Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Plano:

1. Pangkalahatang posisyon ng pagpipinta sa simula ng ika-17 siglo

2. Portrait painting. Frans Hals

3. Mga Landscape. Jan van Goyen

4. Buhay pa. Pieter Claesz at Willem Heda

5. Genre painting

1. Pangkalahatang posisyon ng pagpipinta sa simula ng ika-17 siglo

Pinagkaitan ng mga makapangyarihang customer tulad ng korte, maharlika at simbahan, ang mga pintor ng Dutch ay pangunahing nagtrabaho para sa pagbebenta - madalas nilang ipinagpalit ang kanilang mga pagpipinta sa mga perya, at nakuha ng mga mangangalakal at may-ari ng mga pabrika, artisan at mayayamang magsasaka ang kanilang mga gawa.

Ang mga kuwadro na gawa ay pininturahan sa isang maliit na format, batay sa katamtamang laki ng mga interior ng mga bahay ng Dutch. Ang pagpipinta ng easel ay naging paboritong sining ng Dutch, dahil ito ay may kakayahang ipakita ang katotohanan nang may malaking katiyakan at sa iba't ibang paraan. Nais makita ng mga Dutch sa mga larawan kung ano ang pamilyar sa kanila - ang kalikasan ng kanilang bansa, ang dagat at mga barko, ang kanilang pamumuhay at tahanan, ang mga bagay na nakapaligid sa kanila. Ang pagnanais para sa kaalaman sa mundo ay ipinakita mismo sa pagpipinta ng Dutch sa mga direktang anyo at may ganoong pagkakapare-pareho, na wala saanman sa sining ng Europa sa panahong ito. Ang lawak ng kanyang hanay ay konektado din dito: portrait at landscape, still life at daily genre na binuo dito. Ang ilan sa kanila (buhay pa rin, pang-araw-araw na pagpipinta) sa unang pagkakataon sa Holland ay nagkaroon ng hugis sa kanilang mga mature na anyo at umabot sa isang pamumulaklak na sila ay naging isang uri ng pamantayan ng genre na ito.

Nasa unang dalawang dekada, ang pangunahing pokus ng paghahanap para sa mga advanced na Dutch masters, na sumasalungat sa mga konserbatibong artistikong uso, ay malinaw na inihayag - ang pagnanais para sa isang makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan, para sa pagiging konkreto ng sagisag nito. Hindi nagkataon na ang mga pintor ng Holland ay naakit ng sining ng Caravaggio. Ang gawain ng tinatawag na Utrecht caravagists - G. Honthorst, H. Terbruggen, D. Van Baburen - nakaimpluwensya sa kulturang artistikong Dutch.

2. Portrait painting. Frans Hals

Ang 1920s ay naging punto ng pagbabago sa ebolusyon ng Dutch painting: ang mga bagong demokratiko at makatotohanang tendensya ay nanalo ng isang pangwakas na tagumpay; ang pangunahing hanay ng mga motibo ng pagpipinta ng Dutch ay natutukoy, ang proseso ng pagkita ng kaibhan ng mga genre ay nakumpleto, ang kanilang mga prinsipyo at pagtitiyak ay pinagtibay. Ang mapagpasyang papel sa pagbuo ng pambansang sining sa isang maagang yugto sa pag-unlad ng Dutch art school ay ginampanan ng gawa ni Frans Hals (circa 1580-1666), ang unang dakilang master nito.

Si Hals ay halos eksklusibong isang pintor ng portrait, ngunit ang kanyang sining ay nangangahulugan ng maraming hindi lamang sa portraiture ng Holland, kundi pati na rin sa pagbuo ng iba pang mga genre. Sa gawain ng Hals, tatlong uri ng mga komposisyon ng portrait ang maaaring makilala: isang larawan ng grupo, isang kinomisyon na indibidwal na larawan, at isang espesyal na uri ng mga larawan ng portrait, na katulad ng likas na katangian sa pagpipinta ng genre, na nilinang niya pangunahin noong 20s at 30s.

Ang mga larawan ng grupo ng mga shooting guild - mga asosasyon ng burgher para sa pagtatanggol at proteksyon ng mga lungsod - nabibilang sa mga sentral na likha ng Hals ng huling bahagi ng 10s at unang bahagi ng 30s at sa pinakamahalagang gawa ng Dutch painting ng maagang yugto ng pag-unlad nito, kapag ang mga mithiin ng rebolusyonaryong panahon ay nabubuhay pa. Ang larawan ng grupo ay nakapagpahayag ng damdamin ng kalayaan at pagkakapantay-pantay, pakikipagkaibigan at pagkakaisa ng sibiko, mahal sa mga kinatawan ng batang republika. Ang gayong, ipinagmamalaki ng kanilang kalayaan, masayahin at aktibong mga mamamayan, kung saan ang memorya ng magkasanib na pakikibaka ay sariwa pa, lumilitaw sila sa mga larawan ng mga opisyal ng kumpanya ng rifle ng St. Adrian (1627 at 1633) at St. George (1627) (Frans Hals Museum sa Haarlem)

Nakamit ng Hals ang isang kapansin-pansin na pagiging natural ng komposisyon - tila hindi sinasadya, random, ngunit sa likod nito ay may isang banayad na artistikong pagkalkula. Ang balangkas ng balangkas - isang pagpupulong o isang kapistahan ng mga miyembro ng guild na nagsilbi ng tatlong taong termino - ginagawang mga kalahok sa eksena ang mga ipinakita sa eksena, sa mga karakter nito. Sa mga karakter ng Hals ay walang higpit o sinasadyang pag-pose; tila narito, sa pamilyar at malapit na lipunang ito, na sila ay ganap at buong katapatan na nagpapakita ng kanilang init ng ulo at pagkatao. Ang Portraits of Hals ay nagbibigay ng pakiramdam ng mutual connection ng mga taong nagpapahalaga at nakakaalam ng kanyang lakas.

Ang pagwawalis, matapang, makatas na pagsulat at isang makulay na hanay na pinangungunahan ng matitinding kulay - asul, asul, ginintuang dilaw, pula - ay nagpapakita ng optimistiko, nagpapatibay sa buhay na tono ng mga larawan, at ang malaking sukat ng mga komposisyon ay nagbibigay sa kanila ng napakalaking karakter.

Ang Hals ay mahusay na nagtagumpay sa mga paghihirap ng isang larawan ng grupo. Ang simula ng genre, na nag-aambag sa impresyon ng sigla ng imahe, ay hindi nag-aalis sa komposisyon ng isang kinatawan na karakter. Mahusay na nililikha ni Hals ang sariling katangian ng mga karakter - ang bawat isa ay hinahain nang may temperamental, malapitan, at kasabay nito, napanatili dito ang artistikong pagkakaisa.

Ang gawain ni Hals, na nabuo sa kapaligiran ng mga taon pagkatapos ng rebolusyonaryo, ay naging isa sa pinakamalinaw na pagpapahayag ng demokratikong diwa ng kulturang burges ng Dutch sa panahon ng pagbuo nito.

Ang mga tampok ng maagang sining ng Hals - ang likas na katangian ng pang-unawa ng modelo at mga tiyak na pamamaraan ng portraiture - ay pinaka-malinaw na matatagpuan sa tinatawag na mga portrait ng genre. Karaniwang inilalarawan ni Hals ang modelo sa paraang nahanap ng manonood ang kanyang sarili nang harapan sa kanya, sa malapit at direktang komunikasyon. Ang kanyang mga karakter ay pinananatiling natural at malaya sa larawan, ang kanilang postura, mga kilos ay tila hindi matatag, at ang mga ekspresyon ay malapit nang magbago sa kanilang mga mukha; ang pinaka-kapansin-pansing katangian ng malikhaing paraan ni Hals ay ang kakayahang maghatid ng karakter sa pamamagitan ng mga indibidwal na ekspresyon ng mukha at kilos, na parang nahuli kaagad (Merry Drinking Buddy, Amsterdam, Rijksmuseum; Mulatto, Leipzig; Smiling Officer, London, collab. Wallace). Gustung-gusto ng artista ang mga emosyonal na estado, puno ng dinamika; para sa kanya, kasama nila, tulad ng, isang namuong lahat na pinaka-katangian, indibidwal na nagpapahayag sa modelo, at isang pakiramdam ng nakuhang buhay. Ngunit sa sandaling ito na nakuha ni Hals, ang pinakamahalaga, ang core ng imahe, ay palaging nakunan (“Gypsy”, 1628 - 1630, Paris, Louvre; “Malle Babe”, early 30s, Berlin-Dahlem, Art Gallery).

Mahusay na alam ni Hals kung paano ikonekta ang taong inilalarawan sa isang tiyak na kapaligiran at sitwasyon. Kaya, kapag tinitingnan ang larawan ng Malle Baba, ang manonood ay nakakakuha ng impresyon na nakikita niya ang loob ng isang tavern na puno ng maingay, walang galang na mga bisita, nakakarinig ng namamaos na pagtawa at mga bastos na salita ng isang medyo lasing na matandang babae na hinarap sa kanyang mga regular. Ang mga larawan ng mga unang Khals ay may mga katangian ng isang genre na pagpipinta.

Ang mga karakter ng Hals ay dayuhan sa panloob na konsentrasyon at pagpapalalim sa sarili - sila ay ipinapakita sa mga reaksyon sa kapaligiran, sa pakikipag-ugnayan dito. Hindi rin sarado, dynamic sa Hals ang mismong pictorial form: para sa kanya, tipikal ang mga reversals ng figures sa space ng canvas; dynamic na linya ng silweta; mga volume na hindi nakahiwalay sa background, ngunit madali at natural na sumanib dito; sa wakas, isang libreng brushstroke na hindi nagtatago sa mga galaw ng kamay ng artist.

Ang pagiging tiyak ng istilo ng portrait ni Hals ay binubuo, sa isang banda, sa isang lubos na mahigpit na nahahawakang sariling katangian, sa kabilang banda, sa aktibong sigla ng imahe at sa pakiramdam ng kamadalian ng kanyang pang-unawa, na nilikha ng isang improvisational na istilo ng pagsusulat.

Si Hals ang unang master ng libreng "sketch" na pagpipinta sa European art. Ang paggalaw ng brush ay nagbibigay sa kanya ng parehong pattern at kulay, muling nililikha ang parehong hugis at lakas ng tunog, at ang katangian ng ibabaw. Ang mga stroke ay tumatakbo sa isa't isa, nagbanggaan, naghihiwalay sa iba't ibang direksyon, pagkatapos ay siksik na takpan ang canvas, pagkatapos ay iwanan ang mga underpainting na sumikat. Mabilis at mahusay na inilatag, nililikha nila ang mga ekspresyon ng mukha at paggalaw, nagbabago sa iba't ibang, tumpak na nahahawakan at muling ginawang mga anyong plastik. Ang bawat anyo sa Hals ay tumatanggap ng kadaliang kumilos, at ang imahe sa kabuuan - panloob na dinamika at emosyonal na talas.

