Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

(mga rating: 3 , karaniwan: 3,67 sa 5)

Pamagat: Musical literature ng mga banyagang bansa

Tungkol sa aklat na "Musical Literature of Foreign Countries" ni I. A. Prokhorov

Ang aklat-aralin na pinamagatang "Musical Literature of Foreign Countries", na pinagsama-sama ni I. Prokhorova, ay inilaan para sa malayang pag-aaral. Ipinapaliwanag nito ang kaiklian at accessibility ng presentasyon ng materyal.

Ang aklat na "Musical Literature of Foreign Countries" ay magpapakilala sa mga mag-aaral ng mga maikling talambuhay at ang pinakamahusay na mga gawa ng mga sikat na kompositor. Matututo ang mga bata tungkol sa buhay at gawain ng mga henyo gaya ng I.S. Bach, J. Haydn, W.A. Mozart, L. Beethoven, F. Schubert at F. Chopin. Hindi inilarawan ni I. Prokhorov nang masyadong detalyado ang mga kuwento ng mga mahuhusay na kompositor, sa aklat-aralin ay makikita mo ang mga pangunahing petsa ng buhay, pinagmulan, mga pamagat at pamagat, larangan ng aktibidad, mga kondisyon na nakaimpluwensya sa pagpili ng propesyon. Sasabihin sa libro ang tungkol sa mga pangunahing yugto ng buhay at gawain ng mga musikero, ang kanilang panlipunan at pampulitikang pananaw.

Ang publikasyong "Musical Literature of Foreign Countries" ay inilaan para sa mga mag-aaral ng mga paaralan ng musika, gayunpaman, ang lahat na hindi walang malasakit sa mga klasikal na gawa ay makakahanap ng isang bagay na kawili-wili sa aklat na ito para sa kanilang sarili. I. Prokhorova enriched ang teksto na may mga paliwanag ng ilang musika at di-musika konsepto, na ginagawang mas mababa akademiko. Ang bahaging naglalarawan sa buhay ng mga musikero ay ipinakita sa konteksto ng makasaysayang at kultural na buhay ng mga bansang Europeo noong panahong iyon. Nagbibigay ito sa mga mag-aaral ng pagkakataon para sa isang mas malalim at mas malawak na pag-unawa sa mga kondisyon kung saan namuhay at nagtrabaho ang mga maalamat na kompositor.

Dahil ang aklat na "Musical Literature of Foreign Countries" ay inilaan para sa pagbabasa sa bahay, ang lahat ng symphonic na gawa na nakapaloob dito ay inaalok sa apat na kamay na kaayusan. Kapansin-pansin na ang kwento tungkol sa gawain ni Bach, na, ayon sa programa, ay pinag-aralan sa pinakadulo ng taon, ay inilagay sa simula. Ginawa ng may-akda ang hakbang na ito para sa kapakanan ng pagmamasid sa kronolohiya ng pagtatanghal.

Ang tagabuo ng aklat na ito ay sigurado na ang regular na paggamit ng aklat-aralin ay magigising sa mga mag-aaral ng isang panlasa para sa pagkilala sa sarili sa sikat at siyentipikong literatura sa musika. Bilang karagdagan, ang mga bata ay magagawang bumuo at palakasin ang mga kasanayan sa pagbabasa ng musika sa paningin, pati na rin masanay sa pagganap sa apat na kamay.
Ang pag-aaral sa sarili ng mga sikat na gawa ay magpapahintulot sa kanila na maisagawa sa panahon ng mga aralin, sa pagkakaroon ng ibang mga bata, na gagawing mas aktibo ang mga kolektibong klase at makabuluhang mapabuti ang pang-unawa ng klasikal na musika.

Sa aming site tungkol sa mga libro lifeinbooks.net maaari mong i-download nang libre nang walang pagpaparehistro o basahin online ang aklat na "Musical Literature of Foreign Countries" ni I. A. Prokhorov sa epub, fb2, txt, rtf, pdf na mga format para sa iPad, iPhone, Android at Kindle. Ang libro ay magbibigay sa iyo ng maraming magagandang sandali at isang tunay na kasiyahang basahin. Maaari mong bilhin ang buong bersyon mula sa aming kasosyo. Gayundin, dito makikita mo ang pinakabagong mga balita mula sa mundo ng panitikan, alamin ang talambuhay ng iyong mga paboritong may-akda. Para sa mga baguhang manunulat, mayroong isang hiwalay na seksyon na may mga kapaki-pakinabang na tip at trick, mga kagiliw-giliw na artikulo, salamat sa kung saan maaari mong subukan ang iyong kamay sa pagsulat.

MULA SA MGA COMPILERS
Ang aklat na ito ay isang aklat-aralin sa musikal na panitikan ng panahong iyon sa kasaysayan, na nagsisimula sa mga huling dekada ng ika-19 na siglo. Ang nasabing aklat-aralin ay lilitaw sa unang pagkakataon: ang ikalimang isyu ay nagtatapos, tulad ng alam mo, sa gawa nina K-Debussy at M. Ravel.
Kasama sa aklat ang isang paglalarawan ng iba't ibang mga pambansang paaralan ng musika, na tinutukoy ang kabuuang istraktura nito. Ang unang seksyon ay nagbibigay ng isang paglalarawan ng mga pangkalahatang proseso na ipinatupad sa kanilang sariling paraan sa musikal na sining ng iba't ibang mga bansa at sa gawain ng mga kompositor ng iba't ibang personalidad. Ang bawat kasunod na seksyon ay binubuo ng isang pangkalahatang-ideya ng musikal na kultura ng isang partikular na bansa, pati na rin ang isang monograpikong seksyon na nakatuon sa gawain ng mga pinaka makabuluhang kompositor ng paaralang ito. Tanging ang seksyon na nakatuon sa gawain ng I. Stravinsky ay naiiba sa istraktura nito: hindi ito naglalaman ng isang panimulang pagsusuri. At ito ay naiintindihan: pagkatapos ng lahat, na ginugol ang halos lahat ng kanyang buhay sa labas ng Russia dahil sa mga espesyal na pangyayari, si Stravinsky ay nanatiling isang master ng Russia at hindi kabilang sa alinman sa mga dayuhang paaralan. Ang mapagpasyang impluwensya ng kanyang malikhaing mga prinsipyo sa halos lahat ng mga nangungunang musikero ng ating siglo ay hindi nagpapahintulot sa amin na alisin si Stravinsky mula sa pangkalahatang larawan ng pag-unlad ng musikal na sining ng ika-20 siglo. Ang pagsasama ng monograpikong kabanatang ito sa aklat-aralin sa mga banyagang musikal na literatura ay dahil din sa mga kakaibang kurikulum sa paaralan: sa oras na sila ay nag-aral ng banyagang musika noong ika-20 siglo, ang mga mag-aaral ay hindi pamilyar sa alinman sa personalidad o sa musika ng I. Stravinsky. Bumaling sila sa pahinang ito ng musikal na sining lamang sa pagtatapos ng ikaapat na kurso, kung saan ang una, panahon ng Ruso ng gawain ng kompositor ay isinasaalang-alang.

Ang atensyon ng mga compiler at may-akda ng aklat-aralin ay nakatutok sa parehong pagpapakita ng mga pangkalahatang musikal at makasaysayang proseso ng panahong sinusuri, at sa pagsusuri ng mga pinaka-namumukod-tanging mga gawa na naging mga klasiko ng ating siglo. Dahil sa pambihirang kumplikado ng mga kaganapan ng sining ng musika noong ika-20 siglo, ang kanilang pagkakaiba-iba, mga interseksyon sa isa't isa, at ang kanilang mabilis na pagbabago, ang mga kabanata ng pagsusuri ay sumakop sa isang mas malaking lugar sa aklat na ito kaysa sa mga nakaraang edisyon. Gayunpaman, alinsunod sa mga prinsipyo ng metodolohikal ng paksa, hinangad ng mga compiler na mapanatili ang pagtuon sa mga pagsusuri ng mga gawang musikal, na sa kasong ito ay idinisenyo upang ipakita ang pagkakaiba-iba ng mga malikhaing pamamaraan, paraan ng pag-iisip, iba't ibang mga desisyon sa istilo at maramihan ng mga diskarte ng kompositor ng mga masters ng ating siglo.

Sa view ng katotohanan na ang libro ay nagbibigay ng isang malawak na panorama ng musikal na sining, at ang pagsusuri sa maraming mga kaso ay masyadong kumplikado (na higit sa lahat ay paunang natukoy ng materyal mismo), ang mga compiler ay itinuturing na posible na tugunan ang aklat na ito sa mga mag-aaral hindi lamang ng gumaganap, ngunit din ng mga teoretikal na departamento ng mga paaralan ng musika. Ang nilalaman ng aklat ay nagbibigay-daan sa isang piling diskarte dito sa proseso ng edukasyon; ang lalim at detalye ng pag-aaral ng mga kabanata ay tinutukoy ng mga guro mismo, depende sa antas ng paghahanda ng mga mag-aaral, ang materyal na kagamitan ng proseso ng edukasyon na may mga tala at pag-record ng musika, at ang bilang ng mga oras na inilaan ng kurikulum para sa bahaging ito ng kurso.
Isang malaking grupo ng mga may-akda ang gumawa sa aklat na ito. Samakatuwid ang hindi maiiwasan ng iba't ibang paraan ng paglalahad ng materyal; sa parehong oras, sa mismong diskarte dito, sinubukan ng mga compiler na mapanatili ang pare-parehong mga prinsipyo ng pamamaraan.

NILALAMAN
Mula sa mga compiler
Mga paraan ng pag-unlad ng dayuhang musikal na sining ng XX siglo.
Kultura ng musika ng Austria
Gustav Mahler
Vocal na pagkamalikhain. "Mga Kanta ng Naglalakbay na Apprentice"
Symphonic na pagkamalikhain. Unang Symphony
ARNOLD SCHENBERG
Buhay at malikhaing landas
"Nakaligtas mula sa Warsaw"
ALBAN BERG
Buhay at malikhaing landas
Musikal na drama na Wozzeck
Konsiyerto para sa biyolin at orkestra
ANTON WEBERN.
Buhay at malikhaing landas
Kultura ng musika ng Alemanya
RICHARD STRAUSS
Buhay at malikhaing landas
Symphonic na pagkamalikhain. Symphonic Poems "Don Juan" at "Til Ulenspiegel"
PAUL HINDEMITH
Buhay at malikhaing landas
Symphonic na pagkamalikhain. Symphony "Artist Mathis".
CARL ORF
Buhay at malikhaing landas
Ang mga pangunahing genre ng gawain ni Karl Orff at ang kanilang mga tampok.
Opera na "Clever Girl"
"Carmina Burana"
IGOR STRAVINSKY
Buhay at malikhaing landas
"Simponya ng Mga Awit"
Opera "Oedipus Rex"
Kultura ng musika ng France.
ARTHUR ONEGGER
Buhay at malikhaing landas
Theatrical at oratory creativity. Oratorio "Joan of Arc sa taya"
Symphonic na pagkamalikhain. Ikatlong Symphony ("Liturgical")
DARIUS MIJO
Buhay at malikhaing landas
Vocal-instrumental, pagkamalikhain. "Kastilyo ng Apoy"
Francis Poulenc
Buhay at malikhaing landas
Opera "Ang Tinig ng Tao"
Kultura ng musika ng Espanya
MANUEL DE FALLA
Buhay at malikhaing landas
Ballet "Ang pag-ibig ay isang mangkukulam"
Opera "Maikling Buhay"

