Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Alam ng lahat na ang Italya ang puso ng buong panahon ng Renaissance. Ang mga dakilang master ng salita, brush at pilosopiko na pag-iisip ay lumitaw sa bawat isa sa kultura sa Italya ay nagpapakita ng paglitaw ng mga tradisyon na bubuo sa mga susunod na siglo, ang panahong ito ay naging panimulang punto, ang simula ng isang mahusay na panahon ng pag-unlad ng pagkamalikhain sa Europa.

Maikling tungkol sa pangunahing

Ang sining ng Maagang Renaissance sa Italya ay sumasaklaw sa panahon mula humigit-kumulang 1420 hanggang 1500, bago at natapos ang Proto-Renaissance. Tulad ng anumang panahon ng transisyonal, ang walumpung taon na ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng parehong mga ideya na nauna at bago, na, gayunpaman, ay hiniram mula sa malayong nakaraan, mula sa mga klasiko. Unti-unti, inalis ng mga tagalikha ang mga konsepto ng medyebal, na inilipat ang kanilang pansin sa sinaunang sining.

Gayunpaman, sa kabila ng katotohanan na sa karamihan ay hinahangad nilang bumalik sa mga mithiin ng isang nakalimutang sining, kapwa sa pangkalahatan at sa partikular, ang mga sinaunang tradisyon ay gayunpaman ay magkakaugnay sa mga bago, ngunit sa isang mas maliit na lawak.

Arkitekturang Italyano sa panahon ng maagang renaissance

Ang pangunahing pangalan sa arkitektura ng panahong ito ay, siyempre, Filippo Brunelleschi. Siya ay naging personipikasyon ng arkitektura ng Renaissance, na organikong isinasama ang kanyang mga ideya, pinamamahalaang niyang gawing isang bagay na nakakaakit ang mga proyekto, at, sa pamamagitan ng paraan, hanggang ngayon, ang kanyang mga obra maestra ay maingat na binabantayan sa maraming henerasyon. Ang isa sa kanyang pangunahing malikhaing tagumpay ay itinuturing na mga gusali na matatagpuan sa pinakasentro ng Florence, ang pinaka-kapansin-pansin ay ang simboryo ng Florentine Cathedral ng Santa Maria del Fiore at ang Pitti Palace, na naging panimulang punto ng arkitektura ng Italyano ng ang Maagang Renaissance.

Kasama rin sa iba pang mahahalagang tagumpay ng Italian Renaissance na matatagpuan malapit sa pangunahing plaza ng Venice, mga palasyo sa Roma sa pamamagitan ng mga kamay ni Bernardo di Lorenzo at iba pa. Sa panahong ito, hinahangad ng arkitektura ng Italya na organikong pagsamahin ang mga tampok ng Middle Ages at ang Classics, na nagsusumikap para sa lohika ng mga proporsyon. Ang isang mahusay na halimbawa ng pahayag na ito ay ang Basilica ng San Lorenzo, muli ni Filippo Brunelleschi. Sa ibang mga bansa sa Europa, ang Maagang Renaissance ay hindi nag-iwan ng mga kapansin-pansing halimbawa.

Mga Artist ng Maagang Renaissance

Mga resulta

Ang kultura ng Maagang Renaissance sa Italya, bagama't nagsusumikap para sa parehong bagay - upang ipakita ang mga klasiko sa pamamagitan ng prisma ng pagiging natural, ngunit ang mga tagalikha ay sumusunod sa iba't ibang mga landas, na iniiwan ang kanilang mga pangalan sa kultura ng Renaissance. Maraming magagandang pangalan, mapanlikha na mga obra maestra at isang kumpletong muling pag-iisip ng hindi lamang masining, kundi pati na rin ang pilosopikal na kultura - lahat ng ito ay nagdala sa amin ng isang panahon na naglalarawan sa iba pang mga yugto ng Renaissance, kung saan ang mga itinatag na mithiin ay natagpuan ang kanilang pagpapatuloy.

Sa mga unang dekada ng ika-15 siglo, naganap ang isang mapagpasyang punto ng pagbabago sa sining ng Italya. Ang paglitaw ng isang makapangyarihang sentro ng Renaissance sa Florence ay humantong sa pagpapanibago ng buong kulturang artistikong Italyano. Ang gawa ni Donatello, Masaccio at ng kanilang mga kasamahan ay nagmamarka ng tagumpay ng Renaissance realism, na malaki ang pagkakaiba sa "realism of details" na katangian ng sining ng late trecento. Ang mga gawa ng mga master na ito ay puno ng mga mithiin ng humanismo. Dinadakila nila ang isang tao, itinaas siya sa itaas ng antas ng pang-araw-araw na buhay. Sa kanilang pakikibaka sa tradisyon ng Gothic, ang mga artista ng unang bahagi ng Renaissance ay humingi ng suporta noong unang panahon at ang sining ng Proto-Renaissance. Kung ano ang hinanap ng mga master ng Proto-Renaissance nang intuitively, sa pamamagitan ng pagpindot, ay nakabatay na ngayon sa tumpak na kaalaman. Ang sining ng Italyano noong ika-15 siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng mahusay na pagkakaiba-iba. Ang pagkakaiba sa mga kondisyon kung saan nabuo ang mga lokal na paaralan ay nagbubunga ng iba't ibang masining na paggalaw. Ang bagong sining, na nanalo sa simula ng ika-15 siglo sa advanced Florence, ay hindi agad nakatanggap ng pagkilala at pamamahagi sa ibang mga lugar ng bansa. Habang ang Bruneleschi, Masaccio, Donatello ay nagtrabaho sa Florence, ang mga tradisyon ng Byzantine at Gothic na sining ay nabubuhay pa sa hilagang Italya, unti-unting pinalitan ng Renaissance.

Quattrocento

Mula sa pagtatapos ng siglo XIV. ang kapangyarihan sa Florence ay dumadaan sa bahay ng mga banker ng Medici. Ang ulo nito, si Cosimo de' Medici, ay naging hindi sinasalitang pinuno ng Florence. Ang mga manunulat, makata, siyentipiko, arkitekto at pintor ay dumagsa sa korte ng Cosimo Medici (at pagkatapos ay ang kanyang apo na si Lorenzo, na tinawag na Magnificent). Ang edad ng medikal na kultura ay nagsisimula. Ang mga unang palatandaan ng isang bago, burges na kultura at ang paglitaw ng isang bago, burges na pananaw sa mundo ay partikular na binibigkas noong ika-15 siglo, sa panahon ng Quattrocento. Ngunit tiyak na dahil ang proseso ng pagbuo ng isang bagong kultura at isang bagong pananaw sa mundo ay hindi nakumpleto sa panahong ito (nangyari ito nang maglaon, sa panahon ng pangwakas na pagkawatak-watak at pagkawatak-watak ng mga relasyong pyudal), ang ika-15 siglo ay puno ng malikhaing kalayaan, matapang na pangahas, paghanga sa pagkatao ng tao. Tunay na ito ang panahon ng humanismo. Bilang karagdagan, ito ay isang panahon na puno ng pananampalataya sa walang limitasyong kapangyarihan ng isip, isang panahon ng intelektwalismo. Ang pang-unawa sa katotohanan ay sinusubok ng karanasan, eksperimento, kontrolado ng isip. Kaya naman ang diwa ng kaayusan at sukat na napaka katangian ng sining ng Renaissance. Ang geometry, matematika, anatomya, ang doktrina ng mga proporsyon ng katawan ng tao ay may malaking kahalagahan sa mga artista; ito ay pagkatapos na sila ay nagsimulang maingat na pag-aralan ang istraktura ng tao; noong ika-15 siglo Nalutas din ng mga Italian artist ang problema ng rectilinear perspective, na matured na sa sining ng trecento. Malaki ang papel ng sinaunang panahon sa pagbuo ng sekular na kultura ng Quattrocento. Ang ika-15 siglo ay nagpapakita ng mga direktang ugnayan sa kultura ng Renaissance. Mula noong 1439, mula noong ginanap ang ekumenikal na konseho ng simbahan sa Florence, kung saan dumating ang emperador ng Byzantine na si John Palaiologos at ang patriarch ng Constantinople, na sinamahan ng isang napakagandang retinue, at lalo na pagkatapos ng pagbagsak ng Byzantium noong 1453, nang maraming mga siyentipiko na tumakas mula sa Nakahanap ng kanlungan ang Silangan sa Florence, ang lungsod na ito ay naging isa sa mga pangunahing sentro sa Italya para sa pag-aaral ng wikang Griyego, pati na rin ang panitikan at pilosopiya ng Sinaunang Greece. Ang Platonic Academy ay itinatag sa Florence, ang Laurentian library ay naglalaman ng pinakamayamang koleksyon ng mga sinaunang manuskrito. Gayunpaman, ang nangungunang papel sa kultural na buhay ng Florence sa unang kalahati at kalagitnaan ng ika-15 siglo ay walang alinlangan na kabilang sa sining. Lumilitaw ang mga unang museo ng sining, na puno ng mga estatwa, mga fragment ng sinaunang arkitektura, mga marmol, mga barya, at mga keramika. Ibinabalik ang sinaunang Roma. Ang kagandahan ng naghihirap na Laocoön, ang magandang Apollo (Belvedere) at Venus (Medician) ay lumilitaw sa harap ng nagtatakang Europa.

Paglililok

Noong ika-XV siglo. Umunlad ang iskulturang Italyano. Nakakuha ito ng isang independiyenteng kahulugan, independyente sa arkitektura, lumitaw ang mga bagong genre dito. Ang pagsasagawa ng masining na buhay ay nagsimulang isama ang mga order mula sa mayayamang mangangalakal at manggagawa upang palamutihan ang mga pampublikong gusali; Nakuha ng mga kumpetisyon sa sining ang katangian ng malawak na pampublikong kaganapan. Ang kaganapan na nagbubukas ng isang bagong panahon sa pagbuo ng Italian Renaissance sculpture ay itinuturing na kumpetisyon na ginanap noong 1401 para sa paggawa ng pangalawang hilagang pinto ng Florentine baptistery mula sa tanso. Kabilang sa mga kalahok sa kompetisyon ay ang mga young masters - sina Filippo Brunelleschi at Lorenzo Ghiberti (circa 1381-1455). Ang makinang na draftsman na si Ghiberti ay nanalo sa kompetisyon. Isa sa mga pinaka-edukadong tao sa kanyang panahon, ang unang mananalaysay ng sining ng Italyano, si Ghiberti, na kung saan ang pangunahing bagay ay ang balanse at pagkakaisa ng lahat ng mga elemento ng imahe, ay nakatuon sa kanyang buhay sa isang uri ng iskultura - kaluwagan. Ang kanyang paghahanap ay nagtapos sa paggawa ng silangang mga pintuan ng Florentine Baptistery (1425-1452), na tinawag ni Michelangelo na "The Gates of Paradise". Ang sampung parisukat na komposisyon ng ginintuan na tanso na bumubuo sa mga ito ay naghahatid ng lalim ng espasyo kung saan ang mga pigura, kalikasan, at arkitektura ay pinagsama. Ang mga ito ay nakapagpapaalaala sa mga nagpapahayag na kaakit-akit na mga kuwadro na gawa. Ang workshop ni Ghiberti ay naging isang tunay na paaralan para sa isang buong henerasyon ng mga artista. Sa kanyang pagawaan, ang batang Donatello, ang dakilang repormador ng iskulturang Italyano, ay nagtrabaho bilang isang katulong. Si Donato di Niccolò di Betto Bardi, na tinawag na Donatello (circa 1386-1466), ay ipinanganak sa Florence sa pamilya ng isang wool comber. Nagtrabaho siya sa Florence, Siena, Rome, Padua. Gayunpaman, hindi binago ng malaking katanyagan ang kanyang simpleng paraan ng pamumuhay. Sinasabing ang walang pag-iimbot na si Donatello ay nagsabit ng isang pitaka na may pera sa pintuan ng kanyang pagawaan, at ang kanyang mga kaibigan at estudyante ay kumuha mula sa pitaka hangga't kailangan nila.

