Ang mga mukha ng mga tao sa karamihan ng mga kuwadro na gawa ng pintor ay madilim o napalingon sa gilid. Ginagawa ito upang maipahayag ang mga damdamin at para sa katawan na "magsalita". “Palagi kong sinubukang ipakita sa mundo ang mga positibong sandali lamang ng buhay. Umaasa ako na ang aking trabaho ay nagdudulot ng kagalakan, kapayapaan at ginhawa sa buhay ng manonood, "sabi ni Hanks.

Maulan na watercolor na Lin Ching Che

Ang talentadong artist na si Lin Ching-Che ay 27 taong gulang. Siya ay inspirasyon ng taglagas na ulan. Ang maulap na kalye ng lungsod ay nagdudulot ng hindi pananabik at kawalan ng pag-asa sa lalaki, ngunit isang pagnanais na kunin ang isang brush. Si Lin Ching Che ay nagpinta ng mga watercolor painting. Sa pamamagitan ng makulay na tubig, umaawit ito ng maulan na kagandahan ng mga megacity.

Kumukulong pantasya ng Arush Votsmush

Sa ilalim ng pseudonym na Arush Votsmush, nagtatago ang isang mahuhusay na artista mula sa Sevastopol Alexander Shumtsov. Sinabi ito ng artist tungkol sa kanyang mga pagpipinta: "Hindi ko sinusubukan na patunayan ang anumang bagay sa sinuman sa aking trabaho. Una sa lahat, nag-enjoy ako. Ito ay purong creativity drug. O isang dalisay na buhay - nang walang doping. Isa lang itong himala."

Ang kagandahan ng Paris sa mga gawa ni Thierry Duval

Ang artist na ipinanganak sa Paris na si Thierry Duval ay naglakbay nang malawakan. Kaya ang pagkakaroon ng buong serye ng mga pagpipinta sa isang "heograpikal na batayan". Gayunpaman, ang paboritong lugar ng may-akda ay at nananatiling Paris. Ang bahagi ng leon ng mga gawa ay nakatuon sa lungsod ng mga mahilig. Mayroon siyang sariling pamamaraan ng paglalagay ng watercolor, na nagpapahintulot sa kanya na lumikha ng mga kuwadro na may halos hyper-realistic na detalye.

Kalmado sa Gabi ni Joseph Zbukvic

Ngayon, ang Australian na ipinanganak sa Croatian na si Joseph Zbukvic ay itinuturing na isa sa mga haligi ng watercolor painting sa mundo. Ang artist ay nahulog sa pag-ibig sa watercolor literal mula sa unang stroke, siya ay sinaktan ng kawalang-kasalanan at sariling katangian ng diskarteng ito.

Mga Lihim ng Silangan sa pamamagitan ng mga mata ni Myo Wing Ong

Inialay ng pintor na si Myoe Win Aung ang lahat ng kanyang trabaho sa kanyang katutubong Burma, ang pang-araw-araw na buhay at mga pista opisyal, mga layko at monghe, mga bayan at lungsod. Ang mundong ito ay kalmado, nakadamit sa banayad na tono, misteryoso at bahagyang nag-iisip, tulad ng ngiti ni Buddha.

Hindi kapani-paniwalang watercolor ni Joe Francis Dowden

Ang English artist na si Joe Francis Dowden ay nagpinta ng mga hyper-realistic na watercolor. At naniniwala siyang kayang gawin ng lahat, kailangan mo lang malaman ang mga sikreto ng teknolohiya. Ang lihim ng kanyang inspirasyon ay napakasimple: "Itapon ang mga watercolor textbook at mawala sa isang tunay na kagubatan."

The Magic of Ballet ni Liu Yi

Ang mga watercolor ng Chinese artist na ito ay ligtas na matatawag na sining tungkol sa sining. Pagkatapos ng lahat, ang kanyang paboritong paksa ay ang mga larawan ng mga taong direktang nauugnay sa kanya - halimbawa, mga ballerina o klasikal na musikero. Ang paraan ng pagpapakita ng mga ito sa mga kuwadro na gawa ay kakaiba: ang mga tao ay tila lumilitaw mula sa isang manipis na ulap, emosyonal at napaka katangian. Sa ilang mga lawak, ini-echo nila ang mga larawan ng mga ballerina ng Pranses na artist na si Edgar Degas.

Solar painting ni Abe Toshiyuki

Si Abe Toshiyuki (Abe Toshiyuki) ay nakatanggap ng edukasyon sa sining at naglaan ng 20 taon sa pagtuturo, hindi isang sandali na iniwan ang pangarap na maging isang artista. Noong 2008, sa wakas ay tinalikuran niya ang propesyon ng pagtuturo at buong-buo niyang inilaan ang sarili sa malikhaing pagsasakatuparan sa sarili.

Umaga ng Bansa ni Christian Granu

SAINT PETERSBURG. "Gouache two O" - sa ilalim ng pangalang ito ang Erarta Museum ay nagpakita ng isang kolektibong eksibisyon ng mga artista na ang mga gawa ay ginawa sa gouache noong Mayo 20. Ang mga tagapag-ayos ng eksibisyon ay nabanggit na ngayon ay hindi masyadong maraming mga artista na gumagamit ng gouache at papel upang lumikha ng kanilang mga gawa.

Mas gusto ng karamihan sa mga pintor na lumikha ng mga kuwadro na gawa sa langis, acrylic, tempera. Ang mga tradisyonal na artistikong pamamaraan ay unti-unting pinapalitan ng mga computer graphics. Ang gouache sa papel ay naging isang pamamaraan na malayo sa mga komersyal na interes. Gayunpaman, ang gayong pag-uugali sa mga gawa na ginawa sa gouache ay humantong sa paglitaw ng mga artista na pinili ang pamamaraan na ito para sa kaluluwa, na ginagawa itong purong sining, na independyente sa mga interes ng merkado.

Ang gouache, tulad ng watercolor, ay nangangailangan ng mga artist na makabisado ang brush, kasanayan at tapang. Sa mga gawa na ginawa gamit ang mga pintura ng tubig, imposibleng iwasto ang mga pagkakamali na ginawa, samakatuwid, hindi sila dapat.

Sa iba't ibang bansa, ang mga gawa ng gouache ay inuri bilang iba't ibang uri ng artistikong pamamaraan. Sa ibang bansa, ang mga gawang nakasulat sa gouache ay itinuturing na mga pagpipinta. Iniuugnay ng mga eksperto sa Russia ang pamamaraan ng gouache sa orihinal na graphics.

