Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang propesyonal na pagsasanay ng isang guro ng musika ay hindi maiisip nang hindi pinagkadalubhasaan ang pamamaraan ng konduktor. Maraming mga libro ang naisulat tungkol sa pamamaraan ng pagsasagawa, ang mga may-akda nito ay mga kilalang guro ng choirmaster. Ang batayan ng pagsasagawa ay ang makasaysayang itinatag na sistema ng mga kilos, sa tulong kung saan ginagabayan ang pagganap ng koro.

Ang pamamaraan ng pagsasagawa ay nauunawaan bilang wika ng mga kamay, sa tulong nito, kasama ang isang nagpapahayag na hitsura at mga ekspresyon ng mukha, ipinarating ng konduktor sa koponan ang kanyang pag-unawa sa gawaing musikal, ang tunog na imahe nito. Sa pagsasagawa ng pamamaraan, kaugalian na makilala sa pagitan ng dalawang function: ang timing function at ang expressive function. Ang timing (metronomation) ay ang pagpapatupad ng isang scheme na hindi nagpapahayag ng likas na katangian ng musika, ang dynamics nito at iba pang mga tampok. Ang gawain ng nagpapahayag na pag-andar ay upang ipakita ang panloob na kahulugan, emosyonal at makasagisag na nilalaman ng akda. Ito ang wika ng mga kamay, sa tulong ng kung saan, na sinamahan ng isang nagpapahayag na hitsura at mga ekspresyon ng mukha, ipinarating ng konduktor sa grupo ang kanyang pag-unawa sa gawaing musikal, ang tunog na imahe nito.

Ang mga pangunahing prinsipyo ng kilos ng konduktor ay ekonomiya, katumpakan, katumpakan, ritmo, katiyakan, aktibidad, ningning, pagiging simple, pagiging natural, katumpakan.

Ang pangunahing paraan ng pagkontrol sa koro ay ang aparato ng konduktor - ito ang mga kamay, mukha, katawan - ang buong hitsura ng konduktor.

Ang katawan ay tuwid, kalmado, walang pag-igting, ang mga binti ay matatag, ang mga balikat ay naka-deploy, ang ulo ay bahagyang nakataas. Ang pagpapahayag ng mukha, ang mga ekspresyon ng mukha ay ang pinakamahalagang kondisyon para sa mahusay na pagganap. Ang mga kamay (balikat, bisig, kamay) ay dapat na malaya sa pag-igting ng kalamnan kapwa sa kilos ng mga indibidwal na bahagi nito at sa kanilang pagkakaugnay. Ang kamay ay ang pinaka-nagpapahayag na bahagi ng kamay, maaari nitong ihatid ang lahat ng uri at karakter ng mga isinagawa na gawa.

Pangunahing posisyon ng konduktor:

Ang mga braso ay dinadala pasulong sa antas ng dibdib.

Bahagyang nakayuko ang mga siko, na may pakiramdam ng ilang "higpit" sa kisame.

Ang bisig ay parallel sa sahig.

Ang mga brush ay bahagyang nakataas at nakadirekta sa mga mang-aawit.

Ang mga daliri ay malayang nakahiwalay, bahagyang bilugan.

Mga function ng kanan at kaliwang kamay.

Ang kanang kamay ay nagpapakita ng:

a) subdivision ng orasan (clocking);

b) isang sukatan ng oras (ang oras ng pagbabahagi);

c) ang bilis at katangian ng kilusan.

Kasabay nito, ang kanang kamay ay hindi pinagkaitan ng pagsasagawa ng mga nagpapahayag na gawain.

Kaliwang kamay:

a) umaakma sa tama sa pagpapahayag ng dynamics, tempo at likas na katangian ng sound science;

b) pinapalitan ang kanang kamay sa pagpapakita ng mga pagpapakilala;

c) iwasto ang mga posibleng pagkakamali.

Ang mga function ng mga kamay ay maaaring magbago depende sa mga kinakailangan ng pagganap, tanging ang metronoming function ay hindi inilipat sa isang kaliwang kamay.

Ang matagal na pagsasagawa gamit ang dalawang kamay (dalawang kamay) ay dapat na iwasan kung pareho silang gumaganap ng parehong gawain, na madaling hawakan ng isang kanang kamay.

Sa mga gawa na may instrumental na saliw, ang paghihiwalay ng mga kamay ay ipinahayag nang mas malinaw. Ang saliw ay karaniwang pinangungunahan ng kanang kamay, ang pangunahing himig na may ritmikong pattern ay tinutugtog ng kaliwang kamay.

Ang scheme ng konduktor ay isang kondisyon na pagpapahayag ng istraktura ng panukat, ang bilang ng mga beats sa paggalaw ng mga kamay ng konduktor.

Ang una - bilang pinakamalakas - ay karaniwang nakadirekta mula sa itaas hanggang sa ibaba. Ang mga mahihinang bahagi ay matatagpuan sa mga gilid o pataas.

Sa paggalaw ng mga kamay ayon sa pamamaraan, dapat magkaroon ng malinaw na kahulugan ng sunod-sunod na malakas at mahinang oras sa panukala.

Ang sandali na nag-aayos ng mga mukha ng mga pagbabahagi ng sukatan at nag-uugnay sa mga ito ay tinatawag na isang punto. Kasabay ito ng pagtatapos ng nakaraang beat at simula ng susunod at mahalagang elemento sa bawat kilos ng konduktor. Ang punto ay dapat na malinaw sa anumang tempo, na may anumang dinamika, nagbabago alinsunod sa likas na katangian ng piyesa. Sa pagpapatupad nito, ang brush ay pinakamahalaga.

Sa pagsasagawa, ang bawat kilos ay dapat na dumaloy nang maayos sa isa pa upang ang koneksyon ng mga beats ay natural, tuloy-tuloy, walang haltak at hihinto. Ang paggalaw ng mga kamay na pumupuno sa oras sa pagitan ng dalawang punto ay tinatawag na bahagi. Ito ay binubuo, kumbaga, ng dalawang halves - pasibo at aktibo, nakadirekta patungo sa isang punto, patungo sa isang hinto. Kinakailangang makinig sa una at, lalo na, sa ikalawang kalahati ng kilusan, hindi pinapayagan itong paikliin.

Ang pagsasagawa ay isang mahigpit na pinag-isipan at maayos na sistema ng auftacts - mga paunang paggalaw. Ang mga galaw ng paghinga, pagpasok, pag-alis, pagsisimula ng isang bagong tempo, dynamics, stroke ay nauuna sa pamamagitan ng isang auxiliary swing (auftact), na maaaring bigyang-kahulugan bilang isang kilos ng paghahanda.

Ang simula ng pagganap ng isang gawain ay binubuo ng tatlong elemento: pansin, paghinga, pagpapakilala.

Pansin - sinusuri ng konduktor sa kanyang mga mata ang antas ng kahandaan ng koro, ang katatagan ng kanyang atensyon. Ang mga kamay ay dinala pasulong sa isang maikling paggalaw sa posisyon ng "pansin". Ang estado ng atensyon ay hindi dapat ma-overexposed.

Hininga. Ang mga kamay mula sa posisyon ng "pansin" ay malayang bumangon. Bilang tugon sa kilos na ito, huminga ang koro. Ang kilos ng paghinga ay sumasalamin sa bilis, dynamics at likas na katangian ng pagpapakilala.

Panimula - ang mga kamay ay gumagalaw pababa nang may aktibong paggalaw, hanggang sa puntong nag-aayos ng beat kung saan nagsisimula ang tunog.

Ang pagtanggap ng pagtatapos ng sonority ay binubuo rin ng tatlong sandali: ang paglipat sa wakas, ang paghahanda ng wakas at ang wakas mismo.

Ang paglipat sa dulo ay ipinahayag sa paunang inaasahang pagtigil ng tunog at ang kaukulang sikolohikal na setting para sa pagkilos na ito. Ang sandali ay medyo katulad ng sandali na "pansin".

Ang paghahanda para sa pagtatapos ay binubuo sa isang paunang kilos, na katumbas ng kahulugan sa sandali ng "paghinga". Dapat din itong sumasalamin sa tempo, dinamika at katangian ng piyesa.

Ang pagtatapos o "pag-alis" na kilos ay ginagawa din sa tempo, dynamics at likas na katangian ng naputol na tunog. Ang pag-alis ay maaaring idirekta pababa, palayo sa iyo, patungo sa iyo. Kinakailangan na alisin ang tunog, ang chord sa paraang magiging maginhawa upang ipakita muli ang pagpapakilala, kung kinakailangan.

Sa choral music, maraming halimbawa ng introductions pagkatapos ng main metric beat, ang tinatawag na crushed introduction. Ang umiiral na pamamaraan ng espesyal na konduktor ay ang mga sumusunod: ang konduktor ay nagpapakita ng isang tuldok sa simula ng beat (na may pulso push). Ang koro sa kilusang ito ay humihinga. Pagkatapos ay gumagalaw ang kamay ng konduktor sa direksyon ng beat, at ang koro sa oras na ito ay pumasok, kumanta ng bahagi. Tiyak na pinakikinggan ito ng konduktor, pagkatapos ay ipinapakita ang punto ng susunod na beat.

Ang pamamaraan ng isang durog na pagpapakilala ay muling ginawa sa isang paggalaw, sa kaibahan sa isang pamamaraan na medyo katulad sa pangalan sa "pagdurog".

Naubos ang pagdurog:

a) sa mga gawa ng mabagal na tempo, kung saan ang pangunahing yunit ng panukat ay karaniwang nahati;

b) sa mga kaso ng allargando, ritardando, ritenuto;

c) sa gawaing pag-eensayo upang bigyang-diin ang kalinawan at kalinawan ng istraktura ng metro-ritmo sa mga teknikal na mahirap na lugar sa marka.

Ang batayan ng matagumpay na pagsasagawa ay mastering ang teknikal na pagpapatupad ng mga scheme ng konduktor.

Isaalang-alang ang mga scheme ng simple, kumplikado, halo-halong (asymmetrical) na laki at mga pangunahing tagubilin para sa kanilang pagpapatupad.

kanin. 1. Sizing chart

Kasama sa mga simple ang dalawang bahagi at tatlong bahagi na laki, na may isang malakas na beat bawat sukat.

Ang dalawang-bahaging sukat ay ginagawa sa pamamagitan ng paggalaw ng kamay pababa sa punto ng unang bahagi at papunta sa gilid at pataas. Ang pangalawa (mahina) - mula sa ibaba pataas. Ang paggalaw na ito ay dapat maglaman ng kaunting lakas upang maihanda ang unang (malakas) na beat.

Ang triple time signature ay ang pinaka-maginhawa para sa pagsasagawa.

Ang unang beat ay ipinapakita na ang buong kamay ay eksaktong pababa, inaayos ang punto.

Ang pangalawang beat ay inihanda sa isang bahagyang paggalaw pataas at sa gilid, nagmamadali sa isang punto na matatagpuan sa parehong eroplano tulad ng una.

Ang pangatlo, huling beat ng measure, na naghahanda ng unang beat na kasunod nito, ay ipinapakita ng isang mas aktibong paggalaw kaysa sa pangalawa (ang pinakamahina) at palaging mula sa ibaba pataas. Ang punto ng ikatlong beat ay nasa itaas ng pangalawa.

Ang kumplikadong (apat na bahagi, anim na bahagi, siyam na bahagi, labindalawang bahagi) na mga sukat ay binubuo ng ilang simple at pare-parehong sukat.

Ang quadruple size ay binubuo ng dalawang dalawang bahagi na laki. Ito ang batayan para sa pagtatayo ng iba pang mga scheme. Ipinapakita nito ang lahat ng apat na pangunahing direksyon ng kilos. Dito, bilang karagdagan sa malakas at mahina na mga bahagi, lumilitaw ang isang medyo malakas - ang pangatlo. Ang unang beat ay pinababa, ang pangalawa, nakadirekta sa loob, ay naglalaman ng enerhiya para ihanda ang susunod, medyo malakas na beat. Ang pangatlo ay ipinapakita ng aktibong paggalaw ng buong braso palayo sa iyo. Ang pang-apat na beat ay ang huling, gaya ng nakasanayan, pataas.

Ang natitirang mga sukat ay binuo batay sa dalawang bahagi, tatlong bahagi o apat na bahagi na mga scheme, na inuulit ang direksyon ng malakas at medyo malakas na pagbabahagi.

Ang six-beat time signature ay isinasagawa sa anim sa four-beat pattern. Ang istraktura nito ay dalawang simpleng tatlong beats (3+3).

Ang una - isang malakas na beat at ang pang-apat - isang medyo malakas, ay ipinapakita sa pakikilahok ng buong braso mula sa balikat kasama ang kanilang paunang paghahanda sa nakaraang oras.

Ang mga mahihina (pangalawa, pangatlo, ikalima at ikaanim) ay ginaganap pangunahin gamit ang isang brush, na may pakiramdam ng isang bahagyang dimensional na vibration ng kamay.

Ang pangalawa at ikalimang inuulit ang direksyon ng una at ikaapat na bahagi, ayon sa pagkakabanggit, ngunit mas maliit sa dami; ang pangatlo - sa iyong sarili; ang ikaanim (huling bahagi) - mula sa gilid pataas.

Dapat malaman ng mag-aaral:

ang istraktura ng aparato ng konduktor;

pangunahing mga prinsipyo ng paglalagay ng kamay (kalayaan, plasticity ng mga paggalaw, graphic na kalinawan ng mga linya);

posisyon ng katawan, binti, ulo, posisyon ng mga kamay;

ang likas na katangian ng mga paggalaw ng konduktor (pagpapahayag, kalooban, pagiging awtoritatibo, pinakamababang paggasta ng pagsisikap, aktibong impluwensya ng kilos).

Ang pag-aaral ng pagsasagawa ng pamamaraan ay karaniwang nagsisimula sa pagtatanghal ng dula ng aparato ng konduktor - unti-unti, pare-pareho at sistematikong pag-master ng sistema ng paggalaw ng konduktor, napapailalim sa ilang mga prinsipyo:

kadalian at kalayaan sa paggalaw;

ang kanilang kalinawan at kakayahang makita;

kapakinabangan at ekonomiya;

"paghahanda at pag-iwas" ng mga paggalaw, dahil ang likas na katangian ng pagsasagawa ay ang kilos ay "nagmumungkahi" ng dinamika, pagbigkas, emosyonal na kahulugan ng musika, ang dinamika ng pagganap, at, samakatuwid, ay bumangon nang mas maaga kaysa sa sonority;

sound science, dahil ang pagsasagawa ng isang koro ay ang pamamahala ng tunog ng pagkanta. Samakatuwid - ang paghahanap para sa isang kilos na pinakatumpak na nagpapahayag ng paghinga ng pag-awit, sound science, pagbigkas, pagpapatuloy ng tunog ng boses, atbp.

Napakahalaga dito postura, hitsura ng konduktor. Samakatuwid, kapag nagsisimula ng mga klase, dapat mong kontrolin ang iyong sarili sa harap ng salamin. Kailangan mong tumayo nang pantay-pantay at tuluy-tuloy, nang hindi yumuyuko, nang hindi nakayuko, malayang iikot ang iyong mga balikat. Ito ay mahalaga sa frame ay mahigpit, nagpahayag ng malakas na kalooban na aktibidad, pagpapasiya, ang pagkakaroon ng kalooban, upang kapag nagsasagawa siya ay mananatiling medyo hindi kumikibo, ngunit sa anumang kaso higpit. Ang mga paggalaw ng katawan ay pinapayagan lamang ang mga nagpapabuti sa pagpapahayag ng mga aksyon ng mga kamay.

Posisyon mga ulo ay tinutukoy ng katotohanan na ang mukha ng konduktor ay dapat palaging nakaharap sa koro, na malinaw na nakikita ng lahat ng mga kalahok nito. Ang mga ekspresyon ng mukha ay dapat sapat na nagpapahayag, na nagpapakita ng nilalaman ng musika hangga't maaari. Ang isang walang malasakit, walang malasakit na tao ay lubos na binabawasan ang impluwensya ng konduktor sa pangkat na pinamumunuan. Ang kanyang titig ay gumaganap ng isang espesyal na papel sa pakikipag-ugnay sa koro, walang salita na naghahatid ng ilang impormasyon sa kanila.

Mga binti dapat magbigay sa katawan ng matatag at matatag na posisyon. Dapat kang tumayo nang bahagyang nakahiwalay ang iyong mga paa, ang isang binti ay bahagyang pasulong, na nagbibigay ng tamang suporta sa buong katawan. Mahalaga na patuloy na mapanatili ang pagkalastiko sa mga binti, huwag yumuko ang mga ito sa mga kasukasuan ng tuhod at huwag i-tap ang matalo.

Arms - ang pangunahing bahagi ng aparato ng konduktor. Ang mga kilos ay dapat na libre, natural, sa parehong oras matipid at tumpak. Ang braso ay binubuo ng kamay, bisig (ang gitnang bahagi ng braso sa pagitan ng kamay at siko) at ang itaas na braso (ang itaas na bahagi ng braso sa pagitan ng siko at ang magkasanib na balikat). Kapag nagsasagawa, ang kamay ay dapat nasa isang pahalang na posisyon na ang palad ay nakaharap pababa. Ang pagbabago ng mga posisyon ng kamay (gilid pababa, palad pataas) ay posible sa mga pambihirang kaso bilang isang espesyal na piniling pamamaraan ng konduktor.

Mga daliri ang mga kamay ay dapat na nasa isang bahagyang baluktot na posisyon (na parang nakahiga sa isang bola), na nakolekta, ngunit hindi pinindot laban sa isa't isa. Kapag nagsasagawa, ang mga daliri ay dapat manatiling medyo hindi gumagalaw, sa kaibahan sa kamay, na libre at nagagalaw sa pulso, sensitibo, handa para sa anumang paggalaw.

Ang tamang posisyon ng katawan, binti at braso ay isang kinakailangang kondisyon para sa pag-set up ng aparato ng konduktor.

Paksa : Pag-orasan.

Dapat malaman ng mag-aaral:

ang pagkakaiba sa pagitan ng tiyempo at pagsasagawa;

ang istraktura ng paggalaw ng bahagi sa mga scheme ng pagsasagawa;

pag-aayos ng gilid ng pangunahing pagbabahagi (punto), isang pakiramdam ng pagkakaloob;

malakas at mahinang mga beats ng panukat;

konsepto ng auftactic, mga uri ng auftactic;

tatlong sandali ng pagpasok (pansin, paghinga, pagpasok);

mga diskarte sa pagtatapos (paghahanda ng paggalaw at pag-alis);

Ang mag-aaral ay dapat magagawang:

maunawaan ang istraktura ng paggalaw ng mga pagbabahagi sa panahon ng clocking;

ipakita ang aftakt;

wastong bumuo ng malakas at mahinang mga beats ng sukat na may kilos ng konduktor;

kilos ng tatlong sandali ng pagpasok, pag-alis.

Ang pag-aaral ng disiplina na "Choral Conducting" ay nagsisimula sa orasan (metronome). Ang mga paggalaw ng kamay sa panahon ng clocking ay medyo simple. "Ang pagbibilang ng mga metric na bahagi sa pamamagitan ng paggalaw ng kamay alinsunod sa mga scheme ng orasan ay karaniwang tinatawag na "metric clocking" (K. Ptitsa). Hindi pa isinasagawa ang metric timing , dahil wala itong mga elemento ng kasiningan, ngunit ito ang batayan kung saan nakabatay ang pagsasagawa.

