Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ano ang papel ng ilustrasyon ng fashion sa mundo ng fashion/gloss ngayon?

Sa merkado ng Russia, ang paglalarawan ay nakakakuha lamang ng momentum at nagsisimulang manalo ng mga puso. Sa buong mundo ng pagtakpan, nangingibabaw ang sining ng photography - dahil ito ay mas naiintindihan at mas mahusay na nagbebenta, na mahalaga sa ating komersyalisadong mundo. Ang merkado ng fashion ng Russia ay bata pa, walang kultura at kasaysayan ng paglalarawan ng fashion. Gayunpaman, mayroong isang pag-ibig para sa matalinghagang pagtatanghal ng mga ideya, na pinalaki sa Murzilka at Crocodile. Ang mga makintab na magasin sa mundo, na ang mga pabalat at mga pahina ay pinalamutian ng mga guhit ng Russian emigré artist na si Erte at marami pang iba, ay may malalaking archive ng mga gawa ng mga dakilang masters. Ang pagtakpan ay dumating sa amin sa ibang pagkakataon at nasa format na ng larawan. Gayunpaman, salamat sa mga bersyon sa web ng mga magazine, Instagram at blogging, ang pangangailangan para sa paglalarawan ng presentasyon ng fashion ay lumalaki.

Ano ang 5 item na dapat mayroon ang isang fashion illustrator sa kanilang arsenal?

Isang sketch pad at isang walang katapusang ream ng A3 na papel, isang Moleskine portfolio folder, o isang tablet lang na may A3 clip upang iimbak ang iyong trabaho at magagawang umupo at gumuhit sa matigas na ibabaw kahit saan. Paboritong lapis kung ikaw ay isang konserbatibo at mahilig sa isang diskarte, o isang buong maleta ng mga cool na materyales kung gusto mong mag-eksperimento. Halimbawa, madalas akong nagdadala ng kalahating maleta ng mga lapis ng Faber-Castell at mga marker ng Winsor & Newton, tinta, brush at iba pang magagandang bagay sa mga paglalakbay sa negosyo, ngunit para sa bawat palabas ay nagdadala ako ng 1 materyal at ginagawa ito nang lubos. .

Gayundin, kailangan mo ng isang telepono sa kamay para sa pagbaril at pangunahing pagproseso ng mga larawan. Gumagamit ako ng iPhone sa loob ng maraming taon, mahal ko ang camera. Sa pamamagitan ng paraan, ang bagong iPhone 7 ay may optical stabilization, maaari kang kumuha ng mga larawan sa RAW na format at agad na i-edit ang mga ito, halimbawa, sa Adobe Lightroom application - napaka-maginhawa. At para sa buong pagpoproseso ng imahe, gumagamit ako ng MacBook Pro at Photoshop.

Ang paglalarawan ng fashion ay kadalasang nagsasangkot ng napakabilis na trabaho: ano ang hitsura ng proseso mula sa ideya hanggang sa publikasyon?

Sa aking kaso, ito mismo ang kaso, gusto kong magtrabaho nang mabilis. Mula sa 30-60 segundong sketch sa palabas, hanggang sa "mahaba" na mga gawa (hindi hihigit sa 60 minuto, at para sa isang tao ang proseso ay tumatagal ng sampu-sampung oras - ang lahat ay nakasalalay sa pamamaraan). Kung kukuha tayo ng halimbawa ng pagtatrabaho sa Paris Fashion Week, ang proseso ay ang mga sumusunod:

Kung pinapayagan kang pumunta sa backstage, ito ay kaligayahan, dahil dito maaari mong hilingin sa modelo na mag-freeze sa posisyon na kailangan mo sa loob ng 5-10 minuto at gumuhit ng sketch, pati na rin kumuha ng litrato sa iPhone ng ang mga kinakailangang anggulo para sa karagdagang trabaho.

Kumuha din ako ng mga larawan at video sa pagitan ng mga sketch upang maipinta ko ang mga huling larawan mula sa kanila sa ibang pagkakataon.

Sa gabi pagkatapos ng palabas o maaga sa umaga, sinusuri ko ang mga larawan / video / sketch, pipiliin ang pinakamahusay na mga anggulo at nagtatrabaho sa panghuling mga guhit.

Sa magandang liwanag ng araw, kumuha ako ng larawan sa HD na format, maaari mong i-edit kaagad sa iyong paboritong application.