Ang estilo ng pagpipinta mismo ay partikular na kahalagahan. Ang pagpapatingkad ng ilang detalye o ang "understatement" ng isa pa, ang likas na katangian ng stroke at ang makulay na ibabaw ay nakatulong upang lumikha ng isang nagpapahayag na artistikong imahe mula sa isang minsan hindi kapansin-pansin na modelo. Ganyan ang mga larawan ni Claes van Vorhout, malabo, simple ang pag-iisip, medyo nakakatawa at walang katotohanan sa kanyang pag-aangkin na mukhang marilag at makabuluhan (c. 1635, New York, Metropolitan Museum of Art), Nicholas van der Meer (1631). , Haarlem, museo) at Pieter van den Brooke (1633, London, Kenwood House) - ang mga kalikasan ay simple, prangka at medyo bastos, ngunit aktibo at malinaw sa espiritu, o isang larawan ni Jasper Schade, walang kabuluhan, mayabang, narcissistic (c 1645, Prague, National Gallery). Ang Hals portrait gallery noong 1920s at 1940s ay magkakaiba, ngunit sa parehong oras ay panloob na nagkakaisa: ito ay, kumbaga, isang uri ng kolektibong imahe ng isang Dutchman noong panahong iyon. Siya ay maaaring maging kasiya-siya sa sarili, tiwala sa sarili at limitado, ngunit siya ay halos walang paltos na may lakas, isang malakas na pagkakahawak sa buhay, katapangan at pag-ibig sa buhay. Inihahatid ni Hals ang mga katangiang ito ng kalikasan nang may katas at paghanga na ang lahat ng hindi kaakit-akit na mga tampok sa karakter ng kanyang mga modelo ay tila kumupas sa background.

Gayunpaman, sa mga larawan ng Hals sa pinakadulo ng 30s at 40s, lumilitaw ang pagkamaalalahanin at kalungkutan, na dati ay ganap na dayuhan sa kanyang mga karakter (larawan ni Willem Heithuysen mula sa Brussels Museum), at kung minsan ang isang bahagyang kabalintunaan ay dumulas sa saloobin ng artist patungo sa sila. Mula sa sining ng Hals, ang masayang pagtanggap sa buhay at tao, na siyang leitmotif ng kanyang trabaho noong mga nakaraang taon, ay unti-unting nawawala. Ang 40s ay isang pagbabago sa pagpipinta ni Hals. Ang huling panahon ng gawa ng artist ay bumubuo ng isang espesyal na pahina sa kanyang sining at sa sining ng Dutch portrait.

Sa mga portrait ng Hals, na ipininta noong 50s at 60s, ang isang malalim na mastery ng characterization ay pinagsama sa isang bagong panloob na kahulugan. Ang hindi kilala, na inilalarawan sa isang pagpipinta mula sa maalamat na Hermitage (50s), ay nararamdaman pa rin ang kanyang lakas, ang kanyang mga kakayahan, ngunit wala na siyang kagalakan o pananampalataya. Sa kabila ng kahanga-hangang pagliko ng pigura, ang mapanukso, bahagyang mapanlait na hitsura, sa kabila ng dynamics ng pictorial form, ang pagkapagod at pag-aalinlangan ay malinaw na nakikita sa buong hitsura. Sa imahe ng isang tao sa isang larawan mula sa Kassel Gallery (1660-1666), hindi natin nakikita ang karaniwang pagpapatibay sa sarili at katapangan, ngunit ang kalungkutan at kawalang-interes, na parang natuyo ang kanyang panloob na enerhiya at siya ay walang tigil na sumusunod sa daloy ng buhay.

"Burger" baroque sa Dutch paintingXVII sa. - ang imahe ng pang-araw-araw na buhay (P. de Hoch, Vermeer). "Luxury" still life Kalf. Group portrait at ang mga feature nito sa Hals at Rembrandt. Interpretasyon ng mga paksang mitolohiya at bibliya ni Rembrandt.

sining ng Dutch noong ika-17 siglo

Noong ika-17 siglo Naging modelong kapitalistang bansa ang Holland. Nagsagawa siya ng malawak na kolonyal na kalakalan, mayroon siyang malakas na armada, ang paggawa ng barko ay isa sa mga nangungunang industriya. Ang Protestantismo (Calvinism bilang pinaka-malubhang anyo nito), na ganap na pinalitan ang impluwensya ng Simbahang Katoliko, ay humantong sa katotohanan na ang mga klero sa Holland ay walang ganoong impluwensya sa sining tulad ng sa Flanders, at higit pa sa Espanya o Italya. Sa Holland, hindi ginampanan ng simbahan ang papel ng isang customer ng mga gawa ng sining: ang mga templo ay hindi pinalamutian ng mga altarpiece, dahil tinanggihan ng Calvinism ang anumang pahiwatig ng karangyaan; Ang mga simbahang Protestante ay simple sa arkitektura at hindi pinalamutian sa anumang paraan sa loob.

Ang pangunahing tagumpay ng sining ng Dutch noong siglo XVIII. - sa easel painting. Ang tao at kalikasan ay mga bagay ng pagmamasid at paglalarawan ng mga Dutch artist. Ang pang-araw-araw na pagpipinta ay nagiging isa sa mga nangungunang genre, ang mga tagalikha nito sa kasaysayan ay nakatanggap ng pangalang "maliit na Dutch". Ang mga pagpipinta sa ebanghelyo at mga eksena sa Bibliya ay ipinakita din, ngunit hindi sa parehong lawak tulad ng sa ibang mga bansa. Ang Holland ay hindi kailanman nagkaroon ng mga koneksyon sa Italya at ang klasikal na sining ay hindi gumaganap ng parehong papel tulad ng sa Flanders.

Ang karunungan ng mga makatotohanang tendensya, ang pagbuo ng isang tiyak na hanay ng mga paksa, ang pagkita ng kaibahan ng mga genre bilang isang solong proseso, ay natapos noong 20s ng ika-17 siglo. Kasaysayan ng pagpipinta ng Dutch noong ika-17 siglo. perpektong nagpapakita ng ebolusyon ng gawa ng isa sa pinakamalaking pintor ng portrait ng Holland, Frans Hals (circa 1580-1666). Noong 10-30s, maraming nagtrabaho si Hals sa genre ng mga larawan ng grupo. Mula sa mga canvases ng mga taong ito, mukhang masayahin, masigla, masigasig na mga tao, tiwala sa kanilang mga kakayahan at sa hinaharap ("St. Adrian's Shooting Guild", 1627 at 1633;

Ang Shooting Guild ng St. George", 1627).

Ang mga indibidwal na portrait ng Khals ay tinatawag minsan na genre portrait ng mga mananaliksik dahil sa espesyal na pagtitiyak ng imahe. Ang sketchy style ni Hulse, ang kanyang matapang na pagsulat, kapag ang isang brushstroke ay nililok ang parehong anyo at lakas ng tunog at nagbibigay ng kulay.

Sa mga larawan ni Khals noong huling bahagi ng panahon (50-60s), nawawala ang walang malasakit na lakas ng loob, lakas, at pressure sa mga karakter ng mga itinatanghal na tao. Ngunit ito ay sa huling yugto ng pagkamalikhain na naabot ni Hals ang tugatog ng karunungan at lumilikha ng pinakamalalim na mga gawa. Ang kulay ng kanyang mga kuwadro ay nagiging halos monochrome. Dalawang taon bago ang kanyang kamatayan, noong 1664, muling bumalik si Hals sa larawan ng grupo. Nagpinta siya ng dalawang larawan - mga regent at regent ng isang nursing home, kung saan siya mismo ay nakahanap ng kanlungan sa pagtatapos ng kanyang buhay. Sa larawan ng mga rehente, walang pakikipagkaibigan sa mga naunang komposisyon, ang mga modelo ay hindi nagkakaisa, walang kapangyarihan, ang kanilang mga mata ay maulap, ang pagkawasak ay nakasulat sa kanilang mga mukha.

Ang sining ng Hals ay may malaking kahalagahan para sa oras nito, nagkaroon ito ng epekto sa pag-unlad ng hindi lamang larawan, kundi pati na rin ang genre ng pang-araw-araw na buhay, tanawin, buhay pa rin.

Lalo na kawili-wili ang landscape genre ng Holland noong ika-17 siglo. Ang Holland ay inilalarawan nina Jan van Goyen (1596-1656) at Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).

Ang kasagsagan ng landscape painting sa Dutch school ay nagsimula noong kalagitnaan ng ika-17 siglo. Ang pinakadakilang master ng makatotohanang tanawin ay si Jacob van Ruysdael (1628/29-1682). Karaniwang puno ng malalim na drama ang kanyang mga gawa, kahit na naglalarawan siya ng kagubatan (“Forest Swamp”),

mga landscape na may mga talon ("Talon") o isang romantikong tanawin na may sementeryo ("Jewish Cemetery").

Ang kalikasan sa Ruisdael ay lumilitaw sa dinamika, sa walang hanggang pagpapanibago.

Sa malapit na koneksyon sa Dutch landscape ay ang animalistic genre. Ang paboritong motif ni Albert Cuyp ay mga baka sa isang lugar ng pagdidilig ("Sunset on the River", "Cows on the Bank of a Stream").

Ang napakatalino na pag-unlad ay umabot sa isang tahimik na buhay. Ang buhay pa rin ng Dutch, sa kaibahan sa Flemish, ay katamtaman sa laki at motibo para sa mga pagpipinta ng isang matalik na kalikasan. Si Pieter Claesz (circa 1597-1661), Billem Head (1594-1680/82) ay kadalasang naglalarawan ng tinatawag na mga almusal: mga pagkaing may ham o pie sa isang medyo katamtamang inihain na mesa. Ang "almusal" ni Kheda ay nagbibigay-daan sa mga masaganang "dessert" ni Kalf. Ang mga simpleng kagamitan ay pinapalitan ng mga mesang marmol, mga mantel na karpet, mga pilak na kopita, mga shell ng ina-ng-perlas, at mga basong kristal. Nakakamit ng Kalf ang kamangha-manghang virtuosity sa paghahatid ng texture ng mga peach, ubas, at kristal na ibabaw.

Sa 20-30s ng XVII century. ang Dutch ay lumikha ng isang espesyal na uri ng maliit, maliit na larawang pagpipinta. 40-60s - ang kasagsagan ng pagpipinta, niluluwalhati ang kalmadong buhay ng burgher ng Holland, isang sinusukat na pang-araw-araw na pag-iral.

Si Adrian van Ostade (1610-1685) ay naglalarawan sa unang bahagi ng makulimlim na bahagi ng buhay ng magsasaka ("The Fight").

Mula noong 1940s, sa kanyang trabaho, ang mga satirical na tala ay lalong pinapalitan ng mga nakakatawa ("In a village tavern", 1660).

Minsan ang mga maliliit na larawang ito ay may kulay na may isang mahusay na liriko na pakiramdam. Sa kanan, ang obra maestra ng pagpipinta ni Ostade ay itinuturing na kanyang "Painter in the Studio" (1663), kung saan niluluwalhati ng artist ang malikhaing gawa.

Ngunit ang pangunahing tema ng "maliit na Dutch" ay hindi pa rin isang magsasaka, ngunit isang buhay na burgher. Kadalasan ang mga ito ay mga imahe na walang anumang kamangha-manghang balangkas. Ang pinakanakaaaliw na mananalaysay sa ganitong uri ng mga pagpipinta ay si Jan Stan (1626-1679) ("Revelers", "The backgammon game"). Nakamit ni Gerard Terborch (1617-1681) ang higit na kasanayan dito.

Ang panloob ay nagiging lalo na patula sa mga "maliit na Dutch". Ang tunay na mang-aawit ng temang ito ay si Pieter de Hooch (1629-1689). Ang kanyang mga silid na may kalahating bukas na bintana, mga sapatos na itinapon nang hindi sinasadya o isang walis na naiwan ay madalas na inilalarawan na walang pigura ng tao.