Music Library Natutuwa kami na nahanap mo at na-download mo ang mga materyal na interesado ka sa aming music library. Ang aklatan ay patuloy na ina-update sa mga bagong gawa at materyales, at sa susunod ay tiyak na makakahanap ka ng bago at kawili-wili para sa iyo. Ang aklatan ng proyekto ay nakumpleto batay sa kurikulum, pati na rin ang mga materyales na inirerekomenda para sa pagtuturo at pagpapalawak ng mga abot-tanaw ng mga mag-aaral. Ang mga mag-aaral at guro ay makakahanap ng kapaki-pakinabang na impormasyon dito. ang aklatan ay nagtatanghal din ng metodolohikal na panitikan. Ang aming mga alagang hayop Mga kompositor at performer Mga kontemporaryong artista Dito makikita mo rin ang mga talambuhay ng mga kilalang artista, kompositor, sikat na musikero, pati na rin ang kanilang mga gawa. Sa seksyon ng trabaho, nag-post kami ng mga pag-record ng mga pagtatanghal na makakatulong sa iyo sa pag-aaral, maririnig mo kung paano ito tunog, accent at nuances ng trabaho. Hinihintay ka namin sa classON.ru. V.N. Bryantseva Johann Sebastian Bach 1685 - 1750 Wolfgang Amadeus Mozart 1756 - 1791 Franz Schubert 1797 - 1828 www.classON.ru Joseph Haydn 1732 - 1809 Ludwig van Beethoven 17270 - 194 tungkol sa Chopin Fdery ng Russia tungkol sa edukasyon ng mga bata sa Russia - 194 ito ay naging mas at mas masagana mula noong mga ika-10 siglo BC. Ang visual arts ay umuunlad - at ang mga artista ay naglalarawan ng mga musikero na sumasama sa mga ritwal sa relihiyon, mga kampanyang militar, pangangaso, mga solemne na prusisyon, mga sayaw na may pag-awit at pagtugtog ng mga instrumento. Ang ganitong mga imahe ay napanatili, sa partikular, sa mga dingding ng mga templo at mga ceramic vase na natagpuan sa panahon ng paghuhukay. Lumilitaw ang pagsusulat - at ipinakilala ng mga may-akda ng mga manuskrito ang mga patula na teksto ng mga kanta at himno sa kanila, nagbibigay ng kawili-wiling impormasyon tungkol sa buhay ng musika. Sa paglipas ng panahon, binibigyang pansin ng mga manunulat ang mga pilosopikal na talakayan tungkol sa musika, ang mahalagang panlipunan nito, kabilang ang papel na pang-edukasyon, pati na rin ang teoretikal na pag-aaral ng mga elemento ng wika nito. Karamihan sa impormasyong ito ay napanatili tungkol sa musika sa ilang mga bansa ng Sinaunang Mundo, halimbawa, sa Sinaunang Tsina, Sinaunang India, Sinaunang Ehipto, lalo na sa tinatawag na mga sinaunang bansa - Sinaunang Greece at Sinaunang Roma, kung saan ang mga pundasyon ng kulturang Europeo. ay inilatag2. Panimula Musika mula sa sinaunang panahon kay J.S. Bach Mahal na mga anak! Noong nakaraang taon mayroon ka nang mga aralin sa panitikang musikal. Tinalakay nila ang mga pangunahing elemento ng wikang musikal, ilang mga anyo at genre ng musika, ang mga posibilidad ng pagpapahayag at biswal ng musika, at ang orkestra. Kasabay nito, ang pag-uusap ay malayang isinagawa tungkol sa iba't ibang mga panahon - alinman sa tungkol sa sinaunang panahon, o tungkol sa modernidad, o pagbabalik sa mga siglo na mas mababa o mas malayo sa atin. At ngayon ay oras na upang maging pamilyar sa musikal na panitikan sa sunud-sunod na pagkakasunod-sunod - historikal - pagkakasunud-sunod1. Tungkol sa musika sa Sinaunang Greece Paano tayo nakakuha ng impormasyon tungkol sa musika ng Sinaunang Daigdig Ang nakakumbinsi na patunay ng mahusay na kultural at makasaysayang papel ng unang panahon ay ang katotohanan na sa sinaunang Greece noong ika-8 siglo BC mga pampublikong kumpetisyon sa palakasan - ang Olympic Games - ay ipinanganak . At pagkaraan ng dalawang siglo, nagsimulang isagawa ang mga kumpetisyon sa musika doon - ang Pythian Games, na maaaring ituring na malayong mga ninuno ng mga modernong kumpetisyon. Ang mga larong Pythian ay ginanap sa templo, na itinayo bilang parangal sa patron ng sining, ang diyos ng araw at liwanag, si Apollo. Ayon sa mga alamat, na natalo ang napakapangit na ahas na Python, siya mismo ang nagtatag ng mga larong ito. Nabatid na sa sandaling sila ay napanalunan ni Sakkad mula sa Argos, tumutugtog sa aulos, isang instrumentong panghihip na malapit sa oboe, isang dulang programa tungkol sa pakikibaka ni Apollo, kasama ang Python. sayaw, teatro. Ang mga kabayanihang epikong tula na "Iliad" at "Odyssey", na iniuugnay sa maalamat na makata na si Homer, ay inaawit sa boses ng singsong. Ang mga mang-aawit ay karaniwang, tulad ng mythological Orpheus, ang mga may-akda ng parehong patula na teksto at musika, at sila mismo ay sinasabayan ang kanilang sarili sa lira. Ang mga kantang sayaw ng choral na may pantomimic na kilos ay isinagawa sa kasiyahan. Sa mga sinaunang trahedya at komedya ng Griyego, ang koro ay may malaking papel: nagkomento siya sa aksyon, nagpahayag ng kanyang saloobin sa. Habang naghuhukay, natagpuan ng mga arkeologo ang pinakasimpleng mga instrumentong pangmusika (halimbawa, mga instrumento ng hangin - mga buto ng hayop na may mga drilled hole) at natukoy na sila ay ginawa mga apatnapung libong taon na ang nakalilipas. Dahil dito, umiral na noon ang sining ng musika. Matapos maimbento ang ponograpo noong 1877 - ang unang kagamitan para sa mekanikal na pag-record at pagpaparami ng tunog, nagsimulang maglakbay ang mga musikero-mananaliksik sa mga sulok ng mundo kung saan ang ilang mga tribo ay mayroon pa ring primitive na paraan ng pamumuhay. Mula sa mga kinatawan ng gayong mga tribo, sa tulong ng ponograpo, nagtala sila ng mga sample ng pag-awit at mga instrumental na himig. Ngunit ang gayong mga pag-record ay nagbibigay, siyempre, lamang ng isang tinatayang ideya kung ano ang musika noong sinaunang panahon. Ang salitang "chronology" (ito ay nangangahulugang "ang pagkakasunod-sunod ng mga makasaysayang kaganapan sa panahon") ay nagmula sa dalawang salitang Griyego - "chronos" ("panahon") at "logos" ("doktrina"). 1 Ang salitang Latin na "antiguus" ay nangangahulugang "sinaunang". Ang terminong "sinaunang" na nagmula rito ay tumutukoy sa kasaysayan at kultura ng Sinaunang Greece at Sinaunang Roma. 2 2 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia batay sa mga gawa ng mga bayani. Ang mga modernong musicologist ay may ilang impormasyon tungkol sa musika sa sinaunang mundo at naiinggit pa sa mga mananalaysay ng iba pang sining. Para sa isang malaking bilang ng mga kahanga-hangang monumento ng sinaunang arkitektura, ang mga sinaunang sining, lalo na ang iskultura, ay napanatili, maraming mga manuskrito na may mga teksto ng mga trahedya at komedya ng mahusay na mga sinaunang manunulat ng dula ay natuklasan. Ngunit ang mga musikal na gawa na nilikha sa parehong panahon at kahit na sa ibang pagkakataon ay nananatiling mahalagang hindi alam sa amin. Bakit nangyari ito? Ang katotohanan ay ito ay naging isang napakahirap na gawain upang mag-imbento ng isang sapat na tumpak at maginhawang sistema ng musikal na notasyon (notation), ang isa na pinagkadalubhasaan ng bawat isa sa inyo noong nagsisimula pa lang kayong matuto ng musika. Kinailangan ito ng maraming siglo upang malutas ito. Totoo, ang mga sinaunang Griyego ay nag-imbento ng notasyon ng titik. Itinalaga nila ang mga hakbang ng mga musical mode na may ilang mga titik ng alpabeto. Ngunit ang mga ritmikong palatandaan (mula sa mga gitling) ay hindi palaging idinagdag. Sa kalagitnaan lamang ng ika-19 na siglo AD, sa wakas ay nabuksan ng mga siyentipiko ang mga lihim ng notasyong ito. Gayunpaman, kung natukoy nila nang eksakto ang ratio ng mga tunog sa taas sa sinaunang mga manuskrito ng musikal na Greek, kung gayon ang ratio sa tagal ay humigit-kumulang lamang. Bukod dito, napakakaunting mga manuskrito ang natagpuan, at naglalaman ang mga ito ng mga talaan lamang ng ilang mga monophonic na gawa (halimbawa, mga himno) at mas madalas - ang kanilang mga fragment. sapat na visibility. Samakatuwid, matagal nang gumamit ang mga musikero ng mga pantulong na icon ng pahiwatig. Ang mga icon na ito ay inilagay sa itaas ng mga salita ng mga awit at tinutukoy ang alinman sa mga indibidwal na tunog o ang kanilang maliliit na grupo. Hindi nila ipinahiwatig ang eksaktong ratio ng mga tunog alinman sa taas o sa tagal. Ngunit sa kanilang inskripsiyon, ipinaalala nila sa mga gumaganap ang direksyon ng paggalaw ng melody, na alam ito sa puso at ipinasa ito mula sa isang henerasyon hanggang sa isa pa. Sa mga bansa sa Kanluran at Gitnang Europa, na ang musika ay tatalakayin mamaya sa aklat-aralin na ito, ang gayong mga icon ay tinatawag na neumes. Ang neumes ay ginamit upang itala ang sinaunang Katolikong liturgical hymns - ang Gregorian chant. Ang karaniwang pangalan na ito ay nagmula sa pangalan ni Pope Gregory I3. Ayon sa alamat, sa pagtatapos ng ika-6 na siglo, pinagsama-sama niya ang pangunahing koleksyon ng mga monophonic chants na ito. Inilaan na isagawa sa panahon ng paglilingkod sa simbahan lamang ng mga lalaki at lalaki - solo at magkaisa ng koro, ang mga ito ay nakasulat sa mga teksto ng panalangin sa Latin. Ngunit noong ika-11 siglo, ang Italyano na monghe na si Guido d'Arezzo ("mula sa Arezzo") ay nag-imbento ng bagong paraan ng notasyon. Tinuruan niya ang mga batang lalaki ng chorister sa monasteryo at nais na mas madali para sa kanila ang pagsasaulo ng mga espirituwal na awit. Noong panahong iyon, Ang mga neumes ay nagsimulang ilagay sa isang pahalang na linya, sa itaas at sa ilalim nito. Ang linyang ito ay tumutugma sa isang partikular na tunog at sa gayon ay itinakda ang tinatayang antas ng taas ng pag-record. At naisip ni Guido na gumuhit ng apat na magkatulad na linya nang sabay-sabay ( "mga pinuno") sa parehong distansya mula sa isa't isa at paglalagay ng mga neume sa kanila at sa pagitan nila. Ganito ang pagbangon ng ninuno ng modernong musical staff - tulad ng isang mahigpit na linyang canvas, na naging posible upang tumpak na ipahiwatig ang pitch ratio ng mga tunog ayon sa mga tono. at semitones. At kasabay nito, ang musikal na notasyon ay naging mas visual - tulad ng isang larawan na naglalarawan sa paggalaw ng isang himig, ang mga liko nito. Ang mga tunog na tumutugma sa mga pinuno, itinalaga ni Guido ang mga titik ng alpabetong Latin Ang kanilang mga istilo ay nagsimulang magbago kalaunan at kalaunan ay naging mga palatandaan, na tinawag nilang mga susi. "nakaupo" sa mga pinuno at sa pagitan nila, sa paglipas ng panahon sila ay naging magkahiwalay na mga tala, kung saan ang mga ulo ay unang may hugis ng mga parisukat. Mga tanong at gawain 1. Kailan, ayon sa mga siyentipiko, ginawa ang mga pinakalumang instrumentong pangmusika? Ano ang sinasabi nito? 2. Ano ang ponograpo, kailan ito naimbento, at paano ito sinimulang gamitin ng mga mananaliksik? 3. Tungkol sa musika kung aling mga bansa sa Sinaunang Daigdig, ang pinakamaraming impormasyon ay napanatili? Tukuyin sa mapa - sa paligid kung saan dagat ang tatlong naturang mga bansa ay matatagpuan. 4. Kailan at saan nagsimula ang mga sinaunang patimpalak sa musika - ang Pythian Games -? 5. Anong mga sining ang malapit na nauugnay sa musika sa Sinaunang Greece? 6. Anong notasyon ang naimbento ng mga sinaunang Griyego? Sa anong paraan ito hindi tumpak? Ang titulong "Pope of Rome" ay hawak ng isang klero na namumuno sa Simbahang Katoliko bilang isang internasyonal na organisasyong espirituwal. Ang Katolisismo ay isa sa mga kredong Kristiyano kasama ng Orthodoxy at Protestantismo. 4 Ang sinaunang mga Romano ay nagsasalita ng Latin. Matapos ang pagbagsak ng Imperyo ng Roma noong 476, unti-unting tumigil ang pagbigkas ng Latin. Dito nagmula ang tinatawag na mga wikang Romansa - Italyano, Pranses, Espanyol, Portuges. 3 Paano maginhawang notasyon nalikha Noong Middle Ages (ang simula ng makasaysayang panahon na ito ay itinuturing na ika-6 na siglo AD), ang notasyon ng titik ay halos nakalimutan. 3 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Ang mga alingawngaw tungkol sa isang bagong paraan ng notasyon - tulad ng ilang uri ng himala - ay nakarating kay Pope John XIX. Ipinatawag niya si Guido sa kanyang sarili at umawit ng isang himig na hindi niya alam ayon sa isang naimbentong recording. Sa hinaharap, ang bilang ng mga kahanay na pinuno ay binago ng maraming beses, nangyari ito - nadagdagan pa hanggang labing-walo. Sa pagtatapos lamang ng ika-17 siglo ay "manalo" ang kasalukuyang limang linyang kawani. Maraming iba't ibang mga susi ang ginamit din. Noong ika-19 na siglo lamang naging pinakakaraniwan ang treble at bass clefs. Matapos ang pag-imbento ng Guido d'Arezzo, isa pang mahirap na gawain ang nalutas sa loob ng mahabang panahon - kung paano pagbutihin ang notasyon upang ipahiwatig nito ang eksaktong ratio ng mga tunog hindi lamang sa taas, kundi pati na rin sa tagal. Maraming mga karaniwang tuntunin ang idinagdag dito sa una, na nagpapahirap sa paglalapat sa pagsasanay. At sa paglipas ng ilang siglo, unti-unting nabuo ang isang mas maginhawang notasyon - eksakto ang isa na patuloy nating ginagamit ngayon. Pagkatapos ng pagsisimula ng ika-17 siglo, napabuti lamang ito noong Mga detalye. At ang ritmikong prinsipyo nito, na matagal nang hinanap, ngayon ay tila ang pinakasimpleng bagay. Binubuo ito sa katotohanan na ang isang buong tala sa tagal ay palaging katumbas ng dalawang hati - magkaiba sa istilo, kalahati - dalawa quarters, isang quarter - dalawang eighth, at iba pa. na nagsimulang paghiwalayin ng mga bar ang mga bar noong ika-16 na siglo, at ang laki sa simula ng musical notation ay ipinahiwatig nang walang kabiguan ay mula sa ika-17 siglo. Gayunpaman, sa oras na iyon mayroon nang hindi lamang mga manuskrito sa musika, kundi pati na rin ang mga naka-print na tala. Para sa pag-print ng musika ay nagsimula sa ilang sandali matapos ang pag-imbento ng pag-print - sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Sa sinaunang mundo at sa mahabang panahon sa Middle Ages, ang musika ay, bilang panuntunan, monophonic. Mayroon lamang ilang maliliit na pagbubukod. Halimbawa, ang isang mang-aawit ay nagtanghal ng isang kanta at nag-dub dito (ibig sabihin, tinutugtog ito nang sabay) habang tumutugtog ng isang instrumento. Kasabay nito, ang boses at ang instrumento ay minsan ay maaaring magkahiwa-hiwalay ng kaunti, lumihis sa isa't isa at sa lalong madaling panahon ay muling magtagpo. Kaya, sa isang monophonic sound stream, ang "mga isla" ng dalawang boses ay lumitaw at nawala. Ngunit sa pagliko ng una at ikalawang milenyo ng ating panahon, ang polyphonic warehouse ay nagsimulang umusbong nang tuluy-tuloy at kalaunan ay naging nangingibabaw sa propesyonal na sining ng musika. Ang masalimuot at mahabang pormasyon na ito ay pangunahing nakatuon sa larangan ng musika ng simbahang Katoliko. Nagsimula ang kaso sa pag-imbento (kanino - hindi kilala) ng sumusunod na pamamaraan. Isang mang-aawit (o ilang mang-aawit) ang gumanap ng pangunahing boses - isang mabagal na makinis na himig ng Gregorian chant. At ang pangalawang tinig ay gumagalaw nang mahigpit na kahanay - eksakto sa parehong ritmo, sa lahat ng oras lamang sa layo na isang octave, o isang quart, o isang quint. Ngayon, sa aming mga tainga, ito ay napakahirap, "walang laman". Ngunit isang libong taon na ang nakalilipas, ang gayong pag-awit, umaalingawngaw sa ilalim ng mga arko ng isang simbahan, isang katedral, namangha at natutuwa, ay nagbukas ng mga bagong nagpapahayag na posibilidad para sa musika. Pagkaraan ng ilang panahon, nagsimulang maghanap ang mga musikero ng simbahan ng mas nababaluktot at iba't ibang paraan ng pamumuno sa pangalawang boses. At pagkatapos ay nagsimula silang higit at mas mahusay na pagsamahin ang tatlo, apat na tinig, sa kalaunan kung minsan ay higit pang mga tinig. Mga tanong at gawain 1. Ano ang hindi maginhawa sa notasyon ng liham ng pagsasanay? 2. Ano ang iminungkahi ng neumes sa mga choristers sa medieval? 3. Ano ang Gregorian chant at bakit ito tinawag? 4. Ipaliwanag ang diwa ng imbensyon ni Guido d'Arezzo. 5. Ano ang susunod na gawain na dapat lutasin pagkatapos ng imbensyon ni Guido? 6. Kailan pa hindi na nagbago nang malaki ang notasyon? Ang musikero ng simbahan na si Perotyn. Siya ay isang natatanging kinatawan ng pag-awit sining - ang Parisian "School of Notre Dame" ("School of Our Lady"). Ang mga pag-awit ni Perotin ay tumunog sa isang gusali na may kahanga-hangang kagandahan. Ito ay isang sikat na monumento ng medieval na arkitektura ng Gothic, na inilarawan ng Pranses na manunulat ng XIX na siglo na si Victor Hugo sa sikat Sa nobelang "Notre Dame Cathedral". Paano nagsimulang umunlad ang polyphony sa musika Ganito nagsimulang umunlad ang polyphony. Isinalin mula sa wikang Griyego, ang salitang ito ay nangangahulugang "polyphony". Ngunit ang polyphony ay tinatawag lamang sa ganitong uri ng polyphony sa kung saan ang dalawa o higit pang magkatulad na tinig ay tumunog nang sabay-sabay, bukod dito, ang bawat isa sa kanila ay may sariling independiyenteng melodic na linya. kung ang isang boses ay nangunguna sa pangunahing himig, habang ang iba ay nasa ilalim nito (samahan ito, samahan ito), kung gayon ito ay homophony - isa pa. Salamat sa pagpapabuti ng notasyon, unti-unti, lalo na mula sa ika-13 siglo, ang mga manuskrito ng musikal ay nagsimulang maging higit pa. at mas tumpak na natukoy. Ginawa nitong posible na maging pamilyar hindi lamang sa impormasyon tungkol sa kultura ng musika, kundi pati na rin sa mismong musika ng mga nakaraang panahon. Hindi sinasadya na ang mga tagumpay ng notasyon ay kasabay ng simula ng pag-unlad ng polyphony - isang mahalagang yugto sa kasaysayan ng musikal na sining. 4 www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Ruso ay naging isang pangunahing genre ng musika. Kasama sa Ordinaryong Misa 5 ang anim na pangunahing awit sa mga debosyonal na tekstong Latin. Ito ay ang “Kiriyo Eleison” (“Panginoon, maawa ka”), “Gloria” (“Kaluwalhatian”), “Credo” (“Naniniwala Ako”), “Sanctus” (“Banal”), “Benedictus” (“Mapalad” ) at “ Agnus Dei" ("Kordero ng Diyos"). Sa una, ang Gregorian chant ay tumunog sa isang boses sa mga misa. Ngunit noong mga ika-15 siglo, ang masa ay naging isang cycle ng mga kumplikadong polyphonic na bahagi 6. Kasabay nito, ang mga imitasyon ay nagsimulang gamitin nang napakahusay. Isinalin mula sa Latin na "imitatio" ay nangangahulugang "imitasyon". Sa musika, minsan ay maaaring gayahin ng isang tao ang mga extra-musical na tunog, halimbawa, ang mga kilig ng isang nightingale, ang tawag ng kuku, ang tunog ng mga alon ng dagat. Pagkatapos ito ay tinatawag na onomatopoeia o onomatopoeia. At ang imitasyon sa musika ay isang pamamaraan kapag, pagkatapos ng isang himig na nagtatapos sa isang boses, isa pang boses ang eksaktong (o hindi masyadong eksakto) ang umuulit nito mula sa isa pang tunog. Ang ibang mga boses ay maaaring pumasok sa parehong paraan. Sa homophonic na musika, ang mga imitasyon ay maaaring lumitaw sa madaling sabi. At sa polyphonic music, ito ay isa sa mga pangunahing pamamaraan ng pag-unlad. Nakakatulong ito na gawing halos tuluy-tuloy ang melodic na paggalaw: ang mga paghinto at pag-indayog nang sabay-sabay sa lahat ng boses ay nangyayari sa polyphonic music lamang sa anyo ng mga bihirang eksepsiyon7. Pinagsasama ang imitasyon sa iba pang mga polyphonic device, ginawa ng mga kompositor ang kanilang mga masa sa malalaking choral works kung saan apat o limang tinig ang magkakaugnay sa isang kumplikadong tela ng tunog. Sa loob nito, ang himig ng Gregorian chant ay mahirap nang makilala at kasing hirap ding marinig ang mga salita ng panalangin. Nagkaroon pa nga ng mga misa kung saan ang mga himig ng mga sikat na sekular na kanta ang ginamit bilang pangunahin. Ang sitwasyong ito ay nag-aalala sa pinakamataas na Katolikong espirituwal na awtoridad. Sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo, karaniwang ipagbabawal nito ang polyphonic na pag-awit sa panahon ng mga serbisyo sa simbahan. Ngunit ang gayong pagbabawal ay hindi naganap salamat sa kahanga-hangang kompositor ng Italyano na si Palestrina, na gumugol ng halos buong buhay niya sa Roma at malapit sa korte ng papa (ang kanyang buong pangalan ay Giovanni Pierluigi da Palestrina, iyon ay, "mula sa Palestrina" - a maliit na bayan malapit sa Roma). Si Palestrina, kasama ang kanyang mga masa (at sumulat siya ng higit sa isang daan sa kanila), ay pinamamahalaan ang hitsura ng polyphony. Dahil ang saliw ay may chord-harmonic na batayan, ang homophonic warehouse ng musical presentation ay tinatawag ding homophonic-harmonic. Mga tanong at gawain 1. Kailan pa naging mas tumpak na natukoy ang mga manuskrito ng musika? 2. Sa anong mahalagang bagong yugto sa kasaysayan ng musikal na sining nag-tutugma ang tagumpay ng notasyon? 3. Kailan, sa anong musika at sa batayan ng anong melodies unti-unting nabuo ang polyphony? 4. Ano ang magkatulad na dalawang boses? Kumanta nang sama-sama ng ilang parallel fourths, fifths at octaves. 5. Ano ang pagkakaiba ng polyphony at homophony? Paano patuloy na umunlad ang polyphony Habang nagsimulang umunlad ang polyphony sa pag-awit sa simbahan, patuloy na nangingibabaw ang monoponya sa sekular na musika. Halimbawa, maraming mga pag-record ng mga monophonic na kanta, na binubuo at ginanap ng mga medieval na makata-mang-aawit noong ika-12-14 na siglo, ay na-decipher. Sa timog ng France, sa Provence, tinawag silang troubadours, sa hilaga ng France - trouvers, sa Germany - minnesingers. Marami sa kanila ay mga tanyag na kabalyero at sa kanilang mga awit ay madalas umawit ng kagandahan at kabutihan ng "beautiful lady" na kanilang sinasamba. Ang mga himig ng mga kanta ng mga makata-mang-aawit na ito ay madalas na malapit sa mga katutubong himig, kabilang ang mga sayaw, at ang ritmo ay napapailalim sa ritmo ng tekstong patula. Nang maglaon, sa mga siglo ng XIV-XVI, ang mga Aleman na makata-mang-aawit mula sa mga artisan ay nagkaisa sa mga workshop, na tinatawag ang kanilang mga sarili na Meistersingers (“mga master na mang-aawit”). mga tinig na idinagdag sa mga espirituwal na awit sa Gregorian na awit, ang impluwensya ng mga sekular na kanta (halimbawa, mga kanta ng mga troubadours at trouveurs) ay naging kapansin-pansin. Kasabay nito, sa pagtatapos ng ika-13 siglo, ang mga purong sekular na polyphonic na gawa ay lumitaw France, kung saan ang mga party ng lahat ng boses ay nakabatay sa mga himig ng isang karakter ng kanta, at ang mga teksto ay binubuo hindi sa Latin, ngunit sa French. Sa paglipas ng panahon, sa musika ng simbahang Katoliko, mayroon pa ring mga espesyal na misa na nakatuon sa mga holiday ng simbahan. Alalahanin na ang cycle ay isang gawa ng ilang magkakahiwalay na bahagi (o mga piraso), na pinagsama ng isang karaniwang ideya. ) ay isang melodic at harmonic na pagliko na kumukumpleto sa buong piraso ng musika o sa seksyon nito 5 6 5 www.classON.ru edukasyon sa larangan ng sining ng Ruso upang patunayan na ang mga polyphonic na komposisyon, habang nananatiling napakahusay, ay maaaring malinaw na tunog at ang mga liturgical na teksto ay malinaw na maririnig. Ang musika ng Palestrina ay isa sa mga taluktok ng sinaunang choral polyphony ng tinatawag na mahigpit na istilo. Dadalhin tayo nito sa mundo ng napaliwanagan na kahanga-hangang pagmumuni-muni - na parang nagliliwanag ito ng pantay at nakakapagpatahimik na ningning. makata, musikero, siyentipiko at mahilig sa sining. Nadala sila ng ideya ng paglikha ng isang bagong uri ng nagpapahayag na solo na pag-awit na may saliw at pinagsama ito sa teatro na aksyon. Ito ay kung paano ipinanganak ang mga unang opera, na ang mga plot ay kinuha mula sa sinaunang mitolohiya. Ang pinakauna ay ang "Daphne", na binubuo ng kompositor na si Jacopo Peri (kasama ang Y. Korea) at ang makata na si O. Rinuccini. Ginawa ito noong 1597 sa Florence (ang gawain sa kabuuan ay hindi napanatili). Sa sinaunang mitolohiyang Griyego, si Daphne ay anak ng diyos ng ilog na si Ladon at ang diyosa ng lupa na si Gaia. Tumakas mula sa pag-uusig kay Apollo, nanalangin siya para sa tulong sa mga diyos at naging laurel (sa Greek "daphne" - "laurel") - ang sagradong puno ng Apollo. Dahil si Apollo ay itinuturing na patron na diyos ng sining, ang mga nagwagi sa Pythian Games ay nagsimulang makoronahan ng isang laurel wreath, ang nagtatag nito ay itinuturing na Apollo. Ang laurel wreath at isang hiwalay na sanga ng laurel ay naging mga simbolo ng tagumpay, kaluwalhatian, at gantimpala. Dalawang iba pang mga opera na binuo noong 1600 (isa ni J. Peri, ang isa ni G. Caccini) ay parehong tinatawag na "Eurydice" dahil pareho silang gumagamit ng parehong patula na teksto batay sa sinaunang Greek myth ng maalamat na mang-aawit na si Orpheus. Ang mga unang Italyano na opera ay ginanap sa mga palasyo at bahay ng mga marangal na tao. Ang orkestra ay binubuo ng ilang mga sinaunang instrumento. Pinangunahan ito ng isang musikero na tumugtog ng cembalo (ang Italyano na pangalan para sa harpsichord). Wala pang overture, at ang simula ng pagtatanghal ay ibinalita ng mga trumpet fanfare. At sa mga bahaging tinig, namayani ang recitative, kung saan ang pag-unlad ng musika ay nasa ilalim ng tekstong patula. Sa lalong madaling panahon, gayunpaman, ang musika ay nagsimulang makakuha ng lalong independyente at mahalagang kahalagahan sa mga opera. Ito ang merito ng unang natatanging kompositor ng opera - si Claudio Monteverdi. Ang kanyang unang opera - "Orpheus" - ay itinanghal noong 1607 sa Mantua. Ang kanyang bayani ay muli ang parehong maalamat na mang-aawit na nagpatahimik kay Hades, ang diyos ng underworld ng mga patay, sa kanyang sining, at pinalaya niya si Eurydice, ang minamahal na asawa ni Orpheus, sa lupa. Ngunit ang kalagayan ni Hades - bago umalis sa kanyang kaharian, huwag tumingin kay Eurydice - nilabag ni Orpheus at muli, magpakailanman, nawala siya. Ang musika ni Monteverdi ay nagbigay sa malungkot na kuwentong ito ng isang walang uliran na liriko at dramatikong pagpapahayag. Ang mga bahagi ng boses, koro, mga yugto ng orkestra ay naging mas magkakaibang sa kalikasan sa Orpheus ng Monteverdi. Sa gawaing ito, nagsimulang magkaroon ng isang melodious na estilo ng ariose - ang pinakamahalagang natatanging kalidad ng musikang opera ng Italyano. Kasunod ng halimbawa ng Florence, ang mga opera ay nagsimulang bumuo at gumanap hindi lamang sa Mantua, kundi pati na rin sa mga lungsod ng Italya tulad ng Roma, Venice, at Naples. Ang interes sa bagong genre ay nagsimulang lumitaw sa ibang mga bansa sa Europa, at ang kanilang mga Tanong at Gawain 1 . Sino ang troubadours, trouvers, minnesingers at mastersingers? 2. Mayroon bang koneksyon sa pagitan ng polyphony ng sinaunang simbahan at mga melodies ng sekular na kanta? 3. Pangalanan ang mga pangunahing bahagi ng isang ordinaryong masa. 4. Magbigay ng mga halimbawa ng onomatopoeia sa musika. 5. Ano ang tinatawag na imitasyon sa musika? 6. Ano ang nagawang makamit ni Palestrina sa kanyang mga masa? Ang kapanganakan ng opera. Oratorio at cantata Bago lamang ang simula ng ika-17 siglo - ang unang siglo ng makasaysayang panahon na tinatawag na Modern Times - isang kaganapan na may matinding kahalagahan ay naganap sa sining ng musika: ang opera ay ipinanganak sa Italya. Ang musika ay ginagamit sa iba't ibang mga palabas sa teatro mula pa noong unang panahon. Sa mga ito, kasama ang mga instrumental at choral na numero, ang mga indibidwal na vocal solo, tulad ng mga kanta, ay maaaring gumanap. At sa opera, ang mga mang-aawit at mang-aawit ay naging mga artista at artista. Ang kanilang pag-awit, na sinamahan ng orkestra, kasama ang aksyon sa entablado ay nagsimulang ihatid ang pangunahing nilalaman ng pagtatanghal. Ito ay kinukumpleto ng mga tanawin, kasuotan, at madalas ding mga sayaw - ballet. Kaya, sa opera, pinangunahan ng musika ang malapit na komunidad ng iba't ibang sining. Nagbukas ito ng magagandang bagong artistikong posibilidad para sa kanya. Sinimulan ng mga mang-aawit ng opera na ihatid nang may walang katulad na kapangyarihan ang mga personal na emosyonal na karanasan ng mga tao - parehong masaya at nalulungkot. Kasabay nito, ang pinakamahalagang paraan ng pagpapahayag sa opera ay ang homophonic na kumbinasyon ng isang solong boses ng pag-awit na may saliw ng orkestra. At kung hanggang sa ika-17 siglo ang propesyonal na musika sa Kanlurang Europa ay umunlad pangunahin sa simbahan, at ang misa ay ang pinakamalaking genre, kung gayon ang musikal na teatro ang naging pangunahing sentro, at ang pinakamalaking genre ay opera. Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo sa lungsod ng Florence ng Italya, isang bilog na 6 ang nagtipon www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ay kinuha ng mga pinuno bilang isang kaugalian na mag-imbita ng mga musikero na Italyano sa kanilang serbisyo sa korte. Nag-ambag ito sa katotohanan na ang musikang Italyano sa mahabang panahon ay naging pinaka-maimpluwensyang sa Europa. Sa France, noong ika-17 siglo, lumitaw ang sariling pambansang opera, na iba sa Italyano. Ang nagtatag nito - si Jean-Baptiste L yul l at - Italian sa pamamagitan ng kapanganakan. Gayunpaman, tama niyang naramdaman ang mga kakaiba ng kulturang Pranses at lumikha ng isang uri ng istilo ng opera ng Pranses. Sa mga opera ni Lully, ang mga recitative at maliliit na aria na may likas na recitative, sa isang banda, ay sumasakop sa isang malaking lugar, at sa kabilang banda, ang mga sayaw ng ballet, mga solemne na martsa at mga monumental na koro. Kasama ang mga mitolohiyang plot, kahanga-hangang kasuutan, ang paglalarawan ng mga mahiwagang himala sa tulong ng mga makinang pang-teatro, ang lahat ng ito ay tumutugma sa ningning at ningning ng buhay ng korte sa panahon ng paghahari ng hari ng Pransya na si Louis XIV. Ang unang opera sa Alemanya, si Daphne (1627), ay nilikha ng pinakamalaking kompositor ng Aleman noong panahon ng pre-Bach, si Heinrich Schüttz. Ngunit ang kanyang musika ay hindi nakaligtas. At walang mga kondisyon para sa pag-unlad ng genre ng opera sa bansa: talagang nabuo lamang sila sa simula ng ika-19 na siglo. At sa gawain ni Schutz, ang pangunahing lugar ay inookupahan ng nagpapahayag na mga komposisyon ng vocal-instrumental sa mga espirituwal na teksto. Noong 1689, ang unang English opera, Dido at Aeneas, ng kompositor ng kahanga-hangang talento, si Henry Purcell, ay ginanap sa London. Ang musika ng opera na ito ay nakakabighani ng taos-pusong liriko, patula na pantasya at makukulay na pang-araw-araw na larawan. Gayunpaman, pagkatapos ng pagkamatay ni Purcell, sa loob ng halos dalawang siglo, walang mga natatanging tagalikha ng musikal sa mga kompositor ng Ingles. Sa pagpasok ng ika-16-17 siglo, kasabay ng opera at gayundin sa Italya, ipinanganak ang o r a t o r y at cant ata. Ito ay katulad ng opera kung saan ang mga soloista, koro at orkestra ay nakikilahok din sa kanilang pagtatanghal, at sa mga ito ay tumutunog din sila ng arias, recitatives, vocal ensembles, choirs, orchestral episodes. Ngunit sa opera natutunan natin ang tungkol sa pagbuo ng mga kaganapan (plot) hindi lamang sa kung ano ang kinakanta ng mga soloista, kundi pati na rin sa kung ano ang kanilang ginagawa at kung ano ang karaniwang nangyayari sa entablado. At sa oratorio at cantata ay walang kilos sa entablado. Ang mga ito ay ginaganap sa isang setting ng konsiyerto, walang mga costume at tanawin. Ngunit mayroon ding pagkakaiba sa pagitan ng oratorio at cantata, bagaman hindi palaging malinaw. Karaniwan ang oratorio ay isang akda na may mas malaking sukat at may mas maunlad na balangkas ng relihiyon. Madalas itong may epic-dramatic na karakter. Kaugnay nito, kadalasang kasama sa oratorio ang bahaging pasalaysay na recitative ng singer-narrator. Ang isang espesyal na uri ng espirituwal na oratorio ay "passion", o "passive" (isinalin mula sa Latin - "pagdurusa"). Ang "pasyon" ay nagsasabi tungkol sa pagdurusa at kamatayan ni Hesukristo, na ipinako sa krus. 7 www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng Russian art Cantatas, depende sa nilalaman ng tekstong pandiwa, ay nahahati sa espirituwal at sekular. Noong ika-17 siglo at sa simula ng ika-18 siglo, maraming maliliit na chamber cantatas ang lumitaw sa Italya. Binubuo sila ng paghahalili ng dalawa o tatlong recitative na may dalawa o tatlong aria. Sa hinaharap, naging laganap ang mga cantata na higit sa lahat solemne. Ang mga espirituwal na cantata at "mga hilig" ng iba't ibang mga konstruksyon ay pinaka-binuo sa Alemanya. arias, at ito ay kaakit-akit na mag-deploy ng isang birtuoso na paggalaw ng daanan. Sa legacy ng Corelli at Vivaldi, isang malaking lugar ang nabibilang sa trio sonata genre. Sa karamihan ng mga trio sonata, dalawang pangunahing bahagi ang tinutugtog ng mga biyolin, at ang ikatlong bahagi ay sinasaliwan ng harpsichord o organ, na ang boses ng bass ay dinoble ng cello o bassoon. Kasunod ng trio sonata, lumitaw ang isang sonata para sa violin o ibang instrumento na sinasabayan ng harpsichord. pati na rin ang concerto grosso - isang concerto para sa orkestra (una - mga string). Maraming mga gawa ng mga genre na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng anyo ng isang lumang sonata. Karaniwan itong apat na bahagi na cycle na may slow-fast-slow-fast na tempo ratio. Maya-maya, noong ika-18 siglo, nagsimulang gumawa si Vivaldi ng mga solo concerto para sa violin at ilang iba pang mga instrumento na may saliw ng orkestra. Nagkaroon ng cycle ng tatlong bahagi: "fast-slow-fast". Mga tanong at gawain 1. Saan at kailan ipinanganak ang opera? Ipaliwanag kung paano naiiba ang isang opera sa isang palabas sa teatro na may musika. 2. Ano ang pinakamahalagang paraan ng pagpapahayag sa musika ng opera? 3. Ano ang pangalan ng unang opera ni Claudio Monteverdi, at anong mga katangian ang makikita sa musika nito? 4. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga tampok ng mga lumang French opera. 5. Pangalanan ang unang opera na isinulat sa Germany at ang unang opera na isinulat sa England. 6. Ano ang pangunahing pagkakaiba ng oratorio at cantata sa opera? 7. Ano ang "mga hilig" ("passive")? Kahit na sa sinaunang Egypt, sinimulan ng organ ang kasaysayan nito sa mga siglo. Pagsapit ng ika-17 siglo, ito ay naging isang napakakomplikadong instrumento na may malawak na artistikong mga posibilidad. Matatagpuan ang maliliit na organo kahit sa mga pribadong bahay. Ginamit ang mga ito para sa mga sesyon ng pagsasanay, naglaro sila ng mga pagkakaiba-iba sa mga himig ng mga katutubong kanta at sayaw. At ang mga malalaking organo na may kumikinang na hanay ng mga tubo, na may mga inukit na kahoy na katawan, ay tumunog, tulad ng ginagawa nila ngayon, sa mga simbahan at katedral. Sa ngayon, mayroon ding mga organo sa maraming mga bulwagan ng konsiyerto. Sa modernong mga organo, mayroong ilang libong mga tubo at hanggang pitong mga keyboard (manual), na matatagpuan sa itaas ng isa - tulad ng mga hagdan. Napakaraming tubo dahil nahahati sila sa mga grupo - mga rehistro. Ang mga rehistro ay nakabukas at inililipat gamit ang mga espesyal na lever upang makakuha ng ibang kulay (timbre) ng tunog. Ang mga organo ay nilagyan din ng pedal. Ito ay isang buong paa na keyboard ng maraming malalaking key. Sa pamamagitan ng pagpindot sa mga ito gamit ang kanilang mga paa, ang organist ay maaaring mag-extract at mapanatili din ang mga tunog ng bass sa loob ng mahabang panahon (ang mga naturang sustained sound ay tinatawag ding pedal o organ point). Sa mga tuntunin ng kayamanan ng mga timbre, kung maaari, upang ihambing ang pinakamagaan na pianissimo sa dumadagundong na fortissimo, ang organ ay walang katumbas sa mga instrumentong pangmusika. Noong ika-17 siglo, ang sining ng organ ay umabot sa isang partikular na mataas na pamumulaklak sa Alemanya. Tulad sa ibang mga bansa, ang mga organista ng simbahang Aleman ay parehong kompositor at performer. Hindi lamang nila sinamahan ang mga espirituwal na pag-awit, ngunit nag-iisa rin. Kabilang sa kanila ang maraming mahuhusay na birtuoso at improviser na umakit ng buong pulutong ng mga tao sa kanilang paglalaro. Isa sa mga pinaka-kapansin-pansin sa kanila ay si Dietrich Buxtehude. Ang batang si Johann Sebastian Bach ay naglalakad mula sa ibang lungsod upang makinig sa kanyang paglalaro. Ang iba't-ibang at malawak na gawain ni Buxtehude ay kumakatawan sa mga pangunahing uri ng organ music noong panahong iyon. Sa isang banda, ito ay mga prelude, pantasya, at instrumental na musika ng ika-17 siglo, ang mga genre at anyo nito. Sa mahabang panahon, ang pagtugtog ng mga instrumento ay kadalasang nadodoble ang mga bahagi ng mga tinig sa mga akdang tinig o sinasaliw na sayaw. Naipamahagi din ang instrumental arrangement ng vocal compositions. Ang independiyenteng pag-unlad ng instrumental na musika ay tumindi lamang noong ika-17 siglo. Kasabay nito, ang mga artistikong pamamaraan na binuo sa vocal polyphony ay patuloy na nabuo dito. Sila ay pinayaman ng mga elemento ng isang homophonic warehouse, batay sa kanta at sayaw. Kasabay nito, ang nagpapahayag na mga tagumpay ng operatic music ay nagsimulang maimpluwensyahan ang mga instrumental na komposisyon. Ang biyolin, kasama ang makikinang na mga kakayahan ng birtuoso, ay may napaka malambing na tinig. At sa lugar ng kapanganakan ng opera, sa Italya, ang musika ng violin ay nagsimulang umunlad lalo na sa matagumpay. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo, umunlad ang gawain ni Arcangelo Corelli at nagsimula ang malikhaing aktibidad ni Antonio Vivaldi. Ang mga namumukod-tanging Italyano na kompositor na ito ay lumikha ng maraming instrumental na gawa na may partisipasyon at may nangungunang papel na ginagampanan ng biyolin. Sa kanila, ang biyolin ay maaaring kumanta bilang nagpapahayag ng boses ng tao sa isang opera 8 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng Russian art toccatas. Sa kanila, ang mga polyphonic episode ay malayang nagpapalit-palit ng mga improvisational na sipi at chord. Sa kabilang banda, ang mga ito ay mas mahigpit na itinayo na mga piraso, na humantong sa paglitaw ng fugue, ang pinaka kumplikadong anyo ng imitative polyphony. Gumawa rin si Buxtehude ng maraming organ adaptation ng Protestant chorale sa anyo ng chorale preludes. Hindi tulad ng Gregorian chant, ito ang pangkalahatang pangalan para sa spiritual chants hindi sa Latin, ngunit sa German. Sila ay lumitaw noong ika-16 na siglo, nang ang isang bagong uri ng doktrinang Kristiyano, ang Protestantismo, ay humiwalay sa Katolisismo. Ang melodic na batayan ng Protestant chant ay German folk songs. Noong ika-17 siglo, ang Protestant chant ay nagsimulang isagawa ng koro ng lahat ng mga parokyano sa suporta ng organ. Para sa mga naturang choral arrangement, tipikal ang isang four-voice chord warehouse na may melody sa itaas na boses. Kasunod nito, ang naturang bodega ay tinawag na choral, kahit na ito ay nangyayari sa isang instrumental na gawain. Ang mga organista ay tumugtog din ng mga instrumentong may kwerdas na keyboard at nag-compose para sa kanila. Ang karaniwang pangalan para sa mga gawa para sa mga instrumentong ito ay clavier music8. Ang unang impormasyon tungkol sa mga instrumentong may kuwerdas na keyboard ay nagsimula noong ika-14-15 siglo. Noong ika-17 siglo, ang harpsichord ang naging pinakakaraniwan sa mga ito. Kaya ito ay tinatawag sa France, sa Italya ito ay tinatawag na cembalo, sa Germany - kielflugel, sa England - harpsichord. Ang pangalan ng mas maliliit na instrumento sa France ay ang epinet, sa Italya - ang spinets ng England - ang virginel. Ang harpsichord ay ang ninuno ng piano, na nagsimulang gamitin mula sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Kapag pinindot mo ang mga susi ng harpsichord, ang mga balahibo o mga leather na dila, na naka-mount sa mga pamalo, ay tila kurutin ang mga string. Ito ay lumiliko out maalog, tunog at sa parehong oras ang isang maliit na kaluskos tunog. Sa harpsichord, ang lakas ng tunog ay hindi nakasalalay sa lakas ng suntok sa mga susi. Samakatuwid, imposibleng gumawa ng mga crescendos at diminuendo dito - hindi katulad ng piano, kung saan posible ito dahil sa isang mas nababaluktot na koneksyon ng mga susi na may mga martilyo na tumatama sa mga string. Ang harpsichord ay maaaring may dalawa o tatlong keyboard at isang device na nagbibigay-daan sa iyong baguhin ang kulay ng tunog. Ang tunog ng isa pang maliit na instrumento sa keyboard - ang clavichord - ay mas mahina kaysa sa tunog ng harpsichord. Ngunit sa kabilang banda, ang isang mas malambing na pagtugtog ay posible sa clavichord, dahil ang mga string nito ay hindi pinuputol, ngunit ang mga metal na plato ay pinindot sa kanila. Ang isa sa mga pangunahing genre ng maagang musika ng harpsichord ay isang suite ng ilang bahagi na nakumpleto sa anyo, na nakasulat sa isang susi. Sa bawat bahagi, kadalasang ginagamit ang galaw ng ilang uri ng sayaw. Ang batayan ng lumang suite ay apat na sayaw ng iba't ibang, hindi palaging tiyak na nilinaw pambansang pinagmulan. Ito ay ang masayang allemande (maaaring mula sa Germany), ang mas maliksi na chimes (mula sa France), ang mabagal na sarabande (mula sa Spain), at ang mabilis na gigue (mula sa Ireland o England). Mula sa pagtatapos ng ika-17 siglo, kasunod ng halimbawa ng mga harpsichordist ng Paris, ang mga suite ay nagsimulang dagdagan ng mga sayaw na Pranses gaya ng minuet, gavotte, bourre, at passepied. Ang mga ito ay ipinasok sa pagitan ng mga pangunahing sayaw, na bumubuo ng mga seksyon ng intermedia ("integ" sa Latin ay nangangahulugang "sa pagitan"). Ang sinaunang French harpsichord na musika ay nakikilala sa pamamagitan ng kagandahan, kagandahan, at kasaganaan ng maliliit na melodic na burloloy, tulad ng mordents at trills. Ang estilo ng French harpsichord ay umunlad sa gawain ni François Couperin (1668 - 1733), na tinawag na Dakila. Gumawa siya ng humigit-kumulang dalawa at kalahating daang dula at pinagsama ang mga ito sa dalawampu't pitong suite. Unti-unti silang pinangungunahan ng mga dulang may iba't ibang pangalan ng programa. Kadalasan, ang mga ito ay tulad ng mga miniature harpsichord portrait ng mga kababaihan - mahusay na naglalayong sound sketch ng ilang katangian ng karakter, hitsura, kilos. Ganito, halimbawa, ang mga dulang "Gloomy", "Touching", "Nimble", "Scattered", "Mischievous". Ang kanyang mahusay na kontemporaryong Johann Sebastian Bach ay nagpakita ng malaking interes sa musikang French harpsichord, kabilang ang mga dula ni Francois Couperin. Mga tanong at gawain 1. Kailan tumindi ang malayang pag-unlad ng mga instrumental na genre? 2. Ano ang paboritong instrumento nina Arcangelo Corelli at Antonio Vivaldi. 3. Sabihin sa amin ang tungkol sa istraktura ng organ. 4. Saang bansa lalong umunlad ang organ art? Ano ang isang Protestant chant? 5. Sabihin sa amin ang tungkol sa device ng harpsichord. Anong mga sayaw na galaw ang ginagamit sa mga pangunahing bahagi ng lumang harpsichord suite? Kaya, ang panimulang seksyon ng aklat-aralin ay maikling ipinakilala ang ilang mahahalagang kaganapan sa mundo ng musika mula noong sinaunang panahon. Ito ay isang makasaysayang "iskursiyon" upang matulungan ang higit pang pagkilala sa pamana ng mga mahuhusay na musikero sa Kanlurang Europa na nagtrabaho noong ika-18 at ika-19 na siglo. Sa loob ng ilang panahon, ang clavier ay tinawag na musika para sa lahat ng mga instrumento sa keyboard, kabilang ang keyboard-wind instrument - ang organ. 8 9 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Ang landas ng buhay ni Johann Rod, pamilya, pagkabata. Si Johann Sebastian Bach ay ipinanganak noong 1685 sa Thuringia - isa sa mga rehiyon ng Central Germany, sa maliit na bayan ng Eisenach, na napapalibutan ng mga kagubatan. Sa Thuringia, naramdaman pa rin ang matinding kahihinatnan ng Tatlumpung Taon na Digmaan (1618-1648), kung saan nagsagupaan ang dalawang malalaking grupo ng mga kapangyarihang Europeo. Ang mapangwasak na digmaang ito ay nangyari sa mga ninuno ni Johann Sebastian, na malapit na nauugnay sa bapor ng Aleman at kapaligiran ng magsasaka. Ang kanyang lolo sa tuhod, na nagngangalang Veit, ay isang panadero, ngunit gustung-gusto niya ang musika kaya hindi siya kailanman humiwalay sa sitar, isang instrumento na katulad ng isang mandolin, kahit na sa mga paglalakbay sa gilingan na kanyang tinutugtog habang ang harina ay giniling. At sa kanyang mga inapo, na nanirahan sa Thuringia at mga kalapit na rehiyon, napakaraming musikero na ang lahat ng nagsasanay sa propesyon na ito ay tinawag na "Bach" doon. Ito ay mga organista ng simbahan, mga biyolinista, mga flutista, mga trumpeta, ang ilan sa kanila ay nagpakita ng talento bilang isang kompositor. Sila ay nasa serbisyo ng mga munisipalidad ng lungsod at sa mga korte ng mga pinuno ng maliliit na pamunuan at duchies kung saan nahahati ang Alemanya. Sebastian Bach 1685-1750 Kamangha-manghang ang kapalaran ng musika ng mahusay na kompositor ng Aleman, na ang kapanganakan ay higit sa tatlong daang taon na ang lumipas. Sa kanyang buhay, nakatanggap siya ng pagkilala pangunahin bilang isang organista at eksperto sa mga instrumentong pangmusika, at pagkatapos ng kanyang kamatayan ay halos nakalimutan na siya ng ilang dekada. Ngunit pagkatapos ay unti-unti nilang sinimulan na muling matuklasan ang kanyang trabaho at humanga sa kanya bilang isang mahalagang artistikong kayamanan, hindi maunahan sa kasanayan, hindi mauubos sa lalim at sangkatauhan ng nilalaman. "Hindi stream! "Ang dagat ay dapat ang kanyang pangalan." Kaya sinabi tungkol kay Bach ang isa pang henyo sa musika - Beethoven9. Si Bach mismo ay nakapag-publish lamang ng napakaliit na bahagi ng kanyang mga gawa. Ngayon ay may higit sa isang libo sa kanila ang nai-publish (marami pa ang nawala). Ang unang kumpletong mga gawa ni Bach ay nagsimulang mailimbag sa Alemanya isang daang taon pagkatapos ng kanyang kamatayan, at umabot ito ng apatnapu't anim na malalaking volume. At imposibleng kahit na halos kalkulahin kung gaano karami ang nai-print at kung gaano karaming magkahiwalay na mga edisyon ng musika ni Bach ang patuloy na nai-print sa iba't ibang mga bansa. Napakalaki ng patuloy na pangangailangan para dito. Sapagkat sinasakop nito ang isang malawak at marangal na lugar hindi lamang sa repertoire ng konsiyerto sa mundo, kundi pati na rin sa pang-edukasyon. Si Johann Sebastian Bach ay patuloy na naging guro ng literal na lahat ng kasangkot sa musika. Siya ay isang seryoso at mahigpit na guro, nangangailangan ng kakayahang mag-concentrate upang makabisado ang sining ng pagsasagawa ng polyphonic works. Ngunit ang hindi natatakot sa mga kahirapan at binibigyang pansin ang kanyang mga kinakailangan ay madarama sa likod ng kanyang kahigpitan ang matalino at kabaitan ng puso, na itinuturo niya sa kanyang magagandang walang kamatayang mga nilikha. Ang bahay sa Eisenach kung saan ipinanganak si JSBach 9 "Bach" ay nangangahulugang "stream" sa German. 