Ang Japan ay palaging nakikilala sa pamamagitan ng kanyang magalang na saloobin sa pangangalaga at pagpaparami ng mga sinaunang tradisyon nito, at ang kahanga-hangang tampok na ito ay ginagawa ang Land of the Rising Sun na isang natatanging lugar kung saan ang mga modernong inobasyon ay magkakasuwato na sinamahan ng mga siglo-lumang tradisyon ng kultura sa buhay ng ordinaryong Hapon.

Kung nakapunta ka na sa Japan noon, walang alinlangan na nakatagpo ka ng pula at itim na mga mangkok ng sopas, tray, chopstick, at iba pang mga bagay na may lacquered (ang kanilang medyo mababang kalidad na mga katapat ay matatagpuan din sa ating bansa). Ang Lacquer art ay isa sa mga tradisyunal na Japanese crafts na nagmula noong sinaunang panahon - ang mga unang produkto ay natuklasan sa Japan noon pang panahon ng Jomon (14,000-300 BC) - at nananatili hanggang ngayon. Sa modernong panahon, ang Japanese lacquerware ay aktibong na-export at naging isang uri ng "tatak" ng bansa - hindi nagkataon na sa Kanluraning mundo ang salitang "japan" ay nakakuha ng pangalawang kahulugan - "barnis, lacquerware, maglagay ng barnisan."

Ang Japanese lacquer ay isang organikong sangkap na ginawa mula sa katas ng puno ng urushi (漆), na nakukuha sa pamamagitan ng pagkamot sa kahoy. Ang nagresultang barnis ay tinatawag din. Pinaniniwalaan na ang salitang ito ay nagmula sa dalawa pang salitang Hapon: uruwashii (麗しい), na nangangahulugang "maganda, maganda", at uruosu (潤す), na nangangahulugang "moisturize". Ang hieroglyph urushi mismo, hindi katulad ng ibang mga pangalan ng mga puno, na isinusulat gamit ang susi na "puno" [木] (桜 - sakura, 梅 - plum, 松 - pine, atbp.), ay may susing "tubig" [氵], na nagbibigay-diin na ang punong ito ay higit na pinahahalagahan dahil sa tubig, iyon ay, ang katas na nakapaloob dito. Sa Japanese, ang lacquerware ay tinatawag na shikki (漆器: 漆 "varnish, lacquer wood" + 器 "tool, accessories") o nurimono (塗物: 塗る "apply, paint" + 物 "bagay, object").

Ang matigas na barnis ay bumubuo ng isang proteksiyon na patong na nagtataboy sa tubig at pinipigilan ang bagay na mabulok, at ginagawang mas madaling kapitan sa mga acid, alkalis, asin at alkohol. Bilang isang materyal para sa mga produkto, kahoy (ang pinakakaraniwang materyal), katad, papel, keramika, salamin, metal at kahit na plastik ay ginagamit. Mayroong maraming mga paraan upang lumikha at palamutihan ang lacquerware. Pag-usapan natin ng kaunti ngayon ang tungkol sa mga pinakasikat na uri ng Japanese craft na ito.

Ouchi lacquerware

Ang ouchi lacquer art ay nagmula sa Yamaguchi Prefecture (山口県) sa pamamagitan ng pagsisikap ng warlord na si Ouchi Hiroyo (1325-1380). Sa pagsisikap na gawing katulad ng kabisera ng panahong iyon ang kanyang domain, ang Kyoto (京都), aktibong inimbitahan niya ang iba't ibang mga manggagawa at manggagawa, bilang resulta kung saan ang kumbinasyon ng mga kasanayan at ideya ng mga manggagawa ng Kyoto sa mga lokal na tradisyon ay nagbunga ng isang bagong kakaibang kultura.

Kishu lacquerware

Humigit-kumulang sa ika-14-16 na siglo. Ang mga monghe ng Buddhist sa Negoroji Temple (sa lugar ng modernong lungsod ng Iwade (岩出市), Wakayama Prefecture (和歌山県) ay nagsimulang gumawa ng utilitarian lacquerware - chopsticks, trays, bowls, pati na rin ang relihiyosong kulto. - mga bagay para sa mga panalangin at mantra. Dahil ang kanilang pagkakayari ay hindi perpekto, sa ilang mga lugar ay may mga mantsa sa mga natapos na bagay. Ang partikular na istilo ng mga produkto ay tinawag na Negoro. Noong ika-17 siglo, sa suporta ng mga awtoridad ng punong-guro ng Kishu, ang mga lacquerware ng mga monghe ay naging tanyag, at ang pangalan ng lugar na ito ay nakalakip sa kanila.