Ang isang bagong yugto ng pagpipinta ng genre ay nagsisimula sa 50s at nauugnay sa tinatawag na Delft school, na may mga pangalan ng mga artista tulad nina Karel Fabritius, Emmanuel de Witte at Jan Vermeer, na kilala sa kasaysayan ng sining bilang Vermeer ng Delft (1632-1675). ). Ang mga painting ni Vermeer ay tila hindi orihinal. Ito ang parehong mga larawan ng isang nakapirming buhay na burgher: nagbabasa ng isang liham, isang ginoo at isang babaeng nag-uusap, mga katulong na nakikibahagi sa isang simpleng sambahayan, mga tanawin ng Amsterdam o Delft. Ang mga larawang ito, na simple sa pagkilos: "Babaeng nagbabasa ng liham",

"Ang Cavalier at ang Ginang sa Spinet",

Ang “The Officer and the Laughing Girl”, atbp., ay puno ng espirituwal na kalinawan, kapayapaan at katahimikan.

Ang pangunahing bentahe ng Vermeer bilang isang artista ay sa paghahatid ng liwanag at hangin. Ang paglusaw ng mga bagay sa isang kapaligiran na may liwanag na hangin, ang kakayahang lumikha ng ilusyon na ito, una sa lahat, ay tumutukoy sa pagkilala at katanyagan ng Vermeer nang tumpak sa ika-19 na siglo.

Ginawa ni Wermeer ang hindi ginawa ng iba noong ika-17 siglo: nagpinta siya ng mga tanawin mula sa kalikasan ("Kalye", "Tingnan sa Delft").

Maaari silang tawaging mga unang halimbawa ng plein air painting.

Ang tugatog ng Dutch realism, ang resulta ng mga nakalarawang tagumpay ng kulturang Dutch noong ika-17 siglo, ay ang gawa ni Rembrandt. Si Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) ay ipinanganak sa Leiden. Noong 1632, umalis si Rembrandt patungong Amsterdam, ang sentro ng artistikong kultura ng Holland, na natural na umaakit sa batang artista. Ang 1930s ay ang panahon ng pinakamataas na kaluwalhatian, ang landas kung saan binuksan para sa pintor ng isang malaking kinomisyon na pagpipinta ng 1632 - isang larawan ng grupo, na kilala rin bilang "Anatomy of Dr. Tulp", o "Anatomy Lesson".

Noong 1634, pinakasalan ni Rembrandt ang isang batang babae mula sa isang mayamang pamilya - si Saskia van Uylenborch. Magsisimula ang pinakamasayang yugto ng kanyang buhay. Siya ay naging isang sikat at naka-istilong artista.

Ang buong panahong ito ay natatakpan ng pag-iibigan. Ang saloobin ni Rembrandt sa mga taong ito ay pinaka-malinaw na ipinarating ng sikat na "Self-portrait with Saskia on her knees" (circa 1636). Ang buong canvas ay napuno ng lantad na kagalakan ng buhay, kagalakan.

Ang wikang Baroque ay pinakamalapit sa pagpapahayag ng mataas na espiritu. At ang Rembrandt sa panahong ito ay higit na naiimpluwensyahan ng Italian Baroque.

Sa mga kumplikadong foreshortenings, ang mga karakter ng 1635 na pagpipinta na "Ang Sakripisyo ni Abraham" ay lilitaw sa harap natin. Ang komposisyon ay napaka-dynamic, na binuo ayon sa lahat ng mga patakaran ng baroque.

Sa parehong 30s, si Rembrandt sa unang pagkakataon ay nagsimulang seryosong makisali sa mga graphics, lalo na ang pag-ukit. Ang mga ukit ni Rembrandt ay halos mga paksa sa Bibliya at ebanghelyo, ngunit sa pagguhit, bilang isang tunay na Dutch artist, madalas din niyang tinutukoy ang genre. Sa pagliko ng maagang yugto ng trabaho ng artista at ang kanyang pagiging malikhain, isa sa kanyang pinakatanyag na mga pintura, na kilala bilang The Night Watch (1642), ay ipinakita sa amin - isang larawan ng grupo ng kumpanya ng rifle ng Captain Banning Cock.

Pinalawak niya ang saklaw ng genre, na nagpapakita ng isang medyo makasaysayang larawan: sa isang signal ng alarma, ang Banning Cock's detachment ay nagtatakda sa isang kampanya. Ang ilan ay kalmado, tiwala, ang iba ay nasasabik sa pag-asam sa kung ano ang darating, ngunit lahat ay may pagpapahayag ng karaniwang enerhiya, patriotikong sigasig, ang tagumpay ng civic spirit.

Ang isang larawan ng grupo sa ilalim ng brush ng Rembrandt ay lumago sa isang magiting na imahe ng panahon at lipunan.

Ang pagpipinta ay nagdilim na nang husto na ito ay itinuturing na isang imahe ng isang eksena sa gabi, kaya ang maling pangalan nito. Ang anino na namamalagi mula sa pigura ng kapitan sa magaan na damit ng tenyente ay nagpapatunay na ito ay hindi gabi, ngunit araw.

Sa pagkamatay ni Saskia sa parehong taon 1642, nangyari ang natural na pahinga ni Rembrandt sa mga patrician circle na dayuhan sa kanya.

Ang 40-50s ay ang panahon ng creative maturity. Sa panahong ito, madalas siyang bumaling sa mga lumang obra upang gawing muli ang mga ito sa bagong paraan. Ganito ang kaso, halimbawa, kay Danae, na ipininta niya noong 1636. Paglingon sa pagpipinta noong 1940s, pinatindi ng artista ang kanyang emosyonal na estado.

Isinulat niyang muli ang gitnang bahagi kasama ang pangunahing tauhang babae at ang dalaga. Ibinigay kay Danae ang isang bagong kilos ng nakataas na kamay, sinabi niya sa kanya ang labis na pananabik, isang pagpapahayag ng kagalakan, pag-asa, isang apela.

Noong 1940s at 1950s, ang craftsmanship ni Rembrandt ay patuloy na lumago. Pinipili niya para sa interpretasyon ang pinaka liriko, patula na aspeto ng pag-iral ng tao, ang tao, na walang hanggan, unibersal: pag-ibig ng ina, pakikiramay. Ang Banal na Kasulatan ay nagbibigay sa kanya ng pinakadakilang materyal, at mula dito - ang mga eksena ng buhay ng banal na pamilya, inilalarawan ni Rembrandt ang isang simpleng buhay, mga ordinaryong tao, tulad ng sa pagpipinta na "The Holy Family".

Ang huling 16 na taon ay ang pinaka-trahedya na taon ng buhay ni Rembrandt; siya ay sira, walang utos. Ngunit ang mga taong ito ay puno ng kamangha-manghang aktibidad ng malikhaing, bilang isang resulta kung saan nilikha ang mga larawang may larawan, katangi-tangi sa mga tuntunin ng monumentalidad ng mga character at espirituwalidad, malalim na pilosopiko na mga gawa. Kahit na ang maliliit na laki ng mga gawa ni Rembrandt sa mga taong ito ay lumikha ng isang impresyon ng pambihirang kadakilaan at tunay na monumentalidad. Ang kulay ay nakakakuha ng sonority at intensity. Ang kanyang mga kulay ay tila nagliliwanag. Ang mga larawan ng yumaong si Rembrandt ay ibang-iba sa mga larawan ng 30s at kahit 40s. Ang mga ito ay napakasimple (kalahating haba o generational) na mga larawan ng mga taong malapit sa artist sa kanilang panloob na istraktura. Nakamit ni Rembrandt ang pinakadakilang katalinuhan ng mga katangian sa self-portraits, kung saan humigit-kumulang isang daan ang dumating sa amin. Ang pangwakas sa kasaysayan ng larawan ng grupo ay ang paglalarawan ni Rembrandt sa mga matatanda ng tindahan ng gumagawa ng tela - ang tinatawag na "Sindiki" (1662), kung saan nilikha ni Rembrandt ang buhay at kasabay nito ang iba't ibang uri ng tao na may maramot na paraan, ngunit karamihan mahalaga, nagawa niyang ihatid ang isang pakiramdam ng espirituwal na unyon, pag-unawa sa isa't isa at mga relasyon ng mga tao.

Sa mga taon ng kapanahunan (pangunahin sa 50s), nilikha ni Rembrandt ang kanyang pinakamahusay na mga ukit. Bilang isang echer, wala siyang alam na kapantay sa sining ng mundo. Sa lahat ng mga ito, ang mga imahe ay may malalim na pilosopikal na kahulugan; sinasabi nila ang tungkol sa mga lihim ng pagiging, tungkol sa trahedya ng buhay ng tao.

Marami siyang ginagawang pagguhit. Nag-iwan si Rembrandt ng 2000 guhit. Ito ay mga sketch mula sa kalikasan, mga sketch para sa mga pagpipinta at mga paghahanda para sa pag-ukit.

Sa huling quarter ng siglo XVII. ang paghina ng Dutch school of painting ay nagsisimula, ang pagkawala ng pambansang pagkakakilanlan nito, at mula sa simula ng ika-18 siglo ang pagtatapos ng dakilang panahon ng Dutch realism ay nagsisimula.

kulturang Dutch noong ika-17 siglo

Ang tagumpay ng burges na rebolusyon sa Northern Netherlands ay humantong sa pagbuo ng isang malayang estado - ang Republic of the Seven United Provinces - Holland (pagkatapos ng pangalan ng pinakamahalaga sa mga lalawigang ito); sa kauna-unahang pagkakataon sa isa sa mga bansa sa Europa, naitatag ang isang sistemang burges-republikano. Ang mga puwersang nagtutulak ng rebolusyon ay ang mga magsasaka at ang pinakamahihirap na seksyon ng populasyon sa kalunsuran, ngunit sinamantala ng burgesya, na naluklok sa kapangyarihan, ang mga pananakop nito.
Ang paglaya mula sa pamatok ng absolutismo ng Espanyol at ng Simbahang Katoliko, ang pagkawasak ng ilang pyudal na paghihigpit ay nagbukas ng daan para sa mabilis na paglaki ng mga produktibong pwersa ng republika, na, ayon kay Marx, “ay isang huwarang kapitalistang bansa noong ika-17 siglo.” Sa Holland lamang noong panahong iyon ay nanaig ang populasyon ng mga lunsod sa kanayunan, ngunit ang pangunahing pinagkukunan ng kita ay hindi industriya (bagaman ang produksyon ng tela at lalo na ang paggawa ng mga barko ay binuo dito), ngunit ang intermediary trade, na lumawak dahil sa kolonyal na patakaran. Habang yumaman ang mga naghaharing uri, lumaki ang kahirapan ng mga manggagawa, nasira ang mga magsasaka at artisan, at sa kalagitnaan ng ika-17 siglo ay tumindi ang mga kontradiksyon ng uri.
Gayunpaman, sa mga unang dekada pagkatapos ng pagtatatag ng republika, ang mga demokratikong tradisyon ng rebolusyonaryong panahon ay buhay. Ang lawak ng pambansang kilusan sa pagpapalaya, ang pag-angat ng kamalayan sa sarili ng mga tao, ang kagalakan ng paglaya mula sa dayuhang pamatok ang nagbuklod sa pinaka magkakaibang mga seksyon ng populasyon. Ang bansa ay nakabuo ng mga kondisyon para sa pag-unlad ng mga agham at sining. Ang mga advanced na palaisip noong panahong iyon, lalo na ang pilosopong Pranses na si Descartes, ay nakahanap ng kanlungan dito, at ang pangunahing materyalistikong sistemang pilosopikal ng Spinoza ay nabuo. Ang pinakamataas na tagumpay ay nakamit ng mga artista ng Holland, tulad ng mga pintor tulad ng Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst at marami pang ibang masters ng pagpipinta. Ang mga Dutch na artista ang una sa Europa na napalaya mula sa mapang-aping impluwensya ng mga bilog ng korte at ng Simbahang Katoliko at lumikha ng demokratiko at makatotohanang sining na direktang sumasalamin sa realidad ng lipunan.