Ito ay kilala na ang gouache ay ginamit ng mga artista noong sinaunang panahon. Nagsagawa ng trabaho sa gouache at ang mga dakilang artista na nabuhay noong ikadalawampu siglo. Ang kanilang mga pangalan ay kilala sa lahat, kahit na sa mga di-connoisseurs ng sining - Picasso, Matisse, Chagall.

Ang eksibisyon ng eksibisyon na "Gouache two O" ay binubuo ng mga gawa ng mga artista na marunong mag-enjoy sa pagkamalikhain, kaya ang kanilang mga painting ay puno ng optimismo at romansa. Ang mga gawa ni Aron Zinshtein, Alexander Kosenkov, Igor Kamyanov, Evgenia Golant at iba pang mga artista ng gouache ay makikita sa Erarta Museum hanggang Hulyo 7.

Lyudmila Trautmane © site

• Ang ABC of Moonlight ni Boris Grebenshchikov sa Erarta Museum
• Iniharap ng Erarta Museum ang eksibisyon na "Private Life" sa Sterkh Gallery of Modern Art sa Surgut

Ang marilag at magkakaibang pagpipinta ng Russia ay palaging nakalulugod sa madla sa hindi pagkakapare-pareho at pagiging perpekto ng mga anyo ng sining. Ito ang kakaiba ng mga gawa ng mga sikat na masters of art. Palagi silang nagulat sa kanilang hindi pangkaraniwang diskarte sa trabaho, magalang na saloobin sa mga damdamin at sensasyon ng bawat tao. Marahil iyon ang dahilan kung bakit ang mga artistang Ruso ay madalas na naglalarawan ng mga komposisyon ng portrait na malinaw na pinagsama ang mga emosyonal na imahe at mga epicly kalmado na motif. Hindi nakakagulat na sinabi ni Maxim Gorky na ang isang artista ay ang puso ng kanyang bansa, ang tinig ng buong panahon. Sa katunayan, ang marilag at eleganteng mga pagpipinta ng mga artistang Ruso ay malinaw na naghahatid ng inspirasyon sa kanilang panahon. Tulad ng mga hangarin ng sikat na may-akda na si Anton Chekhov, marami ang naghangad na dalhin sa mga kuwadro na Ruso ang natatanging lasa ng kanilang mga tao, pati na rin ang hindi mapawi na pangarap ng kagandahan. Mahirap maliitin ang hindi pangkaraniwang mga canvases ng mga masters ng marilag na sining, dahil ang tunay na hindi pangkaraniwang mga gawa ng iba't ibang genre ay ipinanganak sa ilalim ng kanilang brush. Ang akademikong pagpipinta, portrait, historical painting, landscape, mga gawa ng romantikismo, modernismo o simbolismo - lahat ng mga ito ay nagdudulot pa rin ng saya at inspirasyon sa kanilang mga manonood. Ang bawat tao'y nakahanap sa kanila ng isang bagay na higit pa sa makulay na mga kulay, magagandang linya at hindi maitutulad na mga genre ng sining sa mundo. Marahil ang kasaganaan ng mga anyo at larawan na ikinagulat ng pagpipinta ng Russia ay konektado sa malaking potensyal ng nakapaligid na mundo ng mga artista. Sinabi rin ni Levitan na sa bawat tala ng luntiang kalikasan mayroong isang marilag at hindi pangkaraniwang palette ng mga kulay. Sa ganoong simula, lumilitaw ang isang kahanga-hangang kalawakan para sa brush ng artist. Samakatuwid, ang lahat ng mga kuwadro na Ruso ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang katangi-tanging kalubhaan at kaakit-akit na kagandahan, kung saan napakahirap na humiwalay.

Ang pagpipinta ng Russia ay wastong nakikilala sa sining ng mundo. Ang katotohanan ay hanggang sa ikalabing pitong siglo, ang pagpipinta ng domestic ay nauugnay lamang sa isang relihiyosong tema. Ang sitwasyon ay nagbago sa pagdating sa kapangyarihan ng tsar-repormador - Peter the Great. Salamat sa kanyang mga reporma, nagsimulang makisali ang mga Russian masters sa sekular na pagpipinta, at ang pagpipinta ng icon ay pinaghiwalay bilang isang hiwalay na direksyon. Ang ikalabing pitong siglo ay ang panahon ng mga artista tulad nina Simon Ushakov at Iosif Vladimirov. Pagkatapos, sa mundo ng sining ng Russia, ipinanganak ang larawan at mabilis na naging tanyag. Noong ikalabing walong siglo, lumitaw ang mga unang artista na lumipat mula sa portraiture patungo sa landscape painting. Ang binibigkas na pakikiramay ng mga masters para sa mga panorama ng taglamig ay kapansin-pansin. Ang ikalabing walong siglo ay naalala din para sa pagsilang ng pang-araw-araw na pagpipinta. Noong ikalabinsiyam na siglo, tatlong mga uso ang nakakuha ng katanyagan sa Russia: romantiko, realismo at klasiko. Tulad ng dati, ang mga artistang Ruso ay patuloy na bumaling sa genre ng portrait. Noon ay lumitaw ang mga sikat na larawan sa mundo at mga larawan sa sarili nina O. Kiprensky at V. Tropinin. Sa ikalawang kalahati ng ikalabinsiyam na siglo, mas madalas na inilalarawan ng mga artista ang mga simpleng taong Ruso sa kanilang aping estado. Ang pagiging realismo ang naging sentral na kalakaran ng pagpipinta sa panahong ito. Noon ay lumitaw ang mga Wanderer, na naglalarawan lamang ng tunay, totoong buhay. Well, ang ikadalawampu siglo ay, siyempre, ang avant-garde. Malaki ang impluwensya ng mga artista noong panahong iyon sa kanilang mga tagasunod sa Russia at sa buong mundo. Ang kanilang mga kuwadro ay naging mga nangunguna sa abstractionism. Ang pagpipinta ng Russia ay isang napakalaking kamangha-manghang mundo ng mga mahuhusay na artista na niluwalhati ang Russia sa kanilang mga nilikha

Ang Voronezh artist na si Olga Brazhnikova ay kilala sa kanyang maliwanag, maaraw na gawa ng gouache. Ang landas sa sining ay hindi madali para sa kanya, tumanggi na magtrabaho bilang isang taga-disenyo, pumasok siya sa Voronezh Art College, at sa taong ito ay nagtapos siya sa Pedagogical University na may degree sa Fine Arts. Pangunahing gumagana si Olga sa gouache at sinisira ang mga stereotype na nauugnay sa materyal na ito. Para sa Umbra Media, ipinakita ng artist ang kanyang home workshop at sinabi kung paano binago ng kanyang sining ang kanyang buhay.

Tungkol sa pag-aaral
"Tumakas ako sa trabaho sa pabrika"

Kailan mo nalaman na gusto mong maging artista?