Ang mga pangunahing gawain ng metric timing ay binabawasan sa pag-aayos ng ritmo ng pagganap, paghahatid ng malinaw na pattern ng mga scheme ng orasan, at pagpapakita ng malakas at mahinang oras sa isang sukat.

Ang isang napakahalagang punto ay ang paghalili ng malakas at mahinang mga beats ng sukat. Ang pagsasagawa ng panukat ay dapat na malinaw na nagpapakita ng paghahalili na ito, na may partikular na atensyon sa malakas na oras.

malakas na palo ay ang pangunahing sandali ng pag-oorganisa ng pagsasagawa, ito ang dahilan ng pangunahing fulcrum ng kilusan.

sa pagsasagawa malakas na palo Mayroon itong palagi direksyon mula sa itaas hanggang sa ibaba (sa anumang metro), medyo malakas - malayo sa konduktor , mahinang beats kumpol sa paligid ng malalakas na beats .

Upang ang malakas na beat ay maging pinakamahalaga, mabigat, namumukod-tangi sa pamamaraan ng konduktor, dapat itong maisagawa nang tama. malakas na bahagi, bilang isang panuntunan, ay may mas kapansin-pansin, maliwanag na pag-indayog sa harap nito, at ang pababang paggalaw ay ginagawa nang may mas maraming enerhiya, na tumataas habang papalapit ito. "punto". Ang pagpapatupad ng isang malakas na beat sa pamamagitan ng isang volitional na paggalaw ay nauugnay sa presyon sa piston. Sa sandaling maabot ang "punto" ng malakas na beat sa eroplano, kinakailangan na pakiramdam suporta sa mga kamay. Pagkatapos magsagawa ng malakas na beat, ang kamay ay agad na binitawan at ang susunod na beat (mahina) ay inihanda.

Ang mga malalakas na beats (maliban sa mga espesyal na kaso ng pagbigkas) sa scheme ay dapat na mag-iba mula sa mahinang beats hindi gaanong sa amplitude ng mga paggalaw tulad ng sa panloob na kayamanan ng kilos. Ang tamang pagganap ng malalakas na beats, ang kakayahang magpalit ng muscular activity na may kumpletong pagpapalabas ay nagbibigay sa hinaharap ng isang malinaw na kilos, ang makapangyarihang kamay, na napakahalaga para sa konduktor kapag nakikipag-usap sa ensemble. Ang pagwawalang-bahala sa sandaling ito, ang pagmamaliit nito, ay humahantong sa katotohanan na ang konduktor ay pinalaki ng "walang laman", mahinang mga kamay. Walang alinlangan, ang likas na katangian ng musikang ginagampanan, iba't ibang sound science, ay gumagawa ng mga pagsasaayos sa sagisag ng malalakas na sandali sa kamay, dahil hindi sila maaaring gumanap sa pareho at monotonous na paraan.

Kung sa bahagi ng konduktor indayog ay ang pangunahing babala sandali, pagkatapos punto sandali - hepe pag-oorganisa.

Ang "Punto" ay hindi isang hinto, ngunit ang gilid ng isang bahagi. Ang intensity ng "punto" ay depende sa likas na katangian ng musika: maaari itong maging matalim, matalim, o malambot, bukal. Ngunit palagi, sa anumang bilis at dinamika, ang "punto" ay dapat na malinaw at tumpak.

Isipin ang isang malaking bulwagan ng konsiyerto. Nakaupo na ang audience. Ang lahat sa paligid ay puno ng solemne na kagalakan ng pag-asa, na pamilyar sa mga madalas na bisita sa mga konsiyerto ng symphony. Ang orkestra ay pumasok sa entablado. Sinalubong siya ng palakpakan. Ang mga musikero ay nakaayos sa mga grupo at ang bawat isa ay nagpatuloy sa pag-tune ng kanyang instrumento na nagsimula sa backstage. Unti-unti, ang hindi pagkakatugma na kaguluhan ng mga tunog ay humupa, at ang konduktor ay lumilitaw sa entablado. Muling narinig ang palakpakan. Ang konduktor ay umakyat sa isang maliit na plataporma, sumasagot ng mga pagbati, bumabati sa mga miyembro ng orkestra. Pagkatapos ay tumayo siya nang nakatalikod sa madla, mahinahon at malayang tumitingin sa paligid ng orkestra. Isang alon ng kamay - at ang bulwagan ay puno ng mga tunog.

At ano ang susunod na mangyayari? Ang orkestra ay tumutugtog, ang konduktor ang namamahala sa pagtatanghal. Ngunit kung paano nagpapatuloy ang prosesong ito, kung paano nabuo ang "mga ugnayan" sa pagitan ng konduktor at ng symphony ensemble, ay nananatiling isang tunay na misteryo para sa maraming mga amateurs (at hindi lamang para sa mga amateurs), isang "lihim na may pitong seal".

Hindi lihim na maraming mga tagapakinig, na hindi naiintindihan ang mga kumplikadong "relasyon" na ito, ay nagtaas ng tanong nang direkta at mapanlikha: bakit, sa katunayan, kailangan mo ng isang konduktor? Pagkatapos ng lahat, isang daang propesyonal na manlalaro ng orkestra ang nakaupo sa entablado, sa mga console sa harap nila ay mga tala kung saan ang lahat ng mga detalye at mga kakulay ng pagganap ay naitala. Hindi ba sapat para sa sinuman sa mga musikero na ipakita ang paunang sandali ng pagpapakilala (ito ay eksakto kung ano ang ginagawa nila sa mga maliliit na ensemble ng silid), at, sa pagsunod sa mga tagubilin ng may-akda, ang mga manlalaro ng orkestra mismo, nang walang tulong ng isang konduktor, ay isagawa ang buong gawain mula simula hanggang wakas? Pagkatapos ng lahat, sa katunayan, ang ilang mga amateurs ay nangangatuwiran, kahit na ang isang mahusay na konduktor ay hindi makapagtatama ng anuman kung walang magagaling na mga soloista sa orkestra at ang ilang mga makabuluhang episode ay tunog hindi nagpapahayag, walang lasa o mali (at nangyayari rin ito!). O kabaliktaran - ang isang walang karanasan o mababang talento na konduktor ay nakatayo sa likod ng podium ng isang first-class symphony orchestra, at sa kasong ito ang koponan ay tinutulungan lamang ang kasamahan nito, na parang tinatakpan ang lahat ng kanyang mga pagkukulang sa kanyang husay at kasanayan. (Sa mga musikero, sikat ang isang ironic na tirada na minsang binigkas ng isang matandang orchestra player tungkol sa isa sa mga konduktor na ito: “Hindi ko alam kung ano ang gagawin niya, pero tutugtugin namin ang Beethoven’s Fifth Symphony.”)

Sa katunayan, mayroong ilang sentido komun sa mga hatol na ito. Ito ay kilala na ang mga maliliit na orkestra noong ika-17-18 na siglo ay gumanap nang walang konduktor, at tanging ang pinaka-kinakailangang mga tagubilin ay ibinigay ng unang biyolinista o tagapalabas na nakaupo sa harpsichord. Ang karanasan ng tinatawag na Persimfans (ang unang symphony ensemble), na nagtrabaho sa Moscow sa pagliko ng 1930s, ay kawili-wili din; ang pangkat na ito, na hindi kailanman gumanap kasama ng mga konduktor, ay nakamit ang malalaking resulta sa pamamagitan ng matiyaga at maingat na gawain sa pag-eensayo. Ngunit kung paanong ang isang modernong teatro ay hindi maiisip kung walang direktor, iyon ay, walang isang layunin na plano, kaya ang isang modernong orkestra ng simponya ay imposible nang walang konduktor. Para sa tanong ng interpretasyon—maalalahanin, maingat, maalalahanin—ay, sa esensya, ang tanong ng lahat ng tanong.

Kung walang maliwanag, indibidwal, kahit na kontrobersyal, ngunit orihinal na interpretasyon, wala at hindi maaaring maging symphonic (at anumang iba pang) performance ngayon. At kung sa bukang-liwayway ng kanilang pag-unlad, ang mga sining tulad ng teatro at sinehan ay hindi nangangailangan ng isang direktor (sa oras na iyon ang kaakit-akit na puwersa at bagong bagay ng mga sining na ito ay napakahusay), kung gayon ang orkestra ng symphony sa isang maagang yugto ng pag-unlad (sa kalagitnaan- ikalabing walong siglo) ay libre sa walang pinuno. Posible rin ito dahil ang symphonic organism mismo ay hindi kumplikado noong mga panahong iyon: ito ay isang kolektibo kung saan hindi hihigit sa 30 musikero ang tumugtog, at kakaunti ang mga independiyenteng tinig ng orkestra; upang maisagawa ang gayong marka, medyo maliit na bilang ng mga pag-eensayo ang kailangan. At ang pinakamahalaga, ang sining ng paggawa ng musika, iyon ay, ang pagtugtog nang magkasama nang walang paunang paghahanda, ang tanging anyo ng pagtatanghal noon. Samakatuwid, nakamit ng mga musikero ang isang mataas na antas ng koordinasyon ng grupo, na naglalaro nang walang pinuno. Malinaw, ang mga tradisyon ng medieval musical culture, pangunahin ang mga tradisyon ng choral singing, apektado dito. Bilang karagdagan, ang mga instrumental na marka noong ika-18 na siglo ay medyo hindi kumplikado: maraming mga komposisyon ng nakaraang panahon, ang panahon ng polyphonic (i.e., polyphonic) na pagsulat, ay nagpakita ng mas malaking paghihirap para sa pagganap. At, sa wakas, ang mga tanong ng interpretasyon ay hindi sumasakop sa isang mahalagang posisyon alinman sa musikal na agham o sa musikal na aesthetics. Tama, matapat na pagpaparami ng musikal na teksto, propesyonal na kasanayan at mahusay na panlasa - lahat ng ito ay higit pa sa sapat para sa pagganap ng anumang trabaho, maging ito ay simpleng paggawa ng musika sa bahay o isang pampublikong konsiyerto sa isang malaking bulwagan.

Ngayon ang sitwasyon ay nagbago nang malaki. Ang pilosopikal na kahalagahan ng symphonic na musika ay hindi masusukat, at ang pagganap nito ay naging mas kumplikado. Kahit na iwanan natin ang mga isyu ng interpretasyon, na napakahalaga sa ating panahon, kung gayon sa kasong ito ay hindi kapaki-pakinabang na alisin ang orkestra ng isang konduktor. Sa katunayan, kung ang isang may karanasan at may kaalaman na konduktor ay maaaring matuto ng isang mahirap na komposisyon na may isang orkestra sa 3-4 na pag-eensayo, kung gayon ang isang pangkat na walang pinuno ay mangangailangan ng tatlong beses na mas maraming oras para sa parehong gawain. Ang mga modernong marka ay puno ng masalimuot na interweaving ng iba't ibang boses, sopistikadong rhythmic figure, at hindi inaasahang kumbinasyon ng timbre. Upang maitunog ang ganitong uri ng marka nang walang tulong ng isang konduktor, kahit na ang pinaka-maingat na trabaho ay hindi sapat. Sa kasong ito, kinakailangan na ang bawat miyembro ng orkestra, bilang karagdagan sa isang hindi nagkakamali na kaalaman sa kanyang sariling bahagi, ay ganap na nakakaalam ng buong marka sa kabuuan. Ito ay hindi lamang magpapalubha sa proseso ng paggawa sa mga komposisyon, ngunit nangangailangan din ng maraming karagdagang oras para sa parehong indibidwal at pangkat na pag-aaral. Gayunpaman, ang lahat ng mga gastos ay maaaring isakripisyo kung ang pangunahing isyu ay nalutas - ang interpretasyon ng trabaho. Ito ay malinaw na sa kawalan ng isang konduktor, maaari naming makipag-usap, sa pinakamahusay na, tungkol sa tumpak, propesyonal na karampatang pagpaparami ng musika. Ang masigla, maliwanag, malalim na pag-iisip na pagganap sa kasong ito ay hindi inaasahan: ang mga musikero ay makakatuon lamang sa mga indibidwal na mga fragment at nuances, at para sa kabuuan, mas tiyak, ang pinakadiwa ng komposisyon, ang intensyon nito, emosyonal. at ideolohikal at masining na subtext, kung gayon ay walang dapat sisihin para dito. Samakatuwid, ngayon ang isang malaking grupo ng symphony ay hindi magagawa nang walang pinuno: ang orkestra ngayon ay naging masyadong kumplikado at magkakaibang, at ang gawain ng pamamahala nito ay dapat lutasin ng isang makapangyarihang musikero na matatas sa mahirap ngunit marangal na propesyon ng isang konduktor.

Ang propesyonal na sining ng pagsasagawa na nauugnay sa orkestra ay umiral nang mahigit dalawang siglo. Kasabay nito, ang mga kinakailangan para sa pinagmulan nito ay lumitaw noong sinaunang panahon. Nabatid na ang musika sa bukang-liwayway ng pag-unlad nito ay hindi mapaghihiwalay sa salita, kilos, ekspresyon ng mukha, mula sa prinsipyo ng sayaw. Kahit na ang mga primitive na tribo ay gumamit ng mga primitive na instrumentong percussion, at kung wala sila sa kamay, pagkatapos ay ang pagpalakpak, matalim na paggalaw ng kamay, atbp. ay nagsisilbi upang bigyang-diin ang mga ritmikong accent. Ito ay kilala na sa sinaunang Greece ang musika at sayaw ay nasa pinakamalapit na commonwealth: maraming mananayaw ang sumubok upang ipahayag ang nilalaman ng isang gawaing musikal sa pamamagitan ng purong plastik na paraan. Siyempre, ang mga sinaunang sayaw ay walang kinalaman sa pagsasagawa, ngunit ang mismong ideya ng paghahatid ng nilalamang musikal sa pamamagitan ng mga kilos at ekspresyon ng mukha ay walang alinlangan na malapit sa sining ng pagsasagawa. Hindi bababa sa, ang pakiramdam ng malalakas na ritmikong bahagi sa musika ay palaging pumukaw ng pagnanais na bigyang-diin ang mga ito sa pamamagitan ng isang alon ng kamay, isang tango ng ulo, atbp. Nang lumitaw ang isang koro sa sinaunang teatro ng Griyego, ang pinuno nito, sa pagkakasunud-sunod upang mapadali ang magkasanib na pag-awit, talunin ang oras sa isang malakas na pag-stamp ng kanyang paa. Malinaw, ang pinakasimpleng purong physiological reflex na ito ay maaaring ituring na mikrobyo ng sining ng pagsasagawa.

Sa mga bansa sa Silangan, bago pa ang ating panahon, naimbento ang tinatawag na cheironomy - isang espesyal na paraan upang makontrol ang koro sa tulong ng mga conditional hand gestures at galaw ng daliri. Ang musikero na nagdirekta sa pagganap ay nagpahiwatig ng ritmo, ang direksyon ng melody (pataas o pababa), iba't ibang mga dynamic na shade at nuances. Kasabay nito, ang isang buong sistema ng mga kilos ay binuo, kung saan ang bawat tiyak na paggalaw ng kamay o daliri ay tumutugma sa isa o ibang pamamaraan ng pagpapatupad. Ang pag-imbento ng cheironomy ay isang makabuluhang tagumpay ng sinaunang musikal na kasanayan, gayunpaman, na sa Middle Ages, ang pagiging kumplikado ng paglalapat ng naturang mga diskarte sa pagsasagawa at ang kanilang puro conventionality ay naging halata. Wala silang ginawa upang maihatid ang pinakadiwa ng musikang ginaganap, ngunit sa halip ay nagsilbing pantulong, mnemonic tool.

Ang pinakasimpleng, visual na mga galaw na ginamit noong unang panahon sa kolektibong pagganap (stomping ang paa, pare-parehong pagwawagayway ng mga kamay, pagpalakpak) ay nakatulong upang magtatag ng isang malakas na grupo sa mga tuntunin ng visual at auditory. Sa madaling salita, nakita ng mga gumaganap kung paano binibigyang-diin ng pinuno ang isang tunog gamit ang isang kilos, at bilang karagdagan, narinig nila kung paano ang parehong tunog ay binibigyang diin sa pamamagitan ng isang sipa, pagpalakpak, atbp. Gayunpaman, ang lahat ng mga kilos na ito ay nakakuha ng isang tunay na kahulugan lamang sa pagdating. ng modernong sistemang musical notation. Tulad ng alam mo, ang kasalukuyang paraan ng notasyon na may paghahati sa mga sukat (ang sukat ay isang maliit na piraso ng isang piraso ng musika na nakapaloob sa pagitan ng dalawang malakas, ibig sabihin, mga accented beats.) ay sa wakas ay naitatag sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. Ngayon ay nakita ng mga musikero sa mga nota ang isang bar line na naghihiwalay sa isang ritmikong accent mula sa isa pa, at kasabay ng mga accent na ito na naitala sa musical notation, naramdaman nila ang kilos ng konduktor kung saan ang parehong ritmikong beats ay binibigyang diin. Ito ay lubos na pinadali ang pagganap, binigyan ito ng isang makabuluhang karakter.

Noong unang kalahati ng ika-15 siglo, bago pa man dumating ang modernong musikal na notasyon, isang battuta, isang malaking mahabang patpat na may dulo, ay nagsimulang gamitin upang kontrolin ang koro. Ang pagsasagawa sa tulong nito ay nakatulong na mapanatili ang ensemble, dahil ang atensyon ng mga gumaganap ay nakatuon sa trampolin: hindi lamang ito solid sa laki at, siyempre, malinaw na nakikita mula sa lahat ng mga punto ng yugto ng konsiyerto, ngunit din eleganteng dinisenyo, maliwanag at makulay. Ang mga ginto at pilak na trampoline ay madalas na tinutukoy bilang royal wands. Sa katangiang ito ng sinaunang pamamaraan ng pagsasagawa na ang trahedya na kuwento na nangyari noong 1687 kasama ang sikat na Pranses na kompositor na si Lully ay konektado: sa isang konsyerto, nasugatan niya ang kanyang binti gamit ang isang battuta at hindi nagtagal ay namatay dahil sa gangrene na nabuo pagkatapos ng suntok...

Ang pagsasagawa sa tulong ng isang trampolin ay, siyempre, may mga makabuluhang disbentaha. Una, ang pagkakaroon ng isang solidong "instrumento" sa kanyang pagtatapon, ang konduktor ay hindi maaaring pamahalaan ang koponan nang madali at nababaluktot; lahat ng pagsasagawa ay nabawasan, sa esensya, sa mekanikal na pagkatalo ng oras. Pangalawa, ang mga suntok na ito ay hindi maaaring makagambala sa normal na pang-unawa ng musika. Samakatuwid, noong ika-17 at ika-18 siglo, ang masinsinang paghahanap ay ginawa para sa isang paraan ng tahimik na pagsasagawa. At ang gayong paraan ay natagpuan. Sa halip, natural itong lumitaw sa pagdating ng isang espesyal na pamamaraan sa pagsasanay sa musika, na tinatawag na pangkalahatang bass, o digital bass. Ang general bass ay isang conditional recording ng accompaniment sa upper voice: bawat bass note ay sinamahan ng digital designation na nagsasaad kung aling mga chords ang ipinahiwatig sa lugar na ito; ang tagapalabas, sa kanyang sariling paghuhusga, ay maaaring mag-iba ng mga pamamaraan ng musikal na pagtatanghal, pinalamutian ang mga chord na ito na may iba't ibang mga harmonic figurations. Naturally, kinuha ng konduktor ang mahirap na gawain ng pag-decipher ng bass general. Umupo siya sa harpsichord at nagsimulang pamahalaan ang koponan, pinagsasama ang mga function ng conductor mismo at ang musikero-improviser. Sa paglalaro kasama ang ensemble, ipinahiwatig niya ang tempo na may mga paunang chord, binigyang diin ang ritmo na may mga accent o mga espesyal na figurations, gumawa ng mga indikasyon sa kanyang ulo, mga mata, at kung minsan ay tinutulungan ang kanyang sarili sa mga sipa.