Sa Fashion Weeks, ang Academy Awards, pati na rin ang mga high-profile na kaganapan tulad ng Met Gala at royal weddings, sinusundan ng mga netizens ang mga artist habang kumukuha sila ng mga snapshot ng mga nakaraang kaganapan nang may kasiyahan at walang halong paghanga. Bilang karagdagan sa pangkalahatang kahulugan, sa kanilang mga gawa ang mga ilustrador ay naghahatid ng mood ng sandali, na kadalasang nagbibigay inspirasyon ng higit pa sa isang larawan o video. Ang bawat master ay nagdaragdag sa kanyang mga guhit ng isang bahagi ng kanyang sarili, ang kanyang natatanging pananaw sa mundo at ang kanyang malalim na panloob na damdamin. Ito ang dahilan kung bakit napakahalaga at katangi-tangi ng maliliit na gawa ng sining sa kanilang sariling paraan. Ang ELLE ay nag-compile ng isang seleksyon ng nangungunang 10 fashion illustrator na susundan sa Instagram at gumuhit ng araw-araw na bahagi ng inspirasyon mula sa kanilang mga sketch.

1. DIANA SULTANOV

Kakaibang istilo Diana Sultanova- isang paglalarawan ng fashion na may mga etnikong motif na malapit na magkakaugnay sa alamat - matagal nang nanalo ng mga tagahanga hindi lamang sa ating bansa, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang artista ay nagtapos mula sa Lyceum of Arts sa Vladikavkaz, at pagkatapos ay nakatanggap ng isang espesyalidad sa disenyo ng kasuutan sa Moscow University na pinangalanang Kosygin. Isinasaalang-alang ni Diana ang arkitektura ng Gothic, sining ng Oriental, gayundin ang gawa ng Pre-Raphaelites, ang kanyang pangunahing pinagmumulan ng inspirasyon. Ang mga guhit ng fashion ni Diana ay sinusundan ng mga tatak ng fashion tulad ng Valentino, Roberto Cavalli, Lanvin, Zuhair Murad - madalas na inilathala ng mga tatak ang mga gawa ni Sultanova sa kanilang mga profile, na binibigyang pansin ang natatanging talento ng Russian artist.

“Para sa akin, ang fashion illustration ay isang uri ng symbiosis ng fashion at art. Minsan ang mga ilustrasyon, sa palagay ko, ay maaaring magbunyag ng kakanyahan ng koleksyon at ang intensyon ng may-akda na mas mahusay kaysa sa mga larawan. Kapag gumawa ako ng isang ilustrasyon, sinusubukan kong ihatid ang aking mga damdamin mula dito o sa modelong iyon, upang lumikha ng isang espesyal na mundo ng fairytale sa paligid nito.

2. Alena Lavdovskaya

Isa sa mga nangungunang fashion illustrator sa Russia at ang unang artist sa ating bansa na nagtaas ng genre na ito sa napakataas na antas. Alyona- Isang nagtapos sa mga prestihiyosong institusyong pang-edukasyon tulad ng Academy of Art sa San Francisco, NABA sa Milan at Moscow State Technical University. Kosygin. Si Lavdovskaya ay nagtrabaho sa industriya ng fashion at luxury fashion retail sa loob ng higit sa 17 taon, sinimulan ang kanyang karera sa Gucci at sa maalamat na creative department ng TSUM, kung saan ang isang pangkat ng mga mahuhusay na artist, stylist at dekorador araw-araw ay lumilikha ng mga makulay na proyekto para sa mga window display at interior ng department store. Ngayon sa likod ng mga balikat ng batang babae ay ang mga pakikipagtulungan sa mga nangungunang fashion brand at makintab na publikasyon, pati na rin ang pagbubukas ng kanyang sariling drawing school.

"Para sa akin, ang pinakamalaking kilig ay ang pagguhit ng mga ilustrasyon ng ulat mula sa palabas, lalo na gusto ko ang mga sandali sa atmospera sa panahon ng palabas o sa likod ng entablado."

"Kailangan mong gawin ang gusto mo, sundin ang mga uso, hanapin ang iyong estilo, huwag maawa sa iyong sarili at pumunta sa layunin. Unawain kung sino ang iyong guro at pangunahing kritiko, upang hindi mo hayaan ang iyong sarili na makapagpahinga. At gumuhit. Kung sino man ang magtrabaho, tiyak na darating sa kanya ang suwerte!

3. BELINDA XIA

Ilustrador ng Australia Belinda Xia kilala para sa kanyang pag-ibig hindi lamang para sa mundo ng fashion, ngunit kagandahan at panloob na disenyo. Ang artist ay may mga pakikipagtulungan sa mga online na fashion brand, cafe at Christmas market. Sa Instagram ng illustrator, makakahanap ka ng mga sketch na may pinakabagong mga uso sa fashion, mga kawili-wiling calligraphic sketch at mga animated na larawan.

