Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Kasama rin sa pinakabagong oras ang araw ng artistikong panahon: avant-garde at realismo. pagka-orihinal ng mga panahong ito ay nakasalalay sa katotohanang hindi sila umuunlad nang sunud-sunod, ngunit ayon sa kasaysayan.

mga pangkat ng sining ng avant-garde n uy ( premodernism, modernism, neomodernism, postmodernism) bumuo ng kahanay sa makatotohanang pangkat (kritikal na realismo ng ika-19 na siglo, sosyalistang realismo, rural na prosa, neorealism, mahiwagang realismo, sikolohikal na realismo, intelektwal na realismo). Sa parallel development na ito ng mga kapanahunan lilitaw pangkalahatang pagpabilis ng kilusan ng kasaysayan.

Isa sa mga pangunahing probisyon ng artistikong konsepto ng avant-garde trend: kaguluhan, kaguluhan "Ang batas ng modernong buhay ng lipunan ng tao. Ang sining ay nagiging chaosology, pag-aaral ng mga batas ng kaguluhan sa mundo.

Ang lahat ng mga uso sa avant-garde ay pinipigilan ang mulat at pinapataas ang walang malay simula kapwa sa malikhain at sa proseso ng pagtanggap. Ang mga lugar na ito ay nagbibigay ng malaking pansin sa sining ng masa at ang mga problema ng pagbuo ng kamalayan ng indibidwal.

Mga tampok na nagbubuklod sa mga avant-garde na paggalaw ng sining: isang bagong pagtingin sa posisyon at layunin ng tao sa sansinukob, ang pagtanggi sa dati nang itinatag na mga tuntunin at pamantayan, mula sa mga tradisyon at

kagalingan ng kamay, mga eksperimento sa larangan ng anyo at istilo, ang paghahanap ng mga bagong masining na paraan at pamamaraan.

Premodernism - ang unang (paunang) panahon ng artistikong pag-unlad ng panahon ng avant-garde; isang pangkat ng mga artistikong uso sa kultura ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na nagbubukas ng isang buong yugto (ang yugto ng mga nawawalang ilusyon) ng pinakabagong artistikong pag-unlad.

Ang naturalismo ay isang artistikong direksyon, ang invariant ng artistikong kuru-kuro na kung saan ay ang assertion ng isang tao ng laman sa materyal-materyal na mundo; ang isang tao, kahit na kinuha lamang bilang isang lubos na organisadong biyolohikal na indibidwal, ay nararapat na bigyang pansin sa bawat pagpapakita; para sa lahat ng mga di-kasakdalan nito, ang mundo ay matatag, at lahat ng mga detalye tungkol dito ay pangkalahatang interes. Sa masining na konsepto ng naturalismo, ang mga pagnanasa at mga posibilidad, ang mga mithiin at katotohanan ay balanse, ang isang tiyak na kasiyahan ng lipunan ay nadarama, ang kasiyahan nito sa posisyon nito at hindi pagpayag na baguhin ang anuman sa mundo.

Sinasabi ng naturalismo na ang buong nakikitang mundo ay bahagi ng kalikasan at maaaring ipaliwanag sa pamamagitan ng mga batas nito, at hindi ng supernatural o paranormal na mga sanhi. Ang naturalismo ay isinilang mula sa absolutisasyon ng realismo at sa ilalim ng impluwensya ng mga teoryang biyolohikal na Darwinian, mga pamamaraang siyentipiko ng pag-aaral sa lipunan at ang mga deterministikong ideya ni Taine at iba pang mga positivista.

Impresyonismo - artistikong direksyon (ikalawang kalahati ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo), ang invariant ng artistikong konsepto na kung saan ay ang paggigiit ng isang pino, liriko tumutugon, impressionable personalidad, hinahangaan ang kagandahan ng mundo. Ang impresyonismo ay nagbukas ng isang bagong uri ng pang-unawa sa katotohanan. Hindi tulad ng realismo, na nakatuon sa paghahatid ng tipikal, ang impresyonismo ay nakatuon sa espesyal, indibidwal at kanilang pansariling pananaw ng artist.

Ang impresyonismo ay isang mastery ng kulay, chiaroscuro, ang kakayahang ihatid ang pagkakaiba-iba, multi-color na buhay, ang kagalakan ng pagiging, upang makuha ang panandaliang sandali ng pag-iilaw at ang pangkalahatang kalagayan ng nakapaligid na nagbabagong mundo, upang maihatid ang bukas na hangin - ang dula ng liwanag at mga anino sa paligid ng isang tao at mga bagay, ang kapaligiran ng hangin, natural na liwanag, na nagbibigay ng aesthetic na anyo sa bagay na inilalarawan.

Ang impresyonismo ay nagpakita ng sarili sa pagpipinta (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) at sa musika (C. Debussy at M Ravel, A. Scriabin), at sa panitikan (bahaging G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellermann, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eclecticism- isang artistikong direksyon (na ipinakita ang sarili nito pangunahin sa arkitektura), na nagsasangkot, kapag lumilikha ng mga gawa, anumang kumbinasyon ng anumang anyo ng nakaraan, anumang pambansang tradisyon, tahasang dekorasyon, pagpapalitan at pagkakapantay-pantay ng mga elemento sa isang akda, paglabag sa hierarchy sa masining na sistema at nagpapahina sa sistema at integridad.

Ang eclecticism ay nailalarawan sa pamamagitan ng: 1) isang labis na kasaganaan ng mga dekorasyon; 2) pantay na kahalagahan ng iba't ibang elemento, lahat ng mga anyo ng estilo; 3) pagkawala ng pagkakaiba sa pagitan ng isang napakalaking at natatanging gusali sa isang urban ensemble o isang gawa ng panitikan at iba pang mga gawa ng prosesong pampanitikan; 4) kakulangan ng pagkakaisa: ang facade ay humiwalay sa katawan ng gusali, ang detalye - mula sa kabuuan, ang estilo ng harapan - mula sa estilo ng interior, ang mga estilo ng iba't ibang mga puwang ng interior - mula sa bawat isa ; 5) opsyonal na symmetrical-axial na komposisyon (pag-alis mula sa panuntunan ng isang kakaibang bilang ng mga bintana sa façade), pagkakapareho ng façade; 6) ang prinsipyo ng "non-finito" (hindi pagkumpleto ng trabaho, pagiging bukas ng komposisyon); 7) pagpapalakas

asosasyong pag-iisip ng may-akda (artista, pagsulat la, arkitekto) at manonood; 8) paglaya mula sa sinaunang tradisyon at pag-asa sa mga kultura ng iba't ibang panahon at iba't ibang mga tao; pananabik para sa kakaiba; 9) multi-style; 10) unregulated personality (hindi tulad ng classicism), subjectivism, libreng pagpapakita ng mga personal na elemento; 11) demokratismo: ang hilig na lumikha ng isang unibersal, hindi uri ng uri ng pabahay sa lunsod.

Functionally, ang eclecticism sa panitikan, arkitektura at iba pang sining ay naglalayong maglingkod sa "third estate". Ang pangunahing gusali ng Baroque ay isang simbahan o isang palasyo, ang pangunahing gusali ng klasisismo ay isang gusali ng estado, ang pangunahing gusali ng eclecticism ay isang gusali ng apartment ("para sa lahat"). Ang eclectic decorativism ay isang market factor na lumitaw upang makaakit ng malawak na kliyente sa isang apartment building kung saan inuupahan ang mga apartment. Pinakinabangang bahay - isang mass na uri ng pabahay.

Modernismo- isang artistikong panahon na pinag-iisa ang mga masining na kilusan na ang masining na konsepto ay sumasalamin sa pagbilis ng kasaysayan at ang pagtaas ng presyon nito sa isang tao (symbolism, rayonism, fauvism, primitivism, cubism, acmeism, futurism); ang panahon ng pinaka kumpletong sagisag ng avant-garde. Sa panahon ng modernismo, mabilis na naganap ang pag-unlad at pagbabago ng mga artistikong uso.

Ang mga modernong artistikong uso ay binuo sa pamamagitan ng pag-deconstruct ng typological na istraktura ng isang klasikal na gawain - ang ilan sa mga elemento nito ay nagiging mga bagay ng masining na mga eksperimento. Sa klasikal na sining, balanse ang mga elementong ito. Sinisira ng modernismo ang balanseng ito sa pamamagitan ng pagpapalakas ng ilang elemento at pagpapahina sa iba.

Simbolismo- ang masining na direksyon ng panahon ng modernismo, na nagpapatunay sa masining na konsepto: ang pangarap ng makata ay kabayanihan at isang magandang babae. Mga pangarap ng

kabayanihan, pagsamba sa isang magandang babae punan tula simbolismo.

Bumangon ang simbolismo sa France. Ang kanyang mga amo ay sina Baudelaire, Mallarmé, Verlaine at Rimbaud.

Ang Acmeism ay isang artistikong direksyon ng panitikang Ruso noong unang bahagi ng ika-20 siglo, na lumitaw sa "Panahon ng Pilak", higit sa lahat ay umiral sa tula at inaangkin: ang makata- isang mangkukulam at mapagmataas na pinuno ng mundo, na nagbubunyag ng mga misteryo nito at nagtagumpay sa kaguluhan nito.

Ang acmeism ay kabilang: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich at iba pang Futurism- ang masining na direksyon ng panahon ng modernismo, na iginigiit ang isang agresibong militanteng personalidad sa urbanly organized na kaguluhan ng mundo.

Pagtukoy sa masining kadahilanan ng futurism - dinamika. Ipinatupad ng mga Futurista ang prinsipyo ng walang limitasyong eksperimento at nakamit ang mga makabagong solusyon sa panitikan, pagpipinta, musika, at teatro.

Primitivism- isang artistikong direksyon na nagpapasimple sa tao at sa mundo, nagsusumikap na makita ang mundo sa pamamagitan ng mga mata ng mga bata, masaya at simple, sa labas ng "pang-adulto» kahirapan. Ang pagnanais na ito ay nagdudulot ng mga kalakasan at kahinaan ng primitivism.

Ang primitivism ay isang atavistic nostalgia para sa nakaraan, na nananabik para sa isang pre-sibilisadong paraan ng pamumuhay.

Ang Primitivism ay naglalayong makuha ang mga pangunahing balangkas ng isang kumplikadong mundo, na naghahanap ng masaya at naiintindihan na mga kulay at linya sa loob nito. Ang primitivism ay isang kontraaksyon sa katotohanan: ang mundo ay nagiging mas kumplikado, at pinasimple ito ng artist. Gayunpaman, pinasimple ng artist ang mundo upang makayanan ang pagiging kumplikado nito.

Kubismo - isang geometrized na iba't-ibang primitivism na pinapasimple ang katotohanan, na nakikita ito ng parang bata o "mabangis" na mga mata.

ang dating katangian ng primitivization: ang pananaw ng mundo sa pamamagitan ng mga anyo ng geometrically regular figure.

Ang kubismo sa pagpipinta at eskultura ay binuo ng mga artistang Italyano na D. Severini, U. Boccione, K. Kappa; Aleman - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Mexican Diego Rivera, Argentine E. Pettoruti, atbp.

Sa cubism, ang mga pagtatayo ng arkitektura ay nararamdaman; ang masa ay mekanikal na nagsasama sa isa't isa, at ang bawat masa ay nagpapanatili ng kalayaan nito. Ang Cubism ay nagbukas ng panimulang bagong direksyon sa matalinghagang sining. Ang mga kondisyong gawa ng Cubism (Braque, Gris, Picasso, Léger) ay nagpapanatili ng kanilang koneksyon sa modelo. Ang mga larawan ay tumutugma sa mga orihinal at nakikilala (isang Amerikanong kritiko sa isang Parisian cafe ay nakilala ang isang lalaking kilala niya lamang mula sa isang larawan ni Picasso, na binubuo ng mga geometric na figure).

Ang mga Cubists ay hindi naglalarawan ng katotohanan, ngunit lumikha ng isang "iba't ibang katotohanan" at hindi naghahatid ng hitsura ng isang bagay, ngunit ang disenyo nito, arkitekto, istraktura, kakanyahan. Hindi sila gumagawa ng isang "narrative fact", ngunit biswal na isinasama ang kanilang kaalaman sa itinatanghal na paksa.

abstractismo- ang artistikong direksyon ng sining noong ika-20 siglo, ang masining na konsepto na nagpapatunay sa pangangailangan ng indibidwal na makatakas mula sa karaniwan at hindi maling katotohanan.

Ang mga gawa ng abstract na sining ay hiwalay sa mga anyo ng buhay mismo at naglalaman ng mga subjective na impression ng kulay at mga pantasya ng artist.

Mayroong dalawang agos sa abstractionism. Unang agos liriko-emosyonal, sikolohikal na abstractionism - isang symphony ng mga kulay, pagkakatugma ng walang hugis na mga kumbinasyon ng kulay. Ang trend na ito ay ipinanganak mula sa impresyonistikong pagkakaiba-iba ng mga impression tungkol sa mundo, na nakapaloob sa mga canvases ni Henri Matisse.

Ang lumikha ng unang gawain ng psychological abstractionism ay si V. Kandinsky, na nagpinta ng pagpipinta na "Mountain".

Ang pangalawang agos Ang geometriko (lohikal, intelektuwal) abstractionism ("neoplasticism") ay hindi matalinghagang kubismo. Malaki ang naging papel ni P. Cezanne at ng mga Cubists sa pagsilang ng trend na ito, na lumilikha ng bagong uri ng artistikong espasyo sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng iba't ibang geometric na hugis, kulay na eroplano, tuwid at putol na mga linya.

Suprematismo(ang may-akda ng termino at ang kaukulang artistikong phenomenon na Kazimir Malevich) - para sa abstractionism, pagpapatalas at pagpapalalim ng mga tampok nito. Binuksan ni Malevich ang trend na "Suprematism" noong 1913 sa pagpipinta na "Black Square". Nang maglaon, binuo ni Malevich ang kanyang aesthetic na mga prinsipyo: ang sining ay nagtatagal dahil sa walang hanggang halaga nito; purong plastic sensibility - "ang dignidad ng mga gawa ng sining." Iginiit ng mga aesthetics at poetics ng Suprematism ang unibersal (Suprematist) na mga pormula at komposisyon na may larawan - perpektong mga konstruksyon ng mga geometrical na regular na elemento.

Ang Rayonism ay isa sa mga malapit na abstractionist na uso na nagpapatunay sa kahirapan at kagalakan ng pag-iral ng tao at ang kawalan ng katiyakan ng mundo, kung saan ang lahat ng mga bagay na iluminado ng iba't ibang mga pinagmumulan ng liwanag ay nagiging dissected ng mga sinag ng liwanag na ito at nawawala ang kanilang malinaw na talinghaga. .

Nagmula ang Luchism sa 1908 - 1910 gg. sa gawain ng mga artistang Ruso na si Mikhail Larionov at ang kanyang asawang si Natalia Goncharova.

Sa panahon neomodernism, lahat ng avant-garde art movements ay nagmula mula sa tulad ng isang pag-unawa sa katotohanan: ang isang tao ay hindi makatiis sa presyon ng mundo at nagiging isang neo-tao. Sa panahong ito, ang pag-unlad

May mga avant-garde na paggalaw ng sining na nagpapatunay ng walang saya, pesimistikong artistikong mga konsepto ng mundo at personalidad. Sa kanila Dadaismo, constructivism, surrealism, existentialism, neo-abstractionism, atbp.

Ang Dadaismo ay isang masining na kilusan na nagpapatunay ng isang masining na konsepto; mundo- walang katuturang kabaliwan, binabago ang katwiran at pananampalataya.

Ang mga prinsipyo ng Dadaismo ay; masira ang mga tradisyon ng kultura ng mundo, kabilang ang mga tradisyon ng wika; pagtakas mula sa kultura at katotohanan, ang ideya ng mundo bilang isang kaguluhan ng kabaliwan, kung saan itinapon ang isang walang pagtatanggol na tao; pesimismo, kawalan ng paniniwala, pagtanggi sa mga halaga, isang pakiramdam ng pangkalahatang pagkawala at kawalan ng kahulugan ng pagkatao, ang pagkasira ng mga mithiin at ang layunin ng buhay. Ang Dadaismo ay isang pagpapahayag ng krisis ng mga klasikal na halaga ng kultura, ang paghahanap para sa isang bagong wika at mga bagong halaga.

Ang surrealism ay isang kilusang sining na nakatuon sa isang nalilitong tao sa isang misteryoso at hindi kilalang mundo. Ang konsepto ng personalidad sa surrealismo ay maaaring ibuod sa pormula ng agnostisismo: “Ako ay isang tao, ngunit ang mga hangganan ng aking pagkatao at ng mundo ay lumabo. Hindi ko alam kung saan nagsisimula ang "Ako" ko at kung saan ito nagtatapos, nasaan ang mundo at ano ito?

Ang surrealismo bilang isang artistikong direksyon ay binuo nina: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Quenot, Jacques Prevert.

Ang surrealismo ay lumitaw sa batayan ng Dadaismo, sa una bilang isang uso sa panitikan, na kalaunan ay natagpuan ang pagpapahayag nito sa pagpipinta, pati na rin sa sinehan, teatro at bahagyang sa musika.

Para sa surrealismo, ang tao at ang mundo, ang espasyo at oras ay tuluy-tuloy at kamag-anak. Nawawalan sila ng kanilang mga hangganan. Ang Aesthetic relativism ay ipinahayag: lahat ay dumadaloy, lahat ay nangyayari

parang pinaghalo-halo, lumalabo; walang tiyak. Pinagtitibay ng surrealismo ang relativity ng mundo at kanyang mga halaga. Walang mga hangganan sa pagitan ng kaligayahan at kalungkutan, indibidwal at lipunan. Ang gulo ng mundo nagdudulot ng kaguluhan sa masining na pag-iisip- ito ang prinsipyo ng aesthetics ng surrealism.

Ang masining na konsepto ng surrealism ay nagpapatunay sa misteryo at hindi nalalaman ng mundo, kung saan nawawala ang panahon at kasaysayan, at ang isang tao ay nabubuhay sa subconscious at walang magawa sa harap ng mga paghihirap.

Expressionism- isang artistikong direksyon na nagsasaad ng: alienated, ang isang tao ay nabubuhay sa isang pagalit na mundo. Bilang bayani ng panahong iyon, ang ekspresyonismo ay naglagay ng isang hindi mapakali, nalulula sa mga emosyong personalidad, [hindi makapagdala ng pagkakaisa sa isang mundong napunit ng mga hilig. -

Ang ekspresyonismo bilang isang artistikong direksyon ay lumitaw sa batayan ng mga relasyon sa iba't ibang mga lugar ng aktibidad na pang-agham: sa psychoanalysis ni Freud, phenomenology ni Husserl, neo-Kantian epistemology, ang pilosopiya ng Vienna Circle at Gestalt psychology.

Ang ekspresyonismo ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang uri ng sining: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - sa pagpipinta; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - sa panitikan; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - sa musika.

Expressionism sa batayan ng kultura ng XX siglo. binubuhay ang romantikismo. ekspresyonismo likas na takot sa mundo at kontradiksyon sa pagitan ng panlabas na dinamismo at ang ideya ng hindi nababagong kakanyahan ng mundo (kawalan ng paniniwala sa posibilidad ng pagpapabuti nito). Ayon sa masining mga konsepto ng expressionism, ang mga mahahalagang pwersa ng personalidad ay hiwalay sa pagsalungat tao at masasamang pampublikong institusyon: lahat ay walang silbi. Ek Ang expressionism ay isang pagpapahayag ng sakit ng isang humanist artist,

dulot sa kanya ng di-kasakdalan ng mundo. Expressionist na konsepto ng personalidad: tao- isang emosyonal, "natural" na nilalang, dayuhan sa industriyal at makatwiran, urban na mundo kung saan siya ay pinilit na manirahan.

Constructivism- artistikong direksyon (20s ng XX siglo), ang konseptong invariant kung saan ay ang ideya- ang pagkakaroon ng tao ay nagaganap sa isang kapaligiran ng mga pwersang pang-industriya na hiwalay sa kanya; at ang bayani ng panahon- rasyonalista ng lipunang industriyal.

Ang neo-positivist na mga prinsipyo ng cubism, na ipinanganak sa pagpipinta, ay pinalawak sa isang binagong anyo sa panitikan at iba pang mga sining at pinagsama sa isang bagong direksyon, na nakikipag-ugnay sa mga ideya ng technicism, constructivism. Itinuring ng huli ang mga produkto ng industriya bilang independyente, hiwalay sa indibidwal at sumasalungat sa kanyang mga halaga. Ang constructivism ay lumitaw sa bukang-liwayway ng siyentipiko at teknolohikal na rebolusyon at ginawang ideyal ang mga ideya ng technismo; pinahahalagahan niya ang mga makina at ang kanilang mga produkto kaysa sa indibidwal. Kahit na sa pinaka-talented at humanistic na mga gawa ng constructivism, ang alienating salik ng teknolohikal na pag-unlad ay kinuha para sa ipinagkaloob. Ang konstruktibismo ay puno ng kalunos-lunos na pag-unlad ng industriya, kapakinabangan ng ekonomiya; ito ay teknokratiko.

