musikal na ekspresyonismo

Ang terminong "expressionism" ay inilapat sa musika sa pamamagitan ng pagkakatulad sa iba pang mga sining, pangunahin sa pagpipinta, panitikan, teatro ng drama. Kabilang sa mga unang kilalang halimbawa ng musicological na paggamit ng termino ay isang artikulo ng Austrian na kompositor at kritiko na si H. Thyssen, na inilathala noong 1918, at isang sanaysay ni A. Schering " Panimula sa kontemporaryong sining”, kung saan isinasaalang-alang ang “expressionist movement in music”. Mula noon hanggang ngayon, ang termino na ang pinakamalawak na ginagamit. Ang mga agad na nangunguna sa musikal na ekspresyonismo ay ang mga huling gawa ni G. Mahler, ang opera na “Sal omea” (1905) at “ Elektra” (1908) ni R. Strauss (sa bagay na ito, si V. Konen ay nagsasalita ng musikal na “pre-expressionism”). Ang mga contact na may expressionism ay matatagpuan sa mga indibidwal na gawa ni Eisler, E. Ksheneck, P. Hindemith (opera " Mamamatay tao– pag-asa ng kababaihan”, 1921, batay sa drama ni O. Kokoschka *), ang opera na “Distant Ringing” (1912) ni F. Schreker. Gayunpaman, sa isang makitid na kahulugan, ang musikal na expressionism ay karaniwang nauugnay sa mga gawa ng pinuno ng "bagong paaralan ng Viennese" A. Schoenberg *, na nilikha mula 1908 hanggang unang bahagi ng 1920s, at karamihan sa mga gawa ng kanyang mag-aaral na si A. Berg * . Ang kaugnayan sa ekspresyonismo ng isa pang estudyante ng Schoenberg, A. Webern, ay nananatiling pinagtatalunan.

Ang tumaas na pagpapahayag at dati nang hindi naririnig na emosyonal na pag-igting ay nagresulta mula sa pagtanggi sa tradisyonal na sistema ng tonal kasama ang pag-asa nito sa mga major-minor ratios, na tinatawag na "free atonality" sa musicology. Si A. Schoenberg mismo ay hindi nakilala ang negatibong kahulugan ng "atonality", na nagmumungkahi ng "pantonality" sa halip, na hindi naayos sa pagsasanay, o "polytonality" (ang terminong ito ay ginagamit ng modernong musicology sa ibang kahulugan).

Ang libreng atonality ay nailalarawan sa pamamagitan ng komplikasyon ng musikal na wika, ang matinding chromatization nito, ang "emancipation of dissonance", ang pagkawala ng pakiramdam ng modal center (tonic), na nagmungkahi ng paglipat ng mga hindi matatag na pag-andar sa mga matatag. Ang nasabing organisasyon ng musikal na tela ay tumutugma sa mga psychophysical, emosyonal na estado na, sa bisperas at sa panahon ng Unang Digmaang Pandaigdig, ay naranasan ng mga artista na lubos na nadama ang kahinaan ng pag-iral sa lupa; nadama nila ang kanilang sarili sa isang mundo kung saan ang lupa ay nanginginig sa ilalim ng kanilang mga paa, kung saan walang solid, matatag, tanging hindi tiyak, mailap na mga anino ng mga kahulugan sa gitna ng mga hindi maunawaan na hindi makatwiran na mga elemento. Dahil ang kilusan patungo sa atonality ay dinala sa simula ng ika-20 siglo. napakalawak na karakter, ibang - mas malawak - interpretasyon ng konsepto ng "musical expressionism", na nahahanap ang mga pagpapakita nito sa mga gawa ng mga kompositor mula sa iba't ibang bansa (Russian, Polish, Czech, Slovak, Hungarian, Italian, Swedish, American, atbp. .) ay tila lubos na makatwiran, hindi lamang sa unang ikatlong bahagi ng ika-20 siglo, kundi pati na rin sa mga sumunod na dekada, kasama ang ikalawang kalahati nito. Dapat itong bigyang-diin na walang ganap na pagkakataon ng malayang pagbabayad-sala at pagpapahayag, na ipinapalagay, higit sa lahat, ang isang tiyak na pananaw sa mundo.

Ang ekspresyonismo ay kadalasang tumutukoy sa gawa ng yumaong si A. Scriabin. Ang kanyang natatanging symbolist sound cosmos ay may kulay na may isang espesyal na emosyonal na intensity sa panahon ng pagtanggal ng mga batas ng major-minor system at ang paggamit ng isang bagong uri ng pitch modal organization, sonoristically malapit sa libreng atonality, ngunit hindi katulad nito. . Ang mga makasagisag na dayandang ng ilang mga komposisyon ng New Viennese (halimbawa, ang piano sonata ng A. Berg, 1909) kasama ang mga gawa ni Scriabin ay nagpapahiwatig, na ipinaliwanag sa pamamagitan ng mga independiyenteng parallel na paghahanap para sa mga paraan upang i-update ang musikal na wika at hindi nagpapahiwatig direktang impluwensya sa isa't isa. Sa lupa ng Russia, dapat nating banggitin ang mga tagasunod ni Scriabin - N. Roslavets, N. Myaskovsky (lalo na ang kanyang "Tenth Symphony", kung saan ang kompositor, sa kanyang sariling mga salita, "sinubukan si Schoenberg"), D. Shostakovich, na lumikha ng opera "Katerina Izmailova" ( 1934) sa ilalim ng direktang impresyon ng "Wozzeck" * Berg, "modernistang" mga eksperimento ng batang S. Prokofiev (opera "Maddalena", 1911; "Manlalaro", 1929, piano "Sarcasms"). Ang kakaibang pakikipag-ugnayan sa mga tula ng ekspresyonismo ay nagpapakita ng gawain ng Hungarian na si B. Bartok. Ito ay totoo lalo na para sa ballet na The Wonderful Mandarin (1919, na itinanghal noong 1926), ang mga motif ng plot na inaasahan ang ilang sandali ng opera ni Berg na Lulu. (Sa parehong mga gawa, isang patutot, ang kanyang mga bugaw at mga kliyente ay kumikilos sa mapang-api na kapaligiran ng isang industriyal na lungsod.) Ang mga uso sa ekspresyonista ay makikita sa musikang Polish - sa mga huling gawa ni K. Szymanowski, G. Batsevich, V. Lutoslawski (Funeral Music , 1960, Postludes), K .Penderetsky (lalo na sa mga opera na "Devils from Loudun", 1969, at "Black Mask", 1986) at iba pa. Lumilitaw ang mga elemento ng Expressionist sa Czech A. Khaba, ang American Ch. .Dallapiccola.

Ang ekspresyonismo bilang isang kalakaran ay pinaka-pare-parehong nakapaloob sa lupain ng Austro-German, at ang iba pang pambansang pagpapakita nito ay maaaring magkasabay sa musikal na pagpapahayag sa Austria at Alemanya sa magkahiwalay na mga aspeto, kung minsan ay malaki ang pagkakaiba nito. Kaya, halimbawa, ang Scriabin ay ganap na hindi katangian ng trahedya na katangian ng pananaw sa mundo ng gawain ng Novovenets noong 1910s-1920s. Ang mga pagkakaiba ay maaaring nasa saklaw ng pagpili ng isang bayani, sa mga detalye ng mga spatio-temporal na coordinate ng larawan ng mundo, atbp. Sa maraming coinciding at mismatching parameters, ang common denominator ay ang hindi mapakali na "landscape" ng hindi mapakali na kaluluwa ng tao, na ipinahayag sa pamamagitan ng atonal na paraan.

Ang pagkilos ng mga expressionist aesthetic na mga prinsipyo sa labas ng bagong Viennese school ay hindi maaaring ituring na ganap na pinag-aralan, walang iisang punto ng view sa mga tiyak na katotohanan ng artistikong buhay. Ang ekspresyonistang pananaw sa daigdig ay hindi pa rin naubos ang sarili kahit ngayon, na nagbibigay ng mga bagong halimbawa ng muling pagbabangon at pagpapanibago ng tradisyon. Sa Germany, napansin ang mga tendensiyang ekspresyonista sa mga gawa ni B.A. Zimmermann, K. Stockhausen, H.W. hindi bilang isang nangingibabaw na direksyon, ngunit bilang isa sa mga mahahalagang espirituwal na patnubay para sa mga kompositor ng iba't ibang henerasyon. Ang isang espesyal na lugar sa seryeng ito ay pag-aari ni A. Schnittke, kung saan ang musika ay binibigkas ang mga elemento ng expressionist ay pinagsama sa iba pang mga elemento sa isang orihinal na pan-stylistic synthesis. Ang di-tuwirang impluwensya ng ekspresyonismo ay makikita sa mga indibidwal na akda ni S. Gubaidulin. Hindi palaging tama na magsalita dito tungkol sa expressionism tulad nito, dapat nating pag-usapan ang ilang mga dayandang kasama nito, tungkol sa condensed expressiveness ng musical expression, na sumasalamin sa sumisigaw na mga kontradiksyon ng modernidad at ang pang-unawa sa sarili ng isang tao dito.

Lit.: Schering A. Die expressionistische Bewegung in der Musik// Einführung in die Kunst der Gegenwart. Leipzig, 1919; Stuckenschmidt H.H. Was ist musikalischer Expressionismus? // Melos. 1969. H. 1; Druskin M. Austrian expressionism// Druskin M. Sa musikang Kanlurang Europa noong ika-20 siglo. M., 1973; Konen V. Etudes tungkol sa banyagang musika. M., 1975; Tarakanova E. Contemporary Music and Expressionist Tradition // Western Art. XX siglo. SPb., 2001.

E. Tarakanova

Encyclopedic Dictionary of Expressionism. - M.: IMLI RAN.. Ch. ed. P.M.Toper.. 2008 .

Tingnan kung ano ang "Musical Expressionism" sa ibang mga diksyunaryo:

Expressionism- (mula sa Latin expressio expression) isang kalakaran na umunlad sa sining at panitikan sa Europa mula noong mga 1905 hanggang 1920s. Bumangon ito bilang tugon sa pinakamalalang krisis sa lipunan noong unang quarter ng ika-20 siglo. (kabilang ang World War 1 at kasunod na ... ...

Expressionism- (mula sa lat. expressio expression, identification) direksyon patungong Europe. ang demanda ng timbang at litro, na bumangon sa mga unang dekada ng ika-20 siglo. sa Austria at Alemanya at pagkatapos ay bahagyang kumalat sa ibang mga bansa. Ang pagbuo ng E. sa pagpipinta at panitikan ay humantong sa ... ... Music Encyclopedia

estilo ng musika- Isang listahan ng serbisyo ng mga artikulo na nilikha upang i-coordinate ang gawain sa pagbuo ng paksa. Ang babalang ito ay hindi nag-install ng ... Wikipedia

Sa Russia, ang mga ideya at larawan na katangian ng expressionism ay nakapaloob sa mga aktibidad ng isang bilang ng mga grupo at sa gawain ng mga indibidwal na may-akda sa iba't ibang yugto ng kanilang ebolusyon, kung minsan sa mga solong gawa. Gayunpaman, bilang isang kilusang sining, expressionism... Encyclopedic Dictionary of Expressionism- I Music (mula sa Greek musice, literal na sining ng mga muses) ay isang uri ng sining na sumasalamin sa katotohanan at nakakaapekto sa isang tao sa pamamagitan ng makabuluhan at espesyal na organisadong mga pagkakasunud-sunod ng tunog, na binubuo pangunahin ng mga tono ... ... Great Soviet Encyclopedia

musika- I Music (mula sa Greek musice, literal na sining ng mga muses) ay isang uri ng sining na sumasalamin sa katotohanan at nakakaapekto sa isang tao sa pamamagitan ng makabuluhan at espesyal na organisadong mga pagkakasunud-sunod ng tunog, na binubuo pangunahin ng mga tono ... ... Great Soviet Encyclopedia

Keldysh, George (Yuri) Vsevolodovich- genus. Agosto 29 1907 sa St. Petersburg. Musicologist. Pinarangalan na Manggagawa ng Sining ng RSFSR. (1966). PhD sa Art History (1940). Doktor ng Sining (1947); disertasyon "Ang artistikong pananaw sa mundo ng VV Stasov". Miyembro ng koresponden... Malaking biographical encyclopedia

Berg Alban- Berg (Berg) Alban (02/09/1885, Vienna, ‒ 12/24/1935, ibid.), Austrian na kompositor. Isa sa mga pinakakilalang kinatawan ng expressionism sa musika. Nag-aral siya ng komposisyon sa ilalim ng gabay ni A. Schoenberg, na may malaking impluwensya sa pagbuo ... ... Great Soviet Encyclopedia

Expressionism(mula sa lat. expressio - expression, identification) - direksyon sa Europa. art-ve at panitikan, na lumitaw noong ika-1 dekada ng ika-20 siglo. sa Austria at Alemanya at pagkatapos ay bahagyang kumalat sa ibang mga bansa. Ang pagbuo ng E. sa pagpipinta at panitikan ay humantong sa paglitaw ng mga organisasyon at grupo sa direksyong ito (mga asosasyon ng mga artistang Aleman: "Die Brücke" ("Bridge") sa Dresden, 1905; "Der Blaue Reiter" ("The Blue Rider" ") sa Munich , 1911; German magazine na "Der Sturm" sa Berlin, 1910). Ang E. ay isang pagpapahayag ng pinakamatinding alitan ng artista sa nakapaligid na panlipunang realidad; ito ay nagpakita ng isang suhetibong protesta laban sa sobinismo, militaristikong propaganda, burukrasya, at petiburges na kasiyahan na namayani sa Austria at Alemanya bago ang digmaan. Ang tipikal na bayani ng E. ay isang "maliit" na tao, inaapi ng malupit na kalagayang panlipunan ng pag-iral, pagdurusa at pagkamatay sa isang mundong laban sa kanya. E. ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng isang nalalapit na pandaigdigang sakuna, na nagbigay sa kanya ng isang condensed, madilim, minsan masayang-maingay. lilim. "Ang digmaan ay naging isang mahusay na punto ng pagbabago para sa sining. Isang lalaking pinahirapan ng kakila-kilabot na pagdurusa ang sumigaw. Nagsimulang mangaral ang lalaking pumangit" (Brecht B., Theatre, Sobr. soch., vol. 5/1, M., 1965, p. 64).

