Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

"Ang musika ay obligadong mag-ukit ng apoy mula sa dibdib ng tao" - ito ang mga salita ng Aleman na kompositor na si Ludwig van Beethoven, na ang mga gawa ay nabibilang sa pinakamataas na tagumpay ng kultura ng musika.

Ang pananaw sa mundo ni Beethoven ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mga ideya ng Enlightenment at mga pamantayang mapagmahal sa kalayaan ng Rebolusyong Pranses. Sa musika, ang kanyang trabaho, sa isang banda, ay nagpatuloy sa mga tradisyon ng Viennese classicism, sa kabilang banda, nakuha ang mga tampok ng bagong romantikong sining. Mula sa klasisismo sa mga gawa ni Beethoven, ang kadakilaan ng nilalaman, magandang mastery ng mga musical form, apela sa mga genre ng symphony at sonata. Mula sa romanticism bold experimentation sa larangan ng mga genre na ito, sigasig para sa vocal at piano miniatures.

Si Ludwig van Beethoven ay ipinanganak sa Alemanya sa pamilya ng isang musikero sa korte. Nagsimula siyang mag-aral ng musika mula pagkabata sa ilalim ng patnubay ng kanyang ama. Ngunit ang tunay na tagapagturo ng Beethoven ay ang kompositor, konduktor at organista na si K.G. Nave. Mula sa edad na labing-isang, si Beethoven ay nagsilbi bilang isang assistant organist sa simbahan, kalaunan ay court organist, concertmaster sa Bonn Opera House.

Noong 1792 Lumipat si Beethoven sa Vienna. Kumuha siya ng mga aralin sa musika mula sa mga pinakadakilang musikero noong panahong iyon. Kaya naman ang makikinang na kaalaman ng kompositor sa mga anyo ng musikal, pagkakatugma at polyphony. Di-nagtagal, nagsimulang magbigay ng mga konsiyerto si Beethoven; naging sikat. Nakilala siya sa mga lansangan, inanyayahan sa mga maligaya na pagtanggap sa mga tahanan ng mga matataas na tao. Marami siyang naimbento: nagsulat siya ng mga sonata, concerto para sa piano at orkestra, mga symphony.

Sa loob ng mahabang panahon, walang nahulaan na si Beethoven ay tinamaan ng isang malubhang karamdaman - nagsimula siyang mawalan ng pandinig. Kumbinsido sa kawalan ng lunas ng sakit, nagpasya ang kompositor na mamatay at noong 1802. naghanda ng isang testamento, kung saan ipinaliwanag niya ang mga motibo ng kanyang sariling desisyon. Ngunit nagawa ni Beethoven na pagtagumpayan ang kawalan ng pag-asa at natagpuan ang lakas upang magsulat pa ng musika. Ang daan palabas sa krisis ay ang Ikatlo ("Kabayanihan") Symphony.

Noong 1803-1808. nagtrabaho din ang kompositor sa paglikha ng mga sonata; sa partikular, ang Ikasiyam para sa byolin at piano, ito ay nakatuon sa Parisian violinist na si Rudolf Kreutzer, samakatuwid natanggap nito ang pamagat na "Kreutzer"; Dalawampu't-ikatlo ("Appassionata") para sa piano, Fifth at Sixth symphony.

Ang ikaanim ("Pastoral") symphony ay may subtitle na "Memories of Rural Life". Ang gawaing ito ay naglalarawan ng iba't ibang mga estado ng kaluluwa ng tao, na humiwalay ng ilang sandali sa mga panloob na karanasan at pakikibaka. Ang symphony ay naghahatid ng mga damdaming nagmumula sa pakikipag-ugnayan sa mundo ng kalikasan at buhay sa kanayunan. Ang istraktura nito ay hindi pangkaraniwan - limang bahagi sa halip na apat. Ang symphony ay may mga elemento ng figurativeness, onomatopoeia (kumanta ng mga ibon, dumadagundong ang kulog, atbp.). Ang mga natuklasan ni Beethoven ay ginamit ng maraming romantikong kompositor.

Ang tugatog ng symphonic work ni Beethoven ay ang Ninth Symphony. Ito ay ipinaglihi noong 1812, ngunit ang kompositor ay nagtrabaho dito mula 1822 hanggang 1823. Ang simponya ay engrande sa sukat; ang finale ay lalong hindi karaniwan, na parang isang malaking cantata para sa koro, soloista at orkestra, na isinulat sa teksto ng ode na "To Joy" ni J.F. Schiller.

Sa unang bahagi, ang musika ay malupit at dramatiko: mula sa kaguluhan ng mga tunog, isang tiyak at ganap na malakihang tema ang isinilang. Ang ikalawang bahagi - ang scherzo sa karakter ay umaalingawngaw sa una. Ang ikatlong bahagi, na ginanap sa isang mabagal na bilis, ay ang kalmadong hitsura ng isang naliwanagan na kaluluwa. Dalawang beses, ang mga tunog ng fanfares ay sumambulat sa hindi nagmamadaling daloy ng musika. Ipinaaalala nila ang mga bagyo at labanan, ngunit hindi nila mababago ang pangkalahatang pilosopikal na imahe. Ang musikang ito ang pinakatuktok ng mga liriko ni Beethoven. Ang pang-apat na bahagi ay ang pangwakas. Ang mga tema ng mga nakaraang bahagi ay lumulutang sa harap ng nakikinig na parang lumilipas na nakaraan. At narito ang tema ng kagalakan. Ang panloob na istraktura ng tema ay kamangha-manghang: kaba at mahigpit na pagpigil, mahusay na panloob na lakas, na inilabas sa isang engrandeng himno sa kabutihan, katotohanan at kagandahan.

Ang premiere ng symphony ay naganap noong 1825. sa Vienna Opera House. Upang ipatupad ang plano ng may-akda ng orkestra sa teatro ay hindi sapat, kailangan nilang mag-imbita ng mga baguhan: dalawampu't apat na violin, sampung violas, labindalawang cello at double basses. Para sa isang Viennese classical orchestra, ang naturang komposisyon ay hindi pangkaraniwang malaki. Bilang karagdagan, ang anumang bahagi ng koro (bass, tenor, alto at soprano) ay kasama ang dalawampu't apat na mang-aawit, na lumampas din sa karaniwang mga pamantayan.

Sa panahon ng buhay ni Beethoven, ang Ninth Symphony ay nanatiling hindi maintindihan ng marami; hinahangaan lamang ito ng mga taong malapit na nakakakilala sa kompositor, ang kanyang mga estudyante at tagapakinig ay naliwanagan sa musika, ngunit sa paglipas ng panahon, ang mga sikat na orkestra ng mundo ay nagsimulang isama ang symphony sa kanilang repertoire.

Ang mga gawa ng huling panahon ng akda ng kompositor ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpigil sa mga damdamin at lalim ng pilosopikal, na nagpapakilala sa kanila mula sa madamdamin at dramatikong mga unang gawa. Sa kanyang buhay, si Beethoven ay sumulat ng 9 symphony, 32 sonata, 16 string quartets, opera Fidelio, Solemn Mass, 5 piano concerto at isa para sa violin at orchestra, overtures, indibidwal na mga piyesa para sa iba't ibang instrumento.

Nakapagtataka, ang kompositor ay nagsulat ng maraming mga gawa (kabilang ang Ninth Symphony) noong siya ay ganap na bingi. Ngunit ang kanyang pinakabagong mga gawa - sonata para sa piano at quartets - ay hindi maunahang mga obra maestra ng chamber music.

Ryabchinskaya Inga Borisovna
Titulo sa trabaho: guro ng piano, accompanist
Institusyon ng edukasyon: MBU DO Children's Music School na pinangalanang D.D. Shostakovich
Lokasyon: lungsod ng Volgodonsk, rehiyon ng Rostov
Pangalan ng materyal: pamamaraang pag-unlad
Paksa: "Mga makasaysayang panahon. Mga istilo ng musika" (classicism, romanticism)
Petsa ng publikasyon: 09/16/2015

I-text ang bahagi ng publikasyon

Munisipal na Badyet na Institusyon ng Karagdagang Edukasyon Paaralan ng Musika ng mga Bata na pinangalanan sa D. D. Shostakovich, Volgodonsk
Metodolohikal na pag-unlad sa paksa:

"Mga makasaysayang panahon.

Mga istilo ng musika »
classicism, romanticism
) Ang pag-unlad ay isinagawa ni Inga Borisovna Ryabchinskaya, guro ng 1st category, accompanist ng pinakamataas na kategorya
Ang istilo at panahon ay dalawang magkaugnay na konsepto. Ang bawat istilo ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa makasaysayang at kultural na kapaligiran kung saan ito nabuo. Ang pinakamahalagang mga direksyong pangkakanyahan ay lumitaw, umiral at nawala sa makasaysayang pagkakasunud-sunod. Sa bawat isa sa kanila, malinaw na ipinakita ang mga pangkalahatang masining at matalinghagang prinsipyo, paraan ng pagpapahayag, at malikhaing pamamaraan.
KLASISISMO
Ang mga salitang "classic", "classicism", "classical" ay nagmula sa salitang Latin - classicus, iyon ay, huwaran. Ang pagtawag sa isang artista, manunulat, makata, kompositor na isang klasiko, ang ibig naming sabihin ay nakamit niya ang pinakamataas na kasanayan, pagiging perpekto sa sining. Ang kanyang trabaho ay lubos na propesyonal at para sa amin
sample.
Sa pagbuo at pag-unlad ng klasisismo, dalawang makasaysayang yugto ang nabanggit.
Unang yugto
nabibilang sa ika-17 siglo. Ang klasiko ng ika-17 siglo, na lumago sa sining ng Renaissance. binuo nang sabay-sabay sa baroque, bahagyang sa pakikibaka, bahagyang sa pakikipag-ugnayan dito, at sa panahong ito natanggap nito ang pinakamalaking pag-unlad sa France. Para sa mga klasiko ng panahong ito, ang mga gawa ng sinaunang sining ay hindi malalampasan na mga halimbawa ng artistikong pagkamalikhain, kung saan ang ideal ay kaayusan, katwiran, pagkakaisa. Sa kanilang mga gawa, hinahangad nila ang kagandahan at katotohanan, kalinawan, pagkakaisa, at pagkakumpleto ng konstruksiyon.
Pangalawang yugto
- huli na klasiko, mula sa kalagitnaan ng ika-18 hanggang sa simula ng ika-19 na siglo, ay pangunahing nauugnay sa
Viennese classical na paaralan
. Pumasok siya sa kasaysayan ng kulturang Europeo bilang
Panahon ng Enlightenment
o Edad ng Dahilan. Ang tao ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa kaalaman at naniniwala sa kakayahang ipaliwanag ang mundo. Ang pangunahing karakter ay isang tao na handa para sa mga kabayanihan na gawa, subordinating ang kanyang mga interes - karaniwan, espirituwal
klasisismo

klasisismo

malinaw

pagkakaisa

malinaw

pagkakaisa

mahigpit

mga form

mahigpit

mga form

balanse

ang mga pandama

balanse

ang mga pandama

Gusts - ang tinig ng katwiran. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng moral na katatagan, katapangan, katapatan, katapatan sa tungkulin. Ang makatwirang aesthetics ng klasisismo ay makikita sa lahat ng anyo ng sining.
Arkitektura
Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng kaayusan, pag-andar, proporsyonalidad ng mga bahagi, grabitasyon tungo sa balanse at simetrya, kalinawan ng mga ideya at konstruksyon, mahigpit na organisasyon. Mula sa puntong ito, ang simbolo ng classicism ay ang geometric na layout ng royal park sa Versailles, kung saan ang mga puno, shrubs, sculptures at fountain ay matatagpuan ayon sa mga batas ng simetrya. Ang pamantayan ng mahigpit na mga klasiko ng Russia ay ang Tauride Palace, na itinayo ni I. Starov.
Sa pagpipinta
ang lohikal na paglalahad ng balangkas, isang malinaw na balanseng komposisyon, isang malinaw na paglipat ng lakas ng tunog, ang subordinate na papel ng kulay sa tulong ng chiaroscuro, ang paggamit ng mga lokal na kulay (N. Poussin, C. Lorrain, J. David) ay nakuha ang pangunahing kahalagahan.
Sa sining ng patula
nagkaroon ng dibisyon sa "high" (trahedya, ode, epic) at "low" (comedy, fable, satire) na mga genre. Ang mga natitirang kinatawan ng panitikang Pranses na P. Corneille, F. Racine, J. B. Moliere ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa pagbuo ng klasisismo sa ibang mga bansa. Ang isang mahalagang sandali ng panahong ito ay ang paglikha ng iba't ibang mga akademya: mga agham, pagpipinta, eskultura, arkitektura, mga inskripsiyon, musika at sayaw.
Estilo ng musikal ng klasisismo
Ang classicism sa musika ay naiiba sa classicism sa mga kaugnay na sining at nabuo noong 1730-1820. Sa iba't ibang pambansang kultura, ang mga istilo ng musikal ay lumaganap sa iba't ibang panahon; hindi mapag-aalinlanganan na sa kalagitnaan ng ika-18 siglo ay nagtagumpay ang klasisismo sa halos lahat ng dako. Ang nilalaman ng mga musikal na komposisyon ay konektado sa mundo ng mga damdamin ng tao, na hindi napapailalim sa mahigpit na kontrol ng isip. Gayunpaman, ang mga kompositor ng panahong ito ay lumikha ng isang napaka-maayos at lohikal na sistema ng mga patakaran para sa pagbuo ng isang gawa. Sa panahon ng klasiko, ang mga genre tulad ng opera, symphony, sonata ay nabuo at umabot sa pagiging perpekto. Ang tunay na rebolusyon ay ang operatikong reporma ni Christoph Gluck. Ang kanyang malikhaing programa ay tatlong magagandang prinsipyo - pagiging simple, katotohanan, pagiging natural. Sa musical drama, hinahanap niya ang kahulugan, hindi tamis. Mula sa opera, inalis ni Gluck ang lahat ng kalabisan: mga dekorasyon, nakamamanghang epekto, nagbibigay sa tula ng mahusay na nagpapahayag na kapangyarihan, at ang musika ay ganap na napapailalim sa pagsisiwalat ng panloob na mundo ng mga karakter. Ang opera na "Orpheus at Eurydice" ay ang unang gawain kung saan ipinatupad ni Gluck ang mga bagong ideya at pinasimulan ang operatic reform. Strictness, proportionality ng anyo, marangal na simple na walang frills, pakiramdam
Ang masining na sukat sa mga akda ni Gluck ay nakapagpapaalaala sa pagkakatugma ng mga anyo ng sinaunang iskultura. Ang Arias, recitatives, choirs ay bumubuo ng isang malaking komposisyon ng opera. Ang kasagsagan ng musical classicism ay nagsimula noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo sa Vienna. Ang Austria noong panahong iyon ay isang makapangyarihang imperyo. Naapektuhan din ng multinationality ng bansa ang artistikong kultura. Ang pinakamataas na pagpapahayag ng klasisismo ay ang gawain ni Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, na nagtrabaho sa Vienna at bumuo ng direksyon sa kultura ng musika - ang Viennese classical na paaralan.
Ang mga nagtatag ng Viennese classicism sa

musika

W. Mozart

J. Haydn L.

Beethoven
Ang mga aesthetics ng klasisismo ay batay sa paniniwala sa katwiran at pagkakaisa ng pagkakasunud-sunod ng mundo, na ipinakita ang sarili sa pansin sa balanse ng mga bahagi ng trabaho, maingat na pagtatapos ng mga detalye, at pag-unlad ng mga pangunahing canon ng musikal na anyo. Sa panahong ito, sa wakas ay nabuo ang anyo ng sonata, batay sa pagbuo at pagsalungat ng dalawang magkasalungat na tema, at natukoy ang klasikal na komposisyon ng mga bahagi ng sonata at simponya.
Vienna

klasisismo

Vienna

klasisismo

anyong sonata
Sonata - (mula sa Italian sonare - sound) - isa sa mga anyo ng chamber instrumental music, na may ilang bahagi. Sonatina - (Italian sonatina - diminutive ng sonata) - isang maliit na sonata, mas maigsi ang sukat, mas simple sa nilalaman at mas madali sa teknikal. Ang mga instrumento kung saan orihinal na binubuo ang mga sonata ay kinabibilangan ng violin, flute, clavier - ang karaniwang pangalan para sa lahat ng instrumento sa keyboard - harpsichord, clavichord, piano. Ang genre ng clavier (piano) sonata ay umabot sa rurok nito sa panahon ng klasisismo. Sa oras na ito, sikat ang home music-making. Ang unang bahagi ng sonata, na ipinakita sa anyo ng sonata, ay nakikilala sa pamamagitan ng pinakamalaking pag-igting at talas. Ang unang bahagi (sonata allegro) ay binubuo ng tatlong mga seksyon: Ang unang seksyon ng sonata allegro ay kinabibilangan ng pangunahin at pangalawa, pagkonekta at huling mga bahagi: reprise development exposition
Ang pangalawang seksyon ng sonata allegro - pag-unlad Ang ikatlong seksyon ng sonata allegro - reprise:
paglalahad

bahay

ang padala

Pangunahin

susi

gilid

ang padala

Susi

nangingibabaw

pag-unlad

pag-unlad

pagsalungat

mga partido

pagsalungat

mga partido

pagbabago

mga partido

pagbabago

mga partido

"habi"

mga partido

"habi"

mga partido

Posibleng seksyon ng sonata allegro - code:
Ang ikalawang bahagi
anyong sonata - mabagal. Ang musika ay naghahatid ng isang masayang daloy ng pag-iisip, niluluwalhati ang kagandahan ng mga damdamin, gumuhit ng isang katangi-tanging tanawin.
Ang ikatlong bahagi
sonatas (pangwakas). Ang mga sonata finale ay kadalasang ginaganap sa mabilis na bilis at may karakter sa sayaw, halimbawa, isang minuet. Kadalasan ang mga finals ng mga klasikal na sonata ay nakasulat sa anyo
rondo
(mula sa Italian rondo - bilog). Paulit-ulit na bahagi -
PERO
-
umiwas
(Pangunahing tema),
B, C, D
- contrasting
mga episode
.
muling pagbabalik

bahay

ang padala

Pangunahin

susi

gilid

ang padala

Pangunahin

susi
panghuling laro ng connecting game
code

code

naayos ang tonality

naayos ang tonality

inalis ang mga contrast

inalis ang mga contrast

ang mga pangunahing tema

ang mga pangunahing tema

Joseph Haydn

"Haydn, na ang pangalan ay nagniningning nang napakaliwanag sa templo ng pagkakaisa..."
Joseph Haydn - ang nagtatag ng Viennese classicism - ang direksyon na pumalit sa baroque. Ang kanyang buhay ay gugugulin pa rin pangunahin sa hukuman ng mga sekular na pinuno, at ang mga bagong prinsipyo ng musika ay mabubuo sa kanyang trabaho, ang mga bagong genre ay lilitaw. Lahat ito
napapanatili ang kahalagahan nito sa ating panahon ... Si Haydn ay tinatawag na tagapagtatag ng klasikal na instrumental na musika, ang nagtatag ng modernong orkestra ng simponya at ang ama ng simponya. Itinatag niya ang mga batas ng klasikal na symphony: binigyan niya ito ng isang maayos, tapos na hitsura, tinukoy ang pagkakasunud-sunod ng kanilang pag-aayos, na napanatili sa mga pangunahing tampok nito hanggang sa araw na ito. Ang classical symphony ay may apat na character na cycle. Ang unang bahagi ay napupunta sa isang mabilis na tulin at madalas na masigla, nasasabik. Ang pangalawang bahagi ay mabagal. Ang kanyang musika ay naghahatid ng liriko na mood ng isang tao. Ang ikatlong kilusan, ang minuet, ay isa sa mga paboritong sayaw ng panahon ng Haydn. Ang pang-apat na bahagi ay ang pangwakas. Ito ang resulta ng buong cycle, ang konklusyon mula sa lahat ng ipinakita, naisip, nadama sa mga nakaraang bahagi. Ang musika ng finale ay karaniwang nakadirekta sa itaas, ito ay nagpapatibay sa buhay, solemne, matagumpay. Sa isang klasikal na symphony, may nakitang perpektong anyo na kayang tumanggap ng napakalalim na nilalaman. Sa akda ni Haydn, itinatag din ang uri ng klasikal na three-movement sonata. Ang mga gawa ng kompositor ay nailalarawan sa kagandahan, kaayusan, banayad at marangal na pagiging simple. Ang kanyang musika ay napakaliwanag, magaan, karamihan ay pangunahing, puno ng kagalakan, kahanga-hangang kagalakan sa lupa at hindi mauubos na katatawanan. Ang kanyang mga ninuno ay mga magsasaka at manggagawa, na ang pag-ibig sa buhay, tiyaga at optimismo, at minana ang klasiko. "Ang aking yumaong ama ay sa pamamagitan ng propesyon ay isang kutsero, isang paksa ng Count Harrach, at likas na isang masigasig na mahilig sa musika." Si Haydn ay nagpakita na ng interes sa musika noong bata pa siya. Napansin ang talento ng kanyang anak, ipinadala siya ng kanyang mga magulang upang mag-aral sa ibang lungsod - doon nakatira ang bata sa pangangalaga ng kanyang kamag-anak. Pagkatapos ay lumipat si Haydn sa ibang lungsod, kung saan kumanta siya sa koro. Sa katunayan, mula sa edad na 6, si Joseph Haydn ay humantong sa isang malayang buhay. Masasabing siya ay itinuro sa sarili, dahil hindi sapat ang pera o koneksyon para sa sistematikong pag-aaral sa mga sikat na guro. Ayon sa antas ng pagkahinog, ang boses ay naging magaspang at ang napakabatang Haydn ay natagpuan ang kanyang sarili sa kalye na walang bubong sa kanyang ulo. Nakuha niya ang kanyang kabuhayan mula sa mga aral na naituro na niya sa kanyang sarili. Nagpapatuloy ang pag-aaral sa sarili: Maingat na pinag-aralan ni Haydn ang musika ng C.P.E. Si Bach (anak ni J.S. Bach), ay nakikinig sa mga kanta na tumutunog mula sa mga lansangan (kabilang ang Slavic melodies), at nagsimulang mag-compose si Haydn. Siya ay napapansin. Sa Europa, hinangad ng mga maharlika na malampasan ang isa't isa sa pamamagitan ng pagkuha ng pinakamahuhusay na musikero. Ang mga taon na ginugol ng batang Haydn bilang isang freelance artist ay mabunga, ngunit ito ay isang mahirap na buhay. Kasal na si Haydn (inilalarawan ng lahat ang kasal bilang lubhang hindi matagumpay) ay tinanggap ang imbitasyon ni Prinsipe Esterhazy. Sa katunayan, sa korte ni Esterhazy Haydn
tatagal ng 30 taon. Kasama sa kanyang mga tungkulin ang pagsulat ng musika at pagdidirekta sa orkestra ng prinsipe. Si Prince Esterhazy (o Esterhazy) ay, sa lahat ng mga account, isang disenteng tao at isang mahusay na mahilig sa musika. Magagawa ni Haydn ang gusto niya. Ang musika ay isinulat ayon sa pagkakasunud-sunod - walang "malikhaing kalayaan", ngunit sa panahong iyon ito ang karaniwang kasanayan. Bilang karagdagan, ang pagkakasunud-sunod ay may malaking kalamangan: ang iniutos na musika ay tiyak at agad na gumanap. Walang nakasulat sa mesa.
Mula sa unang opisyal na kasunduan sa pagitan ni Prince Esterhazy at