Ang aesthetics ng constructivism ay nabuo sa pagitan ng mga sukdulan (kung minsan ay nahuhulog sa isa sa mga ito) - utilitarianism, na nangangailangan ng pagkasira ng aesthetics, at aestheticism. Sa pinong sining at sa arkitektura, ang mga malikhaing prinsipyo ng constructivism ay mas malapit hangga't maaari sa engineering at kasama ang: matematikal na pagkalkula, laconism ng artistikong paraan, schematism ng komposisyon, logicization.

Sa panitikan, nabuo ang constructivism bilang isang artistikong direksyon (1923 - 1930) sa gawain ng grupo.

LCC (Constructivist Literary Center): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (group theorist) at iba pa. Naimpluwensyahan din ng Constructivism ang teatro (ang direktoryo na gawain ni Vsevolod Meyerhold, na bumuo ng mga prinsipyo ng biomechanics, theatrical engineering at nagpakilala ng mga elemento ng isang circus spectacle sa aksyon sa entablado. Ang mga ideya ng constructivism ay yumakap sa iba't ibang uri ng sining, ngunit nagkaroon ng pinakamalaking impluwensya sa arkitektura Lalo na naapektuhan nito ang gawain ng Le Corbusier, I. Leonidov, VA Shchuko at VG Gelfreich.

Eksistensyalismo- ang konsepto ng pagkakaroon ng tao, ang kanyang lugar at papel sa mundong ito, relasyon sa Diyos. Ang kakanyahan ng eksistensyalismo- ang primacy ng pag-iral kaysa sa kakanyahan (ang tao mismo ang bumubuo ng kanyang pag-iral at, pagpili kung ano ang gagawin at kung ano ang hindi dapat gawin, dinadala ang kakanyahan sa pagkakaroon). Ang eksistensyalismo ay nagpapatunay ng isang malungkot na makasarili na may halaga sa sarili sa mundo ng walang katotohanan. Para sa existentialism, ang indibidwal ay higit sa kasaysayan.

Sa masining na konsepto nito, ang eksistensyalismo (J.P. Sartre, A. Camus) ay nag-aangkin na ang mismong mga pundasyon ng pag-iral ng tao ay walang katotohanan, kung dahil lamang sa tao ay mortal; ang kwento ay mula sa masama tungo sa masama at pabalik sa masama muli. Walang pataas na paggalaw, mayroon lamang ardilya gulong kasaysayan kung saan ang buhay ng sangkatauhan ay umiikot nang walang katuturan.

Ang pangunahing kalungkutan, na pinagtibay ng masining na konsepto ng eksistensyalismo, ay may kabaligtaran na lohikal na kahihinatnan: ang buhay ay hindi walang katotohanan kung saan ang isang tao ay nagpapatuloy sa kanyang sarili sa sangkatauhan. Ngunit kung ang isang tao ay isang mapag-isa, kung siya lamang ang halaga sa mundo, kung gayon siya ay mababa ang halaga sa lipunan, wala siyang hinaharap, at pagkatapos ay ang kamatayan ay ganap. Ito ay tumatawid sa isang tao, at ang buhay ay nagiging walang kabuluhan.

Neo-abstractionism(second wave abstractionism) - spontaneous-impulsive self-expression; isang pangunahing pagtanggi sa pagiging makasagisag, ng paglalarawan ng katotohanan, sa pangalan ng purong pagpapahayag; batis ng kamalayan na nakuhanan ng kulay.

Ang neo-abstractionism ay nilikha ng isang bagong henerasyon ng mga abstract artist: J. Paul Lak, De Kuhn at Yig, A. Manisirer at iba pa. Pinagkadalubhasaan nila ang surreal technique at ang mga prinsipyo ng "mental automatism". Binibigyang-diin ni Paul Lak sa malikhaing gawa hindi ang gawain, ngunit ang mismong proseso ng paglikha nito. Ang prosesong ito ay nagiging isang wakas sa sarili nito at dito nabuo ang mga pinagmulan ng "pagpipinta-aksyon".

Ang mga prinsipyo ng neo-abstractionism ay pinatunayan ni M. Brion, G. Reid, Sh.-P. Brew, M. Raton. Ang Italian theorist na si D. Severini ay hinimok na kalimutan ang katotohanan, dahil hindi ito nakakaapekto sa plastic expression. Isa pang theorist, M. Zefor, isinasaalang-alang ang merito ng abstract painting na ito ay hindi nagdadala ng anumang bagay mula sa normal na kapaligiran ng buhay ng tao. Inalis ng potograpiya ang pagiging makasagisag ng pagpipinta, na iniwan lamang ang huli na nagpapahayag na mga posibilidad para sa pagbubunyag ng subjective na mundo ng artist.

Ang mahinang link sa teorya ng abstractionism at neo-abstractionism ay ang kawalan ng malinaw na pamantayan ng halaga para sa pagkilala sa pagkamalikhain mula sa haka-haka, kaseryosohan mula sa isang biro, talento mula sa karaniwan, kasanayan mula sa panlilinlang.

Ang mga masining na solusyon ng abstractionism at neo-abstractionism (harmonization ng kulay at anyo, paglikha ng "balanse" ng mga eroplano na may iba't ibang laki dahil sa tindi ng kanilang kulay) ay ginagamit sa arkitektura, disenyo, dekorasyon ng sining, teatro, sinehan, at telebisyon.

Postmodernismo bilang isang artistikong panahon ay may dalang artistikong paradigm na nagsasabing iyon hindi makayanan ng isang tao ang presyon ng mundo at nagiging posthuman. Lahat ng artistikong direksyon nito

panahon natatakpan ng paradigm na ito, na nagpapakita at nagre-refract nito sa pamamagitan ng kanilang mga invariant na konsepto ng mundo at personalidad: pop art, sonopucmuka, aleatorics, musical pointillism, hyperrealism, happenings, atbp.

Pop Art- bagong makasagisag na sining. Ang pop art ay sumalungat sa abstractionist na pagtanggi sa realidad na may magaspang na mundo ng mga materyal na bagay, kung saan ang isang artistikong at aesthetic na katayuan ay iniuugnay.

Nagtatalo ang mga teorista ng pop art na sa isang tiyak na konteksto, ang bawat bagay ay nawawala ang orihinal na kahulugan nito at nagiging isang gawa ng sining. Samakatuwid, ang gawain ng artista ay nauunawaan hindi bilang paglikha ng isang masining na bagay, ngunit bilang pagbibigay ng mga artistikong katangian sa isang ordinaryong bagay sa pamamagitan ng pag-aayos ng isang tiyak na konteksto para sa pang-unawa nito. Ang aestheticization ng materyal na mundo ay nagiging prinsipyo ng pop art. Nagsusumikap ang mga artista na makamit ang pagiging catchy, visibility, at intelligibility ng kanilang mga nilikha, gamit ang poetics ng mga label at advertising para dito. Ang pop art ay isang komposisyon ng mga pang-araw-araw na bagay, kung minsan ay pinagsama sa isang modelo o iskultura.

Mga gusot na sasakyan, kupas na litrato, mga scrap ng diyaryo at poster na nakadikit sa mga kahon, isang pinalamanan na manok sa ilalim ng garapon na salamin, isang punit-punit na sapatos na pininturahan ng puting pintura ng langis, mga de-koryenteng motor, mga lumang gulong o gas stoves - ito ang mga art exhibit ng pop art.

Kabilang sa mga artista ng pop art ay maaaring makilala: E. Warhol, D, Chamberlain, J. Dine at iba pa.

Ang pop art bilang direksyon ng sining ay may ilang uri (mga uso): op art (artistic organisadong optical effect, geometrized na kumbinasyon ng mga linya at spot), env-apm(mga komposisyon, masining na organisasyon ng kapaligirang nakapalibot sa manonood), email(mga bagay na gumagalaw sa tulong ng mga de-kuryenteng motor

at mga konstruksyon, ang trend ng pop art na ito ay namumukod-tangi bilang isang independiyenteng artistikong direksyon - kinetism).

Iniharap ng pop art ang konsepto ng pagkakakilanlan ng mamimili ng "mass consumption" na lipunan. Ang perpektong personalidad ng pop art ay isang tao na mamimili, kung saan dapat palitan ng aestheticized still lifes ng mga commodity compositions ang espirituwal na kultura. Ang mga salita ay pinalitan ng mga kalakal, ang panitikan ay pinalitan ng mga bagay, ang kagandahan ay napalitan ng pagiging kapaki-pakinabang, ang kasakiman sa materyal, ang pagkonsumo ng kalakal, ang pagpapalit ng mga espirituwal na pangangailangan, ay katangian ng pop art. Ang direksyong ito ay pangunahing nakatuon sa isang masa, hindi malikhaing personalidad, na pinagkaitan ng independiyenteng pag-iisip at paghiram ng "kanilang" mga kaisipan mula sa advertising at mass media, isang personalidad na manipulahin ng telebisyon at iba pang media. Ang personalidad na ito ay na-program sa pamamagitan ng pop art upang gampanan ang mga ibinigay na tungkulin ng nakakuha at mamimili, na masunurin na winasak ang nakahiwalay na impluwensya ng modernong sibilisasyon. Pop Art Personality - Mass Culture Zombie.

Ang hyperrealism ay isang artistikong kilusan na ang artistikong konsepto ay invariant: isang depersonalized na sistema ng pamumuhay sa isang malupit at magaspang na mundo.

Hyperrealism - lumilikha ng mga kaakit-akit na supernaturalistic na mga gawa na naghahatid ng pinakamaliit na detalye ng itinatanghal na bagay. Ang mga plot ng hyperrealism ay sadyang banal, ang mga imahe ay mariin na "layunin". Ibinabalik ng direksyong ito ang mga artista sa karaniwang mga anyo at paraan ng pinong sining, lalo na sa painting canvas, na tinanggihan ng pop art. Ang hyperrealism ay ginagawa ang patay, gawa ng tao, "pangalawang" kalikasan ng kapaligiran sa lunsod na mga pangunahing tema ng mga pintura nito: mga istasyon ng gasolina, mga kotse, mga bintana ng tindahan, mga gusali ng tirahan, mga booth ng telepono, na ipinakita bilang hiwalay sa mga tao.

Ang hyperrealism ay nagpapakita ng mga kahihinatnan ng labis na urbanisasyon, ang pagkasira ng ekolohiya ng kapaligiran, ay nagpapatunay na ang metropolis ay lumilikha ng isang hindi makatao na kapaligiran. Ang pangunahing tema ng hyperrealism ay ang impersonal na mekanisadong buhay ng modernong lungsod.

Ang teoretikal na batayan ng hyperrealism ay ang mga ideyang pilosopikal ng paaralan ng Frankfurt, na nagpapatunay ng pangangailangang lumayo sa mga ideologized na anyo ng matalinghagang pag-iisip.

Mga likhang sining photorealism ay batay sa isang napakalaking larawan at kadalasang kinikilala sa hyperrealism. Gayunpaman, kapwa sa mga tuntunin ng teknolohiya ng paglikha ng isang imahe at, pinaka-mahalaga, sa mga tuntunin ng invariant ng artistikong konsepto ng mundo at personalidad, ang mga ito ay, kahit na malapit, ngunit iba't ibang mga artistikong direksyon. Ginaya ng mga hyperrealist ang mga larawan na may mga larawang paraan sa canvas, ginagaya ng mga photorealist ang mga pagpipinta sa pamamagitan ng pagproseso (na may mga pintura, collage) ng mga larawan.

Pinagtitibay ng Photorealism ang priyoridad ng dokumentaryo at artistikong konsepto: isang maaasahan, ordinaryong tao sa isang maaasahan, ordinaryong mundo.

Ang layunin ng photorealism ay ang imahe ng modernong pang-araw-araw na buhay. Ang mga kalye, mga dumadaan, mga bintana ng tindahan, mga kotse, mga ilaw ng trapiko, mga bahay, mga gamit sa bahay ay muling ginawa sa mga gawa ng photorealism sa tunay, layunin at sobrang katulad.

Ang mga pangunahing tampok ng photorealism: 1) figurativeness, pagsalungat sa mga tradisyon ng abstractionism; 2) atraksyon sa balangkas; 3) ang pagnanais na maiwasan ang "makatotohanang mga clichés" at dokumentaryo; 4) pag-asa sa mga artistikong tagumpay ng teknolohiyang photographic.

Sonoristics- direksyon sa musika: ang paglalaro ng mga timbre, na nagpapahayag ng "Ako" ng may-akda. Para sa mga kinatawan nito, hindi ang pitch ang mahalaga, kundi ang timbre. Naghahanap sila ng bago musikal kulay, hindi kinaugalian na tunog: tumutugtog sila sa isang tungkod, sa

saw, chopsticks sa mga string ng piano, sampal sa deck, sa remote control, ang tunog ay nalilikha sa pamamagitan ng pagpupunas ng bibig gamit ang panyo.

Sa purong tunog na musika, ang melody, harmony at ritmo ay hindi gumaganap ng isang espesyal na papel, tanging timbre sounding ang mahalaga. Ang pangangailangang ayusin ito ay nagbigay-buhay sa mga espesyal na graphic na anyo ng pagtatala ng timbre sa anyo ng manipis, bold, kulot, hugis-kono na mga linya. Minsan ipinapahiwatig din ang hanay kung saan kailangang maglaro ang tagapalabas.

Ang nagtatag ng sonora music ay ang Polish na kompositor na si K. Penderecki, at ang kanyang inisyatiba ay ipinagpatuloy ni K. Serocki, S. Bussotti at iba pa.

Musical pointillism- direksyon sa harap na paningin * isang tampok na kung saan ay ang pagkalagot ng musikal na tela, ang pagpapakalat nito sa mga rehistro, ang pagiging kumplikado ng ritmo at mga lagda ng oras, ang kasaganaan ng mga paghinto.

Ang musical pointillism ay tumangging lumikha ng isang naiintindihan na artistikong realidad (mula sa isang realidad na mauunawaan batay sa mundong musikal at artistikong tradisyon at gamit ang mga tradisyunal na musikal na semiotic code). Ang pointillism ay nakatuon sa indibidwal patungo sa paglipat sa mundo ng kanyang kaluluwa at pinagtitibay ang pagkapira-piraso ng nakapaligid na mundo.

Aleatorica- masining na direksyon ng panitikan at musika, batay sa pilosopikal na paniwala na ang pagkakataon ay naghahari sa buhay, at nagpapatibay sa masining na konsepto: tao- manlalaro sa mundo ng mga random na sitwasyon.

Mga kinatawan ng aleatorics: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky at iba pa. Ang pagkakataon ay pumapasok sa mga akdang pampanitikan o musikal nang mekanikal: sa pamamagitan ng paghagis ng mga chips (dice), paglalaro ng chess, pag-shuffling ng mga pahina o iba't ibang mga fragment, at gayundin sa pamamagitan ng

improvisasyon: ang musikal na teksto ay nakasulat sa "mga tanda-simbulo" at pagkatapos ay malayang binibigyang kahulugan.

nangyayari- isa ito sa mga uri ng makabagong kulturang masining sa Kanluran. Si A. Keprou ang may-akda ng mga unang produksyon ng nangyayaring "Courtyard", "Creations". Ang mga nagaganap na pagtatanghal ay kinabibilangan ng mga mahiwaga, kung minsan ay hindi makatwiran na mga aksyon ng mga gumaganap at nailalarawan sa pamamagitan ng isang kasaganaan ng mga props na ginawa mula sa mga bagay na ginagamit at kahit na kinuha mula sa isang landfill. Ang mga naganap na kalahok ay nagsusuot ng maliwanag, labis na katawa-tawa na mga kasuutan, na binibigyang diin ang kawalan ng buhay ng mga gumaganap, ang kanilang pagkakahawig sa mga kahon o mga balde. Ang ilang mga pagtatanghal ay binubuo, halimbawa, ng masakit na paglabas mula sa ilalim ng tarpaulin. Kasabay nito, ang indibidwal na pag-uugali ng mga aktor ay improvisational. Minsan ang mga aktor ay bumaling sa madla na may kahilingan na tulungan sila. Ang pagsasama na ito ng manonood sa aksyon ay tumutugma sa diwa ng nangyayari.

Ang konsepto ng mundo at personalidad na inihain ng mga nangyayari ay maaaring bumalangkas tulad ng sumusunod: ang mundo- isang kadena ng mga random na kaganapan, ang isang tao ay dapat subjectively pakiramdam kumpletong kalayaan, ngunit sa katunayan sundin ang isang solong aksyon, ay manipulahin.

Ang nangyayari ay gumagamit ng magaan na pagpipinta: ang liwanag ay patuloy na nagbabago ng kulay at lakas, ay direktang nakadirekta sa aktor o kumikinang sa mga screen na gawa sa iba't ibang mga materyales. Kadalasan ito ay sinasamahan ng mga sound effect (mga boses ng tao, musika, kilig, kaluskos, paggiling). Ang tunog ay minsan napakalakas, hindi inaasahan, na idinisenyo para sa isang shock effect. Kasama sa pagtatanghal ang mga transparency at mga frame ng pelikula. Gumagamit din si Laura ng mga mabangong sangkap. Ang tagapalabas ay tumatanggap ng isang gawain mula sa direktor, ngunit ang tagal ng mga aksyon ng mga kalahok ay hindi natukoy. Lahat ay maaaring umalis sa laro kung kailan nila gusto.

Ang nangyayari ay nakaayos sa iba't ibang lugar: sa mga paradahan, sa mga patyo na napapalibutan ng matataas na gusali, sa ilalim ng lupa. ramparts, attics. Ang nangyayaring espasyo, ayon sa mga prinsipyo ng pagkilos na ito, ay hindi dapat limitahan ang imahinasyon ng artist at ng manonood.

Ang nangyayaring teorista na si M. Kerby ay tumutukoy sa ganitong uri ng panoorin sa larangan ng teatro, bagama't binanggit niya na ang nangyayari ay naiiba sa teatro sa kawalan ng tradisyunal na istruktura ng pagtatanghal: balangkas, mga tauhan at tunggalian. Iniuugnay ng ibang mga mananaliksik ang kalikasan ng nangyayari sa pagpipinta at iskultura, at hindi sa teatro.

Sa mga pinagmulan nito, ang nangyayari ay bumalik sa masining na paghahanap noong unang bahagi ng ika-20 siglo, sa mga pagtatangka ng ilang pintor at eskultor na ilipat ang pokus mula sa isang pagpipinta o iskultura patungo sa mismong proseso ng kanilang paglikha. Sa madaling salita, ang nangyayari ay tumatagal din nito. pinanggalingan sa "pagpipinta ng aksyon": sa J. Pollock, sa "slashing" stroke ni De Kooning, sa naka-costume na pictorial na pagtatanghal ni J. Mathieu.

sining na nakakasira sa sarili- isa ito sa mga kakaibang phenomena ng postmodernism. Mga painting na pininturahan ng pintura na kumukupas sa harap ng madla. Ang aklat na "Wala", inilathala sa USA noong 1975 at muling inilimbag sa England. Mayroon itong 192 na pahina, at wala sa kanila ang may iisang linya. Sinasabi ng may-akda na ipinahayag niya ang kaisipan: Wala akong sasabihin sa iyo. Ang lahat ng ito ay mga halimbawa ng sining na mapanira sa sarili. Mayroon din itong ekspresyon sa musika: ang pagganap ng isang piyesa sa isang gumuguhong piano o sa isang nabubulok na biyolin, at iba pa.

Konseptwalismo- ito ay isang artistikong kalakaran sa Kanluraning sining, na sa artistikong konsepto nito ay nagpapatunay sa isang tao na hiwalay sa direktang (kaagad) na kahulugan ng kultura at napapaligiran ng mga aestheticized na produkto ng intelektwal na aktibidad.

Ang mga gawa ng konseptwalismo ay hindi mahuhulaan na naiiba sa kanilang texture at hitsura: mga larawan, mga kopya mula sa mga teksto, telegrama, mga reproduksyon, mga graphic, mga haligi ng mga numero, mga scheme. Ang konsepto ng konsepto ay hindi gumagamit ng intelektwal na produkto ng aktibidad ng tao para sa nilalayon nitong layunin: hindi dapat basahin at bigyang-kahulugan ng tatanggap ang kahulugan ng teksto, ngunit malasahan ito bilang isang purong aesthetic na produkto, na kawili-wili sa hitsura nito.

Mga kinatawan ng konseptwalismo; Ang mga Amerikanong artista na sina T. Atkinson, D. Bainbridge, M. Baldwin, X. Harrell, Joseph Kossuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler at iba pa.

Kritikal na realismo noong ika-19 na siglo,- artistikong direksyon” na nagsusulong ng konsepto: ang mundo at ang tao ay hindi perpekto; labasan- hindi paglaban sa kasamaan sa pamamagitan ng karahasan at pagpapabuti ng sarili.