10 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Ang ama ni Johann Sebastian ay isang violinist, musikero ng lungsod at hukuman sa Eisenach. Nagsimula siyang magturo ng musika sa kanyang bunsong anak na lalaki at ipinadala siya sa isang paaralan ng simbahan. Taglay ang magandang mataas na boses, kumanta ang bata sa choir ng paaralan. Noong siya ay sampung taong gulang, namatay ang kanyang mga magulang. Ang nakatatandang kapatid na lalaki, isang organista ng simbahan sa kalapit na bayan ng Ohrdruf, ang nag-aalaga sa ulila. Itinalaga niya ang kanyang nakababatang kapatid sa lokal na lyceum at siya mismo ang nagturo sa kanya ng organ. Nang maglaon, naging harpsichordist, violinist, at violist din si Johann Sebastian. At mula pagkabata ay pinagkadalubhasaan niya ang komposisyon ng musika sa kanyang sarili, muling isinulat ang mga komposisyon ng iba't ibang mga may-akda. Kinailangan niyang muling isulat ang isang music notebook na partikular na interesado sa kanya sa mga gabing naliliwanagan ng buwan, lihim mula sa kanyang kuya. Ngunit nang makumpleto ang mahabang pagsusumikap, natuklasan niya ito, nagalit kay Johann Sebastian dahil sa kanyang hindi awtorisadong pagkilos at walang awang inalis sa kanya ang manuskrito. Ang simula ng isang malayang buhay. Lüneburg. Sa edad na labinlimang, gumawa si Johann Sebastian ng isang mapagpasyang hakbang - lumipat siya sa malayong hilagang Aleman na lungsod ng Lüneburg, kung saan siya pumasok sa paaralan sa simbahan ng monasteryo bilang isang may hawak ng iskolar. Sa aklatan ng paaralan, nakilala niya ang isang malaking bilang ng mga manuskrito ng mga komposisyon ng mga musikero ng Aleman. Sa Lüneburg at Hamburg, kung saan siya nagpunta sa mga kalsada ng bansa, maaaring makinig ang isa sa pagtugtog ng mga mahuhusay na organista. Posible na si Johann Sebastian ay bumisita sa opera house sa Hamburg - sa oras na iyon ang isa lamang sa Germany na nagbigay ng mga pagtatanghal hindi sa Italyano, ngunit sa Aleman. Matagumpay siyang nakapagtapos ng pag-aaral pagkalipas ng tatlong taon at nagsimulang maghanap ng trabahong mas malapit sa kanyang tinubuang lupa. Weimar. Ang pagkakaroon ng panandaliang nagsilbi bilang isang biyolinista at organista sa tatlong lungsod, si Bach noong 1708, kasal na, ay nanirahan sa Weimar (Thuringia) sa loob ng siyam na taon. Doon siya ay isang organista sa korte ng duke, at pagkatapos ay vice-capella master (katulong sa pinuno ng kapilya - isang pangkat ng mga mang-aawit at instrumentalista). Bilang isang tinedyer, sa Ohrdruf, si Bach ay nagsimulang gumawa ng musika, lalo na, upang ayusin ang Protestant chant para sa organ, ang kanyang paboritong instrumento. At sa Weimar, lumitaw ang isang bilang ng kanyang mga kahanga-hangang mature na gawa sa organ, tulad ng Toccata at Fugue sa D minor, Passacaglia10 sa C minor, choral preludes. Sa oras na iyon, si Bach ay naging isang hindi maunahang tagapalabas at improviser sa organ at harpsichord. Ito ay kinumpirma ng sumusunod na kaso. Minsang pumunta si Bach sa Dresden, ang kabisera ng Saxony, kung saan nagpasya silang ayusin ang isang kompetisyon sa pagitan niya at ni Louis Marchand, ang sikat na French organist at harpsichordist. Ngunit siya, na narinig dati kung paano nag-improvise si Bach sa harpsichord na may kamangha-manghang malikhaing talino sa paglikha, ay nagmadaling lihim na umalis sa Dresden. Hindi naganap ang kompetisyon. Sa korte ng Weimar nagkaroon ng pagkakataon na makilala ang mga gawa ng mga kompositor ng Italyano at Pranses. Itinuring ni Bach ang kanilang mga tagumpay na may malaking interes at masining na inisyatiba. Halimbawa, gumawa siya ng ilang libreng pag-aayos para sa harpsichord at organ ng mga violin concerto ni Antonio Vivaldi. Ito ay kung paano ipinanganak ang unang clavier concerto sa kasaysayan ng musikal na sining. Sa loob ng tatlong taon sa Weimar, si Bach ay dapat na bumuo ng isang bagong espirituwal na cantata tuwing ikaapat na Linggo. Sa kabuuan, higit sa tatlumpung mga gawa ang lumitaw sa ganitong paraan. Gayunpaman, nang mamatay ang matandang punong banda ng korte, na ang mga tungkulin ay talagang ginampanan ni Bach, ang bakanteng posisyon ay hindi ibinigay sa kanya, kundi sa pangkaraniwang anak ng namatay. Sa galit sa gayong kawalang-katarungan, nagsumite si Bach ng kanyang pagbibitiw. Dahil sa "disrespectful demand" ay isinailalim siya sa house arrest. Ngunit nagpakita siya ng isang matapang, mapagmataas na katatagan, iginigiit ang kanyang sarili. At makalipas ang isang buwan, ang duke ay nag-aatubili na magbigay ng "walang awa na utos" na palayain ang masungit na musikero sa ligaw. Köthen. Sa pagtatapos ng 1717, lumipat si Bach at ang kanyang pamilya sa Köthen. Ang lugar ng court bandmaster ay inalok sa kanya ni Prince Leopold Anhalt ng Köthen, ang pinuno ng isang maliit na estado sa kapitbahayan ng Thuringia. Siya ay isang mahusay na musikero - siya ay kumanta, tumugtog ng harpsichord at viola da gamba 11. Ang prinsipe ay nagbigay sa kanyang bagong bandmaster ng magandang pinansiyal na suporta at iginagalang siya nang may malaking paggalang. Ang mga tungkulin ni Bach, na medyo kaunti lang sa kanyang oras, ay kinabibilangan ng pagdidirekta sa isang kapilya ng labing-walong bokalista at instrumentalista, samahan ang prinsipe, at pagtugtog ng harpsichord mismo. Sa Köthen, maraming Bach na gumagana para sa iba't ibang mga instrumento ang lumitaw. Ang musika ng Clavier ay lubhang magkakaibang sa kanila. Sa isang banda, ito ay mga piraso para sa mga nagsisimula - ang Passacaglia ay isang mabagal na three-way na sayaw na may pinagmulang Espanyol. Sa batayan nito, ang mga instrumental na piraso ay lumitaw sa anyo ng mga pagkakaiba-iba na may isang melody na paulit-ulit na paulit-ulit sa bass. 10 11 Ang Viola da gamba ay isang sinaunang instrumento na parang cello. 11 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia maliit na pasimula, dalawang bahagi at tatlong bahagi na mga imbensyon. Ang mga ito ay isinulat ni Bach upang pag-aralan ang kanyang panganay na anak na lalaki, si Wilhelm Friedemann. Sa kabilang banda, ito ang una sa dalawang volume ng isang monumental na gawa - "The Well-Tempered Clavier", na sa kabuuan ay kinabibilangan ng 48 preludes at fugues, at isang malaking komposisyon ng plano ng konsiyerto - "Chromatic Fantasy and Fugue". Ang paglikha ng dalawang koleksyon ng mga clavier suite, na kilala bilang "French" at "English", ay kabilang din sa panahon ng Köthen. Sinama ni Prinsipe Leopold si Bach sa mga paglalakbay sa mga kalapit na estado. Nang bumalik si Johann Sebastian noong 1720 mula sa gayong paglalakbay, dumanas siya ng matinding kalungkutan - ang kanyang asawang si Maria Barbara ay kamamatay lamang, na nag-iwan ng apat na anak (tatlo pa ang namatay nang maaga). Makalipas ang isang taon at kalahati, nagpakasal muli si Bach. Ang kanyang pangalawang asawa, si Anna Magdalena, ay may magandang boses at napaka-musika. Sa pag-aaral sa kanya, pinagsama-sama ni Bach ang dalawang clavier "Note Books" mula sa kanyang sariling mga piraso at bahagyang mula sa mga piraso ng ibang mga may-akda. Si Anna Magdalena ay isang mabait at mapagmalasakit na kasama sa buhay ni Johann Sebastian. Ipinanganak niya sa kanya ang labintatlong anak, kung saan anim ang nakaligtas hanggang sa pagtanda. Leipzig. Noong 1723, lumipat si Bach sa Leipzig, isang pangunahing sentro ng komersyo at kultura ng Saxony, kalapit na Thuringia. Napanatili niya ang mabuting relasyon kay Prinsipe Leopold. Ngunit sa Köthen, ang mga posibilidad ng aktibidad sa musika ay limitado - walang malaking organ o koro. Bilang karagdagan, si Bach ay may mga nakatatandang anak na lalaki na nais niyang bigyan ng magandang edukasyon. Sa Leipzig, kinuha ni Bach ang posisyon ng cantor - pinuno ng koro ng mga lalaki at guro ng mga paaralan sa pag-awit; sa Simbahan ni St. Thomas (Thomaskirche). Kinailangan niyang tanggapin ang isang bilang ng mga mahigpit na kondisyon, halimbawa "huwag umalis sa lungsod nang walang pahintulot ng burgomaster." Marami pang ibang tungkulin si Cantor Bach. Kinailangan niyang hatiin sa mga bahagi ang isang maliit na koro ng paaralan at isang napakaliit na orkestra (o sa halip, isang grupo) upang ang musika ay tumunog sa mga serbisyo sa dalawang simbahan, gayundin sa mga kasalan, sa mga libing, at sa iba't ibang kasiyahan. At hindi lahat ng chorus boys ay may magandang musical data. Ang bahay ng paaralan ay marumi, napabayaan, ang mga mag-aaral ay hindi pinapakain at nagdadamit ng pulubi. Si Bach, na sa parehong oras ay itinuturing na "direktor ng musika" ng Leipzig, ay nakakuha ng atensyon ng mga awtoridad ng simbahan at administrasyon ng lungsod (mahistrado) sa lahat ng ito. Ngunit bilang kapalit ay nakatanggap siya ng kaunting tulong na materyal, ngunit maraming maliit na pangungutya sa opisina at mga pasaway. Sa mga mag-aaral, siya ay nakikibahagi hindi lamang sa pag-awit, kundi pati na rin sa paglalaro ng mga instrumento, bilang karagdagan, umarkila siya ng isang guro sa Latin para sa kanila sa kanyang sariling gastos. Simbahan at paaralan ng St. Thomas (kaliwa) sa Leipzig. (Mula sa isang lumang ukit). Sa kabila ng mahihirap na kalagayan sa buhay, si Bach ay masigasig na nakikibahagi sa pagkamalikhain. Sa unang tatlong taon ng kanyang paglilingkod, nag-compose at nagpraktis siya ng bagong spiritual cantata kasama ng koro halos linggo-linggo. Sa kabuuan, halos dalawang daang gawa ni Bach sa genre na ito ang napanatili. At ilang dosena ng kanyang sekular na cantatas ang kilala rin. Sila ay, bilang isang patakaran, malugod na tinatanggap at binabati, hinarap sa iba't ibang marangal na tao. Ngunit sa kanila ay mayroong isang pagbubukod tulad ng komiks na "Coffee Cantata" na isinulat sa Leipzig, katulad ng isang eksena mula sa isang comic opera. Ito ay nagsasabi kung paano ang isang bata, buhay na buhay na si Lizhen ay gumon sa isang bagong fashion para sa kape, laban sa kalooban at mga babala ng kanyang ama, ang matandang grumbler na si Schlendrian. Sa Leipzig, nilikha ni Bach ang kanyang pinaka-namumukod-tanging monumental na vocal-instrumental na mga gawa - The Passion According to John, Passion According to Matthew12 and the Mass in B minor, malapit sa kanila sa nilalaman, pati na rin ang isang malaking bilang ng iba't ibang instrumental na komposisyon, kabilang ang Ang pangalawang volume na "Well-Tempered Clavier", isang koleksyon nina Juan at Mateo (pati na rin sina Mark at Lucas) ay mga tagasunod ng mga turo ni Jesucristo, na nagtipon ng mga Ebanghelyo - mga kwento tungkol sa kanyang buhay sa lupa, pagdurusa ("mga hilig") at kamatayan. Ang "Ebanghelyo" sa Griyego ay nangangahulugang "mabuting balita". 12 12 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia na "The Art of the Fugue". Naglakbay siya sa Dresden, Hamburg, Berlin at iba pang lungsod ng Aleman, tumugtog ng organ doon, sumubok ng mga bagong instrumento. Sa loob ng higit sa sampung taon, pinamunuan ni Bach ang "Music College" sa Leipzig - isang lipunan na binubuo ng mga estudyante sa unibersidad at mga mahilig sa musika - mga instrumentalista at mang-aawit. Sa ilalim ng direksyon ni Bach, nagbigay sila ng mga pampublikong konsiyerto mula sa mga gawa ng isang sekular na kalikasan. Sa pakikipag-usap sa mga musikero, siya ay isang estranghero sa anumang pagmamataas at nagsalita tungkol sa kanyang pambihirang kasanayan tulad ng sumusunod: "Kinailangan kong magtrabaho nang husto, kung sino ang kasing hirap ay makakamit niya rin." Maraming alalahanin, ngunit maraming kagalakan din ang nagdala kay Bach sa kanyang malaking pamilya. Sa kanyang bilog, maaari niyang ayusin ang buong mga konsyerto sa bahay. Apat sa kanyang mga anak ang naging sikat na kompositor. Ito ay sina Wilhelm Friedemann at Carl Philipp Emanuel (mga anak ni Maria Barbara), Johann Christoph Friedrich at Johann Christian (mga anak ni Anna Magdalena). Sa paglipas ng mga taon, lumala ang kalusugan ni Bach. Ang kanyang paningin ay lumala nang husto. Noong unang bahagi ng 1750, sumailalim siya sa dalawang hindi matagumpay na operasyon sa mata, nabulag, at namatay noong Hulyo 28. Si Johann Sebastian Bach ay namuhay ng isang masipag at masipag na buhay, na pinaliwanagan ng napakatalino na malikhaing inspirasyon. Hindi siya nag-iwan ng malaking kayamanan, at namatay si Anna Magdalena makalipas ang sampung taon sa isang charity home para sa mahihirap. At ang bunsong anak na babae ni Bach, si Regina Susanna, na nabuhay hanggang ika-19 na siglo, ay nailigtas mula sa kahirapan sa pamamagitan ng mga pribadong donasyon, kung saan malaki ang naging bahagi ni Beethoven. Pagkamalikhain Ang musika ni Bach ay konektado sa kultura ng kanyang sariling bansa. mga gawa ng parehong Aleman at mga dayuhang kompositor. Sa kanyang trabaho, napakatalino niyang ginawang pangkalahatan at pinayaman ang mga tagumpay ng sining ng musikal sa Europa. hindi lamang ayon sa tungkulin o nakagawiang kaugalian ng isang musikero ng simbahan, ngunit pinainit ng isang taos-pusong relihiyosong damdamin. Puno sila ng pakikiramay sa mga kalungkutan ng tao, na puno ng pag-unawa sa mga kagalakan ng tao. Sa paglipas ng panahon, nalampasan nila ang mga templo at ginawa hindi tumitigil sa labis na pagpapahanga sa mga tagapakinig ng iba't ibang nasyonalidad at relihiyon. Ang mga espirituwal at sekular na komposisyon ni Bach ay magkakaugnay sa isa't isa sa kanilang tunay na sangkatauhan. isang buong mundo ng mga musikal na imahe. Ang hindi maunahang polyphonic na kasanayan ni Bach ay pinayaman ng homophonic-harmonic na paraan. Ang kanyang mga vocal na tema ay organically permeated na may instrumental na mga diskarte sa pag-unlad, at instrumental na mga tema ay madalas na sobrang emosyonal na puspos, na parang may mahalagang bagay na inaawit at binibigkas nang walang mga salita. Toccata at Fugue sa D Minor para sa Organ13 Ang napakasikat na gawaing ito ay nagsisimula sa isang nakababahala ngunit matapang na sigaw ng kalooban. Tatlong beses itong naririnig, bumabagsak mula sa isang oktaba patungo sa isa pa, at humahantong sa isang dumadagundong na chordal na dagundong sa ibabang rehistro. Kaya, sa simula ng toccata, isang madilim na kulay, engrande na espasyo ng tunog ay nakabalangkas. 1 Adagio Mga tanong at gawain 1 . Ano ang hindi pangkaraniwan sa kapalaran ng musika ni Bach? 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa tinubuang-bayan ni Bach, ang kanyang mga ninuno at ang kanyang mga taon ng pagkabata. 3. Kailan at saan nagsimula ang malayang buhay ni Bach? 4. Paano natuloy ang aktibidad ni Bach sa Weimar at paano ito natapos? 5. Sabihin sa amin ang tungkol sa buhay ni Bach sa Köthen at tungkol sa kanyang mga gawa sa mga taong ito. 6. Anong mga instrumento ang tinugtog ni Bach at ano ang paborito niyang instrumento? 7. Bakit nagpasiya si Bach na lumipat sa Leipzig, at anong mga paghihirap ang naranasan niya roon? 8. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga aktibidad ni Bach bilang kompositor at Bach bilang isang performer sa Leipzig. Pangalanan ang mga gawang nilikha niya doon. Ang Toccata (sa Italyano na "toccata" - "touch", "hit" mula sa verb na "toccare" "touch", "touch") ay isang birtuoso na piraso para sa mga instrumentong keyboard. 13 13 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Dagdag pa rito, maririnig ang malalakas na “swirling” virtuoso passage at malalawak na chordal “bursts”. Ilang beses silang pinaghihiwalay ng mga pag-pause at paghinto sa mga pinahabang chord. Ang pagsalungat na ito ng mabilis at mabagal na paggalaw ay nagpapaalala ng maingat na pahinga sa pagitan ng mga labanan na may marahas na elemento. At pagkatapos ng isang libre, improvisationally constructed toccata, isang fugue tunog. Nakatuon ito sa panggagaya na pag-unlad ng isang tema, kung saan pinipigilan ng malakas na kalooban na prinsipyo ang mga elementong pwersa, na parang: 2 Allegro moderato Lumalawak nang malawak, ang fugue ay nagiging coda - ang pangwakas, huling seksyon. Dito muling sumibol ang improvisational na elemento ng toccata. Ngunit sa wakas siya ay napatahimik sa pamamagitan ng panahunan na paulit-ulit na mga pangungusap. At ang mga huling hadlang ng buong gawain ay nakikita bilang isang malupit at marilag na tagumpay ng hindi maiiwasang kalooban ng tao. Ang isang espesyal na grupo ng mga organ works ni Bach ay chorale preludes. Kabilang sa mga ito, ang isang bilang ng mga medyo maliit na piraso ng isang liriko na kalikasan ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na pagpapahayag. Sa kanila, ang tunog ng chorale melody ay pinayayaman ng malayang binuo na kasamang mga tinig. Ganito, halimbawa, ang isa sa mga obra maestra ni Bach, ang chorale prelude sa F minor, ay ipinakita. Ang Clavier music Inventions Bach ay nag-compile ng ilang mga koleksyon ng mga simpleng piraso mula sa mga nilikha niya habang tinuturuan ang kanyang panganay na anak na si Wilhelm Friedemann. Sa isa sa mga koleksyong ito, naglagay siya ng labinlimang two-voice polyphonic na piraso sa labinlimang susi at tinawag itong "mga imbensyon". Isinalin mula sa Latin, ang salitang "imbensyon" ay nangangahulugang "imbensyon", "imbensyon". Ang dalawang bahagi na imbensyon ni Bach, na magagamit para sa pagtatanghal ng mga baguhang musikero, ay talagang kapansin-pansin sa mga tuntunin ng polyphonic na talino sa paglikha at, sa parehong oras, artistikong pagpapahayag. Kaya, ang unang dalawang bahagi na imbensyon sa C major ay ipinanganak mula sa isang maikli, makinis at hindi nagmamadaling tema ng isang mahinahon, makatwirang karakter. Ito ay inaawit sa pamamagitan ng mataas na boses at agad na ginagaya ang _ na inuulit sa isa pang oktaba - ang mas mababang isa: 14 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng Russian art bounce balls. Sa panahon ng pag-uulit (imitasyon) ng itaas, ang tinig ay nagpapatuloy sa melodic na paggalaw. Ito ay kung paano nabuo ang pagsalungat sa tema na tunog sa bass. Dagdag pa, ang pagsalungat na ito - na may parehong melodic pattern - kung minsan ay tumutunog kapag ang tema ay muling lumitaw sa isa o ibang boses (bar 2-3, 7-8, 8-9). Sa ganitong mga kaso, ang pagsalungat ay tinatawag na napanatili (kumpara sa mga hindi nananatili, na binubuo muli sa tuwing ipinakilala ang tema). Tulad ng sa iba pang polyphonic na gawa, may mga seksyon sa imbensyon na ito kung saan ang tema ay hindi tunog sa buong anyo nito, ngunit ang mga indibidwal na pagliko lamang nito ang ginagamit. Ang ganitong mga seksyon ay inilalagay sa pagitan ng mga presentasyon ng paksa at tinatawag na interludes. Ang pangkalahatang kabuuan ng imbensyon sa C ay ibinibigay ng pagbuo batay sa isang tema, na karaniwan para sa polyphonic na musika. Sa gitna ng piraso, ang isang pag-alis mula sa pangunahing susi ay ginawa, at patungo sa dulo ito ay bumalik. Sa pakikinig sa imbensyon na ito, maiisip ng isang mag-aaral na masigasig na inuulit ng dalawang estudyante ang aralin, sinusubukang sabihin sa isa't isa nang mas mahusay, nang may mas malawak na pagpapahayag. Sa bahaging ito, katulad ng istraktura sa pangunahing imbensyon ng C, ang isang espesyal na pamamaraan ay gumaganap ng isang malaking papel. Kasunod ng paunang pagpapakilala ng tema Sa mataas na boses, ginagaya hindi lamang ito ng mababang boses, kundi pati na rin ang pagpapatuloy nito (kontraposisyon). Kaya, sa loob ng ilang panahon, isang tuluy-tuloy na kanonikal at imitasyon, o lycanon, ang bumangon. Kasabay ng dalawang-boses na imbensyon, si Bach ay bumuo ng labinlimang tatlong-boses na polyphonic na piraso sa parehong mga susi. Pinangalanan niya sila! "symphonies" (isinalin mula sa Greek - "consonances"). Para sa mga lumang araw, polyphonic instrumental gumagana ay madalas na tinatawag na gayon. Ngunit nang maglaon ay naging kaugalian na ang tawag sa mga piyesang ito na tatlong bahaging imbensyon. Gumagamit sila ng mas kumplikadong mga pamamaraan ng polyphonic development. Ang pinakakapansin-pansing halimbawa ay ang tatlong bahaging imbensyon sa F minor (ikasiyam). Nagsisimula ito sa sabay-sabay na pagpapakilala ng dalawang magkasalungat na tema. Ang batayan ng isa sa mga ito, na tumutunog sa isang boses ng bass, ay isang sinusukat na panahunan na pagbaba sa mga chromatic semitones. Ang ganitong mga galaw ay madalas sa mga trahedya na arias mula sa mga lumang opera. Ito ay tulad ng isang madilim na tinig ng masamang kapalaran, kapalaran. Ang pangalawang tema sa gitna, ang boses na alto ay nababalot ng malungkot na mga motif-mga buntong-hininga: Sa hinaharap, ang ikatlong tema ay malapit na magkakaugnay sa dalawang temang ito na may mas matalim na pagsusumamo na mga tandang. Hanggang sa pinakadulo ng dula, ang tinig ng masamang kapalaran ay nananatiling hindi maaalis. Ngunit ang mga tinig ng kalungkutan ng tao ay hindi tumitigil. Mayroon silang hindi maaalis na kislap ng pag-asa ng tao. At saglit na tila kumikislap sa huling F major chord. Ang Symphony ni Bach sa B Minor Harpsichord sa Bach House sa Eisenach 15 www.classON.ru Ang Edukasyon ng mga Bata sa Russian Art Sphere (Three-Part Invention No. 15) ay kilala rin sa lyrical penetration nito. Sa paunang salita sa manuskrito ng kanyang mga imbensyon at "symphony", ipinahiwatig ni Bach na dapat silang tumulong sa pagbuo ng isang "paraan ng pag-awit ng pagtugtog." Sa harpsichord, mahirap itong gawin. Samakatuwid, ginusto ni Bach sa bahay, kasama ang mga klase kasama ang mga mag-aaral, na gumamit ng isa pang instrumento na may kuwerdas na keyboard - ang clavichord. Ang mahinang tunog nito ay hindi angkop para sa pagtatanghal ng konsiyerto. Ngunit, tulad ng nabanggit na, hindi katulad ng harpsichord, ang mga string ng clavichord ay hindi pinuputol, ngunit malumanay na naka-clamp sa mga metal plate. Nag-aambag ito sa melodiousness ng tunog at nagbibigay-daan sa iyong gumawa ng mga dynamic na shade. Kaya, parang nakita ni Bach ang mga posibilidad ng malambing at magkakaugnay na boses na humahantong sa piano - isang instrumento na sa kanyang panahon ay hindi pa perpekto sa disenyo. At ang nais na ito ng mahusay na musikero ay dapat tandaan ng lahat ng mga modernong pianista. Ang Courante ay isang triple dance na nagmula sa French. Ngunit para sa French harpsichord chimes, ang ilang maindayog na pagiging sopistikado at ugali ay karaniwan. Ang Courante sa suite ni Bach sa C minor ay katulad ng Italian variety ng dance genre na ito - mas masigla at mobile. Ito ay pinadali ng flexible na kumbinasyon ng dalawang boses na tila nag-uudyok sa isa't isa: "French suite" sa C minor Tatlong koleksyon ng mga clavier suite ni Bach ay may iba't ibang pangalan. Siya mismo ang tumawag sa anim na suite na kasama sa ikatlong koleksyon na "partitas" (ang pangalan ng suite na "partita" ay matatagpuan hindi lamang sa kanya14). At ang iba pang dalawang koleksyon - anim na piraso bawat isa - ay nagsimulang tawaging "French Suites" at "English Suites" pagkatapos ng kamatayan ni Bach, para sa mga kadahilanang hindi eksaktong nilinaw. Ang pangalawa sa "French Suites" ay nakasulat sa susi ng C minor. Ayon sa tradisyon na itinatag sa mga sinaunang suite, naglalaman ito ng apat na pangunahing bahagi - Allemande, Courante, Sarabande at Gigue, pati na rin ang dalawa pang intermedia na bahagi - Aria at Minuet, na ipinasok sa pagitan ng Sarabande at Gigue. Ang Allemande ay isang sayaw na nabuo noong XVI-XVII na siglo sa ilang mga bansa sa Europa - England, Netherlands, Germany, France at Italy. Kaya, halimbawa, ang matandang German allemande ay medyo mabigat na sayaw ng grupo. Ngunit, sa pagpasok sa mga clavier suite, noong ika-18 siglo ang allemande ay halos nawala ang mga tampok na sayaw nito. Mula sa kanyang "mga ninuno" siya ay napanatili lamang ang isang nakakarelaks na tahimik na lakad na may sukat na apat o dalawang quarters. Sa kalaunan ay naging isang maluwag na itinayong prelude. Mukhang isang thoughtful lyrical prelude at Allemande mula sa suite ni Bach sa C minor. Dito, kadalasan, tatlong boses ang nangunguna sa kanilang mga linya. Ngunit kung minsan ang ikaapat na boses ay konektado sa kanila. Kasabay nito, ang pinaka melodic na boses ay ang itaas: Ang Sarabande ay isang tatlong bahagi na sayaw na Espanyol. Minsan ito ay mabilis, mainitin ang ulo, at nang maglaon ay naging mabagal, solemne, madalas na malapit sa isang prusisyon ng libing. Ang sarabande mula sa Bach suite ay nasa edad na mula simula hanggang dulo sa isang tatlong bahagi na bodega. Ang paggalaw ng gitna at mababang mga boses ay palaging mahigpit, puro (quarters at eighths nangingibabaw). At ang paggalaw ng mas mataas na boses ay mas libre at mobile, napaka nagpapahayag. Ang panlabing-anim na tala ay nananaig dito, ang mga paggalaw sa malalawak na pagitan (ikalima, ikaanim, ikapito) ay madalas na matatagpuan. Kaya, nabuo ang dalawang magkakaibang mga layer ng musikal na pagtatanghal, nalikha ang isang liriko na matinding tunog15: "Nahati sa mga bahagi" - ang salitang "partita" ay isinalin mula sa Italyano (mula sa pandiwa na "partire" - "to divide"). Sa sarabande, ang nangungunang itaas na boses ay hindi gaanong kaibahan sa iba, ngunit kinukumpleto ng mga ito. 14 15 16 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Ruso Prelude at Fugue sa C Minor mula sa unang volume ng The Well-Tempered Clavier Prelude at Fugue sa C Major, Prelude at Fugue sa C Minor, Prelude at Fugue sa C Sharp Major, Prelude at Fugue C-sharp minor - at iba pa sa lahat ng labindalawang semitone na kasama sa octave. Ang resulta ay isang kabuuang 24 na dalawang bahagi na "prelude at fugue" na mga cycle sa lahat ng major at minor key. Ito ay kung paano ang parehong mga volume (sa kabuuan - 48 preludes at fugues) ng Bach's Well-Tempered Clavier ay binuo. Ang engrandeng gawaing ito ay kinikilala bilang isa sa pinakadakila sa sining ng musikal sa mundo. Ang mga prelude at fugues mula sa dalawang volume na ito ay kasama sa pagsasanay at concert repertoire ng lahat ng mga propesyonal na pianista. Sa panahon ni Bach, sa pag-tune ng mga instrumento sa keyboard, unti-unting naitatag ang pare-parehong ugali - hinahati ang octave sa labindalawang pantay na semitone. Noong nakaraan, ang sistema ng pagpapasadya ay mas kumplikado. Sa kanya, sa mga susi na may higit sa tatlo o apat na character, ang ilang mga pagitan at chord ay tumunog na wala sa tono. Samakatuwid, iniwasan ng mga kompositor ang paggamit ng mga naturang key. Si Bach ang unang mahusay na nagpatunay sa The Well-Tempered Clavier na may pantay na ugali, lahat ng 24 na susi ay magagamit nang may pantay na tagumpay. Nagbukas ito ng mga bagong abot-tanaw para sa mga kompositor, na nagdaragdag, halimbawa, ang kakayahang gumawa ng mga modulasyon (transisyon) mula sa isang susi patungo sa isa pa. Sa Well-Tempered Clavier, itinatag ni Bach ang uri ng two-movement cycle na "prelude and fugue". Ang prelude ay malayang binuo. Sa loob nito, ang isang makabuluhang papel ay maaaring kabilang sa homophonic-harmonic warehouse at improvisation. Lumilikha ito ng kaibahan sa fugue bilang isang mahigpit na polyphonic na gawain. Kasabay nito, ang mga bahagi ng "prelude and fugue" cycle ay pinagsama hindi lamang ng isang karaniwang tonality. Sa pagitan nila, sa bawat kaso, ang mga banayad na panloob na koneksyon ay ipinakita sa kanilang sariling paraan. Ang mga karaniwang tipikal na tampok na ito ay maaaring masubaybayan sa Prelude at Fugue sa C minor mula sa unang volume ng The Well-Tempered Clavier. Ang prelude ay binubuo ng dalawang pangunahing seksyon. Ang mas maluwang na una ay ganap na napuno ng isang mabilis na unipormeng paggalaw ng panlabing-anim sa magkabilang kamay. Ito ay puspos mula sa loob na may nagpapahayag na melodic at harmonic na mga elemento. Tila, nalilimitahan ng mga dalampasigan, ang isang hindi mapakali na batis ay umuusok: Ang Gigue ay isang matulin, masiglang sayaw, na nagmula sa Ireland at England16. Noong unang panahon, mahilig sumayaw ng jig ang mga English sailors. Sa mga suite, ang gigue ay karaniwang ang pangwakas, huling paggalaw. Sa kanyang C minor na Giguet, madalas na ginagamit ni Bach ang pamamaraan ng canonical imitation sa pagitan ng dalawang boses (tulad ng sa Invention sa F major). Ang pagtatanghal ng piyesang ito ay tinatakpan ng isang "bounce" na tuldok na ritmo: Kung ikukumpara sa kaibahan ng Allemande at Courante, ang kaibahan sa pagitan ng Sarabande at Gigue ay mas matalas. Ngunit ito ay pinalambot ng dalawang karagdagang bahagi na ipinasok sa pagitan nila. Ang bahaging tinatawag na "Aria" ay hindi katulad ng isang solo vocal number sa isang opera, ngunit parang isang mahinahon, mapanlikhang kanta. Ang susunod na Minuet ay isang sayaw na Pranses na pinagsasama ang kadaliang kumilos at biyaya. Kaya sa suite na ito, na may isang pangkalahatang tonality, ang lahat ng mga bahagi ay naiiba kung ihahambing sa mga matalinghagang termino. Ang mga sukat ng jig ay higit sa lahat ay three-way. Sa siglo XVIII ito ay higit sa lahat 3/8, 6/8, 9/8, 12/8. 16 17 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia sa katamtamang boses, isang malinaw, naka-emboss, natatandaang tema na may nababanat na ritmo ng sayaw: 11 Moderato Ang energetic na pagtitiyaga ay pinagsama sa tema na may biyaya, tusong kapilyuhan. sa pamamagitan ng malakas na kalooban na pagtitimpi. Nagbibigay ito ng mga pagkakataon para sa higit pang magkakaibang at dinamikong pag-unlad. Sa simula ng pag-unlad, ang tema ay magaan - ang tanging oras na ito ay ginanap sa isang pangunahing key (E-flat major). Sa muling pagbabalik, sa tatlong pangunahing mga sipi ng tema sa pangunahing susi (C minor), ang pangalawa, sa bass, ay nakakakuha ng napakalakas na saklaw na ginagawa nitong maalala ang nagngangalit na natural na puwersa sa prelude. At isa pa, ang huling pagpapatupad ng fugue theme ay nagtatapos sa isang enlightened house major chord. Sa ganoong pagkakatulad sa pagitan ng mga pagtatapos ng prelude at fugue, ang isang panloob na emosyonal na relasyon ng magkakaibang mga bahagi ng cycle ay ipinahayag. Ang pagkakaroon ng naipon na malakas na enerhiya, ang daloy na ito sa dulo ng unang seksyon, tulad ng, ay umaapaw sa gilid at sa simula ng susunod na seksyon ito ay nagiging mas mapusok, na nagbabanta na tangayin ang lahat ng bagay sa landas nito. Ang kasukdulan ng prelude na ito ay minarkahan ng pagbabago sa tempo sa pinakamabilis (Pgesto) at ang paggamit ng polyphonic device - isang two-voice canon. Ngunit ang nagngangalit na mga elemento ay biglang natigil sa pamamagitan ng mapang-akit na mga stroke ng mga chord at makabuluhang mga parirala ng recitative. Narito ang pangalawang pagbabago ng bilis - sa pinakamabagal na isa (Adagio). At pagkatapos ng ikatlong pagbabago ng tempo sa isang moderately fast A11eggo sa mga huling bar ng prelude, ang tonic organ point sa bass ay unti-unting nagpapabagal sa paggalaw ng mga panlabing-anim sa kanang kamay. Ito ay mahinang kumakalat at nagyeyelo sa isang C major chord. May kapayapaan, katahimikan. Pagkatapos ng tulad ng isang libre, improvisational na pagkumpleto ng prelude, ang atensyon ay lumipat sa ibang, contrasting plane. Magsisimula ang isang three-voice fugue. Ang salitang ito sa Latin at Italyano ay nangangahulugang "tumatakbo", "paglipad", "mabilis na agos". Sa musika, ang fugue ay isang kumplikadong polyphonic work, kung saan ang mga boses ay tila umaalingawngaw, nakakakuha sa isa't isa. Karamihan sa mga fugue ay batay sa isang tema. Hindi gaanong karaniwan ang mga fugue na may dalawa, kahit na mas bihira na may tatlo o apat na tema. At ayon sa bilang ng mga boses, ang mga fugue ay dalawa, tatlo, apat at limang bahagi. Ang mga single-dark fugue ay nagsisimula sa isang pagtatanghal ng tema sa pangunahing key sa alinmang boses. Ang tema ay pagkatapos ay ginaya ng halili sa iba pang mga boses. Ito ay kung paano nabuo ang unang seksyon ng fugue, ang paglalahad. Sa pangalawang seksyon - pag-unlad - ang tema ay lilitaw lamang sa iba pang mga susi. At sa pangatlo, huling seksyon - ang reprise9 - muli itong isinasagawa sa pangunahing susi, ngunit hindi na ito ipinakita sa isang boses. Ang paglalahad dito ay tiyak na hindi nauulit. Sa fugues, ang mga napanatili na counterposition at interludes ay malawakang ginagamit. Ang C-minor fugue ni Bach, na pinag-uusapan, ay nagsisimula, na lumilitaw sa Fugue - ang pinakamataas na anyo ng polyphonic na musika - ay umabot na sa ganap na kapanahunan at ang pinakamaliwanag na pamumulaklak sa gawa ni Bach. Ang sikat na kompositor at pianista ng Russia noong ika-19 na siglo, si Anton Grigoryevich Rubinshtein, sa kanyang aklat na "Music and Its Representatives", ay sumulat, na hinahangaan ang "Well-Tempered Clavier", na ang isang tao ay makakahanap doon ng "mga fugues ng relihiyoso, kabayanihan, mapanglaw, marilag, malungkot, nakakatawa, pastoral, dramatikong katangian; sa isang bagay silang lahat ay magkatulad - sa kagandahan ... "Ang edad ni Johann Sebastian Bach ay ang mahusay na kompositor ng Aleman na si Georg Friedrich Handel (1685-1759) - isang kahanga-hangang master ng polyphony, isang birtuoso na organista. Iba ang kanyang kapalaran. Ginugol niya ang halos lahat ng kanyang buhay sa labas ng Germany, lumipat mula sa isang bansa patungo sa isa pa (siya ay nanirahan sa England nang ilang dekada). 18 www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia na si Handel ay ang may-akda ng maraming mga opera, oratorio, iba't ibang mga instrumental na gawa. Pagbuo ng istilong klasikal sa musika Mga tanong at gawain 1 . Ano ang pagkakatulad ng espirituwal at sekular na mga gawa ni Bach? 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa matalinghagang katangian ng Toccata at Fugue sa D minor para sa organ. 3. Awitin ang mga tema ng mga imbensyon ni Bach na alam mo. Ano ang pagsalungat kapag ito ay tinatawag na pinigil? 4. Ano ang interlude sa isang polyphonic work? Aling imitasyon ang tinatawag na canonical o canon? 5. Pangalanan at ilarawan ang mga pangunahing bahagi ng "French Suite" sa C minor. 6. Paano binuo ang Well-Tempered Clavier ni Bach? 7. Ano ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng prelude at fugue? Ipakita ito sa halimbawa ng Prelude at Fugue sa C minor mula sa unang tomo ng The Well-Tempered Clavier. May pagkakatulad din ba sila? Ang musikal na teatro noong ika-18 siglo, lalo na ang gitna at ikalawang kalahati nito, ay isang panahon ng malaking pagbabago sa lahat ng larangan ng sining ng musikal sa Europa. Sa pagsisimula ng siglong ito, dalawang genre ang unti-unting umusbong sa Italian opera - opera seria (seryoso) at opera buffa (comic). Ang mga mitolohiya at makasaysayang plot ay nanaig pa rin sa mga seria opera, kung saan lumitaw ang mga tinatawag na "mataas" na bayani - mga diyos na mitolohiya, mga hari ng sinaunang estado, mga maalamat na kumander. At sa mga buffa opera, ang mga plot ay naging pangunahin nang modernong araw-araw. Ang mga bayani dito ay mga ordinaryong tao na masigla at makatotohanang kumilos. Ang The Servant Lady ni Giovanni Battista Pergolesi ni Giovanni Battista Pergolesi, na lumabas sa publiko noong 1733 sa Naples, ay ang unang kapansin-pansing halimbawa ng isang opera buffa. Ang pangunahing tauhang babae, ang masiglang katulong na si Serpina, ay maingat na pinakasalan ang kanyang masungit na amo na si Uberto at naging mistress mismo. Tulad ng maraming sinaunang Italian buffa opera, ang The Servant Madam ay orihinal na gumanap bilang isang stage interlude sa panahon ng intermissions sa pagitan ng mga acts ng opera seria ni Pergolesi na The Proud Prisoner (tandaan na ang salitang "interlude" ay Latin sa pinagmulan at nangangahulugang "interaksyon"). Di-nagtagal, ang Servant-Madam ay nakakuha ng malaking katanyagan sa maraming bansa bilang isang malayang gawain. Ang comic opera ay isinilang sa France noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Ito ay nagmula sa masayahin, nakakatawang pagtatanghal ng komedya na may musikang ibinibigay sa mga sinehan sa Parisian fairs. At upang maging isang comic opera, kung saan ang mga vocal number ang naging pangunahing katangian ng mga character, ang halimbawa ng Italian buffa opera ay nakatulong sa French fair comedies. Para sa pagtatanghal na ito sa Paris, ang opera troupe ng mga Italyano na "buffon" ay may makabuluhang kahalagahan, nang ang kabisera ng France ay literal na nabighani ng "Servant Madam" ni Pergolesi. Hindi tulad ng Italian opera buffa, sa French comic opera, ang mga ariose number ay kahalili hindi sa mga recitatives, ngunit sa mga conversational dialogues. Ang Singspire ay binuo din - isang German at Austrian na iba't ibang comic opera, na lumitaw sa pangalawa. Pangunahing mga gawa Vocal at instrumental na mga gawa "Passion ayon kay John", "Passion ayon kay Matthew" Mass sa B minor Sacred cantatas (mga 200 ang nakaligtas ) at sekular na cantatas (nakaligtas sa mahigit 20) Orchestral works 4 suites (“overtures”) 6 “Brandenburg Concertos” Concertos para sa solong instrumento na may chamber orchestra 7 concerto para sa harpsichord 3 concerto para sa dalawa, 2 para sa tatlong harpsichord 2 concerto para sa violin Concerto para sa dalawa violin Gumagana para sa mga instrumentong nakayuko 3 sonata at 3 partita para sa violin solo 6 sonata para sa violin at harpsichord 6 na suite (“sonatas”) para sa cello solo Mga gawa ng organ 70 choral preludes Preludes at fugues Toccata at fugue sa D minor Passacaglia sa C minor Keyboard works Collection “Little Preludes and Fugues” 15 two-part inventions at 15 three-part inventions (“symphony”) 48 preludes and fugues of the Well-Tempered Clavier 6 “French at 6 na "English" na suite 6 na suite (partite) "Italian Concerto" para sa solong harpsichord na "Chromatic fantasy at fugue" "The Art of Fugue" 19 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia sa kalagitnaan ng XVIII siglo17. Ang musikal na wika ng lahat ng uri ng comic opera ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malapit na koneksyon sa katutubong kanta at sayaw melodies. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, ang mga seryosong genre ng opera ay radikal na binago ng mahusay na kompositor ng Aleman na si Christoph Willibald Gluck (1714-1787). Isinulat niya ang kanyang unang repormistang opera, si Orpheus at Eurydice (1762), batay sa kuwento ng maalamat na sinaunang mang-aawit na Griyego, na paulit-ulit na ginagamit sa mga opera mula noong una (ito ay tinalakay sa Panimula). Sinundan ni Gluck ang isang mahirap na landas sa kanyang reporma sa opera. Nagkataon na binisita niya ang maraming bansa sa Europa - Alemanya, Austria, Denmark, pati na rin sa Czech Republic na pinaninirahan ng mga Slav, kasama ang Italya - sa England. Bago manirahan nang matatag sa Vienna, itinanghal ni Gluck ang 17 ng kanyang serye ng opera sa mga yugto ng mga sinehan sa Milan, Venice, Naples, London, Copenhagen, Prague at iba pang mga lungsod. Ang mga opera ng genre na ito ay ginanap sa mga teatro ng korte ng maraming mga bansa sa Europa. Ang pagbubukod ay ang France. Doon, sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, nagpatuloy sila sa pagbuo at pagtanghal ng mga seryosong opera sa tradisyonal na istilong Pranses lamang. Ngunit maingat na pinag-aralan ni Gluck ang mga marka ng opera ng mga sikat na kompositor na Pranses na sina Jean-Baptiste Lully at Jean-Philippe Rameau. Bilang karagdagan, sumulat si Gluck at matagumpay na itinanghal sa Vienna ang walong mga gawa sa bagong genre ng French comic opera. Walang alinlangan na pamilyar siya sa mga Italian buffa opera, sa German at Austrian singspiel. Ang lahat ng kaalamang ito ay nagbigay-daan kay Gluck na determinadong i-renew ang lumang mga prinsipyo ng komposisyon para sa mga seryosong opera. Sa kanyang mga repormistang opera, unang itinanghal sa Vienna at pagkatapos ay sa Paris, sinimulan ni Gluck na ihatid ang emosyonal na mga karanasan ng mga karakter na may higit na higit na katapatan at dramatikong intensity, pagiging epektibo. Tumanggi siyang mag-pile up ng mga birtuoso na sipi sa arias, at pinalaki ang pagpapahayag ng mga recitatives. Ang kanyang mga opera ay naging mas may layunin sa mga tuntunin ng pag-unlad ng musika at entablado, at mas maayos sa komposisyon. Kaya, sa wikang musikal at sa pagtatayo ng mga bagong komiks at binagong seryosong mga opera, natukoy ang mahahalagang katangian ng bago, klasikal na istilo - ang aktibong pagiging epektibo ng pag-unlad, pagiging simple at kalinawan ng mga paraan ng pagpapahayag, pagkakatugma ng komposisyon, at pangkalahatang marangal. at kahanga-hangang katangian ng musika. Ang istilong ito ay unti-unting nabuo sa musikang Europeo noong ika-18 siglo, na hinog noong 1770-1780 at nangibabaw hanggang sa kalagitnaan ng ikalawang dekada ng ika-19 na siglo. Dapat pansinin na ang kahulugan ng "klasiko" ay maaaring magkaroon ng isa pa, mas malawak na kahulugan. Ang "Classic" (o "classic") ay tinatawag ding musikal at iba pang mga gawa ng sining na kinikilala bilang kapuri-puri, perpekto, hindi maunahan - anuman ang oras ng kanilang paglikha. Sa ganitong diwa, ang masa ng ika-16 na siglong Italyano na kompositor na si Palestrina, ang mga opera ni Prokofiev, at ang mga symphony ni Shostakovich, ang mga kompositor ng Russia noong ika-20 siglo, ay matatawag na klasikal, o mga klasiko. Instrumental Music Sa parehong malawak na internasyonal na batayan bilang operatikong reporma ni Gluck, noong ika-18 siglo nagkaroon ng masinsinang pag-unlad ng instrumental na musika. Isinagawa ito sa pamamagitan ng magkasanib na pagsisikap ng mga kompositor mula sa maraming bansang Europeo. Umaasa sa kanta at sayaw, pagbuo ng klasikal na kalinawan at dynamism ng musikal na wika, unti-unti silang nakabuo ng mga bagong genre ng cyclic instrumental na gawa - tulad ng classical symphony, classical sonata, classical string quartet. Ang anyo ng sonata ay may malaking kahalagahan sa kanila. Samakatuwid, ang mga instrumental cycle ay tinatawag na sonata o sonata-symphony. anyong sonata. Alam mo na na ang pinakamataas na anyo ng polyphonic music ay ang fugue. At ang anyo ng sonata ay ang pinakamataas na anyo ng homophonic harmonic music, kung saan minsan lang ang polyphonic techniques ang maaaring gamitin. Sa kanilang pagtatayo, ang dalawang anyo na ito ay magkatulad sa isa't isa. Tulad ng fugue, mayroong tatlong pangunahing seksyon sa anyong sonata: paglalahad, pag-unlad, at paglalagom. Ngunit mayroon ding mga makabuluhang pagkakaiba sa pagitan nila. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng anyo ng sonata at ng fugue ay agad na lumilitaw sa eksposisyon 18. Ang karamihan ng mga fugue ay ganap na binuo sa isang tema, na isinasagawa nang salit-salit sa bawat paglalahad. Ang salitang Aleman na ito ay nagmula sa "singen" ("kumanta") at “Spiel” (“laro”) . 18 Ang salita ay nagmula sa Latin, ibig sabihin ay "pagtatanghal", "palabas". 