Vice Kapellmeister Joseph Haydn:
"Sa unang pagkakasunud-sunod ng kanyang panginoon, ang Grand Duke, ang Bise Kapellmeister (Haydn) ay nangakong gumawa ng anumang musika na nais ng kanyang panginoon, na hindi magpakita ng mga bagong komposisyon sa sinuman, at higit pa na hindi pinapayagan ang sinuman na isulat ang mga ito, ngunit upang iimbak ang mga ito para lamang sa kanyang panginoon at nang walang kaalaman at mapagbigay na pahintulot sa kanya na huwag gumawa ng anuman para sa sinuman. Si Joseph Haydn ay obligado araw-araw (sa Vienna man o sa alinman sa mga princely estate) bago at pagkatapos ng hapunan na humarap sa bulwagan at mag-ulat tungkol sa kanyang sarili kung sakaling ang kanyang panginoon ay mag-utos ng pagtatanghal o komposisyon ng musika. Maghintay, at pagkatanggap ng order, dalhin ito sa atensyon ng iba pang mga musikero. Dahil sa ganoong pagtitiwala, binibigyan siya ng Kanyang Serene Highness, si Vice Kapellmeister, ng taunang allowance na 400 Rhine guilder, na matatanggap niya kada quarter mula sa pangunahing treasury. Bukod dito, siya, si Joseph Haydn, ay dapat na makatanggap sa gastos ng master ng halaga mula sa mesa ng opisyal o kalahating guilder bawat araw ng table money. (Sa hinaharap, ang suweldo ay tumaas ng maraming beses). Itinuring ni Haydn ang tatlumpung taon ng paglilingkod sa mga prinsipe ng Esterhazy bilang isang magandang panahon sa kanyang buhay. Gayunpaman, siya ay palaging isang optimista. Bilang karagdagan, si Joseph Haydn ay nagkaroon ng bawat pagkakataon na gumawa, at palagi siyang sumulat nang mabilis at marami. Sa panahon ng serbisyo sa korte ng mga prinsipe ng Esterhazy na dumating ang katanyagan kay Haydn. Ang relasyon sa pagitan nina Esterhazy at Haydn ay perpektong inilalarawan ng kilalang kaso ng Farewell Symphony. Ang mga miyembro ng orkestra ay bumaling kay Haydn na may kahilingan na maimpluwensyahan ang prinsipe: ang mga apartment para sa kanila ay naging napakaliit upang maghatid ng mga pamilya. Na-miss ng mga musikero ang kanilang mga kamag-anak. Naimpluwensyahan ni Haydn ang musika: nagsulat siya ng isang symphony, kung saan mayroong isa pang paggalaw. At kapag tumunog ang bahaging ito, unti-unting umalis ang mga musikero. Dalawang biyolinista ang nananatili, ngunit pinapatay din nila ang mga kandila at umalis. Naunawaan ng prinsipe ang pahiwatig at tinupad ang "mga kinakailangan" ng mga musikero.
Noong 1790, namatay si Prinsipe Esterhazy, Miklós the Magnificent. Ang bagong prinsipe - si Anton - ay hindi nakahilig sa musika. Hindi, iniwan ni Anton ang mga musikero ng regimental, ngunit binuwag ang orkestra. Nanatiling walang trabaho si Haydn, kahit na may malaking pensiyon, na itinalaga sa kanya ni Miklós. At mayroon pa ring maraming malikhaing pwersa. Kaya muling naging malayang artista si Haydn. At siya ay pupunta sa England sa pamamagitan ng paanyaya. Si Haydn ay malapit nang maging 60 taong gulang, hindi siya marunong ng mga wika! Ngunit umalis siya papuntang England. At muli - isang tagumpay! "Ang aking wika ay lubos na naiintindihan sa buong mundo," ang sabi ng kompositor tungkol sa kanyang sarili. Sa England, si Haydn ay hindi lamang isang matunog na tagumpay. Mula roon ay nagdala siya ng isa pang 12 symphony at oratorio. Nasaksihan ni Haydn ang kanyang katanyagan - at ito ay isang pambihira. Ang tagapagtatag ng Viennese classicism ay nag-iwan ng malaking bilang ng mga komposisyon, at ito ay nagpapatibay sa buhay, balanseng musika. Ang oratorio na "The Creation" ay isa sa mga pinakatanyag na gawa ni Haydn. Ito ay isang monumental na musikal na pagpipinta, isang pagmumuni-muni ng sansinukob, wika nga ... Haydn ay mayroong higit sa 100 symphony. Tinawag sila ni Hoffmann na "Kagalakan ng kaluluwa ng mga bata". Ang isang malaking bilang ng mga sonata, concertos, quartets, opera ... Si Joseph Haydn ang may-akda ng pambansang awit ng Alemanya.

Wolfgang Amadeus Mozart

Enero 27, 1756 – Disyembre 5, 1791
Ang sining ng Haydn ay nagkaroon ng napakalaking epekto sa pagbuo ng symphonic at chamber style ni Wolfgang Mozart. Umaasa sa
ang kanyang mga nagawa sa larangan ng sonata - symphonic music Mozart ay gumawa ng maraming bago, kawili-wili, orihinal. Ang buong kasaysayan ng sining ay hindi nakakakilala ng isang taong mas kapansin-pansin kaysa sa kanya. Si Mozart ay may kahanga-hangang memorya at pandinig, may makikinang na mga kasanayan sa improvisasyon, maganda ang pagtugtog ng violin at organ, at walang sinuman ang makakatalo sa kanyang kataasan bilang isang harpsichordist. Siya ang pinakasikat, pinakakilala, pinakamamahal na musikero sa Vienna. Ang kanyang mga opera ay may malaking halaga sa sining. Sa loob ng dalawang siglo ngayon, ang Le nozze di Figaro (opera - buffa, ngunit makatotohanan at may mga elemento ng lyrics) at Don Giovanni (tinukoy ang opera bilang isang "jolly drama" - ito ay parehong komedya at isang trahedya na may napakalakas at kumplikadong mga imahe. ) ay naging matagumpay, kamangha-manghang kaakit-akit na eleganteng himig, pagiging simple, marangyang pagkakatugma. At ang "The Magic Flute" (isang opera - isang singspiel, ngunit sa parehong oras ay isang pilosopikal na kuwento tungkol sa pakikibaka sa pagitan ng mabuti at masama) ay bumaba sa kasaysayan ng musika bilang "swan song" ni Mozart, bilang isang gawa na may pinakamalaking pagkakumpleto. at ningning na naghahayag ng kanyang pananaw sa mundo, ang kanyang minamahal na kaisipan. Ang sining ni Mozart ay perpekto sa husay at ganap na natural. Binigyan niya tayo ng karunungan, kagalakan, liwanag at kabutihan. Si Johann Chrysostom Wolfgang Theophilus Mozart ay ipinanganak noong Enero 27, 1756 sa Salzburg. Amadeus - ang Latin na analogue ng Griyegong pangalan na Theophilus (b) - "Paborito ng Diyos". Sa ilalim ng dalawang pangalan, karaniwang tinatawag ang Mozart. Si Wolfgang Amadeus ay isang child prodigy. Ang ama ni Mozart - si Leopold Mozart - ay ang kanyang sarili ay isang sikat na musikero - guro at medyo prolific kompositor. 7 anak ang ipinanganak sa pamilya, dalawa ang nakaligtas: si Nannerl, ang nakatatandang kapatid na babae ni Mozart, at si Wolfgang mismo. Sinimulan ni Leopold na turuan ang parehong mga bata mula sa maagang pagkabata, at nagpunta sa paglilibot kasama nila. Ito ay isang tunay na panahon ng pagala-gala. Mayroong ilang mga paglilibot, sa kabuuan ay tumagal sila ng higit sa 10 taon (na may mga pahinga para sa pag-uwi o para sa mga sakit sa pagkabata). Hindi lamang ipinakita ng ama ang mga bata sa Europa, kabilang ang mga monarko. Naghahanap siya ng mga koneksyon na magbibigay-daan sa kanyang nasa hustong gulang na anak na makakuha ng trabaho sa hinaharap alinsunod sa kanyang maliwanag na talento. Nagsimulang mag-compose si Mozart sa napakaagang edad, at ang kanyang maagang musika ay ginaganap nang halos kasingdalas ng kanyang mature na musika. Bilang karagdagan, kapag naglalakbay, tinanggap ng kanyang ama ang pinakamahusay na mga guro sa Europa para sa kanyang anak (sa England ito ang bunsong anak ni J.S. Bach - "London Bach", sa Italya - ang sikat na Padre Martini, na, sa pamamagitan ng paraan, ay nag-aral kasama ang isa sa mga tagapagtatag ng propesyonal na paaralan sa Russia Maxim Berezovsky). Sa parehong Italya, ang isang napakabata na si Mozart ay nakagawa ng isang "kakila-kilabot na kasalanan", na kasama sa lahat ng mga talambuhay: sa Sistine Chapel, nang marinig ang isang beses, ganap niyang naalala at isinulat ang protektado.
Ang gawain ng Vatican na "Miserere" ni Allegri. "At dito ipinasa ni Wolfgang ang sikat na "pagsusulit" para sa kahusayan ng pandinig at katumpakan ng memorya. Mula sa memorya, naitala niya ang sikat na "Miserere" ni Gregorio Allegri na kanyang narinig. Ang gawaing ito ay itinuturing sa buong mundo bilang ang tuktok ng genre nito at ang tuktok ng musika ng Santo Papa ng Biyernes Santo. Hindi kataka-taka na ang koro ay nag-ingat nang husto upang protektahan ang gawaing ito mula sa hindi inanyayahang mga eskriba. Ang nagawa ni Wolfgang ay natural na lumikha ng isang mahusay na sensasyon. Nagawa ng ama na pakalmahin ang kanyang ina at kapatid na babae sa Salzburg, na natakot na sa pamamagitan ng pag-record ng "Miserere", si Wolfgang ay nagkasala at maaaring mapunta sa isang hindi kasiya-siyang sitwasyon. Si Mozart ay hindi lamang nagtapos sa mga unibersidad, hindi rin siya nag-aral sa paaralan. Ang kanyang pangkalahatang edukasyon ay pinangangasiwaan din ng kanyang ama (matematika, mga wika). Ngunit pagkatapos ay lumaki sila nang maaga, at sa lahat ng strata ng lipunan. Walang oras para sa malabata subculture. Ang mga bata, siyempre, ay pagod na pagod. Sa wakas, sila ay lumaki, na nangangahulugan na sila ay tumigil sa pagiging geeks, na ang publiko ay nawalan ng interes sa kanila. Sa katunayan, kinailangan ni Mozart na "lupigin" muli ang madla, na isa nang adultong musikero. Noong 1773, nagsimulang magtrabaho ang batang Mozart para sa Arsobispo ng Salzburg. Nagkaroon siya ng pagkakataong magpatuloy sa paglalakbay at, siyempre, magtrabaho nang husto. Sa ilalim ng susunod na arsobispo, iniwan ni Mozart ang kanyang post sa korte at naging isang freelance artist. Pagkatapos ng pagkabata na binubuo ng matatag na paglilibot sa Europa at serbisyo kasama ang arsobispo, lumipat si Mozart sa Vienna. Siya ay patuloy na pana-panahong naglalakbay sa iba pang mga lungsod sa Europa, ngunit ang kabisera ng Austria ay magiging kanyang permanenteng tahanan. "Si Mozart ang una sa pinakamalaking musikero na nananatiling isang libreng artist at siya ang unang kompositor sa kasaysayan - isang kinatawan ng artistikong bohemia. Siyempre, ang pagtatrabaho para sa libreng merkado ay nangangahulugan ng kahirapan. Ang buhay "sa libreng tinapay" ay hindi kasing simple at mala-rosas na tila. Sa musika ng mature na si Mozart, nadarama ng isang tao ang trahedya ng kanyang napakatalino na kapalaran, sa pamamagitan ng kinang at kagandahan ng musika, ang kalungkutan at pag-unawa, pagpapahayag, pagsinta at drama ay naka-highlight. Si Wolfgang Mozart ay nag-iwan ng higit sa 600 mga gawa sa kanyang maikling buhay. Kailangan mong maunawaan na pinag-uusapan natin ang mga malalaking gawa: mga opera, konsyerto, symphony. Si Mozart ay isang unibersal na kompositor. Sumulat siya ng parehong instrumental at vocal na musika, iyon ay, sa lahat ng mga genre at anyo na umiiral sa kanyang panahon. Sa hinaharap, ang gayong unibersalismo ay magiging bihira. Ngunit ang Mozart ay unibersal hindi lamang dahil dito: "Ang kanyang musika ay naglalaman ng isang malaking mundo: mayroon itong langit at lupa, kalikasan at tao, komedya at trahedya, pagsinta sa lahat ng anyo nito at malalim.
kapayapaan sa loob" (K. Barth). Sapat na upang alalahanin ang ilan sa kanyang mga gawa: opera, symphony, concerto, sonata. Ang mga komposisyon ng piano ni Mozart ay malapit na konektado sa kanyang pedagogical at performing practice. Siya ang pinakadakilang pianista sa kanyang panahon. Noong siglo XVIII. may mga, siyempre, mga musikero na hindi mas mababa sa Mozart sa virtuosity (sa bagay na ito, ang kanyang pangunahing karibal ay si Muzio Clementi), ngunit walang sinuman ang maaaring ihambing sa kanya sa malalim na kahulugan ng pagganap. Dumating ang buhay ni Mozart sa panahon na pareho ang harpsichord, ang clavichord, at ang piano-forte (gaya ng tawag sa piano noon) ay karaniwan sa buhay musikal sa parehong panahon. At kung may kaugnayan sa unang bahagi ng gawain ni Mozart ay kaugalian na magsalita tungkol sa estilo ng clavier, kung gayon mula sa pagtatapos ng 1770s ay walang alinlangan na sumulat ang kompositor para sa piano. Ang kanyang inobasyon ay pinaka-malinaw na ipinakita sa mas malinaw na mga komposisyon ng isang kalunus-lunos na plano. Si Mozart ay isa sa mga pinakadakilang melodista. Pinagsasama ng kanyang musika ang mga tampok ng Austrian at German folk songs sa melodiousness ng isang Italian na kanta. Sa kabila ng katotohanan na ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng tula at banayad na biyaya, madalas silang naglalaman ng mga melodies na may mahusay na mga dramatikong pathos at magkakaibang mga elemento. Chamber - instrumental na pagkamalikhain ng Mozart ay kinakatawan ng iba't ibang mga ensemble (mula sa mga duet hanggang quintets) at gumagana para sa piano (sonatas, mga pagkakaiba-iba, mga pantasya). Ang estilo ng piano ni Mozart ay nakikilala sa pamamagitan ng kagandahan, kalinawan, maselang pagtatapos ng melody at saliw. Nagsulat si W. Mozart ng 27 piano concerto, 19 sonata, 15 variation cycle, 4 na pantasya (dalawa sa c-moll, isa sa C-dur na sinamahan ng fugue, at isa pa sa d-moll). Kasama ng mga malalaking cycle, maraming maliliit na piraso sa gawa ni Mozart, kung saan siya mismo ay hindi palaging nagbibigay ng nararapat na kahalagahan. Ito ay mga hiwalay na minuet, rondos, Adagio, fugues. Ang Opera ay isang makabuluhang sining sa lipunan. Noong ika-18 siglo, bilang karagdagan sa mga court opera house, mayroon nang mga pampublikong opera house na may dalawang uri: seryoso at comic-domestic (seria at buffa). Ngunit sa Germany at Austria, umunlad ang Singspiel. Kabilang sa malaking bilang ng mga gawa na nilikha ng henyo ni Mozart, ang mga opera ay paboritong supling. Sa kanyang trabaho, ang isang mayamang gallery ng mga larawan ng buhay ng mga opera ay maaaring masubaybayan - seria, buffa at singspiel, kahanga-hanga at komiks, banayad at pilyo, matalino at rustic - lahat ng mga ito ay inilalarawan ng natural at psychologically authentic. Ang musika ni Wolfgang Amadeus Mozart ay magkakatugmang pinagsasama ang kulto ng katwiran, ang ideal ng marangal na pagiging simple at ang kulto ng puso, ang ideal ng isang malayang personalidad. Ang istilo ni Mozart ay palaging itinuturing na personipikasyon ng biyaya, kagaanan, kasiglahan ng pag-iisip at post-aristocratic sophistication.
Isinulat ni P. I. Tchaikovsky: "Ang Mozart ay ang pinakamataas, pinakamataas na punto, kung saan naabot ang kagandahan sa larangan ng musika ... ang tinatawag nating perpekto."
Ludwig van Beethoven