4. DONALD ROBERTSON

Mga pangalan ng magazine ng Vanity Fair Amerikanong ilustrador- ang modernong Andy Warhol ng Instagram, at pinahahalagahan ng mga tagahanga si Robertson para sa kanyang kakaiba at ironic na pananaw sa mundo ng fashion. Ngayon ang Canadian artist ay nakatira sa New York at hawak ang posisyon ng creative director sa Estee Lauder. Tiniyak niya na sa buhay siya ay pinaka-inspirasyon ng mga royal wedding, super-cups, pati na rin ang kanyang sariling asawa at limang minamahal na anak.

5. LENA KER

Ilustrador ng Russia Lena Ker itinuturing na isa sa mga pinakapropesyonal na fashion artist sa mundo. Sa yugtong ito, nakikipagtulungan siya sa mga pandaigdigang makintab na publikasyon at tulad ng mga tatak ng fashion gaya ng Dior, Jimmy Choo, J.Crew at Mark Cross. Itinuturing ng artist ang kanyang sarili na hindi lamang isang master ng pagguhit, ngunit isang tunay na taga-disenyo, dahil ang pananaw na ito ng kanyang trabaho ang nagpapahintulot kay Ker na lumikha ng mga sketch na hangganan sa mga tunay na sketch ng fashion.

6. Cathy Rogers

Amerikanong artista ay ipinanganak sa Atlanta, ngunit ngayon ay nakatira sa New York - isang minamahal na lungsod na nagbibigay sa ilustrador ng hindi kapani-paniwalang inspirasyon. Madaling makilala ang istilo ng sining ni Cathy. Ang lahat ng kanyang mga gawa ay magaan sa mood at may mala-batang alindog. Para sa ilan sa kanyang mga guhit, gumagamit si Katy ng kinang upang magdagdag ng dimensyon at pagiging totoo sa mga sketch. Tandaan na gumawa si Rogers ng isang blog na may mga personal na ilustrasyon na Paperfashion noong 2009 at sa nakalipas na 9 na taon ay nagtrabaho siya sa mga tatak tulad ng Clé de Peau, Kate Spade, Coach, Alicia Keys, Calypso St. Barths, Stuart Weitzman, Paul Mitchell, Target at Nabisco.

"Gumugugol ako ng maraming oras sa pagtingin sa mga palabas sa fashion, mga magasin, mga bagong uso, mga novelty ng designer, at iba pa. Ang inspirasyon ay nagmumula sa iba't ibang bagay at tao. Gustung-gusto kong manood ng mga tao sa kalye, pag-aaral tungkol sa kanilang personal na istilo. Ang Thesartorialist, copenhagenstreetstyle, facehunter at stylescout na mga blog ay madalas na tumutulong sa akin dito.

“Para sa trabaho ko gumagamit ako ng Winsor & Newtoon watercolors, brushes, inks at pens. Matagal na akong naniniwala na marami sa pagguhit ay depende sa kalidad ng papel. Kaya para sa mga nagsisimula, ipinapayo ko sa iyo na huwag magtipid sa mga materyales.

7. Megan Hess

Sa kanyang mga panayam, ang Melbourne illustrator Megan Hess nagsasabi kung ano ang pinaka-inspirasyon ng mundo ng fashion at glamour. Noong 2008, inilarawan ni Hess ang aklat na Sex and the City ni Candace Bushnell, mula noon ay nagtrabaho na siya sa maraming kilalang publikasyon at tatak. Ang kanyang mga sikat na kliyente ay kinabibilangan ng: Chanel, Dior, Tiffany & Co., Yves Saint Laurent, Vogue, Harpers Bazaar, Fendi, Ladure, The Ritz Hotel Paris, Michelle Obama, Cartier, Montblanc, Ladure, Balenciaga, Guerlain at Paspaley. Gumagawa din ang taga-disenyo ng limitadong edisyong silk scarves at unan kasama ang kanyang mga signature print.

8 Sarah Hankinson

Isa pa Ilustrador ng Australia lumilikha ng kanyang mga guhit gamit ang watercolor, uling, tinta at lapis. Bilang karagdagan sa mga eleganteng fashion drawing, mahilig si Sarah sa mga tema ng kasal, paglalarawan ng pagkain at botanical sketch. Kamakailan lamang, ang artista ay naging isang ina sa pangalawang pagkakataon, ngunit sa kabila nito, ang bilis ng trabaho ay hindi bumabagal. Nagtrabaho si Sarah sa mga kumpanya tulad ng Target, Maybelline, Sportsgirl, Portmans, Hardie Grant Publishers at Imlulse Body Spray. Kinuha ni Hankinson ang kanyang inspirasyon mula sa fashion photography, mga libro, magazine at blog. Ang kanyang idolo ay ang artist na si Kat McLeod, isang Australian illustrator na nagdisenyo ng mga libro tulad ng The Cocktail: 200 Fabulous Drinks and Bird.