20 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa boses ng Russia. At sa paglalahad ng anyo ng sonata, bilang panuntunan, lumilitaw ang dalawang pangunahing tema, higit pa o hindi gaanong naiiba sa karakter. Una, ang tema ng pangunahing bahagi ay tumutunog, sa kalaunan ay lilitaw ang tema ng gilid na bahagi. Ngunit sa anumang kaso dapat mong maunawaan ang kahulugan ng "panig" bilang "pangalawang". Para sa katunayan ang tema ng bahaging bahagi ay gumaganap ng hindi gaanong mahalagang papel sa anyo ng sonata kaysa sa tema ng pangunahing bahagi. Ang salitang "pangalawang" ay ginagamit dito dahil, hindi tulad ng una, ito ay kinakailangang tunog sa paglalahad hindi sa pangunahing susi, ngunit sa isa pa, iyon ay, na parang nasa pangalawang isa. Sa klasikal na musika, kung ang pangunahing bahagi sa paglalahad ay mayor, ang panig na bahagi ay nakasaad sa susi ng nangingibabaw (halimbawa, kung ang susi ng pangunahing bahagi ay C major, kung gayon ang susi ng gilid na bahagi ay G major). Kung ang pangunahing bahagi sa paglalahad ay nasa minor key, kung gayon ang bahaging bahagi ay nakasaad sa parallel major (halimbawa, kung ang susi ng pangunahing bahagi ay C minor, kung gayon ang susi ng gilid na bahagi ay E-flat major). Ang alinman sa isang maliit na bundle o isang connecting batch ay inilalagay sa pagitan ng pangunahing at panig na partido. Ang isang independiyenteng, melodiically embossed na tema ay maaari ding lumitaw dito, ngunit mas madalas ang mga intonasyon ng tema ng pangunahing bahagi ay ginagamit. Ang bahagi ng pagkonekta ay kumikilos bilang isang paglipat sa gilid na bahagi, ito ay nagbabago sa susi ng bahaging bahagi. Kaya, ang katatagan ng tonal ay nilabag. Ang bulung-bulungan ay nagsimulang asahan ang pagsisimula ng ilang bagong "pangmusika na kaganapan". Ito pala ay ang hitsura ng tema ng isang side party. Minsan ang paglalahad ay maaaring unahan ng isang pagpapakilala. At pagkatapos ng isang gilid na bahagi, alinman sa isang maliit na konklusyon ay tunog, o isang buong huling bahagi, madalas na may isang independiyenteng tema. Ganito nagtatapos ang paglalahad, inaayos ang tono ng gilid na bahagi. Sa direksyon ng kompositor, ang buong paglalahad ay maaaring ulitin. Development - ang pangalawang seksyon ng sonata form. Sa loob nito, lumalabas ang mga paksang pamilyar sa eksposisyon sa mga bagong bersyon, kahalili sa iba't ibang paraan, at inihahambing. Ang ganitong pakikipag-ugnayan ay kadalasang nagsasangkot ng hindi buong tema, ngunit ang mga motif at parirala na nakahiwalay sa kanila. Iyon ay, ang mga paksa sa pag-unlad ay, parang, nahahati sa magkakahiwalay na mga elemento, na nagpapakita ng enerhiya na nakapaloob sa kanila. Sa kasong ito, mayroong madalas na pagbabago ng mga susi (ang pangunahing susi ay bihirang maapektuhan dito at hindi nang matagal). Lumilitaw sa iba't ibang mga susi, ang mga tema at ang kanilang mga elemento ay tila nag-iilaw sa isang bagong paraan, na ipinapakita mula sa mga bagong punto ng view. Matapos ang pag-unlad sa pag-unlad ay umabot sa isang makabuluhang pag-igting sa kasukdulan, ang kurso nito ay nagbabago ng direksyon. Sa dulo ng seksyong ito, ang isang pagbabalik sa pangunahing susi ay inihahanda, mayroong isang pagliko sa muling pagbabalik. Ang reprise ay ang ikatlong seksyon ng sonata form. Nagsisimula ito sa pagbabalik ng pangunahing bahagi sa pangunahing susi. Ang bahagi ng pagkonekta ay hindi humahantong sa isang bagong susi. Sa kabaligtaran, inaayos nito ang pangunahing susi, kung saan ang pangalawang at panghuling bahagi ay paulit-ulit na ngayon. Kaya't ang reprise, kasama ang tonal stability, ay nagbabalanse sa hindi matatag na kalikasan ng pag-unlad at nagbibigay sa kabuuan ng klasikal na pagkakatugma. Ang reprise kung minsan ay maaaring dagdagan ng isang pangwakas na konstruksyon - isang coda (nagmula sa salitang Latin na nangangahulugang "buntot"). Kaya, kapag tumunog ang isang fugue, ang ating atensyon ay nakatuon sa pakikinig, pag-iisip at pakiramdam sa isang musikal na kaisipan, na kinakatawan ng isang tema. Kapag ang isang akda ay narinig sa anyong sonata, ang ating pandinig ay sumusunod sa paghahambing at pakikipag-ugnayan ng dalawang pangunahing (at komplementaryong) tema - na parang sumusunod sa pagbuo ng iba't ibang mga kaganapang pangmusika, aksyong musikal. Ito ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga artistikong posibilidad ng dalawang musical form na ito. Ikot ng klasikal na sonata (sonata-symphony). Humigit-kumulang sa huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo, ang klasikal na sonata cycle sa wakas ay nabuo sa musika. Noong nakaraan, ang mga instrumental na gawa ay pinangungunahan ng anyo ng suite, kung saan ang mabagal at mabilis na mga bahagi ay nagsalitan, at ang anyo ng lumang sonata na malapit dito. Ngayon, sa klasikal na sonata cycle, ang bilang ng mga bahagi (karaniwang tatlo o apat) ay tiyak na natukoy, ngunit ang kanilang nilalaman ay naging mas kumplikado. Ang unang paggalaw ay karaniwang nakasulat sa sonata form, na tinalakay sa nakaraang talata. Mabilis o katamtamang bilis ang kanyang paglalakad. Kadalasan ito ay A11eggo. Samakatuwid, ang naturang paggalaw ay karaniwang tinatawag na sonata allegro. Ang musika sa loob nito ay kadalasang may masigla, mabisang karakter, kadalasang panahunan, dramatiko. Ang pangalawang kilusan ay palaging kaibahan sa una sa tempo at pangkalahatang karakter. Kadalasan ito ay mabagal, ang pinaka liriko at malambing. Ngunit maaari rin itong maging iba, halimbawa, katulad ng isang mabagal na pagsasalaysay o sayaw-kaaya-aya. Sa isang tatlong bahaging ikot, ang huli, ikatlong bahagi, ang pangwakas ay muling mabilis, kadalasang mas mabilis, ngunit hindi gaanong panloob na intense sa pag-unlad kumpara sa una. Ang mga finale ng classical sonata cycles (lalo na ang mga symphony) ay kadalasang nagpinta ng mga larawan ng masikip na kasiyahan sa kasiyahan, at ang kanilang mga tema ay malapit sa mga katutubong kanta at sayaw. Sa kasong ito, ang anyo ng rondo ay kadalasang ginagamit (mula sa Pranses na "ronde" - "bilog"). Tulad ng alam mo, ang unang seksyon dito (refrain) ay paulit-ulit na ilang beses, alternating sa mga bagong seksyon (episodes). 21 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ang kanyang unang opera? 3. Sa anong oras naging mature ang istilong klasiko at hanggang anong oras nangibabaw ang istilong klasiko sa musika? Ipaliwanag ang pagkakaiba sa pagitan ng dalawang kahulugan ng "klasiko". 4. Ano ang pagkakatulad sa pangkalahatang pagbuo ng fugue at sonata form? At ano ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan nila? 5. Pangalanan ang pangunahin at karagdagang mga seksyon ng anyong sonata. Iguhit ang kanyang diagram. 6. Paano nagkakaugnay ang mga pangunahin at gilid na bahagi ng sonata sa bawat isa sa paglalahad nito at sa muling paglalahad nito? 7. Ano ang tipikal para sa pag-unlad sa anyong sonata? 8. Ilarawan ang mga bahagi ng classical sonata cycle. 9. Pangalanan ang mga pangunahing uri ng classical sonata cycles depende sa komposisyon ng mga gumaganap. Ang lahat ng ito ay nagpapakilala sa maraming finals ng apat na bahagi na cycle. Ngunit sa kanila, sa pagitan ng mga matinding bahagi (una at ikaapat), dalawang gitnang bahagi ang inilalagay. Ang isa - mabagal - sa isang symphony ay karaniwang ang pangalawa, at sa quartet - ang pangatlo. Ang pangatlong paggalaw ng mga klasikal na symphony noong ika-18 siglo ay ang Minuet, na pumapangalawa sa quartet. Kaya, binanggit namin ang mga salitang "sonata", "quartet", "symphony". Ang pagkakaiba sa pagitan ng mga cycle na ito ay depende sa komposisyon ng mga gumaganap. Ang isang espesyal na lugar ay kabilang sa symphony - isang gawa para sa orkestra, na idinisenyo upang tumunog sa isang malaking silid sa harap ng maraming tagapakinig. Sa ganitong diwa, ang konsiyerto ay malapit sa symphony - isang komposisyon na may tatlong paggalaw para sa isang solong instrumento na may saliw ng orkestra. Ang pinakakaraniwang chamber instrumental cycle ay sonata (para sa isa o dalawang instrumento), trio (para sa tatlong instrumento), quartet (para sa apat na instrumento), quintet (para sa limang instrumento)19. Ang sonata form at ang sonata-symphony cycle, tulad ng buong klasikal na istilo sa musika, ay nabuo noong ika-18 siglo, na tinatawag na "panahon ng Enlightenment" (o "the Age of Enlightenment"), gayundin ang "age of Enlightenment". ng Dahilan”. Sa siglong ito, lalo na sa ikalawang kalahati nito, ang mga kinatawan ng tinatawag na "third estate" ay hinirang sa maraming bansa sa Europa. Ang mga ito ay mga taong walang mga titulo ng maharlika o espirituwal na mga titulo. Utang nila ang kanilang tagumpay sa kanilang sariling trabaho at inisyatiba. Ipinahayag nila ang perpekto ng "likas na tao", na pinagkalooban ng malikhaing enerhiya, maliwanag na pag-iisip at malalim na damdamin ng kalikasan mismo. Ang optimistikong demokratikong ideal na ito ay naipakita sa sarili nitong paraan ng musika at iba pang anyo ng sining at panitikan. Halimbawa, ang tagumpay ng isip ng tao at walang kapagurang mga kamay sa simula ng Enlightenment ay niluwalhati ng sikat na nobela ng Ingles na manunulat na si Daniel Defoe, na inilathala noong 1719, The Life and Amazing Adventures of Robinson Crusoe. Joseph Haydn 1732-1809 Ang klasikal na istilo ng musika ay umabot sa kapanahunan at yumayabong sa mga gawa nina Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven. Ang buhay at trabaho ng bawat isa sa kanila ay gumugol ng mahabang panahon sa Vienna, ang kabisera ng Austria. Samakatuwid, ang Haydn, Mozart at Beethoven ay tinatawag na mga klasikong Viennese. Ang Austria ay isang multinasyunal na imperyo. Dito, kasama ang mga Austrian, na ang katutubong wika ay Aleman, ay nanirahan sa mga Hungarian at iba't ibang mga Slavic na tao, kabilang ang mga Czech, Serbs, Croats. Ang kanilang mga awit at Mga Tanong at takdang-aralin 1 . Pangalanan ang mga pambansang uri ng comic opera noong ika-18 siglo. Ano ang pagkakaiba sa pagitan ng pagtatayo ng Italian buffa opera at ng pagtatayo ng French comic opera? 2. Sa anong mga bansa at lungsod konektado ang aktibidad ng dakilang operatic reformer na si Christoph Willibald Gluck? Sa anong plot niya isinulat Ang mga pangalan ng iba pang mga chamber-ensemble instrumental cycles - sextet (6), septet (7), octet (8), nonet (9), decimet (10). Ang kahulugan ng "chamber music" ay mula sa salitang Italyano na "camera" - "kuwarto". Para sa hanggang sa ika-19 na siglo, ang mga komposisyon para sa ilang mga instrumento ay madalas na ginanap sa bahay, iyon ay, sila ay naiintindihan bilang "musika sa silid". 19 22 www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng Russian art dance melodies ay maririnig sa mga nayon at sa mga lungsod. Sa Vienna, ang katutubong musika ay tumunog sa lahat ng dako - sa gitna at sa labas, sa mga intersection ng kalye, sa mga pampublikong hardin at parke, sa mga restawran at pub, sa mayaman at mahirap na mga pribadong bahay. Ang Vienna ay isa ring pangunahing sentro ng propesyonal na kulturang musikal na nakasentro sa korte ng imperyal, mga kapilya ng maharlika 1 at mga maharlikang salon, katedral at simbahan. Ang Italian opera seria ay matagal nang nilinang sa Austrian capital; dito, tulad ng nabanggit na, sinimulan ni Gluck ang kanyang operatic reform. Sagana sa musika ang mga kasiyahan sa korte. Ngunit ang mga Viennese ay kusang-loob na dumalo sa masayang pagtatanghal ng komedya na may musika, kung saan ipinanganak ang mga singshpil, at sila ay mahilig sa pagsasayaw. Sa tatlong magagandang musikal na klasiko ng Vienna, si Haydn ang pinakamatanda. Siya ay 24 noong ipinanganak si Mozart at 38 noong ipinanganak si Beethoven. Nabuhay si Haydn ng mahabang buhay. Nakaligtas siya kay Mozart, na namatay nang maaga, sa halos dalawang dekada at nabubuhay pa noong nagawa na ni Beethoven ang karamihan sa kanyang mga mature na gawa. Para sa pribadong teatro ng prinsipe, sumulat siya ng higit sa dalawang dosenang opera sa mga genre ng seria, buffa, gayundin ng ilang "papet" na opera para sa mga pagtatanghal na ginagampanan ng mga papet. Ngunit ang lugar ng kanyang pangunahing mga malikhaing interes at tagumpay ay symphonic at chamber2 instrumental music. Sa kabuuan ito ay higit sa 800 komposisyon3. Kabilang sa mga ito, higit sa 100 symphony, higit sa 80 string quartets at higit sa 60 clavier sonatas ay lalong makabuluhan. Sa kanilang mga mature na sample na may pinakadakilang pagkakumpleto, liwanag at pagka-orihinal, ang optimistikong pananaw sa mundo ng mahusay na kompositor ng Austrian ay ipinahayag. Minsan lang ang maliwanag na ugali na ito ay ibinubunga ng isang mas madilim na kalagayan. Palagi silang dinadaig ng hindi mauubos na pag-ibig sa buhay ni Haydn, matalas na pagmamasid, masayang katatawanan, simple, malusog at kasabay ng mala-tula na pang-unawa sa nakapaligid na katotohanan. Landas ng buhay Maagang pagkabata. Rorau at Hainaburg. Si Franz Joseph Haydn ay ipinanganak noong 1732 sa nayon ng Rorau, na matatagpuan sa silangang Austria, malapit sa hangganan ng Hungarian at hindi kalayuan sa Vienna. Ang ama ni Hayd ay isang bihasang coachmaker, ang kanyang ina ay nagsilbi bilang isang cook sa estate ng count, ang may-ari ng Rorau. Ang kanyang panganay na anak na si Josef, na magiliw na tinawag na Zepperl sa pamilya, maagang nagsimulang sanayin siya ng mga magulang sa pagsusumikap, katumpakan, kalinisan. Ang ama ni Hayd ay hindi man lang marunong sa musika, ngunit mahilig siyang kumanta, na sinasabayan ang sarili sa alpa, lalo na kapag nasa kanya. nagtipon ang mga bisita sa isang maliit na bahay. Sumabay sa pag-awit si Zepperl sa isang malinaw na kulay-pilak na boses, na nagpapakita ng isang kahanga-hangang tainga para sa musika. At nang ang batang lalaki ay limang taong gulang lamang, siya ay ipinadala sa kalapit na bayan ng Hainburg sa isang malayong kamag-anak na namuno sa paaralan ng simbahan at koro. Sa Hainburg, natuto si Sepperl na magbasa, magsulat, magbilang, kumanta sa isang koro, at nagsimula ring makabisado ang mga kasanayan sa pagtugtog ng clavichord at violin. Ngunit hindi naging madali para sa kanya ang mamuhay sa kakaibang pamilya. Pagkalipas ng maraming taon, naalala niya na nakatanggap siya ng "mas maraming palo kaysa pagkain." Sa sandaling nakarating si Zepperl sa Hainburg, inutusan siyang matutong talunin ang timpani upang makasali sa parehong prusisyon ng simbahan na may musika. Ang bata ay kumuha ng isang salaan, hinila ang isang piraso ng tela sa ibabaw nito, at nagsimulang mag-ehersisyo nang masigasig. Matagumpay niyang natapos ang kanyang gawain. Sa pag-aayos lamang ng isang prusisyon kailangan nilang magsabit ng instrumento sa likod ng isang napakaikling tao. At nakakuba siya na naging sanhi ng tawanan ng mga manonood. Sa kapilya ng St. Stephen's Cathedral sa Vienna. Sa pagbisita sa Hainburg, ang Viennese cathedral bandmaster at court composer na si Georg Reuter ay nagbigay-pansin sa mga namumukod-tanging kakayahan sa musika na si Haydn ay isang tapat na mananampalataya. Siya ang may-akda ng isang bilang ng mga misa at iba pang mga vocal at instrumental na mga gawa batay sa espirituwal na mga teksto. 23 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng Russian art Zepperl. Kaya noong 1740, ang walong taong gulang na si Haydn ay natagpuan ang kanyang sarili sa kabisera ng Austria, kung saan siya ay tinanggap bilang isang chorister sa kapilya ng katedral (pangunahing) Cathedral ng St. Stephen. ginagawa ko mismo. Mahirap magsimula ng malayang buhay. Nang, sa edad na labing-walo, ang boses ng binata ay nagsimulang humina - ito ay pansamantalang namamaos at nawalan ng flexibility, siya ay walang pakundangan at walang awa na itinapon palabas ng kapilya. Sa paghahanap ng kanyang sarili na walang masisilungan at pondo, maaari siyang mamatay sa gutom at lamig kung hindi siya nasisilungan nang ilang panahon ng isang pamilyar na mang-aawit na nakatira kasama ang kanyang asawa at anak sa isang maliit na silid sa ilalim ng bubong. Nagsimulang gawin ni Haydn ang anumang gawaing pangmusika na lumitaw: nangopya siya ng mga tala, nagbigay ng mga aralin sa pag-awit, tumugtog ng clavier, lumahok bilang isang violinist sa Street instrumental ensembles na nagtanghal ng mga harana sa gabi bilang parangal sa isa sa mga taong-bayan. Sa wakas, nakapagrenta siya ng isang maliit na silid sa ikaanim at huling palapag ng isang bahay sa gitna ng Vienna. Ang silid ay tinusok ng hangin, walang kalan sa loob nito, sa taglamig ang tubig ay madalas na nagyelo. Nabuhay si Haydn sa ganoong kalagayan sa loob ng sampung taon. Ngunit hindi siya nawalan ng puso at masigasig na nakikibahagi sa kanyang paboritong sining. “Nang maupo ako sa aking matandang clavier na kinakain ng uod,” paggunita niya sa kanyang katandaan, “hindi ako nainggit sa kaligayahan ng sinumang hari.” Natulungan si Haydn na malampasan ang mga pang-araw-araw na paghihirap sa pamamagitan ng kanyang buhay na buhay, masayahin na karakter. Minsan, halimbawa, sa gabi ay inilagay niya ang kanyang mga kapwa musikero sa mga liblib na sulok sa isa sa mga kalye ng Vienna, at sa kanyang senyales, lahat ay nilalaro kung ano ang gusto niya. Ang resulta ay isang "cat concert", na nagdulot ng kaguluhan sa mga nakapaligid na residente. Dalawa sa mga musikero ang nauwi sa pulisya, ngunit hindi na-extradited ang pasimuno ng iskandaloso na "serenade". Nakilala ang isang sikat na artista sa komiks, si Haydn ay binubuo sa pakikipagtulungan sa kanya ng singspiel na "The Lame Demon" at nakakuha ng maliit na halaga ng pera20. , nagsilbi sa kanya bilang isang footman. Unti-unti, nagsimulang sumikat si Haydn sa Vienna bilang isang guro at bilang isang kompositor. Nakilala niya ang mga kilalang tao; musikero at mahilig sa musika. Sa bahay ng isang kilalang opisyal, nagsimula siyang lumahok sa pagganap ng mga ensemble ng kamara at nilikha ang kanyang unang string quartets para sa mga konsyerto sa kanyang ari-arian ng bansa. At isinulat ni Haydn ang kanyang unang symphony noong 1759, nang makatanggap siya ng isang maliit na orkestra sa kanyang pagtatapon, na naging pinuno ng kapilya ni Count Morzin. Ang bilang ay pinanatili lamang ang mga walang asawang musikero. Si Haydn, na pinakasalan ang anak ng isang taga-ayos ng buhok sa Vienna, ay napilitang ilihim ito. Ngunit ito ay nagpatuloy lamang hanggang 1760, nang sa Vienna, isang malaking magandang lungsod na may mga kahanga-hangang gusali at arkitektura ensembles, isang alon ng mga bagong matingkad na impresyon ang naghugas sa batang lalaki. Ang multinasyunal na katutubong musika ay tumunog sa paligid. Sa katedral at sa korte ng imperyal, kung saan gumanap din ang koro, isinagawa ang mga solemne na vocal at instrumental na gawa. Ngunit ang mga kondisyon ng pagkakaroon muli ay naging mahirap. Sa classroom, rehearsals at performances, pagod na pagod ang mga choir boys. Sila ay pinakain nang hindi maganda, sila ay patuloy na kalahating gutom. Malubhang pinarusahan sila dahil sa kanilang mga kalokohan. Ang maliit na Haydn ay nagpatuloy sa masigasig na pag-aaral ng sining ng pagkanta, pagtugtog ng clavier at violin, at talagang gusto niyang gumawa ng musika. Gayunpaman, hindi ito pinansin ni Reuter. Masyadong abala sa kanyang sariling mga gawain, sa lahat ng siyam na taon ng pananatili ni Hayd sa kapilya, binigyan niya lamang siya ng dalawang aralin sa komposisyon. Ngunit itinuloy ni Josef ang kanyang layunin nang matigas ang ulo, masigasig. Pagkalipas ng ilang taon ay sumulat siya ng isa pang singspiel na tinatawag na "The New Lame Imp". 20 24 www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia, ang materyal na gawain ng count ay nayanig at nilusaw niya ang kanyang kapilya. Hindi naging matagumpay ang kasal ni Haydn. Ang kanyang pinili ay nakikilala sa pamamagitan ng isang mabigat, masungit na karakter. Hindi siya interesado sa mga gawain ng kanyang asawa sa pagbuo - hanggang sa punto na gumawa siya ng mga papillottes at lining para sa pate mula sa mga manuskrito ng kanyang mga komposisyon. Pagkalipas ng ilang taon, nagsimulang manirahan si Haydn nang hiwalay sa kanyang asawa. Wala silang anak. Sa kapilya ng mga prinsipe Esterhazy. Noong 1761 isang mayamang Hungarian; Inimbitahan ni Prinsipe Pal Antal Esterhazy si Haydn sa Eisenstadt bilang vice-kapellmeister. Mula sa sandaling iyon, nagsimula ang paglilingkod ni Haydn sa pamilya Esterhazy, na tumagal ng tatlong buong dekada. Pagkalipas ng limang taon, naging bandmaster siya - matapos mamatay ang matandang musikero na humawak sa posisyon na ito. ang tagapagmana ni Pala Antal, na namatay noong 1762, ay nakilala sa kanyang pangako sa luho at mamahaling libangan, ang kanyang kapatid na si Myklosh 1, na binansagang Magnificent. Pagkalipas ng ilang taon, inilipat niya ang kanyang tirahan mula sa Eisenstadt sa isang bagong palasyo ng bansa na may 126 na silid, napalibutan ito ng isang malaking parke, nagtayo ng isang opera house na may 400 upuan at isang papet na teatro sa malapit, at makabuluhang nadagdagan ang bilang ng mga musikero sa kapilya. . Ang trabaho sa loob nito ay nagbigay kay Haydn ng mahusay na suporta sa pananalapi, at bilang karagdagan - ang pagkakataon na gumawa ng maraming at agad na subukan ang kanyang sarili sa pagsasanay, na nagdidirekta sa pagganap ng orkestra ng kanyang mga bagong gawa. Sa Esterhaz (gaya ng tawag sa bagong tirahan ng prinsipe), madalas na idinaos ang masikip na pagtanggap, kadalasang may partisipasyon ang mga matataas na dayuhang panauhin. Dahil dito, unti-unting nakilala ang gawain ni Haydn sa labas ng Austria. Ngunit mayroong sa lahat ng ito, gaya ng sinasabi nila, ang kabilang panig ng barya. Nang pumasok siya sa serbisyo, pumirma si Haydn ng isang kontrata, ayon sa kung saan siya ay naging isang uri ng tagapaglingkod sa musika. Kinailangan niyang magpakita araw-araw, bago at pagkatapos ng hapunan, sa harapan ng Palasyo na may pulbos na peluka at puting medyas, upang makinig sa mga utos ng prinsipe. Ang kontrata ay obligado kay Haydn na agarang isulat ang "anumang musika na ninanais ng kanyang panginoon, hindi upang magpakita ng mga bagong komposisyon sa sinuman, at higit na hindi upang payagan ang sinuman na isulat ang mga ito, ngunit panatilihin ang mga ito para lamang sa kanyang panginoon at nang hindi niya nalalaman at mapagbiyaya. pahintulot na huwag gumawa ng anuman para sa sinuman." Bilang karagdagan, kailangan ni Haydn na obserbahan ang kaayusan sa kapilya at ang pag-uugali ng mga musikero, magbigay ng mga aralin sa mga mang-aawit, at maging responsable para sa kaligtasan ng mga instrumento at mga nota. Hindi siya nakatira sa isang palasyo, ngunit sa isang karatig nayon, sa isang maliit na bahay. Mula sa Eisenstadt, ang korte ng prinsipe ay lumipat sa Vienna sa taglamig. At mula kay Esterhazy, paminsan-minsan lang makapasok si Haydn sa kabisera kasama ang prinsipe o sa pamamagitan ng espesyal na pahintulot. Sa maraming taon na ginugol sa Eisenstadt at Esterhase, nagpunta si Haydn mula sa isang baguhan na musikero sa isang mahusay na kompositor, na ang trabaho ay umabot sa mataas na artistikong pagiging perpekto at kinilala hindi lamang sa Austria, kundi pati na rin sa malayo sa mga hangganan nito. Kaya, anim na "Paris Symphony" (No. 82-87) ang isinulat niya sa pamamagitan ng utos mula sa kabisera ng France, kung saan sila ay tumunog nang matagumpay noong 1786. Ang mga pagpupulong ni Hayd kay Wolfgang Amadeus Mozart sa Vienna ay nagsimula noong 1780s. Ang Friendly rapprochement ay nagkaroon ng kapaki-pakinabang na epekto sa gawain ng parehong mahuhusay na musikero. Sa paglipas ng panahon, lalong namulat si Haydn sa kanyang nakadependeng posisyon. Sa kanyang mga liham sa mga kaibigan mula sa Esterhazy sa Vienna, na isinulat noong unang kalahati ng 1790, mayroong mga ganitong parirala: "Ngayon - nakaupo ako sa aking ilang - iniwan - tulad ng isang mahirap na ulila - halos walang kasama ng mga tao - malungkot .. Ang mga huling Prinsipe ng Esterhazy ay nagmamay-ari ng malalawak na lupain, nagkaroon ng maraming tagapaglingkod at namumuhay ng maharlika sa kanilang mga palasyo. Espesyal 25 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Ilang araw kong hindi alam kung bandmaster ba ako o pinuno ng banda... Nakakalungkot maging alipin sa lahat ng oras...» A new turn in kapalaran. Mga biyahe papuntang England. Namatay si Miklós Esterházy noong taglagas ng 1790. Siya ay isang napaliwanagan na mahilig sa musika, tumugtog ng mga instrumentong may kuwerdas at hindi maaaring hindi pahalagahan sa kanyang sariling paraan ang isang "tagapaglingkod sa musika" bilang Haydn. Ipinamana sa kanya ng prinsipe ang isang malaking pensiyon sa buhay. Ang tagapagmana ni Miklos na si Antal, walang malasakit sa musika, ay pinaalis ang kapilya. Ngunit sa pagnanais na ang sikat na kompositor ay patuloy na maging kanyang bandmaster sa korte, pinalaki pa niya ang mga pagbabayad ng pera kay Haydn, na, sa gayon, ay naging malaya mula sa mga opisyal na tungkulin at ganap na maitatapon ang kanyang sarili. Lumipat si Haydn sa Vienna na may layuning gumawa ng musika, at noong una ay tinanggihan niya ang mga alok na bumisita sa ibang mga bansa. Ngunit pagkatapos ay sumang-ayon siya sa isang alok na gumawa ng mahabang paglalakbay sa Inglatera at sa simula ng 1791 ay dumating sa London. Kaya, malapit sa kanyang ikaanimnapung kaarawan, nakita ni Haydn ang dagat sa unang pagkakataon gamit ang kanyang sariling mga mata at sa unang pagkakataon ay natagpuan ang kanyang sarili sa ibang estado. Hindi tulad ng Austria, na pyudal-aristocratic pa rin sa mga paraan nito, ang England ay matagal nang burges na bansa, at ang panlipunan, kabilang ang musikal, ang buhay sa London ay ibang-iba sa Vienna. Sa London, isang malawak na lungsod na may maraming mga pang-industriya at komersyal na negosyo, ang mga konsyerto ay nanaig hindi para sa mga piling tao na inanyayahan sa mga palasyo at salon ng mga maharlika, ngunit nakaayos sa mga pampublikong bulwagan, kung saan ang lahat ay dumating para sa isang bayad. Ang pangalan ng Haydn sa England ay napapalibutan na ng halo ng kaluwalhatian. Ang parehong mga sikat na musikero at matataas na tao ay tinatrato siya hindi lamang bilang isang pantay, ngunit din na may espesyal na paggalang. Ang kanyang mga bagong gawa, sa pagganap kung saan siya ay kumilos bilang isang konduktor, ay masigasig na nakilala at binayaran nang malaki. Nagsagawa si Haydn ng isang malaking orkestra ng 40-50 katao, iyon ay, dalawang beses ang laki ng Esterhazy chapel. Ginawaran siya ng Oxford University ng isang honorary Doctor of Music degree. Bumalik si Haydn sa Vienna makalipas ang isang taon at kalahati. Sa daan ay binisita niya ang lungsod ng Bonn ng Aleman. Doon niya unang nakilala ang batang si Ludwig van Beethoven, na hindi nagtagal ay lumipat sa Vienna na may layuning mag-aral kasama si Haydn. Ngunit si Beethoven ay hindi kumuha ng mga aralin mula sa kanya nang matagal. Dalawang henyo sa musika, na ibang-iba sa edad at ugali, ay hindi nakahanap ng tunay na pagkakaunawaan noon. Gayunpaman, inialay ni Beethoven ang kanyang tatlong piano sonata (No. 1-3) kay Haydn sa panahon ng paglalathala. Ang ikalawang paglalakbay ni Hayd sa Inglatera ay nagsimula noong 1794 at tumagal ng higit sa isang taon at kalahati. Ang tagumpay ay muling nagwagi. Mula sa maraming gawang nilikha; sa mga paglalakbay na ito at kaugnay ng mga ito, ang labindalawang tinatawag na "London Symphony" ay lalong makabuluhan. Ang mga huling taon ng buhay at pagkamalikhain. Ang susunod na prinsipe ng Esterházy, si Miklós II, ay mas interesado sa musika kaysa sa kanyang hinalinhan. Samakatuwid, si Haydn ay nagsimulang tumakbo paminsan-minsan mula sa Vienna hanggang Eisenstadt at nagsulat ng ilang mga misa sa utos ng prinsipe. Ang mga pangunahing gawa ng kompositor ng mga nakaraang taon - dalawang monumental na oratorio na "The Creation of the World" at "The Seasons" - ay ginanap sa Vienna na may mahusay na tagumpay (isa noong 1799, ang isa pa noong 1801). Ang paglalarawan ng sinaunang kaguluhan, kung saan nagmula ang mundo, ang paglikha ng Earth, ang pagsilang ng buhay sa Earth at ang paglikha ng tao - ganyan ang nilalaman ng una sa mga oratorio na ito. Ang apat na bahagi ng pangalawang oratorio ("Spring", "Summer", "Autumn", "Winter") ay binubuo ng mga sketch ng musikal na may mahusay na layunin ng kalikasan sa kanayunan at buhay magsasaka. 26 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Pagkatapos ng 1803, hindi na gumawa ng iba pa si Haydn. Tahimik niyang isinabuhay ang kanyang buhay, na napapaligiran ng kaluwalhatian at karangalan. Namatay si Haydn noong tagsibol ng 1809, sa kasagsagan ng Napoleonic Wars, nang pumasok ang mga Pranses sa Vienna. cello at double bass. Ang grupo ng mga instrumentong woodwind ay binubuo ng mga flute, oboe, clarinets at bassoons 21. Ang grupo ng mga instrumentong tanso ni Haydn ay nabuo sa pamamagitan ng mga sungay at tubo, at gumamit lamang siya ng timpani mula sa mga instrumentong percussion at sa huling, ikalabindalawang London Symphony lamang siya nagdagdag ng tatsulok. , mga simbalo at tambol. Mga tanong at gawain 1. Anong tatlong magagaling na kompositor ang tinatawag na Viennese musical classics? Ano ang nagpapaliwanag ng gayong kahulugan? 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa buhay musikal ng Vienna noong ika-18 siglo. 3. Pangalanan ang mga pangunahing genre ng musika sa akda ni Hayd. 4. Saan at paano pumasa ang pagkabata at kabataan ni Hayd? 5. Paano sinimulan ni Haydn ang kanyang malayang paglalakbay? 6..Paano natuloy ang buhay at trabaho ni Hayd sa kanyang paglilingkod sa kapilya ng mga prinsipe Esterhazy? 7. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga paglalakbay ni Haydn sa England at tungkol sa kanyang mga huling taon ng buhay. Symphonic creativity Noong isinulat ni Haydn ang kanyang unang symphony noong 1759, maraming mga gawa sa genre na ito ang umiral na at patuloy na nilikha. Lumitaw sila sa Italya, Alemanya, Austria at iba pang mga bansa sa Europa. Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, halimbawa, ang mga symphony na binubuo at ginanap sa German city of Mannheim, na may pinakamahusay na orkestra sa panahong iyon, ay nakakuha ng pangkalahatang katanyagan. Kabilang sa mga kompositor ng tinatawag na "Mannheim school" ay maraming mga Czech. Ang isa sa mga ninuno ng symphony ay ang tatlong bahagi na Italian opera overture (na may ratio ng mga bahagi ayon sa tempo: "mabilis-mabagal-mabilis".). Sa unang bahagi ng ("pre-classical") symphony, ang landas patungo sa hinaharap na klasikal na symphony ay paving, ang mga palatandaan kung saan ay ang kahalagahan ng matalinghagang nilalaman at ang pagiging perpekto ng anyo. Sa landas na ito, nakarating si Haydn sa kanyang mga mature symphony noong 1780s. At sa parehong oras, lumitaw ang mga mature na symphony ng napakabata pa na Mozart, na kamangha-mangha na mabilis na sumulong sa taas ng artistikong kasanayan. Nilikha ni Haydn ang kanyang London Symphonies, na nagbigay korona sa kanyang mga tagumpay sa genre na ito, pagkatapos ng hindi napapanahong pagkamatay ni Mozart, na labis na ikinagulat niya. Sa mga mature na symphony ni Haydn, ang sumusunod na tipikal na komposisyon ng four-movement cycle ay itinatag: sonata allegro, mabagal na paggalaw, minuet at finale (karaniwan ay nasa anyo ng isang rondo o sonata allegro). Kasabay nito, ang klasikal na komposisyon ng orkestra mula sa apat na grupo ng mga instrumento ay tinutukoy sa mga pangunahing tampok nito. Nangungunang grupo - string. Kasama dito ang mga violin, violas, hindi palaging gumagamit ng clarinets si Haydn. Kahit sa kanyang London Symphonies, lumilitaw lamang sila sa lima (sa labindalawa). 21 27 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Ang symphony na ito ay kilala bilang "Military". Mayroon ding mga pangalan para sa ilan sa iba pang mga symphony ni Haydn. Sa karamihan ng mga kaso, ang mga ito ay hindi ibinigay ng mismong kompositor at minarkahan lamang ang isang detalye, kadalasang nakalarawan, halimbawa, imitasyon ng clucking sa mabagal na bahagi ng symphony na "Chicken" o "ticking" - sa mabagal na bahagi ng symphony " Mga oras". Ang isang espesyal na kuwento ay nauugnay sa symphony sa F-sharp minor, na binigyan ng pangalang "Paalam". Mayroon itong karagdagang ikalimang bahagi (mas tiyak, isang Adagio ng uri ng coda). Sa pagtatanghal nito, isa-isang pinapatay ng mga miyembro ng orkestra ang mga kandila sa kanilang mga console, kinuha ang kanilang mga instrumento at umalis. Dalawang biyolinista na lang ang natitira, na tahimik at malungkot na tumutugtog sa mga huling bar at umalis din. Mayroong sumusunod na paliwanag para dito. Parang minsan sa tag-araw, naantala ni Prinsipe Miklos I ang mga musikero ng kanyang kapilya sa Esterhaz nang mas matagal kaysa karaniwan. At gusto nilang makapagbakasyon sa lalong madaling panahon upang makita ang kanilang mga pamilya na nakatira sa Eisenstadt. At ang hindi pangkaraniwang pangalawang finale ng Farewell Symphony ay nagsilbing pahiwatig ng mga pangyayaring ito. Bilang karagdagan sa mga symphony, ang Haydn ay may maraming iba pang mga gawa para sa orkestra, kabilang ang higit sa isang daang indibidwal na minuto. At biglang ang lahat ay masayang nagbago: ang paglalahad ng sonata allegro ay nagsisimula. Sa halip na isang mabagal na tempo - mabilis (Allegro con spirito - "Mabilis, na may sigasig"), sa halip na mabibigat na bass unisons - ang unang motibo ng mobile, nakakahawa, masayahin, sayaw na tema ng pangunahing bahagi ay ipinanganak mula sa parehong mga tunog ng G at A-flat sa isang mataas na rehistro. Ang lahat ng mga motif ng temang ito, na nakasaad sa pangunahing susi, ay nagsisimula sa pag-uulit ng unang tunog - na parang may taimtim na pagyurak: Symphony sa E-flat major Ito ang ikalabing-isang ng labindalawang "London Symphony" ni Haydn. Ang pangunahing susi nito ay E-flat major. Kilala ito bilang “timpani tremolo symphony” 22. Ang simponya ay nasa apat na galaw. Ang unang bahagi ay nagsisimula sa isang mabagal na pagpapakilala. Ang tremolo (“fraction”) ng timpani na nakatutok sa tonic ay mahinang tumunog. Ito ay parang isang kulog sa malayo. Pagkatapos ang mismong tema ng pagpapakilala ay nagbubukas sa makinis na malalawak na "mga ledge". Una, ito ay tinutugtog sa octave unison ng mga cello, double basses at bassoons. Tila tahimik na lumulutang ang ilang mahiwagang anino, minsan humihinto. Dito sila nag-aalangan at nag-freeze: sa mga huling hakbang ng pagpapakilala, ang mga unison ay nagpapalit ng maraming beses sa magkalapit na mga tunog G at A-flat, na pinipilit ang tainga na umasa - ano ang susunod na mangyayari? Ang tema ay paulit-ulit na dalawang beses sa pamamagitan ng mga instrumento ng kuwerdas ng piano, na kinumpleto ng isang ligaw na dagundong ng saya ng pagsasayaw, tunog forte sa buong orkestra. Ang dagundong na ito ay mabilis na dumaan, at isang pahiwatig ng misteryo ay lilitaw muli sa nag-uugnay na bahagi. Nasira ang katatagan ng tono. Mayroong modulasyon sa B-flat major (nangingibabaw ng E-flat major) - ang susi ng gilid na bahagi. Walang bagong tema sa nag-uugnay na bahagi, ngunit ang orihinal na motibo ng tema ng Timpani ay naririnig - mga hemisphere na may balat na nakaunat sa ibabaw nito, na hinampas ng dalawang stick. Ang bawat hemisphere ay makakagawa lamang ng isang tunog ng isang pitch. Ang mga klasikal na symphony ay karaniwang gumagamit ng dalawang hemisphere na nakatutok sa tonic at nangingibabaw. 22 28 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Ruso sa pangunahing bahagi at isang malayong paalala ng tema ng pagpapakilala: Ang paglalahad ay nagtatapos sa pagpapatibay ng susi ng bahaging bahagi (B-flat major). Ang paglalahad ay paulit-ulit, at kasunod ang pag-unlad. Ito ay puspos ng polyphonic imitation at tonal-harmonic na pag-unlad ng mga motif na nakahiwalay sa tema ng pangunahing bahagi. Lumilitaw ang tema ng side game sa pagtatapos ng development. Ito ay ganap na ginaganap sa susi ng D-flat major, malayo sa pangunahing isa, iyon ay, lumilitaw, parang, sa isang bago, hindi pangkaraniwang liwanag. At isang araw (pagkatapos ng isang pangkalahatang pause na may fermata) ang mga intonasyon ng misteryosong tema ng pagpapakilala ay lilitaw din sa bass. Ang pag-unlad ay karaniwang tumutunog sa piano at pianissimo, at paminsan-minsan lamang - forte at fortissimo na may magkahiwalay na sforzando accent. Pinahuhusay nito ang impresyon ng misteryo. Ang mga motif mula sa tema ng pangunahing partido sa kanilang pag-unlad kung minsan ay kahawig ng isang kamangha-manghang sayaw. Maaaring isipin ng isang tao na ito ay isang sayaw ng ilang mahiwagang mga ilaw, kung minsan ay kumikislap nang maliwanag. Sa reprise sa susi ng E-flat major, hindi lamang ang pangunahing bahagi, kundi pati na rin ang bahaging bahagi ay paulit-ulit, at ang binder ay nilaktawan. Lumilitaw ang ilang misteryo sa code. Nagsisimula ito, tulad ng pagpapakilala, sa isang Adagio tempo, isang tahimik na timpani tremolo at mabagal na unison moves. Ngunit sa lalong madaling panahon, sa pinakadulo ng unang bahagi, ang mabilis na tempo, malakas na sonority at masayang sayaw na "stomping" ay bumalik. Ang ikalawang bahagi ng symphony - Andante - ay isang pagkakaiba-iba sa dalawang tema - kanta sa C minor at song-marching sa C major. Ang pagbuo ng mga tinatawag na dobleng pagkakaiba-iba ay ang mga sumusunod: ang una at pangalawang tema ay binalangkas, pagkatapos ay sundin: ang unang variation ng unang tema, ang unang variation ng pangalawang tema, ang pangalawang variation ng unang tema, ang pangalawa. pagkakaiba-iba ng pangalawang tema at code, batay sa materyal ng pangalawang tema. Hanggang ngayon, nagtatalo ang mga mananaliksik tungkol sa nasyonalidad ng unang paksa. Naniniwala ang mga Croatian na musikero na ito ay isang Croatian folk song sa mga tuntunin ng mga katangian nito, habang ang mga Hungarian na musikero ay naniniwala na ito ay isang Hungarian na kanta. Ang mga Serbs, Bulgarians, Poles ay matatagpuan din ang kanilang mga pambansang tampok dito. Ang hindi pagkakaunawaan na ito ay hindi malulutas nang may katiyakan, dahil ang mga pag-record ng naturang tema ng isang bahaging bahagi ay muling isang masayang sayaw. Ngunit kung ihahambing sa pangunahing partido, hindi siya masyadong masigla, ngunit mas kaaya-aya, pambabae. Ang himig ay tumutunog sa mga biyolin na may oboe. Ang isang tipikal na saliw ng waltz ay naglalapit sa temang ito sa lander - isang sayaw ng Austrian at South German, isa sa mga ninuno ng waltz: 29 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Ruso ng lumang melody at ang mga salita nito ay hindi natagpuan. Tila, ang mga tampok ng ilang mga himig ng Slavic at Hungarian ay pinagsama sa loob nito; tulad, sa partikular, ay isang kakaibang hakbang para sa isang pinalaki na segundo (E-flat - fadiez): ang mga pagkakaiba-iba ng pangalawang tema ay ipagpatuloy ang kabayanihan na pagtapak sa pagmamartsa, na pinalamutian ng mga sipi ng birtuoso - ang mga grasya ng plauta. At sa isang malaking code, ang mga hindi inaasahang pagliko sa pagbuo ng "mga kaganapang pangmusika" ay nagaganap. Una, ang tema ng pagmamartsa ay nagiging banayad, transparent na tunog. Pagkatapos ay isang motif na nakahiwalay mula dito na may tuldok-tuldok na ritmo ay bubuo nang matindi. Ito ay humahantong sa biglaang paglitaw ng tonality ng E-flat major, pagkatapos nito ang huling pagpasa ng tema ng martsa ay maliwanag at mataimtim na tumunog sa C major. Ang ikatlong bahagi ng symphony - ang Minuet - ay orihinal na pinagsasama ang marangal na lakad ng isang high-society dance na may pabagu-bagong malawak na paglukso at syncopations sa melody: Isang chant at isang pangalawang, nagmamartsa pangunahing tema. Kung ikukumpara sa una, ito ay may kasabay na pagkakaugnay dito - isang ikaapat na kumpas, isang pataas at pababang direksyon ng melody at isang nakataas na ikaapat na antas (fadiez): Ang kakaibang temang ito ay pinasimulan ng isang maayos at mahinahong paggalaw sa Trio - ang gitnang seksyon ng Minuet, na matatagpuan sa pagitan ng unang seksyon at ang eksaktong pag-uulit nito23: Ang paglalahad ng unang tema ng mga instrumentong piyano at piyansimo na may kuwerdas ay parang isang masayang pagsasalaysay, tulad ng simula ng isang kuwento tungkol sa ilang hindi pangkaraniwang pangyayari. Ang una sa mga ito ay maaaring iharap sa isang biglang malakas na pagtatanghal ng pangalawa, nagmamartsa na tema, kung saan ang mga instrumento ng hangin ay idinagdag sa pangkat ng string. Ang tono ng pagsasalaysay ay pinananatili sa unang variation ng unang tema. Ngunit ang nagdadalamhati at maingat na mga alingawngaw ay sumasama sa kanyang tunog. Sa unang pagkakaiba-iba ng pangalawang tema, ang solong biyolin ay nagbibigay kulay sa himig na may kakaibang pattern na mga sipi. Sa pangalawang pagkakaiba-iba ng unang tema, ang pagsasalaysay ay biglang nagkaroon ng isang mabagyo, nabalisa na karakter (lahat ng instrumento ay ginagamit, kabilang ang timpani). Sa pangalawa, ang Minuet (o sa halip, ang matinding kakaibang mga seksyon nito sa mga tuntunin ng kanilang karakter) ay kaibahan sa katutubong at pang-araw-araw na tema, sa isang banda, ang una at ikalawang bahagi ng symphony, at sa kabilang banda, ang huli nito. , ikaapat na bahagi - ang pangwakas. Dito, tulad ng nararapat sa isang klasikal na sonata allegro, sa paglalahad ang pangunahing bahagi ay ipinakita sa pangunahing susi ng E-flat major, ang gilid na bahagi ay nasa dominanteng susi ng B-flat major, at sa reprise pareho ng tunog sila sa E-flat major. Gayunpaman, sa gilid na bahagi, sa loob ng mahabang panahon, ang gitnang seksyon ng mga orkestra na gawa ay karaniwang ginagampanan ng tatlong instrumento. Dito nagmula ang pangalang "trio". 23 30 www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ay isang ganap na bagong paksa. Ito ay binuo sa materyal ng tema ng pangunahing partido. nagmula sa salitang Pranses na "ronde", na nangangahulugang "bilog" o "bilog na sayaw". Mga tanong at gawain 1. Kailan dumating sina Haydn at Mozart para bumuo ng kanilang mga mature symphony? 2. Anong mga bahagi ang karaniwang binubuo ng isang Haydn symphony? Pangalanan ang mga pangkat ng mga instrumento sa orkestra ni Haydn. 3. Anong mga pamagat ng mga symphony ni Haydn ang alam mo? 4. Bakit tinawag na "with tremolo or Taurus" ang symphony ni Haydn sa E-flat major? Saang section ito magsisimula? 5. Ilarawan ang mga pangunahing tema ng anyong sonata sa unang galaw ng simponya na ito. 6. Sa anong anyo at sa anong mga paksa isinulat ang ikalawang bahagi ng simponya? 7. Ilarawan ang mga pangunahing paksa at seksyon ng ikatlong bahagi. 8. Ano ang kakaiba ng ugnayan sa pagitan ng mga tema ng pangunahin at panig na bahagi sa finale? Ano ang kaugnayan ng katangian ng musika sa unang galaw ng simponya at sa wakas nito? Kaya, lumalabas na ang buong finale ay batay sa isang tema. Ang kompositor, na parang nasa isang masalimuot na laro, ay maaaring ganap na ipagpatuloy ang tema, o mahusay na pinagsasama ang mga variant at indibidwal na elemento nito. At siya ay nakakaintriga sa kanyang sariling karapatan. Pagkatapos ng lahat, ang isang maharmonya na batayan ay unang lumilitaw sa loob nito - ang tinatawag na "gintong paglipat" ng dalawang sungay - isang tipikal na senyales ng mga sungay ng pangangaso. At pagkatapos lamang ng isang himig ng sayaw, malapit sa mga katutubong kanta ng Croatian, ay pinatong sa batayan na ito. Nagsisimula ito sa "stomping" sa isang tunog, at sa hinaharap ang motibo na ito ay paulit-ulit nang maraming beses, ginagaya, lumilipat mula sa isang boses patungo sa isa pa. Ito ay nagpapaalala sa pambungad na motif ng pangunahing tema ng unang kilusan at kung paano ito nabuo doon. Bilang karagdagan, ipinahiwatig ng kompositor ang parehong tempo sa panghuling - Allegro con spirito. Kaya, sa pagtatapos, ang elemento ng isang masayang katutubong sayaw sa wakas ay naghahari. Ngunit dito mayroon itong isang espesyal na karakter - mukhang isang masalimuot na round dance, isang grupong sayaw kung saan ang sayaw ay pinagsama sa kanta at aksyon ng laro. Kinumpirma din ito ng katotohanan na sa paglalahad ang pangunahing bahagi ay paulit-ulit sa pangunahing susi ng dalawang karagdagang beses - pagkatapos ng isang maliit na transisyonal na yugto at pagkatapos ng isang bahaging bahagi. Iyon ay, tila nagpapatuloy, na gumagawa ng isang paggalaw sa isang bilog. At ito ay nagpapakilala ng mga tampok ng anyong rondo sa anyong sonata. Ang mismong salitang "rondo", tulad ng nabanggit na, clavier creativity Nang likhain ni Haydn ang kanyang clavier works, unti-unting pinalitan ng piano ang harpsichord at clavichord mula sa musical practice. Isinulat ni Haydn ang kanyang mga unang komposisyon para sa mga sinaunang instrumento sa keyboard na ito, at sa mga susunod na edisyon ay sinimulan niyang ipahiwatig ang "para sa harpsichord o piano" at, sa wakas, kung minsan ay "para sa piano". Kabilang sa kanyang mga gawang clavier, ang pinakamahalagang lugar ay kabilang sa mga solo sonata. Noong nakaraan, pinaniniwalaan na si Haydn ay mayroon lamang 52 sa kanila. Ngunit pagkatapos, salamat sa paghahanap ng mga mananaliksik, ang bilang na ito ay tumaas sa 62. Ang pinakasikat sa kanila ay ang mga sonata sa D major at E minor24. Sonata sa D Major Ang tema ng pangunahing bahagi, na nagsisimula sa unang bahagi ng sonata na ito, ay isang sayaw na sumasabog ng kagalakan at kagalakan na may mga boyishly pilyong octave jumps, grace notes, mordents at pag-uulit ng mga tunog. Ang ganitong musika ay maaari ding isipin na tinutugtog sa isang operebuffa: Sa mga naunang edisyon, ang mga sonata na ito ay nakalimbag bilang "No. 37" at "No. 34", at sa mga susunod na edisyon bilang "No. 50" at "No. 53" . 