Romantisismo (French romantisme), isang ideolohikal at masining na kilusan sa kulturang Europeo at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ipinanganak bilang reaksyon sa rasyonalismo at mekanismo ng estetika ng klasisismo at pilosopiya ng Enlightenment, na itinatag sa panahon ng rebolusyonaryong pagkasira ng lumang kaayusan sa daigdig, sinalungat ng romantikismo ang utilitarianismo at ang pag-level ng indibidwal na may hangaring walang limitasyon. kalayaan at walang hanggan, ang pagkauhaw sa pagiging perpekto at pagpapanibago, ang kalunos-lunos ng personal at sibil na kalayaan.

Ang masakit na alitan sa pagitan ng ideal at realidad ay naging batayan ng romantikong pananaw sa mundo; ang likas na paggigiit nito ng pagpapahalaga sa sarili ng malikhain at espirituwal na buhay ng tao, ang paglalarawan ng malakas na mga hilig, ang espiritwalisasyon ng kalikasan, interes sa pambansang nakaraan, ang pagnanais para sa mga sintetikong anyo ng sining ay pinagsama sa mga motibo ng kalungkutan sa mundo, ang pagnanais na galugarin at muling likhain ang "anino", "gabi" na bahagi ng kaluluwa ng tao, na may sikat na "romantic irony", na nagbigay-daan sa mga romantiko na matapang na ihambing at itumbas ang mataas at mababa, ang trahedya at ang komiks, ang totoo at ang hindi kapani-paniwala. Ang pag-unlad sa maraming bansa, ang romantikismo sa lahat ng dako ay nakakuha ng isang maliwanag na pambansang pagkakakilanlan, dahil sa mga lokal na tradisyon at kundisyon sa kasaysayan.

Ang pinaka-pare-parehong romantikong paaralan na binuo sa Pransya, kung saan ang mga artista, na nagreporma sa sistema ng mga paraan ng pagpapahayag, na-dynamize ang komposisyon, pinagsama ang mga form na may isang marahas na kilusan, ginamit ang maliwanag na puspos na kulay at isang malawak, pangkalahatang estilo ng pagsulat (pagpinta ni T. Gericault, E . Delacroix, O. Daumier, plastic - P.J. David d "Angers, A.L. Bari, F. Ryd). Sa Germany at Austria, ang maagang romanticism ay nailalarawan sa pamamagitan ng malapit na atensyon sa lahat ng bagay na acutely indibidwal, melancholic-contemplative tonality ng figurative-emotional structure , mystical-pantheistic moods (portraits and allegorical compositions by F. O. Runge, landscapes by K. D. Friedrich and J. A. Koch), ang pagnanais na buhayin ang relihiyosong espiritu ng German at Italian painting noong ika-15 siglo (ang gawain ng mga Nazarene); ang sining ng Biedermeier (pagkamalikhain ni L. Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F.G. Waldmuller).

Sa UK, ang mga tanawin ng J. Constable at R. Bonington ay kilala para sa kanilang romantikong pagiging bago ng pagpipinta, ang mga gawa ni W. Turner, G.I. Fuseli, attachment sa kultura ng Middle Ages at ang Early Renaissance - ang gawain ng mga masters ng late Romantic Pre-Raphaelite movement (D.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris at iba pang mga artist). Sa maraming mga bansa sa Europa at Amerika, ang romantikong kilusan ay kinakatawan ng mga landscape (pinta nina J. Inness at A.P. Ryder sa USA), mga komposisyon sa mga tema ng katutubong buhay at kasaysayan (pagkamalikhain ni L. Galle sa Belgium, J. Manes sa Czech Republic, V. Madaras sa Hungary, P. Michalovsky at J. Matejko sa Poland at iba pang mga masters).

Ang makasaysayang kapalaran ng romantisismo ay kumplikado at hindi maliwanag. Ang ilan o iba pang mga romantikong uso ay minarkahan ang gawain ng mga pangunahing European masters noong ika-19 na siglo - ang mga artista ng paaralan ng Barbizon, K. Corot, G. Courbet, J.F. Millet, E. Manet sa France, A. von Menzel sa Germany at iba pang pintor. Kasabay nito, ang kumplikadong alegorismo, mga elemento ng mistisismo at pantasya, kung minsan ay likas sa romantikismo, ay natagpuan ang pagpapatuloy sa simbolismo, bahagyang sa sining ng post-impressionism at modernong istilo.

Ang sanggunian at talambuhay na data ng "Planet Small Bay Painting Gallery" ay inihanda batay sa mga materyales ng "History of Foreign Art" (na-edit ni M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva), "Art Encyclopedia of Foreign Classical Art", "Great Russian Encyclopedia".

Romantisismo.

Romantisismo (French romantisme), isang ideolohikal at masining na kilusan sa kulturang Europeo at Amerikano noong huling bahagi ng ika-18 - unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ipinanganak bilang reaksyon sa rasyonalismo at mekanismo ng aesthetics ng klasisismo at pilosopiya ng Enlightenment, na itinatag sa panahon ng rebolusyonaryong pagkasira ng pyudal na lipunan, ang dating, tila hindi natitinag na kaayusan ng mundo, romantikismo (kapwa bilang isang espesyal na uri ng pananaw sa mundo. at bilang isang artistikong direksyon) ay naging isa sa mga pinakamasalimuot at panloob na magkasalungat na penomena.sa kultural na kasaysayan. Ang pagkabigo sa mga mithiin ng Enlightenment, sa mga resulta ng Great French Revolution, ang pagtanggi sa utilitarianism ng modernong realidad, ang mga prinsipyo ng burges na praktikalidad, ang biktima kung saan ay ang indibidwalidad ng tao, isang pesimistikong pananaw sa mga prospect para sa panlipunang pag-unlad, ang pag-iisip ng "kalungkutan sa mundo" ay pinagsama sa romantikismo na may pagnanais para sa pagkakaisa sa kaayusan ng mundo, ang espirituwal na integridad ng indibidwal , na may pagkahilig patungo sa "walang hanggan", na may paghahanap para sa bago, ganap at walang kondisyon na mga mithiin. Ang matinding alitan sa pagitan ng mga mithiin at mapang-aping katotohanan ay nagbunsod sa isipan ng maraming romantiko ng isang masakit na fatalistic o galit na damdamin ng dalawang mundo, isang mapait na pangungutya sa pagkakaiba ng panaginip at katotohanan, na itinaas sa panitikan at sining sa prinsipyo ng "romantic irony". Ang isang uri ng pagtatanggol sa sarili laban sa lumalaking leveling ng personalidad ay ang pinakamalalim na interes na likas sa romantikismo sa pagkatao ng tao, na nauunawaan ng mga romantiko bilang isang pagkakaisa ng indibidwal na panlabas na katangian at natatanging panloob na nilalaman. Ang pagtagos sa kalaliman ng espirituwal na buhay ng isang tao, ang panitikan at sining ng romantikismo ay sabay na inilipat ang matinding pakiramdam na ito ng katangian, orihinal, natatangi sa mga tadhana ng mga bansa at mga tao, sa mismong makasaysayang katotohanan. Ang napakalaking pagbabago sa lipunan na naganap sa harap ng mga mata ng mga romantiko ay naging biswal na nakikita ang progresibong kurso ng kasaysayan. Sa pinakamahusay na mga gawa nito, ang romantikismo ay umaangat sa paglikha ng mga simboliko at kasabay ng mahahalagang imahe na konektado sa modernong kasaysayan. Ngunit ang mga imahe ng nakaraan, na iginuhit mula sa mitolohiya, sinaunang at medyebal na kasaysayan, ay kinakatawan ng maraming mga romantiko bilang salamin ng mga tunay na salungatan sa ating panahon.

Ang Romantisismo ang naging unang artistikong kalakaran kung saan malinaw na ipinakita ang kamalayan ng taong malikhain bilang paksa ng aktibidad ng sining. Ang mga romantiko ay hayagang nagpahayag ng tagumpay ng indibidwal na panlasa, kumpletong kalayaan ng pagkamalikhain. Ang pagbibigay ng mapagpasyang kahalagahan sa mismong malikhaing gawa, na sinisira ang mga hadlang na humadlang sa kalayaan ng artista, matapang nilang tinutumbasan ang mataas at mababa, ang trahedya at ang komiks, ang karaniwan at hindi karaniwan. Nakuha ng Romantisismo ang lahat ng larangan ng espirituwal na kultura: panitikan, musika, teatro, pilosopiya, aesthetics, philology at iba pang humanidades, plastic arts. Ngunit sa parehong oras, hindi na ito ang unibersal na istilo na ang klasiko. Hindi tulad ng huli, ang romantikismo ay halos walang mga anyo ng pagpapahayag ng estado (samakatuwid, hindi ito nakaapekto nang malaki sa arkitektura, na pangunahing naiimpluwensyahan ang arkitektura ng hardin at parke, maliit na arkitektura at ang direksyon ng tinatawag na pseudo-Gothic). Ang pagiging hindi gaanong istilo bilang isang kilusang panlipunang masining, ang romantikismo ay nagbukas ng daan para sa karagdagang pag-unlad ng sining noong ika-19 na siglo, na naganap hindi sa anyo ng mga komprehensibong istilo, ngunit sa anyo ng magkahiwalay na agos at direksyon. Gayundin, sa kauna-unahang pagkakataon sa romantikismo, ang wika ng mga artistikong anyo ay hindi ganap na naisip na muli: sa isang tiyak na lawak, ang mga estilistang pundasyon ng klasisismo ay napanatili, makabuluhang binago at muling inisip sa mga indibidwal na bansa (halimbawa, sa France). Kasabay nito, sa loob ng balangkas ng isang solong istilong direksyon, ang indibidwal na istilo ng artista ay nakatanggap ng higit na kalayaan sa pag-unlad.

Ang pag-unlad sa maraming bansa, ang romantikismo sa lahat ng dako ay nakakuha ng matingkad na pambansang pagkakakilanlan, dahil sa aktwal na makasaysayang mga kondisyon at pambansang tradisyon. Ang mga unang palatandaan ng romantisismo ay lumitaw nang halos sabay-sabay sa iba't ibang mga bansa. Sa pagtatapos ng ika-18 - simula ng ika-19 na siglo. ang mga tampok ng romantikismo ay likas na sa iba't ibang antas: sa Great Britain - sa mga kuwadro na gawa at mga graphic na gawa ng Swiss J. G. Fuseli, kung saan ang isang madilim, sopistikadong katawa-tawa ay sumisira sa klasiko na kalinawan ng mga imahe, at sa gawain ng makata at artist W. Blake, tiomak na may mystical visionary; sa Espanya - ang huli na mga gawa ni F. Goya, puno ng walang pigil na pantasya at trahedya, isang marubdob na protesta laban sa pambansang kahihiyan; sa France - ang mga kabayanihan at nabalisa na mga larawan ni J. L. David na nilikha sa mga rebolusyonaryong taon, ang maagang panahunan na mga dramatikong komposisyon at mga larawan ni A. J. Gros, ang mga gawa ni P. P. Prudhon na puno ng mapangarapin, medyo mataas na liriko, at salungat din na pinagsama ang mga romantikong tendensya sa mga pamamaraang pang-akademiko. sa mga gawa ni F. Gerard.

Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romantikismo ay binuo sa France sa panahon ng Pagpapanumbalik at ng Monarkiya ng Hulyo sa isang matigas na pakikibaka laban sa dogmatismo at abstract rationalism ng huli na akademikong klasisismo. Sa pagprotesta laban sa pang-aapi at reaksyon, maraming kinatawan ng French romanticism ang direkta o hindi direktang konektado sa mga panlipunang paggalaw ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. at madalas na bumangon sa tunay na rebolusyonismo, na nagpasiya sa mabisa, peryodistang katangian ng romantikismo sa France. Ang mga Pranses na artista ay nagre-reporma sa mga pictorial at nagpapahayag na paraan: dina-dinamize nila ang komposisyon, pinagsasama ang mga form na may mabilis na paggalaw, gumagamit ng maliliwanag na puspos na mga kulay batay sa mga kaibahan ng liwanag at anino, mainit at malamig na mga tono, gumamit sa isang kumikinang at magaan, madalas na pangkalahatang paraan ng pagpipinta. Sa gawain ng tagapagtatag ng romantikong paaralan, si T. Gericault, na nagpapanatili pa rin ng isang grabitasyon patungo sa pangkalahatan na mga kabayanihan na klasikong imahe, sa unang pagkakataon sa sining ng Pransya, isang protesta laban sa nakapaligid na katotohanan at isang pagnanais na tumugon sa mga pambihirang kaganapan ng ang ating panahon, na sa kanyang mga gawa ay naglalaman ng trahedya na kapalaran ng modernong France, ay ipinahayag. Noong 1820s Si E. Delacroix ang naging kinikilalang pinuno ng romantikong paaralan. Ang pakiramdam ng pag-aari sa mahusay na makasaysayang mga kaganapan na nagbabago sa mukha ng mundo, ang apela sa climactic, dramatic na mga tema ay nagdulot ng kalunos-lunos at dramatikong intensity ng kanyang pinakamahusay na mga gawa. Sa larawan, ang pangunahing bagay para sa mga romantiko ay ang pagkakakilanlan ng mga matingkad na karakter, ang pag-igting ng espirituwal na buhay, ang panandaliang paggalaw ng damdamin ng tao; sa tanawin - paghanga sa kapangyarihan ng kalikasan, na inspirasyon ng mga elemento ng uniberso. Para sa mga graphic ng French romanticism, ang paglikha ng mga bago, mass form sa lithography at book woodcuts (N. T. Charlet, A. Deveria, J. Gigoux, mamaya Granville, G. Dore) ay nagpapahiwatig. Ang mga romantikong tendensya ay likas din sa gawain ng pinakamalaking graphic artist na si O. Daumier, ngunit ipinakita nila ang kanilang sarili lalo na sa kanyang pagpipinta. Ang mga masters ng romantikong iskultura (P. J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Ryud) ay lumipat mula sa mahigpit na tectonic na komposisyon tungo sa isang libreng interpretasyon ng mga form, mula sa kawalang-sigla at kalmadong kadakilaan ng klasikong plasticity hanggang sa isang marahas na kilusan.

Sa mga gawa ng maraming mga romantikong Pranses, lumitaw din ang mga konserbatibong tendensya ng romantikismo (idealisasyon, indibidwalismo ng pang-unawa, nagiging kalunos-lunos na kawalan ng pag-asa, isang paghingi ng tawad para sa Middle Ages, atbp.), Na humantong sa relihiyosong epekto at bukas na pagluwalhati sa monarkiya ( E. Deveria, A. Schaeffer, atbp.) . Ang mga hiwalay na pormal na prinsipyo ng romantikismo ay malawakang ginagamit din ng mga kinatawan ng opisyal na sining, na eclectically pinagsama ang mga ito sa mga pamamaraan ng akademya (ang melodramatic historical paintings ni P. Delaroche, ang superficially spectacular ceremonial at battle works ni O. Vernet, E. Meissonier, at iba pa).

Ang makasaysayang kapalaran ng romantikismo sa France ay kumplikado at hindi maliwanag. Sa huling mga gawa ng mga pangunahing kinatawan nito, ang mga makatotohanang tendensya ay malinaw na ipinakita, na bahagyang naka-embed sa napaka-romantikong konsepto ng pagtitiyak ng tunay. Sa kabilang banda, ang unang bahagi ng gawain ng mga kinatawan ng realismo sa French art, C. Corot, ang mga masters ng Barbizon school, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet, ay nakuha sa iba't ibang antas ng romantikong mga uso. Ang mistisismo at kumplikadong alegorismo, kung minsan ay likas sa romantikismo, ay natagpuan ang pagpapatuloy sa simbolismo (G. Moreau at iba pa); ang ilang mga katangiang katangian ng aesthetics ng romantisismo ay muling lumitaw sa sining ng "moderno" at post-impressionism.

Ang mas kumplikado at kontrobersyal ay ang pag-unlad ng romantikismo sa Alemanya at Austria. Ang unang romantikong Aleman, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng malapit na pansin sa lahat ng bagay na lubos na indibidwal, mapanglaw-nagmumuni-muni na tono ng makasagisag-emosyonal na istraktura, mystical-pantheistic na mga mood, ay pangunahing nauugnay sa mga paghahanap sa larangan ng portraiture at allegorical na komposisyon (F. O. Runge), bilang pati na rin ang landscape (K (D. Friedrich, I. A. Kokh). Mga ideyang relihiyoso-patriyarkal, ang pagnanais na buhayin ang diwa ng relihiyon at mga tampok na istilo ng pagpipinta ng Italyano at Aleman noong ika-15 siglo. nagpalusog sa pagkamalikhain ng mga Nazareno (F. Overbeck, J. Schnorr von Karolsfeld, P. Cornelius at iba pa), na ang posisyon ay naging partikular na konserbatibo noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Para sa mga artista ng paaralan ng Düsseldorf, sa isang tiyak na lawak na malapit sa romantikismo, sila ay nailalarawan, bilang karagdagan sa pag-awit ng medieval idyll sa diwa ng modernong romantikong tula, sentimentalidad at nakakaaliw na balangkas. Ang isang uri ng pagsasanib ng mga prinsipyo ng Romantikismong Aleman, na kadalasang madaling makatula sa karaniwan at tiyak na "burgher" na realismo, ay ang gawain ng mga kinatawan ng Biedermeier (F. Waldmüller, I. P. Hasenklewer, F. Kruger), gayundin ni K. Blechen . Mula sa ikalawang ikatlong bahagi ng siglo XIX. ang linya ng romantikong Aleman ay nagpatuloy, sa isang banda, sa bonggang salon-academic na pagpipinta nina W. Kaulbach at K. Piloty, at sa kabilang banda, sa epiko at alegorikal na mga gawa ni L. Richter at genre-narrative, chamber -tunog na mga gawa ni K. Spitzweg at M. von Schwind. Ang mga romantikong aesthetics ay higit na tinutukoy ang pagbuo ng gawa ni A. von Menzel, kalaunan ang pinakamalaking kinatawan ng realismo ng Aleman noong ika-19 na siglo. Tulad ng sa France, late German romanticism (sa isang mas malaking lawak kaysa sa French, na hinihigop ang mga tampok ng naturalism, at pagkatapos ay "moderno") sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. sumali sa simbolismo (H. Thoma, F. von Stuck at M. Klinger, Swiss A. Böcklin).

sa Great Britain noong unang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo. ilang proximity sa French romanticism at sa parehong oras pagka-orihinal, isang binibigkas makatotohanang trend minarkahan ang mga landscape ng J. Constable at R. Bonington, romantikong fiction at ang paghahanap para sa mga sariwang nagpapahayag na paraan - ang mga landscape ng W. Turner. Ang relihiyoso at mistikong mga hangarin, kalakip sa kultura ng Middle Ages at Early Renaissance, pati na rin ang pag-asa para sa muling pagkabuhay ng gawaing handicraft, ay nakilala ang huli na Romantic Pre-Raphaelite movement (D. G. Rossetti, J. E. Milles, X. Hunt, E. Burne-Jones, atbp.) .

sa Estados Unidos sa buong ika-19 na siglo. ang romantikong direksyon ay pangunahing kinakatawan ng tanawin (T. Kohl, J. Inness, A. P. Ryder). Ang romantikong tanawin ay umunlad din sa ibang mga bansa, ngunit ang pangunahing nilalaman ng romantikismo sa mga bansang iyon sa Europa kung saan ang pambansang kamalayan sa sarili ay nagising ay ang interes sa lokal na kultural at artistikong pamana, mga tema ng katutubong buhay, pambansang kasaysayan at pakikibaka sa pagpapalaya. Ganyan ang gawain ni G. Wappers, L. Galle, X. Leys at A. Wirtz sa Belgium, F. Ayes, D. at J. Induno, J. Carnevali at D. Morelli sa Italy, D. A. Siqueira sa Portugal, mga kinatawan costumbrism sa Latin America, I. Manes at I. Navratil sa Czech Republic, M. Barabash at V. Madaras sa Hungary, A. O. Orlovsky, P. Michalovsky, X. Rodakovsky at ang yumaong romantikong J. Matejko sa Poland. Ang pambansang romantikong kilusan sa mga bansang Slavic, Scandinavia, at Baltics ay nag-ambag sa pagbuo at pagpapalakas ng mga lokal na paaralan ng sining.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang antas sa gawain ng maraming mga masters - sa pagpipinta at mga graphic ni A. O. Orlovsky, na lumipat sa St. Petersburg, sa mga larawan ng O. A. Kiprensky, at, sa ilang mga lawak, V. A. Tropinin. Ang Romantisismo ay may malaking impluwensya sa pagbuo ng tanawin ng Russia (ang gawain ni Sylv. F. Shchedrin, Vorobyov M. N., M. I. Lebedev; mga gawa ng batang I. K. Aivazovsky). Ang mga tampok ng romantikismo ay hindi pantay na pinagsama sa klasisismo sa mga gawa ni K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoy; sa parehong oras, ang mga larawan ni Bryullov ay nagbibigay ng isa sa mga pinaka matingkad na pagpapahayag ng mga prinsipyo ng romantikismo sa sining ng Russia. Sa isang tiyak na lawak, naapektuhan ng romanticism ang pagpipinta ng P. A. Fedotov at A. A. Ivanov.