Disyembre 16, 1770 – Marso 26, 1827
Si Ludwig van Beethoven ay naging tanyag bilang pinakadakilang symphonist. Ang kanyang sining ay natatakpan ng kalunos-lunos na pakikibaka. Ipinatupad nito ang mga advanced na ideya ng Enlightenment, na nagpapatunay sa mga karapatan at dignidad ng tao. Siya ay nagmamay-ari ng siyam na symphony, isang bilang ng mga symphonic overtures ("Egmont", "Coriolanus"), at tatlumpu't dalawang piano sonata na bumubuo ng isang panahon sa piano music. Ang mundo ng mga imahe ni Beethoven ay magkakaiba. Ang kanyang bayani ay hindi lamang matapang at madamdamin, siya ay pinagkalooban ng isang pinong binuong talino. Siya ay isang mandirigma at isang palaisip. Sa kanyang musika, ang buhay ay nagpapakita ng sarili sa lahat ng pagkakaiba-iba nito - mabagyo na mga hilig at hiwalay na panaginip, mga dramatikong kalunos-lunos at liriko na pag-amin, mga larawan ng kalikasan at mga eksena ng pang-araw-araw na buhay. Sa pagtatapos ng panahon ng klasisismo, si Ludwig van Beethoven sa parehong oras ay nagbukas ng daan para sa darating na siglo. Si Beethoven ay isang dekada at kalahating mas bata kaysa kay Mozart. Ngunit ito ay may kakaibang musika. Siya ay kabilang sa mga "classics", ngunit sa kanyang mga mature na gawa ay malapit siya sa romanticism. Ang istilo ng musika ni Beethoven ay isang paglipat mula sa klasisismo tungo sa romantikismo. Ngunit upang maunawaan ang kanyang trabaho, dapat munang tingnan ang panorama ng buhay panlipunan at musikal noong panahong iyon. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang kababalaghan ng "Sturm at Drang" (Sturm und Drang) ay isinilang at binuo - isang panahon kung kailan nasira ang mga pamantayan.
klasisismo na pabor sa higit na emosyonalidad at pagiging bukas. Ang hindi pangkaraniwang bagay na ito ay nakuha ang lahat ng mga spheres ng panitikan at sining, kahit na mayroon itong isang kawili-wiling pangalan: kontra - Enlightenment. Ang pinakamalaking kinatawan ng "Sturm und Drang" ay sina Johann Wolfgang Goethe at Friedrich Schiller, at sa panahong ito mismo ay inaasahan ang paglitaw ng romantikismo. Ang singil ng enerhiya at intensity ng mga damdamin ng musika ni Beethoven ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa mga nakalistang phenomena sa pampublikong buhay ng Kanlurang Europa noong panahong iyon at sa mga kalagayan ng personal na buhay ng isang henyo. Si Ludwig van Beethoven ay ipinanganak sa Bonn. Ang pamilya ay hindi mayaman, sa pamamagitan ng pinagmulan - ang Flemings, sa pamamagitan ng trabaho - mga musikero. Ang ama ay sabik na gumawa ng isang "pangalawang Mozart" mula sa kanyang anak, ngunit ang karera ng isang konsiyerto na birtuoso - isang kababalaghan ng bata ay hindi gumana, ngunit mayroong isang palaging "drill" sa likod ng instrumento. Nasa pagkabata, si Ludwig ay nagsimulang kumita ng labis na pera (kinailangan niyang umalis sa paaralan), at sa edad na 17 ay inaako niya ang responsibilidad para sa pamilya: nagtatrabaho siya sa isang permanenteng suweldo at nagbibigay ng mga pribadong aralin. Ang ama ay nalulong sa alak, ang ina ay namatay nang maaga, at ang mga nakababatang kapatid na lalaki ay nanatili sa pamilya. Gayunpaman, naghanap ng oras si Beethoven at binisita niya ang Bonn University bilang isang boluntaryo. Ang lahat ng mga kabataan sa unibersidad ay sinunggaban ng isang rebolusyonaryong salpok na nagmumula sa France. Hinangaan ng batang henyo ang mga mithiin ng Rebolusyong Pranses. Inialay pa niya ang kanyang Ikatlong "Kabayanihan" na simponya kay Napoleon Bonaparte, gayunpaman, pagkatapos ay tinawid ang dedikasyon, nabigo sa "makalupang sagisag ng mga mithiin", sa halip ay ipinahiwatig niya: "Sa memorya ng isang dakilang tao." "Walang kasing liit ng malalaking tao" - ang sikat na salita ni Beethoven. Ang mga mithiin ng "kalayaan, pagkakapantay-pantay, kapatiran" magpakailanman ay nanatiling mithiin ni Beethoven - at nangangahulugan ito ng malaking pagkabigo sa buhay. Ludwig van Beethoven ay lubusang pinag-aralan at iginagalang ang gawain ni J. S. Bach. Sa Vienna, gumaganap siya sa harap ni Mozart, na nagbibigay ng matataas na marka sa batang musikero. Di-nagtagal, ganap na lumipat si Beethoven sa Vienna, pagkatapos ay tinulungan ang kanyang mga nakababatang kapatid na lumipat doon. Ang kanyang buong buhay ay magkakaugnay sa lungsod na ito. Sa Vienna, kumukuha siya ng mga aralin sa mga espesyal na asignatura, kabilang sa kanyang mga guro ay sina Haydn at Salieri (tatlong Beethoven violin sonatas ang nakatuon kay Salieri). Gumaganap siya sa mga salon ng aristokrasya ng Viennese, at pagkatapos ay sa kanyang sariling mga konsyerto, sa harap ng malawak na madla. Ang kanyang mga daliri sa keyboard ay tinawag na "demonyo". "Gusto kong sunggaban ng lalamunan ang kapalaran, tiyak na hindi ito magtatagumpay sa pagyuko sa akin sa lupa" (mula sa mga sulat ni Beethoven). Nasa kanyang kabataan, napagtanto ni Beethoven na siya ay bingi ("Sa loob ng dalawang taon, maingat kong iniiwasan ang lahat ng lipunan, dahil hindi ko masabi sa mga tao:" Ako ay bingi! » Posible pa rin kung
sa akin ng ibang propesyon, ngunit sa aking craft, walang mas masahol pa" (mula sa mga sulat ni Beethoven). Ang mga pana-panahong interbensyon ng mga doktor ay hindi nagdulot ng lunas, ang pagkabingi ay umunlad. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, wala na siyang narinig. Ngunit nanatili ang panloob na pandinig - gayunpaman, hindi na posible na marinig "sa iyong sariling mga mata" ang narinig sa loob. At ang pakikipag-usap sa mga tao ay napakahirap, kasama ang mga kaibigan ay nagpraktis sila ng pagsusulat sa mga notebook na "kuwentuhan". The All-Hearing Deaf - kung minsan ay tinatawag siya. At narinig niya ang pangunahing bagay: hindi lamang musika, kundi pati na rin ang mga ideya, damdamin. Narinig at naiintindihan niya ang mga tao. "Ang pag-ibig na ito, pagdurusa, pagtitiyaga ng kalooban, ang mga pagbabagong ito ng kawalan ng pag-asa at pagmamataas, mga panloob na drama - lahat tayo ay matatagpuan ito sa mga dakilang gawa ni Beethoven" ... (Romain Rolland). Ang taos-pusong pagmamahal ni Beethoven ay kilala: ang batang Countess na si Juliette Guicciardi. Ngunit nanatili siyang mag-isa. Sino ang kanyang "imortal na manliligaw", isang liham na natagpuan pagkatapos ng pagkamatay ng kompositor, ay hindi kilala nang tiyak. Ngunit itinuturing ng ilang mananaliksik na si Teresa Brunswick, isang mag-aaral ni L. Beethoven, ang "imortal na magkasintahan". Siya ay may talento sa musika - siya ay tumugtog ng piano nang maganda, kumanta at kahit na nagsagawa. Si Ludwig van Beethoven ay nagkaroon ng mahabang pagkakaibigan kay Teresa. Pagsapit ng 1814, dumating ang katanyagan sa buong mundo sa Beethoven. Nagsisimula ang Kongreso ng Vienna - pagkatapos ng tagumpay laban kay Napoleon at ang pagpasok ng mga tropa ng Russia, Austria at Prussia sa Paris - at ang sikat na mapayapang Kongreso ng Vienna ay nagsimula sa opera ni Beethoven na Fidelio. Si Beethoven ay naging isang European celebrity. Siya ay inanyayahan sa palasyo ng imperyal para sa isang pagdiriwang bilang karangalan sa araw ng pangalan ng empress ng Russia, kung kanino siya nagbigay ng regalo: isang Polonaise na ipininta niya. Si Ludwig van Beethoven ay nag-compose ng maraming.
32 piano sonata
Ang piano sonata ay para kay Beethoven ang pinakadirektang anyo ng pagpapahayag ng mga kaisipan at damdamin na nagpagulo sa kanya, ang kanyang pangunahing masining na adhikain. Ang kanyang pagkahumaling sa genre ay partikular na nagtatagal. Kung ang mga symphony ay lumitaw kasama niya bilang isang resulta at pangkalahatan ng isang mahabang panahon ng paghahanap, kung gayon ang piano sonata ay direktang sumasalamin sa buong iba't ibang mga malikhaing paghahanap. Si Beethoven, bilang isang namumukod-tanging piano virtuoso, kahit na madalas ay nag-improvised sa anyong sonata. Sa nagniningas, orihinal, walang pigil na mga improvisasyon ni Beethoven, ang mga larawan ng kanyang mga dakilang gawa sa hinaharap ay isinilang. Ang bawat Beethoven sonata ay isang kumpletong gawa ng sining; magkasama silang bumubuo ng isang tunay na kayamanan ng klasikal na kaisipan sa musika. Binigyang-kahulugan ni Beethoven ang piano sonata bilang isang komprehensibong genre na may kakayahang ipakita ang pagkakaiba-iba ng mga modernong istilo ng musika. AT
Sa bagay na ito, maihahambing siya kay Philipp Emanuel Bach (anak ni J.S. Bach). Ang kompositor na ito, halos nakalimutan sa ating panahon, ang unang nagbigay ng clavier sonata ng XVIII na siglo. ang kahalagahan ng isa sa mga nangungunang uri ng musikal na sining, na pinupuno ang kanyang mga gawa ng clavier na may malalim na pag-iisip. Si Beethoven ang unang sumunod sa landas ni F. E. Bach, na nalampasan, gayunpaman, ang kanyang hinalinhan sa lawak, pagkakaiba-iba at kahalagahan ng mga ideyang ipinahayag sa mga sonata ng piano, ang kanilang artistikong pagiging perpekto at kahalagahan. Isang malaking hanay ng mga imahe at mood - mula sa malambot na pastoral hanggang sa kalunus-lunos na solemnidad, mula sa liriko na pagbuhos hanggang sa rebolusyonaryong apotheosis, mula sa taas ng pilosopikong pag-iisip hanggang sa mga sandali ng katutubong genre, mula sa trahedya hanggang sa biro - ang nagpapakilala sa tatlumpu't dalawang piano sonata ni Beethoven, na nilikha niya sa paglipas ng isang quarter ng isang siglo. Ang landas mula sa una (1792) hanggang sa huli (1822) Beethoven sonata ay nagmamarka ng isang buong panahon sa kasaysayan ng mundo ng musikang piano. Nagsimula ang Beethoven sa isang katamtaman na classicist na istilo ng piano (na higit na nauugnay sa sining ng pagtugtog ng harpsichord) at nagtapos sa musika para sa modernong piano, kasama ang napakalaking hanay ng tunog nito at maraming bagong pagpapahayag na mga posibilidad. Tinawag ang kanyang huling sonata na isang "trabaho para sa isang hammered instrument" (Hammerklavier), binigyang-diin ng kompositor ang kanilang modernong
piyanista
pagpapahayag. Noong 1822, sa paglikha ng Thirty-Second Sonata, natapos ni Beethoven ang kanyang mahabang paglalakbay sa lugar na ito ng pagkamalikhain. Ludwig van Beethoven ay nagtrabaho nang husto sa mga problema ng piano virtuosity. Sa paghahanap ng kakaibang sound image, walang pagod niyang ginawa ang kanyang orihinal na istilo ng piano. Ang pakiramdam ng isang malawak na mahangin na espasyo, na nakamit sa pamamagitan ng paghahambing ng mga malalayong rehistro, napakalaking chord, siksik, mayaman, multifaceted texture, timbre-instrumental na mga diskarte, mayamang paggamit ng mga epekto ng pedal (sa partikular, ang kaliwang pedal) - ito ang ilan sa mga katangian ng makabagong mga pamamaraan ng istilo ng piano ni Beethoven. Simula sa unang sonata, inihambing ni Beethoven ang chamber music ng clavier music noong ika-18 siglo. ang kanilang mga marilag na sound fresco, na ipininta sa matapang at malalaking stroke. Ang sonata ni Beethoven ay nagsimulang maging katulad ng isang symphony para sa piano. Hindi bababa sa isang katlo ng 32 piano sonata ay kilala kahit na sa mga taong itinuturing ang kanilang sarili na "hindi mga amateur". Kabilang sa mga ito: "Pathetic" sonata No. 8. Domineering, proud, trahedya simula - at uplifting waves ng musika. Isang buong tula sa tatlong bahagi, bawat isa ay maganda. Kagalakan, pagdurusa, paghihimagsik at pakikibaka - isang tipikal na bilog ng mga imahe ng Beethoven, na ipinahayag dito kapwa marahas at may mahusay na
maharlika. Ito ay mahusay na musika, tulad ng anumang Beethoven sonata o symphony. "Quasi una fantasia", ang tinatawag na "Moonlight" sonata No. 14, na nakatuon sa batang Countess Giulietta Guicciardi, na isang estudyante ng Beethoven. Ang kompositor ay dinala ni Juliet at naisip pa ang tungkol sa kasal, ngunit mas gusto niya ang isa pa. Karaniwan, ang mga tagapakinig ay limitado sa unang bahagi, hindi pinaghihinalaan kung anong uri ng katapusan ang naroroon - "isang talon na nagtataas" - sa makasagisag na pagpapahayag ng isa sa mga mananaliksik. At mayroon ding "Appassionata" (No. 23), "The Tempest" (No. 17), "Aurora" (No. 21) ... Ang mga sonata ng piano ay isa sa pinakamahusay, pinakamahalagang bahagi ng makikinang na pamana ni Beethoven. Sa isang mahaba at kapana-panabik na string ng kanilang mga kahanga-hangang imahe, ang buong buhay ng isang mahusay na talento, isang mahusay na isip at isang mahusay na puso ay dumaan sa harap natin, hindi dayuhan sa sinumang tao, ngunit sa mismong kadahilanang ito, ibinibigay ang lahat ng mga beats nito sa pinakamamahal, pinakasagradong mithiin ng advanced na sangkatauhan. Ipinagpapatuloy ni L. Beethoven ang mga tradisyon ng Mozart. Ngunit ang kanyang musika ay nakakakuha ng ganap na bagong mga ekspresyon: ang drama sa musika ay umabot sa trahedya, ang katatawanan ay umabot sa kabalintunaan, at ang mga liriko ay naging isang paghahayag ng isang nagdurusa na kaluluwa, isang pilosopikal na pagmuni-muni sa kapalaran at sa mundo. Ang piano music ni Beethoven ay isang halimbawa ng artistikong panlasa. Madalas inihambing ng mga kontemporaryo ang emosyonal na kalagayan ng mga sonata ni Beethoven sa mga kalunos-lunos ng mga trahedya ni Schiller. Bilang karagdagan sa 32 sonata para sa piano, mayroon ding mga sonata para sa biyolin. Ang isa ay tiyak na pamilyar sa marami kahit man lang sa pangalan - "Kreutzer Sonata" - Sonata No. 9 para sa byolin at piano. At pagkatapos ay mayroong mga sikat na string quartets ni Beethoven. Sa mga ito, ang "Russian Quartets" ay lalong sikat. Ang mga melodies ng Russia ay talagang naririnig sa kanila ("Ah, talento, ang aking talento", "Glory" - espesyal na nakilala ni Beethoven ang mga kantang ito mula sa koleksyon ni Lvov). Ito ay hindi nagkataon: ang mga quartet ay isinulat sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ng Russian diplomat na si Andrei Razumovsky, na nanirahan sa Vienna sa mahabang panahon at naging patron ng Beethoven. Si Razumovsky ay nakatuon sa dalawang symphony ng kompositor. Ang Beethoven ay may siyam na symphony, karamihan sa mga ito ay kilala sa publiko. Hayaan mong ipaalala ko sa iyo ang Ikatlong (Kabayanihan) Symphony, ang Fifth Symphony na may sikat na Tema ng Fate. Ang mga "blows of fate" na ito ay bumagsak at bumagsak muli, kapalaran ay patuloy na humahampas sa pinto. At ang pakikibaka ay hindi nagtatapos sa unang bahagi. Ang resulta ay makikita lamang sa finale, kung saan ang tema ng kapalaran ay nagiging kagalakan ng kagalakan ng tagumpay. Pastoral (ika-6 na symphony) - ang pangalan mismo ay nagmumungkahi ng pag-awit ng kalikasan. Ang nakamamanghang 7th symphony ay sa wakas ang pinakasikat,
ang epoch-making Ninth Symphony, ang ideya kung saan ang Beethoven ay hinog nang mahabang panahon. Nabuhay din si Beethoven bilang isang "malayang artista" (gayunpaman, simula sa Mozart, ito ang naging pamantayan) kasama ang lahat ng paghihirap at kawalan ng katiyakan. Ilang beses sinubukan ni Beethoven na umalis sa Vienna, pagkatapos ay inalok siya ng maharlikang Austrian ng suweldo, kung hindi lang siya aalis. At nanatili si Beethoven sa Vienna. Dito niya nakilala ang kanyang pangunahing tagumpay. Mula sa kailaliman ng kalungkutan, binalak ni Beethoven na luwalhatiin si Joy. (Rolland). Malubha na ang sakit ni Beethoven. Ito ay hindi lamang ang simula ng pagkabingi, ang kompositor ay nagkakaroon ng malubhang sakit sa atay. Hindi rin sapat ang pera, may mga problema sa kanyang personal na buhay (pagpapalaki ng isang pamangkin). Sa ilalim ng mga kondisyong ito, isang bagay na kung minsan ay mahirap isaalang-alang ang isang nilikha ng tao ay ipinanganak. Yakap, milyun-milyon! (Beethoven. 9th symphony, finale). Tinatawag din itong Choral Symphony, dahil sa ang katunayan na sa finale ay pinatunog ang kilalang koro sa mga salita ni Friedrich Schiller - "Ode to Joy", na pana-panahong naging iba't ibang mga himno, ngayon ay ang Anthem ng European Union. Namatay si Beethoven noong Marso 26, 1827. Noong 2007, ang Viennese pathologist at forensic expert na si Christian Reiter (Associate Professor of Forensic Medicine sa Medical University of Vienna) ay iminungkahi na ang kanyang manggagamot na si Andreas Wavruch ay hindi sinasadyang mapabilis ang pagkamatay ni Beethoven, na paulit-ulit na tumusok sa peritoneum ng pasyente. upang alisin ang likido), pagkatapos ay nag-apply siya ng mga lotion na naglalaman ng lead sa mga sugat. Ang mga pag-aaral sa buhok ni Reuter ay nagpakita na ang mga antas ng lead ni Beethoven ay tumaas nang husto sa tuwing magpapatingin siya sa isang doktor.
Beethoven - guro
Nagsimulang magbigay ng mga aralin sa musika si Beethoven habang nasa Bonn pa. Ang kanyang mag-aaral sa Bonn na si Stefan Breining ay nanatiling pinaka-tapat na kaibigan ng kompositor hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw. Tinulungan ng braining si Beethoven sa muling paggawa ng libretto na "Fidelio". Sa Vienna, ang batang Countess na si Juliette Gvichchardi ay naging estudyante ng Beethoven, sa Hungary, kung saan nanatili si Beethoven sa Brunsvik estate, nag-aral sa kanya si Teresa Brunsvik. Si Dorothea Ertmann, isa sa mga pinakamahusay na pianista sa Germany, ay isa ring estudyante ng Beethoven. Si D. Ertman ay sikat sa kanyang pagganap sa mga gawa ni Beethoven. Inialay ng kompositor sa kanya ang Sonata No. 28. Nang malaman na namatay ang anak ni Dorothea, ginampanan siya ni Beethoven nang mahabang panahon. Nagsimula ring mag-aral si Carl Czerny kay Beethoven. Si Karl, marahil, ang nag-iisang anak sa mga estudyante ni Beethoven. Nine years old pa lang siya, pero nag-concert na siya. Nag-aral si Czerny kay Beethoven sa loob ng limang taon, pagkatapos ay binigyan siya ng kompositor ng isang dokumento kung saan nabanggit niya
"ang pambihirang tagumpay ng mag-aaral at ang kanyang kahanga-hangang memorya ng musika." Tunay na kamangha-mangha ang memorya ni Czerny: alam niya sa puso ang lahat ng komposisyon ng piano ng guro. Maagang nagsimulang magturo si Czerny at hindi nagtagal ay naging isa sa mga pinakamahusay na guro sa Vienna. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ay si Teodor Leshetitsky, na maaaring tawaging isa sa mga tagapagtatag ng Russian piano school. Si Leshetitsky, na lumipat sa Russia sa St. Petersburg, ay isang guro ng A. N. Esipova, V. I. Safonov, S. M. Maykapar. Nag-aral si Franz Liszt kay K. Czerny sa loob ng isang taon at kalahati. Napakahusay ng kanyang mga tagumpay kaya pinayagan siya ng guro na magsalita sa publiko. Dumalo si Beethoven sa konsiyerto. Nahulaan niya ang galing ng bata at hinalikan niya ito. Iningatan ni Liszt ang halik na ito sa buong buhay niya. Hindi si Czerny, ngunit minana ni Liszt ang istilo ng paglalaro ni Beethoven. Tulad ni Beethoven, tinatrato ni Liszt ang piano na parang isang orkestra. Habang naglilibot sa Europa, itinaguyod niya ang gawain ni Beethoven, hindi lamang gumaganap ang kanyang mga gawa sa piano, kundi pati na rin ang mga symphony, na inangkop niya para sa piano. Noong mga panahong iyon, ang musika ni Beethoven, lalo na ang symphonic music, ay hindi pa alam ng malawak na madla. Ito ay salamat sa mga pagsisikap ni F. Liszt na ang monumento ng kompositor na si Ludwig van Beethoven ay itinayo sa Bonn noong 1839. Imposibleng hindi makilala ang musika ni Beethoven. Laconism at relief ng melodies, dynamics, malinaw na muscular ritmo - ito ay isang madaling makikilala heroic-dramatic na estilo. Kahit na sa mga mabagal na bahagi (kung saan sinasalamin ni Beethoven) ang pangunahing tema ng Beethoven ay tunog: sa pamamagitan ng pagdurusa - sa kagalakan, "sa pamamagitan ng mga tinik sa mga bituin". Itinuring ni M. I. Glinka si Beethoven na ang tuktok ng klasiko ng Viennese, ang pintor na pinakamalalim na tumagos sa kaibuturan ng kaluluwa ng tao at perpektong ipinahayag ito sa mga tunog. Sinabi ni Beethoven: "Ang musika ay dapat mag-apoy mula sa kaluluwa ng tao!".
Konklusyon
Ang paglago ng kalayaan sa lipunan ay humantong sa paglitaw ng mga unang pampublikong konsiyerto, mga musikal na lipunan at mga orkestra ay nabuo sa mga pangunahing lungsod ng Europa. Ang pag-unlad ng isang bagong kultura ng musika sa kalagitnaan ng siglo XVIII. nagbunga ng paglitaw ng maraming pribadong salon, na nagdaraos ng mga palabas sa opera. Ang musikal na kultura ng klasisismo ay nauugnay sa paglikha ng maraming mga genre ng instrumental na musika - tulad ng sonata, symphony, quartet. Sa panahong ito, ang genre ng klasikal na konsiyerto, ang variational na anyo, ay nagki-kristal, at ang reporma ng mga operatic na genre ay nagaganap.
Mayroong mga radikal na pagbabago sa mga orkestra, hindi na kailangan ang isang harpsichord o isang organ bilang pangunahing mga instrumentong pangmusika, mga instrumento ng hangin - clarinet, plauta, trumpeta at iba pa, sa kabaligtaran, kinuha ang kanilang lugar sa orkestra at lumikha ng isang bago, espesyal. tunog. Ang bagong komposisyon ng orkestra ay humantong sa paglitaw ng symphony - ang pinakamahalagang genre ng musikal. Isa sa mga unang kompositor na gumamit ng symphonic format ay ang anak ni I.S. Bach - Carl Philipp Emmanuel Bach. Kasama ang bagong komposisyon ng orkestra, ang

string quartet na binubuo ng dalawang violin, viola at cello. Ang mga komposisyon ay nilikha lalo na para sa string quartet na may sariling pamantayan sa apat na tempo. Ang isang multi-part sonata-symphony form (4 - partial cycle) ay nabuo, na siyang batayan pa rin ng maraming instrumental na komposisyon. Sa parehong panahon, nilikha ang piano, ang disenyo nito noong ika-18 siglo. sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, ang mekanismo ng keyboard-hammer ay napabuti, isang cast-iron frame, mga pedal, ang mekanismo ng "double rehearsal" ay ipinakilala, ang pag-aayos ng mga string ay nagbabago, ang saklaw ay lumalawak. Ang lahat ng ebolusyonaryong inobasyong ito ay naging mas madali para sa mga pianista na magtanghal ng mga birtuoso na piyesa sa iba't ibang paraan, gamit ang iba't ibang paraan ng pagpapahayag at pinayamang dinamika. Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart at Ludwig van Beethoven - tatlong magagandang pangalan, tatlong "Titans" na napunta sa kasaysayan bilang
Vienna

mga klasiko
. Ang mga kompositor ng paaralang Viennese ay mahusay na pinagkadalubhasaan ang iba't ibang uri ng mga genre ng musika - mula sa pang-araw-araw na mga kanta hanggang sa mga symphony. Ang mataas na istilo ng musika, kung saan ang masaganang makasagisag na nilalaman ay nakapaloob sa isang simple ngunit perpektong artistikong anyo, ang pangunahing katangian ng gawa ng mga klasikong Viennese. Ibig sabihin, itinaas ng mga kompositor ng Viennese classical school ang genre ng piano sonata, ang classical concerto, sa pinakamataas na antas. Ang pagtuklas ng klasisismo ay upang ipahayag ang pagnanais para sa pinakamataas na ideyal ng pagiging perpekto, para sa makalangit na dispensasyon ng kaluluwa at buhay. Sinabi ni Haydn na ang Diyos ay hindi masasaktan sa kanya para sa pagluwalhati sa Kanya sa isang bagong liwanag at malinaw na istilo. Ang musikal na kultura ng klasisismo, tulad ng panitikan, pati na rin ang pinong sining, ay niluluwalhati ang mga aksyon ng isang tao, ang kanyang mga damdamin at damdamin, kung saan ang isip ay naghahari. Mga artista - ang mga tagalikha sa kanilang mga gawa ay nailalarawan sa pamamagitan ng lohikal na pag-iisip, pagkakaisa at kalinawan ng anyo. Ang klasiko ay ang istilo ng isang panahon na tinukoy sa kasaysayan. Ngunit ang kanyang ideal na pagkakaisa at proporsyon ay nananatiling modelo para sa mga susunod na henerasyon hanggang ngayon.
Samantala, ang mga edad ng klasisismo ay umuurong na; sa walang uliran na polystylistics ng "Don Juan", sa mapanghimagsik na diwa ng "Egmont", maaaring hulaan ng isang tao ang siglo ng romantikismo na may kalunus-lunos na kabalintunaan, kaguluhan ng artistikong kamalayan, kalayaan ng liriko na intimacy.
Ang mga prinsipyo ng klasisismo
1. Ang batayan ng lahat ay ang isip. Tanging ang makatwiran ay maganda. 2. Ang pangunahing gawain ay palakasin ang ganap na monarkiya, ang monarko ay ang sagisag ng makatwiran. 3. Ang pangunahing tema ay ang tunggalian ng personal at sibiko na interes, damdamin at tungkulin. 4. Ang pinakamataas na dignidad ng isang tao ay ang pagtupad sa tungkulin, ang paglilingkod sa ideya ng estado. 5. Pamana ng sinaunang panahon bilang isang modelo. 6. Ang panggagaya sa kalikasang "ginalaman". 7. Ang pangunahing kategorya ay kagandahan.
Panitikan
Keldysh Yu. V. - Klasisismo. Musical Encyclopedia, Moscow: Soviet Encyclopedia, mula sa "Soviet Composer", 1973 - 1982. Classicism - Big Encyclopedic Dictionary, 2000. Yu. A. Kremlev - Beethoven Piano Sonatas, publishing house "Soviet Composer", Moscow 1970 .
Mga klasikal na kompositor

