Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Dagat. Maaraw na araw »Pribadong koleksyon Romanticism

John Constable "Autumn Berries and Flowers in a Brown Pot" Romanticism

Thomas Sully "Portrait of Miss Mary and Emily McEwen", 1823 Los Angeles County Museum of Art, USA Romanticism

William Mo Eagley "Kung paanong ang sanga ay nakayuko, ang puno ay nakahilig", 1861 Philadelphia Museum of Art, USA Romanticism Ang pagpipinta ay ipinangalan sa salawikain na "Kung paanong ang sanga ay nakayuko, ang puno ay nakahilig". Analogue sa Russian "Kung saan patungo ang puno, doon ito nahulog."

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Tanaw ng Teflis mula sa Seid-Abad", 1868 National Gallery of Armenia, Yerevan Romanticism Ang Seid-Abad ay isang quarter sa Tiflis, sikat sa mga sulfur bath at hindi maunahang mga bath attendant. Ang pakikipag-usap tungkol sa Seid-Abad, hindi maaaring hindi hawakan ang kasaysayan ng sikat na Abanotubani - Banny quarter. Nagkaroon ito ng ilang pangalan. Mayroong isang alamat na ang isang tiyak na takas mula sa hangganan ng pashalyk, na may sipon sa ...

Karl Pavlovich Bryullov "Portrait of His Serene Highness Princess Elizabeth Pavlovna Saltykova", 1841 Russian Museum, St. Petersburg Romanticism Ang prinsesa ay inilalarawan na nakaupo sa isang armchair sa terrace ng kanyang ari-arian. Sa canvas na ito, na puno ng mga liriko na madamdamin na tala, lumikha si Bryullov ng isang mala-tula na imahe ng kanyang pangunahing tauhang babae. Elizaveta Pavlovna Saltykova (née Stroganova), anak ni Count Stroganov, isang pilantropo at pangunahing industriyalista. Si Bryullov ay palaging naaakit ng mga kababaihan mula sa marangal na pamilya….

Remy-Furcy Descarsen "Portrait of Dr. de S. playing chess with Death", 1793 Museum of the French Revolution, Vizius, France Romanticism Sa paghusga sa inskripsiyon sa frame ng painting, ang canvas ay pininturahan ng artist noong 1793, ilang sandali bago ang kanyang kamatayan (ang artista ay pinatay para sa pakikiramay sa kontra-rebolusyon) at ang kanyang huling gawa. Sa loob ng mahabang panahon, ang pagpipinta ay itinago sa mga pribadong koleksyon at ...

Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Foggy Morning in Italy", 1864 Feodosia Art Gallery na pinangalanang I.K. Aivazovsky, Feodosia Romanticism Noong 1840 nagpunta si Aivazovsky sa Italya. Doon nakilala niya ang mga kilalang pigura ng panitikan, sining, agham ng Russia - Gogol, Alexander Ivanov, Botkin, Panaev. Kasabay nito, noong 1841, binago ng artista ang kanyang pangalan sa Aivazovsky. Ang mga aktibidad ng artista sa...

Joshua Reynolds "Portrait of the Waldgrave Sisters", 1780 National Gallery of Scotland, Edinburgh Romanticism Para sa larawan ng Waldgrave sisters, pinili ni Reynolds ang genre ng "conversational painting", tradisyonal para sa English painting. Inilarawan niya silang nakaupo sa paligid ng isang mesa at gumagawa ng mga handicraft. Ngunit sa kanyang pagganap ang pang-araw-araw na eksena ay nawawala ang nakagawiang gawain. Hinahangad niyang itaas ang kanyang mga pangunahing tauhang babae kaysa sa pang-araw-araw na buhay. Ang mga babaeng puno ng kagandahan ng kabataan ay nakasuot ng puti ...

Ang Romantisismo sa pagpipinta ay isang pilosopiko at kultural na kalakaran sa sining ng Europa at Amerika noong huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Sentimentalismo sa panitikan ng Alemanya, ang lugar ng kapanganakan ng romantikismo, ay nagsilbing batayan para sa pag-unlad ng istilo. Ang direksyon na binuo sa Russia, France, England, Spain at iba pang mga European bansa.

Kasaysayan

Sa kabila ng mga maagang pagtatangka ng mga pioneer na El Greco, Elsheimer at Claude Lorrain, ang istilo na kilala natin bilang Romantisismo ay hindi nakakuha ng momentum hanggang sa halos katapusan ng ika-18 siglo, nang ang kabayanihan na elemento ng neoclassicism ay nagkaroon ng malaking papel sa sining ng panahon. Ang mga kuwadro na gawa ay nagsimulang magpakita ng kabayanihan-romantikong ideyal batay sa mga nobela noong panahong iyon. Ang kabayanihang elementong ito, na sinamahan ng rebolusyonaryong ideyalismo, emosyonalidad, ay lumitaw bilang resulta ng Rebolusyong Pranses bilang isang reaksyon laban sa pinigilan na sining sa akademya.

Pagkatapos ng Rebolusyong Pranses noong 1789, naganap ang mga makabuluhang pagbabago sa lipunan sa paglipas ng ilang taon. Ang Europa ay niyanig ng mga krisis sa pulitika, mga rebolusyon at mga digmaan. Nang magpulong ang mga pinuno sa Kongreso ng Vienna upang pag-isipan ang isang plano na muling ayusin ang mga gawain sa Europa pagkatapos ng Napoleonic Wars, naging malinaw na ang pag-asa ng mga tao para sa kalayaan at pagkakapantay-pantay ay hindi natupad. Gayunpaman, sa loob ng 25 taon na ito, nabuo ang mga bagong ideya na nag-ugat sa isipan ng mga tao sa France, Spain, Russia, Germany.

Ang paggalang sa indibidwal, na dati nang pangunahing elemento sa neoclassical na pagpipinta, ay nabuo at nag-ugat. Ang mga kuwadro na gawa ng mga artista ay tumayo para sa kanilang emosyonalidad, senswalidad sa paglipat ng imahe ng tao. Noong unang bahagi ng ika-19 na siglo, ang iba't ibang istilo ay nagsimulang magpakita ng mga katangian ng romantikismo.

Mga layunin

Ang mga paniniwala at layunin ng Romantisismo ay kinabibilangan ng:

• Ang pagbabalik sa kalikasan - isang halimbawa kung saan ay ang diin sa spontaneity sa pagpipinta, na ipinapakita ng mga kuwadro na gawa;
• Paniniwala sa kabaitan ng sangkatauhan at ang pinakamahusay na mga katangian ng indibidwal;
• Hustisya para sa lahat - ang ideya ay laganap sa Russia, France, Spain, England.

Isang matatag na paniniwala sa kapangyarihan ng damdamin at emosyon na nangingibabaw sa isip at talino.

Mga kakaiba

Mga tampok na katangian ng estilo:

1. Ang idealisasyon ng nakaraan, ang pangingibabaw ng mga tema ng mitolohiya ay naging nangungunang linya sa pagkamalikhain noong ika-19 na siglo.
2. Pagtanggi sa rasyonalismo at dogma ng nakaraan.
3. Nadagdagang pagpapahayag sa pamamagitan ng paglalaro ng liwanag at kulay.
4. Ang mga larawan ay naghatid ng liriko na pananaw sa mundo.
5. Tumaas na interes sa mga temang etniko.

Ang mga romantikong pintor at iskultor ay may posibilidad na magpahayag ng emosyonal na tugon sa kanilang personal na buhay, kumpara sa pagpigil at unibersal na mga halaga na itinataguyod ng neoclassical na sining. Ang ika-19 na siglo ay minarkahan ang simula ng pag-unlad ng romantikismo at arkitektura, bilang ebidensya ng mga katangi-tanging gusali ng Victoria.

Mga pangunahing kinatawan

Kabilang sa mga pinakadakilang romantikong pintor noong ika-19 na siglo ay ang mga kinatawan tulad ng I. Fussli, Francisco Goya, Caspar David Friedrich, John Constable, Theodore Gericault, Eugene Delacroix. Ang romantikong sining ay hindi pumalit sa neoclassical na istilo, ngunit gumana bilang isang panimbang sa dogmatiko at kalupitan ng huli.

Ang romantikismo sa pagpipinta ng Russia ay kinakatawan ng mga gawa ni V. Tropinin, I. Aivazovsky, K. Bryullov, O. Kiprensky. Sinubukan ng mga pintor ng Russia na ihatid ang kalikasan bilang emosyonal hangga't maaari.
Ang ginustong genre sa mga romantiko ay landscape. Ang kalikasan ay nakita bilang isang salamin ng kaluluwa, sa Alemanya ito ay nakikita rin bilang isang simbolo ng kalayaan at walang limitasyon. Ang mga artista ay naglalagay ng mga larawan ng mga tao laban sa background ng kanayunan o urban, seascape. Sa romanticism sa Russia, France, Spain, Germany, ang imahe ng isang tao ay hindi nangingibabaw, ngunit pinupunan ang balangkas ng larawan.

Kabilang sa mga sikat na motif ng vanitas ang mga patay na puno at tinutubuan na mga guho, na sumasagisag sa transience at may hangganan na kalikasan ng buhay. Ang mga katulad na motif ay naganap nang mas maaga sa baroque art: ang mga artista ay humiram ng trabaho na may liwanag at pananaw sa mga katulad na painting mula sa mga baroque na pintor.

Mga Layunin ng Romantisismo: Ang artista ay nagpapakita ng isang pansariling pananaw sa layunin ng mundo, at nagpapakita ng isang larawang sinala sa pamamagitan ng kanyang kahalayan.

Sa iba't ibang bansa

Ika-19 na siglo German romanticism (1800 - 1850)

Sa Germany, ang mga nakababatang henerasyon ng mga artista ay tumugon sa pagbabago ng panahon na may proseso ng pagsisiyasat: umatras sila sa mundo ng mga damdamin, sila ay naging inspirasyon ng mga sentimental na hangarin para sa mga mithiin ng nakaraan, lalo na ang medieval na panahon, na ngayon ay nakikita bilang isang panahon kung saan ang mga tao ay namuhay nang naaayon sa kanilang sarili at sa mundo. Sa kontekstong ito, ang mga painting ni Schinkel, tulad ng Gothic Cathedral on the Water, ay kinatawan at katangian ng panahon.

Sa kanilang pagkahumaling sa nakaraan, ang mga romantikong artista ay napakalapit sa mga neoclassicist, maliban na ang kanilang historicism ay pinuna ang rationalistic dogma ng neoclassicism. Ang mga neoclassical na artista ay nagtakda ng mga ganitong gawain: tumingin sila sa nakaraan upang bigyang-katwiran ang kanilang pagiging hindi makatwiran at emosyonalidad, napanatili ang mga akademikong tradisyon ng sining sa paghahatid ng katotohanan.

Ika-19 na siglo Spanish romanticism (1810 - 1830)

Si Francisco de Goya ay ang hindi mapag-aalinlanganang pinuno ng kilusang romantikong sining sa Espanya, ang kanyang mga pagpipinta ay nagpapakita ng mga katangiang katangian: isang pagkahilig sa irrationality, pantasiya, emosyonalidad. Noong 1789, siya ay naging opisyal na pintor ng korte ng hari ng Espanya.

Noong 1814, bilang parangal sa pag-aalsa ng mga Espanyol laban sa mga pwersang Pranses sa Puerta del Sol, Madrid, at sa pamamaril sa mga walang armas na Kastila na pinaghihinalaang kasabwat, nilikha ni Goya ang isa sa kanyang pinakadakilang obra maestra, Mayo 3. Mga kilalang gawa: "The Disasters of War", "Caprichos", "Maja Nude".

Ika-19 na siglo French romanticism (1815 - 1850)

Pagkatapos ng Napoleonic Wars, muling naging monarkiya ang French Republic. Ito ay humantong sa isang malaking pagpapalakas ng Romantisismo, na hanggang ngayon ay pinipigilan ng pangingibabaw ng mga neoclassicist. Ang mga pintor ng Pransya ng Romantikong panahon ay hindi nililimitahan ang kanilang sarili sa genre ng landscape, nagtrabaho sila sa genre ng portrait art. Ang pinakakilalang kinatawan ng istilo ay sina E. Delacroix at T. Gericault.

Romantisismo sa Inglatera (1820 - 1850)

Ang teorista at ang pinakakilalang kinatawan ng istilo ay si I. Fusli.
Si John Constable ay kabilang sa Ingles na tradisyon ng romantikismo. Ang tradisyong ito ay naghahanap ng balanse sa pagitan ng malalim na pagkasensitibo sa kalikasan at mga pagsulong sa agham ng pagpipinta at pagguhit. Inabandona ng constable ang dogmatikong paglalarawan ng kalikasan, nakikilala ang mga kuwadro na gawa, salamat sa paggamit ng mga spot ng kulay upang ihatid ang katotohanan, na naglalapit sa gawain ni Constable sa sining ng impresyonismo.

Ang mga kuwadro na gawa ni William Turner, isa sa mga pinakadakilang pintor ng romantikismo sa Ingles, ay sumasalamin sa pananabik sa pagmamasid sa kalikasan bilang isa sa mga elemento ng pagkamalikhain. Ang mood ng kanyang mga kuwadro na gawa ay nilikha hindi lamang sa pamamagitan ng kung ano ang kanyang ipinakita, kundi pati na rin sa paraan ng artist na naghatid ng kulay at pananaw.

Kahalagahan sa sining

Ang romantikong istilo ng pagpipinta noong ika-19 na siglo at ang mga espesyal na tampok nito ay nagpasigla sa paglitaw ng maraming paaralan, gaya ng: ang Barbizon School, plein air landscapes, ang Norwich School of landscape painters. Ang romantikismo sa pagpipinta ay nakaimpluwensya sa pag-unlad ng aestheticism at simbolismo. Ang pinaka-maimpluwensyang mga pintor ay lumikha ng kilusang Pre-Raphaelite. Sa Russia at sa mga bansa sa Kanlurang Europa, naimpluwensyahan ng romantikismo ang pag-unlad ng avant-garde at impresyonismo.

Romantisismo.

Romantisismo (French romantisme), isang ideolohikal at masining na kilusan sa kulturang Europeo at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ipinanganak bilang isang reaksyon sa rasyonalismo at mekanismo ng aesthetics ng klasisismo at ang pilosopiya ng Enlightenment, na itinatag sa panahon ng rebolusyonaryong pagkasira ng pyudal na lipunan, ang dating, tila hindi matitinag na kaayusan ng mundo, romantisismo (kapwa bilang isang espesyal na uri ng pananaw sa mundo at bilang isang artistikong direksyon) ay naging isa sa mga pinaka-kumplikado at panloob na magkakasalungat na phenomena sa kasaysayan ng kultura. Ang pagkabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, sa mga resulta ng Great French Revolution, ang pagtanggi sa utilitarianism ng modernong realidad, ang mga prinsipyo ng burgis na praktikalismo, ang biktima kung saan ay ang indibidwalidad ng tao, isang pesimistikong pananaw sa mga prospect para sa panlipunang pag-unlad, ang kaisipan ng "kalungkutan sa mundo" ay pinagsama sa romantikismo na may pagnanais para sa pagkakaisa ng kaayusan ng mundo, espirituwal na integridad ng indibidwal , na may grabitasyon patungo sa "walang hanggan", kasama ang paghahanap para sa bago, ganap at walang kondisyon na mga mithiin. Isang matalim na alitan sa pagitan ng mga mithiin at mapang-api na katotohanan ang nagbunsod sa isipan ng maraming romantiko ng isang masakit na fatalistic o nagagalit na pakiramdam ng dobleng mundo, isang mapait na pangungutya sa pagkakaiba ng panaginip at katotohanan, na itinaas sa panitikan at sining sa prinsipyo ng "romantic irony". Ang isang uri ng pagtatanggol sa sarili laban sa pagtaas ng leveling ng personalidad ay naging pinakamalalim na interes sa personalidad ng tao na likas sa romantisismo, na nauunawaan ng mga romantiko bilang isang pagkakaisa ng indibidwal na panlabas na katangian at natatanging panloob na nilalaman. Ang pagtagos sa kailaliman ng espirituwal na buhay ng isang tao, panitikan at sining ng romantikismo ay sabay na inilipat ang matinding sensasyon na ito ng katangian, orihinal, natatangi sa kapalaran ng mga bansa at mga tao, sa makasaysayang katotohanan mismo. Ang napakalaking pagbabago sa lipunan na naganap sa harap ng mga mata ng mga romantiko ay naging malinaw na nakikita ang progresibong takbo ng kasaysayan. Sa kanyang pinakamahusay na mga gawa, ang romanticism ay umaangat sa paglikha ng mga simboliko at kasabay na mahahalagang larawan na nauugnay sa modernong kasaysayan. Ngunit ang mga imahe ng nakaraan, na iginuhit mula sa mitolohiya, sinaunang at medyebal na kasaysayan, ay kinakatawan ng maraming mga romantiko bilang salamin ng mga tunay na salungatan sa ating panahon.