24 31 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Ngunit pagkatapos ay ang mga malikot na pagtalon mula sa pangunahing bahagi ay tumagos sa pag-unlad ng tema ng bahaging bahagi, at pagkatapos - maselan na daanan Paggalaw mula sa bahagi ng pagkonekta. Ito ay nagiging mas tensiyonado, nagwawalis, at biglang mabilis na huminahon - na parang sa ilang agarang desisyon. Pagkatapos nito, nagtatapos ang eksibisyon sa isang walang kabuluhang pagsasayaw na pangwakas na salu-salo. Marami na namang masiglang kaguluhan sa pag-unlad. Dito ang oktaba ay tumatalon mula sa tema ng pangunahing bahagi, lumilipat sa kaliwang kamay, nagiging mas malikot, at ang paggalaw ng sipi ay umabot sa mas malaking tensyon at malawak na saklaw kaysa sa pagbuo ng tema ng pangalawang bahagi sa eksposisyon. Sa reprise, ang tunog ng gilid at huling bahagi sa pangunahing susi (D major) ay matatag na nagtatatag ng pangingibabaw ng isang masayang mood. Ang pinakamalakas na kaibahan ay ipinakilala sa sonata sa pamamagitan ng maikling pangalawang paggalaw, na mabagal at pinipigilan ang karakter. Ito ay nakasulat sa susi ng parehong pangalan sa D minor. Ang mabigat na pagtapak ng sarabande ay maririnig sa musika - isang lumang sayaw, kadalasang kumukuha ng katangian ng isang prusisyon ng libing. At sa mga nagpapahayag na melodic exclamations na may triplets at may tuldok na mga ritmikong figure ay may pagkakatulad sa mga malungkot na melodies ng Hungarian gypsies: Ang masasayang, maselan na mga sipi ng mga panlabing-anim ay pumupuno sa nag-uugnay na bahagi. At ang tema ng gilid na bahagi (sa susi ng A major) ay nakakasayaw din, mas pinigilan, eleganteng: 32 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng Russian art Sonata sa E Minor . Masigasig niyang pinaghandaan ito, ngunit hindi niya ito maisakatuparan dahil sa kanyang mga opisyal na tungkulin sa Esterhazy Chapel. Posible na ang mga pangarap ng isang malayong paglalakbay sa "ibang bansa" at ang mga karanasang nauugnay sa kanila ay makikita sa E minor na sonata na lumitaw noong panahong iyon. Ito ay isa lamang sa ilang menor de edad na sonata ni Haydn kung saan sa unang paggalaw ay pinagsama ang isang binibigkas na karakter na liriko na may napakabilis na tempo. Ang tema ng pangunahing bahagi ng kilusang ito, kung saan nagsisimula ang sonata, ay kakaiba din: Ngunit sa optimistikong sining ni Haydn, ang malungkot na mga larawan ng kamatayan ay laging dinadaig ng maliwanag na mga larawan ng buhay. At ang D minor na pangalawang bahagi ng sonata na ito, na nagtatapos hindi sa tonic, ngunit sa dominanteng chord, direktang dumadaan sa mapusok na D major finale 25. Ang finale ay itinayo sa anyo ng isang rondo, kung saan ang pangunahing tema - ang refrain (sa pangunahing susi ng D major) - ay paulit-ulit ng tatlong beses, at sa pagitan ng mga pag-uulit nito ay may nagbabagong mga seksyon - mga yugto: ang unang yugto ay nasa D minor, at ang pangalawa - sa G major. Dito, tanging sa una, sa D minor na episode, ang mga malungkot na alaala ay dumaan - isang echo ng gitnang bahagi. Ang pangalawang episode, sa G major, ay walang ingat na masayahin at humahantong sa isang komiks na "roll call" ng kanan at kaliwang kamay sa parehong nota. At ang lumilipad at sumasayaw na pangunahing tema ng finale (refrain rondo) ang isa sa pinaka masayahin ni Haydn: Ang mga pambungad na parirala ng tema ay binubuo dito ng kumbinasyon ng dalawang elemento. Sa bass, sa kaliwang kamay, ang piano ay gumagalaw sa isang minor tonic triad - tulad ng mga tawag na sumugod sa isang lugar na malayo. At doon mismo sa kanang kamay ay sumunod sa nanginginig, na parang nag-aalinlangan, nag-aalinlangan na mga motibo-sagot. Ang pangkalahatang galaw ng tema ay malambot, umaalon, umiindayog. Bilang karagdagan, ang laki ng unang paggalaw - 6/8 - ay tipikal ng barcarolle genre - "mga kanta sa tubig"26. Sa bahaging nag-uugnay, mayroong modulasyon sa G major na kahanay ng E minor - ang susi ng gilid at huling bahagi. Ang mga nagdudugtong at huling bahagi, na puno ng gumagalaw na mga sipi ng ika-labing-anim, ay nakabalangkas sa gilid na bahagi - magaan, parang panaginip. Ito ay ipinahihiwatig ng mga salitang Italyano na "attacca subito il Finale", ibig sabihin ay "upang simulan kaagad ang finale." Sa una, ang mga kanta ng Venetian gondolier ay tinawag na barcarolles. Ang mismong pangalan ng genre ay nagmula sa salitang Italyano na "barca" - "bangka". 25 26 33 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining Russia na parang pumailanglang: kalikasan, na may tunog ng mga senyales, na parang tumatawag para sa paglalakbay pabalik, ang puso ay tila nagsimula sa masayang pagkabalisa! At dito, pagkatapos ng paglipat ng chord, ang pangunahing tema ng ikatlong kilusan (ang finale) ay lilitaw. Ito ang refrain ng rondo form kung saan nakasulat ang Finale. Tila isang inspiradong kasamang kanta na nakakatulong upang sumugod "sa buong layag" sa kanilang mga tinubuang lupain: Kaya, ang scheme ng rondo form, sa finale, ay ang mga sumusunod: refrain (E minor), unang episode (E major) , refrain (E minor), pangalawang episode ( E major), refrain (E minor). Ang parehong mga yugto ay konektado sa refrain at sa bawat isa sa pamamagitan ng melodic affinity. Kapag ang pag-uugnay, pangalawa at panghuling bahagi ay tumunog, ang imahinasyon ay gumuhit ng mga mapang-akit na imahe - kung gaano kalayang umiihip ang isang makatarungang hangin, kung gaano kasaya ang mabilis na paggalaw. Dagdag pa, sa pag-unlad, na binuo sa materyal ng pangunahing, pagkonekta at pangwakas na mga bahagi, ang mga paglihis sa mga menor de edad na susi ay nananaig. Sa pangunahing, iyon ay, hindi major, ngunit minor tonality, ang pangalawa at panghuling bahagi na naging mas maluwang na tunog sa reprise. Gayunpaman, ang kalungkutan at espirituwal na pag-aalinlangan ay sa wakas ay natalo sa pamamagitan ng pagsusumikap sa hindi kilalang distansya. Ganyan ang kahulugan ng mga huling bar ng unang kilusan, kung saan ang pambungad na simula ng tema ng pangunahing partido ay kapansin-pansing paulit-ulit. Ang ikalawang bahagi ng sonata, mabagal, sa G major, ay isang uri ng instrumental na aria, na puno ng magaan na pagmumuni-muni. Ang kanyang liwanag na coloratura ay puno ng mga alingawngaw ng huni ng mga ibon, mga bulungan: Mga Tanong at gawain 1. Pangalanan ang pangunahing genre ng clavier music ni Haydn. Ilan sa kanyang mga sonata ang kilala? 2. Ilarawan ang mga pangunahing bahagi ng unang paggalaw ng sonata sa D major. Mayroon bang koneksyon sa bahaging ito sa pagitan ng pangunahing at gilid na mga bahagi? 3. Anong kaibahan ang naidudulot ng ikalawang galaw ng sonata sa D major sa musika? Ano ang kaugnayan nito sa finale? 4. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga tampok ng istraktura at likas na katangian ng tema ng pangunahing bahagi ng unang bahagi ng sonata sa E minor. Mature at kilalanin ang natitirang mga paksa at seksyon ng bahaging ito. 5. Ano ang katangian ng ikalawang galaw ng sonata sa E minor? 6. Sabihin sa amin ang tungkol sa anyo ng finale ng sonata sa E minor at ang katangian ng pangunahing tema nito. Mga pangunahing gawa Higit sa 100 symphony (104) Serye ng mga konsiyerto para sa iba't ibang instrumento at orkestra Higit sa 80 quartets (para sa dalawang violin, viola at cello) (83) 62 clavier sonatas Creation and Seasons oratorio 24 opera Mga Arrangement ng Scottish at Irish na mga kanta Gayunpaman, hindi mahalaga kung gaano katamis ang isang mapayapang pahinga sa isang lugar na malayo, sa dibdib ng 34 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia na nakasulat sa maraming genre - ang kanyang mga symphony, instrumental concerto, iba't ibang mga ensemble ng kamara, sonatas ng piano, Requiem para sa koro, mga soloista at orkestra. Si Mozart ay hindi pangkaraniwang maaga at mabilis na nabuo ang kahanga-hangang talento na nilikha sa paligid ng kanyang pangalan; halo ng maalamat na "musical miracle". Maliwanag na katangian; siya ay ibinigay bilang isang inspiradong artista ni A. S. Pushkin sa dula ("maliit na trahedya") "Mozart at Salieri". Batay dito, isinulat ang opera ng parehong pangalan ni N. A. Rimsky Korsakov 27. Si Mozart ang paboritong kompositor ng P. I. Tchaikovsky 28. Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791 Landas ng buhay Pamilya. Maagang pagkabata. Ang lugar ng kapanganakan ni Wolfgang Amadeus Mozart, na ipinanganak noong Enero 1756, ay ang Austrian na lungsod ng Salzburg. Ito ay napakagandang nakalatag sa maburol na pampang ng mabilis na ilog ng Salzach, na naglatag ng landas nito sa silangang paanan ng Alps. Ang Salzburg ay ang kabisera ng isang maliit na pamunuan, ang pinuno nito ay may espirituwal na dignidad ng isang arsobispo. Ang ama ni Wolfgang Amadeus, si Leopold Mozart, ay nagsilbi sa kanyang kapilya. Siya ay isang seryoso at may mataas na pinag-aralan na musikero - isang prolific composer, violinist, organist at guro. Ang "School of Violin Playing" na inilathala niya ay ipinamahagi sa ilang mga bansa, kabilang ang Russia. Sa pitong anak ni Leopold at ng kanyang asawang si Anna Maria, dalawa lamang ang nakaligtas - ang bunsong anak na si Wolfgang Amadeus at anak na babae na si Maria Anna (Nannerl), na mas matanda! kapatid sa loob ng apat at kalahating taon. Nang magsimulang turuan ng kanyang ama si Nannerl, na may mahusay na mga kakayahan, na tumugtog ng harpsichord, hindi nagtagal ay nagsimula siyang mag-aral kasama ang tatlong taong gulang na si Wolfgang, na napansin ang kanyang pinakamagandang tainga at kamangha-manghang memorya ng musika, sa loob ng apat na taon sinubukan na ng batang lalaki na gumawa ng musika, at ang kanyang unang nakaligtas na mga piyesa ng harpsichord ay naitala ng kanyang ama noong limang taong gulang pa lamang ang may-akda. May isang kuwento tungkol sa kung paano sinubukan ng apat na taong gulang na si Wolfgang na gumawa ng isang clavier concerto. Kasama ang panulat, isinawsaw niya ang kanyang mga daliri sa inkwell at naglagay ng mga blots sa music paper. Hindi noong sinilip ng aking ama ang parang bata na recording na ito, sa pamamagitan ng mga blots ay natuklasan niya dito ang isang walang alinlangan na kahulugan ng musika. Isa sa mga pinakadakilang henyo sa musika, ang kompositor ng Austrian na si Wolfgang Amadeus Mozart ay nabuhay hanggang 35 taong gulang lamang. Sa mga ito, binubuo niya ang musika sa loob ng tatlumpung taon at, nag-iwan ng isang pamana ng higit sa 600 mga gawa, gumawa ng isang napakahalagang kontribusyon sa ginintuang pondo ng sining ng mundo. Ang pinakatapat, pinakamataas na pagtatasa ng malikhaing regalo ni Mozart sa kanyang buhay ay ibinigay ng kanyang nakatatandang kontemporaryong si Joseph Haydn. “... Ang iyong anak,” minsang sinabi niya sa ama ni Wolfgang Amadeus, “ay ang pinakadakilang kompositor na kilala ko nang personal at sa pangalan; siya ay may panlasa, at bukod doon, ang pinakadakilang kaalaman sa komposisyon. Ang musika nina Haydn at Mozart, na tinatawag na mga klasikong Viennese, ay may magkatulad na optimistikong aktibong-epektibong pang-unawa sa mundo, isang kumbinasyon ng pagiging simple at pagiging natural sa pagpapahayag ng mga damdamin sa kanilang mala-tula na kataasan at lalim. Kasabay nito, mayroong isang makabuluhang pagkakaiba sa pagitan ng kanilang mga artistikong interes. Ang Haydn ay mas malapit sa mga katutubong-araw-araw at lyrical-epic na mga imahe, at sa Mozart - talagang liriko at liriko-drama. Ang sining ni Mozart ay lalo na nakakabighani sa pagiging sensitibo nito sa mga emosyonal na karanasan ng isang tao, pati na rin ang katumpakan at kasiglahan sa sagisag ng iba't ibang mga karakter ng tao. Dahil dito, naging kahanga-hanga siyang kompositor ng opera. Ang kanyang mga opera, at higit sa lahat The Marriage of Figaro, Don Giovanni at The Magic Flute, ay nagtamasa ng hindi nagbabagong tagumpay para sa ikatlong siglo, na itinanghal sa mga yugto ng lahat ng mga teatro sa musika. Ang isa sa mga pinakamarangal na lugar sa mundo na repertoire ng konsiyerto ay inookupahan ng mga gawa ni Mozart. Ang bersyon na nilason ni Salieri si Mozart dahil sa inggit ay isang alamat lamang. Inayos ni Tchaikovsky ang apat na piraso ng piano ni Mozart at binubuo ang Mozartiana suite mula sa kanila. 27 28 35 www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia ay magsasagawa ng isang violin concerto... maglaro sa keyboard na natatakpan ng isang panyo pati na rin kung ito ay nasa harap ng kanyang mga mata, pagkatapos ay mula sa malayo ay pangalanan niya ang lahat. ang mga tunog na isa-isa o sa mga kuwerdas ay kukunin sa clavier o anumang iba pang instrumento o inilathala ng mga bagay - isang kampana, isang baso, isang orasan. Sa huli, siya ay mag-improvise hindi lamang sa harpsichord, kundi pati na rin sa organ hangga't gusto ng madla, at sa alinman, kahit na ang pinakamahirap, mga susi na tinatawag nila sa kanya ... "Mga unang paglalakbay sa konsiyerto. Nagpasya si Leopold Mozart na magsimulang gumawa ng mga paglalakbay sa konsiyerto sa mga pangunahing sentro ng musika kasama ang kanyang mga anak na may likas na matalino. Ang unang paglalakbay - sa lungsod ng Munich ng Aleman - ay naganap noong simula ng 1762, nang si Wolfgang ay halos anim na taong gulang. Makalipas ang anim na buwan, pumunta ang pamilya Mozart sa Vienna. Doon, nagtanghal sina Wolfgang at Nannerl sa imperial court, nagkaroon ng matunog na tagumpay, at pinaulanan sila ng mga regalo. Noong tag-araw ng 1763 ang Mozarts ay nagsagawa ng isang mahusay na paglalakbay sa Paris at London. Ngunit binisita muna nila ang isang bilang ng mga lungsod ng Aleman, at sa pagbabalik - muli sa Paris, pati na rin sa Amsterdam, The Hague, Geneva at ilang iba pang mga lungsod. Ang mga pagtatanghal ng mga maliliit na Mozarts, lalo na si Wolfgang, ay pumukaw ng sorpresa at paghanga sa lahat ng dako, kahit na sa pinakakahanga-hangang mga korte ng hari. Ayon sa kaugalian ng mga panahong iyon, si Wolfgang ay nagpakita sa harap ng isang marangal na madla sa isang burdado na itim na suit at isang pulbos na peluka, ngunit sa parehong oras siya ay kumilos na may purong parang bata na spontaneity, maaari niyang, halimbawa, tumalon sa kanyang mga tuhod sa empress. . Ang mga konsyerto na tumagal ng 4-5 na oras nang sunud-sunod ay nakakapagod para sa maliliit na musikero, at para sa publiko ay naging isang uri ng libangan. Narito ang sinabi sa isa sa mga anunsyo: “... Isang batang babae sa ikalabindalawang taon at isang batang lalaki sa ikapitong taon ay magpapatugtog ng isang harpsichord concerto. .. Bilang karagdagan, ang isang batang lalaki 36 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Ang tour ng konsiyerto ay nagpatuloy nang higit sa tatlong taon at nagdala kay Wolfgang ng maraming iba't ibang mga karanasan. Narinig niya ang isang malaking bilang ng mga instrumental at vocal na gawa, nakilala ang ilang mga natitirang musikero (sa London - kasama ang bunsong anak ni Johann Sebastian Bach, Johann Christian). Sa pagitan ng mga pagtatanghal, masigasig na pinag-aralan ni Wolfgang ang komposisyon. Sa Paris, apat sa kanyang mga sonata para sa violin at harpsichord ang lumabas sa print, na nagpapahiwatig na ito ay mga gawa ng isang pitong taong gulang na batang lalaki. Sa London, isinulat niya ang kanyang mga unang symphony. Bumalik sa Salzburg at manatili sa Vienna. Unang opera. Sa pagtatapos ng 1766 ang buong pamilya ay bumalik sa Salzburg. Si Wolfgang ay nagsimulang sistematikong makisali sa pamamaraan ng pagbubuo sa ilalim ng patnubay ng kanyang ama. Ginugol ng mga Mozarts ang buong 1768 sa Vienna. Sa ilalim ng isang kontrata sa teatro, isinulat ng labindalawang taong gulang na si Wolfgang, kasunod ng mga modelong Italyano, ang buffa opera na The Imaginary Simple Girl sa loob ng tatlong buwan. Nagsimula ang mga rehearsals, ngunit nagsimulang ipagpaliban ang pagtatanghal at pagkatapos ay ganap na nakansela (marahil sa mga intriga ng mga naiinggit). Ito ay naganap lamang sa susunod na taon sa Salzburg. Sa Vienna, si Wolfgang ay gumawa din ng maraming iba pang mga piraso ng musika, kabilang ang limang symphony, at matagumpay na naisagawa ang kanyang solemne na Misa sa pagtatalaga ng isang bagong simbahan. Mga biyahe papuntang Italy. Mula sa katapusan ng 1769 hanggang sa simula ng 1773, si Wolfgang Amadeus ay gumawa ng tatlong mahabang paglalakbay sa paligid ng Italya kasama ang kanyang ama. Sa "lupain ng musika" na ito, ang batang Mozart ay gumanap nang may mahusay na tagumpay sa higit sa isang dosenang lungsod, kabilang ang Roma, Naples, Milan, Florence. Isinagawa niya ang kanyang mga symphony, tumugtog ng harpsichord, violin at organ, improvised sonata at fugues sa mga ibinigay na tema, arias sa ibinigay na mga teksto, mahusay na tumugtog ng mahihirap na gawa mula sa paningin at paulit-ulit ang mga ito sa iba pang mga susi. Dalawang beses siyang bumisita sa Bologna, kung saan sa loob ng ilang panahon ay kumuha siya ng mga aralin mula sa sikat na guro - theorist at kompositor na si Padre Martini. Mahusay na nakapasa sa mahirap na pagsubok (na nagsulat ng polyphonic composition gamit ang kumplikadong polyphonic techniques), ang labing-apat na taong gulang na si Mozart ay nahalal na miyembro ng Bologna Philharmonic Academy bilang isang espesyal na pagbubukod. At ayon sa charter, tanging mga musikero na umabot na sa dalawampung taong gulang at may karanasan sa paunang pananatili sa awtoridad na institusyong ito ang pinahihintulutan dito. Sa Roma, bumisita sa Sistine Chapel sa Vatican (paninirahan ng papa) 29, minsang narinig ni Mozart ang isang malaking polyphonic spiritual composition para sa dalawang koro ng ika-17 siglong Italyano na kompositor na si Gregorio Allegri. Ang gawaing ito ay itinuturing na pag-aari ng Papa at hindi pinapayagang kopyahin o ipamahagi. Ngunit isinulat ni Mozart ang buong kumplikadong marka ng koro mula sa memorya, at kinumpirma ng papal chorister ang katumpakan ng pag-record. Ang Italya - isang mahusay na bansa hindi lamang ng musika, kundi pati na rin ng mga pinong sining at arkitektura - ay nagbigay kay Mozart ng maraming artistikong impresyon. Lalo siyang nabighani sa pagbisita sa mga opera house. Ang binata ay lubos na pinagkadalubhasaan ang Italyano na istilo ng opera na sumulat siya ng tatlong opera sa maikling panahon, na pagkatapos ay itinanghal na may malaking tagumpay sa Milan. Ito ay dalawang opera-serye - "Mithridates, King of Pontus" at "Lucius Sulla" - at isang pastoral opera sa mythological plot na "Ascanio in Alba"30. Mga Biyahe sa Vienna, Munich, Mannheim, Paris. Sa kabila ng napakatalino na malikhain at tagumpay sa konsiyerto, si Wolfgang Amadeus ay nabigo na makakuha ng serbisyo sa korte ng alinman sa mga pinuno ng mga estadong Italyano. Kinailangan kong bumalik sa Salzburg. Dito, sa halip na ang namatay na arsobispo, isang bago, mas despotiko at bastos na pinuno ang naghari. Naging mas mahirap para sa mga Mozarts, na nasa kanyang serbisyo, na tumanggap ng bakasyon para sa mga bagong biyahe. At ang opera house, kung saan ninanais ni Mozart na bumuo, ay hindi magagamit sa Salzburg, at ang iba pang mga pagkakataon para sa aktibidad ng musika ay limitado. Ang paglalakbay sa Vienna para sa dalawang musikero ay posible lamang salamat sa katotohanan na ang Salzburg Archbishop mismo ay nais na bisitahin ang kabisera ng Austria. Nag-aatubili, binigyan din niya ng pahintulot ang mga Mozart na maglakbay sa; Munich, kung saan itinanghal ang bagong opera buffa ng batang kompositor. At para sa susunod na paglalakbay, tanging si Wolfgang Amadeus lamang ang nakakuha ng pahintulot nang napakahirap. Ang kanyang ama ay napilitang manatili sa Salzburg, at ang kanyang ina ay sumama sa kanyang anak. Ang unang mahabang paghinto ay naganap sa German city ng Mannheim. Dito ay malugod na tinanggap sina Wolfgang Amadeus at Anna Maria sa kanyang bahay ng isa sa mga pinuno ng sikat na symphony orchestra noon, isang kinatawan ng pre-classical na Mannheim composer school. Sa Mannheim, ang Mozart ay binubuo ng mga artistang Italyano, kasama si Michelangelo. 30 Ang Kaharian ng Pontus ay isang sinaunang estado sa Itim na Dagat, pangunahin ang kasalukuyang baybayin ng Turko ("Pont Euxinus", ibig sabihin, "mapagpatuloy na dagat", ang sinaunang pangalan ng Griyego para sa Black Sea). Si Lucius Sulla ay isang sinaunang Griyego na militar at politikal na pigura. Ang Pastoral (mula sa salitang Italyano na "pastore" - "pastol") ay isang gawain na may isang balangkas na nag-iisa sa buhay sa dibdib ng kalikasan. Sistine Chapel - tahanan ng simbahan ng mga papa sa Vatican; ito ay itinayo noong ika-15 siglo sa ilalim ni Pope Sixtus IV. Ang mga dingding at kisame ng kapilya ay pininturahan ng mahusay na 29 37 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Ruso ng isang bilang ng mga gawa, karamihan ay instrumental, na minarkahan ng mature na istilo ng musika. Ngunit wala ring permanenteng bakanteng trabaho para kay Wolfgang Amadeus dito. Noong tagsibol ng 1778, dumating si Mozart at ang kanyang ina sa Paris. Gayunpaman, ang pag-asang makakuha ng tunay na pagkilala doon at sakupin ang isang kilalang posisyon ay hindi natupad. Sa kabisera ng France, ang himalang bata, ang tila buhay na laruang ito, ay nakalimutan na, at hindi nila nakilala ang umuunlad na talento ng batang musikero. Hindi pinalad si Mozart sa organisasyon ng mga konsyerto, o sa pagtanggap ng order para sa isang opera. Nabuhay siya sa malungkot na kita mula sa mga aralin, para sa teatro ay maaari lamang siyang magsulat ng musika para sa isang maliit na ballet na "Trinkets". Ang mga bagong kahanga-hangang gawa ay lumabas mula sa ilalim ng kanyang panulat, ngunit pagkatapos ay hindi sila nakakaakit ng seryosong atensyon sa kanilang sarili. At sa tag-araw ni Wolfgang Amadeus ay dumanas ng matinding kalungkutan: nagkasakit ang kanyang ina at namatay. Sa unang bahagi ng susunod na taon, bumalik si Mozart sa Salzburg. Opera Idomeneo. Makipaghiwalay sa arsobispo at lumipat sa Vienna. Ang pinakamahalagang kaganapan sa mga darating na taon para kay Mozart ay ang paglikha at pagtatanghal ng opera na Idomeneo, Hari ng Crete sa Munich, ang mahusay na tagumpay nito. Dito pinagsama ang pinakamahusay na mga katangian ng Italian opera seria sa mga prinsipyo ng operatic reform ni Gluck. Naging daan ito para sa paglitaw ng malinaw na orihinal na mga obra maestra ng opera ni Mozart. ... Ito ay 1781. Si Mozart ay 25 taong gulang. Siya ang may-akda ng tatlo at kalahating daang mga gawa, puno ng mga bagong malikhaing ideya. At para sa arsobispo ng Salzburg, siya ay isang tagapaglingkod lamang sa musika, na pinahihirapan at pinapahiya ng mayabang at despotikong master, pinipilit siyang umupo sa mesa sa silid ng mga tao "sa itaas ng mga tagapagluto, ngunit sa ibaba ng mga alipin", ay hindi pinapayagan siya. umalis kahit saan o gumanap kahit saan nang walang pahintulot. . Ang lahat ng ito ay naging hindi mabata para kay Mozart, at nagsumite siya ng kanyang pagbibitiw. Dalawang beses siyang tinanggihan ng arsobispo sa pamamagitan ng mga sumpa at pang-iinsulto, at walang pakundangan na pinaalis ng kanyang kasama ang musikero sa pintuan. Ngunit siya, na nakaranas ng espirituwal na pagkabigla, ay nanatiling matatag sa kanyang desisyon. Si Mozart ang unang mahusay na kompositor na buong pagmamalaki na humiwalay sa pinansiyal na secure ngunit umaasa na posisyon ng musikero sa korte. Vienna: ang huling dekada. Si Mozart ay nanirahan sa Vienna. Paminsan-minsan lamang siya saglit na umalis sa kabisera ng Austrian, halimbawa, na may kaugnayan sa unang produksyon ng kanyang opera na Don Giovanni sa Prague o sa panahon ng dalawang paglilibot sa konsiyerto sa Alemanya. Noong 1782, pinakasalan niya si Constance Weber, na nakilala sa kanyang masayang disposisyon at musika. Sunud-sunod, ipinanganak ang mga bata (ngunit sa anim, apat ang namatay bilang mga sanggol). Ang mga kinita ni Mozart mula sa mga pagtatanghal ng konsiyerto bilang isang tagapalabas ng kanyang clavier na musika, mula sa paglalathala ng mga komposisyon at produksyon ng mga opera ay hindi regular. Bilang karagdagan, si Mozart, bilang isang mabait, mapagkakatiwalaan at hindi praktikal na tao, ay hindi alam kung paano maingat na pamahalaan ang mga usapin sa pera. Ang appointment sa pagtatapos ng 1787 sa kakarampot na bayad na posisyon ng musikero ng silid ng korte, na inutusan na gumawa lamang ng musika ng sayaw, ay hindi nagligtas sa kanya mula sa madalas na karanasan na pangangailangan para sa pera. Para sa lahat ng iyon, sa sampung taon ng Viennese, lumikha si Mozart ng higit sa dalawa at kalahating daang mga bagong gawa. Kabilang sa mga ito ay sumikat ang kanyang pinakamaliwanag na artistikong tagumpay sa maraming genre. Sa taon ng kasal ni Mozart, ang kanyang singspiel na The Abduction from the Seraglio, sparkling, ay itinanghal sa Vienna na may malaking tagumpay; katatawanan31. At ang opera-buffa na "The Marriage of Figaro", orihinal ni; genre na "jolly drama" "Don Juan" at ang fairy tale na "Magic Flute", na lumitaw sa mga huling taon ng Viennese, ay nabibilang sa pinakamataas na mga taluktok na naabot ng musical theater sa lahat! kanyang kasaysayan. Tatlo sa kanyang pinakamahusay na symphony, na naging huli, kasama ang isa sa G minor (No. 40), isinulat ni Mozart noong tag-araw ng 1788. Sa parehong dekada, maraming iba pang mga instrumental na gawa ng kompositor ang lumitaw - ang apat na bahagi na orkestra na "Little Night Serenade", isang bilang ng mga piano concerto, sonata, at iba't ibang chamber ensembles. Inialay ni Mozart ang anim sa kanyang mga string quartet kay Haydn, kung saan nakabuo siya ng mainit na pagkakaibigan. Sa malaking interes, pinag-aralan ni Mozart ang mga gawa nina Bach at Handel sa mga taong ito. Ang pinakahuling gawa ni Mozart ay ang Requiem, isang misa para sa mga patay para sa koro, soloista at orkestra. Noong Hulyo 1791, ito ay iniutos sa kompositor ng isang lalaki na hindi gustong ibigay ang kanyang pangalan. Ito ay tila mahiwaga, maaaring magbunga ng mapanglaw na forebodings. Pagkalipas lamang ng ilang taon, lumabas na ang order ay nagmula sa isang Viennese count na gustong bumili ng gawa ng ibang tao at ipasa ito bilang sarili niya. Malubhang may sakit, hindi nakumpleto ni Mozart ang Requiem. Nakumpleto ito ayon sa mga draft ng isa sa mga estudyante ng kompositor. Mayroong isang kuwento na sa bisperas ng pagkamatay ng mahusay na musikero, na sumunod noong gabi ng Disyembre 5, 1791, ang mga kaibigan ay kumanta kasama niya ng mga bahagi ng hindi pa natapos na gawain. Alinsunod sa malungkot na disenyo sa Requiem, ang inspiradong liriko at dramatikong pagpapahayag ng musika ni Mozart ay nakakuha ng espesyal na kadakilaan at kaseryosohan. Dahil sa kakulangan ng pondo, inilibing si Mozart sa isang karaniwang libingan para sa 31 32 Seraglio - ang babaeng kalahati sa mga tahanan ng mayayamang silangan na maharlika. Ang salitang Latin na "requiem" ay nangangahulugang "kapayapaan". 38 www.classON.ru Ang edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia ay mahirap, at ang eksaktong lugar ng kanyang libing ay nananatiling hindi alam. para kay Susanna, ang kondesa na nakasuot ng kanyang damit. Dahil sa kahihiyan ng kanyang asawa, napilitan si Almaviva na hindi na pigilan sina Figaro at Susanna na ipagdiwang ang kanilang kasal, na nagtatapos sa isang "nakabaliw na araw" nang masaya at masaya, puno ng lahat ng uri ng hindi inaasahang mga kaganapan. Nagsisimula ang opera sa isang overture na nakakuha ng mahusay na katanyagan at madalas na ginagampanan sa mga konsyerto ng symphony 34. Hindi tulad ng maraming iba pang mga overture, ang overture na ito ay hindi gumagamit ng mga tema na tumutunog sa mismong opera. Dito ay malinaw na ipinahahayag ang pangkalahatang kalagayan ng kasunod na pagkilos, ang kaakit-akit na bilis nito at nagngangalit na kagalakan. Ang overture ay nakasulat sa sonata form, ngunit walang pag-unlad, na pinalitan ng isang maikling koneksyon sa pagitan ng exposition at reprise. Kasabay nito, ang limang tema ay malinaw na nakikilala, mabilis na pinapalitan ang bawat isa. Ang una at pangalawa sa kanila ay bumubuo sa pangunahing batch, ang ikatlo at ikaapat - ang gilid na batch, ang ikalima - ang huling batch. Ang lahat ng mga ito ay masigla, ngunit sa parehong oras ang bawat isa ay may sariling espesyal na karakter. Ang unang tema ng pangunahing bahagi, na tinutugtog ng mga instrumentong kuwerdas at bassoon nang sabay-sabay, ay mabilis na gumagalaw, na may maliksi na liksi: Mga tanong at takdang-aralin 1. Ano ang pagkakatulad ng musika ni Mozart sa musika ni Haydn? At ano ang pagkakaiba sa pagitan ng mga artistikong interes ng dalawang klasikong Viennese na ito? 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa pamilya at maagang pagkabata ni Wolfgang Amadeus Mozart. 3. Sa anong mga bansa at lungsod gumanap si Mozart noong bata pa siya? Kumusta ang mga pagtatanghal na ito? 4. Sa anong edad isinulat ni Mozart ang kanyang unang opera buffa? Ano ang tawag dito at saan ito inilagay? 5. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga paglalakbay ng batang Mozart sa Italya. 6. Anong mga lungsod ang binisita ni Mozart mamaya? Naging matagumpay ba ang kanyang paglalakbay sa Paris? 7. Sabihin sa amin ang tungkol sa pahinga ni Mozart sa Arsobispo ng Salzburg. 8. Ilarawan ang huling dekada ng buhay at trabaho ni Mozart. Pangalanan ang mga pangunahing akda na nilikha niya sa panahong ito. Opera "The Marriage of Figaro" Ang premiere ng opera ni Mozart na "The Marriage of Figaro" ay naganap sa Vienna noong 1786. Ang kompositor mismo ang nagsagawa ng harpsichord para sa unang dalawang pagtatanghal. Ang tagumpay ay napakalaki, marami ngunit ang panukala ay inulit para sa mga encore. Ang libretto (tekstong pandiwa) ng opera na ito sa apat na akto ay isinulat sa Italyano ni Lorenzo da Ponte batay sa komedya ng manunulat na Pranses na si Beaumarchais Crazy Day, o The Marriage of Figaro. Noong 1875, isinalin ni P. I. Tchaikovsky ang libretto na ito sa Russian, at sa kanyang pagsasalin ang opera ay ginaganap sa ating bansa. Tinawag ni Mozart ang The Marriage of Figaro bilang isang opera buffa. Ngunit ito ay hindi lamang isang nakakaaliw na komedya na may mga nakakatawang sitwasyon. Ang mga pangunahing tauhan ay inilalarawan ng musika bilang iba't ibang buhay na tauhan ng tao. At ang pangunahing ideya ng paglalaro ni Beaumarchais ay malapit kay Mozart. Sapagkat ito ay binubuo ng katotohanan na ang lingkod ng Count Almaviva Figaro at ang kanyang nobya, ang lingkod na si Susanna, ay naging mas matalino at mas disente kaysa sa kanilang may titulong panginoon, na ang mga intriga ay deftly nilang ibinunyag. Ang bilang mismo ay nagustuhan si Susanna, at sinusubukan niyang ipagpaliban ang kanyang kasal. Ngunit sina Figaro at Susanna ay mapanlikhang nagtagumpay sa lahat ng mga balakid na lumitaw, na umaakit sa asawa ng konde at ang batang pahinang si Cherubino sa kanilang tabi.sa paglilingkod sa isang marangal na tao. Ang nag-uugnay na tema ng pangunahing partido, ang partidong napuno ay higit na naiiba. Alalahanin na ang salitang "overture" ay nagmula sa pandiwang Pranses na "ouvrir", na nangangahulugang "magbukas", "magsimula". 33 34 39 www.classON.ru matapang Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Ruso na may sukat na mga sipi, ang unang tema ng gilid na bahagi ay lilitaw, ang himig na kung saan ay ginagampanan ng mga biyolin. Ang tema ay may rhythmically whimsical, bahagyang paiba-iba, ngunit paulit-ulit na karakter: vocal number. Kaya, ang unang solong numero sa bahagi ng Figaro (ipinagkatiwala sa kanya ang baritone) - isang maliit na aria (cavatina) - ay tumunog kaagad pagkatapos ipaalam ni Susanna sa kanyang kasintahan na ang bilang ay nagsimulang ituloy ang kanyang panliligaw. Kaugnay nito, panunuya ni Figaro ang isang himig sa galaw ng isang minuet - isang galante na sayaw ng mataas na lipunan (ang matinding mga seksyon ng three-part reprise form ng cavatina): Ang pangalawang tema ng gilid na bahagi ay kahawig ng mga mapagpasyang tandang: At ang ang tema ng huling bahagi ay ang pinakabalanse, na parang inaayos ang lahat: ang mga bahagi ay paulit-ulit na sa pangunahing susi ng D major. Sila ay sinamahan ng isang coda, na lalong nagbibigay-diin sa masayahin at masiglang katangian ng overture. Sa Mozart opera na ito, ang isang malaking lugar ay inookupahan ng mga vocal ensemble, pangunahin ang mga duet (para sa dalawang karakter) at terzetas (para sa tatlong karakter). Pinaghihiwalay sila ng mga recitative na sinasabayan ng harpsichord. At ang pangalawa, pangatlo at huli, pang-apat, ay nagtatapos sa finals - malalaking ensemble na may partisipasyon ng anim hanggang labing-isang character. Ang mga solo ay kasama sa dynamic na pag-unlad ng aksyon sa iba't ibang paraan. Sa gitnang seksyon ng cavatina, ang pinigilan na paggalaw ay pinalitan ng isang matulin, isang eleganteng three-beat melody ay pinalitan ng isang assertive two-beat one. Dito ay determinado nang ipinahayag ni Figaro ang kanyang intensyon na pigilan ang mapanlinlang na "mga plano ng kanyang panginoon sa lahat ng mga gastos: Ito ay naka-address sa batang pahinang Cherubino. Hindi niya sinasadyang narinig kung paano sinubukan ng count na ipahayag ang kanyang pagmamahal kay Suzanne, at ang gayong hindi gustong saksi ay inutusang pumunta sa serbisyo militar. Sa kanyang aria, si Figaro ay masayahin at nakakatawang tinutuya ang sitwasyon, nagpinta ng isang binata na pinalayaw ng buhay ng hukuman, mga larawan ng malupit na buhay militar. Sa musika, ito ay makikita sa pamamagitan ng isang mahusay na kumbinasyon ng nakakapukaw na sayaw na may "militanteng" fanfare moves. Ito ang refrain na tatlong beses na tumutunog sa anyo ng isang rondo: Ang isa naman ay isang maliit na aria na parang kanta na "Mainit na dugo ang nagpapasigla sa puso." Ito ay isang mas pinipigilang pag-amin ng magiliw na damdamin, mahiyain na hinarap sa Kondesa mismo: Si Susanna (soprano) ay inilarawan sa maraming grupo bilang masipag, magaling at maparaan, hindi mas mababa dito kay Figaro. Kasabay nito, ang kanyang imahe ay subtly poeticized sa maliwanag dreamy aria mula sa ika-apat na gawa. Sa loob nito, si Susanna ay nasa isip ni Figaro na may banayad na apela: Tulad ng para kay Cherubino mismo (ang kanyang bahagi ay ginampanan ng isang mababang boses ng babae - mezzo-soprano), siya ay inilarawan sa dalawang arias bilang isang masigasig na binata, hindi pa rin maintindihan ang kanyang sarili. damdamin, handang umibig sa lahat ng hakbang. Isa sa kanila ay parehong masaya at nanginginig na aria "Sabihin mo, hindi ko maipaliwanag." Pinagsasama nito ang melodiousness na may ritmo, na parang paulit-ulit na pumuputok sa pananabik: 41 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Mga tanong at gawain 1 . Kailan at saan nag-premiere ang Le nozze di Figaro ni Mozart? 2. Saang komedya pinagbatayan ang libretto nito? 3. Ano ang pangunahing ideya ng gawaing ito? 4. Paano binuo ang overture sa opera? 5. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga katangian ng dalawang solong numero sa bahagi ng Figaro. 6. Anong tinig ang ipinagkatiwala sa bahagi ng Cherubino? Awitin ang mga himig ng kanyang arias. 7. Paano nailalarawan si Susanna sa mga ensemble at paano - sa aria mula sa ikaapat na yugto? Ang ika-apat na pagkakaiba-iba (na may paghagis ng kaliwang kamay sa kanan), sa kabaligtaran, ay mas matapang na nagwawalis. Ang ikalimang variation, kung saan ang paunang hindi nagmamadaling tempo ng Andante grazioso ay pinalitan ng isang napakabagal - Adagio, ay isang melodious instrumental aria, na may kulay na coloratura. At pagkatapos ay ang pagbabago ng bilis sa mabilis (Allegro) ay tumutugma sa masayang katangian ng sayaw ng huling, ikaanim na pagkakaiba-iba. Ang pangalawang paggalaw ng sonata ay ang Minuet. Gaya ng dati, ito ay binuo sa isang three-movement reprise form na may eksaktong pag-uulit sa reprise ng musika ng unang kilusan. Sa pagitan ng mga ito ay ang gitnang bahagi (Trio) 35. Sa lahat ng bahagi ng Minuet, ang masculinely resolute at imperious sweeping intonation ay inihahambing sa pambabae na malumanay at makinis na intonasyon, katulad ng nagpapahayag ng liriko na mga exclamations-address. Ang Sonata sa A Major para sa kilalang sonata ni Clavier Mozart sa A major, na karaniwang tinatawag na Turkish March Sonata, ay isang hindi pangkaraniwang ikot ng pagkakagawa. Ang unang paggalaw dito ay hindi isang sonata allegro, ngunit anim na mga pagkakaiba-iba sa isang magaan at kalmado, mapanlikhang magandang tema. Mukhang isang kanta na maaaring kantahin sa isang maganda at mapayapang mood sa buhay musikal ng Viennese. Sa malumanay nitong pag-indayog na ritmo, may pagkakahawig sa paggalaw ng Siciliana - isang lumang Italyano na sayaw o dance song: Tinawag ng kompositor ang ikatlong bahagi ng sonata (panghuling) "A11a Turca" - "Sa Turkish na paraan." Nang maglaon, ang pangalang "Turkish March" ay itinalaga sa finale na ito. Walang pagkakatulad sa intonational na istraktura ng Turkish folk at propesyonal na musika, na hindi karaniwan para sa mga tainga ng Europa. Ngunit noong ika-18 siglo, sa European, pangunahin ang theatrical music, isang fashion ang lumitaw para sa mga martsa, na karaniwang tinatawag na "Turkish". Ginagamit nila ang timbre na kulay ng "Janissary" orkestra, na pinangungunahan ng hangin at mga instrumentong percussion - malaki at snare drums, cymbals, triangle. Ang mga sundalo ng mga yunit ng infantry ng hukbong Turko ay tinawag na Janissaries. Ang musika ng kanilang mga martsa ay nakita ng mga Europeo bilang ligaw, maingay, "barbaric". Walang matalim na kaibahan sa pagitan ng mga pagkakaiba-iba, ngunit lahat sila ay may iba't ibang karakter. Sa unang pagkakaiba-iba, nangingibabaw ang kaaya-ayang kakaibang melodic na paggalaw, sa pangalawa - ang matikas na paglalaro ay pinagsama sa isang nakakatawang kulay (kapansin-pansin ang "pilyo" na mga tala ng grasya sa kaliwang bahagi). Ang ikatlong pagkakaiba-iba - ang tanging nakasulat na hindi sa A major, ngunit sa A minor - ay puno ng bahagyang malungkot na melodic figurations, gumagalaw nang pantay-pantay, na parang may banayad na pagkamahiyain: Sa dulo ng Trio mayroong notasyon na "Minuetto da capo" . Italyano - "mula sa ulo", "mula sa simula". 35 "Da capo" isinalin mula sa 42 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining ng Russia Ang finale ay nakasulat sa isang hindi pangkaraniwang anyo. Maaari itong tukuyin bilang isang tatlong-bahaging koro (sa A major). Ang paulit-ulit na pag-uulit ng koro ay nagbibigay sa istruktura ng finale ng mga katangian ng isang rondo. Ang unang paggalaw - na may madaling "paikot" na mga motif (Isang menor) - at ang gitnang kilusan - na may malamyos na paggalaw ng sipi (F-sharp minor) - natural na pinagsama ang kaaya-ayang sayaw na may malinaw na pagtapak sa pagmamartsa: Sa loob ng mahabang panahon ay pinaniniwalaan na Binubuo ni Mozart ang sonata sa A major noong tag-araw ng 1778 taon sa Paris. Ngunit pagkatapos ay natuklasan nila ang impormasyon na nangyari ito makalipas ang ilang taon, sa Vienna. Ang ganitong impormasyon ay higit na kapani-paniwala dahil doon, noong 1782, naganap ang premiere ng singspiel ni Mozart na "The Abduction from the Seraglio". Sa loob nito, ang aksyon ay nagaganap sa Turkey, at sa musika ng overture, at sa dalawang march-like choirs, ang imitasyon ng "Janissary" na musika ay kapansin-pansin. Tsaka maingay ba? Idinagdag ni Mozart ang forging "Janissary" coda sa A major sa finale ng mga senado noong 1784 lamang, nang mailathala ang akda. Kapansin-pansin din na sa sonata, tulad ng "The Abduction from the Seraglio", isang malaking papel ang nabibilang sa mga genre ng kanta at martsa. Sa lahat ng ito, ang koneksyon ng instrumental na musika sa theatrical music, na napaka katangian ng Mozart, ay ipinakita. Mga tanong at gawain 1. Ano ang hindi pangkaraniwan sa cycle sa sonata ni Mozart sa A major? Sabihin sa amin ang tungkol sa katangian ng tema at anim na pagkakaiba-iba nito sa unang bahagi ng gawaing ito. 2. Anong genre ng sayaw ang ginamit sa ikalawang bahagi ng sonata? 3. Ipaliwanag kung bakit tinawag na Turkish March ang finale ng sonata sa A major. Ano ang kakaiba ng pagtatayo nito? Kantahin ang mga pangunahing tema nito. 4. Anong musikal at teatro na gawa ni Mozart ang umaalingawngaw sa musika ng kanyang "Turkish March"? Symphony in G Minor Binubuo sa Vienna noong 1788, ang Symphony sa G minor! (No. 40) ay isa sa mga pinaka-inspiradong gawa ng mahusay na kompositor. Ang unang paggalaw ng symphony ay isang sonata allegro sa napakabilis na tempo. Nagsisimula ito sa tema ng pangunahing bahagi, na agad na nakakaakit bilang isang kumpidensyal, taos-pusong liriko na pag-amin. Ito ay inaawit ng mga biyolin sa mahinang pag-indayog ng iba pang mga instrumentong may kwerdas. Ang parehong nasasabik na ritmo ay nakikilala sa himig nito tulad ng sa simula ng unang aria ni Cherubino mula sa opera na The Marriage of Figaro (tingnan ang halimbawa 37). Ngunit ngayon ay mas "pang-adulto", seryoso at matapang na lyrics: Ang chorus (sa A major) ay tumunog nang tatlong beses, ito ay parang isang uri ng "Janissary noise refrain", sa bahagi ng kaliwang kamay isang imitasyon ng drum roll ay narinig: Sa bagay na ito, ang "Turkish March" minsan ay tinatawag na "Rondo sa Turkish style" ("Rondo alla Turca"). 36 43 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa larangan ng sining sa Russia Isang maliit na pag-unlad). Ngunit walang mga kaibahan sa loob nito, lahat ay sumusunod sa pangkalahatang maliwanag na kalagayan, na tinutukoy mula pa sa simula sa pangunahing bahagi na tumutunog sa mga instrumentong may kuwerdas: Ang pagkalalaki ng karakter ay pinahusay sa bahaging nag-uugnay, kung saan umuunlad ang pangunahing bahagi. . Mayroong modulasyon sa B-flat major na kahanay sa G minor - ang susi ng bahaging bahagi. Ang tema nito ay mas magaan, mas kaaya-aya at pambabae kumpara sa pangunahing tema. Ito ay may kulay sa pamamagitan ng chromatic na intonations, pati na rin ang paghahalili ng mga timbre ng stringed at woodwind na mga instrumento: Sa ikapitong bar, isang bahagyang "fluttering" figure ng dalawang tatlumpu't segundong mga nota ay lilitaw dito. Sa hinaharap, ito ay tumagos sa melodic na mga linya ng lahat ng mga tema, pagkatapos ay tila balot sa kanila, na lumilitaw sa iba't ibang mga rehistro na may iba't ibang mga instrumento. Ito ay parang umalingawngaw ng mga tinig ng mapayapang kalikasan. Minsan lang medyo nabalisa, naririnig na sila ngayon malapit, tapos sa malayo. Ayon sa itinatag na tradisyon, ang ikatlong paggalaw ng simponya ay ang Minuet. Ngunit sa loob nito lamang ang gitnang bahagi - ang Trio - ay malinaw na tradisyonal. Sa makinis nitong paggalaw, melodiousness ng mga boses at tonality sa G major, itinatakda ng Trio ang G-minor na pangunahing, matinding mga seksyon ng Minuet na ito, na sa kabuuan ay hindi pangkaraniwan sa mga tuntunin ng liriko at dramatikong tensyon. Tila pagkatapos ng tahimik na pagmumuni-muni ng kalikasan, na nakapaloob kay Andante, ngayon ay kailangan kong bumalik sa mundo ng mga espirituwal na pagkabalisa at kaguluhan na nangingibabaw sa unang bahagi ng simponya. Ito ay tumutugma sa pagbabalik ng pangunahing susi ng symphony - G minor: Isang bagong pagsabog ng enerhiya ang nangyayari sa huling bahagi. Narito ang nangungunang papel ay nabibilang sa paulit-ulit at patuloy na pag-unlad ng una - tatlong-tunog - motif ng tema ng pangunahing partido. Sa simula ng isang medyo malawak na pag-unlad, ang mga ulap ay tila nababalisa. Mula sa magaan na B-flat major ay may biglang pagliko sa madilim na malayong susi ng F-sharp minor. Sa pag-unlad, ang tema ng pangunahing partido ay umuunlad nang malaki. Dumadaan ito sa isang buong hanay ng mga susi, nahahati sa magkakahiwalay na mga parirala at motif, at kadalasang ginagaya ang mga ito sa iba't ibang boses ng orkestra. Ang unang motibo ng temang ito ay pumipintig nang husto. Ngunit sa wakas ang kanyang pintig ay humina, pinipigilan ang kanyang panginginig, at dumating ang isang pagbabalik. Gayunpaman, ang epekto ng mataas na dramatikong intensity na nakamit sa pag-unlad ay makikita sa seksyong ito ng unang bahagi. Dito, ang haba ng connecting part ay tumataas nang malaki, ito ay humahantong sa pagtatanghal ng gilid at mga huling bahagi na hindi na major, ngunit sa pangunahing key ng G minor, na ginagawang mas dramatic ang kanilang tunog. Ang pangalawang paggalaw ng simponya ay si Andante sa E flat major. Kabaligtaran nito ang liriko-dramatikong unang bahagi na may malambot at banayad na katahimikan. Ang anyo ng Andante ay sonata din (na ang G minor ang pangunahing susi at ang ikaapat na bahagi ng simponya - ang pangwakas, na tumatakbo sa napakabilis na bilis. Ang pangwakas ay nakasulat sa anyong sonata. Ang nangungunang tema sa bahaging ito ng simponya ay ang tema ng pangunahing bahagi.Kasama ang tema ng pangunahing bahagi ng unang bahagi, nabibilang ito sa pinakamaliwanag na tema ng instrumental ng Mozart. Ngunit kung ang tema sa unang kilusan ay parang isang malambot at magalang na liriko na pag-amin, kung gayon ang tema ng pagtatapos ay isang madamdamin na liriko-dramatikong apela, puno ng tapang at kami ay magpapasya 44 www.classON.ru Edukasyon ng mga bata sa sining ng Russia 2. Sabihin sa amin ang tungkol sa mga pangunahing tema ng unang bahagi ng symphony at ang kanilang pag-unlad. 3. Ano ang katangian ng musika sa ikalawa at ikatlong bahagi ng simponya? 4. Ano ang pangunahing tema sa pagtatapos ng simponya? Paano naiiba ang karakter nito sa karakter ng tema ng pangunahing bahagi ng unang kilusan? 5. Paano nabuo ang tema ng pangunahing bahagi ng finale? Ano ang batayan ng pag-unlad sa pag-unlad? Pangunahing Mga Akda Ang nagniningas na apela na ito ay nilikha ng mabilis na pagtaas ng melody kasama ng mga tunog ng mga chord, at ang masiglang melodic figure na umiikot sa paligid ng isang tunog ay tila tumutugon sa salpok nito. Tulad ng sa unang paggalaw ng symphony, ang matikas na tema ng gilid na bahagi ng finale ay lalong maliwanag sa eksposisyon kapag ito ay ginanap sa B flat major: 19 operas Requiem Humigit-kumulang 50 symphony 27 concertos para sa clavier at orchestra 5 concerto para sa biyolin at orkestra Mga konsiyerto na may saliw ng orkestra para sa mga plauta, klarinete, bassoon, sungay, plawta na may alpa Mga kuwerdas na kuwerdas (higit sa 20) at mga quintets Sonatas para sa clavier, para sa violin at clavier Mga pagkakaiba-iba, pantasya, rondos, minuet para sa clavier Ang huling bahagi ay batay sa ang pangalawang elemento ng tema ng pangunahing bahagi. Sa pagbuo ng finale, ang una, invocative na elemento ng tema ng pangunahing partido ay masinsinang bubuo. Ang mataas na dramatikong pag-igting ay nakakamit sa pamamagitan ng konsentrasyon ng mga harmonic at polyphonic na pamamaraan ng pag-unlad - pagsasagawa sa maraming mga key at imitative roll calls. Sa reprise, bahagyang natatabunan ng kalungkutan ang pagganap ng bahaging bahagi sa pangunahing susi ng G minor. At ang pangalawang elemento ng tema ng pangunahing bahagi (nagpapatibay, masiglang mga pigura), tulad ng sa paglalahad, ay tumutunog sa gitna ng huling bahagi sa muling pagbabalik. Bilang resulta, ang finale sa mapanlikhang Mazart na ito ay bumubuo ng isang maliwanag na liriko at dramatikong tugatog ng buong sonata-symphonic cycle, na walang uliran sa pagiging layunin nito sa pamamagitan ng makasagisag na pag-unlad. Si Ludwig van Beethoven 1770-1827 Ang mahusay na kompositor ng Aleman na si Ludwig van Beethoven ay ang pinakabata sa tatlong makikinang na musikero na tinatawag na mga klasikong Viennese. Si Beethoven ay nangyari na nabuhay at lumikha na sa pagliko ng ika-17 at ika-19 na siglo, sa isang panahon ng malalaking pagbabago at kaguluhan sa lipunan. Ang kanyang kabataan ay kasabay ng panahon, Mga Tanong at takdang-aralin 1 . Kailan at saan nilikha ni Mozart ang Symphony sa G minor No. 40? 45 www.classON.ru Edukasyon sa sining ng mga bata sa Russia