Friedrich Kalkbrenner Joseph Haydn Johann Nepomuk Hummel Jan Vanhal Giovanni Battista Peschetti Dominico Cimarosa Ivan Laskovsky Leopold Mozart Christian Gottlob Nefe Wolfgang Amadeus Mozart Giovanni Battista Grazioli Andre Grétri Johann E. Hummel Daniel Steibelt Ignaz Pleyel Ludwigl Ludwigl Gludwig Christoph Niberti Nibertyc. Giovanni Paisiello Alexander Ivanovich Dubuque Lev Stepanovich Gurilev Karl Czerny Daniel Gottlob Türk Wilhelm Friedemann Bach Antonio Salieri Johann Christian Bach Mauro Giuliani Johann Christoph Friederick Bach John Field Carl Philipp Emmanuel Bach Alexander Taneyev Frederic Duvernoy Gaetano Donizetti May Johann Wilgmin Wilgmin Hessler Hessler Johann Hessler Vincenzo Bellini Albert Behrens Johann Philip Kirnberger Muzio Clementi Henri Jerome Bertini Henri Kramer
Luigi Boccherini Johann Baptiste Cramer Dmitry Bortnyansky Rodolphe Kreutzer Pyotr Bulakhov Friedrich Kuhlau Carl Maria von Weber Johann Heinrich Lev Henri Lemoine Genishta Iosif Iosifovich Mikhail Cleofas Oginsky Giovanni Battista Pergolesi
ROMANTISMO
Ang Romantisismo ay isang ideolohikal at masining na kalakaran na lumitaw sa kulturang Europeo at Amerikano sa pagtatapos ng ika-18 siglo. - ang unang kalahati ng siglo XIX. - ay isang reaksyon sa aesthetics ng classicism, isang uri ng reaksyon sa Enlightenment kasama ang kulto ng katwiran. Ang paglitaw ng romantikismo ay dahil sa iba't ibang dahilan. Ang pinakamahalaga sa kanila
-
pagkabigo sa mga resulta ng Rebolusyong Pranses
,
hindi binibigyang-katwiran ang mga pag-asa na inilagay dito. Ang romantikong pananaw sa mundo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang matalim na salungatan sa pagitan ng katotohanan at mga pangarap. Ang realidad ay mababa at walang kaluluwa, ito ay natatakpan ng diwa ng philistinism, philistinism at karapat-dapat lamang sa pagtanggi. Ang panaginip ay isang bagay na maganda, perpekto, ngunit hindi maabot at hindi kayang unawain ng isip. Ang romantikismo ay unang umusbong at nabuo noong 1790s. sa Alemanya, sa bilog ng mga manunulat at pilosopo ng paaralang Jena, na ang mga kinatawan ay sina W. G. Wackenroder, Ludwig Tieck, Novalis, magkapatid na F. at A. Schlegel). Ang pilosopiya ng romantisismo ay naayos sa mga akda nina F. Schlegel at F. Schelling at binubuo sa katotohanan na mayroong positibong kasiyahan sa maganda, na ipinahayag sa mahinahon na pagmumuni-muni, at mayroong negatibong kasiyahan sa dakila, walang anyo, walang katapusang. , hindi nagdudulot ng kagalakan, kundi pagkamangha at pang-unawa. Ang pag-awit ng dakila ay konektado sa interes ng romantikismo sa kasamaan, ang pagpaparangal nito at ang dayalektika ng mabuti at masama. Noong siglo XVIII. lahat ng kakaiba, kaakit-akit at umiiral sa mga libro, at hindi sa katotohanan, ay tinawag na romantiko. Sa simula. ika-19 na siglo romanticism ang naging pagtatalaga ng isang bagong direksyon, kabaligtaran sa classicism at ang Enlightenment. Mula sa panahon hanggang sa panahon, mula sa istilo hanggang sa kasunod na istilo sa larangan ng sining, maaaring "magtapon ng tulay" at ipahayag ang kaukulang
kahulugan ng artistikong uso: ang baroque ay isang sermon, ang romanticism ay isang pagtatapat. Kaya't sila ay "nakakalat" sa mga gilid mula sa payat at maayos na klasisismo. Sa baroque art, ang isang tao ay bumaling sa isang tao (nangaral) na may isang bagay na mahalaga sa buong mundo, sa romantikismo ang isang tao ay bumaling sa mundo, na nagpapahayag sa kanya na ang pinakamaliit na karanasan ng kanyang kaluluwa ay hindi gaanong mahalaga kaysa sa lahat. At narito hindi lamang ang karapatan sa isang indibidwal na pakiramdam, kundi pati na rin ang karapatang kumilos. Ang Romantisismo, na pinapalitan ang Panahon ng Enlightenment, ay kasabay ng rebolusyong pang-industriya, na minarkahan ng hitsura ng makina ng singaw, makina ng singaw, bapor, litrato at labas ng pabrika. Kung ang Enlightenment ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng katwiran at sibilisasyon batay sa mga prinsipyo nito, kung gayon ang romantikismo ay nagpapatunay sa kulto ng kalikasan, damdamin at natural sa tao. Ito ay sa panahon ng romantikong nabuo ang mga phenomena ng turismo, pamumundok at piknik, na idinisenyo upang maibalik ang pagkakaisa ng tao at kalikasan. Ang imahe ng "noble savage", armado ng "folk wisdom" at hindi pinalayaw ng sibilisasyon, ay hinihiling. Inihahambing ng Romantisismo ang ideya ng kaliwanagan ng pag-unlad na may interes sa alamat, alamat, engkanto, sa karaniwang tao, isang pagbabalik sa mga ugat at sa kalikasan. Sa karagdagang pag-unlad ng romantikong Aleman, ang interes sa fairy-tale at mythological motifs ay nakikilala, na kung saan ay malinaw na malinaw na ipinahayag sa gawain ng magkapatid na Wilhelm at Jacob Grimm, Hoffmann. Si G. Heine, na sinimulan ang kanyang gawain sa loob ng balangkas ng romantikismo, sa kalaunan ay isinailalim siya sa isang kritikal na rebisyon. Ang pilosopikal na romantikismo ay nananawagan para sa muling pag-iisip sa relihiyon at sa pagtugis ng ateismo. "Ang tunay na relihiyon ay ang pakiramdam at lasa ng kawalang-hanggan." Mamaya sa 1820s ang romantikong istilo ay kumalat sa England, France at iba pang mga bansa. Kasama sa romantikong Ingles ang gawa ng mga manunulat na sina Racine, John Keats, William Blake. Ang romantikismo sa panitikan ay naging laganap sa ibang bansa sa Europa, halimbawa: sa France - Chateaubriand, J. Steel, Lamartine, Victor Hugo, Alfred de Vigny, Prosper Merimee, George Sand, Stendhal; sa Italy - N. U. Foscolo, A. Manzoni, Leopardi, sa Poland - Adam Mickiewicz, Juliusz Slovatsky, Zygmunt Krasinsky, Cyprian Norwid; sa USA - Washington Irving, Fenimore Cooper, W. K. Bryant, Edgar Poe, Nathaniel Hawthorne, Henry Longfellow, Herman Melville.
Sa romantikong Ruso, lumilitaw ang kalayaan mula sa mga klasikal na kombensiyon, isang ballad, isang romantikong drama, ay nilikha. Ang isang bagong ideya ng kakanyahan at kahulugan ng tula ay pinagtibay, na kinikilala bilang isang independiyenteng globo ng buhay, isang pagpapahayag ng pinakamataas, perpektong mithiin ng tao. Ang romantikismo ng panitikang Ruso ay nagpapakita ng pagdurusa at kalungkutan ng pangunahing tauhan. Sa Russia, ang V. A. Zhukovsky, K. N. Batyushkov, E. A. Baratynsky, N. M. Yazykov ay maaari ding maiugnay sa mga romantikong makata. Ang maagang tula ng A. S. Pushkin ay nabuo din sa loob ng balangkas ng romantikismo. Ang tula ni M. Yu. Lermontov ay maaaring ituring na tuktok ng romantikong Ruso. Ang pilosopikal na liriko ng F. I. Tyutchev ay pareho ang pagkumpleto at ang pagtagumpayan ng romantikismo sa Russia. Nagmula ang Romantisismo bilang isang kilusang pampanitikan, ngunit nagkaroon ng malaking epekto sa musika at pagpipinta. Sa visual arts, ang Romantisismo ay nagpakita ng sarili nitong pinaka-malinaw sa pagpipinta at mga graphic, at mas mababa sa arkitektura. Ang pag-unlad ng romantikismo sa pagpipinta ay nagpatuloy sa matalim na kontrobersya sa mga tagasunod ng klasisismo. Sinisiraan ng mga Romantiko ang kanilang mga nauna sa "malamig na katwiran" at kawalan ng "galaw ng buhay." Noong ika-18 siglo, ang mga paboritong motif ng mga artista ay ang mga tanawin ng bundok at mga nakamamanghang guho. Ang mga pangunahing tampok nito ay ang dynamism ng komposisyon, voluminous spatiality, rich color, chiaroscuro (halimbawa, ang mga gawa ni Turner, Géricault at Delacroix). Noong 1920s at 1930s, ang mga gawa ng maraming mga artist ay nakikilala sa pamamagitan ng kalunos-lunos at nerbiyos na kaguluhan; sa kanila ay nagkaroon ng isang ugali sa mga kakaibang motif at isang paglalaro ng imahinasyon na maaaring humantong palayo sa "dim araw-araw na buhay." Ang pakikibaka laban sa mga nakapirming klasiko na pamantayan ay tumagal ng mahabang panahon, halos kalahating siglo. Ang unang nakapag-consolidate ng bagong direksyon at "nagbibigay-katwiran" sa romantikismo ay si Theodore Géricault. Mga kinatawan ng pagpipinta: Francisco Goya, Antoine-Jean Gros, Theodore Gericault, Eugene Delacroix, Karl Bryullov, William Turner, Caspar David Friedrich, Karl Friedrich Lessing, Karl Spitzweg, Karl Blechen, Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Fuseli, Martin.
ROMANTICISMO SA MUSIKA
Ang musika ng panahong Romantiko ay isang panahon sa kasaysayan ng musikang Europeo na halos sumasaklaw sa mga taong 1800-1910. Sa musika, ang direksyon ng romantikismo ay nabuo noong 1820s, ang pag-unlad nito ay tumagal ng buong ika-19 na siglo. - ang kasagsagan ng kultura ng musika ng Kanlurang Europa. Ang romantikismo ay hindi lamang mga liriko, ngunit ang pangingibabaw ng mga damdamin, mga hilig, mga elementong espirituwal, na kilala lamang sa mga sulok ng sariling kaluluwa. Ang isang tunay na artista ay nagpapakita sa kanila sa tulong ng mapanlikhang intuwisyon.
Ang musika ng panahong ito ay nabuo mula sa mga anyo, genre at ideyang pangmusika na itinatag sa mga naunang panahon tulad ng klasikal na panahon. Sinubukan ng mga romantikong kompositor na ipahayag ang lalim at kayamanan ng panloob na mundo ng isang tao sa tulong ng mga musikal na paraan. Ang musika ay nagiging mas embossed, indibidwal. Ang mga genre ng kanta ay umuunlad, kabilang ang ballad. Ang mga ideya, ang istruktura ng mga akda na itinatag o binalangkas lamang sa mga naunang panahon, ay binuo sa ilalim ng romantikismo. Dahil dito, ang mga akdang may kaugnayan sa Romantisismo ay itinuturing ng mga tagapakinig bilang mas madamdamin at emosyonal na nagpapahayag. Karaniwang tinatanggap na ang mga nangunguna sa Romantisismo ay sina Ludwig van Beethoven sa Austro-German na musika at Luigi Cherubini sa Pranses; Maraming mga romantiko (halimbawa, Schubert, Wagner, Berlioz) ang itinuturing na K. V. Gluck bilang kanilang mas malayong hinalinhan. Ang panahon ng paglipat mula sa klasisismo tungo sa romantikismo ay itinuturing na pre-romantic na panahon - isang medyo maikling panahon sa kasaysayan ng musika at sining. Kung sa panitikan at pagpipinta ang romantikong kalakaran ay karaniwang nakumpleto ang pag-unlad nito sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, kung gayon ang buhay ng musikal na romantikismo sa Europa ay mas mahaba. Ang musical romanticism bilang isang trend ay umusbong sa simula ng ika-19 na siglo at umunlad na may malapit na koneksyon sa iba't ibang uso sa panitikan, pagpipinta at teatro. Ang mga pangunahing kinatawan ng romanticism sa musika ay: sa Austria - Franz Schubert, at late romantics - Anton Bruckner at Gustav Mahler; sa Germany - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Johannes Brahms, Ludwig Spohr; sa England, Edward Elgar; sa Hungary - Franz Liszt; sa Norway, Edvard Grieg; sa Italya - Niccolo Paganini, Vincenzo Bellini, maagang Giuseppe Verdi; sa Spain, Felipe Pedrel; sa France - D. F. Ober, Hector Berlioz, J. Meyerbeer at Cesar Franck, isang kinatawan ng late romanticism; sa Poland - Frederic Chopin, Stanislav Moniuszko; sa Czech Republic - Bedrich Smetana, Antonin Dvorak;
sa Russia, Alexander Alyabyev, Mikhail Glinka, Alexander Dargomyzhsky, Mily Balakirev, N. A. Rimsky-Korsakov, Modest Mussorgsky, Alexander Borodin, Caesar Cui, P. I. Tchaikovsky ay nagtrabaho alinsunod sa romantikismo.

Ito ay hindi nagkataon na ang musika ay idineklara ang perpektong anyo ng sining, na, dahil sa pagiging tiyak nito, pinaka-ganap na nagpapahayag ng mga paggalaw ng kaluluwa. Ang musika sa panahon ng romantikismo ang nangunguna sa sistema ng sining. Ang romantikismo sa musika ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang apela sa panloob na mundo ng isang tao. Ang musika ay may kakayahang ipahayag ang hindi alam, ihatid kung ano ang hindi maiparating ng mga salita. Ang romantikismo ay laging naghahangad na makatakas mula sa katotohanan. Ang pagpindot sa buhay ng mga ordinaryong tao, pag-unawa sa kanilang mga damdamin, pag-asa sa musika - nakatulong ito sa mga kinatawan ng musical romanticism na gawing makatotohanan ang kanilang mga gawa. Ang problema ng personalidad ay inilalagay bilang pangunahing problema ng romantikong musika, at sa isang bagong liwanag - sa kontrahan nito sa labas ng mundo. Ang romantikong bayani ay laging malungkot kapag siya ay isa lamang namumukod-tanging tao. Ang tema ng kalungkutan ay marahil ang pinakasikat sa lahat ng romantikong sining. Ang artista, makata, musikero ay ang mga paboritong karakter sa mga gawa ng mga romantiko ("The Love of the Poet" ni Schumann, "The Fantastic Symphony" ni Berlioz na may subtitle nito - "An Episode from the Life of an Artist"). Ang paghahayag ng isang personal na drama ay madalas na nakakuha ng isang katangian ng autobiography sa mga romantiko, na nagdala ng isang espesyal na katapatan sa musika. Kaya, halimbawa, marami sa mga gawa ng piano ni Schumann ay konektado sa kuwento ng kanyang pagmamahal kay Clara Wieck. Ang autobiographical na katangian ng kanyang mga opera ay mariing idiniin ni Richard Wagner. Ang pansin sa mga damdamin ay humahantong sa isang pagbabago sa mga genre - ang mga lyrics ay nakakuha ng isang nangingibabaw na posisyon, kung saan ang mga imahe ng pag-ibig ay nangingibabaw. Ang tema ng kalikasan ay madalas na magkakaugnay sa tema ng "lyrical confession". Ang pagbuo ng genre at lyrical-epic symphonism ay malapit na konektado sa mga imahe ng kalikasan (isa sa mga unang komposisyon ay ang "mahusay" symphony C - dur ni F. Schubert). Ang tunay na pagtuklas ng mga romantikong kompositor ay ang tema ng pantasya. Ang musika sa unang pagkakataon ay natutong magsama ng mga hindi kapani-paniwalang kamangha-manghang mga imahe sa pamamagitan ng purong musikal na paraan. Sa mga opera noong ika-17 - ika-18 na siglo. Ang mga "hindi makalupa" na karakter (gaya ng Queen of the Night mula sa The Magic Flute ni Mozart) ay nagsalita ng "karaniwan"
wikang musikal, hindi gaanong namumukod-tangi sa background ng mga totoong tao. Natutunan ng mga romantikong kompositor na ihatid ang mundo ng pantasiya bilang isang bagay na ganap na tiyak (sa tulong ng hindi pangkaraniwang mga kulay ng orkestra at maharmonya). Ang isang kapansin-pansing halimbawa ay ang "Wolf Gulch Scene" sa Weber's Magic Shooter. Ang interes sa katutubong sining ay lubos na katangian ng musical romanticism. Tulad ng mga makata - mga romantiko, na nagpayaman at nag-update ng wikang pampanitikan sa kapinsalaan ng alamat, ang mga musikero ay malawak na bumaling sa pambansang alamat - mga awiting bayan, ballad, epiko (F. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, I. Brahms, B. Smetana, E. Grieg). Lahat ng narinig ng mga tainga ay agad na isinalin sa pagkamalikhain. Ang alamat - mga kanta, sayaw, alamat - ay pinoproseso, mga tema, plot, intonasyon ay kinuha mula doon. Kabilang sa mga romantiko, ang kanta ay nakakakuha ng espesyal na halaga (sa Russia, ang pagmamahalan). Lumilitaw ang mga bagong sayaw - mazurkas, polonaises, waltzes. Naglalagay ng mga imahe ng pambansang panitikan, kasaysayan, katutubong kalikasan, umasa sila sa mga intonasyon at ritmo ng pambansang alamat, na binuhay ang mga lumang diatonic na mode. Sa ilalim ng impluwensya ng alamat, ang nilalaman ng musika sa Europa ay nagbago nang malaki
.
Ang mga bagong tema at imahe ay hinihiling mula sa Romantics ang pagbuo ng mga bagong paraan ng musikal na wika at mga prinsipyo ng paghubog, ang pagpapalawak ng timbre at harmonic palette ng musika (natural na mga mode, makulay na paghahambing ng major at minor). At sa paraan ng pagpapahayag, ang heneral ay lalong nagbibigay daan sa indibidwal na kakaiba.

Sa orkestra, ang prinsipyo ng mga grupo ng ensemble ay nagbigay daan sa soloing ng halos lahat ng mga tinig ng orkestra. Sa panahon ng kasagsagan ng romantisismo, maraming bagong genre ng musika ang isinilang, kabilang ang mga genre ng musika ng programa (mga symphonic na tula, ballad, fantasies, genre ng kanta). Ang pinakamahalagang sandali sa aesthetics ng musical romanticism ay ang ideya ng isang synthesis ng sining, na natagpuan ang pinakamatingkad na pagpapahayag nito sa operatic work ni R. Wagner at sa programa ng musika ni G. Berlioz, R. Schumann, F. Liszt.
KONGKLUSYON
Ang paglitaw ng romantikismo ay naimpluwensyahan ng tatlong pangunahing kaganapan: ang Rebolusyong Pranses, ang Napoleonic Wars, ang pag-usbong ng pambansang kilusang pagpapalaya sa Europa. Ang Romantisismo bilang isang paraan at direksyon sa musika at kulturang sining ay isang kumplikado at kontrobersyal na kababalaghan. Sa bawat bansa mayroon siyang maliwanag
pambansang pagpapahayag. Naghimagsik ang mga Romantika laban sa mga resulta ng burges na rebolusyon, ngunit naghimagsik sila sa iba't ibang paraan, dahil ang bawat isa ay may sariling ideal. Ngunit sa lahat ng maraming mga mukha at pagkakaiba-iba, ang romantikismo ay may matatag na mga tampok: pagkabigo sa mundo sa paligid natin, isang pakiramdam ng pagiging bahagi ng uniberso, hindi kasiyahan sa sarili, ang paghahanap para sa pagkakaisa, salungatan sa lipunan. Ang lahat ng mga ito ay nagmula sa pagtanggi sa Enlightenment at sa rasyonalistikong mga canon ng klasisismo, na humahadlang sa malikhaing inisyatiba. Interes sa isang malakas na personalidad na sumasalungat sa sarili sa buong mundo sa paligid at umaasa lamang sa sarili nito, at pansin sa panloob na mundo ng isang tao. Ang ideya ng art synthesis ay natagpuang ekspresyon sa ideolohiya at kasanayan ng romantikismo. Ang isang indibidwal at personal na pananaw sa mundo ay humantong sa paglitaw ng mga bagong genre ng musika. Kasabay ng pag-unlad ng trend ng home music-making, chamber performance, hindi idinisenyo para sa mass audience at perpektong performing technique, binigyang-buhay nito ang genre ng piano miniatures - impromptu, musical moments, nocturnes, preludes, maraming dance genres na nagkaroon hindi dating nakilala sa propesyonal na musika. Ang mga romantikong tema, motif, nagpapahayag na mga aparato ay pumasok sa sining ng iba't ibang estilo, direksyon, malikhaing asosasyon. Ang mga puwersang sumasalungat sa romantikismo ay nagsimulang mabuo noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo (Brahms, Brückner, Mahler). Sa kanilang hitsura, nagkaroon ng mga tendensya sa muling pagtugon sa totoong mundo, kawalang-kinikilingan, at pagtanggi sa subjective. Ngunit, sa kabila nito, ang romantikong pananaw sa mundo o pananaw sa mundo ay naging isa sa pinakamabungang artistikong mga usong pangkakanyahan. Ang Romantisismo bilang isang pangkalahatang saloobin, pangunahing katangian ng mga kabataan, bilang isang pagnanais para sa isang perpekto at malikhaing kalayaan, ay nabubuhay pa rin sa sining ng mundo.
PANITIKAN
Rapatskaya L. A. Romanticism sa artistikong kultura ng Europa noong ika-19 na siglo: ang pagtuklas ng "panloob na tao" // World Art Culture. 11 mga cell sa 2 bahagi. M. : Vlados, 2008
Bryantseva V.N. Panitikan sa musika ng mga banyagang bansa - Ed. "Musika" 2001 A.V. Serdyuk, O.V. Umanets Mga paraan ng pag-unlad ng Ukrainian at dayuhang musikal na sining. - H.: Osnova, 2001 Berkovsky N.Ya. Romantisismo sa Alemanya / Panimulang artikulo ni A. Anikst. - L .: "Fiction", 1973

Wala ni isang larangan ng musikal na sining noong ika-19 na siglo ang nakaligtas sa impluwensya ni Beethoven. Mula sa vocal lyrics ni Schubert hanggang sa mga musikal na drama ni Wagner, mula sa scherzo, kamangha-manghang mga pagpupursige ng Mendelssohn hanggang sa mga trahedya-pilosopiko na symphony ni Mahler, mula sa theatrical program music ng Berlioz hanggang sa sikolohikal na kalaliman ng Tchaikovsky - halos lahat ng pangunahing artistikong phenomenon ng binuo ng ika-19 na siglo ang isa sa mga panig ng maraming aspeto ng pagkamalikhain ni Beethoven. Ang kanyang mataas na etikal na mga prinsipyo, ang sukat ng pag-iisip ni Shakespeare, ang walang hanggan na artistikong inobasyon ay nagsilbing gabay na bituin para sa mga kompositor ng pinaka magkakaibang mga paaralan at uso. "Isang higante na ang mga hakbang ay palagi nating naririnig sa likod natin," sabi ni Brahms tungkol sa kanya.

Ang mga natitirang kinatawan ng romantikong paaralan sa musika ay nagtalaga ng daan-daang mga pahina kay Beethoven, na ipinahayag sa kanya ang kanilang katulad na pag-iisip. Berlioz at Schumann sa magkahiwalay na kritikal na mga artikulo, pinatunayan ni Wagner sa buong volume ang malaking kahalagahan ng Beethoven bilang unang romantikong kompositor.