M Ang sosyalistang realismo ay isang direksyon sa sining na nagpapatunay sa masining na konsepto: ang indibidwal ay aktibo sa lipunan at kasama sa paglikha ng kasaysayan sa pamamagitan ng marahas na paraan"

realismo ng magsasaka- isang masining na direksyon na nagsasaad na ang magsasaka ang pangunahing tagapagdala ng moralidad at suporta ng pambansang buhay.

Realismo ng magsasaka (prosa ng nayon) - ang direksyong pampanitikan ng prosa ng Russia (60s - 80s); ang sentral na tema ay ang modernong nayon, ang pangunahing tauhan ay isang magsasaka - ang tanging tunay na kinatawan ng mga tao at ang nagdadala ng mga mithiin.

neorealismo- ang artistikong direksyon ng realismo ng ika-20 siglo, na nagpakita ng sarili sa post-war Italian cinema at bahagyang sa panitikan. Mga tampok: ang neorealism ay nagpakita ng malapit na interes sa isang tao mula sa mga tao, sa buhay ng mga ordinaryong tao: matalas na pansin sa detalye, pagmamasid at pag-aayos ng mga elemento na pumasok sa buhay pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Produkto-

Ang mga ideyang neorealista ay nagpapatibay sa mga ideya ng humanismo, ang kahalagahan ng mga simpleng pagpapahalaga sa buhay, kabaitan at katarungan sa relasyon ng tao, ang pagkakapantay-pantay ng mga tao at ang kanilang dignidad, anuman ang kanilang katayuan sa pag-aari.

Magic realism- ang artistikong direksyon ng realismo, na nagpapatunay sa konsepto: ang isang tao ay nabubuhay sa isang realidad na pinagsasama ang modernidad at kasaysayan, ang supernatural at ang natural, ang paranormal at ang ordinaryo.

Ang isang tampok ng mahiwagang realismo ay ang mga kamangha-manghang yugto ay nabuo ayon sa mga batas ng pang-araw-araw na lohika bilang isang pang-araw-araw na katotohanan.

sikolohikal na realismo- masining na kilusan ng ika-20 siglo, na inilalagay ang konsepto: ang indibidwal ay may pananagutan; ang espirituwal na mundo ay dapat mapuno ng isang kultura na nagtataguyod ng kapatiran ng mga tao at nagtagumpay sa kanilang egocentrism at kalungkutan.

intelektwal na realismo- Ito ang artistikong direksyon ng realismo, sa mga gawa kung saan ang isang drama ng mga ideya ay nagbubukas at ang mga karakter sa mga mukha ay "isinadula" ang mga iniisip ng may-akda, nagpapahayag ng iba't ibang aspeto ng kanyang artistikong konsepto. Ang intelektwal na realismo ay nagpapahiwatig ng isang konsepto at pilosopiko na pag-iisip ng artist. Kung ang sikolohikal na realismo ay naglalayong ihatid ang kaplastikan ng paggalaw ng mga pag-iisip, inihayag ang diyalektika ng kaluluwa ng tao, ang pakikipag-ugnayan ng mundo at kamalayan, kung gayon ang intelektwal na realismo ay naglalayong lutasin ang mga kagyat na problema sa isang masining at ebidensiya na paraan, upang magbigay ng pagsusuri ng ang estado ng mundo.

Katulad na impormasyon.

Rasyonalistikong pundasyon ng kultura. Imposibleng gumuhit ng isang perpektong tiyak na hangganan sa pagitan ng mga kultura ng ika-16 at ika-17 siglo. Nasa ika-16 na siglo, ang mga bagong ideya tungkol sa mundo ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa mga turo ng mga natural na pilosopong Italyano. Ngunit ang tunay na punto ng pagbabago sa agham ng uniberso ay naganap sa pagliko ng ika-16 at ika-17 siglo, nang sina Giordano Bruno, Galileo Galilei at Kepler, na bumubuo ng heliocentric theory ng Copernicus, ay dumating sa konklusyon tungkol sa maramihan ng mga mundo, tungkol sa ang kawalang-hanggan ng sansinukob, kung saan ang daigdig ay hindi ang sentro, ngunit isang maliit na butil nang ang pag-imbento ng teleskopyo at mikroskopyo ay nagsiwalat sa tao ng pagkakaroon ng walang katapusan na malayo at walang katapusan na maliit.

Noong ika-17 siglo, ang pag-unawa sa tao, ang kanyang lugar sa mundo, ang relasyon sa pagitan ng indibidwal at lipunan ay nagbago. Ang personalidad ng taong Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng ganap na pagkakaisa at integridad, ito ay wala ng kumplikado at pag-unlad. Ang personalidad - ng Renaissance - ay iginiit ang sarili alinsunod sa kalikasan, na isang magandang puwersa. Ang enerhiya ng isang tao, pati na rin ang kapalaran, ay tumutukoy sa kanyang landas sa buhay. Gayunpaman, ang "kamangha-manghang" humanismong ito ay hindi na angkop para sa bagong panahon, nang ang tao ay tumigil sa pagkilala sa kanyang sarili bilang sentro ng sansinukob, nang maramdaman niya ang lahat ng pagiging kumplikado at mga kontradiksyon ng buhay, nang siya ay kailangang magsagawa ng isang matinding pakikibaka laban sa pyudal. Reaksyon ng Katoliko.

Ang personalidad ng ika-17 siglo ay hindi mahalaga sa kanyang sarili, tulad ng personalidad ng Renaissance, ito ay palaging nakasalalay sa kapaligiran, sa kalikasan, at sa masa ng mga tao, kung kanino nais nitong ipakita ang sarili, upang mapabilib at kumbinsihin ito. Ang tendensiyang ito, sa isang banda, na hampasin ang imahinasyon ng masa, at sa kabilang banda, upang kumbinsihin sila, ay isa sa mga pangunahing tampok ng sining ng ika-17 siglo.

Ang sining ng ika-17 siglo, tulad ng sining ng Renaissance, ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng bayani. Ngunit ito ay isang bayani na nailalarawan hindi sa pamamagitan ng mga aksyon, ngunit sa pamamagitan ng mga damdamin, mga karanasan. Ito ay napatunayan hindi lamang ng sining, kundi pati na rin ng pilosopiya ng ika-17 siglo. Lumilikha si Descartes ng doktrina ng mga hilig, habang isinasaalang-alang ni Spinoza ang mga pagnanasa ng tao "na parang mga linya, eroplano at katawan."

Ang bagong pang-unawa sa mundo at tao ay maaaring magkaroon ng dalawang direksyon sa ika-17 siglo, depende sa kung paano ito ginamit. Sa masalimuot, magkasalungat, multifaceted na mundo ng kalikasan at ang pag-iisip ng tao, ang magulo, hindi makatwiran, dinamiko at emosyonal na bahagi nito, ang ilusyon na kalikasan nito, ang mga senswal na katangian ay maaaring bigyang-diin. Ang landas na ito ay humantong sa istilong Baroque.

Ngunit ang diin ay maaari ding ilagay sa malinaw, natatanging mga ideya na nakikita sa katotohanan at kaayusan sa kaguluhang ito, sa pag-iisip na nakikipagpunyagi sa mga salungatan nito, sa katwiran sa pagdaig sa mga hilig. Ang landas na ito ay humantong sa klasisismo.

Ang Baroque at classicism, na natanggap ang kanilang klasikal na disenyo sa Italy at France, ayon sa pagkakabanggit, ay kumalat sa isang antas o iba pa sa lahat ng mga bansa sa Europa at ang nangingibabaw na uso sa artistikong kultura ng ika-17 siglo.

Rationalist na pundasyon ng kultura

Imposibleng gumuhit ng isang perpektong tiyak na hangganan sa pagitan ng mga kultura ng ika-16 at ika-17 siglo. Nasa ika-16 na siglo, ang mga bagong ideya tungkol sa mundo ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa mga turo ng mga natural na pilosopong Italyano. Ngunit ang tunay na punto ng pagbabago sa agham ng uniberso ay naganap sa pagliko ng ika-16 at ika-17 siglo, nang sina Giordano Bruno, Galileo Galilei at Kepler, na bumubuo ng heliocentric theory ng Copernicus, ay dumating sa konklusyon tungkol sa maramihan ng mga mundo, tungkol sa ang kawalang-hanggan ng sansinukob, kung saan ang daigdig ay hindi ang sentro, ngunit isang maliit na butil nang ang pag-imbento ng teleskopyo at mikroskopyo ay nagsiwalat sa tao ng pagkakaroon ng walang katapusan na malayo at walang katapusan na maliit.

Noong ika-17 siglo, ang pag-unawa sa tao, ang kanyang lugar sa mundo, ang relasyon sa pagitan ng indibidwal at lipunan ay nagbago. Ang personalidad ng taong Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng ganap na pagkakaisa at integridad, ito ay wala ng pagiging kumplikado at pag-unlad. Ang personalidad - ng Renaissance - ay iginiit ang sarili na naaayon sa kalikasan, na isang magandang puwersa. Ang enerhiya ng isang tao, pati na rin ang kapalaran, ay tumutukoy sa kanyang landas sa buhay. Gayunpaman, ang "kamangha-manghang" humanismong ito ay hindi na angkop para sa bagong panahon, nang ang tao ay tumigil sa pagkilala sa kanyang sarili bilang sentro ng sansinukob, nang maramdaman niya ang lahat ng pagiging kumplikado at mga kontradiksyon ng buhay, nang siya ay kailangang magsagawa ng isang matinding pakikibaka laban sa pyudal. Reaksyon ng Katoliko.

Ang personalidad ng ika-17 siglo ay hindi mahalaga sa kanyang sarili, tulad ng personalidad ng Renaissance, ito ay palaging nakasalalay sa kapaligiran, sa kalikasan, at sa masa ng mga tao, kung kanino nais nitong ipakita ang sarili, upang mapabilib at kumbinsihin ito. Ang hilig na ito, sa isang banda, na hampasin ang imahinasyon ng masa, at sa kabilang banda, para kumbinsihin sila, ay isa sa mga pangunahing tampok ng sining ng ika-17 siglo.

Ang sining ng ika-17 siglo, tulad ng sining ng Renaissance, ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng bayani. Ngunit ito ay isang bayani na nailalarawan hindi sa pamamagitan ng mga aksyon, ngunit sa pamamagitan ng mga damdamin, mga karanasan. Ito ay napatunayan hindi lamang ng sining, kundi pati na rin ng pilosopiya ng ika-17 siglo. Lumilikha si Descartes ng doktrina ng mga hilig, habang isinasaalang-alang ni Spinoza ang mga pagnanasa ng tao "na parang mga linya, eroplano at katawan."

Ang bagong pang-unawa sa mundo at tao ay maaaring magkaroon ng dalawang direksyon sa ika-17 siglo, depende sa kung paano ito ginamit. Sa masalimuot, magkasalungat, multifaceted na mundo ng kalikasan at ang pag-iisip ng tao, ang magulo, hindi makatwiran, dinamiko at emosyonal na bahagi nito, ang ilusyon na kalikasan nito, ang mga senswal na katangian ay maaaring bigyang-diin. Ang landas na ito ay humantong sa istilong Baroque.

Ngunit ang diin ay maaari ding ilagay sa malinaw, natatanging mga ideya na nakikita sa katotohanan at kaayusan sa kaguluhang ito, sa pag-iisip na nakikipagpunyagi sa mga salungatan nito, sa katwiran sa pagdaig sa mga hilig. Ang landas na ito ay humantong sa klasisismo.

Ang Baroque at classicism, na natanggap ang kanilang klasikal na disenyo sa Italy at France, ayon sa pagkakabanggit, ay kumalat sa isang antas o iba pa sa lahat ng mga bansa sa Europa at ang nangingibabaw na uso sa artistikong kultura ng ika-17 siglo.

Mga prinsipyo ng aesthetic ng Baroque

Ang istilong Baroque ay lumitaw sa Italya, sa isang bansang nahati sa maliliit na estado, sa isang bansang nakaranas ng kontra-repormasyon at isang malakas na reaksyong pyudal, kung saan ang mga mayayamang mamamayan ay naging isang landed na aristokrasya, sa isang bansa kung saan umunlad ang teorya at praktika ng mannerism, at kung saan, sa parehong oras, sa lahat ng ningning nito ang pinakamayamang tradisyon ng artistikong kultura ng Renaissance ay napanatili. Kinuha ng Baroque ang pagiging subject nito mula sa Mannerism, ang hilig nito sa realidad mula sa Renaissance, ngunit pareho sa isang bagong istilong repraksyon. At kahit na ang mga labi ng Mannerism ay patuloy na nakakaapekto sa una at maging sa ikalawang dekada ng ika-17 siglo, sa esensya, ang pagtagumpayan ng Mannerism sa Italya ay maituturing na natapos sa 1600.

Isa sa mga problemang katangian ng baroque aesthetics ay ang problema ng persuasion, na nagmula sa retorika. Ang retorika ay hindi nakikilala ang katotohanan sa pagiging totoo; bilang isang paraan ng panghihikayat, ang mga ito ay tila katumbas - at samakatuwid ang ilusyon, hindi kapani-paniwala, subjectivism ng baroque art, na sinamahan ng pag-uuri ng "sining" na pamamaraan ng paggawa ng isang epekto na lumilikha ng isang subjective, nakaliligaw na impresyon ng pagiging totoo.

Batay sa katotohanan na ang pangunahing konsepto ng Baroque aesthetics ay ang kakayahang manghimok, ito ay nauunawaan bilang ang kakayahang kumbinsihin ang manonood sa tulong ng isang tiyak na tool ng impluwensya, na isang gawa ng sining. Pinalamutian ng retorika ang pagsasalita, nagbibigay ng mga konsepto at mga bagay na anyo na mas madaling madama. Ang retorika ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa panitikan at tula, na kadalasang kinikilala ang sarili sa retorika. Ang kakayahan ng panghihikayat ay dapat kumbinsihin, hawakan, sorpresahin ang isa kung kanino ito nilayon. Ang may-akda, samakatuwid, ay dapat na malaman sa pinakamaliit na detalye kung kanino ang kanyang gawa ay inilaan, dapat pag-aralan ang mga ito at magabayan ng kaalamang ito kapag lumilikha ng kanyang mga gawa.

Mayroon bang anumang kinikilala at ipinag-uutos na paraan ng pag-akit sa manonood, mambabasa, nakikinig dahil sa kanilang pagiging epektibo? Ang lahat ng mga pamamaraan ay angkop, sa kondisyon na nakamit nila ang kanilang pangunahing layunin - upang kumbinsihin ang isa kung kanino sila nilayon. Sa bagay na ito, ang problema ng katotohanan o kasinungalingan ng isang gawa ng sining ay ibinabalik sa background, ito ay nagiging hindi gaanong mahalaga. Nagiging prinsipyo ang ilusyon. Ang mambabasa at manonood ay dapat una sa lahat ay masindak, magulat, at ito ay maaaring gawin sa tulong ng isang mahusay na pagpili ng mga kakaiba at hindi pangkaraniwang binubuo ng mga larawan.

Karamihan sa mga Baroque theorists ay mga manunulat, ngunit sa kanilang mga pahayag ay malinaw na madarama ang pangunahing takbo ng panahon ng Baroque - tungo sa tagpo ng iba't ibang uri ng sining. Ang lahat ng sining ay magkakaugnay at may iisang diwa. Nagkakaiba lamang sila sa paraan ng pagpapahayag.

Rationalism at normativism ng aesthetics ng classicism

Ang klasisismo ay isa sa pinakamahalagang larangan ng sining. Ang pagkakaroon ng itinatag ang sarili sa mga gawa at pagkamalikhain ng maraming henerasyon, na naglalagay ng isang napakatalino na kalawakan ng mga makata at manunulat, pintor at musikero, arkitekto, eskultor at aktor, ang klasisismo ay nag-iwan ng gayong mga milestone sa landas ng artistikong pag-unlad ng sangkatauhan bilang mga trahedya Corneille, Racine, Milton, Voltaire, komedya Molière musika lully, mga tula La Fontaine, parke at architectural ensemble ng Versailles, mga painting ni Poussin.

Nagsisimula ang klasisismo sa pagtutuos nito mula sa ika-16 na siglo, nangingibabaw noong ika-17 siglo, malakas at patuloy na iginiit ang sarili noong ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Kinukumpirma mismo ng kasaysayan ang posibilidad na mabuhay ng mga tradisyon ng klasikong sistemang masining at ang halaga ng mga konsepto ng mundo at ang taong pinagbabatayan nito, pangunahin ang moral na kinakailangang katangian ng klasisismo.

Ang salitang "classicism" (mula sa Latin classicus - huwaran) ay naglalaman ng matatag na oryentasyon ng bagong sining sa sinaunang "sample". Gayunpaman, ang katapatan sa diwa ng sinaunang panahon ay hindi nangangahulugan para sa mga klasiko ng isang simpleng pag-uulit ng mga sinaunang modelong ito, o isang direktang pagkopya ng mga sinaunang teorya. Ang klasisismo ay salamin ng panahon ng absolutong monarkiya at ang maharlika at burukrasya kung saan nakabatay ang monarkiya. Ang pag-apila sa sining ng Greece at Roma, na isa ring katangian ng Renaissance, ay hindi pa matatawag na klasisismo, kahit na naglalaman na ito ng maraming mga tampok ng kalakaran na ito.

Ang absolutong monarkiya ay may dalawang papel sa kasaysayan ng France. Ang patakarang pangkultura ng absolutong monarkiya at ang doktrinang aesthetic nito - klasisismo - ay nakikilala ng parehong duality. Ang mga korte ng monarkiya ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais na ipailalim ang lahat ng mga puwersang masining sa isang sentralisadong organisasyon. Nilikha ni Cardinal Richelieu ang opisyal na sentro sa larangan ng panitikan at wika - ang French Academy. Sa ilalim ng Louis XIV, nilikha ang Academy of Fine Arts. Sa mga sentrong ito ng artistikong kultura, maraming gawain ang ginawa upang lumikha ng iisang wikang pampanitikan, palayain ito mula sa mga tampok na panlalawigan at mga labi ng sinaunang panahon, bumuo ng tamang talumpating pampanitikan, pag-uri-uriin ang mga genre, at iba pa. Ang Academy of Arts, na pinagsama-sama ang mga pinakakilalang pintor at art theorists, ay nakikibahagi sa mga katulad na aktibidad. Sa pangkalahatan, ang lahat ng aktibidad na ito ay may progresibong kahalagahan.

Ayon sa mga code ng sining, ang artist ay pangunahing kinakailangan na magkaroon ng "nobility of design." Ang balangkas ng larawan ay dapat na may nakapagtuturo na halaga. Samakatuwid, ang lahat ng uri ng mga alegorya ay lalo na pinahahalagahan, kung saan higit pa o mas kaunti ang mga kumbensyonal na larawan ng buhay na direktang nagpahayag ng mga pangkalahatang ideya. Ang pinakamataas na genre ay itinuturing na "makasaysayan", na kinabibilangan ng sinaunang mitolohiya, mga plot mula sa mga sikat na akdang pampanitikan, mula sa Bibliya, at iba pa. Portrait, landscape, mga eksena ng totoong buhay ay itinuturing na "maliit na genre". Ang pinakawalang halagang genre ay ang still life.

Sa tula, ang klasisismo ay nagdala sa unahan ng makatwirang pag-unlad ng tema ayon sa ilang mga tuntunin. Ang pinakakapansin-pansing halimbawa nito ay ang "Poetic Art" bualo- isang treatise na itinakda sa magagandang mga taludtod at naglalaman ng maraming kawili-wiling ideya. Iniharap ni Boileau ang pangangailangan para sa primacy ng nilalaman sa sining ng patula, bagaman ang prinsipyong ito ay ipinahayag sa kanya sa isang napaka-panig na anyo - sa anyo ng isang abstract subordination ng pakiramdam sa pangangatwiran.

Aesthetics ng European Enlightenment

Ang mga teoryang aesthetic ng Enlightenment ay nabuo noong mga unang burgis na rebolusyon noong ika-17-18 siglo at bahagi ng ideolohiya at kultura ng kanilang panahon. Naniniwala ang mga enlighteners na ang muling pag-aayos ng isang hindi na ginagamit na sistema ng lipunan ay dapat isagawa sa pamamagitan ng pagpapakalat ng mga advanced na ideya, sa pamamagitan ng paglaban sa kamangmangan, relihiyosong dope, medieval scholasticism, hindi makataong pyudal na moralidad, sining at aesthetics, na nakakatugon sa mga pangangailangan ng matataas na strata ng ang pyudal-absolutistang estado.

Para sa lahat ng kanilang progresibo, ang mga enlighteners ay hindi maaaring lumampas sa mga limitasyon ng kanilang panahon. Sa mga intriga ng isang maayos na lipunan, ang mga tagapagpaliwanag ay umasa sa ilang abstract na "mamamayan", sa kanyang politikal at moral na kamalayan, at hindi sa lahat ng tunay na tao na talagang nabuo sa ilalim ng kapitalismo.