Romantisismo sa Arkitektura.

Isa sa mga pinakadakilang kaganapan sa kasaysayan ng mundo - Malaki pranses rebolusyon- naging isang nakamamatay na sandali hindi lamang sa pampulitika, kundi pati na rin sa buhay kultural ng buong mundo. Sa pagtatapos ng ika-18 - ang unang kalahati ng ika-19 na siglo sa Amerika at Europa, ang romantikismo ang naging nangingibabaw na istilo ng estilista sa sining.

Nagtapos ang Panahon ng Enlightenment sa Great Bourgeois Revolution. Kasabay nito, nawala ang pakiramdam ng katatagan, kaayusan at kalmado. Ang bagong ipinahayag na mga ideya ng kapatiran, pagkakapantay-pantay at kalayaan ay nagtanim ng walang hanggan na optimismo at pananampalataya sa hinaharap, at tulad ng isang matalim na kaguluhan - takot at isang pakiramdam ng kawalan ng kapanatagan. Ang nakaraan ay tila nagliligtas na isla kung saan naghari ang kabutihan, kagandahang-asal, katapatan, at higit sa lahat, ang pagiging matatag. Kaya, sa ideyalisasyon ng nakaraan at paghahanap ng lugar ng isang tao sa malawak na mundo, ipinanganak ang romantikismo.

Ang pamumulaklak ng romantikismo sa arkitektura ay nauugnay sa paggamit ng mga bagong disenyo, pamamaraan at materyales sa gusali. Lumilitaw ang iba't ibang istruktura ng metal, itinayo ang mga tulay. Ang mga teknolohiya para sa murang produksyon ng bakal at bakal ay binuo.

Itinatanggi ng Romantisismo ang pagiging simple ng mga anyo ng arkitektura, na nag-aalok sa halip ng pagkakaiba-iba, kalayaan at kumplikadong mga silhouette. Nawawala ang pinakamahalagang kahalagahan ng simetrya.

Ginawa ng istilo ang pinakamayamang layer ng kultura ng mga dayuhang bansa, na sa loob ng mahabang panahon ay malayo sa mga Europeo. Hindi lamang sinaunang Griyego at Romanong arkitektura, kundi pati na rin ang iba pang mga kultura ay kinikilala bilang mahalaga. Ang arkitektura ng Gothic ay nagiging batayan ng romantikismo. Ang partikular na pansin ay binabayaran sa oriental na arkitektura. May kamalayan sa pangangailangang protektahan at buhayin ang mga monumento ng kultura ng mga nakaraang panahon.

Ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglabo ng mga hangganan sa pagitan ng natural at artipisyal: ang mga parke, artipisyal na reservoir at talon ay idinisenyo. Ang mga gusali ay napapalibutan ng mga arko, gazebos, mga imitasyon ng mga sinaunang tore. Mas pinipili ng Romantisismo ang mga kulay ng pastel.

Itinatanggi ng Romantisismo ang mga tuntunin at kanon; wala itong mahigpit na bawal o mahigpit na obligadong elemento. Ang pangunahing pamantayan ay kalayaan sa pagpapahayag, pagtaas ng pansin sa pagkatao ng tao, pagiging malikhain.

Sa isang modernong interior, ang romanticism ay nauunawaan bilang isang apela sa mga form ng folklore at natural na materyales - forging, ligaw na bato, hindi tinabas na kahoy, gayunpaman, ang gayong stylization ay walang kinalaman sa direksyon ng arkitektura ng pagliko ng ika-18 - ika-19 na siglo.

Romantisismo sa Pagpinta.

Kung ang France ang ninuno ng klasisismo, kung gayon "upang mahanap ang mga ugat ... ng romantikong paaralan," isinulat ng isa sa kanyang mga kontemporaryo, "dapat tayong pumunta sa Alemanya. Siya ay ipinanganak doon, at doon nabuo ng mga modernong Italyano at Pranses na romantiko ang kanilang mga panlasa.

Hindi alam ng Fragmented Germany ang rebolusyonaryong pag-aalsa. Marami sa mga romantikong Aleman ay dayuhan sa mga pathos ng mga advanced na ideya sa lipunan. Ginawa nila ang Middle Ages. Sumuko sila sa hindi masasabing espirituwal na mga impulses, pinag-usapan ang pag-abandona sa buhay ng tao. Ang sining ng marami sa kanila ay passive at contemplative. Nilikha nila ang kanilang pinakamahusay na mga gawa sa larangan ng portrait at landscape painting.

Siya ay isang natatanging pintor ng portrait Otto Runge(1777-1810). Ang mga larawan ng master na ito, na may panlabas na kalmado, ay humanga sa isang matindi at matinding panloob na buhay.

Ang imahe ng romantikong makata ay nakita ni Runge sa " sariling larawan". Maingat niyang sinuri ang sarili at nakita ang isang maitim na buhok, maitim ang mata, seryoso, puno ng lakas, maalalahanin at malakas ang loob na binata. Gustong makilala ng romantikong artista ang kanyang sarili. Ang paraan ng pagsasagawa ng larawan ay mabilis at malawak, na para bang ang espirituwal na enerhiya ng lumikha ay dapat na naihatid na sa texture ng akda; sa isang madilim na makulay na hanay, lumilitaw ang mga kaibahan ng liwanag at dilim. Ang contrast ay isang katangian na nakalarawan na pamamaraan ng mga romantikong masters.

Upang mahuli ang nababagong paglalaro ng mood ng isang tao, upang tingnan ang kanyang kaluluwa, palaging susubukan ng isang artista ng isang romantikong bodega. At sa bagay na ito, ang mga larawan ng mga bata ay magsisilbing matabang materyal para sa kanya. SA " Larawan mga bata Huelsenbeck” (1805) Ang Runge ay hindi lamang naghahatid ng kasiglahan at kamadalian ng karakter ng isang bata, ngunit nakakahanap din ng isang espesyal na pagtanggap para sa isang maliwanag na kalooban. Ang background sa larawan ay isang landscape, na nagpapatotoo hindi lamang sa coloristic na regalo ng artist, hinahangaan ang saloobin sa kalikasan, kundi pati na rin sa paglitaw ng mga bagong problema sa mahusay na pagpaparami ng mga spatial na relasyon, mga light shade ng mga bagay sa open air. Ang isang master romantic, na nagnanais na pagsamahin ang kanyang "I" sa mga kalawakan ng Uniberso, ay nagsisikap na makuha ang senswal na nasasalat na anyo ng kalikasan. Ngunit sa ganitong kahalayan ng imahe, mas gusto niyang makita ang simbolo ng malaking mundo, "ang ideya ng artista."

Si Runge, isa sa mga unang Romantikong artista, ay nagtakda sa kanyang sarili ng gawain ng pag-synthesize ng mga sining: pagpipinta, eskultura, arkitektura, musika. Ang artista ay nagpapantasya, na nagpapatibay sa kanyang pilosopikal na konsepto sa mga ideya ng sikat na German thinker noong unang kalahati ng ika-17 siglo. Jacob Boehme. Ang mundo ay isang uri ng mystical na kabuuan, ang bawat butil nito ay nagpapahayag ng kabuuan. Ang ideyang ito ay nauugnay sa mga romantiko ng buong kontinente ng Europa.

Isa pang kilalang German Romantic na pintor Caspar David Friedrich(1774-1840) ginustong tanawin sa lahat ng iba pang mga genre at ipininta sa buong buhay niya ang mga larawan lamang ng kalikasan. Ang pangunahing motibo ng gawain ni Friedrich ay ang ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan.

"Makinig sa tinig ng kalikasan na nagsasalita sa loob natin," ang tagubilin ng artista sa kanyang mga estudyante. Ang panloob na mundo ng isang tao ay nagpapakilala sa kawalang-hanggan ng Uniberso, samakatuwid, nang marinig ang kanyang sarili, naiintindihan ng isang tao ang espirituwal na kalaliman ng mundo.

Tinutukoy ng posisyon ng pakikinig ang pangunahing anyo ng "komunikasyon" ng isang tao na may kalikasan at imahe nito. Ito ang kadakilaan, misteryo o kaliwanagan ng kalikasan at ang mulat na kalagayan ng nagmamasid. Totoo, madalas na hindi pinapayagan ni Friedrich ang figure na "pumasok" sa landscape space ng kanyang mga kuwadro na gawa, ngunit sa banayad na pagtagos ng makasagisag na istraktura ng mga nababagsak na expanses, ang pagkakaroon ng isang pakiramdam, ang karanasan ng isang tao ay nararamdaman. Ang subjectivism sa paglalarawan ng landscape ay dumarating lamang sa sining sa gawa ng Romantics, na naglalarawan sa liriko na paghahayag ng kalikasan ng mga masters ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Napansin ng mga mananaliksik sa mga gawa ni Friedrich ang "pagpapalawak ng repertoire" ng mga motif ng landscape. Interesado ang may-akda sa dagat, bundok, kagubatan at iba't ibang lilim ng estado ng kalikasan sa iba't ibang oras ng taon at araw.

1811-1812 minarkahan ng paglikha ng isang serye ng mga landscape ng bundok bilang isang resulta ng paglalakbay ng artist sa mga bundok. ” Umaga sa mga bundok” kaakit-akit na kumakatawan sa isang bagong natural na katotohanan, ipinanganak sa sinag ng pagsikat ng araw. Ang pinkish-purple tones ay bumabalot at nag-aalis sa kanila ng lakas ng tunog at materyal na gravity. Ang mga taon ng pakikipaglaban kay Napoleon (1812-1813) ay naging si Friedrich sa mga makabayang tema. Naglalarawan, na inspirasyon ng drama ni Kleist, nagsusulat siya “ Libingan Arminia” - isang tanawin na may mga libingan ng mga sinaunang Aleman na bayani.

Si Friedrich ay isang banayad na master ng seascapes: “ Mga edad” , “ pagsikat ng araw buwan sa itaas sa pamamagitan ng dagat” , ” Sentensiya “ pag-asa” sa yelo” .

Ang huling mga gawa ng artist - “ Pagpapahinga sa patlang” , “ malaki latian” at “ Alaala tungkol sa napakalaki mga bundok” , ” napakalaki mga bundok” - isang serye ng mga hanay ng bundok at mga bato sa isang madilim na harapan. Ito, tila, ay isang pagbabalik sa nakaranas na pakiramdam ng tagumpay ng isang tao sa kanyang sarili, ang kagalakan ng pag-akyat sa "tuktok ng mundo", ang pagnanais para sa maliwanag na hindi nasakop na mga taas. Ang mga damdamin ng artist sa isang espesyal na paraan ay bumubuo ng mga masa ng bundok na ito, at muli ang paggalaw mula sa kadiliman ng mga unang hakbang patungo sa hinaharap na liwanag ay binasa. Ang tuktok ng bundok sa background ay naka-highlight bilang sentro ng espirituwal na adhikain ng master. Ang larawan ay napaka-ugnay, tulad ng anumang gawain ng mga romantiko, at nagsasangkot ng iba't ibang antas ng pagbabasa at interpretasyon.

Napakatumpak ni Friedrich sa pagguhit, magkatugma sa musika sa maindayog na pagtatayo ng kanyang mga kuwadro na gawa, kung saan sinusubukan niyang magsalita sa pamamagitan ng mga emosyon ng kulay at mga light effect. “Marami ang binibigyan ng kaunti, kakaunti ang binibigyan ng marami. Ang bawat tao'y nagbubukas ng kaluluwa ng kalikasan sa ibang paraan. Samakatuwid, walang sinumang maglalakas-loob na ilipat ang kanyang karanasan at ang kanyang mga tuntunin sa iba bilang isang umiiral na walang kondisyong batas. Walang sinuman ang sukatan ng lahat. Ang bawat tao'y nagdadala sa loob ng kanyang sarili ng isang sukatan lamang para sa kanyang sarili at para sa mga kalikasan na higit pa o hindi gaanong kamag-anak sa kanyang sarili, "ang pagmuni-muni na ito ng panginoon ay nagpapatunay ng kamangha-manghang integridad ng kanyang panloob na buhay at pagkamalikhain. Ang pagiging natatangi ng artista ay makikita lamang sa kalayaan ng kanyang trabaho - ang romantikong si Friedrich ay naninindigan dito.

Ang mas pormal ay tila ang paghiwalay sa mga artista - "mga klasiko" - mga kinatawan ng klasisismo ng isa pang sangay ng romantikong pagpipinta sa Alemanya - Nazareno. Itinatag sa Vienna at nanirahan sa Roma (1809-1810), ang "Union of St. Luke" ay pinagsama ang mga masters sa ideya ng muling pagbuhay sa monumental na sining ng mga isyu sa relihiyon. Ang Middle Ages ay isang paboritong panahon ng kasaysayan para sa Romantics. Ngunit sa kanilang masining na paghahanap, ang mga Nazarene ay bumaling sa mga tradisyon ng maagang pagpipinta ng Renaissance sa Italya at Alemanya. Sina Overbeck at Geforr ang mga nagpasimula ng isang bagong alyansa, na kalaunan ay sinamahan nina Cornelius, Schnoff von Karolsfeld, Veit Fürich.

Ang kilusan ng mga Nazareno ay tumutugma sa kanilang sariling mga anyo ng pagsalungat sa mga klasikong akademya sa France, Italy, at England. Halimbawa, sa France, ang tinatawag na "primitive" na mga artista ay lumitaw mula sa pagawaan ni David, at sa England, ang Pre-Raphaelites. Sa diwa ng romantikong tradisyon, itinuring nila ang sining bilang "pagpapahayag ng mga panahon", ang "espiritu ng mga tao", ngunit ang kanilang mga pampakay o pormal na kagustuhan, na sa una ay tila isang slogan ng pag-iisa, pagkaraan ng ilang sandali ay lumiko. sa parehong mga prinsipyo ng doktrina tulad ng sa Academy, na kanilang tinanggihan.

Ang sining ng romantikismo sa France ay nabuo sa mga espesyal na paraan. Ang unang bagay na ikinaiba nito sa mga katulad na kilusan sa ibang mga bansa ay ang aktibo, nakakasakit ("rebolusyonaryo") na karakter nito. Ang mga makata, manunulat, musikero, artista ay ipinagtanggol ang kanilang mga posisyon hindi lamang sa pamamagitan ng paglikha ng mga bagong gawa, kundi pati na rin sa pamamagitan ng pakikilahok sa kontrobersya sa magasin at pahayagan, na kung saan ay nailalarawan ng mga mananaliksik bilang isang "romantikong labanan". Ang sikat na V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz at marami pang ibang Pranses na manunulat, kompositor at mamamahayag ay "naghasa ng kanilang mga balahibo" sa romantikong kontrobersya.

Ang romantikong pagpipinta sa France ay lumitaw bilang isang pagsalungat sa klasikong paaralan ni David, akademikong sining, na tinutukoy bilang "paaralan" sa pangkalahatan. Ngunit dapat itong maunawaan sa mas malawak na kahulugan: ito ay oposisyon sa opisyal na ideolohiya ng reaksyunaryong panahon, isang protesta laban sa mga limitasyon ng petiburges nito. Kaya't ang kalunus-lunos na katangian ng mga romantikong gawa, ang kanilang kinakabahang kaguluhan, pagkahumaling sa mga kakaibang motif, sa mga makasaysayang at pampanitikan na mga balangkas, sa lahat ng bagay na maaaring umakay sa "dilim na pang-araw-araw na buhay", kaya ang larong ito ng imahinasyon, at kung minsan, sa kabaligtaran, dreaminess at isang kumpletong kakulangan ng aktibidad.

Ang mga kinatawan ng "paaralan", ang mga akademiko, ay nagrebelde, una sa lahat, laban sa wika ng mga romantiko: ang kanilang nasasabik na mainit na kulay, ang kanilang pagmomodelo ng anyo, hindi ang pamilyar sa "klasiko", statuary-plastic, ngunit binuo sa malakas na kaibahan ng mga spot ng kulay; ang kanilang nagpapahayag na pagguhit, sadyang tinatanggihan na maging tumpak; ang kanilang matapang, kung minsan ay magulong komposisyon, walang kamahalan at hindi matitinag na kalmado. Si Ingres, ang walang kapantay na kaaway ng mga romantiko, hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay nagsabi na si Delacroix ay "nagsusulat gamit ang isang baliw na walis", at inakusahan ni Delacroix si Ingres at ang lahat ng mga artista ng "paaralan" ng kalamigan, katwiran, kawalan ng paggalaw, na sila huwag sumulat, ngunit "pintura" ang kanilang mga kuwadro na gawa. Ngunit ito ay hindi isang simpleng pag-aaway ng dalawang maliwanag, ganap na magkaibang personalidad, ito ay isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang magkaibang artistikong pananaw sa mundo.

Ang pakikibaka na ito ay tumagal ng halos kalahating siglo, ang romantikismo sa sining ay hindi nagwagi nang madali at hindi kaagad, at ang unang artist ng kalakaran na ito ay Theodore géricault(1791-1824) - isang master ng heroic monumental forms, na pinagsama sa kanyang trabaho ang parehong classicistic features at features ng romanticism mismo, at, sa wakas, isang malakas na makatotohanang simula, na may malaking epekto sa sining ng realismo sa gitna ng ika-19 na siglo. Ngunit sa panahon ng kanyang buhay ay pinahahalagahan lamang siya ng ilang malalapit na kaibigan.

Ang pangalan ni Theodore Zhariko ay nauugnay sa mga unang makikinang na tagumpay ng romantikismo. Nasa kanyang mga unang pagpipinta (mga larawan ng militar, mga larawan ng mga kabayo), ang mga sinaunang mithiin ay umatras bago ang direktang pang-unawa ng buhay.

Sa salon noong 1812, ipinakita ni Géricault ang isang larawan “ Opisyal imperyal mangangabayo mga tanod sa oras mga pag-atake”. Ito ang taon ng apogee ng kaluwalhatian ni Napoleon at ng kapangyarihang militar ng France.

Ang komposisyon ng larawan ay nagpapakita ng nakasakay sa isang hindi pangkaraniwang pananaw ng "biglaang" sandali kapag ang kabayo ay umayos, at ang nakasakay, na humahawak sa halos patayong posisyon ng kabayo, ay lumingon sa manonood. Ang imahe ng gayong sandali ng kawalang-tatag, ang imposibilidad ng pustura ay nagpapabuti sa epekto ng paggalaw. Ang kabayo ay may isang punto ng suporta, dapat itong mahulog sa lupa, turnilyo sa paglaban na nagdala nito sa ganoong estado. Karamihan sa gawaing ito: ang walang pasubali na pananalig ni Gericault sa posibilidad na ang isang tao ay nagmamay-ari ng kanyang sariling mga kapangyarihan, isang marubdob na pag-ibig para sa paglalarawan ng mga kabayo at ang tapang ng isang baguhang master sa pagpapakita kung ano ang tanging musika o wika ng tula ang maaaring ihatid noon - ang kaguluhan ng isang labanan, ang simula ng isang pag-atake, ang pinakahuling pilay ng isang buhay na nilalang . Itinayo ng batang may-akda ang kanyang imahe sa paghahatid ng dynamics ng paggalaw, at mahalaga para sa kanya na itakda ang manonood na "hulaan" kung ano ang gusto niyang ilarawan.