- Palagi akong mahilig gumuhit, ngunit sa pananaw ng aking mga magulang (ang aking ina ay nagtrabaho bilang isang accountant, ang aking ama ay nagtatrabaho pa rin sa isang pabrika ng sasakyang panghimpapawid), ang isang artista ay isang walang kabuluhang propesyon. Kaya kinailangan kong pumasok sa aviation college. Hindi ko maintindihan kung paano ko ito matatapos. Nakatulong ang aking kakayahang gumuhit, gumawa ako ng mga pahayagan sa dingding para sa mga pagsubok. Nang malapit nang matapos ang aking pag-aaral, napagtanto ko na hindi ako pupunta sa pabrika para sa anumang bagay. At nagpunta ako sa isang panggabing art school para kahit papaano ay mayroon akong para sa aking kaluluwa. Iminungkahi ng guro na pumasok ako sa Voronezh Art College.

- Paano naramdaman ng iyong mga magulang na gusto mong maging isang artista?

Hindi sila naniniwala na gagawin ko iyon. Nagkaroon ng nakakatawang kwento. Sinabi ni Tatay na may kilala siyang lalaki na kayang gumuhit ng larawan ni Lenin sa buhangin gamit ang isang stick! At kung hindi ko magagawa iyon, hindi ako artista. Sa kabila ng lahat, naghahanda ako para sa pagpasok, nagpunta sa mga kurso sa loob ng 2-3 buwan, pinag-aralan ang pagguhit nang hiwalay sa isang guro. At pagpasok ko, inalalayan ako ng mga magulang ko at naging masaya. At nang maglaon, nang ang aking mga gawa ay nagsimulang dalhin sa mga eksibisyon, naniwala sila sa akin. Pagkatapos ng kolehiyo, napunta ako sa isang kumpanya ng pagtatanggol, kung saan nagtatrabaho pa rin ako bilang isang taga-disenyo. Mayroon akong medyo mahabang pahinga - pitong taon, ngunit pagkatapos ay nagpasya akong bumalik sa pagpipinta at pagkamalikhain. Noong 2013, pumasok siya sa Voronezh State Pedagogical University, kung saan siya nagtapos sa taong ito.

Tungkol sa mga materyales
"Iilang tao ang naniniwala na ang aking mga kuwadro ay pininturahan ng gouache"

— Bakit mo pinili ang gouache, bakit kawili-wili sa iyo ang materyal na ito?

- Naging interesado ako sa gouache sa Pedagogical Institute. Dati, mas nakita ko ito bilang isang transisyonal na yugto sa langis. Ngunit ngayon ito ang aking paboritong materyal. Mabilis itong natutuyo, walang amoy, nagbibigay ng mga texture na stroke at makulay na kulay. Sumulat ako ng pasty, ang gouache ay hindi natunaw ng tubig. Karaniwang gumuguhit ako sa makapal na papel. Ang langis, siyempre, ay hindi maginhawa upang magtrabaho sa isang apartment. Lalo na kung isasaalang-alang na ang aking pusa ay patuloy na nagsusumikap na bumulusok sa ilang uri ng garapon. Minsan ay nagpinta ako sa mga langis, saglit na nagambala, at nakapasok na siya sa asul na pintura at nag-iwan ng mga paw print sa buong apartment. Pagkatapos ay kinuskos namin ang mga bakas na ito buong gabi.

— Ano sa palagay mo ang katotohanan na ang gouache ay madalas na tinatawag na materyal na "mga bata"?

"Sa tingin ko ito ay isang stereotype at prejudice. Ito ay sa gouache, ayon sa aking mga kasamahan, na binuo ko ang aking sariling estilo. Kapag nai-post ko ang aking trabaho sa Internet, maraming tao ang nagsusulat kung gaano sila nagulat na ang mga kuwadro ay pininturahan sa gouache at hindi sa langis. Ang gouache ay hindi pagkamalikhain ng mga bata, ngunit isang karapat-dapat na materyal. Tila sa akin na sa pangkalahatan ang anumang materyal ay maaaring lumikha ng mga obra maestra, ang materyal ay hindi gumaganap ng pangunahing papel dito.

- Anong inspirasyon mo?

— Gustung-gusto ko ang mga cityscape. Ang mga bahay na nabuhay, at mayroon silang sariling kasaysayan, ay nabighani sa akin. Kadalasan ay naglalakad ako sa paligid ng lungsod, kumukuha ng mga kuwento, at pagkatapos ay nagsusulat sa bahay. Gustung-gusto ko ang kaguluhan ng kulay, mga texture na stroke. At sa mga modernong artista, sobrang na-inspire ako sa mga watercolor ng Arush Votsmush.

- Sa anong kapaligiran gusto mong magtrabaho - sa katahimikan, o sa musika?

— Kapag nagsusulat ako, kadalasang nakikinig ako sa magandang lumang bato. Ilan sa mga paborito kong banda ay ang Aquarium at The Doors.

- Ito ay malawak na pinaniniwalaan na ang akademikong edukasyon ay "pumapatay" sa sariling katangian ng artist. Ano sa tingin mo tungkol dito?

"Para sa akin, ang edukasyon sa sining ay mas mahalaga kaysa dati. Kapag pinanood mo ang parehong mga video tutorial sa Internet, hindi ka isang kasabwat sa proseso, ngunit ito ay kinakailangan. Sa palagay ko ang isang akademikong edukasyon ay nakakatulong upang makakuha ng mga kasanayan sa pagguhit. Nag-aral ako kay Alexander Starilov, siya ay isang maraming nalalaman na artista, arkitekto, at innovator. Naniniwala siya na ang isang tao ay dapat magkaroon ng isang klasikal na edukasyon, at pagkatapos ay maghanap ng sariling istilo, ang parehong primitivism ay hindi ipinanganak mula sa wala. At sumasang-ayon ako sa kanya.

Tungkol sa pagpapatupad
"Ang isang artista ay higit pa sa isang propesyon"

— Paano mo nagagawang pagsamahin ang gawain ng isang taga-disenyo, pagkamalikhain at pamilya?

— Mahirap, madalas akong nagsusulat tuwing katapusan ng linggo. At ang anak na babae ay nasa hustong gulang na, hindi mo kailangang kasama siya sa lahat ng oras, mayroon na siyang maraming sariling interes. Sa panahon na hindi ako gumuhit, palagi kong nararamdaman na kulang ako. Ngayon hindi ko ibibigay ang pagpipinta, gusto kong maging malikhain at maghanap. Ang pagiging artista ay para sa akin ang kahulugan ng buhay at higit pa sa isang propesyon. Ang paglikha ng isang pagpipinta para sa akin ay isang uri ng misteryo, bagaman, siyempre, mula sa isang teknikal na punto ng view, walang misteryo. Ngunit ang proseso ay palaging nakakaintriga - iniisip ko kung ano ang lalabas sa huli.