Sa isang banda, hinangad ni Donatello ang katotohanan ng buhay sa sining. Sa kabilang banda, binigyan niya ang kanyang mga gawa ng mga katangian ng dakilang kabayanihan. Ang mga katangiang ito ay lumitaw na sa mga unang gawa ng master - mga estatwa ng mga santo na inilaan para sa mga panlabas na niches ng facades ng Church of Or San Michele sa Florence, at ang mga propeta ng Lumang Tipan ng Florentine campanile. Ang mga estatwa ay nasa mga niches, ngunit agad silang nakakaakit ng pansin sa malupit na pagpapahayag at panloob na lakas ng mga imahe. Lalo na sikat ang "St. George" (1416) - isang batang mandirigma na may kalasag sa kanyang kamay. Siya ay may isang nakatutok, malalim na hitsura; matatag siyang nakatayo sa lupa, magkahiwalay ang mga binti. Sa mga estatwa ng mga propeta, lalo na binigyang-diin ni Donatello ang kanilang mga katangian, kung minsan ay magaspang, walang palamuti, kahit pangit, ngunit buhay at natural. Ang mga propeta ni Donatello na sina Jeremiah at Habakkuk ay buo at mayaman sa espirituwal. Ang kanilang malalakas na pigura ay nakatago sa pamamagitan ng mabibigat na fold ng mga balabal. Ang buhay ay nagpalubog sa kupas na mukha ni Avvakum na may malalim na mga wrinkles, siya ay naging ganap na kalbo, kung saan siya ay binansagan na Zuccone (Pumpkin) sa Florence. Noong 1430, nilikha ni Donatello si David, ang unang hubad na estatwa sa eskultura ng Italian Renaissance. Ang estatwa ay inilaan para sa isang fountain sa looban ng Medici Palace. Ang pastol sa Bibliya, ang nagwagi ng higanteng Goliath, ay isa sa mga paboritong larawan ng Renaissance. Inilalarawan ang kanyang kabataang katawan, walang alinlangang nagpatuloy si Donatello mula sa mga antigong sample, ngunit muling ginawa ang mga ito sa diwa ng kanyang panahon. Ang maalalahanin at kalmado na si David na nakasuot ng sombrero ng pastol, na nagtatakip sa kanyang mukha, ay tinapakan ang ulo ni Goliath gamit ang kanyang paa at tila walang kamalay-malay sa nagawa niyang tagumpay. Ang isang paglalakbay sa Roma kasama si Brunelleschi ay lubos na pinalawak ang artistikong mga posibilidad ng Donatello, ang kanyang trabaho ay pinayaman ng mga bagong larawan at mga diskarte, na nakaapekto sa impluwensya ng unang panahon. Ang isang bagong panahon ay nagsimula sa trabaho ng master. Noong 1433 natapos niya ang marmol na pulpito ng katedral ng Florentine. Ang buong larangan ng departamento ay inookupahan ng isang masayang bilog na sayaw ng dancing putti - isang bagay tulad ng mga sinaunang cupid at sa parehong oras ng mga medieval na anghel sa anyo ng mga hubad na lalaki, kung minsan ay may pakpak, na inilalarawan sa paggalaw. Ito ay isang paboritong motif sa iskultura ng Italian Renaissance, na pagkatapos ay kumalat sa sining ng ika-17-18 na siglo. Sa loob ng halos sampung taon, nagtrabaho si Donatello sa Padua, isang lumang lungsod ng unibersidad, isa sa mga sentro ng kulturang makatao, ang lugar ng kapanganakan ni St. Anthony ng Padua, na lubos na iginagalang sa Simbahang Katoliko. Para sa katedral ng lungsod na nakatuon sa St. Anthony, natapos si Donatello noong 1446-1450. isang malaking nililok na altar na may maraming mga estatwa at mga relief. Ang gitnang lugar sa ilalim ng canopy ay inookupahan ng estatwa ng Madonna at Bata, ngunit sa magkabilang panig nito ay mayroong anim na estatwa ng mga santo. Sa pagtatapos ng siglo XVI. ang altar ay giniba. Isang bahagi lamang nito ang nakaligtas hanggang ngayon, at ngayon ay mahirap isipin kung ano ang hitsura nito sa orihinal. Apat na umiiral na mga relief sa altar na naglalarawan ng mga mahimalang gawa ni St. Anthony ay nagpapahintulot sa amin na pahalagahan ang mga hindi pangkaraniwang pamamaraan na ginamit ng master. Ito ay isang uri ng patag, na parang flattened relief. Ang mga masikip na eksena ay ipinakita sa isang kilusan sa isang totoong buhay na setting. Ang malalaking gusali ng lungsod at arcade ay nagsisilbing background para sa kanila. Dahil sa paglipat ng pananaw, mayroong isang impresyon ng lalim ng espasyo, tulad ng sa mga kuwadro na gawa. Kasabay nito, natapos ni Donatello sa Padua ang isang equestrian statue ng condottiere Erasmo de Narni, isang katutubong ng Padua, na nasa serbisyo ng Venetian Republic. Tinawag siya ng mga Italyano na Gattamelata (Tuso na Pusa). Ito ay isa sa mga unang Renaissance equestrian monuments. Ang kalmadong dignidad ay ibinubuhos sa buong anyo ni Gattamelata, nakasuot ng baluti ng Romano, na nakahubad ang ulo sa paraang Romano, na isang napakagandang halimbawa ng portrait art. Ang halos walong metrong estatwa sa isang mataas na pedestal ay pantay na nagpapahayag mula sa lahat ng panig. Ang monumento ay inilagay parallel sa harapan ng Cathedral ng Sant'Antonio, na nagbibigay-daan sa iyo upang makita ito alinman laban sa asul na kalangitan, o sa kamangha-manghang paghahambing sa mga makapangyarihang anyo ng mga domes.

Sa mga huling taon na ginugol sa Florence, nakaranas si Donatello ng isang espirituwal na krisis, ang kanyang mga imahe ay naging mas at mas dramatiko. Lumikha siya ng isang kumplikado at nagpapahayag na grupo na "Judith at Holofernes" (1456-1457); ang estatwa ni "Mary Magdalene" (1454-1455) sa anyo ng isang matandang babae, isang payat na ermitanyo sa balat ng hayop - mga kaluwagan sa kalunos-lunos na kalooban para sa simbahan ng San Lorenzo, na natapos na ng kanyang mga estudyante. Kabilang sa mga pinakamalaking iskultor ng unang kalahati ng siglong XV. hindi maaaring balewalain ng isa si Jacopo della Quercia (1374-1438) - isang mas matandang kontemporaryo nina Ghiberti at Donatello. Ang kanyang trabaho, na mayaman sa maraming mga pagtuklas, ay nakatayo, parang, malayo sa pangkalahatang landas kung saan binuo ang sining ng Renaissance. Isang katutubo ng lungsod ng Siena, ang Quercea ay nagtrabaho sa Lucca. Doon, sa katedral ng lungsod, mayroong isang lapida ng batang Ilaria del Careto, na ginawa ng master na ito, na may pambihirang kagandahan. Noong 1408 - 1419. Gumawa si Quercea ng mga eskultura para sa monumental na Fonte Gaia fountain sa Campo Square sa Siena. Pagkatapos ang master ay nanirahan sa Bologna, kung saan ang kanyang pangunahing gawain ay ang mga relief para sa portal ng simbahan ng San Petronio (1425-1438). Ginawa ng madilim na kulay-abo na matigas na lokal na bato, ang mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng makapangyarihang monumentalidad, na inaasahan ang mga larawan ni Michelangelo. Ang ikalawang henerasyon ng mga Florentine sculptor ay nahilig sa mas liriko, mapayapang, sekular na sining. Ang nangungunang papel dito ay kabilang sa pamilya ng mga iskultor na si della Robbia. Ang pinuno ng pamilyang Lucca della Robbia (1399 o 1400-1482), isang kontemporaryo nina Brunelleschi at Donatello, ay naging tanyag sa kanyang paggamit ng glaze technique sa round sculpture at relief, na kadalasang pinagsama ang mga ito sa arkitektura. Ang glaze technique (majolica), na kilala mula noong sinaunang panahon sa mga mamamayan ng Kanlurang Asya, ay dinala sa Iberian Peninsula at sa isla ng Mallorca noong Middle Ages, kaya naman nakuha nito ang pangalan nito, at pagkatapos ay kumalat nang malawak sa Italya. Lumikha si Lucca della Robbia ng mga medalyon na may mga relief sa isang malalim na asul na background para sa mga gusali at altar, mga garland ng mga bulaklak at prutas, mga majolica na bust ng Madonna, Christ, John the Baptist. Ang masayahin, matikas, mabait na sining ng master na ito ay nakatanggap ng isang karapat-dapat na pagkilala sa kanyang mga kontemporaryo. Ang mahusay na pagiging perpekto sa pamamaraan ng majolica ay nakamit din ng kanyang pamangkin na si Andrea della Robbia (1435-1525).

