Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang Venetian Renaissance ay isang hiwalay na kakaibang bahagi ng pangkalahatang Italian Renaissance. Nagsimula ito dito nang maglaon, ngunit tumagal nang mas matagal. Ang papel ng mga sinaunang tradisyon sa Venice ay ang pinakamaliit, at ang koneksyon sa kasunod na pag-unlad ng pagpipinta ng Europa ay ang pinaka-direkta. Sa Venice, ang pagpipinta ay nangingibabaw, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliwanag, mayaman at masayang mga kulay.

Ang panahon ng High Renaissance (sa Italyano ay parang "Cinquecento") sa Venice ay sinakop ang halos buong ika-16 na siglo. Maraming kilalang artista ang nagpinta sa malaya at masayang paraan ng Venetian Renaissance.

Ang pintor na si Giovanni Bellini ay naging kinatawan ng transisyonal na panahon mula sa Maagang Renaissance hanggang sa Mataas. Sa kanya ang sikat na painting" Lawa ng Madonna"- isang magandang pagpipinta, na naglalaman ng mga pangarap ng isang ginintuang edad o isang makalupang paraiso.

Isang estudyante ni Giovanni Bellini, ang artist na si Giorgione ay itinuturing na unang master ng High Renaissance sa Venice. Ang kanyang canvas » Natutulog si Venus"- isa sa mga pinaka mala-tula na larawan ng isang hubad na katawan sa sining ng mundo. Ang gawaing ito ay isa pang sagisag ng pangarap ng mga simple ang pag-iisip, masaya at inosenteng mga tao na namumuhay nang ganap na naaayon sa kalikasan.

May painting ang State Hermitage Museum » Judith», na pag-aari din ni Giorgione. Ang gawaing ito ay naging isang matingkad na halimbawa ng pagkamit ng isang three-dimensional na imahe hindi lamang sa tulong ng chiaroscuro, kundi pati na rin sa paggamit ng light gradation technique.

Giorgione "Judith"

Ang pinakakaraniwang artista ng Venice ay maaaring ituring na Paolo Veronese. Ang kanyang malakihan, multi-figured na komposisyon ay nakatuon sa imahe ng masaganang hapunan sa Venetian palazzo na may mga musikero, jester at aso. Walang relihiyon tungkol sa kanila. " Ang huling Hapunan"- ito ay isang imahe ng kagandahan ng mundo sa simpleng makalupang pagpapakita at paghanga sa pagiging perpekto ng magagandang laman.

Paolo Veronese "Ang Huling Hapunan"

Pagkamalikhain Titian

Ang ebolusyon ng Venetian painting ng Cinquecento ay makikita sa gawa ni Titian, na unang nagtrabaho kay Giorgione at malapit sa kanya. Naipakita ito sa malikhaing paraan ng pintor sa mga akdang "Heavenly Love and Earthly Love", "Flora". Ang mga babaeng imahe ng Titian ay kalikasan mismo, na nagniningning sa walang hanggang kagandahan.

- ang hari ng mga pintor. Siya ay nagmamay-ari ng maraming mga pagtuklas sa larangan ng pagpipinta, bukod sa kung saan ay ang kayamanan ng kulay, pagmomolde ng kulay, orihinal na mga anyo at ang paggamit ng mga nuances ng mga kulay. Ang kontribusyon ni Titian sa sining ng Venetian Renaissance ay napakalaki, nagkaroon siya ng malaking impluwensya sa kakayahan ng mga pintor ng kasunod na panahon.

Ang yumaong Titian ay malapit na sa masining na wika nina Velazquez at Rembrandt: ang ratio ng mga tono, mga spot, mga dynamic na stroke, texture ng makulay na ibabaw. Pinalitan ng mga Venetian at Titian ang pangingibabaw ng linya ng mga pakinabang ng hanay ng mga kulay.

Titian Vecellio "Self-portrait" (circa 1567)

Ang pamamaraan ng pagpipinta ng Ticin ay kapansin-pansin kahit ngayon, dahil ito ay isang gulo ng mga pintura. Sa mga kamay ng pintor, ang mga pintura ay isang uri ng luwad, kung saan kinulit ng pintor ang kanyang mga gawa. Nabatid na sa pagtatapos ng kanyang buhay, pininturahan ni Titian ang kanyang mga canvases gamit ang kanyang mga daliri. kaya ang paghahambing na ito ay higit sa nararapat.

Titian "Denarius of Caesar" (circa 1516)

Mga pintura ni Titian Vecellio

Kabilang sa mga painting ni Titian ay ang mga sumusunod:

• » Assunta»

• "Bacchus at Ariadne"

• "Venus ng Urbino"

• "Larawan ni Pope Paul III"

• "Larawan ni Lavinia"

• "Venus sa harap ng salamin"

• "Penitent Magdalene"

• » San Sebastian»

Kaakit-akit at pakiramdam tungkol sa Ang volumetric na anyo sa Titian ay nasa perpektong balanse. Ang kanyang mga figure ay puno ng isang pakiramdam ng buhay at paggalaw. Ang pagiging bago ng compositional technique, hindi pangkaraniwang kulay, libreng stroke ay isang natatanging katangian ng pagpipinta ni Titian. Sa kanyang trabaho, ang pinakamahusay na mga tampok ng Venetian school ng Renaissance ay katawanin.

Mga tampok na katangian ng pagpipinta ng Venetian Renaissance

Ang huling luminary ng Venetian Cinquecento ay ang artist na si Tintoretto. Kilala sa kanyang mga painting "Ang labanan ng arkanghel na si Michael kay Satanas" at Ang Huling Hapunan. Ang pinong sining ay naglalaman ng ideya ng Renaissance ng perpekto, pananampalataya sa kapangyarihan ng isip, ang pangarap ng isang maganda, malakas na tao, isang maayos na binuo na personalidad.

Jacopo Tintoretto "Ang Labanan ng Arkanghel Michael kay Satanas" (1590)
Jacopo Tintoretto "Pagpapako sa Krus"

Ang mga masining na gawa ay nilikha sa tradisyonal na relihiyoso at mitolohiyang mga paksa. Dahil dito, ang modernidad ay itinaas sa ranggo ng kawalang-hanggan, sa gayon ay nagpapatunay sa pagiging maka-Diyos ng isang tunay na tao. Ang mga pangunahing prinsipyo ng imahe sa panahong ito ay ang imitasyon ng kalikasan at ang katotohanan ng mga karakter. Ang isang pagpipinta ay isang uri ng bintana sa mundo, dahil ang artist ay naglalarawan dito kung ano ang kanyang nakita sa katotohanan.

Jacopo Tintoretto "Ang Huling Hapunan"

Ang sining ng pagpipinta ay batay sa mga nagawa ng iba't ibang agham. Matagumpay na nakabisado ng mga pintor ang imahe ng pananaw. Sa panahong ito, naging personal ang pagkamalikhain. Ang mga likhang sining ng easel ay lalong lumalago.

Jacopo Tintoretto "Paraiso"

Sa pagpipinta, isang sistema ng genre ang nabuo, na kinabibilangan ng mga sumusunod na genre:

• relihiyon - mitolohiya;
• historikal;
• tanawin ng sambahayan;
• portrait.

Lumilitaw din ang pag-ukit sa panahong ito, at ang pagguhit ay gumaganap ng isang mahalagang papel. Ang mga gawa ng sining ay pinahahalagahan sa kanilang sarili bilang isang masining na kababalaghan. Ang isa sa pinakamahalagang sensasyon sa kanilang pang-unawa ay ang kasiyahan. Ang mga de-kalidad na reproductions ng mga painting mula sa Venetian Renaissance ay magiging isang mahusay na karagdagan sa interior in.

Ang gawain ng mga masters na nagtrabaho sa Venice, isa sa pinakamahalagang sentro ng intelektwal at artistikong buhay ng Italya noong ika-16 na siglo, ay nakakuha ng isang ganap na espesyal na kulay. Dito, sa oras na ito, isang kakaiba at mataas na kultura ng arkitektura ang nabuo, na hindi maihihiwalay na nauugnay sa kasaysayan ng lungsod, ang mga detalye ng pagtatayo nito at ang mga kakaiba ng buhay ng Venetian.

Venice humanga ang maraming bisita at dayuhan sa lawak ng internasyonal na koneksyon, ang malaking bilang ng mga barko na naka-angkla sa Laguna at sa mga tambayan sa gitna ng lungsod, mga kakaibang kalakal sa promenade dei Schiavoni at higit pa, sa shopping center ng Venice (sa ang Rialto Bridge). Namangha ako sa karilagan ng mga kasiyahan sa simbahan at mga seremonyang sibil, na naging kamangha-manghang mga parada ng hukbong-dagat.

Ang malayang hangin ng Renaissance at humanismo ay hindi nakagapos sa Venice ng rehimen ng Kontra-Repormasyon. Sa buong ika-16 na siglo ang kalayaan sa relihiyon ay napanatili dito, ang agham ay umunlad nang higit pa o hindi gaanong malaya, at ang pag-imprenta ng libro ay lumawak.

Pagkatapos ng 1527, nang umalis sa Roma ang maraming humanista at artista, naging kanlungan nila ang Venice. Dumating dito sina Aretino, Sansovino, Serlio. Tulad ng sa Roma, at bago iyon sa Florence, Urbino, Mantua, at iba pa, ang pagkakawanggawa at pagkahilig sa pagkolekta ng mga manuskrito, aklat, at mga gawa ng sining ay lalong umusbong dito. Nakipagkumpitensya ang maharlikang Venetian sa pagpapalamuti sa lungsod ng magagandang pampublikong gusali at pribadong palasyo, pininturahan at pinalamutian ng eskultura. Ang pangkalahatang pagkahilig para sa agham ay ipinahayag sa paglalathala ng mga siyentipikong treatise, halimbawa, ang gawain sa inilapat na matematika ni Luca Pacioli "Sa Banal na Proporsyon", na inilathala noong 1509. Ang iba't ibang mga genre ay umunlad sa panitikan - mula sa epistolary hanggang sa dramatiko.

Ang mga kahanga-hangang taas ay naabot sa siglong XVI. Pagpipinta ng Venice. Dito sa mga multi-figure na komposisyon ng Carpaccio (1480-1520), isa sa mga unang tunay na pintor ng landscape, sa engrandeng festive canvases ng Veronese (1528-1588), ipinanganak ang sining ng kulay. Isang hindi mauubos na kaban ng mga larawan ng tao ang nilikha ng makinang na Titian (1477-1576); mataas na drama ang nakamit ni Tintoretto (1518-1594).

Hindi gaanong makabuluhan ang mga pagbabagong naganap sa arkitektura ng Venetian. Sa panahong sinusuri, ang sistema ng masining at nagpapahayag na paraan na binuo sa Tuscany at Roma ay inangkop sa mga lokal na pangangailangan, at ang mga lokal na tradisyon ay pinagsama sa monumentalidad ng Roma. Ito ay kung paano nabuo ang isang ganap na orihinal na bersyon ng klasikal na istilo ng Renaissance sa Venice. Ang likas na katangian ng istilong ito ay natukoy, sa isang banda, sa pamamagitan ng katatagan ng mga tradisyong Byzantine, Oriental at Gothic, na orihinal na ginawang muli at matatag na sinamahan ng konserbatibong Venice, at sa kabilang banda, sa pamamagitan ng mga natatanging katangian ng tanawin ng Venetian.

Ang eksklusibong lokasyon ng Venice sa mga isla sa gitna ng lagoon, ang sikip ng mga gusali, naabala lamang sa mga lugar ng maliliit na parisukat, ang kaguluhan ng network ng mga kanal na humahampas dito at makitid, minsan wala pang isang metro ang lapad, mga kalye konektado sa pamamagitan ng maraming tulay, ang primacy ng mga daluyan ng tubig at gondolas, bilang ang pangunahing paraan ng transportasyon - ito ang mga pinaka-katangian na katangian ng natatanging lungsod na ito, kung saan kahit isang maliit na lugar ay nakuha ang halaga ng isang bukas na bulwagan (Larawan 23).

Ang hitsura nito, na nakaligtas hanggang sa ating panahon, sa wakas ay nabuo noong ika-16 na siglo, nang ang Grand Canal - ang pangunahing arterya ng tubig - ay pinalamutian ng maraming maringal na mga palasyo, at ang pagbuo ng pangunahing pampubliko at mga shopping center ng lungsod. ay sa wakas ay natukoy.

Si Sansovino, na naunawaan nang tama ang kahalagahan ng Piazza San Marco sa lunsod, ay binuksan ito sa isang kanal at isang lagoon, sa paghahanap ng mga kinakailangang paraan upang maipahayag sa arkitektura ang mismong kakanyahan ng lungsod bilang kabisera ng isang malakas na kapangyarihang maritime. Sina Palladio at Longhena, na nagtrabaho pagkatapos ng Sansovino, ay nakumpleto ang pagbuo ng urban silhouette, na naglalagay ng ilang mga simbahan sa mga mapagpasyang punto ng pagpaplano ng lungsod (ang monasteryo ng San Giorgio Maggiore, ang mga simbahan ng Il Redentore at Santa Maria della Salute. Sa maramihan ng pag-unlad ng lunsod, na siyang background para sa maraming natatanging mga gusali, ang pinaka-paulit-ulit na mga tampok ng isang kakaiba at napakataas na kultura ng arkitektura ng Venice (Larawan 24, 25, 26).

Fig.24. Venice. Bahay sa Ross Quay; sa kanan ay isa sa mga channel
Fig.25. Venice. Ony Santi Canal; kanang palacetto sa Solda court
Fig.26. Venice. Mga gusali ng tirahan noong siglo XVI.: 1 - bahay sa calle dei Furlani; 2 - bahay sa Salidzada dei Greci; 3 - isang bahay sa Ross embankment; 4 - mga bahay sa campo Santa Marina; 5 - bahay sa dike ng San Giuseppe; 6 - palacetto sa Solda court; 7 - palacetto sa calle del Olio

Sa ordinaryong pagtatayo ng pabahay ng Venice ng siglo XVI. sa pangunahing, ang mga uri na binuo sa nakaraang siglo o kahit na mas maaga na binuo. Para sa pinakamahihirap na bahagi ng populasyon, nagpatuloy sila sa pagtatayo ng mga complex ng mga multi-section na gusali, na matatagpuan parallel sa mga gilid ng isang makitid na patyo, na naglalaman ng magkahiwalay na lugar at apartment para sa mga pamilya ng pinakamababang empleyado ng republika (bahay sa Campo Santa Marina; tingnan ang Fig. 26.4); nagtayo sila ng dalawa at maraming seksyon na mga bahay na may mga apartment sa isa o dalawang palapag bawat isa, na may mga independiyenteng pasukan at hagdan; mga bahay ng mas mayayamang developer na may dalawang apartment na matatagpuan sa itaas ng isa at nakahiwalay ayon sa parehong prinsipyo (bahay sa calle dei Furlani, tingnan ang Fig. 26.1); ang mga tirahan ng mga mangangalakal, na papalapit na sa plano ng mga palasyo ng maharlikang Venetian, ngunit sa mga tuntunin ng kalikasan at sukat ng arkitektura, ay ganap na nanatili sa bilog ng mga ordinaryong gusali.

Sa pamamagitan ng ika-16 na siglo, tila, ang mga pamamaraan ng pagpaplano, at nakabubuo na mga pamamaraan, at ang komposisyon ng harapan ng mga gusali ay sa wakas ay nabuo na. Binuo nila ang hitsura ng arkitektura ng mga ordinaryong gusali ng tirahan sa Venice, na nakaligtas hanggang ngayon.

Ang mga tampok na katangian ng mga bahay ng siglo XVI. nagkaroon una sa lahat ng pagtaas sa bilang ng mga palapag mula dalawa o tatlo hanggang tatlo o apat na palapag at ang pagpapalawak ng mga gusali; kaya, ang lapad ng mga almshouse sa XII at XIII na siglo. katumbas, bilang panuntunan, ang lalim ng isang silid; noong ika-15 siglo Ang mga gusali ng tirahan ay karaniwang mayroon nang dalawang hanay ng mga silid, ngunit ngayon ito ay naging panuntunan, at sa ilang mga kaso kahit na ang buong mga apartment ay nakatuon sa isang gilid ng harapan (kumplikado sa campo Santa Marina). Ang mga pangyayaring ito, pati na rin ang pagnanais para sa kailangang-kailangan na paghihiwalay ng bawat apartment, ay humantong sa pagbuo ng isang napaka sopistikadong layout ng mga seksyon.