Sinubukan ng mga enlightener sa pamamagitan ng moral, politikal at aesthetic na edukasyon na makamit ang pagbabago ng lipunan sa mga prinsipyo ng pagkakapantay-pantay at katarungan. Malinaw na alam nila ang katotohanan na may mga kontradiksyon sa pagitan ng pribado at pampublikong interes, sa pagitan ng mga personal na hangarin at tungkulin, sa pagitan ng indibidwal at lipunan. Inaasahan nilang mareresolba ang mga kontradiksyon na ito sa pamamagitan ng aesthetic education. Kaya naman, nagkaroon sila ng kumbiksyon na ang prinsipyo ng aesthetic ay nagagawang pagaanin ang likas na pagkamakasarili ng mga tao, upang gawing "indibidwal" ang isang tao.

Mula sa pananaw ng pagtuturo sa isang "mamamayan", isang bagong tao, isinasaalang-alang ng mga enlightener ang mga pangunahing konsepto: maganda, kahanga-hanga, pagkakaisa, biyaya, panlasa ( Burke, Diderot ); ang mga problema ng kakanyahan at panlipunang mga tungkulin ng sining, artistikong tunggalian, karakter, katotohanan sa sining, at iba pa ay tinatrato sa parehong diwa. Ang leitmotif ng mga aesthetic na konsepto ng Enlightenment ay ang pagtatanggol sa sining ng mataas na civic pathos, ang mga prinsipyo ng realismo at humanismo. Nagsalita siya tungkol sa relasyon sa pagitan ng maganda at moral Shaftesbury .

Sa pagbibigay-kahulugan sa mga kategorya ng aesthetics, ang mga enlightener ay nagpatuloy mula sa mga prinsipyo ng sensationalism, na isang direksyon sa teorya ng kaalaman, ayon sa kung saan ang sensuality ay ang pangunahing anyo ng maaasahang kaalaman. Ang klasikong pormula na nagpapakilala sa sensasyonalismo ay kabilang sa mga Stoics: "Walang anuman sa isip na hindi dati sa mga pandama."

Teoretikal na disenyo ng paksa ng aesthetics

Ang nagtatag ng German aesthetics ng Enlightenment at ang "ninong" ng isang independiyenteng seksyon ng kaalaman sa pilosopikal ay Baumgarten . Ang kanyang epistemological system ay nahahati sa dalawang seksyon: aesthetics at logic. Ang una ay isang teorya ng "mas mababa", pandama na kaalaman, ang pangalawa - mas mataas, "intelektwal". Upang italaga ang mas mababang kaalaman, pinili niya ang terminong "aesthetics", na sabay-sabay na binibigyang kahulugan bilang pandamdam, pakiramdam at kaalaman. Samakatuwid, kung ang lohika ay ang agham ng intelektwal na kaalaman, iyon ay, ang mga batas at anyo ng pag-iisip, kung gayon ang aesthetics ay ang agham ng pandama na kaalaman. Alinsunod dito, mayroong dalawang uri ng paghuhusga: "lohikal" at "sensitibo" (sensory). Ang una ay nakasalalay sa mga natatanging ideya, ang huli ay sa mga malabo. Ang mga batay sa malinaw na ideya ay tinatawag niyang mga paghatol ng katwiran, at ang mga batay sa hindi malinaw na mga ideya ay tinatawag niyang mga paghatol ng panlasa. Ang mga paghatol ng katwiran ay nagbibigay sa atin ng katotohanan, ang mga paghatol ng panlasa ay nagbibigay sa atin ng kagandahan. Ang layunin na batayan ng paghatol ng isip at ang paghatol ng panlasa ay pagiging perpekto, iyon ay, ang pagkakatugma ng mga bagay sa kanilang konsepto.

Ang Kakanyahan at Pampublikong Layunin ng Sining sa Panahon ng Enlightenment

Ang kakanyahan ng sining ay nakita sa panggagaya ng kalikasan ng German enlightener Winkelman. Ang imitasyon ng maganda sa kalikasan ay maaaring idirekta sa isang bagay, o mangolekta ng mga obserbasyon sa isang bilang ng mga solong bagay. Sa unang kaso, ang isang katulad na kopya, isang larawan, ay nakuha, sa pangalawa - isang perpektong imahe. Isinasaalang-alang ni Winkelman ang pangalawang paraan upang maging mas mabunga. Dito ang artist ay hindi kumikilos bilang isang copyist, ngunit bilang isang tunay na tagalikha, dahil bago lumikha ng isang imahe, siya ay gumuhit ng isang pangkalahatang konsepto ng kagandahan at pagkatapos ay sumusunod sa prototype nito. Ang perpektong kagandahan ay lumalampas sa mga ordinaryong anyo ng bagay, nagtagumpay sa kanilang mga limitasyon.

Sa unang kalahati ng ika-20 siglo, nabuo ang isa sa pinakasikat na kultural at aesthetic na paaralan ng ating siglo, ang Freudianism. Ang tagapagtatag nito, ang Austrian philosopher at psychiatrist na si Sigmund Freud (1856-1939), ay nagpakilala ng paliwanag ng subconscious mula sa punto ng view ng sekswal na buhay ng isang tao sa intuitionist theories ng kanyang mga kasamahan. At bagama't walang sistematikong pagtatanghal ng teoryang aesthetic sa mga akda ng pilosopo, ang mga hiwalay na paghatol sa mga isyu ng estetika at kulturang masining ay nakapaloob sa kanyang Lectures on Introduction to Psychoanalysis (1918), sa aklat na Dissatisfaction with Culture (1930), bilang gayundin sa mga artikulong Leonardo da Vinci. Isang Pag-aaral sa Psychosexuality" (1910), "Dostoevsky and Parricide" (1928), "Poet and Fantasy" (1911). Ang doktrina ni Freud ng likas na walang malay na mga istruktura-instinct ay may malaking epekto sa pagsasagawa ng tinatawag na "kulturang masa" na nabuo sa simula ng ika-20 siglo. Sa katunayan, sa kanyang teorya ng walang malay, ang pilosopo ay nagpatuloy mula sa katotohanan na ang kakanyahan ng tao ay ipinahayag sa kalayaan mula sa mga instinct. Ang pangunahing impluwensya ng Freudianism sa "kulturang masa" ay nakasalalay sa paggamit ng mga instincts ng takot, kasarian at pagiging agresibo. Ang psychoanalysis ni Freud ay lumikha ng isang mataas na kinatawan ng paaralan na umiiral pa rin ngayon. Ang isang espesyal na papel sa pagbuo ng doktrina ng Freudian ay kabilang sa O. Rank, G. Sachs at lalo na K.G. Jung. Noong ika-20 siglo, ang mga ideya ng mga nag-iisip ng huling siglo na sina A. Schopenhauer at F. Nietzsche ay ibinubuod sa elite aesthetic na konsepto ng pilosopong Espanyol na si José Ortega y Gasset (1883-1955). Noong 1925, ang kanyang pinakatanyag na gawa, na pinamagatang "The Dehumanization of Art", na nakatuon sa problema ng pagkakaiba sa pagitan ng luma at bagong sining, ay inilathala sa Europa. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng bagong sining at ng luma, ayon kay Ortega y Gasset, ay ang pagtugon nito sa mga piling tao ng lipunan, at hindi sa masa nito.

Ang aklat ni Ortega y Gasset na "The Dehumanization of Art" ay nararapat na naging isang tunay na avant-garde manifesto. Ang pilosopo ay pumanig sa bahaging iyon ng European creative intelligentsia ng simula ng siglo, na sinubukang lumikha ng isang bagong sining. Sa pagsasaalang-alang na ito, kinakailangang pag-aralan ang pinakakapansin-pansin na artistikong mga uso, uso at istilo na nagpahayag ng kanilang sarili sa makasaysayang panahon na ito.

Ang Avant-garde (mula sa French avant-garde forward detachment) ay isang konsepto na pinagsama ang iba't ibang mga paaralan at uso ng European art noong 10-20s ng ika-20 siglo sa mga prinsipyo ng isang radikal na pag-renew ng artistikong kasanayan. Ang terminong "avant-garde" ay itinatag ang sarili sa aesthetics ng pagpuna sa sining noong 1920s. Ang pangunahing pangkat ng mga paaralang avant-garde (Futurism, Dadaism, Cubism, Expressionism, Suprematism) ay nagpahayag ng sarili na may matinding nihilismo, ang sukdulang antas ng pagtanggi sa nakaraang kultural na tradisyon ng klasikal na artistikong karanasan. Ang praktikal na pagpapatupad ng avant-garde ay katangian ng iba't ibang uri ng sining: panitikan (L. Aragon, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky), teatro (V. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), musika (M. Čiurlionis, A. Schoenberg, A. Scriabin). Gayunpaman, ang pinaka-halatang avant-garde ay natanto sa visual arts. Ang mga pagpipinta ng iba't ibang mga uso sa avant-garde ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtanggi sa artistikong pagiging buhay. Ang sining ng avant-garde, na may mga bihirang eksepsiyon (cubism, na may kondisyong nag-geometrize sa kalikasan, abstractionism, na may puro kamangha-manghang geometry), ay hindi matalinghaga. Ang pagtanggi sa kawalang-kinikilingan at ang pagbabagong-anyo sa mismong pagtatapos ng mga masining na paraan tulad ng kulay, komposisyon, texture ay idinikta ng isang pakiramdam ng krisis ng modernong sibilisasyon.

Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, nagpatuloy ang mga malikhaing paghahanap at matapang na eksperimento sa mga estetika at sining ng Europa, mga maimpluwensyang ideya, mga bagong paaralan ng sining, at mga makabuluhang promising na pagtuklas na lumitaw. Existentialist, structuralist, sociocultural aesthetic trend, na kinakatawan ng mga pangalan ni J.-P. Sartre, A. Camus, K. Levi-Strauss, R. Bart, T. Adorno at iba pa. Ang pinaka makabuluhang aesthetic school, na nabuo sa France noong 1940s at 1950s, ay kabilang sa existentialist trend at malinaw na ipinakita ang sarili sa gawain nina J.P. Sartre at A. Camus. Dapat alalahanin na ang tagapagtatag ng philosophical existentialism, si Soren Kierkegaard (1813-1855), ay itinuturing na pilosopiya bilang isang pagmuni-muni sa pagiging batayan ng personal na pag-iral ng tao - "existence". Ang aesthetic na konsepto ng existentialism ay kinikilala rin bilang totoo lamang ang indibidwal na pag-iral ng isang tao at ang posibilidad na malaman ang "existence" sa tulong ng imahinasyon at emosyon ng tao, na siya namang ang pinakamahalagang aspeto ng artistikong pagkamalikhain.

Ang pilosopo at manunulat na Pranses na si Jean-Paul Sartre (1905-1980) sa kanyang mga akda na "Imagination" (1936), "Essay on the Theory of Emotions" (1939), "The Imaginary" (1940) ay tumatalakay sa sapat na detalye tungkol sa iba't ibang katangian ng kamalayan ng tao. Si Sartre ay binibigyang kahulugan ang kamalayan ng tao bilang transendental, iyon ay, lumalampas sa mga limitasyon ng anumang karanasan at pagiging pinagmulan, mahalagang batayan, kabilang ang malikhaing aktibidad ng tao. Sa pananaw ng pilosopo, ang mga gawa ng sining ay hindi direktang salamin ng realidad, kaya't ang tinatawag na "imagining consciousness" ng sinumang artista ay malikhain, dahil ito ay bumangon sa sarili nitong at malaya sa lahat ng mga pagpapakita ng katotohanan. Ang pagpapahayag ng mga aesthetic na pananaw ni Albert Camus (1913-1960) ay ang pangwakas na kabanata ng kanyang pilosopikal na gawain na The Myth of Sisyphus (1942), kung saan binuo niya ang pangunahing ideya ng kanyang trabaho - ang kahangalan ng pagkakaroon ng tao sa mundo. Ang "kamangmangan", isang pakiramdam ng kalungkutan at pagkalayo mula sa labas ng mundo, ang omnipotence ng kamatayan ay nagiging pare-pareho sa dramaturgy, prosa at aesthetics ng Camus. Ang walang katotohanan, ayon kay Camus, ay kabilang din sa isang gawa ng sining. Gayunpaman, ang mismong gawa ng artistikong pagkamalikhain ay nagpapahintulot sa isang tao na mapanatili ang kamalayan sa mundo ng kaguluhan. Kasunod nito, ang "Aesthetics of the Absurd" ay bubuo kasama ng pilosopo sa "aesthetics of rebellion". Noong 1951, inilathala ang politikal na sanaysay na "The Rebellious Man", kung saan sinasalungat ni Camus ang mga sukdulan sa sining, parehong ideolohikal at puro pormalistiko. Parehong sa The Rebellious Man at sa kanyang mga talumpati sa Nobel Prize (1957), binibigyang-diin ni Camus na ang tunay na sining ay sumasalamin sa kalagayan ng tao at naglalayong makabisado ang kapalaran.

Noong 1950s, ang mga intuitive at existentialist na konsepto sa Western European aesthetics ay nawala sa background, na nagbibigay daan sa structuralism. Ang kakanyahan ng estrukturalismo ay ipinahayag ng pangunahing teorista nito na si Claude Levi-Strauss (ipinanganak 1908). Binumula niya ang mga pangunahing yugto ng pagsusuri sa istruktural na pananaliksik: "pagbabasa" ng teksto, microanalysis, interpretasyon, decoding at panghuling pagmomodelo nito. Ang Structuralism ay naging batayan ng isang napakapopular na kilusang pampanitikan at aesthetic noong dekada 60, na tinatawag na New Criticism, na pinamunuan ng Parisian professor na si Roland Barthes (1915-1980). Sa aklat na Criticism and Truth (1966), inilagay niya ang posisyon na ang agham ng panitikan ay hindi dapat mag-alala sa paglilinaw ng kahulugan ng mga akda, ngunit dapat lumikha ng mga unibersal na batas para sa pagbuo ng anyong pampanitikan.

Noong 1960s at 1970s, ang mga konseptong sosyolohikal na kinakatawan ng mga pangalan nina T. Adorno, G. Marcuse, E. Fromm ay malawakang kumalat sa Kanlurang Europa at USA. Ang mga pangalang ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng pagnanais na galugarin ang mga sulat ng panloob na immanent na mga istruktura ng mga gawa ng sining sa ilang mga uri ng itinatag na relasyon sa lipunan.

ESTETIKA - ang agham ng pandama na kaalaman na nakakaunawa at lumilikha ng kagandahan at ipinahayag sa mga larawan ng sining.

Ang konsepto ng "aesthetics" ay ipinakilala sa siyentipikong paggamit noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang pilosopo ng German Enlightenment na si Alexander Gottlieb Baumgarten Estetika, 1750). Ang termino ay nagmula sa salitang Griyego

aisthetikos - nauukol sa pandama na pang-unawa. Iniisa-isa ni Baumgarten ang aesthetics bilang isang independiyenteng pilosopikal na disiplina. OBJECT OF AESTHETICS Matagal nang pinag-aaralan ang sining at kagandahan. Sa loob ng higit sa dalawang milenyo, nabuo ang estetika sa loob ng balangkas ng pilosopiya, teolohiya, kasanayan sa sining at kritisismo sa sining.

Sa proseso ng pag-unlad, ang paksa ay naging mas kumplikado at pinayaman aesthetics. Sa panahon ng unang panahon, ang mga aesthetics ay humipo sa mga pangkalahatang pilosopikal na tanong ng kalikasan ng kagandahan at sining; Ang teolohiya ay nagkaroon ng malaking epekto sa medieval aesthetics, na nagsilbing isa sa mga kasangkapan sa pagkilala sa Diyos; sa Renaissance, ang aesthetic na pag-iisip ay nabuo pangunahin sa larangan ng artistikong kasanayan, at ang paksa nito ay artistikong pagkamalikhain at ang koneksyon nito sa kalikasan. Sa simula ng Bagong Panahon, hinahangad ng mga estetika na hubugin ang mga pamantayan ng sining. Malaki ang epekto ng pulitika sa aesthetics ng Enlightenment, na nakatuon sa panlipunang layunin ng artistikong pagkamalikhain, sa moral at nagbibigay-malay na kahalagahan nito.

Ang klasiko ng pilosopiyang Aleman, si Immanuel Kant, ayon sa kaugalian ay itinuturing na ang paksa ng aesthetics bilang maganda sa sining. Ngunit ang aesthetics, ayon kay Kant, ay hindi nag-aaral ng mga bagay ng kagandahan, ngunit ang mga paghatol lamang tungkol sa kagandahan, i.e. ay isang kritika ng aesthetic faculty of judgment. Tinukoy ni Georg Hegel ang paksa ng aesthetics bilang pilosopiya ng sining o ang pilosopiya ng artistikong aktibidad at naniniwala na ang aesthetics ay may kinalaman sa pagtukoy sa lugar ng sining sa sistema ng mundong espiritu.

Sa hinaharap, ang paksa ng aesthetics ay pinaliit sa isang teoretikal na katwiran para sa isang tiyak na direksyon sa sining, isang pagsusuri ng artistikong istilo, halimbawa, romanticism (Novalis), realism (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), existentialism ( A. Camus, J.-P. Sartre). Binigyang-kahulugan ng mga Marxist ang aesthetics bilang agham ng kalikasan at mga batas ng aesthetic assimilation ng realidad at artistikong kultura ng lipunan.

Itinuring ni A.F. Losev ang paksa ng aesthetics bilang isang mundo ng mga nagpapahayag na anyo na nilikha ng tao at kalikasan. Naniniwala siya na ang aesthetics ay hindi lamang nag-aaral ng maganda, kundi pati na rin ang pangit, ang trahedya, ang komiks, atbp., samakatuwid ito ay ang agham ng pagpapahayag sa pangkalahatan. Batay dito, ang aesthetics ay maaaring tukuyin bilang ang agham ng pandama na pang-unawa ng mga nagpapahayag na anyo ng nakapaligid na mundo. Sa ganitong kahulugan, ang konsepto ng anyo ng sining ay kasingkahulugan ng isang gawa ng sining. Mula sa lahat ng nasabi, maaari nating tapusin na ang paksa ng aesthetics ay mobile at nababago, at sa makasaysayang pananaw, ang problemang ito ay nananatiling bukas.

AESTHETIC ACTIVITY Ang mga gawa ng sining ay nilikha bilang isang resulta ng artistikong aktibidad, na siyang pinakamataas na anyo ng aktibidad ng aesthetic ng tao. Ngunit ang globo ng aesthetic exploration ng mundo ay mas malawak kaysa sa mismong sining. Tinutukoy din nito ang mga aspeto ng isang praktikal na kalikasan: disenyo, kultura ng hardin at parke, ang kultura ng pang-araw-araw na buhay, atbp. Ang mga phenomena na ito ay nakikibahagi sa teknikal at praktikal na aesthetics. Ang teknikal na aesthetics ay isang teorya ng disenyo, na pinagkadalubhasaan ang mundo ayon sa mga batas ng kagandahan sa pamamagitan ng pang-industriya na paraan. Ang mga ideya ng teknikal na aesthetics ay nagmula sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. sa England. John Ruskin sa kanyang mga gawa Pre-Raphaelitism(1851) at Ang ekonomiyang pampulitika ng sining(1857) ipinakilala ang konsepto ng aesthetically mahalagang mga produkto. William Morris sa Theoretical (Works Mga sining ng dekorasyon, ang kanilang kaugnayan sa modernong buhay, 1878;Balita mula sa kung saan, o ang panahon ng kaligayahan, 1891 atbp.) at praktikal (paglikha ng isang kumpanyang pang-industriya ng sining) na binuo ang mga problema ng aesthetics ng paggawa, ang katayuan ng industriya ng sining, disenyo, sining at sining, at ang aesthetic na organisasyon ng kapaligiran. Ang Aleman na arkitekto at art theorist na si Gottfried Semper noong 1863 ay naglathala ng "An Experience in Practical Aesthetics", isang sanaysay. Estilo sa teknikal at tectonic na sining, kung saan siya, sa kaibahan sa pilosopikal na idealismo ng kanyang panahon, ay nagbigay-diin sa pangunahing halaga na bumubuo ng estilo ng mga materyales at teknolohiya.

Estetika ng pang-araw-araw na buhay, pag-uugali ng tao, pagkamalikhain sa siyensiya, palakasan, atbp. ay nasa larangan ng praktikal na aesthetics. Ang lugar na ito ng kaalaman sa aesthetic ay maliit pa rin na binuo, ngunit mayroon itong magandang hinaharap, dahil ang saklaw ng mga interes nito ay malawak at magkakaibang.

Kaya, ang aesthetic na aktibidad ay isang mahalagang bahagi ng praktikal-espirituwal na asimilasyon ng katotohanan ng isang tao.