Ang pamamaraang ito ng pagsasagawa ay pinaka-matatag na itinatag sa pagtatapos ng ika-17 - simula ng ika-18 siglo sa opera, at kalaunan sa pagsasanay sa konsiyerto. Kung tungkol sa pagtatanghal ng choral, ginamit pa rin dito ang stick o rolled-up notes. Noong ika-18 siglo, minsan ay nagsagawa sila sa tulong ng isang panyo. Gayunpaman, sa maraming pagkakataon, ang pinuno ng orkestra o koro ay nilimitahan ang kanyang mga tungkulin sa simpleng paghampas ng oras. Ang mga nangungunang musikero ay masigasig na nakipaglaban sa hindi na ginagamit na pamamaraan na ito. Ang kilalang German musical figure noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, si Johann Mattheson, ay sumulat, hindi nang walang pangangati: marahil ay iniisip nila na ang kanilang binti ay mas matalino kaysa sa kanilang ulo, at samakatuwid ay ipinapasa nila ito sa kanilang binti.

Gayunpaman, mahirap para sa mga musikero na tanggihan ang malakas na paghampas ng beat - ang diskarteng ito ay masyadong nakaugat sa konsiyerto at pagsasanay sa pag-eensayo. Ngunit matagumpay na pinagsama ng mga pinaka-sensitibo at mahuhusay na pinuno ang naturang timing sa mga nagpapahayag na mga galaw ng kamay, kung saan sinubukan nilang bigyang-diin ang emosyonal na bahagi ng musikang ginaganap.

Kaya, sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, dalawang paraan ng pagsasagawa ang nagbanggaan sa buhay musikal: sa isang kaso, ang konduktor ay nakaupo sa harpsichord at pinamunuan ang ensemble, na gumaganap ng isa sa mga nangungunang bahagi ng orkestra; sa kabilang banda, ang bagay ay nabawasan sa oras ng pagkatalo, pati na rin ang ilang karagdagang mga kilos at galaw. Ang pakikibaka sa pagitan ng dalawang paraan ng pagsasagawa ay nalutas sa medyo hindi inaasahang paraan. Sa esensya, ang mga pamamaraang ito ay pinagsama sa isang kakaibang paraan: sa tabi ng conductor-harpsichordist, lumitaw ang isa pang pinuno; siya ang unang violinist, o, bilang siya ay tinatawag sa koponan, accompanist. Habang tumutugtog ng biyolin, madalas siyang huminto (ang natitirang bahagi ng orkestra, siyempre, ay nagpatuloy sa pagtugtog) at sa oras na iyon ay nagsagawa ng busog. Siyempre, mas maginhawa para sa mga musikero na tumugtog sa ilalim ng kanyang direksyon: hindi tulad ng kanyang kasamahan, na nakaupo sa harpsichord, nagsagawa siya habang nakatayo at, bilang karagdagan, tinulungan siya ng busog. Kaya, ang papel ng conductor-harpsichordist ay unti-unting nabawasan sa zero, at ang concertmaster ay naging nag-iisang pinuno ng ensemble. At nang siya ay ganap na tumigil sa paglalaro at nagpasya na "makipag-usap" sa orkestra lamang sa tulong ng mga kilos, ang tunay na pagsilang ng isang konduktor sa modernong kahulugan ng salita ay dumating.

Ang paglitaw ng pagsasagawa bilang isang independiyenteng propesyon ay pangunahing nauugnay sa pag-unlad ng symphonic na musika, higit sa lahat sa matinding pagtaas ng pilosopikal na kahalagahan nito. Noong ika-18 siglo, ang symphony, sa pamamagitan ng pagsisikap ng mga kompositor ng iba't ibang paaralan at uso, ay umalis sa genre ng pang-araw-araw, inilapat, kadalasang lokal na musika, at unti-unting naging kanlungan para sa mga bagong ideya. Inilagay nina Mozart at Beethoven ang symphony sa isang par sa nobela, sa madaling salita, ang symphonic genre ay hindi na mababa sa panitikan sa mga tuntunin ng lakas ng epekto at lalim ng nilalaman nito.

Ang mga romantikong kompositor ay nagdala ng isang mapaghimagsik na espiritu sa symphonic na musika, isang hilig sa mga subjective na mood at mga karanasan, at higit sa lahat, pinunan nila ito ng partikular na programmatic na nilalaman. Ang instrumental na konsiyerto ay sumasailalim din sa mga makabuluhang pagbabago (iyon ay, isang konsiyerto para sa isang solong instrumento na may isang orkestra), ang mga unang halimbawa kung saan mula pa noong simula ng ika-18 siglo, sa gawain ni A. Vivaldi, J. S. Bach, G. Handel.

Sa simula ng ika-19 na siglo, ipinanganak ang genre ng overture ng konsiyerto, nang maglaon - ang symphonic poem, suite, rhapsody. Ang lahat ng ito ay kapansin-pansing nagbago sa hitsura ng symphony orchestra at sa paraan ng pamamahala nito. Samakatuwid, ang dating pinuno, na tumugtog sa ensemble at sabay-sabay na nagbigay ng mga tagubilin sa mga musikero, ay hindi na maisakatuparan ang kumplikado at magkakaibang mga tungkulin ng pamamahala ng isang bagong uri ng orkestra. Ang mga gawain ng isang ganap na sagisag ng isang symphonic na gawa kasama ang multi-color na instrumentasyon nito, malaking sukat at mga tampok ng musikal na anyo ay naglalagay ng mga kinakailangan ng isang bagong pamamaraan, isang bagong paraan ng pagsasagawa. Kaya ang mga pag-andar ng pinuno ay unti-unting naipasa sa musikero, na hindi direktang lumahok sa laro ng ensemble. Ang unang tumayo sa isang espesyal na plataporma ay ang Aleman na musikero na si Johann Friedrich Reichardt. Nangyari ito sa pinakadulo ng ika-18 siglo.

Sa hinaharap, ang pamamaraan ng pagsasagawa ay patuloy na napabuti. At tungkol sa mga "panlabas" na mga kaganapan sa kasaysayan ng sining ng konduktor, medyo kakaunti ang mga ito. Noong 1817, unang ipinakilala ng German violinist at kompositor na si Ludwig Spohr ang isang maliit na baton ng conductor para magamit. Ang pagbabagong ito ay agad na kinuha sa maraming bansa. Ang isang bagong paraan ng pagsasagawa ay itinatag din, na nakaligtas hanggang sa araw na ito: ang konduktor ay hindi humarap sa publiko, tulad ng nakagawian noon, ngunit ang orkestra, at sa gayon ay naidirekta ang lahat ng kanyang pansin sa pangkat na kanyang pinamunuan. Sa lugar na ito, ang priyoridad ay pag-aari ng mahusay na kompositor ng Aleman na si Richard Wagner, na matapang na nagtagumpay sa mga kombensiyon ng dating konduktor's etiquette.

Paano pinangangasiwaan ng modernong konduktor ang isang orkestra?

Naturally, ang sining ng pagsasagawa, tulad ng anumang iba pang pagganap, ay may dalawang panig - teknikal at masining. Sa proseso ng trabaho - sa mga pag-eensayo at konsiyerto - sila ay malapit na magkakaugnay. Gayunpaman, kapag pinag-aaralan ang sining ng isang konduktor, dapat itong sabihin tungkol sa teknikal na bahagi - kung gayon ang "mekanika" ng isang kumplikadong bapor ng konduktor ay magiging mas malinaw...

Ang pangunahing "tool" ng konduktor ay ang kanyang mga kamay. Ang isang magandang kalahati ng tagumpay sa pagsasagawa ay nakasalalay sa pagpapahayag at kaplastikan ng mga kamay, sa mahusay na kasanayan ng kilos. Ang mayamang karanasan ng nakaraan at modernong musikal na kasanayan ay pinatunayan na ang mga pag-andar ng parehong mga kamay kapag nagsasagawa ay dapat na matalim na demarcated.

Ang kanang kamay ay abala sa orasan. Upang mas maunawaan kung paano gumagana ang kamay na ito, magsagawa tayo ng maikling paglihis sa larangan ng teoryang musikal. Alam na alam ng lahat na ang musika, tulad ng mga pangunahing proseso ng buhay - paghinga at tibok ng puso - ay tila pantay na tumitibok. Ang mga yugto ng pag-igting at paglabas ay patuloy na nagbabago dito. Ang mga sandali ng pag-igting, kapag ang mga accent ay maaaring madama sa tila maayos na daloy ng musika, ay karaniwang tinatawag na malalakas na beats, mga sandali ng pagpapahinga - mahina. Ang tuluy-tuloy na paghahalili ng naturang mga bahagi, may impit at walang accent, ay tinatawag na metro. At ang cell, ang sukat ng musical meter, ay ang beat - isang piraso ng musika na nakapaloob sa pagitan ng dalawang malakas, iyon ay, accented beats. Maaaring magkaroon ng ibang kakaibang bilang ng mga beats sa isang bar - dalawa, tatlo, apat, anim, atbp. Kadalasan sa klasikal na musika, ang mga naturang metro lang ang matatagpuan; ang pinakasimple sa mga ito ay dalawa- at tatlong-lobed. Gayunpaman, sa iba't ibang mga musikal na komposisyon, ang mga metro ay madalas na nangingibabaw na may malaking bilang ng mga beats bawat bar - lima, pito, at kahit labing isa. Malinaw na ang gayong musika ay gumagawa ng "asymmetrical" na impresyon sa tainga.

Kaya, ang kanang kamay ay abala sa timing, iyon ay, nagpapahiwatig ng mga beats ng sukat. Para sa layuning ito, may mga tinatawag na "metric grids", kung saan ang direksyon ng mga kilos sa panahon ng clocking ay tiyak na nakatakda. Kaya, sa isang two-beat meter, ang unang beat ay dapat tumunog sa sandaling huminto ang kamay ng konduktor sa panahon ng isang patayong paggalaw mula sa itaas hanggang sa ibaba (Dapat tandaan na ang mas mababang limitasyon ng posisyon ng mga kamay ng konduktor ay nasa antas ng mga nakababang siko, kung ibababa ng konduktor ang kanyang mga kamay, kung gayon ang mga manlalaro ng orkestra na nakaupo sa malalim na yugto, ay hindi makikita ang kilos ng konduktor.); sa pangalawang beat, babalik ang kamay sa orihinal nitong posisyon. Kung ang sukat ay tatlong bahagi, kung gayon ang dulo ng baton ng konduktor, na palaging nasa kanang kamay, ay maglalarawan ng isang tatsulok: ang unang bahagi ay, gaya ng dati, sa ibaba, ang pangalawa - kapag ang kamay ay dinala sa kanan at ang pangatlo - kapag bumalik sa orihinal na posisyon nito. May mga "grids" para sa mas kumplikadong mga time signature, at lahat ng mga ito ay kilala sa parehong konduktor at orkestra. Samakatuwid, ang timing ay nagsisilbing "susi" para sa komunikasyon sa pagitan ng pinuno at ng pangkat. At gaano man kaiba ang mga pamamaraan at uri ng pagsasagawa, ito ay ang timing na "palaging nananatiling canvas kung saan ang konduktor-artist ay nagbuburda ng mga pattern ng artistikong pagganap" (Malko).

Ang mga pag-andar ng kaliwang kamay ay mas magkakaibang. Minsan nakikilahok siya sa orasan. Kadalasan nangyayari ito sa mga kasong iyon kung kinakailangan na bigyang-diin ang bawat beat ng bar at sa gayon ay mapanatili ang isang malakas na grupo sa koponan. Ngunit ang pangunahing "patlang ng aplikasyon" ng kaliwang kamay ay ang globo ng pagpapahayag. Ang kaliwang kamay ng konduktor ang "gumagawa ng musika". Nalalapat ito sa pagpapakita ng lahat ng mga dynamic na shade, nuances, mga detalye ng pagganap. Imposibleng isa-isahin ang mga ito, imposibleng ilarawan nang eksakto sa mga salita, tulad ng imposibleng ilarawan ang lahat ng paraan ng paggawa ng tunog ng isang pianista o biyolinista. Gayunpaman, ang kaliwang kamay ay madalas na hindi nakikilahok sa proseso ng pagsasagawa. At hindi ito nangyayari dahil ang konduktor ay "walang sasabihin" sa kanyang kaliwang kamay. Ang mga nakaranasang at sensitibong konduktor ay palaging inilalaan ito para sa pagpapakita ng pinakamahalagang mga nuances at mga detalye, kung hindi man ang kaliwang kamay ay hindi sinasadyang maging isang salamin na imahe ng kanan at nawawala ang kalayaan nito; at ang pinakamahalaga, ang orkestra ay hindi maaaring sundin ang konduktor na may konsentrasyon kung siya ay nagsasagawa ng parehong mga kamay sa lahat ng oras at sa parehong oras ay sinusubukan upang panatilihin ang oras lamang sa kanyang kanang kamay, at nagpapakita ng mga nuances lamang sa kanyang kaliwa. Ang ganitong pagsasagawa ay parehong mahirap para sa konduktor at halos walang silbi para sa orkestra.

Samakatuwid, sa sining ng pagsasagawa (tulad ng sa sining ng musika sa pangkalahatan), mahalagang magpalit-palit ng mga sandali ng pag-igting at pagpapahinga, iyon ay, mga sandali ng matinding paggalaw, kung kailan ang bawat kilos ay dapat mapansin at madama ng mga musikero, at mga sandali ng kalmado, "tahimik" na pagsasagawa, kapag sinasadyang inilipat ng konduktor ang inisyatiba sa orkestra, at gumagawa lamang ng pinakakailangang mga tagubilin, kadalasang limitado sa halos hindi kapansin-pansing orasan. Ngunit, anuman ang nangyayari sa musika, kung ano ang emosyonal na singil nito, ang konduktor ay hindi dapat mawalan ng kontrol sa mga paggalaw ng mga kamay sa isang segundo at matatag na tandaan ang delimitation ng kanilang mga pag-andar. “Ang kanang kamay ay pumapalo, ang kaliwa ay nagpapahiwatig ng mga pagkakaiba,” ang isinulat ng Pranses na konduktor na si Charles Munch. “Ang una ay mula sa isip, ang pangalawa ay mula sa puso; at dapat laging alam ng kanang kamay kung ano ang ginagawa ng kaliwa. Ang layunin ng konduktor ay upang makamit ang perpektong koordinasyon ng kilos na may ganap na kalayaan ng mga kamay, upang ang isa ay hindi sumalungat sa isa pa ”(Sh. Munsh. Ako ay isang konduktor. M., 1960, p. 39.).

Siyempre, hindi maaaring ipakita ng konduktor sa kanyang mga kamay ang lahat ng mga detalye na naitala sa marka. Malinaw, hindi ito kinakailangan. Ngunit mayroon ding mga purong teknolohikal na gawain sa sining ng konduktor, kapag ang lahat ay nakasalalay lamang sa isang tumpak, mahusay na kilos. Una sa lahat, ito ay tumutukoy sa sandali ng pagkuha ng tunog, ito man ay simula ng isang piraso, isang fragment kasunod ng isang paghinto, o ang pagpapakilala ng isang indibidwal na instrumento, pati na rin ang isang buong grupo. Dito, dapat na tumpak na ipakita ng konduktor hindi lamang ang mismong sandali kung saan nagsisimula ang tunog. Dapat niyang ipahayag sa isang kilos ang katangian ng tunog, at ang dinamika nito, at ang bilis ng pagganap. Dahil ang pagkuha ng tunog ay nangangailangan ng isang tiyak na paghahanda mula sa orkestra, ang pangunahing kilos ng konduktor ay nauuna sa isang tiyak na paunang paggalaw, na tinatawag na isang aftertact. Ito ay may anyo ng isang arko o isang loop, at ang laki at karakter nito ay nakasalalay sa kung anong tunog ang dapat idulot ng kilos na ito. Ang mahinahon at mabagal na piyesa ay nauunahan ng isang makinis at hindi nagmamadaling auftact, habang ang mabilis at dynamic na aktibong piyesa ay pinangungunahan ng isang matalas, mapagpasyahan at "matalim".

Kaya, napakalaki ng mga posibilidad ng kilos ng konduktor. Sa tulong nito, ipahiwatig ang sandali ng pagkuha o pag-alis ng tunog, bilis ng pagganap, mga dynamic na shade (malakas, tahimik, amplification o pagpapahina ng sonority, atbp.); ang kilos ng konduktor ay "naglalarawan" sa buong meter-maindayog na bahagi ng piyesa; sa tulong ng ilang mga kilos, ipinapakita ng konduktor ang mga sandali ng pagpapakilala sa mga indibidwal na instrumento at grupo ng mga instrumento, at, sa wakas, ang kilos ay ang pangunahing paraan sa pagbubunyag ng mga nagpapahayag na lilim ng musika ng konduktor. Hindi ito nangangahulugan na mayroong anumang partikular na stereotypical na mga kilos para sa paghahatid ng isang malungkot na kalooban o para sa pagsasama ng damdamin ng kagalakan at saya. Ang lahat ng mga paggalaw, na kinakalkula upang ihatid sa orkestra ang isa o isa pang emosyonal na subtext, ay hindi maaaring maayos o matukoy nang isang beses at para sa lahat. Ang kanilang paggamit ay eksklusibong nauugnay sa indibidwal na "sulat-kamay" ng konduktor, sa kanyang artistikong likas na talino, sa kaplastikan ng kanyang mga kamay, sa kanyang masining na panlasa, ugali, at higit sa lahat - sa antas ng regalo ng kanyang konduktor. Hindi lihim na maraming mahuhusay na musikero na alam ang orkestra at ramdam na ramdam ang musika ay halos walang magawa kapag kinuha nila ang posisyon ng konduktor. Isa pang bagay ang mangyayari: isang musikero na walang espesyal na kaalaman at karanasan ay nanalo sa mga manlalaro at tagapakinig ng orkestra na may kamangha-manghang mga kasanayan sa plastik at isang bihirang katalinuhan ng konduktor...