Ang mga hindi kilalang tagabuo ay nagpakita ng mahusay na katalinuhan, nag-aayos ng mga magaan na patyo, gumagawa ng mga pasukan sa una at itaas na palapag mula sa iba't ibang panig ng gusali, na nagsusulat ng mga hagdanan na humahantong sa iba't ibang mga apartment nang paisa-isa (tulad ng makikita sa ilang mga guhit ni Leonardo da Vinci) , nakasandal sa magkahiwalay na paglipad ng mga hagdan sa double longitudinal walls ng hull. Mula noong ika-16 na siglo sa pagtatayo ng tirahan, tulad ng sa mga palasyo, minsan ay matatagpuan ang mga spiral staircases; ang pinakasikat na halimbawa ay ang outer, arcaded spiral staircase sa Palazzo Contarini-Minelli (XV-XVI na siglo).

Sa mga naka-block na bahay, ang isang istraktura sa sahig ng vestibule (ang tinatawag na "aule") ay pinagtibay, na nagsisilbi sa dalawa o tatlong silid o apartment - isang tampok na laganap nang mas maaga sa mas mayayamang indibidwal na mga bahay o sa mga palasyo ng maharlika. Ang tampok na pagpaplano na ito ay naging pangkaraniwan sa susunod na siglo sa pabahay para sa mahihirap, na may isang compact na plano na may mga apartment at silid na nakapangkat sa paligid ng isang closed light court.

Sa mga siglo XV-XVI. naitatag din ang mga anyo at pamamaraan ng mga kagamitan sa pagtatayo. Sa Venetian soils na puspos ng tubig, ang pagbabawas ng bigat ng gusali ay napakahalaga. Ang mga kahoy na pile ay nagsilbing pundasyon sa loob ng mahabang panahon, ngunit kung ang mga naunang maikling pile (mga isang metro ang haba) ay ginamit, na nagsisilbi lamang upang siksikin ang lupa, ngunit: hindi upang ilipat ang presyon ng gusali sa pinagbabatayan na mas siksik na mga layer, kung gayon mula sa ika-16 na siglo. nagsimulang magmaneho ng totoong mahabang tambak (9 na piraso bawat 1 m2). Sa ibabaw ng mga ito, ang isang grillage ng oak o larch ay nakaayos, kung saan ang isang pundasyon ng bato ay inilatag sa mortar ng semento. Ang mga pader ng tindig ay ginawang 2-3 brick ang kapal.

Ang mga kisame ay kahoy, dahil ang mga vault, na may malaking timbang, ay nangangailangan ng mas malalaking pader ng pagmamason na maaaring tumagos. Ang mga beam ay madalas na inilatag (ang distansya sa pagitan ng mga ito ay isa at kalahati hanggang dalawang lapad ng beam) at kadalasang hindi naka-hemmed. Ngunit sa mas mayayamang mga bahay, palasyo at pampublikong gusali sila ay natatabingan, pininturahan at pinalamutian ng mga inukit na kahoy at stucco. Ang mga sahig ng mga tile na bato o mga brick na inilatag sa isang plastic na interlayer ay nagbigay sa istraktura ng ilang kakayahang umangkop at kakayahang makatiis sa hindi pantay na pag-aayos sa dingding. Ang mga span ng lugar ay tinutukoy ng haba ng imported na kahoy (4.8-7.2 m), na karaniwang hindi pinutol. Ang mga bubong ay itinayo, na may mga baldosa sa bubong sa mga kahoy na rafters, kung minsan ay may stone drain sa gilid.

Bagaman ang mga bahay sa pangkalahatan ay hindi pinainit, ang isang fireplace ay naka-install sa mga kusina at sa pangunahing sala o bulwagan. Ang mga bahay ay may sistema ng dumi sa alkantarilya, kahit na isang primitive na isa - ang mga palikuran ay ginawa sa kusina, sa mga niches sa itaas ng mga risers na may mga channel na itinayo sa dingding. Ang mga butas ng labasan sa high tides ay binaha ng tubig, at kapag low tides ay dinadala nito ang dumi sa lagoon. Ang isang katulad na paraan ay natagpuan din sa ibang mga lungsod ng Italyano (halimbawa, sa Milan).

Fig.27. Venice. Mga balon. Sa looban ng Volto Santo, siglo XV; sa looban ng Simbahan ng San Giovanni Crisostomo; plano at seksyon ng bakuran na may balon (drainage device scheme)

Ang supply ng tubig sa Venice ay matagal na (mula noong ika-12 siglo) ay sumasakop sa mga awtoridad ng lungsod, dahil kahit na ang mga malalim na aquifer ay nagbibigay ng maalat na tubig na angkop lamang para sa mga pangangailangan ng sambahayan. Ang mga balon ng pag-inom, ang pangunahing pinagmumulan ng suplay ng tubig, ay napuno ng pag-ulan sa atmospera, ang koleksyon nito mula sa mga bubong ng mga gusali at mula sa ibabaw ng mga yarda ay nangangailangan ng napakakumplikadong mga aparato (Larawan 27). Ang tubig-ulan ay nakolekta mula sa buong ibabaw ng sementadong patyo, na may mga slope hanggang sa apat na butas. Sa pamamagitan ng mga ito, tumagos ito sa mga kakaibang gallery-caissons, na nahuhulog sa isang layer ng buhangin, na nagsisilbing filter, at dumadaloy sa ilalim ng isang malawak na reservoir ng luad na naka-embed sa lupa (ang hugis at sukat nito ay nakasalalay sa hugis at sukat ng ang bakuran). Ang mga balon ay karaniwang ginagawa ng mga awtoridad ng lungsod o mga kilalang mamamayan. Ang tubig na natitiklop na bato, marmol o kahit na tansong mga mangkok ng mga balon, na natatakpan ng mga ukit at pinalamutian ng coat of arms ng donor, ay mga tunay na gawa ng sining (isang bronze well sa patyo ng Doge's Palace).

Ang mga facade ng mga ordinaryong gusali ng tirahan sa Venice ay malinaw na katibayan na ang mataas na aesthetic at artistikong katangian ng isang gusali ay maaaring makamit sa pamamagitan ng mahusay na paggamit ng elementarya, functionally o structurally na kinakailangang mga form, nang walang pagpapakilala ng mga kumplikadong karagdagang detalye at paggamit ng mga mamahaling materyales. Ang mga pader ng ladrilyo ng mga bahay ay minsan ay nakaplaster at pininturahan ng kulay abo o pula. Laban sa background na ito, ang mga puting bato na architraves ng mga pinto at bintana ay nakatayo. Ang marble cladding ay ginamit lamang sa mga tahanan ng mas mayayamang tao at sa mga palasyo.

Ang artistikong pagpapahayag ng mga facade ay natutukoy ng dalubhasa, kung minsan ay virtuoso na pagpapangkat ng mga pagbubukas ng bintana at mga tsimenea at balkonaheng nakausli mula sa facade plane (ang huli ay lumitaw noong ika-15 siglo lamang sa mas mayayamang mga tirahan). Kadalasan mayroong isang palapag na paghalili ng mga bintana at mga pier - ang kanilang lokasyon ay hindi kasama ang parehong patayo (tulad ng, halimbawa, ang mga harapang harapan ng mga bahay sa Campo Santa Marina o ang harapan ng isang bahay sa San Giuseppe embankment, tingnan ang Fig. 26). Ang mga pangunahing sala at mga karaniwang lugar (aule) ay nakikilala sa harapan ng doble at triple arched openings. Ang magkakaibang pagsalungat ng mga pagbubukas at dingding ay isang pamamaraan na tradisyonal para sa arkitektura ng Venetian; nakatanggap siya ng napakagandang pag-unlad sa mas mayayamang bahay at palasyo.

Para sa ordinaryong pagtatayo ng pabahay noong ika-16, gayundin sa ika-15 siglo, ang mga bangko ay katangian, kung minsan ay sumasakop sa lahat ng mga silid sa unang palapag ng bahay, na tinatanaw ang kalye. Ang bawat tindahan o pagawaan ng craftsman ay may independiyenteng pasukan na may showcase na natatakpan ng isang kahoy na architrave sa mga payat na parisukat na haligi na inukit mula sa isang piraso ng bato.

Sa kaibahan sa mga tindahan, ang mga gallery sa ground floor ng mga ordinaryong bahay ay inayos lamang kung walang ibang paraan upang makadaan sa kahabaan ng bahay. Ngunit sila ay isang natatanging katangian ng mga pampublikong gusali at ensemble - ang mga arched gallery ay matatagpuan sa lahat ng mga gusali ng central Venetian ensemble: sa Doge's Palace, ang Sansovino Library, ang Old and New Procurations; sa komersyal na lugar ng Fabbrique Nuove malapit sa Rialto, sa Palazzo de Dieci Savi. Sa mas mayayamang bahay, ang mga kahoy na terrace na itinaas sa itaas ng mga bubong ay karaniwan, na tinatawag (tulad ng sa Roma) na mga altan, na halos hindi nakaligtas, ngunit kilala mula sa mga kuwadro na gawa at mga guhit.

Residential complex sa Campo Santa Marina(Larawan 26.4), na binubuo ng dalawang apat na palapag, magkatulad na mga gusali, na konektado sa dulo na may pandekorasyon na arko, ay maaaring magsilbi bilang isang halimbawa ng pagtatayo para sa mahihirap. Ang gitna ng bawat tipikal na seksyon dito ay isang bulwagan na umuulit sa mga sahig, sa paligid kung saan ang mga tirahan ay pinagsama-sama, na nilayon sa ikatlo at ikaapat na palapag para sa bawat silid na pag-aayos. Ang mga lugar ng ikalawang palapag ay maaaring ihiwalay sa isang independiyenteng apartment dahil sa pag-aayos ng magkahiwalay na pasukan at hagdan. Ang unang palapag ay inookupahan ng mga tindahan.

Bahay sa calle dei Furlani(Larawan 26.1) ay isang halimbawa ng medyo mayamang tirahan. Tulad ng sa maraming iba pang mga Venetian na bahay, na matatagpuan sa isang makitid, pinahabang site, ang pangunahing lugar ng ikalawa at ikatlong palapag ay sumasakop sa buong lapad ng gusali kasama ang harapan. Dalawang nakahiwalay na apartment ang nakaayos sa dalawang palapag bawat isa. Nagsimula ang hagdan patungo sa pangalawang apartment sa isang maliit na patyo ng liwanag.

Bahay sa waterfront ng San Giuseppe(Larawan 26.5) ay ganap na pagmamay-ari ng isang may-ari. Dalawang tindahan ang inuupahan. Sa gitnang bahagi ng bahay ay may isang vestibule na may hagdanan, sa mga gilid kung saan ang iba pang mga silid ay pinagsama-sama.

Palacetto sa Solda court(Larawan 26.5; eksaktong may petsang 1560) ay pag-aari ng mangangalakal na si Aleviz Solta, na nakatira dito kasama ang isang pamilya na may 20 katao. Ang gusaling ito, kasama ang gitnang bulwagan nito na naka-highlight sa harapan ng isang grupo ng mga naka-arko na bintana, ay lumalapit sa uri ng isang palasyo, bagaman ang lahat ng mga silid sa loob nito ay maliit at nilayon para sa pamumuhay, at hindi para sa mga kasiyahan at kahanga-hangang mga seremonya. Ang mga facade ng gusali ay katumbas na katamtaman.

Ang mga tampok na nabuo sa ordinaryong pagtatayo ng pabahay ng Venice ay katangian din ng mga palasyo ng maharlika. Ang bakuran ay hindi ang sentro ng komposisyon sa kanila, ngunit inilipat sa lalim ng site. Kabilang sa mga ceremonial premises sa ikalawang palapag, ang aul ay namumukod-tangi. Ang lahat ng paraan ng pagpapahayag ng arkitektura ay puro sa pangunahing harapan, na nakatuon sa kanal; ang mga gilid at likurang harapan ay naiwang maayos at kadalasang hindi natapos.

Dapat pansinin ang nakabubuo na kagaanan ng arkitektura ng palasyo, ang medyo malaking lugar ng mga pagbubukas at ang kanilang lokasyon na tiyak sa Venice (isang pangkat ng mayaman na naproseso na mga pagbubukas sa kahabaan ng axis ng facade at dalawang simetriko na bintana - mga accent - kasama ang mga gilid. ng facade plane).

Isang bagong trend na tumagos sa arkitektura ng Venice sa pagtatapos ng ika-15 siglo, na nakatanggap dito ng isang binibigkas na lokal na pangkulay sa gawa ni Pietro Lombardo at ng kanyang mga anak at Antonio Rizzo, na gumanap ng iba't ibang mga gawa sa Doge's Palace at sa St. Square, sa mga unang dekada ng ika-16 na siglo. patuloy na umuunlad. Ang kanilang kontemporaryo ay nagtrabaho sa parehong espiritu Spavento at mga panginoon ng nakababatang henerasyon - Bartolomeo Bon the Younger , Scarpagnino at iba pa.

Bartolomeo Bon the Younger(namatay noong 1525), na pumalit kay Pietro Lombardo bilang punong arkitekto ng Palasyo ng Doge, kasabay nito ay nagpatuloy sa pagtatayo ng Old Procurations sa Piazza San Marco, inilatag ang scuola ng San Rocco at sinimulan ang pagtatayo ng Palazzo dei Camerlengi malapit sa ang Rialto Bridge. Pareho sa mga ito, tulad ng marami sa kanyang iba pang mga gusali, ay kalaunan ay natapos ni Scarpagnino (siya ay namatay noong 1549).

Palazzo dei Camerlengi(Larawan 28) - ang upuan ng mga maniningil ng buwis ng Venetian - sa kabila ng panlabas na pagkakahawig sa mga palasyo ng maharlikang Venetian, naiiba ito sa layout at oryentasyon ng pangunahing harapan, na hindi nakaharap sa Grand Canal, ngunit sa Rialto Bridge. . Ang pag-aayos na ito ng palazzo ay nagsisiguro ng koneksyon nito sa mga nakapalibot na komersyal na gusali. Ang mga lugar ay pinagsama-samang simetriko sa mga gilid ng koridor, kasama ang buong gusali. Ang mga facade, Gothic sa kanilang istraktura, ay ganap na pinutol sa ikalawa at ikatlong palapag sa pamamagitan ng doble at triple arched na mga bintana, gayunpaman, dahil sa pagkakasunud-sunod ng mga dibisyon, ay nakakuha na ng isang purong Renaissance order (tingnan ang Fig. 39).

Scuola di San Rocco(1517-1549) ay isang katangian na halimbawa ng isang gusali na may malinaw na klasikal na kaayusan ng istraktura ng harapan, na sinamahan ng mga rich marble inlay na tradisyonal para sa Venice. Sa hitsura nito, gayunpaman, salamat sa pag-unraveling ng entablature at ang pagpapakilala ng mga pediment na pinagsama ang mga arched openings sa mga pares, may mga tampok na katangian ng arkitektura ng susunod na panahon, na kinabibilangan din ng mga interior ng dalawang malalaking bulwagan na ipininta ni Tintoretto ( Larawan 29).

Si Scarpagnino, kasama ang Spavento (namatay noong 1509), ay muling nagtayo ng isang malaking gusali ng bodega ng mga mangangalakal na Aleman na Fondaccodei Tedeschi (1505-1508) - isang multi-storey carré na may maluwag na courtyard at isang loggia-pier na tinatanaw ang isang malaking kanal (Giorgione at Titian pinalamutian ang mga dingding ng gusali mula sa labas ng mga fresco , ngunit hindi ito napanatili). Ang parehong dalawang masters ay nagtayo ng tinatawag na Fabbrique Vecchie - mga gusali para sa mga tanggapan ng kalakalan, na nilagyan ng mga tindahan at arcade sa mga ground floor (tingnan ang Fig. 39, 41).