Lacquered Wakasa Sticks

Ang mga lacquered na kagamitan sa kusina na ito ay ginawa sa Obama City (小浜市), Fukui Prefecture (福井県). Higit sa 80% ng lahat ng lacquered chopstick sa Japan ay ginawa dito. Ang gayong mga wand ng pambihirang kagandahan at biyaya ay isang tanyag na regalo sa kasal sa Land of the Rising Sun.

Odawara lacquerware

Prepektura ng Kanagawa (神奈川県). Ang ganitong uri ng sining ng lacquer ay nagsimula noong panahon ng Kamakura (1185-1333), nang aktibong isulong ng malakas at maimpluwensyang Hojo clan ang pag-unlad ng bapor, na ginawang sentro ng paggawa ng lacquer ang lungsod ng Odawara (小田原市). Sa panahon ng Edo (1603-1868), ang isang malaking bilang ng mga naturang produkto ay na-export sa Edo (Tokyo ngayon) - mga mangkok, tray at kahit na lacquered armor.

Kagawa lacquerware

Kagawa Prefecture (香川県). Noong 1638, dumating si Daimyo Yorishige Matsudaira sa mga lugar na ito sa paghirang ng shogunate. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang pag-ibig sa lacquerware at sculpture, kaya nagsimula siyang bumuo ng mga ganitong uri ng sining at sining sa kanyang nasasakupan. Pagkalipas ng dalawang siglo, salamat sa gawain ng master na si Tsukoku Tamakaji (1807-1869), naging tanyag ang Kagawa lacquerware sa buong bansa. Ang paggamit ng mga espesyal na paraan ng paggiling at pag-polish ay saturates ang mga produkto na may pambihirang kinang.

Wajima lacquerware

Ishikawa Prefecture (石川県). Ang pinakalumang nakaligtas na halimbawa ng ganitong uri ng sining ay ang lacquered gate ng Shigezo Temple sa Wajima City (輪島市), na itinayo noong 1397. Sa panahon ng Edo (1603-1868), naimbento ang zinoko powder, na ginawa mula sa dinurog na lutong luad, na naging dahilan upang ang mga lacquerware na ito ay hindi kapani-paniwalang matibay, na lubhang nakaimpluwensya sa kanilang pangangailangan sa populasyon.

Aizu lacquerware

Ang Aizu ware ay isa sa mga tradisyonal na sining ng Fukushima Prefecture (福島県). Ang paglitaw ng bapor na ito ay nagsimula noong 1590, nang ang lokal na panginoong pyudal na si Gamo Ujisato ay nagsimulang magpulong ng mga masters mula sa kanyang mga dating pag-aari, pagkatapos ay ipinasa sa kanila ang pinakabagong mga diskarte sa bapor noong panahong iyon. Bilang resulta, naging isa si Aizu sa pinakamalaking tagagawa ng lacquerware. Ang pagpapalawak ng produksyon ay humantong sa posibilidad ng pag-export ng mga produkto sa Tsina at Holland, na nagparangal sa rehiyon sa ibang mga bansa.

Tsugaru lacquerware

Ang Tsugaru ay ang pangalan ng kanlurang bahagi ng Aomori Prefecture (青森県). Ang Tsugaru lacquer art ay nagmula noong ika-17 at ika-18 na siglo, nang hinimok ang pag-unlad ng industriya sa mga lungsod noong panahon ng Edo. Ang estilo ng tsugaru ay lumitaw mula sa pagtaas na ito, dahil ang mga manggagawa at artisan ng lugar ay binigyan ng lakas at pagkakataon upang higit pang paunlarin ang kanilang mga kasanayan. Kapag lumilikha ng mga produkto, ang paraan na ginamit higit sa 300 taon na ang nakakaraan ay ginagamit pa rin ngayon.