Ang aktibidad ng aesthetic ay naglalaman ng mahahalagang prinsipyo ng malikhain at paglalaro at nauugnay sa mga walang malay na elemento ng psyche ( Tingnan din WALANG MALAY). Ang konsepto ng "laro" bilang isa sa mga mahahalagang katangian ng aesthetic na aktibidad ay ipinakilala sa aesthetics ni I. Kant at binuo ni F. Schiller. Binuo ni Kant ang dalawang pinakamahalagang konsepto ng aesthetic: "aesthetic appearance" at "free play". Sa ilalim ng una naunawaan niya ang globo ng pagkakaroon ng kagandahan, sa ilalim ng pangalawa - ang pagkakaroon nito nang sabay-sabay sa tunay at kondisyon na mga plano. Pagbuo ng ideyang ito, Schiller Mga liham tungkol sa aesthetic education man(1794) ay sumulat na ang kagandahan, na umiiral sa layunin ng mundo, ay maaaring muling likhain, ay maaaring maging "layon ng salpok na maglaro." Ang isang tao, ayon kay Schiller, ay ganap na tao lamang kapag siya ay naglalaro. Ang laro ay hindi pinipigilan ng natural na pangangailangan o panlipunang obligasyon, ito ay ang sagisag ng kalayaan. Sa panahon ng laro, ang isang "aesthetic appearance" ay nilikha na higit sa katotohanan, ay mas perpekto, eleganteng at emosyonal kaysa sa nakapaligid na mundo. Ngunit, habang tinatangkilik ang sining, ang isang tao ay nagiging kasabwat sa laro at hindi nakakalimutan ang dalawahang katangian ng sitwasyon. Tingnan din ANG LARO.

masining na aktibidad . Ang pinakamataas, puro uri ng aesthetic na aktibidad, libre mula sa utilitarian simula, ay artistikong aktibidad. Ang layunin ng artistikong paglikha ay ang paglikha ng isang kongkretong gawa ng sining. Ito ay nilikha ng isang espesyal na personalidad - isang manlilikha na may mga kakayahan sa sining ( Tingnan din PERSONALITY CREATIVE). Sa aesthetics, kinikilala ang isang hierarchy ng artistikong kakayahan, na ganito ang hitsura: talentedness, talento, henyo.

Henyo. Noong unang panahon, ang henyo ay naunawaan bilang isang hindi makatwiran na kababalaghan. Halimbawa, ipinaliwanag ni Plotinus ang henyo ng artista bilang isang daloy ng malikhaing enerhiya na nagmumula sa mga pinagbabatayan na ideya ng mundo. Sa Renaissance, nagkaroon ng kulto ng henyo bilang isang malikhaing indibidwal. Iginiit ng rasyonalismo ang ideya ng pagsasama-sama ng likas na henyo ng artista sa disiplina ng isip. Isang kakaibang interpretasyon ng henyo ang itinakda sa isang treatise ni Abbé Jean-Baptiste Dubos (1670–1742) Mga Kritikal na Pagninilay sa Tula at Pagpinta(1719). Itinuring ng may-akda ng treatise ang problema sa aesthetic, psychological at biological na antas. Ang isang henyo, sa kanyang isip, ay hindi lamang may isang masiglang espiritu at isang malinaw na imahinasyon, ngunit mayroon ding isang kanais-nais na komposisyon ng dugo. Inaasahan ang mga pangunahing probisyon ng kultural-kasaysayang paaralan ng Hippolyte Taine, isinulat ni Dubos na ang oras at lugar, pati na rin ang klima, ay napakahalaga para sa paglitaw ng henyo. Inilagay ni Kant ang espesyal na nilalaman sa konsepto ng "henyo". Ang henyo ni Kant ay espirituwal na pagiging eksklusibo, ito ay isang artistikong talento kung saan naiimpluwensyahan ng kalikasan ang sining, na nagpapakita ng karunungan nito. Ang henyo ay hindi sumusunod sa anumang mga patakaran, ngunit lumilikha ng mga pattern kung saan maaaring mahihinuha ang ilang mga patakaran. Tinukoy ni Kant ang henyo bilang ang kakayahang makita ang mga aesthetic na ideya, i.e. mga larawang hindi naa-access sa pag-iisip.

Inspirasyon. Ang mga makasaysayang pananaw sa likas na katangian ng henyo ay patuloy na binuo alinsunod sa pag-unlad ng pag-unawa sa proseso ng malikhaing mismo at isa sa mga pangunahing elemento nito - inspirasyon. Higit pang Plato sa diyalogo At siya Nagsalita siya tungkol sa katotohanan na sa sandali ng malikhaing pagkilos ang makata ay nasa isang estado ng siklab ng galit, siya ay hinihimok ng banal na kapangyarihan. Ang hindi makatwirang aspeto ng pagkamalikhain ay binigyang-diin ni Kant. Napansin niya ang hindi alam ng malikhaing gawa. Ang pamamaraan ng gawa ng artista, isinulat niya sa Pagpuna sa kakayahan ng mga paghatol, hindi maintindihan, ay isang misteryo sa karamihan ng mga tao, at kung minsan sa artist mismo.

Kung ang hindi makatwiran na mga teorya ng pagkamalikhain ay natanto ang likas na katangian ng malikhaing pagkilos bilang isang espesyal na pagpapakita ng espiritu, kung gayon ang positivistically oriented na aesthetic na tradisyon ay itinuturing na inspirasyon bilang isang nakikilalang kababalaghan na hindi naglalaman ng anumang mystical at supernatural. Ang inspirasyon ay ang resulta ng matinding nakaraang trabaho, isang mahabang malikhaing paghahanap. Sa gawa ng inspirasyon, ang talento at husay ng artista, ang kanyang karanasan sa buhay at kaalaman ay pinagsama.

Masining na intuwisyon. Ang artistikong intuwisyon ay isang partikular na mahalagang elemento para sa inspirasyon. Ang problemang ito ay binuo ng Pranses na siyentipiko na si Henri Bergson. Naniniwala siya na ang artistikong intuwisyon ay isang walang interes na mystical na pagmumuni-muni at ganap na walang utilitarian na simula. Ito ay umaasa sa walang malay sa isang tao. Sa trabaho malikhaing ebolusyon(Salin sa Ruso, 1914) Isinulat ni Bergson na ang sining, sa pamamagitan ng artistikong intuwisyon, ay nagmumuni-muni sa mundo sa kabuuan, sa patuloy na pag-unlad nito sa natatanging singularidad ng mga phenomena. Ang malikhaing intuwisyon ay nagbibigay-daan sa artist na maglagay ng pinakamataas na pagpapahayag sa kanyang gawa. Ang immediacy ng perception ay nakakatulong sa kanya na maiparating ang kanyang nararamdaman. Ang pagkamalikhain, bilang patuloy na pagsilang ng bago, ay, ayon kay Bergson, ang kakanyahan ng buhay, na taliwas sa aktibidad ng talino, na hindi kayang lumikha ng bago, ngunit pagsasama-sama lamang ang luma.

Sa intuitive aesthetics ni Benedetto Croce, pinaka-ganap na kinakatawan sa trabaho Aesthetics bilang isang agham ng pagpapahayag at bilang pangkalahatang linggwistika(1902) ang sining ay walang iba kundi liriko na intuwisyon. Binibigyang-diin ang pagiging malikhain, mapaghugis ng hindi makatwirang intuwisyon, paghawak (kumpara sa mga konsepto), natatangi, hindi nauulit. Ang Art sa Croce ay walang malasakit sa intelektwal na kaalaman, at ang kasiningan ay hindi nakasalalay sa ideya ng gawain.

Masining na imahe. Sa proseso ng artistikong pagkamalikhain, kung saan ang pag-iisip, imahinasyon, pantasya, karanasan, inspirasyon, intuwisyon ng artist ay lumahok, isang artistikong imahe ay ipinanganak. Paglikha ng isang masining na imahe, sinasadya o hindi sinasadya ng lumikha ang epekto nito sa publiko. Ang isa sa mga elemento ng naturang epekto ay maaaring ituring na kalabuan at pagmamaliit ng masining na imahe.

Ang Innuendo ay nagpapasigla sa pag-iisip ng nakakakita, nagbibigay ng saklaw para sa malikhaing imahinasyon. Ang isang katulad na paghatol ay ipinahayag ni Schelling sa kurso ng mga lektura Pilosopiya ng sining(1802-1805), kung saan ipinakilala ang konsepto ng "infinity of unconsciousness". Sa kanyang opinyon, inilalagay ng artista ang kanyang trabaho, bilang karagdagan sa ideya, "isang uri ng kawalang-hanggan", hindi naa-access sa anumang "may hangganan na pag-iisip". Ang anumang gawa ng sining ay nagbibigay-daan sa walang katapusang bilang ng mga interpretasyon. Kaya, ang buong pag-iral ng isang masining na imahe ay hindi lamang ang pagsasakatuparan ng isang masining na ideya sa isang natapos na gawain, kundi pati na rin ang aesthetic perception nito, na isang kumplikadong proseso ng pakikipagsabwatan at co-creation ng perceiving na paksa.

Pagdama. Ang mga isyu ng pagtanggap (pang-unawa) ay nasa larangan ng pananaw ng mga theorists ng "Constanz school" (H.R. Jauss, V. Iser at iba pa), na lumitaw sa Germany noong huling bahagi ng 1960s. Salamat sa kanilang mga pagsisikap, ang mga prinsipyo ng receptive aesthetics ay nabuo, ang mga pangunahing ideya kung saan ay ang kamalayan ng makasaysayang pagkakaiba-iba ng kahulugan ng akda, na resulta ng pakikipag-ugnayan ng perceiving na paksa (tatanggap) at ng may-akda.

malikhaing imahinasyon. Ang isang kinakailangang kondisyon para sa parehong paglikha at pang-unawa ng isang gawa ng sining ay malikhaing imahinasyon. Binigyang-diin ni F. Schiller na ang sining ay maaari lamang malikha sa pamamagitan ng malayang kapangyarihan ng imahinasyon, at samakatuwid ang sining ay ang paraan upang mapagtagumpayan ang pagiging pasibo.

Bilang karagdagan sa mga praktikal at artistikong anyo ng aesthetic na aktibidad, mayroong mga panloob, espirituwal na anyo nito: emosyonal-intelektwal, na gumagawa ng mga aesthetic na impresyon at ideya, aesthetic na panlasa at mithiin, pati na rin ang teoretikal, pagbuo ng mga aesthetic na konsepto at pananaw. Ang mga anyo ng aesthetic na aktibidad ay direktang nauugnay sa konsepto ng "aesthetic consciousness".

aesthetic na kamalayan. Ang pagtitiyak ng kamalayan ng aesthetic ay ang pagdama ng pagiging at lahat ng mga anyo at uri nito sa mga tuntunin ng aesthetics sa pamamagitan ng prisma. aesthetic ideal. Ang aesthetic consciousness ng bawat panahon ay sumisipsip ng lahat ng reflection sa kagandahan at sining na umiiral dito. Kabilang dito ang nangingibabaw na mga ideya tungkol sa kalikasan ng sining at wika nito, masining na panlasa, pangangailangan, mithiin, aesthetic na konsepto, masining na pagtatasa at pamantayan na nabuo ng aesthetic na kaisipan.

Ang pangunahing elemento ng aesthetic consciousness ay aesthetic sense. Ito ay maaaring ituring bilang ang kakayahan at emosyonal na reaksyon ng isang indibidwal na nauugnay sa karanasan ng pagdama ng isang aesthetic na bagay. Ang pag-unlad ng isang aesthetic na kahulugan ay humahantong sa aesthetic na pangangailangan, ibig sabihin. sa pangangailangang malasahan at madagdagan ang maganda sa buhay. Ang mga aesthetic na damdamin at pangangailangan ay ipinahayag sa aesthetic na lasa- ang kakayahang mapansin ang aesthetic na halaga ng isang bagay. Ang problema ng panlasa ay sentro sa aesthetics ng Enlightenment. Si Diderot, na tinatanggihan ang isa sa pinakamahalagang probisyon ng Cartesian aesthetics tungkol sa likas na lasa, ay naniniwala na ang lasa ay nakuha sa pang-araw-araw na pagsasanay. Ang lasa bilang isang kategorya ng aesthetic ay isinasaalang-alang din nang detalyado ni Voltaire. Tinukoy niya ito bilang kakayahang makilala ang maganda at pangit. Ang ideal ng isang artista ay isang tao na ang henyo ay pinagsama sa panlasa. Ang lasa ay hindi lamang isang subjective na kalidad. Ang mga paghatol sa panlasa ay karaniwang may bisa. Ngunit kung ang lasa ay may layunin na nilalaman, kung gayon, dahil dito, ito ay nagpapahiram sa edukasyon. Nakita ni Voltaire ang paglutas ng antinomy ng mabuti at masamang lasa sa kaliwanagan ng lipunan.

Ang mga sikolohikal na tampok ng mga paghatol ng panlasa ay pinag-aralan ng pilosopong Ingles na si David Hume. Sa karamihan ng kanyang mga sinulat Tungkol sa pamantayan ng panlasa,Tungkol sa trahedya,Sa pagpipino ng lasa at epekto atbp.), nangatuwiran siya na ang lasa ay nakasalalay sa natural, emosyonal na bahagi ng isang buhay na organismo. Inihambing niya ang katwiran at panlasa, sa paniniwalang ang katwiran ay nagbibigay ng kaalaman sa katotohanan at kasinungalingan, ang panlasa ay nagbibigay ng pang-unawa sa kagandahan at kapangitan, kasalanan at kabutihan. Iminungkahi ni Hume na ang kagandahan ng isang akda ay hindi nakasalalay sa sarili nito, kundi sa pakiramdam o panlasa ng nakakakita. At kapag ang isang tao ay pinagkaitan ng pakiramdam na ito, hindi niya naiintindihan ang kagandahan, kahit na siya ay komprehensibong pinag-aralan. Ang lasa ay nakikilala sa pamamagitan ng isang tiyak na regularidad, na maaaring pag-aralan at baguhin sa tulong ng mga argumento at pagmumuni-muni. Ang kagandahan ay nangangailangan ng aktibidad ng mga intelektwal na kakayahan ng isang tao na dapat "mag-alab sa daan" para sa tamang pakiramdam.

Ang problema ng panlasa ay sinakop ang isang espesyal na lugar sa aesthetic reflection ni Kant. Napansin niya ang antinomy ng panlasa, isang kontradiksyon na, sa kanyang opinyon, ay likas sa anumang aesthetic na pagsusuri. Sa isang banda, walang pagtatalo tungkol sa panlasa, dahil ang paghatol ng panlasa ay napaka-indibidwal, at walang katibayan ang maaaring pabulaanan ito. Sa kabilang banda, itinuturo niya ang isang bagay na karaniwan na umiiral sa pagitan ng mga panlasa at nagpapahintulot sa kanila na talakayin. Kaya, ipinahayag niya ang kontradiksyon sa pagitan ng indibidwal at pampublikong panlasa, na sa panimula ay hindi malulutas. Sa kanyang opinyon, ang magkahiwalay, magkasalungat na mga paghuhusga tungkol sa panlasa ay maaaring umiral nang magkasama at magkaparehong totoo.

Noong ika-20 siglo ang problema ng aesthetic taste ay binuo ni H.-G. Gadamer. Sa trabaho Katotohanan at Pamamaraan(1960) iniugnay niya ang konsepto ng "lasa" sa konsepto ng "fashion". Sa fashion, ayon kay Gadamer, ang sandali ng social generalization na nakapaloob sa konsepto ng panlasa ay nagiging isang tiyak na katotohanan. Ang fashion ay lumilikha ng isang social addiction na halos imposible upang maiwasan. Dito nakasalalay ang pagkakaiba sa pagitan ng fashion at panlasa. Kahit na ang panlasa ay gumagana sa parehong panlipunang globo gaya ng fashion, hindi ito napapailalim dito. Kung ikukumpara sa paniniil ng fashion, ang lasa ay nagpapanatili ng pagpigil at kalayaan.

Ang aesthetic taste ay isang generalization ng aesthetic na karanasan. Ngunit ito ay higit na subjective na kakayahan. Mas malalim na ginagawang pangkalahatan ang aesthetic practice aesthetic ideal. Ang problema ng ideyal bilang isang teoretikal na suliranin ng aesthetics ay unang inihain ni Hegel. AT Mga lektura sa aesthetics tinukoy niya ang sining bilang pagpapakita ng isang ideyal. Ang aesthetic ideal ay ang ganap na nakapaloob sa sining, kung saan ang sining ay naghahangad at unti-unting umakyat. Ang halaga ng aesthetic ideal sa proseso ng creative ay napakahusay, dahil sa batayan nito ang lasa ng artist, ang lasa ng publiko ay nabuo.

MGA KATEGORYA NG AESTHETIC Ang pangunahing kategorya ng aesthetics ay ang kategoryang "aesthetic". Ang aesthetic ay gumaganap bilang isang komprehensibong generic na unibersal na konsepto para sa aesthetic science, bilang isang "metacategory" na may kaugnayan sa lahat ng iba pang mga kategorya nito.

Pinakamalapit sa kategorya ng "aesthetic" ay ang kategorya ng "maganda". Ang maganda ay isang halimbawa ng isang sensuously contemplated form, isang ideal na alinsunod sa kung saan ang iba pang mga aesthetic phenomena ay isinasaalang-alang. Kung isasaalang-alang ang kahanga-hanga, trahedya, komiks, atbp., ang maganda ay nagsisilbing sukatan. Napakaganda- isang bagay na lumalampas sa panukalang ito. trahedya- isang bagay na nagpapatotoo sa pagkakaiba sa pagitan ng ideyal at katotohanan, kadalasang humahantong sa pagdurusa, pagkabigo, kamatayan. komiks- isang bagay na nagpapatunay din sa pagkakaiba ng ideal at realidad, tanging ang pagkakaibang ito ay nareresolba ng pagtawa. Sa modernong teorya ng aesthetic, kasama ang mga positibong kategorya, ang kanilang mga antipode ay nakikilala - pangit, base, kakila-kilabot. Ginagawa ito sa batayan na ang pag-highlight sa positibong halaga ng anumang mga katangian ay nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng mga kabaligtaran. Dahil dito, dapat isaalang-alang ng siyentipikong pananaliksik ang mga aesthetic na konsepto sa kanilang ugnayan.

PANGUNAHING YUGTO NG PAG-UNLAD NG ESTETIKONG PAG-IISIP. Ang mga elemento ng aesthetic reflection ay matatagpuan sa mga kultura ng Sinaunang Egypt, Babylon, Sumer at iba pang mga tao ng Sinaunang Silangan. Ang aesthetic na kaisipan ay nakatanggap lamang ng sistematikong pag-unlad sa mga sinaunang Griyego.

Ang mga unang halimbawa ng doktrinang aesthetic ay nilikha ng mga Pythagorean (ika-6 na siglo BC). Ang kanilang mga aesthetic na pananaw ay nabuo sa tradisyon ng cosmological philosophy, batay sa malapit na relasyon ng tao at ng uniberso. Ipinakilala ni Pythagoras ang konsepto ng kosmos bilang isang ayos na pagkakaisa. Ang pangunahing pag-aari nito ay pagkakaisa. Mula sa mga Pythagorean ay nagmula ang ideya ng pagkakaisa bilang pagkakaisa ng sari-sari, ang pagkakaisa ng magkasalungat.

Si Pythagoras at ang kanyang mga tagasunod ay lumikha ng tinatawag na doktrina ng "ang pagkakaisa ng mga globo", i.e. musikang nilikha ng mga bituin at planeta. Binuo din nila ang doktrina ng kaluluwa, na kung saan ay pagkakasundo, o sa halip, consonance, batay sa isang digital ratio.

Ang doktrina ng mga sophist, na nag-ambag sa pagsilang ng aesthetics, ay lumitaw noong ika-5 siglo. BC. Sa wakas ay binuo ni Socrates at ipinaliwanag ng kanyang mga alagad, ito ay isang antropolohikal na kalikasan.

Batay sa paniniwala na ang kaalaman ay mabait, naiintindihan niya ang kagandahan bilang kagandahan ng kahulugan, kamalayan, katwiran. Ang pinakamahalagang kinakailangan para sa kagandahan ng mga bagay ay ang kanilang pagiging angkop at pagganap na katwiran.

Siya ang nagmamay-ari ng ideya na ang maganda sa sarili nito ay naiiba sa mga indibidwal na magagandang bagay. Sa unang pagkakataon, itinatangi ni Socrates ang maganda bilang perpektong unibersal mula sa totoong buhay na pagpapakita nito. Una niyang hinawakan ang problema ng siyentipikong epistemolohiya sa aesthetics at binalangkas ang tanong: ano ang ibig sabihin ng konsepto ng "maganda" sa sarili nito.

Inilalagay ni Socrates ang imitasyon bilang prinsipyo ng artistikong pagkamalikhain ( mimesis), na itinuturing na isang imitasyon ng buhay ng tao.