Sa relihiyosong arkitektura ng unang bahagi ng siglo XVI. dapat markahan Simbahan ng San Salvador, na itinatag ni Giorgio Spavento, na kumukumpleto sa isang mahalagang linya sa pagbuo ng uri ng basilica ng templo. Sa lahat ng tatlong naves nito (kung saan ang gitna ay dalawang beses na mas lapad kaysa sa mga lateral), mayroong sunud-sunod na paghahalili ng parisukat, na natatakpan ng mga hemispherical domes, at makitid, na natatakpan ng mga semicircular vault, mga cell ng plano, na nakakamit ng mas malaki. kalinawan ng spatial construction, kung saan, gayunpaman, ang sentro ay hindi gaanong binibigkas (tingnan ang Fig. Fig. 58).

Ang isang bagong yugto sa pag-unlad ng arkitektura ng Renaissance sa Venice ay nagsimula sa pagdating ng mga Romanong panginoon. Sila ay pangunahin Sebastiano Serlio , arkitekto at teorista.

Serlio(ipinanganak noong 1475 sa Bologna, namatay noong 1555 sa Fontainebleau sa France) nanirahan sa Roma hanggang 1527, kung saan nagtrabaho siya sa Peruzzi. Mula doon ay lumipat siya sa Venice. Dito niya kinonsulta ang disenyo ng simbahan ng San Francesco della Vigna (1533), gumawa ng mga guhit para sa kisame ng simbahan ng aklatan ng San Marco (1538) at mga guhit ng entablado para sa teatro sa bahay ni Colleoni Porto sa Vicenza (1539), pati na rin ang isang modelo para sa muling pagtatayo ng basilica.

Sa pagpasok sa serbisyo ng haring Pranses na si Francis I, si Serlio noong 1541 ay hinirang na punong arkitekto ng palasyo sa Fontainebleau. Ang kanyang pinakamahalagang gusali sa France ay ang Château d'Ancy le Franc.

Si Serlio ay kilala pangunahin para sa kanyang teoretikal na gawain. Ang kanyang treatise sa arkitektura ay nagsimulang lumitaw noong 1537 sa magkahiwalay na mga libro.

Ang mga aktibidad ni Serlio ay lubos na nag-ambag sa muling pagkabuhay ng interes ng lipunang Venetian sa teorya ng arkitektura, lalo na sa mga problema ng pagkakaisa at proporsyon, na pinatunayan ng talakayan at isang uri ng kumpetisyon na ginanap noong 1533 na may kaugnayan sa disenyo ng simbahan ng San Francesco della Vigna, na nagsimula ayon sa mga plano ng Sansovino (tingnan. Fig. 58). Ang harapan ng simbahan, kung saan ang malaking pagkakasunud-sunod ng gitnang bahagi ay pinagsama sa isang maliit na pagkakasunud-sunod na naaayon sa mga gilid na bahagi, ay nakumpleto lamang noong 1568-1572. dinisenyo ni Palladio.

Si Serlio ay kinilala sa Venice lamang sa pagkumpleto ng mga palasyo ng Caen, ngunit ang maraming mga plano at harapan ng mga gusali na inilalarawan sa kanyang treatise, kung saan ginamit niya ang pamana ng Peruzzi, ay nagkaroon ng malaking impluwensya hindi lamang sa kanyang mga kontemporaryo, kundi pati na rin sa marami. kasunod na henerasyon ng mga arkitekto sa Italya at sa ibang mga bansa. .

Ang pinakamalaking master na nagpasiya sa pag-unlad ng arkitektura ng Venetian noong ika-16 na siglo ay Jacopo Sansovino , isang estudyante ng Bramante, na nanirahan sa Venice pagkatapos ng sako ng Roma.

Jacopo Tatti(1486-1570), na nagpatibay ng palayaw Sansovino, ay ipinanganak sa Florence at namatay sa Venice. Ang unang kalahati ng kanyang buhay ay ginugol sa Roma (1503-1510 at 1518-1527) at Florence (1510-1517), kung saan siya nagtrabaho pangunahin bilang isang iskultor.

Noong 1520 lumahok siya sa kompetisyon para sa disenyo ng simbahan ng San Giovanni dei Fiorentini. Noong 1527, lumipat si Sansovino sa Venice, kung saan noong 1529 siya ay naging pinuno ng Procurators ng San Marco, ibig sabihin, ang pinuno ng lahat ng gawaing pagtatayo ng Republika ng Venetian.

Ang kanyang pinakamahalagang gawaing arkitektura sa Venice ay kinabibilangan ng: ang pagpapanumbalik ng mga domes ng Katedral ng San Marco; ang pagtatayo ng Scuola della Misericordia (1532-1545); pagtatayo ng pampublikong sentro ng lungsod - Piazza San Marco at Piazzetta, kung saan natapos niya ang Old Procurations at itinayo ang Library (1537-1554, nakumpleto ni Scamozzi) at Loggetta (mula noong 1537); pagtatayo ng isang mint - Dzekka (mula noong 1537); palamuti ng Golden Staircase sa Doge's Palace (1554); Palazzo Corner della Ca Grande (mula noong 1532); mga proyekto ng mga palasyo ng Grimani at Dolphin Manin; pagkumpleto ng komersyal na sentro ng lungsod sa pagtatayo ng Fabbrique Nuove at Rialto market (1552-1555); pagtatayo ng mga simbahan ng San Fantino (1549-1564), San Maurizio at iba pa.

Si Sansovino ang gumawa ng mga mapagpasyang hakbang tungo sa paglalapat ng istilong "klasikal" na nabuo sa Roma sa mga tradisyong arkitektura ng Venice.

Palazzo Corner della Ca Grande(Larawan 30) - isang halimbawa ng pagproseso ng uri ng komposisyon ng mga palasyo ng Florentine at Roman alinsunod sa mga kinakailangan at panlasa ng Venetian.

Hindi tulad ng karamihan sa mga palasyong Venetian na itinayo sa maliliit na lupain, posibleng mag-ayos ng malaking patyo sa Palazzo Corner. Gayunpaman, kung sa mga palasyo ng Florentine ng siglo XV. at Romano XVI siglo. Ang mga tirahan ay static na matatagpuan sa paligid ng patyo, na siyang sentro ng saradong buhay ng isang mayamang mamamayan at ang ubod ng buong komposisyon, dito inaayos ni Sansovino ang lahat ng mga lugar alinsunod sa isa sa pinakamahalagang tungkulin ng maharlikang buhay ng Venetian: kahanga-hangang kasiyahan at pagtanggap. Samakatuwid, ang isang pangkat ng mga silid ay taimtim na nagbubukas sa linya ng paggalaw ng mga panauhin mula sa entrance loggia (pier) sa pamamagitan ng maluwang na vestibule at hagdan sa mga reception hall sa pangunahing (pangalawa, at sa katunayan - ikatlong) palapag na may mga bintana sa harapan. , sa kalawakan ng tubig ng kanal.

Ang una at intermediate (serbisyo) na mga palapag na nakataas sa basement ay pinagsama ng malakas na rusticated masonry, na bumubuo sa mas mababang tier ng pangunahing at courtyard facades. Ang mga susunod na palapag (mga bulwagan ng pagtanggap sa mga ito ay tumutugma sa dalawang palapag ng mga lugar ng tirahan) ay ipinahayag sa pangunahing harapan ng dalawang tier ng tatlong-kapat na mga haligi ng Ionic at composite na mga order. Ang mayamang plasticity, ang accentuated na ritmo ng mga haligi na nakaayos nang magkapares, at ang malalawak na arko na mga bintana na may mga balkonahe ay nagbibigay sa gusali ng pambihirang kagandahan.

Ang paglalaan ng central entrance loggia, ang pyramidal staircase na magiliw na bumababa sa tubig, ang ratio ng mga makitid na pader at pinalawak na mga pagbubukas - lahat ng ito ay tiyak sa arkitektura ng palasyo ng Venetian noong ika-16 na siglo.

Ang Sansovino ay hindi limitado sa mga palasyo. At kahit na ang kanyang katanyagan sa buong buhay ay nauugnay sa isang mas malaking lawak sa iskultura (kung saan ang kanyang papel ay inihambing sa papel ni Titian sa pagpipinta), ang pangunahing merito ni Sansovino ay ang pagkumpleto ng sentral na grupo ng lungsod (Larawan 31-33).

Ang muling pagtatayo ng teritoryo na katabi ng Palasyo ng Doge, sa pagitan ng Piazza San Marco at ng pier, ay nagsimula noong 1537 sa pagtatayo ng tatlong gusali nang sabay-sabay - Zecchi, ang bagong Aklatan (sa site ng mga kamalig ng butil) at Logetta (sa site. ng isang gusaling nawasak ng kidlat sa paanan ng campanile). Ang Sansovino, na wastong tinatasa ang mga posibilidad ng pagpapalawak at pagkumpleto ng Piazza San Marco, ay nagsimulang gibain ang magulong mga gusali na naghihiwalay dito mula sa lagoon, pagkatapos ay lumikha ng isang kaakit-akit Piazzetta.

Kaya, binuksan niya ang mga magagandang pagkakataon para sa pag-aayos ng mga kasiyahan na minamahal ng mga Venetian at mga solemne na seremonya ng estado, na nagpapatunay sa kapangyarihan ng Republika ng Venetian at naglalaro sa tubig, sa harap ng Palasyo ng Doge at sa katedral. Ang hilagang harapan ng Aklatan ay paunang natukoy ang ikatlong panig at ang pangkalahatang anyo ng Piazza San Marco, na noon ay natapos sa pamamagitan ng pagtatayo ng New Procurations at ang gusali sa kanlurang bahagi (1810). Ang mga flagpoles na inilagay noong 1505 ni A. Leopardi at marble paving ay isang mahalagang elemento ng engrandeng bukas na bulwagan na ito (haba 175 m, lapad 56-82 m), na naging sentro ng pampublikong buhay sa Venice at nakaharap sa hindi kapani-paniwalang mayaman na five-arched. harapan ng katedral.

Fig.36. Venice. Aklatan ng San Marco. Mga guhit at dulong harapan, aklatan at Loggetta. I. Sansovino

Aklatan ng San Marco(Larawan 35, 36), na nilayon para sa koleksyon ng mga aklat at manuskrito, na naibigay noong 1468 sa Republika ng Venetian ni Cardinal Vissarion, ay isang mahabang (mga 80 m) na gusali, na ganap na gawa sa puting marmol. Wala itong sariling compositional center. Ang facade nito ay isang two-tier order arcade (na may tatlong-kapat na column ng Tuscan order sa ibaba at ang Ionic order sa itaas), hindi pangkaraniwang mayaman sa plasticity at chiaroscuro. Ang ibabang arcade ay bumubuo ng isang malalim, kalahating katawan-wide loggia. Sa likod nito ay isang serye ng mga komersyal na lugar at ang pasukan sa library, na minarkahan ng mga caryatids. Ang isang solemne na hagdanan sa gitna ng gusali ay humahantong sa ikalawang palapag, sa vestibule (natapos mamaya sa pamamagitan ng Scamozzi) at sa pamamagitan nito sa pangunahing bulwagan ng aklatan.

Sinubukan ni Sansovino na gumamit ng isang bagong disenyo ng isang huwad na naka-vault na kisame sa bulwagan, na ginawa itong gawa sa laryo, ngunit ang vault at bahagi ng dingding ay gumuho (1545). Ang umiiral na elliptical vault, na pinalamutian ng mga painting nina Titian at Veronese, ay gawa sa stucco.

Ang mga arched openings sa ikalawang palapag, na pinagsama-sama bilang isang tuluy-tuloy na gallery, ay nakasalalay sa dobleng Ionic na mga haligi na bumuo ng plasticity ng façade sa lalim. Dahil dito, ang buong kapal ng dingding ay kasangkot sa paghubog ng panlabas na anyo ng istraktura. Ang isang mataas na triglyph frieze sa pagitan ng mga sahig at isang mas binuo, relief-covered frieze ng upper entablature, na nagtatago sa ikatlong palapag ng gusali na may mga utility room at nakoronahan ng isang rich cornice na may balustrade at mga eskultura, pinag-isa ang magkabilang tier ng library sa isang mahalagang komposisyon, hindi maunahan sa maligaya na karilagan at solemnidad.

Sa paanan ng Campanile ng San Marco, ang master ay nagtayo ng isang pinalamutian na iskultura. Loggett, na nag-uugnay sa medieval tower sa mga susunod na gusali ng ensemble (nawasak si Logetta sa panahon ng pagbagsak ng campanile noong 1902; noong 1911 ang parehong mga gusali ay naibalik). Sa mga pampublikong seremonya at kasiyahan, ang terrace ng Loghetta, na bahagyang nakataas sa antas ng parisukat, ay nagsilbing plataporma para sa mga maharlikang Venetian. Matatagpuan sa junction ng Piazza San Marco at Piazzetta, ang maliit na gusaling ito na may puting marble facade na may mataas na attic, na natatakpan ng mga relief at nakoronahan ng balustrade, ay isang mahalagang elemento ng napakatalino na grupo ng Venetian center.

Matatagpuan sa likod ng library sa tabi ng dulong harapan nito, ang Zecca (mint) ay may mas sarado, halos malubhang hitsura. Ang core ng gusali ay ang courtyard, na nagsisilbi sa ground floor bilang ang tanging paraan ng komunikasyon sa pagitan ng nakapalibot na lugar, na sumasakop sa buong lalim ng mga gusali (Fig. 37). Ang gusali ay gawa sa kulay abong marmol. Ang plasticity ng mga pader ay kumplikado sa pamamagitan ng kalawang at window architraves, ang mga korona na kung saan ay mabigat at makipagtalo sa liwanag na pahalang ng manipis na architrave na nakahiga sa itaas. Ang malakas na nakausli na cornice ng ikalawang palapag, tila, ay dapat na korona sa buong gusali (ang ikatlong palapag ay idinagdag sa ibang pagkakataon, ngunit sa panahon ng buhay ni Sansovino); ngayon inaalis niya ang integridad ng komposisyon ng harapan, na puno ng mga detalye.

Kapansin-pansin ang kalayaan kung saan ang mga palapag ng Zecca, na mas mababa kaysa sa mga palapag ng silid-aklatan, ay magkadugtong sa huli, na binibigyang-diin ang pagkakaiba sa layunin at hitsura ng mga gusali (tingnan ang Fig. 36).

Sa ikalawang kalahati ng siglo XVI. Ang mga arkitekto na Rusconi, Antonio da Ponte, Scamozzi at Palladio ay nagtrabaho sa Venice.

Rusconi(c. 1520-1587) nagsimula noong 1563 ang pagtatayo ng isang bilangguan, na nakalagay sa dike dei Schiavoni at nahiwalay sa Palasyo ng Doge sa pamamagitan lamang ng isang makitid na kanal (Larawan 33, 38). Ang ubod ng gusali ay binubuo ng mga hilera ng mga nag-iisang selda, mga tunay na bag na bato, na pinaghihiwalay mula sa mga panlabas na pader ng isang koridor na nag-iwan sa mga bilanggo na walang kontak sa labas ng mundo. Ang matinding harapan ng kulay abong marmol ay ginawa ni A. da Ponte pagkatapos ng pagkamatay ni Rusconi.

Antonio da Ponte (1512-1597) ay kabilang sa pagkumpleto ng shopping center ng Venice, kung saan itinayo niya ang batong Rialto Bridge (1588-1592), na ang single-span arch ay naka-frame sa pamamagitan ng dalawang hanay ng mga tindahan (Fig. 40).

Fig.38. Venice. Bilangguan, mula 1563 Rusconi, mula 1589 A. da Ponte. Plano, western facade at isang fragment ng southern one; Bridge of Sighs
	kanin. 43. Sabbioneta. Teatro at Town Hall, 1588 Scamozzi

Vincenzo Scamozzi , ang may-akda ng mga teoretikal na treatise, kasabay nito ang huling pangunahing arkitekto ng Cinquecento sa Venice.