Dahil sa inertia ng musicological thought, ang pananaw ni Beethoven bilang isang kompositor na may malalim na kaugnayan sa romantikong paaralan ay nananatili hanggang ngayon. Samantala, ang malawak na pananaw sa kasaysayan na binuksan noong ika-20 siglo ay nagpapahintulot sa atin na makita ang problema. "Beethoven and the Romantics" sa medyo naiibang liwanag. Sa pagtatasa ngayon sa kontribusyon na ginawa ng mga kompositor ng romantikong paaralan sa sining ng mundo, napag-isipan natin na si Beethoven ay hindi makikilala o walang kondisyong ilapit sa mga romantikong umiidolo sa kanya. Hindi ito katangian sa kanya pangunahin at pangkalahatan, na ginagawang posible na magkaisa sa konsepto ng isang solong paaralan ang gawain ng magkakaibang mga artistikong indibidwal tulad ng, halimbawa, Schubert at Berlioz, Mendelssohn at Liszt, Weber at Schumann. Hindi sinasadya na sa mga kritikal na taon, nang, nang maubos ang kanyang mature na istilo, si Beethoven ay masipag na naghahanap ng mga bagong paraan sa sining, ang umuusbong na romantikong paaralan (Schubert, Weber, Marschner at iba pa) ay hindi nagbukas ng anumang mga prospect para sa kanya. At ang mga bagong spheres, engrande sa kanilang kahalagahan, na sa wakas ay natagpuan niya sa kanyang trabaho sa huling panahon, sa pamamagitan ng mapagpasyang mga tampok ay hindi nag-tutugma sa mga pundasyon ng musikal na romantikismo.

May pangangailangang linawin ang hangganang naghihiwalay sa Beethoven at Romantics, upang maitatag ang mahahalagang punto ng pagkakaiba sa pagitan ng dalawang phenomena na ito, malapit sa isa't isa sa oras, walang pasubali na humahawak sa kanilang mga indibidwal na panig ngunit naiiba sa kanilang aesthetic na kakanyahan.

Una sa lahat, bumalangkas tayo sa mga sandaling iyon ng pagkakatulad sa pagitan ni Beethoven at ng mga romantiko, na nagbigay sa huli ng dahilan upang makita sa makikinang na artistang ito ang kanilang katulad na tao.

Laban sa background ng musikal na kapaligiran ng post-rebolusyonaryo, iyon ay, ang burges na Europa ng simula at kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ang Beethoven at Western romantiko ay pinagsama ng isang mahalagang karaniwang plataporma - pagsalungat sa marangal na ningning at walang laman na libangan, na nagsimulang mangibabaw sa mga taong iyon sa entablado ng konsiyerto at opera house.

Si Beethoven ang unang kompositor na nagtanggal sa pamatok ng isang musikero sa korte, ang una na ang mga komposisyon ay hindi panlabas o mahalagang konektado sa pyudal na kulturang prinsipe o sa mga kinakailangan ng sining ng simbahan. Siya, at kasunod niya ang iba pang mga kompositor ng ika-19 na siglo, ay isang "malayang artista", na hindi alam ang nakakahiyang pag-asa sa korte o simbahan, na siyang kapalaran ng lahat ng magagaling na musikero ng mga nakaraang panahon - Monteverdi at Bach, Sina Handel at Gluck, Haydn at Mozart ... Gayunpaman, ang kalayaan na napanalunan mula sa mga pangangailangan ng pag-dedete ng kapaligiran ng hukuman ay humantong sa mga bagong phenomena, na hindi gaanong masakit para sa mga artista mismo. Ang buhay musikal sa Kanluran ay naging tiyak na pinangungunahan ng isang mahinang edukadong madla, hindi kayang pahalagahan ang mataas na hangarin sa sining at naghahanap lamang ng magaan na libangan dito. Ang kontradiksyon sa pagitan ng paghahanap para sa mga advanced na kompositor at ang philistine level ng inert burges public sa napakalaking lawak ay humadlang sa artistikong inobasyon noong nakaraang siglo. Ito ang tipikal na trahedya ng artista ng post-revolutionary period, na nagbigay ng imahe ng "hindi kinikilalang henyo sa attic" na karaniwan sa panitikan sa Kanluran. Tinukoy niya ang nagniningas na nagsisiwalat na kalunos-lunos ng mga akda sa pamamahayag ni Wagner, na binansagan ang kontemporaryong musikal na teatro bilang "isang walang laman na bulaklak ng bulok na sistema ng lipunan." Pinukaw nito ang mapang-akit na kabalintunaan ng mga artikulo ni Schumann: halimbawa, tungkol sa mga gawa ng kompositor at pianista na si Kalkbrenner, na kumulog sa buong Europa, isinulat ni Schumann na una siyang gumawa ng mga virtuoso na sipi para sa soloista, at pagkatapos ay iniisip lamang kung paano punan ang mga puwang. sa pagitan nila. Ang mga pangarap ni Berlioz ng isang perpektong estado ng musika ay lumitaw nang direkta mula sa isang matinding kawalang-kasiyahan sa sitwasyong nag-ugat sa kanyang kontemporaryong mundo ng musika. Ang buong istraktura ng musikal na utopia na nilikha niya ay mga protesta laban sa diwa ng komersyal na entrepreneurship at pagtangkilik ng estado ng mga retrograde na alon, kaya katangian ng France sa kalagitnaan ng huling siglo. At si Liszt, na patuloy na nahaharap sa limitado at paatras na mga kahilingan ng publiko ng konsiyerto, ay umabot sa isang antas ng pangangati na nagsimulang tila sa kanya ang perpektong posisyon ng isang medyebal na musikero, na, sa kanyang opinyon, ay nagkaroon ng pagkakataon na lumikha, tumututok. lamang sa kanyang sariling mataas na pamantayan.

Sa digmaan laban sa kabastusan, gawain, kagaanan, ang pangunahing kaalyado ng mga kompositor ng romantikong paaralan ay si Beethoven. Ang kanyang trabaho, bago, matapang, espiritwal, ang naging banner na nagbigay inspirasyon sa lahat ng mga progresibong batang kompositor ng ika-19 na siglo sa paghahanap ng isang seryoso, makatotohanan, na nagbubukas ng mga bagong pananaw ng sining.

At sa kanilang pagsalungat sa hindi napapanahong mga tradisyon ng musical classicism, si Beethoven at ang mga romantiko ay nakita sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo sa kabuuan. Ang pahinga ni Beethoven sa musical aesthetics ng Age of Enlightenment ay isang impetus para sa kanila sa kanilang sariling mga paghahanap, na naglalarawan sa sikolohiya ng bagong panahon. Ang walang uliran na emosyonal na kapangyarihan ng kanyang musika, ang bagong kalidad ng liriko nito, kalayaan ng anyo kumpara sa klasiko noong ika-18 siglo, at sa wakas, ang pinakamalawak na hanay ng mga masining na ideya at nagpapahayag na paraan - lahat ng ito ay pumukaw sa paghanga ng mga romantiko at tumanggap ng karagdagang multilateral. pag-unlad sa kanilang musika. Tanging ang versatility ng sining ni Beethoven at ang pagsusumikap nito para sa hinaharap ang makapagpapaliwanag ng isang tila kabalintunaan na kababalaghan na ang pinaka-magkakaibang, kung minsan ay ganap na hindi magkatulad na mga kompositor ay nakita ang kanilang sarili bilang mga tagapagmana at kahalili ng Beethoven, na may tunay na batayan para sa ganoong opinyon. At sa katunayan, hindi ba kinuha ni Schubert mula sa Beethoven na bumuo ng instrumental na pag-iisip na nagbunga ng panimulang bagong interpretasyon ng piano plan sa pang-araw-araw na kanta? Si Berlioz ay ginabayan lamang ni Beethoven, na lumilikha ng kanyang magarang symphonic na komposisyon, kung saan ginamit niya ang software at vocal sounds. Ang mga pagpapalabas ng programa ni Mendelssohn ay batay sa mga pagpapasya ni Beethoven. Direktang bumalik ang vocal-symphonic writing ni Wagner sa operatic at oratorio style ni Beethoven. Ang symphonic na tula ni Liszt - isang tipikal na supling ng romantikong panahon sa musika - ay may pinagmulan sa binibigkas na mga tampok ng kulay, na ipinakita sa mga gawa ng huli na Beethoven, isang ugali sa pagkakaiba-iba at isang libreng interpretasyon ng sonata cycle. Kasabay nito, ang Brahms ay tumutukoy sa klasikong istraktura ng mga symphony ni Beethoven. Binuhay ni Tchaikovsky ang kanilang panloob na drama, na organikong nauugnay sa lohika ng pagbuo ng sonata. Ang mga halimbawa ng gayong mga koneksyon sa pagitan ng Beethoven at mga kompositor ng ika-19 na siglo ay mahalagang hindi mauubos.

At sa isang mas malawak na eroplano, may mga tampok ng pagkakamag-anak sa pagitan ni Beethoven at ng kanyang mga tagasunod. Sa madaling salita, inaasahan ng gawa ni Beethoven ang ilang mahahalagang pangkalahatang uso sa sining ng ikalabinsiyam na siglo sa kabuuan.

Una sa lahat, ito ay isang sikolohikal na simula, na nakikita pareho sa Beethoven at sa halos lahat ng mga artista ng mga susunod na henerasyon.

Hindi gaanong romantiko, ngunit ang mga artista ng ika-19 na siglo sa pangkalahatan ay natuklasan ang imahe ng natatanging panloob na mundo ng isang tao - isang imahe na parehong integral at sa patuloy na paggalaw, nakabukas sa loob at nagre-refract ng iba't ibang panig ng layunin, panlabas na mundo. Sa partikular, nasa pagsisiwalat at paninindigan ng mapanlikhang globo na ito, una sa lahat, nakasalalay ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng sikolohikal na nobela ng ika-19 na siglo at ng mga pampanitikang genre ng mga nakaraang panahon.

Ang pagnanais na ipakita ang katotohanan sa pamamagitan ng prisma ng espirituwal na mundo ng indibidwalidad ay katangian din ng musika ng buong panahon ng post-Beethoven. Sa pamamagitan ng repraksyon sa pamamagitan ng mga detalye ng instrumental na pagpapahayag, nagbunga ito ng ilang katangian ng mga bagong pamamaraan sa pagbuo ng anyo na pare-parehong lumilitaw kapwa sa mga huling sonata at quartet ni Beethoven, at sa mga instrumental at operatikong gawa ng mga romantiko.

Para sa sining ng "panahong sikolohikal", ang mga klasikong prinsipyo ng paghubog, na nagpapahayag ng mga layunin na aspeto ng mundo, ay nawala ang kanilang kaugnayan, ibig sabihin, naiiba, malinaw na sumasalungat sa mga pormasyon ng pampakay, kumpletong mga istraktura, simetriko na hinati at balanseng mga seksyon ng anyo, suite-cyclic construction ng kabuuan. Si Beethoven, tulad ng mga romantiko, ay nakahanap ng mga bagong pamamaraan na nakakatugon sa mga gawain ng sikolohikal na sining. Ito ay isang ugali patungo sa pagpapatuloy ng pag-unlad, patungo sa mga elemento ng iisang bahagi sa sukat ng isang sonata cycle, patungo sa libreng pagkakaiba-iba sa pagbuo ng pampakay na materyal, kadalasang batay sa nababaluktot na mga paglipat ng motibo, patungo sa isang two-dimensional - vocal-instrumental - istraktura ng musikal na pananalita, na parang naglalaman ng ideya ng teksto at ang subtext ng pahayag * .

* Para sa higit pa tungkol dito, tingnan ang kabanata na "Romantisismo sa Musika", seksyon 4.

Ang mga tampok na ito ang nagsasama-sama ng mga gawa ng yumaong Beethoven at Romantics, na sa lahat ng iba pang aspeto ay sa panimula ay magkasalungat sa isa't isa. Ang "Wanderer" fantasy ni Schubert at ang "Symphonic Etudes" ni Schumann, ang "Harold in Italy" ni Berlioz at ang "Scottish Symphony" ni Mendelssohn, ang "Preludes" ni Liszt at ang "Ring of the Nibelungen" ni Wagner - gaano kalayo ang mga gawang ito sa mga tuntunin ng kanilang hanay ng mga larawan , mood, panlabas na tunog mula sa mga sonata at quartets ni Beethoven sa huling yugto! Gayunpaman, pareho sa kanila ay minarkahan ng isang solong kalakaran patungo sa pagpapatuloy ng pag-unlad.

Inilalapit ang yumaong Beethoven sa mga kompositor ng romantikong paaralan at isang pambihirang pagpapalawak ng hanay ng mga phenomena na sakop ng kanilang sining. Ang tampok na ito ay ipinakita hindi lamang sa pagkakaiba-iba ng mga tema mismo, kundi pati na rin sa isang matinding antas ng kaibahan kapag inihahambing ang mga imahe sa loob ng parehong gawain. Kaya, kung ang mga kompositor ng ika-18 siglo ay may mga kaibahan, tulad ng, sa isang solong eroplano, kung gayon sa huli na Beethoven at sa isang bilang ng mga gawa ng romantikong paaralan, ang mga imahe ng iba't ibang mga mundo ay inihambing. Sa diwa ng napakalaking kaibahan ni Beethoven, ang mga romantiko ay nagbabanggaan sa mundo at hindi sa daigdig, katotohanan at panaginip, espirituwal na pananampalataya at erotikong pagnanasa. Alalahanin natin ang Sonata ni Liszt sa h-moll, ang Fantasia ni Chopin sa f-moll, ang "Tannhäuser" ni Wagner at marami pang ibang gawa ng musical-romantic na paaralan.

Sa wakas, si Beethoven at ang mga romantiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagnanais para sa pagdedetalye ng pagpapahayag - isang pagnanais na lubos ding katangian ng panitikan noong ika-19 na siglo, hindi lamang romantiko, ngunit malinaw din na makatotohanan. Ang trend na ito ay nire-refracte sa pamamagitan ng musical specificity sa anyo ng isang multi-element, condensed, at kadalasang multi-layered (poly-melodic) texture, sobrang differentiated orchestration. Ang napakalaking sonority ng musika ng Beethoven at ang Romantics ay tipikal din. Sa paggalang na ito, ang kanilang sining ay naiiba hindi lamang sa silid na transparent na tunog ng mga klasikong gawa ng ika-18 siglo. Ito ay pantay na sumasalungat sa ilang mga paaralan ng ating siglo, na, na lumitaw bilang isang reaksyon sa mga aesthetics ng romantikismo, tinatanggihan ang "makapal" na puno ng sonoridad ng orkestra o piano ng ika-19 na siglo at nililinang ang iba pang mga prinsipyo ng pag-aayos ng tela ng musikal (halimbawa, impresyonismo o neoclassicism).

Maaari mo ring ituro ang ilang mas partikular na punto ng pagkakatulad sa mga prinsipyo ng paghubog ng Beethoven at mga romantikong kompositor. Gayunpaman, sa liwanag ng aming kasalukuyang artistikong pananaw, ang mga sandali ng pagkakaiba sa pagitan ng Beethoven at ng mga romantiko ay napakahalaga na, laban sa background na ito, ang mga tampok ng pagkakapareho sa pagitan nila ay tila umuurong sa background.

Ngayon ay malinaw sa atin na ang pagtatasa ng Beethoven ng mga romantikong Kanluranin ay isang panig, sa isang kahulugan kahit na mahilig. "Narinig" lamang nila ang mga aspeto ng musika ni Beethoven na "tumunog sa tono" ng kanilang sariling mga artistikong ideya.

Katangian, hindi nila nakilala ang mga huling quartet ni Beethoven. Ang mga gawang ito, na higit pa sa masining na mga ideya ng romantikismo, ay tila isang hindi pagkakaunawaan sa kanila, isang produkto ng pantasya ng isang matandang lalaki na nawala sa kanyang isip. Hindi rin nila pinahahalagahan ang kanyang mga gawa noong unang panahon. Nang i-cross out ni Berlioz, sa isang stroke ng kanyang panulat, ang buong kahalagahan ng trabaho ni Hayd bilang isang sining ng di-umano'y magalang na inilapat na sining, ipinahayag niya sa isang matinding anyo ang isang katangian ng ugali ng maraming musikero sa kanyang henerasyon. Ang mga romantiko ay madaling nagbigay ng klasiko ng ika-18 siglo sa hindi na mababawi na nakaraan, at kasama nito ang gawain ng unang bahagi ng Beethoven, na kung saan sila ay hilig na isaalang-alang lamang bilang isang yugto na nauuna sa aktwal na gawain ng mahusay na kompositor.

Ngunit kahit na sa paglapit ng mga romantiko sa gawa ni Beethoven ng "mature" na panahon, nakikita rin ang pagiging isang panig. Kaya, halimbawa, itinaas nila nang mataas sa isang pedestal ang programmatic na "Pastoral Symphony", na, sa liwanag ng ating pang-unawa ngayon, ay hindi man lang tumataas sa iba pang mga gawa ni Beethoven sa symphonic genre. Sa Fifth Symphony, na bumihag sa kanila sa kanyang emosyonal na galit, pag-uugaling humihinga ng apoy, hindi nila pinahahalagahan ang natatanging pormal na konstruksyon nito, na bumubuo sa pinakamahalagang bahagi ng pangkalahatang masining na disenyo.

Ang mga halimbawang ito ay hindi sumasalamin sa mga partikular na pagkakaiba sa pagitan ng Beethoven at ng Romantics, ngunit isang malalim na pangkalahatang pagkakaiba sa pagitan ng kanilang mga aesthetic na prinsipyo.

Ang pinakapangunahing pagkakaiba sa pagitan nila ay sa saloobin.

Hindi mahalaga kung paano naintindihan ng mga romantiko ang kanilang gawain, lahat sila, sa isang anyo o iba pa, ay nagpahayag dito ng hindi pagkakasundo sa katotohanan. Ang imahe ng isang malungkot na tao, nawala sa isang dayuhan at pagalit na mundo, isang pagtakas mula sa madilim na katotohanan tungo sa isang mundo ng hindi mararating na magagandang panaginip, isang marahas na protesta sa bingit ng nerbiyos na kaguluhan, pag-aalinlangan sa pagitan ng kadakilaan at kalungkutan, mistisismo at simula ng impyerno. - Ito ang globo ng mga imahe, na hindi kilala sa gawa ni Beethoven, na nasa sining ng musika ay unang natuklasan ng mga romantiko at binuo ng mga ito na may mataas na artistikong pagiging perpekto. Ang kabayanihan na optimistikong pananaw sa mundo ni Beethoven, ang kanyang kalmado, ang napakagandang paglipad ng pag-iisip na hindi kailanman nagiging pilosopiya ng kabilang mundo - lahat ng ito ay hindi napansin ng mga kompositor na nag-iisip na sila ang mga tagapagmana ni Beethoven. Kahit na kay Schubert, na, sa mas malaking lawak kaysa sa mga romantiko ng susunod na henerasyon, ay nagpapanatili ng pagiging simple, lupa, koneksyon sa sining ng katutubong buhay - kahit na sa kanya ang tuktok, ang mga klasikal na gawa ay pangunahing nauugnay sa isang mood ng kalungkutan at kalungkutan . Siya ang una sa Marguerite at the Spinning Wheel, The Wanderer, ang Winter Path cycle, ang Unfinished Symphony at marami pang ibang gawa upang lumikha ng imahe ng espirituwal na kalungkutan na naging tipikal para sa mga romantiko. Si Berlioz, na itinuturing ang kanyang sarili na isang kahalili sa mga kabayanihan na tradisyon ng Beethoven, gayunpaman ay nakuha sa kanyang mga symphony ang mga larawan ng malalim na kawalang-kasiyahan sa totoong mundo, na naghahangad para sa hindi maisasakatuparan, ang "kalungkutan sa mundo" ni Byron. Ang indikasyon sa ganitong kahulugan ay ang paghahambing ng "Pastoral Symphony" ni Beethoven sa "Scene in the Fields" ni Berlioz (mula sa "Fantastic"). Ang gawa ni Beethoven ay pinaypayan ng isang mood ng magaan na pagkakaisa, na puno ng pakiramdam ng pagsasama ng tao at kalikasan - Ang gawa ni Berlioz ay may anino ng madilim na indibidwalistikong pagmuni-muni. At kahit na ang pinaka-maayos at balanse sa lahat ng mga kompositor ng post-Beethoven era, si Mendelssohn ay hindi lumalapit sa optimismo at espirituwal na lakas ng Beethoven. Ang mundo kung saan ganap na nagkakasundo si Mendelssohn ay isang makitid na "maaliwalas" na maliit na mundo na hindi nakakaalam ng mga emosyonal na bagyo o maliwanag na pananaw ng pag-iisip.

Sa wakas, ihambing natin ang bayani ni Beethoven sa mga tipikal na bayani sa musika noong ika-19 na siglo. Sa halip na sina Egmont at Leonora - mga kabayanihan, aktibong personalidad, na may mataas na moral na prinsipyo, nakakatugon tayo sa mga hindi mapakali, hindi nasisiyahang mga karakter, na nag-aalinlangan sa pagitan ng mabuti at masama. Max mula sa Weber's Magic Shooter, Schumann's Manfred, Wagner's Tannhäuser, at marami pang iba ay nakikita sa ganitong paraan. Kung ang Florestan sa Schumann ay isang bagay na moral na mahalaga, kung gayon, una, ang imaheng ito mismo - nagngangalit, galit na galit, nagpoprotesta - ay nagpapahayag ng ideya ng matinding kawalang-interes sa labas ng mundo, ang quintessence ng mismong mood ng hindi pagkakasundo. Pangalawa, sa pinagsama-samang tungkol kay Eusebius, na nadala mula sa katotohanan patungo sa mundo ng isang hindi umiiral na magandang panaginip, siya ay nagpapakilala ng isang tipikal na split personality ng isang romantikong artista. Sa dalawang mapanlikhang mga martsa ng libing - ang "Heroic Symphony" ni Beethoven at ang "Twilight of the Gods" ni Wagner - ang diwa ng pagkakaiba sa pananaw sa mundo ng Beethoven at mga romantikong kompositor ay makikita na parang sa isang patak ng tubig. Para kay Beethoven, ang prusisyon ng libing ay isang yugto sa pakikibaka, na nagtatapos sa tagumpay ng mga tao at tagumpay ng katotohanan; sa Wagner, ang pagkamatay ng isang bayani ay sumisimbolo sa pagkamatay ng mga diyos at pagkatalo ng kabayanihan na ideya.

Ang malalim na pagkakaibang ito sa saloobin ay na-refracted sa isang tiyak na anyo ng musika, na bumubuo ng isang malinaw na linya sa pagitan ng artistikong istilo ng Beethoven at ng Romantics.

Ito ay nagpapakita ng sarili lalo na sa matalinghagang globo.

Ang pagpapalawak ng mga hangganan ng musikal na pagpapahayag ng mga romantiko ay sa isang malaking lawak na konektado sa globo ng hindi kapani-paniwala-nakamamanghang mga imahe na kanilang natuklasan. Para sa kanila, hindi ito isang subordinate, hindi isang random na globo, ngunit ang pinaka tiyak at orihinal- eksakto kung ano, sa isang malawak na pananaw sa kasaysayan, ang pangunahing nakikilala ang ika-19 na siglo mula sa lahat ng nakaraang panahon ng musika. Malamang, ang bansa ng magagandang fiction ay nagpakilala sa pagnanais ng artista na makatakas mula sa pang-araw-araw na nakakainip na katotohanan sa mundo ng isang hindi maabot na pangarap. Hindi rin mapag-aalinlanganan na sa sining ng musika ang pambansang kamalayan sa sarili, na napakahusay na umunlad sa panahon ng romantikismo (bilang resulta ng mga pambansang digmaan sa pagpapalaya sa simula ng siglo), ay nagpakita ng sarili sa isang mas mataas na interes sa pambansang alamat, napuno ng mga motif ng fairy tale.