Anti-burges, anti-militarista na katangian, makatao. orientation was a strong point of E. Ito ay hindi nagkataon na sa kaliwang pakpak nito. Ang E. ay nauugnay sa gawain ng mga advanced na proletaryong artista gaya nina B. Brecht at J. Becher. Gayunpaman, ang indibidwalismo ng protesta, ang hindi pagkakaunawaan ng tunay na kahulugan ng makasaysayang. mga kaganapan, paghihiwalay sa bilog ng madilim at masakit na mga karanasan, pagpapapangit ng realidad na ipinakita sa sining dahil sa tumaas na suhetibismo ay nagpatotoo sa mga limitasyon ng direksyon ng ekspresyonista. Sa polemic laban sa kalupaan ng naturalismo, dinala ni E. sa unahan ang sikolohikal, espirituwal na prinsipyo, na ipinadala nang may matinding pagpapahayag (kaya ang mga pangalan ng mga direksyon). Ang ideological na batayan ng E. ay naiimpluwensyahan sa iba't ibang antas ng subjective-idealistic. mga konsepto ng A. Schopenhauer, E. Mach, E. Husserl, Z. Freud, pati na rin ang intuitionism ni A. Bergson. Ang interes ng mga expressionist sa subconscious, sa delusional, obsessive na mga imahe, masakit na erotisismo, ang paglipat ng overexcited psyche, mga damdamin ng takot, hindi malinaw na pagkabalisa, at kawalan ng pag-asa ay katangian. Sinabi ni Dr. ang matalinghagang globo ay binubuo ng masamang panunuya, ang kakatwa.

Ang musika, dahil sa pagiging tiyak nito, ay nagawang malinaw at magkakaibang isinasama ang masalimuot na espirituwal na mundo, kaya naman ang ilang mga teorista ng E. ay itinuturing itong isang modelo ng isang bagong sining. Gayunpaman, sa musika art-ve E. nabuo nang mas kusang-loob kaysa, halimbawa, sa panitikan at pagpipinta, at hindi gaanong isang tiyak na karakter. direksyon bilang isa sa mga agos ng kontemporaryong sining.

Karamihan sa mga kuwago Tinanggihan ng mga musicologist ang parehong tuwirang pagkakakilanlan ng E. eksklusibo sa bagong paaralang Viennese (ang konsepto ng isang bilang ng mga dayuhang musicologist), at isang sobrang malawak na interpretasyon na nagdadala sa ilalim ng E. maraming phenomena ng Kanlurang Europa. musika noong ika-20 siglo Kung ang pinakakaraniwang kinatawan ng E. ay ang mga "novenets" - A. Schoenberg at ilan sa kanyang mga mag-aaral (una sa lahat, A. Berg, bahagyang batang X. Eisler, may kondisyon - A. Webern), kung gayon hindi maaaring balewalain ng isang tao ang natatanging mga ekspresyonistang tendensya sa musika ng kanilang mga pangunahing nauna at kapanahon, pati na rin ang mga kompositor ng mga susunod na henerasyon.

Mga muse. E. ay sunud-sunod na nauugnay sa late romanticism. Kaya, ang condensed psychologism ng Wagner's "Tristan and Isolde" ay bahagyang inaasahan ang E. (E. Ipinakita ito ni Kurt sa musical at stylistic terms). Sa simula. ika-20 siglo lumalabas sa produkto ang masasamang-mapanglaw, baliw na mga larawan. G. Mahler (late symphony) at R. Strauss (ang mga opera na Salome at Electra), kasabay ng panahon ng pag-unlad ng E. sa pagpipinta at panitikan, ngunit ang mga tradisyon ng romantikismo ay malakas pa rin sa musika ng mga kompositor na ito. Ang maagang panahon ng pagkamalikhain ng mga kompositor ng bagong paaralan ng Viennese - A. Schoenberg at A. Berg - ay kabilang din sa romantikong. direksyon. Unti-unting inisip ng mga kompositor ng ekspresyonista ang sining ng ideolohiya. ang nilalaman ng huli na romantikismo: ang ilang mga imahe ay pinatalas, pinawalang-bisa (discord sa labas ng mundo), ang iba ay na-muffle o ganap na nawala (halimbawa, isang romantikong panaginip). Mga opera bago ang digmaan ni Schoenberg ("Naghihintay", "Maligayang Kamay") at wok. cycle "Moon Pierrot" - tipikal na mga gawa ng ekspresyonista. Sa gawa ni Schoenberg, "wala ang mga damdamin ng klasikal at romantikong musika. Ang kalungkutan ay nagiging kapahamakan, depresyon, ang kawalan ng pag-asa ay nagiging hysteria, ang mga liriko ay tila isang basag na laruang salamin, ang katatawanan ay nagiging katawa-tawa ... Ang pangunahing mood ay" matinding sakit "" (Eisler G., tingnan sa aklat: Mga piling artikulo ng mga musicologist ng GDR, M., 1960, pp. 189-90).

Ang pinakamataas na tagumpay ng musika. Tamang inamin ni E. ang opera ni A. Berg "Wozzeck" (post. 1925), kung saan ang kuyog ay hinahasa sa lipunan at nahatulan. ang mga tema at ang drama ng "maliit na tao" ay ipinahayag nang may malaking puwersa; ito ay isang produkto. lumalapit sa kanya. "Kaliwa" E. Sa isang bilang ng musikal na teatro. prod. post-war years, malinaw na ipinakita ang mga indibidwal na expressionist tendencies ("The killer is the hope of women" and "Saint Susanna" by Hindemith, "Jump over the shadow" by Krenek, "The Miraculous Mandarin" by Bartok); bahagyang hinawakan nila ang pagkamalikhain ng mga kuwago. mga kompositor ("The Fiery Angel" ni Prokofiev, ang opera na "The Nose" at ilang mga yugto sa symphonic work ni D. D. Shostakovich). Matapos lumayo sa E. noong 30s. Muling lumitaw ang mga tendensiyang ekspresyonista sa musika ng con. 30s - 40s (ang panahon ng opensiba ng pasismo at ang mga sakuna ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig 1939-45), bagama't sila ay susunod. halos si Schoenberg lamang ang nanatiling ekspresyonista ("Survivor from Warsaw" at ang iba pa niyang mga akdang kalaunan). Sa digmaan at mga unang taon pagkatapos ng digmaan, ang mga larawan ng pagkawasak, karahasan, kalupitan at pagdurusa, kawalan ng pag-asa ay naging sanhi ng pag-apila sa mga paraan ng pagpapahayag na nauugnay sa E. ("Castle of Fire" Millau, Honegger's 3rd symphony, R. Vaughan Williams ' 6th symphony, War Requiem Britten at iba pa).

Alinsunod sa ideolohikal at matalinghagang oryentasyon ng E., nabuo ang isang kahulugan. complex ng musika. paraan ng pagpapahayag: sirang mga balangkas sa himig, matalim na dissonance ng mga harmonies, lagkit ng texture, matinding contrasting dynamics, ang paggamit ng malupit, piercing sounds. Katangiang instr. interpretasyon ng wok. party, discontinuity, sirang wok. lines, excited na recitation. Sa "Lunar Pierrot" ipinakilala ni Schoenberg ang isang espesyal na paraan ng half-talk-half-talk (Sprächstimme, Sprächgesang); naturalistic din ang ginagamit. mga tandang at iyak.

Sa paghubog, sa una, ang pagkalikido, ang kawalan ng dissection, pag-uulit at simetrya ay binibigyang diin. Sa hinaharap, gayunpaman, ang kalayaan ng emosyonal na pagpapahayag ng sarili ay lalong nagsimulang pinagsama sa mga normative constructive techniques, lalo na sa mga kinatawan ng bagong Viennese school (dodecaphony, ang pagtatayo ng mga opera acts ayon sa pamamaraan ng mga instrumental na anyo ng European music. ng ika-18 siglo - sa Wozzeck, atbp. prod.). Ang musika ng "novenets" ay sumailalim sa isang ebolusyon mula sa isang kumplikadong pagsulat ng tonal, sa pamamagitan ng libreng atonality - sa organisasyon ng sound material batay sa serial technology. Ang gayong ebolusyon, gayunpaman, ay hindi nagbubukod ng iba pang mga pagpapakita ng mga tendensiyang ekspresyonista sa modernong panahon. musika.

Opera sa isang gawa ni Richard Strauss sa isang libretto batay sa isang drama ni Oscar Wilde, isinalin sa German (na may ilang mga hiwa) ni Hedwig Lachmann.

Mga tauhan:

HEROD, tetrarka ng Judea (tenor)
HERODIAS, ang kanyang asawa (mezzo-soprano)
SALOME, ang kanyang anak na babae (soprano)
JOKANAAN (Juan Bautista) (baritone)
NARRABOT, batang Syrian, kapitan ng bantay (tenor)
PAGE (viola)
LIMANG HUDYO (apat na tenor, isang bass)
DALAWANG NAZARENE (tenor, bass)
DALAWANG SUNDALO (bass)
CAPPADOKIAN (bass)
Berdugo (tahimik)

Oras ng pagkilos: mga 30 AD
Lokasyon: Judea.
Unang pagtatanghal: Dresden, 9 Disyembre 1905.

Ang gawaing ito na isang gawa, na nagdulot ng iskandalo sa panahon nito, ay minsang tinutukoy bilang isang "drama sa Bibliya", dahil ang balangkas ng balangkas nito ay hiniram mula sa Bagong Tipan. Kung gaano kalayo ang mga elemento ng balangkas na ito ay kumakatawan lamang sa isang hubad na pamamaraan ay maaaring hatulan ng hindi bababa sa pamamagitan ng katotohanan na kahit Mateo (XIV) o Mark (VI) ay hindi binanggit ang pangalan ni Salome. Sinasabi lamang tungkol sa kanya na siya ay anak ni Herodias, at ang kanyang pagnanais na tanggapin ang ulo ni Juan Bautista sa isang pinggan ay idinidikta ng kahilingan ng kanyang ina. Bago pa man isinulat ni Oscar Wilde ang French drama na nagsilbing batayan para sa libretto ng opera na ito, ang kuwento ni Salome ay ginamit ng maraming manunulat, kabilang ang mga di-magkatulad gaya ng Eusebius, St. Gregory, Elfric, Heine, Flaubert. Ang ilan sa mga bersyon ng kuwentong ito ay mas kahanga-hangang naiiba mula sa biblikal na kuwento kaysa sa bersyon ni Wilde, at ang isa sa mga ito - ang kay Flaubert - ay nagsilbing batayan para sa isa pang opera, ang Herodias ni Massenet, na isang mahusay na tagumpay sa panahon nito. Ang bersyon ni Wilde, na mahalagang isang pag-aaral ng phenomenon ng neurasthenia, ay nagkaroon ng operatic embodiment bago pa man si Strauss - isang opera na batay sa drama ni Wilde ay isinulat ng Pranses na kompositor na si Antoine Mariotte. Ito ay isang katamtamang tagumpay at ngayon ay higit na nakalimutan. Si Wilde, sa pagbuo ng kanyang konsepto ng psychopathic na prinsesa, ay naisip na pantay na inspirasyon ng Houseman at ang mga interpretasyon ng paksa ng mga artistang Italyano at Pranses.

Magkagayunman, walang duda na ito ay isinulat bilang isang uri ng iskandalo na fin de siecle. At talagang sumiklab ang iskandalo. Ipinagbawal ng mga censor ng British ang dramatikong bersyon mula sa yugto ng London sa loob ng maraming taon; Ipinagbawal ni Kaiser Wilhelm II, ang mahal na mahal na apo ni Queen Victoria, ang bersyon ng opera sa Berlin, at binawi ito ng Metropolitan Opera board of directors pagkatapos ng unang pampublikong rehearsal at isang pagtatanghal lamang, sa harap ng matinding protesta mula sa simbahan at press. .

Nang lumitaw si Mary Garden (na gumanap bilang Salome) sa Manhattan Opera House makalipas ang dalawang taon, isa sa mga pinuno ng simbahan na nagprotesta ay si Billy Sunday. Pagkatapos ng kanyang pag-atake sa produksyon (habang hindi niya nakikita o naririnig ang pagganap), hindi sinasadyang nakilala siya ni Miss Garden sa isang cafe: sa isang tasa ng kape na may ice cream, naayos ang salungatan sa pagitan ng kritiko at ng mga tagalikha ng pagtatanghal. Niresolba ng kasalukuyang publiko ang salungatan nito sa kompositor at librettist sa katulad na paraan. Ngayon ay may iilan sa mga nakatatandang henerasyon na magpapatuloy, na sinasabing sila ay nabigla pa rin sa kung ano ang nakikita sa kanilang mga mata sa maliwanag at kakaibang yugto ng sagisag ng pagkabulok.