Vincenzo Scamozzi(1552-1616) - anak ng arkitekto na si Giovanni Scamozzi. Sa Vicenza, nagtayo siya ng maraming palasyo, kabilang ang Porta (1592) at Trissino (1592); natapos niya ang pagtatayo ng teatro na Olimpico, Palladio (1585), atbp. Sa Venice, itinayo ni Scamozzi ang New Procurations (nagsimula noong 1584), ang mga palasyo ng Konseho ng Lungsod (1558), Contarini (1606), atbp., nakumpleto ang mga interior sa Doge's Palace (1586), mga disenyo para sa Rialto Bridge (1587). Nakumpleto niya ang pagtatayo at dekorasyon ng lugar ng Sansovino Library (1597), lumahok sa pagkumpleto ng harapan ng simbahan ng San Giorgio Maggiore (1601), atbp. Nagtayo siya ng mga villa ng Verlato malapit sa Vicenza (1574), malapit sa Pisani Lonigo (1576), Trevisan on the Piave (1609) at iba pa. Ang kanyang mga aktibidad ay umabot din sa iba pang lungsod ng Italya: Padua - ang Simbahan ng San Gaetano (1586); Bergamo - Palazzo Publico (1611); Genoa - Ravaschieri Palace (1611); Sabbioneta - palasyo ng ducal, bulwagan ng bayan at teatro (1588; fig. 43).

Binisita din ni Scamozzi ang Hungary, Moravia, Silesia, Austria at iba pang mga estado, dinisenyo ang mga palasyo para sa Duke of Sbaras sa Poland (1604), sa Bohemia ang katedral sa Salzburg (1611), sa France fortifications of Nancy, atbp.

Nakibahagi si Scamozzi sa ilang mga gawa sa fortification at engineering (ang paglalagay ng kuta ng Palma, 1593; ang proyekto ng isang tulay sa ibabaw ng Piave).

Ang resulta ng pag-aaral at sketch ng mga sinaunang monumento (paglalakbay sa Roma at Naples noong 1577-1581) ay inilathala ng Scamozzi noong 1581 sa aklat na "Conversations on Roman Antiquities".

Ang pagtatapos ng kanyang trabaho ay ang teoretikal na treatise na "General Concepts of Architecture", na inilathala sa Venice (1615).

Ang mga unang gusali ng Scamozzi ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang tiyak na pagkatuyo ng mga anyo at isang pagnanais para sa isang planar na interpretasyon ng harapan (Villa Verlato malapit sa Vicenza). Ngunit ang pinakamahalagang gawaing Venetian ng Scamozzi - Bagong Procurations(1584), kung saan nagtayo siya ng 17 arko (ang natitira ay nakumpleto ng kanyang mag-aaral na si Longena), na itinayo sa diwa ng Sansovino (Larawan 42). Ibinatay ng Scamozzi ang komposisyon na ito sa isang malakas na ritmo at mayamang plasticity ng arched porticoes ng Library. Kasama ang ikatlong palapag sa komposisyon, hindi niya napigilan at nakakumbinsi na lutasin ang problema ng magkadugtong na tatlong palapag na Procurations to the Library, nagpapagaan sa koronang cornice at banayad na isinasaalang-alang na ang junction ng mga gusali ay bahagyang nakatago ng campanile. Sa ganitong paraan, nagawa niyang maiugnay nang mabuti ang parehong mga gusali sa ensemble ng Piazza San Marco.

Bagaman sa kalaunan ay si Scamozzi ang huling pangunahing arkitekto ng Renaissance, ngunit ang tunay na consummator nito ay Palladio- ang pinakamalalim at orihinal na master ng hilagang Italyano na arkitektura noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo.

Kabanata "Arkitektura ng Hilagang Italya", subseksiyon na "Arkitektura ng Italya 1520-1580", seksyong "Renaissance Architecture sa Italya", encyclopedia "Pangkalahatang Kasaysayan ng Arkitektura. Tomo V. Arkitektura ng Kanlurang Europa XV-XVI siglo. Renaissance". Tagapamahala ng editor: V.F. Marcuson. Mga May-akda: V.F. Marcuson (Introduction, G. Romano, Sanmicheli, Venice, Palladio), A.I. Opochinskaya (Mga tirahan sa Venice), A.G. Tsires (Palladio Theatre, Alessi). Moscow, Stroyizdat, 1967

Ang legacy ng Venetian school of painting ay isa sa mga pinakamaliwanag na pahina sa kasaysayan ng Italian Renaissance. Ang "Pearl of the Adriatic" - isang kakaibang kaakit-akit na lungsod na may mga kanal at marmol na palasyo, na kumalat sa 119 na isla sa tubig ng Gulpo ng Venice - ay ang kabisera ng isang malakas na republika ng kalakalan na kumokontrol sa lahat ng kalakalan sa pagitan ng Europa at mga bansa ng Silangan. Ito ang naging batayan para sa kaunlaran at impluwensyang pampulitika ng Venice, na kasama sa mga pag-aari nito na bahagi ng Hilagang Italya, ang baybayin ng Adriatic ng Balkan Peninsula, mga teritoryo sa ibang bansa. Isa ito sa mga nangungunang sentro ng kulturang Italyano, paglilimbag, at edukasyong makatao.

Binigyan din niya ang mundo ng magagandang masters gaya nina Giovanni Bellini at Carpaccio, Giorgione at Titian, Veronese at Tintoretto. Ang kanilang trabaho ay nagpayaman sa sining ng Europa na may mga makabuluhang pagtuklas sa sining na kalaunan ay ang mga artista mula Rubens at Velazquez hanggang Surikov ay patuloy na bumaling sa pagpipinta ng Venetian Renaissance.

Ang mga Venetian ay lubos na naranasan ang pakiramdam ng kagalakan ng pagiging, natuklasan ang mundo sa kanilang paligid sa lahat ng kapunuan ng buhay, hindi mauubos na makulay na kayamanan. Sila ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang espesyal na panlasa para sa lahat ng bagay na tiyak na kakaiba, emosyonal na kayamanan ng pang-unawa, paghanga sa pisikal, materyal na pagkakaiba-iba ng mundo.

Ang mga artista ay naaakit ng kakaibang kaakit-akit na tanawin ng Venice, ang kasiyahan at makulay ng buhay nito, ang katangiang hitsura ng mga taong-bayan. Kahit na ang mga kuwadro na gawa sa mga relihiyosong tema ay madalas nilang binibigyang-kahulugan bilang mga makasaysayang komposisyon o mga eksena sa monumental na genre. Ang pagpipinta sa Venice, mas madalas kaysa sa ibang mga paaralang Italyano, ay may sekular na karakter. Ang malawak na bulwagan ng kahanga-hangang tirahan ng mga tagapamahala ng Venetian - ang Palasyo ng Doge ay pinalamutian ng mga larawan at malalaking makasaysayang komposisyon. Ang mga monumento na siklo ng salaysay ay isinulat din para sa mga Venetian Scuol, mga relihiyoso at philanthropic na kapatiran na nagbuklod sa mga karaniwang tao. Sa wakas, sa Venice, ang pribadong pagkolekta ay laganap lalo na, at ang mga may-ari ng mga koleksyon - mayaman at edukadong mga patrician - ay madalas na kinomisyon ang mga pagpipinta batay sa mga paksa na iginuhit mula sa unang panahon o mga gawa ng mga makatang Italyano. Hindi nakakagulat na ang pinakamataas na pamumulaklak para sa Italya ng mga purong sekular na genre tulad ng portrait, historikal at mitolohiko na pagpipinta, tanawin, tanawin sa kanayunan ay nauugnay sa Venice.

Ang pinakamahalagang pagtuklas ng mga Venetian ay ang mga prinsipyo ng kulay at larawan na binuo nila. Sa iba pang mga artistang Italyano mayroong maraming mahusay na mga colorist, na pinagkalooban ng isang pakiramdam ng kagandahan ng kulay, ang maayos na pagkakaisa ng mga kulay. Ngunit ang batayan ng nakalarawang wika ay pagguhit at chiaroscuro, na malinaw at ganap na nagmodelo ng anyo. Ang kulay ay naiintindihan sa halip bilang ang panlabas na shell ng anyo, hindi nang walang dahilan, na nag-aaplay ng mga makukulay na stroke, pinagsama sila ng mga artista sa isang perpektong makinis, enamel na ibabaw. Ang estilo na ito ay minamahal din ng mga Dutch artist, na siyang unang nakabisado ang pamamaraan ng pagpipinta ng langis.

Ang mga Venetian, sa isang mas malaking lawak kaysa sa mga master ng iba pang mga paaralang Italyano, ay pinahahalagahan ang mga posibilidad ng pamamaraang ito at ganap na binago ito. Halimbawa, ang kaugnayan ng mga Dutch artist sa mundo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang magalang na pagmumuni-muni na simula, isang lilim ng relihiyosong kabanalan, sa bawat isa, ang pinaka-ordinaryong paksa, sila ay naghahanap ng isang salamin ng pinakamataas na kagandahan. Ang liwanag ay naging paraan ng pagpapadala ng panloob na pag-iilaw na ito. Ang mga Venetian, na nakita ang mundo nang hayagan at sa isang pangunahing paraan, halos sa paganong kasayahan, ay nakakita sa pamamaraan ng pagpipinta ng langis ng isang pagkakataon upang maihatid ang buhay na corporality sa lahat ng inilalarawan. Natuklasan nila ang kayamanan ng kulay, ang mga tonal transition nito, na maaaring makamit sa pamamaraan ng oil painting at sa pagpapahayag ng mismong texture ng painting.

Ang pintura ay nagiging batayan ng nakalarawang wika sa mga Venetian. Hindi nila gaanong naisasagawa ang mga anyo nang graphical habang hinuhubog nila ang mga ito sa pamamagitan ng mga stroke – kung minsan ay walang timbang na transparent, minsan ay siksik at natutunaw, tumatagos sa panloob na paggalaw ng mga pigura ng tao, mga liko ng mga tupi ng tela, mga pagmuni-muni ng paglubog ng araw sa madilim na ulap sa gabi.

Ang mga tampok ng pagpipinta ng Venetian ay nabuo sa isang mahaba, halos isa at kalahating siglo, na landas ng pag-unlad. Ang nagtatag ng Renaissance school of painting sa Venice ay si Jacopo Bellini, ang una sa mga Venetian na bumaling sa mga nagawa ng pinaka-advanced na paaralan ng Florentine noong panahong iyon, ang pag-aaral ng sinaunang panahon at ang mga prinsipyo ng linear na pananaw. Ang pangunahing bahagi ng kanyang pamana ay binubuo ng dalawang mga album ng mga guhit na may pagbuo ng mga komposisyon para sa mga kumplikadong multi-figured na mga eksena sa mga tema ng relihiyon. Sa mga guhit na ito, na inilaan para sa studio ng artist, ang mga katangian ng paaralan ng Venetian ay nagpapakita na. Sila ay napuno ng diwa ng tsismis, interes hindi lamang sa maalamat na kaganapan, kundi pati na rin sa totoong buhay na kapaligiran.

Ang kahalili ng gawa ni Jacopo ay ang kanyang panganay na anak na si Gentile Bellini, ang pinakamalaking master ng historical painting sa Venice noong ika-15 siglo. Sa kanyang mga monumental na canvases, ang Venice ay lumilitaw sa harap natin sa lahat ng kaningningan ng kakaibang kaakit-akit na anyo nito, sa mga sandali ng kasiyahan at solemne na mga seremonya, na may masikip na magagandang prusisyon at maraming pulutong ng mga manonood na nagsisiksikan sa makipot na pilapil ng mga kanal at humpbacked na tulay.

Ang mga makasaysayang komposisyon ng Gentile Bellini ay may walang alinlangan na impluwensya sa gawain ng kanyang nakababatang kapatid na si Vittore Carpaccio, na lumikha ng ilang mga siklo ng mga monumental na pagpipinta para sa mga kapatiran ng Venetian - Scuol. Ang pinaka-kapansin-pansin sa kanila ay ang History of St. Ursula" at "Isang Eksena mula sa Buhay ng mga Santo Jerome, George at Typhon". Tulad nina Jacopo at Gentile Bellini, nagustuhan niyang ilipat ang aksyon ng isang relihiyosong alamat at ang sitwasyon ng kanyang kontemporaryong buhay, na naglalahad ng isang detalyadong salaysay na mayaman sa maraming detalye ng buhay sa harap ng madla. Ngunit ang lahat ay nakikita niya sa iba't ibang mga mata - ang mga mata ng isang makata na nagpapakita ng kagandahan ng gayong simpleng motibo sa buhay bilang isang eskriba na masigasig na nagsusulat mula sa pagdidikta, isang mapayapang natutulog na aso, isang troso na sahig ng isang pier, isang elastically inflated na layag na dumudulas sa ibabaw. ang tubig. Ang lahat ng nangyayari ay, kumbaga, puno ng panloob na musika ni Carpaccio, ang himig ng mga linya, ang pagdausdos ng mga makukulay na lugar, liwanag at anino, na inspirasyon ng taos-puso at nakakaantig na damdamin ng tao.

Ang mala-tula na mood ay ginagawang nauugnay si Carpaccio sa pinakadakilang mga pintor ng Venetian noong ika-15 siglo - si Giovanni Bellini, ang bunsong anak ni Jacopo. Ngunit ang kanyang mga artistikong interes ay nasa isang bahagyang naiibang lugar. Ang master ay hindi nabighani sa isang detalyadong salaysay, mga motif ng genre, bagaman nagkaroon siya ng pagkakataon na magtrabaho ng maraming sa genre ng makasaysayang pagpipinta, na minamahal ng mga Venetian. Ang mga canvases na ito, maliban sa isa na isinulat niya kasama ng kanyang kapatid na Gentil, ay hindi nakarating sa amin. Ngunit ang lahat ng kagandahan at mala-tula na lalim ng kanyang talento ay nahayag sa mga komposisyon ng ibang uri. Wala silang aksyon, isang hindi nabuksang kaganapan. Ito ay mga monumental na altar na naglalarawan ng isang Madonna na nakaluklok na napapalibutan ng mga santo (ang tinatawag na "Banal na Panayam"), o maliliit na mga pintura kung saan, sa likod ng isang tahimik, malinaw na kalikasan, nakikita natin ang Madonna at Bata na nalubog sa pag-iisip o iba pang mga karakter. ng mga relihiyosong alamat. Sa mga laconic, simpleng komposisyon na ito ay may masayang kapunuan ng buhay, liriko na konsentrasyon. Ang nakalarawang wika ng pintor ay nailalarawan sa pamamagitan ng maringal na paglalahat at pagkakasunud-sunod. Si Giovanni Bellini ay malayong nangunguna sa mga masters ng kanyang henerasyon, na iginigiit ang mga bagong prinsipyo ng artistikong synthesis sa Venetian art.

Ang pagkakaroon ng nabuhay sa isang hinog na katandaan, pinamunuan niya ang artistikong buhay ng Venice sa loob ng maraming taon, hawak ang posisyon ng opisyal na pintor. Ang mga dakilang Venetian na sina Giorgione at Titian ay lumabas sa pagawaan ng Bellini, na ang mga pangalan ay nauugnay sa pinakamatalino na panahon sa kasaysayan ng paaralang Venetian.

Si Giorgione da Castelfranco ay nabuhay ng maikling buhay. Namatay siya sa edad na tatlumpu't tatlo sa panahon ng isa sa mga madalas na salot noong panahong iyon. Ang kanyang pamana ay maliit sa saklaw: ang ilan sa mga kuwadro na gawa ni Giorgione, na nanatiling hindi natapos, ay natapos ng isang nakababatang kasama at katulong sa pagawaan, si Titian. Gayunpaman, ang ilang mga kuwadro na gawa ni Giorgione ay magiging isang paghahayag sa mga kontemporaryo. Ito ang unang artista sa Italya, na ang mga sekular na tema ay tiyak na nanaig sa relihiyon, ang nagpasiya sa buong sistema ng pagkamalikhain.

Lumikha siya ng isang bago, malalim na mala-tula na imahe ng mundo, hindi pangkaraniwan para sa sining ng Italyano noong panahong iyon, kasama ang pagkahilig nito sa engrandeng kadakilaan, monumentalidad, kabayanihan na intonasyon. Sa mga kuwadro na gawa ni Giorgione, nakikita natin ang isang idyllic, maganda at simpleng mundo, puno ng maalalahanin na katahimikan.

Giovanni Bellini. "Larawan ni Doge Leonardo Loredan".
Langis. Mga 1501.