Ang mga tradisyon ng gayong dinamika ng nakalarawan na salaysay ng pag-iibigan sa France ay halos hindi umiiral, maliban marahil sa mga kaluwagan ng mga templo ng Gothic, dahil noong unang dumating si Gericault sa Italya, nabigla siya sa nakatagong kapangyarihan ng mga komposisyon ni Michelangelo. "Nanginig ako," ang isinulat niya, "nag-alinlangan ako sa aking sarili at sa mahabang panahon ay hindi ako nakabawi mula sa karanasang ito." Ngunit itinuro ni Stendhal si Michelangelo bilang nangunguna sa isang bagong istilo ng istilo sa sining kahit na mas maaga sa kanyang mga artikulong polemikal.

Ang pagpipinta ni Gericault ay inihayag hindi lamang ang pagsilang ng isang bagong artistikong talento, ngunit nagbigay din ng parangal sa pagnanasa at pagkabigo ng may-akda sa mga ideya ni Napoleon. Mayroong ilang iba pang mga gawa na nauugnay sa paksang ito: Opisyal carabinieri”, “ Opisyal cuirassier dati atake”, “ Larawan carabinieri”, “ Nasugatan cuirassier”.

Sa treatise na "Reflection on the state of painting in France", isinulat niya na "ang karangyaan at ang sining ay naging ... isang pangangailangan at, kumbaga, pagkain para sa imahinasyon, na siyang pangalawang buhay ng isang sibilisadong tao . .. Hindi bilang isang bagay ng pangunahing pangangailangan, ang sining ay lilitaw lamang kapag ang mga mahahalagang pangangailangan ay natutugunan at kapag ang kasaganaan ay dumating. Ang isang tao, na napalaya mula sa pang-araw-araw na pag-aalala, ay nagsimulang maghanap ng kasiyahan upang maalis ang pagkabagot, na hindi maiiwasang maabutan siya sa gitna ng kasiyahan.

Ang ganitong pag-unawa sa pang-edukasyon at humanistic na papel ng sining ay ipinakita ni Gericault pagkatapos bumalik mula sa Italya noong 1818 - nagsimula siyang makisali sa litograpiya, na kinokopya ang iba't ibang mga paksa, kabilang ang pagkatalo ni Napoleon ( “ Bumalik mula sa Russia” ).

Kasabay nito, ang artista ay lumiliko sa imahe ng pagkamatay ng frigate na "Medusa" sa baybayin ng Africa, na labis na nabalisa sa lipunan. Ang sakuna ay naganap sa pamamagitan ng kasalanan ng isang walang karanasan na kapitan, na itinalaga sa post na nasa ilalim ng patronage. Ang mga nakaligtas na pasahero ng barko, ang surgeon na si Savigny at ang engineer na si Correar, ay nagsalita nang detalyado tungkol sa aksidente.

Nagawa ng naghihingalong barko na itapon ang balsa, kung saan nakuha ng isang dakot ng mga nailigtas na tao. Sa loob ng labindalawang araw ay dinala sila sa nagngangalit na dagat, hanggang sa matugunan nila ang kaligtasan - ang barkong "Argus".

Interesado si Gericault sa sitwasyon ng sukdulang pag-igting ng espirituwal at pisikal na lakas ng tao. Ang pagpipinta ay naglalarawan ng 15 nakaligtas na pasahero sa isang balsa nang makita nila ang Argus sa abot-tanaw. “ Balsa “ dikya” ay ang resulta ng isang mahabang gawaing paghahanda ng artist. Gumawa siya ng maraming sketch ng rumaragasang dagat, mga larawan ng mga nasagip na tao sa ospital. Sa una, nais ni Gericault na ipakita ang pakikibaka ng mga tao sa isang balsa sa bawat isa, ngunit pagkatapos ay nanirahan siya sa kabayanihan na pag-uugali ng mga nanalo ng elemento ng dagat at kapabayaan ng estado. Matapang na tiniis ng mga tao ang kasawian, at hindi sila iniwan ng pag-asa ng kaligtasan: bawat grupo sa balsa ay may sariling katangian. Sa pagtatayo ng komposisyon, pinipili ni Gericault ang isang punto ng view mula sa itaas, na nagpapahintulot sa kanya na pagsamahin ang malawak na saklaw ng espasyo (mga distansya ng dagat) at ilarawan, na dinadala ang lahat ng mga naninirahan sa balsa na napakalapit sa harapan. Ang kalinawan ng ritmo ng paglago ng dynamics mula sa grupo hanggang sa grupo, ang kagandahan ng mga hubad na katawan, ang madilim na kulay ng larawan ay nagtatakda ng isang tiyak na tala ng conventionality ng imahe. Ngunit hindi ito ang punto para sa nakikitang manonood, kung kanino ang pagiging kumbensyonal ng wika ay nakakatulong upang maunawaan at madama ang pangunahing bagay: ang kakayahan ng isang tao na lumaban at manalo.

Ang inobasyon ni Géricault ay nagbukas ng mga bagong pagkakataon para ihatid ang kilusang nag-aalala sa mga romantiko, ang pinagbabatayan na damdamin ng isang tao, ang coloristic textural expressiveness ng larawan.

Ang tagapagmana ni Géricault sa kanyang paghahanap ay Eugene Delacroix. Totoo, si Delacroix ay pinahintulutan ng dalawang beses sa haba ng kanyang buhay, at pinamamahalaan niya hindi lamang upang patunayan ang kawastuhan ng romantikismo, kundi pati na rin upang pagpalain ang bagong direksyon sa pagpipinta ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. - impresyonismo.

Bago magsimulang magsulat sa kanyang sarili, nag-aral si Eugene sa paaralan ng Lerain: nagpinta siya mula sa buhay, kinopya ang mahusay na Rubens, Rembrandt, Veronese, Titian sa Louvre ... Ang batang artista ay nagtrabaho ng 10-12 oras sa isang araw. Naalala niya ang mga salita ng dakilang Michelangelo: "Ang pagpipinta ay isang naninibugho na ginang, hinihingi nito ang buong tao ..."

Si Delacroix, pagkatapos ng mga pagtatanghal ng demonstrasyon ni Géricault, ay alam na alam na ang panahon ng matinding emosyonal na kaguluhan ay dumating sa sining. Una, sinisikap niyang unawain ang isang bagong panahon para sa kanya sa pamamagitan ng mga kilalang literary plot. Ang kanyang pagpipinta “ Dante at Virgil” , na ipinakita sa salon ng 1822, ay isang pagtatangka sa pamamagitan ng mga makasaysayang nag-uugnay na mga imahe ng dalawang makata: sinaunang panahon - Virgil at Renaissance - Dante - upang tumingin sa isang kumukulong kaldero, ang "impiyerno" ng modernong panahon. Minsan sa kanyang "Divine Comedy" kinuha ni Dante ang lupain ni Virgil bilang isang escort sa lahat ng larangan (langit, impiyerno, purgatoryo). Sa akda ni Dante, isang bagong renaissance na mundo ang lumitaw sa pamamagitan ng karanasan sa memorya ng sinaunang panahon sa Middle Ages. Ang simbolo ng romantikong bilang isang synthesis ng sinaunang panahon, ang Renaissance at ang Middle Ages ay lumitaw sa "katakutan" ng mga pangitain nina Dante at Virgil. Ngunit ang kumplikadong pilosopikal na alegorya ay naging isang magandang emosyonal na paglalarawan ng panahon ng pre-Renaissance at isang walang kamatayang obra maestra sa panitikan.

Si Delacroix ay susubukan na makahanap ng isang direktang tugon sa mga puso ng kanyang mga kontemporaryo sa pamamagitan ng kanyang sariling dalamhati. Ang mga kabataan noong panahong iyon, na nag-aapoy sa kalayaan at pagkamuhi sa mga mapang-api, ay nakikiramay sa digmaang pagpapalaya ng Greece. Ang romantikong bard ng England, si Byron, ay pupunta doon upang makipaglaban. Nakikita ni Delacroix ang kahulugan ng bagong panahon sa paglalarawan ng isang mas tiyak na makasaysayang kaganapan - ang pakikibaka at pagdurusa ng Greece na mapagmahal sa kalayaan. Naninirahan siya sa balangkas ng pagkamatay ng populasyon ng isla ng Chios ng Greece, na nakuha ng mga Turko. Sa Salon ng 1824, ipinakita ni Delacroix ang isang pagpipinta “ Massacre sa isla Chiose”. Laban sa background ng walang katapusang kalawakan ng maburol na lupain, na sumisigaw pa rin mula sa usok ng apoy at walang tigil na labanan, ipinakita ng artista ang ilang grupo ng mga sugatan, pagod na mga kababaihan at mga bata. Nagkaroon sila ng mga huling minuto ng kalayaan bago ang paglapit ng mga kaaway. Ang Turk sa isang nagpapalaki na kabayo sa kanan ay tila nakabitin sa buong harapan at ang karamihan ng mga nagdurusa na naroroon. Magagandang katawan, mukha ng mga binihag na tao. Sa pamamagitan ng paraan, isusulat ni Delacroix sa ibang pagkakataon na ang Greek sculpture ay ginawa ng mga artista sa mga hieroglyph na nagtago sa tunay na kagandahan ng Griyego ng mukha at pigura. Ngunit, inilalantad ang "kagandahan ng kaluluwa" sa mga mukha ng natalong mga Griyego, ang pintor ay nagsadula ng mga kaganapan nang labis na upang mapanatili ang isang solong dinamikong bilis ng pag-igting, napupunta siya sa pagpapapangit ng mga anggulo ng mga pigura. Ang mga "pagkakamali" na ito ay "nalutas" na ng gawa ni Gericault, ngunit muling ipinakita ni Delacroix ang romantikong paniniwala na ang pagpipinta ay "hindi ang katotohanan ng isang sitwasyon, ngunit ang katotohanan ng isang pakiramdam."

Noong 1824, nawalan ng kaibigan at guro si Delacroix, si Géricault. At siya ang naging pinuno ng bagong pagpipinta.

Lumipas ang mga taon. Isa-isang lumabas ang mga larawan: “ Greece sa mga guho Missalungi”, “ Kamatayan Sardanapal” at iba pa.Ang pintor ay naging outcast sa mga bilog ng mga pintor. Ngunit binago ng Rebolusyong Hulyo ng 1830 ang sitwasyon. Pinasisigla niya ang artista sa pagmamahalan ng mga tagumpay at tagumpay. Nagpapicture siya “ kalayaan sa mga barikada”.

Noong 1831, sa Paris Salon, unang nakita ng mga Pranses ang pagpipinta na ito, na nakatuon sa "tatlong maluwalhating araw" ng Rebolusyong Hulyo ng 1830. Ang canvas ay gumawa ng nakamamanghang impresyon sa mga kontemporaryo na may kapangyarihan, demokrasya at tapang ng masining na desisyon. Ayon sa alamat, ang isang kagalang-galang na burges ay bumulalas: "Sabi mo - ang pinuno ng paaralan? Sabihin mo sa akin nang mas mabuti - ang pinuno ng paghihimagsik! Matapos ang pagsasara ng Salon, ang gobyerno, na natakot sa nakakatakot at nakasisiglang apela na nagmumula sa larawan, ay nagmadali upang ibalik ito sa may-akda. Sa panahon ng rebolusyon ng 1848, muli itong ipinakita sa publiko sa Palasyo ng Luxembourg. At muling bumalik sa artista. Pagkatapos lamang maipakita ang canvas sa World Exhibition sa Paris noong 1855, napunta ito sa Louvre. Ang isa sa mga pinakamahusay na likha ng French romanticism ay pinananatili dito hanggang sa araw na ito - isang inspiradong ulat ng saksi at isang walang hanggang monumento sa pakikibaka ng mga tao para sa kanilang kalayaan.

Anong masining na wika ang natagpuan ng batang Pranses na romantikong upang pagsamahin ang dalawang tila magkasalungat na prinsipyong ito - isang malawak, sumasaklaw sa kabuuan at isang konkretong katotohanang malupit sa kahubaran nito?

Paris ng sikat na araw ng Hulyo 1830. Sa di kalayuan, halos hindi napapansin, ngunit ipinagmamalaki na itinaas ang mga tore ng Notre Dame Cathedral - isang simbolo ng kasaysayan, kultura, at diwa ng mga taong Pranses. Mula doon, mula sa mausok na lungsod, sa ibabaw ng mga guho ng barikada, sa ibabaw ng mga bangkay ng mga patay na kasama, ang mga rebelde ay matigas ang ulo at determinadong lumapit. Ang bawat isa sa kanila ay maaaring mamatay, ngunit ang hakbang ng mga rebelde ay hindi natitinag - sila ay inspirasyon ng kagustuhang manalo, sa kalayaan.

Ang kagila-gilalas na puwersang ito ay nakapaloob sa larawan ng isang magandang dalaga, sa isang marubdob na pagsabog ng pagtawag sa kanya. Sa hindi mauubos na enerhiya, libre at kabataang bilis ng paggalaw, para siyang Greek na diyosa ng tagumpay, si Nike. Ang kanyang matipunong pigura ay nakasuot ng chiton na damit, ang kanyang mukha na may perpektong katangian, na may nagbabagang mga mata, ay nakaharap sa mga rebelde. Sa isang kamay ay hawak niya ang tricolor na banner ng France, sa kabilang banda - isang baril. Sa ulo ay isang takip ng Phrygian - isang sinaunang simbolo ng pagpapalaya mula sa pagkaalipin. Mabilis at magaan ang kanyang hakbang - ganito ang hakbang ng mga diyosa. Kasabay nito, ang imahe ng isang babae ay totoo - siya ay anak na babae ng mga taong Pranses. Siya ang gumagabay na puwersa sa likod ng paggalaw ng grupo sa mga barikada. Mula dito, bilang mula sa isang pinagmumulan ng liwanag sa gitna ng enerhiya, ang mga sinag ay nagliliwanag, na naniningil ng uhaw at ang paghahangad na manalo. Ang mga taong malapit dito, bawat isa sa kanilang sariling paraan, ay nagpapahayag ng kanilang pakikilahok sa nakasisiglang tawag na ito.

Sa kanan ay isang batang lalaki, isang Parisian gamen, na nagba-brand ng mga pistola. Siya ang pinakamalapit sa Kalayaan at, kumbaga, pinag-alab ng kanyang sigasig at kagalakan sa malayang simbuyo. Sa isang mabilis, walang tiyaga na kilusan, nauuna pa siya ng kaunti sa kanyang inspirasyon. Ito ang hinalinhan ng maalamat na Gavroche, na inilarawan pagkalipas ng dalawampung taon ni Victor Hugo sa nobelang Les Misérables: “Si Gavroche, puno ng inspirasyon, nagniningning, ay kinuha sa kanyang sarili ang gawain na itakda ang buong bagay sa paggalaw. Siya ay nagpabalik-balik, bumangon, bumagsak, bumangon muli, gumawa ng ingay, kumikinang sa tuwa. Mukhang pumunta siya dito para pasayahin ang lahat. May motibo ba siya para dito? Oo, siyempre, ang kanyang kahirapan. May pakpak ba siya? Oo, siyempre, ang pagiging masayahin niya. Ito ay isang uri ng isang ipoipo. Tila pinupuno nito ang hangin sa sarili nito, na naroroon saanman sa parehong oras ... Naramdaman ito ng malalaking barikada sa gulugod nito.

Si Gavroche sa pagpipinta ni Delacroix ay ang personipikasyon ng kabataan, isang "magandang salpok", isang masayang pagtanggap sa maliwanag na ideya ng Kalayaan. Dalawang imahe - Gavroche at Liberty - tila umakma sa isa't isa: ang isa ay apoy, ang isa ay isang tanglaw na sinindihan mula rito. Sinabi ni Heinrich Heine kung ano ang masiglang tugon ng pigura ni Gavroche sa mga Parisian. "Hell! bulalas ng isang groser. "Ang mga batang iyon ay lumaban na parang mga higante!"

Sa kaliwa ay isang estudyante na may hawak na baril. Dati, ito ay nakita bilang isang self-portrait ng artist. Ang rebeldeng ito ay hindi kasing bilis ni Gavroche. Ang kanyang paggalaw ay mas pinigilan, mas puro, makabuluhan. Ang mga kamay ay kumpiyansa na pinipiga ang bariles ng baril, ang mukha ay nagpapahayag ng lakas ng loob, matatag na determinasyon na tumayo hanggang sa wakas. Ito ay isang malalim na trahedya na imahe. Batid ng estudyante ang hindi maiiwasang mga pagkalugi na daranasin ng mga rebelde, ngunit hindi siya tinatakot ng mga biktima - mas malakas ang kalooban sa kalayaan. Sa likod niya ay nakatayo ang isang parehong matapang at determinadong manggagawa na may sable. Nasugatan sa paanan ng Kalayaan. Siya ay bumangon nang may kahirapan upang muling tumingala sa Kalayaan, upang makita at madama nang buong puso ang kagandahang kanyang ikinamamatay. Ang figure na ito ay nagdudulot ng isang dramatikong simula sa tunog ng canvas ni Delacroix. Kung ang mga imahe ni Gavroche, Liberty, ang mag-aaral, ang manggagawa - halos mga simbolo, ang sagisag ng hindi maiiwasang kalooban ng mga mandirigma ng kalayaan - ay nagbibigay inspirasyon at tumawag sa manonood, kung gayon ang sugatang lalaki ay nananawagan para sa pakikiramay. Ang tao ay nagpaalam sa Kalayaan, nagpaalam sa buhay. Siya ay isang salpok pa rin, isang kilusan, ngunit isa nang kumukupas na salpok.

Transitional ang figure niya. Bumaba sa paanan ng barikada ang titig ng manonood, na nabighani at dinadala pa rin ng rebolusyonaryong pagpapasiya ng mga rebelde, na natatakpan ng mga katawan ng maluwalhating patay na mga sundalo. Ang kamatayan ay ipinakita ng artista sa lahat ng kahubaran at katibayan ng katotohanan. Nakikita natin ang mga asul na mukha ng mga patay, ang kanilang mga hubad na katawan: ang pakikibaka ay walang awa, at ang kamatayan ay hindi maiiwasang kasama ng mga rebelde bilang ang magandang inspirar na Kalayaan.

Mula sa kakila-kilabot na tanawin sa ibabang gilid ng larawan, muli naming itinaas ang aming mga mata at nakita ang isang magandang batang pigura - hindi! panalo ang buhay! Ang ideya ng kalayaan, na kinakatawan nang nakikita at nakikita, ay nakatuon sa hinaharap na ang kamatayan sa pangalan nito ay hindi kakila-kilabot.

Ang artist ay naglalarawan lamang ng isang maliit na grupo ng mga rebelde, buhay at patay. Ngunit ang mga tagapagtanggol ng barikada ay tila hindi pangkaraniwang marami. Ang komposisyon ay binuo sa paraang ang pangkat ng mga mandirigma ay hindi limitado, hindi sarado sa sarili nito. Bahagi lamang siya ng walang katapusang avalanche ng mga tao. Ang artist ay nagbibigay, kumbaga, ng isang fragment ng grupo: pinuputol ng frame ng larawan ang mga figure mula sa kaliwa, kanan, at ibaba.

Karaniwan ang kulay sa mga gawa ng Delacroix ay nakakakuha ng isang emosyonal na tunog, gumaganap ng isang nangingibabaw na papel sa paglikha ng isang dramatikong epekto. Ang mga kulay, kung minsan ay nagngangalit, kung minsan ay kumukupas, namumutla, ay lumikha ng isang panahunan na kapaligiran. AT « Kalayaan sa mga barikada» Si Delacroix ay umaalis sa prinsipyong ito. Tumpak na tumpak, hindi mapag-aalinlanganan ang pagpili ng pintura, na inilalapat ito ng malawak na mga stroke, inihahatid ng artist ang kapaligiran ng labanan.