Kahanga-hangang mainit na gabing naliliwanagan ng buwan. Hall terrace. Si Herodes, tetrarch ng Judea ay nagpipista dito. Sa loob ng bulwagan sa gitna ng piging - Salome, anak na babae ng tetrarch; sa labas - ang batang pinuno ng bantay ng palasyo, ang Syrian Narraboth, na sumusunod kay Salome nang may mapagmahal na tingin. Masigasig niyang ibinulalas: "Ang ganda ni Prinsesa Salome ngayong gabi!" Isang magiliw na pahina ang sumusubok na balaan siya laban sa mapanganib na pagmamatyag na ito, ngunit bahagya siyang nakikinig sa kanya.

Ang ingay ng masayang mga panauhin ay naririnig mula sa palasyo, ngunit mula sa ibaba, mula sa imbakan ng tubig sa kanan ng entablado, ang makahulang tinig ni Juan Bautista (o Jokanaan, gaya ng tawag sa kanya sa libretto ng Aleman) ay narinig, na nagpapahayag. ang pagdating ni Kristo. Namangha ang mga mandirigmang nagbabantay sa kanya, ngunit iniisip nila na baka baliw ang bilanggo. Sa liwanag ng buwan, mabilis na lumilitaw si Salome; Naiinis siya sa parami nang parami ng mga matakaw na sulyap ng kanyang stepfather. Siya mismo ay isang kaibig-ibig na babae, siya ay kinse anyos pa lamang. Pinatay ng kanyang ina ang kanyang ama upang pakasalan si Herodes, ang masamang mangangalunya. Lumaki si Salome sa isang korte na lubog sa bisyo. Ang pagnanais ni Herodes na angkinin ang kanyang anak na babae ay ikinubli niya pansamantala, ngunit sa parehong oras ay lalo itong nag-alab sa bawat oras na nakikita sa kanya ang pagkasuklam na mayroon ito para sa kanya.

Nabigla si Salome sa boses ni Jokanaan. Nabighani siya sa pagkalalaki nito. Ngunit hindi lamang iyon. Siya ay naaakit sa kanya dahil sa mapaghiganting katigasan ng ulo, dahil isinumpa ni Jokanaan ang kanyang ina dahil sa kanyang kasamaan. Ang isa pang dahilan ng kanyang interes ay ang tila takot ng kanyang ama sa propeta. Sa pag-ibig kay Salome, hindi na napigilan ni Narraboth ang kanyang pagnanais na mailabas sa kanya ang propeta mula sa bilangguan; at kapag siya, sa basahan, ngunit sa isang pagsinta na tanging ang tunay na pananampalataya ay maaaring magbunga, tinuligsa sina Herodes at Herodias, siya ay nakadarama ng higit at higit na pisikal na pagkaakit sa kanya. Inuulit niya nang paulit-ulit - sa bawat oras sa isang mas mababang key at higit pa at mas mahabang musikal na mga parirala: "Gusto kong halikan ang iyong mga labi, Jokanaan!" Ang propeta ay naiinis na tinanggihan ang pagnanais ni Salome at hinimok siya na magsisi, ngunit ang kanyang payo ay may kabaligtaran na epekto - lalo lamang siyang nag-aalab. Ang kanyang walanghiyang pag-uugali ay gumawa ng napakalakas na impresyon sa batang Narrabot na bigla niyang hinugot ang kanyang espada at sinaksak ang sarili. Hindi man lang nasulyapan ng batang dilag ang bangkay. Si Jokanaan, na may huling madamdaming tawag na salubungin si Hesus, ay bumalik sa kanyang balon, na nagsisilbing selda ng bilangguan.

Ang grupo ng mga nagpipiyesta, na pinamumunuan ng tetrarka at ni Herodias, ngayon ay lumipat sa terrace - si Herodes ay nababahala: saan pumunta si Salome? Dito niya nakita ang katawan ni Narrabot na nakahandusay sa dugo, tuluyan na siyang nawalan ng malay. Niyaya niya si Salome na kumagat ng prutas nang sabay-sabay upang mahawakan niya ito ng kanyang mga labi kung saan niya ito kinakagat. Ang reaksyon ni Herodias sa hindi karapat-dapat na panlilinlang na ito ng kanyang asawa ay malamig na paghamak. Ngunit nang ang galit na mga salita ni Jokanaan mula sa kanyang bilangguan ay umabot sa kanyang mga tainga, siya ay naging isang galit na galit at hiniling sa kanyang asawa na ibigay niya ang bilanggo na ito sa mga Hudyo. Limang Hudyo ang lumapit at hiniling na ibigay sa kanila ang bilanggo, ngunit si Herodes, sa tulong ng medyo mahahabang argumento, ay sinubukan silang kumbinsihin na si Jokanaan ay isang tunay na tao ng Diyos. Pinapagalitan nito ang mga nagsusumamo, na ang mga bahagi ay isinulat para sa apat na tenor at isang bass, at ang masalimuot at maselan na musika ay isang mapanuksong satire. Ang boses ni Jokanaan, muling narinig mula sa piitan, ay nagpatahimik sa lahat. Sa puntong ito, tinatalakay ng dalawang Nazareno ang ilan sa mga himalang ginawa ng Tagapagligtas, ang mga himalang ipinangaral ni Jokanaan. Si Herodes sa pagkakataong ito ay labis na natakot - bago nagkaroon lamang ng alingawngaw tungkol dito; ang kanyang isip ay hindi na lumalaban nang si Herodias ay bumaling sa kanya na may kahilingan na si Iakanaan, na muling nagpadala sa kanya ng kanyang sumpa at hinulaan ang isang masamang wakas, ay tumahimik magpakailanman.

Upang maalis sa isip niya ang lahat ng problemang ito, hiniling ni Herodes kay Salome na sayawin siya. Pinagbawalan siya ni Herodias na gawin ito, at si Salome mismo ay hindi nagpakita ng labis na sigasig. Gayunpaman, nagpatuloy si Herodes, na ipinangako sa kanya ang anumang naisin niya. Sa wakas ay sumang-ayon siya sa kondisyon na ibibigay niya sa kanya ang anumang hinihiling niya. Lalong natakot si Herodes ng masasamang pag-iisip, pamahiin niyang naiisip na naririnig niya ang tunog ng mga pakpak na pumapapak. Nanumpa siya sa pamamagitan ng pagpunit ng korona ng mga rosas sa kanyang ulo, habang sinasabi niyang sinusunog siya ng mga ito. Sumandal siya, pagod na pagod. At habang inihahanda ng mga katulong si Salome para sa kanyang sayaw, patuloy na hinuhulaan ng boses ni Jokanaan ang isang nakamamatay na katapusan.

Tumutugtog ang napakagandang musika ng "Dance of the Seven Veils", kung saan ang sunud-sunod na tabing ni Salome habang ang sayaw ay nagiging mas mabilis at mas kapana-panabik. Sa simula pa lang, naisip ni Strauss na papalitan ng ballerina ang opera prima donna sa sayaw at hindi nag-atubiling gumawa ng musika para sa isang teknikal na kumplikadong bahagi. Ito ay kung paano ito ginanap sa premiere ng opera, at ito ay ginanap din sa programa sa telebisyon na Opera House sa NBC - isang hindi pangkaraniwang epektibong produksyon, kung saan ang bahagi ng sayaw ay ginanap ng perpektong mananayaw na si Elaine Molbin para sa papel na ito. Ngayon, gayunpaman, maraming mga primadon ang mas gusto na magsagawa ng kanilang sariling mga spin, na bihirang matawag na sayaw.

Karamihan sa mga sayaw ay karaniwang ginaganap sa paligid ng piitan ng Jokanaan, ang pokus ng pangkalahatang atensyon, ngunit sa huling sandali ay itinapon ni Salome ang sarili sa paanan ni Herodes at halos may parang bata na paglalambing ay humingi sa kanya ng gantimpala - ang ulo ng Jokanaan. Si Herodes ay natakot. Ngunit si Salome, na hinimok ng kanyang ina, ay mahigpit na hinihiling na tuparin ang pangako ng hari, anupat tinatanggihan ang lahat ng kanyang alok ng iba pang mga regalo, kabilang ang mga hiyas, puting paboreal, damit ng mataas na saserdote, at mga kurtina sa templo. Sa huli, nahihirapan at natatakot, sumuko siya. Tinanggal ni Herodes ang singsing sa kanyang daliri. Ito ay isang palatandaan upang isagawa ang Jokanaan.

Bumaba ang berdugo sa bilangguan, hiniling ni Salome na magmadali siya. Tinatakpan ng mga ulap ang buwan, na sa lahat ng oras na ito ay maliwanag na nagpapaliwanag sa entablado, at sa kadiliman na dumating, ang mga kamay ng berdugo ay itinaas ang ulo ni Jokanaan mula sa piitan, na nakahiga sa isang pinggan. Sinunggaban siya ni Salome at, sa kanyang huling madamdamin at kasuklam-suklam na eksena, ay umawit ng kanyang tagumpay laban sa lalaking tumanggi sa kanya. Sa galit, sumandal siya sa patay na labi at hinalikan ang mga ito.

Ang sinag ng buwan ay sumisira sa mga ulap, at maging ang masamang si Herodes ay nanginginig sa takot. “Patayin ang babaeng ito,” ang utos niya. At dinudurog ito ng mga mandirigma ng kanilang mga kalasag.

Postscriptum sa makasaysayang katumpakan ng mga pangyayari ng kuwentong ito. Ayon sa higit pang layunin ng mga istoryador, hindi nagwakas si Salome nang kapansin-pansing naisip ni Oscar Wilde para sa kanya. Nakaligtas siya sa kanyang sayaw at sa pagbitay kay Juan Bautista, at nagpakasal - sunod-sunod na una sa kanyang tiyuhin, ang tetrarch na si Philippos Traconitus, at pagkatapos ay sa kanyang pinsan, si Haring Aristobulus ng Calchas.

Ang libretto ng opera ay ang drama ng parehong pangalan ni Oscar Wilde, na isinulat ng sikat na English prose writer at playwright sa French noong 1892. Gumagamit si Strauss ng pinaikling teksto, ngunit kapag pinahihintulutan siya ng pamamaraan ng musika, muling ginawa niya ang orihinal na mga taludtod nang walang pagbabago. Dahil dito, ang libretto at ang musika ay mahusay na sumasalamin sa dekadenteng katangian ng trabaho ni Wilde, ang kanyang libre at masakit na dekorasyon, kung saan napapansin ni Strauss ang mga tampok na napaka-kaugnay para sa kanyang panahon - mga tampok ng malupit na pagnanasa, isang nakatagong pakiramdam ng kakila-kilabot. sa harap ng madilim na sikolohikal na mga salungatan, expressionistic na. Bilang isang musikero, ito ay napaka-angkop para sa kanya upang lumikha ng isang visual sound fabric (na may luho ng timbre "mga larawan" at ang scenographic na kalikasan ng mga musikal na tema). Dito ang lahat ay kumikinang sa matingkad na kinang ng mga diamante, mamahaling bato, at labis na napupuno ng mga amoy. Ang isang multi-kulay na ningning ay halo-halong may isang nagkakalat na pakiramdam ng kakila-kilabot, na distorts ang mga tampok ng orkestra sonority, na nagbibigay ito ng isang pangunahing galit; ang auditory effect, gayunpaman, ay nagsisilbing panimula lamang sa salaysay. Ang mga musikal na motibo ay nagbibigay-diin sa katangian ng mga tauhan.

Ang Salome ay naglalaman ng hindi pagnanais para sa kapakanan ng pagnanais, ngunit ang pagnanais na makatakas mula sa sarili. Siyempre, ito ay wala sa mabagsik na paraan ng pag-iisip ni Herodes, kung saan ang takot ay hindi inspirasyon ng isang moral na damdamin, ngunit sa pamamagitan lamang ng madilim na pamahiin (tulad ng kapag ang madilim na alulong ng hangin ay sumanib sa motibo ni Juan). Ang anak na babae ni Herodias ay hindi naghahangad ng maling katotohanan, tulad ng mga Hudyo na nagtatalo sa bawat maliit na bagay (ang kanilang karikatura ensemble, ang tanging tunay na grupo sa opera, ay puno ng nagkukunwaring kalubhaan - ito ay isang napaka-matagumpay na nakakatakot na fugato kung saan ang mga tinig ay nagsisikap na mag-overlap. isa't isa). At si Salome, kahit na mula sa malayo, ay hindi katulad ng kanyang mapanlinlang na ina, ang imahe ay karaniwang walang kulay, walang karakter - siya ay isang sakim, idealistikong babae na hindi pinarangalan ni Strauss sa karangyaan ng kanyang musika, bilang, sa kabaligtaran , ang magiging kaso sa Clytemnestra sa Elektra.