- Ano ang iyong mga plano para sa malapit na hinaharap? Gusto mo bang magkaroon ng sarili mong workshop?

- Gusto ko talagang lumahok sa mga eksibisyon, at hindi magkulong sa aking espasyo. Umaasa ako na sa lalong madaling panahon ay makakagawa ako ng isang personal na eksibisyon sa paaralan ng sining. At ang workshop ay marahil ay isang bagay lamang ng malayong hinaharap. Habang lahat ng trabaho ko ay nakalagay sa apartment. Nag-renovate kami kamakailan. Espesyal na pininturahan ng puti ang mga dingding para makapagsabit ng mga larawan. Inayos ko ang espasyo para sa trabaho para maramdaman ko ang hangin sa paligid at maraming liwanag. Hanggang sa ito ay tinutubuan ng lahat ng uri ng mga kagiliw-giliw na bagay at mga detalye, ngunit sa palagay ko ay hindi ito matagal.

Pumunta pa rin ako sa mga blog ng iba't ibang artista at tinitingnan ang gouache na pinagtatrabahuhan ng mga tao. (Mayroon din akong sarili, ngunit kailangan mong makita kung ano ang ginagawa ng mga tao.) Napagtanto ko na para sa akin personal, ang watercolor ay hindi angkop para sa plein air. Kailangan ng higit pang takip at pagpapatuyo nang mas mabilis. At sa parehong oras ay hindi gaanong kakaiba. Samakatuwid, ang gouache ay tila ngayon ang pinakamahusay na pagpipilian para sa plein-air work, kapag ang liwanag, ang mga kondisyon ng panahon ay nagbabago nang napakabilis at talagang walang mga amenities.

Hindi pa ako matured para sa langis, kailangan kong magdala ng napakaraming pasanin sa akin, kabilang ang mga canvases o board para sa trabaho, pati na rin ang isang espesyal na kahon para sa mga sketch upang hindi sila mag-smear sa panahon ng transportasyon. At ngayon, na may mga kagamitan para sa pagtatrabaho sa mga watercolor, pastel at mga kulay na lapis, ang aking mga balikat ay bumabagsak. Kaya't pagkatapos ng mga huling biyahe noong nakaraang buwan ay nakatira ako kay Voltaren. Ito ay hindi isang tao, kung mayroon man. Ito ay isang pamahid para sa pananakit ng mga kalamnan at kasukasuan.

Ang paborito kong plein air painters ngayon ay sina James Gurney at Nathan Fowkes. Lumalabas na pareho silang mga ilustrador, tulad ko, na pumunta sa open air o gumuhit mula sa buhay para sa inspirasyon at para sa pagbomba ng mga masining na kalamnan. Hindi ko sila partikular na pinili ayon sa prinsipyong ito - nangyari lang iyon. Si James ay sikat sa kanyang "Dinotopia" (nga pala, ang kanyang drawing book sa Russian na "Color and Light" ay nai-publish kamakailan, sa English dito: Color and Light: A Guide for the Realist Painter (James Gurney Art)), at Nayten ay isang artist- animator (maaari kang matuto mula sa kanya sa www.schoolism.com). At gusto ko ito nang labis sa kung ano ang matapang at bilis ng parehong mga kasamang ito na nagtatrabaho sa bukas na hangin na may gouache, na kahit na ang mga dulo ng kanilang mga daliri ay tumusok - gusto kong magmadali at magpalilok nito sa aking sarili gamit ang gouache o casein.

Mga gawa ni James Gurney mula dito

Mga gawa ni Nathan Fawkes mula rito

Ito ang aking mga bayani ngayon, sa pangkalahatan. Gusto kong lumipat sa mga gawa mula sa kalikasan mula sa detalyadong vytukivanie patungo sa isang mas libreng brushstroke. Ngunit hindi dahil huminto ako sa pag-ibig na manghina sa mga detalye - hindi ito mangyayari, sinasamba ko sila. Ngunit dahil gusto kong makita ang mga natapos o halos natapos na mga gawa pagkatapos ng open air, na maaaring magamit para sa mas malubhang mga canvases. Dahil ngayon, habang inaalala ko ang mga sketch mula sa kalikasan at pagtatapos - mula sa memorya at mula sa larawan - walang lakas para sa isang mas malaking pag-uulit.

Habang naghahanap ng mga uri ng gouache, nakatagpo ako ng isa pang mahuhusay na ilustrador, na hindi ko tinutukoy dito, dahil nagdudulot siya ng ilang panloob na kontradiksyon sa akin. Bukod dito, madalas kong nakita ang katotohanan na walang silbi na magtanong sa mga Western illustrator tungkol sa mga materyales o ilang mga subtleties ng trabaho. Sa 90% ng mga kaso, hindi sila sumasagot at hindi partikular na nag-spray sa paksa kung paano eksaktong gumagana ang mga ito. Lubos kong naiintindihan ang kanilang posisyon, ngunit itinuturing ko itong fu. Ngunit pagkatapos ay lumabas na mayroong isang mas superlatibo na antas. Isang mahuhusay na ilustrador, na HINDI KO tinutukoy, ay sumasagot sa lahat ng mga tanong tungkol sa pamamaraan at mga materyales na ginamit nang napakalinaw: "Pakipadala sa akin ng isang email upang bilhin ang impormasyon" (Padalhan ako ng isang email upang bilhin ang impormasyon). Noong una ay naisip ko na ito ay selyado lamang nang makita ko ang pirma sa ilalim ng isa sa mga gawa pagkatapos ng listahan ng mga materyales na ginamit. Dahil ang impormasyon sa pagbili ay impormasyon tungkol sa pagbili, ngunit ang pagbili ng impormasyon ay ang pagbili ng impormasyon. Pero hindi. Ang isang tao ay talagang nagbabahagi ng impormasyon para lamang sa pera. At hindi ko pa rin maintindihan ang nararamdaman ko.

Sa isang banda, tama siya. Ang impormasyong ito ay hindi rin nahulog sa kanya mula sa langit. Namuhunan siya ng oras at pera sa kanyang pamamaraan. Nakakatakot isipin kung gaano karaming pera ang nagastos ko sa paghahanap ng pinakamagandang materyales para sa akin. Ganun din siya. Bakit kailangan niyang ibahagi ngayon sa isang tao nang libre? Ako mismo ay madalas na nakatagpo ng katotohanan na ang aking mga detalyadong kwento o maalalahanin na mga paksa at aral na natanggap ng mga tao nang libre ay ginamit para sa buong master classes, iyon ay, pinagkakakitaan sila at lahat ay ipinasa sa akin sa alkansya ng iba, kasama ang pagkilala sa alkansya. Ngunit mayroon ding isang bagay tulad ng malikhaing pagpapalitan. Kung wala ito, walang normal na pag-unlad. May stagnation lang. Paano kung ang impormasyon ko, na ibinahagi ko mula sa kaibuturan ng aking puso, ang nakatulong sa isang napaka-cool na artist na makatayo?! Pagkatapos ng lahat, kung wala siya, ang mundo ay mas mahirap.