Ngunit ang hanay ng mga kulay ay pinigilan. Nakatuon ang Delacroix sa relief modeling ng form. Ito ay kinakailangan ng makasagisag na solusyon ng larawan. Pagkatapos ng lahat, na naglalarawan ng isang tiyak na kaganapan kahapon, ang artist ay lumikha din ng isang monumento sa kaganapang ito. Samakatuwid, ang mga figure ay halos sculptural. Samakatuwid, ang bawat karakter, bilang bahagi ng isang solong kabuuan ng larawan, ay bumubuo rin ng isang bagay na sarado sa sarili nito, ay kumakatawan sa isang simbolo na inilagay sa isang nakumpletong anyo. Samakatuwid, ang kulay ay hindi lamang emosyonal na nakakaapekto sa damdamin ng manonood, ngunit nagdadala ng simbolikong pagkarga. Dito at doon, isang solemne triad ng pula, asul, puti ang kumikislap sa kayumanggi-kulay-abong espasyo - ang mga kulay ng bandila ng Rebolusyong Pranses noong 1789. Ang paulit-ulit na pag-uulit ng mga kulay na ito ay sumusuporta sa malakas na kuwerdas ng tatlong kulay na watawat na lumilipad sa ibabaw ng mga barikada.

Pagpinta ni Delacroix « kalayaan sa mga barikada» - isang kumplikado, engrande na gawain sa saklaw nito. Dito pinagsama ang pagiging tunay ng direktang nakikitang katotohanan at ang simbolismo ng mga imahe; pagiging totoo, naabot ang brutal na naturalismo, at perpektong kagandahan; magaspang, kakila-kilabot at dakila, dalisay.

Pagpipinta “ kalayaan sa mga barikada” pinagsama ang tagumpay ng romantikismo sa pagpipinta ng Pranses. Noong 30s, dalawa pang makasaysayang pagpipinta ang ipininta: “ Labanan sa Poitiers” at “ Pagpatay obispo Liege”.

Noong 1822 binisita ng artista ang North Africa, Morocco, Algeria. Ang paglalakbay ay gumawa ng isang hindi maalis na impresyon sa kanya. Noong 50s, lumitaw ang mga pagpipinta sa kanyang trabaho, na inspirasyon ng mga alaala ng paglalakbay na ito: ” Pangangaso sa mga leon”, “ Moroccan, saddling kabayo” at iba pa. Ang maliwanag na magkakaibang kulay ay lumilikha ng isang romantikong tunog sa mga painting na ito. Sa kanila, lumilitaw ang pamamaraan ng isang malawak na stroke.

Si Delacroix, bilang isang romantikong, ay naitala ang estado ng kanyang kaluluwa hindi lamang sa wika ng mga larawang larawan, kundi pati na rin sa pampanitikan na anyo ng kanyang mga saloobin. Mahusay niyang inilarawan ang proseso ng malikhaing gawain ng romantikong artista, ang kanyang mga eksperimento sa kulay, mga pagmuni-muni sa ugnayan sa pagitan ng musika at iba pang anyo ng sining. Ang kanyang mga talaarawan ay naging paboritong pagbabasa ng mga artista ng mga sumunod na henerasyon.

Ang French Romantic na paaralan ay gumawa ng makabuluhang pag-unlad sa larangan ng iskultura (Rud at ang kanyang Marseillaise relief), landscape painting (Camille Corot kasama ang kanyang mga light-air na imahe ng kalikasan ng France).

Salamat sa romanticism, ang subjective na pananaw ng artist ay nasa anyo ng isang batas. Ang impresyonismo ay ganap na sisira sa hadlang sa pagitan ng artist at kalikasan, na nagdedeklara ng sining bilang isang impresyon. Ang mga romantiko ay nagsasalita tungkol sa pantasya ng artista, "ang tinig ng kanyang mga damdamin", na nagpapahintulot sa kanya na huminto sa trabaho kapag isinasaalang-alang ng master na kinakailangan ito, at hindi ayon sa hinihiling ng mga pamantayang pang-akademiko ng pagkakumpleto.

Kung ang mga pantasya ni Gericault ay nakatuon sa paglipat ng paggalaw, si Delacroix - sa mahiwagang kapangyarihan ng kulay, at idinagdag ng mga Aleman dito ang isang tiyak na "espiritu ng pagpipinta", kung gayon ang mga romantikong Espanyol sa mukha. Francisco Goya(1746-1828) ay nagpakita ng mga alamat na pinagmulan ng estilo, ang phantasmagoric at kakaibang karakter nito. Si Goya mismo at ang kanyang trabaho ay mukhang malayo sa anumang balangkas na pangkakanyahan, lalo na dahil madalas na kailangang sundin ng artist ang mga batas ng materyal ng pagganap (kapag, halimbawa, gumawa siya ng mga kuwadro na gawa para sa pinagtagpi na mga trellis carpet) o ang mga kinakailangan ng customer.

Ang kanyang phantasmagoria ay lumitaw sa etching series “ caprichos” (1797-1799), “ mga sakuna mga digmaan” (1810-1820), “ Disparantes (“ Mga kalokohan”) (1815-1820), ang mga mural ng "House of the Deaf" at ang Church of San Antonio de la Florida sa Madrid (1798). Ang isang malubhang sakit noong 1792 ay humantong sa kumpletong pagkabingi ng artist. Ang sining ng master pagkatapos magdusa ng isang pisikal at espirituwal na trauma ay nagiging mas puro, maalalahanin, panloob na dinamiko. Ang panlabas na mundo, sarado dahil sa pagkabingi, ay nag-activate ng panloob na espirituwal na buhay ni Goya.

Sa mga ukit “ caprichos” Nakamit ni Goya ang pambihirang lakas sa paglipat ng mga agarang reaksyon, mapusok na damdamin. Black-and-white na pagganap, salamat sa naka-bold na kumbinasyon ng mga malalaking spot, ang kawalan ng linearity na katangian ng mga graphics, ay nakakakuha ng lahat ng mga katangian ng isang pagpipinta.

Ang mga mural ng Simbahan ni St. Anthony sa Madrid Goya ay lumilikha, tila, sa isang hininga. Ang pag-uugali ng stroke, ang laconism ng komposisyon, ang pagpapahayag ng mga katangian ng mga character, na ang uri ay kinuha ni Goya nang direkta mula sa karamihan, ay kamangha-manghang. Inilalarawan ng pintor ang himala ni Anthony ng Florida, na nagpabangon at nagsalita sa pinatay na tao, na pinangalanan ang mamamatay-tao at sa gayon ay nailigtas ang inosenteng hinatulan mula sa pagpapatupad. Ang dynamism ng matingkad na tumutugon sa karamihan ay ipinahihiwatig kapwa sa mga galaw at sa mga ekspresyon ng mukha ng mga itinatanghal na mukha. Sa compositional scheme ng pamamahagi ng mga painting sa espasyo ng simbahan, sinusundan ng pintor si Tiepolo, ngunit ang reaksyon na ipinupukaw niya sa manonood ay hindi baroque, ngunit puro romantiko, na nakakaapekto sa pakiramdam ng bawat manonood, na tinatawag siyang lumingon sa kanyang sarili.

Higit sa lahat, ang layuning ito ay nakamit sa pagpipinta ng Conto del Sordo ("Bahay ng mga Bingi"), kung saan nanirahan si Goya mula 1819. Ang mga dingding ng mga silid ay natatakpan ng labinlimang komposisyon ng isang kamangha-manghang at alegorikal na kalikasan. Ang pag-unawa sa kanila ay nangangailangan ng malalim na empatiya. Ang mga imahe ay lumitaw bilang ilang uri ng mga pangitain ng mga lungsod, babae, lalaki, atbp. Ang kulay, kumikislap, ay kumukuha ng isang pigura, pagkatapos ay isa pa. Ang pagpipinta sa kabuuan ay madilim, ito ay pinangungunahan ng puti, dilaw, pinkish-red spot, mga flash ng nakakagambalang damdamin. Ang mga ukit ng serye “ Disparantes” .

Ginugol ni Goya ang huling 4 na taon sa France. Malabong alam niyang hindi nakipaghiwalay si Delacroix sa kanyang "Caprichos". At hindi niya mahulaan kung paano madadala sina Hugo at Baudelaire ng mga ukit na ito, kung ano ang magiging malaking impluwensya ng kanyang pagpipinta kay Manet, at kung paano sa 80s ng XIX na siglo. Aanyayahan ni V. Stasov ang mga artista ng Russia na pag-aralan ang kanyang "Mga Kalamidad ng Digmaan"

Ngunit dahil dito, alam namin kung gaano kalaki ang epekto nitong "walang istilo" na sining ng isang matapang na realista at inspiradong romantiko sa artistikong kultura noong ika-19 at ika-20 siglo.

Ang kamangha-manghang mundo ng mga pangarap ay natanto sa kanyang mga gawa ng Ingles na romantikong artista William Blake(1757-1827). Ang England ay ang klasikong lupain ng romantikong panitikan. Byron, si Shelley ang naging bandila ng kilusang ito na malayo sa "foggy Albion". Sa Pransya, sa pagpuna sa magasin sa panahon ng "mga romantikong labanan", ang Romantics ay tinawag na "Shakespeareans". Ang pangunahing tampok ng pagpipinta ng Ingles ay palaging isang interes sa pagkatao ng tao, na nagpapahintulot sa genre ng portrait na mabungang umunlad. Ang romantikismo sa pagpipinta ay napakalapit na nauugnay sa sentimentalismo. Ang interes ng Romantics sa Middle Ages ay nagbunga ng isang malaking makasaysayang panitikan, ang kinikilalang master kung saan ay si W. Scott. Sa pagpipinta, tinutukoy ng tema ng Middle Ages ang hitsura ng tinatawag na Pre-Raphaelites.

Si William Blake ay isang kamangha-manghang uri ng romantiko sa eksenang pangkultura ng Ingles. Nagsusulat siya ng mga tula, naglalarawan ng kanyang sarili at iba pang mga libro. Ang kanyang talento ay naghangad na yakapin at ipahayag ang mundo sa isang holistic na pagkakaisa. Ang kanyang pinakatanyag na mga gawa ay mga ilustrasyon para sa biblikal na "Book of Job", "The Divine Comedy" ni Dante, "Paradise Lost" ni Milton. Pino-populate niya ang kanyang mga komposisyon ng mga titanic figure ng mga bayani, na tumutugma sa kanilang kapaligiran ng isang hindi tunay na maliwanagan o phantasmagoric na mundo. Ang isang pakiramdam ng mapaghimagsik na pagmamataas o pagkakaisa, mahirap na likhain mula sa mga dissonance, ay nangingibabaw sa kanyang mga ilustrasyon.

Ang romanticism ni Blake ay nagsisikap na makahanap ng sarili nitong artistikong pormula at anyo ng pagkakaroon ng mundo.

Si William Blake, na namuhay ng matinding kahirapan at kalabuan, pagkatapos ng kanyang kamatayan ay niraranggo sa host ng mga klasiko ng sining ng Ingles.

Sa gawain ng mga pintor ng landscape ng Ingles noong unang bahagi ng XIX na siglo. ang mga romantikong libangan ay pinagsama sa isang mas layunin at matino na pagtingin sa kalikasan.

Lumilikha ng mga romantikong nakataas na landscape William Turner(1775-1851). Gusto niyang ilarawan ang mga bagyo, pagbuhos ng ulan, mga bagyo sa dagat, maliwanag, maapoy na paglubog ng araw. Madalas na pinalalaki ni Turner ang mga epekto ng pag-iilaw at pinatindi ang tunog ng kulay kahit na pininturahan niya ang kalmadong estado ng kalikasan. Para sa higit na epekto, ginamit niya ang pamamaraan ng mga watercolor at inilapat ang pintura ng langis sa isang napakanipis na layer at direktang ipininta sa lupa, na nakamit ang iridescent overflows. Ang isang halimbawa ay ang larawan “ ulan, singaw at bilis” (1844). Ngunit kahit na ang kilalang kritiko noong panahong iyon, si Thackeray, ay hindi maaaring maunawaan nang tama, marahil, ang isang makabagong larawan kapwa sa disenyo at pagpapatupad. "Ang pag-ulan ay ipinahihiwatig ng mga mantsa ng maruming masilya," isinulat niya, "na tumalsik sa canvas gamit ang isang palette knife, ang sikat ng araw na may mapurol na pagkurap ay pumapasok sa napakakapal na bukol ng maruruming dilaw na chrome. Ang mga anino ay dinadala ng malamig na mga kulay ng iskarlata na kraplak at mga cinnabar spot ng mga naka-mute na tono. At kahit na ang apoy sa pugon ng lokomotibo ay tila pula, hindi ko ipinapalagay na igiit na hindi ito iginuhit sa kulay ng kobalt o gisantes. Isa pang kritiko ang natagpuan sa pangkulay ni Turner ng kulay ng "scrambled egg at spinach." Ang mga kulay ng yumaong Turner sa pangkalahatan ay tila ganap na hindi maiisip at hindi kapani-paniwala sa mga kontemporaryo. Kinailangan ng higit sa isang siglo upang makita sa kanila ang butil ng tunay na mga obserbasyon. Ngunit tulad ng sa ibang mga kaso, ito ay narito. Isang kakaibang ulat ng isang nakasaksi, o sa halip, isang saksi sa kapanganakan ng

Ingles na sining ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo. binuo sa isang ganap na naiibang direksyon kaysa sa pagpipinta ni Turner. Bagama't ang kanyang husay ay karaniwang kinikilala, wala ni isa man sa mga kabataan ang sumunod sa kanya.

II. Romantisismo sa pagpipinta ng Russia

Ang Romantisismo sa Russia ay naiiba sa Kanlurang Europa sa pabor ng ibang makasaysayang tagpuan at ibang kultural na tradisyon. Ang Rebolusyong Pranses ay hindi mabibilang bilang isa sa mga sanhi ng paglitaw nito; isang napakakitid na bilog ng mga tao ang may pag-asa para sa mga pagbabago sa kurso nito. At ang mga resulta ng rebolusyon ay ganap na nakakabigo. Ang tanong ng kapitalismo sa Russia sa simula ng ika-19 na siglo. hindi tumayo. Samakatuwid, walang ganoong dahilan. Ang tunay na dahilan ay ang Digmaang Patriotiko noong 1812, kung saan ipinakita ang lahat ng kapangyarihan ng inisyatiba ng bayan. Ngunit pagkatapos ng digmaan, hindi nakuha ng mga tao ang kalooban. Ang pinakamahusay sa mga maharlika, na hindi nasisiyahan sa katotohanan, ay pumunta sa Senate Square noong Disyembre 1825. Nag-iwan din ng marka ang pagkilos na ito sa mga creative intelligentsia. Ang magulong taon pagkatapos ng digmaan ay naging kapaligiran kung saan nabuo ang romantikong Ruso.

Sa kanilang mga canvases, ang mga romantikong pintor ng Russia ay nagpahayag ng diwa ng pag-ibig sa kalayaan, aktibong pagkilos, madamdamin at masiglang umapela sa pagpapakita ng humanismo. Ang mga pang-araw-araw na canvases ng mga pintor ng Russia ay nakikilala sa pamamagitan ng kaugnayan at sikolohiya, hindi pa naganap na pagpapahayag. Ang mga espiritwal at mapanglaw na tanawin ay muli ang parehong pagtatangka ng mga romantiko na tumagos sa mundo ng mga tao, upang ipakita kung paano nabubuhay at nangangarap ang isang tao sa sublunar na mundo. Ang romantikong pagpipinta ng Russia ay naiiba sa dayuhan. Natukoy ito ng makasaysayang sitwasyon at tradisyon.

Mga tampok ng romantikong pagpipinta ng Russia:

Ÿ Ang ideolohiya ng Enlightenment ay humina, ngunit hindi bumagsak, tulad ng sa Europa. Samakatuwid, ang romantikismo ay hindi binibigkas;

Ÿ ang romantikismo ay nabuo kasabay ng klasisismo, na kadalasang kaakibat nito;

Ÿ akademikong pagpipinta sa Russia ay hindi pa nauubos ang sarili;

Ÿ romanticism sa Russia ay hindi isang matatag na kababalaghan, romantiko ay iginuhit sa akademiko. Sa kalagitnaan ng siglo XIX. halos mawala na ang romantikong tradisyon.

Ang mga gawa na may kaugnayan sa romantikismo ay nagsimulang lumitaw sa Russia noong 1790s (ang mga gawa ni Feodosy Yanenko " Manlalakbay, naabutan bagyo" (1796), " sariling larawan sa helmet" (1792). Ang prototype ay halata sa kanila - Salvator Rosa, napakapopular sa pagliko ng ika-18 at ika-19 na siglo. Nang maglaon, ang impluwensya ng proto-romantic artist na ito ay magiging kapansin-pansin sa gawain ni Alexander Orlovsky. Ang mga magnanakaw, mga eksena sa campfire, mga labanan ay sinamahan ng kanyang buong karera. Tulad ng sa ibang mga bansa, ang mga artista na kabilang sa Russian romanticism ay nagpakilala ng isang ganap na bagong emosyonal na mood sa mga klasikal na genre ng portraiture, landscape at genre na mga eksena.

Sa Russia, ang romantikismo ay nagsimulang magpakita mismo sa portraiture. Sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, sa karamihan, nawalan siya ng pakikipag-ugnayan sa mataas na ranggo ng aristokrasya. Ang isang makabuluhang lugar ay nagsimulang sakupin ng mga larawan ng mga makata, artista, mga patron ng sining, ang imahe ng mga ordinaryong magsasaka. Ang kalakaran na ito ay lalo na binibigkas sa gawain ng O.A. Kiprensky (1782 - 1836) at V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Basil Andreevich Tropinin nagsusumikap para sa isang buhay na buhay, nakakarelaks na paglalarawan ng isang tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng kanyang larawan. « Larawan anak» (1818), « Larawan PERO. MULA SA. Pushkin» (1827), « sariling larawan» (1846) humanga hindi sa isang portrait na pagkakahawig sa mga orihinal, ngunit sa isang hindi karaniwang banayad na pagtagos sa panloob na mundo ng isang tao.

Pambihirang kawili-wiling kasaysayan ng paglikha “ Larawan Pushkin”. Tulad ng dati, para sa unang kakilala kay Pushkin, si Tropinin ay dumating sa bahay ni Sobolevsky, kung saan nakatira ang makata. Natagpuan siya ng artista sa kanyang opisina na kinakalikot ang mga tuta. Kasabay nito, tila, ito ay isinulat ayon sa unang impresyon, na labis na pinahahalagahan ni Tropinin, isang maliit na pag-aaral. Sa mahabang panahon ay nanatili siyang wala sa paningin ng mga humahabol sa kanya. Pagkaraan lamang ng halos isang daang taon, noong 1914, inilathala ito ni P.M. Si Shchekotov, na sumulat na sa lahat ng mga larawan ni Alexander Sergeevich, siya ay "pinakadala ng kanyang mga tampok ... ang mga asul na mata ng makata ay puno ng isang espesyal na kinang dito, ang pagliko ng ulo ay mabilis, at ang mga tampok ng mukha ay nagpapahayag at mobile. . Walang alinlangan, narito ang mga tunay na tampok ng mukha ni Pushkin, na isa-isa nating nakikilala sa isa o isa pa sa mga larawang napunta sa atin. Ito ay nananatiling palaisipan, - idinagdag ni Shchekotov, - kung bakit ang kaakit-akit na pag-aaral na ito ay hindi nakatanggap ng nararapat na atensyon mula sa mga publisher at connoisseurs ng makata. Ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng mismong mga katangian ng maliit na sketch: walang kinang ng mga kulay, o kagandahan ng brushstroke, o mahusay na nakasulat na "roundabouts" dito. At ang Pushkin dito ay hindi isang tanyag na "vitia", hindi isang "henyo", ngunit, higit sa lahat, isang lalaki. At halos hindi ito nagbibigay ng sarili sa pagsusuri kung bakit ang napakahusay na nilalaman ng tao ay nakapaloob sa monochromatic grayish-green, olive scale, sa padalos-dalos, na parang mga random na stroke ng brush ng isang halos hindi matukoy na etude.