Pagpipinta

Ang malaking papel na ginampanan ni Brunelleschi sa arkitektura ng unang bahagi ng Renaissance, at Donatello sa iskultura, ay pag-aari ni Masaccio sa pagpipinta. Sina Brunelleschi at Donatello ay nasa kanilang creative peak nang ipanganak si Masaccio. Ayon kay Vasari, "Sinisikap ni Masaccio na ilarawan ang mga figure na may mahusay na kasiglahan at ang pinakadakilang kamadalian, tulad ng katotohanan." Si Masaccio ay namatay nang bata pa, bago umabot sa edad na 27, at gayon pa man ay nakagawa siya ng mas maraming bago sa pagpipinta na hindi kayang pamahalaan ng ibang master sa buong buhay niya. Si Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, na may palayaw na Masaccio (1401 - 1428), ay isinilang sa bayan ng San Valdarno malapit sa Florence, kung saan siya nagpunta bilang isang binata upang mag-aral ng pagpipinta. Nagkaroon ng pag-aakalang si Masolino de Panicale ang kanyang guro, na may na siya pagkatapos ay nakipagtulungan; ito ngayon ay tinanggihan ng mga mananaliksik. Nagtrabaho si Masaccio sa Florence, Pisa at Rome. Ang kanyang "Trinity" (1427-1428), na nilikha para sa simbahan ng Santa Maria Novella sa Florence, ay naging isang klasikong halimbawa ng komposisyon ng altar. Ang fresco ay ginawa sa dingding na umaabot sa kailaliman ng kapilya, na itinayo sa anyo ng isang Renaissance arched niche. Nagtatampok ang mural ng isang krusipiho, mga larawan nina Maria at Juan Bautista. Sila ay natatabunan ng larawan ng Diyos Ama. Sa harapan, ang mga fresco ay naglalarawan ng mga nakaluhod na customer, na para bang sila ay nasa mismong lugar ng simbahan. Ang imahe ng sarcophagus, na matatagpuan sa ilalim ng fresco, kung saan namamalagi ang balangkas Adam. Ang inskripsiyon sa itaas ng sarcophagus ay naglalaman ng tradisyunal na kasabihan sa medieval: "Ako ay dating katulad mo, at ikaw ay magiging katulad ko." Hanggang 50s. ika-20 siglo ang gawaing ito ni Masaccio sa mata ng mga mahilig sa sining at mga siyentipiko ay umatras sa background bago ang kanyang sikat na siklo ng mga mural ng Brancacci Chapel. Matapos ilipat ang fresco sa orihinal na lugar nito sa templo noong 1952, hugasan, naibalik, nang matuklasan ang ibabang bahagi nito na may sarcophagus, ang "Trinity" ay nakakuha ng malapit na atensyon ng mga mananaliksik at mga mahilig sa sining. Ang paglikha ng Masaccio ay kapansin-pansin sa lahat ng aspeto. Ang marilag na detatsment ng mga imahe ay pinagsama dito sa hindi nakikitang realidad ng espasyo at arkitektura, na may kalakihan ng mga figure, ang nagpapahayag na mga katangian ng portrait ng mga mukha ng mga customer, at may imahe ng Ina ng Diyos, nakakagulat sa mga tuntunin ng ang lakas ng pigil na pakiramdam. Sa parehong mga taon, nilikha ni Masaccio (sa pakikipagtulungan kay Masolino) sa simbahan ng Santa Maria del Carmine ang mga mural ng Brancacci Chapel, na ipinangalan sa isang mayamang customer na Florentine. Ang pintor ay nahaharap sa gawain ng pagbuo ng isang puwang gamit ang linear at aerial na pananaw, paglalagay ng makapangyarihang mga pigura ng mga character dito, totoo na naglalarawan ng kanilang mga paggalaw, postura, kilos, at pagkatapos ay ikonekta ang sukat at kulay ng mga figure na may natural o arkitektura background . Hindi lamang matagumpay na nakayanan ni Masaccio ang gawaing ito, ngunit pinamamahalaang din nitong ihatid ang panloob na pag-igting at sikolohikal na lalim ng mga imahe. Ang mga plot ng mga mural ay pangunahing nakatuon sa kasaysayan ni Apostol Pedro. Ang pinakatanyag na komposisyon, “The Miracle with the Stater,” ay nagsasabi kung paano pinigilan ng isang maniningil ng buwis si Kristo at ang kaniyang mga alagad sa mga pintuang-daan ng lungsod ng Capernaum, na humihingi ng pera mula sa kanila upang mapanatili ang templo. Inutusan ni Kristo si Apostol Pedro na manghuli ng isda sa Lawa ng Genesaret at kumuha ng stater mula rito. Sa kaliwa sa background, nakikita ng manonood ang eksenang ito. Sa kanan, iniaabot ni Pedro ang pera sa kolektor. Kaya, ang komposisyon ay nag-uugnay sa tatlong yugto ng magkakaibang panahon, kung saan lumilitaw ang apostol nang tatlong beses. Sa mahalagang makabagong pagpipinta ni Masaccio, ang diskarteng ito ay isang huli na pagkilala sa medieval na tradisyon ng pictorial storytelling; sa panahong iyon, maraming mga masters ang tinalikuran na ito, at mahigit isang siglo na ang nakalipas, si Giotto mismo. Ngunit hindi ito lumalabag sa impresyon ng matapang na bagong bagay o karanasan, na nakikilala ang buong makasagisag na istraktura ng pagpipinta, ang dramaturhiya nito, nakakumbinsi sa buhay, bahagyang bastos na mga character. Minsan mas nauuna si Masaccio sa pagpapahayag ng lakas at talas ng damdamin. Narito ang fresco na "The Expulsion of Adam and Eve from Paradise" sa parehong Brancacci Chapel. Naniniwala ang manonood na sina Adan at Eba, na lumabag sa Banal na pagbabawal, ay talagang pinalayas sa paraiso ng isang anghel na may espada sa kanyang mga kamay. Ang pangunahing bagay dito ay hindi ang biblikal na balangkas at panlabas na mga detalye, ngunit ang pakiramdam ng walang hangganang kawalan ng pag-asa ng tao, na humahawak kay Adan, na tinakpan ang kanyang mukha ng kanyang mga kamay, at humihikbi na si Eva, na may lumubog na mga mata at isang madilim na puwang sa kanyang bibig na binaluktot ng isang umiyak. Noong Agosto 1428, umalis si Masaccio patungong Roma nang hindi natapos ang pagpipinta, at hindi nagtagal ay namatay siya. Ang Brancacci Chapel ay naging isang lugar ng peregrinasyon para sa mga pintor na nagpatibay ng mga pamamaraan ng Masaccio. Gayunpaman, marami sa creative; Ang legacy ng Masaccio ay nagawang pahalagahan lamang ang susunod na henerasyon. Sa gawa ng kanyang kontemporaryong Paolo Uccello (1397-1475), na kabilang sa henerasyon ng mga masters na nagtrabaho pagkatapos ng pagkamatay ni Masaccio, ang pananabik para sa eleganteng fabulousness minsan ay nakakuha ng isang walang muwang na lilim. Ang tampok na ito ng malikhaing istilo ng artista ay naging kanyang orihinal na tanda. Ang kanyang maagang maliit na pagpipinta na "Saint George" ay kaakit-akit. Isang berdeng dragon na may spiral na buntot at may pattern na mga pakpak, na parang inukit mula sa lata, ay matatag na naglalakad sa dalawang paa. Hindi siya nakakatakot, nakakatawa siya. Ang artist mismo ay malamang na nakangiti habang ginagawa ang pagpipinta na ito. Ngunit sa gawa ni Uccello, ang naliligaw na pantasya ay pinagsama sa hilig sa paggalugad ng pananaw. Mga eksperimento, guhit, sketch, kung saan itinalaga niya ang mga gabing walang tulog, inilarawan ni Vasari bilang mga eccentricities. Samantala, pinasok ni Paolo Uccello ang kasaysayan ng pagpipinta bilang isa sa mga pintor na unang nagsimulang gumamit ng teknik ng linear na pananaw sa kanilang mga canvases. Sa kanyang kabataan, nagtrabaho si Uccello sa pagawaan ng Ghiberti, pagkatapos ay gumawa ng mga mosaic para sa Katedral ng San Marco sa Venice, at pagbalik sa Florence, nakilala niya ang mga kuwadro na gawa ni Masaccio sa Brancacci Chapel, na may malaking impluwensya sa kanya. Ang pagkahumaling sa pananaw ay makikita sa unang gawa ni Uccello - isang larawan ng English condottiere na si John Hawkwood, na kilala ng mga Italyano bilang Giovanni Acuto, na ipininta niya noong 1436. Ang isang malaking monochrome (isang kulay) na fresco ay hindi naglalarawan ng isang buhay na tao, ngunit ang kanyang equestrian statue, na tinitingnan ng manonood. Ang matapang na paghahanap ni Uccello ay natagpuan ang ekspresyon sa tatlo sa kanyang mga sikat na painting na kinomisyon ni Cosimo de' Medici at nakatuon sa labanan ng dalawang kumander ng Florentine kasama ang mga tropa ng Siena sa San Romano. Sa kamangha-manghang mga kuwadro na gawa ng Uccello, laban sa backdrop ng isang laruang landscape, ang mga mangangabayo at mandirigma ay nagsagupaan sa isang matinding labanan, mga sibat, mga kalasag, mga flagpole ay nagkahalo. At, gayunpaman, ang labanan ay mukhang isang kondisyon, nagyelo na napakaganda, kumikinang na gintong tanawin na may mga pigura ng mga kabayo sa pula, rosas at maging asul.

Sa simula ng ika-15 siglo, nagkaroon ng malaking pagbabago sa buhay at kultura sa Italya. Mula noong ika-12 siglo, ang mga taong-bayan, mangangalakal at artisan ng Italya ay nagsagawa ng isang magiting na pakikibaka laban sa pyudal na pag-asa. Sa pagpapaunlad ng kalakalan at produksyon, unti-unting yumaman ang mga taong-bayan, itinapon ang kapangyarihan ng mga pyudal na panginoon at nag-organisa ng mga malayang lungsod-estado. Ang mga libreng lungsod ng Italya ay naging napakalakas. Ipinagmamalaki ng kanilang mga mamamayan ang kanilang mga pananakop. Ang napakalaking kayamanan ng mga independiyenteng lungsod ng Italya ay naging dahilan upang sila ay umunlad. Ang Italyano bourgeoisie ay tumingin sa mundo na may iba't ibang mga mata, matatag silang naniniwala sa kanilang sarili, sa kanilang sariling lakas. Sila ay dayuhan sa pagnanais para sa pagdurusa, kababaang-loob, ang pagtanggi sa lahat ng makalupang kagalakan na ipinangaral sa kanila hanggang ngayon. Ang paggalang sa makalupang tao na nagtatamasa ng kagalakan ng buhay ay lumago. Ang mga tao ay nagsimulang magkaroon ng aktibong saloobin sa buhay, sabik na galugarin ang mundo, humanga sa kagandahan nito. Sa panahong ito, ipinanganak ang iba't ibang mga agham, umuunlad ang sining.

Sa Italya, maraming mga monumento ng sining ng Sinaunang Roma ang napanatili, kaya ang sinaunang panahon ay muling iginagalang bilang isang modelo, ang sinaunang sining ay naging isang bagay ng paghanga. Ang imitasyon ng sinaunang panahon at nagbigay ng dahilan upang tawagin ang panahong ito sa sining - muling pagsilang na ibig sabihin sa Pranses "Renaissance". Siyempre, hindi ito isang bulag, eksaktong pag-uulit ng sinaunang sining, ito ay bagong sining, ngunit batay sa mga sinaunang modelo. Ang Italian Renaissance ay nahahati sa 3 yugto: VIII - XIV siglo - Pre-Renaissance (Proto-Renaissance o Trecento- kasama.); XV siglo - maagang Renaissance (Quattrocento); huling bahagi ng ika-15 - unang bahagi ng ika-16 na siglo - mataas na renaissance.

Ang mga arkeolohikal na paghuhukay ay isinagawa sa buong Italya, naghahanap ng mga sinaunang monumento. Ang mga bagong natuklasang estatwa, barya, kagamitan, sandata ay maingat na iniingatan at nakolekta sa mga museo na espesyal na nilikha para sa layuning ito. Pinag-aralan ng mga artista ang mga halimbawang ito ng unang panahon, iginuhit sila mula sa kalikasan.

Trecento (Pre-Renaissance)

Ang tunay na simula ng Renaissance ay nauugnay sa pangalan Giotto di Bondone (1266? - 1337). Siya ay itinuturing na tagapagtatag ng pagpipinta ng Renaissance. Ang Florentine Giotto ay gumawa ng malaking kontribusyon sa kasaysayan ng sining. Siya ay isang renewer, ang ninuno ng lahat ng European painting pagkatapos ng Middle Ages. Si Giotto ay nagbigay ng buhay sa mga eksena ng ebanghelyo, lumikha ng mga larawan ng mga totoong tao, espiritwal, ngunit makalupa.

Si Giotto sa unang pagkakataon ay lumikha ng mga volume sa tulong ng chiaroscuro. Gusto niya ng malinis, mapusyaw na kulay sa malamig na lilim: pink, pearl gray, maputlang lila at mapusyaw na lila. Ang mga tao sa mga fresco ng Giotto ay matipuno, na may mabigat na tapak. Mayroon silang malalaking facial features, malawak na cheekbones, singkit na mata. Mabait ang lalaki niya, maalalahanin, seryoso.

Sa mga gawa ni Giotto, ang mga fresco sa mga templo ng Padua ay pinakamahusay na napanatili. Iniharap niya ang mga kuwento ng ebanghelyo dito bilang umiiral, makalupa, totoo. Sa mga gawaing ito, sinasabi niya ang tungkol sa mga problema na may kinalaman sa mga tao sa lahat ng oras: tungkol sa kabaitan at pag-unawa sa isa't isa, panlilinlang at pagkakanulo, tungkol sa lalim, kalungkutan, kaamuan, kababaang-loob at walang hanggang pag-ibig sa ina.

Sa halip na magkakaibang mga indibidwal na pigura, tulad ng sa medieval na pagpipinta, nagawa ni Giotto na lumikha ng magkakaugnay na kuwento, isang buong salaysay tungkol sa kumplikadong panloob na buhay ng mga karakter. Sa halip na ang tradisyonal na ginintuang background ng Byzantine mosaic, ipinakilala ni Giotto ang isang landscape na background. At kung sa pagpipinta ng Byzantine ang mga figure, na parang, naka-hover, nakabitin sa kalawakan, kung gayon ang mga bayani ng mga fresco ni Giotto ay nakatagpo ng matibay na lupa sa ilalim ng kanilang mga paa. Ang paghahanap ni Giotto para sa paglipat ng espasyo, ang plasticity ng mga figure, ang pagpapahayag ng paggalaw ay ginawa ang kanyang sining ng isang buong yugto sa Renaissance.

Isa sa mga sikat na masters ng Renaissance -

Simone Martini (1284 - 1344).

Sa kanyang pagpipinta, ang mga tampok ng hilagang Gothic ay napanatili: Ang mga figure ni Martini ay pinahaba, at, bilang panuntunan, sa isang ginintuang background. Ngunit si Martini ay lumilikha ng mga imahe sa tulong ng chiaroscuro, binibigyan sila ng natural na paggalaw, sinusubukang ihatid ang isang tiyak na sikolohikal na estado.

Quattrocento (maagang Renaissance)

Malaki ang papel ng sinaunang panahon sa pagbuo ng sekular na kultura ng unang bahagi ng Renaissance. Ang Platonic Academy ay bubukas sa Florence, ang Laurentian library ay naglalaman ng pinakamayamang koleksyon ng mga sinaunang manuskrito. Lumilitaw ang mga unang museo ng sining, na puno ng mga estatwa, mga fragment ng sinaunang arkitektura, mga marmol, mga barya, at mga keramika. Sa Renaissance, ang mga pangunahing sentro ng artistikong buhay ng Italya ay nakatayo - Florence, Roma, Venice.

Ang isa sa pinakamalaking sentro, ang lugar ng kapanganakan ng isang bago, makatotohanang sining ay ang Florence. Noong ika-15 siglo, maraming sikat na masters ng Renaissance ang nanirahan, nag-aral at nagtrabaho doon.

Arkitekturang sinaunang Renaissance

Ang mga naninirahan sa Florence ay may mataas na artistikong kultura, sila ay aktibong lumahok sa paglikha ng mga monumento ng lungsod, at tinalakay ang mga pagpipilian para sa pagtatayo ng mga magagandang gusali. Inabandona ng mga arkitekto ang lahat na kahawig ng Gothic. Sa ilalim ng impluwensya ng unang panahon, ang mga gusaling nakoronahan ng simboryo ay nagsimulang ituring na pinakaperpekto. Ang modelo dito ay ang Roman Pantheon.

