaturhiya. Matagumpay na ginamit ang kanta bilang midyum para sa mga drama. Mga katangian ng mga larawan sa O. "Into the Storm" ni T. N. Khrennikova (1939, bagong edisyon 1952). Pero susunod sila. ang pagpapatupad ng mga prinsipyo ng direksyon na ito ay humantong sa pagpapasimple, ang pagtanggi sa pagkakaiba-iba at kayamanan ng mga paraan ng opera drama. pagpapahayag na naipon sa mga siglo. Kabilang sa O. 30s. sa mga kuwago. tema bilang isang produkto malaking drama. lakas at mataas na sining. Ang mastery ay namumukod-tanging "Semyon Kotko" ni Prokofiev (1940). Nagawa ng kompositor na lumikha ng kaluwagan at totoong makatotohanang mga larawan ng mga ordinaryong tao mula sa mga tao, upang ipakita ang paglaki at pagbabago ng kanilang kamalayan sa takbo ng rebolusyon. lumaban.

Mga kuwago. Ang mga gawa ng Opera sa panahong ito ay magkakaiba sa nilalaman at sa mga tuntunin ng genre. Moderno ang paksa ay tinukoy ni Ch. direksyon ng pag-unlad nito. Kasabay nito, ang mga kompositor ay bumaling sa mga plot at imahe mula sa buhay ng iba't ibang mga tao at makasaysayang. mga kapanahunan. Kabilang sa mga pinakamahusay na kuwago. O. 30s. - "Cola Breugnon" ("The Master of Clamcy") ni D. B. Kabalevsky (1938, 2nd edition 1968), na nakikilala sa pamamagitan ng mataas na symphony nito. kasanayan at banayad na pagtagos sa katangian ng mga Pranses. nar. musika. Sumulat si Prokofiev ng komiks pagkatapos ng Semyon Kotko. O. "Betrothal in a Monastery" ("Duenna", 1940) sa isang plot na malapit sa opera buffa noong ika-18 siglo. Hindi tulad ng kanyang maagang O. "The Love for Three Oranges", hindi conditional theater ang nagpapatakbo dito. mga maskara, at mga buhay na taong pinagkalooban ng tunay, makatotohanang damdamin, katatawanan na kinang at katatawanan ay pinagsama sa magaan na liriko.

Sa panahon ng Great Fatherland. ang digmaan noong 1941-45 ay lalong nagpapataas ng kahalagahan ng makabayan. Mga paksa. Napagtanto ang kabayanihan. gawa ng mga kuwago ang mga tao sa paglaban sa pasismo ay si Ch. ang gawain ng lahat ng uri ng demanda. Ang mga kaganapan sa mga taon ng digmaan ay makikita rin sa operatikong gawain ng mga kuwago. mga kompositor. Gayunpaman, ang O., na lumitaw noong mga taon ng digmaan at sa ilalim ng direktang impluwensya nito, ay naging para sa karamihan ng artistikong may depekto at mababaw na pagbibigay-kahulugan sa tema. Higit pang paraan. O. para sa militar. Ang paksa ay nilikha ng ilang sandali, nang ang kilala na "layo ng oras" ay nabuo. Kabilang sa mga ito ang "The Family of Taras" ni Kabalevsky (1947, 2nd edition 1950) at "The Tale of a Real Man" ni Prokofiev (1948).

Naimpluwensyahan ng makabayan ang pagtaas ng mga taon ng digmaan, ang ideya ng "Digmaan at Kapayapaan" ni O. Prokofiev (1943, 2nd edition 1946, final edition 1952) ay ipinanganak. Ito ay kumplikado at multi-component sa dramaturgy nito. mga konsepto ng produksyon. pinagsasama ang kabayanihan. nar. epiko na may matalik na liriko. drama. Ang komposisyon ni O. ay batay sa paghahalili ng mga monumental na eksena sa masa, na isinulat sa malalaking stroke, na may banayad at detalyadong mga yugto ng isang karakter sa kamara. Ipinakita ni Prokofiev ang kanyang sarili sa "Digmaan at Kapayapaan" sa parehong oras. at bilang isang malalim na playwright-psychologist, at bilang isang pintor ng makapangyarihang epiko. bodega. Makasaysayan Napakasining ng tema. pagkakatawang-tao sa O. "Decembrists" ni Yu. A. Shaporin (post. 1953): sa kabila ng kilalang kakulangan ng drama pagiging epektibo, nagawa ng kompositor na ihatid ang kabayanihan. ang kalunos-lunos ng tagumpay ng mga mandirigma laban sa autokrasya.

Con period. 40s - maaga. 50s sa pag-unlad ng mga kuwago. O. ay kumplikado at kontrobersyal. Kasama ng paraan. ang mga tagumpay sa mga taong ito ay lalong naapektuhan ng presyon ng dogmatiko. mga pag-install, na humantong sa isang pagmamaliit sa mga pinakadakilang tagumpay ng operatic creativity, na nililimitahan ang pagkamalikhain. mga paghahanap, kung minsan ay sumusuporta sa maliit na halaga sa sining. tungkol sa mga payak na gawain. Sa talakayan noong 1951 tungkol sa mga isyu sa opera, ang mga ganitong "ephemeral opera", "operas of petty thoughts and petty feelings" ay mahigpit na pinuna, at ang pangangailangan na "mahusay ang kasanayan ng opera drama sa kabuuan, ang lahat ng bahagi nito" ay binigyang-diin. Sa 2nd floor. 50s nagkaroon ng bagong pagtaas sa buhay ng mga kuwago. Ang Opera t-ra, ang mga opera ng mga masters tulad nina Prokofiev at Shostakovich, na hindi makatarungang hinatulan kanina, ay naibalik, at ang gawain ng mga kompositor sa paglikha ng mga bagong operatikong gawa ay pinatindi. Ang isang mahalagang positibong papel sa pag-unlad ng mga prosesong ito ay ginampanan ng resolusyon ng Komite Sentral ng CPSU noong Mayo 28, 1958 "Sa Pagwawasto ng Mga Pagkakamali sa Pagsusuri sa Mga Opera Ang Dakilang Pagkakaibigan", "Bogdan Khmelnitsky" at "Mula sa Puso" ".

60-70s nailalarawan sa pamamagitan ng isang masinsinang paghahanap para sa mga bagong paraan sa opera. Lumalawak ang hanay ng mga gawain, lumilitaw ang mga bagong tema, ilan sa mga paksang natugunan na ng mga kompositor, nakahanap ng ibang embodiment, at mas matapang na nagsimulang maglapat ng decomp. magpapahayag. paraan at anyo ng operatic dramaturgy. Isa sa pinakamahalaga ay ang tema ng Oct. rebolusyon at ang pakikibaka para sa pag-apruba ng Sobyet. mga awtoridad. Sa "Optimistic Tragedy" ni A. N. Kholminov (1965), ang ilang aspeto ng "song opera" ay pinayaman ng pag-unlad ng musika. pinalaki ang mga anyo, mahalagang dramaturhiya. ang koro ay nakakakuha ng kahalagahan. mga eksena. Ang koro ay mahusay na binuo. isang elemento sa O. "Virineya" ni S. M. Slonimsky (1967), ang pinakakapansin-pansing aspeto nito ay ang orihinal na interpretasyon ng materyal na awiting bayan. Ang mga anyo ng kanta ay naging batayan ng O. "Oktubre" (1964) ni V. I. Muradeli, kung saan, sa partikular, isang pagtatangka ang ginawa upang makilala ang imahe ni V. I. Lenin sa pamamagitan ng kanta. Gayunpaman, ang schematism ng mga imahe, ang pagkakaiba sa pagitan ng mga muse. wika sa plano ng monumental na katutubong-bayanihan. O. bawasan ang halaga ng gawaing ito. Ang ilang t-rami ay nagsagawa ng mga kagiliw-giliw na eksperimento sa paglikha ng mga monumental na pagtatanghal sa diwa ng mga bunks. mga aksyong masa batay sa produksyon ng teatro. genre ng oratorio ("Pathetic oratorio" ni G. V. Sviridov, "July Sunday" ni V. I. Rubin).

Sa interpretasyon ng militar mga paksa, nagkaroon ng tendensya, sa isang banda, sa generalization ng oratorio plan, sa kabilang banda, sa psychological. pagpapalalim, pagsisiwalat ng mga pangyayari vsenar. ang mga halaga ay binago sa pamamagitan ng pang-unawa ng otd. pagkatao. Sa O. "The Unknown Soldier" ni K. V. Molchanov (1967) walang mga tiyak na buhay na karakter, ang mga karakter nito ay mga tagadala lamang ng mga ideya ng heneral. feat. Sinabi ni Dr. diskarte sa paksa ay tipikal para sa "The Fate of a Man" Dzerzhinsky (1961), kung saan direkta. ang balangkas ay isang talambuhay ng tao. Ito ay isang produksyon ay hindi nabibilang, gayunpaman, sa malikhain. good luck kuwago Oh, ang paksa ay hindi ganap na isiwalat, ang musika ay naghihirap mula sa mababaw na melodramatismo.

Isang kawili-wiling karanasan ng modernong liriko Oh, consecrated mga problema ng mga personal na relasyon, trabaho at buhay sa mga kondisyon ng mga kuwago. katotohanan, ay "Hindi lamang pag-ibig" R. K. Shchedrin (1961). Ang kompositor ay banayad na gumagamit ng dec. mga uri ng ditty tunes at nar. instr. himig upang makilala ang buhay at mga karakter ng kolektibong nayon ng sakahan. A. Ang "Mga Patay na Kaluluwa" ng parehong kompositor (ayon kay N.V. Gogol, 1977) ay nakikilala sa pamamagitan ng isang matalim na katangian ng musika, tumpak na pagpaparami ng mga intonasyon ng pagsasalita kasama ang kanta ng mga tao. bodega.

Isang bago, orihinal na solusyon istoririch. ang paksa ay ibinigay sa O. "Peter I" ni A.P. Petrov (1975). Ang aktibidad ng mahusay na repormador ay ipinahayag sa isang bilang ng mga kuwadro na gawa ng isang malawak na fresco na karakter. Sa musika ni O., lumilitaw ang isang koneksyon sa Russian. opera classics, ngunit sa parehong oras ang kompositor enjoys isang matinding kontemporaryo. ibig sabihin ay makamit ang isang makulay na teatro. epekto.

Sa genre ng komedya. O. namumukod-tanging "The Taming of the Shrew" ni V. Ya. Shebalin (1957). Sa pagpapatuloy ng linya ng Prokofiev, pinagsama ng may-akda ang komedya sa liriko at, parang, muling binuhay ang mga anyo at pangkalahatang diwa ng lumang klasiko. O. sa bago, moderno. Hugis. Melodich. ibang komiks ang liwanag ng musika. O. "Rootless son-in-law" Khrennikov (1967; sa 1st edition ng "Frol Skobeev", 1950) sa Russian. makasaysayang at sambahayan na plot.

Isa sa mga bagong uso sa opera noong 1960s at 1970s ay ang pagtaas ng interes sa genre ng chamber opera para sa isang maliit na bilang ng mga aktor o mono-opera, kung saan ang lahat ng mga kaganapan ay ipinapakita sa pamamagitan ng prisma ng indibidwal na kamalayan ng isang karakter. Kasama sa ganitong uri ang Notes of a Madman (1967) at White Nights (1970) ni Yu. M. Butsko, Kholminov's Overcoat and Carriage (1971), Anne Frank's Diary ni G. S. Frid (1969) at iba pa.

Mga kuwago. O. ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan at pagkakaiba-iba ng nat. mga paaralan, to-rye, na may pagkakapareho ng pangunahing ideolohikal at aesthetic. ang bawat prinsipyo ay may kanya-kanyang katangian. Matapos ang tagumpay ng Oct. Ang rebolusyon ay pumasok sa isang bagong yugto sa pag-unlad nito Ukr. A. Kahalagahan para sa paglago ng nat. may post ang opera t-ra sa Ukraine. natitirang produkto. Ukrainian opera classics "Taras Bulba" ni N. V. Lysenko (1890), na unang nakakita ng liwanag noong 1924 (na-edit ni L. V. Revutsky at B. N. Lyatoshinsky). Noong 20-30s. isang bilang ng mga bagong O. ukr. mga kompositor sa Sov. at makasaysayan (mula sa kasaysayan ng mga rebolusyonaryong kilusan ng bayan) mga tema. Isa sa pinakamagagandang kuwago. O. ng mga oras na iyon tungkol sa mga kaganapan ng Grad. digmaan ay O. "Shchors" Lyatoshinsky (1938). Si Yu. S. Meitus ay nagtatakda ng iba't ibang gawain sa kanyang operatic work. Ang kanyang O. "Young Guard" (1947, 2nd edition 1950), "Dawn over the Dvina" ("Northern Dawns", 1955), "Stolen Happiness" (1960), "The Ulyanov Brothers" (1967) ay nakakuha ng katanyagan. Koro ng kanta. Ang mga episode ay ang malakas na bahagi ng heroic-historical. O. "Bogdan Khmelnitsky" ni K. F. Dankevich (1951, 2nd edition 1953). O. "Milana" (1957), "Arsenal" (1960) ni G. I. Maiboroda ay puspos ng himig ng kanta. Upang i-update ang operatic genre at iba't ibang dramaturgy. Si V. S. Gubarenko, na gumawa ng kanyang debut noong 1967, ay nagsusumikap para sa mga desisyon. Ang pagkamatay ng iskwadron.

Maraming mga tao ng USSR nat. Ang mga paaralan ng Opera ay lumitaw o umabot sa ganap na pag-unlad pagkatapos lamang ng Okt. rebolusyon, na nagdala sa kanila ng pulitika. at espirituwal na pagpapalaya. Noong 20s. aprubadong kargamento. paaralan ng opera, klasikal ang mga halimbawa nito ay "Abesalom at Eteri" (nakumpleto noong 1918) at "Daisi" (1923) Z. P. Paliashvili. Noong 1926 natapos din ang post. O. "Tamar Tsbieri" ("Cunning Tamara", ika-3 edisyon sa ilalim ng pamagat na "Darejan Tsbieri", 1936) M. A. Balanchivadze. Ang unang malaking Armenian O. - "Almast" A. A. Spendiarov (itinayo noong 1930, Moscow, 1933, Yerevan). U. Gadzhibekov, na nagsimula noong 1900s. pakikibaka para sa paglikha ng Azerbaijan. musical t-ra (mugham O. "Leyli and Majnun", 1908; musical comedy "Arshin mal alan", 1913, atbp.), ay sumulat noong 1936 ng isang malaking heroic epic. O. "Ker-ogly", na, kasama ang "Nergiz" ni A. M. M. Magomayev (1935), ay naging batayan ng pambansa. operatic repertoire sa Azerbaijan. ibig sabihin. papel sa pagbuo ng Azerbaijan. Ginampanan din ni O. ang Shahsenem ni R. M. Gliere (1925, 2nd edition, 1934). Batang Pambansa O. sa mga republikang Transcaucasian ay umasa sa mga mapagkukunan ng alamat, sa mga tema ng nar. epiko at kabayanihan mga pahina ng kanyang pambansa ng nakaraan. Ang linyang ito ng pambansa epiko O. ay ipinagpatuloy sa ibang, mas moderno. pangkakanyahan batayan sa mga gawa tulad ng "David-bek" ni A. T. Tigranyan (post. 1950, 2nd edition 1952), "Sayat-Nova" ni A. G. Harutyunyan (1967) - sa Armenia, "The right hand of the great masters" Sh. M Mshvelidze at "Mindiya" O. V. Taktakishvili (parehong 1961) - sa Georgia. Isa sa mga pinakasikat na Azerbaijanis. Si O. ay naging "Sevil" ni F. Amirov (1952, bagong edisyon 1964), kung saan ang personal na drama ay magkakaugnay sa mga kaganapan ng pangkalahatang publiko. mga halaga. Ang tema ng pagbuo ng Sobyet. mga awtoridad sa Georgia A. Taktakishvili's Theft of the Moon (1976).