Sa simula ng ika-19 na siglo, ang Tver ay isang makabuluhang sentro ng kultura ng Russia. Narito ang bata Orestes Kiprensky nakilala si A.S. Pushkin, na ang larawan, na ipininta kalaunan, ay naging perlas ng sining ng larawan sa mundo. " Larawan Pushkin» ang mga brush ni O. Kiprensky ay isang buhay na personipikasyon ng isang mala-tula na henyo. Sa determinadong pag-ikot ng ulo, sa mga bisig na masiglang nakakrus sa dibdib, ang buong anyo ng makata ay nagpapakita ng isang pakiramdam ng kalayaan at kalayaan. Ito ay tungkol sa kanya na sinabi ni Pushkin: "Nakikita ko ang aking sarili bilang isang salamin, ngunit ang salamin na ito ay nagpapapuri sa akin." Sa gawain sa larawan ng Pushkin, sina Tropinin at Kiprensky ay nagkita sa huling pagkakataon, kahit na ang pulong na ito ay hindi naganap mismo, ngunit maraming taon na ang lumipas sa kasaysayan ng sining, kung saan, bilang panuntunan, dalawang larawan ng pinakadakilang makatang Ruso. ay inihambing, nilikha nang sabay-sabay, ngunit sa iba't ibang mga lugar - isa sa Moscow, ang isa pa - sa St. Ngayon ito ay isang pulong ng mga masters na pantay na mahusay sa kanilang kahalagahan para sa sining ng Russia. Bagaman inaangkin ng mga admirer ni Kiprensky na ang mga artistikong bentahe ay nasa gilid ng kanyang romantikong larawan, kung saan ang makata ay ipinakita na nalubog sa kanyang sariling mga kaisipan, nag-iisa sa muse, ang nasyonalidad at demokrasya ng imahe ay tiyak na nasa panig ng Pushkin ni Tropinin.

Kaya, ang dalawang larawan ay sumasalamin sa dalawang lugar ng sining ng Russia, na puro sa dalawang kabisera. At sa kalaunan ay isusulat ng mga kritiko na ang Tropinin ay para sa Moscow kung ano ang Kiprensky para sa St.

Ang isang natatanging tampok ng mga larawan ni Kiprensky ay ang pagpapakita ng espirituwal na kagandahan at panloob na kadakilaan ng isang tao. Ang larawan ng isang bayani, matapang at malakas ang pakiramdam, ay dapat na isama ang mga kalunos-lunos ng mapagmahal sa kalayaan at makabayan na damdamin ng isang advanced na taong Ruso.

sa harap “ Larawan E. AT. Davydov” (1809) ay nagpapakita ng pigura ng isang opisyal, na direktang nagpakita ng pagpapahayag ng kultong iyon ng isang malakas at matapang na personalidad, na napaka tipikal para sa romantikismo ng mga taong iyon. Ang fragmentarily na ipinakita na tanawin, kung saan ang isang sinag ng liwanag ay nakikipagpunyagi sa kadiliman, ay nagpapahiwatig ng mga espirituwal na pagkabalisa ng bayani, ngunit sa kanyang mukha ay may isang pagmuni-muni ng panaginip na sensitivity. Hinahanap ni Kiprensky ang "tao" sa isang tao, at ang perpekto ay hindi nakakubli sa mga personal na katangian ng karakter ng modelo mula sa kanya.

Ang mga larawan ni Kiprensky, kung titingnan mo sila gamit ang iyong isip, ipakita ang espirituwal at likas na yaman ng isang tao, ang kanyang intelektwal na lakas. Oo, mayroon siyang ideyal ng isang maayos na personalidad, gaya ng binanggit ng kanyang mga kontemporaryo, ngunit hindi hinangad ni Kiprensky na literal na maipakita ang ideyal na ito sa isang masining na imahe. Sa paglikha ng isang masining na imahe, siya ay nagmula sa kalikasan, na parang sinusukat kung gaano kalayo o malapit ito sa gayong ideal. Sa katunayan, marami sa mga itinatanghal niya ay nasa bisperas ng perpekto, nagsusumikap para dito, habang ang perpekto mismo, ayon sa mga ideya ng romantikong aesthetics, ay halos hindi makakamit, at ang lahat ng romantikong sining ay isang landas lamang dito.

Pansinin ang mga kontradiksyon sa kaluluwa ng kanyang mga bayani, na nagpapakita sa kanila sa mga sandali ng pagkabalisa ng buhay, kapag nagbago ang kapalaran, nasira ang mga lumang ideya, umalis ang kabataan, atbp., Tila nararanasan ni Kiprensky kasama ang kanyang mga modelo. Samakatuwid ang espesyal na paglahok ng pintor ng portrait sa interpretasyon ng mga masining na imahe, na nagbibigay sa larawan ng isang "puso" na lilim.

Sa unang bahagi ng panahon ng pagkamalikhain sa Kiprensky hindi ka makakakita ng mga mukha na nahawaan ng pag-aalinlangan, pagsusuri na nakakasira sa kaluluwa. Darating ito sa ibang pagkakataon, kapag ang romantikong oras ay makakaligtas sa taglagas nito, na nagbibigay daan sa iba pang mga mood at damdamin, kapag ang pag-asa para sa tagumpay ng ideal ng isang maayos na personalidad ay gumuho. Sa lahat ng mga portrait ng 1800s at ang mga portrait na isinagawa sa Tver, Kiprensky ay nagpapakita ng isang matapang na brush, madali at malayang pagbuo ng isang form. Ang pagiging kumplikado ng mga diskarte, ang likas na katangian ng pigura ay nagbago mula sa trabaho patungo sa trabaho.

Kapansin-pansin na hindi mo makikita ang heroic elation sa mga mukha ng kanyang mga bayani, sa kabaligtaran, karamihan sa mga mukha ay medyo malungkot, sila ay nagpapakasawa sa mga pagmumuni-muni. Tila ang mga taong ito ay nag-aalala tungkol sa kapalaran ng Russia, iniisip nila ang hinaharap kaysa sa kasalukuyan. Sa mga larawang babae na kumakatawan sa mga asawa, mga kapatid na babae ng mga kalahok sa mga makabuluhang kaganapan, hindi rin nagsikap si Kiprensky para sa sinasadyang kabayanihan. Nangibabaw ang pakiramdam ng kagaanan, pagiging natural. Kasabay nito, sa lahat ng mga larawan ay may napakaraming tunay na maharlika ng kaluluwa. Ang mga larawan ng kababaihan ay umaakit sa kanilang katamtamang dignidad, integridad ng kalikasan; sa mga mukha ng mga tao ay maaaring hulaan ang isang matanong na pag-iisip, isang kahandaan para sa asetisismo. Ang mga larawang ito ay kasabay ng mga namumuong etikal at aesthetic na ideya ng mga Decembrist. Ang kanilang mga saloobin at adhikain ay ibinahagi ng marami, alam ng artista ang tungkol sa kanila, at samakatuwid ay masasabi na ang kanyang mga larawan ng mga kalahok sa mga kaganapan noong 1812-1814, ang mga larawan ng mga magsasaka na nilikha sa parehong mga taon ay isang uri ng artistikong parallel sa mga umuusbong na konsepto ng Decembrism.

Tinawag ng mga dayuhan si Kiprensky ang Russian Van Dyck, ang kanyang mga larawan ay nasa maraming museo sa buong mundo. Ang kahalili ng gawain nina Levitsky at Borovikovsky, ang hinalinhan ni L. Ivanov at K. Bryullov, Kiprensky, kasama ang kanyang trabaho, ay nagbigay sa Russian art school na European katanyagan. Sa mga salita ni Alexander Ivanov, "siya ang unang nagdala ng pangalang Ruso sa Europa ...".

Ang pagtaas ng interes sa personalidad ng isang tao, katangian ng romantikismo, ay paunang natukoy ang pamumulaklak ng genre ng portrait sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, kung saan ang self-portrait ay naging nangingibabaw na tampok. Bilang isang patakaran, ang paglikha ng isang self-portrait ay hindi isang random na episode. Ang mga artista ay paulit-ulit na nagpinta at nagpinta sa kanilang sarili, at ang mga gawang ito ay naging isang uri ng talaarawan na sumasalamin sa iba't ibang estado ng pag-iisip at yugto ng buhay, at sa parehong oras sila ay isang manifesto na hinarap sa mga kontemporaryo. Ang self-portrait ay hindi isang custom na genre, ang artist ay nagpinta para sa kanyang sarili, at dito, bilang hindi kailanman bago, siya ay libre sa pagpapahayag ng sarili. Noong ika-18 siglo, ang mga artistang Ruso ay bihirang nagpinta ng mga orihinal na larawan, ang romantikismo lamang, kasama ang kulto ng indibidwal, ang pambihirang, ay nag-ambag sa pagtaas ng genre na ito. Ang iba't ibang uri ng self-portrait ay sumasalamin sa pananaw ng mga artista sa kanilang sarili bilang isang mayaman at multifaceted na personalidad. Pagkatapos ay lilitaw ang mga ito sa karaniwan at natural na tungkulin ng lumikha ( " sariling larawan sa pelus kunin" A. G. Varneka, 1810s), pagkatapos ay bumagsak sila sa nakaraan, na parang sinusubukan ito sa kanilang sarili ( " sariling larawan sa helmet at lats" F. I. Yanenko, 1792), o, kadalasan, lumilitaw nang walang anumang mga propesyonal na katangian, na iginiit ang kahalagahan at halaga ng bawat tao, pinalaya at bukas sa mundo, tulad ng, halimbawa, F. A. Bruni at O. A. Orlovsky sa self-portraits noong 1810s . Ang pagiging handa para sa diyalogo at pagiging bukas, na katangian ng makasagisag na solusyon ng mga gawa ng 1810-1820s, ay unti-unting pinalitan ng pagkapagod at pagkabigo, paglulubog, pag-alis sa sarili ( " sariling larawan" M. I. Terebeneva). Ang trend na ito ay makikita sa pagbuo ng portrait genre sa kabuuan.

Ang mga self-portraits ng Kiprensky ay lumitaw, na kung saan ay nagkakahalaga ng pagpuna, sa mga kritikal na sandali ng buhay, sila ay nagpatotoo sa pagtaas o pagbagsak ng lakas ng kaisipan. Sa pamamagitan ng kanyang sining, tiningnan ng artista ang kanyang sarili. Gayunpaman, hindi siya gumamit, tulad ng karamihan sa mga pintor, ng salamin; ipininta niya ang kanyang sarili higit sa lahat ayon sa kanyang ideya, nais niyang ipahayag ang kanyang espiritu, ngunit hindi ang kanyang hitsura.

“sariling larawan Sa mga brush bawat tainga” binuo sa isang pagtanggi, at isang malinaw na demonstrative, mula sa panlabas na pagluwalhati ng imahe, ang klasikal na normativity at perpektong konstruksyon. Ang mga tampok ng mukha ay tinatayang. Ang hiwalay na mga pagmuni-muni ng liwanag ay nahuhulog sa pigura ng artist, na pinatay sa isang halos hindi nakikitang tela, na kumakatawan sa background ng larawan. Ang lahat dito ay napapailalim sa pagpapahayag ng buhay, damdamin, mood. Ito ay isang pagtingin sa romantikong sining sa pamamagitan ng sining ng self-portraiture.

Halos kasabay ng self-portrait na ito, at nakasulat “ sariling larawan sa kulay rosas leeg bandana” , kung saan nakapaloob ang isa pang larawan. Nang walang direktang indikasyon ng propesyon ng isang pintor. Ang imahe ng isang binata ay muling nilikha, pakiramdam sa kagaanan, natural, malaya. Ang nakalarawang ibabaw ng canvas ay pinong pagkakagawa. Ang brush ng artist ay may kumpiyansa na naglalapat ng pintura, na nag-iiwan ng malaki at maliliit na stroke. Ang pangkulay ay napakahusay na binuo, ang mga kulay ay hindi maliwanag, sila ay magkakasuwato na pinagsama sa isa't isa, ang pag-iilaw ay kalmado: ang liwanag ay malumanay na bumubuhos sa mukha ng binata, na binabalangkas ang kanyang mga tampok, nang walang hindi kinakailangang pagpapahayag at pagpapapangit.

Ang isa pang natatanging pintor ng portrait ay O. PERO. Orlovsky. Sa pamamagitan ng 1809, tulad ng isang emosyonal na mayaman portrait sheet bilang “ sariling larawan” . Isinagawa gamit ang isang makatas na libreng stroke ng sanguine at charcoal (na may mga highlight ng chalk), “ sariling larawan” Si Orlovsky ay umaakit sa kanyang artistikong integridad, paglalarawan ng imahe, kasiningan ng pagganap. Kasabay nito, pinapayagan nito ang isa na makilala ang ilang mga kakaibang aspeto ng sining ni Orlovsky. “ sariling larawan” Si Orlovsky, siyempre, ay walang layunin na tumpak na kopyahin ang tipikal na hitsura ng artist ng mga taong iyon. Sa harap natin ay isang lubos na sinadya, pinalaking imahe ng isang "artista", na sumasalungat sa kanyang sariling "Ako" sa nakapaligid na katotohanan. Hindi siya nag-aalala tungkol sa "desency" ng kanyang hitsura: hindi hinawakan ng suklay at brush ang kanyang malago na buhok, sa kanyang balikat - ang gilid ng isang checkered raincoat sa ibabaw mismo ng isang home shirt na may bukas na kwelyo. Isang matalim na pagliko ng ulo na may "mapanglaw" na hitsura mula sa ilalim ng mga inilipat na kilay, isang malapit na hiwa ng larawan, kung saan ang mukha ay inilalarawan nang malapitan, mga kaibahan ng liwanag - lahat ng ito ay naglalayong makamit ang pangunahing epekto ng pagsalungat. ang inilalarawang tao sa kapaligiran (at sa gayon ay sa manonood).

Ang mga pathos ng paggigiit ng sariling katangian - isa sa mga pinaka-progresibong tampok sa sining ng panahong iyon - ay bumubuo ng pangunahing ideolohikal at emosyonal na tono ng larawan, ngunit lumilitaw sa isang kakaibang aspeto na halos hindi matatagpuan sa sining ng Russia noong panahong iyon. Ang paninindigan ng indibidwal ay hindi napupunta sa pamamagitan ng pagsisiwalat ng kayamanan ng kanyang panloob na mundo, ngunit sa pamamagitan ng pagtanggi sa lahat ng bagay sa kanyang paligid. Ang imahe sa parehong oras, siyempre, mukhang maubos, limitado.

Ang ganitong mga solusyon ay mahirap hanapin sa Russian portrait art noong panahong iyon, kung saan nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo ang civic at humanistic motives ay malakas na tunog at ang personalidad ng tao ay hindi kailanman sinira ang malakas na ugnayan sa kapaligiran. Nangangarap ng isang mas mahusay, sosyal-demokratikong istraktura, ang mga tao sa Russia noong panahong iyon ay hindi nangangahulugang hiwalay sa katotohanan, sadyang tinanggihan nila ang indibidwalistikong kulto ng "personal na kalayaan" na umunlad sa Kanlurang Europa, na pinaluwag ng burges na rebolusyon. Ito ay malinaw na ipinakita sa Russian portrait art. Kailangan lang ikumpara “ sariling larawan” Orlovsky kasama “ sariling larawan” Kiprensky, upang ang malubhang panloob na pagkakaiba sa pagitan ng dalawang pintor ng larawan ay agad na nakakakuha ng mata.

"Kabayanihan" din ni Kiprensky ang personalidad ng isang tao, ngunit ipinapakita niya ang tunay na mga pagpapahalaga nito. Sa harap ng artista, nakikilala ng manonood ang mga tampok ng isang malakas na pag-iisip, karakter, kadalisayan ng moral.

Ang buong hitsura ng Kiprensky ay natatakpan ng kamangha-manghang maharlika at sangkatauhan. Nagagawa niyang makilala ang pagitan ng "mabuti" at "masama" sa nakapaligid na mundo at, tinatanggihan ang pangalawa, mahalin at pahalagahan ang una, mahalin at pahalagahan ang mga taong katulad ng pag-iisip. Kasabay nito, mayroon kaming bago sa amin, walang alinlangan, isang malakas na pagkatao, ipinagmamalaki ang kamalayan ng halaga ng kanyang mga personal na katangian. Eksakto ang parehong konsepto ng larawan ng portrait na pinagbabatayan ng kilalang heroic portrait ni D. Davydov ni Kiprensky.

Orlovsky, kung ihahambing kay Kiprensky, mas limitado, mas prangka at panlabas na niresolba ang imahe ng isang "malakas na personalidad", habang malinaw na nakatuon sa sining ng burges na France. Pag tingin mo sa kanya “ sariling larawan” , ang mga larawan ng A. Gro, Gericault ay hindi sinasadyang pumasok sa isip. Ang profile “ sariling larawan” Orlovsky noong 1810, kasama ang kanyang kulto ng indibidwal na "panloob na lakas", gayunpaman, wala nang matalim na "balangkas" na anyo “ sariling larawan” 1809 o “ Larawan Duport”. Sa huli, si Orlovsky, tulad ng sa Self-Portrait, ay gumagamit ng isang kamangha-manghang, "kabayanihan" na pose na may matalim, halos criss-cross na paggalaw ng ulo at balikat. Binibigyang-diin niya ang hindi regular na istraktura ng mukha ni Duport, ang kanyang gusot na buhok, na may layuning lumikha ng isang portrait na imahe na sapat sa sarili sa kakaiba at random na karakter nito.

"Ang tanawin ay dapat na isang larawan," isinulat ni K. N. Batyushkov. Karamihan sa mga artist na bumaling sa genre ng landscape ay sumunod sa setting na ito sa kanilang trabaho. Kabilang sa mga halatang pagbubukod na nakahilig sa kamangha-manghang tanawin ay si A. O. Orlovsky ( " Nautical tingnan" , 1809); A. G. Varnek ( " Tingnan sa paligid Roma" , 1809); P. V. Basin (" Sky sa paglubog ng araw sa paligid Roma" , " Gabi tanawin" , pareho - 1820s). Paglikha ng mga tiyak na uri, pinanatili nila ang kamadalian ng sensasyon, emosyonal na kayamanan, pagkamit ng napakalaking tunog na may mga diskarte sa komposisyon.

Nakita ng batang Orlovsky sa kalikasan ang mga titanic na puwersa lamang, hindi napapailalim sa kalooban ng tao, na may kakayahang magdulot ng isang sakuna, isang sakuna. Ang pakikibaka ng isang tao na may nagngangalit na elemento ng dagat ay isa sa mga paboritong tema ng artista ng kanyang "mapaghimagsik" na romantikong panahon. Ito ang naging laman ng kanyang mga guhit, watercolor at oil painting noong 1809-1810. ang kalunos-lunos na tagpo ay ipinapakita sa larawan “ Pagkawasak ng barko” (1809(?)). Sa matinding dilim na bumagsak sa lupa, sa gitna ng rumaragasang alon, ang mga nalulunod na mangingisda ay galit na galit na umaakyat sa mga bato sa baybayin kung saan bumagsak ang kanilang barko. Nananatili sa matinding pulang kulay, pinahuhusay ng kulay ang pakiramdam ng pagkabalisa. Kakila-kilabot ang mga pagsalakay ng malalakas na alon, na naglalarawan ng isang bagyo, at sa isa pang larawan - “ Sa baybayin mga dagat” (1809). Ito rin ay gumaganap ng isang malaking emosyonal na papel sa mabagyong kalangitan, na sumasakop sa karamihan ng komposisyon. Bagaman hindi pinagkadalubhasaan ni Orlovsky ang sining ng pananaw sa himpapawid, ang mga unti-unting paglipat ng mga plano ay nalutas dito nang maayos at malumanay. Ang kulay ay naging mas maliwanag. Mahusay na naglalaro sa isang mapula-pula-kayumanggi na background, ang mga pulang batik ng damit ng mga mangingisda. Hindi mapakali at balisang elemento ng dagat sa watercolor “ paglalayag bangka” (c.1812). At kahit na ang hangin ay hindi umuuga sa layag at hindi umaagos sa ibabaw ng tubig, tulad ng sa watercolor “ Nautical tanawin Sa mga barko” (c. 1810), hindi iniiwan ng manonood ang premonisyon na isang bagyo ang susunod sa kalmado.