Ang mga pansuportang tala sa panitikang musikal ng mga banyagang bansa ay isang karagdagan sa mga umiiral na aklat-aralin sa panitikang musikal. Ang nilalaman ng manwal ay tumutugma sa programa ng paksang PO.02.UP.03. "Musical Literature" ng karagdagang pre-professional general educational programs sa larangan ng musical art na "Piano", "String Instruments", "Wind and Percussion Instruments", "Folk Instruments", "Choral Singing", na inirerekomenda ng Ministry of Culture ng Russian Federation.

Ang pagsuporta sa mga tala sa musikal na panitikan ay idinisenyo upang bumuo ng makataong edukasyon at mga espesyal na kakayahan ng mga mag-aaral, lalo na: "... upang bumuo ng musikal na pag-iisip, mga kasanayan sa pang-unawa at pagsusuri ng mga musikal na gawa, upang makakuha ng kaalaman tungkol sa mga pattern ng musikal na anyo, tungkol sa mga detalye ng musikal na wika, nagpapahayag na paraan ng musika" 1 .

Ang aklat-aralin ay nagtatanghal ng gawain ng mga kompositor sa konteksto ng kultural at makasaysayang mga panahon, ay pinag-aralan na may malapit na koneksyon sa mga makasaysayang kaganapan at mga kaugnay na sining. Ang abstract na materyal ay ang pangunahing mga thesis ng pananaliksik sa kasaysayan ng musika at musikal na panitikan ni V. N. Bryantseva, V. S. Galatskaya, L. V. Kirillina, V. D. Konen, T. N. Livanova, I. D. Prokhorova at iba pang mga kilalang musicologist, pangkalahatan at maigsi na materyal sa pagtuturo sa anyo ng mga talahanayan, diagram at visual na suporta. Ang mga visual na suporta (mga pagpaparami ng mga pagpipinta ng mga sikat na artista, mga larawan ng mga kompositor, kanilang mga kamag-anak at kaibigan, mga kilalang pigura ng kultura at sining, mga makasaysayang figure, atbp.) Hindi lamang sinasamahan at pandagdag sa pandiwang impormasyon, ngunit mga tagapagdala ng impormasyon sa larangan ng fine sining, ay direktang nauugnay sa mga panahon at uso sa musika, ang gawain ng mga kompositor, sumasalamin sa kasaysayan, kultura at sining ng mga bansang Europeo.