Ang mga antropolohikal na aesthetics ay nagtanong sa pilosopiya, ang mga sagot na makikita natin kina Plato at Aristotle. Ang detalyadong aesthetic na pagtuturo ni Plato ay ipinakita sa mga gawaing tulad ng Pista,Phaedrus,At siya, Hippias the Greater,Estado atbp Ang isang mahalagang aspeto ng Platonic aesthetics ay ang pag-unawa sa kagandahan. Ang kagandahan sa kanyang pang-unawa ay isang espesyal na uri ng espirituwal na diwa, isang ideya. Ang ganap, supersensible na ideya ng maganda ay nasa labas ng oras, espasyo, sa labas ng pagbabago. Dahil ang maganda ay isang ideya (eidos), hindi ito maiintindihan ng pakiramdam. Ang maganda ay naiintindihan sa pamamagitan ng isip, intelektuwal na intuwisyon. AT Pira Si Plato ay nagsasalita ng isang uri ng hagdan ng kagandahan. Sa tulong ng enerhiya ng eros, ang isang tao ay umakyat mula sa kagandahan ng katawan tungo sa kagandahang espirituwal, mula sa kagandahang espirituwal hanggang sa kagandahan ng mga kaugalian at batas, pagkatapos ay sa kagandahan ng pagtuturo at agham. Ang kagandahang ipinahayag sa pagtatapos ng paglalakbay na ito ay isang ganap na kagandahan na hindi maipahayag sa ordinaryong mga salita. Ito ay lampas sa pagiging at pag-alam. Ang pagpapalawak ng hierarchy ng kagandahan sa ganitong paraan, dumating si Plato sa konklusyon na ang kagandahan ay isang pagpapakita ng banal na prinsipyo sa tao. Ang kakaibang katangian ng maganda sa Plato ay nakasalalay sa katotohanan na ito ay kinuha sa labas ng mga hangganan ng sining. Ang sining, mula sa kanyang pananaw, ay isang imitasyon ng mundo ng mga matinong bagay, at hindi ang tunay na mundo ng mga ideya. Dahil ang mga tunay na bagay ay mga kopya mismo ng mga ideya, ang sining, na ginagaya ang matinong mundo, ay isang kopya ng mga kopya, isang anino ng mga anino. Pinatunayan ni Plato ang kahinaan at di-kasakdalan ng sining sa daan patungo sa kagandahan.

Si Aristotle, sa kabila ng pagpapatuloy ng mga aesthetic na pananaw, ay lumikha ng kanyang sariling aesthetic theory, naiiba sa Platonism. Sa kanyang mga treatise Sa sining ng tula (Poetics),Retorika,Pulitika,Metaphysics ang mga teksto ay ipinakita na sa isang tiyak na paraan na may kaugnayan sa aesthetics. Sa kanila, tinukoy niya ang kagandahan, ang mga unibersal na tampok na kung saan ay laki at kaayusan. Ngunit ang kagandahan ni Aristotle ay hindi limitado sa mga tampok na ito. Hindi sila maganda sa kanilang sarili, ngunit may kaugnayan lamang sa pang-unawa ng tao, kapag sila ay proporsyonal sa mata at pandinig ng tao. Hinahati ang aktibidad ng tao sa pag-aaral, pagkilos at paglikha, tinutukoy niya ang sining sa paglikha batay sa mga patakaran. Kung ikukumpara kay Plato, pinalawak niya nang malaki ang doktrina ng imitasyon (mimesis), na nauunawaan niya bilang isang imahe ng pangkalahatan.

Catharsis(gr.

katarsis - paglilinis). Ito ay bumalik sa sinaunang Pythagoreanism, na nagrekomenda ng musika para sa paglilinis ng kaluluwa. Si Heraclitus, ayon sa patotoo ng mga Stoic, ay nagsalita tungkol sa paglilinis sa pamamagitan ng apoy. Iniharap ni Plato ang doktrina ng catharsis bilang pagpapalaya ng kaluluwa mula sa katawan, mula sa mga hilig, mula sa mga kasiyahan. Binuo ni Aristotle ang doktrina ng catharsis bilang batayan ng aesthetic na karanasan. Ang artistikong pagkamalikhain, ayon kay Aristotle, sa tulong ng imitasyon ay nakararating sa patutunguhan sa mga magagandang anyo na nililikha nito. Ang anyo na nilikha ng lumikha ay nagiging paksa ng kasiyahan para sa receptive viewer. Ang enerhiya na namuhunan sa isang trabaho na nakakatugon sa lahat ng mga kinakailangan ng tunay na craftsmanship at magandang anyo ay bumubuo ng isang bagong enerhiya - ang emosyonal na aktibidad ng isang receptive soul. Ang problema ng kasiyahan ay isang mahalagang bahagi ng aesthetics ni Aristotle. Ang kasiyahan sa sining ay tumutugma sa isang makatwirang ideya at may makatwirang batayan. Ang kasiyahan at emosyonal na paglilinis ay ang pangwakas na layunin ng sining, catharsis.

Kalokagatiya. Binuo din ni Aristotle ang doktrina ng kalokagatia, katangian ng sinaunang panahon (mula sa Griyego.

kalos - maganda at agathos - mabuti, perpekto sa moral) - ang pagkakaisa ng etikal na "mabuti" at aesthetically "maganda". Ang Kalokagatiya ay ipinaglihi bilang isang bagay na buo at malaya. Naiintindihan ng pilosopo ang "mabuti" bilang panlabas na mga pagpapala ng buhay (kapangyarihan, kayamanan, katanyagan, karangalan), at "maganda" bilang panloob na mga birtud (katarungan, katapangan, atbp.). , kung gayon walang pagkakaiba sa pagitan nila. Ang Kalokagatiya, ayon kay Aristotle, ay isang panloob na unyon ng moralidad at kagandahan batay sa paglikha, paggamit at pagpapabuti ng materyal na kayamanan.

Entelechy(mula sa Greek.

entelecheia natapos, natapos). Ang Entelechy ay ang proseso ng pagbabago ng walang anyo na bagay sa isang bagay na buo at nakaayos. Ang lahat ng nakapaligid sa isang tao, pinaniniwalaan ng pilosopo, ay nasa isang estado ng kaguluhan. Ang mekanismo ng entelechy ay nagbibigay-daan sa proseso ng malikhaing aktibidad na baguhin ang hindi maayos na "substance ng buhay" sa isang ordered "substance of form". Isinasagawa ng sining ang prosesong ito sa pamamagitan ng artistikong anyo, kaayusan at pagkakaisa, pagbabalanse ng mga hilig, catharsis. Marami sa mga ideya na ipinahayag ni Aristotle ay natagpuan ang kanilang karagdagang pag-unlad sa kasunod na European aesthetic theories.

Sa pagtatapos ng unang panahon, isang bagong konsepto ng kagandahan at sining ang iniharap ni Plotinus. Ang kanyang neoplatonismo sa huling antigong aesthetics ay ang link sa pagitan ng antiquity at Kristiyanismo. Ang mga nakolektang gawa ng pilosopo ay tinawag Ennead. Ang mga aesthetics ni Plotinus sa kanyang mga gawa ay hindi palaging ipinahayag nang hayag. Ito ay ipinahayag sa pangkalahatang pilosopikal na konsepto ng nag-iisip. Para kay Plotinus, ang kagandahan ay nakapaloob sa visual at auditory perceptions, sa kumbinasyon ng mga salita, melodies at ritmo, sa mga aksyon, kaalaman, at mga birtud ng tao. Ngunit ang ilang mga bagay ay maganda sa kanilang sarili, habang ang iba ay dahil lamang sa kanilang pakikilahok sa ibang bagay. Ang kagandahan ay hindi lumalabas sa mismong bagay, ngunit mayroong ilang uri ng di-materyal na kakanyahan, o eidos (ideya). Ang eidos na ito ay nag-uugnay sa magkakaibang mga bahagi at dinadala ang mga ito sa pagkakaisa, hindi panlabas at mekanikal, ngunit panloob. Ang Eidos ay ang criterion ng lahat ng aesthetic na pagsusuri.

Itinuro ni Plotinus na ang tao ay nagmula sa pangunahing pinagmumulan ng lahat ng nilalang, ang ganap na kabutihan, ang una. Mula sa pinagmulang ito ay nagmumula ang isang emanation (paglabas) ng walang hanggan na enerhiya ng una hanggang sa sariling katangian, na unti-unting humihina, habang nasa daan nito ang paglaban ng madilim na inert matter, walang anyo na di-pagkakaroon. Ang indibidwal na tao ay isang nilalang na nahiwalay sa kanyang tamang lugar sa orihinal. Samakatuwid, patuloy niyang nararamdaman ang pagnanais na bumalik sa bahay, kung saan mas malakas ang enerhiya. Ang metapisiko na landas na ito ng gumagala ay nagsisilbi sa pilosopiya ni Plotinus bilang paliwanag ng moral at aesthetic na karanasan. Ang pag-ibig sa kagandahan ay nauunawaan bilang metapisiko na pananabik ng kaluluwa para sa dating tahanan nito. Siya ay naghahangad sa kanyang dating tirahan - sa mabuti, sa Diyos at sa katotohanan. Kaya, ang pangunahing ideya ng aesthetic na pagtuturo ni Plotinus ay ang pag-unawa sa kagandahan mula sa senswal na kasiyahan hanggang sa pagsasama sa hindi maintindihan na primordial unity. Ang kagandahan ay nakakamit lamang bilang resulta ng pakikibaka ng espiritu sa sensual na bagay. Ang kanyang ideya ng pagala-gala ng isang hindi mapakali na kaluluwa na umalis sa kanyang tirahan at ang kanyang pagbabalik ay may malaking impluwensya sa mga gawa ni Augustine, Thomas Aquinas, ang gawain ni Dante, at sa buong pilosopiko at aesthetic na kaisipan ng Middle Ages.

Estetika ng Byzantium. Ang pagbuo ng Byzantine aesthetics ay nagaganap sa ika-4-6 na siglo. Ito ay batay sa mga turo ng mga kinatawan ng Eastern patristics Gregory ng Nazianzus, Athanasius ng Alexandria, Gregory ng Nyssa, Basil the Great, John Chrysostom, pati na rin ang mga gawa ni Pseudo-Dionysius the Areopagite - Areopagitics, na nagkaroon ng malaking epekto sa medieval aesthetics ng parehong Silangan at Kanluran. Ang ganap na transendental na kagandahan sa mga aesthetic na turong ito ay ang Diyos, na umaakit sa kanyang sarili, ay nagbubunga ng pag-ibig. Ang kaalaman sa Diyos ay nagagawa sa pamamagitan ng pag-ibig. Isinulat ni Pseudo-Dionysius na ang maganda bilang pinakahuling dahilan ay ang limitasyon ng lahat at ang object ng pag-ibig. Ito rin ay isang modelo, dahil alinsunod dito ang lahat ay tumatanggap ng katiyakan. Ibinahagi ng mga nag-iisip ng Byzantine ang konsepto ng transendental at makalupang kagandahan, na iniuugnay ito sa hierarchy ng makalangit at makalupang mga nilalang. Ayon kay Pseudo-Dionysius, ang ganap na banal na kagandahan ay nasa unang lugar, ang kagandahan ng mga celestial na nilalang ay nasa pangalawa, at ang kagandahan ng mga bagay ng materyal na mundo ay nasa ikatlo. Ang saloobin ng mga Byzantine sa materyal, ang kagandahang nakikita ng senswal ay hindi magkatugma. Sa isang banda, siya ay iginagalang bilang resulta ng banal na paglikha, sa kabilang banda, siya ay hinatulan bilang pinagmumulan ng senswal na kasiyahan.

Ang isa sa mga pangunahing problema ng Byzantine aesthetics ay ang problema ng imahe. Nakakuha ito ng partikular na pangangailangan ng madaliang pagkilos kaugnay ng mga iconoclastic na pagtatalo (ika-8-9 na siglo). Naniniwala ang mga iconoclast na ang imahe ay dapat na consubstantial sa prototype, i.e. maging isang perpektong replika. Ngunit dahil ang prototype ay kumakatawan sa ideya ng banal na prinsipyo, hindi ito maaaring ilarawan sa tulong ng mga anthropomorphic na imahe.

Juan ng Damascus sa isang sermon Laban sa mga tumatanggi sa mga banal na icon at Theodore Studite (759–826) sa Mga pagtanggi sa iconoclast iginiit ang pagkakaiba sa pagitan ng imahe at prototype, na pinagtatalunan na ang imahe ng banal na archetype ay dapat na magkapareho dito hindi "sa esensya", ngunit "sa pangalan" lamang. Ang icon ay isang imahe ng perpektong nakikitang larawan (internal eidos) ng prototype. Ang interpretasyong ito ng ugnayan sa pagitan ng imahe at ng prototype ay batay sa pag-unawa sa kondisyonal na katangian ng imahe. Ang imahe ay naunawaan bilang isang kumplikadong artistikong istraktura, bilang isang "hindi magkatulad na pagkakahawig".

Liwanag. Ang isa sa pinakamahalagang kategorya ng Byzantine aesthetics ay ang kategorya ng liwanag. Sa walang ibang kultura ay binigyan ng ganoong kahalagahan ang liwanag. Ang problema ng liwanag ay pangunahing binuo sa loob ng balangkas ng ascetic aesthetics na binuo sa Byzantine monasticism. Ang panloob na aesthetics na ito (mula sa lat.

panloob - panloob) ay may etikal at mystical na oryentasyon at ipinangaral ang pagtanggi sa mga senswal na kasiyahan, isang sistema ng mga espesyal na espirituwal na pagsasanay na naglalayong pag-isipan ang liwanag at iba pang mga pangitain. Ang mga pangunahing kinatawan nito ay sina Macarius ng Egypt, Nile ng Ancyra, John of the Ladder, Isaac the Syrian. Ayon sa kanilang pagtuturo, ang liwanag ay isang pagpapala. Mayroong dalawang uri ng liwanag: nakikita at espirituwal. Ang nakikitang liwanag ay nag-aambag sa organikong buhay, ang espirituwal na liwanag ay pinagsasama ang mga espirituwal na puwersa, nagiging mga kaluluwa sa totoong pagkatao. Ang espirituwal na liwanag ay hindi nakikita sa kanyang sarili, ito ay nakatago sa ilalim ng iba't ibang mga imahe. Ito ay nakikita ng mga mata ng isip, ng mata ng isip. Ang liwanag sa tradisyon ng Byzantine ay lumilitaw bilang isang mas pangkalahatan at mas espirituwal na kategorya kaysa sa kagandahan.

Kulay. Ang isa pang pagbabago ng kagandahan sa Byzantine aesthetics ay kulay. Ang kultura ng kulay ay ang resulta ng mahigpit na canonicity ng Byzantine art. Sa pagpipinta ng simbahan, nabuo ang isang mayamang simbolismo ng kulay at isang mahigpit na hierarchy ng kulay ang naobserbahan. Ang bawat kulay ay may malalim na kahulugan sa relihiyon.

Binabago ng Byzantine aesthetics ang sistema ng mga kategorya ng aesthetic, sa ibang paraan kaysa sa sinaunang isa, na nagbibigay-diin sa lugar na ito. Hindi niya gaanong binibigyang pansin ang mga kategorya tulad ng pagkakaisa, sukat, kagandahan. Kasabay nito, sa sistema ng mga ideya na naging laganap sa Byzantium, ang isang malaking lugar ay inookupahan ng kategorya ng kahanga-hanga, pati na rin ang mga konsepto ng "imahe" at "simbolo".

Simbolismo ay isa sa mga pinaka-katangiang phenomena ng medyebal na kultura, parehong Silangan at Kanluran. Ang mga simbolo ay naisip sa teolohiya, panitikan, sining. Ang bawat bagay ay itinuturing na isang imahe ng isang bagay na nauugnay dito sa isang mas mataas na globo, ay naging isang simbolo ng mas mataas na ito. Sa Middle Ages, ang simbolismo ay unibersal. Ang pag-iisip ay ang pagtuklas ng mga nakatagong kahulugan magpakailanman. Ayon sa konsepto ng patristiko, ang Diyos ay transendente, at ang Uniberso ay isang sistema ng mga simbolo at palatandaan (signs) na tumuturo sa Diyos at sa espirituwal na globo ng pagiging. Sa aesthetic medieval consciousness, ang pandama na mundo ay pinalitan ng isang perpekto, simbolikong mundo. Ang simbolismo ng Medieval ay ibinibigay sa buhay na mundo ang pag-aari ng reflectivity, ilusyon na kalikasan. Dito nagmula ang kabuuang simbolismo ng Kristiyanong sining.

Tradisyunal na aesthetics ng Silangan. India. Ang batayan ng mga aesthetic na ideya ng Sinaunang India ay ang mythopoetic na tradisyon, na natagpuan ang pagpapahayag sa makasagisag na sistema ng Brahmanism. Ang doktrina ng Brahman - ang unibersal na ideyal - ay binuo sa mga Upanishad, na ang pinakauna ay itinayo noong ika-8-6 na siglo. dati. AD Ang "pag-alam" kay Brahman ay posible lamang sa pamamagitan ng pinakamalakas na karanasan ng pagiging (aesthetic contemplation). Ang supersensible na pagmumuni-muni na ito ay tila ang pinakamataas na kaligayahan at direktang nauugnay sa aesthetic na kasiyahan. Ang estetika at simbolismo ng mga Upanishad ay may malaking impluwensya sa imahe at estetika ng mga tulang epiko ng India. Mahabharata at Ramayana at sa kabuuan ng karagdagang pag-unlad ng aesthetic na kaisipan ng India.

Ang isang tampok na katangian ng aesthetic reflection ng medieval India ay ang kawalan ng interes sa mga tanong tungkol sa aesthetic sa kalikasan at buhay. Tanging sining, pangunahin ang panitikan at teatro, ang nagiging paksa ng pagninilay. Ang pangunahing layunin ng isang likhang sining ay damdamin. Ang aesthetic ay nagmula sa emosyonal. Ang sentral na konsepto ng lahat ng aesthetic na pagtuturo ay ang konsepto ng "lahi" (literal - "panlasa"), na nagsasaad ng masining na damdamin sa kasaysayan ng sining. Lalo na ang doktrinang ito ng lahi ay binuo ng mga theoreticians ng paaralan ng Kashmir, kung saan ang pinakasikat ay Anandavardhana (ika-9 na siglo), Shankuka (ika-10 siglo), Bhatta Nayaka (ika-10 siglo) at Abhinavagupta (ika-10-11 siglo). Interesado sila sa pagiging tiyak ng aesthetic na damdamin, na hindi dapat malito sa ordinaryong pakiramdam. Ang rasa, hindi bilang isang tiyak na pakiramdam, ay isang karanasan na lumitaw sa perceiving na paksa at naa-access lamang sa panloob na kaalaman. Ang pinakamataas na yugto ng aesthetic na karanasan ay ang pagtikim ng lahi, o sa madaling salita, pagpapatahimik sa kamalayan nito, ibig sabihin, aesthetic na kasiyahan.

Tsina.Ang pag-unlad ng tradisyonal na aesthetic na kaisipan ay direktang naimpluwensyahan ng dalawang pangunahing agos ng pilosopiyang Tsino: Confucianism at Taoism. Ang mga aesthetic na turo ni Confucius (552/551-479 BC) at ang kanyang mga tagasunod ay nabuo sa loob ng balangkas ng kanilang socio-political theory. Ang gitnang lugar dito ay inookupahan ng mga konsepto ng "katauhan" at "ritwal", na nakapaloob sa pag-uugali ng isang "marangal na tao". Ang layunin ng mga moral na kategoryang ito ay upang mapanatili ang mga etikal na pundasyon sa lipunan at ayusin ang isang maayos na kaayusan sa mundo. Malaki ang kahalagahan ng sining, na nakita bilang isang paraan ng moral na pagiging perpekto at edukasyon ng pagkakaisa ng espiritu. Isinailalim ng Confucianism ang mga aesthetic na pangangailangan sa mga etikal. Ang napaka "maganda" sa Confucius ay kasingkahulugan ng "mabuti", at ang aesthetic ideal ay nakita bilang ang pagkakaisa ng maganda, mabuti at kapaki-pakinabang. Dito nagmumula ang isang malakas na didaktikong simula sa tradisyonal na aesthetics ng China. Ang aesthetic na tradisyon na ito ay nanindigan para sa pagiging tunay at makulay ng sining. Itinuring niya ang pagkamalikhain bilang tuktok ng propesyonal na kasanayan, at ang artist bilang tagalikha ng sining.