Ang mga tanawin ay iba MULA SA. F. Shchedrin. Sila ay puno ng pagkakaisa ng magkakasamang buhay ng tao at kalikasan. (" Terrace sa baybayin mga dagat. cappuccini malapit Sorrento" , 1827). Maraming tanawin ng Naples sa pamamagitan ng kanyang brush ang nagtamasa ng pambihirang tagumpay.

Sa makikinang na mga larawan At. Upang. Aivazovsky ang mga romantikong mithiin ng pagkalasing sa pakikibaka at ang kapangyarihan ng mga likas na puwersa, ang tibay ng espiritu ng tao at ang kakayahang lumaban hanggang sa wakas ay maliwanag na katawanin. Gayunpaman, ang isang malaking lugar sa pamana ng master ay inookupahan ng mga seascape sa gabi na nakatuon sa mga tiyak na lugar kung saan ang bagyo ay nagbibigay daan sa magic ng gabi, isang oras na, ayon sa mga pananaw ng mga romantiko, ay puno ng isang mahiwagang panloob na buhay, at kung saan ang mga larawang paghahanap ng artist ay naglalayong kumuha ng mga pambihirang epekto sa pag-iilaw. ( " Tingnan Odessa sa lunar gabi" , " Tingnan Constantinople sa lunar pag-iilaw" , pareho - 1846).

Ang tema ng mga natural na elemento at isang lalaking nagulat, isang paboritong tema ng romantikong sining, ay naiiba ang interpretasyon ng mga artista noong 1800-1850s. Ang mga akda ay batay sa mga totoong pangyayari, ngunit ang kahulugan ng mga larawan ay wala sa kanilang layuning muling pagsasalaysay. Ang isang tipikal na halimbawa ay ang pagpipinta ni Pyotr Basin " Lindol sa Rocca di Tatay malapit Roma" (1830). Ito ay nakatuon hindi gaanong sa paglalarawan ng isang tiyak na kaganapan bilang sa paglalarawan ng takot at sindak ng isang tao na nahaharap sa isang pagpapakita ng mga elemento.

Ang romantikismo bilang isang pananaw sa mundo ay umiral sa Russia sa unang alon nito mula sa katapusan ng ika-18 siglo hanggang sa 1850s. Ang linya ng romantiko sa sining ng Russia ay hindi tumigil noong 1850s. Ang tema ng estado ng pagkatao, na natuklasan ng Romantics para sa sining, ay kalaunan ay binuo ng mga artista ng Blue Rose. Ang mga direktang tagapagmana ng Romantics ay walang alinlangan ang mga Symbolists. Ang mga romantikong tema, motif, nagpapahayag na mga aparato ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, direksyon, malikhaing asosasyon. Ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinaka masigla, matiyaga, mabunga.

Romantisismo bilang uso sa panitikan

Ang Romantisismo, una sa lahat, ay isang espesyal na pananaw sa mundo batay sa paniniwala sa higit na kahusayan ng "espiritu" kaysa sa "materya". Ang malikhaing prinsipyo, ayon sa mga romantiko, ay mayroong lahat ng tunay na espirituwal, na kinilala nila sa tunay na tao. At, sa kabaligtaran, ang lahat ng materyal, sa kanilang opinyon, na lumalabas, ay pumipinsala sa tunay na kalikasan ng isang tao, hindi pinapayagan ang kanyang kakanyahan na magpakita mismo, sa mga kondisyon ng burgis na katotohanan na hinahati nito ang mga tao, nagiging isang mapagkukunan ng poot. sa pagitan nila, humahantong sa mga trahedya na sitwasyon. Ang isang positibong bayani sa romantikismo, bilang panuntunan, ay tumataas sa mga tuntunin ng antas ng kanyang kamalayan sa itaas ng mundo ng pansariling interes sa paligid niya, ay hindi kaayon dito, nakikita niya ang layunin ng buhay hindi sa paggawa ng isang karera, hindi sa pag-iipon ng kayamanan. , ngunit sa paglilingkod sa matataas na mithiin ng sangkatauhan - pagiging makatao, kalayaan, kapatiran. Ang mga negatibong romantikong karakter, sa kaibahan sa mga positibo, ay kasuwato ng lipunan, ang kanilang negatibiti ay pangunahing nakasalalay sa katotohanan na sila ay namumuhay ayon sa mga batas ng burges na kapaligiran na nakapaligid sa kanila. Dahil dito (at ito ay napakahalaga), ang romantikismo ay hindi lamang nagsusumikap para sa perpekto at pagtutula sa lahat ng bagay na maganda sa espirituwal, ito ay kasabay nito ay isang pagtuligsa sa pangit sa partikular na socio-historical na anyo nito. Bukod dito, ang pagpuna sa kakulangan ng espirituwalidad ay ibinigay sa romantikong sining mula pa sa simula, ito ay sumusunod mula sa pinakadiwa ng romantikong saloobin sa pampublikong buhay. Siyempre, hindi sa lahat ng mga manunulat at hindi sa lahat ng mga genre ay nagpapakita ito ng sarili nang may angkop na lawak at kasidhian. Ngunit ang mga kritikal na kalunos-lunos ay makikita hindi lamang sa mga drama ni Lermontov o sa mga "sekular na kwento" ni V. Odoevsky, nadarama din ito sa mga elehiya ng Zhukovsky, na inilalantad ang mga kalungkutan at kalungkutan ng isang taong mayamang espirituwal sa mga kondisyon ng pyudal na Russia .

Ang romantikong pananaw sa mundo, dahil sa duality nito (ang pagiging bukas ng "espiritu" at "ina"), ay tumutukoy sa imahe ng buhay sa matalim na kaibahan. Ang pagkakaroon ng kaibahan ay isa sa mga tampok na katangian ng romantikong uri ng pagkamalikhain at, dahil dito, estilo. Ang espirituwal at materyal sa mga gawa ng mga romantiko ay mahigpit na sumasalungat sa isa't isa. Ang isang positibong romantikong bayani ay karaniwang inilalarawan bilang isang malungkot na nilalang, bukod dito, napapahamak sa pagdurusa sa kontemporaryong lipunan (Gyaur, Byron's Corsair, Kozlov's Chernets, Ryleev's Voinarovsky, Lermontov's Mtsyri, at iba pa). Sa paglalarawan ng pangit, ang mga romantiko ay madalas na nakakamit ng gayong pang-araw-araw na konkreto na mahirap na makilala ang kanilang trabaho mula sa makatotohanan. Sa batayan ng isang romantikong pananaw sa mundo, posible na lumikha hindi lamang ng mga indibidwal na larawan, kundi pati na rin ang buong mga gawa na makatotohanan sa mga tuntunin ng pagkamalikhain.

Ang Romantisismo ay walang awa sa mga taong, nakikipaglaban para sa kanilang sariling kadakilaan, nag-iisip tungkol sa pagpapayaman o nanghihina sa pagkauhaw sa kasiyahan, lumalabag sa mga unibersal na batas sa moral sa pangalan nito, lumalabag sa unibersal na mga halaga ng tao (pagkatao, pag-ibig sa kalayaan, at iba pa) .

Sa romantikong panitikan, maraming mga larawan ng mga bayani na nahawaan ng indibidwalismo (Manfred, Lara sa Byron, Pechorin, Demon sa Lermontov at iba pa), ngunit sila ay mukhang malalim na trahedya na nilalang, nagdurusa sa kalungkutan, nagnanais na sumanib sa mundo ng mga ordinaryong tao. . Ang pagbubunyag ng trahedya ng isang tao - isang indibidwalista, ang romantikismo ay nagpakita ng kakanyahan ng tunay na kabayanihan, na nagpapakita ng sarili sa walang pag-iimbot na paglilingkod sa mga mithiin ng sangkatauhan. Ang personalidad sa romantikong aesthetics ay hindi mahalaga sa sarili nito. Tumataas ang halaga nito habang tumataas ang benepisyong dulot nito sa mga tao. Ang paninindigan ng isang tao sa romantikismo ay binubuo, una sa lahat, sa kanyang pagpapalaya mula sa indibidwalismo, mula sa mga nakakapinsalang epekto ng sikolohiya ng pribadong ari-arian.

Sa gitna ng romantikong sining ay ang personalidad ng tao, ang espirituwal na mundo nito, ang mga mithiin nito, pagkabalisa at kalungkutan sa mga kondisyon ng burges na sistema ng buhay, ang pagkauhaw sa kalayaan, kalayaan. Ang romantikong bayani ay naghihirap mula sa paghihiwalay, mula sa kawalan ng kakayahang baguhin ang kanyang posisyon. Samakatuwid, ang mga sikat na genre ng romantikong panitikan, na pinaka-ganap na sumasalamin sa kakanyahan ng romantikong pananaw sa mundo, ay mga trahedya, dramatiko, liriko-epiko at liriko na tula, maikling kwento, elehiya. Inihayag ng Romantisismo ang hindi pagkakatugma ng lahat ng tunay na tao sa prinsipyo ng pribadong pag-aari ng buhay, at ito ang dakilang kahalagahang pangkasaysayan nito. Ipinakilala niya sa panitikan ang isang man-fighter na, sa kabila ng kanyang kapahamakan, ay malayang kumikilos, dahil napagtanto niya na ang isang pakikibaka ay kinakailangan upang makamit ang layunin.

Ang mga romantiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng lawak at sukat ng masining na pag-iisip. Upang isama ang mga ideya ng unibersal na kahalagahan ng tao, ginagamit nila ang mga alamat ng Kristiyano, mga kuwento sa Bibliya, sinaunang mitolohiya, at mga katutubong tradisyon. Ang mga romantikong makata ay gumagamit ng pantasya, simbolismo at iba pang kumbensyonal na pamamaraan ng artistikong paglalarawan, na nagbibigay sa kanila ng pagkakataong ipakita ang katotohanan sa napakalawak na pagkalat, na ganap na hindi maiisip sa makatotohanang sining. Hindi malamang, halimbawa, na posibleng ihatid ang buong nilalaman ng The Demon ni Lermontov, na sumusunod sa prinsipyo ng makatotohanang typification. Ang makata ay yumakap sa buong sansinukob sa kanyang tingin, gumuhit ng mga kosmikong tanawin, sa pagpaparami kung saan ang makatotohanang konkreto, pamilyar sa mga kondisyon ng makalupang katotohanan, ay hindi naaangkop:

Sa karagatan ng hangin

Walang timon at walang layag

Tahimik na lumulutang sa ulap

Koro ng mga payat na luminaries.

Sa kasong ito, ang likas na katangian ng tula ay mas pare-pareho hindi sa katumpakan, ngunit, sa kabaligtaran, sa kawalang-katapusan ng pagguhit, na sa mas malaking lawak ay hindi naghahatid ng mga ideya ng isang tao tungkol sa uniberso, ngunit ang kanyang mga damdamin. Sa parehong paraan, "pagbabatay", ang pagkonkreto ng imahe ng Demonyo ay hahantong sa isang tiyak na pagbaba sa pag-unawa sa kanya bilang isang titanic na nilalang, na pinagkalooban ng superhuman na kapangyarihan.

Ang interes sa mga maginoo na pamamaraan ng artistikong paglalarawan ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga romantiko ay madalas na nagtataas ng mga pilosopikal, pananaw sa mundo na mga katanungan para sa paglutas, bagaman, tulad ng nabanggit na, hindi sila nahihiya na ilarawan ang pang-araw-araw, prosaic at araw-araw, lahat ng bagay na hindi tugma sa ang espirituwal, tao. Sa romantikong panitikan (sa isang dramatikong tula), ang salungatan ay karaniwang binuo sa isang salungatan hindi ng mga character, ngunit ng mga ideya, buong konsepto ng pananaw sa mundo ("Manfred", "Cain" Byron, "Prometheus Unchained" Shelley), na, natural, pinangunahan ang sining na lampas sa mga limitasyon ng makatotohanang konkreto.

Ang intelektwalidad ng romantikong bayani, ang kanyang hilig sa pagmumuni-muni ay higit sa lahat dahil sa ang katunayan na siya ay kumikilos sa iba't ibang mga kondisyon kaysa sa mga karakter ng isang nobelang paliwanag o ang "petty-bourgeois" na drama noong ika-18 siglo. Ang huli ay kumilos sa saradong globo ng mga relasyon sa tahanan, ang tema ng pag-ibig ay sinakop ang isa sa mga sentral na lugar sa kanilang buhay. Ang mga romantiko ay nagdala ng sining sa malawak na lawak ng kasaysayan. Nakita nila na ang kapalaran ng mga tao, ang kalikasan ng kanilang kamalayan ay hindi natutukoy ng panlipunang kapaligiran kundi ng panahon sa kabuuan, ang mga prosesong pampulitika, panlipunan, espirituwal na nagaganap dito, na pinaka-tiyak na nakakaapekto sa kinabukasan ng lahat. sangkatauhan. Kaya, ang ideya ng pagpapahalaga sa sarili ng indibidwal, ang pag-asa nito sa sarili, ang kalooban nito, ay gumuho, ang kondisyon nito ay ipinahayag ng kumplikadong mundo ng mga socio-historical na pangyayari.

Ang romantikismo bilang isang tiyak na pananaw sa mundo at uri ng pagkamalikhain ay hindi dapat malito sa romansa, i.e. isang panaginip ng isang magandang layunin, na may aspirasyon para sa ideal at isang marubdob na pagnanais na makita itong natupad. Ang romansa, depende sa mga pananaw ng isang tao, ay maaaring maging parehong rebolusyonaryo, pasulong, at konserbatibo, patula sa nakaraan. Maaari itong lumaki sa makatotohanang batayan at maging utopian.

Batay sa posisyon ng pagkakaiba-iba ng kasaysayan at mga konsepto ng tao, tinututulan ng mga Romantiko ang imitasyon ng sinaunang panahon, ipagtanggol ang mga prinsipyo ng orihinal na sining batay sa makatotohanang pagpaparami ng kanilang pambansang buhay, paraan ng pamumuhay, kaugalian, paniniwala, atbp.

Ang mga romantikong Ruso ay nagtatanggol sa ideya ng "lokal na kulay", na nagsasangkot ng paglalarawan ng buhay sa pambansang-kasaysayang pagka-orihinal. Ito ang simula ng pagtagos sa sining ng pambansang-kasaysayang konkreto, na sa huli ay humantong sa tagumpay ng makatotohanang pamamaraan sa panitikang Ruso.

Ang sining ng panahon ng romantikismo sa gitna ng ideya nito ay may espirituwal at malikhaing halaga ng indibidwal, bilang pangunahing paksa para sa pilosopiya at pagmuni-muni. Ito ay lumitaw sa pagtatapos ng ika-18 siglo at nailalarawan sa pamamagitan ng mga romantikong motif na nauugnay sa iba't ibang kakaiba at magagandang kaganapan o landscape. Sa kaibuturan nito, ang paglitaw ng kalakaran na ito ay isang pagsalungat sa klasisismo, at ang harbinger ng hitsura nito ay sentimentalismo, na malinaw na ipinahayag sa panitikan noong panahong iyon.

Sa simula ng ika-19 na siglo, umunlad ang romantikismo at lubusang ibinaon ang sarili sa senswal at emosyonal na mga imahe. Bilang karagdagan, ang isang napakahalagang katotohanan ay ang muling pag-iisip ng saloobin sa relihiyon sa panahong ito, gayundin ang paglitaw ng ateismo na ipinahayag sa gawain. Ang mga halaga ng mga damdamin at taos-pusong mga karanasan ay inilalagay sa ulo, at mayroon ding unti-unting pampublikong pagkilala sa intuwisyon ng isang tao.

Romantisismo sa pagpipinta

Ang direksyon ay nailalarawan sa pamamagitan ng paglalaan ng mga kahanga-hangang tema, na siyang pangunahing para sa istilong ito sa anumang aktibidad ng malikhaing. Ang senswalidad ay ipinahayag sa anumang posible at katanggap-tanggap na paraan, at ito ang pinakamahalagang pagkakaiba sa direksyong ito.

(Christiano Banti "Galileo bago ang Roman Inquisition")

Kabilang sa mga tagapagtatag ng pilosopikal na romantikismo, sina Novalis at Schleiermacher ay maaaring makilala, ngunit sa pagpipinta, nakilala ni Theodore Gericault ang kanyang sarili sa bagay na ito. Sa panitikan, mapapansin ng isa ang partikular na maliliwanag na manunulat ng panahon ng romantikismo - ang magkapatid na Grimm, Hoffmann at Heine. Sa maraming bansa sa Europa, ang istilong ito ay nabuo sa ilalim ng malakas na impluwensya ng Aleman.

Ang mga pangunahing tampok ay maaaring tawaging:

• romantikong mga tala na malinaw na ipinahayag sa pagkamalikhain;
• hindi kapani-paniwala at mythological na mga tala kahit na sa ganap na hindi fairytale prosa;
• pilosopikal na pagmuni-muni sa kahulugan ng buhay ng tao;
• pagpapalalim sa paksa ng pag-unlad ng pagkatao.

(Friedrich Caspar David "Pagsikat ng Buwan sa ibabaw ng dagat")

Masasabing ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tala ng paglilinang ng kalikasan at pagiging natural ng kalikasan ng tao, at natural na senswalidad. Ang pagkakaisa ng tao sa kalikasan ay niluluwalhati din, at ang mga imahe ng panahon ng kabalyero, na napapalibutan ng isang aura ng maharlika at karangalan, pati na rin ang mga manlalakbay na madaling magsimula sa mga romantikong paglalakbay, ay napakapopular din.

(John Martin "Macbeth")

Ang mga kaganapan sa panitikan o pagpipinta ay nabuo sa paligid ng pinakamalakas na hilig na naranasan ng mga karakter. Ang mga bayani ay palaging mga personalidad na madaling kapitan ng pakikipagsapalaran, naglalaro sa kapalaran at predeterminasyon ng kapalaran. Sa pagpipinta, ang romanticism ay perpektong nailalarawan sa pamamagitan ng kamangha-manghang mga phenomena na nagpapakita ng proseso ng pagiging isang tao at ang espirituwal na pag-unlad ng isang tao.

Romantisismo sa sining ng Russia

Sa kulturang Ruso, ang romantikismo ay lalo na binibigkas sa panitikan, at pinaniniwalaan na ang mga unang pagpapakita ng kalakaran na ito ay ipinahayag sa romantikong tula ni Zhukovsky, bagaman ang ilang mga eksperto ay naniniwala na ang kanyang mga gawa ay malapit sa klasikal na sentimentalismo.

(V. M. Vasnetsov "Alyonushka")

Ang romantikong Ruso ay nailalarawan sa pamamagitan ng kalayaan mula sa mga klasikal na kombensiyon, at ang kalakaran na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga romantikong dramatikong plot at mahabang ballad. Sa katunayan, ito ang pinakabagong pag-unawa sa kakanyahan ng tao, gayundin ang kahalagahan ng tula at pagkamalikhain sa buhay ng mga tao. Sa bagay na ito, ang parehong tula ay nakakakuha ng isang mas seryoso, makabuluhang kahulugan, bagaman ang naunang pagsulat ng tula ay itinuturing na ordinaryong walang laman na kasiyahan.

(Fedor Alexandrovich Vasiliev "Thaw")

Kadalasan sa romantikong Ruso, ang imahe ng kalaban ay nilikha bilang isang malungkot at malalim na naghihirap na tao. Ang pagdurusa at emosyonal na mga karanasan ang binibigyang pansin ng mga may-akda kapwa sa panitikan at sa pagpipinta. Sa katunayan, ito ay isang walang hanggang kilusan kasama ang iba't ibang mga pag-iisip at pagmumuni-muni, at ang pakikibaka ng isang tao na may patuloy na pagbabago sa mundo na nakapaligid sa kanya.