Noong 30s. ang mga pundasyon ng pambansa opera t-ra sa mga republika Wed. Asya at Kazakhstan, sa ilang mga tao sa rehiyon ng Volga at Siberia. Mga nilalang. tulong sa paglikha ng kanilang sariling pambansang O. binigyan ang mga taong ito ng Russian. mga kompositor. Ang unang Uzbek O. "Farkhad at Shirin" (1936) ay nilikha ni V. A. Uspensky batay sa parehong pangalan. Teatro. mga dula, na kinabibilangan ng Nar. mga kanta at bahagi ng mughams. Ang landas mula sa drama na may musika hanggang sa O. ay katangian ng isang bilang ng mga tao na walang maunlad na propesyonal sa nakaraan. musika kultura. Nar. musika ang drama na "Leyli at Majnun" ay nagsilbing batayan para sa O. ng parehong pangalan, na isinulat noong 1940 ni Glier nang magkasama. mula sa Uzbek. kompositor-melodist na si T. Jalilov. Mahigpit niyang ikinonekta ang kanyang mga aktibidad sa Uzbek. musika kultura A. F. Kozlovsky, na lumikha ng nat. materyal isang magandang kuwento. O. "Ulugbek" (1942, 2nd edition 1958). S. A. Balasanyan ang may-akda ng unang taj. O. "Vose Uprising" (1939, 2nd edition 1959) at "Kova the Blacksmith" (kasama si Sh. N. Bobokalonov, 1941). Unang Krg. O. "Aichurek" (1939) ay nilikha ni V. A. Vlasov at V. G. Fere nang magkasama. kasama si A. Maldybaev; kalaunan ay isinulat din nila ang "Manas" (1944), "Toktogul" (1958). Mga muse. mga drama at opera ni E. G. Brusilovsky "Kyz-Zhybek" (1934), "Zhalbyr" (1935, 2nd edition 1946), "Er-Targyn" (1936) ang naglatag ng pundasyon para sa Kazakh. musikal na teatro. Paglikha ng mga Turko. musika Ang teatro ay nagsimula sa paggawa ng opera ni A. G. Shaposhnikov na "Zohre at Tahir" (1941, bagong edisyon kasama si V. Mukhatov, 1953). Kasunod nito, ang parehong may-akda ay nagsulat ng isa pang serye ng O. sa Turkmen. nat. materyal, kabilang ang pinagsamang. kasama si D. Ovezov "Shasen at Garib" (1944, 2nd edition 1955). Noong 1940, lumitaw ang unang mga Buryat. O. - "Enkhe - Bulat-Bator" ni M. P. Frolov. Sa pag-unlad ng musika Ang T-ra sa mga mamamayan ng rehiyon ng Volga at ang Malayong Silangan ay iniambag din ni L. K. Knipper, G. I. Litinsky, N. I. Peiko, S. N. Ryauzov, N. K. Chemberdzhi at iba pa.

Gayunpaman, mula na sa con. 30s sa mga republikang ito, ang kanilang mga mahuhusay na kompositor mula sa mga kinatawan ng mga katutubong nasyonalidad ay hinirang. Sa larangan ng opera, si N. G. Zhiganov, ang may-akda ng unang tat. O. "Kachkyn" (1939) at "Altynchach" (1941). Ang isa sa kanyang pinakamahusay na O. - "Jalil" (1957) ay nakatanggap ng pagkilala sa labas ng Tat. SSR. K ibig sabihin. mga tagumpay ng pambansa musika kultura ay nabibilang sa "Birzhan at Sara" ni M. T. Tulebaev (1946, Kazakh SSR), "Khamza" ni S. B. Babaev at "Tricks of Maysara" ni S. A. Yudakov (parehong 1961, Uzbek SSR), "Pulat and Gulru" (1955) at "Rudaki" (1976) ni Sh. S. Sayfiddinov (Tajik SSR), "Brothers" ni D. D. Ayusheev (1962, Buryat ASSR), "Highlanders" ni Sh. R. Chalaev ( 1971, Dag. ASSR) at iba pa.

Belarusian sa opera. kompositor ang nangungunang lugar ay kinuha ng mga kuwago. paksa. Mga Rebolusyon at Sibil. nakatuong digmaan. O. "Mikhas Podgorny" ni E. K. Tikotsky (1939), "Sa kagubatan ng Polesie" ni A. V. Bogatyrev (1939). Labanan ng Belarusian. partisan sa panahon ng Great Patriotic War. ang digmaan ay makikita sa O. "Ales" Tikotsky (1944, sa bagong edisyon ng "The Girl from Polesie", 1953). Sa mga produktong ito Ang Belarusian ay malawakang ginagamit. alamat. O. Ang "The Flower of Happiness" ni A. E. Turenkov (1939) ay batay din sa materyal ng kanta.

Sa panahon ng pakikibaka para sa Sobyet Ang kapangyarihan sa mga republika ng Baltic ay ginamit sa post. ang mga unang Latvian. O. - "Banyuta" ni A. Ya. Kalnin (1919) at ang opera dilogy na "Fire and Sword" ni Janis Medin (1st part 1916, 2nd part 1919). Kasama ni O. "Sa apoy" Kalnin (1937) ang mga gawang ito. naging batayan ng pambansa operatic repertoire sa Latvia. Matapos ang pagpasok ng Latv. mga republika sa USSR sa operatikong gawain ng Latvian. ang mga kompositor ay makikita sa mga bagong tema, istilo at musika ay na-update. wika O. Kabilang sa makabago. mga kuwago. Latvian. Ang mga lawa ay sikat sa Towards a New Shore (1955), The Green Mill (1958) ni M. O. Zarinya, at The Golden Horse ni A. Zhilinskis (1965). Sa Lithuania, ang mga pundasyon ng pambansa Ang opera t-ra ay inilatag sa simula. ika-20 siglo ang mga gawa ni M. Petrauskas - "Birute" (1906) at "Eglė - Queen of snakes" (1918). Ang unang kuwago naiilawan O. - "Ang nayon malapit sa estate" ("Paginerai") S. Shimkus (1941). Noong 50s. O. lumitaw sa makasaysayang. ("Pilenai" V. Yu. Klova, 1956) at moderno. ("Marite" A. I. Rachyunas, 1954) na mga tema. Isang bagong yugto sa pag-unlad ng litas. Ang O. ay kinakatawan ng "Lost Birds" ni V. A. Laurushas, ​​​​"At the Crossroads" ni V. S. Paltanavichyus (parehong 1967). Sa Estonia na noong 1906 ay mayroong isang post. O. "Sabina" ni A. G. Lemba (1906, 2nd edition "Daughter of Lembit", 1908) on the national. plot na may musika batay sa est. nar. melodies. Sa con. 20s lumitaw ang iba pang mga operatikong gawa. ang parehong kompositor (kabilang ang The Maiden of the Hill, 1928), gayundin ang The Vickers ni E. Aava (1928), Kaupo ni A. Vedro (1932), at iba pa. Isang matatag at malawak na batayan para sa pag-unlad ng pambansang . Ang O. ay nilikha pagkatapos ng pagpasok ng Estonia sa USSR. Isa sa mga unang est. mga kuwago. O. ay "Pühajärv" ni G. G. Ernesaks (1946). Moderno ang tema ay makikita sa O. "The Fires of Vengeance" (1945) at "The Singer of Freedom" (1950, 2nd edition 1952) ni E. A. Kapp. Ang "Iron House" ni E. M. Tamberg (1965), "The Swan Flight" ni V. R. Tormis ay minarkahan ng mga bagong paghahanap.

Nang maglaon, nagsimulang umunlad ang kultura ng opera sa Moldova. Ang unang O. sa amag. wika at pambansa lalabas lang ang mga plot sa 2nd half. 50s Si Domnika ni A. G. Styrcha (1950, 2nd edition 1964) ay tinatangkilik ang katanyagan.

Kaugnay ng malawak na pag-unlad ng mass media noong ika-20 siglo. mayroong mga espesyal na uri ng radyo at teleopera, na nilikha na isinasaalang-alang ang tiyak. mga kondisyon ng pang-unawa kapag nakikinig sa radyo o mula sa screen ng TV. Sa banyaga mga bansa, isang bilang ng O. ang partikular na isinulat para sa radyo, kabilang ang Columbus ni V. Egk (1933), The Old Maid and the Thief ni Menotti (1939), The Country Doctor ni Henze (1951, bagong edisyon 1965), "Don Quixote" ni Iber (1947). Ang ilan sa mga O. na ito ay nasa entablado din (halimbawa, "Columbus"). Ang mga opera sa telebisyon ay isinulat ni Stravinsky ("The Flood", 1962), B. Martin ("Marriage" at "How People Live", parehong 1952), Kshenec ("Calculated and Played", 1962), Menotti ("Amal and the Mga Panauhin sa Gabi", 1951; "Labyrinth", 1963) at iba pang mga pangunahing kompositor. Sa USSR, ang mga opera sa radyo at telebisyon bilang mga espesyal na uri ng mga produksyon. ay hindi malawakang pinagtibay. Ang mga opera na espesyal na isinulat para sa telebisyon nina V. A. Vlasov at V. G. Fere (The Witch, 1961) at V. G. Agafonnikov (Anna Snegina, 1970) ay nasa likas na katangian ng mga iisang eksperimento. Mga kuwago. sinusundan ng radyo at telebisyon ang landas ng paglikha ng mga montage at musikang pampanitikan. mga komposisyon o adaptasyon ng mga sikat na gawa sa opera. klasiko at moderno mga may-akda.

Panitikan: Serov A.N., Ang kapalaran ng opera sa Russia, "Russian Stage", 1864, Nos. 2 at 7, pareho, sa kanyang aklat: Selected Articles, vol. 1, M.-L., 1950; kanyang sarili, Opera sa Russia at Russian Opera, "Musical Light", 1870, No 9, pareho, sa kanyang aklat: Critical Articles, vol. 4, St. Petersburg, 1895; Cheshihin V., History of Russian Opera, St. Petersburg, 1902, 1905; Engel Yu .. Sa opera, M., 1911; Igor Glebov (Asafiev B.V.), Symphonic Etudes, P., 1922, L., 1970; kanyang, Mga Sulat sa Russian Opera at Ballet, "Lingguhan ng Petrograd State Academic Theatres", 1922, No. 3-7, 9-10, 12-13; ang kanyang sariling, Opera, sa aklat: Mga sanaysay sa pagkamalikhain ng musikal ng Sobyet, tomo 1, M.-L., 1947; Bogdanov-Berezovsky V. M., Soviet Opera, L.-M., 1940; Druskin M., Mga Tanong ng musikal na dramaturhiya ng opera, L., 1952; Yarustovsky B., Dramaturgy of Russian opera classics, M., 1953; kanyang, Mga sanaysay sa dramaturhiya ng opera ng XX siglo, libro. 1, M., 1971; Sobyet na opera. Koleksyon ng mga kritikal na artikulo, M., 1953; Tigranov G., Armenian Musical Theatre. Mga sanaysay at materyales, tomo 1-3, E., 1956-75; kanyang, Opera at ballet ng Armenia, M., 1966; Archimovich L., Ukrainian classical opera, K., 1957; Gozenpud A., Musical theater sa Russia. Mula sa mga pinagmulan hanggang Glinka, L., 1959; kanyang sarili, Russian Soviet Opera Theatre, L., 1963; kanyang, Russian Opera Theater noong ika-19 na siglo, tomo 1-3, L., 1969-73; kanyang, ang Russian Opera Theater sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo at F. I. Chaliapin, L., 1974; kanyang sariling, Russian Opera House sa pagitan ng dalawang rebolusyon, 1905-1917, L., 1975; Ferman V. E., Opera Theatre, M., 1961; Bernandt G., Dictionary of operas unang itinanghal o inilathala sa pre-revolutionary Russia at sa USSR (1736-1959), M., 1962; Khokhlovkina A., Western European Opera. Huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Sanaysay, M., 1962; Smolsky B. S., Belarusian Musical Theatre, Minsk, 1963; Livanova T.N., Pagpuna sa Opera sa Russia, tomo 1-2, blg. 1-4 (isyu 1 kasama ng V. V. Protopopov), M., 1966-73; Konen V., Theater and Symphony, M., 1968, 1975; Mga tanong ng operatic dramaturgy, (sat.), ed.-comp. Yu. Tyulin, M., 1975; Danko L., Comic opera noong XX century, L.-M., 1976.

Ang bawat isa sa mga sining ay may ilang partikular na genre kung saan binibihisan ng mga tagalikha ang kanilang mga masining na ideya. Ang ilan sa mga ito ay pinakaangkop para sa pagpapatupad ng engrande, tulad ng sinasabi nila ngayon, mga proyekto, para sa malalaking kaliskis at monumental na mga anyo, ang iba - para sa pagpapahayag ng matalik na damdamin. Ang pagkadismaya para sa lumikha ay maaaring lumabas na isang maling napiling genre o anyo kung saan nais niyang isama ang kanyang ideya. Siyempre, ito ay kahanga-hanga kapag ang isang maliit na form ay naglalaman ng isang malaking nilalaman. Sa ganitong mga kaso, kaugalian na sabihin: ang kaiklian ay kapatid ng talento, o - tulad ng sinabi ni Shakespeare sa Hamlet - "ang kaiklian ay ang kaluluwa ng pag-iisip", ngunit masama kung, sa kabilang banda, walang sapat na nilalaman. para sa napiling malaking anyo ...

Alexander Maykapar

Mga genre ng musika: Opera

Ang bawat isa sa mga sining ay may ilang partikular na genre kung saan binibihisan ng mga tagalikha ang kanilang mga masining na ideya. Ang ilan sa mga ito ay pinakaangkop para sa pagpapatupad ng engrande, tulad ng sinasabi nila ngayon, mga proyekto, para sa malalaking kaliskis at monumental na mga anyo, ang iba - para sa pagpapahayag ng matalik na damdamin. Ang pagkadismaya para sa lumikha ay maaaring lumabas na isang maling napiling genre o anyo kung saan nais niyang isama ang kanyang ideya. Siyempre, ito ay kahanga-hanga kapag ang isang maliit na form ay naglalaman ng isang malaking nilalaman. Sa ganitong mga kaso, kaugalian na sabihin: ang kaiklian ay kapatid ng talento, o - tulad ng sinabi ni Shakespeare sa Hamlet - "ang kaiklian ay ang kaluluwa ng pag-iisip", ngunit masama kung, sa kabilang banda, walang sapat na nilalaman. para sa napiling malaking anyo.

Ang mga parallel ay maaaring iguhit sa pagitan ng mga indibidwal na genre ng iba't ibang uri ng sining. Kaya, ang opera sa isang tiyak na kahulugan ay katulad ng isang nobela o isang dramatikong gawain (mas madalas na mga trahedya; at mga halimbawa ng mga opera batay sa mga teksto ng mga sikat na trahedya - sina Shakespeare at Verdi's Othello) ay maaaring ibigay. Ang isa pang parallel ay ang musical genre ng prelude at ang liriko na tula, at sa visual arts, ang drawing. Ang mga paghahambing ay madaling ipagpatuloy.

Mahalagang bigyang-pansin natin dito ang katotohanan na sa gayong mga pagkakatulad ay namamalagi ang pagkakatulad ng mga anyo at kahit na mga diskarte, ang pagkakakilanlan ng trabaho na may mga volume at masa: ang kompositor ay may mga tunog, ang artista ay may mga kulay. Sa iminungkahing serye ng mga sanaysay sa mga genre ng musika, susubukan naming iwasan ang mga kumplikadong konsepto at termino ng musika, ngunit hindi pa rin namin magagawa nang hindi inilalantad ang ilang partikular na tampok sa musika.

Maraming mga klasikal at romantikong opera mula noong panahon ni Lully ang nagpasok ng mga eksena sa ballet. Ang isa sa mga yugtong ito ay ipinakita sa kanyang pagpipinta ni E. Degas. Ang mga ephemeral na mananayaw sa entablado ay lubos na naiiba sa mga musikero ng orkestra at madla sa mga kuwadra, bukod sa kung saan ay ang mga kaibigan ng artist - ang kolektor na si Albert Hesht at ang amateur artist na si Viscount Lepic, na inilalarawan ng artist na may halos katumpakan ng photographic. Ang impresyonismo at realismo ay malapit na konektado. Sa lahat ng kanilang pagkakaiba, maaari silang pagsamahin sa isang larawan.

Ang Egyptian na tema ng Verdi's Aida ay grapikong inilalarawan sa pamagat na pahina ng unang edisyon ng opera, na ginawa ni G. Ricordi at C. sa Milan. Ang mga publikasyon ng kumpanyang ito ay ipinamahagi sa buong Europa. Mula sa mga memoir ni Propesor S. Maykapar tungkol sa kanyang kabataan sa musika sa Taganrog (unang bahagi ng 80s ng ika-19 na siglo): G. Molla, isang gurong Italyano, “bukod sa mga aralin, nagustuhan niya akong puntahan o anyayahan ako sa kanyang lugar sa upang mag-aral sa akin lamang na ang mga bagong opera ni Verdi ay lumalabas. Ang Claviraustsugi (mga pagsasaayos para sa pianoforte) ng mga opera na ito ay direktang inutusan niya mula sa Milan mula sa mismong Ricordi publishing house. Kaya't sinabayan namin siya nang lubusan sa mga opera na "Aida", "Othello", "Falstaff".

Ang unang produksyon ng "Carmen" ay hindi matagumpay. Ang may-akda ay inakusahan ng imoralidad. Isa sa mga unang nagpahalaga sa musika ng "Carmen" ay si Tchaikovsky. "Ang opera ni Bizet," isinulat niya, "ay isang obra maestra, isa sa ilang mga bagay na nakalaan upang ipakita ang mga adhikain sa musika ng isang buong panahon sa pinakamalakas na antas. Sa sampung taon, ang Carmen ang magiging pinakasikat na opera sa mundo.” Ang mga salita ni Tchaikovsky ay naging makahulang.