Ang isa pang linya ay konektado sa mga turo ng Taoist. Ang Lao Tzu (ika-6 na siglo BC) at Chuang Tzu (ika-4–3 siglo BC) ay itinuturing na mga tagapagtatag nito. Kung ang mga Confucian ay nagbigay ng pangunahing atensyon sa kanilang pagtuturo sa etikal na prinsipyo, kung gayon ang mga Taoista ay nagbigay ng pangunahing pansin sa aesthetic na prinsipyo. Ang sentral na lugar sa Taoism ay inookupahan ng teorya ng "Tao" - ang landas, o ang walang hanggang pagkakaiba-iba ng mundo. Ang isa sa mga katangian ng Tao, na may aesthetic na kahulugan, ay ang konsepto ng "tszyran" - naturalness, spontaneity. Pinagtibay ng tradisyong Taoist ang spontaneity ng artistikong pagkamalikhain, ang pagiging natural ng artistikong anyo at ang pagkakaugnay nito sa kalikasan. Kaya't dumating ang hindi mapaghihiwalay ng aesthetic at natural sa tradisyonal na aesthetics ng China. Ang pagkamalikhain sa Taoism ay nakita bilang isang paghahayag at pagdagsa, at ang artist bilang isang kasangkapan para sa "paglikha sa sarili" ng sining.

Hapon. Ang pag-unlad ng tradisyonal na aesthetics ng Japan ay naganap sa ilalim ng impluwensya ng Zen Buddhism. Ang kredo na ito ay nagbibigay ng malaking kahalagahan sa pagmumuni-muni at iba pang mga pamamaraan ng psycho-training na nagsisilbi upang makamit ang satori - isang estado ng panloob na kaliwanagan, kapayapaan ng isip at balanse. Ang Zen Buddhism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagtingin sa buhay at ang materyal na mundo bilang isang bagay na panandalian, nababago at malungkot sa kalikasan. Ang mga tradisyonal na estetikang Hapones, na pinagsasama ang mga impluwensyang Confucian mula sa Tsina at ang paaralang Japanese ng Zen Buddhism, ay nakabuo ng mga espesyal na prinsipyo na mahalaga sa sining ng Hapon. Kabilang sa mga ito, ang pinakamahalaga ay ang "wabi" - ang aesthetic at moral na prinsipyo ng pagtamasa ng isang mahinahon at hindi nagmamadaling buhay, malaya sa makamundong alalahanin. Nangangahulugan ito ng simple at dalisay na kagandahan at isang malinaw, mapagnilay-nilay na estado ng pag-iisip. Ang seremonya ng tsaa, ang sining ng pag-aayos ng mga bulaklak, at sining ng paghahardin ay nakabatay sa prinsipyong ito. Ang isa pang prinsipyo ng Japanese aesthetics ay bumalik sa Zen Buddhism - "sabi", na nauugnay sa umiiral na kalungkutan ng isang tao sa isang walang katapusang uniberso. Ayon sa tradisyon ng Budismo, ang kalagayan ng kalungkutan ng tao ay dapat tanggapin nang may tahimik na pagpapakumbaba at hanapin dito ang isang mapagkukunan ng inspirasyon. Ang konsepto ng "yugen" (ang kagandahan ng malungkot na kalungkutan) sa Budismo ay nauugnay sa isang malalim na nakatagong katotohanan na hindi mauunawaan ng intelektwal. Ito ay muling inisip bilang isang aesthetic na prinsipyo, ibig sabihin ay isang misteryosong "otherworldly" na kagandahan na puno ng misteryo, kalabuan, katahimikan at inspirasyon.

Estetika ng Kanlurang Europa Middle Ages malalim na teolohiko. Ang lahat ng mga pangunahing aesthetic na konsepto ay nahahanap ang kanilang pagkumpleto sa Diyos. Sa aesthetics ng unang bahagi ng Middle Ages, ang pinaka-holistic aesthetic theory ay kinakatawan ni Augustine Aurelius. Sa ilalim ng impluwensya ng Neoplatonism, ibinahagi ni Augustine ang ideya ni Plotinus tungkol sa kagandahan ng mundo. Ang mundo ay maganda dahil ito ay nilikha ng Diyos, na siya mismo ang pinakamataas na kagandahan, at siyang pinagmumulan ng lahat ng kagandahan. Ang sining ay hindi lumilikha ng mga tunay na larawan ng kagandahang ito, ngunit ang mga materyal na anyo lamang nito. Kaya naman, naniniwala si Augustine, hindi mismong gawa ng sining ang dapat magustuhan, kundi ang banal na ideyang nakapaloob dito. Kasunod ng sinaunang panahon, ang St. Nagbigay si Augustine ng kahulugan ng kagandahan, simula sa mga palatandaan ng pormal na pagkakaisa. Sa sanaysay Tungkol sa lungsod ng Diyos nagsasalita siya ng kagandahan bilang proporsyonalidad ng mga bahagi na pinagsama sa kaaya-aya ng kulay. Sa konsepto ng kagandahan, iniugnay din niya ang mga konsepto ng proporsyonalidad, anyo at kaayusan.

Ang bagong interpretasyon ng kagandahan sa medieval ay ang pagkakaisa, pagkakaisa, pagkakasunud-sunod ng mga bagay ay maganda hindi sa kanilang sarili, ngunit bilang isang salamin ng pinakamataas na pagkakaisa na parang diyos. Ang konsepto ng "pagkakaisa" ay isa sa mga sentral sa aesthetics ni Augustine. Isinulat niya na ang anyo ng lahat ng kagandahan ay pagkakaisa. Kung mas perpekto ang isang bagay, mas may pagkakaisa ito. Ang maganda ay iisa, dahil ang pagiging mismo ay iisa. Ang konsepto ng aesthetic unity ay hindi maaaring lumabas mula sa pandama na persepsyon. Sa kabaligtaran, ito mismo ang tumutukoy sa pang-unawa ng kagandahan. Pagsisimula ng isang aesthetic na pagtatasa, ang isang tao ay mayroon na sa kaibuturan ng kanyang kaluluwa ang konsepto ng pagkakaisa, na kung saan siya ay naghahanap sa mga bagay.

Ang doktrina ni Augustine ng contrasts at opposites ay may malaking impluwensya sa medieval aesthetics. Sa treatise Tungkol sa lungsod ng Diyos isinulat niya na ang mundo ay nilikha tulad ng isang tula na pinalamutian ng mga antitheses. Ang pagkakaiba at pagkakaiba-iba ay nagbibigay ng kagandahan sa bawat bagay, at ang kaibahan ay nagbibigay ng isang espesyal na pagpapahayag sa pagkakaisa. Upang maging kumpleto at perpekto ang pang-unawa sa kagandahan, ang tamang relasyon ay dapat mag-ugnay sa nagmumuni-muni ng kagandahan sa mismong panoorin. Ang kaluluwa ay bukas sa mga sensasyon na kasuwato nito at tinatanggihan ang mga sensasyong hindi nararapat para dito. Para sa pang-unawa ng kagandahan, kinakailangang magkasundo sa pagitan ng magagandang bagay at kaluluwa. Ito ay kinakailangan na ang isang tao ay dapat magkaroon ng isang hindi makasariling pag-ibig para sa kagandahan.

Thomas Aquinas sa kanyang pangunahing gawain Kabuuan ng mga teolohiya aktwal na summed up Western medieval aesthetics. Ginawa niyang sistematiko ang mga pananaw ni Aristotle, Neoplatonists, Augustine, Dionysius the Areopagite. Ang unang katangiang tanda ng kagandahan, na umaalingawngaw pagkatapos ng kanyang mga hinalinhan na si Thomas Aquinas, ay ang anyo na nakikita ng mataas na damdamin ng tao (pangitain, pandinig). Ang kagandahan ay nakakaapekto sa pakiramdam ng isang tao sa kanyang organisasyon. Siya ay lubos na nagpapatunay ng mga konsepto na may kaugnayan sa mga layunin na katangian ng kagandahan bilang "kaliwanagan", "integridad", "proporsyon", "pagkakapare-pareho". Ang proporsyon, sa kanyang pananaw, ay ang ratio ng espirituwal at materyal, panloob at panlabas, mga ideya at anyo. Sa pamamagitan ng kalinawan, naunawaan niya kapwa ang nakikitang ningning, ang ningning ng isang bagay, at ang panloob, espirituwal na ningning nito. Ang pagiging perpekto ay nangangahulugan ng kawalan ng mga bahid. Ang Kristiyanong pananaw sa mundo ay palaging kasama ang konsepto ng kabutihan sa konsepto ng kagandahan. Bago sa aesthetics ni Thomas Aquinas ay ang pagpapakilala ng pagkakaiba sa pagitan nila. Nakita niya ang pagkakaibang ito sa katotohanan na ang mabuti ay ang paksa at layunin ng patuloy na mithiin ng tao, ang kagandahan ay ang nakamit na layunin kapag ang talino ng tao ay napalaya mula sa lahat ng mithiin ng kalooban, kapag nagsimula siyang makaranas ng kasiyahan. Ang layunin na katangian ng mabuti, sa kagandahan na, kumbaga, ay tumigil na maging isang layunin, ngunit ito ay isang dalisay na anyo, kinuha sa sarili nito, nang walang interes. Ang ganitong pag-unawa sa kagandahan ni Thomas Aquinas ay nagpapahintulot kay F. Losev na tapusin na ang gayong kahulugan ng paksa ng aesthetics ay ang panimulang punto para sa buong aesthetics ng Renaissance.

Estetika ng Renaissance - indibidwalistikong aesthetics. Ang pagiging tiyak nito ay nakasalalay sa kusang pagpapatibay sa sarili ng isang tao na nag-iisip at kumikilos nang masining, nauunawaan ang kalikasan na nakapaligid sa kanya at ang makasaysayang kapaligiran bilang isang bagay ng kasiyahan at imitasyon. Ang aesthetic na doktrina ng Renaissance ay puno ng mga motibo na nagpapatunay sa buhay at mga kabayanihan. Ito ay pinangungunahan ng isang anthropocentric na ugali. Sa aesthetics ng Renaissance, ang pag-unawa sa maganda, dakila, kabayanihan ay nauugnay din sa anthropocentrism. Ang isang tao, ang kanyang katawan ay nagiging modelo ng kagandahan. Ang tao ay nakikita bilang isang pagpapakita ng titanic, ang banal. Siya ay may walang limitasyong mga posibilidad ng kaalaman at sumasakop sa isang pambihirang posisyon sa mundo. Ang gawain ng programa, na may malaking impluwensya sa masining na pag-iisip ng panahon, ay ang treatise Pico dela Mirandola Sa dignidad ng tao(1487). Ang may-akda ay bumubuo ng isang ganap na bagong konsepto ng pagkatao ng tao. Sinabi niya na ang isang tao mismo ay isang tagalikha, isang master ng kanyang sariling imahe. Ito ay nagpapatunay ng isang bagong saloobin patungo sa artist. Ito ay hindi na isang medieval craftsman, ngunit isang komprehensibong edukadong tao, isang kongkretong pagpapahayag ng ideal ng isang unibersal na tao.

Sa Renaissance, naitatag ang pananaw sa sining bilang pagkamalikhain. Ang mga sinaunang at medieval na aesthetics ay itinuturing na sining bilang isang aplikasyon sa bagay ng isang yari na anyo na nasa kaluluwa na ng artist. Sa aesthetics ng Renaissance, ang ideya ay ipinanganak na ang artist mismo ay lumilikha, muling lumilikha ng form na ito mismo. Isa sa mga unang bumalangkas ng ideyang ito ay si Nicholas ng Cusa (1401–1464) sa kanyang treatise Tungkol sa isip. Isinulat niya na ang sining ay hindi lamang ginagaya ang kalikasan, ngunit ito ay malikhain, na lumilikha ng mga anyo ng lahat ng bagay, nagdaragdag at nagwawasto sa kalikasan.

Ang mayamang artistikong kasanayan ng Renaissance ay nagbunga ng maraming treatise sa sining. Ito ang mga sinulat Tungkol sa pagpipinta, 1435; Tungkol sa paglililok, 1464; Tungkol sa arkitektura, 1452 Leona Battista Alberti; Sa Banal na Proporsyon Luca Pacioli (1445–1514); Aklat tungkol sa pagpipinta Leonardo da Vinci. Sa kanila, kinilala ang sining bilang pagpapahayag ng isip ng makata at artista. Ang isang mahalagang katangian ng mga treatise na ito ay ang pagbuo ng teorya ng sining, ang mga problema ng linear at aerial na pananaw, chiaroscuro, proportionality, symmetry, at komposisyon. Ang lahat ng ito ay nakatulong upang gawing stereoscopic ang paningin ng artist, at ang mga bagay na inilalarawan niya, embossed at nahahawakan. Ang masinsinang pag-unlad ng teorya ng sining ay pinasigla ng ideya ng paglikha ng isang ilusyon ng totoong buhay sa isang gawa ng sining.

Ika-17–18 siglo, Enlightenment. Para sa ika-17 siglo ang pangingibabaw ng pilosopikal na aesthetics sa mga praktikal ay katangian. Sa panahong ito, lumitaw ang mga pilosopikal na turo nina Francis Bacon, Thomas Hobbes, Rene Descartes, John Locke, Gottfried Leibniz, na may malaking impluwensya sa aesthetic reflection ng New Age. Ang pinaka-holistic na sistema ng aesthetic ay kinakatawan ng klasisismo, ang batayan ng pananaw sa mundo ay ang rasyonalismo ni Descartes, na nagtalo na ang batayan ng kaalaman ay ang isip. Ang klasiko ay, una sa lahat, ang pangingibabaw ng katwiran. Ang isa sa mga tampok na katangian ng aesthetics ng klasisismo ay maaaring tawaging pagtatatag ng mahigpit na mga patakaran para sa pagkamalikhain. Ang isang gawa ng sining ay naunawaan hindi bilang isang natural na nagaganap na organismo, ngunit bilang isang artipisyal na kababalaghan na nilikha ng tao ayon sa isang plano, na may isang tiyak na gawain at layunin. Ang code ng norms at canons ng classicism ay isang treatise sa taludtod ni Nicolas Boileau sining ng patula(1674). Naniniwala siya na upang makamit ang ideal sa sining, dapat gumamit ng mahigpit na alituntunin. Ang mga alituntuning ito ay batay sa mga sinaunang prinsipyo ng kagandahan, pagkakaisa, ang kahanga-hanga, ang kalunos-lunos. Ang pangunahing halaga ng isang gawa ng sining ay ang kalinawan ng ideya, ang kadakilaan ng ideya at ang tiyak na naka-calibrate na anyo. Sa treatise ni Boileau, ang teorya ng hierarchy ng mga genre na binuo ng aesthetics ng classicism, ang panuntunan ng "tatlong pagkakaisa" (lugar, oras at aksyon), oryentasyon patungo sa isang moral na gawain ( Tingnan din MGA PAGKAKAISA (TATLO): MGA BESES, LUGAR, MGA KILOS).

Sa aesthetic na pag-iisip noong ika-17 siglo. ang baroque na direksyon ay namumukod-tangi, hindi pormal sa isang magkakaugnay na sistema. Ang Baroque aesthetics ay kinakatawan ng mga pangalan gaya ng Baltasar Gracian y Marales (1601-1658), Emmanuele Tesauro (1592-1675) at Matteo Peregrini. Sa kanilang mga sinulat Wit, o ang Sining ng Mabilis na Isip(1642) Graciana; espiya ni Aristotle(1654) Tesauro; Treatise sa talas ng isip(1639) Peregrini) ay bumuo ng isa sa pinakamahalagang konsepto ng baroque aesthetics - "wit", o "mabilis na pag-iisip". Ito ay itinuturing na pangunahing malikhaing puwersa. Ang Baroque wit ay ang kakayahang pagsamahin ang hindi magkatulad. Ang batayan ng pagpapatawa ay isang metapora na nag-uugnay sa mga bagay o ideya na tila walang katapusan na malayo. Ang Baroque aesthetics ay binibigyang diin na ang sining ay hindi isang agham, hindi ito batay sa mga batas ng lohikal na pag-iisip. Ang katalinuhan ay isang tanda ng henyo, na ibinigay ng Diyos, at walang teorya ang makakatulong upang mahanap ito.

Estetika ng baroque lumilikha ng isang sistema ng mga kategorya kung saan ang konsepto ng kagandahan ay binabalewala, at sa halip na pagkakasundo, ang konsepto ng di-pagkakasundo at disonance ay inilalagay sa harap. Ang pagtanggi sa ideya ng isang maayos na istraktura ng Uniberso, ang Baroque ay sumasalamin sa pananaw sa mundo ng isang tao sa simula ng Bagong Panahon, na nauunawaan ang hindi pagkakapare-pareho ng pagiging. Ang saloobing ito ay lalo na malinaw na kinakatawan ng Pranses na palaisip na si Blaise Pascal. Ang pilosopikal na pagmuni-muni ni Pascal, ang kanyang mga akdang pampanitikan ay sumasakop sa isang mahalagang lugar sa aesthetics ng ika-17 siglo. Hindi niya ibinahagi ang pragmatismo at rasyonalidad ng modernong lipunan. Ang kanyang pangitain sa mundo ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na kulay. Ito ay konektado sa mga ideya ng "nakatagong Diyos" at "katahimikan ng mundo". Sa pagitan ng dalawang pagpapakitang ito ay namamalagi ang tao sa kanyang kalungkutan, na ang kalikasan ay tragically dual. Sa isang banda, siya ay dakila sa kanyang katwiran at pakikipag-isa sa Diyos, sa kabilang banda, siya ay hindi gaanong mahalaga, sa kanyang pisikal at moral na kahinaan. Ang ideyang ito ay ipinahayag sa kanyang tanyag na kahulugan: "ang tao ay isang pag-iisip na tambo." Si Pascal sa pormula na ito ay sumasalamin hindi lamang sa kanyang pananaw sa mundo, ngunit naihatid ang pangkalahatang kalagayan ng siglo. Ang kanyang pilosopiya ay tumatagos sa sining ng Baroque, na nauukol sa mga dramatikong plot na muling lumilikha ng magulong larawan ng mundo.

English aesthetics ika-17–18 siglo ipinagtanggol ang sensualistic na mga prinsipyo, umaasa sa mga turo ni John Locke sa sensual na batayan ng pag-iisip. Ang empiricism at sensationalism ni Locke ay nag-ambag sa pagbuo ng mga ideya tungkol sa "panloob na sensasyon", pakiramdam, pagsinta, intuwisyon. Ang ideya ng isang pangunahing malapit na koneksyon sa pagitan ng sining at moralidad, na naging nangingibabaw sa aesthetics ng Enlightenment, ay napatunayan din. Isinulat niya ang tungkol sa relasyon ng kagandahan at kabutihan sa kanyang trabaho Mga katangian ng tao, asal, opinyon at panahon(1711) kinatawan ng tinatawag na "moralizing aesthetics" A.E.K. Shaftesbury. Sa kanyang moral na pilosopiya, umasa si Shaftesbury sa sensasyonalismo ni Locke. Naniniwala siya na ang mga ideya ng kabutihan at kagandahan ay may sensual na batayan, nagmumula sa isang moral na pakiramdam na likas sa tao mismo.

Mga Ideya ng English Enlightenment nagkaroon ng malaking impluwensya sa Pranses na palaisip na si Denis Diderot. Tulad ng kanyang mga nauna, iniuugnay niya ang kagandahan sa moralidad. Si Diderot ang may-akda ng teorya ng Enlightenment realism, na pinatunayan sa kanyang treatise Pilosopikal na pag-aaral ng pinagmulan at kalikasan ng kagandahan(1751). Naunawaan niya ang artistikong pagkamalikhain bilang isang may malay na aktibidad na may makatwirang layunin at nakabatay sa mga pangkalahatang tuntunin ng sining. Nakita ni Diderot ang layunin ng sining sa paglambot at pagpapabuti ng moralidad, sa edukasyon ng kabutihan. Ang isang katangian ng teorya ng aesthetic ni Diderot ay ang pagkakaisa nito sa pagpuna sa sining.

Ang pag-unlad ng aesthetics ng German Enlightenment ay nauugnay sa mga pangalan ni Alexander Baumgarten, Johann Winckelmann, Gotthold Lessing, Johann Herder. Sa kanilang mga gawa, sa unang pagkakataon, ang aesthetics ay tinukoy bilang isang agham, ang prinsipyo ng isang makasaysayang diskarte sa mga gawa ng sining ay nabuo, ang pansin ay iginuhit sa pag-aaral ng pambansang pagkakakilanlan ng artistikong kultura at alamat (I. Herder Sa batik ng pamimintas, 1769;Sa impluwensya ng tula sa mga kaugalian ng mga tao sa sinaunang at modernong panahon, 1778;Calligone, 1800), may posibilidad para sa isang paghahambing na pag-aaral ng iba't ibang uri ng sining (G. Lessing Laocoön, o sa mga Limitasyon ng Pagpipinta at Tula, 1766;Dramaturhiya sa Hamburg, 1767–1769), ang mga pundasyon ng teoretikal na kasaysayan ng sining ay nilikha (I. Winkelman Kasaysayan ng sinaunang sining, 1764).