Ang simula ng ika-21 siglo ay ang ating panahon, ang panahon kung saan nabubuhay tayong lahat, ang panahon ng pag-unlad ng teknolohiya at mga bagong uso, hindi gaanong teknikal, sa sining, ngunit ito ang oras na ito, ang simula ng ika-21 siglo, na ay tinatawag na ang panahon ng muling pagsilang, renaissance, fashion illustration, fashion illustration. Ang parehong lumang magandang ilustrasyon, na noong ikadalawampu siglo ay pinalitan ng litrato.

Napakakaraniwan na makakita ng mga litrato sa mga pabalat at pahina ng mga fashion magazine, ngunit ngayon ang mga guhit ay magkakasamang nabubuhay sa tabi ng mga larawan. Sa pangkalahatan, ginagawa nila ang parehong mga pag-andar - ipinapakita nila, binibigyan kami ng isang imahe, ang hitsura ng isang partikular na bagay, pag-advertise nito. Moderno na ang photography, luma na ang ilustrasyon, dahil noong mga panahong iyon, noong hindi pa alam ng mundo kung ano ang camera, matagumpay nitong naisagawa ang mga function ng photography. Ngunit mayroon ding mga pagkakaiba sa pagitan nila. Sa paglalarawan, mayroong higit na puwang para sa pagpapakita ng talento, sariling katangian, ideya ng isang bagay, pagkamalikhain, at, samakatuwid, higit pa kaysa sa may-akda mismo. Sa huli, halos lahat ay alam kung paano kumuha ng litrato ngayon, ngunit hindi gumuhit. At nagbibigay din ito ng ilustrasyon ng fashion ng isang tiyak na magic.

Ang mga prototype ng mga unang ilustrasyon ng fashion ay maaaring ituring na mga ukit at etching noong ika-16 na siglo, na naglalarawan ng mga kababaihan at mga ginoo, mga fashionista at kababaihan ng fashion. Ngunit ang ilustrasyon ng fashion mismo ay lumilitaw noong ika-19 na siglo. XIX - ang unang kalahati ng XX siglo - ang oras ng kasaganaan nito. Ang French fashion designer na si Paul Poiret ay aktibong sumusuporta sa mga fashion illustrator, gumagana sa fashion illustration at. Sa simula ng ika-20 siglo, maraming mga bulaklak na burloloy, na sikat na tinatawag na "spinach", ang nagsilbing background para sa paglalarawan ng fashion. Pagkatapos ang background ay maaaring alisin nang buo o magiging mas magkakaibang.

mga larawan ng fashion mula sa iba't ibang panahon

Sa unang kalahati ng ikadalawampu siglo, hindi lamang makitid na mga espesyalista, yaong ang tinapay ay ilustrasyon, kundi pati na rin ang maraming kilalang artista, ay nagtatrabaho sa ilustrasyon ng fashion. Kaya lumilitaw ang mga guhit ng fashion ng trabaho sa Vogue. At ang Russian artist na si Roman Tyrtov (mas kilala bilang Erte) ay inalok ng kooperasyon noong 1914 ng dalawang fashion magazine nang sabay-sabay: Vogue at Harper's Bazaar. Sinabi nila na si Erte ay ganap na kumilos - upang hindi pahirapan ng problema sa pagpili, naghagis lamang siya ng isang barya: "mga ulo o buntot". At ang kapalaran sa anyo ng isang barya ay itinuro sa Harper's Bazaar.

Ang ilustrasyon ng fashion ay umunlad sa mga pabalat at pahina ng mga fashion magazine hanggang sa 1930s. Sa panahong ito nagsimulang palitan siya ng litrato.