Ang Romantisismo ang naging unang direksyon ng artistikong kung saan malinaw na ipinakita ang kamalayan ng malikhaing personalidad bilang isang paksa ng aktibidad ng sining. Ang mga romantiko ay hayagang nagpahayag ng tagumpay ng indibidwal na panlasa, kumpletong kalayaan ng pagkamalikhain. Ang paglalagay ng mapagpasyang kahalagahan sa mismong malikhaing gawa, na sinisira ang mga hadlang na humadlang sa kalayaan ng artista, matapang nilang itinumbas ang mataas at mababa, ang trahedya at ang komiks, ang karaniwan at hindi karaniwan. Nakuha ng Romantisismo ang lahat ng larangan ng espirituwal na kultura: panitikan, musika, teatro, pilosopiya, aesthetics, philology at iba pang humanidades, plastic arts. Ngunit sa parehong oras, hindi na siya ang unibersal na istilo na klasiko. Hindi tulad ng huli, ang romantikismo ay halos walang mga anyo ng estado ng pagpapahayag nito (samakatuwid, hindi ito makabuluhang nakakaapekto sa arkitektura, na nakakaapekto sa pangunahing arkitektura ng hardin at parke, arkitektura ng maliliit na anyo at ang direksyon ng tinatawag na pseudo-Gothic). Ang pagiging hindi gaanong istilo bilang isang kilusang panlipunang masining, ang romantikismo ay nagbigay daan para sa karagdagang pag-unlad ng sining noong ika-19 na siglo, na naganap hindi sa anyo ng mga komprehensibong istilo, ngunit sa anyo ng magkahiwalay na uso at uso. Gayundin, sa kauna-unahang pagkakataon sa romantikismo, ang wika ng mga artistikong anyo ay hindi ganap na inisip muli: sa isang tiyak na lawak, ang mga estilistang pundasyon ng klasisismo ay napanatili, makabuluhang binago at muling inisip sa mga indibidwal na bansa (halimbawa, sa France). Kasabay nito, sa loob ng balangkas ng isang solong istilong direksyon, ang indibidwal na istilo ng artista ay nakatanggap ng malaking kalayaan sa pag-unlad.

Ang pag-unlad sa maraming bansa, ang romantikismo sa lahat ng dako ay nakakuha ng matingkad na pambansang pagkakakilanlan, dahil sa aktwal na makasaysayang mga kondisyon at pambansang tradisyon. Ang mga unang palatandaan ng romantisismo ay lumitaw nang halos sabay-sabay sa iba't ibang mga bansa. Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. Ang mga katangian ng romantikismo ay likas na sa iba't ibang antas: sa Great Britain - ang mga kuwadro na gawa at mga graphic na gawa ng Swiss IG Füsli, kung saan ang madilim, sopistikadong katawa-tawa ay bumabagsak sa klasiko na kalinawan ng mga imahe, at ang pagkamalikhain ng makata at artist na si W. Si Blake ay puno ng mystical vision; sa Espanya - ang huli na mga gawa ni F. Goya, puno ng walang pigil na pantasya at trahedya na kalunos-lunos, marubdob na protesta laban sa pambansang kahihiyan; sa France - ang kabayanihang nasasabik na mga larawan ni J.L. David na nilikha sa mga rebolusyonaryong taon, mga maagang tensely dramatic na komposisyon at mga larawan ni A.J. Gro, na puno ng panaginip, medyo mataas na liriko ng P.P. akademikong pamamaraan sa mga gawa ni F. Gerard.

Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romantikismo ay binuo sa France sa panahon ng Pagpapanumbalik at ng Monarkiya ng Hulyo sa isang matigas na pakikibaka laban sa dogmatismo at abstract rasyonalismo ng huling akademikong klasisismo. Sa pagpapahayag ng kanilang protesta laban sa pang-aapi at reaksyon, maraming kinatawan ng French romanticism, direkta o hindi direkta, ay naging nauugnay sa mga panlipunang paggalaw ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. at madalas na bumangon sa tunay na rebolusyonaryong diwa, na nagpasiya sa mabisa, pamamahayag na katangian ng romantikismo sa France. Ang mga Pranses na artista ay nagre-reporma ng mga larawan at nagpapahayag na paraan: dina-dinam nila ang komposisyon, pinagsasama ang mga form na may mabilis na paggalaw, gumagamit ng isang maliwanag na puspos na kulay batay sa mga kaibahan ng liwanag at anino, mainit at malamig na mga tono, gumagamit ng isang kumikinang at magaan, kadalasang pangkalahatang paraan ng pagsusulat. Sa mga gawa ng tagapagtatag ng romantikong paaralan, si T. Gericault, na nagpapanatili pa rin ng grabitasyon patungo sa mga pangkalahatang bayanihang klasiko na mga imahe, sa unang pagkakataon sa sining ng Pransya, ay nagprotesta laban sa nakapaligid na katotohanan at isang pagnanais na tumugon sa mga pambihirang kaganapan ng ating oras, na sa kanyang mga gawa ay naglalaman ng trahedya na kapalaran ng modernong France, ay ipinahayag. Noong 1820s. Si E. Delacroix ang naging kinikilalang pinuno ng romantikong paaralan. Ang pakiramdam ng pakikilahok sa magagandang makasaysayang mga kaganapan na nagbabago sa mukha ng mundo, isang pag-apila sa culminating, kapansin-pansing nakakaantig na mga tema ay nagdulot ng kalunos-lunos at kapansin-pansing intensity ng kanyang pinakamahusay na mga gawa. Sa larawan, ang pangunahing bagay para sa mga romantiko ay ang pagkakakilanlan ng mga maliliwanag na karakter, ang pag-igting ng espirituwal na buhay, ang panandaliang paggalaw ng damdamin ng tao; sa tanawin - paghanga sa kapangyarihan ng kalikasan, ang espiritwal na elemento ng uniberso. Para sa mga graphic ng French romanticism, ang paglikha ng mga bago, napakalaking anyo sa lithography at book woodcuts ay makabuluhan (N.T. Charlet, A. Deveria, J. Gigou, mamaya Granville, G. Dore). Ang mga romantikong tendensya ay likas din sa gawain ng pinakadakilang graphic artist na si O. Daumier, ngunit lalo silang nahayag sa kanyang pagpipinta. Ang mga masters ng romantikong iskultura (P.J.David d "Angers, A. L. Bari, F. Rud) ay lumipat mula sa mahigpit na tectonic na komposisyon tungo sa isang libreng interpretasyon ng mga form, mula sa dispassion at kalmadong kadakilaan ng classicist plastics hanggang sa isang mabagyong kilusan.

Ang mga konserbatibong tendensya ng romantikismo (idealisasyon, indibidwalismo ng pang-unawa, nagiging kalunos-lunos na kawalan ng pag-asa, paghingi ng tawad sa Middle Ages, atbp.), Na humantong sa relihiyosong epekto at bukas na pagluwalhati sa monarkiya (E. Deveria, A. Scheffer, atbp. ) ... Ang mga indibidwal na pormal na prinsipyo ng romantisismo ay malawak ding ginagamit ng mga kinatawan ng opisyal na sining, na eklektikong pinagsama ang mga ito sa mga pamamaraan ng akademya (melodramatic historical paintings ni P. Delaroche, superficially spectacular ceremonial and battle works ni O. Vernet, E. Mesonier, at iba pa. ).

Ang makasaysayang kapalaran ng romanticism sa France ay kumplikado at hindi maliwanag. Sa huling gawain ng mga pinakamalaking kinatawan nito, malinaw na ipinakita ang mga makatotohanang tendensya, na bahagyang naka-embed sa napaka-romantikong konsepto ng katangian ng tunay. Sa kabilang banda, ang unang bahagi ng gawain ng mga kinatawan ng realismo sa French art - C. Corot, ang mga masters ng Barbizon school, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet - ay nakuha ng mga romantikong impluwensya sa iba't ibang antas. Ang mistisismo at kumplikadong alegorismo, kung minsan ay likas sa romantikismo, ay natagpuan ang pagpapatuloy sa simbolismo (G. Moreau at iba pa); ang ilang mga katangian ng mga aesthetics ng romantikismo ay muling lumitaw sa sining ng "moderno" at post-impressionism.

Ang pag-unlad ng romantisismo sa Alemanya at Austria ay mas kumplikado at kontradiksyon. Ang romantikong sinaunang Aleman, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng malapit na pansin sa lahat ng bagay na matalas na indibidwal, mapanglaw-nagmumuni-muni na tonality ng makasagisag-emosyonal na istraktura, mystical-pantheistic na mga mood, ay pangunahing nauugnay sa mga paghahanap sa larangan ng portrait at allegorical na komposisyon (FO Runge), bilang pati na rin ang tanawin (K. . D. Friedrich, I. A. Koch). Mga ideyang relihiyoso at patriyarkal, ang pagnanais na buhayin ang diwa ng relihiyon at mga tampok na istilo ng pagpipinta ng Italyano at Aleman noong ika-15 siglo. nagpalusog sa pagkamalikhain ng mga Nazarene (F. Overbeck, J. Schnorr von Karolsfeld, P. Cornelius at iba pa), na ang posisyon ay naging partikular na konserbatibo noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Para sa mga artista ng paaralan ng Dusseldorf, sa isang tiyak na lawak na malapit sa romantikismo, bilang karagdagan sa pagluwalhati sa medieval idyll sa diwa ng modernong romantikong tula, sentimentality at plot amusement ay katangian. Ang gawain ng mga kinatawan ng Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklever, F. Kruger) at K. Blechen ay naging isang uri ng pagsasanib ng mga prinsipyo ng romantikismong Aleman, kadalasang nakakiling sa poeticization ng ordinaryong at tiyak na "burgher" na realismo. Mula sa ikalawang ikatlong bahagi ng siglo XIX. ang linya ng romantikong Aleman ay nagpatuloy, sa isang banda, sa bonggang salon-academic na pagpipinta nina V. Kaulbach at K. Piloti, at sa kabilang banda, sa epiko at alegorikal na mga gawa ni L. Richter at genre-narrative, chamber- sounding works nina K. Spitzweg at M. von Schwind. Ang mga romantikong aesthetics ay higit na tinutukoy ang pagbuo ng gawain ni A. von Menzel, kalaunan ang pinakamalaking kinatawan ng realismo ng Aleman noong ika-19 na siglo. Tulad ng sa France, late German romanticism (sa isang mas malaking lawak kaysa sa French, na hinihigop ang mga tampok ng naturalismo, at pagkatapos ay "moderno") sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. sarado na may simbolismo (H. Thoma, F. von Stuck at M. Klinger, Swiss A. Böcklin).

Sa Great Britain noong unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang mga landscape ng J. Constable at R. Bonington ay minarkahan ng isang tiyak na pagkakalapit sa French romanticism at sa parehong oras na pagka-orihinal, isang binibigkas na makatotohanang ugali, mga landscape ni W. Turner, sa pamamagitan ng romantikong fiction at ang paghahanap para sa mga sariwang nagpapahayag na paraan. Ang huling Romantikong kilusan ng Pre-Raphaelites (D.G. Rossetti, J.E. Milles, H. Hunt, E. Burne-Jones, atbp.) ...

Sa Estados Unidos, sa buong ika-19 na siglo. ang romantikong direksyon ay pangunahing kinakatawan ng landscape (T. Cole, J. Inness, A. P. Ryder). Ang romantikong tanawin ay umunlad din sa ibang mga bansa, ngunit ang pangunahing nilalaman ng romantisismo sa mga bansang Europeo kung saan nagising ang pambansang kamalayan sa sarili ay ang interes sa lokal na kultural at artistikong pamana, ang mga tema ng katutubong buhay, pambansang kasaysayan at pakikibaka sa pagpapalaya. Ganito ang gawain ni G. Wappers, L. Galle, H. Leys at A. Wirtz sa Belgium, F. Ayes, D. at J. Induno, J. Carnevali at D. Morelli sa Italy, D. A. Siqueira sa Portugal, mga kinatawan costumbrism sa Latin America, I. Manes at I. Navratila sa Czech Republic, M. Barabash at V. Madaras sa Hungary, AO Orlovsky, P. Michalovsky, H. Rodakovsky at ang yumaong romantikong J. Matejko sa Poland. Ang pambansang romantikong kilusan sa mga bansang Slavic, Scandinavia, ang mga estado ng Baltic ay nag-ambag sa pagbuo at pagpapalakas ng mga lokal na paaralan ng sining.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang antas sa gawain ng maraming mga masters - sa pagpipinta at mga graphic ni A.O. Orlovsky na lumipat sa St. Petersburg, sa mga larawan ng O. A. Kiprensky, at bahagyang sa V. A. Tropinin. Ang Romantisismo ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng tanawin ng Russia (ang gawain ni Sylv. F. Shchedrin, Vorobyov MN, MI Lebedev; mga gawa ng batang IK Aivazovsky). Ang mga tampok ng romantikismo ay magkasalungat na sinamahan ng klasiko sa mga gawa ni K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; sa parehong oras, ang mga larawan ni Bryullov ay nagbibigay ng isa sa mga pinaka matingkad na pagpapahayag ng mga prinsipyo ng romantikismo sa sining ng Russia. Sa isang tiyak na lawak, naapektuhan ng romanticism ang pagpipinta ng P. A. Fedotov at A. A. Ivanov.

Romantisismo sa Arkitektura.

Isa sa mga pinakadakilang kaganapan sa kasaysayan ng mundo - Malaki pranses ang rebolusyon- ay naging isang nakamamatay na sandali hindi lamang sa pampulitika, kundi pati na rin sa buhay kultural ng buong mundo. Sa pagtatapos ng ika-18 - ika-1 kalahati ng ika-19 na siglo, ang romantikismo ang naging dominanteng istilo ng uso sa sining sa Amerika at Europa.

Nagtapos ang Panahon ng Enlightenment sa Great Bourgeois Revolution. Kasama niya, nawala ang pakiramdam ng katatagan, kaayusan at katahimikan. Ang bagong ipinahayag na mga ideya ng kapatiran, pagkakapantay-pantay at kalayaan ay nagtanim ng walang hangganang optimismo at pananampalataya sa hinaharap, at tulad ng isang biglaang kaguluhan - takot at isang pakiramdam ng kawalan ng kapanatagan. Ang nakaraan ay tila nagliligtas na isla kung saan naghari ang kabutihan, kagandahang-asal, katapatan, at higit sa lahat, ang pagiging matatag. Kaya, sa ideyalisasyon ng nakaraan at paghahanap para sa isang tao para sa kanyang lugar sa malawak na mundo, ipinanganak ang romantikismo.

Ang pag-usbong ng romantikismo sa arkitektura ay nauugnay sa paggamit ng mga bagong disenyo, pamamaraan at materyales sa gusali. Lumilitaw ang iba't ibang istruktura ng metal, itinayo ang mga tulay. Ang mga teknolohiya para sa murang produksyon ng bakal at bakal ay binuo.

Itinatanggi ng Romantisismo ang pagiging simple ng mga anyo ng arkitektura, na nag-aalok sa halip ng pagkakaiba-iba, kalayaan at kumplikadong mga silhouette. Ang simetrya ay nawawala ang pinakamahalagang kahalagahan nito.

Ginawa ng istilo ang pinakamayamang layer ng kultura ng mga dayuhang bansa, na sa loob ng mahabang panahon ay malayo sa mga Europeo. Hindi lamang sinaunang Griyego at Romanong arkitektura ang kinikilala bilang mahalaga, kundi pati na rin ang iba pang mga kultura. Ang arkitektura ng Gothic ay nagiging batayan ng romantikismo. Ang partikular na pansin ay binabayaran sa oriental na arkitektura. May kamalayan sa pangangailangang protektahan at buhayin ang mga monumento ng kultura ng mga nakaraang panahon.

Ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglabo ng mga hangganan sa pagitan ng natural at artipisyal: ang mga parke, artipisyal na reservoir at talon ay idinisenyo. Ang mga gusali ay napapalibutan ng mga arko, gazebos, mga imitasyon ng mga sinaunang tore. Mas pinipili ng Romantisismo ang mga kulay ng pastel.

Itinatanggi ng Romantisismo ang mga tuntunin at kanon; wala itong mahigpit na bawal o mahigpit na ipinag-uutos na mga elemento. Ang pangunahing pamantayan ay kalayaan sa pagpapahayag, pagtaas ng pansin sa pagkatao ng tao, pagiging malikhain.

Sa isang modernong interior, ang romanticism ay nauunawaan bilang isang apela sa mga form ng alamat at natural na mga materyales - forging, ligaw na bato, magaspang na kahoy, ngunit ang stylization na ito ay walang kinalaman sa direksyon ng arkitektura ng pagliko ng ika-18 - ika-19 na siglo.

Romantisismo sa Pagpinta.

Kung ang ninuno ng klasisismo ay France, kung gayon "upang mahanap ang mga ugat ... ng romantikong paaralan," isinulat ng isa sa kanyang mga kontemporaryo, "dapat tayong pumunta sa Alemanya. Doon siya isinilang, at doon binuo ng mga modernong Italyano at Pranses na romantiko ang kanilang mga panlasa ".

Ang pira-pirasong Alemanya ay hindi alam ang isang rebolusyonaryong pag-aalsa. Marami sa mga romantikong Aleman ay dayuhan sa mga pathos ng mga advanced na ideya sa lipunan. Ginawa nila ang Middle Ages. Ibinigay nila ang kanilang sarili sa hindi maituturing na emosyonal na mga impulses, napag-usapan ang tungkol sa pag-abandona sa buhay ng tao. Ang sining ng marami sa kanila ay passive at contemplative. Nilikha nila ang kanilang pinakamahusay na mga gawa sa larangan ng portrait at landscape painting.

Isang pambihirang pintor ng portrait ay Otto Runge(1777-1810). Ang mga larawan ng master na ito, na may panlabas na kalmado, ay humanga sa kanilang matindi at panahunan na panloob na buhay.

Ang imahe ng romantikong makata ay nakita ni Runge sa " Self-portrait". Maingat niyang sinuri ang sarili at nakita ang isang maitim na buhok, maitim ang mata, seryoso, puno ng sigla, maalalahanin at malakas ang loob na binata. Gustong makilala ng romantikong artista ang kanyang sarili. Ang paraan kung saan ang portrait ay naisakatuparan ay mabilis at nagwawalis, na parang ang espirituwal na enerhiya ng lumikha ay dapat ihatid sa texture ng akda; sa madilim na sukat ng kulay ay lumilitaw ang mga contrast ng liwanag at madilim. Ang contrast ay isang katangiang nakalarawang pamamaraan ng mga romantikong master.