Ang mga gawa ng sikat na Italyano na kompositor na si Giacomo Puccini ay inilathala ng nabanggit na G. Ricordi. Ang Tosca (1900) ay isa sa mga pinaka repertoire na opera sa mga sinehan sa mundo. Ang paglikha ng mga medley, paraphrase o pantasya sa mga tema ng iyong mga paboritong opera ay isang tradisyon noong ika-18 siglo.

"Lobo bangin". Si Kaspar, naghihintay kay Max, ay nakipagkasundo sa demonyong mangangaso na si Samiel, kung kanino niya ipinagbili ang kanyang buhay. Ngunit pagkatapos ay inaalok niya si Max sa halip. Palihim na tumugon ang multo, "Siya o ikaw." Sa oras na ito, si Max ay bumaba mula sa itaas patungo sa bangin, siya ay hawak ng anino ng kanyang ina, ngunit ipinatawag ni Samiel ang multo ni Agatha, at si Max, pagkatapos ng ilang pag-aalinlangan, ay bumaba. Si Max ay nagsimulang maghanda ng pitong magic bullet mula sa materyal na inihatid ni Kaspar. Napapaligiran sila ng mga mala-impiyernong pangitain. Sa huling, nakamamatay na bala, lumitaw ang multo ni Samiel, at ang parehong mga mangangaso ay nahulog na halos patay mula sa sindak sa lupa.

A. Borodin ay walang oras upang tapusin ang trabaho sa opera.

Ang obra maestra ng operatic art na ito ay inihanda para sa pagganap at paglalathala ng mga kaibigan ng kompositor na sina N. Rimsky-Korsakov at A. Glazunov. Ang huli ay naitala ang opera's overture mula sa memorya.

Ang opera ay inilathala ng Russian philanthropist na si M.P. Belyaev, tagapagtatag ng music publishing house Edition M.P. BELAIFF, Leipzig.

Mula sa mga memoir ni N. Rimsky-Korsakov: M. P. Belyaev "ay isang pilantropo, ngunit hindi isang pilantropo-ginoo, na nagtatapon ng pera sa sining sa kanyang sariling kapritso at, sa esensya, walang ginagawa para sa kanya. Siyempre, kung hindi siya mayaman, hindi niya magagawa ang kanyang ginawa para sa sining, ngunit sa bagay na ito ay agad siyang tumayo sa marangal, matatag na lupa. Siya ay naging isang negosyante ng mga konsyerto at isang publisher ng musikang Ruso nang walang anumang inaasahan ng anumang benepisyo para sa kanyang sarili, ngunit sa kabaligtaran, nag-donate ng malaking halaga para dito, bukod dito, itinago ang kanyang pangalan hanggang sa huling posible.

Maikling kahulugan

Ang mundo ng opera...

Gaano karaming mga kompositor, gaano karaming henerasyon ng mga tagapakinig, sa kung gaano karaming mga bansa ang mundong ito ay naka-riveted sa sarili nito sa kanyang mga alindog! Gaano karaming magagandang obra maestra ang nilalaman ng mundong ito! Anong sari-saring mga balangkas, anyo, paraan ng entablado na sagisag ng kanilang mga larawan na ibinibigay ng mundong ito sa sangkatauhan!

Ang Opera ay ang pinaka-kumplikadong genre ng musika. Bilang isang patakaran, ito ay sumasakop sa isang buong theatrical na gabi (bagaman may mga tinatawag na one-act opera, na kadalasang tinatanghal ng dalawa sa isang theatrical performance). Sa ilang mga kaso, ang kumpletong ideya ng opera ng kompositor ay naisasakatuparan sa ilang gabi, na ang bawat isa ay lumampas sa tradisyonal na saklaw ng isang pagganap ng opera. Ang ibig naming sabihin ay ang tetralogy (iyon ay, isang pagtatanghal ng apat na opera) ng Der Ring des Nibelungen ni Richard Wagner kasama ang apat na independiyenteng pagtatanghal ng opera nito: ang prologue - The Rhine Gold, ang unang araw - The Valkyrie, ang pangalawang araw - Siegfried, ang pangatlo araw - "Kamatayan ng mga diyos". Hindi nakakagulat na ang gayong paglikha, sa mga tuntunin ng sukat nito, ay inilalagay sa mga likha ng espiritu ng tao tulad ng pagpipinta ng plafond ng Sistine Chapel ni Michelangelo o ng "Human Comedy" ni Balzac (98 nobela at maikling kwento - " Mga Etudes sa Moral").

Dahil malayo na ang ating tinakbo, pag-usapan natin si Wagner. Sa aklat ng American musicologist na si Henry Simon, "One Hundred Great Operas", na nagkaroon kami ng pagkakataon na isalin at i-publish para sa mga mahilig sa opera sa ating bansa, ang tetralogy na ito ay sinabi nang matalas at may aphorista: "The Ring of the Nibelung" ay ang pinakadakilang gawa ng sining na nilikha ng isang tao, o - kung hindi man - ang pinaka-napakalaki na nakakainip na bagay, o - kahit na - ang bunga ng isang matinding antas ng gigantomania. Ito ay kung paano ang tetralogy na ito ay patuloy na nailalarawan, at ang mga epithet na ito ay hindi nangangahulugang kapwa eksklusibo. Tumagal ng dalawampu't walong taon upang malikha ang paglikha na ito - teksto, musika at paghahanda para sa premiere. Totoo, sa panahong ito, nagpahinga si Wagner mula sa pagtatrabaho sa The Ring, na bahagyang nahulog sa paglikha ng Siegfried. Upang medyo makagambala sa kanyang sarili at huminga, sa panahong ito ay binubuo din niya ang dalawa sa kanyang mga obra maestra - "Tristan" at "Meistersinger".

Bago man lang mailarawan nang maikli ang makasaysayang landas ng opera - ang isang detalyadong account ng opera ay kukuha ng isang malaking volume ng libro, o kahit na higit pa sa isa - subukan nating magbigay ng maikling kahulugan kung ano ang opera o, sa halip, kung ano ang opera maging isang genre ng musika.

salitang Italyano opera ay mula sa Latin at nangangahulugan sa malawak na kahulugan na "paggawa", iyon ay, "paglikha", sa pampanitikan at musikal na kahulugan - "komposisyon". Matagal bago ang opera, isang genre ng musika, ang salitang ito ay ginamit upang sumangguni sa isang akdang pampanitikan, pangunahin ang pilosopikal at teolohiko, nang ito ay nai-publish sa kabuuan nito - Opera omnia. Ang ganitong mga sulatin ay ang pinakamasalimuot na genre ng pampanitikan (halimbawa, Summa Theologia ni Thomas Aquinas). Sa musika, ang pinaka-kumplikadong gawain ay tiyak ang opera - isang yugto ng trabaho na pinagsasama ang musika (vocal at instrumental), tula, drama, scenography (fine art). Kaya, ang opera ay wastong taglay ang pangalan nito.

Magsimula

Kung itinakda nating balangkasin, kahit man lang sa may tuldok-tuldok na linya, ang mga yugto sa pagbuo ng opera bilang isang genre ng musika, ang ating sanaysay ay magiging isang enumeration lamang ng mga pangalan ng mga kompositor, ang mga pangalan ng kanilang mga operatikong likha at ang mga teatro kung saan unang nakita ng mga obra maestra na ito ang liwanag ng entablado. At mula sa mga pangalan, bilang madali mong hulaan, ang pinakadakila ay pinangalanan: Monteverdi, Pergolesi, Lully, Gluck, Mozart, Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Wagner, Verdi, Puccini, Richard Strauss ... Ito ay mga kompositor lamang sa Kanluran. At ang mga Ruso! Gayunpaman, pag-uusapan natin ang tungkol sa kanila nang maaga.

Ngunit tungkol sa unang opera at ang unang kompositor ng opera, na naging ganoon ... kung nagkataon, kailangan pa ring sabihin. Upang gawin ito, kailangan nating dalhin sa isip ang ating sarili sa tinubuang-bayan ng genre ng musikal na ito - sa Italya, mas tiyak, sa Florence sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Dito ipinanganak ang Opera at sa panahong ito.

Sa panahong iyon, ang Italya ay pinangungunahan ng isang pambihirang hilig para sa mga akademya, iyon ay, malaya (mula sa mga awtoridad ng lungsod at simbahan) na mga lipunan na pinag-isa ang mga pilosopo, siyentipiko, makata, musikero, marangal at maliwanag na magkasintahan. Ang layunin ng naturang mga lipunan ay hikayatin at paunlarin ang mga agham at sining. Ang mga akademya ay nasiyahan sa pinansiyal na suporta ng kanilang mga miyembro (karamihan sa kanila ay kabilang sa mga aristokratikong lupon) at nasa ilalim ng pagtangkilik ng mga korte ng prinsipe at ducal. Sa siglo XVI-XVII. Sa Italya, mayroong mahigit isang libong akademya. Isa na rito ang tinaguriang Florentine Camerata. Nagmula ito noong 1580 sa inisyatiba ni Giovanni Bardi, Count of Vernio. Kabilang sa mga miyembro nito ay sina Vincenzo Galilei (ama ng sikat na astronomer), Giulio Caccini, Jacopo Peri, Pietro Strozzi, Girolamo Mei, Ottavio Rinuccini, Jacopo Korea, Cristofano Malvezzi. Sila ay lalo na interesado sa kultura ng unang panahon at ang mga problema ng estilo ng sinaunang musika. Ito ay sa batayan na ang opera ay ipinanganak, na sa oras na iyon ay hindi pa tinatawag na opera (sa unang pagkakataon ang terminong "opera" sa aming pag-unawa ay lumitaw noong 1639), ngunit tinukoy bilang drama sa bawat musika(lit.: “drama through music”, o, mas tiyak, “drama (set) to music”). Sa madaling salita, ang mga kompositor ng Florentine Camerata ay dinala ng ideya ng muling pagtatayo ng sinaunang musika at drama ng Greek at hindi man lang nag-isip tungkol sa tinatawag nating opera ngayon. Ngunit mula sa mga pagtatangka na lumikha ng gayong (pseudo) antigong drama noong 1597 o 1600, ipinanganak ang opera.

Iba't ibang mga petsa - dahil ang lahat ay nakasalalay sa kung ano ang itinuturing na unang opera: ang taon ng paglikha ng una, ngunit nawala o ang taon ng una umabot sa mula sa opera. Ito ay kilala tungkol sa nawala na ito ay "Daphne", at ang isa na bumaba sa amin ay "Eurydice". Ito ay kahanga-hangang inilagay sa Pitti Palace noong Oktubre 6, 1600 sa okasyon ng kasal ni Marie de Medici at ng Pranses na Haring Henry IV. Ipinagdiwang ng komunidad ng musikal sa mundo ang ika-400 anibersaryo ng opera noong 2000. Magagandang mga numero! Malamang na makatwiran ang desisyong ito. Bilang karagdagan, ang parehong mga opera na ito - "Daphne" at "Eurydice" - ay kabilang sa parehong kompositor na si Jacopo Peri (isinulat niya ang pangalawa sa pakikipagtulungan kay Giulio Caccini).

Tulad ng kaso ng paglilista ng mga pangalan ng mga kompositor ng opera, naghihintay sa atin ang walang hangganang materyal kung gusto nating ilarawan ang iba't ibang uri at direksyon ng pagkamalikhain ng opera, upang makilala ang lahat ng mga inobasyon na dala ng bawat isa sa mga dakilang tagalikha ng opera. Kakailanganin nating banggitin ang hindi bababa sa mga pangunahing uri ng opera - ang tinatawag na "seryosong" opera ( opera serial) at comic opera ( opera buffa). Ito ang mga unang genre ng opera na lumitaw noong ika-17-18 siglo; sa mga ito pagkatapos (noong ika-19 na siglo) ay lumago, ayon sa pagkakabanggit, "opera-drama" ( grand opera) at ang comic opera ng panahon ng romanticism (na noon ay maayos na nabago sa isang operetta).

Kung gaano kapansin-pansin at kaliwanagan ang ebolusyon ng mga genre ng opera na ito sa mga musikero ay ipinakita ng nakakatawang pahayag ng isang matalinong musikero: "If [Rossini's] Barber of Seville tatlo mga aksyon, alamin na ginagawa ito para sa mga layunin ng buffet ng teatro." Upang pahalagahan ang biro na ito, kailangan mong malaman na ang The Barber of Seville ay isang comic opera, tagapagmana ng mga tradisyon. opera buffa. PERO opera buffa noong una (sa Italya noong ika-18 siglo) ito ay nilikha bilang isang masayang pagtatanghal para sa madla upang makapagpahinga sa mga intermisyon opera serial, alin sa panahong iyon ay laging binubuo ng tatlong kilos. Kaya madaling makita na mayroong dalawang intermission sa isang three-act na pagtatanghal.

Ang kasaysayan ng musika ay napanatili para sa atin ang mga kalagayan ng kapanganakan ng una opera buffa. Ang may-akda nito ay isang napakabata na si Giovanni Battista Pergolesi. Noong 1733, nilikha ng kompositor ang kanyang susunod na "seryosong opera" - "The Proud Prisoner". Tulad ng iba pang limang opera serye, na kanyang kinatha sa loob ng apat na taon ng kanyang karera bilang isang kompositor ng opera, hindi siya nagtagumpay, sa katunayan, nabigo.

Bilang dalawa intermezzo Si Pergolesi, tulad ng sinasabi nila, slipshod, ay nagsulat ng isang nakakatawang kuwento, kung saan kailangan lamang ng isang soprano at isang bass, at, mabuti, isang aktor ng mime (ang ganitong komposisyon ay naging tradisyonal para sa mga naturang interludes). Kaya't ipinanganak ang anyo ng musikal na kilala bilang opera buffa, na naging mahaba at marangal na kasaysayan, at ang klasikong halimbawa nito - "The Maid-Mistress" - ay may marangal at parehong mahabang yugto ng buhay.

Namatay si Pergolesi noong 1736 sa edad na dalawampu't anim. Hindi niya nalaman na makalipas ang sampung taon, nang itanghal ng isang Italyano na tropa ang kanyang munting gawain sa Paris, nagdulot ito ng isang operatic war na naging kilala bilang "war of the buffoons." Ang malawak na iginagalang na Rameau at Lully pagkatapos ay binubuo ng mga maringal at kalunus-lunos na mga akda na umani ng kritisismo mula sa mga intelektuwal na gaya nina Rousseau at Diderot. Binigyan sila ng "Maid Mistress" ng sandata para salakayin ang pormal na musical entertainment na pinapaboran ng hari. Siyanga pala, mas pinili ng reyna ang mga musical rebels. Ang resulta ng digmaang ito ay hindi bababa sa animnapung polyeto sa paksa, na nagtamo ng tagumpay opera buffa Si Rousseau mismo, na tinawag na "The Village Sorcerer" (siya ay naging modelo para sa "Bastienne at Bastienne" ni Mozart), at halos dalawang daang pagtatanghal ng Pergolesian na obra maestra.

Mga pangunahing prinsipyo ng Gluck

Kung titingnan natin ang opera mula sa punto ng view ng repertoire na maaaring ituring na tradisyonal para sa mga klasikal na teatro ng opera ng mundo, kung gayon sa mga unang linya nito ay walang mga gawa ng mga klasiko ng ika-18 siglo, tulad ng Handel, Si Alessandro Scarlatti at ang kanilang maraming mga kapanahon at tagasunod na aktibong nagtrabaho, ngunit isang kompositor na determinadong itinuon ang kanyang tingin sa dramatikong katotohanan ng aksyon sa entablado. Ang kompositor na ito ay si Gluck.

Dapat pansinin na, siyempre, kapag nagpapakilala sa mga pambansang paaralan ng opera, dapat ding sabihin ng isa ang tungkol sa Alemanya sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, ngunit dito, anuman ang trabaho na kunin mo mula sa mga karapat-dapat na banggitin, tiyak na liliko ito. maging isang Italyano na kompositor na nagtrabaho sa Germany, o isang German, na sinanay sa Italya at sumulat sa tradisyon ng Italyano at sa wikang Italyano. Bukod dito, ang mga unang gawa ni Gluck mismo ay ganoon lang: nag-aral siya sa Italya at ang kanyang mga unang opera ay isinulat para sa mga Italian opera house. Gayunpaman, sa isang tiyak na sandali, kapansin-pansing binago ni Gluck ang kanyang mga pananaw at pumasok sa opera na may mataas na banner, na kung saan ay nakasulat: "Bumalik sa ika-1600!". Sa madaling salita, muli, pagkatapos ng maraming taon ng paglinang ng lahat ng uri ng mga kombensiyon, ang opera ay magiging " drama sa bawat musika».