Ang tanging, bagama't menor de edad, na mga tauhan na maihahalintulad kay Salome kung saan siya, kahit na siya ay napopoot, sumasamba sa propeta, ay ang mga idolo na guro ng dalawang Nazareno. Sa esensya, nagsusumikap si Salome para sa kanya na may parehong sigasig at, maaaring sabihin ng isa, kadalisayan. Ang kanyang makahayop na paraan ng pagpasok sa buhay ng iba ay ang tanging bagay na sapat na makapag-uugnay sa isang babaeng tulad niya sa isang santo. Ang kanilang pag-aaway ay hindi maiiwasan: ang isang emosyonal na pagpupulong ay makapaghihiwalay lamang sa kanila. Sinamantala ni Strauss ang agarang pagpupulong na ito upang i-highlight ang parehong pagsinta at pagpigil na may malakas na liwanag, upang payagan ang sound stream na manginig at mag-alab, at sa wakas ay dumaloy sa marubdob na panalangin ni Salome, sa galit ni John. Upang matalo siya, kailangang supilin ni Salome si Herodes nang walang pasubali: at ang kanyang tinig, na may mainit na timbre, ay nagpipilit sa isang kapritso, matiyaga at kaakit-akit. Ang pagkatalo ni Herodes, ang taong anino, ay isang madalas na tema sa panitikan, ngunit ngayon ay mas sikat dahil sa musika ni Strauss.

At sa wakas, nananatili ang monologo ni Salome, o, kung gusto mo, isang malaking diyalogo sa pagitan ng pangunahing tauhan at ng orkestra, na naglalarawan, muling nililikha ang kanyang damdamin, ang namamatay na monologo ng anti-Isolde na ito, nalilito, mapait at uhaw sa hindi kilalang pag-ibig. . Nagsisimula ang mahabang eksenang ito sa paglitaw ng ulo ni John. Namatay ang propeta sa maikli, malungkot na mga tunog: ito ay isang kordero sa patayan. Ang epekto ng mga double bass (isang string na hawak sa pagitan ng hinlalaki at hintuturo ay pilit na iginuhit gamit ang isang busog) sa kaibahan ng hitsura ng isang pugot na ulo, na pinalaki ng orkestra sa napakalaking sukat at nagdulot ng isang malaking, nagbabantang anino. Pagkatapos ay sinusundan ang aria ng Salome, isang liriko na himno hanggang sa kamatayan ng isang huli na romantikong kalikasan, ngunit namarkahan na ng nagyeyelong, masakit na mga diin at kalupitan. Dudurugin siya ng mga sundalo sa ilalim ng kanilang mga kalasag habang ang isa sa marahil sa kanyang pinaka-katangiang mga tema, bahagyang baluktot ng mga pagitan at natatakpan ng timbre at figurasyon, ay mahuhulog na parang palakol, na mas kakila-kilabot pa kaysa sa kung saan nila pinatay si John, sa kanyang pag-ibig. ang patay.kung saan pinaghalo ang sakripisyo at nilalagnat na kagandahan.

Ang oras na si Strauss ay apatnapung taong gulang ay minarkahan ng selyo ng kalungkutan at ang pagtugis ng mga sensasyon. Itinuring ng burges na publiko sa panahon ng Wilhelmian ang pinakamataas na tagumpay ng sining na, sa esensya, ay isang pagpapahayag lamang ng espirituwal na hindi pagkakasundo, kawalan ng laman, pagkalasing sa senswal na kagandahan. Sa panahon bago ang Unang Digmaang Pandaigdig, ang kasuklam-suklam ay niluwalhati sa tulong ng musika, ang nakasusuklam na hindi malusog ay tinakpan ng pagpipino ng mga musikal at dramatikong anyo.

Ang mabagyo at nabalisa na kapaligiran kung saan umunlad ang sining at panitikan sa panahon ng modernismo, ay nakuha rin si Strauss, ang nagdala ng diwa ng kanyang mga one-act na opera sa gilid ng kailaliman. Hindi kataka-taka na sina Salome at Electra, sa mga tuntunin ng balangkas, aksyon at dekorasyon, ay mga komposisyong tipikal ng walang panahong iyon. Ang parehong mga gawa ay isang pagkilala sa diwa ng panahon at, bilang isang espirituwal na kababalaghan, ay maipaliwanag lamang sa liwanag ng mga kondisyon kung saan umiral ang opera art sa simula ng siglo. Sa katunayan, sa parehong mga dula, ginamit ng kompositor ang masining na paraan ng dekadenteng sining na may mahusay na kasanayan at pagpipino upang gawing pag-aari ng entablado ng opera ang mga negatibong phenomena ng pagkabulok ng lipunan. Bagaman ang musika ng mga opera na ito ay patuloy na nabubuhay hanggang sa araw na ito, ang mga pathological na imahe ng mga karakter, na napuno ng isterismo, kabusugan, walang kabusugan na pagnanais, ay tila sa amin ay lumabo, at ang mga hilig na sumasakop sa kanila ay isang walang kwentang pag-aaksaya ng espirituwal na lakas. Magkagayon man, ang pangit, kahit na natatakpan ng simbuyo ng damdamin at sigla, ay pangit pa rin.

Noong Nobyembre 1903 sa Berlin, sa panahon ng pagganap ng Salome ni Oscar Wilde, ang isang kaibigan ay bumaling kay Strauss na may mga salitang: "Narito ang isang angkop na balangkas para sa iyo," sumagot ang kompositor: "Gumagawa na ako sa isang opera ..." . Ano ang nabighani sa kanya sa "Salome"? Una sa lahat, ang misteryosong exoticism ng makasaysayang larawan ng mga kaugalian na naghari sa korte ng tetrarch ng Galilea at Perea Herod Angina (anak ni Herod I). Ang tetrarch, na nasa isang incest na kasal sa asawa ng kanyang kapatid, ay sawa kay Herodias at umibig sa kanyang anak na babae nang may marahas na pagnanasa. Ang nakatutuwang karangyaan, ang paghahangad ng kasiyahan, ang pagkababae ng moralidad ay humantong sa kumpletong pagkabulok ng mga prinsipyo sa moral (isa sa mga biographer ng kompositor na si Gysi ay itinuro na ang kabalintunaan ng kapalaran, na ipinahayag sa katotohanan na si Strauss, na hanggang kamakailan ay lumitaw sa ang kanyang "Home Symphony" bilang isang tagapagtaguyod ng kaligayahan ng pamilya ng burgher, na inilarawan sa "Salome" ang pagbagsak ng mga relasyon sa mag-asawa sa hukuman ni Herodes). Ang dramatikong salungatan ng opera ay nakabatay sa katotohanan na ang “anak na babae ng kahalayan” na si Salome, sa sobrang pagkabaliw ng kahalayan, ay humihiling na ibigay sa kanya ang katawan, at pagkatapos ay ang ulo ng propetang si Jokanaan. Sa sandaling ang kanyang masamang pagnanasa ay nasiyahan, siya ay nakuha ng kanyang unang pag-iisip ng tunay na pag-ibig. Si Wilde, tulad ni Flaubert bago siya, ay umatras mula sa alamat ng Bibliya, ayon sa kung saan hiniling ng prinsesa ng Judea ang ulo ng Baptist sa sulsol ng kanyang ina, na nauuhaw sa paghihiganti ... Gayunpaman, si Strauss ay nabighani nang eksakto sa imahe ng isang mapanganib, mapang-akit, mapang-akit na mandaragit na tumugon sa pangalan ni Salome. Nagpapatuloy sa kanyang musika ang isang walang kabusugan at mapangwasak na pag-ibig, na "mas malakas kaysa sa mga lihim ng kamatayan," siya ay naghahanap ng isang palatandaan sa lubos na kaligayahan ng kaluluwa at, marahil, ay hindi alam ang nakakatakot na sukat ng paghahanap na ito. Walang alinlangan, natukso siya ng posibilidad ng pagsalungat sa Roman Caesarism, ang daigdig ng Lumang Tipan na bulok sa loob, at umuusbong, progresibong Kristiyanismo sa una. Ang pakikipag-ugnayan ng dalawang makasaysayang panahon na ito ay nakapaloob sa mga larawan ni Salome at Jokanaan. Siya ay isang mapusok na kalikasan, mabisyo, matanong at alam, naghahanap ng mga kilig kahit nasa bingit ng kamatayan; siya ay isang propeta na nakakulong sa isang balon sa ilalim ng lupa at nangangaral ng mga batas ng Kristiyanong moralidad.

Ang pantasiya ng musikero ay ganap na hinigop ang orihinal na ideya ng manunulat. Binigyan niya siya ng isang maliwanag, nakapagpapasigla na kahulugan, pinalaya at pinalamutian siya - isang bihirang, marahil ang tanging kaso ngunit sa pagiging perpekto nito, na sinubukan ng marami pagkatapos ni Strauss na tularan nang walang kabuluhan.

Ang musika ay nagbigay kay Salome ng katangian ng isang panatikong halimaw. (Ayon sa orihinal na ideya, tiyak na hindi siya panatiko.) Ang imahe ng isang halimaw na babae ang dahilan ng paglikha ng isang larawan ng matingkad na erotikong emosyon. Ang kasuklam-suklam ay kailangang ilarawan sa pamamagitan ng kagandahan. Kahit na ang lahat ng kakila-kilabot at kakila-kilabot na mga tampok ng Salome ay nakapaloob sa mga musikal na larawan, maliwanag bilang kislap ng mga opal. Ang kahanga-hanga, nakalalasing na musika ay tila tinatakpan ng kapangyarihan nito ang lahat na kakila-kilabot, na pumupuno sa hindi nangangahulugang kahanga-hangang nilalaman ng opera. Ang katotohanang ito ay dapat kilalanin. Ang isterya ni Strauss na Salome ay naging musika, nakakahawa kahit para sa ganap na hindi musikal na mga tao. Upang maunawaan ang gayong musika, kailangan mong magkaroon ng malakas na nerbiyos at magkaroon ng kalmado.

Ang kompositor mismo ay minsang tinawag ang musika ng "Salome" na "isang symphony sa dramatikong anyo, sikolohikal, tulad ng anumang iba pang musika." (Ang maling kuru-kuro tungkol sa "Salome" bilang "isang symphony na sinaliw ng boses" ay bunga ng hindi pagkakaunawaan.) Mula sa dulang "Salome" ni Wilde ay gumawa siya ng isang dramatikong musikal na tula, maganda at maayos, ayon sa mga kakaibang konsepto ng panahon, kapag ang pangit ay itinuturing na maganda, at dissonance - euphony. Ang nababagabag na dagat ng mga tunog, kakaibang erotika at demonismo, misteryo at pang-aakit ay isang pagpapahayag ng surfeit, na sa kasong ito ay sumasalungat sa likas na talino ng kompositor. Sa Salome, natalo ni Strauss si Wagner at sa unang pagkakataon ay nadaig ang kanyang impluwensya. Siya mismo ang nagpahayag ng opinyon na ang gawaing ito ay "maaaring isang hakbang pasulong kumpara kay Wagner." Ang musika ng opera ay nakakakuha, kasama ang drama, ng isang bagong layunin - upang makuha ang nakikinig, lasing at humanga sa kanya. Simula sa mga unang salita ng Narrabota, nagpapahayag ng mapanglaw, at nagtatapos sa pagkamatay ni Salome, ito ay isang dynamic na lumalagong srs8seps!o, isang nagniningas na apoy ng orkestra na hindi kailanman lumulunod sa mga bahagi ng boses, ngunit sa pana-panahon, kapag ang pinakamataas na punto. ng pag-igting ay naabot, tila natatakpan sila ng kapangyarihan nito. Ang pinaka-katangiang katangian ng "Salome" ay ang pagiging makulay nito. Sa walang ibang gawain ay mahahanap ng isang tao ang isang walang katulad na imahe ng isang tropikal na gabi na may ningning, singaw at amoy nito (si Strauss mismo ang nakakita ng mga gabing ito sa ilang mga paglalakbay niya sa Gitnang Silangan), na makikita natin sa napakakomplikadong marka na may melodiko nito. at rhythmic polyphony , na may mahusay na oras na harmonic at instrumental na kagandahan at malalaking dynamic na alon. Ang nakakapangilabot na panginginig na sumakop kay Salome nang makita ang propeta ay muling ginawa sa musika na may higit na panghihikayat kaysa sa nanginginig na paghanga kay Herodes. Nananatili sa alaala ang kupas na chord ng organ, ang tremolo ng mga kuwerdas at ang kumikinang na tunog ng mga instrumento ng hangin sa sandaling hinahalikan ni Salome ang ulo ng Jokanaan gayundin ang iridescent play ng mga kulay ng "pinakamagandang esmeralda" at "mga opal na kasing lamig ng apoy ng yelo." Gaano karaming mga makabagong tagumpay ang makikita sa halos bawat pahina ng marka, mula sa larawan ng maputlang buwan at ang hininga ng hangin sa gabi (“Ang sarap ng hangin dito”), hanggang sa naturalistikong pagpaparami ng kaluskos, daing. at sumisigaw! Ang musikal na palette ni Strauss ay hindi kailanman naging ganito kaiba: kasama ng mahusay na ginamit na mga string at brass, ang mga kakaibang timbre ng heckelfon, celesta at mga instrumentong percussion na malawakang kinakatawan sa orkestra na gumaganap. Ang musika ay sumusunod sa mga yapak ng teksto at muling ginawa ang mga banayad na nuances ng piraso, na ganap na pinagkadalubhasaan ni Strauss. Tanging ang "Jewish quintet" at ang "sayaw ng pitong belo" ay medyo lumalaban sa pangkalahatang background. Ang "Sayaw" ay isang purong pandekorasyon na numero ng plug-in, musikal na medyo mahina, malayo sa ritmo; idinagdag ito ng kompositor sa iskor mamaya.