Pagpipinta ng Dutch noong ika-17 siglo

Ang isang natatanging tampok ng pag-unlad ng Dutch art ay isang makabuluhang pamamayani sa lahat ng mga uri ng pagpipinta nito. Pinalamutian ng mga larawan ang mga bahay hindi lamang ng mga kinatawan ng naghaharing pili ng lipunan, kundi pati na rin ng mga mahihirap na burgher, artisan, at magsasaka; ibinenta sila sa mga auction at fairs; minsan ginagamit sila ng mga artista bilang paraan ng pagbabayad ng mga bayarin. Ang propesyon ng isang artista ay hindi bihira, mayroong maraming mga pintor, at sila ay nakikipagkumpitensya nang mahigpit sa isa't isa. Iilan sa kanila ang makakakain sa kanilang sarili sa pamamagitan ng pagpipinta, marami ang kumuha ng iba't ibang trabaho: Si Sten ay isang innkeeper, si Hobbema ay isang excise official, si Jacob van Ruysdael ay isang doktor.
Ang mabilis na pag-unlad ng pagpipinta ng Dutch noong ika-17 siglo ay ipinaliwanag hindi lamang sa pamamagitan ng pangangailangan para sa mga pintura ng mga taong gustong palamutihan ang kanilang mga tahanan kasama nila, kundi pati na rin sa kanilang pagtingin bilang isang kalakal, bilang isang paraan ng kita, isang mapagkukunan ng haka-haka. Ang pagkakaroon ng pag-alis ng direktang customer - ang Simbahang Katoliko o isang maimpluwensyang pyudal na pilantropo - ang artista ay ganap na umaasa sa mga hinihingi ng merkado. Ang mga panlasa ng burges na lipunan ay paunang natukoy ang mga landas ng pag-unlad ng sining ng Dutch, at ang mga artista na sumalungat sa kanila, na nagtatanggol sa kanilang kalayaan sa mga bagay ng pagkamalikhain, ay natagpuan ang kanilang sarili na nakahiwalay, namamatay nang wala sa oras sa pangangailangan at kalungkutan. Bukod dito, ang mga ito ay, bilang isang patakaran, ang pinaka mahuhusay na masters. Sapat na banggitin ang mga pangalan nina Hals at Rembrandt.
Ang pangunahing bagay ng imahe para sa mga Dutch artist ay ang nakapaligid na katotohanan, na hindi pa ganap na naipakita sa mga gawa ng mga pintor ng iba pang mga pambansang paaralan. Ang pag-apela sa pinaka-magkakaibang aspeto ng buhay ay humantong sa pagpapalakas ng makatotohanang mga hilig sa pagpipinta, ang nangungunang lugar kung saan inookupahan ng pang-araw-araw na genre at portrait, landscape at still life. Kung mas totoo, mas malalim na sinasalamin ng mga artista ang totoong mundo na nabuksan sa harap nila, mas makabuluhan ang kanilang mga gawa.
Ang bawat genre ay may kanya-kanyang sangay. Kaya, halimbawa, sa mga pintor ng landscape mayroong mga marine painters (na naglalarawan sa dagat), mga pintor na mas gusto ang mga tanawin ng patag na lugar o kagubatan, may mga master na dalubhasa sa mga landscape ng taglamig at mga landscape na may liwanag ng buwan: kabilang sa mga pintor ng genre, mga artist na itinatanghal ang mga magsasaka, magnanakaw, mga eksena ng mga kapistahan at buhay sambahayan, mga eksena sa pangangaso at mga pamilihan; mayroong mga masters ng mga interior ng simbahan at iba't ibang uri ng still lifes - "almusal", "desserts", "mga tindahan", atbp. Ang mga tampok ng mga limitasyon ng Dutch painting ay apektado, na nagpapaliit sa bilang ng mga gawain para sa mga tagalikha nito. Ngunit sa parehong oras, ang konsentrasyon ng bawat isa sa mga artista sa isang partikular na genre ay nag-ambag sa pagpipino ng kasanayan ng pintor. Tanging ang pinakamalaki sa mga Dutch artist ang nagtrabaho sa iba't ibang genre.
Ang pagbuo ng makatotohanang Dutch painting ay naganap sa pakikibaka laban sa Italianizing trend at mannerism. Ang mga kinatawan ng mga uso na ito, bawat isa sa kanilang sariling paraan, ngunit puro panlabas, ay hiniram ang mga diskarte ng mga artistang Italyano, na lubhang kakaiba sa mga tradisyon ng pambansang pagpipinta ng Dutch. Sa isang maagang yugto sa pagbuo ng Dutch painting, na sumasaklaw sa mga taong 1609-1640, ang mga makatotohanang tendensya ay mas malinaw na ipinakita sa portrait at pang-araw-araw na genre.

Landscape ng Holland

Ang mga prinsipyo ng Dutch realistic landscape ay nabuo noong unang ikatlong bahagi ng ika-17 siglo. Sa halip na mga conditional canon at idealized, imbento ng kalikasan sa mga kuwadro na gawa ng mga masters ng Italianizing na direksyon, ang mga tagalikha ng makatotohanang landscape ay bumaling sa paglalarawan ng tunay na kalikasan ng Holland kasama ang mga buhangin at kanal, bahay at nayon nito. Hindi lamang nila nakuha ang katangian ng lugar kasama ang lahat ng mga palatandaan, na lumilikha ng mga tipikal na motif ng pambansang tanawin, ngunit hinahangad na ihatid ang kapaligiran ng panahon, mahalumigmig na hangin at espasyo. Nag-ambag ito sa pagbuo ng tonal painting, ang subordination ng lahat ng mga bahagi ng larawan sa isang solong tono.
Ang isa sa pinakamalaking kinatawan ng makatotohanang tanawin ng Dutch ay si Jan van Goyen (1596-1656). Nagtrabaho siya sa Leiden at The Hague. Ang mga paboritong motif ng artist na si Jan van Goyen sa kanyang maliliit na landscape: mga lambak at tubig sa ibabaw ng malalawak na ilog na may mga lungsod at nayon sa kanilang mga pampang sa kulay abo, maulap na araw. Napakaraming espasyo (mga dalawang-katlo ng larawan) umalis si Jan van Goyen sa kalangitan na may mga umiikot na ulap na puspos ng kahalumigmigan. Ganito ang pagpipinta na "Tanaw ng Vaal River malapit sa Nijmegen" (1649, Moscow, ang Pushkin State Museum of Fine Arts), na pinananatili sa isang manipis na kayumanggi-kulay-abo na hanay ng mga kulay.
Ang isang espesyal na uri ng landscape na naglalarawan ng mga hayop, pastulan na may mga baka, tupa ay nilikha ni Paul Potter (1625-1654). Ang pagkakaroon ng perpektong pinag-aralan ang mga gawi ng mga hayop, madalas na binibigyan sila ng artist ng mga close-up, maingat na isinulat ang texture ng bawat materyal, malambot na lana, at ang pinakamaliit na detalye. Ganito ang mga kuwadro na "Bull" (1647, The Hague, Mauritshuis), "Dog on a chain" (St. Petersburg, Hermitage).

Dutch buhay pa rin

Kasama ng pagpipinta ng landscape, ang buhay na buhay, na nakikilala sa pamamagitan ng isang matalik na karakter, ay naging laganap sa Holland noong ika-17 siglo. Pinili ng mga Dutch artist ang isang malawak na iba't ibang mga bagay para sa kanilang mga buhay pa, alam nila kung paano ganap na buuin ang mga ito, upang ipakita ang mga tampok ng bawat bagay at ang panloob na buhay nito, na hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa buhay ng tao.
Ang mga pintor ng Dutch noong ika-17 siglo na sina Pieter Claesz (circa 1597 - 1661) at Willem Heda (1594-1680/1682) ay nagpinta ng maraming variant ng "almusal", na naglalarawan ng mga ham, namumula na buns, mga blackberry pie, mga marupok na baso na kalahating puno ng alak, na may kamangha-manghang mahusay na paghahatid ng kulay, dami, texture ng bawat item. Ang kamakailang presensya ng tao ay kapansin-pansin sa kaguluhan, ang hindi sinasadyang pag-aayos ng mga bagay na nagsilbi sa kanya. Ngunit ang kaguluhan na ito ay maliwanag lamang, dahil ang komposisyon ng bawat buhay na buhay ay maingat na pinag-isipan at natagpuan. Ang isang discreet greyish-gold, olive tonal range ay pinag-iisa ang mga paksa at nagbibigay ng isang espesyal na sonority sa mga purong kulay na nagbibigay-diin sa pagiging bago ng isang bagong hiwa ng lemon o ang malambot na sutla ng isang asul na laso.
Sa paglipas ng panahon, ang mga "almusal" ng mga masters ng still life, ang mga pintor na sina Claes at Heda ay nagbibigay-daan sa mga "dessert" ng mga Dutch artist na sina Abraham van Beijeren (1620/1621-1690) at Willem Kalf (1622-1693). Ang buhay pa rin ni Beieren ay mahigpit sa komposisyon, mayaman sa damdamin, makulay. Si Willem Kalf sa buong buhay niya ay nagpinta sa isang malayang paraan at demokratikong "kusina" - mga kaldero, gulay at buhay na buhay, maharlika sa pagpili ng mga katangi-tanging mahalagang bagay, puno ng pinigilan na maharlika, tulad ng mga sisidlan ng pilak, kopita, mga shell na puspos ng panloob na pagsunog ng mga kulay. .
Sa karagdagang pag-unlad, ang still life ay sumusunod sa parehong mga landas tulad ng lahat ng Dutch art, nawawala ang demokrasya nito, ang espirituwalidad at tula nito, ang kagandahan nito. Ang buhay pa rin ay nagiging palamuti ng tahanan ng mga customer na may mataas na ranggo. Sa lahat ng dekorasyon at husay ng pagpapatupad, ang mga late still lifes ay inaasahan ang pagbaba ng Dutch painting.
Ang pagkabulok ng lipunan, ang kilalang aristokratisasyon ng Dutch bourgeoisie sa huling ikatlong bahagi ng ika-17 siglo, ay nagbibigay ng posibilidad na makipag-ugnay sa mga aesthetic na pananaw ng French nobility, na humantong sa idealization ng artistikong mga imahe, ang kanilang refinement. Ang sining ay nawawalan ng ugnayan sa demokratikong tradisyon, nawawala ang makatotohanang batayan nito at pumapasok sa isang panahon ng mahabang paghina. Lubhang napagod sa mga digmaan sa England, nawawala ang posisyon ng Holland bilang isang mahusay na kapangyarihan sa kalakalan at ang pinakamalaking sentro ng sining.