Ang mga pangunahing prinsipyo ni Gluck ay maaaring ibuod (batay sa paunang salita ng may-akda sa Alceste) tulad ng sumusunod:

a) ang musika ay dapat na nasa ilalim ng tula at dula, hindi ito dapat magpahina sa kanila ng mga hindi kinakailangang dekorasyon; dapat itong gampanan na may kaugnayan sa isang akdang patula ng parehong papel na, na may kaugnayan sa isang mahusay at tumpak na pagguhit, ay nilalaro ng liwanag ng mga kulay at isang mahusay na pamamahagi ng liwanag at lilim, na nagsisilbing pasiglahin ang mga pigura nang hindi binabago ang kanilang mga contour;

b) kinakailangang patalsikin ang lahat ng mga pagmamalabis na ipinoprotesta ng sentido komun at hustisya; hindi dapat matakpan ng aktor ang kanyang masugid na monologo, naghihintay ng isang walang katotohanang ritornello na tumunog, o pumunit ng isang salita upang maipakita ang kanyang magandang boses sa ilang maginhawang patinig;

c) ang overture ay dapat na nagbibigay-liwanag sa aksyon para sa madla at magsilbi bilang isang panimulang pangkalahatang-ideya ng nilalaman;

d) ang orkestrasyon ay dapat magbago ayon sa interes at hilig ng mga salitang binibigkas ng aktor;

e) hindi naaangkop na mga caesuras sa pagitan ng mga recitatives at arias, na nakapipinsala sa panahon at nag-aalis ng pagkilos ng lakas at ningning, ay dapat na iwasan.

Kaya, lumilitaw si Gluck bilang ang dakilang repormador ng opera. Siya ay isang Aleman, at sa kanya nagmula ang linya ng pag-unlad ng opera, na humahantong sa pamamagitan ng Mozart hanggang sa Weber, pagkatapos ay sa Wagner.

Double Talent

Marahil ang pinakamahusay na katangian ni Wagner ay ang mga salita ni Franz Liszt tungkol sa kanya (na sinipi namin sa pagsasalin ng kahanga-hangang kompositor ng Russia at kritiko ng musika na si Alexander Serov): "Sa isang napakabihirang pagbubukod sa larangan ng mga musical figure, pinagsama ni Wagner ang isang dobleng talento: isang makata sa mga tunog at isang makata ng mga salita, may-akda musika sa opera at may-akda libretto, na ginagawang pambihira pagkakaisa kanyang dramatiko at musikal na mga imbensyon.<...>Ang lahat ng mga sining, ayon sa teorya ni Wagner, ay dapat pagsamahin sa teatro at sa ganoong artistikong balanseng kasunduan ay nagsusumikap patungo sa isang layunin - isang karaniwang kaakit-akit na impresyon. Imposibleng talakayin ang musika ni Wagner kung gusto mong maghanap ng isang ordinaryong operatic texture sa loob nito, isang ordinaryong pamamahagi ng arias, duets, romances, ensembles. Dito, ang lahat ay magkakaugnay, pinag-isa ng organismo ng drama. Ang estilo ng pag-awit sa karamihan ng mga eksena ay malayo sa nakagawiang pagbigkas tulad ng sa mga sinusukat na parirala ng Italian arias. Ang pag-awit ni Wagner ay nagiging natural na pananalita sa larangan ng tula, isang talumpati na hindi nakakasagabal sa mga dramatikong aksyon (tulad ng sa iba pang mga opera), ngunit, sa kabaligtaran, ito ay walang katumbas na pagpapahusay. Ngunit habang ang mga aktor ay nagpapahayag ng kanilang mga damdamin sa isang marilag na simpleng pagbigkas, ang pinakamayamang orkestra ng Wagner ay nagsisilbing isang echo ng kaluluwa ng parehong mga aktor na ito, nagpupuno, kumukumpleto sa kung ano ang ating dinggin at tingnan mo sa entablado."

paaralang Ruso

Noong ika-19 na siglo, ang paaralan ng opera ng Russia ay umabot sa kapanahunan at kalayaan. Para sa paglago nito, ang kahanga-hangang lupa ay inihanda sa oras na ito. Ang unang mga opera ng Russia, na lumitaw sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ay pangunahing mga dramatikong dula na may mga yugto ng musikal sa kurso ng aksyon. Marami ang hiniram ng mga kompositor ng Russia noong panahong iyon mula sa mga Italyano at Pranses. Ngunit kahit na ang mga, sa turn, na bumisita sa Russia, ay napansin at na-asimilasyon ang karamihan sa buhay ng musikal ng Russia sa kanilang trabaho.

Ang nagtatag ng mga klasikong opera ng Russia ay si M.I. Glinka. Dalawa sa kanyang mga opera - ang makasaysayang-trahedya A Life for the Tsar (Ivan Susanin, 1836) at ang kamangha-manghang epikong Ruslan at Lyudmila (1842) - ang naglatag ng pundasyon para sa dalawa sa pinakamahalagang lugar ng teatro ng musikal ng Russia: makasaysayang opera at mahika - epikong opera.

Kasunod ni Glinka, pumasok si Alexander Dargomyzhsky sa larangan ng opera. Nagsimula ang kanyang landas bilang kompositor ng opera sa opera na Esmeralda ni V. Hugo (na itinanghal noong 1847). Ngunit ang kanyang pangunahing artistikong tagumpay ay ang opera Mermaid (1855) at The Stone Guest (1866-1869). Ang Rusalka ay ang unang Russian araw-araw na lyric-psychological opera. Si Dargomyzhsky, tulad ni Wagner, ay nadama ang pangangailangan na baguhin ang opera upang maalis ang mga kombensiyon at makamit ang isang kumpletong pagsasanib ng musika at dramatikong aksyon. Ngunit, hindi tulad ng mahusay na Aleman, itinuon niya ang kanyang mga pagsisikap sa paghahanap ng pinaka-makatotohanang sagisag sa tinig na himig ng mga intonasyon ng buhay na pagsasalita ng tao.

Isang bagong yugto sa kasaysayan ng Russian opera - ang 60s ng XIX na siglo. Ito ang oras kung kailan lumilitaw ang mga gawa ng mga kompositor ng Balakirev circle, na kilala bilang "Mighty Handful", at Tchaikovsky sa entablado ng Russia. Ang mga miyembro ng Balakirev circle ay A.P. Borodin, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov. Ang mga operatikong gawa ng mga kompositor na ito ay bumubuo sa gintong pondo ng Russian at world opera art.,

Ang ika-20 siglo, kapwa sa Russia at sa Kanluran, ay nagpakilala ng isang makabuluhang pagkakaiba-iba sa mga genre ng opera, ngunit dapat nating aminin na ang ika-apat na siglo ng pagkakaroon ng opera ay hindi maaaring ipagmalaki ang mga nilikha na kasing dakila at sa kasaganaan tulad noong nakaraang mga siglo. . Tingnan natin kung ano ang mangyayari sa ikalimang siglo...

Paano nagsimula ang opera...

Anuman ang artistikong direksyon na kinabibilangan ng isang partikular na opera, ito ay palaging nagbubukas sa isang overture. Bilang isang patakaran, ang huli ay naglalaman ng mga pangunahing ideya ng musikal ng opera, ang mga pangunahing motibo nito, na nagpapakilala sa mga karakter nito sa pamamagitan ng mga paraan ng orkestra. Ang overture ay ang "calling card" ng opera. Tinatapos namin ang aming pag-uusap tungkol sa opera sa isang talakayan kung paano nagsisimula ang opera. At ipinapasa namin ang salita sa pinaka-matalino ng mga kompositor - Gioacchino Rossini.

Nang tanungin siya ng isang batang kompositor kung mas mabuting magsulat ng isang overture bago isulat ang opera o pagkatapos itong makumpleto, naglista si Rossini ng anim na paraan kung saan siya sumulat ng mga overture:

1. Isinulat ko ang overture kay Othello sa isang maliit na silid kung saan kinulong ako ng isang plato ng macaroni ng isa sa pinakamalupit na direktor ng teatro, si Barbaria; sabi niya na bibitawan na lang niya ako pagkatapos maisulat ang huling nota ng overture.

2. Isinulat ko ang overture sa The Thieving Magpie sa mismong araw ng premiere ng opera sa likod ng entablado sa teatro ng La Scala sa Milan. Inilagay ako ng direktor sa ilalim ng bantay ng apat na entablado, na inutusang isa-isang ihagis ang mga sheet ng manuskrito, sa mga tagakopya na nasa ibaba ng hukay ng orkestra. Habang muling isinulat ang manuskrito, bawat pahina, ipinadala ito sa konduktor, na nag-eensayo ng musika. Kung hindi ako nagtagumpay sa pagbuo ng musika sa takdang oras, ang aking mga guwardiya ay ihagis ako mismo, sa halip na mga sheet, sa mga tagakopya.

3. Mas madali akong lumabas sa sitwasyon sa kaso ng overture sa Barbero ng Seville, na hindi ko isinulat; sa halip ay ginamit ko ang overture sa aking opera na Elisabeth, na isang napakaseryosong opera, habang ang The Barber of Seville ay isang comic opera.

4. Binubuo ko ang Overture sa "Count Ory" noong nangingisda ako kasama ang isang musikero, isang Kastila, na walang humpay na nakikipagdaldalan tungkol sa sitwasyong pampulitika sa kanyang bansa.

5. Binubuo ko ang William Tell Overture sa isang apartment sa Boulevard Montmartre, kung saan gabi at araw ang pulutong ng mga tao ay naninigarilyo, umiinom, nag-uusap, kumakanta at umalingawngaw sa aking mga tainga habang nagtatrabaho ako sa musika.

6. Hindi pa ako nakagawa ng kahit anong overture sa aking opera na si Moses; at ito ang pinakasimple sa lahat ng paraan.

Ang nakakatawang pahayag na ito ng sikat na kompositor ng opera ay natural na humantong sa amin sa isang mas detalyadong kuwento tungkol sa overture - isang musikal na genre na nagbigay ng magagandang halimbawa. Ang kwento tungkol dito ay nasa susunod na sanaysay ng cycle.

Batay sa mga materyales ng magazine na "Art" No. 02/2009

Sa poster: Boris Godunov - Ferruccio Furlanetto. Larawan ni Damir Yusupov

Opera(Italian opera - negosyo, paggawa, trabaho; mula sa Latin opera - paggawa, produkto, trabaho) - isang genre ng musikal at dramatikong sining, kung saan ang nilalaman ay kinakatawan sa pamamagitan ng musikal na dramaturhiya, pangunahin sa pamamagitan ng vocal music. Ang pampanitikan na batayan ng opera ay ang libretto.

Kasaysayan ng genre

Ang Opera ay lumitaw sa Italya, sa mga misteryo, iyon ay, mga espirituwal na pagtatanghal kung saan ang episodically ipinakilala na musika ay nakatayo sa mababang antas. Espirituwal na komedya: "Pagbabalik-loob ng St. Paul" (1480), Beverini, ay isang mas seryosong gawain, kung saan sinamahan ng musika ang aksyon mula simula hanggang wakas. Sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo, ang mga pastoral o pastoral na laro ay napakapopular, kung saan ang musika ay limitado sa mga koro, sa likas na katangian ng isang motet o madrigal. Sa Amfiparnasso ni Orazio Vecchi, ang pag-awit sa labas ng entablado, sa anyo ng limang boses na madrigal, ay nagsilbi upang samahan ang pagganap ng mga aktor sa entablado. Ang "Commedia armonica" na ito ay ibinigay sa unang pagkakataon sa korte ng Modena noong 1597.

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, ang mga pagtatangka na ipakilala ang monophonic na pag-awit (monody) sa naturang mga komposisyon ay humantong sa opera sa landas kung saan ang pag-unlad nito ay mabilis na sumulong. Tinawag ng mga may-akda ng mga pagtatangka na ito ang kanilang mga musikal at dramatikong gawa na drama sa musica o drama per musica; ang pangalang "opera" ay nagsimulang ilapat sa kanila noong unang kalahati ng ika-17 siglo. Nang maglaon, muling bumalik sa pangalang "musical drama" ang ilang kompositor ng opera, gaya ni Richard Wagner.

Ang unang opera house para sa mga pampublikong pagtatanghal ay binuksan noong 1637 sa Venice; kanina, ang opera ay nagsilbi lamang para sa libangan sa korte. Ang Daphne ni Jacopo Peri, na ginanap noong 1597, ay maaaring ituring na unang pangunahing opera. Hindi nagtagal ay kumalat ang opera sa Italya, at pagkatapos ay sa iba pang bahagi ng Europa. Sa Venice, mula nang magbukas ang mga pampublikong panoorin, 7 mga sinehan ang lumabas sa loob ng 65 taon; 357 opera ang isinulat para sa kanila ng iba't ibang kompositor (hanggang 40). Ang mga pioneer ng opera ay: sa Germany - Heinrich Schutz ("Daphne", 1627), sa France - Kamber ("La pastorale", 1647), sa England - Purcell; sa Espanya, ang unang mga opera ay lumitaw sa simula ng ika-18 siglo; sa Russia, si Araya ang unang sumulat ng isang opera (Cephal at Procris) sa isang malayang tekstong Ruso (1755). Ang unang opera ng Russia na isinulat sa mga kaugaliang Ruso ay "Tanyusha, o isang Maligayang Pagpupulong", musika ni F. G. Volkov (1756).

Mga uri ng opera

Sa kasaysayan, ang ilang mga anyo ng operatic music ay nabuo. Sa pagkakaroon ng ilang pangkalahatang pattern ng operatic dramaturgy, lahat ng bahagi nito ay binibigyang-kahulugan nang iba depende sa mga uri ng opera.

grand opera (opera seria - Italian, trag "edie lyrique, mamaya grand-op" era - French),

semi-comic (semiseria),

comic opera (opera-buffa - Italyano, op "era-comique - French, Spieloper - German),

romantikong opera, sa isang romantikong balangkas.

Sa comic opera, German at French, pinapayagan ang dialogue sa pagitan ng mga musical number. Mayroon ding mga seryosong opera kung saan ipinapasok ang diyalogo, halimbawa. "Fidelio" ni Beethoven, "Medea" ni Cherubini, "Magic Shooter" ni Weber.

Mga Opera para sa pagtatanghal ng mga bata (halimbawa, mga opera ni Benjamin Britten - The Little Chimney Sweep, Noah's Ark, Lev Konov's opera - King Matt the First, Asgard, The Ugly Duckling, Kokinvakashu).

Mga elemento ng opera

Ang Opera ay isang sintetikong genre na pinagsasama-sama ang iba't ibang uri ng sining sa iisang theatrical action: dramaturgy, musika, fine arts (dekorasyon, costume), choreography (ballet).

Kasama sa grupo ng opera ang: soloista, koro, orkestra, orkestra ng militar, organ. Mga boses ng Opera: (babae: soprano, mezzo-soprano, contralto; lalaki: countertenor, tenor, baritone, bass).

Ang isang gawa sa opera ay nahahati sa mga gawa, mga kuwadro na gawa, mga eksena, mga numero. May prologue bago ang mga gawa, at isang epilogue sa dulo ng opera.

Ang mga bahagi ng isang operatic work ay recitatives, ariosos, songs, arias, duets, trios, quartets, ensembles, atbp. Sa mga symphonic forms - overture, introduction, intermissions, pantomime, melodrama, processions, ballet music.

Ang mga karakter ng mga bayani ay lubos na nahayag sa mga solong numero (aria, arioso, arietta, cavatina, monologue, ballad, kanta). Ang recitative ay may iba't ibang function sa opera - musical-intonational at rhythmic reproduction ng pagsasalita ng tao. Kadalasan ay nag-uugnay siya (sa balangkas at mga terminong pangmusika) ng mga hiwalay na nakumpletong numero; ay kadalasang isang mabisang salik sa musikal na dramaturhiya. Sa ilang mga genre ng opera, kadalasang komedya, ginagamit ang kolokyal na pananalita sa halip na recitative, kadalasan sa mga diyalogo.

Ang diyalogo sa entablado, ang eksena ng isang dramatikong pagtatanghal sa isang opera, ay tumutugma sa isang musikal na grupo (duet, trio, quartet, quintet, atbp.), ang pagtitiyak na ginagawang posible upang lumikha ng mga sitwasyon ng salungatan, upang ipakita hindi lamang ang pag-unlad ng ang aksyon, kundi pati na rin ang salungatan ng mga karakter at ideya. Samakatuwid, madalas na lumilitaw ang mga ensemble sa kasukdulan o mga huling sandali ng isang aksyon sa opera.

Ang koro sa opera ay binibigyang kahulugan sa iba't ibang paraan. Maaaring ito ay isang background na walang kaugnayan sa pangunahing storyline; minsan isang uri ng komentarista sa mga nangyayari; ang mga artistikong posibilidad nito ay ginagawang posible na magpakita ng mga monumental na larawan ng katutubong buhay, upang ipakita ang relasyon sa pagitan ng bayani at ng masa (halimbawa, ang papel ng koro sa mga katutubong musikal na drama ni MP Mussorgsky na "Boris Godunov" at "Khovanshchina").