Ang nilalaman ng mga sumusuportang tala ay binubuo ng apat na seksyon, na, naman, ay nahahati sa mga paksang sumasaklaw sa mga panahon ng pag-unlad ng musikang European mula sa kulturang musikal ng Sinaunang Greece hanggang sa gawain ng mga romantikong kompositor noong ika-19 na siglo. Kaya't ang unang seksyon ay sinusuri ang musikal na kultura ng Sinaunang Greece, ang Middle Ages at ang Renaissance. Ang ikalawang seksyon ay pinag-aaralan ang panahon ng Baroque, ang akda nina J. S. Bach at G. F. Handel. Ang ikatlong seksyon ay nakatuon sa panahon ng klasisismo, kung saan ang diin ay ang gawain ng mga klasikong Viennese - J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart at L. Beethoven. Ang ika-apat na seksyon ay nagtatanghal ng mga materyales sa panahon ng romantikismo, ang gawain nina F. Schubert at F. Chopin, isang maikling pangkalahatang-ideya ng gawain ng mga romantikong kompositor noong ikalabinsiyam na siglo na si F. Mendelssohn, F. Liszt, R. Schumann, G. Berlioz, D. Verdi, R. Wagner, J. Brahms, J. Bizet.

Kasama rin sa manwal ang mga diksyunaryo ng mga kahulugan, termino at konsepto na matatagpuan sa teksto, isang maikling pagsusuri at mga musikal na halimbawa ng mga pinag-aralan na gawa.