Isang bagay ang tiyak: ang isang bagong salita sa operatic art noong ika-19 na siglo ay sinabi lamang nang sina Hoffmann, Weber, Marschner, Schumann, at pagkatapos nila - at sa isang partikular na mataas na antas - si Wagner ay nasira sa panimula sa mga makasaysayang mitolohiya at komedya na mga balangkas na ay hindi mapaghihiwalay mula sa musical theater classicism, at pinayaman ang mundo ng opera na may kamangha-manghang at maalamat na mga motif. Ang bagong wika ng romantikong symphonism ay nagmula din sa mga gawa na hindi maiiwasang nauugnay sa programa ng engkanto - sa "Oberonian" na mga pagpupursige nina Weber at Mendelssohn. Ang pagpapahayag ng romantikong pianism sa isang malaking lawak ay nagmula sa matalinghagang globo ng "Fantastic Pieces" o "Kreisleriana" ni Schumann, sa kapaligiran ng mga ballad ng Mickiewicz - Chopin, atbp., atbp. Ang napakalaking pagpapayaman ng makulay - harmonic at timbre - palette, na isa sa Ang pinakamahalagang pananakop ng sining ng mundo noong ika-19 na siglo, ang pangkalahatang pagpapalakas ng sensual na kagandahan ng mga tunog, na direktang naghihiwalay sa musika ng klasisismo mula sa musika ng panahon ng post-Beethoven - lahat ng ito ay pangunahing dahil sa hindi kapani-paniwala-nakamamanghang hanay ng mga imahe, na unang patuloy na binuo sa mga gawa noong ika-19 na siglo. Mula dito, sa isang malaking lawak, ang pangkalahatang kapaligiran ng tula, ang pagluwalhati sa senswal na kagandahan ng mundo, kung wala ang romantikong musika ay hindi maiisip, ay nagmula.

Si Beethoven, sa kabilang banda, ay lubhang alien sa kamangha-manghang globo ng mga imahe. Siyempre, sa mga tuntunin ng kapangyarihang patula, ang kanyang sining ay hindi mas mababa sa romantikong. Gayunpaman, ang mataas na ispiritwalidad ng pag-iisip ni Beethoven, ang kakayahan nitong magpatula ng iba't ibang aspeto ng buhay, ay hindi nauugnay sa mahiwagang, hindi kapani-paniwala, maalamat, hindi sa daigdig na mga mystical na imahe. Ang mga pahiwatig lamang ng mga ito ang maririnig sa ilang mga kaso, bukod pa rito, palagi silang sumasakop sa isang episodiko, at hindi nangangahulugang sentral na lugar sa pangkalahatang konsepto ng mga gawa, halimbawa, sa Presto mula sa Ikapitong Symphony o ang pangwakas ng Ika-apat. Ang huli (tulad ng isinulat namin sa itaas) ay tila si Tchaikovsky ay isang kamangha-manghang larawan mula sa mundo ng mga mahiwagang espiritu. Ang interpretasyong ito ay walang alinlangan na inspirasyon ng karanasan ng kalahating siglo ng pag-unlad ng musika pagkatapos ng Beethoven; Si Tchaikovsky, tulad nito, ay nag-proyekto ng musikal na sikolohiya ng huling bahagi ng ika-19 na siglo sa nakaraan. Ngunit kahit na tanggapin ngayon ang gayong "pagbasa" ng teksto ni Beethoven, hindi maaaring hindi makita ng isa kung magkano sa mga tuntunin ng kulay Ang finale ni Beethoven ay hindi gaanong maliwanag at kumpleto kaysa sa mga kamangha-manghang piraso ng mga romantiko, na sa kabuuan ay mas mababa sa kanya sa mga tuntunin ng laki ng talento at lakas ng inspirasyon.

Ito ang pamantayan ng colorism na nagbibigay-diin nang may partikular na kalinawan sa iba't ibang mga landas na sinusundan ng mga makabagong paghahanap ng Romantics at Beethoven. Kahit na sa mga gawa ng huli na istilo, sa unang sulyap, napakalayo mula sa klasikong bodega, ang harmonic at instrumental-timbre na wika ni Beethoven ay palaging mas simple, mas malinaw kaysa sa mga romantiko, sa isang mas malaking lawak ay nagpapahayag ng lohikal na pag-aayos ng prinsipyo ng musikal. pagpapahayag. Kapag lumihis siya sa mga batas ng classical functional harmony, ang paglihis na ito ay humahantong sa mga sinaunang, pre-classic na mga mode at polyphonic na istraktura kaysa sa kumplikadong functional na mga relasyon ng romantikong pagkakatugma at ang kanilang libreng polymelody. Siya ay hindi kailanman nagsusumikap para sa self-sufficient brilliance, density, luxury ng harmonic sounds, na bumubuo sa pinakamahalagang bahagi ng romantikong musikal na wika. Ang coloristic na simula sa Beethoven, lalo na sa mga susunod na piano sonatas, ay binuo sa isang napakataas na antas. Gayunpaman, hindi ito kailanman umabot sa isang nangingibabaw na halaga, hindi kailanman pinipigilan ang pangkalahatang konsepto ng tunog. At ang aktwal na istraktura ng isang gawaing musikal ay hindi kailanman nawawalan ng katangi-tangi, kaluwagan. Upang ipakita ang magkasalungat na aesthetic na adhikain ng Beethoven at ng Romantics, ihambing natin muli sina Beethoven at Wagner, ang kompositor na nagdala sa isang kasukdulan ng mga tipikal na tendensya ng romantikong paraan ng pagpapahayag. Si Wagner, na itinuring ang kanyang sarili na tagapagmana at kahalili ni Beethoven, sa maraming aspeto ay talagang inilapit sa kanyang ideal. Gayunpaman, ang kanyang sobrang detalyadong musikal na pananalita, na mayaman sa panlabas na timbre at mga kulay ng kulay, maanghang sa sensual na kagandahan nito, ay lumilikha ng epekto ng "monotony of luxury" (Rimsky-Korsakov), kung saan nawala ang kahulugan ng anyo at panloob na dinamika ng musika. . Para kay Beethoven, ang gayong kababalaghan ay sa panimula ay imposible.

Ang napakalaking distansya sa pagitan ng musikal na pag-iisip ng Beethoven at ang Romantics ay pantay na malinaw sa kanilang saloobin sa miniature na genre.

Sa loob ng balangkas ng maliit na silid, ang pag-iibigan ay umabot hanggang ngayon sa hindi pa nagagawang artistikong taas para sa ganitong uri ng sining. Ang bagong bodega ng ika-19 na siglong mga liriko, na nagpapahayag ng direktang emosyonal na pagbubuhos, intimate mood ng sandaling ito, dreaminess, ay perpektong nakapaloob sa isang kanta at isang one-movement na piyesa ng piano. Dito na nagpakita ang inobasyon ng mga romantiko lalo na nang nakakumbinsi, malaya, at matapang. Ang mga pag-iibigan nina Schubert at Schumann, "Musical Moments" at "Impromptu" ni Schubert, "Mga Kanta na Walang Salita" ni Mendelssohn, mga nocturnes at mazurkas ni Chopin, mga piyesa ng piano na may isang galaw ni Liszt, ang mga miniature ni Schumann at Chopin - lahat ng mga ito ay nagpapakilala sa mga bago at romantikong katangian. pag-iisip sa musika at napakahusay na sumasalamin sa indibidwalidad ng kanilang mga lumikha. Ang pagkamalikhain alinsunod sa mga sonata-symphonic classical na tradisyon ay mas mahirap para sa mga romantikong kompositor, na bihirang maabot ang artistikong panghihikayat at pagkakumpleto ng istilo na nagpapakilala sa kanilang mga one-movement na piraso. Bukod dito, ang mga prinsipyo ng paghubog, tipikal ng miniature, ay patuloy na tumagos sa mga symphonic cycle ng Romantics, na radikal na nagbabago ng kanilang tradisyonal na hitsura. Kaya, halimbawa, ang "Unfinished Symphony" ni Schubert ay sumisipsip ng mga pattern ng pagsulat ng romansa; ito ay hindi nagkataon na ito ay nanatiling "hindi natapos", iyon ay, dalawang bahagi. Ang "Fantastic" Berlioz ay itinuturing bilang isang napakalaking overgrown cycle ng mga liriko na miniature. Si Heine, na tinawag si Berlioz na "isang lark na kasing laki ng isang agila," ay sensitibong nahuli ang kontradiksyon na likas sa kanyang musika sa pagitan ng mga panlabas na anyo ng mga monumental na sonata at ang kaisipan ng kompositor, na nakikitungo sa miniature. Schumann, kapag siya ay lumiko sa cyclic symphony, sa isang malaking lawak ay nawawala ang sariling katangian ng romantikong artist, na kung saan ay napakalinaw na ipinakita sa kanyang mga piyesa ng piano at romansa. Ang symphonic na tula, na sumasalamin hindi lamang sa malikhaing imahe ni Liszt mismo, kundi pati na rin sa pangkalahatang artistikong istraktura ng kalagitnaan ng ika-19 na siglo, kasama ang lahat ng malinaw na ipinahayag na pagnanais na mapanatili ang pangkalahatang symphonic na istraktura ng pag-iisip na katangian ng Beethoven, ay pangunahing tinataboy mula sa isang parte mga konstruksyon ng mga romantiko, mula sa makulay at variational na libreng pamamaraan ng paghubog ng katangian niya, atbp., atbp.

Sa gawa ni Beethoven ay may diametrically opposite tendency. Siyempre, ang pagkakaiba-iba, pagkakaiba-iba, kayamanan ng mga paghahanap ni Beethoven ay napakahusay na hindi mahirap makahanap ng mga miniature na gawa sa kanyang legacy. Gayunpaman, imposibleng hindi makita na ang mga komposisyon ng ganitong uri ay sumasakop sa isang subordinate na posisyon sa Beethoven, na nagbubunga, bilang isang panuntunan, sa artistikong halaga sa malakihan, mga sonata genre. Ni ang bagatelles, o ang "German Dances", o ang mga kanta ay hindi maaaring magbigay ng ideya ng artistikong indibidwalidad ng kompositor, na napakatalino na nagpakita ng kanyang sarili sa larangan ng monumental na anyo. Ang cycle ni Beethoven na "To a Distant Beloved" ay wastong itinuro bilang isang prototype ng hinaharap na mga romantikong cycle. Ngunit gaano kababa ang musikang ito sa mga tuntunin ng inspirasyon, thematic brightness, melodic richness hindi lamang sa Schubert at Schumann cycle, kundi pati na rin sa mga sonata na gawa ni Beethoven mismo! Anong kahanga-hangang melodiousness ang taglay ng ilan sa kanyang mga instrumental na tema, lalo na sa mga gawa ng huli na istilo. Alalahanin natin, halimbawa, si Andante mula sa mabagal na paggalaw ng Ninth Symphony, Adagio mula sa Tenth Quartet, Largo mula sa Seventh Sonata, Adagio mula sa Ikadalawampu't siyam na Sonata, pati na rin ang walang katapusang bilang ng iba pa. Sa vocal miniatures ni Beethoven, ang gayong yaman ng melodic na inspirasyon ay halos hindi na matagpuan. Kasabay nito, ito ay katangian na sa loob ng balangkas ng instrumental cycle, bilang elemento ng istruktura ng sonata cycle at ang dramaturhiya nito, Madalas na nilikha ni Beethoven ang mga natapos na miniature, na namumukod-tangi sa kanilang agarang kagandahan at pagpapahayag. Ang mga halimbawa ng ganitong uri ng mga miniature na komposisyon na gumaganap ng papel ng isang episode sa isang cycle ay walang katapusan sa mga scherzo at minuet ng mga sonata, symphony, at quartets ni Beethoven.

At higit pa sa huli na panahon ng pagkamalikhain (ibig sabihin, sinisikap nilang ilapit siya sa romantikong sining) Si Beethoven ay nahilig sa mga engrande, monumental na mga canvases. Totoo, sa panahong ito nilikha niya ang "Bagateli" op. 126, na sa kanilang mga tula at pagka-orihinal ay tumataas sa lahat ng iba pang mga gawa ng Beethoven sa anyo ng isang bahaging miniature. Ngunit imposibleng hindi makita na ang mga miniature na ito para sa Beethoven ay isang natatanging kababalaghan na hindi nakahanap ng pagpapatuloy sa kanyang kasunod na gawain. Sa kabaligtaran, ang lahat ng mga gawa ng huling dekada sa buhay ni Beethoven - mula sa mga sonata ng piano (No. 28, 29, 30, 31, 32) hanggang sa Solemn Mass, mula sa Ninth Symphony hanggang sa huling quartets - na may pinakamataas na artistikong kapangyarihan pagtibayin ang kanyang monumental at marilag na pag-iisip. , ang pagkahilig nito sa engrande, "kosmiko" na kaliskis, na nagpapahayag ng isang napakahusay na abstract na matalinghagang globo.

Ang paghahambing ng papel na ginagampanan ng miniature sa akda ni Beethoven at ng Romantics ay lalong nagiging malinaw kung gaano alien (o nabigo) ang huli sa saklaw ng abstract na pilosopikal na pag-iisip, na lubos na katangian ng Beethoven sa kabuuan, at sa partikular. para sa mga gawa ng susunod na panahon.

Alalahanin natin kung gaano pare-pareho ang pagkahumaling ni Beethoven sa polyphony sa buong karera niya. Sa huling yugto ng pagkamalikhain, ang polyphony ay naging pinakamahalagang anyo ng pag-iisip para sa kanya, isang katangian ng istilo. Sa buong pagsang-ayon sa pilosopikal na oryentasyon ng pag-iisip, ang matalas na interes ni Beethoven sa huling panahon sa quartet ay nakikita - isang genre na, tiyak sa kanyang sariling gawa, ay binuo bilang isang exponent ng isang malalim na intelektwal na simula.

Inspirado at lasing sa liriko na damdamin, ang mga yugto ng huli na Beethoven, kung saan ang mga kasunod na henerasyon, hindi nang walang dahilan, ay nakita ang prototype ng mga romantikong lyrics, bilang panuntunan, ay balanse ng layunin, kadalasang abstractly polyphonic na mga bahagi. Ipahiwatig man lang natin ang relasyon sa pagitan ng Adagio at ng polyphonic finale sa Twenty-ninth Sonata, ang final fugue at lahat ng naunang materyal sa Thirty-first. Ang mga libreng cantilena melodies ng mabagal na bahagi, na kadalasang talagang umaalingawngaw sa liriko na melodiousness ng mga romantikong tema, ay lumalabas sa huli na Beethoven na napapalibutan ng abstract, puro abstract na materyal. Ascetically grabe, madalas linear sa istraktura, walang kanta at melodic motifs, ang mga temang ito, madalas sa polyphonic repraksyon, inilipat ang sentro ng artistikong gravity ng trabaho mula sa mabagal melodic na bahagi. At ito ay lumalabag na sa romantikong imahe ng lahat ng musika. Kahit na ang mga huling pagkakaiba-iba ng huling sonata ng piano, na nakasulat sa "Arietta", na, sa ibabaw, ay napaka nakapagpapaalaala sa isang miniature ng Romantics, na humahantong sa napakalayo mula sa intimate lyrical sphere, sa pakikipag-ugnay sa kawalang-hanggan, kasama ang marilag na kosmiko. mundo.

Sa musika ng Romantics, gayunpaman, ang kaharian ng abstract na pilosopikal ay lumalabas na nasa ilalim ng emosyonal, liriko na elemento. Alinsunod dito, ang mga nagpapahayag na posibilidad ng polyphony ay makabuluhang mas mababa sa harmonic colorfulness. Ang mga kontrapuntal na yugto ay karaniwang bihira sa mga gawa ng Romantics, at kapag nangyari ang mga ito, mayroon silang ganap na kakaibang hitsura kaysa sa tradisyonal na polyphony, na may katangiang espirituwal na istruktura. Kaya, sa "Sabbat of Witches" mula sa "Fantastic Symphony" ni Berlioz, sa sonata ni Liszt sa b-moll, ang mga diskarte sa fugue ay ang nagdadala ng isang Mephistopheles, nakakatakot na sarkastikong imahe, at hindi sa lahat ng kahanga-hangang pagmumuni-muni na kaisipan na nagpapakilala sa polyphony ng late Beethoven at, tandaan namin sa pagpasa, Bach o Palestrina.

Walang sinasadya sa katotohanang wala sa mga romantiko ang nagpatuloy sa artistikong linya na binuo ni Beethoven sa kanyang quartet letter. Ang Berlioz, Liszt, Wagner ay "contra-indicated" para sa genre ng chamber na ito mismo, kasama ang panlabas na pagpigil, ang kumpletong kawalan ng "oratorical pose" at iba't-ibang, at ang monotonous timbre coloring. Ngunit kahit na ang mga kompositor na lumikha ng magagandang musika sa loob ng balangkas ng quartet sound ay hindi rin sumunod sa landas ng Beethovenian. Sa quartets ng Schubert, Schumann, Mendelssohn, nangingibabaw ang emosyonal at makulay na pang-unawa sa mundo sa puro pag-iisip. Sa kanilang buong hitsura, mas malapit sila sa symphonic at piano-sonata kaysa sa quartet writing ni Beethoven, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang "hubad" na lohika ng pag-iisip at dalisay na espirituwalidad sa kapinsalaan ng drama at ang agarang accessibility ng thematism.

May isa pang mahalagang tampok na pangkakanyahan na malinaw na naghihiwalay sa istruktura ng pag-iisip ni Beethoven mula sa romantikong, katulad ng "lokal na kulay", na unang natuklasan ng Romantics at bumubuo ng isa sa mga pinakakapansin-pansing pananakop ng musika noong ika-19 na siglo.

Ang tampok na ito ng estilo ay hindi kilala sa musikal na pagkamalikhain ng panahon ng klasisismo. Siyempre, ang mga elemento ng alamat ay palaging nakapasok nang malawak sa gawain ng propesyonal na kompositor sa Europa. Gayunpaman, bago ang panahon ng romantikismo, sila, bilang isang patakaran, ay natunaw sa mga unibersal na pamamaraan ng pagpapahayag, sinunod ang mga batas ng karaniwang wikang musikal sa Europa. Kahit na sa mga kaso kung saan ang mga larawan sa espesipikong yugto ng opera ay nauugnay sa kulturang extra-European at katangiang lokal na kulay (halimbawa, mga larawang "janissary" sa mga comic opera noong ika-18 siglo o ang tinatawag na "Indian" ni Rameau), ang wikang musikal mismo ay hindi lumampas sa balangkas ng isang pinag-isang istilong European. At simula lamang sa ikalawang dekada ng ika-19 na siglo, ang lumang alamat ng mga magsasaka ay nagsimulang patuloy na tumagos sa mga gawa ng mga romantikong kompositor, at sa ganoong anyo na espesyal na binibigyang diin at itinakda ang kanilang pambansa at orihinal na mga tampok.

Kaya, ang maliwanag na artistikong pagka-orihinal ng Weber's "Magic Shooter" ay nauugnay sa mga katangian na intonasyon ng alamat ng Aleman at Czech sa parehong lawak tulad ng sa hindi kapani-paniwala-nakamamanghang bilog ng mga imahe. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng mga klasikong opera ng Italyano ni Rossini at ng kanyang "William Tell" ay nakasalalay sa katotohanan na ang musikal na tela ng tunay na romantikong opera na ito ay puno ng lasa ng alamat ng Tyrolean. Sa mga romansa ni Schubert, ang pang-araw-araw na awiting Aleman sa unang pagkakataon ay "naalis" mula sa mga patong ng dayuhang Italian operatic na "lacquer" at kumikinang sa mga sariwang melodic na liko na hiniram mula sa araw-araw na tumutunog na multinational na mga kanta ng Vienna; kahit ang mga symphonic melodies ni Haydn ay nakatakas sa pagka-orihinal ng lokal na pangkulay. Ano kaya ang Chopin kung walang Polish folk music, Liszt kung walang Hungarian verbunkos, Smetana at Dvořák kung walang Czech folklore, Grieg kung walang Norwegian? Kahit na ngayon ay iniwan namin ang paaralang pangmusika ng Russia, isa sa pinakamahalaga sa musika noong ika-19 na siglo, na hindi mapaghihiwalay sa mga pambansang detalye nito. Ang pagkulay sa mga gawa sa isang natatanging pambansang kulay, ang mga koneksyon sa alamat ay iginiit ang isa sa mga pinaka-katangiang katangian ng romantikong istilo sa musika.

Ang Beethoven ay nasa kabilang panig ng hangganan. Tulad ng mga nauna sa kanya, ang prinsipyo ng katutubong sa kanyang musika ay halos palaging lumilitaw bilang malalim na namamagitan at nagbabago. Minsan sa magkahiwalay, literal na nakahiwalay, mga kaso, si Beethoven mismo ay nagpapahiwatig na ang kanyang musika ay "sa espiritu ng Aleman" (alla tedesca). Ngunit mahirap na hindi mapansin na ang mga gawang ito (o, sa halip, mga indibidwal na bahagi ng mga gawa) ay walang anumang nakikitang lokal na pangkulay. Ang mga tema ng alamat ay hinabi sa pangkalahatang tela ng musika na ang kanilang pambansa at orihinal na mga tampok ay napapailalim sa wika ng propesyonal na musika. Kahit na sa tinatawag na "Russian quartets", kung saan ginagamit ang mga tunay na katutubong tema, binuo ni Beethoven ang materyal sa paraang unti-unting natatakpan ang pambansang pagtitiyak ng alamat, na sumasama sa karaniwang "mga pagliko ng pagsasalita" ng European sonata- istilong instrumental.

Kung ang modal originality ng thematism ay naiimpluwensyahan ang buong istraktura ng musika ng mga bahaging ito ng quartet, kung gayon ang mga impluwensyang ito, sa anumang kaso, ay malalim na muling ginawa at hindi direktang nakikita sa tainga, tulad ng kaso sa mga kompositor ng romantiko o pambansa-demokratikong mga paaralan noong ika-19 na siglo. At ang punto ay hindi sa lahat na hindi naramdaman ni Beethoven ang pagka-orihinal ng mga temang Ruso. Sa kabaligtaran, ang kanyang mga pagsasaayos ng English, Irish, Scottish na mga kanta ay nagsasalita ng kamangha-manghang sensitivity ng kompositor sa katutubong pag-iisip. Ngunit sa loob ng balangkas ng kanyang artistikong istilo, hindi mapaghihiwalay mula sa instrumental na pag-iisip ng sonata, ang lokal na kulay ay hindi interesado kay Beethoven, ay hindi nakakaapekto sa kanyang artistikong kamalayan. At ito ay nagpapakita ng isa pang pangunahing mahalagang aspeto na naghihiwalay sa kanyang trabaho mula sa musika ng "romantikong edad".

Sa wakas, ang pagkakaiba-iba sa pagitan ng Beethoven at Romantics ay ipinakita din na may kaugnayan sa masining na prinsipyo, na, ayon sa tradisyon, mula noong mga pananaw sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, ay itinuturing na pinakamahalagang punto ng pagkakapareho sa pagitan nila. Pinag-uusapan natin ang tungkol sa programming, na siyang pundasyon ng romantikong aesthetics sa musika.