Isa pang sandali. Sa personal, hindi ako handang bayaran ang isang tao para sa impormasyon na ligtas kong magagawa nang wala (well, hahanapin ko pa kung ano ang mayroon). Para sa master class - oo. At para sa isang pangungusap, kung saan ang roller ay inilalapat niya ang pintura o sa kung anong mga proporsyon ang kanyang pinarami - malamang na hindi. Bagaman, ito ay kabayaran din para sa oras na ginugol sa mga paliwanag! At biglang makakatulong sa akin ang partikular na detalyeng ito kaysa sa anumang master class? Isang napakahirap na paksa.

Ano sa tingin mo tungkol dito? Tama ba ang ginagawa ng mga artista sa pamamagitan ng pagkakakitaan ng lahat ng kanilang kaalaman? Mabuti ba sila o nakakadiri? Basta, mangyaring, huwag sabihin sa akin ang tungkol sa ginintuang ibig sabihin, na maaari mong ibahagi ito nang libre at sa parehong oras ay ilipat ito sa mga banknote ng iba't ibang mga master class at benta. Ito ay wala sa tanong. Ito ay napakalinaw na ito ay posible at kaya matalino, tulad ng. Paano ang hindi kompromiso na "Upang bilhin ang impormasyong ito, mag-email sa akin"?

Ang mga mukha ng mga tao sa karamihan ng mga kuwadro na gawa ng pintor ay madilim o napalingon sa gilid. Ginagawa ito upang maipahayag ang mga damdamin at para sa katawan na "magsalita". “Palagi kong sinubukang ipakita sa mundo ang mga positibong sandali lamang ng buhay. Umaasa ako na ang aking trabaho ay nagdudulot ng kagalakan, kapayapaan at ginhawa sa buhay ng manonood, "sabi ni Hanks.

Maulan na watercolor na Lin Ching Che

Ang talentadong artist na si Lin Ching-Che ay 27 taong gulang. Siya ay inspirasyon ng taglagas na ulan. Ang maulap na kalye ng lungsod ay nagdudulot ng hindi pananabik at kawalan ng pag-asa sa lalaki, ngunit isang pagnanais na kunin ang isang brush. Si Lin Ching Che ay nagpinta ng mga watercolor painting. Sa pamamagitan ng makulay na tubig, umaawit ito ng maulan na kagandahan ng mga megacity.

Kumukulong pantasya ng Arush Votsmush

Sa ilalim ng pseudonym na Arush Votsmush, nagtatago ang isang mahuhusay na artista mula sa Sevastopol Alexander Shumtsov. Sinabi ito ng artist tungkol sa kanyang mga pagpipinta: "Hindi ko sinusubukan na patunayan ang anumang bagay sa sinuman sa aking trabaho. Una sa lahat, nag-enjoy ako. Ito ay purong creativity drug. O isang dalisay na buhay - nang walang doping. Isa lang itong himala."

Ang kagandahan ng Paris sa mga gawa ni Thierry Duval

Ang artist na ipinanganak sa Paris na si Thierry Duval ay naglakbay nang malawakan. Kaya ang pagkakaroon ng buong serye ng mga pagpipinta sa isang "heograpikal na batayan". Gayunpaman, ang paboritong lugar ng may-akda ay at nananatiling Paris. Ang bahagi ng leon ng mga gawa ay nakatuon sa lungsod ng mga mahilig. Mayroon siyang sariling pamamaraan ng paglalagay ng watercolor, na nagpapahintulot sa kanya na lumikha ng mga kuwadro na may halos hyper-realistic na detalye.

Kalmado sa Gabi ni Joseph Zbukvic

Ngayon, ang Australian na ipinanganak sa Croatian na si Joseph Zbukvic ay itinuturing na isa sa mga haligi ng watercolor painting sa mundo. Ang artist ay nahulog sa pag-ibig sa watercolor literal mula sa unang stroke, siya ay sinaktan ng kawalang-kasalanan at sariling katangian ng diskarteng ito.

Mga Lihim ng Silangan sa pamamagitan ng mga mata ni Myo Wing Ong

Inialay ng pintor na si Myoe Win Aung ang lahat ng kanyang trabaho sa kanyang katutubong Burma, ang pang-araw-araw na buhay at mga pista opisyal, mga layko at monghe, mga bayan at lungsod. Ang mundong ito ay kalmado, nakadamit sa banayad na tono, misteryoso at bahagyang nag-iisip, tulad ng ngiti ni Buddha.

Hindi kapani-paniwalang watercolor ni Joe Francis Dowden

Ang English artist na si Joe Francis Dowden ay nagpinta ng mga hyper-realistic na watercolor. At naniniwala siyang kayang gawin ng lahat, kailangan mo lang malaman ang mga sikreto ng teknolohiya. Ang lihim ng kanyang inspirasyon ay napakasimple: "Itapon ang mga watercolor textbook at mawala sa isang tunay na kagubatan."

The Magic of Ballet ni Liu Yi

Ang mga watercolor ng Chinese artist na ito ay ligtas na matatawag na sining tungkol sa sining. Pagkatapos ng lahat, ang kanyang paboritong paksa ay ang mga larawan ng mga taong direktang nauugnay sa kanya - halimbawa, mga ballerina o klasikal na musikero. Ang paraan ng pagpapakita ng mga ito sa mga kuwadro na gawa ay kakaiba: ang mga tao ay tila lumilitaw mula sa isang manipis na ulap, emosyonal at napaka katangian. Sa ilang mga lawak, ini-echo nila ang mga larawan ng mga ballerina ng Pranses na artist na si Edgar Degas.

Solar painting ni Abe Toshiyuki

Si Abe Toshiyuki (Abe Toshiyuki) ay nakatanggap ng edukasyon sa sining at naglaan ng 20 taon sa pagtuturo, hindi isang sandali na iniwan ang pangarap na maging isang artista. Noong 2008, sa wakas ay tinalikuran niya ang propesyon ng pagtuturo at buong-buo niyang inilaan ang sarili sa malikhaing pagsasakatuparan sa sarili.