Gayunpaman, mali na isipin na ang mga kamay ay ang tanging "instrumento" ng konduktor. Ang isang tunay na konduktor ay dapat magkaroon ng mahusay na kontrol sa kanyang katawan, kung hindi, ang anumang hindi makatarungang pagliko ng ulo o katawan ay magmumukhang isang malinaw na dissonance sa pangkalahatang daloy ng mga paggalaw ng konduktor. Malaki ang ginagampanan ng mimicry sa pagsasagawa. Sa katunayan, mahirap isipin ang isang musikero na nakatayo sa kinatatayuan ng konduktor na walang malasakit at walang ekspresyon ang mukha. Ang panggagaya ay dapat palaging konektado sa isang kilos, dapat makatulong dito at, kumbaga, umakma dito. At narito mahirap na labis na timbangin ang kahalagahan ng pagpapahayag ng tingin ng konduktor. Ang mga dakilang master ng sining ng konduktor ay kadalasang may mga sandali na ang mga mata ay nagpapahayag ng higit kaysa sa mga kamay. Nabatid na ang pambihirang konduktor ng Aleman na si Otto Klemperer, isang napakatalino na tagasalin ng mga symphony ni Beethoven, na nakaligtas sa isang malubhang sakit at bahagyang paralisado, ay hindi huminto sa kanyang mga pagtatanghal sa konsiyerto. Siya ay kadalasang nagsagawa habang nakaupo, ngunit ang mahiwagang kapangyarihan ng kanyang titig at napakalaki ay magpapahintulot sa kagalang-galang na maestro na pamahalaan ang koponan, na gumugugol ng kaunting pagsisikap sa mga paggalaw ng mga braso at katawan.

Naturally, ang tanong ay lumitaw: ano ang gumaganap ng pinakamahalagang papel sa pagsasagawa - mga kamay, mata, kontrol sa katawan o nagpapahayag ng mga ekspresyon ng mukha? Marahil ay may isa pang pag-aari na tumutukoy sa kakanyahan ng sining ng konduktor? “Ang paghampas ng oras ay isa lamang sa mga aspeto ng pagsasagawa,” ang isinulat ng sikat na Amerikanong konduktor na si Leopold Stokowski. “Ang mga mata ay may higit na malaking papel, at ang higit na mahalaga ay ang panloob na kontak na tiyak na dapat umiral sa pagitan ng konduktor at ng orkestra” ( L. Stokowski. Musika para sa ating lahat Moscow, 1959, p. 160).

Panloob na pakikipag-ugnayan... Marahil ang expression na ito ay hindi nagpapaliwanag ng anuman sa kanyang sarili. Gayunpaman, mahirap sabihin nang eksakto. Sa katunayan, ang tagumpay ng isang konsiyerto ay nakasalalay sa kung paano nakikipag-usap ang konduktor at ang orkestra, kung paano nila naiintindihan ang isa't isa, kung gaano ang tiwala ng koponan sa pinuno, at ang tiwala ng pinuno sa koponan. At ang rehearsal ang nagiging pangunahing lugar para sa "showdown" sa pagitan ng konduktor at ng orkestra.

Ang isang konduktor sa isang rehearsal ay una at pangunahin sa isang guro. Dito siya maaaring gumamit ng tulong ng salita. Totoo, ang mga miyembro ng orkestra ay walang tiwala at kahit na nag-iingat sa mga konduktor na umaabuso sa pagkakataong ito. Siyempre, ang pangunahing layunin ng konduktor sa panahon ng pag-eensayo ay hindi nangangahulugang mga talakayan tungkol sa istilo at mga detalye ng pagtatanghal. Ang pangunahing "instrumento" ng konduktor at narito ang mga kamay. Kadalasan, sapat na ang ilang salita upang makumpleto at lohikal na mapalakas ang iyong mga galaw. Sa pag-eensayo pa lamang ay malinaw na kung ang konduktor ay may sapat na malalim na utos sa iskor, kung ang kanyang mga pahayag ay nakakumbinsi, kung ang pagbabalik sa parehong fragment ay makatwiran. Palaging tense at eventful ang orchestral rehearsal. Ang oras ay mahigpit na kinokontrol dito; kailangan mong tumpak na kalkulahin ang iyong sariling mga kakayahan at ang mga kakayahan ng orkestra. Kung ang konduktor sa rehearsal ay hindi nakolekta, hindi tumpak at hindi maagap, kung malinaw na wala siyang oras upang makumpleto ang lahat ng kanyang pinlano, kung gayon ang kinalabasan ng labanan, na tinatawag na isang konsiyerto, ay maaaring ituring na isang naunang konklusyon. ...

Ang isang konsiyerto ng symphony ay karaniwang nauuna sa 3-4 na pag-eensayo. Mayroong higit pa sa kanila - ang lahat ay nakasalalay sa pagiging kumplikado ng programa. Sa unang pag-eensayo, ang konduktor ay madalas na lumiliko sa pinakamahirap na komposisyon. Una, tinutugtog niya ito nang buo, na nagbibigay ng pagkakataon sa mga miyembro ng orkestra na maging pamilyar sa gawain (kung ito ay gumanap sa unang pagkakataon) o maalala ito (kung ito ay isang pag-renew). Pagkatapos maglaro, nagsisimula ang mahirap na trabaho. Binibigyang pansin ng konduktor ang mahihirap na mga fragment, dumaan sa kanila nang maraming beses; sinisikap niyang tiyakin na ang lahat ng mga detalye ng pamamaraan ng pagganap ay malinaw na naisagawa, nakikipagtulungan siya sa mga soloista ng orkestra. Ito ay "evens out" ang sonority ng mga indibidwal na grupo at coordinate ang lahat ng mga dynamic na shades at nuances. Alinsunod sa mga pahayag at tagubilin ng may-akda, ipinakilala din niya ang kanyang mga stroke at mga detalye sa marka...

Ang unang pag-eensayo ay dapat ipakita sa konduktor kung gaano kakayanin ang mga kinakailangan na ginagawa niya sa orkestra. Dito lumalabas na minamaliit niya ang mga kakayahan ng koponan, o na-overestimated ang mga ito. Pagkatapos ng malalim at komprehensibong pagsusuri sa nangyari noong nakaraang araw, dumating ang konduktor sa pangalawang rehearsal. At kung ang unang pagpupulong ng orkestra kasama ang konduktor ay kapwa kaaya-aya at kapaki-pakinabang, kung ito ay nagdala ng propesyonal at aesthetic na kasiyahan sa parehong orkestra at pinuno, kung gayon maaari nating pag-usapan ang hitsura ng isang panloob na kontak, na napakahalagang kalidad, kung wala ang tagumpay ng karagdagang trabaho ay imposible. Pagkatapos ay darating ang kumpletong pagkakaunawaan ng dalawang panig. Ang orkestra ay nagsimulang mamuhay ayon sa ideya na isinagawa ng konduktor. Ang konduktor, sa turn, ay madaling makahanap ng access sa kolektibo: mas kaunti ang maipaliwanag niya sa mga musikero at humingi ng higit pa mula sa kanila. Ang orkestra ay ganap na nagtitiwala sa konduktor, nakikita sa kanya ang isang matalino, kawili-wili, may kaalaman na pinuno. At ang konduktor, sa turn, ay nagtitiwala sa orkestra at hindi mekanikal na inuulit ang mahirap na mga sipi, alam na alam na ang koponan ay makayanan ang maraming mga gawain kahit na wala ang kanyang tulong.

Samantala, ang rehearsal, bilang ang pinakamahusay na paaralan ng kahusayan para sa parehong orkestra at konduktor, ay hindi makapagbibigay ng kumpletong komprehensibong larawan ng alinman sa pagganap ng ensemble o ang husay ng pinuno nito. “Ang pangunahing halaga ng sining ng konduktor,” ang isinulat ng namumukod-tanging Aleman na konduktor na si Felix Weingartner, “ay ang kakayahang ihatid ang pang-unawa ng isa sa mga gumaganap. Sa panahon ng rehearsals, ang konduktor ay isang empleyado lamang na alam ang kanyang crafts. Sa sandali lamang ng pagtatanghal ay nagiging artista siya. Ang pinakamahusay na pagsasanay, gaano man ito kinakailangan, ay hindi maaaring itaas ang mga kakayahan sa pagganap ng orkestra sa parehong paraan na ginagawa ng inspirasyon ng konduktor ... ”(F. Weingartner. On Conducting. L., 1927, pp. 44-45.)

Kaya, sa proseso ng pagsasagawa, ang pangunahing papel ay ginagampanan ng mga kamay ng konduktor, pati na rin ang kanyang mga ekspresyon sa mukha, mga mata at kakayahang kontrolin ang kanyang katawan. Napakarami, gaya ng nakita natin, ay nakasalalay sa tumpak at mahusay na gawaing pag-eensayo, at sa isang konsiyerto ang konduktor ay tumulong sa kanyang mga katangiang masining at, higit sa lahat, inspirasyon.

Gayunpaman, ang iba't ibang mga konduktor, gamit ang parehong paraan, ay binibigyang kahulugan ang parehong komposisyon sa iba't ibang paraan. Ano ang "sikreto" dito? Malinaw, sa ganitong kahulugan, ang sining ng pagsasagawa ng kaunti ay naiiba sa iba pang mga uri ng musikal na pagtatanghal. Sa pamamagitan ng paglapit sa bawat isa, kahit na tila hindi mahahalata na detalye sa ibang paraan, ang mga konduktor sa gayon ay nakakamit ng iba't ibang artistikong resulta sa pagbibigay-kahulugan sa komposisyon. Tempo, dynamic shades, expressiveness ng bawat musical phrase - lahat ng ito ay nagsisilbing isama ang ideya. At ang iba't ibang konduktor ay palaging lalapit sa mga detalyeng ito nang iba. Ang malaking kahalagahan para sa anyo ng komposisyon ay ang diskarte sa mga climax at ang kanilang pagpapatupad. At dito palaging ipinapakita ng mga konduktor ang kanilang indibidwal na panlasa, kasanayan at ugali. Maaaring ikubli ng isang konduktor ang ilang mga detalye at bigyang-diin ang iba, at sa isang orkestra ng symphony, na may maraming iba't ibang bahagi, palaging may malaking pagkakataon para sa gayong mga mapagpahayag na paghahanap. At hindi para sa wala na ang parehong komposisyon ay magkaiba ang tunog sa iba't ibang mga konduktor. Sa isang kaso, ang prinsipyo ng malakas na kalooban ay nauuna, sa kabilang banda, ang mga liriko na pahina ay tunog na pinaka-matalim at nagpapahayag sa lahat, sa ikatlo, ang kalayaan at kakayahang umangkop ng pagganap ay kapansin-pansin, sa ikaapat, marangal na higpit at pagpigil. ng damdamin.

Ngunit anuman ang indibidwal na sulat-kamay at istilo ng konduktor, ang bawat musikero na nakatuon sa kanyang sarili sa aktibidad na ito ay dapat magkaroon ng isang tiyak na kabuuan ng mga pinaka magkakaibang mga katangian at kasanayan. Kahit na sa isang mababaw na kakilala sa sining ng pagsasagawa, nagiging malinaw na ang propesyon na ito ay kumplikado at multifaceted. Ang mga tiyak na tampok nito ay nakasalalay sa katotohanan na ang konduktor ay gumaganap ng mga masining na gawain na nakaharap sa kanya nang hindi direkta (tulad ng, halimbawa, isang pianista, biyolinista, mang-aawit, atbp.), Ngunit sa tulong ng isang sistema ng mga diskarte sa plastik at kilos.

Ang espesyal na posisyon ng konduktor ay nakasalalay din sa katotohanan na ang kanyang "instrumento" ay binubuo ng mga buhay na tao. Hindi nagkataon lang na ang bantog na konduktor ng Russia na si Nikolai Andreevich Malko ay nagsabi: "Kung ang bawat musikero ay dapat magkaroon ng kanyang sariling pag-iisip sa musika, kung gayon ang konduktor ay kailangang "gumana sa kanyang utak" nang doble. Sa isang banda, ang konduktor, tulad ng iba pang musikero, ay may sarili niyang puro indibidwal na plano sa pagganap. Sa kabilang banda, dapat niyang isaalang-alang ang mga katangian ng pangkat na kanyang pinamumunuan. Sa madaling salita, responsable siya sa kanyang sarili at sa mga musikero. Samakatuwid, ang sining ng pagsasagawa ay matagal nang itinuturing na pinakamahirap na uri ng pagganap sa musika. Ayon kay N. A. Malko, "isang propesor ng sikolohiya sa kanyang mga lektura ay binanggit ang pagsasagawa bilang isang halimbawa ng pinakamasalimuot na psychophysical na aktibidad ng isang tao, hindi lamang sa musika, kundi sa pangkalahatan sa buhay" (N. Malko. Mga Pangunahing Kaalaman sa pamamaraan ng pagsasagawa. L ., 1965, p. 7.).

Sa katunayan, ang pagsasagawa, na mukhang primitive sa labas, ay lumalabas na isang nakakagulat na multifaceted creative profession. Dito kailangan mo ng malakas na propesyonal na pagsasanay at kahanga-hangang kalooban, matalas na pandinig at maximum na panloob na disiplina, mahusay na memorya at mahusay na pisikal na pagtitiis. Sa madaling salita, dapat pagsamahin ng konduktor ang isang maraming nalalaman na propesyonal na musikero, isang sensitibong guro at isang malakas na pinuno.

Bukod dito, ang isang tunay na konduktor ay dapat alam na mabuti ang mga kakayahan ng lahat ng mga instrumento at marunong tumugtog ng alinman sa mga kuwerdas, mas mabuti ang biyolin. Tulad ng ipinakita ng pagsasanay, ang karamihan sa mga nagpapahayag na mga stroke at mga detalye ay nakapaloob sa mga bahagi ng mga instrumentong kuwerdas. At hindi isang solong pag-eensayo ang kumpleto nang walang detalyadong maingat na trabaho na may isang string quintet. Malinaw na nang hindi napagtatanto ang halos lahat ng mga posibilidad ng violin, viola, cello o double bass, ang konduktor ay hindi magagawang makipag-usap sa ensemble sa isang tunay na mataas na antas ng propesyonal.

Dapat ding pag-aralan ng mabuti ng konduktor ang mga kakaibang katangian ng boses ng pagkanta. At, kung sa unang lugar ang naturang pangangailangan ay dapat iharap sa isang konduktor ng opera, hindi ito nangangahulugan na ang isang konduktor na gumaganap sa isang entablado ng konsiyerto ay maaaring pabayaan ito. Para sa bilang ng mga komposisyon kung saan ang mga mang-aawit o isang koro ay talagang napakalaki. At sa ating mga araw, kapag ang mga genre ng oratorio at cantata ay nakararanas ng bagong pamumulaklak, kapag ang higit na pansin ay binabayaran sa maagang musika (at ito ay malapit na konektado sa pagkanta), mahirap isipin ang isang konduktor na hindi gaanong bihasa sa. sining ng boses.

Malaking tulong sa konduktor ang kakayahang tumugtog ng piano. Sa katunayan, bilang karagdagan sa mga praktikal na layunin, iyon ay, ang pagtugtog ng puntos sa piano, ang pinuno ng orkestra ay dapat na pamilyar sa sining ng accompaniment. Sa pagsasagawa, madalas niyang kailangang harapin ang mga soloista - mga pianista, biyolinista, mang-aawit. At natural na bago ang orchestral rehearsal ay nakilala ng konduktor ang mga soloistang ito sa piano. Posible, siyempre, sa gayong mga pagpupulong na gumamit ng tulong ng isang accompanist pianist, ngunit pagkatapos ay ang konduktor ay mawawalan ng pagkakataon na maranasan ang lahat ng mga paghihirap at kagalakan ng sining ng saliw mula sa kanyang sariling karanasan. Totoo, maraming mga konduktor, hindi bilang mga propesyonal na malakas na pianista, gayunpaman ay nagpapakita ng isang espesyal na hilig at pagmamahal para sa symphonic accompaniment. Malinaw, ang likas na kahulugan ng ensemble ay gumaganap ng isang mahalagang papel dito.

Ito ay kagiliw-giliw na ang talento ng konduktor ay madalas na pinagsama sa iba pang mga musikal at malikhaing kakayahan, at una sa lahat sa talento ng kompositor. Maraming namumukod-tanging kompositor ang mga natatanging konduktor din. K. Weber, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Mahler, R. Strauss ay gumanap kasama ang pinakamahusay na mga orkestra sa Europa at Amerika, at sila ay mga aktibong musikero ng konsiyerto at wala sa kanila ang naglimita sa kanilang sarili sa pagganap ng kanilang sariling mga komposisyon . Sa mga kompositor ng Russia, si M. Balakirev, P. Tchaikovsky, S. Rachmaninov ay nagtataglay ng mga natitirang kasanayan sa pagsasagawa. Kabilang sa mga kompositor ng Sobyet na matagumpay na napatunayan ang kanilang sarili sa papel ng isang konduktor, hindi mabibigo ang isa na pangalanan ang S. Prokofiev, R. Gliere, I. Dunaevsky, D. Kabalevsky, A. Khachaturian, O. Taktakishvili at iba pa.

Malinaw na ang bawat tunay na konduktor ay hindi maiisip nang walang isang maliwanag na pagganap na regalo, isang nagpapahayag na kilos, isang mahusay na pakiramdam ng ritmo, isang napakatalino na kakayahang magbasa ng isang marka, atbp. At, sa wakas, isa sa pinakamahalagang kinakailangan para sa isang konduktor: siya dapat magkaroon ng kumpleto at komprehensibong kaalaman sa musika. Ang buong kasaysayan ng sining ng pagsasagawa, at lalo na ang modernong musikal na kasanayan, ay walang pasubali na nagpapatunay sa pangangailangan at maging sa kategoryang katangian ng naturang pangangailangan. Sa katunayan, upang maihayag ang kanyang ideya sa isang malaking bilang ng mga musikero, ang konduktor ay dapat hindi lamang malalim na pag-aralan ang lahat ng mga estilo ng orkestra (i.e., mga symphonic na gawa ng iba't ibang mga uso at paaralan), dapat siyang magkaroon ng mahusay na kaalaman sa piano, vocal, choral, chamber music. instrumental - kung hindi, maraming katangian ng istilo ng musika ng isang partikular na kompositor ang hindi niya malalaman. Bilang karagdagan, ang konduktor ay hindi maaaring makapasa sa isang komprehensibo at malalim na pag-aaral ng kasaysayan, pilosopiya, at aesthetics. At higit sa lahat, dapat ay pamilyar siya sa mga kaugnay na sining - pagpipinta, teatro, sinehan, at lalo na - sa panitikan. Ang lahat ng ito ay nagpapayaman sa talino ng konduktor at tumutulong sa kanya sa kanyang trabaho sa bawat puntos.

Kaya, ang konduktor ay nangangailangan ng isang buong kumplikadong mga katangian. At kung ang iba't ibang mga birtud ay masayang pinagsama sa isang musikero, kung mayroon siyang sapat na malakas na mga katangian upang magbigay ng inspirasyon, akitin at pamunuan ang koponan, kung gayon maaari nating pag-usapan ang tungkol sa isang tunay na regalo ng konduktor, o sa halip, isang bokasyon ng konduktor. At dahil ang gawain ng isang konduktor ay hindi lamang mahirap at multifaceted, ngunit marangal din, ang propesyon na ito ay wastong itinuturing na "ulo" sa malawak na larangan ng pagganap ng musikal.

Sa artikulong ito, tatalakayin natin ang mga pangunahing kaalaman sa pagsasagawa. Siyempre, ang pagsasagawa ay isang buong sining na itinuro sa loob ng maraming taon sa mga kolehiyo at konserbatoryo ng musika. Ngunit tatalakayin lamang natin ang paksang ito mula sa isang gilid. Ang lahat ng mga musikero ay kailangang magsagawa habang kumakanta sa mga aralin sa solfeggio, kaya pag-uusapan natin kung paano ito gagawin.