Ang sining ng Giorgione ay isang tunay na rebolusyon sa pagpipinta ng Venetian, ay may malaking epekto sa mga kontemporaryo, kabilang ang Titian, na ang gawain ng mga mambabasa ng magasin ay nagkaroon na ng pagkakataong makilala. Alalahanin na si Titian ay isang sentral na pigura sa kasaysayan ng paaralang Venetian. Paglabas mula sa workshop ni Giovanni Bellini at pakikipagtulungan kay Giorgione sa kanyang kabataan, minana niya ang pinakamahusay na mga tradisyon ng mga matatandang masters. Ngunit ito ay isang artista na may ibang sukat at malikhaing ugali, na kapansin-pansin sa versatility at komprehensibong lawak ng kanyang henyo. Sa mga tuntunin ng kadakilaan ng pananaw sa mundo, ang kabayanihan na aktibidad ng mga imahe ng Titian ay maihahambing lamang kay Michelangelo.

Inihayag ni Titian ang tunay na hindi mauubos na posibilidad ng kulay at pintura. Sa kanyang kabataan, gustung-gusto niya ang mayaman, enamel-clear na mga kulay, na kumukuha ng makapangyarihang mga chord mula sa kanilang mga paghahambing, at sa kanyang katandaan ay binuo niya ang sikat na "huli na paraan", napakabago na hindi ito nakahanap ng pag-unawa sa karamihan ng kanyang mga kontemporaryo. Ang ibabaw ng kanyang mga late canvases na malapitan ay isang kamangha-manghang kaguluhan ng mga random na inilapat na mga stroke. Ngunit sa isang distansya, ang mga spot ng kulay na nakakalat sa ibabaw ay nagsasama, at ang mga figure ng tao na puno ng buhay, mga gusali, mga landscape ay lilitaw sa harap ng aming mga mata - na parang sa walang hanggang pag-unlad, puno ng drama.

Ang huling, huling panahon ng Venetian Renaissance ay nauugnay sa gawain nina Veronese at Tintoretto.

Si Paolo Veronese ay isa sa mga maligaya, maaraw na kalikasan kung saan ipinakikita ng buhay ang sarili sa pinakamasaya at maligaya na aspeto. Sa kawalan ng lalim nina Giorgione at Titian, sa parehong oras ay pinagkalooban siya ng isang mas mataas na pakiramdam ng kagandahan, ang pinakamahusay na pandekorasyon na likas na talino at isang tunay na pag-ibig sa buhay. Sa malalaking canvases, na nagniningning na may mahalagang mga kulay, nalutas sa isang katangi-tanging kulay-pilak na tonality, laban sa backdrop ng kahanga-hangang arkitektura, nakikita namin ang isang makulay na pulutong na kapansin-pansin na may napakahalagang ningning - mga patrician at marangal na kababaihan na may magagandang damit, sundalo at karaniwang tao, musikero, tagapaglingkod, dwarf .

Sa pulutong na ito, ang mga bayani ng mga alamat ng relihiyon ay kung minsan ay halos mawala. Kinailangan pa ni Veronese na humarap sa korte ng Inquisition, na inakusahan siya ng pangahas na ilarawan sa isa sa mga komposisyon ang maraming mga karakter na walang kinalaman sa mga tema ng relihiyon.

Gustung-gusto ng artista ang tema ng mga kapistahan ("Kasal sa Cana", "Kapistahan sa Bahay ni Levi"), na ginagawang katamtaman ang mga pagkain sa ebanghelyo sa mga kahanga-hangang maligaya na panoorin. Ang sigla ng mga imahe ni Veronese ay tulad na tinawag ni Surikov ang isa sa kanyang mga kuwadro na gawa na "nature pushed behind the frame." Ngunit ito ay kalikasan, na nilinis ng bawat ugnayan ng pang-araw-araw na buhay, pinagkalooban ng kahalagahan ng Renaissance, na pinarangalan ng ningning ng palette ng artist, ang pandekorasyon na kagandahan ng ritmo. Hindi tulad ng Titian, si Veronese ay nagtrabaho nang husto sa larangan ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta at isang natatanging Venetian na dekorador ng Renaissance.

Ang huling dakilang master ng Venice noong ika-16 na siglo, si Jacopo Tintoretto, ay tila isang kumplikado at mapaghimagsik na kalikasan, isang naghahanap ng mga bagong landas sa sining, na lubos at masakit na nadama ang mga dramatikong salungatan ng modernong katotohanan.

Ipinakilala ni Tintoretto ang isang personal, at kadalasang subjective-arbitrary, simula sa interpretasyon nito, na nagpapasakop sa mga pigura ng tao sa ilang hindi kilalang pwersa na nagkakalat at umiikot sa kanila. Sa pamamagitan ng pagpapabilis ng pag-urong ng perspektibo, lumilikha siya ng ilusyon ng isang mabilis na pagtakbo ng espasyo, pagpili ng hindi pangkaraniwang mga punto ng view at masalimuot na pagbabago sa mga balangkas ng mga figure. Ang mga simple at pang-araw-araw na eksena ay nababago sa pamamagitan ng pagsalakay ng surreal na kamangha-manghang liwanag. Kasabay nito, ang mundo ay nagpapanatili ng kanyang kadakilaan, puno ng mga dayandang ng mahusay na mga drama ng tao, mga pag-aaway ng mga hilig at mga karakter.

Ang pinakadakilang malikhaing gawa ng Tintoretto ay ang paglikha ng isang malawak, na binubuo ng higit sa dalawampung malalaking panel sa dingding at maraming komposisyon ng plafond, isang pictorial cycle sa Scuola di San Rocco, kung saan nagtrabaho ang artist sa halos isang-kapat ng isang siglo - mula 1564 hanggang 1587. Ayon sa hindi mauubos na kayamanan ng artistikong pantasya, ayon sa lawak ng mundo, na tinatanggap ang parehong unibersal na trahedya (“Golgotha”), at isang himala na nagpabago sa isang kubo ng mahirap na pastol (“The Nativity of Christ”), at ang misteryosong kadakilaan ng kalikasan (“Maria Magdalena sa Disyerto” ), at matayog na gawa ng espiritu ng tao (“Si Kristo sa harap ni Pilato”), ang siklong ito ay walang kapantay sa sining ng Italya. Tulad ng isang marilag at trahedya na simponya, kinukumpleto nito, kasama ng iba pang mga gawa ni Tintoretto, ang kasaysayan ng paaralan ng pagpipinta ng Venetian Renaissance.

VENETIAN SCHOOL sa pagpipinta, isa sa mga pangunahing paaralan ng sining sa Italya, na itinatag sa Venice noong ika-14-18 siglo. Ang paaralan ng Venetian sa panahon ng kasaganaan nito ay nailalarawan sa pamamagitan ng perpektong karunungan sa mga nagpapahayag na posibilidad ng pagpipinta ng langis, espesyal na pansin sa mga problema ng kulay. Ang pagpipinta ng Venetian noong ika-14 na siglo ay nakikilala sa pamamagitan ng pandekorasyon na dekorasyon, maligaya na sonority ng mga kulay, interweaving ng mga tradisyon ng Gothic at Byzantine (Lorenzo at Paolo Veneziano). Sa kalagitnaan ng ika-15 siglo, lumitaw ang mga tendensya ng Renaissance sa pagpipinta ng paaralang Venetian, na pinalakas ng impluwensya ng mga paaralang Florentine at Netherlandish (sa pamamagitan ng pamamagitan ng Antonello da Messina). Sa mga gawa ng mga masters ng unang bahagi ng Venetian Renaissance (sa gitna at pagtatapos ng ika-15 siglo; Antonio, Bartolomeo at Alvise Vivarini, Jacopo at Gentile Bellini, Vittore Carpaccio, Carlo Crivelli, atbp.), Ang sekular na simula ay lumalaki, ang pagnanais para sa isang makatotohanang paglipat ng espasyo at dami ay tumitindi; Ang mga relihiyosong kwento at kwento ng mga himala ay binibigyang kahulugan bilang mga makukulay na larawan ng pang-araw-araw na buhay sa Venice. Inihanda ng gawa ni Giovanni Bellini ang paglipat sa sining ng High Renaissance. Ang kasagsagan ng paaralang Venetian noong ika-1 kalahati ng ika-16 na siglo ay nauugnay sa mga pangalan ng kanyang mga mag-aaral - Giorgione at Titian. Ang walang muwang na salaysay ay nagbigay daan sa mga pagtatangka na lumikha ng isang pangkalahatang larawan ng mundo kung saan ang tao ay umiiral sa natural na pagkakatugma sa patula na inspirasyon ng buhay ng kalikasan. Sa mga huling gawa ng Titian, ang malalim na dramatikong salungatan ay ipinahayag, ang estilo ng pagpipinta ay nakakakuha ng pambihirang emosyonal na pagpapahayag. Sa mga gawa ng mga masters ng ika-2 kalahati ng ika-16 na siglo (P. Veronese at J. Tintoretto), ang birtuosidad ng paglipat ng makulay na kayamanan ng mundo, ang kamangha-manghang magkatabi na may isang dramatikong kahulugan ng kawalang-hanggan ng kalikasan at ang dinamika ng malaking masa ng tao.

Noong ika-17 siglo, ang paaralang Venetian ay nakaranas ng isang panahon ng paghina. Sa mga gawa ni D. Fetti, B. Strozzi at I. Liss, ang mga pamamaraan ng pagpipinta ng baroque, makatotohanang mga obserbasyon at impluwensya ng caravaggism ay magkakasabay na may tradisyonal na interes para sa mga coloristic na paghahanap para sa mga Venetian artist. Ang bagong pamumulaklak ng Venetian school ng ika-18 siglo ay nauugnay sa pag-unlad ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta, na pinagsama ang masayang kasiyahan na may spatial dynamics at isang katangi-tanging liwanag ng kulay (G. B. Tiepolo). Ang pagpipinta ng genre ay umuunlad, na banayad na naghahatid ng mala-tula na kapaligiran ng pang-araw-araw na buhay sa Venice (G. B. Piazzetta at P. Longi), landscape ng arkitektura (veduta), dokumentaryo na muling nililikha ang imahe ng Venice (A. Canaletto, B. Bellotto). Ang mga tanawin ng silid ng F. Guardi ay nakikilala sa pamamagitan ng liriko na intimacy. Ang matalas na interes sa paglalarawan ng kapaligiran ng liwanag na hangin, na katangian ng mga artistang Venetian, ay inaasahan ang paghahanap ng mga pintor noong ika-19 na siglo sa larangan ng plein air. Sa iba't ibang panahon, naiimpluwensyahan ng paaralang Venetian ang sining ni H. Burgkmair, A. Dürer, El Greco at iba pang mga European masters.

Lit.: Pallucchini R. La pittura veneziana del cinquecento. Novara, 1944. Vol. 1-2; idem. La pittura veneta del quattrocento. Bologna, 1956; idem. La pittura veneziana del settecento. Venice; Roma, 1960; Smirnova I. A. Titian at ang larawan ng Venetian noong ika-16 na siglo. M., 1964; Kolpinsky Yu. D. Sining ng Venice. ika-16 na siglo M., 1970; Levey M. Pagpinta noong ika-labingwalong siglo ng Venice. 2nd ed. Oxf., 1980; Pignatti T. Venetian School: Album. M., 1983; Sining ng Venice at Venice sa sining. M., 1988; Fedotova E. D. Venetian na pagpipinta ng Enlightenment. M., 1998.

Ang mga artista ng Greece, Byzantium at lahat ng Italya ay naghangad sa lungsod na ito, na makahanap ng trabaho, komisyon at pagkilala dito. Samakatuwid, hindi nakakagulat na bago ang sining ng Venice ay naging orihinal, ang mga parisukat at pilapil nito ay pinalamutian ng mga gusali ng isang istilong dayuhan dito. Tinukoy ng istilong ito ang buong hinaharap na arkitektura ng Venetian, na, kasama ang polychrome nito, ay nagsimulang maging katulad ng mga oriental na karpet.

Dapat ding tandaan na ang Venice, sa isang mas maliit na lawak kaysa sa iba pang mga lungsod ng Italya, ay naiimpluwensyahan ng sinaunang sining ng Sinaunang Roma. Walang magagandang guho dito, ang mga paganong templo at templo ay hindi umangkop sa mga unang simbahang Kristiyano; sa kabaligtaran, ang mayamang Republika ng St. Mark ay nagdala sa Venice ng mga masining na halaga, tanso at mga iskulturang bato mula sa buong Mediterranean.

Ang orihinal na arkitektura ng Venetian ay isinilang bilang isang echo ng Byzantine na arkitektura na may mga katangiang arcade, mosaic, at mahigpit na mukha ng mga santo. Kasunod nito, ang mga anyo ng Byzantine ay magkakasamang umiral nang mapayapa kasama ang mga tampok ng arkitektura ng Romanesque, na dumating sa amin sa ilang mga detalye ng mga gusali na nanatili sa mga isla ng Torcello at Murano at sa mga interior ng Katedral ng San Marco.

Ang ika-18 siglo ay para sa lungsod sa mga isla ng lagoon na isa sa pinakamatalino sa kasaysayan nito. Una sa lahat, ito ay ipinakita sa isang pambihirang pagtaas sa artistikong pagkamalikhain na ang hitsura ng lungsod mismo ay nagbago nang malaki sa panahong ito. Maraming mga simbahan ang itinayo, lumitaw ang mga bagong pampublikong gusali (halimbawa, ang teatro ng La Fenice), itinayo ang mga pribadong palasyo (ang pinakatanyag sa kanila ay Grassi, Duodo, dei Leoni, atbp.), Ang mga sinaunang gusali ay naibalik at ginawang muli sa panlasa. ng bagong panahon.

Sa kurso ng karagdagang pagsasalaysay, pag-uusapan natin ang tungkol sa mga tanawin ng arkitektura ng Venice, kaya pag-uusapan din natin ang tungkol sa mga arkitekto na nagtayo at nagpanumbalik sa kanila. Ngayon ay lumipat tayo sa "reyna ng Venetian art" - pagpipinta, na, kasama ang kapangyarihan, sukat at humanistic na adhikain, ay nauna sa arkitektura. Ang mga unang sample nito ay nakuha mula sa Greece. Noong 1071, ipinatawag ni Doge Domenico Selvo ang mga Griyegong artista upang palamutihan ang St. Mark ng "liham at mosaic". Dinala nila ang talas at kawalang-kilos ng mga contour na namayani sa Byzantium noong panahong iyon, ang kayamanan ng mga kurtina at dekorasyon, ang ningning ng mga kulay na napakakapal na nakapatong sa isang gintong background.

Sa simula ng ika-12 siglo, itinatag ng Greek Theophanes ang isang paaralan ng pagpipinta sa Venice, na, bukod sa iba pa, ay agad na nagsimulang tumayo para sa kanyang mala-tula na pagiging totoo at tinalikuran ang kalubhaan ng mga fresco. Sa una, marahil, ang sining ng Venice ay nagdala ng hindi gaanong orihinal na mga kaisipan o malalim na damdamin bilang mga paghahayag sa pagmumuni-muni ng mundo. Noong 1281, ang hitsura ng pangalan ng Venetian, na nakuha sa mahalagang "Pagpapako sa Krus" ni master Stefano Pievano, na nakaligtas mula sa ika-13 siglo, ay nagsimula. Sa kasalukuyan, ang "Crucifixion" na ito ay nakatago sa Marciano Library.

Nakahiwalay sa buhay pampulitika, ang Venice sa loob ng mahabang panahon ay nanatili sa masining na buhay. Sa walang ibang lungsod sa Italya ang pagpipinta ay maaaring umunlad nang kalmado, nang walang mga pagkagambala at panghihimasok, at mamatay sa natural na kamatayan.

Binubuo ng mga artista, kumbaga, isang espesyal na aristokrasya ng talento, kasama ang isang generic, at ang ganoong posisyon ay isang tiyak na tanda ng pangangailangan, at hindi ang aksidente, ng sining ng Venice. Ang kapaligiran ng patrician mismo ay itinuturing silang mga miyembro nito, ipinagmamalaki ng estado ang mga panginoon nito, na isinasaalang-alang sila bilang isang pambansang kayamanan.

Ang sining ng Venice ay pangunahing batay sa pahayag ni Aristotle na ang simula ng lahat ng kaalaman ay isang buhay na pang-unawa sa materyal na mundo. Samakatuwid, ang mga artista ng Venetian (hindi katulad ng mga Florentine) ay nagpatuloy hindi mula sa siyentipikong kaalaman sa katotohanan, ngunit mula sa direktang pang-unawa ng madla. Sa halip na mahigpit na sundin ang mga alituntunin ng mga proporsyon at ang mga batas ng linear na pananaw, na binuo at obligado para sa mga artista ng Roman-Florentine na paaralan, ang mga pintor ng Venetian ay naging pangunahing paraan ng pagpapahayag na may kulay.