Sa musikal na dramaturhiya ng opera, isang malaking papel ang itinalaga sa orkestra, ang symphonic na paraan ng pagpapahayag ay nagsisilbi upang mas ganap na ihayag ang mga imahe. Kasama rin sa opera ang mga independiyenteng yugto ng orkestra - overture, intermission (pagpapakilala sa mga indibidwal na kilos). Ang isa pang bahagi ng pagganap ng opera ay ballet, mga choreographic na eksena, kung saan ang mga plastik na larawan ay pinagsama sa mga musikal.

| |

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Ministri ng Edukasyon ng Russian Federation

Magnitogorsk State University

Faculty ng edukasyon sa preschool

Pagsusulit

sa disiplina na "Musical Art"

Opera bilang isang genre ng musikal na sining

Ginawa:

Manannikova Yu.A.

Magnitogorsk 2002

1. ANG Pag-usbong ng isang Genre

Ang Opera bilang isang genre ng musika ay lumitaw dahil sa pagsasanib ng dalawang mahusay at sinaunang sining - teatro at musika.

“... Ang opera ay isang sining na isinilang mula sa kapwa pagmamahal sa musika at teatro,” ang isinulat ng isa sa mga namumukod-tanging direktor ng opera sa ating panahon, si B.A. Pokrovsky.-- Ito rin ay parang isang teatro na ipinahayag ng musika.

Kahit na ang musika ay ginamit sa teatro mula noong sinaunang panahon, gayunpaman, ang opera bilang isang malayang genre ay lumitaw lamang sa pagliko ng ika-16-17 siglo. Ang mismong pangalan ng genre - opera - ay lumitaw noong 1605 at mabilis na pinalitan ang mga dating pangalan ng genre na ito: "drama sa pamamagitan ng musika", "trahedya sa pamamagitan ng musika", "melodrama", "tragicomedy" at iba pa.

Sa makasaysayang sandali na ito nabuo ang mga espesyal na kondisyon na nagbigay buhay sa opera. Una sa lahat, ito ay ang nakapagpapalakas na kapaligiran ng Renaissance.

Ang Florence, kung saan unang umunlad ang kultura at sining ng Renaissance sa Apennines, kung saan nagsimula ang paglalakbay nina Dante, Michelangelo at Benvenuto Cellini, ay naging lugar ng kapanganakan ng opera.

Ang paglitaw ng isang bagong genre ay direktang nauugnay sa muling pagbabangon sa literal na kahulugan ng sinaunang Griyegong drama. Ito ay hindi nagkataon na ang mga unang komposisyon ng opera ay tinatawag na mga musikal na drama.

Nang sa pagtatapos ng ika-16 na siglo ay nabuo ang isang bilog ng mahuhusay na makata, aktor, siyentipiko at musikero sa paligid ng naliwanagang pilantropo na si Count Bardi, wala sa kanila ang nag-isip ng anumang pagtuklas sa sining, at higit pa sa musika. Ang pangunahing layunin na itinakda ng mga mahilig sa Florentine ay buhayin muli ang mga drama ng Aeschylus, Euripides at Sophocles. Gayunpaman, ang pagtatanghal ng mga gawa ng sinaunang Greek playwright ay nangangailangan ng saliw ng musika, at ang mga halimbawa ng naturang musika ay hindi napanatili. Noon napagpasyahan na bumuo ng kanilang sariling musika, na tumutugma (tulad ng naisip ng may-akda) sa diwa ng sinaunang drama ng Griyego. Kaya, sinusubukang muling likhain ang sinaunang sining, natuklasan nila ang isang bagong genre ng musika, na nakalaan upang maglaro ng isang mapagpasyang papel sa kasaysayan ng sining - opera.

Ang unang hakbang na ginawa ng mga Florentine ay ang magtakda ng maliliit na dramatikong sipi sa musika. Bilang isang resulta, may lumitaw monody(anumang monophonic melody batay sa pagkakaisa ay isang lugar ng musikal na kultura), isa sa mga tagalikha nito ay si Vincenzo Galilei, isang mahusay na connoisseur ng sinaunang kulturang Greek, kompositor, lute player at mathematician, ama ng napakatalino na astronomer na si Galileo Galilei.

Na para sa mga unang pagtatangka ng Florentines, isang muling pagbabangon ng interes sa mga personal na karanasan ng mga bayani ay katangian. Samakatuwid, sa halip na polyphony, ang isang homophonic-harmonic na istilo ay nagsimulang manginig sa kanilang mga gawa, kung saan ang pangunahing tagadala ng imahe ng musika ay isang himig na bubuo sa isang boses at sinamahan ng isang harmonic (chord) na saliw.

Ito ay medyo katangian na kabilang sa mga unang sample ng opera na nilikha ng iba't ibang mga kompositor, tatlo ang isinulat sa parehong balangkas: ito ay batay sa mitolohiyang Griyego ng Orpheus at Eurydice. Ang unang dalawang opera (parehong tinatawag na "Eurydice") ay pag-aari ng mga kompositor na sina Peri at Caccini. Gayunpaman, ang parehong mga musikal na drama na ito ay naging napakahinhin na mga eksperimento kumpara sa opera ni Claudio Monteverdi na Orpheus, na lumabas sa Mantua noong 1607. Isang kontemporaryo nina Rubens at Caravaggio, Shakespeare at Tasso, lumikha si Monteverdi ng isang obra kung saan nagsimula ang kasaysayan ng opera.

Karamihan sa binalangkas lamang ng mga Florentine, ginawa ni Monteverdi na kumpleto, malikhaing nakakumbinsi at mabubuhay. Kaya ito, halimbawa, sa mga recitative, unang ipinakilala ni Peri. Ang espesyal na uri ng musikal na pagbigkas ng mga bayani, ayon sa lumikha nito, ay dapat na mas malapit hangga't maaari sa kolokyal na pananalita. Gayunpaman, sa Monteverdi lamang ang mga recitative ay nakakuha ng sikolohikal na lakas, matingkad na imahe, at nagsimulang talagang maging katulad ng buhay na pagsasalita ng tao.

Lumikha si Monteverdi ng isang uri ng aria - panaghoy -(mournful song), isang napakatalino na halimbawa kung saan ang reklamo ng inabandunang Ariadne mula sa opera ng parehong pangalan. "Ang Reklamo ni Ariadne" ay ang tanging fragment na dumating sa ating panahon mula sa buong gawaing ito.

"Naantig si Ariadne dahil siya ay isang babae, si Orpheus dahil siya ay isang simpleng tao ... Napukaw ni Ariadne ang tunay na pagdurusa sa akin, kasama si Orpheus ay nanalangin ako para sa awa ..." Sa mga salitang ito, ipinahayag ni Monteverdi hindi lamang ang kanyang malikhaing kredo, ngunit naihatid din ang kakanyahan ng mga natuklasan na kanyang ginawa sa sining ng musika. Tulad ng wastong itinuro ng may-akda ng Orpheus, bago sa kanya, sinubukan ng mga kompositor na bumuo ng "malambot", "katamtaman" na musika; sinubukan niyang lumikha, una sa lahat, "nasasabik" na musika. Samakatuwid, itinuring niya ang kanyang pangunahing gawain na ang pinakamataas na pagpapalawak ng makasagisag na globo at nagpapahayag na mga posibilidad ng musika.

Ang bagong genre, opera, ay hindi pa naitatag ang sarili nito. Ngunit mula ngayon, ang pag-unlad ng musika, vocal at instrumental, ay hindi maiiwasang maiugnay sa mga nagawa ng opera house.

2. OPERA GENRES: OPERA SERIA AT OPERA BUFFA

Nagmula sa Italyanong aristokratikong kapaligiran, ang opera sa lalong madaling panahon ay kumalat sa lahat ng mga pangunahing bansa sa Europa. Ito ay naging isang mahalagang bahagi ng mga kasiyahan sa korte at isang paboritong libangan sa mga korte ng hari ng Pransya, ang emperador ng Austrian, mga elektor ng Aleman, iba pang mga monarko at kanilang mga maharlika.

Ang maliwanag na panoorin, ang espesyal na kasiyahan ng pagtatanghal ng opera, kahanga-hanga dahil sa kumbinasyon sa opera ng halos lahat ng mga sining na umiral noong panahong iyon, perpektong akma sa masalimuot na seremonyal at buhay ng korte at tuktok ng lipunan.

At kahit na noong ika-18 siglo ang opera ay naging lalong demokratikong sining at sa malalaking lungsod, bilang karagdagan sa mga courtier, ang mga pampublikong opera house ay binuksan para sa pangkalahatang publiko, ang mga panlasa ng aristokrasya ang nagpasiya sa nilalaman ng mga gawa ng opera nang higit sa isang siglo.

Ang maligaya na buhay ng korte at ang aristokrasya ay nagpilit sa mga kompositor na magtrabaho nang napakatindi: bawat pagdiriwang, at kung minsan ay isa pang pagtanggap ng mga kilalang panauhin, ay palaging sinasamahan ng isang premiere ng opera. “Sa Italya,” patotoo ng istoryador ng musika na si Charles Burney, “tinitingnan nila ang isang opera na minsan nang narinig na parang kalendaryo noong nakaraang taon.” Sa ilalim ng gayong mga kondisyon, ang mga opera ay "inihurnong" nang sunud-sunod at kadalasan ay naging katulad ng bawat isa, hindi bababa sa mga tuntunin ng balangkas.

Kaya, sumulat ang Italyano na kompositor na si Alessandro Scarlatti ng mga 200 opera. Gayunpaman, ang merito ng musikero na ito, siyempre, ay hindi sa bilang ng mga nilikha na gawa, ngunit pangunahin sa katotohanan na sa kanyang trabaho na ang nangungunang genre at anyo ng operatic art noong ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo sa wakas ay nag-kristal - seryosong opera(serye ng opera).

Ang kahulugan ng pangalan serye ng opera ay madaling maging malinaw kung akala natin ang isang ordinaryong Italyano na opera sa panahong ito. Ito ay isang magarbo, hindi pangkaraniwang bonggang pagganap na may iba't ibang mga kahanga-hangang epekto. Ang eksena ay naglalarawan ng "tunay" na mga eksena sa labanan, mga natural na sakuna o hindi pangkaraniwang pagbabago ng mga mythical heroes. At ang mga bayani mismo - mga diyos, emperador, heneral - ay kumilos sa paraang ang buong pagtatanghal ay nag-iwan sa madla ng isang pakiramdam ng mahalaga, solemne, napakaseryosong mga kaganapan. Ang mga tauhan ng Opera ay nagsagawa ng mga pambihirang tagumpay, durog na mga kaaway sa mga nakamamatay na labanan, namangha sa kanilang pambihirang katapangan, dangal at kadakilaan. Kasabay nito, ang alegorikong paghahambing ng bida ng opera, na napakahusay na ipinakita sa entablado, kasama ang isang mataas na ranggo na maharlika, kung saan ang pagkakasunud-sunod ng opera ay isinulat, ay napakalinaw na ang bawat pagtatanghal ay naging isang panegyric sa isang marangal na kostumer. .

Kadalasan ang iba't ibang mga opera ay gumagamit ng parehong mga plot. Halimbawa, dose-dosenang mga opera ang nilikha sa mga tema mula sa dalawang gawa lamang - "Furious Roland" ni Ariosto at "Jerusalem Liberated" ni Tasso.

Ang mga tanyag na mapagkukunang pampanitikan ay ang mga sinulat nina Homer at Virgil.

Noong kasagsagan ng opera seria, nabuo ang isang espesyal na istilo ng pagtatanghal ng boses - bel canto, batay sa kagandahan ng tunog at birtuoso na boses. Gayunpaman, ang kawalan ng buhay ng mga plot ng mga opera na ito, ang pagiging artipisyal ng pag-uugali ng mga karakter ay nagdulot ng maraming pagpuna sa mga mahilig sa musika.

Ang operatikong genre na ito ay lalong mahina dahil sa static na istraktura ng pagganap, na walang dramatikong aksyon. Samakatuwid, ang madla ay nakinig sa arias, kung saan ipinakita ng mga mang-aawit ang kagandahan ng kanilang mga tinig, birtuosidad, na may malaking kasiyahan at interes. Sa kanyang kahilingan, ang mga aria na gusto niya ay paulit-ulit na inulit "para sa isang encore", habang ang mga recitatives, na itinuturing bilang isang "load", ay hindi gaanong interesado sa mga nakikinig na sa panahon ng pagganap ng mga recitative ay nagsimula silang magsalita nang malakas. Ang iba pang mga paraan upang "pumatay ng oras" ay ginawa din. Ang isa sa mga "napaliwanagan" na mga mahilig sa musika noong siglong XVIII ay nagpayo: "Ang chess ay napaka-angkop para sa pagpuno ng walang bisa ng mahabang recitatives."

Naranasan ng opera ang unang krisis sa kasaysayan nito. Ngunit tiyak sa sandaling ito na lumitaw ang isang bagong genre ng opera, na magiging hindi mas kaunti (kung hindi higit pa!) na minamahal kaysa sa opera seria. Isa itong comic opera (opera - buffa).

Ito ay katangian na ito ay lumitaw nang tumpak sa Naples, sa tinubuang-bayan ng opera seria, bukod dito, ito ay talagang lumitaw sa kailaliman ng pinaka-seryosong opera. Ang mga pinagmulan nito ay mga komiks na interlude na nilalaro sa mga intermisyon sa pagitan ng mga gawa ng dula. Kadalasan ang mga comic interlude na ito ay parodies ng mga kaganapan sa opera.

Pormal, ang kapanganakan ng opera buffa ay naganap noong 1733, nang ang opera ni Giovanni Battista Pergolesi na The Servant Madam ay unang itanghal sa Naples.

Namana ng opera buffa ang lahat ng pangunahing paraan ng pagpapahayag mula sa opera seria. Naiiba ito sa "seryosong" opera dahil sa halip na maalamat, hindi likas na mga bayani, ang mga karakter ay lumitaw sa entablado ng opera, ang mga prototype nito ay umiral sa totoong buhay - mga sakim na mangangalakal, mapanghusgang katulong, matapang, maparaan na mga lalaking militar, atbp. Kaya naman Ang opera buffa ay tinanggap nang may paghanga ng pinakamalawak na demokratikong publiko sa lahat ng sulok ng Europa. Bukod dito, ang bagong genre ay hindi nangangahulugang nagkaroon ng paralisadong epekto sa sining ng Russia, tulad ng opera seria. Sa kabaligtaran, binigyan niya ng buhay ang mga kakaibang uri ng pambansang comic opera batay sa mga katutubong tradisyon. Sa France ito ay isang comic opera, sa England ito ay isang ballad opera, sa Germany at Austria ay isang singspiel (literal na: "paglalaro ng pagkanta").

Ang bawat isa sa mga pambansang paaralan ay gumawa ng mga kahanga-hangang kinatawan ng genre ng comedy opera: Pergolesi at Piccini sa Italya, Gretry at Rousseau sa France, Haydn at Dittersdorf sa Austria.

Lalo na dito kailangang tandaan si Wolfgang Amadeus Mozart. Ang kanyang unang singspiel na Bastien et Bastien, at higit pa sa The Abduction from the Seraglio, ay nagpakita na ang napakatalino na kompositor, na madaling nakabisado ang mga diskarte ng opera buffa, ay lumikha ng mga halimbawa ng tunay na pambansang Austrian musical dramaturgy. Ang Pagdukot mula sa Seraglio ay itinuturing na unang klasikal na Austrian opera.

Ang isang napaka-espesyal na lugar sa kasaysayan ng opera ay inookupahan ng mga mature na opera ni Mozart na The Marriage of Figaro at Don Giovanni, na isinulat sa mga tekstong Italyano. Ang ningning at pagpapahayag ng musika, na hindi mas mababa sa pinakamataas na halimbawa ng musikang Italyano, ay pinagsama sa kanila sa lalim ng mga ideya at drama, na hindi alam ng opera house noon.

Sa The Marriage of Figaro, nagawa ni Mozart na lumikha ng mga indibidwal at napakasiglang mga karakter sa pamamagitan ng musikal na paraan, upang maihatid ang pagkakaiba-iba at pagiging kumplikado ng kanilang mga estado ng pag-iisip. At lahat ng ito, tila, nang hindi lalampas sa genre ng komedya. Ang kompositor ay nagpunta pa sa opera na Don Giovanni. Gamit ang isang matandang alamat ng Espanyol para sa libretto, lumikha si Mozart ng isang akda kung saan ang mga elemento ng komedya ay hindi maiiwasang magkakaugnay sa mga tampok ng isang seryosong opera.

Ang napakatalino na tagumpay ng comic opera, na nagsagawa ng matagumpay na martsa nito sa mga kabisera ng Europa, at, higit sa lahat, ipinakita ng mga likha ni Mozart na ang opera ay maaari at dapat maging isang sining na organikong konektado sa katotohanan, na ito ay may kakayahang maglarawan ng tunay na mga tunay na karakter at sitwasyon, muling nililikha ang mga ito hindi lamang sa nakakatawa, kundi pati na rin sa seryosong paraan.