Ang Florence ay isa sa mga pinakamagandang lungsod sa mundo, isang museo ng lungsod. Napreserba nito ang arkitektura nito mula pa noong unang panahon na halos buo, ang pinakamagagandang gusali nito ay halos itinayo noong Renaissance. Sa itaas ng mga pulang ladrilyo na bubong ng mga sinaunang gusali ng Florence ay tumataas ang malaking gusali ng katedral ng lungsod Santa Maria del Fiore, na kadalasang tinatawag na Florence Cathedral. Ang taas nito ay umabot sa 107 metro. Ang isang kahanga-hangang simboryo, ang pagkakaisa nito ay binibigyang-diin ng mga buto-buto ng puting bato, ang nagpuputong sa katedral. Ang simboryo ay kapansin-pansin sa laki (ang diameter nito ay 43 m), kinokoronahan nito ang buong panorama ng lungsod. Ang katedral ay makikita mula sa halos lahat ng kalye sa Florence, malinaw na nakaharap sa kalangitan. Ang kahanga-hangang istraktura na ito ay itinayo ng arkitekto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

Ang pinakakahanga-hanga at sikat na domed na gusali ng Renaissance ay Basilika ni San Pedro sa Roma. Ito ay itinayo sa loob ng 100 taon. Ang mga lumikha ng orihinal na proyekto ay mga arkitekto Bramante at Michelangelo.

Ang mga gusali ng Renaissance ay pinalamutian ng mga haligi, pilaster, ulo ng leon at "putti"(hubad na mga sanggol), plaster wreath ng mga bulaklak at prutas, mga dahon at maraming detalye, ang mga sample nito ay natagpuan sa mga guho ng sinaunang mga gusali ng Romano. Bumalik sa fashion kalahating bilog na arko. Ang mga mayayamang tao ay nagsimulang magtayo ng mas maganda at mas komportableng mga bahay. Sa halip na malapit na pinindot sa isa't isa ang mga bahay ay lumitaw na maluho mga palasyo - palazzo.

Eskultura ng unang bahagi ng Renaissance

Noong ika-15 siglo, dalawang sikat na iskultor ang nagtrabaho sa Florence - Donatello at Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- isa sa mga unang iskultor sa Italya, na gumamit ng karanasan ng sinaunang sining. Nilikha niya ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ng unang bahagi ng Renaissance - ang estatwa ni David.

Ayon sa alamat ng bibliya, isang simpleng pastol, tinalo ng binatang si David ang higanteng si Goliath, at sa gayon ay nailigtas ang mga naninirahan sa Judea mula sa pagkaalipin at kalaunan ay naging hari. Si David ay isa sa mga paboritong larawan ng Renaissance. Siya ay inilalarawan ng iskultor hindi bilang isang mapagpakumbabang santo mula sa Bibliya, ngunit bilang isang batang bayani, nagwagi, tagapagtanggol ng kanyang sariling lungsod. Sa kanyang sculpture, inaawit ni Donatello ang tao bilang ideal ng isang magandang heroic personality na lumitaw sa Renaissance. Si David ay nakoronahan ng laurel wreath ng nanalo. Hindi natakot si Donatello na ipakilala ang gayong detalye bilang isang sumbrero ng pastol - isang tanda ng kanyang simpleng pinagmulan. Noong Middle Ages, ipinagbawal ng simbahan ang paglarawan ng isang hubad na katawan, na isinasaalang-alang ito na isang sisidlan ng kasamaan. Si Donatello ang unang master na matapang na lumabag sa pagbabawal na ito. Iginiit niya dito na maganda ang katawan ng tao. Ang estatwa ni David ay ang unang bilog na iskultura sa panahong iyon.

Ang isa pang magandang eskultura ni Donatello ay kilala rin - isang estatwa ng isang mandirigma , kumander ng Gattamelata. Ito ang unang equestrian monument ng Renaissance. Nilikha 500 taon na ang nakalilipas, ang monumento na ito ay nakatayo pa rin sa isang mataas na pedestal, pinalamutian ang parisukat sa lungsod ng Padua. Sa unang pagkakataon, hindi isang diyos, hindi isang santo, hindi isang marangal at mayamang tao ang na-immortalize sa eskultura, ngunit isang marangal, matapang at kakila-kilabot na mandirigma na may isang dakilang kaluluwa, na karapat-dapat sa katanyagan para sa mga dakilang gawa. Nakasuot ng antigong baluti, si Gattemelata (ito ang kanyang palayaw, ibig sabihin ay "batik-batik na pusa") ay nakaupo sa isang makapangyarihang kabayo sa isang mahinahon at marilag na pose. Ang mga tampok ng mukha ng mandirigma ay nagbibigay-diin sa isang mapagpasyang, matatag na karakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Ang pinakasikat na estudyante ng Donatello, na lumikha ng sikat na monumento ng equestrian sa condottiere Colleoni, na inilagay sa Venice sa plaza malapit sa simbahan ng San Giovanni. Ang pangunahing bagay na tumatama sa monumento ay ang magkasanib na masiglang paggalaw ng kabayo at sakay. Ang kabayo, kumbaga, ay nagmamadaling lumampas sa marmol na pedestal kung saan itinatayo ang monumento. Si Colleoni, na nakatayo sa mga stirrups, ay nakaunat, nakataas ang ulo, nakatingin sa malayo. Bakas sa mukha niya ang galit at tensyon. Sa kanyang postura, ang isang tao ay nakakaramdam ng isang malaking kalooban, ang kanyang mukha ay kahawig ng isang ibong mandaragit. Ang imahe ay puno ng hindi masisira na lakas, enerhiya, malupit na awtoridad.

Pagpipinta ng maagang Renaissance

In-update din ng Renaissance ang sining ng pagpipinta. Natutunan ng mga pintor na tama ang paghahatid ng espasyo, liwanag at anino, natural na pose, iba't ibang damdamin ng tao. Ito ay ang unang bahagi ng Renaissance na ang oras ng akumulasyon ng kaalaman at kasanayang ito. Ang mga pintura noong panahong iyon ay puno ng liwanag at mataas na espiritu. Ang background ay madalas na pininturahan sa mga mapusyaw na kulay, habang ang mga gusali at natural na mga motif ay nakabalangkas na may matalim na linya, ang mga purong kulay ay nangingibabaw. Sa walang muwang na kasipagan, ang lahat ng mga detalye ng kaganapan ay inilalarawan, ang mga character ay madalas na naka-linya at pinaghihiwalay mula sa background sa pamamagitan ng malinaw na mga contour.

Ang pagpipinta ng maagang Renaissance ay nagsusumikap lamang para sa pagiging perpekto, gayunpaman, salamat sa katapatan nito, naaantig nito ang kaluluwa ng manonood.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, Kilala sa pangalan Masaccio (1401 - 1428)

Siya ay itinuturing na isang tagasunod ni Giotto at ang unang master ng pagpipinta ng unang bahagi ng Renaissance. Si Masaccio ay nabuhay lamang ng 28 taon, ngunit sa ganoong kaikling buhay ay nag-iwan siya ng marka sa sining na mahirap i-overestimate. Nagawa niyang kumpletuhin ang mga rebolusyonaryong pagbabago sa pagpipinta na sinimulan ni Giotto. Ang kanyang pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng isang madilim at malalim na kulay. Ang mga tao sa mga fresco ng Masaccio ay mas siksik at mas makapangyarihan kaysa sa mga kuwadro na gawa ng Gothic na panahon.

Si Masaccio ang unang nag-ayos nang tama ng mga bagay sa kalawakan, na isinasaalang-alang ang pananaw; nagsimula siyang ilarawan ang mga tao ayon sa mga batas ng anatomya.

Alam niya kung paano i-link ang mga figure at landscape sa isang solong aksyon, upang maihatid ang buhay ng kalikasan at mga tao sa isang dramatiko at sa parehong oras medyo natural na paraan - at ito ang dakilang merito ng pintor.

Ito ay isa sa ilang mga gawa ng easel easel na kinomisyon ni Masaccio noong 1426 para sa kapilya sa simbahan ng Santa Maria del Carmine sa Pisa.

Ang Madonna ay nakaupo sa isang trono na itinayo nang mahigpit ayon sa mga batas ng pananaw ni Giotto. Ang kanyang figure ay nakasulat na may tiwala at malinaw na mga stroke, na lumilikha ng impresyon ng isang sculptural volume. Ang kanyang mukha ay kalmado at malungkot, ang kanyang hiwalay na tingin ay nakadirekta sa kung saan. Nakabalot sa isang madilim na asul na balabal, hinawakan ng Birheng Maria ang Sanggol sa kanyang mga bisig, na ang ginintuang pigura ay namumukod-tangi sa isang madilim na background. Ang malalim na fold ng balabal ay nagpapahintulot sa artist na maglaro ng chiaroscuro, na lumilikha din ng isang espesyal na visual effect. Ang sanggol ay kumakain ng mga itim na ubas - isang simbolo ng pakikipag-isa. Ang mga hindi nagkakamali na iginuhit na mga anghel (ang artista ay ganap na alam ang anatomya ng tao) na nakapalibot sa Madonna ay nagbibigay sa larawan ng karagdagang emosyonal na tunog.

Ang tanging sash na ipininta ni Masaccio para sa isang double-sided triptych. Matapos ang maagang pagkamatay ng pintor, ang natitirang gawain, na inatasan ni Pope Martin V para sa simbahan ng Santa Maria sa Roma, ay natapos ng pintor na si Masolino. Ito ay naglalarawan ng dalawang mahigpit, napakalaking executed na mga pigura ng mga santo na nakasuot ng pula. Si Jerome ay may hawak na isang bukas na libro at isang modelo ng basilica, isang leon ang nakahiga sa kanyang paanan. Si Juan Bautista ay inilalarawan sa kanyang karaniwang anyo: siya ay nakayapak at may hawak na krus sa kanyang kamay. Ang parehong mga figure ay humanga sa anatomical precision at halos sculptural sense ng volume.

Ang interes sa isang tao, ang paghanga sa kanyang kagandahan ay napakahusay sa Renaissance na ito ay humantong sa paglitaw ng isang bagong genre sa pagpipinta - ang portrait genre.

Pinturicchio (variant ng Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Tubong Perugia sa Italya. Sa loob ng ilang panahon ay nagpinta siya ng mga miniature, tinulungan si Pietro Perugino na palamutihan ang Sistine Chapel sa Roma na may mga fresco. Nakakuha ng karanasan sa pinaka kumplikadong anyo ng pandekorasyon at monumental na pagpipinta sa dingding. Pagkalipas ng ilang taon, naging independiyenteng muralist si Pinturicchio. Nagtrabaho siya sa mga fresco sa mga apartment ng Borgia sa Vatican. Gumawa siya ng mga wall painting sa library ng katedral sa Siena.

Ang artista ay hindi lamang naghahatid ng pagkakahawig ng larawan, ngunit naglalayong ipakita ang panloob na estado ng isang tao. Nasa harapan namin ang isang teenager na lalaki, nakasuot ng mahigpit na pink town dress, na may maliit na asul na sumbrero sa kanyang ulo. Ang kayumangging buhok ay bumabagsak sa mga balikat, na nag-frame ng isang maselang mukha, ang matulungin na hitsura ng mga brown na mata ay maalalahanin, medyo nababalisa. Sa likod ng batang lalaki ay isang Umbrian landscape na may manipis na mga puno, isang kulay-pilak na ilog, isang langit na nagiging kulay rosas sa abot-tanaw. Ang lambing ng tagsibol ng kalikasan, bilang isang echo ng karakter ng bayani, ay naaayon sa tula at alindog ng bayani.

Ang imahe ng batang lalaki ay ibinigay sa harapan, malaki at sumasakop sa halos buong eroplano ng larawan, at ang tanawin ay ipininta sa background at napakaliit. Lumilikha ito ng impresyon ng kahalagahan ng tao, ang kanyang pangingibabaw sa nakapaligid na kalikasan, ay nagsasaad na ang tao ang pinakamagandang nilikha sa mundo.

Dito ipinakita ang solemneng pag-alis ni Cardinal Kapranik sa Basel Cathedral, na tumagal ng halos 18 taon, mula 1431 hanggang 1449, una sa Basel, at pagkatapos ay sa Lausanne. Kasama rin sa retinue ng cardinal ang batang Piccolomini. Sa isang eleganteng frame ng isang kalahating bilog na arko, ang isang pangkat ng mga mangangabayo ay ipinakita, na sinamahan ng mga pahina at mga tagapaglingkod. Ang kaganapan ay hindi tunay at maaasahan, ngunit chivalrously pino, halos hindi kapani-paniwala. Sa harapan, isang magandang sakay sa isang puting kabayo, sa isang marangyang damit at sumbrero, ibinaling ang kanyang ulo, tumingin sa manonood - ito ay si Aeneas Silvio. Sa kasiyahan ang artist ay nagsusulat ng mayayamang damit, magagandang kabayo sa pelus na kumot. Ang mga pinahabang proporsyon ng mga figure, bahagyang mannered na paggalaw, bahagyang tilts ng ulo ay malapit sa perpektong korte. Ang buhay ni Pope Pius II ay puno ng maliwanag na mga kaganapan, at nagsalita si Pinturicchio tungkol sa mga pagpupulong ng Papa sa Hari ng Scotland, kasama si Emperador Frederick III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

May mga alamat tungkol sa buhay ni Lippi. Siya mismo ay isang monghe, ngunit umalis sa monasteryo, naging isang wandering artist, dinukot ang isang madre mula sa monasteryo at namatay na nalason ng mga kamag-anak ng isang batang babae kung saan siya ay umibig sa isang advanced na edad.