Ang mga pinagmulan ng hindi pangkaraniwang pangako ng mga Venetian artist sa kulay at liwanag ay matatagpuan sa matagal na koneksyon ng Republika sa Silangan, at sa mismong likas na katangian ng mga isla - maliwanag at kapana-panabik. Wala kahit saan ang realidad na naging napakalapit sa mahiwagang panaginip, wala kahit saan na nagbigay sa mga artista ng napakaraming direktang materyal para sa pagkamalikhain. Napakaganda ng kagandahang naghari sa paligid na tila sapat na upang ilarawan ito sa hindi inaasahang anyo. Ang isa sa mga mananaliksik ng Venetian painting ay sumulat: "Dito ang lahat ay nagiging pagpipinta, mula sa lahat sa huli ay isang larawan ang isinilang ... Ang gayong pagpipinta ay maaaring ipanganak at umunlad lamang sa Venice; lubusan itong nababalot ng espiritu ng Venetian ... na sa una ay umaaligid sa mga tuyong kama ng mga laguna, upang sa kalaunan, na maging isang lungsod, ito ay magiging Venice - isang lungsod na walang pader, ang sagisag ng kulay.

Sa pagpipinta ng Venetian, marahil, walang ganoong mataas na diskarte sa pagguhit at napakatalino na kaalaman sa anatomya na nagpapakilala sa pagpipinta ng mga Florentine. Sa kabilang banda, nakuha ng mga canvases ng Venetian artist ang matahimik na kagalakan ng pagiging, ang ecstasy ng materyal na kayamanan at ang maraming kulay na mundo, ang kagandahan ng mga lansangan at mga kanal, luntiang lambak at burol. Ang mga artistang ito ay naakit hindi lamang ng tao, kundi pati na rin ng kapaligiran kung saan siya nakatira.

Ang lungsod mismo ay nag-ambag sa katotohanan na ang mga dakilang master ay ipinanganak dito: ang mga kapatid na Bellini, Lorenzo Lotto, Marco Bazaiti, Cima de Colegnano, Carpaccio, Palma the Elder, Giorgione, Canaletto, Titian, Veronese, Tinto Retto at iba pang mga artista ay nagtrabaho sa Venice . Unti-unti nilang pinalaya ang kanilang mga sarili mula sa mga tanikala ng relihiyosong pagpipinta, pinalawak ang kanilang mga abot-tanaw, at dinala ang sining sa landas ng humanismo, na nagbigay ng higit na kalayaan, higit na yaman ng mga kulay, higit na animation at kadakilaan ng mga anyo. Ayon kay Vasari, "Si Giorgione ng Castelfranco ang unang nagbigay sa kanyang mga imahe ng higit na paggalaw at umbok, at, bukod dito, sa isang mataas na antas ng biyaya."

Iniuugnay ng mga istoryador ng sining ang simula ng kasagsagan ng pagpipinta ng Venetian sa gawa ni Gentile Bellini, na magiliw na tinawag ng kanyang mga kababayan kay Giambellino. Dinala niya sa kaakit-akit na espasyo ang ningning ng kulay, ang katumpakan ng mga landscape at light linear plasticity, ang init at iba't ibang damdamin ng tao. Nagkaroon siya ng isang malaking workshop, maraming mga mag-aaral at mga tagasunod, at kabilang sa kanila - sina Titian at Giorgione.

Si Giorgione hanggang ngayon ay nananatiling isa sa mga pinaka misteryosong personalidad sa pagpipinta ng mundo. Ang kanyang buhay ay maikli, ang impormasyon tungkol sa kanyang talambuhay ay kakaunti, ang kanyang trabaho ay nababalot ng misteryo. Ito ay kilala lamang para sa tiyak na siya ay nagtataglay ng mga bihirang talento sa musika at isang kaakit-akit na boses. Namatay si Giorgione sa edad na 33, tumangging iwan ang kanyang minamahal, na nagkasakit ng salot. Ang kanyang mga kuwadro na gawa (may iilan sa mga ito) ay nagdadala ng manonood sa mundo ng dalisay at espirituwal na pagpipinta, mga banal na kalmado na anyo at ang mahika ng liwanag.

Nabuhay si Titian ng mahabang buhay, puno ng katanyagan at karangalan, at nagpinta ng maraming mga pintura, kung saan mayroong mga larawan ng mga sikat na tao noong panahong iyon. Kung ang mga likha ni Giorgione ay matatawag na intimate, elegiac at dreamy, kung gayon ang mundo ng Titian ay totoo at kabayanihan. Ibinaon niya tayo sa "magic color alchemy" ng kanyang mga canvases, kung saan ang mga anyo ay natutunaw sa kulay at liwanag, alinman sa kagalakan, o malungkot, o kahit na tragically na nagsasabi tungkol sa makalupang kaligayahan ng tao.

Sa pamamagitan ng kapangyarihan ng kanyang talento, nalampasan ni Titian ang maraming mga artista, at kung minsan ay naabot nila ang isang pantay na taas sa kanya, kung gayon walang sinuman ang maaaring maging maayos, mahinahon at malayang manatili sa mataas na antas na ito. Si Titian ay kabilang sa ganoong uri ng mga artista na sumanib sa nakapaligid na buhay at kumukuha ng lahat ng kanilang lakas mula rito. Ang pagkakaisa ng artista sa siglo at lipunan ay kamangha-mangha: hindi siya kailanman nakaramdam ng panloob na hindi pagkakasundo o galit, ang lahat ng kanyang mga canvases ay kumikinang na may kumpletong kasiyahan sa buhay, na parang nakita at nakuha niya sa kanyang mga pagpipinta lamang ang namumulaklak na bahagi ng mundo. - mga pista opisyal, maraming motley, maringal na mga patrician, mabibigat na fold ng mga mamahaling damit, ningning ng baluti na kabalyero. Inilipat ng artista sa kanyang mga canvases ang transparent na Venice, ang asul na distansya ng mga abot-tanaw, mga palasyo at haligi ng marmol, ang ginintuang kahubaran ng mga kababaihan ...

Hindi nagmamadali si Titian na ibenta ang kanyang mga pintura: maingat niyang tinapos ang mga ito, inilagay sa isang tabi sandali, at pagkatapos ay bumalik muli sa kanila. Para kay Titian, ang kakayahang maging masaya ay pinagsama sa panlabas na suwerte. Lahat ng biographers ay nagulat sa pambihirang kaligayahan ng artist. Isinulat ng isa sa kanila: “Siya ang pinakamasaya at nasisiyahang tao sa kanyang uri, na hindi nakatanggap ng anuman mula sa Langit kundi mga pabor at suwerte.” Ang mga papa, emperador, hari at aso ay pinaboran siya, bukas-palad na binayaran siya at nagbigay ng walang katulad na karangalan. Ginawa siyang kabalyero ni Charles V at itinaas siya sa dignidad ng isang bilang.

Ngunit mas masaya si Titian kaysa sa materyal na kayamanan at karangalan. Nabuhay siya sa isang panahon kung saan ang kanyang personal na negosyo ay negosyo ng marami at maging ng mga tao, sa isang kapaligiran ng pag-unawa sa isa't isa at karaniwang gawain.

Ang direktang tagapagmana ng Titian at ang tunay na pinuno ng Venetian painting sa ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo ay si Paolo Veronese. Ang kabayanihan na panahon ng kasaysayan ng Venice ay tapos na, ang mahusay na mga ruta ng kalakalan ay lumipat sa ibang mga lugar, at ang Republika ay umiral lamang dahil sa yaman na naipon sa mga siglo, na pinalamutian ito tulad ng isang fairy-tale prinsesa.

Ang maganda at pinong pagpipinta ng Veronese ay ang epiko ng bagong Venice, na sa wakas ay lumipat mula sa mga bukid ng nayon patungo sa mga pader ng lungsod. Halos walang ibang pintor sa mundo ng pagpipinta na, sa sobrang karangyaan at ningning, ay maiparating ang buhay ng mga anak at apo ng mga dating bayani, na walang gaanong pagpapahalaga sa nakaraan at handang tumalikod mula sa mga tagumpay. ang mga larangan ng digmaan sa mga nanalo sa parquet ng salon.

Ang artist ay nag-iisip ng kaunti tungkol sa katapatan sa panahon, tungkol sa makasaysayang o sikolohikal na katotohanan, at sa pangkalahatan tungkol sa balangkas ng kanyang mga kuwadro na gawa. Ipininta niya ang kanyang nakita sa paligid - sa mga parisukat at kanal ng kanyang matikas at kakaibang lungsod. At walang nakakaalam kung paano gumuhit ng mga damit na tulad nito, upang maihatid ang paglalaro ng kanyang mga kulay at ang kaligayahan ng kanyang mga fold - sa bagay na ito, nalampasan pa ni Veronese si Titian. Matapang niyang pinili para sa kanyang mga pagpipinta ang pinakamahirap at mahirap na mga materyales na ihatid sa larawan - brocade, satin o sutla na hinabi na may mga pattern. Maingat niyang tinapos ang bawat detalye, pinagmamasdan ang pagkakatugma ng liwanag at mga anino, kaya tila sa ilalim ng brush ni Veronese ang tela ay "nanginginig" at "lumumot". Alam niya kung paano itugma ang mga indibidwal na kulay sa paraang nagsimula silang magsunog tulad ng mga mahalagang bato, kahit na may mas malamig na liwanag kaysa sa Titian.

Si Veronese ang una sa mga Venetian artist na lumikha ng buong pandekorasyon na mga ensemble, pagpinta sa mga dingding ng mga simbahan, palasyo at villa mula sa itaas hanggang sa ibaba, na inilalagay ang kanyang pagpipinta sa arkitektura. Sa Palasyo ng Doge mayroong isang alegorya ng Venice na ipininta ni Veronese - isang babaeng pigura na nakaupo sa isang trono at tumatanggap ng mga regalo ng Mundo. Ang buong interes ng larawang ito ay namamalagi sa mga damit ng babaeng pigura - pilak na brokeid na hinabi na may mga gintong bulaklak. Sa luho ng mga damit, idinagdag ng artista ang karangyaan ng alahas, at dapat tandaan na walang sinuman ang nag-shower ng mga figure na may mga kuwintas na perlas, tiaras, pulseras na tulad nito ...

Ang lahat ng mga pagpipinta ng Veronese sa mga tema ng relihiyon, anuman ang mga balangkas ng Banal na Kasulatan na inilalarawan sa kanila, ay magkakatulad sa kanilang kalooban. Ang kanyang mga eksena ng pagiging martir ng mga santo ay hindi mga eksena ng pagdurusa: ang lahat ng ito ay parehong mga parada, prusisyon at kahanga-hangang mga kapistahan ng Venetian, kung saan ang hubad na katawan ng martir ay ginagawang posible upang magpakita ng dagdag na epekto ng pintura ng laman sa mga kamangha-manghang damit ng iba.

Ang mga kuwadro na gawa ni Veronese ay mahirap ilarawan, dahil ang lahat ng kanilang kagandahan, dignidad at kahulugan ay nasa visual luxury, sa pagkakatugma ng mga kulay at linya. Kahit na ang malayang pag-iisip at mapagparaya na Venice ay madalas na napahiya sa kawalang-galang ng artista. Ang relihiyosong pagpipinta ni Veronese ay dayuhan sa mga paksa ng Bibliya, at ang Venetian na istoryador na si Molmenti ay wastong nabanggit na, sa pagtingin sa kanyang mga pagpipinta, tila si Jesu-Kristo at ang Ina ng Diyos, mga anghel at mga santo ay pininturahan ng mga pagano.

Si Veronese ay mahilig sa pagpipinta ng mga eksena ng iba't ibang mga kapistahan at pagpupulong, kung saan inilarawan niya ang lahat ng karangyaan ng Venice noon. Ito ay hindi isang pintor-pilosopo, na pinag-aaralan ang kanyang paksa sa pinakamaliit na detalye, ngunit isang pintor na hindi napigilan ng anumang mga hadlang, malaya at kahanga-hanga kahit na sa kanyang kawalang-ingat.

Ang isa pang sikat na Venetian - Tintoretto - ay isang artista ng karamihan, kaya ang kanyang mga pagpipinta ay nagpapakita ng iba't ibang uri - mga mandirigma, manggagawa, kababaihan mula sa mga tao, atbp., pati na rin ang lahat ng uri ng damit - nakasuot, chain mail, simpleng kamiseta ... At sa lahat ng ito, palagi siyang nanatiling isang artista ng kanyang sariling personalidad: ang pagtagos sa ibang tao at muling likhain ito sa canvas ay palaging dayuhan sa hindi palakaibigan at mayaman sa kanyang sariling buhay na si Tintoretto.

Ang isang natatanging tampok ng kanyang trabaho ay ang pambihirang at bilis ng imahinasyon ng artist, ang mapusok na ritmo kung saan ang kanyang hindi mapakali na brush ay halos hindi makasabay. Sa mga gawa ng iba pang mga artista, ang mga pintura ni Tintoretto ay namumukod-tangi na may kakaibang kulay, na para bang nakakasalubong mo ang isang madilim na mukha sa isang maligayang pulutong.

Matapos ang maraming pagkalugi sa paglipas ng mga siglo, ang pamana ni Tintoretto ay nananatiling napakalawak: humigit-kumulang 600 mga pagpipinta ang iniuugnay sa kanya, hindi binibilang ang mga guhit. Si Glory ay bumisita sa panginoon sa panahon ng kanyang buhay, habang siya ay nagkataong sumulat para sa mga palasyo at mga soberanya. Ginamit ng Republika ng St. Mark ang kanyang talento, sa loob ng maraming taon ay nagtrabaho siya sa dekorasyon ng Palasyo ng Doge, bagaman ang ilang mga kritiko sa sining ay napapansin na dito ang kanyang pagpipinta ay hindi gaanong tumutugma sa likas na katangian ng talento ng artista. Ang totoong Tintoretto ay nasa simbahan at scuola ng St. Roch.

Noong ika-17 siglo, ang Venice, tulad ng nabanggit sa itaas, ay nawawalan na ng kahalagahan bilang pangunahing sentrong pampulitika at kultura, ngunit sa panahon ng mabilis na aktibidad ng pagtatayo ng susunod na siglo, ang mga pintor ay madalas na inanyayahan na palamutihan ang mga bagong gusali na may mga fresco at mga kuwadro na gawa. Sa mga artista noong panahong iyon, maaaring pangalanan ang walang kapantay na Tiepolo, Sebastiano Ricci, Dicuiani at iba pa. Ang mga pintor ng Venetian ay lumikha hindi lamang ng malalaking pandekorasyon na komposisyon sa mga paksang pangkasaysayan, relihiyon o mitolohiya; sa genre painting siya ay naging tanyag sa kanyang maliliit na canvases ni Pietro Longhi.

Ang pambihirang kaakit-akit ng lungsod, na nagdulot ng pangkalahatang paghanga, ay nagbunga ng isang bagong genre ng pagpipinta ng Venetian - Vedism. Sa veduta (mga kuwadro na naglalarawan sa lungsod), ang Venice mismo ay naging mapagkukunan ng artistikong inspirasyon. Mga islet na pinaghihiwalay ng mga kanal, mga palasyong may kumikinang na mga repleksyon, mga gallery na may mga arcade, isang kaguluhan ng mga kulay, isang kayamanan ng liwanag at mga anyo - lahat ay inspirasyon at tinukso na mga artista na magtrabaho sa ganitong genre.

Kabilang sa mga ito ay si Antonio Canale (palayaw na Canaletto), na ang mga masasayang pagpipinta, na puno ng kulay at liwanag, ay nakakuha ng pangkalahatang pagkilala. Isa siya sa mga unang artista na sariwa at masayang nadama ang katotohanan sa paligid niya.

Si Canaletto ay ipinanganak sa Venice at, bilang isang pintor, ay nagsimulang magtrabaho sa art workshop ng kanyang ama. Kasama ang kanyang kapatid na si Christopher, gumawa siya ng mga tanawin para sa mga opera at dramatikong dula na itinanghal sa mga yugto ng mga teatro ng Venetian.