Umaga ng Bansa ni Christian Granu

French Christian Granu

Ang Voronezh artist na si Olga Brazhnikova ay kilala sa kanyang maliwanag, maaraw na gawa ng gouache. Ang landas sa sining ay hindi madali para sa kanya, tumanggi na magtrabaho bilang isang taga-disenyo, pumasok siya sa Voronezh Art College, at sa taong ito ay nagtapos siya sa Pedagogical University na may degree sa Fine Arts. Pangunahing gumagana si Olga sa gouache at sinisira ang mga stereotype na nauugnay sa materyal na ito. Para sa Umbra Media, ipinakita ng artist ang kanyang home workshop at sinabi kung paano binago ng kanyang sining ang kanyang buhay.

Tungkol sa pag-aaral
"Tumakas ako sa trabaho sa pabrika"

Kailan mo nalaman na gusto mong maging artista?

Palagi akong mahilig gumuhit, ngunit sa pananaw ng aking mga magulang (ang aking ina ay nagtrabaho bilang isang accountant, ang aking ama ay nagtatrabaho pa rin sa isang pabrika ng sasakyang panghimpapawid), ang artista ay hindi isang seryosong propesyon. Kaya kinailangan kong pumasok sa aviation college. Hindi ko maintindihan kung paano ko ito matatapos. Nakatulong ang aking kakayahang gumuhit, gumawa ako ng mga pahayagan sa dingding para sa mga pagsubok. Nang malapit nang matapos ang aking pag-aaral, napagtanto ko na hindi ako pupunta sa pabrika para sa anumang bagay. At nagpunta ako sa isang panggabing art school para kahit papaano ay mayroon akong para sa aking kaluluwa. Iminungkahi ng guro na pumasok ako sa Voronezh Art College.

- Paano naramdaman ng iyong mga magulang na gusto mong maging isang artista?

Hindi sila naniniwala na gagawin ko iyon. Nagkaroon ng nakakatawang kwento. Sinabi ni Tatay na may kilala siyang lalaki na kayang gumuhit ng larawan ni Lenin sa buhangin gamit ang isang stick! At kung hindi ko magagawa iyon, hindi ako artista. Sa kabila ng lahat, naghahanda ako para sa pagpasok, nagpunta sa mga kurso sa loob ng 2-3 buwan, pinag-aralan ang pagguhit nang hiwalay sa isang guro. At pagpasok ko, inalalayan ako ng mga magulang ko at naging masaya. At nang maglaon, nang ang aking mga gawa ay nagsimulang dalhin sa mga eksibisyon, naniwala sila sa akin. Pagkatapos ng kolehiyo, napunta ako sa isang kumpanya ng pagtatanggol, kung saan nagtatrabaho pa rin ako bilang isang taga-disenyo. Mayroon akong medyo mahabang pahinga - pitong taon, ngunit pagkatapos ay nagpasya akong bumalik sa pagpipinta at pagkamalikhain. Noong 2013, pumasok siya sa Voronezh State Pedagogical University, kung saan siya nagtapos sa taong ito.

Tungkol sa mga materyales
"Iilang tao ang naniniwala na ang aking mga kuwadro ay pininturahan ng gouache"

- Bakit mo pinili ang gouache, bakit ang materyal na ito ay kawili-wili sa iyo?

Naging interesado ako sa gouache sa Pedagogical Institute. Dati, mas nakita ko ito bilang isang transisyonal na yugto sa langis. Ngunit ngayon ito ang aking paboritong materyal. Mabilis itong natutuyo, walang amoy, nagbibigay ng mga texture na stroke at makulay na kulay. Sumulat ako ng pasty, ang gouache ay hindi natunaw ng tubig. Karaniwang gumuguhit ako sa makapal na papel. Ang langis, siyempre, ay hindi maginhawa upang magtrabaho sa isang apartment. Lalo na kung isasaalang-alang na ang aking pusa ay patuloy na nagsusumikap na bumulusok sa ilang uri ng garapon. Minsan ay nagpinta ako sa mga langis, saglit na nagambala, at nakapasok na siya sa asul na pintura at nag-iwan ng mga paw print sa buong apartment. Pagkatapos ay kinuskos namin ang mga bakas na ito buong gabi.

- Ano sa palagay mo ang katotohanan na ang gouache ay madalas na tinatawag na materyal na "mga bata"?

Para sa akin, ito ay isang stereotype at prejudice. Ito ay sa gouache, ayon sa aking mga kasamahan, na binuo ko ang aking sariling estilo. Kapag nai-post ko ang aking trabaho sa Internet, maraming tao ang nagsusulat kung gaano sila nagulat na ang mga kuwadro ay pininturahan sa gouache at hindi sa langis. Ang gouache ay hindi pagkamalikhain ng mga bata, ngunit isang karapat-dapat na materyal. Tila sa akin na sa pangkalahatan ang anumang materyal ay maaaring lumikha ng mga obra maestra, ang materyal ay hindi gumaganap ng pangunahing papel dito.

- Anong inspirasyon mo?

Gustung-gusto ko ang mga cityscape. Ang mga bahay na nabuhay, at mayroon silang sariling kasaysayan, ay nabighani sa akin. Kadalasan ay naglalakad ako sa paligid ng lungsod, kumukuha ng mga kuwento, at pagkatapos ay nagsusulat sa bahay. Gusto ko ang kaguluhan ng kulay, mga texture na stroke. At sa mga modernong artista, sobrang na-inspire ako sa mga watercolor ng Arush Votsmush.

- Sa anong kapaligiran gusto mong magtrabaho - sa katahimikan, o sa musika?

Kapag nagsusulat ako, kadalasang nakikinig ako sa magandang lumang bato. Ilan sa mga paborito kong banda ay ang Aquarium at The Doors.

Ito ay malawak na pinaniniwalaan na ang akademikong edukasyon ay "pumapatay" sa sariling katangian ng artist. Ano sa tingin mo tungkol dito?

Sa tingin ko ang edukasyon sa sining ay mas mahalaga kaysa dati. Kapag pinanood mo ang parehong mga video tutorial sa Internet, hindi ka isang kasabwat sa proseso, ngunit ito ay kinakailangan. Sa palagay ko ang isang akademikong edukasyon ay nakakatulong upang makakuha ng mga kasanayan sa pagguhit. Nag-aral ako kay Alexander Starilov, siya ay isang maraming nalalaman na artista, arkitekto, at innovator. Naniniwala siya na ang isang tao ay dapat magkaroon ng isang klasikal na edukasyon, at pagkatapos ay maghanap ng sariling istilo, ang parehong primitivism ay hindi ipinanganak mula sa wala. At sumasang-ayon ako sa kanya.

Tungkol sa pagpapatupad
"Ang isang artista ay higit pa sa isang propesyon"

- Paano mo nagagawang pagsamahin ang gawain ng isang taga-disenyo, pagkamalikhain at pamilya?