Nagpinta siya ng mga larawan ng Madonna at Bata, na puno ng buhay na damdamin at karanasan ng tao. Sa kanyang mga pagpipinta, inilarawan niya ang maraming detalye: mga gamit sa bahay, kapaligiran, kaya ang kanyang mga paksa sa relihiyon ay katulad ng mga sekular na pagpipinta.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Ipininta niya hindi lamang ang mga relihiyosong paksa, kundi pati na rin ang mga eksena mula sa buhay ng maharlikang Florentine, ang kanilang kayamanan at karangyaan, mga larawan ng mga marangal na tao.

Nasa harap namin ang asawa ng isang mayamang Florentine, kaibigan ng artista. Sa hindi masyadong maganda, marangyang bihis na dalaga, ang artista ay nagpahayag ng kalmado, isang sandali ng katahimikan at katahimikan. Malamig ang ekspresyon sa mukha ng babae, walang pakialam sa lahat, tila nakikita na niya ang kanyang nalalapit na kamatayan: sa lalong madaling panahon pagkatapos ng pagpipinta ng larawan, siya ay mamamatay. Ang babae ay inilalarawan sa profile, na karaniwan para sa maraming mga larawan noong panahong iyon.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Isa sa mga pinakamahalagang pangalan sa pagpipinta ng Italyano noong ika-15 siglo. Nakumpleto niya ang maraming pagbabago sa mga pamamaraan ng pagbuo ng pananaw ng isang kaakit-akit na espasyo.

Ang larawan ay ipininta sa isang poplar board sa egg tempera - malinaw naman, sa oras na ito ay hindi pa pinagkadalubhasaan ng artist ang mga lihim ng pagpipinta ng langis, sa pamamaraan kung saan isusulat ang kanyang mga gawa sa ibang pagkakataon.

Nakuha ng artista ang pagpapakita ng misteryo ng Banal na Trinidad sa panahon ng Pagbibinyag kay Kristo. Ang puting kalapati, na ikinakalat ang mga pakpak nito sa ulo ni Kristo, ay sumisimbolo sa pagbaba ng Banal na Espiritu sa Tagapagligtas. Ang mga larawan ni Kristo, si Juan Bautista at ang mga anghel na nakatayo sa tabi nila ay pininturahan ng mga pinipigilang kulay.
Ang kanyang mga fresco ay solemne, dakila at marilag. Naniniwala si Francesca sa mataas na tadhana ng tao at sa kanyang mga gawa ang mga tao ay laging gumagawa ng mga kamangha-manghang bagay. Gumamit siya ng banayad, banayad na mga paglipat ng mga kulay. Si Francesca ang unang nagpinta ng en plein air (sa hangin).

Ang pagpipinta ng Renaissance ay ang gintong pondo ng hindi lamang European, kundi pati na rin ang sining ng mundo. Pinalitan ng panahon ng Renaissance ang madilim na Middle Ages, na pinailalim sa utak ng buto sa mga canon ng simbahan, at nauna sa kasunod na Enlightenment at New Age.

Kalkulahin ang tagal ng panahon ay depende sa bansa. Ang panahon ng pag-unlad ng kultura, gaya ng karaniwang tawag dito, ay nagsimula sa Italya noong ika-14 na siglo, at pagkatapos lamang kumalat sa buong Europa at umabot sa kasukdulan nito sa pagtatapos ng ika-15 siglo. Hinahati ng mga mananalaysay ang panahong ito sa sining sa apat na yugto: Proto-Renaissance, maaga, mataas at huling Renaissance. Ang partikular na halaga at interes ay, siyempre, ang pagpipinta ng Italian Renaissance, ngunit hindi dapat balewalain ang mga master ng Pranses, Aleman, at Dutch. Ito ay tungkol sa kanila sa konteksto ng mga yugto ng panahon ng Renaissance na tatalakayin pa ng artikulo.

Proto-Renaissance

Ang panahon ng Proto-Renaissance ay tumagal mula sa ikalawang kalahati ng ika-13 siglo. pagsapit ng ika-14 na siglo Ito ay malapit na konektado sa Middle Ages, sa huling yugto kung saan ito nagmula. Ang Proto-Renaissance ay ang nangunguna sa Renaissance at pinagsasama ang mga tradisyong Byzantine, Romanesque at Gothic. Una sa lahat, ang mga uso ng bagong panahon ay lumitaw sa iskultura, at pagkatapos lamang sa pagpipinta. Ang huli ay kinakatawan ng dalawang paaralan ng Siena at Florence.

Ang pangunahing pigura ng panahon ay ang pintor at arkitekto na si Giotto di Bondone. Ang kinatawan ng paaralan ng pagpipinta ng Florentine ay naging isang repormador. Binalangkas niya ang landas kung saan ito higit pang umunlad. Ang mga tampok ng pagpipinta ng Renaissance ay nagmula nang eksakto sa panahong ito. Karaniwang tinatanggap na nagtagumpay si Giotto sa kanyang mga gawa sa estilo ng pagpipinta ng icon na karaniwan sa Byzantium at Italy. Gumawa siya ng espasyo hindi two-dimensional, ngunit three-dimensional, gamit ang chiaroscuro upang lumikha ng ilusyon ng lalim. Nasa larawan ang painting na "Kiss of Judas".

Ang mga kinatawan ng paaralang Florentine ay tumayo sa pinagmulan ng Renaissance at ginawa ang lahat upang mailabas ang pagpipinta mula sa mahabang medieval na pagwawalang-kilos.

Ang panahon ng Proto-Renaissance ay nahahati sa dalawang bahagi: bago at pagkatapos ng kanyang kamatayan. Hanggang 1337, ang pinakamaliwanag na mga masters ay gumagana at ang pinakamahalagang pagtuklas ay nagaganap. Matapos masakop ng Italya ang epidemya ng salot.

Renaissance Painting: Maikling Tungkol sa Maagang Panahon

Ang Maagang Renaissance ay sumasaklaw sa isang panahon ng 80 taon: mula 1420 hanggang 1500. Sa panahong ito, hindi pa rin ito ganap na umaalis sa mga nakaraang tradisyon at nauugnay pa rin sa sining ng Middle Ages. Gayunpaman, ang hininga ng mga bagong uso ay naramdaman na, ang mga masters ay nagsisimula nang mas madalas na lumiko sa mga elemento ng klasikal na sinaunang panahon. Sa huli, ganap na inabandona ng mga artista ang istilong medyebal at nagsimulang matapang na gamitin ang pinakamahusay na mga halimbawa ng sinaunang kultura. Tandaan na ang proseso ay medyo mabagal, hakbang-hakbang.

Mga natitirang kinatawan ng maagang Renaissance

Ang gawa ng Italian artist na si Piero dela Francesca ay ganap na nabibilang sa panahon ng maagang Renaissance. Ang kanyang mga gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng maharlika, marilag na kagandahan at pagkakaisa, katumpakan ng pananaw, malambot na mga kulay na puno ng liwanag. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, bilang karagdagan sa pagpipinta, nag-aral siya ng matematika nang malalim at kahit na nagsulat ng dalawa sa kanyang sariling mga treatise. Ang isa pang kilalang pintor, si Luca Signorelli, ay ang kanyang estudyante, at ang istilo ay makikita sa gawain ng maraming Umbrian masters. Sa larawan sa itaas, isang fragment ng isang fresco sa simbahan ng San Francesco sa Arezzo "The History of the Queen of Sheba."

Si Domenico Ghirlandaio ay isa pang kilalang kinatawan ng paaralang Florentine ng maagang pagpipinta ng Renaissance. Siya ang nagtatag ng isang sikat na artistic dynasty at ang pinuno ng workshop kung saan nagsimula ang batang Michelangelo. Si Ghirlandaio ay isang sikat at matagumpay na master, na nakikibahagi hindi lamang sa mga fresco painting (Tornabuoni Chapel, Sistine), kundi pati na rin sa easel painting ("Adoration of the Magi", "Nativity", "Old Man with his Apo", "Portrait ng Giovanna Tornabuoni" - sa larawan sa ibaba).

Mataas na Renaissance

Ang panahong ito, kung saan nagkaroon ng kahanga-hangang pag-unlad ng istilo, ay bumagsak sa mga taong 1500-1527. Sa oras na ito, ang sentro ng sining ng Italyano ay lumipat sa Roma mula sa Florence. Ito ay dahil sa pag-akyat sa trono ng papa ng ambisyosong, masigasig na si Julius II, na umakit sa pinakamahusay na mga artista ng Italya sa kanyang korte. Ang Roma ay naging katulad ng Athens noong panahon ni Pericles at nakaranas ng hindi kapani-paniwalang pagtaas at pagbuo ng boom. Kasabay nito, mayroong pagkakaisa sa pagitan ng mga sangay ng sining: iskultura, arkitektura at pagpipinta. Pinagsama-sama sila ng Renaissance. Para silang magkasabay, nagpupuno sa isa't isa at nakikipag-ugnayan.

Ang antiquity ay pinag-aralan nang mas mabuti sa panahon ng High Renaissance at muling ginawa nang may pinakamataas na katumpakan, mahigpit at pagkakapare-pareho. Ang dignidad at katahimikan ay pinapalitan ang mapang-akit na kagandahan, at ang mga tradisyon ng medyebal ay ganap na nakalimutan. Ang tugatog ng Renaissance ay minarkahan ng gawain ng tatlo sa mga pinakadakilang masters ng Italyano: Rafael Santi (ang pagpipinta na "Donna Velata" sa imahe sa itaas), Michelangelo at Leonardo da Vinci ("Mona Lisa" - sa unang larawan).

Huling Renaissance

Ang Late Renaissance ay sumasaklaw sa panahon sa Italya mula 1530s hanggang 1590s-1620s. Binabawasan ng mga kritiko ng sining at istoryador ang mga gawa sa panahong ito sa isang karaniwang denominator na may mataas na antas ng pagiging kumbensyonal. Ang Timog Europa ay nasa ilalim ng impluwensya ng Counter-Reformation na nagtagumpay dito, na napagtanto na may malaking pangamba sa anumang malayang pag-iisip, kabilang ang muling pagkabuhay ng mga mithiin ng unang panahon.

Nakita ni Florence ang pangingibabaw ng Mannerism, na nailalarawan sa pamamagitan ng mga likhang kulay at mga putol na linya. Gayunpaman, sa Parma, kung saan nagtrabaho si Correggio, nakuha lamang niya pagkatapos ng pagkamatay ng master. Ang pagpipinta ng Venetian ng Renaissance ng huling panahon ay may sariling landas ng pag-unlad. Sina Palladio at Titian, na nagtrabaho doon hanggang 1570s, ang pinakamaliwanag na kinatawan nito. Ang kanilang trabaho ay walang kinalaman sa mga bagong uso sa Roma at Florence.

Hilagang Renaissance

Ang terminong ito ay ginagamit upang makilala ang Renaissance sa buong Europa, na nasa labas ng Italya sa pangkalahatan at partikular sa mga bansang Aleman. Ito ay may isang bilang ng mga tampok. Ang Northern Renaissance ay hindi homogenous at sa bawat bansa ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga tiyak na tampok. Hinahati ito ng mga kritiko ng sining sa ilang lugar: French, German, Dutch, Spanish, Polish, English, atbp.

Ang paggising ng Europa ay napunta sa dalawang paraan: ang pag-unlad at paglaganap ng isang makatao na sekular na pananaw sa mundo, at ang pagbuo ng mga ideya para sa pagpapanibago ng mga tradisyon ng relihiyon. Pareho silang hinawakan, kung minsan ay pinagsama, ngunit sa parehong oras ay mga antagonist. Pinili ng Italya ang unang landas, at ang Hilagang Europa ang pangalawa.

Ang sining ng hilaga, kabilang ang pagpipinta, ay halos hindi naiimpluwensyahan ng Renaissance hanggang 1450. Mula 1500 ay kumalat ito sa buong kontinente, ngunit sa ilang mga lugar ang impluwensya ng huling Gothic ay napanatili hanggang sa pagsisimula ng Baroque.