Ang isang romantikong artista ay palaging susubukan na mahuli ang nababagong paglalaro ng mga mood ng isang tao, upang tingnan ang kanyang kaluluwa. At sa bagay na ito, ang mga larawan ng mga bata ay magsisilbing isang mayamang materyal para sa kanya. V" Larawan mga bata Hulsenbeck” (1805) Ang Runge ay hindi lamang naghahatid ng kasiglahan at spontaneity ng karakter ng isang bata, ngunit nakakahanap din ng isang espesyal na pamamaraan para sa isang maliwanag na mood. Ang background sa larawan ay isang landscape, na nagpapatotoo hindi lamang sa coloristic na regalo ng artist, isang kahanga-hangang saloobin sa kalikasan, kundi pati na rin sa paglitaw ng mga bagong problema sa mahusay na pagpaparami ng mga spatial na relasyon, mga light shade ng mga bagay sa bukas. hangin. Ang romantikong master, na nagnanais na pagsamahin ang kanyang "I" sa kalawakan ng Uniberso, ay nagsusumikap na makuha ang senswal na nasasalat na anyo ng kalikasan. Ngunit sa ganitong sensuality ng imahe, mas gusto niyang makita ang simbolo ng malaking mundo, ang "ideya ng artist".

Si Runge, isa sa mga unang romantikong artista, ay nagtakda sa kanyang sarili ng gawain ng pag-synthesize ng sining: pagpipinta, eskultura, arkitektura, musika. Ang artista ay nagpapantasya, na nagpapatibay sa kanyang pilosopikal na konsepto sa mga ideya ng sikat na German thinker noong unang kalahati ng ika-17 siglo. Jacob Boehme. Ang mundo ay isang uri ng mystical na kabuuan, ang bawat bahagi nito ay nagpapahayag ng kabuuan. Ang ideyang ito ay nauugnay sa mga romantiko ng buong kontinente ng Europa.

Isa pang kilalang Aleman na romantikong pintor Caspar David Frederick(1774-1840) ginustong tanawin sa lahat ng iba pang mga genre at ipininta sa buong buhay niya ang mga larawan lamang ng kalikasan. Ang pangunahing motibo ng gawain ni Friedrich ay ang ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan.

"Makinig sa tinig ng kalikasan na nagsasalita sa loob natin," ang tagubilin ng pintor sa kanyang mga estudyante. Ang panloob na mundo ng isang tao ay nagpapakilala sa kawalang-hanggan ng Uniberso, samakatuwid, nang marinig ang kanyang sarili, naiintindihan ng isang tao ang espirituwal na kalaliman ng mundo.

Tinutukoy ng posisyon sa pakikinig ang pangunahing anyo ng "komunikasyon" ng tao sa kalikasan at sa imahe nito. Ito ang kadakilaan, misteryo o kaliwanagan ng kalikasan at ang mulat na kalagayan ng nagmamasid. Totoo, madalas na hindi pinapayagan ni Friedrich ang figure na "pumasok" sa landscape space ng kanyang mga kuwadro na gawa, ngunit sa banayad na pagtagos ng mapanlikhang istraktura ng kumakalat na mga bukas na espasyo, ang pagkakaroon ng isang pakiramdam, karanasan ng isang tao, ay nararamdaman. Ang subjectivism sa paglalarawan ng isang landscape ay dumating sa sining lamang sa pagkamalikhain ng mga romantiko, na naglalarawan sa liriko na pagsisiwalat ng kalikasan ng mga masters ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Napansin ng mga mananaliksik sa mga gawa ni Friedrich "isang pagpapalawak ng repertoire" ng mga motif ng landscape. Interesado ang may-akda sa dagat, kabundukan, kagubatan at iba't ibang lilim ng estado ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon at araw.

1811-1812 minarkahan ng paglikha ng isang serye ng mga landscape ng bundok bilang isang resulta ng paglalakbay ng artist sa mga bundok. ” Umaga v mga bundok” kaakit-akit na kumakatawan sa isang bagong natural na katotohanan na ipinanganak sa sinag ng sumisikat na araw. Ang mauve tones ay bumabalot at nag-aalis sa kanila ng volume at materyal na bigat. Ang mga taon ng pakikipaglaban kay Napoleon (1812-1813) ay nagpalit kay Frederick patungo sa mga makabayang tema. Naglalarawan, gumuhit ng inspirasyon mula sa drama ni Kleist, sumulat siya “ Ang libingan Arminia” - isang tanawin na may mga libingan ng mga sinaunang Aleman na bayani.

Si Frederick ay isang banayad na master ng seascapes: “ Mga edad” , “ pagsikat ng araw buwan sa itaas sa pamamagitan ng dagat” , ” Sentensiya “ pag-asa” sa yelo” .

Ang huling mga gawa ng artist - “ Libangan sa patlang” , “ Malaki latian” at “ Alaala tungkol sa higante mga bundok” , ” Napakalaki mga bundok” - isang serye ng mga tagaytay ng bundok at mga bato sa madilim na harapan. Ito, tila, ay isang pagbabalik sa naranasan na pakiramdam ng tagumpay ng isang tao laban sa kanyang sarili, ang kagalakan ng pag-akyat sa "tuktok ng mundo", isang pagsusumikap para sa maliwanag na hindi nasakop na mga taas. Binubuo ng damdamin ng artista ang mga masa ng bundok na ito sa isang espesyal na paraan, at muli ang paggalaw mula sa kadiliman ng mga unang hakbang patungo sa hinaharap na liwanag ay binasa. Ang tuktok ng bundok sa background ay naka-highlight bilang sentro ng espirituwal na adhikain ng master. Ang pagpipinta ay napaka-ugnay, tulad ng anumang paglikha ng mga romantiko, at nagmumungkahi ng iba't ibang antas ng pagbabasa at interpretasyon.

Si Friedrich ay napaka-tumpak sa pagguhit, musikal na magkakasuwato sa maindayog na pagtatayo ng kanyang mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan niyang magsalita nang may mga emosyon ng kulay at mga light effect. “Marami ang binibigyan ng kaunti, kakaunti ang binibigyan ng marami. Ang kaluluwa ng kalikasan ay nagbubukas sa lahat sa ibang paraan. Samakatuwid, walang sinumang maglalakas-loob na ilipat ang kanyang karanasan at ang kanyang mga tuntunin sa iba bilang isang umiiral na walang kondisyong batas. Walang sinuman ang sukatan para sa lahat. Ang bawat tao'y nagdadala sa kanyang sarili ng isang sukatan lamang para sa kanyang sarili at para sa mga kalikasan na higit pa o hindi gaanong katulad sa kanyang sarili, "- ang pagmuni-muni na ito ng master ay nagpapatunay ng kamangha-manghang integridad ng kanyang panloob na buhay at pagkamalikhain. Ang pagiging natatangi ng artista ay makikita lamang sa kalayaan ng kanyang trabaho - ito ang ibig sabihin ng romantikong Friedrich.

Tila mas pormal na magtakda ng limitasyon sa mga artista - "mga klasiko" - mga kinatawan ng klasisismo ng isa pang sangay ng romantikong pagpipinta sa Germany - Nazareno... Itinatag sa Vienna at nanirahan sa Roma (1809-1810), pinag-isa ng Union of St. Luke ang mga masters sa ideya na muling buhayin ang monumental na sining ng mga isyu sa relihiyon. Ang Middle Ages ay isang paboritong panahon sa kasaysayan para sa mga romantiko. Ngunit sa kanilang masining na paghahanap, ang mga Nazarene ay bumaling sa mga tradisyon ng pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance sa Italya at Alemanya. Nagpasimula sina Overbeck at Geforr ng isang bagong alyansa, na kalaunan ay sinamahan nina Cornelius, Schnoff von Karolsfeld, at Faith Fürich.

Ang kilusang Nazarene ay may sariling mga anyo ng pagsalungat sa mga klasikong akademiko sa France, Italy, at England. Halimbawa, sa France, ang mga tinatawag na primitivist artist ay lumitaw mula sa pagawaan ni David, sa England, ang Pre-Raphaelites. Sa diwa ng romantikong tradisyon, itinuring nila ang sining bilang isang "pagpapahayag ng panahon," "ang diwa ng mga tao," ngunit ang kanilang tematiko o pormal na mga kagustuhan, na sa una ay tila isang slogan para sa pag-iisa, pagkaraan ng ilang sandali ay lumiko. sa parehong mga prinsipyo ng doktrina tulad ng sa Academy, na kanilang tinanggihan.

Ang sining ng romantikismo sa France ay nabuo sa mga espesyal na paraan. Ang unang bagay na ikinaiba nito sa mga katulad na kilusan sa ibang mga bansa ay ang aktibo, nakakasakit (“rebolusyonaryo”) na karakter nito. Ipinagtanggol ng mga makata, manunulat, musikero, artista ang kanilang mga posisyon hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong gawa, kundi pati na rin sa pamamagitan ng pakikilahok sa mga polemics sa magasin at pahayagan, na inilalarawan ng mga mananaliksik bilang isang "romantikong labanan". Sa romantikong polemic, ang sikat na V. Hugo, Stendhal, Georges Sand, Berlioz at marami pang ibang manunulat, kompositor at mamamahayag ng France ay "pinatalas ang kanilang mga panulat".

Ang romantikong pagpipinta sa France ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasikong paaralan ni David, akademikong sining, na tinatawag na "paaralan" sa pangkalahatan. Ngunit ito ay kailangang maunawaan nang mas malawak: ito ay ang pagsalungat sa opisyal na ideolohiya ng panahon ng reaksyon, isang protesta laban sa burges nitong makitid na pag-iisip. Kaya't ang kalunus-lunos na katangian ng mga romantikong gawa, ang kanilang kinakabahang kaguluhan, pagkahilig patungo sa mga kakaibang motibo, sa makasaysayang at pampanitikan na mga balangkas, sa lahat ng bagay na maaaring humantong sa "mapurol na pang-araw-araw na buhay", kaya ang larong ito ng imahinasyon, at kung minsan, sa kabaligtaran, pangangarap ng gising at kumpletong kawalan ng aktibidad.

Ang mga kinatawan ng "paaralan", akademya, ay nagrebelde, una sa lahat, laban sa wika ng mga romantiko: ang kanilang nasasabik na mainit na kulay, ang kanilang pagmomodelo ng anyo, hindi ang karaniwan para sa "mga klasiko", statuary-plastic, ngunit binuo sa malakas na kaibahan ng mga spot ng kulay; ang kanilang nagpapahayag na disenyo, sadyang inabandona ang katumpakan; ang kanilang matapang, minsan magulong komposisyon, walang kamahalan at hindi matitinag na katahimikan. Si Ingres, ang walang kalaban-laban na kaaway ng mga romantiko, hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay nagsabi na si Delacroix ay "sumulat gamit ang isang baliw na walis", at inakusahan ni Delacroix si Ingres at ang lahat ng mga artista ng "paaralan" ng lamig, katwiran, kawalan ng paggalaw, na sila ay huwag magsulat, ngunit "pintura" ang iyong mga kuwadro na gawa. Ngunit ito ay hindi isang simpleng pag-aaway ng dalawang maliwanag, ganap na magkaibang mga indibidwal, ito ay isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang magkaibang artistikong pananaw sa mundo.

Ang pakikibaka na ito ay tumagal ng halos kalahating siglo, ang romantikismo sa sining ay nanalo ng mga tagumpay hindi madali at hindi kaagad, at ang unang artist sa direksyon na ito ay Theodore Gericault(1791-1824) - isang master ng heroic monumental forms, na pinagsama sa kanyang trabaho ang parehong classicistic features at features ng romanticism mismo, at, sa wakas, isang malakas na makatotohanang prinsipyo, na may malaking epekto sa sining ng realismo sa gitna ng ika-19 na siglo. Ngunit sa panahon ng kanyang buhay, siya ay pinahahalagahan ng ilang malalapit na kaibigan lamang.

Ang unang makikinang na tagumpay ng romantikismo ay nauugnay sa pangalan ni Theodore Zhariko. Nasa kanyang maagang mga pagpipinta (mga larawan ng militar, mga larawan ng mga kabayo), ang mga sinaunang mithiin ay umatras bago ang direktang pang-unawa ng buhay.

Sa salon noong 1812, si Gericault ay nagpapakita ng isang pagpipinta “ isang opisyal imperyal mangangabayo mga gamekeeper sa oras mga pag-atake”. Ito ay ang taon ng apogee ng kaluwalhatian ni Napoleon at ang kapangyarihang militar ng France.

Ang komposisyon ng larawan ay nagpapakita ng nakasakay sa isang hindi pangkaraniwang pananaw ng isang "biglaang" sandali, kapag ang kabayo ay umayos, at ang nakasakay, na pinapanatili ang halos patayong posisyon ng kabayo, ay lumingon sa manonood. Ang imahe ng gayong sandali ng kawalang-tatag, imposibilidad ng pustura ay nagpapabuti sa epekto ng paggalaw. Ang kabayo ay may isang punto ng suporta, dapat siyang bumagsak sa lupa, i-screw ang sarili sa paglaban na nagdala sa kanya sa ganoong estado. Maraming pinagsama-sama sa gawaing ito: ang walang pasubali na paniniwala ni Gericault sa posibilidad na pagmamay-ari ang isang tao sa kanyang sarili, marubdob na pag-ibig para sa imahe ng mga kabayo at ang tapang ng isang baguhang master sa pagpapakita kung ano ang dati ay maaari lamang ihatid sa pamamagitan ng musika o ang wika ng tula - ang kilig ng labanan, ang simula ng isang pag-atake, ang pangwakas na pag-igting ng mga puwersa ng isang buhay na nilalang ... Binuo ng batang may-akda ang kanyang imahe sa paghahatid ng dinamika ng paggalaw, at mahalaga para sa kanya na ibagay ang manonood sa "hula" kung ano ang nais niyang ipakita.

Ang tradisyon ng gayong dinamika ng nakalarawan na pagsasalaysay ng pag-iibigan sa France ay halos hindi umiiral, maliban sa mga kaluwagan ng mga templo ng Gothic, dahil noong unang dumating si Gericault sa Italya, nabigla siya sa nakatagong kapangyarihan ng mga komposisyon ni Michelangelo. "Ako ay nanginginig," ang isinulat niya, "Ako ay nag-alinlangan sa aking sarili at sa mahabang panahon ay hindi nakabawi mula sa karanasang ito." Ngunit itinuro ni Stendhal si Michelangelo bilang nangunguna sa isang bagong istilong istilo sa sining kahit na mas maaga sa kanyang mga artikulong polemikal.

Ang pagpipinta ni Gericault ay inihayag hindi lamang ang pagsilang ng isang bagong artistikong talento, ngunit nagbigay din ng parangal sa sigasig at pagkabigo ng may-akda sa mga ideya ni Napoleon. Maraming iba pang mga gawa ang nauugnay sa paksang ito: " isang opisyal carabinieri”, “ isang opisyal cuirassier harap atake”, “ Larawan carabinieri”, “ Nasugatan cuirassier”.

Sa treatise na "Reflection on the state of painting in France" isinulat niya na "ang karangyaan at sining ay naging ... isang pangangailangan at, kumbaga, pagkain para sa imahinasyon, na siyang pangalawang buhay ng isang sibilisadong tao ... natutugunan ang mga pangangailangan kapag dumating ang kasaganaan. Ang lalaki, na napalaya mula sa pang-araw-araw na pag-aalala, ay nagsimulang maghanap ng kasiyahan upang maalis ang pagkabagot, na hindi maiiwasang maabutan siya sa gitna ng kasiyahan.

Ang pag-unawa sa papel na pang-edukasyon at makatao ng sining ay ipinakita ni Gericault pagkatapos bumalik mula sa Italya noong 1818 - nagsimula siyang makisali sa litograpiya, na kinokopya ang iba't ibang mga paksa, kabilang ang pagkatalo ni Napoleon ( “ Bumalik mula sa Ng Russia” ).

Kasabay nito, ang artista ay bumaling sa paglalarawan ng pagkamatay ng frigate Medusa sa baybayin ng Africa, na lubhang nabalisa sa lipunan. Ang sakuna ay dahil sa kasalanan ng isang walang karanasan na kapitan, na itinalaga sa post sa ilalim ng patronage. Ang mga nakaligtas na pasahero ng barko, ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correar, ay nagsalita nang detalyado tungkol sa aksidente.

Nagawa ng naghihingalong barko na itapon ang balsa, kung saan nakarating ang isang dakot ng mga nailigtas na tao. Labindalawang araw silang dinala sa mabagyong dagat, hanggang sa sila ay nailigtas ng barkong "Argus".

Interesado si Gericault sa sitwasyon ng matinding tensyon ng espirituwal at pisikal na puwersa ng tao. Ang pagpipinta ay naglalarawan sa 15 nakaligtas na pasahero sa balsa nang makita nila ang Argus sa abot-tanaw. “ Balsa “ dikya” ay ang resulta ng mahabang gawaing paghahanda ng pintor. Gumawa siya ng maraming sketch ng rumaragasang dagat, mga larawan ng mga nasagip na tao sa ospital. Sa una, nais ni Gericault na ipakita ang pakikibaka ng mga tao sa isang balsa sa bawat isa, ngunit pagkatapos ay nanirahan siya sa kabayanihan ng pag-uugali ng mga nanalo ng elemento ng dagat at kapabayaan ng estado. Matapang na tiniis ng mga tao ang kasawian, at hindi sila iniwan ng pag-asa ng kaligtasan: bawat grupo sa balsa ay may sariling katangian. Sa pagbuo ng komposisyon, pinipili ni Gericault ang isang punto ng view mula sa itaas, na nagpapahintulot sa kanya na pagsamahin ang malawak na saklaw ng espasyo (mga distansya ng dagat) at ilarawan, na lubos na dinadala ang lahat ng mga naninirahan sa balsa na mas malapit sa harapan. Ang kalinawan ng ritmo ng paglago ng mga dinamika mula sa grupo hanggang sa grupo, ang kagandahan ng mga hubad na katawan, ang madilim na kulay ng larawan ay nagtatakda ng isang tiyak na tala ng pagkakapareho ng imahe. Ngunit hindi ito ang kakanyahan ng bagay para sa nakikitang manonood, kung saan nakakatulong ang pagiging kumbensyonal ng wika na maunawaan at madama ang pangunahing bagay: ang kakayahan ng isang tao na lumaban at manalo.