Natural, ang mga nangungunang artista mula sa iba't ibang bansa, pangunahin ang mga kompositor at manunulat ng dula, ay pinangarap na i-update ang heroic opera. Pinangarap nilang lumikha ng gayong mga gawa na, una, ay sumasalamin sa pagnanais ng panahon para sa mataas na mga layunin sa moral at, pangalawa, ay igiit ang isang organikong pagsasanib ng musika at dramatikong aksyon sa entablado. Ang mahirap na gawain ay matagumpay na nalutas sa heroic genre ng kababayan ni Mozart na si Christoph Gluck. Ang kanyang reporma ay isang tunay na rebolusyon sa mundo ng opera, ang huling kahulugan nito ay naging malinaw pagkatapos ng pagtatanghal ng kanyang mga opera na Alceste, Iphigenia sa Aulis at Iphigenia sa Tauris sa Paris.

"Nagsisimulang lumikha ng musika para kay Alceste," isinulat ng kompositor, na nagpapaliwanag sa kakanyahan ng kanyang reporma, "itinakda ko sa aking sarili ang layunin na dalhin ang musika sa tunay na layunin nito, na tiyak na bigyan ang tula ng mas bagong kapangyarihang nagpapahayag, upang gumawa ng mga indibidwal na mga plot ng mga sandali. ay mas nakakalito, nang hindi naaabala ang pagkilos at nang hindi pinapabasa ito ng mga hindi kinakailangang palamuti.

Hindi tulad ni Mozart, na hindi nagtakda ng isang tiyak na layunin na repormahin ang opera, sinasadya ni Gluck ang kanyang reporma sa opera. Bukod dito, itinutuon niya ang lahat ng kanyang atensyon sa pagbubunyag ng panloob na mundo ng mga karakter. Ang kompositor ay hindi gumawa ng anumang kompromiso sa aristokratikong sining. Nangyari ito sa panahon na umabot sa sukdulan ang tunggalian ng seryoso at komiks at malinaw na panalo ang opera buffa.

Ang pagkakaroon ng kritikal na muling pag-iisip at pagbubuod ng pinakamahusay na nilalaman ng mga genre ng seryosong opera, ang mga liriko na trahedya nina Lully at Rameau, nilikha ni Gluck ang genre ng trahedya sa musika.

Napakalaki ng makasaysayang kahalagahan ng operatikong reporma ni Gluck. Ngunit ang kanyang mga opera ay naging isang anachronism din nang dumating ang magulong ika-19 na siglo - isa sa pinakamabungang panahon sa mundo ng sining ng opera.

3. WESTERN EUROPEAN OPERA NOONG 19TH CENTURY

Mga digmaan, rebolusyon, pagbabago sa mga relasyon sa lipunan - lahat ng mga pangunahing problemang ito ng ika-19 na siglo ay makikita sa mga tema ng opera.

Sinusubukan ng mga kompositor na nagtatrabaho sa genre ng opera na tumagos nang mas malalim sa panloob na mundo ng kanilang mga bayani, upang muling likhain sa entablado ng opera ang gayong mga relasyon ng mga karakter na ganap na makakatugon sa kumplikado, sari-saring mga salungatan sa buhay.

Ang gayong matalinghaga at pampakay na saklaw ay hindi maiiwasang humantong sa mga susunod na reporma sa sining ng opera. Ang mga genre ng Opera, na binuo noong siglo XVIII, ay pumasa sa pagsubok para sa modernidad. Ang opera seria ay halos nawala noong ika-19 na siglo. Tulad ng para sa comic opera, patuloy itong tinatamasa ang hindi nagbabagong tagumpay.

Ang sigla ng genre na ito ay maliwanag na kinumpirma ni Gioacchino Rossini. Ang kanyang "The Barber of Seville" ay naging isang tunay na obra maestra ng comedic art noong ika-19 na siglo.

Ang maliwanag na himig, ang pagiging natural at kasiglahan ng mga karakter na inilarawan ng kompositor, ang pagiging simple at pagkakaisa ng balangkas - lahat ng ito ay nagbigay sa opera ng isang tunay na tagumpay, na ginagawa ang may-akda nito na isang "musical diktador ng Europa" sa mahabang panahon. Bilang may-akda ng buffa opera, inilalagay ni Rossini ang mga accent sa The Barber of Seville sa kanyang sariling paraan. Higit na mas mababa kaysa, halimbawa, Mozart, siya ay interesado sa panloob na kahalagahan ng nilalaman. At napakalayo ni Rossini kay Gluck, na naniniwala na ang pangunahing layunin ng musika sa opera ay upang ipakita ang dramatikong ideya ng trabaho.

Sa bawat aria, bawat parirala sa The Barber of Seville, ang kompositor, kumbaga, ay nagpapaalala sa atin na ang musika ay umiiral para sa kagalakan, kasiyahan sa kagandahan, at na ang pinakamahalagang bagay dito ay isang kaakit-akit na himig.

Gayunpaman, nadama ng “sinta ng Europa, si Orpheus,” gaya ng tawag ni Pushkin kay Rossini, na ang mga kaganapang nagaganap sa mundo, at higit sa lahat, ang pakikibaka para sa kalayaan na isinagawa ng kanyang tinubuang-bayan, ang Italya (inapi ng Espanya, Pransya at Austria), ay nangangailangan sa kanya na bumaling sa mga seryosong paksa. Ito ay kung paano ipinanganak ang ideya ng opera na "William Tell" - isa sa mga unang gawa ng genre ng opera sa isang bayani-makabayan na tema (ayon sa balangkas, ang mga magsasaka ng Switzerland ay naghimagsik laban sa kanilang mga mang-aapi - ang mga Austrian).

Ang maliwanag, makatotohanang katangian ng mga pangunahing tauhan, ang kahanga-hangang mga eksena sa masa na naglalarawan sa mga tao sa tulong ng koro at ensemble, at higit sa lahat, ang hindi pangkaraniwang nagpapahayag na musika ay nakakuha ng katanyagan ni William Tell bilang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng operatic drama noong ika-19 siglo.

Ang katanyagan ng "Welhelm Tell" ay ipinaliwanag, bukod sa iba pang mga pakinabang, sa pamamagitan ng katotohanan na ang opera ay isinulat sa isang makasaysayang balangkas. At ang mga makasaysayang opera ay malawak na kumalat sa yugto ng opera sa Europa noong panahong iyon. Kaya, anim na taon pagkatapos ng premiere ng William Tell, ang paggawa ng opera ni Giacomo Meyerbeer na Les Huguenots, na nagsasabi tungkol sa pakikibaka sa pagitan ng mga Katoliko at Huguenot sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, ay naging isang pandamdam.

Ang isa pang lugar na nasakop ng operatic art noong ika-19 na siglo ay ang mga fairytale-legendary plot. Lalo silang laganap sa gawain ng mga kompositor ng Aleman. Kasunod ng fairy-tale opera ni Mozart na The Magic Flute, nilikha ni Carl Maria Weber ang mga opera na The Free Gunner, Euryanta at Oberon. Ang una sa mga ito ay ang pinaka makabuluhang gawain, sa katunayan ang unang German folk opera. Gayunpaman, ang pinakakumpleto at malakihang pagkakatawang-tao ng maalamat na tema, ang katutubong epiko ay natagpuan sa gawa ng isa sa mga pinakadakilang kompositor ng opera - si Richard Wagner.

Ang Wagner ay isang buong panahon sa sining ng musika. Ang Opera ay naging para sa kanya ang tanging genre kung saan nagsalita ang kompositor sa mundo. Si Veren ay Wagner at ang mapagkukunang pampanitikan na nagbigay sa kanya ng mga plot para sa mga opera ay naging isang matandang Aleman na epiko. Ang mga alamat tungkol sa Flying Dutchman na napahamak sa walang hanggang paglalagalag, tungkol sa rebeldeng mang-aawit na si Tangeyser, na hinamon ang pagkukunwari sa sining at tinalikuran ang angkan ng mga makata sa korte-mga musikero para dito, tungkol sa maalamat na kabalyero na si Lohengrin, na nagmamadaling tumulong sa isang batang babae na inosenteng hinatulan kamatayan - ang mga maalamat, matingkad, embossed na mga karakter na ito ay naging mga bayani ng mga unang opera ni Wagner na The Wandering Sailor, Tannhäuser at Lohengrin.

Richard Wagner - pinangarap na isama sa operatic genre hindi mga indibidwal na plot, ngunit isang buong epiko na nakatuon sa mga pangunahing problema ng sangkatauhan. Sinubukan ng kompositor na ipakita ito sa napakagandang konsepto ng "Ring of the Nibelungen" - isang cycle na binubuo ng apat na opera. Ang tetralogy na ito ay binuo din sa mga alamat mula sa Old German epic.

Ang gayong hindi pangkaraniwang at engrande na ideya (ang kompositor ay gumugol ng halos dalawampung taon ng kanyang buhay sa pagsasakatuparan nito), natural, kailangang malutas sa pamamagitan ng espesyal, bagong paraan. At si Wagner, sa pagsisikap na sundin ang mga batas ng natural na pananalita ng tao, ay tumanggi sa mga kinakailangang elemento ng isang operatikong gawain bilang isang aria, duet, recitative, choir, ensemble. Lumilikha siya ng isang solong musikal na aksyon-salaysay, hindi nagambala ng mga hangganan ng mga numero, na pinamumunuan ng mga mang-aawit at isang orkestra.

Ang reporma ni Wagner bilang isang kompositor ng opera ay nagkaroon din ng isa pang epekto: ang kanyang mga opera ay binuo sa isang sistema ng mga leitmotif - matingkad na melodies-mga imahe na tumutugma sa ilang mga karakter o sa kanilang mga relasyon. At bawat isa sa kanyang mga musikal na drama - at iyon mismo, tulad ng Monteverdi at Gluck, tinawag niya ang kanyang mga opera - ay walang iba kundi ang pagbuo at pakikipag-ugnayan ng isang bilang ng mga leitmotif.

Hindi gaanong mahalaga ang isa pang direksyon, na tinatawag na "lyric theater". Ang lugar ng kapanganakan ng "lyric theater" ay France. Ang mga kompositor na gumawa ng kalakaran na ito - Gounod, Thomas, Delibes, Massenet, Bizet - ay gumamit din ng parehong kamangha-manghang kakaibang mga plot at araw-araw; ngunit hindi ito ang pangunahing bagay para sa kanila. Ang bawat isa sa mga kompositor na ito, sa kanyang sariling paraan, ay naghangad na ilarawan ang kanyang mga bayani sa paraang sila ay natural, mahalaga, pinagkalooban ng mga katangiang katangian ng kanilang mga kontemporaryo.

Ang Carmen ni Georges Bizet na batay sa isang maikling kuwento ni Prosper Mérimée ay naging isang napakatalino na halimbawa ng istilong opera na ito.

Ang kompositor ay nakahanap ng isang kakaibang paraan ng pagkilala sa mga character, na kung saan ay pinaka-malinaw na nakikita lamang sa halimbawa ng imahe ni Carmen. Inihayag ni Bizet ang panloob na mundo ng kanyang pangunahing tauhang babae hindi sa isang aria, tulad ng nakagawian, ngunit sa kanta at sayaw.

Ang kapalaran ng opera na ito, na sumakop sa buong mundo, sa una ay napaka-dramatiko. Ang premiere nito ay natapos sa kabiguan. Isa sa mga pangunahing dahilan ng gayong saloobin sa opera ni Bizet ay ang pagdadala niya ng mga ordinaryong tao sa entablado bilang mga bayani (si Carmen ay isang manggagawa sa pabrika ng tabako, si José ay isang sundalo). Ang ganitong mga karakter ay hindi matanggap ng maharlikang Parisian public noong 1875 (noon naganap ang premiere ng Carmen). Siya ay tinanggihan ng pagiging totoo ng opera, na itinuturing na hindi tugma sa "mga batas ng genre". Sa noo'y makapangyarihang "Dictionary of the Opera" ni Pougin, sinabi na ang "Carmen" ay kailangang gawing muli, "nagpahina sa hindi angkop na realismo ng opera." Siyempre, ito ang pananaw ng mga taong hindi naiintindihan ang makatotohanang sining, na puno ng katotohanan ng buhay, mga likas na bayani, ay natural na dumating sa yugto ng opera, at hindi sa kapritso ng sinumang kompositor.

Ito ay tiyak na landas ng makatotohanang sinundan ni Giuseppe Verdi, isa sa mga pinakadakilang kompositor na nagtrabaho sa genre ng opera.

Sinimulan ni Verdi ang kanyang mahabang karera sa opera sa mga heroic-patriotic na opera. Ang "Lombards", "Ernani" at "Attila", na nilikha noong 40s, ay nakita sa Italya bilang isang panawagan para sa pambansang pagkakaisa. Ang mga premiere ng kanyang mga opera ay naging mass public demonstrations.

Ang mga opera ni Verdi, na isinulat niya noong unang bahagi ng 50s, ay may ganap na kakaibang resonance. Ang Rigoletto, Il trovatore at La Traviata ay ang tatlong operatic canvases ni Verdi, kung saan ang kanyang natatanging melodic na regalo ay masayang pinagsama sa regalo ng isang napakatalino na kompositor-playwright.

Batay sa mismong dula ni Victor Hugo na The King Amuses, inilalarawan ng opera na Rigoletto ang mga pangyayari noong ika-16 na siglo. Ang setting ng opera ay ang korte ng Duke ng Mantua, kung kanino ang dignidad at karangalan ng tao ay walang halaga kumpara sa kanyang kapritso, ang pagnanais para sa walang katapusang kasiyahan (ang kanyang biktima ay si Gilda, ang anak na babae ng court jester na si Rigoletto). Tila isa pang opera mula sa buhay ng korte, kung saan mayroong daan-daan. Ngunit si Verdi ay lumilikha ng pinaka-makatotohanang sikolohikal na drama, kung saan ang lalim ng musika ay ganap na tumutugma sa lalim at katotohanan ng damdamin ng mga karakter nito.

Ang tunay na pagkabigla ay dulot ng mga kontemporaryo na "La Traviata". Ang Venetian audience, kung saan nilayon ang premiere ng opera, ay booed sa kanya. Sa itaas, napag-usapan namin ang tungkol sa kabiguan ng Carmen ni Bizet, ngunit ang premiere ng La Traviata ay naganap halos isang-kapat ng isang siglo mas maaga (1853), at ang dahilan ay pareho: ang pagiging totoo ng inilalarawan.

Pinaghirapan ni Verdi ang kabiguan ng kanyang opera. "Ito ay isang mapagpasyang fiasco," isinulat niya pagkatapos ng premiere. "Huwag na nating isipin ang La Traviata.

Isang taong may malaking sigla, isang kompositor na may bihirang malikhaing potensyal, si Verdi ay hindi, tulad ni Bizet, na nasira ng katotohanan na hindi tinanggap ng publiko ang kanyang gawa. Gagawa siya ng marami pang mga opera, na sa kalaunan ay bubuo ng kaban ng operatic art. Kabilang sa mga ito ang mga obra maestra tulad ng Don Carlos, Aida, Falstaff. Ang isa sa mga pinakamataas na tagumpay ng mature na Verdi ay ang opera na Othello.

Ang magagandang tagumpay ng mga nangungunang bansa sa opera art - Italy, Germany, Austria, France - ay nagbigay inspirasyon sa mga kompositor ng iba pang mga European na bansa - ang Czech Republic, Poland, Hungary - upang lumikha ng kanilang sariling pambansang operatic art. Ito ay kung paano ipinanganak ang "Pebbles" ng Polish na kompositor na si Stanislav Moniuszko, ang mga opera ng Czechs Berdzhich Smetana at Antonin Dvorak, at ang Hungarian na si Ferenc Erkel.

Ngunit ang nangungunang lugar sa mga batang pambansang paaralan ng opera ay nararapat na sumasakop sa ika-19 na siglo ng Russia.

4. RUSSIAN OPERA

Sa entablado ng St. Petersburg Bolshoi Theater noong Nobyembre 27, 1836, naganap ang premiere ng Ivan Susanin ni Mikhail Ivanovich Glinka, ang unang klasikal na opera ng Russia.

Upang mas malinaw na maunawaan ang lugar ng gawaing ito sa kasaysayan ng musika, subukan nating maikling ilarawan ang sitwasyon na nabuo sa sandaling iyon sa Western European at Russian musical theater.

Wagner, Bizet, Verdi ay hindi pa nagsasalita. Sa mga bihirang eksepsiyon (halimbawa, ang tagumpay ng Meyerbeer sa Paris), saanman sa European opera art ang mga trendsetter - kapwa sa pagkamalikhain at sa paraan ng pagganap - ay mga Italyano. Ang pangunahing opera na "diktador" ay si Rossini. Mayroong isang masinsinang "pag-export" ng Italian opera. Ang mga kompositor mula sa Venice, Naples, Rome ay naglalakbay sa lahat ng bahagi ng kontinente, nagtatrabaho nang mahabang panahon sa iba't ibang bansa. Pinagsasama-sama ng kanilang sining ang napakahalagang karanasang naipon ng opera ng Italya, sabay nilang pinigilan ang pag-unlad ng pambansang opera.