Ang hirap, madalas akong nagsusulat kapag weekend. At ang anak na babae ay nasa hustong gulang na, hindi mo kailangang kasama siya sa lahat ng oras, mayroon na siyang maraming sariling interes. Sa panahon na hindi ako gumuhit, palagi kong nararamdaman na kulang ako. Ngayon hindi ko ibibigay ang pagpipinta, gusto kong maging malikhain at maghanap. Ang pagiging artista ay para sa akin ang kahulugan ng buhay at higit pa sa isang propesyon. Ang paglikha ng isang pagpipinta para sa akin ay isang uri ng misteryo, bagaman, siyempre, mula sa isang teknikal na punto ng view, walang misteryo. Ngunit ang proseso ay palaging nakakaintriga - iniisip ko kung ano ang lalabas sa huli.

- Ano ang iyong mga plano para sa malapit na hinaharap? Gusto mo bang magkaroon ng sarili mong workshop?

Gusto ko talagang lumahok sa mga eksibisyon, at hindi magkulong sa aking espasyo. Umaasa ako na sa lalong madaling panahon ay makakagawa ako ng isang personal na eksibisyon sa paaralan ng sining. At ang workshop ay marahil ay isang bagay lamang ng malayong hinaharap. Habang lahat ng trabaho ko ay nakalagay sa apartment. Nag-renovate kami kamakailan. Espesyal na pininturahan ng puti ang mga dingding para makapagsabit ng mga larawan. Inayos ko ang espasyo para sa trabaho para maramdaman ko ang hangin sa paligid at maraming liwanag. Hanggang sa ito ay tinutubuan ng lahat ng uri ng mga kagiliw-giliw na bagay at mga detalye, ngunit sa palagay ko ay hindi ito matagal.

Sa isang mainit na tag-araw ng bansa o sa isang matagal na pagbagsak ng snow. Mula sa ginhawa ng iyong tahanan, makakahanap ka ng inspirasyon sa mga ordinaryong prutas o hindi pangkaraniwang mga bulaklak. Ang paksa ay hindi sinusubukang iikot ang kanyang ulo, tulad ng sa isang portrait, at hindi nagbabago ng mga anino sa liwanag bawat segundo, tulad ng sa isang landscape. Iyan ang nagpapaganda ng genre ng still life. At ang "patay na kalikasan" sa Pranses, o "tahimik na buhay ng mga bagay" sa Dutch na bersyon, ay talagang nagpapasigla sa loob. Ipinakita ni Natalia Letnikova ang nangungunang 7 still lifes ng mga Russian artist.

"Mga violet sa kagubatan at forget-me-nots"

Forest violets at forget-me-nots

Ang pagpipinta ni Isaac Levitan ay parang asul na langit at puting ulap - mula sa mang-aawit ng kalikasang Ruso. Tanging sa canvas ay hindi mga katutubong bukas na espasyo, ngunit isang palumpon ng mga ligaw na bulaklak. Dandelion, lilac, cornflowers, immortelle, ferns at azalea... Pagkatapos ng kagubatan, ang workshop ng artist ay naging "alinman sa isang greenhouse o isang flower shop." Gustung-gusto ni Levitan ang mga bulaklak na buhay pa at tinuruan ang kanyang mga estudyante na makita ang parehong kulay at mga inflorescences: "Kailangan na hindi sila amoy ng pintura, ngunit ng mga bulaklak."

"Mansanas at Dahon"

mansanas at dahon

Ang mga gawa ni Ilya Repin ay organikong itinayo ang napakatalino na setting ng Russian Museum. Ang Wanderer artist ay gumawa ng komposisyon para sa kanyang estudyante, si Valentin Serov. Ito ay naging napakaganda na ang guro mismo ang kumuha ng brush. Anim na mansanas mula sa isang ordinaryong hardin - minasa at may "barrels", at isang tumpok ng mga dahon na natatakpan ng mga kulay ng taglagas bilang isang mapagkukunan ng inspirasyon.

"Bouquet ng bulaklak. Phloxes»

Bouquet ng mga bulaklak. Mga Phlox

Pagpinta ni Ivan Kramskoy. "Ang isang may talento na tao ay hindi mag-aaksaya ng oras sa paglalarawan, sabihin, mga palanggana, isda, atbp. Mabuting gawin ito para sa mga taong mayroon na ng lahat, ngunit marami kaming trabaho na dapat gawin," sumulat si Kramskoy kay Vasnetsov. Gayunpaman, sa pagtatapos ng kanyang buhay, hindi pinansin ng kilalang portraitist ang genre ng still life. Isang palumpon ng mga phlox sa isang glass vase ang ipinakita sa XII traveling exhibition. Ang pagpipinta ay binili bago ang pagbubukas ng vernissage.

"Buhay pa"

Buhay pa

Kazimir Malevich sa daan patungo sa "Black Square" sa pamamagitan ng impresyonismo at cubism, na lumalampas sa pagiging totoo. Ang isang plorera ng prutas ay bunga ng malikhaing pananaliksik, kahit na sa loob ng balangkas ng isang larawan: makapal na itim na linya ng French cloisonné technique, mga flat dish at malalaking prutas. Ang lahat ng mga bahagi ng larawan ay pinagsama lamang sa pamamagitan ng kulay. Kakaiba sa artist - maliwanag at puspos. Parang hamon sa mga kulay pastel ng totoong buhay.

"Herring at Lemon"

Herring at lemon

Apat na bata at nagpinta. Ang kumbinasyong ito sa buhay ng artista ay walang alinlangan na nagdidikta ng genre. Kaya nangyari ito kay Zinaida Serebryakova. Maraming mga larawan ng pamilya at mga buhay pa rin, ayon sa kung saan maaari kang gumawa ng isang menu: "Fruit Basket", "Asparagus at Strawberries", "Ubas", "Fish on Greens" ... Sa mga kamay ng isang tunay na master, "herring at lemon" ay magiging isang gawa ng sining. Mga tula at pagiging simple: isang spiral lemon peel at isang isda na walang mga frills.

"Buhay pa rin na may samovar"

Buhay pa rin na may samovar

Isang mag-aaral ng Serov, Korovin at Vasnetsov, "Jack of Diamonds" - Nagustuhan ni Ilya Mashkov na ilarawan ang mundo sa paligid niya, ngunit mas maliwanag. Porcelain figurines at begonias, pumpkins... Karne, laro - sa diwa ng mga lumang masters, at Moscow tinapay - sketch mula sa Smolensk market ng kabisera. At ayon sa tradisyon ng Russia - kung saan walang samovar. Ang isang tahimik na buhay mula sa larangan ng maligaya na buhay na may mga prutas at maliliwanag na pagkain ay kinumpleto ng isang bungo - isang paalala ng kahinaan ng buhay.