Kasama ng isang mahigpit na pagtatanghal ng materyal sa mga talahanayan at mga diagram, ang manwal ay nagsasama ng mga kagiliw-giliw na katotohanan mula sa buhay ng mga kompositor, na ipinakita sa anyo ng isang salaysay at sinamahan ng mga makukulay na artistikong mga guhit, na nagre-refresh ng pang-unawa at atensyon ng mga bata.

Ang pagsuporta sa mga tala sa musikal na literatura ng mga banyagang bansa ay inilaan para sa mga mag-aaral ng Children's Art School, Children's Music School ng ikalawa at ikatlong taon ng pag-aaral (grade 5 at 6), na nag-aaral ng karagdagang pre-professional na pangkalahatang mga programang pang-edukasyon sa larangan. ng musikal na sining. Ang mga guro ng musikal-teoretikal at espesyal na mga disiplina ng mga paaralan ng musika ng mga bata, mga paaralan ng sining ng mga bata ay maaaring gumamit ng aklat-aralin kapag nag-aaral ng bagong materyal, pag-uulit at pag-systematize ng mga paksang sakop, paghahanda para sa intermediate at panghuling sertipikasyon ng mga mag-aaral, paghahanda para sa music-theoretical olympiads, independiyenteng gawain ng mga mag-aaral, grupo at indibidwal na pagsasanay, bahagyang kapag nagpapatupad ng karagdagang pangkalahatang mga programa sa pag-unlad sa mga larangan ng sining ng musika, sa mga aktibidad na pangkultura at pang-edukasyon.

Ang mga tala ng sanggunian ay sinamahan ng isang workbook, na idinisenyo upang magtrabaho sa silid-aralan.

Nasa ibaba ang mga fragment ng manwal na "Mga Sumusuportang Tala sa Musical Literature ng mga Banyagang Bansa".

Para sa pagbili ng manwal ni Tatyana Guryevna Savelyeva na "Reference Notes on the Musical Literature of Foreign Countries", mangyaring makipag-ugnayan sa may-akda sa [email protected]

_____________________________________________

1 Huwarang programa para sa paksang PO.02. UP.03. Musical Literature. - Moscow 2012

______________________________________________________