Sining ng Pranses noong ika-17 siglo

Sa sining ng Pransya noong ika-17 siglo, ang mga ideya tungkol sa isang tao at ang kanyang lugar sa lipunan, na nabuo sa panahon ng pagbuo ng mga sentralisadong monarkiya sa Europa, ay natagpuan ang pinaka kumpletong pagmuni-muni. Ang klasikal na bansa ng absolutismo, na nagsisiguro sa paglago ng burges na relasyon, ang France ay nakaranas ng isang economic boom at naging isang makapangyarihang kapangyarihan ng Europa. Ang pakikibaka para sa pambansang pagkakaisa laban sa pyudal na kagustuhan sa sarili at anarkiya ay nakatulong upang palakasin ang mataas na disiplina ng pag-iisip, ang pakiramdam ng responsibilidad ng indibidwal para sa kanyang mga aksyon, at interes sa mga problema ng estado. Ang pilosopo na si Descartes ay bumuo ng teorya ng kalooban, na nagpapahayag ng pangingibabaw ng isip ng tao. Nanawagan siya para sa kaalaman sa sarili at ang pagsakop sa kalikasan, isinasaalang-alang ang mundo bilang isang makatwirang organisadong mekanismo. Ang rasyonalismo ay naging isang katangian ng kulturang Pranses. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, nabuo ang isang pambansang wikang pampanitikan - pinagtibay nito ang mga prinsipyo ng lohikal na kalinawan, katumpakan at pakiramdam ng proporsyon. Sa akda nina Corneille at Racine, ang klasikal na trahedya ng Pransya ay umabot sa sukdulan nito. Sa kanyang mga drama, muling nilikha ni Molière ang "human comedy". Nararanasan ng France ang kasagsagan ng pambansang kultura, hindi nagkataon na tinawag ni Voltaire na "mahusay" ang ika-17 siglo.
Ang kulturang Pranses noong ika-17 siglo ay nabuo sa mga kondisyon ng pagtatatag ng absolutismo. Gayunpaman, ang pagkakaiba-iba at hindi pagkakapare-pareho nito ay nagpasiya ng malawak na kilusan para sa pambansang pagkakaisa. Nakakita ito ng matingkad na mga tugon sa matalas na salungatan sa lipunan na sinamahan ng pagsilang ng isang bagong lipunan. Sa unang kalahati ng ika-17 siglo, ang mga pundasyon ng estado ay niyanig ng mga pag-aalsa ng mga magsasaka at lungsod, isang malaking demokratikong kilusan ng parliamentaryong Fronde. Sa batayan na ito, ipinanganak ang mga utopia, mga pangarap ng isang perpektong lipunan batay sa mga batas ng katwiran at katarungan, at malayang pag-iisip na pagpuna sa absolutismo. Ang pag-unlad ng sining ng Pranses noong ika-17 siglo ay dumaan sa dalawang yugto, kasabay ng una at ikalawang kalahati ng siglo.

Sining ng Kanlurang Europa noong ika-18 siglo

Ang ikalabing walong siglo sa Kanlurang Europa ay ang huling yugto ng mahabang transisyon mula sa pyudalismo tungo sa kapitalismo. Sa kalagitnaan ng siglo, natapos ang proseso ng primitive na akumulasyon ng kapital, isang pakikibaka ang isinagawa sa lahat ng larangan ng panlipunang kamalayan, at isang rebolusyonaryong sitwasyon ang huminog. Nang maglaon, humantong ito sa pangingibabaw ng mga klasikal na anyo ng maunlad na kapitalismo. Sa paglipas ng isang siglo, isang napakalaking pagkasira ng lahat ng mga pundasyon ng lipunan at estado, mga konsepto at pamantayan para sa pagsusuri ng lumang lipunan ay isinagawa. Bumangon ang isang sibilisadong lipunan, lumitaw ang isang periodical press, nabuo ang mga partidong pampulitika, nagpapatuloy ang isang pakikibaka para sa pagpapalaya ng tao mula sa mga tanikala ng isang pyudal-relihiyosong pananaw sa mundo.
Sa visual arts, tumaas ang kahalagahan ng isang direktang makatotohanang paglalarawan ng buhay. Lumawak ang globo ng sining, naging aktibong tagapagsalita ito para sa mga ideya sa pagpapalaya, napuno ng topicality, fighting spirit, tinuligsa ang mga bisyo at kahangalan hindi lamang pyudal, kundi pati na rin ang umuusbong na lipunang burges. Naghain din ito ng isang bagong positibong ideyal ng isang walang harang na personalidad ng isang tao, malaya sa mga hierarchical na ideya, pagbuo ng mga indibidwal na kakayahan at kasabay nito ay pinagkalooban ng isang marangal na pakiramdam ng pagkamamamayan. Ang sining ay naging pambansa, umapela hindi lamang sa bilog ng mga pinong connoisseurs, ngunit sa isang malawak na demokratikong kapaligiran.

Ang mga pangunahing uso sa panlipunan at ideolohikal na pag-unlad ng Kanlurang Europa noong ika-18 siglo ay nagpakita ng kanilang mga sarili nang hindi pantay sa iba't ibang mga bansa. Kung sa Inglatera ang rebolusyong pang-industriya na naganap sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ay pinagsama ang kompromiso sa pagitan ng burgesya at ng maharlika, kung gayon sa France ang anti-pyudal na kilusan ay may mas malawak na katangian at naghahanda ng isang burges na rebolusyon. Karaniwan sa lahat ng mga bansa ang krisis ng pyudalismo, ang ideolohiya nito, ang pagbuo ng isang malawak na kilusang panlipunan - ang Enlightenment, kasama ang kulto ng pangunahing hindi nagalaw na Kalikasan at ang Isip na nagpoprotekta dito, kasama ang pagpuna nito sa modernong tiwaling sibilisasyon at ang pangarap ng pagkakasundo ng mapagkawanggawa na kalikasan at isang bagong demokratikong sibilisasyong nakahilig sa natural.kondisyon.
Ang ikalabing walong siglo ay ang edad ng Dahilan, ang lahat-nagwawasak ng pag-aalinlangan at kabalintunaan, ang edad ng mga pilosopo, sosyologo, ekonomista; ang eksaktong likas na agham, heograpiya, arkeolohiya, kasaysayan, at materyalistikong pilosopiya, na konektado sa teknolohiya, ay binuo. Invading ang mental na buhay ng panahon, ang siyentipikong kaalaman ay lumikha ng pundasyon para sa tumpak na pagmamasid at pagsusuri ng katotohanan para sa sining. Ipinahayag ng mga enlighteners ang layunin ng sining na tularan ang kalikasan, ngunit inutusan, pinabuting kalikasan (Didero, A. Pope), na nilinis ng isip mula sa mga masasamang epekto ng isang sibilisasyong gawa ng tao na nilikha ng isang absolutistang rehimen, hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan, katamaran at karangyaan. Ang rasyonalismo ng pilosopikal at aesthetic na pag-iisip ng ika-18 siglo, gayunpaman, ay hindi pinigilan ang pagiging bago at katapatan ng pakiramdam, ngunit nagbunga ng isang pagsusumikap para sa proporsyonalidad, biyaya, at maayos na pagkakumpleto ng artistikong phenomena ng sining, mula sa mga arkitektural na grupo hanggang sa Applied Art. Ang mga enlighteners ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa buhay at sining sa pakiramdam - ang pokus ng pinakamarangal na adhikain ng sangkatauhan, isang pakiramdam na naghahangad ng may layunin na pagkilos, na naglalaman ng puwersa na nagbabago sa buhay, isang pakiramdam na may kakayahang muling buhayin ang mga primordial na birtud ng isang "likas na tao" ( Defoe, Rousseau, Mercier), pagsunod sa mga likas na batas. kalikasan.
Ang aphorism ni Rousseau na "Ang isang tao ay mahusay lamang sa kanyang mga damdamin" ay nagpahayag ng isa sa mga kahanga-hangang aspeto ng buhay panlipunan noong ika-18 siglo, na nagbunga ng isang malalim, pinong sikolohikal na pagsusuri sa isang makatotohanang larawan at genre, ang tula ng damdamin. tinamo ang liriko na tanawin (Gainsborough, Watteau, Bernay, Robert) "lirikal na nobela", "mga tula sa prosa" (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), naabot nito ang pinakamataas na pagpapahayag nito sa pagtaas ng musika (Handel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, Italian opera composers). Sa isang banda, ang "maliit na tao" ay naging mga bayani ng mga artistikong gawa ng pagpipinta, mga graphic, panitikan at teatro noong ika-18 siglo - ang mga tao, tulad ng iba, ay inilagay sa karaniwang mga kondisyon ng panahon, hindi nasira ng kasaganaan at mga pribilehiyo, napapailalim sa ordinaryong natural na paggalaw ng kaluluwa, kontento sa katamtamang kaligayahan. Hinahangaan ng mga artista at manunulat ang kanilang katapatan, walang muwang na kamadalian ng kaluluwa, malapit sa kalikasan. Sa kabilang banda, ang pokus ay nasa ideyal ng isang pinalaya na sibilisadong intelektwal na tao, na nabuo ng kultura ng paliwanag, pagsusuri ng kanyang indibidwal na sikolohiya, magkasalungat na mga estado ng kaisipan at damdamin sa kanilang mga banayad na nuances, hindi inaasahang mga impulses at mapanimdim na kalooban.
Ang talamak na pagmamasid, isang pinong kultura ng pag-iisip at pakiramdam ay katangian ng lahat ng artistikong genre ng ika-18 siglo. Hinangad ng mga artista na makuha ang mga sitwasyon sa pang-araw-araw na buhay na may iba't ibang kulay, orihinal na mga indibidwal na larawan, na nakatuon sa mga nakakaaliw na salaysay at kaakit-akit na panoorin, matalas na magkasalungat na aksyon, mga dramatikong intriga at mga komedya na plot, sopistikadong katawa-tawa, buffoonery, magagandang pastoral, magiting na kasiyahan.
Ang mga bagong problema ay iniharap din sa arkitektura. Ang kahalagahan ng pagtatayo ng simbahan ay nabawasan, at ang papel ng sibil na arkitektura ay tumaas, napakasimple, na-update, napalaya mula sa labis na kahanga-hanga. Sa ilang mga bansa (France, Russia, bahagyang Alemanya) ang mga problema sa pagpaplano ng mga lungsod sa hinaharap ay nalutas. Ang mga utopia ng arkitektura ay ipinanganak (mga graphic na landscape ng arkitektura - Giovanni Battista Piranesi at ang tinatawag na "arkitekturang papel"). Naging katangian ang uri ng pribado, kadalasang intimate residential building at urban ensembles ng mga pampublikong gusali. Kasabay nito, sa sining ng ika-18 siglo, kung ihahambing sa mga nakaraang panahon, ang sintetikong pang-unawa at pagkakumpleto ng saklaw ng buhay ay nabawasan. Ang dating koneksyon ng monumental na pagpipinta at iskultura sa arkitektura ay nasira, ang mga tampok ng easel painting at decorativeness ay tumindi sa kanila. Ang paksa ng isang espesyal na kulto ay ang sining ng pang-araw-araw na buhay, mga pandekorasyon na anyo. Kasabay nito, nadagdagan ang pakikipag-ugnayan at pagpapayaman sa isa't isa ng iba't ibang uri ng sining, ang mga tagumpay na nakuha ng isang uri ng sining ay mas malayang ginagamit ng iba. Kaya, ang impluwensya ng teatro sa pagpipinta at musika ay napakabunga.
Ang sining noong ika-18 siglo ay dumaan sa dalawang yugto. Ang una ay tumagal hanggang 1740-1760. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagbabago ng mga late na baroque form sa pandekorasyon na istilong rococo. Ang pagka-orihinal ng sining ng unang kalahati ng ika-18 siglo - sa isang kumbinasyon ng nakakatawa at mapanukso na pag-aalinlangan at pagiging sopistikado. Ang sining na ito, sa isang banda, ay pino, sinusuri ang mga nuances ng mga damdamin at mood, nagsusumikap para sa matikas na pagpapalagayang-loob, pinigilan ang liriko, sa kabilang banda, nakakaakit patungo sa "pilosopiya ng kasiyahan", patungo sa kamangha-manghang mga imahe ng Silangan - Arabo, Intsik, Persian. Kasabay ng Rococo, isang makatotohanang kalakaran ang nabuo - para sa ilang mga masters ay nakakuha ito ng isang matalas na akusatory character (Hogarth, Swift). Ang pakikibaka ng mga artistikong uso sa loob ng mga pambansang paaralan ay hayagang ipinakita. Ang ikalawang yugto ay nauugnay sa pagpapalalim ng mga kontradiksyon sa ideolohiya, paglago ng kamalayan sa sarili, ang pampulitikang aktibidad ng burgesya at ng masa. Sa pagliko ng 1760-1770s. Ang Royal Academy sa France ay sumalungat sa rococo art at sinubukang buhayin ang seremonyal, idealizing na istilo ng akademikong sining noong huling bahagi ng ika-17 siglo. Ang galante at mythological genre ay nagbigay daan sa makasaysayang genre na may mga plot na hiniram mula sa kasaysayan ng Roma. Tinawag silang bigyang-diin ang kadakilaan ng monarkiya, na nawalan ng awtoridad, alinsunod sa reaksyunaryong interpretasyon ng mga ideya ng "naliwanagang absolutismo." Ang mga kinatawan ng advanced na pag-iisip ay bumaling sa pamana ng unang panahon. Sa France, binuksan ng Comte de Caylus ang siyentipikong panahon ng pananaliksik sa lugar na ito ("Collection of Antiquities", 7 volume, 1752-1767). Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, hinikayat ng German archaeologist at art historian na si Winckelmann (History of the Art of Antiquity, 1764) ang mga artista na bumalik sa "ang marangal na pagiging simple at kalmadong kadakilaan ng sinaunang sining, na sumasalamin sa kalayaan ng mga Griyego at Romano. ng panahon ng republika." Ang pilosopong Pranses na si Diderot ay nakahanap ng mga pakana sa sinaunang kasaysayan na tumutuligsa sa mga maniniil at nanawagan para sa isang pag-aalsa laban sa kanila. Ang klasisismo ay lumitaw, na pinaghahambing ang dekorasyon ng Rococo na may natural na pagiging simple, ang subjective na arbitrariness ng mga hilig - kaalaman sa mga batas ng totoong mundo, isang pakiramdam ng proporsyon, maharlika ng pag-iisip at mga gawa. Unang pinag-aralan ng mga artista ang sinaunang sining ng Greek sa mga bagong tuklas na monumento. Ang pagpapahayag ng isang perpekto, maayos na lipunan, ang primacy ng tungkulin kaysa sa pakiramdam, ang mga pathos ng katwiran ay karaniwang mga tampok ng klasisismo ng ika-17 at ika-18 na siglo. Gayunpaman, ang klasisismo ng ika-17 siglo, na lumitaw batay sa pambansang pag-iisa, ay nabuo sa mga kondisyon ng pag-unlad ng marangal na lipunan. Ang klasisismo ng ika-18 siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang anti-pyudal na rebolusyonaryong oryentasyon. Nilalayon nitong pag-isahin ang mga progresibong pwersa ng bansa para labanan ang absolutismo. Sa labas ng France, ang klasisismo ay walang rebolusyonaryong katangian na mayroon ito noong mga unang taon ng Rebolusyong Pranses.
Kasabay ng klasisismo, na nararanasan ang impluwensya nito, ang makatotohanang kalakaran ay patuloy na nabubuhay. Nakabalangkas dito ang mga rationalist tendency: hinahangad ng mga artista na gawing pangkalahatan ang mga phenomena sa buhay.
Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, ipinanganak ang sentimentalismo kasama ang kulto ng damdamin at pagnanasa, paghanga sa lahat ng simple, walang muwang, taos-puso. Ang isang kaugnay na pre-romantikong kalakaran sa sining ay lumitaw, at ang interes sa Middle Ages at mga katutubong sining ay lumitaw. Ang mga kinatawan ng mga alon na ito ay iginiit ang halaga ng marangal at aktibong damdamin ng isang tao, inihayag ang drama ng kanyang mga salungatan sa kapaligiran, na nag-udyok sa kanya na makialam sa mga tunay na pampublikong gawain sa pangalan ng tagumpay ng hustisya. Nagbigay sila ng daan "sa kaalaman ng puso ng tao at sa mahiwagang sining ng pagpapakita sa mga mata ng pinagmulan, pag-unlad at pagbagsak ng isang dakilang simbuyo ng damdamin" (Lessing) at ipinahayag ang lumalaking pangangailangan para sa nabalisa, nakakalungkot na sining.