Ang mga romantikong kompositor ay matigas ang ulo na tinawag si Beethoven bilang tagalikha ng musika ng programa, na nakikita siya bilang kanilang hinalinhan. Sa katunayan, ang Beethoven ay may dalawang kilalang mga gawa, ang nilalaman kung saan tinukoy mismo ng kompositor sa tulong ng salita. Ang mga gawang ito - ang Ika-anim at Ika-siyam na Symphony - na itinuturing ng mga romantiko bilang personipikasyon ng kanilang sariling masining na pamamaraan, bilang bandila ng bagong programa ng musika ng "romantic age". Gayunpaman, kung titingnan natin ang problemang ito nang walang kinikilingan, kung gayon hindi mahirap makita na ang programming ni Beethoven ay lubos na naiiba sa programming ng romantikong paaralan. At higit sa lahat, dahil ang kababalaghan, para sa Beethoven, pribado at hindi tipikal, sa musika ng romantikong istilo ay naging isang pare-pareho, mahalagang prinsipyo.

Ang mga romantiko noong ika-19 na siglo ay nangangailangan ng programming bilang isang salik na mabungang mag-aambag sa pagbuo ng kanilang bagong istilo. Sa katunayan, ang mga overture, symphony, symphonic na tula, mga cycle ng mga piyesa ng piano - lahat ng likas na programmatic - ay bumubuo ng pangkalahatang kinikilalang kontribusyon ng Romantics sa larangan ng instrumental na musika. Gayunpaman, kung ano ang bago at katangiang romantiko dito ay hindi masyadong nakakaakit sa mga extra-musical na asosasyon, mga halimbawa kung saan tumatagos ang buong kasaysayan ng European musical creativity, Ilan pampanitikan ang kalikasan ng mga asosasyong ito. Lahat ng mga romantikong kompositor ay nahilig kontemporaryong panitikan, dahil ang mga partikular na larawan at ang pangkalahatang emosyonal na istruktura ng pinakabagong liriko na tula, fairy-tale epic, sikolohikal na nobela ay nakatulong sa kanila na palayain ang kanilang mga sarili mula sa panggigipit ng mga hindi na ginagamit na mga tradisyong klasiko at "maghanap" para sa kanilang sariling mga bagong anyo ng pagpapahayag. Alalahanin natin kung ano ang pangunahing mahalagang papel na ginampanan para sa Fantastic Symphony ni Berlioz sa pamamagitan ng mga larawan ng nobela ni De Quincey - "The Diary of an Opium Smoker" ni Musset, ang mga eksena ng "Walpurgis Night" - mula sa "Faust" ni Goethe, sa kuwento ni Hugo "Ang Huling Araw ng Hinatulan" at iba pa. Ang musika ni Schumann ay direktang inspirasyon ng mga gawa nina Jean Paul at Hoffmann, ang mga romansa ni Schubert ay inspirasyon ng liriko na tula ng Goethe, Schiller, Müller, Heine, atbp. Ang epekto ni Shakespeare ay "muling natuklasan" ng mga romantiko sa bagong musika ng ika-19 siglo ay halos hindi ma-overestimated. Nararamdaman ito sa buong panahon ng post-Beethoven, simula sa Weber's Oberon, Mendelssohn's A Midsummer Night's Dream, Berlioz's Romeo and Juliet, at nagtatapos sa sikat na overture ni Tchaikovsky sa parehong paksa. Lamartine, Hugo at Liszt; ang hilagang alamat ng mga romantikong makata at ang Der Ring des Nibelungen ni Wagner; Byron at "Harold sa Italya" ni Berlioz, "Manfred" ni Schumann; Eskriba at Meyerbeer; Apel at Weber, atbp., atbp. - Ang bawat pangunahing artistikong personalidad ng henerasyong post-Beethoven ay natagpuan ang bagong sistema ng mga imahe sa ilalim ng direktang impluwensya ng pinakabago o bukas na modernidad ng panitikan. "Renewal ng musika sa pamamagitan ng koneksyon sa tula" - ito ay kung paano Liszt formulated ito pinakamahalagang trend ng romantikong panahon sa musika.

Si Beethoven, sa kabuuan, ay dayuhan sa programming. Maliban sa Sixth at Ninth symphony, lahat ng iba pang instrumental na gawa ni Beethoven (higit sa 150) ay ang klasikong tugatog ng musika sa tinatawag na "absolute" na istilo, tulad ng mga quartet at symphony ng mature na Haydn at Mozart. Ang kanilang istraktura ng intonasyon at ang mga prinsipyo ng pagbuo ng sonata ay nagsasanay sa isang siglo at kalahating karanasan sa nakaraang pag-unlad ng musika. Samakatuwid, ang epekto ng kanyang thematic at sonata development ay madalian, available sa publiko at hindi nangangailangan ng extra-musical associations para sa buong pagsisiwalat ng imahe. Kapag si Beethoven ay bumaling sa programming, lumalabas na ito ay ganap na naiiba mula sa mga kompositor ng romantikong paaralan.

Kaya, ang Ninth Symphony, na gumagamit ng patula na teksto ng ode ni Schiller na "To Joy", ay hindi talaga isang symphony ng programa sa tamang kahulugan ng salita. Ito ay isang gawa ng natatanging anyo, na pinagsasama ang dalawang independiyenteng genre. Ang una ay isang malakihang symphonic cycle (nang walang finale), na, sa lahat ng mga detalye ng pampakay at paghubog, ay magkadugtong sa "ganap" na istilong tipikal ng Beethoven. Ang pangalawa ay isang choral cantata batay sa teksto ni Schiller, na bumubuo sa napakalaking paghantong ng buong akda. Siya lang ang lilitaw pagkatapos kung paano naubos ang sarili ng instrumental sonata development. Ang mga romantikong kompositor, na pinagsilbihan ni Beethoven's Ninth bilang isang modelo, ay hindi sumunod sa landas na ito. Ang kanilang vocal music na may salita, bilang panuntunan, ay nakakalat sa buong canvas ng trabaho, na gumaganap ng papel ng isang concretizing program. Ito ay kung paano, halimbawa, ang Romeo at Juliet ni Berlioz ay binuo, isang uri ng hybrid ng orkestra na musika at teatro. At sa mga symphony ng "Laudatory" at "Reformation" ni Mendelssohn, at nang maglaon sa Ikalawa, Ikatlo at Ikaapat ni Mahler, ang vocal music na may isang salita ay wala sa genre na kalayaan na nagpapakilala sa ode ni Beethoven sa teksto ni Schiller.

Ang "Pastoral Symphony" ay mas malapit sa mga panlabas na anyo ng programming sa mga sonata-symphonic na gawa ng mga romantiko. At kahit na si Beethoven mismo ay nagpapahiwatig sa marka na ang "mga alaala ng buhay sa kanayunan" ay "mas isang pagpapahayag ng kalooban kaysa sa tunog na pagpipinta," gayunpaman, ang mga partikular na asosasyon ng plot ay napakalinaw dito. Totoo, hindi sila gaanong kaakit-akit gaya ng karakter sa entablado ng opera. Ngunit ito ay tiyak sa malalim na koneksyon sa musikal na teatro na ang lahat ng natatanging pagtitiyak ng programmatic na kalikasan ng Sixth Symphony ay nagpapakita mismo.

Hindi tulad ng mga romantiko, si Beethoven ay ginagabayan dito hindi ng isang ganap na bagong sistema ng artistikong pag-iisip para sa musika, na, gayunpaman, pinamamahalaang upang ipakita ang sarili sa pinakabagong panitikan. Siya ay umaasa sa "Pastoral Symphony" sa naturang makasagisag na sistema, na (tulad ng ipinakita natin sa itaas) ay matagal nang ipinakilala sa kamalayan ng parehong mga musikero at mga mahilig sa musika.

Bilang isang resulta, ang mismong mga anyo ng musikal na pagpapahayag sa Pastoral Symphony, para sa lahat ng kanilang pagka-orihinal, ay sa malaking lawak batay sa mahusay na itinatag na mga complex ng intonasyon; hindi nakakubli sa kanila ang mga bagong purong Beethovenian na thematic formations na lumalabas laban sa kanilang background. Mayroong tiyak na impresyon na sa Sixth Symphony, sinasadya ni Beethoven na i-refract sa pamamagitan ng prisma ng kanyang bagong symphonic style ang mga imahe at anyo ng pagpapahayag ng musikal na teatro ng Enlightenment.

Sa kakaibang orus "om na ito, ganap na naubos ni Beethoven ang kanyang interes sa instrumental programming proper. Sa susunod na dalawampung (!) Taon - at humigit-kumulang sampu sa mga ito ay nag-tutugma sa huli na panahon ng istilo - hindi siya lumikha ng isang trabaho na may concretizing heading at malinaw. extra-musical associations sa paraan ng "Pastoral Symphony" *.

* Noong 1809-1810, iyon ay, sa panahon sa pagitan ng Appassionata at ang una sa mga huling sonata, na nailalarawan sa paghahanap ng isang bagong landas sa larangan ng musikang piano, isinulat ni Beethoven ang Ikadalawampu't anim na sonata, na pinagkalooban ng mga pamagat ng programa. ("Les Adieux", "L" absence " , "La Retour"). Ang mga pamagat na ito ay may napakakaunting epekto sa istruktura ng musika sa kabuuan, sa tema at pag-unlad nito, na pinipilit ang isa na alalahanin ang uri ng programa noon. natagpuan sa German instrumental music bago ang pagkikristal ng klasikong sonata-symphonic na istilo, sa partikular, sa mga unang quartet at symphony ng Haydn.

Ito ang mga pangunahing, pangunahing sandali ng pagkakaiba-iba sa pagitan ng Beethoven at ng mga kompositor ng romantikong paaralan. Ngunit bilang isang karagdagang anggulo sa problemang iniharap dito, bigyang-pansin natin ang katotohanan na ang mga kompositor ng huling bahagi ng ika-19 na siglo at ng ating kasalukuyang panahon ay "narinig" ang gayong mga aspeto ng sining ni Beethoven, kung saan ang mga romantiko noong huling siglo ay " bingi".

Kaya, ang apela ng yumaong Beethoven sa mga lumang mode (op. 132, Solemn Mass) ay umaasa na higit pa sa classical major-minor tonal system, na napaka tipikal ng musika ng ating panahon sa pangkalahatan. Ang ugali, na likas sa mga polyphonic na gawa ng mga huling taon ni Beethoven, na lumikha ng isang imahe hindi sa pamamagitan ng intonational na pagkakumpleto at direktang kagandahan ng thematic art mismo, ngunit sa pamamagitan ng kumplikadong multi-stage development ng kabuuan, batay sa "abstract" na mga tema, ay nagpakita rin ng sarili sa maraming mga paaralan ng kompositor ng ating siglo, simula sa Reger. Ang pagkahilig patungo sa isang linear na texture, patungo sa isang polyphonic development ay umaalingawngaw sa mga modernong neoclassical na anyo ng pagpapahayag. Ang istilo ng quartet ni Beethoven, na hindi nakahanap ng pagpapatuloy sa mga Kanluraning romantikong kompositor, ay muling binuhay sa kakaibang paraan sa ating mga araw sa gawain ni Bartok, Hindemith, Shostakovich. At sa wakas, pagkatapos ng kalahating siglo sa pagitan ng Beethoven's Ninth at ng mga symphony ng Brahms at Tchaikovsky, ang monumental na pilosopikal na symphonism ay "nabuhay muli", na isang hindi matamo na ideal para sa mga kompositor ng kalagitnaan at ikatlong quarter ng huling siglo. Sa gawain ng mga natitirang master ng ika-20 siglo, sa mga symphonic na gawa nina Mahler at Shostakovich, Stravinsky at Prokofiev, Rachmaninov at Honegger, nabubuhay ang isang marilag na espiritu, isang pangkalahatang pag-iisip, malakihang mga konsepto na katangian ng sining ni Beethoven.

Sa loob ng isang daan o isang daan at limampung taon, mas lubos na mahuhuli ng kritiko sa hinaharap ang buong multiplicity ng facet ng akda ni Beethoven at suriin ang kanyang kaugnayan sa iba't ibang artistikong paggalaw ng mga sumunod na panahon. Ngunit kahit ngayon ay malinaw sa atin: Ang impluwensya ni Beethoven sa musika ay hindi limitado sa mga koneksyon sa romantikong paaralan. Kung paanong si Shakespeare, na natuklasan ng mga romantiko, ay lumampas sa mga hangganan ng "romantikong panahon", hanggang ngayon ay nagbibigay-inspirasyon at nagpapabunga sa mga pangunahing malikhaing pagtuklas sa panitikan at teatro, kaya naman si Beethoven, na minsang itinaas sa kalasag ng mga romantikong kompositor, ay hindi tumitigil sa humanga sa bawat bagong henerasyon ng kanyang pagkakatugma sa mga advanced na ideya at paghahanap ng modernidad.

Ang mga klasikong Viennese ay pumasok sa kasaysayan ng musika sa mundo bilang mga pangunahing repormador. Ang kanilang gawain ay hindi lamang natatangi sa sarili nito, ito rin ay mahalaga dahil ito ang nagpasiya sa karagdagang pag-unlad ng musikal na teatro, genre, istilo at uso. Ang kanilang mga komposisyon ay naglatag ng pundasyon para sa ngayon ay itinuturing na klasikal na musika.

Pangkalahatang katangian ng panahon

Ang mga may-akda na ito ay nagkakaisa sa pamamagitan ng katotohanan na sila ay nagtrabaho sa turn ng dalawang pangunahing kultural at historikal na panahon: klasiko at romantikismo. Ang mga klasikong Viennese ay nabuhay sa panahon ng paglipat, kung kailan nagkaroon ng aktibong paghahanap ng mga bagong anyo hindi lamang sa musika, kundi pati na rin sa fiction, pagpipinta, at arkitektura. Ang lahat ng ito ay higit na nagtatakda ng direksyon ng kanilang mga gawain at ang mga problema ng mga sulatin. Ang ika-18 - ang unang kalahati ng ika-19 na siglo ay minarkahan ng mga seryosong kaguluhan sa pulitika, mga digmaan na literal na nakabaligtad sa mapa ng Europa at nagkaroon ng malakas na epekto sa isipan ng mga modernong intelihente at mga edukadong lupon ng lipunan. Ang mga klasikong Vienna ay walang pagbubukod. Halimbawa, ito ay isang kilalang katotohanan na ang mga digmaang Napoleoniko ay lubos na nakaimpluwensya sa gawain ni Beethoven, na, sa kanyang sikat na ika-9 na symphony ("Choral"), ay may hawak na ideya ng unibersal na pagkakaisa at kapayapaan. Ito ay isang uri ng pagtugon sa lahat ng mga sakuna na yumanig sa kontinente ng Europa noong panahong isinasaalang-alang natin.

Buhay sa kultura

Ang mga klasikong Viennese ay nabuhay sa isang panahon kung kailan ang baroque ay kumupas sa background, at isang bagong direksyon ang nagsimulang gumanap ng isang nangungunang papel. Nagsumikap ito para sa pagkakatugma ng mga anyo, pagkakaisa ng komposisyon, at samakatuwid ay tinalikuran ang mga kahanga-hangang anyo ng nakaraang panahon. Sinimulan ng klasiko na matukoy ang imahe ng kultura ng maraming mga estado sa Europa. Ngunit sa parehong oras, kahit na noon ay may posibilidad na pagtagumpayan ang matibay na mga anyo ng kalakaran na ito at lumikha ng mga malalakas na gawa na may mga elemento ng drama at kahit na trahedya. Ito ang mga unang palatandaan ng paglitaw ng romantikismo, na tumutukoy sa pag-unlad ng kultura ng buong ika-19 na siglo.

Reporma sa opera

Ang mga klasikong Viennese ay gumanap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng lahat ng mga genre ng musika sa panahong sinusuri. Ang bawat isa sa kanila, wika nga, ay nagdadalubhasa sa isang istilo o anyo ng musika, ngunit ang lahat ng kanilang mga nagawa ay kasama sa gintong pondo ng musika sa mundo. Si Gluck (composer) ang pinakamalaki at isa sa pinakasikat na kompositor sa kanyang panahon. Mahirap na labis na timbangin ang kanyang papel sa pag-unlad ng teatro: pagkatapos ng lahat, siya ang nagbigay sa genre ng opera ng tapos na anyo kung saan alam natin ito ngayon. Ang merito ni Christopher Gluck ay siya ang unang lumayo sa pag-unawa sa opera bilang isang gawa upang ipakita ang mga kakayahan sa boses, ngunit isinailalim ang prinsipyo ng musika sa dramaturgy.

Ibig sabihin

Si Gluck ang kompositor na ginawang tunay na pagganap ang opera. Sa kanyang mga gawa, pati na rin sa mga gawa ng kanyang mga tagasunod, ang mga vocal ay nagsimulang umasa nang malaki sa salita. Ang balangkas at komposisyon, at pinaka-mahalaga - ang drama, ay nagsimulang matukoy ang pagbuo ng linya ng musikal. Kaya, ang opera ay tumigil na maging isang eksklusibong nakakaaliw na genre, ngunit naging isang seryosong uri ng paglikha ng musika na may kumplikadong dramaturhiya, mga karakter na kawili-wili sa sikolohikal, at isang mapang-akit na komposisyon.

Mga gawa ng kompositor

Ang Viennese classical school ang naging batayan ng buong mundong teatro ng musikal. Malaki ang kredito para dito kay Gluck. Ang kanyang opera na Orpheus at Eurydice ay isang pambihirang tagumpay sa genre na ito. Sa loob nito, ang may-akda ay hindi nakatuon sa kahusayan ng pagganap, ngunit sa drama ng mga karakter, salamat sa kung saan ang gawain ay nakatanggap ng ganoong tunog at ginagawa pa rin. Ang isa pang opera - "Alceste" - ay isa ring bagong salita sa mundo ng musika. Ang kompositor ng Austrian ay muling nagbigay-diin sa pag-unlad ng storyline, salamat sa kung saan ang trabaho ay nakatanggap ng isang malakas na sikolohikal na pangkulay. Ang gawain ay ginagawa pa rin sa pinakamahusay na mga yugto ng mundo, na nagpapahiwatig na ang reporma ng genre ng opera na isinagawa ni Gluck ay may pangunahing kahalagahan para sa ebolusyon ng musikal na teatro sa kabuuan at tinutukoy ang karagdagang pag-unlad ng opera sa direksyon na ito.

Ang susunod na yugto ng pag-unlad

Ang Austrian kompositor na si Haydn ay kabilang din sa sikat na kalawakan ng mga may-akda na gumawa ng malaking kontribusyon sa repormasyon ng mga genre ng musika. Kilala siya bilang tagalikha ng mga symphony at quartets. Salamat sa kanila, ang maestro ay nakakuha ng malawak na katanyagan hindi lamang sa mga bansa sa Gitnang Europa, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang pinakakilala ay ang kanyang mga gawa, na pumasok sa repertoire ng mundo sa ilalim ng pangalang "Twelve London Symphonies". Ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng optimismo at kagalakan, na, gayunpaman, ay katangian ng halos lahat ng mga gawa ng kompositor na ito.

Mga tampok ng pagkamalikhain

Ang isang katangian ng mga gawa ni Joseph Haydn ay ang kanilang koneksyon sa alamat. Sa mga gawa ng kompositor, madalas marinig ng isang tao ang mga motif ng kanta at sayaw, na naging dahilan upang makilala ang kanyang gawa. Sinasalamin nito ang saloobin ng may-akda, na ginaya si Mozart sa maraming paraan, na isinasaalang-alang siya ang pinakamahusay na kompositor sa mundo. Mula sa kanya, humiram siya ng masayang magaan na melodies, na ginawa ang kanyang trabaho na hindi karaniwang nagpapahayag at maliwanag sa tunog.

Iba pang mga gawa ng may-akda

Ang mga opera ni Haydn ay hindi kasing sikat ng kanyang mga quartet at symphony. Gayunpaman, ang genre ng musikal na ito ay sumasakop sa isang kilalang lugar sa gawain ng kompositor ng Austrian, kaya ang isang bilang ng kanyang mga gawa ng ganitong uri ay dapat banggitin, lalo na dahil ang mga ito ay isang makabuluhang yugto sa kanyang malikhaing talambuhay. Ang isa sa kanyang mga opera ay tinatawag na The Apothecary at isinulat para sa pagbubukas ng isang bagong teatro. Gumawa din si Haydn ng ilang higit pang mga gawa ng ganitong uri para sa mga bagong gusali ng teatro. Sumulat siya pangunahin sa istilo ng Italian buffa opera at kung minsan ay pinagsama ang mga elemento ng komiks at dramatikong.

Pinaka sikat na mga sinulat

Tamang tawaging perlas ng mundong klasikal na musika ang mga quartet ni Haydn. Pinag-isa nila ang mga pangunahing prinsipyo ng kompositor: kagandahan ng anyo, virtuosity ng performance, optimistic sound, thematic diversity at orihinal na paraan ng performance. Ang isa sa mga kilalang cycle ay tinatawag na "Russian", dahil ito ay nakatuon kay Tsarevich Pavel Petrovich, ang hinaharap na Emperador ng Russia na si Paul I. Ang isa pang pangkat ng quartets ay inilaan para sa hari ng Prussian. Ang mga komposisyon na ito ay isinulat sa isang bagong paraan, dahil sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang pambihirang kakayahang umangkop sa tunog, ang kayamanan ng magkakaibang mga musical shade. Ito ay sa ganitong uri ng musikal na genre na ang pangalan ng kompositor ay nakakuha ng kahalagahan sa buong mundo. Dapat ding pansinin dito na ang may-akda ay madalas na gumagamit ng tinatawag na "mga sorpresa" sa kanyang mga komposisyon, na gumagawa ng hindi inaasahang mga sipi ng musika sa mga lugar na hindi inaasahan ng mga manonood. Kabilang sa mga hindi pangkaraniwang komposisyon ang Haydn's Children's Symphony.

Pangkalahatang katangian ng gawa ni Mozart

Ito ay isa sa mga pinakasikat na may-akda ng musika, na tinatangkilik pa rin ang hindi pangkaraniwang katanyagan sa mga klasikal na tagahanga at minamahal sa buong mundo. Ang tagumpay ng kanyang mga isinulat ay dahil sa ang katunayan na ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lohikal na pagkakatugma at pagkakumpleto. Sa bagay na ito, maraming mga mananaliksik ang nag-uugnay sa kanyang trabaho sa panahon ng klasisismo. Gayunpaman, naniniwala ang iba na ang kompositor ng Viennese ay naging harbinger ng romantikismo: pagkatapos ng lahat, sa kanyang mga gawa ay mayroon nang malinaw na pagkahilig na maglarawan ng malakas, hindi pangkaraniwang mga imahe, pati na rin ang isang malalim na sikolohikal na pag-aaral ng mga character (pinag-uusapan natin ang tungkol sa opera sa kasong ito). Gayunpaman, ang mga gawa ng maestro ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang lalim at, sa parehong oras, ang kanilang pambihirang kadalian ng pang-unawa, drama at optimismo. Ang mga ito ay madali at naa-access sa lahat, ngunit sa parehong oras ay napakaseryoso at pilosopo sa kanilang nilalaman at tunog. Ito ay tiyak na kababalaghan ng kanyang tagumpay.

Mga opera ng kompositor

Ang Viennese classical school ay gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng operatic genre. Ang isang malaking merito dito ay kay Mozart. Ang mga pagtatanghal na itinanghal sa kanyang musika ay napakapopular at minamahal hindi lamang ng mga tunay na mahilig sa musika, kundi pati na rin ng masa ng publiko. Marahil ito ang nag-iisang kompositor na ang musika ay kilala sa lahat, kahit na mayroon silang pinakamalayo na ideya ng kanyang gawa.