Ang marka ng "Salome" ay bunga ng mahusay na karanasan at kasanayan. Ang isang dambuhalang orkestra ng isang daan at sampung musikero, na may tensyon at talas, na dinadala sa mga limitasyon ng posible, ay muling naglalabas ng pinaka banayad na emosyonal na mga karanasan mula sa paghanga hanggang sa pagkasuklam, mula sa pagnanasa hanggang sa pagkabusog, mula sa pagkauhaw sa buhay hanggang sa kadiliman ng kamatayan. Sa unang pagkakataon, binuo ni Strauss na may pinakamataas na kasanayan ang mga kakaibang katangian ng kanyang talento kapag lumilikha ng isang musikal at dramatikong gawain. Nagtagumpay siya dito sa tulong ng tatlong paraan: transparent as glass, perfected technique of formation of motifs, which in the penitential chants of Jokanaan sometimes have a sentimental character; ang mahusay na "counterpoint of the nerves", na ipinahayag sa masining na pagsalungat ng mga bahagi ng boses at ng orkestra; dynamic na pagpapahayag ng huling aria ng Salome, na umaabot sa lubos na kaligayahan. Tanging isang kategoryang utos na "patayin ang babaeng ito" ang maaaring wakasan ang kasuklam-suklam na eksena.

Dapat tandaan na nabigo ang kompositor na ganap na i-level ang pagkakaiba sa pagitan ng mga istilong ito. Lahat ng nangyayari sa entablado sa unang sampung minuto (tumanggi ang kompositor sa pagpapakilala ng orkestra sa opera) ay katangi-tangi, kinakabahan na erotikong musika, maliwanag at transparent. Ang mundo nina Salome at Narrabota ay isang matamis, mapanglaw na pag-iibigan. Pagkatapos ay nag-iisa ang kalunos-lunos na musika. Sa tatlong mapang-akit na himig, ang kakaibang bulaklak ng Salome ay namumulaklak sa lahat ng ningning ng mga kulay nito. Kasabay ng paulit-ulit na kahilingan na "Gusto ko ang pinuno ng Jokanaan," walang awang pinagtibay ang isang nagbabantang motibo ng kakila-kilabot. Sa unang pagkakataon, lumikha ang kompositor ng isang malaki, nangingibabaw na bahagi ng babae. Sa kauna-unahang pagkakataon, pinagkadalubhasaan niya ang anyo ng isang isang-aktong pagtatanghal, sapat na dami upang punan ang gabi, at pinamamahalaan niyang mapanatili ang pagkakaisa ng lugar at oras. Kasunod nito, paulit-ulit niyang inamin na ang mga break sa pagitan ng mga kilos ay nakakasagabal sa kanya.

Sa malikhaing ecstasy, madalas na pinalalaki ng batang symphonist ang mga kulay ng tunog ng orkestra, at nang maglaon, nang dumating ang isang mahusay na karanasan sa teatro sa paglipas ng mga taon, iginuhit niya ang pansin dito. Hindi lahat ng konduktor ay may kakayahan na suriing mabuti ang marka. (Sa kanyang Ginintuang Panuntunan ay isinulat niya: "Magsagawa ng Salome at Elektra na parang sila ang musika ng mga duwende ni Mendelssohn.") Ang ilang mga pagbabago na ginawa niya noong 1930 para sa isang mang-aawit na gumanap bilang Salome sa Dresden at may natatanging talento, ganap na tumutugma sa ang kanyang nagbagong saloobin patungo sa opera at ang bagong istilo ng pagtatanghal. Ilang sandali bago iyon, siya, bagaman nag-aatubili, pinahintulutan ang opera na maitanghal sa isang pinaikling bersyon sa maliliit na yugto ng opera. Sa edisyong ito, naaninag din ang binanggit na pagbabago ng saloobin ni Strauss sa imahe ni Salome, na tinawag niya sa isang liham na "isang masamang ugali na bata." Ang karanasan ng maraming produksyon ng kanyang mga opera ay nag-udyok sa kanya na kumuha ng mga bagong pananaw sa pagtatanghal sa entablado ni Salome. “In contrast to agitated music, the playing of artists should be as simple as possible. Ito ay totoo lalo na kay Herodes, na karaniwang inilalarawan bilang isang neurasthenic na nagmamadali sa entablado. Hindi dapat kalimutan na ang Oriental upstart na ito, sa kabila ng paminsan-minsang mga pagkakamali na dulot ng panandaliang erotikong pagsabog, sa presensya ng mga bisitang Romano ay patuloy na sinusubukan sa lahat ng kanyang pag-uugali at dignidad na tularan ang kadakilaan ng mga Romanong Caesar. Hindi ka pwedeng mag-amok sa at sa harap ng entablado ng sabay - sobra na! Sapat na sa katotohanan na ang orkestra ay nagngangalit, "isinulat ni Strauss sa kanyang mga memoir. Ang Opera ay medyo kontradiksyon at malupit, kaya ang anumang pagmamalabis ay maaari lamang makapinsala dito. Ito ay ganap na naaangkop sa sayaw ni Salome, na sa mga unang pagtatanghal ay ginanap ng isang understudy na mananayaw, “Ito ay dapat na isang tunay na sayaw sa silangan, posibleng mas seryoso at nasusukat, medyo disente, kung maaari ay ginanap sa isang lugar, na parang sa isang karpet ng panalangin. Tanging sa episode ng cis-moll ay mayroong paggalaw, mga hakbang at sa dulo - isang sukat sa 2/4 na oras - isang orgiastic na pagtaas ”... - Nais ni Strauss. At ano sa karamihan ng mga kaso ang aktwal na inaalok sa mga manonood at tagapakinig? Si Salome ay inilalarawan bilang isang babaeng bampira, walang mga katangian ng tao, sa kabila ng katotohanan na nakita ni Strauss sa kanya hindi lamang isang hysteric, kundi pati na rin isang bata.

Sa "Salome" nilayon ng kompositor na ipakita sa mga tao ng kanyang kontemporaryong panahon sa kapaligiran ng malayong nakaraan, upang makita ng mga kinatawan ng isang walang pag-unlad na lipunan ang kanilang sarili sa salamin. Ang opera ay isang sensasyon noong 1905. Sino ngayon ang nakakaalala sa pagalit na Wagnerian na mas lumang henerasyon, na hinulaan sa premiere sa Dresden sa ilalim ng baton ni Schuch na ang opera ay hindi tatagal ng higit sa tatlong pagtatanghal? Sino ang nakakaalala sa pahayag ng isang kilalang senior na empleyado ng Bayreuth Theater, na, nang tanungin kung narinig niya si Salome, ay sumagot: "Hindi ko hinawakan ang dumi!" At sa Dresden, sa panahon ng mga pag-eensayo na nauna sa premiere, na nagkaroon ng pambihirang tagumpay, maraming mabagyong eksena. Hindi nakakagulat, mula sa pagsusulatan na inilathala mula noon, malinaw na si Schukh mismo, anim na linggo bago ang unang pagtatanghal, "ay hindi nakita ang marka at hindi man lang pinaghihinalaan kung ano ang nasa unahan niya." Wala sa mga mang-aawit ng tropa ng opera ng korte, hanggang sa gumaganap ng bahagi ni Herodes, ang nagpakita ng pagnanais na simulan ang pag-aaral ng mga bahagi na nakatalaga sa kanila. Ang unang gumanap ng papel ni Salome ay umatras mula sa karagdagang mga pagtatanghal pagkatapos ng ikatlong pagtatanghal. Naniniwala ang lahat na sa Berlin (kung saan ang Kaiser ay nagpakita ng "napaka, napakahusay na pagpigil" kay "Salome"), sa Vienna, sa England at sa Estados Unidos, ang lahat ng higit pang mga pagdududa ng isang moral na kalikasan ay ipahahayag ... Sa ating araw, ang mga tungkulin nina Salome, Herod at Jokanaan ay kabilang sa mga pinakakanais-nais na tungkulin sa operatic repertoire. Ang opera mismo, ang "kamangha-manghang obra maestra" na ito (Rolland), kalahating siglo pagkatapos ng kapanganakan nito, ay naging isa sa mga tanyag na pagtatanghal sa musika na sinusubukang ilapit ng matatalinong direktor at mga artista sa teatro sa pang-unawa ng mga nakikinig sa bagong panahon. Tila, ang form ay maaaring malampasan ang nilalaman sa isang lawak na mula sa isang pathological na insidente "Salome" ay naging isang bagay tulad ng isang gawa ng sining ...

Isa sa mga pinakasikat na gawa ng kompositor. Makabago sa espiritu at musikal na wika, namangha ito sa mga manonood. Ang premiere ng Russia ay naganap noong 1924 (Mariinsky Theatre, sa pamagat na papel na Pavlovskaya). Kabilang sa mga pinakamahusay na modernong performer ng bahagi ay sina Salome Nilson, Rizanek at iba pa. Noong 1995 ito ay itinanghal sa Mariinsky Theater (sa direksyon ni Gergiev, noong 1997 ang pagganap na ito ay ipinakita sa Moscow, ang pamagat na bahagi ay inawit ni Kazarnovskaya). Ang isang matingkad na imahe ng pangunahing tauhan ay nilikha din ni Stratas (tingnan ang discography).

Expressionism(mula sa lat. expressio - expression, identification) - direksyon sa Europa. art-ve at panitikan, na lumitaw noong ika-1 dekada ng ika-20 siglo. sa Austria at Alemanya at pagkatapos ay bahagyang kumalat sa ibang mga bansa. Ang pagbuo ng E. sa pagpipinta at panitikan ay humantong sa paglitaw ng mga organisasyon at grupo sa direksyong ito (mga asosasyon ng mga artistang Aleman: "Die Brücke" ("Bridge") sa Dresden, 1905; "Der Blaue Reiter" ("The Blue Rider" ") sa Munich , 1911; German magazine na "Der Sturm" sa Berlin, 1910). Ang E. ay isang pagpapahayag ng pinakamatinding alitan ng artista sa nakapaligid na panlipunang realidad; ito ay nagpakita ng isang suhetibong protesta laban sa sobinismo, militaristikong propaganda, burukrasya, at petiburges na kasiyahan na namayani sa Austria at Alemanya bago ang digmaan. Ang tipikal na bayani ng E. ay isang "maliit" na tao, inaapi ng malupit na kalagayang panlipunan ng pag-iral, pagdurusa at pagkamatay sa isang mundong laban sa kanya. E. ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng isang nalalapit na pandaigdigang sakuna, na nagbigay sa kanya ng isang condensed, madilim, minsan masayang-maingay. lilim. "Ang digmaan ay naging isang mahusay na punto ng pagbabago para sa sining. Isang lalaking pinahirapan ng kakila-kilabot na pagdurusa ang sumigaw. Nagsimulang mangaral ang lalaking pumangit" (Brecht B., Theatre, Sobr. soch., vol. 5/1, M., 1965, p. 64).

Anti-burges, anti-militarista na katangian, makatao. orientation was a strong point of E. Ito ay hindi nagkataon na sa kaliwang pakpak nito. Ang E. ay nauugnay sa gawain ng mga advanced na proletaryong artista gaya nina B. Brecht at J. Becher. Gayunpaman, ang indibidwalismo ng protesta, ang hindi pagkakaunawaan ng tunay na kahulugan ng makasaysayang. mga kaganapan, paghihiwalay sa bilog ng madilim at masakit na mga karanasan, pagpapapangit ng realidad na ipinakita sa sining dahil sa tumaas na suhetibismo ay nagpatotoo sa mga limitasyon ng direksyon ng ekspresyonista. Sa polemic laban sa kalupaan ng naturalismo, dinala ni E. sa unahan ang sikolohikal, espirituwal na prinsipyo, na ipinadala nang may matinding pagpapahayag (kaya ang mga pangalan ng mga direksyon). Ang ideological na batayan ng E. ay naiimpluwensyahan sa iba't ibang antas ng subjective-idealistic. mga konsepto ng A. Schopenhauer, E. Mach, E. Husserl, Z. Freud, pati na rin ang intuitionism ni A. Bergson. Ang interes ng mga expressionist sa subconscious, sa delusional, obsessive na mga imahe, masakit na erotisismo, ang paglipat ng overexcited psyche, mga damdamin ng takot, hindi malinaw na pagkabalisa, at kawalan ng pag-asa ay katangian. Sinabi ni Dr. ang matalinghagang globo ay binubuo ng masamang panunuya, ang kakatwa.

Ang musika, dahil sa pagiging tiyak nito, ay nagawang malinaw at magkakaibang isinasama ang masalimuot na espirituwal na mundo, kaya naman ang ilang mga teorista ng E. ay itinuturing itong isang modelo ng isang bagong sining. Gayunpaman, sa musika art-ve E. nabuo nang mas kusang-loob kaysa, halimbawa, sa panitikan at pagpipinta, at hindi gaanong isang tiyak na karakter. direksyon bilang isa sa mga agos ng kontemporaryong sining.

Karamihan sa mga kuwago Tinanggihan ng mga musicologist ang parehong tuwirang pagkakakilanlan ng E. eksklusibo sa bagong paaralang Viennese (ang konsepto ng isang bilang ng mga dayuhang musicologist), at isang sobrang malawak na interpretasyon na nagdadala sa ilalim ng E. maraming phenomena ng Kanlurang Europa. musika noong ika-20 siglo Kung ang pinakakaraniwang kinatawan ng E. ay ang mga "novenets" - A. Schoenberg at ilan sa kanyang mga mag-aaral (una sa lahat, A. Berg, bahagyang batang X. Eisler, may kondisyon - A. Webern), kung gayon hindi maaaring balewalain ng isang tao ang natatanging mga ekspresyonistang tendensya sa musika ng kanilang mga pangunahing nauna at kapanahon, pati na rin ang mga kompositor ng mga susunod na henerasyon.