"Etude na may mga medalya"

Mag-aral gamit ang mga medalya

Buhay pa rin sa istilong Sobyet. Ang artist ng ika-20 siglo na si Anatoly Nikich-Krilichevsky sa isang larawan ay nagpakita ng buong buhay ng unang kampeon sa mundo ng Sobyet sa speed skating - si Maria Isakova. Sa mga tasa, bawat isa ay - mga taon ng pagsasanay; mga medalya na iginawad sa isang mapait na pakikibaka; mga titik at malalaking bouquet. Isang magandang larawan para sa isang artista at isang artistikong salaysay ng tagumpay sa palakasan. Kuwento pa rin ng buhay.

GOUACHE

Isinalin mula sa Pranses, ang salitang "gouache" ay nangangahulugang "pintura ng tubig". Ang mga pintura ng gouache ay may mahusay na kapangyarihan sa pagtatago, ay malabo, bagaman sila ay natunaw ng tubig (tingnan ang Mga Pintura).

Gamit ang pamamaraan ng gouache, nagpinta ang mga artista sa papel, karton, playwud, makapal na sutla. Ang mga gawa ay may matte, velvety surface. Ngunit kapag gumagamit ng gouache, ang sarili nitong mga paghihirap ay lumitaw - ang mga pintura ay mabilis na lumiwanag pagkatapos ng pagpapatayo. Malaking karanasan ang kinakailangan upang mahulaan ang antas ng pagbabago sa tono at kulay.

Ang gouache ay malawak na kilala sa Middle Ages, nang gumawa ito ng mga miniature ng libro (karaniwan ay kasama ng watercolor) sa maraming mga bansa sa Asya at Europa, at sa Renaissance - mga sketch, karton, portrait miniature. Sa Russia, ang pamamaraan ng gouache ay umabot sa isang mataas na antas ng pag-unlad sa sining ng huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang mga artista na V. A. Serov, A. Ya. Golovin, S. V. Ivanov ay nagpinta ng malalaking easel na gawa na may gouache, mahusay na ginagamit ang siksik na kulay nito upang makamit ang mga kahanga-hangang pandekorasyon na epekto.

Ginagamit ng mga sikat na artista ang pamamaraan ng gouache sa iba't ibang paraan. Kaya, ang larawan ni B. M. Kustodiev "Fair" ay isinulat sa isang corpus, sa isang pandekorasyon na paraan. Ang mga makukulay na damit ng mga tao, mga gusali, ang pintor ay nagpakita sa isang pangkalahatang paraan, lalo na ang mga hanay ng mga tolda, mga bubong at sa likod ng mga ito ay isang madilim na guhit ng kagubatan.

B. M. Kustodiev. Patas.
1908. Papel, gouache.

B. M. Kustodiev. Patas.
1908. Papel, gouache.

Si A. S. Stepanov, na kilala sa kanyang mga gawa na nakatuon sa landscape at mga hayop, ay isang kahanga-hangang master ng gouache. Ang isa sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay "Wolves". Nakakagulat na malinaw na pininturahan ang mga mandaragit, gutom, alerto. Ang liwanag ng buwan ay maputla, ang kalawakan ay misteryosong nagliliwanag. Ang pilak-asul na gamma ay lumilikha ng pakiramdam ng malamig sa gabi.

Ang mga artista ng asosasyon na "World of Art" ay madalas na bumaling sa gouache technique. Kadalasan pinagsama nila ang gouache sa iba pang mga materyales. Halimbawa, sa akdang "The Walk of the King" ginamit ni A.N. Benois, bilang karagdagan sa gouache, watercolor, ginto, at pilak. Ang paggamit ng huling dalawang materyales ay nagbigay sa larawan ng isang kapurihan, kaya katangian ng mga naninirahan noon sa Versailles.

A. N. Benois. Lakad ng hari

A. N. Benois. Lakad ng hari
1906. Papel sa karton, gouache, watercolor,
pinturang tanso, pinturang pilak,
lapis ng grapayt, panulat, brush
Gallery ng Estado ng Tretyakov

Kadalasan ang mga poster, sketch ng theatrical scenery, pandekorasyon na disenyo ay ginawa gamit ang gouache.

Paano magtrabaho sa gouache

Upang gumana sa gouache, pinakamahusay na gumamit ng isang porselana o plastic palette na may mga butas para sa mga pintura sa paligid ng mga gilid, o isang maliit na flat white board (30x40 cm). Ang mga brush ay bilog at patag (tingnan ang Brushes). Maaari kang gumamit ng mga bristle brush kapag nagtatrabaho sa mga pandekorasyon na panel, poster at slogan. Ngunit dito kakailanganin mo rin ang mga balahibo ng poster o mga stick na pinatalas sa anyo ng isang spatula. At kapag nagtatrabaho sa isang malaking eroplano, gumamit ng isang plauta - isang flat bristle brush. Takpan ang ibabaw ng gouache nang maraming beses, nang hindi naghihintay na matuyo ang pintura. Kung magkakaroon ka ng mga bumps, ipantay ang buong eroplano gamit ang isang basang plauta. Una, iguhit ang mga piraso nang sunud-sunod mula kaliwa hanggang kanan nang pahalang, at pagkatapos ay sa ibabaw ng patong. Huwag maglagay ng masyadong makapal na layer ng pintura: madali itong mabibitak at gumuho. Ang gouache ay tuyo sa temperatura ng silid sa loob ng isang oras.

Mas mainam na magtrabaho sa isang tablet, ngunit maaari ka ring gumamit ng isang pambura - isang plywood na tablet na may panlabas na frame na nakakapit sa mga gilid ng papel, o may dalawang frame na ipinasok ang isa sa isa.

Gumuhit ng gouache sa white art paper, brown paper, o gray na cardstock. Upang pantay na iunat ang papel sa tablet, ilagay ito upang ang mga gilid nito sa bawat panig ay 2-4 cm na mas malaki kaysa sa tablet. Pagkatapos ay basain ang papel sa magkabilang panig gamit ang isang espongha hanggang sa ito ay patag. Pagkatapos nito, tuyo ang papel gamit ang cotton wool, at grasa ang mga gilid ng tablet na may flour paste o dextrin. Simulan ang gluing mula sa gitna ng tablet, pantay na lumalawak sa lahat ng direksyon. I-fasten ang mga sulok gamit ang mga pindutan. Upang matuyo, ilagay ang natapos na tablet nang pahalang sa isang patag na lugar, nakatagilid ang papel. Ang iyong materyal para sa pagtatrabaho sa mga pintura ng gouache ay handa na.