(Orest Kiprensky "Portrait of Life Hussars Colonel E.V. Davydov")

Ang bayani ay kadalasang medyo makasarili at patuloy na nagrerebelde laban sa bulgar at materyal na mga layunin at pagpapahalaga ng mga tao. Itinataguyod nito ang pag-alis ng mga materyal na halaga na pabor sa espirituwal at personal. Kabilang sa pinakasikat at kapansin-pansing mga character na Ruso na nilikha sa loob ng balangkas ng malikhaing direksyon na ito, maaaring isa-isa ng isa ang pangunahing karakter mula sa nobelang "Isang Bayani ng Ating Panahon". Ang nobelang ito ang napakalinaw na nagpapakita ng mga motibo at tala ng romantikismo sa panahong iyon.

(Ivan Konstantinovich Aivazovsky "Mga mangingisda sa dalampasigan")

Ang pagpipinta ay nailalarawan sa pamamagitan ng fairy-tale at folklore motif, romantiko at puno ng iba't ibang mga pangarap. Ang lahat ng mga gawa ay kasing aesthetic hangga't maaari at may tama, magagandang konstruksyon at anyo. Sa direksyon na ito, walang lugar para sa mga matitigas na linya at mga geometric na hugis, pati na rin ang sobrang maliwanag at magkakaibang mga kulay. Sa kasong ito, ginagamit ang mga kumplikadong istruktura at maraming maliliit, napakahalagang detalye sa larawan.

Romantisismo sa arkitektura

Ang arkitektura ng Romantikong panahon ay katulad sa mismong mga kastilyo ng engkanto, at nakikilala sa pamamagitan ng hindi kapani-paniwalang luho.

(Blenheim Palace, England)

Ang pinaka-kapansin-pansin at sikat na mga gusali sa oras na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng:

• ang paggamit ng mga istrukturang metal, na isang bagong imbensyon sa panahong ito, at kumakatawan sa isang kakaibang pagbabago;
• kumplikadong mga silhouette at disenyo na may kasamang hindi kapani-paniwalang mga kumbinasyon ng magagandang elemento, kabilang ang mga turret at bay window;
• ang kayamanan at iba't ibang mga anyo ng arkitektura, ang kasaganaan ng iba't ibang mga kumbinasyon ng mga teknolohiya para sa paggamit ng mga bakal na haluang metal na may bato at salamin;
• ang gusali ay nakakakuha ng visual lightness, ang mga manipis na anyo ay nagpapahintulot sa iyo na lumikha ng kahit na napakalaking mga gusali na may kaunting bulkiness.

Ang pinakatanyag na tulay ng panahong ito ay nilikha noong 1779 sa Inglatera, at itinapon sa ibabaw ng Ilog Severn. Ito ay may medyo maikling haba, higit lamang sa 30 metro, ngunit ito ang unang tulad ng istraktura. Nang maglaon, ang mga tulay na higit sa 70 metro ay nilikha, at pagkatapos ng ilang taon, ang mga istrukturang cast-iron ay nagsimulang gamitin sa pagtatayo ng mga gusali.

Ang mga gusali ay may hanggang 4-5 palapag, at ang mga panloob na layout ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga asymmetric na hugis. Ang kawalaan ng simetrya ay makikita rin sa mga facade ng panahong ito, at ang mga huwad na sala-sala sa mga bintana ay ginagawang posible upang bigyang-diin ang naaangkop na mood. Maaari ka ring gumamit ng mga stained glass na bintana, na totoo lalo na para sa mga simbahan at katedral.

Ang sining ng romantikismo ay nabuo sa polemics na may klasiko. Sa aspetong panlipunan, ang paglitaw ng romantikismo ay nauugnay sa Dakilang Rebolusyong Pranses noong ika-18 siglo; ito ay lumitaw bilang isang reaksyon ng pangkalahatang sigasig tungkol sa simula nito, ngunit bilang isang malalim na pagkabigo sa mga kakayahan ng isang tao kapag ito ay natalo. Bukod dito, ang romantikismo ng Aleman ay itinuring na isang walang dugong bersyon ng Rebolusyong Pranses.

Bilang isang kilusang ideolohikal at masining, ipinapahayag ng romantisismo ang sarili nito sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. Ito ay lumitaw lalo na bilang isang uso sa panitikan - dito ang aktibidad ng mga romantiko ay mataas at matagumpay. Ang musika ng panahong iyon ay hindi gaanong makabuluhan: ang mga vocal, instrumental na musika, musikal na teatro (opera at ballet) ng romantisismo ay bumubuo pa rin ng batayan ng repertoire ngayon. Gayunpaman, sa visual at spatial arts, hindi gaanong malinaw na ipinakita ang romantikismo sa bilang ng mga nilikhang gawa at sa kanilang antas. Ang romantikong pagpipinta ay umabot sa antas ng mga obra maestra sa Alemanya at Pransya, ang natitirang bahagi ng Europa ay nahuhuli. Hindi kaugalian na pag-usapan ang arkitektura ng romantikismo. Tanging ang sining ng paghahardin ay nagpapakita ng ilang pagka-orihinal dito, at kahit na ang mga romantiko ay nabuo dito ang ideya ng isang English landscape, o natural, parke. Mayroon ding isang lugar para sa ilang neo-gothic na tendensya ng romansa na nakita ang kanilang sining sa serye: gothic - baroque - romanticism. Mayroong maraming mga neo-gothic sa mga bansang Slavic.

Pinong sining ng romantikismo

Noong siglo XVIII. ang terminong "romantiko" ay nangangahulugang "kakaiba", "kamangha-manghang", "kaakit-akit". Madaling makita na ang mga salitang "romance", "roman" (knightly) ay napakalapit sa etymologically.

Noong ika-19 na siglo ang termino ay binibigyang kahulugan bilang pangalan ng isang kilusang pampanitikan, kabaligtaran sa mga setting nito sa klasisismo.

Sa visual arts, ang romantikismo ay nagpakita ng kawili-wiling sa pagpipinta at mga graphic, hindi gaanong malinaw sa iskultura. Ang pinaka-pare-parehong paaralan ng romantisismo ay binuo sa France, kung saan nagkaroon ng matigas na pakikibaka laban sa dogmatismo at abstract rationalism sa opisyal na sining sa diwa ng akademikong klasisismo. Ang nagtatag ng romantikong paaralan ng pagpipinta ay Theodore Géricault (1791-1824). Nag-aral siya sa mga masters ng classicism, ngunit, sa pagkakaroon ng pinanatili mula sa classicism ng isang ugali sa pangkalahatan heroized imahe, Gericault sa unang pagkakataon ay ipinahayag sa pagpipinta ng isang pakiramdam ng salungatan ng mundo, isang pagnanais para sa isang nagpapahayag na pagpapahayag ng mga makabuluhang kaganapan sa ating panahon. . Ang mga unang gawa ng artist ay nagpapakita ng isang mataas na emosyonalidad, ang "nerve" ng panahon ng Napoleonic wars, kung saan mayroong maraming katapangan ("Opisyal ng mga horse rangers ng imperial guard, na sumasalakay", "Nasugatan na cuirassier na umaalis sa larangan ng digmaan"). Sila ay minarkahan ng isang trahedya na saloobin, isang pakiramdam ng pagkalito. Ang mga bayani ng klasisismo ay hindi nakaranas ng gayong mga damdamin o hindi nagpahayag ng mga ito sa publiko at hindi nag-aestheticize ng kawalan ng pag-asa, pagkalito, mapanglaw. Ang mga kaakit-akit na canvases ng mga Romantikong artista ay dynamic na pininturahan, ang pangkulay ay pinangungunahan ng isang madilim na tono, na pinasigla ng matinding mga accent ng kulay, mapusok na impasto stroke.

Lumilikha si Gericault ng isang hindi kapani-paniwalang dynamic na larawan ng "Pagpapatakbo ng mga libreng kabayo sa Roma." Dito, nangunguna siya sa pagiging mapanghikayat ng paglipat ng paggalaw ng lahat ng mga naunang artista. Ang isa sa mga pangunahing gawa ng Gericault ay ang pagpipinta na "The Raft of the Medusa". Sa loob nito, inilalarawan niya ang mga tunay na katotohanan, ngunit sa gayong kapangyarihan ng pangkalahatan na nakita ng mga kontemporaryo dito hindi ang imahe ng isang partikular na pagkawasak ng barko, ngunit ang buong Europa sa kawalan ng pag-asa. At iilan lamang, ang mga pinakamatiyagang tao ay nagpapatuloy sa pakikibaka para mabuhay. Ang artista ay nagpapakita ng isang kumplikadong hanay ng mga damdamin ng tao - mula sa madilim na kawalan ng pag-asa hanggang sa isang mabagyong pagsabog ng pag-asa. Ang dynamics ng canvas na ito ay tinutukoy ng dayagonal ng komposisyon, kamangha-manghang pagmomodelo ng mga volume, magkakaibang mga pagbabago sa liwanag at lilim.

Nagawa ni Gericault na patunayan ang kanyang sarili bilang master ng portrait genre. Dito rin siya kumikilos bilang isang innovator, na tumutukoy sa mga makasagisag na detalye ng genre ng portrait. Sa "Portrait of a twenty-year-old Delacroix" at sa self-portraits, ang ideya ng isang romantikong artist bilang isang independiyenteng tagalikha, isang maliwanag, emosyonal na personalidad ay ipinahayag. Inilatag niya ang mga pundasyon para sa romantikong larawan, sa kalaunan ay isa sa pinakamatagumpay na romantikong genre.

Sumali rin si Gericault sa tanawin. Naglalakbay sa paligid ng Inglatera, nagulat siya sa kanyang hitsura at nagbigay pugay sa kanyang mga kagandahan, na lumilikha ng maraming mga pagpipinta ng landscape, na pininturahan sa parehong langis at watercolor. Sila ay mayaman sa kulay, banayad sa pagmamasid, walang estranghero sa panlipunang kritisismo. Tinawag sila ng artist na "Malalaki at maliliit na English suite". Napaka tipikal para sa isang romantikong tawagin ang pictorial cycle bilang isang terminong pangmusika!

Sa kasamaang palad, ang buhay ni Gericault ay maikli, ngunit inilatag niya ang pundasyon para sa isang maluwalhating tradisyon.

Mula noong 1820s naging pinuno ng mga romantikong pintor Ferdinand Victor Eugene Delacroix (1798-1863). Naranasan niya ang isang malakas na impluwensya ni Gericault, kung kanino siya ay kaibigan mula sa bangko ng estudyante. Pinag-aralan niya ang pagpipinta ng mga matandang master, lalo na si Rubens. Naglakbay sa paligid ng England, ay nabighani sa pagpipinta ng Constable. Si Delacroix ay nagtataglay ng madamdamin na ugali, malakas na malikhaing imahinasyon at mataas na kahusayan. Mula sa mga unang hakbang sa propesyonal na larangan, determinadong sinusunod ni Delacroix ang mga romantiko. Ang unang pagpipinta na ipinakita niya ay sina Dante at Virgil sa isang bangka na tumatawid sa Styx ("Dante's Boat"). Ang larawan ay puno ng trahedya, madilim na kalunos-lunos. Sa susunod na canvas, "Massacre on Chios," tumugon siya sa mga totoong kaganapan na may kaugnayan sa pagdurusa ng mga Griyego mula sa pamatok ng Turko. Dito ay hayagang ipinahayag niya ang kanyang posisyon sa pulitika, na pumanig sa mga Griyego sa labanan, kung kanino siya nakiramay, habang ang gobyerno ng Pransya ay nanligaw sa Turkey.

Ang pagpipinta ay nagdulot ng parehong pag-atake sa pulitika at sining, lalo na pagkatapos na muling isulat ni Delacroix, na naimpluwensyahan ng gawa ni Constable, ang pagpipinta sa mas magaan na kulay. Bilang tugon sa pagpuna, nilikha ng artist ang canvas na "Greece on the ruins of Missolunga", kung saan muli niyang tinutukoy ang nasusunog na tema ng pakikibaka ng Greece para sa pagpapalaya mula sa Turkish yoke. Ang pagpipinta na ito ni Delacroix ay mas simboliko, isang babaeng figure na may nakataas na kamay sa isang kilos ng alinman sa pagmumura sa mga mananakop, o sa isang panawagan na lumaban, ay nagpapakilala sa buong bansa. Tila inaasahan ang imahe ng Kalayaan sa paparating, pinakatanyag na gawa ng artista.

Sa paghahanap ng mga bagong bayani, malalakas na personalidad, madalas na bumaling si Delacroix sa mga imaheng pampanitikan ni Shakespeare, Goethe, Byron, Scott: "Tasso in a lunatic asylum", "The Death of Sardanapalus", "The Murder of the Bishop of Liege"; gumagawa ng mga lithograph para sa "Faust", "Hamlet", na nagpapahayag ng mga pinaka banayad na kulay ng damdamin ng mga karakter, na nakakuha ng papuri ni Goethe. Nilapitan ni Delacroix ang fiction sa paraan ng paglapit ng kanyang mga nauna sa Kasulatan, na ginagawa itong walang katapusang pinagmumulan ng paksa para sa mga pagpipinta.

Noong 1830, sa ilalim ng direktang impluwensya ng Rebolusyong Hulyo, nagpinta si Delacroix ng isang malaking canvas na "Liberty Leading the People" ("Freedom at the Barricades"). Sa itaas ng makatotohanang itinatanghal na mga pigura ng mga kalahok sa rebolusyonaryong pakikibaka, mahihirap, karamihan sa mga kabataan, na inspirasyon ng pakikibaka, isang kahanga-hangang babae ang lumipad, na nakapagpapaalaala sa mga "henyo" ng Veronese. Siya ay may isang banner sa kanyang mga kamay, ang kanyang mukha ay inspirasyon. Ito ay hindi lamang isang alegorya ng kalayaan sa diwa ng klasisismo, ito ay isang matayog na simbolo ng rebolusyonaryong salpok. Gayunpaman, imposibleng iwanan ang buhay, sensual na pigura ng babae - siya ay kaakit-akit. Ang larawan ay naging kumplikado, kaakit-akit, pabago-bago.

Tulad ng isang tunay na romantiko, naglalakbay si Delacroix sa mga kakaibang bansa: Algeria, Morocco. Mula sa paglalakbay, nagdadala siya ng limang mga pagpipinta, kung saan ang "Lion Hunt sa Morocco", na tila isang pagkilala sa kanyang minamahal na Rubens.

Si Delacroix ay nagtatrabaho nang husto bilang isang dekorador, na lumilikha ng mga monumental na gawa sa mga palasyo ng Bourbon at Luxembourg, mga simbahan sa Paris. Patuloy siyang nagtatrabaho sa genre ng portrait, na lumilikha ng mga larawan ng mga tao sa panahon ng romanticism, tulad ng F. Chopin. Ang pagkamalikhain Delacroix ay kabilang sa mga taas ng pagpipinta ng XIX na siglo.

Pagpipinta at graphics Romantikismo ng Aleman may posibilidad na maging sentimental sa karamihan. At kung ang romantikong panitikan ng Aleman ay talagang bumubuo ng isang buong panahon, kung gayon hindi mo masasabi ang pareho tungkol sa visual arts: sa panitikan mayroong "Storm and Onslaught", at sa visual arts - ang idealization ng patriarchal life ng pamilya. Sa ganitong kahulugan, pagkamalikhain Ludwig Richter (1803-1884): "Forest spring near Aricci", "Wedding procession in spring", atbp. Nagmamay-ari din siya ng maraming mga guhit sa mga tema ng mga engkanto at katutubong kanta, na ginawa sa isang medyo tuyo na paraan.

Ngunit mayroong isang malakihang pigura sa romantikismo ng Aleman na hindi maaaring lampasan. ito Caspar David Friedrich (1774-1840). Siya ay isang pintor ng landscape at nag-aral sa Academy of Fine Arts sa Copenhagen. Nang maglaon ay nanirahan siya sa Dresden at nagturo.

Ang kanyang istilo ng landscape ay orihinal, ang mga kuwadro na gawa ay naaalala mula sa unang pagpupulong, nadama sa kanila na ang mga ito ay mga landscape ng isang romantikong artista: palagi nilang ipinapahayag ang mga detalye ng isang romantikong pananaw sa mundo. Ipininta niya ang mga tanawin ng timog Alemanya at baybayin ng Baltic, mga ligaw na bato na tinutubuan ng mga kagubatan, mga buhangin ng disyerto, at isang nagyeyelong dagat. Minsan ang mga tao ay naroroon sa kanyang mga pagpipinta, ngunit bihira nating makita ang kanilang mga mukha: ang mga pigura, bilang panuntunan, ay tumalikod sa manonood. Hinangad ni Friedrich na ihatid ang elemental na kapangyarihan ng kalikasan. Hinanap niya at natuklasan ang pagkakatugma ng mga natural na puwersa at mga mood at pakikipagsapalaran ng tao. At kahit na sinasalamin niya ang buhay nang tumpak, ang sining ni Friedrich ay hindi makatotohanan. Ang natakot na mga kritiko ng sining ng Sobyet sa kamakailang nakaraan, kaunti ang isinulat tungkol sa artista, halos walang mga pagpaparami sa kanya. Ngayon ang sitwasyon ay nagbago, at maaari naming tamasahin ang malalim na espirituwalidad ng kanyang mga kuwadro na gawa, ang mapanglaw na hiwalay na pagmumuni-muni ng mga landscape ni Friedrich. Ang malinaw na ritmo ng komposisyon, ang kalubhaan ng pagguhit ay pinagsama sa kanyang mga gawa na may mga kaibahan ng chiaroscuro, mayaman sa mga epekto ng pag-iilaw. Ngunit kung minsan si Friedrich ay dumarating sa kanyang emosyonalidad sa aching melancholy, isang pakiramdam ng kahinaan ng lahat ng bagay sa mundo, sa pagkahilo ng isang mystical kawalan ng ulirat. Ngayon ay nakararanas tayo ng pagsulong ng interes sa gawain ni Friedrich. Ang kanyang pinakamatagumpay na mga gawa ay ang "Death of Nadezhda in the Ice", "Monastic Cemetery under the Snow", "Mass in a Gothic Ruin", "Sunset on the Sea" at iba pa.

AT Ang romantikong Ruso maraming kontradiksyon sa pagpipinta. Bilang karagdagan, sa loob ng maraming taon ay pinaniniwalaan na ang isang mahusay na artista ay isang realista. Ito marahil ang dahilan kung bakit itinatag ang opinyon na sina O. Kiprensky at A. Venetsianov, V. Tropinin at maging si A. Kuindzhi ay mga realista, na tila sa amin ay hindi tama, sila ay mga romantiko.

Kategorya ng Mga Detalye: Iba't ibang istilo at uso sa sining at ang kanilang mga tampok Nai-post noong 02.08.2015 17:33 Mga Pagtingin: 4575

Ang Romantisismo, na pinapalitan ang Enlightenment at dumaan sa sentimentalismo, ay itinatag ang sarili sa kulturang Europeo noong huling bahagi ng ika-18 at unang kalahati ng ika-19 na siglo.

Ang ideolohikal at masining na direksyong ito ay kabaligtaran ng klasisismo at ng Enlightenment. At ang harbinger ng romanticism ay sentimentalism. Ang lugar ng kapanganakan ng romantikismo ay Alemanya.

Pilosopiya ng Romantisismo

Pinagtibay ng Romantisismo ang kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao. Ngunit, maaari kang tumutol, ito rin ang inaangkin ng sentimentalismo. Kaya ano ang pagkakaiba sa pagitan nila?
Oo, ang protesta laban sa kawalan ng espirituwalidad at pagkamakasarili ay makikita na sa sentimentalismo. Ang romantikismo ay nagpapahayag ng pagtanggi na ito nang matalas. Ang romantikismo sa pangkalahatan ay isang mas kumplikado at magkasalungat na kababalaghan kaysa sa sentimentalismo. Kung sa sentimentalismo ang ideal ay ang kaluluwa ng isang simpleng tao, na nakikita ng mga sentimentalista hindi lamang bilang katumbas ng kaluluwa ng isang aristokrata, ngunit kung minsan ay mas mataas at mas marangal, kung gayon ang romantisismo ay interesado hindi lamang sa kabutihan, kundi pati na rin sa kasamaan, na kahit na sumusubok na parangalan; interesado rin siya sa diyalektika ng mabuti at masama sa tao (tandaan ang pangunahing tauhan ng nobelang A Hero of Our Time ni M.Yu. Lermontov).