sining ng ika-19 na siglo

Noong ika-19 na siglo, ang kapitalismo ang naging dominanteng pormasyon hindi lamang sa Europa, kundi maging sa iba pang mga kontinente. Sa panahong ito, biglang tumindi ang tunggalian sa pagitan ng dalawang kultura - ang progresibong demokratiko at ang reaksyunaryong burges. Ang pagpapahayag ng mga advanced na ideya ng oras, ang makatotohanang sining ng ika-19 na siglo ay nagpatibay sa mga aesthetic na halaga ng katotohanan, niluwalhati ang kagandahan ng tunay na kalikasan at ang taong nagtatrabaho. Ang pagiging totoo ng ika-19 na siglo ay naiiba sa mga nakaraang siglo na direktang sumasalamin sa sining ang mga pangunahing kontradiksyon ng panahon, ang mga kalagayang panlipunan ng buhay ng mga tao. Tinukoy ng mga kritikal na posisyon ang batayan ng pamamaraan ng makatotohanang sining noong ika-19 na siglo. Ang kanyang pinaka-pare-parehong pagkakatawang-tao ay ang sining ng kritikal na realismo - ang pinakamahalagang kontribusyon sa artistikong kultura ng panahon.
Ang iba't ibang mga lugar ng kultura noong ika-19 na siglo ay nabuo nang hindi pantay. Ang panitikan sa mundo (Victor Hugo, Honoré Balzac, Henri Stendhal, Fyodor Dostoevsky, Leo Tolstoy), musika (Johann Beethoven, Frederic Chopin, Richard Wagner) ay umabot sa pinakamataas na taas. Tungkol sa arkitektura at inilapat na sining, pagkatapos ng pagtaas na tinukoy ang istilo ng Imperyo, parehong nasa krisis ang mga sining na ito. Mayroong pagkakawatak-watak ng mga monumental na anyo, estilistang pagkakaisa bilang isang mahalagang sistemang masining, na sumasaklaw sa lahat ng uri ng sining. Ang mga easel na anyo ng pagpipinta, mga graphic, at bahagyang iskultura, na nakahilig sa mga monumental na anyo sa kanilang pinakamahusay na mga pagpapakita, ay tumatanggap ng pinakakumpletong pag-unlad.

Gamit ang pambansang pagkakakilanlan sa sining ng anumang kapitalistang bansa, ang mga karaniwang tampok ay pinahusay: isang kritikal na pagtatasa ng mga phenomena ng buhay, historicism ng pag-iisip, iyon ay, isang mas malalim na layunin na pag-unawa sa mga puwersang nagtutulak ng panlipunang pag-unlad, parehong mga nakaraang yugto ng kasaysayan at ang kasalukuyan. Ang isa sa mga pangunahing tagumpay ng sining ng ika-19 na siglo ay ang pag-unlad ng mga makasaysayang tema, kung saan sa unang pagkakataon ang papel ng hindi lamang mga indibidwal na bayani, kundi pati na rin ang masa ng mga tao ay ipinahayag, at ang makasaysayang kapaligiran ay mas partikular. muling nilikha. Lahat ng uri ng portraiture, pang-araw-araw na genre, landscape na may binibigkas na pambansang karakter ay malawakang ginagamit. Ang heyday ay nakakaranas ng satirical graphics.
Sa tagumpay ng kapitalismo, nagiging pangunahing interesadong puwersa ang malaking burgesya sa paglimita at pagsugpo sa makatotohanan at demokratikong tendensya ng sining. Ang mga likha ng mga nangungunang figure ng European culture Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet ay madalas na inuusig. Ang mga eksibisyon ay napuno ng pinakintab na mga gawa ng tinatawag na mga artista ng salon, iyon ay, ang mga sumakop sa isang nangingibabaw na lugar sa mga salon ng sining. Upang masiyahan ang mga panlasa at hinihingi ng mga burgis na kostumer, nilinang nila ang mga mababaw na paglalarawan, erotiko at nakaaaliw na mga motibo, ang diwa ng paghingi ng tawad para sa mga burgis na pundasyon at militarismo.
Noong 1860s, sinabi ni Karl Marx na "ang kapitalistang produksyon ay laban sa ilang sangay ng espirituwal na produksyon, tulad ng sining at tula." Ang sining ay may interes sa burgesya pangunahin bilang isang kumikitang pamumuhunan (pagkolekta) o bilang isang marangyang bagay. Siyempre, may mga kolektor na may tunay na pag-unawa sa sining at layunin nito, ngunit ang mga ito ay kakaunti, mga pagbubukod sa mga patakaran. Sa pangkalahatan, kumikilos bilang isang trendsetter at ang pangunahing mamimili ng sining, ang bourgeoisie ay nagpataw ng limitadong pag-unawa sa sining sa mga artista. Ang pag-unlad ng malakihang produksyong masa kasama ang impersonality at pagtitiwala sa merkado ay nagsasangkot ng pagsugpo sa pagkamalikhain. Ang dibisyon ng paggawa sa kapitalistang produksyon ay naglilinang ng isang panig na pag-unlad ng indibidwal at inaalis ang paggawa mismo ng malikhaing integridad. Sa pagsasalita tungkol sa poot ng kapitalismo sa sining, hindi nasa isip nina Marx at Engels ang pangkalahatang imposibilidad ng artistikong pag-unlad noong ika-19 at ika-20 siglo. Pinuri ng mga tagapagtatag ng siyentipikong komunismo sa kanilang mga akda ang mga tagumpay ng, halimbawa, ang kritikal na realismo noong ika-19 na siglo.
Ang demokratikong linya ng sining, na inilalantad ang papel ng mga tao bilang ang nagtutulak na puwersa ng kasaysayan at nagpapatunay sa mga aesthetic na halaga ng demokratikong kultura ng bansa, ay dumaraan sa maraming yugto ng pag-unlad. Sa unang yugto, mula sa Dakilang Rebolusyong Pranses noong 1789-1794 hanggang 1815 (panahon ng pambansang pakikibaka sa pagpapalaya ng mga tao laban sa pagsalakay ni Napoleon), ang mapagsamantalang esensya ng burges na lipunan ay hindi pa ganap na naisasakatuparan. Ang demokratikong sining ay nabuo sa pakikibaka laban sa mga labi ng artistikong kultura ng maharlika, gayundin laban sa mga pagpapakita ng mga limitasyon ng burges na ideolohiya. Ang pinakamataas na tagumpay ng sining sa panahong iyon ay nauugnay sa mga rebolusyonaryong kalunos-lunos ng masa, na naniniwala sa tagumpay ng mga mithiin ng kalayaan, pagkakapantay-pantay at kapatiran. Ito ang kasagsagan ng rebolusyonaryong klasisismo at ang pagsilang ng romantiko at makatotohanang sining.
Ang ikalawang yugto, mula 1815 hanggang 1849, ay bumagsak sa panahon ng pagtatatag ng sistemang kapitalista sa karamihan ng mga bansang Europeo. Sa abanteng demokratikong sining ng yugtong ito, isang transisyon ang ginagawa tungo sa isang matatag na pagpuna sa mapagsamantalang diwa ng burges na lipunan. Ito ang panahon ng pinakamataas na pamumulaklak ng rebolusyonaryong romantisismo at pagbuo ng sining ng kritikal na realismo.
Sa paglala ng mga kontradiksyon ng uri sa pagitan ng burgesya at proletaryado, na umabot sa kasukdulan nito sa panahon ng Paris Commune (1871), lalong tumitindi ang antagonismo sa pagitan ng reaksyunaryong burges at mga demokratikong kultura. Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, ang pagpuna sa kapitalistang paraan ng pamumuhay, kapwa sa panitikan at sa mga gawa ng pinong sining, ay isinagawa mula sa pananaw ng lumalagong pananaw sa mundo ng rebolusyonaryong proletaryado.