Marahil ang pinakasikat na opera ay ang Le nozze di Figaro. Ito marahil ang pinaka masayahin at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang nakakatawang gawa ng may-akda. Ang katatawanan ay tunog sa halos bawat partido, na nagbigay sa kanya ng ganitong kasikatan. Ang sikat na aria ng bida kinabukasan ay naging isang tunay na hit. Ang musika ni Mozart - maliwanag, mapaglaro, mapaglaro, ngunit sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang matalino sa pagiging simple nito - agad na nanalo ng unibersal na pag-ibig at pagkilala.

Ang isa pang sikat na opera ng may-akda ay si Don Juan. Kung tungkol sa kasikatan, marahil ay hindi ito mababa sa nabanggit: ang mga produksyon ng pagtatanghal na ito ay makikita sa ating panahon. Kapansin-pansin na ipinakita ng kompositor ang medyo kumplikadong kwento ng taong ito sa isang napaka-simple at sa parehong oras seryosong anyo, sa gayon ay muling ipinapakita ang kanyang malalim na pag-unawa sa buhay. Sa ito, ang henyo ay pinamamahalaang upang ipakita ang parehong dramatiko at maasahin sa mabuti mga bahagi, na kung saan ay inextricably naka-link sa lahat ng kanyang mga gawa.

Sa ating panahon, ang opera na The Magic Flute ay hindi gaanong sikat. Ang musika ni Mozart ay umabot sa sukdulan nito sa pagpapahayag nito. Sa komposisyon na ito, ito ay magaan, mahangin, masayahin at sa parehong oras ay hindi pangkaraniwang seryoso, kaya't maaari lamang magtaka kung paano naihatid ng may-akda ang isang buong sistemang pilosopikal sa gayong simple, magkatugma na mga tunog. Ang iba pang mga opera ng kompositor ay kilala rin, halimbawa, sa kasalukuyang panahon maaari mong maririnig ang "The Mercy of Titus", parehong sa teatro at sa konsyerto. Kaya, ang genre ng opera ay sinakop ang isa sa mga pangunahing lugar sa gawain ng napakatalino na kompositor.

Mga piling gawa

Ang kompositor ay nagtrabaho sa iba't ibang direksyon at lumikha ng isang malaking bilang ng mga musikal na gawa. Si Mozart, na ang "Night Serenade", halimbawa, ay matagal nang lumampas sa mga pagtatanghal ng konsiyerto at nakakuha ng malawak na katanyagan, ay nagsulat sa isang napaka-simple at naa-access na wika. Marahil iyon ang dahilan kung bakit siya ay madalas na tinatawag na henyo ng pagkakaisa. Kahit na sa mga trahedya na gawa ay may motibo ng pag-asa. Sa "Requiem" ipinahayag niya ang kanyang mga saloobin tungkol sa isang mas magandang buhay sa hinaharap, kaya na, sa kabila ng kalunos-lunos na tono ng musika, ang trabaho ay nag-iiwan ng isang pakiramdam ng maliwanag na kapayapaan.

Ang concerto ni Mozart ay nakikilala rin sa pamamagitan ng maayos na pagkakatugma at lohikal na pagkakumpleto. Ang lahat ng bahagi ay napapailalim sa iisang tema at pinagsasama ng isang karaniwang motif na nagtatakda ng tono para sa buong gawain. Samakatuwid, ang kanyang musika ay pinakikinggan sa isang hininga. Sa ganitong uri ng genre, ang mga pangunahing prinsipyo ng trabaho ng kompositor ay nakapaloob: isang maayos na kumbinasyon ng mga tunog at bahagi, isang liwanag at sa parehong oras virtuoso tunog ng orkestra. Walang ibang makakagawa ng kanyang gawaing pangmusika nang kasing tugma ni Mozart. Ang "Night Serenade" ng kompositor ay isang uri ng pamantayan para sa maayos na kumbinasyon ng iba't ibang bahagi ng tunog. Ang mga masasayang at maingay na mga sipi ay napakaritmo ng papalitan ng halos hindi maririnig na mga bahagi ng birtuoso.

Hiwalay, dapat itong sabihin tungkol sa masa ng may-akda. Sinasakop nila ang isang kilalang lugar sa kanyang trabaho at, tulad ng iba pang mga gawa, ay napuno ng isang pakiramdam ng maliwanag na pag-asa at maliwanag na kagalakan. Dapat ding banggitin ang sikat na "Turkish Rondo", na higit pa sa mga pagtatanghal ng konsiyerto, kaya madalas itong marinig kahit sa mga patalastas sa telebisyon. Ngunit ang pinakadakilang pakiramdam ng pagkakaisa, marahil, ay taglay ng konsiyerto ni Mozart, kung saan ang prinsipyo ng lohikal na pagkakumpleto ay umabot sa pinakamataas na antas nito.

Maikling tungkol sa gawain ni Beethoven

Ang kompositor na ito ay ganap na nabibilang sa panahon ng dominasyon ng romantisismo. Kung si Johann Amadeus Mozart ay nakatayo, tulad ng, sa threshold ng klasisismo at isang bagong direksyon, kung gayon si Ludwig van Beethoven ay ganap na lumipat sa paglalarawan ng malakas na mga hilig, malakas na damdamin at natitirang mga personalidad sa kanyang mga gawa. Siya ay naging marahil ang pinakakilalang kinatawan ng romantikismo. Ito ay nagpapahiwatig na, na tumutukoy sa mga dramatiko, trahedya na mga tema, sumulat lamang siya ng isang opera. Ang pangunahing genre para sa kanya ay nanatiling symphony at sonatas. Siya ay kredito sa pagreporma sa mga gawang ito, tulad ng binago ni Gluck sa kanyang panahon ang pagganap ng opera.

Ang isang kapansin-pansin na tampok ng gawain ng kompositor ay ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa ay ang imahe ng makapangyarihan, titanic na kalooban ng indibidwal, na nagtagumpay sa mga paghihirap at lahat ng mga hadlang na may malaking pagsisikap ng kalooban. Gayundin, si L. V. Beethoven ay nagtalaga ng maraming espasyo sa kanyang mga komposisyon sa tema ng pakikibaka at paghaharap, gayundin sa motibo ng unibersal na pagkakaisa.

Ang ilang mga katotohanan sa talambuhay

Siya ay nagmula sa isang pamilya ng mga musikero. Nais ng kanyang ama na ang bata ay maging isang sikat na kompositor, kaya't nagtrabaho siya sa kanya, na gumagamit ng medyo malupit na pamamaraan. Marahil iyon ang dahilan kung bakit ang bata ay lumaking madilim at malupit sa likas na katangian, na kalaunan ay nakaapekto sa kanyang trabaho. Si Beethoven ay nagtrabaho at nanirahan sa Vienna, kung saan nag-aral siya kay Haydn, ngunit ang mga pag-aaral na ito ay napakabilis na nabigo kapwa ang mag-aaral at ang guro. Ang huli ay nakakuha ng pansin sa katotohanan na ang batang may-akda ay pinangungunahan ng medyo madilim na motibo, na hindi tinanggap sa oras na iyon.

Ang talambuhay ni Beethoven ay maikli ring nagsasabi tungkol sa panahon ng kanyang pagkahilig para sa pakikibaka sa pagpapalaya. Sa una ay tinanggap niya ang Napoleonic Wars nang may sigasig, ngunit nang maglaon, nang ipahayag ni Bonaparte ang kanyang sarili na emperador, tinalikuran niya ang ideya ng pagsulat ng isang simponya bilang karangalan sa kanya. Noong 1796, nagsimulang mawalan ng pandinig si Ludwig. Gayunpaman, hindi ito nakagambala sa kanyang malikhaing aktibidad. Sa pagiging ganap na bingi, isinulat niya ang kanyang sikat na 9th symphony, na naging isang tunay na obra maestra sa world musical repertoire. (imposibleng pag-usapan ito nang maikli) ay naglalaman din ng impormasyon tungkol sa pakikipagkaibigan ng maestro sa mga kilalang tao sa kanyang panahon. Sa kabila ng kanyang reserbado at malupit na karakter, ang kompositor ay kaibigan ni Weber, Goethe at iba pang mga pigura ng panahon ng Klasiko.

Ang pinakasikat na mga gawa

Nasabi na sa itaas na ang isang katangian ng akda ni L. V. Beethoven ay ang pagnanais na ilarawan ang malakas, emosyonal na mga karakter, ang pakikibaka ng mga hilig, ang pagtagumpayan ng mga paghihirap. Kabilang sa mga gawa ng genre na ito, ang "Appassionata" ay lalo na nakikilala, na, sa mga tuntunin ng intensity ng mga damdamin at emosyon, ay marahil ang isa sa pinakamalakas. Nang tanungin ang kompositor tungkol sa ideya ng paglikha nito, tinukoy niya ang dula ni Shakespeare na "The Tempest", na, ayon sa kanya, ay nagsilbing mapagkukunan ng inspirasyon. Ang may-akda ay gumuhit ng isang parallel sa pagitan ng mga motif ng titanic impulses sa trabaho ng playwright at ang kanyang sariling musikal na interpretasyon ng temang ito.

Ang isa sa mga pinakatanyag na gawa ng may-akda ay ang Moonlight Sonata, na, sa kabaligtaran, ay puno ng isang pakiramdam ng pagkakaisa at kapayapaan, na parang salungat sa dramatikong himig ng kanyang mga symphony. Ipinapahiwatig nito na ang mismong pangalan ng akdang ito ay ibinigay ng mga kontemporaryo ng kompositor, marahil dahil ang musika ay parang dagat na umaapaw sa isang tahimik na gabi. Ang mga asosasyong ito ang lumitaw sa karamihan ng mga tagapakinig kapag nakikinig sa sonata na ito. Hindi kukulangin, at marahil ay mas sikat pa ang sikat na komposisyon na "Kay Elise", na inialay ng kompositor sa asawa ng Russian Emperor Alexander I, Elizabeth Alekseevna (Louise). Ang komposisyon na ito ay sumasalubong sa isang kamangha-manghang kumbinasyon ng mga magaan na motibo at seryosong dramatikong mga sipi sa gitna. Ang isang espesyal na lugar sa gawain ng maestro ay inookupahan ng kanyang nag-iisang opera na "Fidelio" (isinalin bilang "Faithful" mula sa Italyano). Ang gawaing ito, tulad ng marami pang iba, ay puno ng kalunos-lunos na pag-ibig sa kalayaan at isang panawagan para sa kalayaan. Ang "Fidelio" ay hindi pa rin umaalis sa mga yugto ng mga host, kahit na ang opera ay nakatanggap ng pagkilala, dahil ito ay halos palaging nangyayari, hindi kaagad.

Ikasiyam na Symphony

Ang gawaing ito ay marahil ang pinakatanyag sa iba pang mga gawa ng kompositor. Ito ay isinulat tatlong taon bago siya namatay, noong 1824. Kinukumpleto ng The Ninth Symphony ang mahaba at maraming taon ng paghahanap ng kompositor para sa paglikha ng isang perpektong symphonic na gawa. Ito ay naiiba sa lahat ng mga nauna sa na, una, ipinakilala nito ang isang bahagi ng koro (sa sikat na "Ode to Joy" ni F. Schiller), at pangalawa, sa loob nito binago ng kompositor ang istraktura ng symphonic genre. Ang pangunahing tema ay unti-unting inilalahad sa bawat bahagi ng akda. Ang simula ng symphony ay medyo madilim, mabigat, ngunit kahit na pagkatapos ay isang malayong motibo ng pagkakasundo at paliwanag na tunog, na lumalaki habang ang komposisyon ng musikal ay umuunlad. Sa wakas, sa pinakadulo, isang medyo malakas na choral vocal na tunog, na nananawagan sa lahat ng mga tao sa mundo na magkaisa. Kaya, mas binigyang-diin ng kompositor ang pangunahing ideya ng kanyang gawa. Nais niyang maipahayag ang kanyang pag-iisip nang malinaw hangga't maaari, kaya't hindi niya nililimitahan ang kanyang sarili lamang sa musika, ngunit ipinakilala din ang pagganap ng mga mang-aawit. Ang symphony ay isang matunog na tagumpay: sa unang pagtatanghal, binigyan ng audience ng standing ovation ang kompositor. Ito ay nagpapahiwatig na si L. V. Beethoven ang bumuo nito, na isa nang ganap na bingi.

Kahalagahan ng Viennese School

Si Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven ay naging mga tagapagtatag ng klasikal na musika, na may malaking epekto sa buong kasunod na kasaysayan ng musika ng hindi lamang Europa, kundi pati na rin sa mundo. Ang kahalagahan ng mga kompositor na ito at ang kanilang kontribusyon sa repormasyon ng musikal na teatro ay hindi matataya. Gumagawa sa iba't ibang genre, nilikha nila ang gulugod at anyo ng mga gawa, sa batayan kung saan ang kanilang mga tagasunod ay binubuo ng mga bagong gawa. Marami sa kanilang mga likha ay matagal nang lumampas sa mga pagtatanghal ng konsiyerto at malawak na naririnig sa mga pelikula at telebisyon. Ang "Turkish Rondo", "Moonlight Sonata" at marami pang ibang gawa ng mga may-akda na ito ay kilala hindi lamang sa mga mahilig sa musika, kundi maging sa mga hindi pamilyar sa klasikal na musika. Maraming mga mananaliksik ang tama na tumawag sa yugto ng Vienna sa pagbuo ng mga klasiko bilang mapagpasyang isa sa kasaysayan ng musika, dahil sa panahong ito na ang mga pangunahing prinsipyo para sa paglikha at pagsulat ng mga opera, symphony, sonatas at quartets ay inilatag.

L. V. Beethoven - Aleman na kompositor, kinatawan ng Viennese classical na paaralan (ipinanganak sa Bonn, ngunit ginugol ang halos lahat ng kanyang buhay sa Vienna - mula noong 1792).

Ang musikal na pag-iisip ni Beethoven ay isang kumplikadong synthesis:

Ø malikhaing tagumpay ng mga klasikong Viennese (Gluck, Haydn, Mozart);

Ø ang sining ng Rebolusyong Pranses;

Ø bagong umuusbong sa 20s. ika-19 na siglo artistikong direksyon - romanticism.

Ang mga komposisyon ni Beethoven ay nagtataglay ng imprint ng ideolohiya, aesthetics at sining ng Enlightenment. Ito ay higit na nagpapaliwanag sa lohikal na pag-iisip ng kompositor, ang kalinawan ng mga anyo, ang pagiging maalalahanin ng buong artistikong konsepto at mga indibidwal na detalye ng mga gawa.

Kapansin-pansin din na ipinakita ni Beethoven ang kanyang sarili nang lubos sa mga genre sonata at symphony(mga genre na katangian ng mga klasiko) . Si Beethoven ang unang nagpakalat ng tinatawag na. "Conflict Symphony" batay sa pagsalungat at banggaan ng maliwanag na magkakaibang mga musikal na imahe. Ang mas kapansin-pansing salungatan, mas kumplikado ang proseso ng pag-unlad, na para kay Beethoven ay nagiging pangunahing puwersang nagtutulak.

Ang mga ideya at sining ng Rebolusyong Pranses ay nag-iwan ng kanilang marka sa marami sa mga gawa ni Beethoven. Mula sa mga opera ni Cherubini ay may direktang daan patungo sa Fidelio ni Beethoven.

Sa mga gawa ng kompositor, ang mga invocative intonation at chased rhythms, malawak na melodic breathing at malakas na instrumento ng mga himno ng mga kanta, martsa at opera ng panahong ito ay natagpuan ang kanilang sagisag. Binago nila ang istilo ni Beethoven. Iyon ang dahilan kung bakit ang musikal na wika ng kompositor, bagaman nauugnay sa sining ng mga klasikong Viennese, sa parehong oras ay malalim na naiiba mula dito. Sa mga gawa ni Beethoven, sa kaibahan sa Haydn at Mozart, ang katangi-tanging dekorasyon, makinis na rhythmic pattern, chamber, transparent na texture, balanse at simetrya ng mga musikal na tema ay bihira.

Ang kompositor ng isang bagong panahon, si Beethoven ay nakahanap ng iba pang mga intonasyon upang ipahayag ang kanyang mga iniisip - pabago-bago, hindi mapakali, matalas. Ang tunog ng kanyang musika ay nagiging mas puspos, siksik, at kapansin-pansing contrasting. Ang kanyang mga musikal na tema ay nakakakuha hanggang ngayon ng hindi pa nagagawang conciseness, matinding pagiging simple.

Ang mga tagapakinig na dinala sa ika-18 siglong klasiko ay natigilan at kadalasang hindi nauunawaan lakas ng damdamin Ang musika ni Beethoven, na nagpapakita ng sarili sa mabagyong drama, o sa isang engrandeng epikong saklaw, o sa matalas na liriko. Ngunit tiyak na ang mga katangiang ito ng sining ni Beethoven ang nabighani sa mga romantikong musikero. At kahit na ang koneksyon ni Beethoven sa romantikismo ay hindi mapag-aalinlanganan, ang kanyang sining sa mga pangunahing balangkas nito ay hindi nag-tutugma sa kanya. Hindi ito ganap na akma sa balangkas ng klasisismo. Para sa Beethoven, tulad ng ilang iba pa, ay natatangi, indibidwal at multifaceted.

Mga tema ni Beethoven:

Ø Ang pokus ni Beethoven ay ang buhay ng isang bayani, na dumadaloy sa walang tigil na pakikibaka para sa isang unibersal na magandang kinabukasan. Ang kabayanihan na ideya ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa lahat ng gawain ni Beethoven. Ang bayani ni Beethoven ay hindi mapaghihiwalay sa mga tao. Sa paglilingkod sa sangkatauhan, sa pagkamit ng kalayaan para dito, nakikita niya ang layunin ng kanyang buhay. Ngunit ang landas patungo sa layunin ay namamalagi sa pamamagitan ng mga tinik, pakikibaka, pagdurusa. Kadalasan ang isang bayani ay namamatay, ngunit ang kanyang kamatayan ay nakoronahan ng isang tagumpay na nagdudulot ng kaligayahan sa napalayang sangkatauhan. Ang pagkahumaling ni Beethoven sa mga bayani na imahe at ang ideya ng pakikibaka ay dahil, sa isang banda, sa bodega ng kanyang pagkatao, mahirap na kapalaran, pakikibaka dito, patuloy na pagtagumpayan ng mga paghihirap; sa kabilang banda, ang epekto sa pananaw sa mundo ng kompositor ng mga ideya ng Great French Revolution.

Ø Natagpuan ang pinakamayamang pagmuni-muni sa gawa ni Beethoven at tema ng kalikasan(Symphony 6 "Pastoral", Sonata No. 15 "Pastoral", Sonata No. 21 "Aurora", Symphony No. 4, maraming mabagal na bahagi ng sonata, symphony, quartets). Ang passive na pagmumuni-muni ay dayuhan kay Beethoven: ang kapayapaan at katahimikan ng kalikasan ay nakakatulong upang maunawaan ang mga kapana-panabik na isyu nang mas malalim, upang magtipon ng mga kaisipan at panloob na lakas para sa pakikibaka sa buhay.

Ø Malalim na tumagos sa Beethoven at sa larangan ng damdamin ng tao. Ngunit, inilalantad ang mundo ng panloob, emosyonal na buhay ng isang tao, iginuhit ni Beethoven ang lahat ng parehong bayani, na may kakayahang subordinating ang spontaneity ng mga damdamin sa mga kinakailangan ng katwiran.

Ang mga pangunahing tampok ng musikal na wika:

Ø Melodika . Ang pangunahing prinsipyo ng kanyang himig ay sa mga hudyat ng trumpeta at mga palakpakan, sa mga invocative oratorical exclamations at march turns. Madalas na ginagamit ang paggalaw kasama ang mga tunog ng triad (G.P. "Heroic Symphony"; tema ng finale ng 5th symphony, G.P. I part 9 ng symphony). Ang mga caesuras ni Beethoven ay mga bantas sa pananalita. Ang fermata ni Beethoven ay huminto pagkatapos ng mga kalunus-lunos na tanong. Ang mga musikal na tema ni Beethoven ay kadalasang binubuo ng magkakaibang mga elemento. Ang magkakaibang istraktura ng mga tema ay matatagpuan din sa mga nauna kay Beethoven (lalo na sa Mozart), ngunit sa Beethoven ito ay nagiging pattern na. Ang kaibahan sa loob ng tema ay nabubuo sa isang salungatan sa pagitan ng G.P. at P.P. sa sonata form, dina-dynamize ang lahat ng seksyon ng sonata allegro.

Ø Metrorhythm. Ang mga ritmo ni Beethoven ay ipinanganak mula sa parehong pinagmulan. Ang ritmo ay may singil ng pagkalalaki, kalooban, aktibidad.

§ Mga ritmo ng martsa lubhang karaniwan

§ mga ritmo ng sayaw(sa mga larawan ng katutubong saya - ang pangwakas ng ika-7 symphony, ang pangwakas ng Aurora sonata, kapag, pagkatapos ng mahabang pagdurusa at pakikibaka, dumating ang isang sandali ng tagumpay at kagalakan.

Ø Harmony. Sa pagiging simple ng chord vertical (chord ng mga pangunahing pag-andar, laconic na paggamit ng mga non-chord na tunog) - isang contrast-dramatic na interpretasyon ng harmonic sequence (koneksyon sa prinsipyo ng conflict dramaturgy). Matalim, matapang na mga modulasyon sa malalayong key (sa kaibahan sa mga plastik na modulasyon ng Mozart). Sa kanyang mga huling gawa, inaasahan ni Beethoven ang mga tampok ng romantikong pagkakasundo: polyphonic fabric, isang kasaganaan ng mga di-ayon sa mga tunog, katangi-tanging harmonic sequence.

Ø mga anyong musikal Ang mga gawa ni Beethoven ay mga engrandeng konstruksyon. "Ito ang Shakespeare ng masa," sumulat si V. Stasov tungkol kay Beethoven. "Si Mozart ay responsable lamang para sa mga indibidwal ... Si Beethoven, sa kabilang banda, ay nag-isip tungkol sa kasaysayan at sa buong sangkatauhan." Si Beethoven ang lumikha ng form libreng variation(finale ng piano sonata No. 30, mga pagkakaiba-iba sa isang tema ni Diabelli, ika-3 at ika-4 na paggalaw ng ika-9 na symphony). Siya ay kredito sa pagpapasok ng variation form sa malaking anyo.

Ø mga genre ng musika. Binuo ni Beethoven ang karamihan sa mga kasalukuyang genre ng musika. Ang batayan ng kanyang trabaho ay instrumental na musika.

Listahan ng mga komposisyon ni Beethoven:

Orkestra na musika:

Symphony - 9;

Mga Overture: "Coriolanus", "Egmont", "Leonora" - 4 na bersyon para sa opera na "Fidelio";

Concertos: 5 piano, 1 violin, 1 triple - para sa violin, cello at piano.

Piano music:

32 sonata;

22 variation cycle (kabilang ang 32 c-moll variation);

Bagatelles (kabilang ang "Kay Elise").

Chamber ensemble music:

Sonatas para sa biyolin at piano (kabilang ang "Kreutzer" No. 9); cello at piano;

16 string quartets.

Vocal na musika:

Opera "Fidelio";

Mga kanta, incl. ang cycle na "To a Distant Beloved", pagsasaayos ng mga katutubong kanta: Scottish, Irish, atbp.;

2 Misa: C-dur at Solemne Mass;

oratorio "Si Kristo sa Bundok ng mga Olibo"