Mga pangunahing circuit ng conductor

May mga unibersal na pagsasagawa ng mga scheme para sa simple at kumplikado. Mayroon lamang silang tatlo - dalawang bahagi, tatlong bahagi at apat na bahagi. Kapag nagsasagawa, ang bawat beat ay ipinapakita gamit ang isang hiwalay na wave ng kamay, ang malalakas na beats ay kadalasang ipinapakita na may pababang kilos.

Sa figure maaari mong makita ang pangunahing tatlong mga scheme para sa pagsasagawa gamit ang kanang kamay. Ang mga numeric na marka ay nagpapahiwatig ng pagkakasunod-sunod ng mga galaw.

Bipartite scheme binubuo, ayon sa pagkakabanggit, ng dalawang stroke: isa pababa (sa gilid), ang pangalawa pataas (likod). Ang pamamaraan na ito ay angkop para sa pagsasagawa sa mga sukat na 2/4, 2/8, 2/2, 2/1, 2/16, atbp.

Tripartite scheme ay kumbinasyon ng tatlong kilos: pababa, pakanan (kung nagsasagawa ka gamit ang iyong kaliwang kamay, pagkatapos ay sa kaliwa) at hanggang sa orihinal na punto. Ang scheme ay angkop para sa mga sukat na 3/4, 3/8, 3/2, 3/16, atbp.

Quadruple scheme naglalaman ng apat na galaw: pababa, kaliwa, kanan at pataas. Kung nagsasagawa ka ng dalawang kamay sa parehong oras, pagkatapos ay sa "dalawa", iyon ay, sa pangalawang bahagi, ang kanan at kaliwang mga kamay ay gumagalaw patungo sa isa't isa, at sa "tatlo" sila ay naghihiwalay sa iba't ibang direksyon, sa huling stroke sila ay nagtatagpo hanggang sa isang punto.

Pagsasagawa ng mas kumplikadong metro

Kung mayroong higit pang mga beats sa isang bar, ang mga naturang time signature ay magkasya sa isang three-beat o four-beat scheme na may pagdodoble ng ilang mga kilos. Bukod dito, bilang panuntunan, ang mga stroke na mas malapit sa malakas na bahagi ay nadoble. Bilang isang halimbawa, nais kong magbigay ng mga scheme ng mga laki tulad ng 6/8, 5/4 at 9/8. Magsabi tayo ng ilang salita tungkol sa bawat isa.

Sukat 6/8- kumplikado (komposisyon 3/8 + 3/8), upang maisagawa ito kailangan mo ng anim na kilos. Ang anim na kilos na ito ay umaangkop sa isang quadruple pattern, kung saan ang mga paggalaw pababa at pakanan ay nadodoble.

Sukat 9/8 itinuturing din na kumplikado, ito ay nabuo sa pamamagitan ng isang triple repetition sa isang sukat ng isang simpleng 3/8 time signature. Hindi tulad ng iba pang mga kumplikadong metro, ito ay isinasagawa sa isang pattern na may tatlong bahagi, kung saan ang bawat stroke ay triple lamang. At ang mga pagbabago ng mga kilos (sa kanan at pataas) sa kasong ito ay sabay-sabay na nagpapakita ng medyo malakas na mga beats.

Memo sa pagsasagawa ng mga scheme

Upang ang mga isinagawang pagsasagawa ng mga scheme ay hindi makalimutan sa paglipas ng panahon, pati na rin para sa kanilang mabilis na pag-uulit kung kinakailangan, iminumungkahi namin na mag-download o muling magsulat ng isang maliit na memo na may pangunahing mga scheme para sa iyong sarili.

MEMO "PAGSASAGAWA NG MGA SKEME" -

Paano gumagana ang mga kamay kapag nagsasagawa?

Sasabihin din namin sa iyo ang tungkol sa ilang puro teknikal na aspeto ng pagsasagawa.

SANDALI 1. Maaari kang magsagawa ng isa o dalawang kamay. Kadalasan, sa mga aralin sa solfeggio, nagsasagawa ako ng isang kanang kamay, kung minsan sa isang kaliwa (naglalaro sila ng isang melody sa piano na may kanan sa oras na ito).

SANDALI 2. Kapag nagsasagawa ng parehong mga kamay sa parehong oras, ang mga kamay ay dapat ilipat sa isang mirror na imahe na may kaugnayan sa bawat isa. Iyon ay, halimbawa, kung ang kanang kamay ay pupunta sa kanan, pagkatapos ang kaliwang kamay ay pupunta sa kaliwa. Sa madaling salita, sila ay palaging gumagalaw sa kabaligtaran na direksyon: alinman sila ay magkakaiba sa iba't ibang direksyon, o, sa kabaligtaran, sila ay nagtatagpo at lumipat patungo sa isa't isa.

SANDALI 3. Sa proseso ng pagsasagawa ang buong braso mula sa balikat ay dapat makibahagi (minsan mas mataas pa mula sa collarbone at shoulder blade) at hanggang sa mga daliri. Ngunit ang iba't ibang uri ng paggalaw ay katangian lamang ng mga aktibidad ng mga propesyonal na konduktor ng isang orkestra o koro. Sa klase ng solfeggio, sapat na upang malinaw na ipakita ang pamamaraan, sa gayon ay tinutulungan ang iyong sarili na kumanta nang ritmo.

SANDALI 4. Kapag nagsasagawa ng mga simpleng scheme, ang bisig (ulna) ay lumalabas na ang pinaka-mobile, ito ang tumatagal sa karamihan ng mga paggalaw - pinangungunahan nito ang buong braso pababa, sa mga gilid o pataas. Kapag lumilipat sa gilid, ang bisig ay aktibong tumutulong sa balikat (humerus), lumalayo ito sa katawan o lumalapit dito.

SANDALI 5. Kapag umaakyat, mahalaga na ang bisig ay hindi bumaba nang napakababa, ang natural na mababang punto ay kapag ang isang tamang anggulo ay nabuo sa pagitan ng bisig at balikat.

SANDALI 6. Sa panahon ng pagsasagawa, ang kamay ay maaaring tumugon sa mga pangunahing paggalaw at bahagyang maayos na tagsibol, habang binabago ang direksyon ng kilos, ang kamay sa tulong ng pulso ay maaaring bahagyang lumiko sa direksyon ng paggalaw (na parang nagsisilbing manibela) .

SANDALI 7. Ang mga paggalaw sa kabuuan ay hindi dapat maging matigas at prangka, kailangan nilang bilugan, lahat ang mga pagliko ay dapat na makinis .

Pagsasagawa ng mga pagsasanay sa 2/4 at 3/4 na pirma ng oras

Upang magsanay ng mga kasanayan sa elementarya sa pagsasagawa, sundin ang mga iminungkahing simpleng pagsasanay. Ang isa sa kanila ay ilalaan sa sukat na 2/4, ang isa pa - sa tripartite pattern.

PAGSASANAY №1 "TWO QUARTERS". Halimbawa, kukuha tayo ng 4 na sukat ng isang melody sa 2/4 na oras. Bigyang-pansin ang , narito ito ay medyo simple - karamihan sa quarter notes at kalahating tagal sa dulo. Ang mga tagal ng quarter ay maginhawa dahil sinusukat nila ang pulso at ang tagal na ito ay katumbas ng bawat kilos sa scheme ng conductor.

Mayroong dalawang quarter note sa unang sukat: DO at RE. Ang DO ang unang beat, malakas, isasagawa natin ito ng pababa (o patagilid) na paggalaw. Tandaan PE ay ang pangalawang beat, mahina, ang kamay sa panahon ng pagsasagawa nito ay gagawa ng kabaligtaran na paggalaw - pataas. Sa kasunod na mga hakbang, ang rhythmic pattern ay magkatulad, kaya magkakaroon ng eksaktong parehong ugnayan sa pagitan ng mga nota at paggalaw ng kamay.

Sa huling, ikaapat na sukat, nakikita natin ang isang nota na DO, ito ay kalahati sa haba nito, iyon ay, sinasakop nito ang parehong mga beats nang sabay-sabay - ang buong sukat. Samakatuwid, ang DO note na ito ay may dalawang stroke nang sabay-sabay, kailangan mong isagawa ang buong sukat na sinasakop nito.

PAGSASANAY №2 "THREE QUARTERS". Sa pagkakataong ito, 4 na sukat ng melody sa 3/4 na oras ang inaalok para sa pag-aaral. Ang ritmo ay muling pinangungunahan ng quarter notes, at samakatuwid ang tatlong quarter notes sa unang tatlong sukat ay dapat na madaling mahulog sa tatlong stroke ng scheme.

Halimbawa, sa unang sukat, ang mga tala DO, PE at MI ay ipapamahagi ayon sa scheme tulad ng sumusunod: DO - para sa isang pababang kilos, PE - para sa isang paggalaw sa kanan, at MI - para sa pagpapakita ng huling beat na may isang pataas na paggalaw.

Sa huling sukat - kalahati. Sa mga tuntunin ng tagal, kumukuha sila ng isang buong sukat, tatlong quarter, at samakatuwid, upang maisagawa ito, kakailanganin nating gawin ang lahat ng tatlong paggalaw ng scheme.

Paano ipaliwanag ang pag-uugali sa isang bata?

Sa mga klase na may mga bata, ang pinakamahirap na bagay ay ang ipakilala ang scheme, tandaan ang mga paggalaw at hindi bababa sa pagsasanay sa kanila nang kaunti. Ang solusyon sa mga problemang ito ay matutulungan sa pamamagitan ng pakikipagtulungan sa mga makasagisag na asosasyon.

Kumbaga, kung natututo tayo ng 2/4 conducting scheme, ang bawat swing ay kailangang kahit papaano ay artistikong tinutukoy. Sa ibang salita, upang ipaliwanag ang kilos, kailangan mong makahanap ng katulad na paggalaw o sensasyon mula sa buhay na pamilyar na sa bata. Halimbawa, tungkol sa pababang kilos kung saan nagpapakita tayo ng malakas na pagkatalo, masasabi nating para tayong hinahaplos ang nakaupong pusa mula ulo hanggang buntot. At tungkol sa kilos na nakadirekta sa kabaligtaran ng direksyon, sabihin na humihila kami ng isang karayom ​​na may mahabang sinulid. O, halimbawa, tungkol sa buong scheme, maaari nating sabihin na ang kamay natin ang sumakay sa isang swing (paglalarawan ng kalahating bilog).

Kung pinag-uusapan natin ang laki ng 3/4, kung gayon ang bawat paggalaw ay maaari ding ipaliwanag nang hiwalay. Ang pababang paggalaw ay parang paglalaro ng basketball o tulad ng paggalaw kapag hinihila natin ang isang kampana sa isang string. Paggalaw sa kanan - sa dalampasigan ay nagsasaliksik kami ng buhangin gamit ang aming mga kamay o tinatanggal namin ang matataas na damo sa damuhan gamit ang aming mga kamay. Paglipat - hinihila namin ang parehong karayom ​​at sinulid o naglulunsad ng isang ladybug na nakaupo sa hintuturo sa paglipad.

Sa mastering conducting sa mga bata, tulad ng sa pag-aaral ng musical notation, mahalagang patuloy na pataasin ang antas ng pagiging kumplikado ng mga gawain. Una, maaari mong mapagtanto ang pulsation sa laki na puro musika - sa pamamagitan ng tainga at kapag tumutugtog ng instrumento, pagkatapos ay hiwalay na gawin ang kilos ng konduktor, at pagkatapos lamang, sa wakas, ikonekta ang iyong kamay sa pagkanta.

Dito tayo ay magpapabagal pansamantala. Kung ang tutorial na ito ay kapaki-pakinabang sa iyo, mangyaring sabihin sa iyong mga kaibigan ang tungkol dito. Ang mga pindutan ng social network, na matatagpuan sa ibaba lamang ng pahina, ay makakatulong sa iyo dito.

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga estudyante, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Naka-host sa http://www.allbest.ru/

Paliwanag na tala

Layunin ng kurso"Kasaysayan at teorya ng pagsasagawa" - upang magbigay ng impormasyon sa kasaysayan at teorya ng pagsasagawa, upang ipakita ang makasaysayang kondisyon ng pag-unlad ng sining ng pagsasagawa, pati na rin ang pag-systematize at pag-generalize ng kaalaman sa mga teoretikal na pundasyon ng pagsasagawa.

Mga layunin ng kurso:

Upang ipakita ang makasaysayang pagkakasunud-sunod ng pag-unlad ng pagsasagawa bilang isang gumaganap na sining;

Upang ibigay ang mga teoretikal na pundasyon ng "kusina ng konduktor".

Ang kursong ito ay nahahati sa dalawang seksyon:

1. Kasaysayan ng pag-unlad ng pagsasagawa.

2. Pagsasagawa ng pamamaraan

Ang pang-edukasyon at metodolohikal na kumplikadong "Kasaysayan at Teorya ng Pagsasagawa" ay isang uri ng manu-manong para sa mga baguhan na konduktor, pinuno ng mga orkestra at ensemble ng mga katutubong instrumento sa pag-master ng mga pamamaraan ng propesyon ng konduktor.

Tematikong plano

pagsasagawa ng auftact timing fermata orchestra

Hindi p/p	Pangalan ng paksa	Bilang ng oras
		Mga lektura	Praktikal
	Mga yugto ng pagsasagawa ng pag-unlad
	Pagsasagawa bilang isang malayang uri ng sining ng pagtatanghal
	Western European conducting school at mga kinatawan nito
	Kasaysayan at pag-unlad ng paaralan ng pagsasagawa ng Russia. Maliwanag na mga kinatawan nito.
	Ang aparato ng konduktor at ang setting nito
	Ang kilos ng konduktor at ang istraktura nito
	Auftakt, ang mga pag-andar at pagkakaiba-iba nito.
	Mga scheme ng timing. Mga prinsipyo para sa pagpili ng mga scheme ng timing.
	Fermata at ang mga uri nito, ang kanilang teknikal na pagpapatupad sa pagfingering ng konduktor
	Mga pause, syncopations, accent. Mga paraan upang ipakita ang mga ito sa manu-manong pamamaraan.
	Ang mga paraan ng pagpapahayag sa musika, ang kanilang mga solusyon sa mga kilos.
	Saliw. Pagsasagawa ng mga gawain sa mastering ang sining ng saliw
	Mga pag-andar ng konduktor sa trabaho kasama ang koponan.
	Orchestra. Mga uri ng orkestra sa pamamagitan ng instrumental na komposisyon.
	Puntos. Pagsusuri ng konduktor sa marka.
	Ang baton ng konduktor, ang layunin nito, mga paraan ng paghawak.
		68 oras

Paksa 1. Mga yugto ng pagsasagawa ng pag-unlad

Sa panahon ng kanyang makasaysayang pag-unlad, ang pagsasagawa ay dumaan sa ilang yugto, hanggang, sa wakas, ang mga modernong anyo nito ay nahugis. Sa proseso ng pag-unlad ng pagsasagawa (pamamahala), tatlong paraan ang malinaw na natukoy.

Ang unang paraan ay ang kontrolin ang ritmikong bahagi ng pagganap sa tulong ng isang katok (kamay, paa, stick, atbp.). Ang pangalawang paraan ay cheironomy, o bilang ito ay tinatawag na mnemonic - ang pagtatalaga ng kamag-anak na pitch ng tunog at haba nito, gamit ang mga paggalaw ng mga kamay, daliri, ulo, katawan, atbp. At panghuli, ang pangatlong paraan upang makontrol ang iyong pagganap ay sa pamamagitan ng pagtugtog ng instrumento.

Sa kasalukuyan, ang ilan sa mga form na ito ay napanatili, ngunit sila ay dumaan sa mga makabuluhang pagbabago. Ang pagsasagawa ay dumating sa modernong mataas na antas lamang kapag ang lahat ng nabanggit na paraan ay nagsimulang gamitin nang hindi hiwalay, ngunit sa anyo ng isang solong aksyon. Ang kilos ng konduktor ay nakakuha ng malalim na nagpapahayag na kahulugan. Ang emosyonal na pagpapahayag ng kilos ay nagpapakita sa mga gumaganap ng semantikong subtext ng musika, ang kahulugan ng mga nuances, mga komento ng may-akda, at iba pa.

Ang pagsasagawa, na dati ay limitado sa mga gawain ng pamamahala ng isang grupo, ay naging isang mataas na sining ng sining, sa sining ng pagtatanghal.

Paksa 2. Pagsasagawa bilang isang malayang uri ng sining ng pagtatanghal

Ang sining ng pagsasagawa ay pa rin ang hindi gaanong ginalugad at hindi gaanong naiintindihan na lugar ng pagganap ng musikal. Ang iba't ibang mga saloobin sa pagsasagawa ng pagganap ay ipinakita hindi lamang sa mga teoretikal na hindi pagkakaunawaan at mga pahayag; ganoon din ang pagsasagawa ng pagsasagawa: anuman ang mayroon ang konduktor, mayroong sariling "sistema".

Ang isang konduktor ay isang tagapalabas na naglalaman ng kanyang mga masining na ideya hindi sa isang instrumento, ngunit sa tulong ng iba pang mga musikero.

Ang sining ng isang konduktor ay nakasalalay sa pamumuno sa isang grupong pangmusika.

Ang konduktor ay palaging nahaharap sa isang mahirap na gawain - upang sakupin ang pagkakaiba-iba ng mga gumaganap na indibidwal, mga ugali at idirekta ang mga malikhaing pagsisikap ng koponan sa isang solong channel. Ang sining ng pagsasagawa bilang isang independiyenteng propesyon sa musika ay umiral nang humigit-kumulang dalawang daang taon. Ang pigura ng konduktor ay naging isa sa mga sentral sa buhay musikal sa panahong ito; ang mga konduktor ang pangunahing pinagtutuunan ng pansin ng mga manonood. Ano ang tunay na tungkulin at layunin ng taong namumuno sa orkestra? "Nasaan ang mga "mataas na boltahe na mga wire" na hindi nakikita ng mata na nag-uugnay dito sa mga musikero at publiko, ang mga wire kung saan dumadaloy ang misteryosong "kasalukuyan" ng mga musikal na kaisipan? At kung ang mga hindi nakikitang mga thread ay hindi umiiral, kung ang mga ito ay kathang-isip lamang, kung gayon, bakit, kung gayon, ang magkatulad na mga kilos ay maaaring maging sanhi ng parehong isang ordinaryong, hindi kapana-panabik na pagpaparami ng isang musikal na teksto ng mga musikero, at isang nakamamanghang interpretasyon?

Ang pagsasaalang-alang sa mga isyu tulad ng interpretasyon, articulation, agogics at ilang iba pa ay hindi nawawala ang kanilang kaugnayan para sa mga mag-aaral ng mga nauugnay na disiplina sa mga espesyal na institusyong pang-edukasyon sa musika, dahil walang "set ng mga recipe" para sa lahat ng mga kaso na maaaring mangyari sa pagganap ng pagsasanay, at ang konduktor ay dapat na nakapag-iisa na malutas ang mga partikular na problema na patuloy na lumitaw na may kaugnayan sa problemang ito.

Paksa 3. Kanlurang Europeong pagsasagawa ng paaralan at mga kinatawan nito

Ang Western European conducting school ay pangunahing sa pagbuo ng conducting art. Ang heyday ay bumagsak sa simula ng ika-19 na siglo. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng malalim na pagtagos sa intensyon ng may-akda, banayad na istilo ng estilista. At palaging - pagkakaisa ng anyo, hindi nagkakamali na ritmo at pambihirang panghihikayat ng pagkakatawang-tao ng konduktor.