Tiningnan namin ang ilan sa mga pangunahing estilo ng Japanese lacquer art. Walang alinlangan, marami pa sa kanila, at marami ang dinagdagan ng mga bagong diskarte at pinahusay.

Ang Japanese craft ng paglikha ng lacquerware ay nagmula sa sinaunang panahon at nakaligtas hanggang sa araw na ito, bilang isa sa mga pinaka-eleganteng, maayos, kamangha-manghang mga uri ng sining at sining sa mundo. Ito ay isa sa mga kultural na tradisyon, nang hindi isinasaalang-alang kung saan hindi natin lubos na maiintindihan ang pananaw ng mundo, ang mga prinsipyo ng aesthetic at ang katangian ng mga Hapones.

Maaaring mahirap para sa isang walang karanasan na maunawaan ang lahat ng uri ng lacquerware sa simula. Samakatuwid, mas mahusay na maglibot sa mga tindahan kung saan sila ibinebenta, tingnan ang mga ito nang live, makipag-chat sa nagbebenta at, kung nais mong bumili ng isang bagay para sa iyong sarili at sa iyong mga kaibigan bilang isang regalo, pumili ng isang bagay na gusto mo.

Kung bibisitahin mo ang Land of the Rising Sun, maaari mong makitang kapaki-pakinabang ang aming mga kurso: sundan at mag-enroll ngayon!

May napakayamang kasaysayan; malawak ang tradisyon nito, kung saan ang natatanging posisyon ng Japan sa mundo ay higit na nakakaimpluwensya sa nangingibabaw na mga estilo at pamamaraan ng mga Japanese artist. Ang kilalang katotohanan na ang Japan ay medyo nakahiwalay sa loob ng maraming siglo ay dahil hindi lamang sa heograpiya, kundi pati na rin sa nangingibabaw na hilig ng kultura ng Hapon para sa paghihiwalay na nagmarka sa kasaysayan ng bansa. Sa mga siglo ng tinatawag nating "Japanese civilization", ang kultura at sining ay nabuo nang hiwalay sa mga nasa ibang bahagi ng mundo. At ito ay kahit na kapansin-pansin sa pagsasanay ng Japanese painting. Halimbawa, ang Nihonga paintings ay kabilang sa mga staples ng Japanese painting practice. Ito ay batay sa higit sa isang libong taon ng tradisyon, at ang mga kuwadro na gawa ay karaniwang nilikha gamit ang mga brush sa iyong (Japanese paper) o egina (silk).

Gayunpaman, ang sining at pagpipinta ng Hapon ay naiimpluwensyahan ng mga dayuhang artistikong kasanayan. Una, ang sining ng Tsino noong ika-16 na siglo at ang pagpipinta ng Tsino at ang tradisyon ng sining ng Tsino ang partikular na may impluwensya sa maraming paraan. Noong ika-17 siglo, ang pagpipinta ng Hapon ay naiimpluwensyahan din ng mga tradisyong Kanluranin. Sa partikular, sa panahon ng pre-war, na tumagal mula 1868 hanggang 1945, ang pagpipinta ng Hapon ay naiimpluwensyahan ng Impressionism at European Romanticism. Kasabay nito, ang mga bagong paggalaw ng sining sa Europa ay naimpluwensyahan din ng mga diskarte sa sining ng Hapon. Sa kasaysayan ng sining, ang impluwensyang ito ay tinutukoy bilang "Japanism", at ito ay lalong mahalaga para sa mga Impresyonista, Cubists at mga artista na nauugnay sa modernismo.

Ang mahabang kasaysayan ng Japanese painting ay makikita bilang isang synthesis ng ilang mga tradisyon na lumikha ng mga bahagi ng isang kinikilalang Japanese aesthetic. Una sa lahat, ang mga pamamaraan ng sining at pagpipinta ng Budismo, gayundin ang pagpipinta ng relihiyon, ay nag-iwan ng isang makabuluhang marka sa aesthetics ng mga pagpipinta ng Hapon; water-ink painting ng mga landscape sa tradisyon ng Chinese literary painting ay isa pang mahalagang elemento na kinikilala sa maraming sikat na Japanese paintings; Ang pagpipinta ng mga hayop at halaman, lalo na ang mga ibon at bulaklak, ay isang bagay na karaniwang nauugnay sa mga komposisyon ng Hapon, tulad ng mga tanawin at eksena mula sa pang-araw-araw na buhay. Sa wakas, ang mga sinaunang ideya tungkol sa kagandahan mula sa pilosopiya at kultura ng sinaunang Japan ay may malaking impluwensya sa pagpipinta ng Hapon. Ang Wabi, na nangangahulugang lumilipas at malupit na kagandahan, sabi (kagandahan ng natural na patina at pagtanda), at yugen (malalim na biyaya at kahinahunan) ay nakakaimpluwensya pa rin sa mga ideyal sa pagsasanay ng pagpipinta ng Hapon.