Ang inobasyon ni Gericault ay nagbukas ng mga bagong posibilidad para sa paghahatid ng kilusan na nagpapasigla sa mga romantiko, ang nakatagong damdamin ng isang tao, at ang coloristic textured expressiveness ng larawan.

Ang tagapagmana ni Gericault sa kanyang paghahanap ay Eugene Delacroix... Totoo, si Delacroix ay pinakawalan ng dalawang beses sa haba ng kanyang buhay, at pinamamahalaan niya hindi lamang upang patunayan ang kawastuhan ng romantikismo, ngunit din upang pagpalain ang isang bagong direksyon sa pagpipinta sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. - impresyonismo.

Bago magsimulang magsulat sa kanyang sarili, nag-aral si Eugene sa paaralan ni Lerain: nagpinta siya mula sa buhay, kinopya sa Louvre ang mga dakilang Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian ... Ang batang artista ay nagtrabaho ng 10-12 oras sa isang araw. Naalala niya ang mga salita ng dakilang Michelangelo: "Ang pagpipinta ay isang naninibugho na maybahay, nangangailangan ito ng buong tao ..."

Si Delacroix, pagkatapos ng mga demonstrasyon na talumpati ni Gericault, ay alam na alam na ang mga oras ng matinding emosyonal na kaguluhan ay dumating sa sining. Una, sinisikap niyang unawain ang isang bagong panahon para sa kanya sa pamamagitan ng mga kilalang balangkas na pampanitikan. Ang kanyang larawan “ Dante at Virgil” na ipinakita sa salon noong 1822 ay isang pagtatangka sa pamamagitan ng mga makasaysayang nag-uugnay na mga imahe ng dalawang makata: sinaunang panahon - Virgil at ang Renaissance - Dante - upang tingnan ang kumukulong kaldero, ang "impiyerno" ng modernong panahon. Minsan sa kanyang "Divine Comedy" kinuha ni Dante si Virgil bilang kanyang gabay sa lahat ng larangan (langit, impiyerno, purgatoryo). Sa gawain ni Dante, isang bagong renaissance na mundo ang lumitaw sa pamamagitan ng karanasan ng Middle Ages sa memorya ng unang panahon. Ang simbolo ng romantikong bilang isang synthesis ng sinaunang panahon, ang Renaissance at ang Middle Ages ay lumitaw sa "katakutan" ng mga pangitain nina Dante at Virgil. Ngunit ang kumplikadong pilosopikal na alegorya ay naging isang magandang emosyonal na paglalarawan ng panahon ng pre-Renaissance at ang walang kamatayang obra maestra sa panitikan.

Si Delacroix ay susubukan na makahanap ng isang direktang tugon sa mga puso ng kanyang mga kontemporaryo sa pamamagitan ng kanyang sariling dalamhati. Nag-aapoy sa kalayaan at pagkamuhi ng mga mapang-api, ang mga kabataan noong panahong iyon ay nakikiramay sa digmaang pagpapalaya ng Greece. Ang romantikong bard ng England, si Byron, ay pupunta doon upang makipaglaban. Nakikita ni Delacroix ang kahulugan ng bagong panahon sa paglalarawan ng isang mas konkretong kaganapang pangkasaysayan - ang pakikibaka at pagdurusa ng Greece na mapagmahal sa kalayaan. Naninirahan siya sa balangkas ng pagkamatay ng populasyon ng isla ng Chios ng Greece, na nakuha ng mga Turko. Sa Salon ng 1824, ipinakita ni Delacroix ang isang pagpipinta “ Massacre sa isla Chios”. Laban sa background ng walang katapusang kalawakan ng maburol na lupain, na sumisigaw pa rin mula sa usok ng mga sunog at walang tigil na labanan, ipinakita ng artista ang ilang grupo ng mga sugatan, pagod na mga kababaihan at mga bata. Naiwan sa kanila ang mga huling minuto ng kalayaan bago ang paglapit ng mga kaaway. Ang isang Turk sa isang pinalaki na kabayo sa kanan ay tila nakabitin sa buong harapan at ang maraming mga nagdurusa na naroroon. Magagandang katawan, mukha ng mga punong tao. Sa pamamagitan ng paraan, isusulat ni Delacroix sa ibang pagkakataon na ang eskultura ng Griyego ay ginawa ng mga artista sa mga hieroglyph, na itinatago ang tunay na kagandahan ng Griyego ng mukha at pigura. Ngunit, inilalantad ang "kagandahan ng kaluluwa" sa mga mukha ng natalong mga Griyego, isinadula ng pintor ang mga pangyayaring nagaganap upang upang mapanatili ang isang solong dynamic na rate ng pag-igting, napupunta siya sa pagpapapangit ng mga anggulo ng mga figure. . Ang mga "pagkakamali" na ito ay "nalutas" na ng gawa ni Gericault, ngunit muling ipinakita ni Delacroix ang romantikong kredo na ang pagpipinta ay "hindi ang katotohanan ng sitwasyon, ngunit ang katotohanan ng pakiramdam".

Noong 1824 nawalan ng kaibigan at guro si Delacroix - si Gericault. At siya ang naging pinuno ng bagong pagpipinta.

Lumipas ang mga taon. Isa-isang lumabas ang mga larawan: “ Greece sa mga guho Missalungi”, “ Kamatayan Sardanapala” at iba pa.Ang pintor ay naging outcast sa mga bilog ng mga pintor. Ngunit binago ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 ang sitwasyon. Pinasisigla niya ang artista sa pagmamahalan ng mga tagumpay at tagumpay. Nagpapicture siya “ kalayaan sa mga barikada”.

Noong 1831, sa Paris Salon, unang nakita ng mga Pranses ang larawang ito, na nakatuon sa "tatlong maluwalhating araw" ng Rebolusyong Hulyo ng 1830. Sa kapangyarihan nito, demokrasya at katapangan ng masining na solusyon, ang canvas ay gumawa ng nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo. Ayon sa alamat, ang isang kagalang-galang na burges ay bumulalas: "Sabi mo - ang pinuno ng paaralan? Mas mabuting sabihin - ang pinuno ng paghihimagsik!" Matapos isara ang Salon, ang gobyerno, na natakot sa kakila-kilabot at kagila-gilalas na apela na nagmumula sa pagpipinta, ay nagmadali upang ibalik ito sa may-akda. Sa panahon ng rebolusyon ng 1848, muli itong ipinakita sa publiko sa Palasyo ng Luxembourg. At muli nila itong ibinalik sa artista. Pagkatapos lamang maipakita ang canvas sa World Exhibition sa Paris noong 1855, napunta ito sa Louvre. Nakalagay pa rin dito ang isa sa pinakamagandang likha ng French romanticism - isang inspiradong saksi na saksi at isang walang hanggang monumento sa pakikibaka ng mga tao para sa kanilang kalayaan.

Anong uri ng masining na wika ang natagpuan ng batang Pranses na romantikong upang pagsamahin ang dalawang tila magkasalungat na prinsipyong ito - isang malawak, sumasaklaw sa lahat ng pangkalahatan at kongkretong katotohanan, malupit sa kahubaran nito?

Paris ng sikat na araw ng Hulyo ng 1830. Sa malayo, halos hindi kapansin-pansin, ngunit ipinagmamalaki na itinaas ang mga tore ng Notre Dame Cathedral - isang simbolo ng kasaysayan, kultura, at diwa ng mga taong Pranses. Mula doon, mula sa mausok na lungsod, sa ibabaw ng mga guho ng mga barikada, sa ibabaw ng mga bangkay ng kanilang mga patay na kasamahan, ang mga rebelde ay matigas ang ulo at determinadong humakbang pasulong. Ang bawat isa sa kanila ay maaaring mamatay, ngunit ang hakbang ng mga rebelde ay hindi natitinag - sila ay inspirasyon ng kalooban sa tagumpay, sa kalayaan.

Ang kagila-gilalas na kapangyarihang ito ay nakapaloob sa larawan ng isang magandang dalaga, sa isang marubdob na salpok na tumatawag sa kanya. Sa hindi mauubos na enerhiya, libre at kabataang bilis ng paggalaw, para siyang Greek na diyosa ng tagumpay na Nike. Ang kanyang matipunong pigura ay nakasuot ng chiton na damit, ang kanyang mukha na may perpektong katangian, na may kumikinang na mga mata, ay nakaharap sa mga rebelde. Sa isang kamay ay hawak niya ang tricolor flag ng France, sa kabilang banda - isang baril. Sa ulo ay isang takip ng Phrygian - isang sinaunang simbolo ng pagpapalaya mula sa pagkaalipin. Mabilis at magaan ang kanyang hakbang - ganito ang hakbang ng mga diyosa. Kasabay nito, ang imahe ng isang babae ay totoo - siya ay anak na babae ng mga Pranses. Siya ang gumagabay na puwersa sa likod ng paggalaw ng grupo sa mga barikada. Mula dito, bilang mula sa isang pinagmumulan ng liwanag sa gitna ng enerhiya, ang mga sinag ay nagliliwanag, na naniningil ng uhaw at kalooban sa tagumpay. Ang mga malapit dito, bawat isa sa kani-kanilang paraan, ay nagpapahayag ng kanilang pakikilahok sa nagbibigay-inspirasyong panawagang ito.

Sa kanan ay isang batang lalaki, isang taga-Paris na gameman na nagba-brand ng mga pistola. Siya ang pinakamalapit sa Freedom at medyo naaalab ng kanyang sigasig at kagalakan ng isang libreng salpok. Sa isang mabilis, walang tiyaga na kilusan, nauuna pa siya nang bahagya sa kanyang inspirasyon. Ito ang hinalinhan ng maalamat na Gavroche, na inilalarawan pagkalipas ng dalawampung taon ni Victor Hugo sa Les Miserables: "Si Gavroche, na puno ng inspirasyon, nagliliwanag, ay kinuha ang gawain ng paglalagay ng buong bagay sa paggalaw. Siya ay nagpabalik-balik, umakyat, bumaba, bumangon muli, gumawa ng ingay, kumikinang sa tuwa. Mukhang pumunta siya dito para pasayahin ang lahat. May insentibo ba siya para dito? Oo, siyempre, ang kanyang kahirapan. May pakpak ba siya? Oo, siyempre, ang kanyang saya. Ito ay isang uri ng ipoipo. Tila napuno siya ng hangin, na naroroon saanman sa parehong oras ... Naramdaman siya ng malalaking barikada sa kanilang tagaytay.

Si Gavroche sa pagpipinta ni Delacroix ay ang personipikasyon ng kabataan, "isang kahanga-hangang salpok", isang masayang pagtanggap sa maliwanag na ideya ng Kalayaan. Dalawang imahe - Gavroche at Svoboda - tila umakma sa isa't isa: ang isa ay apoy, ang isa ay isang tanglaw na sinindihan mula rito. Binanggit ni Heinrich Heine ang masiglang tugon ng pigura ni Gavroche mula sa mga Parisian. "Damn it! sigaw ng isang mangangalakal ng grocery."Ang mga batang ito ay lumaban na parang mga higante!"

Sa kaliwa ay isang estudyante na may hawak na baril. Dati, nakita itong self-portrait ng artist. Ang rebeldeng ito ay hindi kasing bilis ni Gavroche. Ang kanyang paggalaw ay mas pinigilan, mas puro, makabuluhan. Ang mga kamay ay may kumpiyansa na humawak sa baril ng baril, ang mukha ay nagpapahayag ng katapangan, matatag na determinasyon na tumayo hanggang sa wakas. Ito ay isang malalim na trahedya na imahe. Napagtanto ng estudyante ang hindi maiiwasang mga pagkalugi na mararanasan ng mga rebelde, ngunit hindi siya tinatakot ng mga biktima - mas malakas ang kalooban para sa kalayaan. Isang matapang at determinadong manggagawa na may sable ang nakatayo sa likuran niya. May isang taong sugatan sa paanan ng Kalayaan. Siya ay bumangon nang may kahirapan upang muling tumingala, sa Kalayaan, upang makita at buong pusong madama ang kagandahan kung saan siya napahamak. Ang figure na ito ay nagdudulot ng isang dramatikong simula sa tunog ng canvas ni Delacroix. Kung ang mga imahe ni Gavroche, Svoboda, isang mag-aaral, isang manggagawa ay halos mga simbolo, ang sagisag ng hindi sumusukong kalooban ng mga mandirigma ng kalayaan - pumukaw at tumawag sa manonood, kung gayon ang nasugatan ay umaapela sa pakikiramay. Ang tao ay nagpaalam sa Kalayaan, nagpaalam sa buhay. Isa pa rin siyang salpok, kilusan, ngunit isa nang kumukupas na salpok.

Transitional ang figure niya. Bumaba sa paanan ng barikada ang titig ng manonood, na nababalot ng mga katawan ng maluwalhating nasawi na mga sundalo. Ang kamatayan ay ipinakita ng artista sa lahat ng kahubaran at halata ng katotohanan. Nakikita natin ang mga asul na mukha ng mga patay, ang kanilang mga hubad na katawan: ang pakikibaka ay walang awa, at ang kamatayan ay ang parehong hindi maiiwasang kasama ng mga rebelde, tulad ng magandang inspirar na Kalayaan.

Mula sa kakila-kilabot na tanawin sa ibabang gilid ng larawan, muli naming itinaas ang aming mga tingin at nakita ang isang batang magandang pigura - hindi! panalo ang buhay! Ang ideya ng kalayaan, na kinakatawan nang nakikita at nakikita, ay nakadirekta sa hinaharap na ang kamatayan sa pangalan nito ay hindi kakila-kilabot.

Ang artista ay naglalarawan lamang ng isang maliit na grupo ng mga rebelde, buhay at patay. Ngunit ang mga tagapagtanggol ng barikada ay tila hindi karaniwang marami. Ang komposisyon ay itinayo sa paraang ang pangkat ng mga manlalaban ay hindi limitado, hindi sarado sa sarili nito. Bahagi lamang siya ng walang katapusang avalanche ng mga tao. Ang artist ay nagbibigay, kumbaga, ng isang fragment ng isang grupo: pinuputol ng picture frame ang mga figure mula sa kaliwa, kanan, ibaba.

Karaniwan, ang kulay sa mga gawa ni Delacroix ay nakakakuha ng isang matinding emosyonal na tunog, gumaganap ng isang nangingibabaw na papel sa paglikha ng isang dramatikong epekto. Ang mga kulay, ngayon ay nagngangalit, ngayon kumukupas, muffled, lumikha ng isang panahunan na kapaligiran. V « Kalayaan sa mga barikada» Si Delacroix ay umaalis sa prinsipyong ito. Tumpak na tumpak, hindi mapag-aalinlanganan ang pagpili ng pintura, na inilalapat ito sa malawak na mga stroke, ang artist ay nagbibigay ng kapaligiran ng labanan.

Ngunit ang scheme ng kulay ay pinigilan. Nakatuon ang Delacroix sa relief modeling ng form. Ito ay kinakailangan ng makasagisag na solusyon ng larawan. Pagkatapos ng lahat, na naglalarawan ng isang tiyak na kaganapan kahapon, ang artista ay lumikha din ng isang monumento sa kaganapang ito. Samakatuwid, ang mga figure ay halos sculptural. Samakatuwid, ang bawat karakter, bilang isang bahagi ng isang solong buong larawan, ay isang bagay din na sarado sa sarili nito, ay isang simbolo na na-cast sa isang kumpletong anyo. Samakatuwid, ang kulay ay hindi lamang emosyonal na nakakaapekto sa damdamin ng manonood, ngunit nagdadala din ng simbolikong pagkarga. Sa isang brownish-grey na espasyo, dito at doon, isang solemne triad ng pula, asul, puti na kumikislap - ang mga kulay ng bandila ng French Revolution ng 1789. Ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga kulay na ito ay sumusuporta sa malakas na kuwerdas ng tatlong kulay na watawat na lumilipad sa ibabaw ng mga barikada.

Pagpinta ni Delacroix « kalayaan sa mga barikada» - isang kumplikado, engrande na gawain sa saklaw nito. Pinagsasama nito ang pagiging maaasahan ng isang direktang nakikitang katotohanan at ang simbolismo ng mga imahe; pagiging totoo, naabot ang brutal na naturalismo, at perpektong kagandahan; mahalay, kakila-kilabot at dakila, dalisay.

Pagpipinta “ kalayaan sa mga barikada” pinagsama ang tagumpay ng romantikismo sa pagpipinta ng Pranses. Noong 30s, dalawa pang makasaysayang pagpipinta ang ipininta: “ Labanan sa Poitiers” at “ Pagpatay obispo Liege”.

Noong 1822 binisita ng artista ang North Africa, Morocco, Algeria. Ang paglalakbay ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa kanya. Noong 50s, lumitaw ang mga pagpipinta sa kanyang gawa, na inspirasyon ng mga alaala ng paglalakbay na ito: ” Pangangaso sa Lviv”, “ Moroccan, saddle kabayo” atbp. Ang maliwanag na magkakaibang kulay ay lumilikha ng isang romantikong tunog para sa mga larawang ito. Ang pamamaraan ng isang malawak na brushstroke ay lilitaw sa kanila.