Aesthetics sa German classical philosophy. Ang mga German enlighteners ay may malaking impluwensya sa kasunod na pag-unlad ng aesthetic thought sa Germany, lalo na ang klasikal na panahon nito. Ang klasikal na aesthetics ng Aleman (huli ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo) ay kinakatawan nina Immanuel Kant, Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Schiller, Friedrich Wilhelm Schelling, Georg Hegel.

Aesthetic view I. Kant outline in Pagpuna sa kakayahan ng paghatol, kung saan itinuring niya ang aesthetics bilang bahagi ng pilosopiya. Binuo niya nang detalyado ang pinakamahalagang problema ng aesthetics: ang doktrina ng panlasa, ang pangunahing mga kategorya ng aesthetic, ang doktrina ng henyo, ang konsepto ng sining at ang kaugnayan nito sa kalikasan, ang pag-uuri ng mga anyo ng sining. Ipinaliwanag ni Kant ang katangian ng aesthetic na paghatol, na naiiba sa lohikal na paghatol. Ang isang aesthetic na paghuhusga ay isang paghatol ng panlasa, ang isang lohikal na isa ay ang layunin nito ang paghahanap para sa katotohanan. Ang kagandahan ay isang espesyal na uri ng aesthetic na paghatol sa panlasa. Ang pilosopo ay nagha-highlight ng ilang mga punto sa pang-unawa ng kagandahan. Una, ito ay ang kawalang-interes ng aesthetic na pakiramdam, na nagmumula sa purong paghanga sa bagay. Ang pangalawang tampok ng maganda ay na ito ay isang bagay ng unibersal na paghanga nang walang tulong ng kategorya ng katwiran. Ipinakilala rin niya ang paniwala ng "expediency without purpose" sa kanyang aesthetics. Sa kanyang opinyon, ang kagandahan, bilang isang anyo ng pagiging angkop ng isang bagay, ay dapat na maramdaman nang walang anumang ideya ng anumang layunin.

Ang isa sa mga unang Kant ay nagbigay ng klasipikasyon ng mga anyo ng sining. Hinahati niya ang sining sa berbal (ang sining ng mahusay na pagsasalita at tula), pictorial (eskultura, arkitektura, pagpipinta) at ang sining ng matikas na paglalaro ng mga sensasyon (musika).

Ang mga problema ng aesthetics ay sinakop ang isang mahalagang lugar sa pilosopiya ni G. Hegel. Isang sistematikong paglalahad ng Hegelian aesthetic theory ang nakapaloob sa kanyang Mga lektura sa aesthetics(inilathala noong 1835-1836). Ang aesthetics ni Hegel ay isang teorya ng sining. Tinukoy niya ang sining bilang isang yugto sa pag-unlad ng ganap na diwa kasama ng relihiyon at pilosopiya. Sa sining, kinikilala ng ganap na espiritu ang sarili sa anyo ng pagmumuni-muni, sa relihiyon - sa anyo ng representasyon, sa pilosopiya - mga konsepto. Ang kagandahan ng sining ay mas mataas kaysa sa likas na kagandahan, dahil ang espiritu ay nakahihigit sa kalikasan. Nabanggit ni Hegel na ang aesthetic na saloobin ay palaging anthropomorphic, ang kagandahan ay palaging tao. Iniharap ni Hegel ang kanyang teorya ng sining sa anyo ng isang sistema. Nagsusulat siya tungkol sa tatlong anyo ng sining: symbolic (East), classical (antiquity), romantiko (Christianity). Sa iba't ibang anyo ng sining, iniuugnay niya ang isang sistema ng iba't ibang sining, na naiiba sa materyal. Itinuring ni Hegel na ang simula ng sining ay arkitektura, na tumutugma sa simbolikong yugto sa pagbuo ng artistikong pagkamalikhain. Ang iskultura ay katangian ng klasikal na sining, habang ang pagpipinta, musika at tula ay katangian ng romantikong sining.

Batay sa pilosopikal at aesthetic na mga turo ni Kant, si F.W. Schelling ay lumikha ng kanyang sariling aesthetic theory. Itinampok ito sa kanyang mga sinulat. Pilosopiya ng sining, ed. 1859 at Sa kaugnayan ng sining sa kalikasan, 1807. Ang sining, sa pag-unawa sa Schelling, ay mga ideya na, bilang "walang hanggang mga konsepto" ay nananatili sa Diyos. Samakatuwid, ang agarang simula ng lahat ng sining ay ang Diyos. Nakikita ni Schelling sa sining ang isang emanation ng absolute. Ang artist ay may utang sa kanyang trabaho sa walang hanggang ideya ng tao, na nakapaloob sa Diyos, na konektado sa kaluluwa at bumubuo ng isang solong kabuuan kasama nito. Ang pagkakaroon ng banal na prinsipyo sa isang tao ay ang "henyo" na nagpapahintulot sa indibidwal na maging materyal ang perpektong mundo. Iginiit niya ang ideya ng higit na kahusayan ng sining sa kalikasan. Sa sining, nakita niya ang pagkumpleto ng espiritu ng mundo, ang pag-iisa ng espiritu at kalikasan, layunin at subjective, panlabas at panloob, mulat at walang malay, pangangailangan at kalayaan. Ang sining para sa kanya ay bahagi ng pilosopikal na katotohanan. Itinaas niya ang tanong ng paglikha ng isang bagong larangan ng aesthetics - ang pilosopiya ng sining at inilalagay ito sa pagitan ng banal na ganap at ng philosophizing isip.

Si Schelling ay isa sa mga pangunahing theorists ng aesthetics ng Romanticism. Ang pinagmulan ng romanticism ay nauugnay sa paaralan ng Jena, na ang mga kinatawan ay ang magkapatid na August Schlegel at Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (1773–1798), Ludwig Tieck.

Ang mga pinagmulan ng pilosopiya ng romantisismo ay nasa subjective idealism ni Fichte, na nagpahayag ng subjective na "I" bilang simula. Batay sa konsepto ni Fichte ng libre, walang limitasyong malikhaing aktibidad, pinatunayan ng Romantics ang awtonomiya ng artist kaugnay sa labas ng mundo. Ang kanilang panlabas na mundo ay pinalitan ng panloob na mundo ng makata na henyo. Sa aesthetics ng romanticism, ang ideya ng pagkamalikhain ay binuo, ayon sa kung saan ang artist sa kanyang trabaho ay hindi sumasalamin sa mundo kung ano ito, ngunit nilikha ito ayon sa nararapat sa kanyang isip. Alinsunod dito, ang papel ng artist mismo ay tumaas. Kaya, sa Novalis, ang makata ay kumikilos bilang isang manghuhula at salamangkero, na muling binubuhay ang walang buhay na kalikasan. Ang Romantisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtanggi sa normativity ng artistikong pagkamalikhain, ang pag-renew ng mga artistikong anyo. Ang romantikong sining ay metaporiko, nag-uugnay, hindi maliwanag, ito ay nakakaakit sa synthesis, patungo sa pakikipag-ugnayan ng mga genre, mga uri ng sining, patungo sa koneksyon sa pilosopiya at relihiyon.

ika-19–20 siglo Mula sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo Ang kaisipang aesthetic ng Kanlurang Europa ay nabuo sa dalawang direksyon. Ang una sa mga ito ay konektado sa positivist na pilosopiya ni Auguste Comte, ang may-akda Positibong Kurso sa Pilosopiya(1830–1842). Ipinahayag ng Positivism ang priyoridad ng kongkretong kaalamang siyentipiko kaysa sa pilosopiya, hinahangad na ipaliwanag ang mga aesthetic phenomena sa pamamagitan ng mga kategorya at ideya na hiniram mula sa natural na agham. Sa loob ng balangkas ng positivism, nabubuo ang mga aesthetic na uso gaya ng aesthetics ng naturalism at social analysis.

Ang pangalawang direksyon ng positivist oriented aesthetics ay ipinakita sa mga gawa ni Hippolyte Taine, na naging isa sa mga unang espesyalista sa larangan ng sosyolohiya ng sining. Bumuo siya ng mga tanong tungkol sa ugnayan ng sining at lipunan, ang impluwensya ng kapaligiran, lahi, sandali sa artistikong pagkamalikhain. Ang sining, sa pag-unawa kay Taine, ay isang produkto ng mga tiyak na makasaysayang kondisyon, at tinukoy niya ang isang gawa ng sining bilang isang produkto ng kapaligiran.

Ang Marxist aesthetics ay lumalabas din sa pananaw ng positivism. Itinuring ng Marxism ang sining bilang isang mahalagang bahagi ng pangkalahatang proseso ng kasaysayan, ang batayan kung saan nakita nila sa pag-unlad ng paraan ng produksyon. Iniuugnay ang pag-unlad ng sining sa pag-unlad ng ekonomiya, tiningnan ito nina Marx at Engels bilang isang bagay na pangalawa sa batayan ng ekonomiya. Ang mga pangunahing probisyon ng aesthetic theory ng Marxism ay ang prinsipyo ng historical concreteness, ang cognitive role ng sining, at ang class character nito. Ang isang manipestasyon ng uri ng katangian ng sining ay, gaya ng pinaniniwalaan ng Marxist aesthetics, ang pagiging mahilig nito. Inilatag ng Marxismo ang mga pangunahing prinsipyo na natagpuan ang kanilang karagdagang pag-unlad sa aesthetics ng Sobyet.

Pagsalungat sa positivism sa European aesthetic na kaisipan sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Nagkaroon ng kilusan ng mga artista na naglagay ng slogan na "art for art's sake". Ang aesthetics ng "purong sining" ay nabuo sa ilalim ng malakas na impluwensya ng pilosopikal na konsepto Arthur Schopenhauer. Sa trabaho Ang Mundo bilang Kalooban at Kinatawan (1844) binalangkas niya ang mga pangunahing elemento ng elitistang konsepto ng kultura. Ang pagtuturo ni Schopenhauer ay batay sa ideya ng aesthetic contemplation. Hinati niya ang sangkatauhan sa "mga taong henyo", na may kakayahang aesthetic na pagmumuni-muni at artistikong pagkamalikhain, at "mga taong gumagamit", na nakatuon sa utilitarian na aktibidad. Ang henyo ay nagpapahiwatig ng isang namumukod-tanging kakayahang mag-isip ng mga ideya. Ang mga pagnanasa ay palaging likas sa isang praktikal na tao, ang isang henyo na artista ay isang mahinahong tagamasid. Ang pagpapalit ng katwiran sa pagmumuni-muni, sa gayon ay pinapalitan ng pilosopo ang konsepto ng espirituwal na buhay ng konsepto ng pinong aesthetic na kasiyahan at nagsisilbing tagapagpauna ng aesthetic na doktrina ng "purong sining".

Ang mga ideya ng "sining para sa kapakanan ng sining" ay nabuo sa mga gawa ni Edgar Allan Poe, Gustave Flaubert, Charles Baudelaire, Oscar Wilde. Sa pagpapatuloy ng romantikong tradisyon, ang mga kinatawan ng aestheticism ay nagtalo na ang sining ay umiiral para sa sarili nitong kapakanan at tinutupad ang layunin nito sa pamamagitan ng pagiging maganda.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo sa European pilosopiko at aesthetic na pag-iisip, may mga proseso ng radikal na rebisyon ng mga klasikal na anyo ng philosophizing. Ang pagtanggi at rebisyon ng mga klasikal na aesthetic na halaga ay ginawa ni Friedrich Nietzsche. Inihanda niya ang pagbagsak ng tradisyonal na transendental aesthetic na konsepto at sa malaking lawak ay naimpluwensyahan ang pagbuo ng postclassical na pilosopiya at aesthetics. Sa aesthetics ni Nietzsche, nabuo ang isang teorya Sining ng Apollonian at Dionysian. Sa sanaysay Ang pagsilang ng trahedya mula sa diwa ng musika (1872) niresolba niya ang antinomy ng Apollonian at ng Dionysian bilang dalawang magkasalungat, ngunit hindi mapaghihiwalay na konektado sa isa't isa na simula na sumasailalim sa bawat kultural na kababalaghan. Ang sining ng Apollonian ay naglalayong i-streamline ang mundo, upang gawin itong maayos na balanse, malinaw at balanse. Ngunit ang prinsipyo ng Apollonian ay may kinalaman lamang sa panlabas na bahagi ng pagkatao. Ito ay isang ilusyon at isang patuloy na panlilinlang sa sarili. Ang pagbubuo ng kaguluhan ng Apollonian ay tinututulan ng Dionysian na pagkalasing ng lubos na kaligayahan. Ang Dionysian na prinsipyo ng sining ay hindi ang paglikha ng mga bagong ilusyon, ngunit ang sining ng buhay na elemento, labis, kusang kagalakan. Ang dionysian frenzy sa interpretasyon ni Nietzsche ay naging isang paraan upang madaig ang alienation ng tao sa mundo. Ang paglampas sa mga limitasyon ng indibidwalistikong paghihiwalay ay tunay na pagkamalikhain. Ang mga totoong anyo ng sining ay hindi yaong lumikha ng isang ilusyon, ngunit yaong nagpapahintulot sa iyo na tumingin sa kailaliman ng uniberso.

Ang aesthetic at pilosopikal na konsepto ng Nietzsche ay malawakang ginamit sa teorya at praktika ng aesthetics ng modernismo noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang orihinal na pag-unlad ng mga ideyang ito ay sinusunod sa Russian aesthetics ng Silver Age. Una sa lahat sa Vladimir Solovyov, sa kanyang pilosopiya ng "unibersal na pagkakaisa", batay sa mahinahong tagumpay ng walang hanggang tagumpay ng maliwanag na prinsipyo sa magulong kalituhan. at ang Nietzschean aesthetics ay nakaakit ng mga simbolistang Ruso. Kasunod ni Nietzsche, nakita nila ang mundo bilang isang aesthetic phenomenon na nilikha ng theurgist artist.

Mga teoryang aesthetic noong ika-20 siglo. Mga problema sa aesthetic noong ika-20 siglo Ito ay binuo hindi gaanong sa mga espesyal na pag-aaral tulad ng sa konteksto ng iba pang mga agham: sikolohiya, sosyolohiya, semiotika, lingguwistika.

Kabilang sa mga pinaka-maimpluwensyang konsepto ng aesthetic ay ang phenomenological aesthetics, batay sa pilosopikal na doktrina. Edmund Husserl. Ang pilosopong Polako na si Roman Ingarden (1893–1970) ay maaaring ituring na tagapagtatag ng phenomenological aesthetics. Ang pangunahing konsepto ng phenomenology ay intentionality (mula sa Latin intentio - aspiration, intention, direction), na nauunawaan bilang ang pagbuo ng isang bagay ng cognition sa pamamagitan ng kamalayan.

Isinasaalang-alang ng phenomenology ang isang gawa ng sining bilang isang self-sufficient phenomenon ng intensyonal na pagmumuni-muni nang walang anumang konteksto, na nagpapatuloy mula sa sarili nito. Ang lahat ng maaaring malaman tungkol sa isang akda ay nakapaloob dito, mayroon itong sariling independiyenteng halaga, nagsasarili na pag-iral at itinayo ayon sa sarili nitong mga batas.

Si Nikolai Hartmann (1882–1950) ay nagsalita mula sa isang phenomenological na posisyon. Ang pangunahing kategorya ng aesthetics - kagandahan - ay naiintindihan sa isang estado ng ecstasy at dreaminess. Dahilan, sa kabaligtaran, ay hindi pinapayagan ang isa na sumali sa globo ng kagandahan. Samakatuwid, ang cognitive act ay hindi tugma sa aesthetic contemplation.

Pinuna ni Michel Dufrenne (1910-1995) ang modernong sibilisasyong Kanluranin, na inihiwalay ang tao sa kalikasan, ang kanyang sariling kakanyahan at ang pinakamataas na halaga ng pagiging. Hinahangad niyang tukuyin ang mga pangunahing pundasyon ng kultura, na gagawing posible na magtatag ng maayos na relasyon sa pagitan ng tao at ng mundo. Ang pagkakaroon ng perceived ang pathos ng Heidegger's konsepto ng sining bilang ang "katotohanan ng pagiging", Dufrenne naghahanap para sa gayong mga batayan sa kayamanan ng aesthetic karanasan, interpreted mula sa pananaw ng phenomenological ontology.

Ang phenomenological na pamamaraan ng pananaliksik ay sumasailalim sa metodolohiya ng Russian formalism, French structuralism, at Anglo-American na "bagong kritisismo" na lumitaw bilang isang pagsalungat sa positivism. Sa mga gawa ni J.K. Pantubos ( Bagong kritisismo, 1941), A. Tate ( reaksyunaryong sanaysay, 1936), C. Brooks at R.P. Warren ( Pag-unawa sa tula, 1938; Pag-unawa sa prosa, 1943) ay naglatag ng mga pangunahing prinsipyo ng neo-kritikal na teorya: ang pag-aaral ay batay sa isang nakahiwalay na teksto na umiiral bilang isang bagay na independiyente sa artist-creator. Ang tekstong ito ay may organiko at integral na istraktura na maaaring umiral bilang isang espesyal na organisasyon ng mga imahe, simbolo, mito. Sa tulong ng tulad ng isang organikong anyo, ang katalusan ng katotohanan ay isinasagawa (ang neo-kritikal na konsepto ng "tula bilang kaalaman").

Sa iba pang mahahalagang lugar ng aesthetic na pag-iisip noong ika-20 siglo. isama ang psychoanalytic concepts nina Z. Freud at G. Jung, ang aesthetics ng existentialism (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), ang aesthetics ng personalism (S. Peguy, E. Munier, P. Ricoeur ), ang aesthetics ng structuralism at post-structuralism (K. Levi Strauss, R. Barth, J. Derrida), sociological aesthetic concepts nina T. Adorno at G. Marcuse.

Ang modernong aesthetic na kaisipan ay umuunlad din alinsunod sa postmodernism (I. Hassan, J.F. Lyotard). Ang aesthetics ng postmodernism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sinasadyang pagwawalang-bahala sa anumang mga patakaran at mga paghihigpit na binuo ng nakaraang kultural na tradisyon, at, bilang isang resulta, isang balintuna na saloobin sa tradisyon na ito.

Ang konseptwal na kagamitan ng aesthetics ay sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, ang mga pangunahing kategorya ng aesthetics ay muling sinusuri sa mga tuntunin ng nilalaman, halimbawa, ang kahanga-hanga ay pinapalitan ng kamangha-manghang, ang pangit ay natanggap ang katayuan nito bilang isang aesthetic na kategorya kasama ang maganda, atbp. Ang tradisyonal na itinuturing na hindi aesthetic ay nagiging aesthetic o tinukoy na aesthetically. Tinutukoy din nito ang dalawang linya ng pag-unlad ng modernong kultura: ang isang linya ay naglalayong ipagpatuloy ang tradisyonal na aesthetics (ang aestheticization ng pang-araw-araw na buhay ay nakikita bilang matinding pagpapakita nito, kaya, halimbawa, hyperrealism, pop art, atbp.), ang isa ay higit pa alinsunod sa epistemological aestheticization (cubism , surrealism, concept art).

Ang isang espesyal na lugar sa modernong aesthetics ay ibinibigay sa tradisyon ng paglabag, pagpunta "sa labas ng aesthetic at artistikong mga pamantayan", i.e. marginal o naive na pagkamalikhain, na kadalasang nakakakuha ng katayuan ng aesthetic pagkatapos ng mahabang panahon (ang kasaysayan ng kultura ay sagana sa mga halimbawa ng gayong pagkamalikhain ng mga artista, musikero, at manunulat).

Ang iba't ibang mga teorya at konsepto ng aesthetic ng modernong aesthetic science ay nagpapatotoo sa isang qualitatively bago, kumpara sa klasikal na panahon, pag-unlad ng aesthetic na pag-iisip. Ang paggamit ng karanasan ng maraming sangkatauhan sa modernong aesthetics ay nagpapatotoo sa magagandang prospect ng agham na ito.

Ludmila Tsarkova

PANITIKAN Kasaysayan ng aesthetic na pag-iisip, tt. 1–5. M., 1985–1990
Losev A.F. Ang porma. Estilo. Pagpapahayag. M., 1995
Bransky V.P. Sining at pilosopiya. Kaliningrad, 1999
Bychkov V.V. 2000 taon ng kulturang Kristiyano subspecie na estetika . Tt. 1–2. M. - St. Petersburg, 1999
Gilbert K.E., Kuhn G. Kasaysayan ng aesthetics. St. Petersburg, 2000
Gulyga A.V. Aesthetics sa liwanag ng axicology. St. Petersburg, 2000
Croce B. Aesthetics bilang isang agham ng pagpapahayag at bilang pangkalahatang linggwistika. M., 2000
Mankovskaya N. Estetika ng postmodernism. St. Petersburg, 2000
Adorno T. teoryang aesthetic. M., 2001
Krivtsun O.A. Estetika. M., 2001
Yakovlev E.G. Estetika. M., 2001
Borev Yu.B. Estetika. M., 2002