Mga natatanging kinatawan ng paaralang ito:

1. Si Gustav Mahler ay isa sa pinakapambihirang phenomena sa mundo ng musika. Pinagsama niya sa isang tao ang isang napakatalino na kompositor at isang napakatalino na konduktor. Ang magkabilang panig ng kanyang aktibidad sa musika ay tila ganap na pantay. Si Mahler ay isang performer ng halos buong symphonic repertoire ng kanyang panahon. Ngayon wala kaming anumang materyal na data kung saan posible na suriin ang sining ng kanyang pagsasagawa. Ang tanging posibleng pinagmulan (G. Mahler ay hindi nabuhay upang i-record) ay ang lubhang maingat na mga edisyon ng mga marka ng kanyang sariling mga komposisyon at mga gawa ng iba pang mga kompositor. Partikular na inilalantad ang mga retoke sa mga symphony nina Beethoven at Schumann.

2. Arthur Nikisch - ang pinakadakilang improviser. Gumawa siya ng mga panandaliang gumaganap na mga konstruksyon. Sa pagkakaroon ng hindi bababa sa kalooban at kapangyarihan ng mungkahi kaysa kay G. Mahler, hindi niya siya pinilit na sundin ang mga tiyak na detalye ng kanyang plano nang diktatoryal. Ito ay katangian na hindi kailanman ipinataw ni A. Nikish sa mga soloista ang interpretasyon ng kanilang mga solong parirala. Ang kahanga-hangang kakayahan na ito ay nagpapahintulot sa kanya na makamit ang mga kahanga-hangang resulta kahit na sa mga koponan na medyo mahina sa kanilang antas.

3. Wilhelm Furtwängler. Ang unang pagtatangka na patunayan ang kanyang sarili bilang isang konduktor ay naganap noong si Furtwängler ay 20 taong gulang. Ito ang simula ng karera ng isang mahusay na konduktor. Siya pala ang nag-iisang pamangkin ni A. Nikish, nagtatrabaho sa Leipzig Gewandhaus at sa Berlin Philharmonic. Sa maikling panahon, pinatunayan ng tatlumpu't anim na taong gulang na maestro ang kanyang karapatan na gawin ito at agad na kumuha ng nangungunang posisyon sa mga konduktor sa mundo. "Ito ay umaakit ng isang espesyal na diskarte sa pagganap. Siya ay lalong malakas sa tinatawag natin ngayon na kasanayan ng "pagbubuklod ng mga caesuras." Ang organiko ng kanyang mga paglipat mula sa isang seksyon patungo sa isa pa, isang tempo patungo sa isa pa, ang pagbuo ng mga parirala, mga diskarte sa mga kasukdulan, makabuluhang mga pangkalahatang paghinto - lahat ng ito ay nakakumbinsi at ginawang napakadali para sa mga tagapakinig na makita na ang kanyang pagganap ay tila ang tanging posible ”(L. Ginzburg). Mayroon ding isang buong kalawakan ng mga European conductor na karapat-dapat na tularan at pag-aralan: F. Weingartner, G. Sherchen, S. Munsch, B. Walter at marami pang iba.

Paksa 4. Kasaysayan at pag-unlad ng paaralan ng mga konduktor ng Russiagumagala. Ang mga kilalang kinatawan nito

Sa simula ng pag-unlad nito, ang Russian conducting school ay naiimpluwensyahan ng mga dayuhang conductor, na positibong naimpluwensyahan ang pag-unlad ng propesyonal na pagsasagawa sa Russia. Inilatag nina Anton at Nikolai Rubinshtein at Mily Balakirev ang pundasyon para sa propesyonal na pagsasanay ng Russian conducting school, nang ang pagsasagawa ng mga klase ay unang binuksan sa St. Petersburg Conservatory at pagkatapos ay sa Moscow Conservatory. Ang mga kompositor ay may malaking impluwensya sa sining ng pagsasagawa, na, bilang karagdagan sa kanilang mga gawa, ay nagtataguyod ng musika ng kanilang mga kababayan.

Una sa lahat, kinakailangang pangalanan ang E.F. Napravnika, S.V. Rachmaninov, P.I. Tchaikovsky at iba pa. Ang isang makabuluhang hakbang sa larangan ng sining na ito sa Russia ay naganap pagkatapos ng 1917. Sa oras na ito, ang mga pangalan ng isang buong kalawakan ng mga natitirang master ng sining ng pagsasagawa ay dapat na maiugnay: N.S. Golovanov, A.M. Pazovsky, N.P. Anosov, A.V. Gauk, L.M. Ginzburg. Ang mga ito ay mga kinatawan ng isang tiyak na paaralan ng orkestra, na nakikilala, una sa lahat, sa pamamagitan ng maharlika, pagiging natural at lambot ng tunog ng orkestra. Ang susunod na yugto sa pagbuo ng domestic conducting ay mga sistematikong kumpetisyon (1938, 1966, 1971, 1976, 1983), na nagmungkahi ng isang bilang ng mga mahuhusay na kabataan.

Ang mga konduktor ng Russia sa ating panahon, E. Svetlanov, G. Rozhdestvensky, M. Rostropovich, V. Gergiev, V. Fedoseev, ay nanalo ng mataas na pagpapahalaga at pagmamahal sa buong mundo. Ang lahat ng mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng mataas na propesyonalismo, debosyon sa intensyon ng kompositor, malalim na pagtagos sa istilo at interpretasyon ng isang gawaing musikal.

Paksa 5. Conductor's apparatus at ang setting nito

Kapag nagsimula tayong matutong magsulat, napipilitan tayong mahigpit na sumunod sa mga pattern ng pagsulat ng mga titik ng alpabeto. Nang maglaon, kapag ang ating pagsulat ay may indibidwal na karakter, ang sulat-kamay ay maaaring lumihis nang malayo sa mga anyo kung saan tayo orihinal na itinuro. Mayroong iba't ibang mga pananaw sa pagtuturo ng sining ng pagsasagawa. Naniniwala ang ilang mga konduktor na hindi kinakailangan na harapin ang pamamaraan ng pagsasagawa - lilitaw ito sa proseso ng trabaho. Gayunpaman, ang gayong pananaw ay sa panimula ay mali.

Ang isa pang sukdulan ng pedagogical na pamamaraan ay ang mag-aaral ay nakakabisa sa mga paggalaw at pamamaraan ng teknolohiya sa paghihiwalay mula sa musika sa loob ng mahabang panahon. Ang katotohanan ay eksaktong nasa gitna. Ang paglalagay ng kamay, elementarya na paggalaw at mga diskarte sa timing ay dapat isagawa sa mga espesyal na pagsasanay sa labas ng musika. Gayunpaman, sa sandaling ang mga paggalaw ng paunang konduktor ay pinagkadalubhasaan, ang kasunod na pag-unlad ng mga diskarte ay dapat na ipagpatuloy sa mga gawa ng sining. Ang setting ng aparato ng konduktor ay binubuo sa pagbuo ng mga ganitong anyo ng mga paggalaw na pinaka-makatuwiran, natural at batay sa panloob at muscular na kalayaan.

Ang aparato ng konduktor ay ang mga kamay, ang kanilang magkakaibang mga paggalaw, na bumubuo ng isang magkakaugnay na sistema ng pagsasagawa. Alam na hindi lamang ang mga kamay, kundi pati na rin ang mga ekspresyon ng mukha, pustura, posisyon ng ulo, katawan at maging ang mga binti ay nakakatulong sa pagpapahayag ng pagsasagawa. Ang hitsura ng konduktor ay dapat magpakita ng pagkakaroon ng kalooban, aktibidad, pagpapasiya at enerhiya.

Paksa 6. Kumpas ng konduktor at istraktura nito

Ang dalawang konsepto na ito ay direktang nauugnay sa setting ng aparato ng konduktor (mga kamay). Upang matagumpay na makabisado ang mga pamamaraan ng pagsasagawa, ang isang konduktor ay kailangang magkaroon ng mahusay na sinanay na mga kamay na madaling maisagawa ang lahat ng uri ng paggalaw. Sa paunang yugto ng pagsasanay, mas mahusay na bumuo ng mga ito sa mga espesyal na pagsasanay, ang layunin nito ay upang maalis ang iba't ibang mga depekto sa motor - higpit, paninigas ng kalamnan, atbp. Sa mga pagsasanay na ito, magsisimula ang proseso ng pag-master ng mga kasanayan sa clocking.

Ang unang kondisyon para sa pagsasagawa ay muscular freedom of movement, ang kawalan ng labis na pag-igting sa mga braso at balikat na sinturon. Ito ay dapat ibigay Espesyal na atensyon.

Ang pagsasagawa ay kinabibilangan ng lahat ng bahagi ng mga kamay (kamay, bisig, balikat). Upang gawin ito, kinakailangan upang sanayin ang pagsasama at pag-deactivate ng bawat bahagi ng kamay sa proseso ng pagtatrabaho sa pamamaraan. Inirerekomenda na magsagawa ng mga paggalaw sa bawat kamay nang hiwalay upang mabuo ang kanilang kalayaan. Bago simulan ang bawat ehersisyo, ang mga braso ay dapat kunin ang panimulang posisyon, kung saan ang mga bisig ay parallel sa sahig, at ang mga kamay ay bahagyang nakataas (nakaharap sa orkestra). Matapos makuha ng estudyante ang ilang teknikal na kasanayan, maaari kang magpatuloy sa mga scheme ng orasan.

Paksa 7. Auftakt, mga tungkulin at uri nito

Una sa lahat, dapat pakilusin ng konduktor ang atensyon ng kanyang mga gumaganap. Ang preparatory swing, o auftakt, ay maihahalintulad sa paghinga (inhalation) bago magsimulang kumanta. Dapat ihanda nang maayos ni Auftact ang performer, i-set up siya para sa isa o ibang aksyon. Ang salitang ito ay nagmula sa Latin na "tactus" - contact. Ang ibig sabihin ng Auftakt ay isang bagay na nangyayari bago ang simula ng tunog. Ang mga pag-andar ng auftact ay kinabibilangan ng: pagtukoy sa paunang sandali ng pagganap, pagtukoy sa tempo, pagtukoy sa dinamika, pagtukoy sa likas na katangian ng pag-atake ng tunog, pagtukoy sa matalinghagang nilalaman ng musika. Ang aftact ay binubuo ng tatlong elemento: swing, fall at recoil. Sa mga elementong ito, ang unang dalawa ay mapagpasyahan - ang swing at ang pagkahulog.

Mga uri ng auftact:

a) paunang buong auftakt,

b) paunang hindi kumpletong auftakt,

c) inaresto

d) nangunguna

d) napagbagong loob

g) interlobar at marami pang iba.

Mula sa lahat ng nasabi, dapat gumawa ng konklusyon - kung gaano kahalaga ang auftakt, at kung gaano kahalaga ang pagmamay-ari nito.

Paksa 8. Mga iskema tulad nitopagtatali. Mga Prinsipyo sa Pagpili ng Schema

Sa modernong pagsasagawa, ang mga beats ng panukat ay ipinapakita ng mga paggalaw ng mga kamay na nakadirekta sa iba't ibang direksyon. Ang taktika ay naging pangunahing link sa metrical na pagkakaisa ng musika. Sa paunang yugto ng pagsasagawa, (graphically) ginamit ang mga rectilinear na paggalaw, na hindi nagbigay ng malinaw na ideya ng simula ng bawat beat. Ang mga parang arko na paggalaw, na ang base nito ay nasa parehong antas, ay lumikha para sa mga gumaganap ng isang tiyak na pakiramdam ng simula ng bawat beat, at pinapayagan ang paggamit ng mas epektibong paraan ng pagsasagawa. Ang mga scheme ng timing ay simple at kumplikado, tulad ng mga sukat, samakatuwid, ang paraan ng timing ay pinili depende sa istraktura ng sukat at ang tempo.

Clocking scheme para sa minsan ang pinakasimpleng istraktura (2/4, 2/2, 4/4, 3/8, s), ngunit sa parehong oras mahirap kontrolin ang musika. Samakatuwid, inirerekomendang pangkatin ang mga sukat sa mga parirala (2nd measure, 3rd measure at 4th measure) at pumili ng naaangkop na pattern, kung saan ang malakas na measure ay tumutugma sa unang beat.

Bipartite scheme (2/4, 2/2, 6/16, 6/8, 6/4). Ang unang beat ay ipinapakita gamit ang mga tuwid na paggalaw pababa (nakatagilid sa kanan), ang pangalawa ay may mas maliit na pataas na daliri (sa anyo ng isang hockey stick). Ang mas mabilis na bilis, mayroong higit pang mga rectilinear na paggalaw. Sa mabagal na bilis, "maaari kang gumuhit" ng isang pahalang na walo.

Ang triple scheme (3/2, *, 3.8, 9/4, 9/8) ay ipinahiwatig ng tatlong stroke. Ang istruktura ng clocking scheme para sa tatlo ay nagbibigay ng natural na ratio ng mga beats sa isang beat bilang malakas, mahina, at mas mahina. Ang talas ng mga paggalaw, tulad ng sa dalawang bahagi na pattern, ay nakasalalay sa tempo.

Quadruple scheme (4/2, 4/4, 4/8, 12/8). Ang lahat ng sinabi sa itaas ay ganap na naaangkop sa pamamaraang ito. Dapat itong tandaan - sa isang mabagal na bilis, ang 2/4 ay na-clock sa isang pattern na may apat na beat.

Ang five-beat o mixed measure ay binubuo ng dalawang simpleng measure, magkaiba ang laki: 2+3 o 3+2. Sa mabagal at katamtamang tempo, ang five-beat measure ay nagmumula sa four-beat scheme na may paghahati sa 1st beat (3+2) o ang 3rd beat (2+3). Sa mabilis na tulin, ginagamit ang dalawang-bahaging scheme na may maikling unang beat (2 + 3) at maikling pangalawang beat (3 + 2). Sa katamtamang tempo, kadalasang ginagamit ang paraan ng pagpapatong ng two-beat pattern sa three-beat pattern (3 + 2) at vice versa, tanging ang pangunahing malakas na beat (una) ay mas mahaba kaysa sa susunod na una (mahina), depende sa pagpapangkat ng mga beats ng sukat.

Ang six-beat scheme ay may tatlong uri ng clocking:

1) * - na may duplikasyon ng bawat bahagi;

2) 4/4 - na may pagdoble ng ikatlong bahagi;

3) intermediate sa pagitan ng dalawang ito, kung saan ang una at huling mga beats ay mas aktibo (swing sa unang beat).

Sa paglipat ng mga rate (3 + 3) - ng dalawa, 3/2 o 6/4 - ng tatlo.

Ang seven-beat scheme ay binubuo rin ng isang pagpapangkat sa isang sukat (2 + 3 + 2) - isang three-beat na may mahabang pangalawang beat, (2 + 2 + 3) - isang tripartite na may mahabang ikatlong beat, (3 + 2 + 2) - isang tripartite na may mahabang unang beat .

Ang lahat ng iba pang mga scheme 8/4, 4/4, 2/4 ay nagmula sa isang apat na bahagi na scheme na may duplikasyon ng bawat isa.

9/4, 9/8, * - (kung ang mga ito ay ipinahiwatig ng siyam na mga stroke) isang tatlong-bahagi na pamamaraan ay ginagamit na may tatlong-tiklop na pagdurog ng bawat bahagi.

Ang 12/8 twelve-beat pattern ay nabuo mula sa 4-beat pattern, na ang bawat beat ay inuulit ng tatlong beses.

Paksa 9. Fermata, ang mga uri nito, ang kanilang teknikal na pagpapatupad sa silid ng konduktorpagdaliri

Ang Fermata ay isa sa pinakamabisang paraan ng pagpapahayag ng musika. Ang Fermata ay madaling mapanatili, ang mga paghihirap ay nauugnay sa pagwawakas nito. Mayroong iba't ibang paraan; depende sila sa kung kinakailangan ang kumpletong pag-alis ng fermata, na kinasasangkutan ng mahabang paghinto pagkatapos nito o hindi. Kung hindi, maaari itong konektado sa susunod na tala, o, mas karaniwan, maaari itong sundan ng isang maikling pag-pause na kinakailangan upang makahinga. Ang kahulugan ng fermata, ang pabago-bagong saturation nito, ang antas ng kawalang-tatag, ang haba ay malapit na nauugnay sa isa o isa pa sa nilalaman nito at higit sa lahat ay nakasalalay sa sandali kung saan ang dramaturgical na pag-unlad ng trabaho ay lumilitaw.

Ang teknikal na bahagi ng fermat ay maaaring nahahati sa tatlong yugto: pagtatakda, paghawak at pag-alis. Ang pagbibigay ng mga pangkalahatang konsepto tungkol sa pagtatanghal ng fermata, dapat sabihin na upang maakit ang atensyon ng mga gumaganap bago ang fermata, ang konduktor ay dapat magbigay ng isang mas maliwanag (kapansin-pansin) auftakt - ito ay sa paglipat ng mga tempo at rich dynamics. Ang fermata ay nasa kalmado na tempo at ang piano ay ipinapakita lamang sa isang medyo malaking auftact, hindi ito namumukod-tangi sa bahagi ng mga pattern ng timing.

Ang pagpapanatili ng fermata ay ganap na nakasalalay sa matalinghagang nilalaman ng musika; minsan ang fermata ay binibigyang kahulugan bilang isang paghinto sa paggalaw ng musika, isang sandali ng static. Ang katulad na pag-andar nito ay posible lamang sa dulo ng isang gawain o bahagi nito. Mas madalas ang fermata ay nauugnay sa sandali ng kawalang-tatag, paglipat, konsentrasyon ng enerhiya. Kadalasan ang isang fermata ay inilalagay sa punto ng climax o sa pagbaba nito. Natural, kung gayon ang fermata ay maaaring magkaroon ng ibang kahulugan. Dahil ang fermata ay isang napakalakas na tool, dapat itong ipakita sa isang nagpapahayag na kilos, na may naaangkop na posisyon ng katawan, mga kamay at mga ekspresyon ng mukha.

Ang pag-alis ng fermata mismo ay hindi mahirap, lalo na kung mayroong isang pause pagkatapos ng fermata. ang pinakamahirap ay kapag ang fermata ay pumasa sa susunod na beat ng measure, habang ang auftact sa pagtanggal ng fermata ay dapat na katumbas ng tagal ng counting beat, at sa hugis ay dapat itong magmukhang bilog.

Paksa 10. Mga pause, syncopations, accent. Ang kanilang mga paraan ngkaza sa manual technique

May parirala ang mga musikero: "Ang mga pag-pause ay musika rin."

Ang mga sandali ng katahimikan sa loob ng trabaho ay nagpapataas ng tensyon ng musika, ang mga ito ay kasingkahulugan ng tunog mismo. Ang pamamaraan para sa pagsasagawa ng mga paghinto ay kaayon ng seksyon sa pag-alis ng fermat. Ang mga paghinto, tulad ng mga fermat, ay mahaba at maikli. Ang gawain ng konduktor ay ipakita ang mga paghinto nang hindi nasira ang ritmo ng metro sa musika (kung walang fermata sa paghinto). Ang mga partikular na paghihirap para sa konduktor ay lumitaw kapag nagsasagawa ng isang recitative, kung saan maraming mga pag-pause at iba't ibang mga kombensiyon.