Ngunit ang isang bagong hininga, isang maliit na pagbabagong-buhay, para sa paglalarawan ng fashion ay ang gawa ng French fashion illustrator na si Rene Gruault. Matagal nang nagtatrabaho si Gruau sa House of Dior, kung saan nagdisenyo siya ng mga katalogo, packaging (pabango) at maging ang mga anunsyo at imbitasyon. Si Rene Gruault ay nagtrabaho kasama si Dior noong 40s, 50s, 60s, at 70s. Posibleng sabihin na ang imahe ng House of Dior ay natukoy, bukod sa iba pang mga bagay, ni Rene Gruault. Gayunpaman, nagtrabaho siya hindi lamang sa fashion graphics, kundi pati na rin sa advertising, kahit na higit pa sa advertising. Noong dekada 60, nakipagtulungan din si Gruault kay Valentino. Ang kanyang mga ilustrasyon ay lumabas sa mga magasin ng Vogue at L'Officiel. Sa katunayan, sa kalagitnaan ng ikadalawampu siglo, ang mga ilustrasyon ni Gruault ay nanalo sa photography, ngunit ito ay isang kaaya-ayang pagbubukod sa halip na ang panuntunan. Ang interes sa ilustrasyon ng fashion ay muling nagising sa simula lamang ng ika-21 siglo.

Panayam sa isang mahuhusay na Russian fashion illustrator.

Ang ilustrasyon ng fashion ay nagsisimula pa lamang na lumitaw sa Russia bilang isang propesyon, at ang mga tagalikha nito ay higit na mahalaga. Nakapanayam namin si Maxim Sergeev, isang fashion illustrator na patuloy na umuunlad at naghahanap ng mga bagong solusyon sa istilo. May kaunting impormasyon tungkol sa kanya sa Internet, ngunit ang mga pangalan ng kliyente tulad ng Tiffany & Co at Louis Vuitton ay kahanga-hanga.

Maxim, sabihin mo sa akin kung saan ka galing.

Ipinanganak ako sa isang maliit na saradong bayan na tinatawag na Arzamas-16 sa rehiyon ng Gorky. Sa pagsasabi, sa ating panahon ay walang isang lungsod na may ganoong pangalan, o isang rehiyon: ngayon ito ay ang lungsod ng Sarov, Nizhny Novgorod Region, at ako ay nakatira dito.

Saan ka nag-aral?

Wala akong propesyonal na edukasyon sa sining, self-taught ako. Isa akong economist-marketer sa pamamagitan ng edukasyon, nagtrabaho pa ako sa espesyalisasyong ito nang ilang panahon.

Sabihin sa amin kung paano ka naging fashion illustrator?

Nag-drawing ako mula pagkabata: sa una ay kinopya ko ang mga guhit mula sa aking mga paboritong makukulay na libro tulad ng Bylin, at sa paglipas ng panahon ay nagsimula akong gumuhit ng sarili kong mga kuwento. Pagkalipas ng 15 taon, ang libangan na ito ay nawala kahit papaano. Sa edad na 21 lumipat siya sa Moscow. Nag-aral, sabay nagtrabaho sa mga restaurant. Pagkatapos ng graduation, nagtrabaho ako sa aking espesyalisasyon, at nagkataon na binili ko ang aking sarili ng pinakasimpleng graphics tablet at nagsimulang gumuhit muli para masaya. Unti-unti, nagsimula siyang kumuha ng mga order, gumuhit ng mga guhit para sa mga site ng pantasya, cartoon, at iba pa. Bilang resulta, nakakuha ako ng trabaho bilang digital artist sa isang brokerage company, kung saan sa loob ng mahabang panahon kailangan kong gumuhit ng near-stock stylized illustrations ng "bulls, elks, bears" at lahat ng iyon. Ngunit pagkatapos ay pinangarap kong magpinta ng mga larawan at pantasiya, kaya nagdulot ito ng kaunting kagalakan. Sa mga oras na ito ay nakita ko ang mga ilustrasyon ni David Downton at labis akong humanga. Minimalist style, ngunit tumpak na naghahatid ng mga portrait, mga detalye ng damit at ang imahe sa kabuuan ... Marahil, mula sa sandaling iyon, lumitaw ang aking interes sa ilustrasyon ng fashion ... Sinubukan kong kopyahin ang kanyang trabaho sa Photoshop, pagguhit ng mga batang babae mula sa mga larawan na kahanay at sinusubukang i-stylize ang mga ito, at unti-unting nagsimulang lumipat sa mga tradisyonal na materyales - sa una ito ay watercolor.

Paano mo kinopya ang Downton sa Photoshop? Siya ay nagpinta kadalasan sa watercolor o tinta.

Ang Downton ay may ganap na kakaibang istilo - napakaputla ng mga tampok, ang isang gilid ng larawan ay mas maputla kaysa sa isa, at ilang makapal na madilim na linya ng tinta na lumulutang ang lapad. Ito ang sinusubukan kong ipahiwatig sa Photoshop. Sa pamamagitan ng paraan, ngayon maraming mga digital fashion illustrator ang madalas na gumagamit ng diskarteng ito sa pagguhit. Ngunit ang nagresultang larawan ay tila hindi kawili-wili at walang buhay sa akin, kaya unti-unti akong lumipat sa mga tradisyonal na materyales.