Katulad na impormasyon.

Ang ikalabing pitong siglo ay ang "gintong panahon ng pagpipinta" sa Europa. Ang mga makabuluhang paaralan ng sining ay binuo sa Italy, Holland, Flanders, Spain at France. Kabilang sa mga ito, ang sining ng Holland ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Ang pitong hilagang lalawigan ng Dutch, na nagkakaisa sa paligid ng pinakamalaki sa kanila, ang Holland, ay tinalo ang mga Espanyol. Ang makasaysayang kapalaran ng mga lupaing ito ay natukoy pagkatapos ng pagtatapos ng Unyon ng Utrecht noong 1579, na nagbigay ng kapangyarihang pambatasan sa Heneral ng Estado, nagdeklara ng pagpaparaya sa relihiyon, at nagbigay ng mga espesyal na kondisyong pampulitika at pang-ekonomiya sa mayayamang lalawigan ng Holland at Zeeland. Ito ang naglatag ng mga pundasyon para sa hinaharap na republika, na nakatanggap ng katayuan ng estado noong 1609 pagkatapos ng pagtatapos ng isang truce sa Espanya.

Ang United Provinces ay naging unang burges na estado sa mundo, ang kapangyarihan ng stadtholder ay nominal dito, ang mga kinatawan ng bahay ni Orange ay, una sa lahat, mga heneral. Ang kanilang hukuman sa The Hague ay hindi partikular na magarbo at walang kapansin-pansing epekto sa pag-unlad ng kultura sa bansa. Ang panuntunan sa Holland ay mga burghers - masigasig, masinop, praktikal. Namuhunan ito sa kalakalan at paggawa ng barko, naging daan patungo sa malalayong bansa ng Asya at Amerika at nagtatag ng mga kolonya doon. “Itong maliit na bilang ng mga tao,” ang isinulat ni Cardinal Richelieu, pinuno ng maharlikang konseho ng Pransiya, “na nagmamay-ari ng isang piraso ng lupain na binubuo ng mga tubig at pastulan, ang nagbibigay sa mga mamamayan ng Europa ng karamihan sa mga kalakal na kailangan nila.”

Ang nangingibabaw na relihiyon sa bansa ay ang Calvinism, ang pinaka-radikal na kalakaran sa kilusang reporma noong ika-16-17 siglo. Ang Calvinist Church ay may karakter na "republikano". Ang mga pangunahing tampok nito ay ang doktrina ng ganap na predestinasyon, isang paghingi ng tawad para sa entrepreneurship at propesyonal na tagumpay, ang pangangailangan para sa makamundong asetisismo - maingat na burges na pag-iimpok. Ang kamag-anak na pagpapaubaya sa relihiyon sa unang panahon ng buhay ng republika ay lumikha ng isang kanais-nais na kapaligiran para sa pagkamalikhain sa agham at pilosopiko. Naging tanyag ang bansa sa mga naturalista nito, naglagay ng mga kilalang abogado at istoryador. Ang sikat na pilosopo na si Rene Descartes ay nandayuhan dito mula sa France, at dito nabuo ang materyalistikong pananaw ni Spinoza. Ang kontribusyon ng Holland sa panitikan sa Europa ay mas katamtaman; walang mga pangunahing arkitekto at iskultor dito. Ang mga pangunahing tagumpay ay nahulog sa bahagi ng mga pintor ng isang maliit na hilagang bansa. Lumikha siya ng isang masiglang paaralan ng pambansang pagpipinta, na, kasama ang mga tema nito, istilo ng pagpipinta, mga hangarin sa ideolohiya, ay isang espesyal na kabanata sa sining ng ika-17 siglo, na nag-iwan ng hindi maalis na marka sa kulturang sining ng mundo.

Ang Dutch Church ay pinatalsik ang kahanga-hangang kulto mula sa mga templo nito, na walang mga sagradong imahe - ang mga simbahang Katoliko ay hindi marami. Ang mga gawa ng sining ay pangunahing inilaan para sa mga pampublikong sekular na gusali at pribadong tirahan, ang kanilang paksa, bagaman sumasalamin sa moralidad ng mga Protestante, ay may sekular na katangian. Ang mga pagpipinta batay sa bibliya at sinaunang mga paksa ay itinuturing na makasaysayan. Ang tunay na bokasyon ng mga Dutch artist ay easel painting. Maraming mga artista. Bihira silang sumulat para mag-order, karamihan sa mga painting ay ibinebenta sa mga pamilihan. “Ang perya sa Rotterdam,” ang isinulat ng isang Ingles na manlalakbay noong ika-17 siglo, “ay napuno ng mga pintura (lalo na ang mga tanawin at mga eksena sa genre) ... Ang lahat ng mga bahay ay puno ng mga pintura, at ang mga Dutch ay nagbebenta ng mga ito sa malaking kita.

Sa pamamagitan ng 20s ng ika-17 siglo, ang pagbuo ng mga genre ng Dutch painting ay karaniwang nakumpleto. Ang katangian para sa Holland ay ang pagdadalubhasa ng mga artista ayon sa genre. Sa simula ng ika-17 siglo, ang portrait genre ay naging pinakasikat sa Holland, ang pambansang tema ay malawak na tumunog sa Dutch landscape, at noong 1630s ang genre ng magsasaka ay nagkaroon din ng hugis. Ang isa sa mga pinaka-katangiang genre ng Dutch painting ay ang still life. Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, ang genre ng pang-araw-araw na buhay ay sumakop sa isang nangingibabaw na posisyon sa Dutch painting.

Ang pagbuo ng sining ng Dutch ay naganap sa ilang mga sentro, na kung saan, nakikipagkumpitensya sa isa't isa, sa iba't ibang mga oras ay maaaring humila sa unahan o umatras. Sa una ito ay Haarlem, mula sa thirties, pagkatapos Rembrandt lumipat doon, Amsterdam ay nagsimulang makuha ang kanyang nangungunang posisyon, pagkatapos ay sumunod sa unibersidad Leiden at kalmado aristokratikong Delft. Nakahiwalay ang Hague, kung saan matatagpuan ang hukuman ng stadtholder.

Ipakita ang buong teksto

Ang pangunahing relihiyon ay Protestantismo. Ang Dutch ay nagsimulang lumikha ng isang larawan ng Holland. Ito ay mga larawan ng kanilang mga nanalo sa digmaan, mga landscape, still lifes, genre o araw-araw na pagpipinta ay lumitaw. Ito ay mga painting na may itim at puti na komposisyon ng panahon ng Baroque. Sa unang pagkakataon dito lilitaw ang pagdadalubhasa ng mga artista. Tanging mga masters ng still life o landscape ang lumitaw. 12 uri ng landscape: urban, dagat, dune, waterfalls, forest landscape. Sa pinakadulo simula ng Dutch art, ang portrait ay nagiging pangunahing direksyon. Sa unang kalahati ng ika-17 siglo, ang pinakadakilang pintor ng portrait sa Holland ay si Frans Hals.

Ang gawain ni Frans Hals.

Ipinanganak noong 1574 sa Antwarpan. Pagkatapos ay lumipat ang kanyang pamilya sa Haarlem. Doon siya nag-aral sa artist na si Van Mander. Si Van Mander ay gumawa ng mga talambuhay ng mga pangunahing Netherlandish na artista. Nagawa ni Frans Hals ang isang buong rebolusyon sa larawan. Hals ay nagdudulot ng dynamics sa mga portrait. "Ang Banquet ng mga Opisyal ng St. George's Company" - ang unang obra na nagdulot sa kanya ng kasikatan. Ang Hals ay naglalarawan ng mga opisyal sa panahon ng isang pagsasaya, ang bawat opisyal ay inilalarawan sa kanyang pagliko. Ang larawan ay isang aktibong dayagonal. Ang lahat ay itinayo sa prinsipyo ng kawalaan ng simetrya. Aktibo ito sa kulay.

Si Hals ay nagpinta ng kanyang mga larawan nang napakabilis, gamit ang isang bukas na dynamic na brushstroke. "Hypsy". Napaka conditional ng pangalan. " Mali Baba»- buksan ang malakas na inabandunang pahid. Sa oras na ito, sa halos lahat ng mga gawa ni Hals, lahat ng kanyang mga karakter ay nakangiti. "Nakangiting Cavalier"

Ang dynamics sa portrait ay partikular na aktibo. William van Geith Geisen. Wala ni isang drawing ng Hals ang napreserba. Malamang na pininturahan niya ang kanyang mga larawan nang walang guhit at nagpinta nang napakabilis.

Pinintura ni Hals si Van Dyck sa loob ng dalawang oras. Inanyayahan siya ni Van Dyck na sumama sa kanya sa England.

Boon kasama. Isinulat sa parehong mabilis at dynamic na paraan kung saan nagustuhan ni Hals na magsulat.

Nagpinta rin si Hals ng mga seryosong larawan: "Larawan ni Peter Van Den Broke", isang custom-made na larawan, kaya nagsusulat si Hals nang detalyado, isang napakapigil at maigsi na larawan Rene Descartes. Larawan ng pamilya, ang tanawin ay ipininta para sa kanya ni Peter Moleyn. Larawan ng babae - napaka nagpapahayag ng larawan ng Hals. Larawan Isaac Masa at ang kanyang asawa - larawan ng kanyang kaibigan.