Mga muse. E. ay sunud-sunod na nauugnay sa late romanticism. Kaya, ang condensed psychologism ng Wagner's "Tristan and Isolde" ay bahagyang inaasahan ang E. (E. Ipinakita ito ni Kurt sa musical at stylistic terms). Sa simula. ika-20 siglo lumalabas sa produkto ang masasamang-mapanglaw, baliw na mga larawan. G. Mahler (late symphony) at R. Strauss (ang mga opera na Salome at Electra), kasabay ng panahon ng pag-unlad ng E. sa pagpipinta at panitikan, ngunit ang mga tradisyon ng romantikismo ay malakas pa rin sa musika ng mga kompositor na ito. Ang maagang panahon ng pagkamalikhain ng mga kompositor ng bagong paaralan ng Viennese - A. Schoenberg at A. Berg - ay kabilang din sa romantikong. direksyon. Unti-unting inisip ng mga kompositor ng ekspresyonista ang sining ng ideolohiya. ang nilalaman ng huli na romantikismo: ang ilang mga imahe ay pinatalas, pinawalang-bisa (discord sa labas ng mundo), ang iba ay na-muffle o ganap na nawala (halimbawa, isang romantikong panaginip). Mga opera bago ang digmaan ni Schoenberg ("Naghihintay", "Maligayang Kamay") at wok. cycle "Moon Pierrot" - tipikal na mga gawa ng ekspresyonista. Sa gawa ni Schoenberg, "wala ang mga damdamin ng klasikal at romantikong musika. Ang kalungkutan ay nagiging kapahamakan, depresyon, ang kawalan ng pag-asa ay nagiging hysteria, ang mga liriko ay tila isang basag na laruang salamin, ang katatawanan ay nagiging katawa-tawa ... Ang pangunahing mood ay" matinding sakit "" (Eisler G., tingnan sa aklat: Mga piling artikulo ng mga musicologist ng GDR, M., 1960, pp. 189-90).

Ang pinakamataas na tagumpay ng musika. Tamang inamin ni E. ang opera ni A. Berg "Wozzeck" (post. 1925), kung saan ang kuyog ay hinahasa sa lipunan at nahatulan. ang mga tema at ang drama ng "maliit na tao" ay ipinahayag nang may malaking puwersa; ito ay isang produkto. lumalapit sa kanya. "Kaliwa" E. Sa isang bilang ng musikal na teatro. prod. post-war years, malinaw na ipinakita ang mga indibidwal na expressionist tendencies ("The killer is the hope of women" and "Saint Susanna" by Hindemith, "Jump over the shadow" by Krenek, "The Miraculous Mandarin" by Bartok); bahagyang hinawakan nila ang pagkamalikhain ng mga kuwago. mga kompositor ("The Fiery Angel" ni Prokofiev, ang opera na "The Nose" at ilang mga yugto sa symphonic work ni D. D. Shostakovich). Matapos lumayo sa E. noong 30s. Muling lumitaw ang mga tendensiyang ekspresyonista sa musika ng con. 30s - 40s (ang panahon ng opensiba ng pasismo at ang mga sakuna ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig 1939-45), bagama't sila ay susunod. halos si Schoenberg lamang ang nanatiling ekspresyonista ("Survivor from Warsaw" at ang iba pa niyang mga akdang kalaunan). Sa digmaan at mga unang taon pagkatapos ng digmaan, ang mga larawan ng pagkawasak, karahasan, kalupitan at pagdurusa, kawalan ng pag-asa ay naging sanhi ng pag-apila sa mga paraan ng pagpapahayag na nauugnay sa E. ("Castle of Fire" Millau, Honegger's 3rd symphony, R. Vaughan Williams ' 6th symphony, War Requiem Britten at iba pa).

Alinsunod sa ideolohikal at matalinghagang oryentasyon ng E., nabuo ang isang kahulugan. complex ng musika. paraan ng pagpapahayag: sirang mga balangkas sa himig, matalim na dissonance ng mga harmonies, lagkit ng texture, matinding contrasting dynamics, ang paggamit ng malupit, piercing sounds. Katangiang instr. interpretasyon ng wok. party, discontinuity, sirang wok. lines, excited na recitation. Sa "Lunar Pierrot" ipinakilala ni Schoenberg ang isang espesyal na paraan ng half-talk-half-talk (Sprächstimme, Sprächgesang); naturalistic din ang ginagamit. mga tandang at iyak.

Sa paghubog, sa una, ang pagkalikido, ang kawalan ng dissection, pag-uulit at simetrya ay binibigyang diin. Sa hinaharap, gayunpaman, ang kalayaan ng emosyonal na pagpapahayag ng sarili ay lalong nagsimulang pinagsama sa mga normative constructive techniques, lalo na sa mga kinatawan ng bagong Viennese school (dodecaphony, ang pagtatayo ng mga opera acts ayon sa pamamaraan ng mga instrumental na anyo ng European music. ng ika-18 siglo - sa Wozzeck, atbp. prod.). Ang musika ng "novenets" ay sumailalim sa isang ebolusyon mula sa isang kumplikadong pagsulat ng tonal, sa pamamagitan ng libreng atonality - sa organisasyon ng sound material batay sa serial technology. Ang gayong ebolusyon, gayunpaman, ay hindi nagbubukod ng iba pang mga pagpapakita ng mga tendensiyang ekspresyonista sa modernong panahon. musika.

Ang opera ni Alban Berg na "Wozzeck"

01/12/2011 sa 13:04.

Opera sa tatlong kilos ni Alban Berg sa isang libretto (sa German) ng mismong kompositor, batay sa drama ng parehong pangalan ni Georg Büchner.

Mga tauhan:

WOZZECK, sundalo (baritone) MARIE, ang kanyang pinakamamahal (soprano) BOY, anak nila (soprano (boyish)) ANDRES, kaibigan ni Wozzeck (tenor) MARGRET, kapitbahay (contralto) CAPTAIN (tenor) DOCTOR (bass) TUMBURGER (tenor) MUNA at SECOND JOURNEY (baritone at bass) FOOL (tenor)

Oras ng pagkilos: mga 1835. Lokasyon: Germany. Unang pagtatanghal: Berlin, 14 Disyembre 1925.

Si Alban Berg, ang pinakatanyag na estudyante ni Arnold Schoenberg, ay namatay sa edad na apatnapu sa kanyang katutubong Vienna. Nangyari ito noong 1935. Karaniwang hindi ko isinasama ang mga naturang istatistika sa pagkamatay ng kompositor sa aking mga pambungad na tala sa mga opera, ngunit sa pagkakataong ito sa tingin ko ay mahalaga ito dahil sina Berg at ang kanyang mga opera na sina Wozzeck at Lulu ay sumasalamin - para sa akin, hindi bababa sa - isang tiyak na aspeto ng isang partikular na oras at lugar . Si Wozzeck ay ipinaglihi noong Unang Digmaang Pandaigdig; ang komposisyon ng opera ay natapos kaagad pagkatapos ng digmaang ito, at ang unang pagtatanghal nito sa entablado ay naganap sa Berlin noong 1925. Pagkatapos ay labis niyang ikinatuwa ang lahat sa Kanlurang Europa. At ito ang panahon ni Dr. Sigmund Freud, Franz Kafka, ang panahon ng pagpapalakas ng pwersa ng Pambansang Sosyalismo. Sa musika, ito ay isang panahon ng pagsira sa mga lumang mithiin ng melody at - lalo na - pagkakaisa. Ito ay isang rebolusyonaryong panahon, kakaiba sa intelektwal, hindi matatag, na sumasalamin sa sakit ng kaluluwang Aleman.

Sumulat si Berg ng kanyang sariling libretto para kay Wozzeck, batay sa isang dula na isinulat isang daang taon na ang nakalilipas ng isang napaka-idiosyncratic, masasabi ko pa nga, kahit isang kakaibang batang henyo na nagngangalang Georg Büchner (namatay siya sa edad na 24 lamang). Ito ay isang dula tungkol sa sikolohikal na pagdurusa at pagkasira ng isang mapurol na sundalo (pulis) na nagngangalang Johann Franz Woyzeck (tulad ng sa Buechner) at ang kalunos-lunos na sinapit ng kanyang minamahal at kanilang anak sa labas. Lovely topic, walang masabi di ba? Hindi malamang na mayroong kahit isang kaakit-akit na pigura sa mga tauhan sa dula, maliban sa tatlong kapus-palad na ito. Ang malaking tagumpay ng opera noong ito ay itinanghal sa Metropolitan Opera noong 1959 ay ganap na hindi inaasahan para sa marami.

Act I

Eksena 1. Inahit ni Wozzeck ang kanyang kapitan, kung kaninong batman siya. Ang kapitan, samantala, ay mahigpit na pinagalitan siya dahil sa kanyang imoral, tulad ng kanyang paniniwala, na pag-uugali: alam niya ang tungkol sa koneksyon ni Wozzeck kay Marie at tungkol sa kanilang anak sa labas. (Ang bahagi ng kapitan ay isinulat para sa isang napakataas na tenor). Sa una, ang sagot ni Wozzeck ay tulala at walang pag-iisip: "Jawohl, Herr Hauptmann" ("Siyempre, Mr. Captain"), at sa huli ay nagrereklamo siya nang napakalito at hindi magkakaugnay tungkol sa kanyang kahirapan ("Wir arme Leut"!" - "Kaming mga mahihirap na tao").

Eksena 2. Malawak na bukid sa labas ng lungsod. Nag-iisa si Wozzeck kasama ang kanyang kaibigan sa hukbo na si Andres; sa gilid ng gubat ay nagputol sila ng puno. Biglang inatake si Wozzeck ng mapamahiing takot: ang mga hedgehog na tumatakbo sa damo sa sinag ng papalubog na araw ay tila mga ulo ng tao na gumugulong sa bukid, at ang mga sinag ng araw ay tila isang nagbabantang apoy na sumisikat mula sa lupa patungo sa langit. Sa takot, tumakbo siya papunta sa kanyang Marie.

Eksena 3. Sa kanyang silid, pinaglalaruan ni Marie, ang kalaguyo ni Wozzeck, ang sanggol, ang kanilang anak. Nakita niya ang isang kumpanya ng mga sundalo na nagmamartsa sa kalye sa solemne martsa, at hinahangaan ang drum-major; pangarap niyang makilala siya. Ang kapitbahay ni Margret ay maingat na tinutukoy ang kanyang pagkahilig sa guwapong drum-major. Isinara ni Marie ang bintana at pinahiga ang sanggol. Kasabay nito, kumakanta siya ng lullaby sa kanyang sanggol. Biglang lumitaw si Wozzeck; siya ay sinunggaban pa rin ng mapamahiing takot. Nakikinig si Marie nang may pagkabalisa sa kanyang salaysay tungkol sa mga mahiwagang pangitain na sa tingin niya ay nakita na niya. May nararamdaman siyang kakila-kilabot.

Eksena 4. Kinabukasan, si Wozzeck ay sinuri sa kanyang opisina ng regimental na doktor. (Upang kumita ng kaunting pera, pumayag si Wozzeck na maging paksa ng pagsusulit sa mga eksperimento ng doktor). Ang doktor na ito ay isang baguhang psychiatrist, kung hindi isang sadista. Siya ay nagbigay inspirasyon kay Wozzeck sa ideya na siya ay nasa bingit ng pagkabaliw at na dapat lamang siyang kumain ng ilang mga pagkain (mga beans lamang). Sa pagtatapos ng eksena, nambobola ng doktor ang sarili sa pag-asang sisikat siya salamat sa mga eksperimento na ginagawa niya kasama ang kawawang Wozzeck.

Eksena 5. Nakilala ni Marie ang isang drum-major sa kalye, may tiwala sa sarili at mayabang. Siya ay napaka-madamdamin tungkol sa kahanga-hangang tao. Inaanyayahan siya ni Marie sa kanyang lugar. Sumasang ayon siya. At ngayon ay papunta na sila sa kwarto niya.

mula sa lat. expressio - pagpapahayag, paghahayag

Isang uso sa sining at panitikan sa Europa na lumitaw sa mga unang dekada ng ika-20 siglo sa Austria at Alemanya at pagkatapos ay bahagyang kumalat sa ibang mga bansa.

Ang pagbuo ng E. sa pagpipinta at panitikan ay humantong sa paglitaw ng mga organisasyon at grupo sa direksyong ito (mga asosasyon ng mga artistang Aleman: "Die Brücke" ("Bridge") sa Dresden, 1905; "Der Blaue Reiter" ("The Blue Rider" ") sa Munich , 1911; German magazine na "Der Sturm" sa Berlin, 1910). Ang E. ay isang pagpapahayag ng pinakamatinding alitan ng artista sa nakapaligid na panlipunang realidad; ito ay nagpakita ng isang suhetibong protesta laban sa sobinismo, militaristikong propaganda, burukrasya, at petiburges na kasiyahan na namayani sa Austria at Alemanya bago ang digmaan. Ang tipikal na bayani ng E. ay isang "maliit" na tao, inaapi ng malupit na kalagayang panlipunan ng pag-iral, pagdurusa at pagkamatay sa isang mundong laban sa kanya. E. ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pakiramdam ng isang nalalapit na pandaigdigang sakuna, na nagbigay sa kanya ng isang condensed, madilim, minsan masayang-maingay. lilim. "Ang digmaan ay naging isang mahusay na punto ng pagbabago para sa sining. Isang lalaking pinahirapan ng kakila-kilabot na pagdurusa ang sumigaw. Nagsimulang mangaral ang lalaking pumangit" (Brecht B., Theatre, Sobr. soch., vol. 5/1, M., 1965, p. 64).