Si Delacroix, bilang isang romantiko, ay naitala ang estado ng kanyang kaluluwa hindi lamang sa wika ng mga kaakit-akit na imahe, ngunit literal din na naka-frame ang kanyang mga saloobin. Mahusay niyang inilarawan ang malikhaing proseso ng romantikong artista, ang kanyang mga eksperimento sa kulay, mga pagmuni-muni sa ugnayan ng musika at iba pang anyo ng sining. Ang kanyang mga talaarawan ay naging paboritong pagbabasa para sa mga artista ng mga susunod na henerasyon.

Ang Pranses na romantikong paaralan ay gumawa ng mga makabuluhang pagbabago sa larangan ng iskultura (Rude at ang kanyang relief na "Marseillaise"), pagpipinta ng landscape (Camille Corot kasama ang kanyang mga light-air na imahe ng kalikasan ng France).

Salamat sa romanticism, ang subjective vision ng artist ay nasa anyo ng batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisirain ang hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa pantasya ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin," na nagpapahintulot sa trabaho na ihinto kapag isinasaalang-alang ng master na kailangan ito, at hindi bilang kinakailangan ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Kung ang mga pantasya ni Gericault ay nakatuon sa paglipat ng paggalaw, si Delacroix - sa mahiwagang kapangyarihan ng kulay, at idinagdag ng mga Aleman dito ang isang tiyak na "espiritu ng pagpipinta", kung gayon ang mga romantikong Espanyol ay kinakatawan. Francisco Goya(1746-1828) ay nagpakita ng mga alamat na pinagmulan ng estilo, ang phantasmagoric at kakaibang karakter nito. Si Goya mismo at ang kanyang trabaho ay mukhang malayo sa anumang balangkas na pangkakanyahan, lalo na dahil ang artist ay madalas na kailangang sundin ang mga batas ng materyal ng pagpapatupad (kapag, halimbawa, gumawa siya ng mga kuwadro na gawa para sa pinagtagpi na mga karpet na tapestry) o ang mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang phantasmagorias ay nai-publish sa etching series “ Caprichos” (1797-1799), “ Mga sakuna mga digmaan” (1810-1820), “ Disparantes (“ Kabaliwan”) (1815-1820), mga mural sa House of the Deaf at sa Simbahan ng San Antonio de la Florida sa Madrid (1798). Ang isang malubhang sakit noong 1792 ay nagresulta sa kumpletong pagkabingi ng artist. Ang sining ng master pagkatapos ng tiniis na pisikal at espirituwal na trauma ay nagiging mas nakatuon, maalalahanin, panloob na dinamiko. Ang panlabas na mundo, na sarado dahil sa pagkabingi, ay nag-activate ng panloob na espirituwal na buhay ni Goya.

Sa mga ukit “ Caprichos” Nakamit ni Goya ang pambihirang lakas sa paghahatid ng mga instant na reaksyon, mapusok na damdamin. Ang black-and-white na pagganap, salamat sa matapang na kumbinasyon ng mga malalaking spot, ang kawalan ng linearity na katangian ng mga graphics, ay nakakakuha ng lahat ng mga katangian ng isang pagpipinta.

Ang pagpipinta ng Simbahan ni St. Anthony sa Madrid Goya ay lumilikha, tila, sa isang hininga. Ang pag-uugali ng stroke, ang laconicism ng komposisyon, ang pagpapahayag ng mga katangian ng mga character, na ang uri ay kinuha ni Goya nang direkta mula sa karamihan ng tao, humanga. Inilalarawan ng artista ang himala ni Anthony Florida, na nagpabangon at nagsalita sa pinatay na tao, na pinangalanan ang mamamatay-tao at sa gayon ay nailigtas ang inosenteng bilanggo mula sa pagpapatupad. Ang dinamismo ng matingkad na tumutugon sa karamihan ay ipinahihiwatig kapwa sa mga kilos at sa panggagaya ng mga mukha na inilalarawan. Sa compositional scheme ng pamamahagi ng mga mural sa espasyo ng simbahan, sinundan ng pintor si Tiepolo, ngunit hindi barok ang reaksyon na ipinupukaw niya sa manonood, kundi puro romantiko, na nakakaapekto sa damdamin ng bawat manonood, na humihimok sa kanya na bumaling sa kanyang sarili.

Higit sa lahat, ang layuning ito ay nakamit sa pagpipinta ng Conto del Sordo ("Bahay ng mga Bingi"), kung saan nanirahan si Goya mula noong 1819. Ang mga dingding ng mga silid ay natatakpan ng labinlimang komposisyon ng isang kamangha-manghang at alegorikal na kalikasan. Ang pag-unawa sa kanila ay nangangailangan ng malalim na empatiya. Lumilitaw ang mga larawan bilang ilang uri ng mga pangitain ng mga lungsod, babae, lalaki, atbp. Kulay, kumikislap, kumukuha ng isang pigura, pagkatapos ay isa pa. Ang pagpipinta sa kabuuan ay madilim, puti, dilaw, pinkish-red spot ang namamayani dito, nakakagambalang damdamin sa mga flash. Mga ukit ng serye “ Disparantes” .

Ginugol ni Goya ang huling 4 na taon sa France. Malamang na hindi niya alam na hindi nakipaghiwalay si Delacroix sa kanyang mga Capricho. At hindi ko maisip kung paano madadala sina Hugo at Baudelaire ng mga ukit na ito, kung ano ang magiging malaking impluwensya ng kanyang pagpipinta kay Manet, at kung paano sa 80s ng XIX na siglo. Aanyayahan ni V. Stasov ang mga artista ng Russia na pag-aralan ang kanyang "Mga Kalamidad ng Digmaan"

Ngunit kami, kung isasaalang-alang ito, alam namin kung gaano kalaki ang epekto nitong "walang istilo" na sining ng matapang na realista at inspiradong romantiko sa artistikong kultura noong ika-19 at ika-20 siglo.

Ang kamangha-manghang mundo ng mga pangarap ay natanto sa kanyang mga gawa ng Ingles na romantikong artista William Blake(1757-1827). Ang England ay ang klasikong lupain ng romantikong panitikan. Byron, si Shelley ang naging bandila ng kilusang ito na malayo sa mga hangganan ng "foggy Albion". Sa France, sa magazine pintas ng "romantikong laban" romantics ay tinatawag na "Shakespeare." Ang pangunahing tampok ng pagpipinta ng Ingles ay palaging isang interes sa tao, na nagpapahintulot sa genre ng portrait na bumuo ng mabunga. Ang romantikismo sa pagpipinta ay napakalapit na nauugnay sa sentimentalismo. Ang romantikong interes sa Middle Ages ay nagbunga ng isang malaking makasaysayang panitikan, ang kinikilalang master nito ay si W. Scott. Sa pagpipinta, tinutukoy ng tema ng Middle Ages ang hitsura ng tinatawag na Pre-Raphaelites.

Ang Ulyam Blake ay isang kamangha-manghang uri ng romantiko sa eksenang pangkultura ng Ingles. Nagsusulat siya ng mga tula, naglalarawan ng kanyang sarili at mga libro ng ibang tao. Ang kanyang talento ay naghangad na yakapin at ipahayag ang mundo sa isang holistic na pagkakaisa. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay itinuturing na mga ilustrasyon para sa biblikal na Aklat ni Job, Divine Comedy ni Dante, Milton's Paradise Lost. Siya ay naninirahan sa kanyang mga komposisyon na may mga titanic figure ng mga bayani, na tumutugma sa kanilang kapaligiran ng isang hindi tunay na napaliwanagan o phantasmagoric na mundo. Ang isang pakiramdam ng mapaghimagsik na pagmamataas o pagkakasundo na mahirap likhain mula sa mga dissonance ay nangingibabaw sa kanyang mga ilustrasyon.

Ang romanticism ni Blake ay sumusubok na makahanap ng sarili nitong artistikong pormula at anyo ng pagkakaroon ng mundo.

Si William Blake, na namuhay sa matinding kahirapan at kalabuan, pagkatapos ng kanyang kamatayan ay niraranggo sa host ng mga klasiko ng sining ng Ingles.

Sa gawain ng English landscape painters noong unang bahagi ng ika-19 na siglo. ang mga romantikong libangan ay pinagsama sa isang mas layunin at matino na pagtingin sa kalikasan.

Lumilikha ang mga romantikong nakataas na landscape William Turner(1775-1851). Gustung-gusto niyang ilarawan ang mga bagyo, ulan, bagyo sa dagat, maliwanag, maapoy na paglubog ng araw. Madalas na pinalalaki ni Turner ang mga epekto ng pag-iilaw at pinatindi ang tunog ng mga kulay, kahit na habang pinipinta ang tahimik na estado ng kalikasan. Para sa higit na epekto, ginamit niya ang pamamaraan ng mga watercolor at inilapat ang pintura ng langis sa isang napakanipis na layer at direktang ipininta sa lupa, na nakamit ang mga iridescent shade. Ang isang halimbawa ay ang larawan “ ulan, singaw at bilis” (1844). Ngunit kahit na ang kilalang kritiko noong panahong iyon ay hindi maunawaan nang tama ni Thackeray ang larawan, marahil ay makabago sa disenyo at pagpapatupad. "Ang pag-ulan ay ipinahihiwatig ng mga batik ng maruming masilya," isinulat niya, "na binudburan sa canvas ng isang palette knife, ang sikat ng araw ay kumikinang mula sa ilalim ng napakakapal na bukol ng maruruming dilaw na chrome. Ang mga anino ay dinadala ng malamig na mga kulay ng iskarlata na pulang-pula at naka-mute na mga cinnabar spot. At kahit na ang apoy sa pugon ng lokomotibo ay mukhang pula, hindi ko ipinapalagay na sabihin na hindi ito ipininta sa kobalt o sa kulay ng gisantes ". Ang isa pang kritiko ay natagpuan ang scheme ng kulay ni Turner na "scrambled egg at spinach". Ang mga kulay ng yumaong Turner sa pangkalahatan ay tila ganap na hindi maiisip at hindi kapani-paniwala sa mga kontemporaryo. Kinailangan ng higit sa isang siglo upang makita ang butil ng mga tunay na obserbasyon sa kanila. Ngunit tulad ng sa ibang mga kaso, narito rin ito. Isang kakaibang kwento ng isang nakasaksi, o sa halip ay isang saksi ng kapanganakan ng

Ingles na sining noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. binuo sa isang ganap na naiibang direksyon kaysa sa pagpipinta ni Turner. Bagama't ang kanyang husay ay karaniwang kinikilala, walang sinuman sa mga kabataan ang sumunod sa kanya.

II. Romantisismo sa pagpipinta ng Russia

Ang Romantisismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa para sa kapakanan ng ibang makasaysayang tagpuan at ibang kultural na tradisyon. Ang Rebolusyong Pranses ay hindi mabibilang sa mga dahilan ng paglitaw nito, dahil ang isang napakakitid na bilog ng mga tao ay nag-ipit ng anumang pag-asa sa mga pagbabago sa kurso nito. At ang mga resulta ng rebolusyon ay ganap na nabigo dito. Ang tanong ng kapitalismo sa Russia sa simula ng XIX na siglo. hindi tumayo. Samakatuwid, walang ganoong dahilan din. Ang tunay na dahilan ay ang Digmaang Patriotiko noong 1812, kung saan ipinakita ang lahat ng kapangyarihan ng inisyatiba ng bayan. Ngunit pagkatapos ng digmaan ang mga tao ay hindi nakatanggap ng kalooban. Ang pinakamahusay sa mga maharlika, na hindi nasisiyahan sa katotohanan, ay dumating sa Senate Square noong Disyembre 1825. Ang pagkilos na ito ay hindi rin pumasa nang walang bakas para sa malikhaing intelihente. Ang magulong taon pagkatapos ng digmaan ay naging tagpuan kung saan nabuo ang romantikong Ruso.

Sa kanilang mga canvases, ang mga romantikong pintor ng Russia ay nagpahayag ng diwa ng pag-ibig sa kalayaan, aktibong pagkilos, masigasig at masigasig na umapela sa pagpapakita ng humanismo. Ang mga pang-araw-araw na canvases ng mga pintor ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kaugnayan at sikolohiya, isang hindi pa naganap na pagpapahayag. Ang mga espirituwal, mapanglaw na tanawin ay muli ang parehong pagtatangka ng mga romantiko na tumagos sa mundo ng mga tao, upang ipakita kung paano nabubuhay at nangangarap ang isang tao sa sublunary na mundo. Ang romantikong pagpipinta ng Russia ay iba sa pagpipinta ng dayuhan. Ito ay tinutukoy ng parehong makasaysayang tagpuan at tradisyon.

Mga tampok ng romantikong pagpipinta ng Russia:

Ÿ ang ideolohiyang pang-edukasyon ay humina, ngunit hindi nabigo, tulad ng sa Europa. Samakatuwid, ang romantikismo ay hindi binibigkas;

Ÿ ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasiko, na kadalasang kaakibat nito;

Ÿ akademikong pagpipinta sa Russia ay hindi pa naubos ang sarili;

Ÿ romanticism sa Russia ay hindi isang matatag na kababalaghan, romantiko ay nakuha sa akademya. Sa kalagitnaan ng siglo XIX. halos mawala na ang romantikong tradisyon.

Ang mga gawa na may kaugnayan sa romantikismo ay nagsimulang lumitaw sa Russia noong 1790s (mga gawa ni Feodosiy Yanenko " Manlalakbay, nahuli bagyo" (1796), " Self-portrait v helmet" (1792). Ang prototype ay halata sa kanila - Salvator Rosa, napaka-tanyag sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo. Mamaya, ang impluwensya ng pro-romantic artist na ito ay mapapansin sa gawa ni Alexander Orlovsky. Ang mga magnanakaw, mga eksena sa campfire, mga labanan ay sinamahan ng kanyang buong karera. Tulad ng sa ibang mga bansa, ang mga artist na kabilang sa Russian romanticism ay nagpakilala ng isang ganap na bagong emosyonal na mood sa mga klasikal na genre ng portrait, landscape at genre na mga eksena.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagsimulang magpakita mismo sa portraiture. Sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, ito sa karamihan ay nawala ang koneksyon nito sa marangal na aristokrasya. Ang mga larawan ng mga makata, artista, mga patron ng sining, mga paglalarawan ng mga ordinaryong magsasaka ay nagsimulang sumakop sa isang makabuluhang lugar. Ang hilig na ito ay lalong malinaw na ipinakita sa gawain ng O.A. Kiprensky (1782 - 1836) at V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Basil Andreevich Tropinin nagsusumikap para sa isang buhay na buhay, madaling paglalarawan ng isang tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng kanyang larawan. « Larawan anak» (1818), « Larawan A. SA. Pushkin» (1827), « Self-portrait» (1846) ay kapansin-pansin hindi sa pamamagitan ng kanilang larawang pagkakahawig sa mga orihinal, ngunit sa kanilang hindi pangkaraniwang banayad na pagtagos sa panloob na mundo ng isang tao.

Ang kasaysayan ng paglikha ay hindi pangkaraniwang kawili-wili “ Larawan Pushkin”. Tulad ng dati, para sa unang kakilala kay Pushkin, si Tropinin ay dumating sa bahay ni Sobolevsky, kung saan nakatira ang makata noon. Natagpuan siya ng artista sa kanyang opisina na kinakalikot ang mga tuta. Kasabay nito, tila, ay isinulat ayon sa unang impression, na labis na pinahahalagahan ni Tropinin, isang maliit na sketch. Sa mahabang panahon ay nanatili siyang wala sa paningin ng mga humahabol sa kanya. Makalipas lamang ang halos isang daang taon, noong 1914, nailathala ito ni P.M. Si Shchekotov, na sumulat na sa lahat ng mga larawan ni Alexander Sergeevich, siya ay "pinakadala ng kanyang mga tampok ... ang mga asul na mata ng makata ay puno ng isang espesyal na ningning dito, ang pagliko ng ulo ay mabilis, at ang mga tampok ng mukha ay nagpapahayag at mobile. . Walang alinlangan, narito ang mga tunay na tampok ng mukha ni Pushkin, na isa-isa nating nakikilala sa isa o isa pa sa mga larawang napunta sa atin. Ito ay nananatiling palaisipan, - idinagdag ni Schekotov, - kung bakit ang kaibig-ibig na sketch na ito ay hindi nakatanggap ng nararapat na atensyon mula sa mga publisher at connoisseurs ng makata. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mismong mga katangian ng maliit na etude: wala ang kinang ng mga kulay, o ang kagandahan ng brushstroke, o mahusay na nakasulat na "roundabouts". At si Pushkin dito ay hindi isang katutubong "whit" hindi isang "henyo", ngunit higit sa lahat isang tao. At halos hindi posible na pag-aralan kung bakit ang monochromatic grayish-green, olive scale, ay nagmamadali, na para bang ang hindi sinasadyang mga stroke ng brush ng isang halos hindi matukoy na sketch ay naglalaman ng napakagandang nilalaman ng tao.