Ang syncopation ay nangyayari kapag ang isang tunog na lumilitaw sa mahinang beat ng isang sukat o mahinang oras ng isang beat ay nagpatuloy sa susunod na malakas. Ang syncopation ay nangangailangan ng conductor na magkaroon ng malinaw na ritmikong tugon mula sa mga pangunahing beats ng bar; hindi dapat malito sa isang hindi kumpletong kumpas sa isang sukat kung saan ginagamit ang ibang pamamaraan.

Sa mga komposisyon ng cantilena, inirerekumenda na gawin ang suntok na tumutukoy sa syncopation nang mahina, at ang pagbabalik pagkatapos nito - mahinahon.

Ang isang mahirap na gawain para sa konduktor ay isang mahabang pagkakasunud-sunod ng mga syncopations na wala kahit saan na sinusuportahan ng mga tunog sa metrically strong beats.

Ang pagbibigay-diin ay nangangahulugan ng pag-highlight. mahalagang maunawaan na ang mga accent ay nangangailangan ng isang espesyal na preparatory swing, isang espesyal na auftact. Ang mga orkestra ay dapat na handa na tumugtog ng mga accented notes bago sila lumitaw. Mayroong ilang mga paraan upang maghanda ng mga accent, ang pinakakaraniwan ay upang i-highlight ang beat na nauuna sa accent. Ginagawa ito sa isang mas malawak na paggalaw ng kamay nang hindi binabago ang tempo. Ang isa pang pagpipilian, hindi gaanong epektibo - ang pagsasama ng kaliwang kamay. Ang kanang kamay ay pacing, at ang kaliwa ay aktibong minarkahan ang mga accented na bahagi - ang pamamaraan na ito ay kadalasang ginagamit kapag ang mga accent ay ginanap hindi ng buong orkestra, ngunit sa ilang grupo.

Paksa 11. Ang ibig sabihin ng pagpapahayagngunit sa musika, ang kanilang mga desisyon ay nasa kilos

Ang musika ay isa sa mga pinaka-emosyonal na sining. Ang musikal na imahe ay naglalaman ng ilang emosyonal na nilalaman. Ang anumang imahe ay maaaring mailalarawan ng hindi bababa sa mga pangkalahatang termino: matapang, determinado, mapang-akit, mapagmahal, malungkot, malungkot, atbp. Ang mga kompositor ay halos palaging gumagamit ng mga espesyal na pangungusap upang ipahiwatig ang katangian ng isang piraso ng musika. Ang gawain ng konduktor ay ihayag ang kahulugan ng parirala, ang panloob na nilalaman nito.

Sa paglutas ng problemang ito, ang mga ekspresyong kilos ng konduktor, gayundin ang mga ekspresyon ng mukha at pantomime, ay may mahalagang papel. Minsan ay mas epektibo ang mga ito kaysa sa pasalitang paliwanag. Ang manu-manong paraan at ang nilalaman ng musika ay tila nakikipag-ugnayan sa proseso ng pagsasagawa. Lubhang kapaki-pakinabang para sa isang baguhan na konduktor na maging pamilyar sa mga gawa ni Stanislavsky, kung saan pinag-uusapan niya ang kahalagahan ng mga ekspresyon ng mukha, pantomime, paggalaw ng ulo at daliri sa pagbubunyag ng isang masining na imahe. Ang kaliwang kamay ng konduktor ay gumaganap ng isang malaking papel, kung hindi isang pangunahing, sa pagbubunyag ng masining na imahe, dahil ang kanang kamay ay karaniwang tumutukoy sa meter ritmo ng piraso.

Sa pang-araw-araw na buhay, madalas tayong gumamit ng mga kilos sa halip na mga salita - sila ang prototype ng kilos ng konduktor.

Pansin! Itinaas ng konduktor ang kanyang kaliwang kamay, binubuksan ang kanyang palad gamit ang hintuturo.

Tama na! Ibinaling ng konduktor ang kanyang palad patungo sa orkestra. Kung kailangan mong ilarawan ang lakas, kapangyarihan - itinaas ng konduktor ang kanyang kaliwang kamay na nakatiklop sa isang kamao.

Kung mas maraming ganoong kilos ang isang konduktor sa kanyang arsenal, mas maliwanag at mas nagpapahayag ang kanyang pagsasagawa.

Paksa 12. Saliw. Pagsasagawa ng mga gawain sa mastering ang sining ng saliw

Kapag sinamahan ng orkestra ang soloista, ang konduktor ay hindi na maging sentro ng atensyon. Gayunpaman, sa kasong ito, marami ang nakasalalay sa kanyang pamamaraan at musika.

Ang kakayahang umangkop, isang pakiramdam ng istilo, kaalaman sa teknolohiya ng solong instrumento (mga tampok ng boses ng mang-aawit) ay lahat ng kinakailangang kondisyon para sa pagsasagawa ng isang saliw. Kapag nagsasagawa ng isang piraso ng musika, ang mga teknikal na pagkukulang, kawalan ng karanasan ng konduktor ay binabayaran ng karanasan at inisyatiba ng mga performer ng orkestra.

Ang maindayog na pulsation ng musika ay nagpapahintulot sa iyo na i-save ang ensemble, ipasok at ihinto ang tunog nang hindi naghihintay para sa mga tagubilin ng konduktor. Ang mga bagay ay medyo naiiba sa pagsasagawa ng saliw. Ang pagsama sa isang soloista ay nangangailangan ng flexibility ng tempo, madalas na pagpapakilala pagkatapos ng maraming pag-pause, at iba pa. Natural, ang mga gumaganap ng orkestra dito ay dapat na sundin nang eksakto ang mga tagubilin ng konduktor. Maganda kapag alam na alam ng konduktor ang bahagi ng soloista, sabi nga nila, bawat nota. Ang perpektong ensemble ay halos palaging ibinibigay. Ang isang partikular na kahirapan para sa konduktor ay lumitaw kapag nagsasagawa ng isang recitative, kung saan ang musika (saliw) ay puno ng maraming mga pag-pause, mga pagbabago sa tempo, isang malaking bilang ng mga paghinto, atbp. Sa kasong ito, ang tagumpay o kabiguan ay ganap na nakasalalay sa kahandaan ng konduktor.

Ang pangangailangan na sundin ang soloista, na naglalagay ng partikular na kahalagahan sa napapanahong pagpapakita ng mga pagpapakilala sa orkestra, ay ginagawang espesyal na pansin ng konduktor ang sandali ng pagbibigay ng aftertaste.

Kaya, ang mga sumusunod na kinakailangan ay ipinapataw sa pamamaraan ng pagsasagawa ng recitative: 1) isang kapansin-pansing pagkakaiba sa pagitan ng mga kilos na nagpapakita ng mga tunog na beats at pagbibilang ng mga paghinto; 2) ang kalinawan ng kahulugan ng unang beat bilang pinakamahalaga, ayon sa kung saan binibilang ng mga performer ng orkestra ang mga hakbang; 3) katumpakan ng sound pickup; 4) ang pagiging maagap ng pagbibigay ng auftacts, ayon sa pagganap ng soloista.

Paksa 13. Mga Pag-andarkonduktor sa pangkatang gawain

Ang isang modernong konduktor ay isang generalist, isang taong may mataas na kultura ng musika, ganap na pitch at memorya. Siya ay dapat magkaroon ng isang malakas na kalooban at ang kakayahan upang malinaw na ihatid ang kanyang intensyon sa mga musikero. Dapat alam niya ang lahat ng mga instrumento at ang likas na katangian ng sining ng boses. Bilang karagdagan, ang konduktor ay isang tagapagturo, tagapag-ayos at pinuno. Ang kumpleto at malinaw na kahulugan na ito ay nagpapahintulot sa amin na isipin ang imahe ng isang tunay na modernong konduktor. Ang lahat ng ito ay naaangkop sa mga kagalang-galang na konduktor na may malawak na karanasan sa orkestra. Ang mga layunin ng aming kurso ay mas katamtaman, ngunit gayunpaman, ang isang baguhang konduktor ay dapat magkaroon ng ilang mga katangian, kung wala ang isang konduktor ay hindi magtagumpay.

Sa madaling salita, ang sining ng isang konduktor ay nagsisimula sa pamumuno ng isang musical group. Sa anong paraan ipinapahayag ng konduktor ang kanyang mga intensyon sa grupo?

Ang anyo ng pagsasalita ng komunikasyon sa pagitan ng konduktor at orkestra ay napakahalaga sa panahon ng pag-eensayo; sa tulong ng pagsasalita, ipinapaliwanag ng konduktor ang ideya, mga tampok na istruktura, nilalaman at likas na katangian ng mga imahe ng isang gawaing musikal. Ang isang mahalagang karagdagan sa mga tagubilin ng konduktor ay ang kanyang personal na pagpapakita ng pagganap. Sa kasamaang palad, sa musika ay hindi laging posible na ipaliwanag gamit ang mga salita; minsan mas masarap kumanta o tumugtog ng instrument. Sa kabila ng katotohanan na ang mga sangkap na ito ay kinakailangan sa manu-manong, ang pangunahing bagay ay ang manu-manong pamamaraan. Ang isang konduktor na may mahusay na utos ng manu-manong pamamaraan ay maaaring makamit ang isang nababaluktot at masiglang pagganap sa panahon ng isang konsyerto, at hindi tulad ng natutunan sa pag-eensayo.

Ang pagsasagawa ng sining ay nangangailangan ng iba't ibang kakayahan, talento ng konduktor - ang kakayahang ipahayag ang nilalaman ng musika sa mga kilos. Ang konduktor mismo ay dapat magkaroon ng malawak na kaalaman sa teoretikal, historikal, aesthetic na pagkakasunud-sunod upang malalim na bungkalin ang musika, nilalaman nito, mga ideya, upang lumikha ng kanyang sariling konsepto ng pagganap nito, upang ipaliwanag ang kanyang intensyon sa tagapalabas. At, sa wakas, upang maisakatuparan ang pagganap ng isang bagong gawain, ang konduktor ay dapat magkaroon ng malakas na kalooban na mga katangian ng isang pinuno, tagapag-ayos ng pagganap, at mga kakayahan ng isang guro.

Paksa 14. Orkestra. Mga uri ng orkestraov sa pamamagitan ng instrumental na komposisyon

Sa Griyego, ang salitang orkestra ay isang lugar sa entablado ng teatro na inilaan para sa koro. Unti-unti, nawala ang orihinal na kahulugan ng salitang ito. Sa ngayon, ang salitang orkestra ay nangangahulugang isang tiyak na komposisyon ng mga instrumentong pangmusika, pati na rin ang mga grupo ng mga musikero na nakikilahok sa pagtatanghal. Ang pinakamahalagang katangian ng orkestra ay ang organiko, na nilikha bilang isang resulta ng isang malalim na panloob na koneksyon at pakikipag-ugnayan ng mga timbre ng musika sa bawat isa.

Sa lahat ng uri ng orkestra, ang pinakalaganap ay: symphony orchestra, wind orchestra at orkestra ng mga katutubong instrumento. Ang lahat ng mga ito ay makabuluhang naiiba sa bawat isa, at, bukod dito, sila mismo ay may iba't ibang mga pangalan, depende sa komposisyon ng mga instrumento.

Ang symphony orchestra ay may pinakamalaking kayamanan at pagkakaiba-iba sa bagay na ito. Depende sa komposisyon ng mga instrumento, kaugalian na makilala ang mga sumusunod na uri ng isang symphony orchestra: string o yumuko; silid, kung saan ang isang maliit na bilang ng mga string na instrumento, gamit ang woodwinds (flute, oboe, clarinet, bassoon), ay minsan kasama sa marka ng isang chamber orchestra at brass (mas madalas na sungay). Maliit na Symphony Orchestra, na gumagamit ng malaking bilang ng mga string (20-25), isang buong hanay ng mga woodwinds kasama ang mga sungay (dalawa, apat), kung minsan ay mga trumpeta at isang percussion group. Kasama sa malaking symphony orchestra ang mga instrumento ng lahat ng grupo sa score: bow, woodwind, brass (horns, trumpets, trombones at tuba), percussion, pati na rin ang plucked keyboards.

Ayon sa bilang ng mga performer sa isang woodwind group, ang mga orkestra ay karaniwang tinatawag na "pares" (dalawang performer sa bawat instrumento), "triple" o "triple", kung saan mayroong 3 performers sa bawat instrumento, at "quadruple" - apat. mga performer. Napakabihirang makahanap ng isang "solong" komposisyon - isang kinatawan mula sa bawat instrumento.

Mayroong isang pagbubukod sa panuntunan kapag ang bilang ng mga gumaganap ay hindi tumutugma sa mga pamantayang ito - ang naturang komposisyon ay tinatawag na "Intermediate".

Brass band- isang orkestra na binubuo ng isang instrumento ng hangin: brass at woodwind. Mayroong mga varieties ng brass bands - ito ay isang homogenous na komposisyon (ilang tanso) at halo-halong - tanso at kahoy na mga instrumento. Sa mga klasikal na symphonic na marka, isang karagdagang pangkat ng mga instrumentong tanso (brass band) ay minsan ay matatagpuan, na tinatawag na "gang". Sa kasalukuyan, mahahanap mo ang parehong uri ng brass band - kadalasang halo-halong. Kailangan mong malaman na bilang karagdagan sa mga trumpeta, sungay, trombone at tuba, ang brass band ay may kasamang mga partikular na wala sa symphonic score: Cornet B-flat, Alto E-flat, Tenor B-flat, Baritone B-flat, Basses 1st at 2nd (mga tubo o helicon).

Sa bagay na ito, ang (buong) marka para sa isang brass band ay may humigit-kumulang tatlumpung linya; Para sa kadahilanang ito, mas gusto ng mga conductor ng brass band na harapin ang mga "pinisil" na mga marka.

Orchestra ng Folk Instruments sa mahigit isang daang taon ng kasaysayan nito, ay dumaan sa iba't ibang pagbabago. Sa una, ang orkestra ay binubuo lamang ng mga balalaikas, may mga pagtatangka na gumawa ng isang orkestra mula sa isang domra. At ang pinakamagandang solusyon ay pagsama-samahin ang mga grupong ito. ganito naganap ang orkestra ng domra-balalaika, na siyang naging batayan ng modernong orkestra. Ang mga katutubong orkestra ay laganap sa iba't ibang mga rehiyon ng ating bansa at may iba't ibang katayuan: mga bata, baguhan, pang-edukasyon, munisipyo, atbp., Bilang karagdagan dito, mayroong ilang mga propesyonal na grupo ng estado. Ang komposisyon ng mga orkestra ayon sa bilang ng mga performer ay ibang-iba at mula 18 hanggang 60 na mga performer. ang pinaka-mobile na komposisyon - 30-35 tao. Bilang karagdagan sa grupong domra-balalaika, bilang panuntunan, mayroong isang pangkat ng mga accordion ng pindutan (mula 2 hanggang 5, depende sa bilang ng mga tagapalabas). Ang mga tauhan ng orkestra ay ganap na nakasalalay sa pinuno-konduktor. Sa kasalukuyan, ang orkestra ay gumagamit ng mga instrumento ng isang symphony orchestra (flute, oboe), mas madalas na clarinet, bassoon. May mga pinuno na patuloy o paminsan-minsan ay nagpapaandar ng mga instrumentong brass-wind. Ang lahat ng ito ay ginagawa sa paghahanap ng mas magkakaibang mga timbre, dahil ang folk orchestra mismo ay medyo mahirap sa pangkulay ng timbre. Ang isa pang tampok ng mga modernong orkestra, lalo na ang mga pagsasanay: sa gitnang zone ng Russia, ginagamit ang 3-string prima domras, sa rehiyon ng Ural-Siberian, 4-string prima domras ang ginagamit, at lahat ng iba pa (altos, basses - 3 -strings. Sa Belarus at sa Ukraine, ang lahat ng domras ay 4-string.Sa tunog, ang mga naturang orkestra ay nawawalan ng liwanag sa tunog, ngunit nanalo sa pag-aayos ng mga symphonic score, dahil ang mga hanay ng 4-string domras ay karaniwang katulad ng bow grupo (maliban sa mataas na tessitura). lahat ng komposisyon ay pareho sa pagbuo (quarters) at sa bilang ng mga string (tatlo). Kasama sa grupong balalaika ang: prima balalaika, pangalawang balalaika, alto balalaika, bass balalaika, double bass balalaika .Ang ilang mga orkestra ay may pangkat ng mga folklore wind instrument: mga sungay, mga key chain, awa.

Paksa 15. Iskora. Pagsusuri ng konduktor sa marka

Sa madaling salita, ang marka ay isang akdang isinulat para sa isang orkestra, koro o grupo. Tiyak na binibigyang-kahulugan ni N. Zryakovsky ang ideya ng isang marka: “Ang marka ay isang kumpleto at detalyadong notasyong pangmusika ng isang polyphonic na gawa para sa isang orkestra, koro, instrumental, vocal o halo-halong ensemble, isang orkestra na may mga soloista, isang orkestra na may isang koro, atbp.”

Ang marka para sa iba't ibang orkestra ay naitala sa iba't ibang paraan, ngunit sa mahigpit na pagkakasunud-sunod. Sa lahat ng mga marka, ang mga stave ay pinagsama ng isang karaniwang chord, ang mga chord ng grupo ay nagkakaisa ng mga homogenous na grupo ng orkestra, ang mga karagdagang chord ay pinagsama ang mga homogenous na instrumento sa mga grupo.

Ang pagkakasunud-sunod ng mga instrumento sa pagre-record sa isang symphony orchestra (buong iskor):

a) Woodwind group (flutes, oboes, cor anglais, clarinets, bassoons);

b) Grupo ng tanso (mga sungay, trumpeta, trombone, tuba);

c) Pangkat ng strike:

notated instruments (timpani, xylophone, celesta, marimba, atbp.); ingay instruments (bass drum, snare drum, cymbals, triangle, castanets, atbp.);

d) Mga alpa at piano;

e) String-bow group (quintet) - violin I, II, violas, cellos at double bass).

Depende sa komposisyon ng orkestra, ang mga marka ay "kumpleto" at "hindi kumpleto".

Sa isang brass band, walang mahigpit na pagkakasunud-sunod kung saan naitala ang mga instrumento. Ang tanging bagay na walang alinlangan ay kung mayroong isang kahoy na grupo, ito ay naitala din sa itaas, tulad ng sa isang symphony orchestra, at ang mga tuba at helicon ay nasa ibaba. Ang pagtatala ng mga natitirang instrumento ay walang tiyak, malinaw na pagkakasunud-sunod.

Puntos para sa buong komposisyon ng orkestra ng mga katutubong instrumento:

ako. Domra group:

domra piccolo

domra prima

domra alto

domra tenor

bass domra

domra double bass

II. Mga sungay:

soprano 1

soprano 2

Flute, oboe

III. Grupo ng Bayan:

Orchestral harmonicas

pindutan ng akurdyon piccolo

accordion soprano

pindutan ng akurdyon viola

button accordion baritone 9 bass)

pindutan ng akurdyon double bass

IV. Pangkat ng percussion.

Karaniwang kapareho ng sa isang symphony orchestra. Sa pagproseso ng katutubong, ginagamit ang mga instrumento ng folklore: isang rubel, isang kalansing, mga kampanilya, isang washboard, isang scythe, atbp.