Sa edad na 30 nagpinta siya ng isang larawan larawan ng mga opisyal ng kumpanya ng St. Andrian. Ang bawat pigura ay may sariling pagliko at sariling paggalaw. Noong dekada 40, kapansin-pansing nagbabago ang pagpipinta ni Hals. Sa oras na ito, ang larawan ng Van Dyck ay dumating sa fashion. Mga larawang 40-50 taon - mga larawang may nangingibabaw na itim. Sa kanila larawan ng Regent ng isang nursing home. Mayroong 27 shade ng itim sa portrait na ito. Isa sa mga huling gawa ng Hals - Mga tagapangasiwa ng nursing home. Lumilitaw ang imahe ng katandaan. Ang pagkabulok ng laman ay naghahatid sa larawan. Medyo iba, nagpinta siya ng portrait Mga Regent ng St. Elizabeth's Hospital. Ang larawan ay malinaw na nagpapakita ng pagpili ng isang tatsulok ng mga numero, ang bawat mukha ay malinaw na nakikita. Sa kanyang buhay, lumikha si Hals ng higit sa 200 mga kuwadro na gawa. May museo sa Haarlem. Halos lahat ng trabaho nila ay tinitipon doon.

Ang gawa ni Rembrandt van Rijn.

Isa ito sa mga magagaling na artista noong ika-17 siglo. Ipinanganak noong 1606 sa pamilya ng isang miller sa lungsod ng Leiden. Ang batang lalaki ay orihinal na napakagaling. Nag-aaral si Rembrandt ng ilang oras sa unibersidad. Siya ay 14 taong gulang nang maramdaman niya ang kanyang tungkulin sa pagpipinta at umalis sa unibersidad. Nagrenta siya ng kamalig sa pampang ng ilog at lumikha ng sarili niyang paaralan sa edad na 16. Ang mga artista tulad ni Doe ay nag-aaral sa kanyang paaralan. Ang mga unang gawa na kanilang isinulat - Pagkatapon, mga mangangalakal mula sa templo. Sa kanyang mga unang gawa, binanggit niya ang pagiging kabilang sa Baroque. Ang trabaho ay may diagonal na komposisyon, isang light-shadow na komposisyon. Sa Leiden, ipininta ang kanyang self-portrait. Hindi pangkaraniwang gawaing texture. Sa oras na ito, dumating ang ministro ng Dutch at bumili ng ilang mga gawa ni Rembrandt. Iniwan ni Rembrandt si Leidan at umalis patungong Amsterdam, kung saan siya pumasok sa studio ng artist na si Lastman. Lumilitaw ang isang hindi tunay na liwanag sa mga gawa. Ito ay lalong kapansin-pansin sa larawan hindi paniniwala ni Tomas . Sa Amsterdam, natanggap niya ang unang komisyon para sa isang larawan ng grupo. – Anatomy ni Dr. Tulip . Dito siya nagpinta ng isang larawan Ang sakripisyo ni Abraham. Si Propeta Jeremias sa mga guho ng Jerusalem. Sa pagpipinta, ang ulo ng santo ay nagliliwanag. Ang kanyang tagumpay sa pagpipinta ay humantong sa kanya upang pakasalan si Sasky Van Elenburg. Bumili si Rembrandt ng isang palasyo sa Amsterdam. Self-portrait kasama si Sasuke sa kanyang kandungan. Sasaki na may dalang bulaklak. Sa parehong taon na may sakit si Sasky, nakatanggap si Rembrandt ng isang order para sa isang larawan ng grupo ng kumpanya ni Captain Kok - Ang gabi Watch. Inilalarawan nito ang paglabas ng mga bumaril sa mga pagsasanay. Ang pagpipinta ay isang obra maestra ni Rembrandt ng 40s. Ang larawan ay binuo sa subordination. Nagsimula ang mahabang demanda sa mga utang ni Rembrandt. Ang paalam ni David kay Jonathan isinulat sa parehong taon bilang Panoorin sa Gabi. Ang pagpipinta ay binili ni Peter the Great at naging isa sa mga unang painting sa Hermitage.

Danae.

Ang katulong ni Rembrandt na si Hendricke ay naging isang maaasahang katulong. Siya ang magiging pangalawang asawa ni Rembrandt. sa larawan Banal na pamilya na may mga anghel sa larawang ito mayroong dalawang ilaw na dayagonal, ang larawan ay natatakpan ng mainit na liwanag. Lumilitaw si Hendrick sa isang portrait - Hendrick sa bintana, Babaeng naliligo, Versaviya, nasa kasaysayan ng larawan ang kuwento nina David at Versavia.

David at Uriah Malaki ang papel ng liwanag sa larawan.

Larawan ni Jan Six. Lahat ng atensyon ay nakatuon sa mukha.

Sabwatan ni Claudius Civilis. Ito ang tanging pagpipinta mula sa kasaysayan ng Dutch ni Rembrandt. .

Larawan ng isang matandang lalaki na pula. Portrait na talambuhay. Isang larawan sa oras.

Larawan ng isang matandang Hudyo. Sa larawang ito, tanging ang mga pangunahing bagay ang naka-highlight: ang mukha at mga kamay.

Larawan ng isang matandang babae. Sa larawang ito, ang pinakamadaling paglipat mula sa liwanag patungo sa anino.

Portrait na binabasa si Tito.

Larawan ng makata na si Decker.

Asur, Haman, Isfir. Ang pangunahing gawain ng mga huling pagpipinta ng Rembrandt. Ang larawan ay batay sa isang napaka-komplikadong solusyon sa pag-iilaw.

Ipininta ni Rembrandt ang pag-uulit ng pagpipinta na ito Humihingi ng tawad si Haman kay Isfir.

Nakatanggap si Rembrandt ng isang order para sa isang larawan ng grupo - Mga sindikato.

Jewish bride. Ang tema ng pag-ibig ang pangunahing tema sa larawang ito. Ito ang paboritong pagpipinta nina Van Gogh at Soutine.

Larawan ng pamilya. Larawan ng pangkat. Isang haka-haka na larawan ng kanyang pamilya.

Dalawang self-portraits.

Sa 66-68, nagpinta ng larawan si Rembrandt Pagbabalik ng Alibughang Anak na nagtatapos sa kanyang gawain.

Simon sa templo. Ang kanyang huling pagpipinta.

Namatay si Rembrandt noong 1669. Marami siyang estudyante: Gerard Dou, Fabricius, Gelder isa sa mga huling estudyante ng Rembrandt. Umiral ang kanyang paaralan hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo.

Mga paksa para sa kredito:

muling pagkabuhay ng Aleman.

Italyano baroque. Arkitekturang Baroque. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini at Carlo Moderno. Iskultura ni Bernini. Dalawang pintor na Caravaggio at Anibali Karachi. Rubens. Van Dyck. Jordans. Snyders. Brouwer.

Landscape ng Dutch noong ika-17 siglo.

Jan Fan Goyen.

Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tanawin ng ilog.

Mill sa tabi ng ilog tipikal na tanawin ng Dutch.

Landscape ng ilog.

Halos palaging sa kanyang trabaho, ang liwanag sa langit ay naaaninag sa lupa.

Salomon Reisdael

Nagpinta siya ng mga tanawin ng madaling araw.

Landscape na may kariton katangiang tanawin para sa pintor na ito.

Pagtatawid ng lantsa. mahangin na umaga

Pinalaki niya ang isa sa mga pangunahing artista ng ika-17 siglo, si Jacob Reizad.

Jacob Reisdael.

View ni Edmond. Ang liwanag sa kalangitan, ang maindayog na tanawin, ang vertical bell tower ay eksaktong tumutugma sa vertical na format.

Ipininta ni Jacob ang lahat ng 12 uri ng landscape at gumawa siya ng ilang uri.

Si Reisadl ay isang mahusay na master ng landscape ng kagubatan.

Napansin na ng mga kontemporaryo na si Reisdal ay isang psychologist ng kagubatan. Bawat puno ay may kanya-kanyang larawan.Nagsusulat siya ng talambuhay ng puno.

Landscape ng kagubatan.

Lawa sa gitna ng mga puno. Sa harapan ay isang nahulog na puno, sa tabi nito ay isang tuyong puno, at sa kailaliman ay mga batang puno ng birch. Mayroong ilang mga edad ng puno. Inilipat niya ang pamamaraang ito sa isang serye ng mga pagpipinta:

Ilog sa kagubatan

kagubatan ng oak

Latian

tanawin ng kagubatan

Daan

Panoramikong tanawin: Beintheir Castle, landscape na may mga guho ng kastilyo at simbahan.

Mill sa Vecca. Ang pangunahing tanawin ng Reisdal. Sadyang pinalaki ni Reisdael ang gilingan. Ang tanawin na ito ay isa sa mga simbolo ng Holland.

Tatlong pangunahing gawa ni Holland: Night Watch, Mill sa Vecca, view ng lungsod ng Delta.

Dalawang painting na may parehong pamagat: sementeryo ng mga Hudyo. Imaginary drawing. Inihahatid nito ang estado sa panahon ng bagyo. Sa harapan ay isang tuyo, ngunit buhay pa rin ang puno. Ang tumatakbong sapa ay simbolo ng mabilis na daloy ng buhay. Ang puno ay inilalarawan laban sa background ng isang masigla at luntiang puno. Sa foreground ay isang lapida na may larawan ng mismong artist at pirma ni Reisdal. Sa kailaliman ay nakikita natin ang isang templo na halos nawasak at kasabay nito ay nakikita natin kung paano lumilitaw ang isang bahaghari pagkatapos ng isang bagyo - isang simbolo ng pag-asa. Ang central light strike ay isang monumento. Ang larawan ay may pag-uulit, lumilikha ito ng mas matalas na kahulugan ng buhay at kamatayan. Ang pangalawang larawan ay nagdadala ng malaking kadiliman, ang kaibahan ng tuyo at berdeng kahoy ay napakalinaw na inilalarawan. Ang slab na may larawan ng Reisdael ay muling lumitaw at ang templo ay nagbago ng hitsura nito, tulad ng isang nilalang na may malalaking socket sa mata - ang imahe ng isang namamatay na mundo. Si Reisdael ay itinuturing na lumikha pilosopiko na tanawin.

Ipininta ni Reisdael ang mga tanawin ng taglamig gaya ng: Landscape ng taglamig, Taglamig na tumatalakay sa tema ng kalungkutan. Si Reisdal ang may-akda ng landscape-mood.

Siya rin ay isang master ng marine painting: Bagyo sa dagat, Sea coast.

Siya ay isang master ng urban landscape: View ng Amsterdam kasama ang ilog Amstel, View ng Haarlem ( tanaw sa kanyang bayan).

Sa mga nagdaang taon, nagpinta si Reisdael ng maraming landscape na naglalarawan ng mga talon: Mabatong tanawin na may talon, talon sa Norway, talon.

Dalawang gilingan- isang hindi pangkaraniwang tanawin, isang gilingan ay malinaw na nakikita, at ang pangalawa ay matatagpuan sa kailaliman.

Mountain landscape na may sailboat isa sa mga huling gawa ni Reisdael. Sa gawaing ito, buod niya ang kanyang buhay. Ito ay isang mala-tula, liriko na tanawin.

Ang gawa ni Mendet Hobeme.

Siya ay isang estudyante ng Reisdael.

Alley middel sa Harls. Siya ang unang nagpinta ng mga tanawin mula sa kalikasan. Minsan nagpinta siya ng mga landscape mula sa mga landscape drawing.

Siya ay sikat sa England at nag-ambag sa paglitaw ng landscape ng Ingles. Sina Thomas Gensbra, Turner, John Constable ay umasa sa gawa nina Hobeme at Reisdael.

Ang pinakadakilang master ng makatotohanang landscape. Bilang karagdagan sa landscape ng Ingles, ang simula ng pambansang tanawin ng Pransya ay higit na ipinakita.

Mga tanong sa tiket:

Ang gawa ni Rembrandt.