Ang Northern Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang makabuluhang impluwensya ng estilo ng Gothic, hindi gaanong pansin sa pag-aaral ng sinaunang panahon at anatomya ng tao, at isang detalyado at maselan na pamamaraan ng pagsulat. Ang Repormasyon ay may mahalagang impluwensyang ideolohikal sa kanya.

French Northern Renaissance

Ang pinakamalapit sa Italyano ay French painting. Ang Renaissance para sa kultura ng France ay isang mahalagang yugto. Sa oras na ito, ang mga relasyon sa monarkiya at burges ay aktibong lumalakas, ang mga relihiyosong ideya ng Middle Ages ay kumupas sa background, na nagbibigay-daan sa mga humanistic tendency. Mga Kinatawan: Francois Quesnel, Jean Fouquet (nakalarawan ay isang fragment ng Melun diptych ng master), Jean Cluz, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

German at Dutch Northern Renaissance

Ang mga pambihirang gawa ng Northern Renaissance ay nilikha ng mga German at Flemish-Dutch masters. Malaki pa rin ang papel ng relihiyon sa mga bansang ito, at malakas ang impluwensya nito sa pagpipinta. Ang Renaissance ay lumipas sa Netherlands at Germany sa ibang paraan. Hindi tulad ng gawain ng mga panginoong Italyano, hindi inilagay ng mga artista ng mga bansang ito ang tao sa gitna ng sansinukob. Sa buong halos buong XV siglo. inilalarawan nila siya sa istilong Gothic: liwanag at ethereal. Ang pinakakilalang kinatawan ng Dutch Renaissance ay sina Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Kampen, Hugo van der Goes, German - Albert Dürer, Lucas Cranach the Elder, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Sa larawan, ang self-portrait ni A. Dürer, 1498

Sa kabila ng katotohanan na ang mga gawa ng hilagang masters ay naiiba nang malaki mula sa mga gawa ng mga pintor ng Italyano, sa anumang kaso ay kinikilala sila bilang hindi mabibili na mga eksibit ng pinong sining.

Ang pagpipinta ng Renaissance, tulad ng lahat ng kultura sa pangkalahatan, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sekular na karakter, humanismo at tinatawag na anthropocentrism, o, sa madaling salita, isang pangunahing interes sa tao at sa kanyang mga aktibidad. Sa panahong ito, nagkaroon ng tunay na pamumulaklak ng interes sa sinaunang sining, at nagkaroon ng muling pagkabuhay nito. Ang panahon ay nagbigay sa mundo ng isang buong kalawakan ng mga makikinang na eskultor, arkitekto, manunulat, makata at artista. Kailanman o mula noon ay naging laganap ang pag-unlad ng kultura.

Ang Renaissance ay nagdala ng malaking pagbabago sa sining ng pagpipinta. Ang mga artista ay pinagkadalubhasaan ang kakayahang maghatid ng banayad na liwanag at anino, espasyo, ang mga pose at kilos ng kanilang mga karakter ay naging natural. Sa mahusay na kasanayan ay inilarawan nila ang kumplikadong damdamin ng tao sa kanilang mga pagpipinta.

Sa pagpipinta ng Early Renaissance, o Quattrocento (XV century), ang mga pangunahing nota ay karaniwang tunog; ito ay nakikilala sa pamamagitan ng mga dalisay na kulay, ang mga character ay may linya at nakabalangkas sa pamamagitan ng madilim na mga contour na naghihiwalay sa kanila mula sa background at light background. Ang lahat ng mga detalye ay napaka detalyado at maselan. Bagama't ang pagpipinta ng Quattrocento ay hindi pa kasing perpekto ng sining ng High and Late Renaissance, naaantig nito ang manonood sa kaibuturan ng kadalisayan at katapatan nito.

Ang pinakaunang makabuluhang pintor ng Early Renaissance ay si Masaccio. Bagaman ang artista ay nabuhay lamang ng 28 taon, nagawa niyang mag-iwan ng isang makabuluhang kontribusyon hindi lamang sa pagpipinta ng Renaissance, kundi sa lahat ng sining sa mundo. Ang kanyang mga kuwadro na gawa ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na kulay, ang mga figure ay tila siksik at nakakagulat na buhay. Si Masaccio ay perpektong nagbibigay ng pananaw at dami, nagmamay-ari ng mga epekto ng chiaroscuro. Siya ang una sa mga pintor ng Early Renaissance na naglalarawan sa hubad na katawan ng tao at ipinakita ang kanyang mga bayani bilang magaganda at malakas, karapat-dapat sa paggalang at paghanga. Nang maglaon, ang mga dakilang masters ng High Renaissance tulad nina Leonardo da Vinci, Michelangelo at Raphael ay nag-aral sa mga gawa ni Masaccio ("Expulsion from Paradise", "Miracle with a Fee").

Sa panahong ito, maraming magagandang artista ang lumikha ng kanilang mga likha. Si Paolo Uccello ay nagtrabaho sa Florence, na nagpinta ng mga eksena sa labanan at sikat sa kanyang kakayahang maglarawan ng mga kabayo at sakay sa mga kumplikadong anggulo at pose. Si Giorgio Vasari, isang katamtamang artist at isang kahanga-hangang biographer at art historian na nabuhay noong ika-16 na siglo, ay nagsabi na si Uccello ay hindi maaaring umalis sa kanyang bahay sa loob ng ilang linggo at kahit na buwan, na nilulutas ang pinakamahihirap na problema ng pananaw na kanyang kinakaharap. Sa kanyang mga mahal sa buhay, na nakiusap sa kanya na matakpan ang mga pag-aaral na ito, sumagot siya: "Iwan mo ako, wala nang mas matamis kaysa sa inaasam-asam."

Ang pintor na si Filippo Lippi ay nagtrabaho sa Florence. Sa kanyang kabataan, siya ay isang monghe ng monasteryo ng Carmelite Brothers, ngunit sa lalong madaling panahon ay iniwan ito, itinalaga ang kanyang sarili sa pagpipinta. Maraming mga alamat tungkol sa kanyang buhay. Sinabi nila na ang buong Florence ay sumunod sa pag-iibigan ng dating monghe na may interes. Inagaw ng artista ang kanyang magiging asawa, si Lucrezia Buti, mula sa monasteryo. Sa hinaharap, isinulat niya siya nang higit sa isang beses sa imahe ng Madonna ("Coronation of Mary", 1447; "Madonna under the Veil"). Ang mga kuwadro na gawa ng Filippo Lippi ay pormal na konektado sa mga tema ng relihiyon: wala silang drama at kalunos-lunos, walang kadakilaan at monumentalidad sa kanila. Kasabay nito, ang masasayang kulot na buhok na mga anghel, mga magagandang bata at magagandang babae ay binibihag ang manonood sa kanilang kagandahan. Sa mahusay na kasanayan, ang pintor ay nagpinta ng maaliwalas at sariwang tanawin ng kagubatan, na siyang background ng mga eksena sa Bibliya. Sa mga kontemporaryo, ang mga gawa ni Filippo Lippi ay napakapopular; siya ang paboritong artista ng Cosimo de Medici, na noon ay pinuno ng Florence.

Kasabay nito, ang isa pang Florentine master, isang Dominican monghe at abbot ng monasteryo ng San Marco, Fra Beato Angelico, ay nagtrabaho, na ang mga gawa ay puno ng malalim na relihiyosong damdamin. Buong buhay ko Fra
Nakatuon si Angelico sa paglikha ng mga icon at fresco para sa mga monasteryo. Ang kanyang pagpipinta ay nakikilala sa pamamagitan ng maliwanag at dalisay na mga kulay, nagniningning na pagtubog. Ang mga gothically elongated figure ng kanyang Madonnas ay tila espirituwal, hiwalay sa lahat ng bagay sa mundo. Ang isa sa mga pinakamahusay na gawa ni Fra Angelico ay ang komposisyon ng altar na "Koronasyon ni Maria" (c. 1435-1436). Ang kanyang Ina ng Diyos ay ang sagisag ng patula, dalisay na pagkababae, masaya at mahinahon. Walang madilim na mistisismo sa pagpipinta ng Florentine master; kahit na sa multi-figured altar sa tema ng Huling Paghuhukom sa kaliwang bahagi, ang artist ay naglalarawan ng isang maligayang paraiso na may mga pigura ng mga masayang anghel sa magagandang damit.

Sa oras na ito, ang mga pintura ng langis ay naimbento sa Netherlands, na nagpapahintulot sa mga pintor na gumawa ng mga paglipat ng kulay na mas banayad, upang gumamit ng liwanag nang mas malaya upang muling buhayin ang kulay. Nakatulong din sila upang makamit ang isang solong tono ng kulay. Si Domenico Veneziano, isang kinatawan ng paaralang Florentine, isang Venetian ang pinagmulan, ang una sa mga artistang Italyano na nagpinta gamit ang mga pintura ng langis. Nasa kanyang unang mga gawa ("The Adoration of the Magi", 1434), malinaw na ipinakita ang coloristic talent ng artist. Ang dalisay, halos transparent na mga kulay, puspos ng liwanag, ay bumubuo ng isang solong tonal range. Nang maglaon, humanga ang mga gawa sa virtuoso transmission ng light-air environment - pinaniniwalaan na si Domenico Veneziano ay isa sa mga unang naglarawan nito sa kanyang mga canvases.

Ang husay ng pintor ay lubos na naipahayag sa mga sikat na Florentine portrait ni Domenico Veneziano.

Kadalasan, inilalarawan niya ang mga mukha ng kababaihan sa profile (ang mga pangalan ng karamihan sa mga modelo ay hindi itinatag) laban sa isang kulay-pilak na kalangitan o landscape. Sinusubukang gawing mas malinis at maliwanag ang mga kulay, idinagdag ng artist ang linseed oil sa kanila.

Ang mga nagawa ni Domenico Veneziano ay binuo ng kanyang mag-aaral at tagasunod na si Piero della Francesca, na itinuturing ng kanyang mga kontemporaryo bilang "monarch of painting". Isang katutubo ng Tuscany, na nagtrabaho sa Florence, pinag-aralan niya ang gawain nina Giotto, Masaccio at Paolo Uccello. May impluwensya rin sa kanya ang Netherlandish painting. Hindi lamang isang artista, kundi pati na rin isang kilalang art researcher, si Piero della Francesca ay nagsulat ng mga teoretikal na treatise - "On Perspective in Painting" at isang booklet na "On Five Correct Bodies".

Ang mga gawa ni Piero della Francesca ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang malinaw at tumpak na komposisyon, mahusay na paghahatid ng liwanag at hangin na kapaligiran, malinis at sariwang mga kulay. Ang tao sa kanyang mga pagpipinta ay wala sa panloob na salungatan na lilitaw mamaya sa pagpipinta ng Late Renaissance at Baroque. Ang mga bayani ni Piero della Francesca ay kalmado, marilag at matapang. Ito ang mga katangiang ito na likas sa mga imahe ng Duke at Duchess ng Urbino - Federigo da Montefeltro at ang kanyang asawa, Battista Sforza, sa sikat na larawan ng pares.

Ang kumander, politiko at pilantropo, ang pinuno ng Urbino Federigo da Montefeltro ay isang malapit na kaibigan ng artista. Inilarawan ni Piero della Francesca ang duke sa isa pang sikat na pagpipinta - "Madonna kasama ang mga santo at mga anghel at ang customer na si Federigo da Montefeltro."

Perpektong nakapagbibigay ng pananaw, nagsulat si Piero della Francesca ng napakagandang architectural veduta (veduta - isang picture-plan ng "ideal na lungsod"), na may malaking impluwensya sa gawain ng mga kontemporaryong arkitekto.

Sa panahon ng High Renaissance, ang sining ng Piero della Francesca ay nagsimulang magmukhang lipas na, at inanyayahan ng Papa si Raphael na ipinta ang mga dingding ng Vatican, na natatakpan ng mga fresco ni Piero della Francesca. Sumang-ayon si Rafael at magaling na nakayanan ang gawain.

Ang pinakamatingkad na artistikong ideals ng yumaong Quattrocento ay kinakatawan ng master ng Umbrian school of painting, si Pietro Perugino. Ang kanyang pagpipinta, kalmado, mapagnilay-nilay at liriko, ay puno ng mga marupok at magagandang imahe, na napapalibutan ng mga mala-tula na maburol na tanawin ng Umbria. Ang malinaw na pagkakatugma ng mga pintura ni Perugino ay naglalapit sa kanyang pagpipinta sa sining ng High Renaissance ("Lamentation of Christ", c. 1494-1495; "Madonna with Saints, 1496). Pintor
nagkaroon ng malaking impluwensya sa kanyang estudyante - ang sikat na Raphael.