Anti-burges, anti-militarista na katangian, makatao. orientation was a strong point of E. Ito ay hindi nagkataon na sa kaliwang pakpak nito. Ang E. ay nauugnay sa gawain ng mga advanced na proletaryong artista gaya nina B. Brecht at J. Becher. Gayunpaman, ang indibidwalismo ng protesta, ang hindi pagkakaunawaan ng tunay na kahulugan ng makasaysayang. mga kaganapan, paghihiwalay sa bilog ng madilim at masakit na mga karanasan, pagpapapangit ng realidad na ipinakita sa sining dahil sa tumaas na suhetibismo ay nagpatotoo sa mga limitasyon ng direksyon ng ekspresyonista. Sa polemic laban sa kalupaan ng naturalismo, dinala ni E. sa unahan ang sikolohikal, espirituwal na prinsipyo, na ipinadala nang may matinding pagpapahayag (kaya ang mga pangalan ng mga direksyon). Ang ideological na batayan ng E. ay naiimpluwensyahan sa iba't ibang antas ng subjective-idealistic. mga konsepto ng A. Schopenhauer, E. Mach, E. Husserl, Z. Freud, pati na rin ang intuitionism ni A. Bergson. Ang interes ng mga expressionist sa subconscious, sa delusional, obsessive na mga imahe, masakit na erotisismo, ang paglipat ng overexcited psyche, mga damdamin ng takot, hindi malinaw na pagkabalisa, at kawalan ng pag-asa ay katangian. Sinabi ni Dr. ang matalinghagang globo ay binubuo ng masamang panunuya, ang kakatwa.

Ang musika, dahil sa pagiging tiyak nito, ay nagawang malinaw at magkakaibang isinasama ang masalimuot na espirituwal na mundo, kaya naman ang ilang mga teorista ng E. ay itinuturing itong isang modelo ng isang bagong sining. Gayunpaman, sa musika art-ve E. nabuo nang mas kusang-loob kaysa, halimbawa, sa panitikan at pagpipinta, at hindi gaanong isang tiyak na karakter. direksyon bilang isa sa mga agos ng kontemporaryong sining.

Karamihan sa mga kuwago Tinanggihan ng mga musicologist ang parehong tuwirang pagkakakilanlan ng E. eksklusibo sa bagong paaralang Viennese (ang konsepto ng isang bilang ng mga dayuhang musicologist), at isang sobrang malawak na interpretasyon na nagdadala sa ilalim ng E. maraming phenomena ng Kanlurang Europa. musika noong ika-20 siglo Kung ang pinakakaraniwang kinatawan ng E. ay ang mga "novenets" - A. Schoenberg at ilan sa kanyang mga mag-aaral (una sa lahat, A. Berg, bahagyang batang X. Eisler, may kondisyon - A. Webern), kung gayon hindi maaaring balewalain ng isang tao ang natatanging mga ekspresyonistang tendensya sa musika ng kanilang mga pangunahing nauna at kapanahon, pati na rin ang mga kompositor ng mga susunod na henerasyon.

Mga muse. E. ay sunud-sunod na nauugnay sa late romanticism. Kaya, ang condensed psychologism ng Wagner's "Tristan and Isolde" ay bahagyang inaasahan ang E. (E. Ipinakita ito ni Kurt sa musical at stylistic terms). Sa simula. ika-20 siglo lumalabas sa produkto ang masasamang-mapanglaw, baliw na mga larawan. G. Mahler (late symphony) at R. Strauss (ang mga opera na Salome at Electra), kasabay ng panahon ng pag-unlad ng E. sa pagpipinta at panitikan, ngunit ang mga tradisyon ng romantikismo ay malakas pa rin sa musika ng mga kompositor na ito. Ang maagang panahon ng pagkamalikhain ng mga kompositor ng bagong paaralan ng Viennese - A. Schoenberg at A. Berg - ay kabilang din sa romantikong. direksyon. Unti-unting inisip ng mga kompositor ng ekspresyonista ang sining ng ideolohiya. ang nilalaman ng huli na romantikismo: ang ilang mga imahe ay pinatalas, pinawalang-bisa (discord sa labas ng mundo), ang iba ay na-muffle o ganap na nawala (halimbawa, isang romantikong panaginip). Mga opera bago ang digmaan ni Schoenberg ("Naghihintay", "Maligayang Kamay") at wok. cycle "Moon Pierrot" - tipikal na mga gawa ng ekspresyonista. Sa gawa ni Schoenberg, "wala ang mga damdamin ng klasikal at romantikong musika. Ang kalungkutan ay nagiging kapahamakan, depresyon, ang kawalan ng pag-asa ay nagiging hysteria, ang mga liriko ay tila isang basag na laruang salamin, ang katatawanan ay nagiging katawa-tawa ... Ang pangunahing mood ay" matinding sakit "" (Eisler G., tingnan sa aklat: Mga piling artikulo ng mga musicologist ng GDR, M., 1960, pp. 189-90).

Ang pinakamataas na tagumpay ng musika. Tamang inamin ni E. ang opera ni A. Berg "Wozzeck" (post. 1925), kung saan ang kuyog ay hinahasa sa lipunan at nahatulan. ang mga tema at ang drama ng "maliit na tao" ay ipinahayag nang may malaking puwersa; ito ay isang produkto. lumalapit sa kanya. "Kaliwa" E. Sa isang bilang ng musikal na teatro. prod. post-war years, malinaw na ipinakita ang mga indibidwal na expressionist tendencies ("The killer is the hope of women" and "Saint Susanna" by Hindemith, "Jump over the shadow" by Krenek, "The Miraculous Mandarin" by Bartok); bahagyang hinawakan nila ang pagkamalikhain ng mga kuwago. mga kompositor ("The Fiery Angel" ni Prokofiev, ang opera na "The Nose" at ilang mga yugto sa symphonic work ni D. D. Shostakovich). Matapos lumayo sa E. noong 30s. Muling lumitaw ang mga tendensiyang ekspresyonista sa musika ng con. 30s - 40s (ang panahon ng opensiba ng pasismo at ang mga sakuna ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig 1939-45), bagama't sila ay susunod. halos si Schoenberg lamang ang nanatiling ekspresyonista ("Survivor from Warsaw" at ang iba pa niyang mga akdang kalaunan). Sa digmaan at mga unang taon pagkatapos ng digmaan, ang mga larawan ng pagkawasak, karahasan, kalupitan at pagdurusa, kawalan ng pag-asa ay naging sanhi ng pag-apila sa mga paraan ng pagpapahayag na nauugnay sa E. ("Castle of Fire" Millau, Honegger's 3rd symphony, R. Vaughan Williams ' 6th symphony, War Requiem Britten at iba pa).

Alinsunod sa ideolohikal at matalinghagang oryentasyon ng E., nabuo ang isang kahulugan. complex ng musika. paraan ng pagpapahayag: sirang mga balangkas sa himig, matalim na dissonance ng mga harmonies, lagkit ng texture, matinding contrasting dynamics, ang paggamit ng malupit, piercing sounds. Katangiang instr. interpretasyon ng wok. party, discontinuity, sirang wok. lines, excited na recitation. Sa "Lunar Pierrot" ipinakilala ni Schoenberg ang isang espesyal na paraan ng half-talk-half-talk (Sprächstimme, Sprächgesang); naturalistic din ang ginagamit. mga tandang at iyak.

Sa paghubog, sa una, ang pagkalikido, ang kawalan ng dissection, pag-uulit at simetrya ay binibigyang diin. Sa hinaharap, gayunpaman, ang kalayaan ng emosyonal na pagpapahayag ng sarili ay lalong nagsimulang pinagsama sa mga normative constructive techniques, lalo na sa mga kinatawan ng bagong Viennese school (dodecaphony, ang pagtatayo ng mga opera acts ayon sa pamamaraan ng mga instrumental na anyo ng European music. ng ika-18 siglo - sa Wozzeck, atbp. prod.). Ang musika ng "novenets" ay sumailalim sa isang ebolusyon mula sa isang kumplikadong pagsulat ng tonal, sa pamamagitan ng libreng atonality - sa organisasyon ng sound material batay sa serial technology. Ang gayong ebolusyon, gayunpaman, ay hindi nagbubukod ng iba pang mga pagpapakita ng mga tendensiyang ekspresyonista sa modernong panahon. musika.

Panitikan: Expressionism. Sab. mga artikulo, P.-M., 1923; Asafiev B., Musika ng "Wozzeck", sa koleksyon: "Wozzeck" ni Alban Berg, L., 1927 (Bagong musika, koleksyon 4), gayundin sa kanyang aklat: Mga kritikal na artikulo at pagsusuri, M.-L., 1967; Zivelchinskaya L. Ya., Expressionism, M.-L., 1931; Sollertinsky I.I., Arnold Schoenberg, L., 1934, din sa koleksyon: In memory of Sollertinsky, L.-M., 1974; Alschwang A., Expressionism in Music, "SM", 1959, No 1; Ravlova N. S., Expressionism at ilang katanungan ng pagbuo ng sosyalistang realismo sa demokratikong panitikan ng Aleman, sa koleksyon: Realismo at ang kaugnayan nito sa iba pang malikhaing pamamaraan, M., 1962; Keldysh Yu., "Wozzeck" at musical expressionism, "SM", 1965, No 3; Expressionism. Sab. mga artikulo, M., 1966; Konen V., On musical expressionism, in collection: Expressionism, M., 1966, also in her book: Etudes on foreign music, M., 1975; Laul R., On the creative method of A. Schoenberg, in: Questions of Theory and Aesthetics of Music, vol. 9, L., 1969; Kremlev Yu., Mga sanaysay sa pagkamalikhain at aesthetics ng bagong Viennese school, L., 1970; Pavlyshyn S., "Misyachny P" ero" ni A. Schoenberg, Kipv, 1972 (sa Ukrainian), Smirnov V., The Origin of Expressionism in Music, in: The Crisis of Bourgeois Culture and Music, (Isyu 1), M ., 1972; Druskin M., Austrian expressionism, sa kanyang aklat: On Western European music of the XX century, M., 1973; Tarakanov M., Alban Berg Musical Theater, M., 1976; Lobanov A., "Wozzeck" A Berga, Kipv, 1977 (sa Ukrainian), Kurth E., Romantische Harmonik und ihre Krise sa Wagners "Tristan", Bern-Lpz., 1920 (Salin ng Ruso - Kurt E., Romantic harmony at krisis nito sa "Tristan" Wagner , M., 1975); Krenek E., Music here and now, N. Y., (1939); Leibowitz R., Schönberg et son йcole, P., 1947; Lukass G., "Gröyae und Verfall" des Expressionismus, sa kanyang aklat: Schicksalswende, B., 1948; Adorno Th. W., Philosophie der neuen Musik, Tübingen, 1949; Edschmid K., Lebendiger Expressionismus, W., (1961).

G. V. Krauklis

Ang mga phenomena ng buhay musikal sa pagliko ng siglo, na malalim na nakaugat sa romantikong kultura ng musika, impresyonismo at ekspresyonismo ay maliwanag na mga milestone sa pag-renew ng pagpapahayag ng musikal, na, sa pamamagitan ng paraan, ay minarkahan ang mga unang sintomas ng hindi pagkakasundo sa pagitan ng mga kompositor at publiko. Umiral sila sa artistikong kapaligiran ng kanilang panahon, sa siksik na konteksto ng lahat ng sining, na nahuhulog sa ilalim ng tunay na impluwensya ng pagpipinta o panitikan, ngunit kung minsan ang mga tagapakinig ay nag-extrapolated ng mga aesthetic na label sa musika sa pamamagitan ng pagkakatulad, na iniiwan ang mga ito sa isipan ng ilang henerasyon.

Ganito ang sitwasyon sa Claude Achille Debussy(1862-1918), na ngayon ay itinuturing na pinakakilalang kinatawan ng musikal na impresyonismo, siya mismo ay hindi sumang-ayon sa naturang pagpapalagay. Ngunit ang makasagisag na mundo ng kanyang musika, na malapit sa romantikong plataporma sa mga tuntunin ng napakalaking interes sa mga larawan ng kalikasan, ay talagang nakikilala sa pamamagitan ng kapitaganan at panginginig ng mga damdamin dahil sa pagmamaliit at ilusyon na kalikasan. Sapat na banggitin ang mga pamagat ng kanyang mga piyesa ng piano - "Sunken Cathedral", "Terrace Illuminated by Moonlight", "What the West Wind Heard", "Steps in the Snow", "Sounds and Aromas Rang in the Evening Air", " Girl with Flaxen Hair" - upang ang mga asosasyon na may mga instant na "impression" mula sa mga kuwadro na gawa ng kanyang mga sikat na kontemporaryo, lalo na si Claude Monet, ay tila makatwiran. Isa sa kanyang mga gawa para sa orkestra - ang three-movement cycle na "Sea" - tinawag niyang hindi tradisyonal na isang symphony o isang tula, ngunit symphonic sketches. Ang bawat "sketch" ay may sariling pangalan na "Dagat mula madaling araw hanggang tanghali", "Paglalaro ng mga alon" at "Dialogue ng hangin kasama ang dagat". Ang ningning ng mga orihinal na larawang pangmusika na ito ay nagbibigay ng dahilan sa mga musicologist na isaalang-alang ang mga ito na "written off from nature" ng karagatan at ng Mediterranean Sea. Ngunit ang mas mahalaga ay ang pagtatasa sa kakayahan ng kompositor na ipinahayag ng kanyang nakababatang kasamahan, ang Pranses na kompositor ng susunod na henerasyon na si A. Honegger. "Kung sa lahat ng mga likha ng Debussy kailangan kong pumili ng isang marka, upang sa mga halimbawa nito ang isang taong ganap na hindi pamilyar dito ay maaaring makakuha ng ideya ng kanyang musika, kukuha ako ng triptych na "Dagat" para sa ang layuning ito. Ang musika mismo ay mabuti o masama - ang lahat ng pangunahing bagay ay ito. At kay Debussy siya ay napakatalino. Lahat sa kanyang "Dagat" ay isang tunay na himala ng impresyonistang sining ... ".