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Tver ay isang makabuluhang sentro ng kultura ng Russia. Narito ang bata Orestes Kiprensky nakilala si A.S. Pushkin, na ang larawan, na ipininta kalaunan, ay naging perlas ng larawan ng mundo. " Larawan Pushkin» Ang brush ni O. Kiprensky ay isang buhay na personipikasyon ng mala-tula na henyo. Sa mapagpasyang pag-ikot ng ulo, sa mga bisig na masiglang nakakrus sa dibdib, ang isang pakiramdam ng kalayaan at kalayaan ay makikita sa buong hitsura ng makata. Ito ay tungkol sa kanya na sinabi ni Pushkin: "Nakikita ko ang aking sarili bilang isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin." Sa gawain sa larawan ng Pushkin, sina Tropinin at Kiprensky ay nagkita sa huling pagkakataon, kahit na ang pagpupulong na ito ay hindi nagaganap sa kanilang sariling mga mata, ngunit maraming taon na ang lumipas sa kasaysayan ng sining, kung saan, bilang panuntunan, dalawang larawan ng Ang pinakadakilang makatang Ruso ay inihambing, nilikha nang sabay-sabay, ngunit sa iba't ibang lugar - isa sa Moscow, ang isa sa St. Ngayon ito ay isang pulong ng mga masters na pantay na mahusay sa kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia. Bagaman ang mga hinahangaan ni Kiprensky ay nagtalo na ang mga artistikong bentahe ay nasa gilid ng kanyang romantikong larawan, kung saan ang makata ay inilalarawan na nalubog sa kanyang sariling mga kaisipan, nag-iisa sa muse, ang nasyonalidad at demokratismo ng imahe ay tiyak na nasa panig ng "Pushkin" ni Tropinin. .

Kaya, ang dalawang larawan ay sumasalamin sa dalawang uso sa sining ng Russia, na puro sa dalawang kapital. At isusulat ng mga kritiko sa ibang pagkakataon na ang Tropinin ay para sa Moscow kung ano ang Kiprensky para sa Petersburg.

Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ni Kiprensky ay ang pagpapakita ng espirituwal na kagandahan at panloob na kadakilaan ng isang tao. Ang larawan ng isang bayani, matapang at malakas sa pakiramdam, ay dapat na isama ang mga kalunos-lunos ng mapagmahal sa kalayaan at makabayan na damdamin ng isang advanced na taong Ruso.

Sa harap ng pinto “ Larawan E. V. Davydova” (1809) ay nagpapakita ng pigura ng isang opisyal na direktang nagpahayag ng pagpapahayag ng kultong iyon ng isang malakas at matapang na personalidad, na napaka tipikal para sa romantikismo ng mga taong iyon. Ang fragmentarily na ipinakita na tanawin, kung saan ang isang sinag ng liwanag ay nakikipaglaban sa kadiliman, ay nagpapahiwatig ng mga pagkabalisa sa isip ng bayani, ngunit sa kanyang mukha ay may repleksyon ng panaginip na sensitivity. Si Kiprensky ay naghahanap ng "tao" sa isang tao, at ang perpekto ay hindi natatabunan ang mga personal na katangian ng modelo mula sa kanya.

Ang mga larawan ni Kiprensky, kung titingnan mo ang mga ito sa iyong isip, ipakita ang espirituwal at likas na kayamanan ng isang tao, ang kanyang intelektwal na lakas. Oo, mayroon siyang ideyal ng isang maayos na personalidad, na tinalakay din ng kanyang mga kontemporaryo, ngunit hindi hinangad ni Kiprensky na literal na maipakita ang ideyal na ito sa isang masining na imahe. Sa paglikha ng isang masining na imahe, siya ay nagpatuloy mula sa kalikasan, na parang sinusukat kung gaano kalayo o malapit ito sa gayong ideal. Sa katunayan, marami sa mga itinatanghal niya ay nasa threshold ng ideal, nagsusumikap patungo dito, ngunit ang ideal mismo, ayon sa mga ideya ng romantikong aesthetics, ay halos hindi makakamit, at ang lahat ng romantikong sining ay isang landas lamang dito.

Pansinin ang mga kontradiksyon sa mga kaluluwa ng kanyang mga bayani, na nagpapakita sa kanila sa mga sandali ng pagkabalisa ng buhay, kapag ang kapalaran ay nagbabago, ang mga nakaraang ideya ay nasira, ang mga kabataan ay umalis, atbp., Kiprensky ay tila nararanasan kasama ng kanyang mga modelo. Samakatuwid - isang espesyal na paglahok ng portraitist sa interpretasyon ng mga artistikong imahe, na nagbibigay sa portrait ng isang "soulful" shade.

Sa unang bahagi ng panahon ng gawain ni Kiprensky, hindi mo makikita ang mga taong nahawaan ng pag-aalinlangan, pagsusuri na nakakasira sa kaluluwa. Darating ito sa ibang pagkakataon, kapag ang romantikong oras ay lumampas sa taglagas nito, na nagbibigay daan sa iba pang mga mood at damdamin, kapag ang pag-asa para sa tagumpay ng ideal ng isang maayos na personalidad ay gumuho. Sa lahat ng mga portrait ng 1800s at mga portrait na ginawa sa Tver, ang Kiprensky ay may matapang na brush na madali at malayang bumuo ng isang form. Ang pagiging kumplikado ng mga diskarte, ang karakter ng pigura ay nagbago mula sa piraso hanggang sa piraso.

Kapansin-pansin na sa mga mukha ng kanyang mga bayani ay hindi mo makikita ang heroic elation, sa kabaligtaran, karamihan sa mga mukha ay medyo malungkot, sila ay nagpapakasawa sa mga pagmuni-muni. Tila ang mga taong ito ay nag-aalala tungkol sa kapalaran ng Russia, iniisip nila ang hinaharap kaysa sa kasalukuyan. Sa mga babaeng imahe na kumakatawan sa mga asawa at kapatid na babae ng mga kalahok sa mga makabuluhang kaganapan, si Kiprensky ay hindi rin nagsusumikap para sa sadyang kabayanihan na kagalakan. Ang pakiramdam ng kagaanan, pagiging natural ay nangingibabaw. Bukod dito, sa lahat ng mga larawan ay may napakaraming tunay na maharlika ng kaluluwa. Ang mga larawan ng kababaihan ay umaakit sa kanilang mababang dignidad, integridad ng kalikasan; sa mga mukha ng mga tao, isang matanong na pag-iisip, isang kahandaan para sa asetisismo ay nahulaan. Ang mga larawang ito ay kasabay ng lumalagong etikal at aesthetic na mga ideya ng mga Decembrist. Ang kanilang mga iniisip at adhikain ay ibinahagi ng marami, alam din ng artista ang tungkol sa kanila, at samakatuwid ay masasabi natin na ang kanyang mga larawan ng mga kalahok sa mga kaganapan noong 1812-1814, mga larawan ng mga magsasaka na nilikha sa parehong mga taon ay isang uri ng artistikong kahanay sa ang mga umuusbong na konsepto ng Decembrism.

Tinawag ng mga dayuhan si Kiprensky ang Russian Van Dyck, ang kanyang mga larawan ay nasa maraming museo sa buong mundo. Ang kahalili sa gawain nina Levitsky at Borovikovsky, ang hinalinhan ni L. Ivanov at K. Bryullov, si Kiprensky ay nagbigay ng katanyagan sa Europa sa paaralan ng sining ng Russia sa kanyang trabaho. Sa mga salita ni Alexander Ivanov, "siya ang unang nagdala ng pangalang Ruso sa Europa ...".

Ang tumaas na interes sa personalidad ng isang tao, katangian ng romantikismo, ay paunang natukoy ang pag-unlad ng genre ng portrait sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kung saan ang self-portrait ay naging nangingibabaw na tampok. Bilang isang patakaran, ang paglikha ng isang self-portrait ay hindi isang aksidenteng episode. Ang mga artista ay paulit-ulit na nagsulat at nagpinta sa kanilang sarili, at ang mga gawang ito ay naging isang uri ng talaarawan na sumasalamin sa iba't ibang estado ng kaluluwa at mga yugto ng buhay, at kasabay nito, sila ay isang manifesto na hinarap sa kanilang mga kontemporaryo. Ang self-portrait ay hindi isang kinomisyon na genre, ang artist ay sumulat para sa kanyang sarili at dito, higit kailanman, siya ay malaya sa pagpapahayag ng sarili. Noong ika-18 siglo, ang mga artistang Ruso ay bihirang nagpinta ng mga larawan ng may-akda, ang romantikismo lamang kasama ang kulto ng indibidwal, ang eksklusibong nag-ambag sa pagtaas ng genre na ito. Ang iba't ibang uri ng self-portraits ay sumasalamin sa pananaw ng mga artista mismo bilang isang mayaman at multifaceted na personalidad. Lumilitaw ang mga ito sa karaniwan at natural na tungkulin ng lumikha ( " Self-portrait v pelus kunin" A.G. Varneka, 1810s), pagkatapos ay bumagsak sila sa nakaraan, na parang sinusubukan ito sa kanilang sarili ( " Self-portrait v helmet at baluti" F.I.Yanenko, 1792), o, mas madalas, lumilitaw nang walang anumang mga propesyonal na katangian, na iginiit ang kahalagahan at halaga ng bawat tao, pinalaya at bukas sa mundo, tulad ng, halimbawa, F.A. Bruni at O. A. Orlovsky sa mga self-portraits noong 1810s . Ang kahandaan para sa diyalogo at pagiging bukas, na katangian ng makasagisag na solusyon ng mga gawa ng 1810-1820s, ay unti-unting pinalitan ng pagkapagod at pagkabigo, paglulubog, pag-alis sa sarili ( " Self-portrait" M.I. Terebeneva). Ang trend na ito ay makikita sa pagbuo ng portrait genre sa pangkalahatan.

Ang mga self-portraits ng Kiprensky ay lumitaw, na kung saan ay nagkakahalaga ng pagpuna, sa mga kritikal na sandali ng buhay, sila ay nagpatotoo sa pagtaas o pagbagsak ng lakas ng kaisipan. Sa pamamagitan ng kanyang sining, tiningnan ng artista ang kanyang sarili. Kasabay nito, hindi siya gumamit ng salamin, tulad ng karamihan sa mga pintor; isinulat niya pangunahin ang kanyang sarili sa batayan ng representasyon, nais niyang ipahayag ang kanyang espiritu, ngunit hindi ang kanyang hitsura.

“Self-portrait kasama mga brush bawat tainga” binuo sa isang pagtanggi, at malinaw na nagpapakita, mula sa panlabas na pagluwalhati ng imahe, ang klasikal na normativity at perpektong konstruksyon. Ang mga tampok ng mukha ay halos nakabalangkas. Ang mga indibidwal na pagmuni-muni ng liwanag ay nahuhulog sa pigura ng artist, na pinatay sa halos hindi makilalang mga tela na kumakatawan sa background ng larawan. Ang lahat dito ay napapailalim sa pagpapahayag ng buhay, damdamin, mood. Ito ay isang pagtingin sa romantikong sining sa pamamagitan ng sining ng self-portrait.

Halos kasabay ng self-portrait na ito ay isinulat at “ Self-portrait v kulay rosas servikal panyo” kung saan ang isa pang imahe ay nakapaloob. Nang walang direktang pagtukoy sa propesyon ng isang pintor. Ang imahe ng isang binata na nakakaramdam ng kagaanan, natural, libre ay muling nilikha. Ang kaakit-akit na ibabaw ng canvas ay banayad na itinayo. Ang brush ng artist ay naglalagay ng pintura nang may kumpiyansa, na nag-iiwan ng mga stroke na malaki at maliit. Ang mga kulay ay napakahusay na binuo, ang mga kulay ay mapurol, magkakasuwato na pinagsama sa isa't isa, ang pag-iilaw ay kalmado: ang liwanag ay malumanay na bumubuhos sa mukha ng binata, na binabalangkas ang kanyang mga tampok, nang walang hindi kinakailangang pagpapahayag at pagpapapangit.

Ang isa pang natatanging pintor ng portrait ay O. A. Orlovsky. Sa pamamagitan ng 1809, mayroong tulad ng isang emosyonal na rich portrait sheet bilang “ Self-portrait” ... Sa isang masarap na libreng hawakan ng sanguine at uling (backlit na may chalk), “ Self-portrait” Si Orlovsky ay umaakit sa kanyang artistikong integridad, katangian ng imahe, kasiningan ng pagganap. Kasabay nito, binibigyang-daan tayo nitong mabatid ang ilan sa mga kakaibang aspeto ng sining ni Orlovsky. “ Self-portrait” Si Orlovsky, siyempre, ay walang layunin na tumpak na kopyahin ang tipikal na hitsura ng artista ng mga taong iyon. Sa harap natin ay isang lubos na sinadya, pinalaking imahe ng isang "artist" na sumasalungat sa kanyang sariling "Ako" sa nakapaligid na katotohanan. Hindi siya nababahala sa "disente" ng kanyang hitsura: ang suklay at ang brush ay hindi nahawakan ang kanyang malago na buhok, sa kanyang balikat ay may gilid ng isang checkered na balabal sa ibabaw mismo ng kanyang bahay shirt na may bukas na kwelyo. Isang matalim na pagliko ng ulo na may "mapanglaw" na tingin mula sa ilalim ng mga inilipat na kilay, isang close-up na shot ng isang larawan kung saan ang mukha ay inilalarawan nang malapitan, mga light contrast - lahat ng ito ay naglalayong makamit ang pangunahing epekto ng pagsalungat ang inilalarawang tao sa kapaligiran (at sa gayon ay sa manonood).

Ang mga pathos ng pagpapatibay ng sariling katangian - isa sa mga pinaka-progresibong tampok sa sining ng panahong iyon - ay bumubuo ng pangunahing ideolohikal at emosyonal na tono ng larawan, ngunit lumilitaw sa isang kakaibang aspeto na halos hindi matatagpuan sa sining ng Russia noong panahong iyon. Ang paninindigan ng personalidad ay hindi napupunta sa pamamagitan ng pagsisiwalat ng yaman ng kanyang panloob na mundo, ngunit sa pamamagitan ng pagtanggi sa lahat ng bagay sa kanyang paligid. Kasabay nito, ang imahe ay walang alinlangan na mukhang mahirap, limitado.

Ang ganitong mga solusyon ay mahirap hanapin sa larawang Ruso noong panahong iyon, kung saan nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo ang sibil at humanistic na motibo ay malakas na tumunog at ang personalidad ng isang tao ay hindi kailanman sinira ang matibay na ugnayan sa kapaligiran. Nangangarap ng isang mas mahusay, sosyal-demokratikong kaayusan, ang mga tao sa Russia noong panahong iyon ay hindi humiwalay sa realidad, sadyang tinanggihan ang indibidwalistikong kulto ng "personal na kalayaan" na umunlad sa Kanlurang Europa, na binuhay muli ng burgis na rebolusyon. Ito ay malinaw na maliwanag sa larawang Ruso. Ang isa ay dapat lamang ihambing “ Self-portrait” Orlovsky kasama “ Self-portrait” Kiprensky, upang ang malubhang panloob na pagkakaiba sa pagitan ng dalawang pintor ng larawan ay agad na nakakuha ng mata.

Si Kiprensky ay "bayani" din ng personalidad ng isang tao, ngunit ipinakita niya ang tunay na mga panloob na halaga nito. Sa harap ng artista, nakikilala ng manonood ang mga tampok ng isang malakas na pag-iisip, karakter, kadalisayan ng moral.

Ang buong hitsura ng Kiprensky ay natatakpan ng kamangha-manghang maharlika at sangkatauhan. Nagagawa niyang makilala ang "mabuti" at "masama" sa mundo sa paligid niya at, tinatanggihan ang pangalawa, mahalin at pahalagahan ang una, mahalin at pahalagahan ang mga taong katulad ng pag-iisip. Kasabay nito, mayroon tayong, walang alinlangan, isang malakas na pagkatao, ipinagmamalaki ang kamalayan ng halaga ng kanilang mga personal na katangian. Eksakto ang parehong konsepto ng larawan ng portrait na sumasailalim sa sikat na heroic portrait ni D. Davydov ni Kiprensky.

Si Orlovsky, kung ihahambing kay Kiprensky, ay mas limitado, mas prangka at panlabas na niresolba ang imahe ng isang "malakas na personalidad", malinaw na nakatuon sa sining ng burges na France. Pag tingin mo sa kanya “ Self-portrait” , ang mga larawan ng A. Gro, Gericault ay hindi sinasadyang pumasok sa isip. Ang isang panloob na pagkakalapit sa French portrait art ay ipinahayag ng profile “ Self-portrait” Orlovsky 1810, kasama ang kanyang kulto ng indibidwal na "panloob na lakas", gayunpaman, wala na ng isang matalim na "sketchy" na anyo “ Self-portrait” 1809 o “ Larawan Dupor”. Sa huli, si Orlovsky, tulad ng sa Self-portrait, ay gumagamit ng isang kamangha-manghang, "heroic" na pose na may matalim, halos cross na paggalaw ng ulo at balikat. Binibigyang-diin niya ang hindi regular na istraktura ng mukha ni Duport, ang kanyang gusot na buhok, na may layuning lumikha ng isang portrait na imahe na sapat sa sarili sa kakaiba at random na karakter nito.

"Ang tanawin ay dapat na isang portrait", - isinulat ni K. N. Batyushkov. Karamihan sa mga artista na bumaling sa genre ng landscape ay sumunod sa saloobing ito sa kanilang trabaho. Kabilang sa mga halatang eksepsiyon na nakahilig sa kamangha-manghang tanawin ay si A.O. Orlovsky ( " Nautical tingnan" , 1809); A. G. Varnek ( " Tingnan v paligid Roma" , 1809); P. V. Basin (" Sky sa paglubog ng araw v paligid Roma" , " Gabi tanawin" , pareho - 1820s). Paglikha ng mga tiyak na uri, pinanatili nila ang kamadalian ng sensasyon, emosyonal na saturation, na umaabot sa napakalaking tunog na may mga diskarte sa komposisyon.