Sa halos lahat ng lungsod sa Italya mayroong isang paaralan ng sining na may sariling personalidad.
Ngunit lahat sila ay naghangad na ipakita sa kanilang sining ang kagandahan ng lupa at ng tao. Sa panahong ito, ang isa sa pinakamahalagang sentro ng kultura ay ang Padua kasama ang sikat na unibersidad nito. Sa lungsod na ito noong ika-XV siglo. nabuhay ang mahilig sa sining na si Francesco Squaccione. Nangolekta siya ng mga sinaunang barya, medalya, mga fragment ng bas-relief sa paligid ng Padua, pati na rin sa malayo sa lungsod. Ang kanyang sigasig ay inilipat sa mga pintor, eskultor, panday-ginto ng Padua, na nakapaligid sa kanya at itinuturing siyang kanilang guro.

Pinalaki ni Squarcione ang mahusay na pintor na si Andrea Mantegna, na dumating sa kanyang bahay bilang isang sampung taong gulang na batang lalaki. Ang gawain ni Mantegna, na nabuhay ng mahabang buhay, ay hindi pangkaraniwang multifaceted: bilang karagdagan sa pagpipinta at pag-ukit, mahilig siya sa geometry, optika, at arkeolohiya. Ang pagkakaroon ng pag-ibig sa sining ng sinaunang Roma sa bahay ng Squarcione (sa panahon ng Renaissance sa Italya ay hindi pa nila alam ang tungkol sa sining ng Sinaunang Greece), ginamit ng pintor ang kanyang mga imahe sa kanyang mga gawa, na nagbibigay sa kanila ng heroic-romantic features. Ang kanyang mga banal, pinuno, mandirigma, na ipininta laban sa backdrop ng isang madilim na mabatong tanawin, ay nagbibigay ng impresyon ng kadakilaan at kapangyarihan. Marami sa mga gawa ni Mantegna ay nababalot ng malalim na drama. Ganito ang kanyang sikat na komposisyon na "Dead Christ", na tumama sa mga kapanahon sa pagiging emosyonal nito.

Si Mantegna ay naging tanyag din bilang isang mahuhusay na mang-uukit ng tanso. Siya ang unang gumawa ng ukit na isang pantay na anyo ng pinong sining.

Ang pagpipinta ng Proto-Renaissance ay umabot sa rurok nito sa gawa ni Botticelli.

Sandro Botticelli

Walang gaanong impormasyon ang dumating sa amin tungkol sa buhay ni Sandro Botticelli at ang kasaysayan ng kanyang paglikha ng mga gawa na kalaunan ay naging mga perlas ng mundong pinong sining. Ang mga kritiko ng sining at mga istoryador ay nalaman lamang ang ilang mga katotohanan mula sa talambuhay ng dakilang master.

Ipinanganak si Botticelli noong 1444. Nag-aral siya ng pagpipinta sa art workshop ng Filippo Lippi. Ang unang bahagi ng gawain ng Botticelli ay minarkahan ng impluwensya ng sining ni Lippi, pati na rin ang mga ideya na nabuo sa hukuman ng Lorenzo de' Medici. Gayunpaman, na may malaking kumpiyansa, masasabi nating ang mga larawang nilikha ng mahusay na pintor ay mas matingkad at makabuluhan kaysa sa mga gawa ng mga pintor na nagtatrabaho sa ilalim ng pangangalaga ng Medici.

Ang mga unang larawan ng Botticelli ay may mga bakas ng impluwensya ng istilo ng pagpipinta ng Filippo Lippi, gayundin sina Andrea Verrocchio at Pollaiolo. Sa mga susunod na gawa, ang sariling katangian ng master ay nagpapakita ng sarili nang mas malalim. Kaya, ang kilalang canvas na The Adoration of the Magi ay naglalarawan ng mga miyembro ng pamilyang Medici at isang self-portrait ng artist. Ang komposisyon ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan, liwanag at sa parehong oras lambing ng mga kulay, pati na rin ang banayad na biyaya at liwanag. Ang mga imahe na nilikha ni Botticelli ay puno ng liriko at hindi pangkaraniwang kagandahan na nagmumula sa kaibuturan ng kaluluwa.

Noong dekada 70. ika-15 siglo lumitaw ang unang pagpipinta ni Botticelli, na nagdala sa pintor ng mahusay na katanyagan sa kanyang mga kontemporaryo at iniwan ang memorya ng master sa loob ng maraming siglo. Ang canvas na ito ay "Spring", na ngayon ay nakaimbak sa Uffizi Gallery sa Florence. Ang gawain ay isinulat pagkatapos basahin ng pintor ang isa sa mga tula ni Poliziano. Ang mga imahe-alegorya ay iniharap laban sa backdrop ng isang kahanga-hangang tanawin ng kagubatan. Katulad ng paraiso, ang hardin ay humanga sa hindi pangkaraniwan at hindi makalupa na kagandahan. Ang gitnang lugar sa komposisyon ay ibinibigay kay Venus. Sa kanang bahagi nito ay si Flora, nakakalat ng mga kamangha-manghang bulaklak, sa kaliwa - nagsasayaw na mga grasya, magaan at mahangin, katulad ng puti, halos transparent na mga ulap. Ang dinamika ay nilikha nang tumpak dahil sa imahe ng mga biyayang gumagalaw sa isang bilog na sayaw.

Ang buong larawan ay nakikilala sa pamamagitan ng hindi pangkaraniwang kagandahan at lambing. Sa kabila ng katotohanan na ang pangalan nito ay "Spring", kapag tinitingnan ang larawan, isang pakiramdam ng bahagyang kalungkutan ay lumitaw, kung saan hindi kami sanay na makilala ang tagsibol. Sa isipan ng sinumang tao, ang tagsibol ay ang pag-renew ng mundo, kagalakan, kagalakan. Si Botticelli, sa kabilang banda, ay muling nag-iisip ng mga karaniwang tinatanggap at pamilyar na mga imahe.

Noong 1481, pumunta si Sandro Botticelli sa Roma, kung saan pininturahan niya ang mga dingding ng Sistine Chapel. Kabilang sa iba pang mga fresco ng kanyang brush ay kabilang ang sikat na "Buhay ni Moses".

Noong 1482, muling nanirahan ang artista sa Florence. Itinuturing ng mga istoryador ng sining at biographer sa taong ito ang pinakamabunga para sa pagbuo at pag-unlad ng gawa ng master na pintor. Noon ay lumitaw ang sikat na canvas na "The Birth of Venus", na ngayon ay nasa Uffizi Gallery sa Florence.

Walang planar na imahe sa larawan - Si Botticelli ay kumikilos dito bilang master ng paglilipat ng mga spatial na linya.
Sila ang lumikha ng impresyon ng lalim at lakas ng tunog, na idinisenyo upang ipakita ang dynamics ng mga galaw ng mga karakter sa nakalarawan na salaysay. Ang mga light pastel na kulay ng canvas at mahusay na ginamit na mga kumbinasyon ng mga kulay (transparent na berdeng tubig ng dagat, asul na kapa ng marshmallow, ginintuang buhok ng Venus, isang madilim na pulang balabal sa mga kamay ng isang nymph) ay lumikha ng isang pakiramdam ng hindi pangkaraniwang lambing at pagsasalita ng banayad na kahulugan ng kulay ng artist.

Ang gitnang pigura ng komposisyon ay ang Venus, na kalalabas lamang mula sa tubig ng asul na dagat. Nakahubad siya. Gayunpaman, salamat sa kanyang kalmado at espirituwal na hitsura, ang manonood ay walang pakiramdam ng awkwardness. Ang dyosa ay maganda, kasing ganda ng isang hindi makalupa na nilalang na bumaba sa langit. Ang imahe ni Venus ay madaling makilala sa mga canvases na nilikha ni Botticelli batay sa mga kilalang motif ng Bibliya. Kabilang sa mga painting na may relihiyosong nilalaman, ang pinakakilala ay ang Madonna Enthroned (1484) at ang Madonna in Glory (Magnificat).

Parehong kasalukuyang nasa Uffizi Gallery sa Florence. Ang "Madonna in Glory" ay nakikilala sa pamamagitan ng banayad na liriko ng mga imahe. Ang dynamics ng komposisyon ay nilikha salamat sa bilog na hugis ng larawan, ang mga ritmo na kung saan ay paulit-ulit.
sa pag-aayos ng mga gumagalaw na figure. Ang tanawin, na dinala sa background ng komposisyon, ay lumilikha ng dami at espasyo.

Ang mga larawang gawa ng mahusay na pintor ay hindi pangkaraniwang maganda at liriko. Kabilang sa mga ito, ang partikular na interes ay
larawan ni Giuliano Medici at "Portrait of a Youth". Gayunpaman, sa kasalukuyan, iniuugnay ng ilang mga art historian ang pagiging may-akda ng huling akda sa estudyante ni Sandro Botticelli na si Filippino Lippi (anak ni Filippo Lippi).

90s Ang ika-15 siglo ay naging isang punto ng pagbabago para sa artist. Ang panahong ito ay minarkahan ng pagpapatalsik sa Medici at ang pagtaas ng kapangyarihan
Savonarola, na ang mga relihiyosong sermon ay naglalayong tuligsain ang Papa at mayayamang pamilyang Florentine. Siya
pinuna rin niya ang sekular na sining, at, ayon kay Savonarola, lahat ng mga artista at makata, pagkatapos ng kamatayan, ay inaasahan ng nagniningas na impiyerno. Upang maiwasan ito, kailangang talikuran ang sining at pagsisihan ang mga kasalanan...

Ang mga sermon na ito ay makabuluhang nakaimpluwensya sa pananaw sa mundo ni Botticelli, na hindi makakaapekto sa kanyang trabaho. Ang mga gawa ng pintor, na nilikha sa panahong ito, ay nakikilala sa pamamagitan ng hindi pangkaraniwang malalim na pesimismo, kawalan ng pag-asa at kapahamakan. Ang may-akda ngayon ay lalong bumaling sa mga paksang Kristiyano, na nakakalimutan ang tungkol sa sinaunang panahon. Isang katangiang gawa ni Botticelli sa panahong ito ang The Abandoned Woman, na ngayon ay nakatago sa koleksyon ng Pallavicini sa Roma. Ang balangkas ng larawan ay medyo simple: isang umiiyak na babae ang nakaupo sa mga hagdan ng bato laban sa isang pader na may mahigpit na saradong mga pintuan. Ngunit, sa kabila ng pagiging simple ng nilalaman, ang larawan ay napaka-nagpapahayag at lumilikha ng isang malungkot, malungkot at malungkot na kalooban sa manonood.

Noong 1490s ika-15 siglo Lumilitaw ang mga ilustrasyon ni Botticelli para sa Divine Comedy ni Dante. 96 na mga guhit lamang ang nakaligtas hanggang ngayon, na ngayon ay nasa mga museo ng Berlin at Vatican. Ang lahat ng mga larawan ng mga sketch ay hindi pangkaraniwang marupok, mahangin at magaan, na isang tanda ng lahat ng gawa ni Botticelli.

Sa parehong 90s. nilikha ng mahusay na master ang canvas na "Slander", na nakaimbak sa Uffizi Gallery sa Florence. Ang larawan ay kapansin-pansin sa katotohanan na ang paraan ng pagsulat ay medyo nagbabago dito. Ang mga linya na lumilikha ng mga imahe ay nagiging mas matalas at mas matulis. Ang komposisyon ay puno ng kalungkutan, emosyonalidad at higit pa, kung ihahambing sa iba pang mga gawa, katiyakan ng mga imahe.

Ang tugatog ng pagpapahayag ng relihiyosong panatisismo ng pintor ay isang pagpipinta na tinatawag na "Lamentation of Christ." Sa kasalukuyan, ang mga variant ng canvas ay naka-imbak sa Poldi Pezzoli Museum sa Milan at sa Alte Pinakothek sa Munich. Ang partikular na interes dito ay ang mga larawan ng mga malapit kay Kristo, na puno ng matinding kalungkutan at pananabik. Ang impresyon ng trahedya ay pinahusay ng paggamit ng artist ng contrasting, minsan madilim, minsan maliliwanag na kulay. Ang tumitingin ay hindi na incorporeal, halos walang timbang at hindi nakikitang mga imahe, ngunit medyo tiyak at malinaw na mga figure.

Isa sa mga pinakamaliwanag na gawa na may kaugnayan sa huling panahon ng gawa ni Botticelli ay ang pagpipinta na "Mga Eksena mula sa Buhay ni St. Zenobius", na kasalukuyang nakaimbak sa Dresden Art Gallery sa Germany. Ginawa sa istilo ng pagpipinta sa mga sinaunang altar chapel, ang komposisyon ay isang uri ng collage na binubuo ng mga indibidwal na painting na nagsasabi tungkol sa buhay ng santo. Gayunpaman, sa kabila ng pagkakatulad sa sinaunang sining, ang malikhaing sariling katangian ng master ng pagpipinta ay malinaw na ipinakita sa canvas. Ang kanyang mga imahe ay solid at malinaw. Ang mga ito ay inilagay hindi sa isang abstract na espasyo, ngunit laban sa backdrop ng isang kongkretong tanawin. Ang lugar ng aksyon sa Botticelli ay malinaw na tinukoy: kadalasan ang mga ito ay mga ordinaryong lansangan ng lungsod na may magandang kagubatan na nakikita sa malayo.