Ang isang katulad na katangian ay maaaring maiugnay sa isa pang symphonic triptych na "Nocturnes", ang mga bahagi nito ay mayroon ding magagandang subtitle - "Clouds", "Festivities", "Sirens". Katulad ng "sketches" ay ang pangalan ng piano cycle na "Prints", na nagbubunga ng mga pictorial allusions. Ngunit marahil ang pinakatanyag na symphonic na gawa ni C. Debussy ay ang symphonic prelude na "Afternoon of a Faun", gamit ang mga imahe at aksyon-eclogues ng simbolistang makata na si S. Mallarme. Ginampanan noong 1894, iginuhit ng "Faun" ang atensyon ng publiko sa isang mahuhusay na batang kompositor, na ang mga makabagong paghahanap sa panahon ng kanyang pag-aaral sa Paris Conservatory ay hindi nagdulot ng pag-apruba mula sa mga anak na guro. Ang sensual na alindog ng musika, ang kawalang-tatag at pagiging sopistikado nito ay nangangailangan ng ganap na bagong mga kulay ng musika, na nakita ni Debussy sa kakaibang chromatic melody, isang bagong harmonic na wika at, higit sa lahat, sa mga kamangha-manghang kulay ng orkestra. Ang pangunahing himig ay pinamumunuan ng isang mababang plauta, at ang lahat ng mga grupo ng mga instrumentong orkestra ay naiba-iba nang detalyado sa maraming bahagi, na katangi-tanging pinagsama upang makamit ang pinakamagagandang nuances.

Ang mythical faun with his sultry bliss ay isinulat nang hindi pangkaraniwan at maliwanag na pagkaraan ng isang dekada ay nabigyang-inspirasyon niya ang sikat na mananayaw na si Vaslav Nijinsky na magtanghal ng isang kahindik-hindik na erotikong pagtatanghal sa Russian Seasons sa Paris ng sikat na impresario na si S. Diaghilev. Malakas ang iskandalo, nagbabantang magbitiw sa prime minister... at tuluyang isinulat ang musika ni Debussy sa artistikong kultura ng musika at ballet noong ika-20 siglo.

Isa pang sikat na kinatawan ng French musical impressionism ay isinasaalang-alang Maurice Ravel (1875-1937). Nakatanggap din siya ng malakas na katanyagan na may kaugnayan sa paggawa ng ballet na "Daphnis and Chloe" ng tropa ng Diaghilev sa libretto ni M. Fokine. Isang maliwanag na birtuoso na pianist mismo, si Ravel ang may-akda ng napakahusay na tunog at kasabay nito ay romantiko sa mga piraso ng espiritu na "The Play of Water", ang suite na "Night Gaspar", dalawang piano concerto. Isang napakatalino na master ng orkestra, nilikha ni Ravel ang sikat na symphonic na bersyon ng "Pictures at an Exhibition" piano suite ni Mussorgsky. Ngunit ang tunay na walang kupas na obra maestra, na madalas marinig ngayon sa entablado ng konsiyerto at sa mga transkripsyon ng ballet, ay ang kanyang napakaepektibong orkestra na piyesa na "Bolero".

Sa Austria sa pagpasok ng siglo, isang bagay na napakahalaga para sa lahat ng radikal na makabagong musika ng ika-20 siglo ay nabuo. ang direksyon, na tinatawag na bagong paaralan ng Viennese, at ayon sa makasagisag na kalikasan ng musika, ay iniuugnay sa artistikong kilusan sa pagpipinta at panitikan - expressionism. Ang ideolohikal na inspirasyon nito ay Arnold Schoenberg (1874-1951), na bumaba sa kasaysayan bilang tagalikha ng nakakagulat hindi lamang mga kontemporaryo, ngunit mga tagapakinig ng ilang henerasyon ng bagong pamamaraan ng pagbubuo. Gamit ang lahat ng labindalawang tunog nang pantay-pantay, lumilikha si Schoenberg ng "mga hilera" o "serye" sa halip na mga karaniwang romantikong tema, na tinatawag ang pamamaraang ito. labindalawang-tono o dodecapony. Ang kahulugan ng kanyang imbensyon (o, tulad ng pinaniniwalaan ng mga adept, "mga pagtuklas") ay binubuo sa paglabag sa hierarchy ng mga maayos na relasyon na nangingibabaw sa anyo ng tonality sa loob ng tatlong siglo. At sa daan patungo sa pagbuo ng dodecaphony, pag-iwas sa lahat ng karaniwang intonational na koneksyon ng mga tunog sa tela ng kanyang mga komposisyon, tinawag niya ang kanyang pitch organization na "atonality".

Ang matalim na dissonance at unpredictability ng motive logic ng musika ni Schoenberg ay mahirap maramdaman kahit ngayon - nangangailangan ito ng mataas na auditory culture. Ngunit ang pangunahing problema ay hindi sa pagiging sopistikado ng tainga, ngunit sa isang sapat na pag-unawa sa matalinghaga at semantiko na katangian ng musikang ito. Pagkatapos lamang ng higit sa kalahating siglo ay nagsimulang lumitaw ang romantikong diwa ng kanyang mga sinulat, at ang play op. 11 gumanap, halimbawa, sa pamamagitan ng A. Lyubimov tumingin exquisitely romantiko.

Ang pinaka repertoire na gawa ni Schoenberg ay ang Lunar Pierrot vocal cycle (1912) para sa isang mang-aawit at walong instrumento sa lyrics ni A. Giraud. Ang nerbiyos na mataas na kapaligiran - mga simbolistang takot, masayang-maingay na mga tandang - ay isa ring malikhaing deklarasyon ng isang bagong uri ng himig. Ito ay isang kakaibang pagbigkas, isang bagay sa pagitan ng pag-awit at pagbabasa ng tula - ang tawag dito ng kompositor. Ngunit ang bagay ay ang pagbabago ay hindi palaging isang komplikasyon. Isang simple at naiintindihan na solusyon ang natagpuan ng mang-aawit na si Kati Berberian upang maisagawa ang cycle na ito sa Pranses kasama si P. Boulez. Ginawa lang niya ang paraan ng pagbigkas ng simbolistang mga tula ng kabaret (kung saan tradisyonal ang pigura ni Pierrot) na may mga katangiang intonasyon ng pagsasalita ng Pranses, na hindi pinapansin ang "mga marka" ni Schoenberg ng intonasyon sa Aleman. Sa hindi natapos na opera na "Moses at Aaron", na nakasulat na sa pamamaraan ng dodecaphone, ang bahagi ni Aaron ay inaawit ng isang tenor, at si Moses ay isang mambabasa sa pamamaraan. .

Pinangunahan ni Schoenberg ang isang mayamang aktibidad ng pedagogical sa buong buhay niya, at ang kanyang pinakatanyag na mga mag-aaral na sina Alban Berg at Anton Webern ay bumuo ng isang malikhaing trio kasama ang kanilang guro, na tinatawag na "bagong paaralan ng Viennese" (sa pagkakatulad sa kanilang mahusay na tatlong nauna na sina Haydn, Mozart at Beethoven) .

Alban Si Berg (1885-1935) recalls na kapag siya, ang may-akda ng maraming mga kanta, ay dumating sa Schoenberg upang mag-aral, ang master una sa lahat pinilit sa kanya na talikuran ang "paglalaro ng tula", katok out ang mag-aaral romantikong saloobin sa pag-compose ng mga kanta. Ngunit tiyak na ang kahanga-hangang katumpakan sa paghahatid ng salita sa kanyang pinakatanyag na gawain - ang opera na "Wozzeck" - ang nagdala ng katanyagan sa mundo ng Berg, na hindi kumukupas kahit ngayon. Ang kompositor mismo ang sumulat ng libretto batay sa dula ni G. Buchner, na namatay sa edad na 24, isang kontemporaryo ng romantikong Aleman, na inaasahan ang ekspresyonismo ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ang nerbiyos na pananabik sa kwento ng isang mahirap na batman na nabaliw ng kanyang Kapitan at nahuhumaling sa sikolohikal na "mga eksperimento" ng Doktor ay perpektong tumutugma sa emosyonal na kalagayan ng mga taong nakaranas ng takot na masira ang mga romantikong mithiin at nakakaranas ng mga darating na kakila-kilabot ng pagbuo. ng Pambansang Sosyalismo. Ang isang bulgar na tatsulok na pag-ibig - ang pagtataksil ng kasama ni Wozzeck na si Maria kay Tambourmajor - ay nagtatapos sa katotohanang hindi sapat ang pag-iisip, pinatay ng isang nalilitong sundalo ang kanyang minamahal. Laban sa backdrop ng tunay na idyllic na "Pagliacci" ni D. Leoncavallo ng pagtatapos ng romantikong panahon (1892) at ang sikat na ballet ng "Petrushka" ni F. Stravinsky (1911), ang musikal na dramang ito ay naging isang sensasyon ng bagong sining para sa Europa , hindi lamang dahil sa radikal nitong wikang pangmusika. Ang ganitong mundo sa opera ay mas kakila-kilabot kaysa sa karanasan ni Mozart na hindi inilagay ang Count sa pinuno ng opera, ngunit ang lingkod ni Figaro. At ang musika ay talagang nagdulot ng kakila-kilabot sa emosyonal at teknikal na paraan - nang itanghal sa Leningrad noong 1927, higit sa 100 ensayo ang kinakailangan.

Sa isa pang sikat na estudyante ng Schoenberg Anton Webern (1883-1945) ay inihanda para sa isang trahedya na kapalaran sa lahat ng aspeto. Namatay siya sa isang cafe mula sa ligaw na bala mula sa isang sundalong Amerikano pagkatapos ng digmaan, nang hindi alam na malapit na siyang maging mesiyas para sa lahat ng mga avant-garde na artista sa Europa at sa mundo. Ang kanyang sobrang kumplikadong pagkakagawa at napakahusay na pagpipinta ng tunog ay hindi kailanman magiging isang tatak ng musika, bagaman mas inilalagay ito ng mga connoisseurs sa lahat ng nilikha ng paaralang Schoenberg.

Noong uso na para sa mga kilusang pangmusika na magtalaga ng mga pangalan ng mga masining o pampanitikan, ang Webern ay iniuugnay sa musikal pointilism dahil sa kamangha-manghang "punto" ng tunog na tela nito. Ang kanyang pandinig ay kahanga-hanga, ganap, ngunit hindi sa lahat ng philistine na kahulugan ng salita ngayon - narinig niya ang pitch bilang timbre na pintura at tumugon sa sobrang banayad na mga nuances sa lugar na ito. Samakatuwid, dinala niya ang tunog na organisasyon ng tela ng dodecaphone sa limitasyon ng kabuuang pagpapasiya - sa orkestra na texture, isang solong timbre ng instrumento ang itinalaga sa bawat hindi paulit-ulit na 12 tunog. Dapat makinig nang mabuti sa kanyang miniature symphony op. 21, kahit na sa malayo ay hindi na kahawig ng symphonism ni Beethoven, Tchaikovsky o Mahler, upang mapuno ng kagandahan ng kanyang malikhaing kredo.

Si Webern ay isang hindi pangkaraniwang matalinong musikero, na nagsusulat ng isang disertasyon sa gawain ng kompositor ng Renaissance na si G. Isaac (1450-1517), na nagtrabaho sa korte ng sikat na patron ng musikang Italyano na si Lorenzo Medici. Maingat na sinasalamin ang kakaibang musika ng dakilang Fleming sa pamamagitan ng tainga, maingat na inilipat ni Webern ang mga prinsipyo ng kanyang kontrapuntal na pamamaraan sa kanyang tunog na kapaligiran. Ang isa pang pinagmumulan ng kanyang kakaibang istilo ay ang romantikong Brahms - si Webern mismo ay itinuring ang kanyang katangi-tanging tatlong piyesa ng piano na isang paraphrase ng kanyang piano intermezzo. 27, tinatawag na mga pagkakaiba-iba. Para sa hindi nalilinang na tainga, mahirap mahuli ang kanilang koneksyon sa mga pagkakaiba-iba tulad ng sa piraso ng Brahms. Ngunit ang kababalaghan ng katapatan at pagsunod sa romantikismo ay mahigpit na inihayag ng pagkakatulad na ito.

Upang mabuo ang mga nagawa ng bagong paaralan ng Viennese at ang romantikong kakanyahan nito, ito ay nagkakahalaga ng pag-alala sa mapanghamon na pamagat ng artikulo ng kultong kontemporaryong konduktor at kompositor na si Pierre Boulez, "Schoenberg is dead", na hindi isang obituary sa kompositor, ngunit isang pangungusap sa hindi na ginagamit na aesthetics ng kanyang romanticism.