M. Vrubel. Ilustrasyon para sa nobela ni Lermontov na "Isang Bayani ng Ating Panahon". Duel Pechorin kay Grushnitsky

Ang mga romantikong makata ay nagsimulang gumamit ng mga larawan ng mga anghel, lalo na ang mga nahulog, sa kanilang mga gawa. Halimbawa, interes sa imahe ng isang demonyo: ilang mga tula at ang tula na "Demonyo" ni Lermontov; isang ikot ng mga pagpipinta na nakatuon sa demonyo ni M. Vrubel.

M. Vrubel "Nakaupo na Demonyo"
Ang mga romantiko ay naghangad na malutas ang misteryo ng pag-iral ng tao, bumaling sa kalikasan, nagtitiwala sa kanilang relihiyoso at patula na damdamin. Ngunit sa parehong oras, sinusubukan ng romantikong pag-isipang muli ang relihiyon.
Ang isang romantikong bayani ay isang kumplikado, madamdamin na tao, na may malalim, ngunit magkasalungat na panloob na mundo - ito ay isang buong uniberso. M.Yu. Sinabi ni Lermontov sa kanyang nobela: "Ang kasaysayan ng kaluluwa ng tao, kahit na ang pinakamaliit na kaluluwa, ay halos mas mausisa at mas kapaki-pakinabang kaysa sa kasaysayan ng isang buong tao." Ang mga tampok na katangian ng romantikismo ay isang interes sa malakas at matingkad na damdamin, lahat-ng-ubos na mga hilig, sa mga lihim na paggalaw ng kaluluwa.
Ang isa pang tampok ng romantisismo ay ang interes sa alamat, alamat, engkanto. Sa romantikong Ruso, ang ballad at romantikong drama ay nagiging tanyag na mga genre. Salamat sa mga pagsasalin ni Zhukovsky, nakilala ng mga mambabasa ng Russia ang mga ballad, I.V. Goethe, F. Schiller, W. Scott, at pagkatapos noon maraming makata ang bumaling sa ballad genre: A.S. Pushkin ("Ang Awit ng Propetikong Oleg", "Ang Nalunod na Tao"), M.Yu. Lermontov ("Airship", "Mermaid"), A.K. Tolstoy at iba pa. At isa pang genre ng panitikan ang naitatag sa Russia, salamat kay V. Zhukovsky - elehiya.
Ang mga romantiko ay interesado sa iba't ibang mga makasaysayang panahon, ang kanilang pagka-orihinal, pati na rin ang mga kakaiba at mahiwagang bansa at mga pangyayari. Ang paglikha ng genre ng nobelang pangkasaysayan ay isang merito rin ng romantikismo. Ang tagapagtatag ng makasaysayang nobela ay si V. Scott, ngunit higit na umuunlad ang genre na ito sa mga gawa ni F. Cooper, A. Vigny, V. Hugo at iba pa.
At ang isa pang tampok ng romantikismo (malayo sa nag-iisa) ay ang paglikha ng sarili nitong, espesyal na mundo, mas maganda at totoo kaysa sa realidad. Ang romantikong bayani ay nabubuhay sa mundong ito, masigasig na ipagtanggol ang kanyang kalayaan at naniniwala na hindi siya napapailalim sa mga patakaran ng labas ng mundo, ngunit sa kanyang sariling mga patakaran.
Sa panahon ng romantisismo nagkaroon ng pag-usbong ng panitikan. Ngunit, hindi katulad ng panitikan ng sentimentalismo, ang panitikang ito ay hindi nabakuran sa mga suliraning panlipunan at pampulitika.

I.K. Aivazovsky, I.E. Repin "Ang Paalam ni Pushkin sa Dagat" (1877)
Ang isang makabuluhang lugar sa gawain ng mga romantiko (sa lahat ng uri ng sining) ay inookupahan ng tanawin - una sa lahat, ang dagat, bundok, kalangitan, mga bagyong elemento, kung saan ang bayani ay may mga kumplikadong relasyon. Ang kalikasan ay maaaring maging katulad ng madamdamin na katangian ng isang romantikong bayani, ngunit maaari rin itong labanan siya, maging isang pagalit na puwersa kung saan siya ay pinilit na labanan.

I. Aivazovsky "The Ninth Wave" (1850). State Russian Museum (Petersburg)
Sa iba't ibang bansa, ang kapalaran ng romantikismo ay may sariling katangian.

Romantisismo sa pagpipinta

T. Gericault

Maraming mga artista mula sa iba't ibang bansa sa Europa ang sumulat sa istilo ng romantikismo. Ngunit sa mahabang panahon, ang romantikismo ay nakikipaglaban sa klasisismo. At pagkatapos lamang ng paglitaw ng pagpipinta ni Theodore Gericault na "The Raft of the Medusa", na itinuturing na makabagong, kinikilala ng mga tagasunod ng istilong pang-akademiko ang romantikismo bilang isang bagong artistikong direksyon sa sining, kahit na ang pagpipinta sa una ay natanggap na hindi sinasang-ayunan. Ngunit ang larawang ito ang nagmarka ng simula ng romantikismong Pranses. Sa France, ang mga tradisyon ng klasisismo ay malakas, at ang bagong direksyon ay kailangang pagtagumpayan ang pagsalungat.

T. Géricault "The Raft of the Medusa" (1819). Canvas, langis. 491 x 716 cm Louvre (Paris)
Ang balangkas ng larawan ay ang kuwento ng frigate na "Medusa", na, dahil sa kawalan ng kakayahan ng kapitan, ay bumagsak sa baybayin ng Senegal noong 1816. Sinubukan ng 140 na mga pasahero at tripulante na tumakas sa pamamagitan ng paglapag sa isang balsa. Sa ika-12 araw lamang ay dinampot sila ng Argus brig, ngunit 15 katao lamang ang nakaligtas. Noong 1817, dalawa sa kanila, ang inhinyero na si Correard at ang surgeon na si Henri Savigny, ay magsusulat ng isang libro tungkol sa trahedyang ito.
Si Théodore Géricault, tulad ng marami pang iba, ay nagulat sa nangyari kay Medusa. Nakipag-usap siya sa mga nakasaksi sa kaganapan, gumagawa ng mga sketch ng mga pinatay at namamatay, nagsusulat ng daan-daang sketch ng rumaragasang dagat. At kahit na ang larawan ay nakikilala sa pamamagitan ng isang kulay ng monochrome, ang pangunahing bentahe nito ay nasa malalim na sikolohiya ng sitwasyon na inilalarawan sa canvas.
Ang isa pang pinuno ng romantikong trend sa European painting ay ang Pranses na pintor at graphic artist na si Eugene Delacroix.

Eugene Delacroix "Self-portrait" (1837)
Ang kanyang pagpipinta na Liberty Leading the People (1830) ay batay sa Rebolusyong Hulyo ng 1830, na nagtapos sa rehimeng Pagpapanumbalik ng monarkiya ng Bourbon.
Ang babaeng inilalarawan sa gitna ng larawan ay sumisimbolo ng kalayaan. Siya ay may takip na Phrygian sa kanyang ulo (isang simbolo ng kalayaan o rebolusyon), sa kanyang kanang kamay ay ang bandila ng Republican France, sa kanyang kaliwang kamay ay isang baril. Ang hubad na dibdib ay sumisimbolo sa dedikasyon ng mga Pranses noong panahong iyon, na may "hubad na dibdib" ay pumunta sa kaaway. Sa paligid ng Kalayaan, isang manggagawa, isang burges, isang binatilyo, na sumasagisag sa pagkakaisa ng mga mamamayang Pranses noong Rebolusyong Hulyo. Iminumungkahi ng ilang mga istoryador ng sining at kritiko na inilarawan ng artist ang kanyang sarili bilang isang tao sa isang nangungunang sumbrero sa kaliwa ng pangunahing karakter.

O. Kiprensky "Self-portrait" (1828)
Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836) - sikat na Russian artist, graphic artist at pintor, portrait master.

O. Kiprensky "Larawan ng A.S. Pushkin" (1827). Canvas, langis. 63 x 54 cm State Tretyakov Gallery (Moscow)
Ito marahil ang pinakatanyag na larawan ng Pushkin, na kinomisyon mula sa artist ng kaibigan ni Pushkin, si Delvig. Sa canvas, si Pushkin ay inilalarawan sa baywang, na naka-cross ang mga braso sa kanyang dibdib. Ang isang checkered Scottish plaid ay itinapon sa kanang balikat ng makata - kasama ang detalyeng ito na tinutukoy ng artist ang koneksyon ni Pushkin kay Byron, ang idolo ng panahon ng romantikismo.

K. Bryullov "Self-portrait" (1848)
Ang gawa ng Russian artist na si K. Bryullov ay inuri bilang akademya, ngunit ang ilan sa kanyang mga kuwadro na gawa ay ang rurok ng huling romantikong Ruso, na may kanilang pakiramdam ng trahedya at tunggalian sa buhay, interes sa malakas na hilig, hindi pangkaraniwang mga tema at sitwasyon, at sa kapalaran ng malaking masa ng tao.

K. Bryullov "Ang Huling Araw ng Pompeii" (1830-1833). Canvas, langis. 465.5 x 651 cm State Russian Museum (Petersburg)
Pinagsama ni Bryullov sa larawan ang drama ng aksyon, ang mga romantikong epekto ng pag-iilaw at ang sculptural, klasikal na perpektong plasticity ng mga figure.
Ang pagpipinta ay naglalarawan sa sikat na pagsabog ng Mount Vesuvius noong 79 AD. e. at ang pagkawasak ng lungsod ng Pompeii malapit sa Naples. Ang "Huling Araw ng Pompeii" ay naglalarawan ng romantikismo ng pagpipinta ng Russia, na may halong idealismo, isang pagtaas ng interes sa bukas na hangin at nakakaakit sa mga katulad na makasaysayang paksa. Ang malalim na sikolohiyang likas sa romantikismo ay nakakatulong upang makita ang isang personalidad sa bawat karakter: kagalang-galang at walang pag-iimbot (isang grupo ng mga tao sa ibabang kanang sulok ng larawan, may bitbit na matanda), sakim (isang pigura na nakaputi, may dalang ari-arian ng isang tao na ninakaw. ang tuso), mapagmahal (isang binata sa kanang bahagi ng pagpipinta, sinusubukang iligtas ang kanyang minamahal), isang deboto (isang ina na niyayakap ang kanyang mga anak na babae sa ibabang kaliwang sulok ng larawan), atbp.
Ang larawan ng artist sa kaliwang sulok ng larawan ay isang self-portrait ng may-akda.
Ngunit ang kapatid ng artista, Bryullov Alexander Pavlovich, ay isang kinatawan ng romantikismo sa arkitektura (bagaman isa rin siyang artista).

A. Bryullov "Self-portrait" (1830)
Gumawa siya ng mga proyekto para sa mga gusali sa St. Petersburg at sa mga paligid nito.

Ang gusali ng Mikhailovsky Theatre ay itinayo din ayon sa proyekto ng A. Bryullov.

Orthodox Church of the Holy Apostles Peter at Paul sa nayon ng Pargolovo (ngayon ay teritoryo ng St. Petersburg)

Romantisismo sa musika

M. Vodzinskaya "Portrait of F. Chopin" (1835)

Nabuo noong 1820s, nakuha ng romanticism sa musika ang buong ika-19 na siglo. at kinakatawan ng isang buong kalawakan ng mga pinaka mahuhusay na kompositor, kung saan ito ay kahit na mahirap na itangi ang isang tao o iilan upang hindi makasakit ng damdamin ng iba. Samakatuwid, susubukan naming pangalanan ang maraming pangalan hangga't maaari. Ang pinakakilalang kinatawan ng romantikismo sa musika ay sina Franz Schubert, Franz Liszt, gayundin ang mga yumaong romantikong sina Anton Bruckner at Gustav Mahler (Austria-Hungary); Ludwig van Beethoven (sa bahagi), Johannes Brahms, Richard Wagner, Anna Maria Weber, Robert Schumann, Felix Mendelssohn (Germany); Frederic Chopin (Poland); Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, maagang Giuseppe Verdi (Italy); A. A. Alyabiev, M. I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, M.P. Mussorgsky, A.P. Borodin, Ts.A. Cui, P. I. Tchaikovsky (Russia).

J. Kriehuber "Portrait of R. Schumann" (1849)
Sinubukan ng mga romantikong kompositor na ipahayag ang lalim at kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao sa tulong ng mga musikal na paraan. Ang musika ay nagiging mas embossed, indibidwal. Ang mga genre ng kanta ay umuunlad, kabilang ang ballad.

Ang pangunahing problema ng romantikong musika ay ang problema ng personalidad sa kontrahan nito sa labas ng mundo. Ang romantikong bayani ay laging nag-iisa. Ang tema ng kalungkutan ay ang pinakasikat sa lahat ng romantikong sining. Kadalasan, ang ideya ng isang taong malikhain ay nauugnay dito: ang isang tao ay nag-iisa kapag siya ay tiyak na isang pambihirang, likas na matalino na tao. Ang artista, makata, musikero ay ang mga paboritong bayani sa mga gawa ng mga romantiko (Schumann's Love of a Poet, Berlioz's Fantastic Symphony na may subtitle nito - "An Episode from the Artist's Life", ang symphonic poem ni Liszt na "Tasso").

P.I. Chaikovsky
Ang romantikong musika, tulad ng iba pang mga uri ng romantikong sining, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malalim na interes sa pagkatao ng tao, ang pamamayani ng isang personal na tono sa musika. Kadalasan ang mga musikal na gawa ay may katangian ng sariling talambuhay, na nagdala ng isang espesyal na katapatan sa musika. Halimbawa, marami sa mga gawa ng piano ni Schumann ay konektado sa kuwento ng kanyang pagmamahal kay Clara Wieck. Ang autobiographical na katangian ng kanyang mga opera ay binigyang-diin ni Wagner. Ang musika ni Chopin ay maaari ding tawaging autobiographical; ipinahayag niya ang kanyang pananabik para sa kanyang tinubuang-bayan (Poland) sa kanyang mga mazurka, polonaises, at ballads. Labis na umiibig sa Russia at kalikasan ng Russia, P.I. Si Tchaikovsky ay gumuhit ng mga larawan ng kalikasan sa marami sa kanyang mga gawa, at ang cycle ng mga piraso para sa pianoforte na "The Seasons" ay ganap na nakatuon dito.

Romantisismo sa panitikan

Magkapatid na Grimm: Wilhelm at Jacob

Ang romantikismo ay unang umusbong sa Alemanya, sa mga manunulat at pilosopo ng paaralang Jena. Ito ay isang grupo ng mga pigura ng romantikong kilusan na nagtipon noong 1796 sa unibersidad ng lungsod ng Jena (magkapatid na August Wilhelm at Friedrich Schlegel, Ludwig Tieck, Novalis). Nagsisimula silang mag-publish ng magazine ng Ateneum, kung saan bumalangkas sila ng kanilang sariling aesthetic na programa ng romanticism. Sa hinaharap, ang romantikong Aleman ay nakikilala sa pamamagitan ng isang interes sa fairy-tale at mythological motifs (ang gawain ng magkapatid na Wilhelm at Jacob Grimm, Hoffmann).

R. Westall "Portrait of Byron"
Ang isang kilalang kinatawan ng English romanticism ay si D.G. Byron, na, ayon kay A.S. Pushkin "nadamit ng mapurol na romantikismo at walang pag-asa na pagkamakasarili." Ang kanyang gawain ay puno ng mga pathos ng pakikibaka at protesta laban sa modernong mundo, ang pagluwalhati sa kalayaan at indibidwalismo.
Kasama sa romantikong Ingles ang gawain ni Shelley, John Keats, William Blake.

Prosper Merimee
Lumaganap din ang romantikismo sa ibang bansa sa Europa. Sa France, ang mga kinatawan nito ay Chateaubriand, J. Stael, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand. Sa Italy - N.U. Foscolo, A. Manzoni. Sa Poland - Adam Mickiewicz, Juliusz Slowacki at iba pa, sa USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, Edgar Allan Poe, Henry Longfellow at iba pa.

Adam Miscavige

Romantisismo sa panitikang Ruso

K. Bryullov "Larawan ni V. Zhukovsky"

Kasama sa mga romantikong makata ang K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov. Ang maagang tula ng A. S. Pushkin - sa loob ng balangkas ng romantikismo. Ang rurok ng romantikong Ruso ay itinuturing na tula ni M. Yu. Lermontov, na tinawag na "Russian Byron".

P. Zabolotsky. “Larawan ni M.Yu. Lermontov sa kapa ng Life Guards Hussar Regiment "(1837)
Ang personalidad at kaluluwa ay ang pangunahing katotohanan ng pagiging para kay Lermontov, ang pag-aaral ng pagkatao at kaluluwa ng tao ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa. Sa paggalugad ng mga pinagmulan ng mabuti at masama, dumating si Lermontov sa konklusyon na ang mabuti at masama ay hindi umiiral sa labas ng isang tao, ngunit sa kanyang sarili. Samakatuwid, imposibleng umasa na ang isang tao ay magbabago para sa mas mahusay bilang isang resulta ng isang pagbabago sa mundo. Kaya naman halos ganap na kawalan ng mga panawagan ang makata upang ipaglaban ang katarungang panlipunan. Ang pangunahing pokus ni Lermontov ay ang kaluluwa ng tao at ang kanyang espirituwal na landas.
Ang pilosopikal na liriko ng F. I. Tyutchev ay kumpletong romantikismo sa Russia.

F. I. Tyutchev (1860-1861). Larawan ni S. Levitsky
F.I. Hindi itinuring ni Tyutchev ang kanyang sarili na isang makata (nagsilbi siya bilang isang diplomat), ngunit ang lahat ng kanyang mga tula ay autobiographical at puno ng mga pilosopikal na pagmumuni-muni tungkol sa mundo at tao dito, tungkol sa mga kontradiksyon na nagpapahirap sa kaluluwa ng tao, tungkol sa kahulugan ng buhay at kamatayan. .

Manahimik, magtago at magtago
At damdamin, at ang iyong mga pangarap -
Hayaan sa kaibuturan ng kaluluwa
Tumayo sila at pumasok
Tahimik, tulad ng mga bituin sa gabi,
Humanga sila - at tumahimik.

Paano maipahayag ng puso ang sarili?
Paano ka maiintindihan ng ibang tao?
Maiintindihan ba niya kung paano ka nabubuhay?
Ang thought spoken ay isang kasinungalingan.
Sumasabog, abalahin ang mga susi, -
Kumain sila - at tumahimik.

Tanging alam mo kung paano mamuhay sa iyong sarili -
Mayroong isang buong mundo sa iyong kaluluwa
Mahiwagang mahiwagang kaisipan;
Ang ingay sa labas ay mabibingi sila
Magkakalat ang mga sinag sa araw, -
Makinig sa kanilang pag-awit - at tumahimik! ..
_______________
* Katahimikan! (lat.)

Nasabi na natin nang higit sa isang beses na ang isang artista, makata o kompositor ay hindi palaging gumagana sa isang uri ng artistikong istilo. Bilang karagdagan, ang artistikong istilo ay hindi palaging umaangkop sa isang tiyak na yugto ng panahon. Kaya, ang mga tampok ng anumang artistikong istilo ay matatagpuan anumang oras. Minsan ito ay isang fashion (halimbawa, ang istilo ng Empire ay biglang sumikat muli kamakailan), kung minsan ito ay ang pangangailangan ng artist para sa isang paraan ng pagpapahayag ng sarili.