V. Balalaika group:

balalaika prima

balalaika segundo

balalaika viola

balalaika bass

double bass balalaika

Ang pagtatala ng naturang marka ay mukhang isang sample. Sa katunayan, kahit na sa mga orkestra ng estado, ang buong listahan ng mga instrumentong ito ay hindi pinananatili, hindi banggitin ang mga pang-edukasyon at amateur na orkestra.

Ang bawat pinuno-konduktor ay bumubuo ng komposisyon ng orkestra sa kanyang sariling paghuhusga, batay sa mga posibilidad. Samakatuwid, ang mga marka ay mukhang mas katamtaman (mas maliit na komposisyon), ngunit ang pagkakasunud-sunod ng mga instrumento sa pag-record ay palaging pinapanatili. marahil ang pangkat ng mga accordion ng butones ay pinaka-nabago (depende sa komposisyon ng mga string, ang mga bayan ay maaaring mula 2 hanggang 5, 6). Sa pamamagitan ng disenyo, ang mga accordion ng pindutan ay maaaring: ordinaryong dalawang-kamay, orchestral harmonicas, multi-timbre ready-selectable at kahit timbre (isang-kamay) - flute, oboe, clarinet, horn, tuba at mayroon ding pipe.

Sa kasalukuyan, sa mga modernong orkestra, ang ready-to-select button accordion ay kadalasang ginagamit, kadalasan I at II, atbp.

Paghahanda para sa unang pulong (rehearsal) kasama ang konduktor ng orkestra dapat pag-aralan mong mabuti at alamin ang marka. Ang gawaing pag-eensayo, iyon ay, ang proseso ng paghahanda ng pagganap ng isang gawain sa isang orkestra, ay napakahalaga sa aktibidad ng isang konduktor. Ang pagsasagawa ng isang pag-eensayo ay nangangailangan ng konduktor na magkaroon ng mga kakayahan sa pedagogical, isang tiyak na taktika, ang kakayahang maimpluwensyahan ang pag-iisip ng mga gumaganap, ito ang sikolohikal na bahagi ng proseso. Ang lahat ng ito ay dapat na maunahan ng isang mahusay na trabaho sa puntos. Una, ang konduktor ay dapat na pamilyar sa teksto ng isang musikal na gawa (kung maaari, i-play ito sa piano o pakinggan ito naitala), pakiramdam ang karakter, binibigyang pansin ang mga komento ng may-akda, matukoy ang anyo at pagkakaugnay ng mga bahagi ng ang trabaho, ang meter-ritmikong istraktura, ang harmonic na wika na tumutugma sa estilo ng trabaho, at pagkatapos ay markahan ang marka ayon sa istraktura ng bar nito.

Ito ay ipinahayag sa katotohanan na ang konduktor ay nagmamarka ng iba't ibang mga palatandaan (mga tuldok, kuwit, gitling, mga krus) ang pagtatayo ng musikal na pagsasalita ng trabaho (mga parirala, pangungusap, tuldok, atbp.). Ang mga paghihirap ay lumitaw kapag ang parirala ay binubuo ng mga kakaibang hakbang - kailangan mong maging maingat na hindi papangitin ang kahulugan. Ang markup na ito ay tumutulong upang matukoy ang mahihirap na lugar sa mga grupo ng orkestra, na nangangailangan ng mas maraming daanan. Ang ganitong gawain sa marka ay nakakatulong upang pag-aralan ang istraktura ng trabaho at masakop ang malalaking seksyon ng form, na parang pinapayagan ka nitong madama ang buong dramaturgy ng trabaho.

Paksa 16. Bato ng konduktor, ang playunin, mga paraan ng paghawak

Mahirap isipin ang isang konduktor sa podium na walang baton sa kanyang kamay. May pakiramdam na may kulang. At ito ay totoo, dahil ang baton ng konduktor ay instrumento ng konduktor. Ang papel ng baton sa pagsasagawa ay napakahusay. Ito ay nakakatulong sa pamamaraan ng konduktor na gawin ang halos hindi kapansin-pansing mga galaw ng brush na napakalinaw, na napakahalaga para sa mga musikero sa orkestra. Ang pinakamahalagang layunin nito ay magsilbi bilang isang paraan ng pagpapahusay ng pagpapahayag ng isang kilos. Ang matalino at mahusay na paggamit ng baton ay nagbibigay sa konduktor ng isang paraan ng pagpapahayag na hindi maaaring makamit sa pamamagitan ng ibang paraan.

Kadalasan ang patpat ay gawa sa kahoy na hindi nag-vibrate kapag hinampas. Ang haba ng stick (para sa isang karaniwang kamay) ay 40 - 42 cm, depende sa laki ng kamay at bisig, ang haba ng stick ay maaaring mag-iba. Para sa kadalian ng paghawak, ito ay ginawa gamit ang isang foam o cork handle, kung minsan ay machined mula sa parehong kahoy bilang stick. Ito ay mas mahusay kapag ang ibabaw ng stick ay magaspang, para sa mas mahusay na tactility.

Sa gawain ng isang konduktor, ang paghawak ng baton ay nag-iiba depende sa tempo at katangian ng musika. Tatlong pangunahing probisyon.

1. Ito ay kinuha gamit ang hinlalaki at hintuturo, upang ang dulo nito (matalim) ay nakadirekta sa gilid, sa kaliwa. Sa posisyon na ito, hindi nito pinahaba ang brush, ngunit ang mga paggalaw ay nagiging mas kapansin-pansin. Ang simula ng tunog ay ipinapakita hindi sa dulo ng stick, ngunit sa lahat ng mga punto nang sabay-sabay, na parang may brush. Ang pamamaraang ito ay ang pinakasimpleng at pinaka-maginhawang matutunan.

2. Ang direksyon ng stick ay hindi sa gilid, ngunit pasulong. Ito ay mas mahirap at nangangailangan ng higit na paghahanda, mas mahusay na makabisado ang pamamaraang ito kapag ang una ay pinagkadalubhasaan. Sa kasong ito, ang stick ay nagiging, bilang ito ay, isang extension ng brush. Ano ang ibinibigay nito? Ang isang bahagyang pataas na pagpapalihis ng kamay ay nagpapataas ng dulo ng stick ng isang malaking distansya. Hinahawakan ng wand ang tunog gamit ang pinaka dulo nito, na kahawig ng instrumento ng pintor, na gumuhit ng pinakamagandang nuances ng pagganap.

3. Ang brush na may stick ay nakatali sa gilid, iyon ay, 90 degrees sa kanan. Ang posisyon na ito ay lumilikha ng mas maraming pagkakataon para gumana ang brush: sa kanan, sa kaliwa, sa isang bilog, atbp. Ang isang wand sa isang nakataas na kamay ay nag-aambag sa paghahatid ng mga kabayanihan na imahe. Ang mga pabilog na paggalaw ng pulso ay naghahatid ng musika ng isang karakter na scherzo. Bigyang-pansin natin ang katotohanan na kung mas aktibo ang kilos ng kamay (biyo at balikat), hindi gaanong aktibo at hindi masyadong malaki ang dapat na paggalaw ng kamay gamit ang isang pahabang patpat. At kabaligtaran - kung hindi gaanong aktibo ang kamay, mas malaki ang papel na ginagampanan ng kamay, na armado ng isang wand.

Mga kinakailangan sa pag-set-off

Ang programa ng disiplina na "Kasaysayan at Teorya ng Pagsasagawa" ay pinagsama-sama alinsunod sa mga kinakailangan para sa ipinag-uutos na minimum na nilalaman at ang antas ng pagsasanay ng isang espesyalista sa cycle na "Mga Espesyal na Disiplina". Ang inirerekomendang haba ng kurso ay 34 na oras sa unang semestre. Nagtatapos ang kurso sa pagsusulit.

Mga halimbawang tanong para sapagsusulit

1. Mga yugto ng pag-unlad ng pagsasagawa.

2. Pagsasagawa bilang isang malayang uri ng sining ng pagtatanghal.

3. Western European conducting school at mga kinatawan nito.

4. Kasaysayan at pag-unlad ng Russian school of conducting. Maliwanag na mga kinatawan nito.

5. Conductor's apparatus at ang setting nito.

6. Ang kilos ng konduktor at ang istraktura nito.

7. Auftakt, ang mga function at varieties nito.

8. Timing scheme.

9. Mga prinsipyo para sa pagpili ng mga scheme ng timing.

10. Fermata at mga uri nito.

11. Mga paraan upang maisagawa ang fermat.

12. Mga pause, syncopations, accent sa musical literature.

13. Mga paraan ng pagpapakita ng mga pause, syncopation, accent sa manual technique.

14. Ang ibig sabihin ng pagpapahayag sa musika, ang kanilang solusyon sa mga kilos.

15. Saliw. Pagsasagawa ng mga gawain sa mastering ang sining ng saliw.

16. Mga tungkulin ng isang konduktor sa trabaho kasama ang isang pangkat.

17. Orkestra. Mga uri ng orkestra sa pamamagitan ng instrumental na komposisyon.

18. Iskor. Pagsusuri ng konduktor sa marka.

19. Ang baton ng konduktor, ang layunin nito, mga paraan ng paghawak.

Listahan ng bibliograpiya

1. Anosov, N.P. pamanang pampanitikan. Korespondensiya. Mga alaala ng mga kontemporaryo. / N.P. Anosov. - Moscow: Sov. kompositor, 1978.

2. Ansarme, E. Mga pag-uusap tungkol sa musika. / E. Ansermet. - Leningrad: Musika, 1985.

3. Astrov, A. Larawan ng kulturang musikal ng Russia S.A. Koussevitzky. / A.V. Astrov. - Leningrad: Musika, 1981.

4. Berlioz, G. Konduktor ng Orchestra. // Malaking treatise sa modernong instrumentasyon at orkestra. / G. Berlioz. - Moscow: Sov. kompositor, 1972.

5. Alexander Vasilyevich Gauk. Mga alaala. Mga napiling artikulo. Mga alaala ng mga kontemporaryo. // Comp.: Gauk L., Glezer R., Milydtein Ya. - Moscow: Sov. kompositor, 1975.

6. Grigoriev, L.G. Evgeny Svetlanov. / L.G. Grigoriev, Ya.M. Platek. - Moscow: Musika, 1979.

7. Ginzburg, L.M. Napili: Mga Konduktor at Orkestra. Mga tanong ng teorya at kasanayan sa pagsasagawa. / L.M. Ginzburg. - Moscow: Sov. kompositor, 1982.

8. Ginzburg, L.M. Pagsasagawa ng Pagganap: Pagsasanay. Kwento. Aesthetics / Ed.-comp. L.M. Ginzburg. - Moscow, 1975.

9. Ivanov-Radkevich, A.N. Sa pagpapalaki ng isang konduktor. / A.N. Ivanov-Radkevich. - Moscow: Musika, 1973.

10. Kazachkov, S.A. Ang aparato ng konduktor at ang setting nito. / A.S. Kazachkov. - Moscow: Musika, 1967.

11. Kahn, E. Mga elemento ng pagsasagawa. / E. Kahn. - Leningrad: Musika, 1980.

12. Kanerstein, M.M. Pagsasagawa ng mga isyu. / MM. Kanerstein. - Moscow: Musika, 1972.

13. Kargin, A.S. Makipagtulungan sa isang amateur orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso. / A.S. Kargin. - Moscow: Edukasyon, 1987.

14. Wheels, N.F. Mga pangunahing kaalaman sa pamamaraan ng pagsasagawa. / N.F. Mga gulong. - Kyiv: Musika. Ukraine, 1981.

15. Kolcheva, M.S. Mga pamamaraan ng pagtuturo ng pagsasagawa ng isang orkestra ng mga katutubong instrumento. / MS. Kolchev - Moscow: GMPI im. Gnesins. 1983.

16. Malko, N. I Mga Batayan ng pagsasagawa ng pamamaraan. / N.I. Malko. - Moscow - Leningrad: Musika, 1965.

17. Matalaev, L.N. Mga pangunahing kaalaman sa pamamaraan ng pagsasagawa. / L.N. Matalaev. - Moscow: Sov. Kompositor, 1986.

18. Musin, I.A. Teknik ng pagsasagawa. / I.A. Musin. - Leningrad: Musika, 1967.

19. Munsch, Sh. I - konduktor. / S. Munsch. - Moscow: Musika, 1967.

20. Olkhov, K.A. Mga tanong ng teorya ng pagsasagawa ng pamamaraan at pagsasanay ng mga konduktor ng koro. / K.A. Olkhov. - Leningrad: Musika, 1979.

21. Pozdnyakov A.B. Conductor-accompanist. Ang ilang mga katanungan ng orkestra saliw. / A.B. Pozdnyakov. - Moscow: GMPI im. Gnesins. 1975.

22. Remizov I.A. Vyacheslav Suk. / I.A. Remizov. - Moscow, Leningrad: Musical publishing house, 1951.

23. Romanova, I.A. Mga tanong ng kasaysayan at teorya ng pagsasagawa. / I.A. Romanova. - Yekaterinburg, 1999.

24. Smirnov, B.F. Pagsasagawa ng pamamaraan bilang isang bagay ng persepsyon ng manonood (tagapakinig). / Lecture sa kursong "Theoretical Foundations of Conducting" para sa full-time at part-time na mga mag-aaral ng specialization "folk instruments" ng mga institute ng sining at kultura. / B.F. Smirnov. - CHGIK, Chelyabinsk, 1992.

karagdagang panitikan

1. Erzhemsky, G.L. Pagsasagawa ng sikolohiya. / G.L. Yerzhemsky. - Moscow: Musika, 1988.

2. Kondrashin, K.K. Tungkol sa sining ng pagsasagawa. / K.K. Kondrashin. - Leningrad - Moscow: Sov. kompositor, 1970.

3. Kondrashin K.K. Mundo ng konduktor. / K.K. Kondrashin. - Leningrad: Musika, 1976.

4. Leinsdorf, E. Sa Depensa ng Kompositor. / E. Leinsdorf. - Moscow: Musika, 1988.

5. Musin I.A. Sa pagpapalaki ng isang konduktor. / I.A. Musin. - Leningrad: Musika, 1987.

6. Neishtad, I.Ya. Artist ng Tao na si Yakov Zak. / AT AKO. Neishtad. - Novosibirsk book publishing house, 1986.

7. Pazovsky, A.M. Konduktor at mang-aawit. / A.M. Pazovsky. - Moscow: Musika. publishing house, 1959.

8. Robinson, P. Karajan. / P. Robinson. - Moscow: Pag-unlad, 1981.

9. Rozhdestvensky, G.N. Pagfingering ng konduktor. / G.N. Pasko. - Leningrad: Musika, 1976.

10. Saradzhev, K. Mga artikulo, alaala. / K. Saradzhev. - Moscow: Sov. kompositor, 1962.

11. Sivizyanov, A. Conductor expression ng mga elemento at istilo ng musika. / A. Sivizyanov. - Shadrinsk: "Iset", 1997.

12. Mga modernong konduktor. / Comp. Grigoriev L., Platek Ya. Moscow: Sov. kompositor, 1969.

13. Khaikin, B.E. Mga pag-uusap tungkol sa galing ng konduktor. / B.E. Si Khaikin. - Moscow: Musika, 1984.

14. Sherhen, G. Pagsasagawa ng Teksbuk. / G. Sherhen. - Moscow: Musika, 1976.

Naka-host sa Allbest.ru

Mga Katulad na Dokumento

Ang mga pangunahing yugto ng ebolusyon ng pagsasagawa ng pamamaraan. Ang mga pangunahing tampok ng paggamit ng shock-noise conducting sa kasalukuyang yugto. Pangkalahatang konsepto ng cheironomy. Visual na paraan ng pagsasagawa sa XVII-XVIII na siglo. Auftact technique ng clock circuits.

ulat, idinagdag noong 11/18/2012


Ang mga nagpapahayag na pamamaraan ng pagsasagawa at ang kanilang kahalagahan, ang physiological apparatus bilang isang pagpapahayag ng musikal at gumaganap na disenyo at artistikong kalooban. Ang kilos at ekspresyon ng mukha ng konduktor bilang isang paraan ng paghahatid ng impormasyon, static at dynamic na pagpapahayag ng musika.

term paper, idinagdag noong 06/07/2012


Malikhaing larawan ng kompositor na si R.G. Boyko at makata na si L.V. Vasilyeva. Ang kasaysayan ng paglikha ng gawain. Genre affiliation, harmonic "stuffing" ng choral miniature. Uri at uri ng koro. Mga hanay ng party. Pagsasagawa ng mga kahirapan. Mga paghihirap sa boses at koro.

abstract, idinagdag 05/21/2016


Ang kasaysayan ng pag-unlad ng jazz bilang isang anyo ng musikal na sining. Mga tampok na katangian ng musikal na wika ng jazz. Improvisation, polyrhythm, syncopated rhythms at isang natatanging performance texture - swing. "Ang panahon ng swing", na nauugnay sa tuktok ng katanyagan ng malalaking orkestra.

pagtatanghal, idinagdag noong 01/31/2014


Ang pagbuo ng musika bilang isang anyo ng sining. Mga makasaysayang yugto ng pagbuo ng musika. Ang kasaysayan ng pagbuo ng musika sa mga pagtatanghal sa teatro. Ang konsepto ng "genre ng musika". Mga dramatikong pag-andar ng musika at ang mga pangunahing uri ng mga katangian ng musikal.

abstract, idinagdag 05/23/2015


Pangkalahatang katangian at tampok ng musika bilang isang anyo ng sining, ang pinagmulan at kaugnayan nito sa panitikan. Ang papel ng musika bilang isang kadahilanan sa pag-unlad ng pagkatao. Tunog bilang isang materyal, ang pisikal na batayan para sa pagbuo ng isang musikal na imahe. Isang sukatan ng lakas ng tunog ng musika.

abstract, idinagdag 03/15/2009


Ang kasaysayan ng pinagmulan at pag-unlad ng mga instrumentong pangmusika mula sa sinaunang panahon hanggang sa kasalukuyan. Isinasaalang-alang ang mga teknikal na kakayahan ng tanso, kahoy at mga instrumentong percussion. Ang ebolusyon ng komposisyon at repertoire ng mga brass band; kanilang papel sa modernong Russia.

term paper, idinagdag noong 11/27/2013


Ang konsepto at kasaysayan ng pinagmulan ng musika, ang mga yugto ng pag-unlad nito. Mga genre at istilo ng musika. "Linguistic" na teorya ng pinagmulan ng musika. Ang pagbuo ng paaralan ng kompositor ng Russia. Mga ugnayan sa pagitan ng mga musikero at ng estado sa panahon ng Sobyet. Pag-unlad ng musika sa Russia.

abstract, idinagdag noong 09/21/2010


Ang pagbuo ng gumaganap na kagamitan ng isang drummer na musikero: pagpoposisyon ng mga kamay, landing, pagkuha ng tunog, pagbuo ng isang pakiramdam ng ritmo. Ang pisyolohikal na mekanismo ng motor-teknikal na kasanayan ng tagapalabas. Masining na intonasyon ng pagtugtog ng snare drum.

pagsubok, idinagdag noong 07/12/2015


Ang ebolusyon ng pop art: ang paglitaw ng mga comic opera at variety show, ang kanilang pagbabago sa mga palabas sa entertainment. Repertoire ng pop-symphony orchestras. Pagpapasiya ng mga pangunahing kadahilanan na nakakaimpluwensya sa pagbaluktot ng panlasa ng musikal ng mga modernong tinedyer.