Gayunpaman, sa kanyang kabataan, sinimulan ni Canaletto na ilarawan ang mga makabuluhang kaganapan mula sa buhay ng kanyang katutubong lungsod. Kaya, sa isa sa kanyang mga canvases, nakuha niya ang pagtanggap ng embahador ng Pransya, si Count Cergy, na naganap noong 1726. Ang pagpipinta na ito ay kasalukuyang nakatago sa Ermita. Di-nagtagal pagkatapos noon, ipininta niya ang The Celebration of the Ascension, pagkatapos ay The Reception of the Imperial Ambassador Count Bolagno, pati na rin ang ilang mga canvases na naglalarawan ng full-motion celebratory regattas.

Nagtrabaho din si Canaletto sa labas, na isang inobasyon noong panahong iyon. Totoo, napansin ng mga istoryador ng sining na sa mga kasong ito ay gumawa lamang siya ng mga sketch ng lapis, kung saan minarkahan lamang niya ang kaukulang mga kulay.

Ang isa sa mga mapang-akit na pahina ng Italian Renaissance ay nauugnay sa pangalan ni Vitgorio Carpaccio. Nagtrabaho siya sa junction ng dalawang makasaysayang panahon - ang Maagang Renaissance, na kumukupas na sa nakaraan, at ang Mataas na Renaissance, na pumapasok sa kasagsagan. Si Carpaccio ay isang kontemporaryo ng mga pangunahing master ng panahong iyon gaya nina Raphael at Giorgione. Ang gawa mismo ni Carpaccio ay puno ng espirituwal na kalinawan, ang simpleng pusong kagalakan ng pagtuklas sa katotohanang nakapalibot sa artista sa lahat ng walang katapusang pagkakaiba-iba, pagiging bago at talas ng pang-unawa - lahat ng ito ay kabilang siya sa Early Renaissance. Ngunit sa sining ng Carpaccio, ang mga tradisyong ito ay tila muling nakakakuha ng sigla at nakakahanap ng isang matingkad at orihinal na sagisag na siya ay nararapat na tawaging isang pioneer. Nananatiling isang artista ng Maagang Renaissance, siya ay kasabay ng isang tao ng bagong panahon. Mahirap pangalanan ang isa pang Venetian master ng panahong iyon, na ang trabaho ay mapupuno ng aroma at kakaibang kagandahan ng buhay ng Venetian.

Ang katanyagan ni Tiepolo sa kanyang buhay ay napakalaki, at pagkatapos ng pagkamatay ng artista ay mabilis itong kumupas, at muling nabuhay muli noong ika-20 siglo. Mahirap makita ang kanyang mga pangunahing gawa, dahil karamihan pa rin ang mga ito sa mga dingding ng mga pribadong villa at palasyo, kung saan pininturahan sila ng pintor, mas pinipili ang mga fresco kaysa mga pagpipinta.

At sa aming karagdagang pagsasalaysay, susubukan naming sabihin nang mas detalyado tungkol sa artist mismo at sa kanyang mga gawa.

Ang pagbabagong-anyo sa isa sa pinakamalaking mainland na estado ng Italya ay may malaking bunga para sa kanyang buong espirituwal na buhay. Nang masakop ang ilang mga banal na lungsod, ang ilan sa mga ito ay mga kilalang sentro ng unang bahagi ng Renaissance (lalo na, ang Padua at Verona), ang Venice ay nakipag-ugnayan sa kanilang kultura, at sa pamamagitan nito sa kultura ng Florence. Sa panahong ito, natukoy ang pagka-orihinal ng Venetian Renaissance, at isang espesyal na paraan ng pag-unlad nito - ang pamumulaklak ng mga praktikal na sangay ng kaalaman (matematika, nabigasyon, astronomiya).

Noong ika-16 na siglo, mabilis na umuunlad ang paglilimbag sa Venice. Nasa 1500 na, mayroong humigit-kumulang limampung mga bahay sa pag-imprenta sa lungsod, at ang pangunahing papel sa pag-imprenta ay pag-aari ni Aldus Manutius, isang philologist, kolektor ng mga libro at mga gawa ng sining, isang linguist na ganap na nakakaalam ng sinaunang wikang Griyego. Sinubukan niyang ipakilala ang kaalaman sa pangkalahatang populasyon, at sa mga patrician circle, naging uso ang mga pribadong akademya at mga natutunang lipunan, kung saan nagtitipon ang mga kinatawan ng iba't ibang klase. Sinimulang ibigay ng mga aristokrata ang kanilang mga anak na palakihin ng mga humanista.

Naabot ng mga Venetian ang mga espesyal na taas sa pag-aaral ng natural na pilosopiya at nalampasan pa nila ang napaliwanagan na pilosopiya dito. Ang hilig na ito ay nagkaroon ng malaking epekto sa pag-unlad ng pagpipinta at arkitektura, at "nang panahon na ng Venice na mag-ambag sa kabang-yaman ng kultura ng mundo, ginawa niya ito sa kanyang likas na walang pag-iisip na pag-aaksaya ng materyal na mapagkukunan at henyo ng tao."

Lido Island at Venice Film Festival

Ang isla ng Malamocco ay umaabot mula hilaga hanggang timog ng lagoon, ang bahagi ng lagoon sa tabi nito ay sikat sa madilim na channel na Orfano, na nagsilbing isang lugar ng pagpapatupad. Dito na dinala ang mga bilanggo ng madaling araw mula sa Palasyo ng Doge upang malunod. Tinatawag ng mga Venetian ang hilagang bahagi ng isla na Lido (mula sa salitang Latin na "litus" - baybayin), at kung minsan ang pangalang ito ay inililipat sa buong isla. Sa mga mapa ng turista at mga guidebook, kung minsan ay tinatawag itong "Lido Island", na naghihiwalay sa Venetian Lagoon mula sa Adriatic Sea na may mahabang pahabang dumura. Minsan ang isla ay natatakpan ng mga kakahuyan ng mga puno ng pino, na naging natural na hadlang na humarang sa daanan ng mga alon ng Adriatic Sea. Noong nakaraan, ang isla ay madalas na nagsilbi sa mga layuning militar; kaya, halimbawa, noong 1202, 30,000 crusaders ang nagtayo ng kanilang mga kampo dito. Noong ika-14 na siglo, sa panahon ng digmaan kasama ang Genoa, ito ay naging isang kuta, na, kahit na mga siglo mamaya, ay handa na itaboy ang mga pag-atake mula sa isang bagong kaaway - Turkey.

Ang mga maharlikang Venetian ay naglakbay sa Isla ng Lido upang salubungin ang mga mararangal na dayuhang panauhin na dumating sa Venice. Dito, sa baybayin ng Lido, naganap ang isang solemne seremonya ng pagpapakasal ng doge sa dagat. Noong ika-19 na siglo, nang mamatay ang Doge at ang kahanga-hangang holiday ay naging isang bagay din sa nakaraan, ang mga dating nakakatakot na mga kuta ay gumuho, at ang Most Serene Republic ay pinangungunahan muna ng mga Pranses, at pagkatapos ay ng mga Austrian. Ang tahimik at desyerto na isla ng Lido ay naging isang romantikong kanlungan para sa mga makata, at maraming mga sosyalista ang dumating dito, na naakit sa kagandahan ng isla. Si Byron ang unang pumuri sa Lido, na romantikong inilalarawan ang lokal na paliligo at pagsakay sa kabayo. Pagkatapos ay ang Lido ay desyerto pa rin - ilang mga bahay lamang na may ilang mga naninirahan, at ang Ingles na makata ay gumagala nang mag-isa dito nang maraming oras, hinahangaan ang paglubog ng araw, bumulusok sa ibabaw ng dagat, nanaginip ... At tila sa kanya na wala saanman sa mundo gusto ba niyang humiga, maliban sa pinagpalang sulok na ito. Pinili pa niya ang isang lugar para sa kanyang libingan - malapit sa pangalawang kuta, sa paanan ng isang malaking bato sa hangganan. Gusto pa rin ng mga Venetian na maalala kung paano lumangoy ang makata ng 4 km mula sa Lido hanggang sa Grand Canal. Kasunod nito, nagsimulang hamunin ng mga manlalangoy ang "Byron Cup" sa ganitong distansya.

Nagsimula ang bagong buhay sa Lido noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, nang ang Suez Canal ay binuksan at ang Venice ay naging isang naka-istilong cruise stop. Ang lungsod mismo ay hindi mahusay na inangkop sa mga kinakailangan ng kaginhawaan, at samakatuwid ay sa Lido na nagsimulang lumitaw ang mga luxury hotel, na nilagyan ng pinakabagong teknolohiya. Noong unang bahagi ng 1920s, sumulat si Henri Gambier sa Love for Venice guidebook: “Isang marangyang lungsod na may malalaking villa, kung saan ang mga batis ng maraming fountain ay nagdidilig sa mga namumulaklak na hardin; na may kahanga-hangang baybayin, mga gusali ng palasyo, paliguan, kung saan sa baybayin ay may libu-libong nagbabagong mga cabin. Mayroon itong malalawak na malilim na daan, mga kalye, at bawat bahay ay may hardin. Nandiyan ang lahat ng kagandahan ng buhay sa lungsod, iba't ibang uri ng transportasyon: mga kotse, tram, pati na rin ang mga bangka na may motor at gondolas sa mga kanal; mga de-kuryenteng parol na perpektong nagbibigay liwanag sa mga lansangan. Ang lahat ng ito ay inaalok sa iyo ng lungsod ng Lido.

Ang unang bathing establishment ay binuksan sa Lido noong 1857 ng malayong pananaw at matagumpay na negosyanteng si Giovanni Buschetto, na may palayaw na Fizola. Sa una, mayroong 50 mga cabin sa paliguan nito, ngunit sa lalong madaling panahon ang negosyo ay lumago at naging sikat, at sa kasalukuyan, kapag binanggit ang pangalan ng isla, ang mga naka-istilong beach at marangyang hotel ay madalas na ipinakita. Sa nakalipas na ilang dekada, ang isla ay naging isang modernong lungsod na may maraming bahay at villa na nakahanay sa malalawak na kalye. At ang mga bisita sa Lido ngayon ay inaalok hindi lamang ang ilan sa mga pinakamagagandang mabuhanging beach ng Adriatic, mga chic restaurant, nightclub at casino, kundi pati na rin ang magagandang monumento ng Art Nouveau architecture.

Lalo na marami sa kanila noong mga araw ng sikat na Venice Film Festival ... Balintuna, ang lahat ng mga diktador sa Europa ay mahilig sa sinehan, at samakatuwid, ayon kay A. Dunaevsky at D. Generalov, mga mananaliksik ng isyung ito, mayroon silang malaking merito sa ang pag-unlad ng kilusang film festival sa Europe. Sa isang pagkakataon, si Benito Mussolini, na sabik sa pag-alis ng mga creative intelligentsia ng bansa, ay gumawa din ng maraming pagsisikap upang ayusin ang isang forum ng pelikula na maaaring makipagkumpitensya sa American Oscars. Samakatuwid, si Antonio Mariani, Pangkalahatang Direktor ng Venice Arts Festival, ay inatasan na bumuo ng isang programa na magsasama ng isang internasyonal na kompetisyon ng mga tagumpay sa larangan ng sinehan.

Noong 1932, ang mga tagapag-ayos ng unang Venice Film Festival, sa ilalim ng personal na kontrol ng Duce, ay umakit ng siyam na bansa na lumahok dito, na nagsumite ng 29 full-length at labing-apat na maikling pelikula sa kumpetisyon (pangunahin mula sa France, Germany, USSR at ang USA). Sa unang pagdiriwang ng pelikula sa Venice, ang pelikulang Sobyet na "Start in Life" ay kasama sa listahan ng mga pinakamahusay. Ang mga Italyano mismo ay hindi nagawang manalo ng isang solong parangal noon, at ang mga tagapagtatag ng pagdiriwang ay labis na nabalisa na "nakalimutan" nila kahit na ipakita ang pangunahing premyo - ang Mussolini Cup.

Ngunit ang unang European film forum gayunpaman ay nakakaakit ng pansin, ang susunod na film festival noong 1934 ay higit na kinatawan: 17 bansa at 40 tampok na pelikula ang lumahok dito. Sa oras na iyon, ang Mussolini Cup ay iginawad sa Unyong Sobyet para sa pinakamahusay na ipinakita na programa, na kasama ang mga pelikula tulad ng Merry Fellows, Thunderstorm, Petersburg Night, Ivan, Pyshka, New Gulliver at Outskirts ".

Sa mga sumunod na taon, ginawa ng Venice Film Festival ang lahat ng makakaya upang mapanatili ang hindi bababa sa panlabas na demokrasya, at samakatuwid ang mga kahanga-hangang pagdiriwang ay pumukaw ng simpatiya para sa rehimen ni Benito Mussolini sa maraming mga mahilig sa pelikulang simple ang pag-iisip. "Sinuhulan" ni Venice ang demokratikong publiko sa pamamagitan ng pagbibigay ng mga parangal sa mga pelikulang British, American, at Soviet. Gayunpaman, sa pagpapalakas ng Nazi Germany (pinakamalapit na kaalyado ng Italya), ang Venice Film Festival ay nagsimulang unti-unting naging obsessive propaganda ng "bagong pagkakasunud-sunod", at noong 1936 ang Italya at Alemanya ay nagsimulang "hilahin ang kumot sa kanilang sarili." Kung minsan ay ibinibigay ang mga parangal sa mga pelikula ng mga demokratikong bansa, kung gayon ang Mussolini Cup ay napunta lamang sa mga pelikulang Italyano at Aleman.

Ang iskandalo na namumuo ay latent na sumiklab noong 1938. Pagkatapos ang hurado ng Venice Film Festival, sa ilalim ng presyon mula sa delegasyon ng Aleman, ay literal na nagbago ng desisyon nito sa huling minuto, at ang pangunahing premyo ay hinati sa pagitan ng pelikulang Italyano na Pilot Luciano Sera at ng pelikulang dokumentaryo ng Aleman na Olympia, bagaman ito ay ibinulong sa ang mga sideline na dapat ay natanggap ng mga Amerikano ang parangal.

Opisyal nang inanunsyo ng British at Americans na hindi na sila sasali sa Venice Film Festival. Sumiklab din ang kawalang-kasiyahan ng mga delegasyon ng mga demokratikong bansa, at naging malinaw na ang kilusan ng pagdiriwang ay umabot sa isang dead end. At sa lalong madaling panahon nagsimula ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig, at, siyempre, noong 1939-1945 ang pagdiriwang ng pelikula ay hindi ginanap. Ngunit sa kasalukuyan, kung ang Berlin Film Festival ay itinuturing na pinaka-pampulitika, ang Cannes - ang pinaka-internasyonal, kung gayon ang Venice - ang pinaka-elitist. Nagsimula itong idaos sa isla ng resort ng Lido kasama ang mga hotel, hotel, casino at bar nito, na naiilawan sa gabi ng sarili nilang liwanag at ng mga ilaw ng Adriatic lighthouse at yellow buoy, kung saan tumataas ang kamangha-manghang Venice. Kaya't tila ang mga barko ng condottieri at mga barkong naglalayag sa ibang bansa ay malapit nang lumapit sa baybayin ng isla na may pagpupugay para sa Most Serene Republic of St. Mark. Ang sagisag ng Venice - ang gintong may pakpak na leon - ay naging pangunahing premyo ng pagdiriwang ng pelikula mula noong 1980.

Taun-taon sa Setyembre, ang hangin ng Adriatic ay nagwawagayway ng mga pambansang watawat sa Palazzo del Cinema, ang Cinema Palace, na itinayo noong 1937 at 1952, nang higit sa dalawang linggo. (arkitekto L. Juangliata at A. Scattolin). Sa gabi, ang bulwagan ng palazzo ay puno ng mga pinakakilalang pigura ng mundong sinehan, mga sikat na aktor at aktres na nanggaling sa iba't ibang bansa, at maraming mamamahayag na kumakatawan sa press mula sa buong mundo. At sa likod ng hadlang, sa nakasisilaw na pasukan, maraming tapat na tagahanga ng karamihan ng mga sinehan ...