Ang batang Orlovsky ay nakakita lamang ng mga titanic na puwersa sa kalikasan, hindi napapailalim sa kalooban ng tao, na may kakayahang magdulot ng sakuna, sakuna. Ang pakikibaka ng tao sa nagngangalit na elemento ng dagat ay isa sa mga paboritong tema ng artista ng kanyang "mapaghimagsik" na romantikong panahon. Ito ang naging laman ng kanyang mga guhit, watercolor at oil painting mula 1809 hanggang 1810. ang kalunos-lunos na tagpo ay ipinapakita sa larawan “ Pagkawasak ng barko” (1809 (?)). Sa matinding dilim na bumagsak sa lupa, sa gitna ng rumaragasang alon, ang mga nalulunod na mangingisda ay galit na galit na umakyat sa mga bangin sa baybayin kung saan bumagsak ang kanilang barko. Ang kulay, na pinananatili sa matinding mapula-pula na mga tono, ay nagpapataas ng pakiramdam ng pagkabalisa. Mga kakila-kilabot na pagsalakay ng malalakas na alon, na naglalarawan ng isang bagyo, at sa isa pang larawan - “ Naka-on ang dalampasigan mga dagat” (1809). Ito rin ay gumaganap ng malaking emosyonal na papel sa mabagyong kalangitan, na kumukuha ng karamihan sa komposisyon. Bagaman hindi alam ni Orlovsky ang sining ng aerial na pananaw, ang unti-unting paglipat ng mga plano ay nalutas dito nang maayos at malumanay. Ang kulay ay naging mas maliwanag. Maganda ang paglalaro ng mga pulang batik ng damit ng mga mangingisda sa isang pulang kayumangging background. Hindi mapakali at nakakagambalang elemento ng dagat sa watercolor “ Paglalayag isang bangka” (mga 1812). At kahit na ang hangin ay hindi pumapatak sa layag at hindi umaagos sa ibabaw ng tubig, tulad ng sa watercolor “ Nautical tanawin kasama mga barko” (mga 1810), hindi nag-iiwan ng premonisyon ang manonood na susundan ng bagyo ang kalmado.

Ang mga tanawin ay may ibang katangian SA. F. Shchedrin... Sila ay puno ng pagkakaisa ng magkakasamang buhay ng tao at kalikasan. (" Terrace sa ang dalampasigan mga dagat. Cappuccini malapit Sorrento" , 1827). Maraming tanawin ng Naples sa pamamagitan ng kanyang brush ang nagtamasa ng pambihirang tagumpay.

Sa makikinang na mga larawan AT. SA. Aivazovsky ang mga romantikong mithiin ng lubos na kaligayahan sa pakikibaka at kapangyarihan ng mga likas na pwersa, ang pagtitiyaga ng espiritu ng tao at ang kakayahang lumaban hanggang sa wakas ay malinaw na isinama. Gayunpaman, ang isang malaking lugar sa pamana ng master ay inookupahan ng mga seascape sa gabi na nakatuon sa mga tiyak na lugar kung saan ang bagyo ay nagbibigay daan sa magic ng gabi, isang oras na, ayon sa mga pananaw ng mga romantiko, ay puno ng isang misteryosong panloob na buhay, at kung saan ang pictorial quest ng artist ay naglalayon sa paraan ng pagkuha ng mga pambihirang epekto ng liwanag. ( " Tingnan Odessa v lunar gabi" , " Tingnan Constantinople sa lunar pag-iilaw" , pareho - 1846).

Ang tema ng mga natural na elemento at isang taong nabigla - isang paboritong tema ng romantikong sining, ay binibigyang kahulugan sa iba't ibang paraan ng mga artista noong 1800-1850s. Ang mga akda ay batay sa totoong mga pangyayari, ngunit ang kahulugan ng mga larawan ay wala sa kanilang layuning muling pagsasalaysay. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta ni Pyotr Basin " Lindol v Rocca di Tatay malapit Roma" (1830). Ito ay nakatuon hindi gaanong sa paglalarawan ng isang tiyak na kaganapan kundi sa imahe ng takot at kakila-kilabot ng isang tao na nahaharap sa pagpapakita ng mga elemento.

Ang Romantisismo sa Russia bilang isang pang-unawa sa mundo ay umiral sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi nagtapos noong 1850s. Binuksan ng mga romantiko para sa sining, ang tema ng estado ng pagiging binuo mamaya sa mga artista ng "Blue Rose". Ang mga direktang tagapagmana ng Romantics ay walang alinlangan ang mga Symbolists. Ang mga romantikong tema, motibo, mga diskarte sa pagpapahayag ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, uso, malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinaka masigla, matiyaga, at mabunga.

Romantisismo bilang uso sa panitikan

Ang Romantisismo ay, una sa lahat, isang espesyal na pag-unawa sa mundo, batay sa paniniwala ng higit na kahusayan ng "espiritu" sa "materya". Ang malikhaing prinsipyo, sa opinyon ng mga romantiko, ay nagtataglay ng lahat ng tunay na espirituwal, na kinilala nila sa tunay na tao. At, sa kabaligtaran, ang lahat ng materyal, ayon sa kanilang mga kaisipan, na lumilipat sa unahan, ay pumipinsala sa tunay na kalikasan ng tao, ay hindi pinapayagan ang kanyang kakanyahan na mahayag, sa mga kondisyon ng burges na katotohanan na hinahati nito ang mga tao, nagiging isang mapagkukunan ng awayan sa pagitan. sa kanila, humahantong sa mga kalunus-lunos na sitwasyon. Ang isang positibong bayani sa romantikismo, bilang isang patakaran, ay tumataas sa antas ng kanyang kamalayan sa itaas ng mundo ng pansariling interes sa kanyang paligid, ay hindi kaayon dito, nakikita niya ang layunin ng buhay hindi sa paggawa ng isang karera, hindi sa akumulasyon ng yaman. , ngunit sa paglilingkod sa matataas na mithiin ng sangkatauhan - tao -Ness, kalayaan, kapatiran. Ang mga negatibong romantikong karakter, sa kaibahan sa mga positibo, ay kasuwato ng lipunan, ang kanilang negatibiti ay pangunahing nakasalalay sa katotohanan na sila ay namumuhay ayon sa mga batas ng burges na kapaligiran na nakapaligid sa kanila. Dahil dito (at ito ay napakahalaga), ang romantisismo ay hindi lamang isang aspirasyon para sa ideyal at ang pagtutula ng lahat ng bagay na maganda sa espirituwal, ito ay kasabay na pagkakalantad ng pangit sa konkretong sosyo-historikal nitong anyo. Bukod dito, ang pagpuna sa kakulangan ng espirituwalidad ay ibinigay sa romantikong sining mula pa sa simula, ito ay sumusunod mula sa pinakadiwa ng romantikong saloobin sa pampublikong buhay. Siyempre, hindi lahat ng manunulat at hindi lahat ng genre ay nagpapakita nito nang may tamang lawak at intensity. Ngunit ang mga kritikal na pathos ay maliwanag hindi lamang sa mga drama ni Lermontov o sa mga "sekular na kwento" ni V. Odoevsky, naramdaman din ito sa mga elehiya ni Zhukovsky, na inilalantad ang mga kalungkutan at dalamhati ng isang taong mayaman sa espirituwal sa mga kondisyon ng serfdom Russia.

Ang romantikong pananaw, dahil sa dualismo nito (ang pagiging bukas ng "espiritu" at "ina"), ay tumutukoy sa imahe ng buhay sa matalim na kaibahan. Ang pagkakaroon ng kaibahan ay isa sa mga tampok na katangian ng romantikong uri ng pagkamalikhain at, samakatuwid, estilo. Ang espirituwal at materyal sa mga gawa ng mga romantiko ay mahigpit na sumasalungat sa isa't isa. Ang isang positibong romantikong bayani ay karaniwang inilalarawan bilang isang malungkot na nilalang, bukod dito, napapahamak sa pagdurusa sa kontemporaryong lipunan (Gyaur, Corsair ni Byron, Chernets ni Kozlov, Voinarovsky ni Ryleev, Mtsyri ni Lermontov, at iba pa). Sa paglalarawan ng pangit, ang mga romantiko ay madalas na nakakamit ng gayong pang-araw-araw na konkreto na mahirap na makilala ang kanilang trabaho mula sa makatotohanan. Sa batayan ng isang romantikong pananaw, posible na lumikha ng hindi lamang mga indibidwal na larawan, kundi pati na rin ang buong mga gawa, makatotohanan sa uri ng pagkamalikhain.

Ang romantikismo ay walang awa sa mga taong, nakikipaglaban para sa kanilang sariling kadakilaan, nag-iisip tungkol sa pagpapayaman o nanghihina na may pagkauhaw sa kasiyahan, lumalabag sa mga unibersal na batas sa moral sa pangalan nito, yumuyurak sa mga unibersal na halaga ng tao (pagkatao, pag-ibig sa kalayaan at iba pa) .

Sa romantikong panitikan, maraming mga imahe ng mga bayani na nahawaan ng indibidwalismo (Manfred, Lara ni Byron, Pechorin, Demon ni Lermontov at iba pa), ngunit sila ay mukhang malalim na trahedya na nilalang, nagdurusa sa kalungkutan, nagnanais na sumanib sa mundo ng mga ordinaryong tao. . Inihayag ang trahedya ng isang indibidwalista, ipinakita ng romantikismo ang kakanyahan ng tunay na kabayanihan, na nagpapakita ng sarili sa walang pag-iimbot na paglilingkod sa mga mithiin ng sangkatauhan. Ang personalidad sa romantikong aesthetics ay hindi mahalaga sa kanyang sarili. Tumataas ang halaga nito kasabay ng pagtaas ng mga benepisyong dulot nito sa mga tao. Ang paninindigan sa romantikismo ng isang tao ay binubuo, una sa lahat, sa kanyang pagpapalaya mula sa indibidwalismo, mula sa mga nakakapinsalang epekto ng sikolohiya ng pribadong ari-arian.

Sa gitna ng romantikong sining ay ang personalidad ng tao, ang espirituwal na mundo nito, ang mga mithiin nito, pagkabalisa at kalungkutan sa mga kondisyon ng burges na sistema ng buhay, ang pagkauhaw sa kalayaan at kalayaan. Ang Romanong bayani ay naghihirap mula sa alienation, mula sa kawalan ng kakayahang baguhin ang kanyang posisyon. Samakatuwid, ang mga sikat na genre ng romantikong panitikan, na pinaka-ganap na sumasalamin sa kakanyahan ng romantikong pananaw sa mundo, ay mga trahedya, dramatiko, liriko-epiko at liriko na mga tula, maikling kwento, elehiya. Inihayag ng Romanismo ang hindi pagkakatugma ng lahat ng bagay na tunay na tao sa prinsipyo ng pribadong pagmamay-ari ng buhay, at ito ang dakilang kahalagahan nito sa kasaysayan. Ipinakilala niya sa panitikan ang isang man-fighter na, sa kabila ng kanyang kapahamakan, ay malayang kumikilos, dahil napagtanto niya na ang isang pakikibaka ay kinakailangan upang makamit ang layunin.

Ang mga romantiko ay nailalarawan sa lawak at sukat ng masining na pag-iisip. Upang isama ang mga ideya ng unibersal na kahalagahan ng tao, ginagamit nila ang mga alamat ng Kristiyano, mga alamat sa Bibliya, sinaunang mitolohiya, mga alamat ng bayan. Ang mga makata ng romantikong uso ay gumagamit ng pantasya, sa simbolismo at iba pang kumbensyonal na pamamaraan ng artistikong paglalarawan, na ginagawang posible para sa kanila na ipakita ang katotohanan sa napakalawak na pagkalat na ganap na hindi maiisip sa makatotohanang sining. Hindi malamang, halimbawa, na posibleng ihatid ang buong nilalaman ng The Demon ni Lermontov, na sumusunod sa prinsipyo ng makatotohanang pag-type. Ang makata ay yumakap sa buong sansinukob sa kanyang tingin, nag-sketch ng cosmic paysay, sa pagpaparami kung saan ang makatotohanang konkreto, pamilyar sa mga kondisyon ng makalupang katotohanan, ay hindi naaangkop:

Sa himpapawid karagatan

Walang timon at walang layag

Tahimik na lumutang sa ulap

Mga payat na koro ng mga luminaries.

Sa kasong ito, ang karakter ng tula ay mas pare-pareho hindi sa katumpakan, ngunit, sa kabaligtaran, sa kawalang-katapusan ng pagguhit, sa isang mas malaking lawak na hindi naghahatid ng ideya ng isang tao sa uniberso, ngunit ang kanyang mga damdamin. Sa parehong paraan, "grounding", ang concretization ng imahe ng Demonyo ay hahantong sa isang tiyak na pagbaba sa pag-unawa sa kanya bilang isang titanic na nilalang na pinagkalooban ng superhuman na kapangyarihan.

Ang interes sa maginoo na mga diskarte ng artistikong paglalarawan ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga romantiko ay madalas na naglalagay ng mga pilosopikal at pananaw sa mundo na mga katanungan para sa paglutas, bagaman, tulad ng nabanggit na, hindi sila umiiwas sa imahe ng makamundong, prosaic-araw-araw, lahat ng bagay na hindi tugma. kasama ang espirituwal, tao. Sa romantikong panitikan (sa isang dramatikong tula), ang salungatan ay karaniwang binuo sa isang salungatan hindi ng mga karakter, ngunit ng mga ideya, ng buong konsepto ng pananaw sa mundo (Manfred, Cain ni Byron, Prometheus Freed ni Shelley), na natural na nagdala ng sining sa ang mga limitasyon ng makatotohanang konkreto.

Ang intelektwalidad ng romantikong bayani, ang kanyang pagkahilig sa pagmuni-muni ay higit sa lahat dahil sa ang katunayan na siya ay kumikilos sa iba't ibang mga kondisyon kaysa sa mga karakter ng nobelang pang-edukasyon o ang "philistine" na drama noong ika-18 siglo. Ang huli ay kumilos sa saradong globo ng pang-araw-araw na relasyon, ang tema ng pag-ibig ay sinakop ang isa sa mga sentral na lugar sa kanilang buhay. Ang mga romantiko ay nagdala ng sining sa malawak na kalawakan ng kasaysayan. Nakita nila na ang kapalaran ng mga tao, ang kalikasan ng kanilang kamalayan ay hindi natutukoy nang labis ng panlipunang kapaligiran kundi ng panahon sa kabuuan, ang mga prosesong pampulitika, panlipunan, espirituwal na nagaganap dito, na nakakaimpluwensya sa kinabukasan ng lahat ng sangkatauhan sa pinaka mapagpasyang paraan. Kaya, ang ideya ng pagpapahalaga sa sarili ng isang personalidad, ang pag-asa nito sa sarili, ang kalooban nito ay gumuho, ang kondisyon nito ay ipinahayag ng masalimuot na mundo ng mga socio-historical na pangyayari.

Ang romantikismo bilang isang tiyak na pananaw sa mundo at uri ng pagkamalikhain ay hindi dapat malito sa romansa, i.e. isang panaginip ng isang kahanga-hangang layunin, na may pagsusumikap para sa perpekto at isang marubdob na pagnanais na makita itong matupad. Ang romansa, depende sa pananaw ng isang tao, ay maaaring maging parehong rebolusyonaryo, pasulong, at konserbatibo, patula sa nakaraan. Maaari itong lumaki sa isang makatotohanang batayan at maging utopian.

Mula sa posisyon ng pagkakaiba-iba ng kasaysayan at mga konsepto ng tao, sinasalungat ng mga romantiko ang imitasyon ng sinaunang panahon, ipagtanggol ang mga prinsipyo ng orihinal na sining batay sa isang tunay na pagpaparami ng kanilang pambansang buhay, ang paraan ng pamumuhay, kaugalian, paniniwala, atbp.

Ang mga romantikong Ruso ay nagtatanggol sa ideya ng "lokal na kulay", na nagpapahiwatig ng paglalarawan ng buhay sa isang pambansang-kasaysayan, natatangi. Ito ang simula ng pagtagos ng pambansang-kasaysayang konkreto sa sining, na sa huli ay humantong sa tagumpay ng makatotohanang pamamaraan sa panitikang Ruso.

Ang simula ng ika-19 na siglo ay isang panahon ng kultura at espirituwal na pag-unlad sa Russia... Kung sa pag-unlad ng ekonomiya at sosyo-politikal ang Russia ay nahuhuli sa mga advanced na estado ng Europa, kung gayon sa mga tagumpay sa kultura ay hindi lamang ito kapantay sa kanila, ngunit madalas ding nauuna. Ang pag-unlad ng kulturang Ruso sa unang kalahati ng ika-19 na siglo ay batay sa mga pagbabago sa nakaraang panahon. Ang pagtagos ng mga elemento ng kapitalistang relasyon sa ekonomiya ay nagpapataas ng pangangailangan para sa mga taong marunong magbasa at mag-aral. Ang mga lungsod ay naging pangunahing sentro ng kultura.

Ang mga bagong strata ng lipunan ay nakuha sa mga prosesong panlipunan. Ang kultura ay nabuo laban sa background ng patuloy na lumalagong pambansang kamalayan sa sarili ng mga mamamayang Ruso at, sa bagay na ito, ay may binibigkas na pambansang katangian. Malaki ang impluwensya niya sa panitikan, teatro, musika, sining Digmaang Patriotiko noong 1812, na sa isang walang uliran na antas ay pinabilis ang paglago ng pambansang kamalayan sa sarili ng mga mamamayang Ruso, ang pagsasama-sama nito. Nagkaroon ng rapprochement sa mga taong Ruso ng ibang mga tao ng Russia.

Ang simula ng ika-19 na siglo ay nararapat na tinatawag na ginintuang edad ng pagpipinta ng Russia. Noon ay naabot ng mga artistang Ruso ang antas ng kasanayan na naglagay ng kanilang mga gawa sa isang par sa pinakamahusay na mga halimbawa ng sining ng Europa.

Tatlong pangalan ang bukas na pagpipinta ng Russia noong ika-19 na siglo - Kiprensky , Tropinin , Venetsianov... Lahat ay may iba't ibang pinagmulan: isang hindi lehitimong panginoong maylupa, isang alipin at isang inapo ng isang mangangalakal. Ang bawat isa ay may kanya-kanyang malikhaing adhikain - isang romantiko, isang realista at isang "liriko ng nayon".