Ang propesyon ng isang fashion illustrator ay medyo hindi pangkaraniwan. Nagulat ba ang iyong pamilya? Sinuportahan ka ba nila?

Pantay-pantay ang reaksyon ng pamilya - ito ay isang uri ng napaka-organic na paglipat mula sa digital patungo sa tradisyonal na paglalarawan ng fashion. Lagi nila akong sinusuportahan. Si Nanay at kapatid pa rin ang aking pangunahing kritiko.

Ang paglalarawan ba ay isang trabaho o isang hilig para sa iyo?

Dahil nagsimula akong kumita ng pera gamit ang ilustrasyon, itinuturing ko itong pangunahing propesyon, kaya gumuhit ako araw-araw at sa mahabang panahon.

Mayroon bang iskedyul ng trabaho?

Sinusubukan kong manatili sa nakagawiang (bagaman, siyempre, nangyayari na sinira ko ang rehimen). Sa umaga - isang gym, pagkatapos na magtrabaho sa mga order at pagguhit para sa aking sarili "sa mesa" - upang bumuo ng mga kasanayan at bumuo ng aking sariling estilo - na may maikling pahinga para sa pahinga.

Ano ang interes mo sa pagguhit ngayon?

Higit pang mga larawan at larawan ng lalaki. Sa yugtong ito, mukhang kawili-wili sila sa akin: mas maraming angular na mukha, isang binibigkas na panga at cheekbones, malalaking kilay. Pagkatapos ng mahabang panahon ng pagguhit ng eksklusibong mga babaeng portrait, ito ay isang magandang pagbabago.

Gumuhit ka ba ng mga sketch mula sa kalikasan?

Lubos na bihira. Minsan ang mga kakilala, kaibigan, kapamilya ay nagpapa-pose sa akin. Para sa napakabilis na sketch o para sa warm-up, gumagamit ako ng mga mapagkukunan tulad ng Croquis Cafe (isang online na mapagkukunan na naglalaman ng mga video ng mga taong nagpo-posing).

Ano ang ginagamit mo para sa trabaho - mga larawan ng mga modelo, photographer o mga larawan mula sa mga palabas sa fashion?

Hindi talaga ako mahilig mag-drawing ng mga catwalk. Tila sa akin na sila ay medyo monotonous, static. Mas gusto ko ang mas buhay na buhay at kawili-wiling mga larawan. Ang isang halimbawa ay ang gawa ni Nick Knight. Napakasining, mobile at malalim. Ang isang hindi mauubos na mapagkukunan ng mga ideya sa kasong ito ay Behance o ang parehong Pinterest.

Sinusubaybayan mo ba ang mga palabas? Mahalaga ba sila sa iyo?

Talagang sinusubaybayan ko ang mga palabas, mula sa mga linggo ng fashion ng Russia hanggang sa mga pinaka-iconic na internasyonal. Naniniwala ako na kung nais mong makamit ang isang bagay sa karera ng isang fashion illustrator (lalo na ang pagguhit para sa mga publikasyon at mga bahay ng fashion), dapat kang magkaroon ng kamalayan sa mga uso sa fashion. Nalalapat ito sa mga estilo, mga kopya, mga kulay - lahat ay dapat na maipakita sa iyong mga guhit sa isang tiyak na lawak.

Aling illustrator ang nagbibigay-inspirasyon sa iyo? Kaninong istilo ang pinakagusto mo?

Ang listahan ng aking mga paboritong ilustrador ay patuloy na nagbabago sa paglipas ng panahon. Sa ngayon, gusto ko ang gawa nina Bil Donovan, Richard Kilroy at Howard Tangue higit sa lahat - ito ay mga kontemporaryo. Sa mga nauna, gusto ko ang mga libreng istilo nina Antonio Lopez at Tony Viramontes.

Paano mo iniimbak ang iyong trabaho?

Ang aking mga guhit ay halos sa papel, inilalagay ko ito sa mga drawer at mga cabinet sa makapal na mabibigat na folder :). Ngunit may mga bihirang eksepsiyon - mga na-scan na inilagay sa portfolio o sa aking website. Ang ganitong mga ilustrasyon ay tumatagal ng mahabang panahon upang maproseso.

Ano ang iyong mga paboritong materyales?