Simbahan at sculola ng St. Roch

Ang Simbahan ng St. Roch, na itinayo noong 1490 ng arkitekto na si Bartolomeo Bona, ay hindi mayaman sa mga kasiyahan sa arkitektura, ngunit ang kaluwalhatian nito ay binubuo ng mga gawa ng sining na nilalaman nito, pati na rin ang kalapit na scuola ng St. Roch. Ang mga pondo para sa pagtatayo ng scuola ay nagmula sa mga Venetian, na gustong humingi ng tulong mula sa St. Roch, isang bishop na namatay sa panahon ng salot habang tinutulungan niya ang mga maysakit. Ang "Black Death", gaya ng tawag sa salot noong Middle Ages, ay madalas na nagwasak sa Europa, at ang Venice, dahil sa patuloy na pakikipag-ugnayan nito sa Silangan, kung saan nagmula ang kakila-kilabot na impeksyon, ay isa sa mga unang biktima nito. Ang mga lungsod sa Europa ay naubos sa paglaban sa mga epidemya, at naunawaan ng mga Venetian ang panganib ng bacilli ng sakit na ito nang mas maaga kaysa sa iba. Samakatuwid, sa kanilang isipan ay palaging may pakiramdam na ang isang nakamamatay na impeksiyon ay nakatago sa loob ng mga pader ng lungsod, na nagdadala ng panganib sa sarili nito. Paminsan-minsan, ang Venice ay sumailalim sa sanitary hygiene measures, kapag ang plaster ay natumba sa mga bahay, at ang mga bitak ay napuno ng isang espesyal na solusyon.

Dahil dito, maraming mga sikat na fresco ang namatay sa lungsod, ngunit ang pinakamagagandang simbahan sa Venice ay itinayo ng mga taong bayan bilang tanda ng pasasalamat sa pag-alis ng sakit.

Sa lalong madaling panahon ang gusali ng Scuola ng St. Si Roja ay naging isa sa pinakamayaman sa lungsod. Ang facade nito ay nakaharap sa Istrian na bato na may interspersed na pulang porphyry at berde at cream na veined na marmol. Noong unang panahon, ang gusali ay pinarangalan ng katotohanan na taun-taon itong binibisita ng Doge. Ang simbahan ay pinalamutian ng mga sculpture at relief works ng arkitekto mismo, halimbawa, ang napakalaking sculpture ng St. Roch, na inilagay sa ilalim ng urn kung saan ang kanyang mga labi ay nakahiga.

Ang Titian ay kinakatawan sa simbahan ng St. Roch sa pamamagitan ng pagpipinta na "Jesus Christ between two executioners", na nagsisilbing altarpiece sa kanang altar. Sa canvas, ang maamong mukha ng Tagapagligtas ay ikinukumpara sa malupit na mukha ng mga nagpapahirap at ang mga ito ay inihahatid ng napakatalino na kapansin-pansin. Kahit na sa panahon ng buhay ng artist, ang canvas na ito ay napaka sikat, at si Titian mismo ay nagustuhan ang kanyang pagpipinta kaya't pagkatapos ay inulit niya ang kuwentong ito nang maraming beses.

Ang Scuola building ng St. Roch ay isa sa pinakasikat sa Venice. Itinayo noong 1515 sa isang mapagkumpitensyang batayan na may kondisyon na "karangyaan, panlasa at lakas", ito ay naging paglikha ng limang natitirang masters - Serlio, Scarpaccio, Bona, Lombardo at Sansovino, na hinati ang pagtatayo ng mga indibidwal na bahagi nito sa kanilang mga sarili. Ang kaakit-akit na departamento ng scuola ay walang katumbas sa lahat ng Venice, dito ay kinakatawan ang tunay na Tintoretto, na nagpahayag ng kanyang sarili dito sa lahat ng kapangyarihan ng kanyang hindi mauubos na henyo at imahinasyon. Apatnapung painting ng scuola at anim na canvases ng simbahan ang bumubuo sa isang espesyal na uri ng Tintoretto gallery. Para sa scuola at sa simbahan ng St. Roch, ang artista ay kusang-loob na nagtrabaho at sa mga tema na pinili ng kanyang sarili.

Ang unang rapprochement sa pagitan ni Tintoretto at ng kapatiran ng St. Roch ay nagsimula noong 1549, nang, sa kanyang utos, nakumpleto niya ang isang malaking canvas na "St. Si Roch sa ospital. Napansin ang mga natitirang merito ng pagpipinta na ito, ang ilang mga istoryador ng sining (lalo na, si B. R. Vipper) ay iniuugnay ito sa kabiguan ni Tintoretto, na itinuturo ang static na kalikasan ng mga nakapirming figure, na walang dynamics ng postura, at ang espasyo ay nananatiling walang laman - isang tahimik na arena ng pagkilos. .

Noong 1564, nagpasya ang kapatiran ng Saint Roch na simulan ang dekorasyon sa loob ng kanilang palasyo at, una sa lahat, upang ipinta ang kisame ng malaking bulwagan sa itaas na palapag. Nagpasya silang iutos ang kisame hindi mula sa pampublikong pondo ng kapatiran, ngunit sa pribadong gastos ng isa sa mga miyembro nito. Kinuha ng isang Zanni ang mga gastos, ngunit nagtakda ng isang kondisyon - ang kisame ay ipininta ng sinuman sa mga pintor, ngunit hindi ni Tintoretto. Ang panukalang ito ay hindi lubos na tinanggap, at pagkaraan ng napakaikling panahon, ang isa pang napaka-impluwensyang miyembro ng kapatiran - Torniello, ay iminungkahi na mag-organisa ng isang kumpetisyon sa mga pinakasikat na pintor. Ngunit ang kumpetisyon ay hindi naganap, dahil. Inalok ni Tintoretto sa Confraternity Council ang kanyang kompetisyon sa pagpipinta ng “St. Roch in Glory” nang walang bayad. Ang regalo ng artista ay hindi tinanggap ng lahat sa Konseho (31 katao - "para", 20 - "laban"),

Simula noon, nagsimula ang mas malapit na rapprochement sa pagitan ni Tintoretto at ng mga pinakanaliwanagang miyembro ng fraternity. Noong 1564, ang artista ay tinanggap bilang isang miyembro ng fraternity, at mula noon si Tintoretto ay nagtrabaho nang higit sa dalawampung taon sa mga bulwagan ng St. Roch, na ibinibigay ang kanyang pinakamapangahas na ideya at perpektong mga gawa sa kapatiran. Ang mga unang gawa ng pintor ay nasa maliit na "Albergo Hall"; ang kisame nito ay pinalamutian ng tatlong malalaking canvases sa mga tema ng Lumang Tipan - "Si Moises ay nag-ukit ng tubig mula sa isang bato", "Bronze Serpent" at "Manna mula sa langit". Ang lahat ng mga painting na ito ay isang uri ng parunggit sa kawanggawa ng scuola - pawi ng uhaw, pagpapagaan ng mga karamdaman at pag-iipon mula sa gutom. Ang pagpipinta sa dingding ng "Albergo Hall" ay nakakuha ng mga eksena mula sa Bagong Tipan - "The Adoration of the Magi", "The Temptation of Jesus Christ".

Pagpinta ng gusali ng scuola ng St. Roch, pinunan ng pintor ang lahat ng dingding at kisame nito ng kanyang kahanga-hangang brush, na walang iniwang lugar para sa sinuman sa mga masters - kahit na ang dakilang Titian. Napakakaunting relihiyoso sa mga canvases na ito, ngunit ang buhay ng kabayanihan, marahil, ay hindi kailanman nagkaroon ng mas mahusay na ilustrador sa Venice. Sa kabuuan, si Tintoretto ay gumanap ng halos 40 mga eksena para sa scuola, at halos kalahati ng mga ito ay napakalaki. Naglalarawan sila ng hindi bababa sa 1200 na laki ng buhay na mga numero. Halimbawa, sa gitna ng mayamang inukit na plafond ng refectory ay ang “Apotheosis of St. Roch", at kasama ang mga gilid - anim na pangunahing mga kapatiran at monastikong mga order. Sinasabing ang mga miyembro ng kapatiran ay nagmungkahi ng isang kompetisyon para sa pagpipinta ng plafond na ito nina Veronese, Salviati, Zucarro at Tintoretto. Ang unang tatlong artista ay walang oras upang tapusin ang kanilang mga sketch, at naipinta na ni Tintoretto ang halos buong kisame.

Isang malaking painting ng artist sa Scuol of St. Si Roja ay ang canvas na "Crucifixion" (5.36x12.24 m) - isa sa pinaka-kapansin-pansin sa lahat ng pagpipinta ng Italyano. Mula na sa mga pintuan ng bulwagan, ang manonood ay humanga sa walang katapusang kumakalat na panorama, puspos ng maraming karakter. Tulad ng sa ibang mga kaso, si Tintoretto ay umalis sa tradisyon dito at lumikha ng kanyang sariling iconography ng kaganapan ng ebanghelyo. Habang si Hesukristo ay napako na sa krus, ang mga krus para sa mga magnanakaw ay inihahanda pa rin para sa itaas. Inilarawan ng artista ang krus ng mabuting magnanakaw na nakatagilid, sa isang hindi pangkaraniwang matapang na pananaw, at ilang mga sundalo na may pagsisikap - na may mga lubid at may kabilogan - ay sinusubukang ilagay ito, at ang magnanakaw sa kanyang kaliwa, hindi pa naipapako ang kamay, na parang nakikipag-usap na may paalam na pagbati kay Hesukristo. Ang krus ng isa pang magnanakaw ay nakahiga sa lupa, at siya mismo, na tumalikod sa Tagapagligtas at sinusubukang bumangon, ay nakipagtalo sa mga berdugo.

Si Jesu-Kristo ay inilalarawan hindi bilang isang pinahihirapang nagdurusa, kundi bilang isang nagbibigay-lakas na Mang-aaliw. Nakahilig ang kanyang ulo sa mga tao at nagniningning, tinitingnan Niya ang Kanyang mga mahal sa buhay na nakatayo sa paanan ng krus... Sa paligid ng gitnang grupo, isang buong dagat ng mga ​​mga kaluskos - isang magkakaibang pulutong ng mga manonood at berdugo, mga kawal at mangangabayo, mga Pariseo, matatandang lalaki, mga babae, mga bata...

Sa larawang ito, si Tintoretto, kumbaga, ay muling binubuhay ang mga pamamaraan ng pandekorasyon at pagsasalaysay ng mga tao. Bilang karagdagan, ang The Crucifixion ay ang unang pagpipinta sa pagpipinta ng Italyano kung saan ang liwanag ang naging mapagpasyang salik sa epekto ng artistikong. Napansin din ng ilang mga mananaliksik ang isang kagiliw-giliw na kababalaghan: sa umaga ang larawan ay nahuhulog sa takip-silim, na parang patay na, ngunit sa tanghali, kapag ang isang sinag ng araw ay sumisira sa bintana, ang canvas ay nabubuhay. Sa una, na may isang maputla, nakakagambalang ningning, ang "ibabaw ng lupa" at ang mga punong nabaluktot ng isang bugso ng hangin ay nagsimulang kumikinang dito. Sa pagkislap ng mga maputlang bahagi ng liwanag na ito, nagawa ni Tintoretto na isama hindi lamang ang kamangha-manghang epekto ng isang solar eclipse, ngunit lumikha din ng isang kakila-kilabot na pagkabalisa, isang trahedya na salungatan ng pag-ibig at poot ...

Ang pangalawang pagpipinta mula sa Passion of Christ cycle ay ang canvas Christ bago si Pilato. Ito ay mas maliit, ngunit lampas sa emosyonalidad at, marahil, ang tanging karanasan sa gawain ni Tintoretto sa paghahatid ng isang sikolohikal na drama na nabuo sa dalawang antas: bilang pagsalungat ni Hesukristo sa mundo at bilang Kanyang tunggalian kay Pilato. At pareho silang tutol sa kapaligiran, ngunit bawat isa sa iba't ibang paraan. Ang Tagapagligtas ay ganap na nakahiwalay sa mundo, ang kawalan ng laman ay pumapalibot sa Kanya sa lahat ng panig, at maging ang pulutong na pumupuno sa templo ay nananatili sa ibaba - sa isang madilim na kailaliman, sa mga hagdanan kung saan Siya nakatayo. Walang nag-uugnay sa Kanya sa mga tao - ni isang kilos, ni isang laylayan ng damit; Siya ay umatras at walang malasakit sa katotohanan na Siya ay may lubid sa Kanyang leeg at ang Kanyang mga kamay ay nakatali.

Si Pilato ay nahiwalay sa karamihan ng tao sa templo sa pamamagitan ng pasanin ng desisyon na nahulog sa kanyang kapalaran. Ang kanyang anyo ay nahuhulog sa anino; ang isang sinag ng liwanag na bumabagsak mula sa bintana at ang pag-agaw kay Hesukristo mula sa kadiliman ay dumadampi lamang sa ulo ng prokurador. Ang mga pula at dilaw ng mga damit ni Pilato ay sumiklab sa isang hindi regular na kinang, na nagpapakita ng kanyang nakatagong pag-igting. Napapalibutan siya ng makitid na espasyo ng pader na nakasabit sa canopy, at wala siyang mapagtataguan mula sa kalmadong detatsment ng Tagapagligtas, mula sa ningning ng Kanyang espirituwal na kadalisayan.

Ang pangatlong larawan ng cycle - "Pagpapasan ng Krus" - ginagawa ang manonood na dumaan sa lahat ng mga yugto ng Golgotha ​​​​at maunawaan na ang landas na ito ay mula sa kadiliman patungo sa liwanag, mula sa kawalan ng pag-asa hanggang sa pag-asa.

Si Tintoretto ay nagsimulang lumikha ng isang malaking cycle ng mga mural sa itaas na bulwagan ng scuola noong 1574, nangako na kumpletuhin at ibigay sa kapatiran ang sentral, at pinakamalaking, komposisyon ng kisame - "Ang Copper Serpent" sa pamamagitan ng kapistahan ng St. Roque (Agosto 16, 1576). Noong 1577 nakumpleto niya ang dalawang iba pang mga pagpipinta, nilalaman na magbayad lamang para sa canvas at mga pintura. Ngunit sa mga tuntunin ng lawak ng paglilihi, kasanayan at kahalagahan sa kasaysayan, ang siklong ito (“Ang Pagkahulog ni Adan”, “Pag-iwas ni Moises ng Tubig mula sa Isang Bato”, “Paglabas ni Jonas sa Tiyan ng Balyena”, “Sakripisyo ni Abraham”, “Moises in the Wilderness", atbp.) ihambing lamang sa Sistine Chapel ni Michelangelo at ang mga fresco ng Giotto sa Scrovegni Chapel.

Pinintura ni Tintoretto ang ibabang palapag ng scuola noong siya ay mahigit 60 taong gulang. Kabilang dito ang walong mga pintura mula sa buhay ng Birheng Maria. Ang cycle ay nagsisimula sa Annunciation at nagtatapos sa Ascension ng Ina ng Diyos. Sa unang canvas, isang mabagyong agos ng mga anghel ang sumugod mula sa langit patungo sa isang bukas na kubo. Sa harap ng retinue, ang arkanghel Gabriel ay "nagmadali" kung saan kakaunti ang mula sa mensahero ng "mabuting balita". Ang maliliit na anghel ay nagsisiksikan sa likuran niya, na humahadlang sa mga ulap. Una sa lahat, ang Banal na Espiritu (sa anyo ng isang kalapati na may nagniningning na bilog) ay tila bumagsak sa dibdib ni Maria, na napaatras sa takot bago ang elemental na kababalaghan. Sa Paligid Niya, mga simpleng kagamitan sa bahay - isang kama sa ilalim ng canopy, isang mesa, isang sirang straw na upuan, nababalat na mga dingding, mga tabla at mga kasangkapan ng karpintero na si Joseph; ang lahat ay nagsasalita ng pang-araw-araw na buhay, kung saan ang hindi inaasahang ingay at pagkalito ay sumabog.

Ang pagpipinta ng itaas at ibabang mga bulwagan ng scuola ng St. Roch ay isang solong kabuuan, na puno ng isang karaniwang ideya - ang interpretasyon ng mga kaganapan sa Lumang Tipan bilang isang foreshadowing ng ideya ng kaligtasan, na ipinatupad sa Bagong Tipan, bilang katugma sa mga aktibidad nina Moses at Hesukristo - ang mga paboritong bayani ni Tintoretto.