Sa kabila ng kanyang maagang pagkahilig para sa makasaysayang pagpipinta, Kiprensky ay kilala lalo na bilang isang natitirang pintor ng portrait. Masasabi natin na sa simula ng siglo XIX. siya ang naging unang pintor ng portrait ng Russia. Ang mga matandang masters, na naging sikat noong ika-18 siglo, ay hindi na makakalaban sa kanya: Namatay si Rokotov noong 1808, si Levitsky, na nakaligtas sa kanya ng 14 na taon, ay hindi na kumuha ng pagpipinta dahil sa sakit sa mata, at si Borovikovsky, na hindi nabuhay. ilang buwan bago ang pag-aalsa Decembrist, nagtrabaho ng napakakaunti.

Si Kiprensky ay sapat na masuwerte upang maging isang art chronicler sa kanyang panahon. Ang "Kasaysayan sa mga mukha" ay maaaring ituring na kanyang mga larawan, na naglalarawan ng maraming mga kalahok sa mga makasaysayang kaganapan kung saan siya ay kontemporaryo: mga bayani ng digmaan noong 1812, mga kinatawan ng kilusang Decembrist. Ang pamamaraan ng pagguhit ng lapis ay kapaki-pakinabang din, ang pagsasanay na kung saan ay binigyan ng seryosong pansin sa Academy of Arts. Nilikha ni Kiprensky, sa esensya, ng isang bagong genre - isang kaakit-akit na larawan.

Gumawa si Kiprensky ng maraming mga larawan ng mga pigura ng kulturang Ruso, at, siyempre, ang pinakasikat sa kanila ay ang Pushkin. Ito ay isinulat upang mag-order Delvig, isang kaibigan sa lyceum ng makata, noong 1827. Napansin ng mga kontemporaryo ang kamangha-manghang pagkakatulad ng larawan sa orihinal. Pinalaya ng artista ang imahe ng makata mula sa mga pang-araw-araw na tampok na likas sa larawan ng Pushkin ni Tropinin, na ipininta sa parehong taon. Si Alexander Sergeevich ay nakuha ng artista sa sandali ng inspirasyon, nang siya ay binisita ng isang patula na muse.

Inabot ng kamatayan ang artista sa kanyang ikalawang paglalakbay sa Italya. Sa mga nagdaang taon, marami ang hindi naging maganda sa kilalang pintor. Nagsimula ang malikhaing pagbaba. Ilang sandali bago ang kanyang kamatayan, ang kanyang buhay ay natabunan ng isang trahedya na kaganapan: ayon sa patotoo ng mga kontemporaryo, ang artista ay maling inakusahan ng pagpatay at natatakot na umalis sa bahay. Kahit na ang pagpapakasal sa kanyang Italian pupil ay hindi nagpapaliwanag sa kanyang mga huling araw.

Ilang nagdalamhati sa pintor ng Russia na namatay sa ibang bansa. Kabilang sa iilan na tunay na nakaunawa kung anong uri ng panginoon ang nawala sa pambansang kultura ay ang artistang si Alexander Ivanov, na nasa Italya noong panahong iyon. Sa malungkot na mga araw na iyon ay isinulat niya: Si Kiprensky "ang unang nagbigay ng pangalan ng Ruso sa katanyagan sa Europa."

Pumasok si Tropinin sa kasaysayan ng sining ng Russia bilang isang natatanging pintor ng portrait. Sinabi niya: "Ang isang larawan ng isang tao ay isinulat para sa alaala ng mga taong malapit sa kanya, na nagmamahal sa kanya." Ayon sa mga kontemporaryo, si Tropinin ay nagpinta ng humigit-kumulang 3,000 mga larawan. Kung ito man ay mahirap sabihin. Sa isa sa mga libro tungkol sa artist, mayroong isang listahan ng 212 tumpak na natukoy na mga tao na inilalarawan ni Tropinin. Marami rin siyang mga gawa na pinamagatang "Portrait of an Unknown (Unknown)". Ang mga dignitaryo ng estado, maharlika, mandirigma, negosyante, maliit na opisyal, serf, intelektwal, at mga pigura ng kulturang Ruso ay nag-pose para sa Tropinin. Kabilang sa mga ito: mananalaysay na si Karamzin, manunulat na si Zagoskin, kritiko ng sining na si Odoevsky, mga pintor na sina Bryullov at Aivazovsky, iskultor na si Vitali, arkitekto Gilyardi, kompositor na si Alyabyev, mga aktor na sina Shchepkin at Mo-chalov, manunulat ng dulang si Sukhovo-Kobylin.

Isa sa mga pinakamahusay na gawa ng Tropinin - isang larawan ng kanyang anak... Dapat kong sabihin na isa sa mga "tuklas" ng sining ng Russia noong ika-19 na siglo. may larawan ng isang bata. Sa Middle Ages, ang bata ay tiningnan bilang isang maliit na may sapat na gulang na hindi pa lumaki. Ang mga bata ay nakasuot pa ng mga damit na hindi naiiba sa mga matatanda: sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. ang mga batang babae ay nagsusuot ng masikip na korset at malalapad na palda na may mga igos. Sa simula lamang ng ika-19 na siglo. may nakita silang bata sa isang bata. Ang mga artista ay isa sa mga unang gumawa nito. Mayroong maraming pagiging simple at natural sa larawan ni Tropinin. Hindi nag-pose ang bata. Isang bagay na interesado, lumingon siya saglit: nakabuka ang kanyang bibig, nagniningning ang kanyang mga mata. Ang hitsura ng bata ay nakakagulat na kaakit-akit at patula. Ginintuang gusot ang buhok, isang bukas, parang bata na matambok na mukha, isang masiglang titig ng matatalinong mata. Madarama ng isang tao kung anong pagmamahal ang ipininta ng pintor ang larawan ng kanyang anak.

Dalawang beses na nagsulat ng self-portraits si Tropinin. Sa ibang araw, na may petsang 1846, ang artista ay 70 taong gulang. Inilarawan niya ang kanyang sarili na may isang palette at mga brush sa kanyang mga kamay, nakasandal sa isang drill - isang espesyal na stick na ginagamit ng mga pintor. Sa likod niya ay may maringal na panorama ng Kremlin. Sa kanyang kabataan, si Tropinin ay nagtataglay ng lakas ng kabayanihan at mabuting espiritu. Sa paghusga sa sariling larawan, napanatili niya ang lakas ng kanyang katawan kahit na sa katandaan. Ang bilog na mukha na may salamin ay nagpapakita ng magandang kalikasan. Namatay ang artista pagkalipas ng 10 taon, ngunit ang kanyang imahe ay nanatili sa memorya ng mga inapo - isang malaki, mabait na tao na nagpayaman sa sining ng Russia sa kanyang talento.

Natuklasan ni Venetsianov ang tema ng magsasaka sa pagpipinta ng Russia. Siya ang una sa mga Russian artist na nagpakita ng kagandahan ng kanyang katutubong kalikasan sa kanyang mga canvases. Sa Academy of Arts, hindi pinaboran ang genre ng landscape. Sinakop niya ang pinakamahalagang lugar sa penultimate, na nag-iiwan ng isang mas kasuklam-suklam - araw-araw na buhay. Ilang mga masters lamang ang nagpinta ng kalikasan, mas pinipili ang Italyano o haka-haka na mga tanawin.

Sa marami sa mga gawa ng Venetsian, ang kalikasan at tao ay hindi mapaghihiwalay. Ang mga ito ay konektado na kasing lapit ng magsasaka sa lupa at mga regalo nito. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa - "Haymaking", "Sa maaararong lupain. Spring", "Sa pag-aani. Tag-init" - ang artist ay lumilikha noong 1920s. Ito ang rurok ng kanyang pagkamalikhain. Walang sinuman sa sining ng Ruso ang nakapagpakita ng buhay ng mga magsasaka at ng gawain ng mga magsasaka na may tulad na pagmamahal at tula gaya ng Venetsianov. Sa pagpipinta na "Sa maaararong lupain. Spring" isang babae ang humahagod sa bukid. Ang mahirap, nakakapagod na gawaing ito ay mukhang napakaganda sa canvas ni Venetsianov: isang babaeng magsasaka sa isang eleganteng sarafan at kokoshnik. Sa kanyang magandang mukha at flexible na katawan, siya ay kahawig ng isang sinaunang diyosa. Nangunguna sa pamamagitan ng paningil ng dalawang masunuring kabayo na naka-harness sa suyod, hindi siya lumalakad, ngunit parang umaaligid sa ibabaw ng parang. Ang buhay sa paligid ay dumadaloy nang mahinahon, nasusukat, mapayapa. Ang mga bihirang puno ay nagiging berde, ang mga puting ulap ay lumulutang sa kalangitan, ang bukid ay tila walang katapusan, sa gilid kung saan nakaupo ang isang sanggol, naghihintay sa kanyang ina.

Ang pagpipinta na "In the Harvest. Summer" ay tila nagpapatuloy sa nauna. Ang ani ay hinog na, ang mga bukid ay patungo sa gintong pinaggapasan - ang panahon ng pag-aani ay dumating na. Sa harapan, habang isinasantabi ang isang karit, isang babaeng magsasaka ang nagpapasuso sa kanyang sanggol. Ang langit, ang bukid, ang mga taong nagtatrabaho dito ay hindi mapaghihiwalay para sa artista. Ngunit gayon pa man, ang pangunahing paksa ng kanyang atensyon ay palaging isang tao.

Venetsianov lumikha ng isang buong gallery ng mga larawan ng mga magsasaka. Ito ay bago para sa pagpipinta ng Russia. Noong siglo XVIII. ang mga tao mula sa mga tao, at higit pa sa mga serf, ay hindi gaanong interesado sa mga artista. Ayon sa mga kritiko ng sining, si Venetsianov ang una sa kasaysayan ng pagpipinta ng Russia na "angkop na sakupin at muling likhain ang uri ng katutubong Ruso." Ang "The Reapers", "The Girl with Cornflowers", "The Girl with the Calf", "The Sleeping Shepherd" ay magagandang larawan ng mga magsasaka na na-immortal ni Venetsianov. Ang mga larawan ng mga batang magsasaka ay nakakuha ng isang espesyal na lugar sa gawain ng artista. Gaano kahusay si "Zakharka" - malaking mata, matangos ang ilong, malaki ang labi na batang lalaki na may palakol sa kanyang balikat! Si Zakharka ay tila nagpapakilala ng isang masiglang kalikasan ng magsasaka, na sanay na magtrabaho mula pagkabata.

Si Alexey Gavrilovich ay nag-iwan ng isang magandang memorya ng kanyang sarili hindi lamang bilang isang artista, kundi pati na rin bilang isang natitirang guro. Sa panahon ng isa sa kanyang mga pagbisita sa St. Petersburg, kinuha niya ang isang baguhan na artista bilang kanyang baguhan, pagkatapos ay isa pa, isang pangatlo ... Kaya isang buong paaralan ng sining ang bumangon, na bumaba sa kasaysayan ng sining sa ilalim ng pangalan ng Venetian. Sa loob ng isang-kapat ng isang siglo, mga 70 mahuhusay na kabataang lalaki ang dumaan dito. Sinubukan ni Venetsianov na tubusin ang mga serf artist mula sa pagkabihag at labis siyang nag-aalala kung hindi ito magtagumpay. Ang pinaka-talino sa kanyang mga estudyante, si Grigory Soroka, ay hindi nakatanggap ng kanyang kalayaan mula sa kanyang may-ari ng lupa. Nabuhay siya upang makita ang pagpawi ng serfdom, ngunit, na hinimok sa kawalan ng pag-asa ng kapangyarihan ng dating may-ari, nagpakamatay.

Marami sa mga mag-aaral ni Venetsianov ang nakatira sa kanyang bahay, ganap na suportado. Naunawaan nila ang mga lihim ng pagpipinta ng Venetian: matatag na pagsunod sa mga batas ng pananaw, malapit na pansin sa kalikasan. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay maraming mga mahuhusay na master na nag-iwan ng kapansin-pansing marka sa sining ng Russia: Grigory Soroka, Alexey Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. "Venetsianovtsy" - buong pagmamahal na tinawag ang kanyang mga alagang hayop.

Kaya, maaari itong maitalo na sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo ay nagkaroon ng mabilis na pagtaas sa pag-unlad ng kultura ng Russia at sa panahong ito ay tinatawag na ginintuang edad ng pagpipinta ng Russia.

Ang mga artistang Ruso ay umabot sa antas ng kasanayan na naglagay ng kanilang mga gawa sa isang par sa pinakamahusay na mga halimbawa ng sining sa Europa.

Ang pagluwalhati sa mga kabayanihan ng mga tao, ang ideya ng kanilang espirituwal na paggising, pagkakalantad ng mga ulser ng pyudal na Russia - ito ang mga pangunahing tema ng pinong sining noong ika-19 na siglo.

Sa pagpipinta ng portrait, ang mga tampok ng romanticism - ang pagsasarili ng pagkatao ng tao, ang kanyang sariling katangian, kalayaan sa pagpapahayag ng mga damdamin - ay partikular na naiiba.

Maraming mga larawan ng mga pigura ng kulturang Ruso, larawan ng isang bata ang nalikha. Ang tema ng magsasaka, isang tanawin na nagpakita ng kagandahan ng katutubong kalikasan, ay nagiging sunod sa moda.

Ang pambansang konsolidasyon, na pinatindi ng makabayan na pagsulong ng Digmaang Patriotiko noong 1812, ay nagpakita ng sarili sa pagtaas ng interes sa sining at sa mas mataas na interes sa popular na buhay sa pangkalahatan. Ang katanyagan ng mga eksibisyon ng Academy of Arts ay lumalaki. Mula 1824 nagsimula silang gaganapin nang regular - tuwing tatlong taon. Nagsisimulang i-publish ang "The Journal of Fine Arts". Ang pagkolekta ay ginagawang mas kilala ang sarili nito. Bilang karagdagan sa museo sa Academy of Arts noong 1825, ang Russian Gallery ay nilikha sa Hermitage. Noong 1810s. Binuksan ang "Russian Museum" ni P. Svinin.

Ang tagumpay sa Digmaang Patriotiko noong 1812 ay nagsilbing isa sa mga dahilan para sa paglitaw ng isang bagong ideyal, na batay sa ideya ng isang independiyente, mapagmataas na personalidad, na nalulula sa malakas na mga hilig. Ang isang bagong istilo ay itinatag sa pagpipinta - romantisismo, na unti-unting pumalit sa klasisismo, na itinuturing na opisyal na istilo, kung saan nanaig ang mga tema ng relihiyon at mitolohiya.

Nasa unang bahagi ng mga pagpipinta ng K. L. Bryullov (1799-1852) "Italian noon", ang "Bathsheba" ay nagpakita hindi lamang ng husay at ningning ng imahinasyon ng artist, kundi pati na rin ang romantikong saloobin ng mundo. Ang pangunahing gawain ni KP Bryullov "Ang Huling Araw ng Pompeii" ay puno ng diwa ng historicism, ang pangunahing nilalaman nito ay hindi ang gawa ng isang indibidwal na bayani, ngunit ang trahedya na kapalaran ng isang masa ng mga tao. Ang larawang ito ay hindi direktang sumasalamin sa trahedya na kapaligiran ng despotismo ng rehimen ni Nicholas I, ito ay naging isang kaganapan sa pampublikong buhay ng estado.

Ang mga espesyalista sa pag-optimize ng website ay gumagana sa ilang dosenang mga parameter na naglalarawan sa bawat site. Alamin kung paano kinakalkula ang link ng spam kung magpasya kang makabisado ang mahirap na agham na ito.

Ang romantikismo ay nagpakita ng sarili sa pagpipinta ng portrait ni O. A. Kiprensky (1782-1836). Mula noong 1812, lumikha ang artista ng mga graphic na larawan ng mga kalahok sa Digmaang Patriotiko, na kanyang mga kaibigan. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng O. A. Kiprensky ay itinuturing na isang larawan ng A. S. Pushkin, nang makita kung saan isinulat ng mahusay na makata: "Nakikita ko ang aking sarili bilang isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin."

Ang mga tradisyon ng romantikismo ay binuo ng pintor ng dagat na si I.K. Aivazovsky (1817-1900). Ang mga gawa na muling likhain ang kadakilaan at kapangyarihan ng elemento ng dagat ("The Ninth Wave", "Black Sea") ay nagdala sa kanya ng pangkalahatang katanyagan. Inilaan niya ang maraming mga pagpipinta sa mga pagsasamantala ng mga mandaragat ng Russia ("Labanan ng Chesme", "Labanan ng Navarino"). Sa panahon ng Digmaang Crimean noong 1853-1856. sa kinubkob na Sevastopol, inayos niya ang isang eksibisyon ng kanyang mga painting sa labanan. Kasunod nito, sa batayan ng mga full-scale sketch, inilarawan din niya ang kabayanihan na pagtatanggol ng Sevastopol sa isang bilang ng mga kuwadro na gawa.

Ang V.A.Tropinin (1776-1857), na pinalaki sa sentimentalist na tradisyon noong huling bahagi ng ika-18 siglo, ay lubhang naimpluwensyahan ng bagong romantikong alon. Ang isang serf mismo sa nakaraan, ang artist ay lumikha ng isang gallery ng mga larawan ng mga artisan, tagapaglingkod at magsasaka, na nagbibigay sa kanila ng mga tampok ng espirituwal na maharlika ("The Lacemaker", "Beloshveika"). Ang mga detalye ng pang-araw-araw na buhay at mga aktibidad sa trabaho ay naglalapit sa mga larawang ito sa genre ng pagpipinta.