Kaya ito ay sa Russia. Ang mga Italyano na kompositor na sina Cimarosa, Paisiello, Galuppi, Francesco Araya, na unang nagtangkang lumikha ng isang opera batay sa Russian melodic material na may orihinal na Russian text ni Sumarokov, ay nanatili dito. Nang maglaon, ang isang kapansin-pansing bakas sa buhay ng musikal ng Petersburg ay naiwan ng aktibidad ng isang katutubo ng Venice, si Katerin Cavos, na nagsulat ng isang opera sa ilalim ng parehong pangalan bilang Glinka - "Isang Buhay para sa Tsar" ("Ivan Susanin").

Ang korte at aristokrasya ng Russia, sa imbitasyon kung saan dumating ang mga musikero ng Italyano sa Russia, ay suportado sila sa lahat ng posibleng paraan. Samakatuwid, maraming henerasyon ng mga kompositor ng Russia, kritiko, at iba pang mga kultural na figure ang kailangang ipaglaban ang kanilang sariling pambansang sining.

Ang mga pagtatangka na lumikha ng isang Russian opera ay itinayo noong ika-18 siglo. Ang mga mahuhusay na musikero na sina Fomin, Matinsky at Pashkevich (ang huling dalawa ay co-authors ng opera St. Petersburg Gostiny Dvor), at kalaunan ang kahanga-hangang kompositor na si Verstovsky (ngayon ay kilala ang kanyang Askold's Grave) bawat isa ay sinubukang lutasin ang problemang ito sa kanyang sarili. paraan. Gayunpaman, kinailangan ng isang makapangyarihang talento, tulad ng kay Glinka, upang matupad ang ideyang ito.

Ang namumukod-tanging melodic na regalo ni Glinka, ang pagiging malapit ng kanyang himig sa awiting Ruso, ang pagiging simple sa pagkilala sa mga pangunahing tauhan, at higit sa lahat, ang pag-apila sa bayani-makabayan na balangkas, ay nagpapahintulot sa kompositor na lumikha ng isang gawa ng dakilang artistikong katotohanan at kapangyarihan.

Ang henyo ni Glinka ay ipinahayag sa ibang paraan sa opera fairy tale na "Ruslan at Lyudmila". Dito mahusay na pinagsasama ng kompositor ang kabayanihan (ang imahe ni Ruslan), ang kamangha-manghang (ang kaharian ng Chernomor) at ang komiks (ang imahe ng Farlaf). Kaya, salamat kay Glinka, sa unang pagkakataon, ang mga imahe na ipinanganak ni Pushkin ay umakyat sa entablado ng opera.

Sa kabila ng masigasig na pagtatasa ng gawain ni Glinka ng advanced na bahagi ng lipunang Ruso, ang kanyang pagbabago at natitirang kontribusyon sa kasaysayan ng musikang Ruso ay hindi tunay na pinahahalagahan sa kanyang tinubuang-bayan. Mas gusto ng tsar at ng kanyang kasama ang musikang Italyano kaysa sa kanyang musika. Ang pagbisita sa mga opera ni Glinka ay naging parusa para sa mga delingkwenteng opisyal, isang uri ng guardhouse. opera musical vocal libretto

Nahirapan si Glinka sa ganoong saloobin sa kanyang trabaho sa bahagi ng korte, press, at theater management. Ngunit lubos niyang nalalaman na ang pambansang opera ng Russia ay dapat pumunta sa sarili nitong paraan, kumain sa sarili nitong mga mapagkukunan ng katutubong musika.

Ito ay nakumpirma ng buong karagdagang kurso ng pag-unlad ng sining ng opera ng Russia.

Si Alexander Dargomyzhsky ang unang kumuha ng baton ng Glinka. Kasunod ng may-akda ni Ivan Susanin, patuloy niyang pinaunlad ang larangan ng musika ng opera. Mayroon siyang ilang mga opera sa kanyang kredito, at ang pinakamasayang kapalaran ay nahulog sa bahagi ng "Sirena". Ang gawa ni Pushkin ay naging mahusay na materyal para sa isang opera. Ang kwento ng babaeng magsasaka na si Natasha, na nalinlang ng prinsipe, ay naglalaman ng napaka-dramatikong mga kaganapan - ang pagpapakamatay ng pangunahing tauhang babae, ang kabaliwan ng kanyang ama, isang tagagiling. Ang lahat ng pinakamahirap na sikolohikal na karanasan ng mga character ay nalutas ng kompositor sa tulong ng mga arias at ensembles na isinulat hindi sa istilong Italyano, ngunit sa diwa ng kanta at pagmamahalan ng Russia.

Ang isang mahusay na tagumpay sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo ay ang operatikong gawain ni A. Serov, ang may-akda ng mga opera na "Judith", "Rogneda" at "The Enemy Force", kung saan ang huli (sa teksto ng dula ni A. N. Ostrovsky) ay naging naaayon sa pag-unlad ng pambansang sining ng Russia.

Ang tunay na pinuno ng ideolohikal sa pakikibaka para sa pambansang sining ng Russia ay si Glinka para sa mga kompositor na sina M. Balakirev, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov at C. Cui, na nagkakaisa sa isang bilog "Mighty Bunch". Sa gawain ng lahat ng mga miyembro ng bilog, maliban sa pinuno nito na si M. Balakirev, ang pinakamahalagang lugar ay inookupahan ng opera.

Ang oras kung kailan nabuo ang "Mighty Handful" ay kasabay ng napakahalagang mga kaganapan sa kasaysayan ng Russia. Noong 1861, inalis ang serfdom. Sa susunod na dalawang dekada, ang mga intelihente ng Russia ay dinala ng mga ideya ng populismo, na nanawagan para sa pagbagsak ng autokrasya ng mga puwersa ng rebolusyong magsasaka. Ang mga manunulat, artista, kompositor ay nagsisimulang maging partikular na interesado sa mga kuwento na may kaugnayan sa kasaysayan ng estado ng Russia, at lalo na sa relasyon sa pagitan ng tsar at ng mga tao. Ang lahat ng ito ay tumutukoy sa tema ng karamihan sa mga operatikong gawa na lumabas mula sa panulat ng "Kuchkists".

Tinawag ni M. P. Mussorgsky ang kanyang opera na si Boris Godunov na "People's Musical Drama". Sa katunayan, kahit na ang trahedya ng tao ni Tsar Boris ay nasa gitna ng balangkas ng opera, ang tunay na bayani ng opera ay ang mga tao.

Mussorgsky ay mahalagang isang self-taught kompositor. Ito ay lubos na humadlang sa proseso ng pagbubuo ng musika, ngunit sa parehong oras ay hindi nililimitahan ang mga panuntunan sa musika sa anumang mga limitasyon. Ang lahat sa prosesong ito ay nasasakop sa pangunahing motto ng kanyang trabaho, na ipinahayag mismo ng kompositor sa isang maikling parirala: "Gusto ko ang katotohanan!".

Katotohanan sa sining, tunay na realismo sa lahat ng nangyayari sa entablado, nakamit din ni Mussorgsky sa kanyang iba pang opera, Khovanshchina, na wala siyang oras upang makumpleto. Kinumpleto ito ng kasamahan ni Mussorgsky sa The Mighty Handful, Rimsky-Korsakov, isa sa pinakadakilang kompositor ng opera ng Russia.

Binubuo ng opera ang batayan ng malikhaing pamana ni Rimsky-Korsakov. Tulad ng Mussorgsky, binuksan niya ang mga abot-tanaw ng opera ng Russia, ngunit sa ganap na magkakaibang mga lugar. Sa pamamagitan ng opera, nais ng kompositor na ihatid ang kagandahan ng kahanga-hangang Ruso, ang pagka-orihinal ng mga sinaunang ritwal ng Russia. Ito ay malinaw na makikita mula sa mga subtitle na nilinaw ang genre ng opera, kung saan ibinigay ng kompositor ang kanyang mga gawa. Tinawag niya ang "The Snow Maiden" na "spring fairy tale", "The Night Before Christmas" - "a true story-carol", "Sadko" - isang "epic opera"; Ang mga fairy-tale opera ay The Tale of Tsar Saltan, Kashchei the Immortal, The Tale of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia, at The Golden Cockerel. Ang mga epiko at fairy-tale opera ni Rimsky-Korsakov ay may isang kamangha-manghang tampok: ang mga elemento ng kamangha-manghang at pantasya ay pinagsama sa mga ito na may matingkad na pagiging totoo.

Ang pagiging totoo na ito, na malinaw na naramdaman sa bawat gawain, ay nakamit ni Rimsky-Korsakov sa pamamagitan ng direkta at napaka-epektibong paraan: malawakan niyang binuo ang mga katutubong melodies sa kanyang operatic work, mahusay na hinabi sa tela ng trabaho na tunay na sinaunang Slavic rites, "mga tradisyon ng sinaunang panahon. beses."

Tulad ng iba pang "Kuchkists", si Rimsky-Korsakov ay bumaling din sa genre ng makasaysayang opera, na lumilikha ng dalawang natitirang mga gawa na naglalarawan sa panahon ni Ivan the Terrible - "The Woman of Pskov" at "The Tsar's Bride". Ang kompositor ay mahusay na gumuhit ng mabigat na kapaligiran ng buhay ng Russia sa malayong oras na iyon, mga larawan ng malupit na paghihiganti ng tsar sa mga freemen ng Pskov, ang magkasalungat na personalidad ni Grozny mismo ("Ang Babaeng Pskovite") at ang kapaligiran ng pangkalahatang despotismo at pang-aapi. ng pagkatao ng tao ("The Tsar's Bride", "The Golden Cockerel");

Sa payo ni V.V. Si Stasov, ang ideolohikal na inspirasyon ng "Mighty Handful", isa sa mga pinaka matalinong miyembro ng bilog na ito - Lumilikha si Borodin ng isang opera mula sa buhay ng prinsipeng Russia. Ang gawaing ito ay "Prinsipe Igor".

Ang "Prince Igor" ay naging isang modelo ng epikong opera ng Russia. Tulad ng sa isang lumang epiko ng Russia, sa opera, ang aksyon ay dahan-dahan, tahimik na nagbubukas, na nagsasabi tungkol sa pag-iisa ng mga lupain ng Russia, magkakaibang mga pamunuan para sa isang magkasanib na pagtanggi sa kaaway - ang mga Polovtsian. Ang gawain ni Borodin ay hindi kasing trahedya ng Mussorgsky's Boris Godunov o Rimsky-Korsakov's The Maid of Pskov, ngunit ang sentro ng balangkas ng opera ay batay din sa kumplikadong imahe ng pinuno ng estado, si Prinsipe Igor, na nakakaranas ng kanyang pagkatalo, na nagpasya upang makatakas mula sa pagkabihag at sa wakas ay mangolekta ng pulutong upang durugin ang kaaway sa pangalan ng kanilang tinubuang-bayan.

Ang isa pang trend sa Russian musical art ay ang operatic work ni Tchaikovsky. Sinimulan ng kompositor ang kanyang karera sa opera na may mga gawa batay sa mga makasaysayang plot.

Kasunod ng Rimsky-Korsakov, lumingon si Tchaikovsky sa panahon ni Ivan the Terrible sa Oprichnik. Ang mga makasaysayang kaganapan sa France, na inilarawan sa trahedya ni Schiller, ay nagsilbing batayan para sa libretto ng The Maid of Orleans. Mula sa "Poltava" ni Pushkin, na naglalarawan sa mga panahon ni Peter I, kinuha ni Tchaikovsky ang balangkas para sa kanyang opera na "Mazeppa".

Kasabay nito, ang kompositor ay lumikha ng parehong lyric-comedy opera (Vakula the Blacksmith) at mga romantikong opera (The Enchantress).

Ngunit ang taas ng operatic creativity - at hindi lamang para kay Tchaikovsky mismo, ngunit para sa buong Russian opera noong ika-19 na siglo - ay ang kanyang lyric opera na Eugene Onegin at The Queen of Spades.

Si Tchaikovsky, na nagpasya na isama ang obra maestra ni Pushkin sa genre ng opera, ay nahaharap sa isang malubhang problema: alin sa magkakaibang mga kaganapan ng "nobela sa taludtod" ang maaaring bumuo ng libretto ng opera. Huminto ang kompositor sa pagpapakita ng espirituwal na drama ng mga bayani ng "Eugene Onegin", na pinamamahalaang niyang ihatid nang may bihirang panghihikayat, kahanga-hangang pagiging simple.

Tulad ng Pranses na kompositor na si Bizet, hinahangad ni Tchaikovsky sa Onegin na ipakita sa mundo ng mga ordinaryong tao, ang kanilang relasyon. Ang bihirang melodic na regalo ng kompositor, ang banayad na paggamit ng mga intonasyon ng Russian romance, katangian ng pang-araw-araw na buhay na inilarawan sa gawa ni Pushkin - lahat ng ito ay nagpapahintulot kay Tchaikovsky na lumikha ng isang gawa na lubos na naa-access at sa parehong oras ay naglalarawan ng mga kumplikadong sikolohikal na estado ng mga character. .

Sa The Queen of Spades, lumilitaw si Tchaikovsky hindi lamang bilang isang makikinang na manunulat ng dula, na banayad na nararamdaman ang mga batas ng entablado, kundi pati na rin bilang isang mahusay na symphonist, na bumubuo ng aksyon ayon sa mga batas ng pag-unlad ng symphonic. Napaka versatile ng opera. Ngunit ang sikolohikal na kumplikado nito ay ganap na balanse sa pamamagitan ng mapang-akit na arias, na puno ng maliwanag na melody, iba't ibang mga ensemble at koro.

Halos kasabay ng opera na ito, isinulat ni Tchaikovsky ang opera fairy tale na Iolanta, kamangha-mangha sa kagandahan nito. Gayunpaman, ang Reyna ng Spades, kasama si Eugene Onegin, ay nananatiling hindi maunahang mga obra maestra ng opera ng Russia noong ika-19 na siglo.

5. MODERN OPERA

Ang unang dekada na ng bagong ika-20 siglo ay nagpakita kung ano ang isang matinding pagbabago ng mga panahon na naganap sa sining ng opera, kung gaano kaiba ang opera ng nakaraang siglo at ang darating na siglo.

Noong 1902, ipinakita ng Pranses na kompositor na si Claude Debussy ang opera na Pelléas et Mélisande (batay sa drama ni Maeterlinck) sa madla. Ang gawaing ito ay hindi pangkaraniwang banayad, pino. At sa parehong oras, isinulat ni Giacomo Puccini ang kanyang huling opera na Madama Butterfly (naganap ang premiere nito makalipas ang dalawang taon) sa diwa ng pinakamahusay na mga Italyano na opera noong ika-19 na siglo.

Kaya nagtatapos ang isang yugto sa sining ng opera at nagsisimula ang isa pa. Sinusubukan ng mga kompositor na kumakatawan sa mga paaralan ng opera na umunlad sa halos lahat ng mga pangunahing bansa sa Europa na pagsamahin sa kanilang gawain ang mga ideya at wika ng bagong panahon sa mga dating nabuong pambansang tradisyon.

Kasunod nina C. Debussy at M. Ravel, ang may-akda ng mga kapansin-pansing obra gaya ng buffa opera na The Spanish Hour at ang kamangha-manghang opera na The Child and the Magic, isang bagong alon sa sining ng musika ang lumilitaw sa France. Noong 1920s, isang pangkat ng mga kompositor ang lumitaw dito, na pumasok sa kasaysayan ng musika bilang " Anim". Kabilang dito sina L. Duray, D. Millau, A. Honegger, J. Auric, F. Poulenc at J. Tayfer. Ang lahat ng mga musikero na ito ay pinag-isa ng pangunahing malikhaing prinsipyo: upang lumikha ng mga gawa na walang maling pathos, malapit sa pang-araw-araw na buhay, hindi pinalamutian ito, ngunit sinasalamin ito kung ano ito, kasama ang lahat ng prosa at pang-araw-araw na buhay. Ang malikhaing prinsipyong ito ay malinaw na ipinahayag ng isa sa mga nangungunang kompositor ng The Six, A. Honegger. "Ang musika," sabi niya, "ay dapat magbago ng karakter nito, maging totoo, simple, musika ng isang malawak na hakbang."

Ang mga malikhaing kasama, ang mga kompositor ng "Anim" ay nagpunta sa iba't ibang paraan. Bukod dito, tatlo sa kanila - Honegger, Milhaud at Poulenc - nagtrabaho nang mabunga sa genre ng opera.