Nagbago sila sa paglipas ng panahon. Sa una, nagpinta ako ng eksklusibo sa watercolor, at literal sa 2-3 na kulay. Ngayon ay nagtatrabaho ako sa mixed media: watercolor at colored pencils. Nagsimula akong mag-master ng gouache, gumuhit ako ng kaunti. Ang materyal na ito ang pinakamahirap para sa akin mula sa paaralan. Kapag gusto kong mag-relax, lumipat ako sa mga collage. Ang paborito kong paksa ay mga guhit mula sa isang larawan mula sa mga scrap ng makintab na magasin.

Anopapelginagamit mo ba sa trabaho?

Anuman. Sa katunayan, bihira akong gumuhit sa mamahaling papel - Karaniwan akong bumili ng mga folder ng 20 A3 sheet para sa 200-300 rubles. Para sa mabilis na mga sketch at pagpupuno ng aking mga kamay, ginagamit ko ang lahat ng nasa paligid: papel ng printer, makintab o itim na papel, minsan kahit na mga pahayagan.

Sabihin sa amin ang tungkol sa ilang kawili-wiling serye ng iyong trabaho.

Ang pinaka-memorable sa aking mga kamakailang gawa ay ang tinatawag na hamon sa aking sarili: "100 sketches sa isang istilo sa loob ng 5 araw". Siyempre, ako ay "nabigla" sa proseso ng paggawa sa ika-75 na sketch, ngunit sa kabilang banda, ang isang disenteng stack ng medyo mabigat na papel ay nanatili bilang isang keepsake.

Gaano katagal ang paglalakbay sa unang order?

Medyo maikli. Tulad ng naaalala ko ngayon: ito ay isang order para sa isang larawan. Dahil nagpatuloy ako sa pagtatrabaho bilang digital artist noong panahong iyon, ang larangan ng aktibidad at mga kliyente ay nagbago nang maayos. Ngayon sa aking mga customer ay mayroong mga kumpanyang gaya ng Louis Vuitton, Finn Flare, Moet, Tiffany & co. Lahat sila ay nakarating sa akin sa eksaktong parehong paraan - sa pamamagitan ng aking Instagram. Sa pangkalahatan, itinuturing ko ang social network na ito bilang isa sa aking mga pangunahing tool, at ang tugon mula dito ay ang pinakamalaking, kahit na ako ay nasa Behance, at sa Facebook, at sa VKontakte.

Sa pangkalahatan, pareho ang order namin at mga dayuhang customer. Ang estilo ng trabaho ay bahagyang naiiba, iyon lang. Sa mga dayuhang customer, ito ay medyo mas simple at mas malinaw: walang malabo na mga salita tulad ng "well, gusto ko ng isang bagay na napakaberde, ngunit sa kabilang banda, ang pula ay posible rin." May mga moodboard, kung saan ang ano, paano at bakit biswal na ipininta. Bagaman nararapat na sabihin na kamakailan lamang ay sinimulan ng aming mga kumpanya na gamitin ang kasanayang ito.

Sa palagay mo, posible bang kumita ng pera lamang sa mga ilustrasyon ng fashion?

Oo naman. Sa pangkalahatan, ang saklaw ng aplikasyon nito sa modernong mundo ay medyo malawak: ito ay mga guhit para sa mga kumpanya ng customer, at paglalarawan ng mga linggo ng fashion / magazine, at mga pribadong order para sa mga portrait at imahe, at nagtatrabaho sa mga kaganapan, at kahit na nagtuturo sa pribadong sining. mga paaralan, ang pangunahing bagay ay subukang malaman kung ano ang pinakamahusay para sa iyo.

Maxim, mangyaring sabihin sa amin ang tungkol sa ilan sa mga pinaka-kawili-wili o pinaka-hindi malilimutang mga order.

Ang pinaka-hindi malilimutang ay hindi kahit na ang pinakamalaking order o ang pinakatanyag na customer, ngunit isang medyo hindi tipikal na karanasan para sa akin. Isang araw, sumulat sa akin ang illustrator na si Achraf Amiri, na nagsimulang maglathala ng sarili niyang magazine na Illustrashion, at tinipon ang mga gawa ng iba't ibang artista para sa susunod na isyu. Ang pangunahing kahirapan ng pagkakasunud-sunod ay ang pangkalahatang estilo ng magazine ay napakalapit sa genre ng Vanitas - lahat ng mga bungo, mga tala at iba pa. Bukod dito, hiniling niya sa akin na gumuhit sa aking istilo - maliwanag na mga spot, watercolor at mga kulay na lapis. Sa pangkalahatan, ito ay hindi pangkaraniwan at lubhang nakakatawa.