Ang partikular na interes ay ang mga kumbinasyon ng mga kulay na ginamit ng pintor. Mula sa puntong ito ng pananaw, ang paraan ng pagsulat sa maraming aspeto ay katulad ng pamamaraan ng pagpipinta ng mga sinaunang icon, ang pangkulay nito ay batay hindi sa maliwanag na kaibahan, ngunit sa pagpili ng kalmado, malapit sa mga tono ng kulay.

Namatay si Sandro Botticelli noong Mayo 17, 1510. Ang kanyang gawain ay may malaking impluwensya hindi lamang sa mga masters ng XV-XVI na siglo, kundi pati na rin sa maraming mga pintor ng mga huling panahon.

Sa panahon ng Proto-Renaissance, ang mga kahanga-hangang artista tulad ng mga pintor ng Sienese, na nabuhay kasabay ni Duccio, ang magkapatid na Ambrogio at Pietro Lorenzetti, ay nagtrabaho din; ang Florentine Masolino at Benozzo Gozzoli, ang Umbrian Gentile de Fabriano; pintor at medalist na si Pisanello; Florentines Filippino Lippi (anak ni Filippo Lippi) at Piero di Cosimo. Ang mga kinatawan ng paaralan ng Umbrian ay mga pintor na sina Luca Signorelli, Pinturicchio, Melozzo da Forli. Si Cosimo Tura, Ercole Roberti, Francesco del Cossa, Lorenzo Costa ay nagtrabaho sa Ferrara.

Noong ika-XV siglo. sa Florence, sikat na sikat ang isa pang pictorial genre. Maraming mga pamilya ang may matikas na mga dibdib (cassone) kung saan itinatago ng mga batang babae ang kanilang dote. Tinakpan sila ng mga master ng mahuhusay na ukit at eleganteng pagpipinta. Kadalasan, ang mga artist ay gumagamit ng mga mythological na tema para sa mga mural.

Pagpipinta ng Venice

Ang isang espesyal na lugar sa sining ng Quattrocento ay pag-aari ng Venice. Ang kamangha-manghang lungsod, na matatagpuan sa isang daan at labing walong isla, na pinaghihiwalay mula sa bawat isa ng isang daan at animnapung channel, ay sa panahong iyon ay isang lungsod-estado. Ang Venice, isang republika ng mga mangangalakal na nakikipagkalakalan sa Egypt, Greece, Turkey, Syria, Baghdad, India, Arabia, North Africa, Germany, at Flanders, ay bukas sa ibang mga kultura.

Ang pagpipinta ng Venetian ay idinisenyo upang makuha ang lahat ng kagandahan, kayamanan at karilagan ng dakilang lungsod na ito. Naabot nito ang tugatog nito noong ikalawang kalahati ng ika-15 siglo. Ang mga gawa ng Venetian masters, makulay at maligaya na pandekorasyon, pinalamutian na mga templo, palasyo, lugar ng iba't ibang pampublikong institusyon, nakalulugod na mga pinuno at ordinaryong mamamayan.

Ang isang kapansin-pansing halimbawa ng pagpipinta ng Venetian ay ang gawa ni Vittore Carpaccio. Ang kanyang mapanlikhang mga komposisyon sa pagsasalaysay ay patula na kumakatawan sa Venice sa mga solemne na seremonya ("Reception of Ambassadors"). Inilalarawan din ng artista ang pang-araw-araw na buhay ng kanyang katutubong lungsod; nagpinta siya ng mga eksena mula sa sagradong kasaysayan, binibigyang-kahulugan ang mga ito mula sa punto de bista ng modernidad. Ito ang kanyang "Buhay ni St. Ursula" (1490s), "Mga Eksena mula sa Buhay ni Maria", "Buhay ni St. Stephen" (1511-1520).

Ang makatotohanang mga tendensya ng pagpipinta ng Venetian ng Maagang Renaissance ay makikita sa gawa ni Antonello da Messina. Isa sa kanyang pinakasikat na painting ay ang St. Sebastian" (1476). Ang tema ng martir ni St. Si Sebastian, na naging biktima ng kaaway ng Kristiyanismo na si Diocletian, ay laganap sa mga artista ng Renaissance, ngunit binibigyang-kahulugan ito ni Antonello da Messina sa isang espesyal na paraan: sa imahe ni Sebastian ay walang nagdurusa na kadakilaan na katangian ng mga gawa na nakasulat sa parehong paksa ng ibang mga pintor na may ganitong paksa. Ginagawa ng artista na humanga ang manonood sa kagandahan ng katawan ng tao at humanga sa katapangan at tibay ng loob ng isang magandang binata. Ang hangin at liwanag ay tumatagos sa kalmadong tanawin kung saan inilalarawan si Sebastian. Ang mga maringal na gusali ng lungsod ay tumaas sa likuran niya, isang antigong haligi ang nasa paanan niya.

Si Antonello da Messina ay isang kahanga-hangang portrait master, ang pinakamahusay na mga gawa ng genre na ito ay ang tinatawag na. "Self-portrait" (c. 1473), "Condottiere", "Portrait of a Man" (1470s). Ang mga gawang ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpigil at paglalahat, mga katangian na labis na pinahahalagahan ng mga kontemporaryo ng artista. Inaasahan ng portrait na gawa ng master ang gawain ni Giovanni Bellini.

Isang pangunahing master ng Venetian Quattrocento, si Giovanni Bellini ay itinuturing na isa sa mga tagapagtatag ng High Renaissance. Ang kalunos-lunos na kadakilaan ay minarkahan ang kanyang obra na "Madonna with Saints" (1476), "Lamentation of Christ" (1475). Ang kanyang mahiwagang Madonna of the Lake (c. 1500), na inspirasyon ng isang Pranses na tula, ay umaakit ng pansin.
tungkol sa ginintuang panahon na "Pilgrimage of the Soul". Pinagsama ng larawang ito ang magagandang larawan ng unang panahon at mga pangarap ng isang Kristiyanong paraiso.

Hanggang ngayon, hindi pa lubos na nauunawaan ng mga mananaliksik kung ano ang gustong sabihin ng pintor sa pamamagitan ng paglalarawan ng mga ordinaryong tao sa tabi ng Birhen, mga apostol at mga santo.

Nagpinta si Bellini ng maraming magagandang larawan ("Boy", "Portrait of the Doge Leonardo Loredano", atbp.), na nagsimula sa pamumulaklak ng portraiture sa Venice. Ang kasanayan ng pintor sa paglalarawan ng kalikasan, na isang mahalagang bahagi ng lahat ng kanyang mga gawa (St. Francis, 1470s), ay nagkaroon ng malaking impluwensya sa maraming Venetian na mga pintor ng landscape ng mga susunod na henerasyon. Ang mga estudyante ni Bellini ay mga kilalang pintor gaya nina Giorgione at Titian.

Giorgione

Si Giorgione, hindi lamang isang mahusay na pintor, kundi isang mahuhusay na musikero at makata, ay malinaw na namumukod-tangi sa mga Venetian na pintor. Isinulat ni Vasari na "ang kanyang pagtugtog ng lute at pag-awit ay iginagalang bilang banal." Marahil, samakatuwid ang espesyal na musika at tula ng mga kuwadro na gawa ni Giorgione - sa ito ay wala siyang katumbas hindi lamang sa Italyano, kundi pati na rin sa sining ng mundo.

Kaunti lang ang nalalaman tungkol sa buhay ni Giorgione. Ang kanyang tunay na pangalan ay Giorgio Barbarelli da Castelfranco. Tulad ng isinulat ni Vasari,
palayaw Giorgione ("Big Giorgio") na natanggap ng artist "para sa kadakilaan ng espiritu."

Si Giorgione ay ipinanganak noong mga 1478 sa Castelfranco. Sa kanyang maagang kabataan ay dumating siya sa Venice, kung saan pumasok siya sa pagawaan ni Giovanni Bellini. Simula noon, halos hindi umalis ang pintor sa Venice, kung saan namatay siya noong 1510 sa panahon ng isang epidemya ng salot.

Ang isa sa mga pinakatanyag na pagpipinta ni Giorgione ay ang sikat na "Judith", na itinatago sa Hermitage. Sinasabi ng alamat na ang magandang Judith ay pumasok sa tolda ng pinuno ng hukbo ng kaaway, si Holofernes, at hinikayat siya. Nang makatulog si Holopernes, pinugutan siya ng ulo ng dalaga.

Ang Russian artist na si A. Benois ay sumulat tungkol sa mahiwagang pagpipinta na ito: "Isang kakaibang pagpipinta, tulad ng "hindi maliwanag" at "mapanira" gaya ng mga pagpipinta ni Leonardo. Si Judith ba? - Gusto kong magtanong tungkol sa mahigpit na malungkot na kagandahang ito na may mukha ng Dresden Venus, kaya mahinahong tinatapakan ang kanyang naputol na ulo. Sa katunayan, ang canvas na ito ay naglalaman ng ilang uri ng kontradiksyon at misteryo: ang walang awa na biblikal na Judith ay lumilitaw sa gawa ni Giorgione sa mala-tula na imahe ng isang panaginip na batang babae laban sa backdrop ng isang kalmado at tahimik na kalikasan.

At hindi lang ito ang misteryo sa gawa ni Giorgione.

Anong lihim ang nakatago sa larawang "Bagyo", kung saan, sa ilalim ng isang mabagyo na kalangitan, sa mga puno at mga fragment ng mga sinaunang haligi, nakikita natin ang isang kabataang babae na nakaupo, nagpapakain sa isang bata, at isang binata na naglalakad sa malayo? Hindi rin malinaw kung ano ang gustong sabihin ng artist nang ilarawan niya ang dalawang hubad na babae kasama ang dalawang musikero na nakaupo sa lilim ng isang puno sa canvas na tinatawag na "Country Concert". Sa "Concert ng Bansa" - ang kanyang huling gawain - si Giorgione ay walang oras upang tapusin ang tanawin sa background, at ginawa ito ni Titian para sa kanya. Nasa ibang panahon na, ang konsepto ng komposisyon ay ginamit ni E. Manet sa kanyang sikat na "Breakfast on the Grass".

Ang mga puno, burol, maliwanag na distansya sa mga gawa ng Giorgione ay hindi lamang isang background kung saan inilalarawan ang mga pigura ng mga tao. Ang tanawin ay inextricably na nauugnay sa mga character na may ideya ng mga gawa ng Venetian master. Kaya, sa komposisyon na "Tatlong Pilosopo", isang matandang lalaki sa mga antigong damit, isang nasa katanghaliang-gulang na lalaki sa isang oriental turban at isang binata, na naglalaman ng iba't ibang yugto ng kaalaman sa kalikasan, ay kumakatawan sa isang solong kabuuan kasama nito: ang pinong halaman. ng isang lambak ng bundok, isang mabatong masa, isang maputlang kalangitan na naliliwanagan ng malambot na sinag ng araw.

Ang parehong ideya ng pagkakaisa ng tao at kalikasan ay makikita sa isa sa mga obra maestra ng Giorgione - ang canvas na "Sleeping Venus". Ang sensual at sa parehong oras ay malinis na kahubaran ng inaantok na kagandahan ay naging personipikasyon ng kaaya-aya at sa parehong oras simpleng tanawin ng Italyano, ang mga gintong dilaw na tono na kung saan ay paulit-ulit sa mainit na lilim ng katawan ng Venus. Nang maglaon, ang motibo ng "Sleeping Venus" ay ginamit ni Titian ("Venus of Urbino"), pagkatapos ay D. Velasquez ("Venus sa harap ng salamin"), F. Goya ("Mach") at E. Manet (" Olympia").

Ang malalim na interes ni Giorgione sa landscape bilang isang independiyenteng elemento ng komposisyon ay naghanda sa paglitaw ng isang bagong genre sa Italian painting - ang landscape.

Ang gawain ni Giorgione ay may malaking epekto hindi lamang sa Venetian, ngunit sa lahat ng pagpipinta ng Italyano. Ang kahanga-hangang artista ay naging isa sa mga tagapagtatag ng sining ng High Renaissance. Nang maglaon, ang mga prinsipyo at ideya ng kanyang sining na si Giorgione ay makikita sa mga gawa ng isang estudyante ng Titian.