Ang mono-opera ni Poulenc na The Human Voice ay naging isang hindi pangkaraniwang komposisyon, naiiba sa mga engrandeng misteryosong opera. Ang trabaho, na tumatagal ng halos kalahating oras, ay isang pag-uusap sa telepono ng isang babae na inabandona ng kanyang kasintahan. Kaya, mayroon lamang isang karakter sa opera. Naisip kaya ng mga may-akda ng opera noong nakaraang mga siglo ang anumang katulad!

Noong 1930s, ipinanganak ang pambansang opera ng Amerika, isang halimbawa nito ay ang Porgy at Bess ni D. Gershwin. Ang pangunahing tampok ng opera na ito, pati na rin ang buong istilo ng Gershwin sa kabuuan, ay ang malawakang paggamit ng mga elemento ng Negro folklore, nagpapahayag na paraan ng jazz.

Maraming mga kahanga-hangang pahina ang naidagdag sa kasaysayan ng world opera ng mga kompositor ng Russia.

Ang mainit na debate ay sanhi, halimbawa, ng opera ni Shostakovich na Lady Macbeth ng Mtsensk District (Katerina Izmailova), batay sa kuwento ng parehong pangalan ni N. Leskov. Walang "matamis" na melody ng Italyano sa opera, walang malago, kamangha-manghang mga ensemble at iba pang mga kulay na pamilyar sa opera ng mga nakaraang siglo. Ngunit kung isasaalang-alang natin ang kasaysayan ng opera sa mundo bilang isang pakikibaka para sa pagiging totoo, para sa isang tunay na paglalarawan ng katotohanan sa entablado, kung gayon si Katerina Izmailova ay walang alinlangan na isa sa mga tuktok ng sining ng opera.

Ang pagkamalikhain sa domestic operatic ay lubhang magkakaibang. Ang mga makabuluhang gawa ay nilikha ni Y. Shaporin ("Decembrist"), D. Kabalevsky ("Cola Brugnon", "The Taras Family"), T. Khrennikov ("Into the Storm", "Mother"). Ang gawain ni S. Prokofiev ay isang malaking kontribusyon sa mundo ng opera art.

Ginawa ni Prokofiev ang kanyang debut bilang isang kompositor ng opera noong 1916 kasama ang opera na The Gambler (pagkatapos ng Dostoevsky). Nasa unang bahagi na ng gawaing ito, malinaw na nadama ang kanyang istilo, tulad ng sa opera na The Love for Three Oranges, na lumitaw nang ilang sandali, na isang mahusay na tagumpay.

Gayunpaman, ang pambihirang talento ni Prokofiev bilang isang manunulat ng dula sa opera ay ganap na nahayag sa mga opera na "Semyon Kotko", na isinulat batay sa kuwentong "Ako ang anak ng mga taong nagtatrabaho" ni V. Kataev, at lalo na sa "Digmaan at Kapayapaan", ang balangkas ng kung saan ay batay sa epiko ng parehong pangalan ni L. Tolstoy.

Kasunod nito, magsusulat si Prokofiev ng dalawa pang operatikong gawa - The Tale of a Real Man (batay sa kwento ni B. Polevoy) at ang kaakit-akit na comic opera na Betrothal sa isang Monasteryo sa diwa ng isang opera buffa noong ika-18 siglo.

Karamihan sa mga gawa ni Prokofiev ay may mahirap na kapalaran. Ang maliwanag na pagka-orihinal ng musikal na wika sa maraming mga kaso ay pumigil sa kanila na agad na pahalagahan. Nahuli ang pagkilala. Gayon din sa piano, at sa ilan sa kanyang mga orkestra na komposisyon. Isang katulad na kapalaran ang naghihintay sa opera War and Peace. Ito ay tunay na pinahahalagahan pagkatapos lamang ng pagkamatay ng may-akda. Ngunit sa maraming taon na ang lumipas mula nang likhain ang gawaing ito, mas malalim ang sukat at kadakilaan ng namumukod-tanging paglikha na ito ng sining ng opera sa daigdig.

Sa nakalipas na mga dekada, ang mga rock opera batay sa modernong instrumental na musika ay naging pinakasikat. Kabilang sa mga ito ang "Juno at Avos" ni N. Rybnikov, "Jesus Christ Superstar".

Sa huling dalawa o tatlong taon, ang mga namumukod-tanging rock opera ay nilikha bilang Notre Dame de Paris nina Luc Rlamont at Richard Cochinte, batay sa walang kamatayang gawa ni Victor Hugo. Ang opera na ito ay nakatanggap na ng maraming parangal sa larangan ng musikal na sining, na isinalin sa Ingles. Ngayong tag-araw, ang opera na ito ay premiered sa Moscow sa Russian. Pinagsasama ng opera ang kamangha-manghang magagandang katangian ng musika, mga pagtatanghal ng ballet, pag-awit ng koro.

Sa aking palagay, ang opera na ito ay nagbigay sa akin ng bagong pagtingin sa sining ng opera.

6. ISTRUKTURA NG ISANG OPERA NA GAWAIN

Ito ang ideya na siyang panimulang punto sa paglikha ng anumang gawa ng sining. Ngunit sa kaso ng opera, ang pagsilang ng isang ideya ay partikular na kahalagahan. Una, paunang tinutukoy nito ang genre ng opera; pangalawa, ito ay nagmumungkahi na ito ay maaaring magsilbi bilang isang pampanitikan na balangkas para sa isang hinaharap na opera.

Ang pangunahing pinagmumulan kung saan itinataboy ng kompositor ay karaniwang isang akdang pampanitikan.

Kasabay nito, may mga opera, tulad ng Il trovatore ni Verdi, na walang tiyak na mga mapagkukunang pampanitikan.

Ngunit sa parehong mga kaso, ang trabaho sa isang opera ay nagsisimula sa compilation libretto.

Hindi madaling gawain ang lumikha ng isang operatic libretto upang ito ay tunay na mabisa, nakakatugon sa mga batas sa entablado, at, higit sa lahat, pinapayagan ang kompositor na bumuo ng isang pagtatanghal habang naririnig niya ito sa loob, at "ilinukit" ang bawat karakter ng opera.

Mula nang ipanganak ang opera, ang mga makata ay naging may-akda ng libretto sa loob ng halos dalawang siglo. Hindi ito nangangahulugan na ang teksto ng opera libretto ay itinakda sa taludtod. Ang isa pang bagay ay mahalaga dito: ang libretto ay dapat na patula, at nasa teksto na - ang panitikan na batayan ng arias, recitatives, ensembles - ang musika sa hinaharap ay dapat tumunog.

Noong ika-19 na siglo, madalas na binubuo ng mga kompositor, mga may-akda ng mga opera sa hinaharap, ang libretto mismo. Ang pinaka-kapansin-pansin na halimbawa ay si Richard Wagner. Para sa kanya, hindi mapaghihiwalay ang isang artist-reformer na lumikha ng kanyang mga magarang canvases - mga musical drama, salita at tunog. Ang pantasiya ni Wagner ay nagsilang ng mga larawan sa entablado, na, sa proseso ng pagkamalikhain, ay "tinutubuan" ng laman ng panitikan at musikal.

At kahit na sa mga kasong iyon na ang mismong kompositor ay naging librettist, nawala ang libretto sa mga terminong pampanitikan, ngunit ang may-akda ay hindi lumihis sa anumang paraan mula sa kanyang sariling pangkalahatang ideya, ang kanyang ideya ng ​​trabaho bilang isang buo.

Kaya, ang pagkakaroon ng libretto sa kanyang pagtatapon, maiisip ng kompositor ang hinaharap na opera sa kabuuan. Pagkatapos ay darating ang susunod na yugto: nagpapasya ang may-akda kung aling mga operatic form ang dapat niyang gamitin upang mapagtanto ang ilang mga twist sa plot ng opera.

Ang mga emosyonal na karanasan ng mga karakter, ang kanilang mga damdamin, mga kaisipan - lahat ng ito ay nakadamit sa anyo arias. Sa sandaling ang isang aria ay nagsimulang tumunog sa opera, ang aksyon ay tila nag-freeze, at ang aria mismo ay nagiging isang uri ng "instant photograph" ng estado ng bayani, ang kanyang pag-amin.

Ang isang katulad na layunin - ang paglipat ng panloob na estado ng karakter ng opera - ay maaaring isagawa sa opera balad, pagmamahalan o arioso. Gayunpaman, ang arioso ay sumasakop, kumbaga, isang intermediate na lugar sa pagitan ng aria at isa pang mahalagang operatic form - recitative.

Bumaling tayo sa Rousseau's Dictionary of Music. Ang "Recitative," ang sabi ng mahusay na palaisip ng Pranses, "ay dapat lamang magsilbi upang magbigkis sa posisyon ng drama, upang hatiin at bigyang-diin ang kahulugan ng aria, upang maiwasan ang pagkapagod sa pandinig ..."

Noong ika-19 na siglo, sa pamamagitan ng pagsisikap ng iba't ibang kompositor na nagsusumikap para sa pagkakaisa at integridad ng pagtatanghal ng opera, ang recitative ay halos nawawala, na nagbibigay-daan sa malalaking melodic episodes, na malapit sa layunin sa recitative, ngunit sa musical embodiment na lumalapit sa arias.

Tulad ng sinabi namin sa itaas, simula sa Wagner, ang mga kompositor ay tumanggi na hatiin ang opera sa mga arias at recitatives, na lumilikha ng isang mahalagang musikal na pananalita.

Ang isang mahalagang constructive role sa opera, bilang karagdagan sa mga arias at recitatives, ay ginampanan ni mga ensemble. Lumilitaw ang mga ito sa kurso ng aksyon, kadalasan sa mga lugar na iyon kapag ang mga bayani ng opera ay nagsimulang aktibong nakikipag-ugnayan. Ang mga ito ay gumaganap ng isang partikular na mahalagang papel sa mga fragment kung saan nangyayari ang salungatan, mga pangunahing sitwasyon.

Kadalasan ginagamit ng kompositor bilang mahalagang paraan ng pagpapahayag at koro-- sa mga huling eksena o, kung kinakailangan ng balangkas, ipakita ang mga katutubong eksena.

Kaya, ang arias, recitatives, ensembles, choral, at sa ilang mga kaso, ang mga episode ng ballet ay ang pinakamahalagang elemento ng isang pagtatanghal ng opera. Ngunit ito ay karaniwang nagsisimula sa mga overture.

Ang overture ay nagpapakilos sa madla, kasama sila sa orbit ng mga musikal na imahe, mga karakter na gaganap sa entablado. Kadalasan ang isang overture ay nagtatayo sa mga tema na pagkatapos ay tumatakbo sa pamamagitan ng opera.

At ngayon, sa wakas, sa likod ng isang malaking trabaho - nilikha ng kompositor ang opera, o sa halip, ginawa ang kanyang puntos, o clavier. Ngunit sa pagitan ng pag-record ng musika sa mga tala at ang pagganap nito ay may isang malaking distansya. Upang ang isang opera - kahit na ito ay isang natitirang piraso ng musika - upang maging isang kawili-wiling pagganap, maliwanag, kapana-panabik, ang gawain ng isang malaking koponan ay kailangan.

Ang konduktor ang namamahala sa paggawa ng opera, na tinulungan ng direktor. Bagaman nangyari na ang mga dakilang direktor ng teatro ng drama ay nagtanghal ng isang opera, at tinulungan sila ng mga konduktor. Lahat ng nauugnay sa interpretasyon ng musikal - pagbabasa ng marka ng orkestra, pakikipagtulungan sa mga mang-aawit - ay ang lugar ng aktibidad ng konduktor. Upang isakatuparan ang desisyon sa entablado ng pagtatanghal - upang bumuo ng mga mise-en-scenes, upang malutas ang bawat papel bilang isang aktor - ay ang kakayahan ng direktor.

Karamihan sa tagumpay ng isang produksyon ay nakasalalay sa artist na nagdidisenyo ng mga set at costume. Idagdag dito ang gawain ng isang choirmaster, choreographer at, siyempre, mga mang-aawit, at mauunawaan mo kung ano ang isang kumplikadong gawain na nagkakaisa sa malikhaing gawain ng maraming dose-dosenang mga tao ay nagtatanghal ng isang opera sa entablado, kung gaano karaming pagsisikap, malikhaing imahinasyon, tiyaga at talento ay kailangang ilapat upang gawin itong pinakadakilang pagdiriwang ng musika, isang pagdiriwang ng teatro, isang pagdiriwang ng sining, na tinatawag na opera.

BIBLIOGRAPIYA

1. Zilberkvit M.A. Mundo ng Musika: Sanaysay. - M., 1988.

2. Kasaysayan ng kulturang musikal. T.1. - M., 1968.

3. Kremlev Yu.A. Sa lugar ng musika sa gitna ng mga sining. - M., 1966.

4. Encyclopedia para sa mga bata. Tomo 7. Art. Bahagi 3. Musika. Teatro. Sinehan./ Kabanata. ed. V.A. Volodin. - M.: Avanta +, 2000.

Naka-host sa Allbest.ru

...

Mga Katulad na Dokumento

Mga katangian ng panlipunang kahalagahan ng genre ng opera. Pag-aaral sa kasaysayan ng opera sa Alemanya: mga kinakailangan para sa paglitaw ng pambansang romantikong opera, ang papel ng Austrian at German Singspiel sa pagbuo nito. Pagsusuri sa musika ng opera ni Weber na "Wolf Valley".

term paper, idinagdag noong 04/28/2010


P.I. Tchaikovsky bilang isang kompositor ng opera na "Mazepa", isang maikling balangkas ng kanyang buhay, malikhaing pag-unlad. Ang kasaysayan ng gawaing ito. V. Burenin bilang may-akda ng libretto para sa opera. Ang mga pangunahing tauhan, hanay ng mga bahagi ng koro, kahirapan ng konduktor.

malikhaing gawain, idinagdag noong 11/25/2013


Ang lugar ng mga chamber opera sa gawain ng N.A. Rimsky-Korsakov. "Mozart at Salieri": isang mapagkukunang pampanitikan bilang isang opera libretto. Musical dramaturgy at ang wika ng opera. "Pskovite" at "Boyar Vera Sheloga": isang dula ni L.A. Mei at libretto ni N.A. Rimsky-Korsakov.

thesis, idinagdag noong 09/26/2013


Ang Kultura ng London ni Purcell: Musika at Teatro sa England. Ang makasaysayang aspeto ng paggawa ng opera na "Dido at Aeneas". Tradisyon at pagbabago sa loob nito. Interpretasyon ng Aeneid ni Nahum Tate. Ang pagiging natatangi ng dramaturhiya at ang pagiging tiyak ng musikal na wika ng opera na "Dido at Aeneas".

term paper, idinagdag noong 02/12/2008


Ang halaga ng A. Pushkin sa pagbuo ng Russian musical art. Paglalarawan ng mga pangunahing tauhan at mahahalagang kaganapan sa trahedya ni A. Pushkin na "Mozart at Salieri". Mga tampok ng opera na "Mozart at Salieri" ni N. Rimsky-Korsakov, ang kanyang maingat na saloobin sa teksto.

term paper, idinagdag noong 09/24/2013


Si Gaetano Donizetti ay isang Italyano na kompositor ng panahon ng Bel canto. Kasaysayan ng paglikha at maikling nilalaman ng opera na "Don Pasquale". Pagsusuri sa musika ng cavatina ni Norina, mga tampok ng kanyang vocal at teknikal na pagganap at musikal at nagpapahayag na paraan.

abstract, idinagdag 07/13/2015


Pagsusuri ng opera ni R. Shchedrin na "Dead Souls", ang interpretasyon ni Shchedrin sa mga imahe ni Gogol. R. Shchedrin bilang isang Kompositor ng Opera. Pagkilala sa mga tampok ng musikal na sagisag ng imahe ng Manilov at Nozdrev. Isinasaalang-alang ang vocal part ni Chichikov, ang intonation nito.

ulat, idinagdag noong 05/22/2012


Talambuhay ni N.A. Rimsky-Korsakov - kompositor, guro, konduktor, pampublikong pigura, kritiko ng musika, miyembro ng "Mighty Handful". Si Rimsky-Korsakov ang nagtatag ng genre ng fairy tale opera. Mga paghahabol ng tsarist censorship sa opera na "The Golden Cockerel".

pagtatanghal, idinagdag noong 03/15/2015


Isang maikling talambuhay na tala mula sa buhay ni Tchaikovsky. Paglikha ng opera na "Eugene Onegin" noong 1878. Ang Opera bilang "isang katamtamang gawaing isinulat dahil sa panloob na pagnanasa". Ang unang pagganap ng opera noong Abril 1883, "Onegin" sa entablado ng imperyal.

pagtatanghal, idinagdag noong 01/29/2012


Ang pag-aaral ng kasaysayan ng paglitaw ng genre ng pag-iibigan sa kulturang musikal ng Russia. Ang ratio ng mga pangkalahatang tampok ng artistikong genre at ang mga tampok ng musikal na genre. Ang paghahambing na pagsusuri ng genre ng romansa sa mga gawa ng N.A. Rimsky-Korsakov at P.I. Tchaikovsky.