Ano ang gusto mong puntahan? Ano ang pangarap mo?

Mula sa mga propesyonal na hangarin - marahil, hindi ako magiging orihinal - regular na trabaho kasama ang pinakasikat na makintab na mga publikasyon. Exhibition at pagbebenta ng aking mga gawa sa mga sikat na thematic gallery ng mundo. At siyempre, nangangarap ako ng mahusay na kalusugan at mahabang buhay, upang magkaroon ako ng lakas at determinasyon na makamit ang aking mga layunin.

Ilustrasyon ni David Downton: Cate Blanchett sa pabalat ng Vogue Australia

Palagi kong iniisip na ang fashion ay isang lehitimong paksa para sa sining…. Tingnan ang paraan ng mga ilustrador ng fashion tulad nina Eric at Antonio o René Gruault na tumulong na tukuyin ang mga oras na ating kinabubuhayan. Sila ay tulad ng sinumang photographer sa pag-iisip tungkol sa kung ano ang gusto naming hitsura at kung paano namin gustong mabuhay,

Sabi ni David Downton, isa sa pinakasikat at mahuhusay na ilustrador sa ating panahon.At ito ay totoo, dahil ito ang ilustrasyon na nagsilbi bilang isang larawan sa isang oras na ito ay napakalayo pa bago ang pagdating ng camera: ipinakilala nito ang mga bagong uso sa fashion, nagpakita ng mga bagong outfit at uso.

KASAYSAYAN NG FASHION-ILLUSTRATIONS

Ang ilustrasyon ng fashion ay nasa loob ng higit sa 500 taon. Ang mga prototype nito ay maaaring ituring na mga ukit at ukit ng ika-16 na siglo na naglalarawan sa mga kababaihan at ginoo sa korte - ang pangunahing (at, sa pangkalahatan, ang tanging) mga fashionista at fashionista ng mga siglong iyon. Halimbawa, sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, lumitaw sa Espanya ang mga aklat na may mga larawan ng mga damit at mga tagubilin sa pananahi.

VACLAV HOLLAR

Sa oras na iyon, ang isa sa mga unang ilustrador ng fashion ay itinuturing na Czech graphic artist at artist na si Wenceslaus Hollar (Hulyo 13, 1607 - Marso 28, 1677), na nagtrabaho sa London mula 1640. Nagtrabaho si Hollar sa pamamaraan ng pag-ukit, lumikha siya ng humigit-kumulang 2740 na mga ukit sa iba't ibang mga paksa, bukod sa kung saan ay mga larawan ng mga kasuotan ng kababaihan.

Noong 1679, sa France, sa Lyon, ang magazine na "Mercure Galant" ay nagsimulang lumitaw, kung saan nagsisimula ang kasaysayan ng fashionable gloss. Ang magazine ay pinalamutian ng mga guhit na ginawa sa pamamagitan ng kamay ng mga sikat na Pranses na artista: Abraham Bosse, Pierre Bonnard at iba pa.

Simula noon, naging karaniwan na ang mga publikasyong nagtatampok ng mga print ng fashion, at sabik na hinihintay ng mga fashionista sa buong mundo ang pinakabagong mga edisyon. Ang pinakaunang tunay na fashion magazine ay lumitaw sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, pagkatapos ay nagsimulang aktibong umunlad ang ilustrasyon ng fashion, at ang bukang-liwayway nito ay dumating sa panahon mula ika-19 hanggang unang kalahati ng ika-20 siglo. Ang oras na ito ay nagbigay sa mundo ng mga pinaka mahuhusay na ilustrador na lubos na nakaimpluwensya sa pang-unawa ng fashion bilang sining.

1850-1900 Ang mga kilalang tao sa mundo ng fashion ay ang Italyano na pintor na si Giovanni Boldini (1842-1931) at ang American graphic artist na si Charles Dana Gibson (1867-1944).

GIOVANNI BOLDINI

Si Giovanni Boldini, isang mahusay na pintor ng portrait noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo, ay napunta sa kasaysayan bilang isa sa mga unang ilustrador ng fashion. Ang mga tiwala sa sarili na mga kababaihan ng mataas na lipunan ay lumitaw sa kanyang mga kuwadro na gawa sa katangi-tanging mga damit sa gabi. Ito ay si Giovanni Boldini na higit sa isang daang taon na ang nakalilipas ay nagkaroon ng isang kamay sa isang bagong pang-unawa sa ideal ng babaeng kagandahan. Si Dame Boldini ay mas matangkad kaysa karaniwan, may manipis na bukung-bukong, maliliit na suso, at partikular na balingkinitan.