Sa wakas, kung tututukan natin ang pagpili ng sampung pinakatanyag na obra maestra ng Hapon, dapat nating banggitin ang ukiyo-e, na isa sa pinakasikat na genre ng sining sa Japan, kahit na kabilang ito sa printmaking. Nangibabaw ito sa sining ng Hapon mula ika-17 hanggang ika-19 na siglo, kasama ang mga artistang kabilang sa genre na ito na gumagawa ng mga woodcut at painting ng mga paksa tulad ng magagandang babae, mga aktor ng kabuki at sumo wrestler, pati na rin ang mga eksena mula sa kasaysayan at mga kwentong bayan, mga eksena sa paglalakbay at landscape, flora at fauna at maging ang erotika.

Laging mahirap gumawa ng isang listahan ng pinakamahusay na mga kuwadro na gawa mula sa mga artistikong tradisyon. Maraming mga kamangha-manghang gawa ang hindi isasama; gayunpaman, ang listahang ito ay nagtatampok ng sampu sa mga pinakakilalang Japanese painting sa mundo. Ang artikulong ito ay magpapakita lamang ng mga kuwadro na gawa mula sa ika-19 na siglo hanggang sa kasalukuyan.

Ang pagpipinta ng Hapon ay may napakayamang kasaysayan. Sa paglipas ng mga siglo, ang mga Japanese artist ay nakabuo ng isang malaking bilang ng mga natatanging diskarte at estilo na pinakamahalagang kontribusyon ng Japan sa mundo ng sining. Isa sa mga pamamaraan na ito ay sumi-e. Ang Sumi-e ay literal na nangangahulugang "pagguhit ng tinta", pinagsasama ang kaligrapya at pagpipinta ng tinta upang lumikha ng isang pambihirang kagandahan ng mga komposisyon na pininturahan ng brush. Ang kagandahang ito ay kabalintunaan - sinaunang ngunit moderno, simple ngunit kumplikado, matapang ngunit mahinahon, walang alinlangan na sumasalamin sa espirituwal na batayan ng sining sa Zen Buddhism. Dinala ng mga paring Budista ang hard ink block at ang bamboo brush sa Japan mula sa China noong ika-anim na siglo, at sa nakalipas na 14 na siglo, ang Japan ay nakabuo ng isang mayamang pamana ng pagpipinta ng tinta.

Mag-scroll pababa at tingnan ang 10 Japanese Painting Masterpieces

1. Katsushika Hokusai "Pangarap ng Asawa ng Mangingisda"

Isa sa mga pinakakilalang Japanese painting ay ang The Dream of the Fisherman's Wife. Ipininta ito noong 1814 ng sikat na pintor na si Hokusai. Sa pamamagitan ng mahigpit na mga kahulugan, ang kamangha-manghang gawa ni Hokusai ay hindi maaaring ituring na isang pagpipinta, dahil ito ay isang ukiyo-e woodcut mula sa Young Pines (Kinoe no Komatsu), na isang tatlong-volume na shunga book. Ang komposisyon ay naglalarawan ng isang batang ama na maninisid na nakikipagtalik sa isang pares ng mga octopus. Ang imaheng ito ay lubos na maimpluwensyahan noong ika-19 at ika-20 siglo. Naimpluwensyahan ng trabaho ang mga huling artista tulad nina Felicien Rops, Auguste Rodin, Louis Ocock, Fernand Khnopf at Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka "Nagsusulat si Abe no Nakamaro ng nostalgic na tula habang pinagmamasdan ang buwan"

Ang Tessai Tomioka ay ang pseudonym ng isang sikat na Japanese artist at calligrapher. Siya ay itinuturing na huling pangunahing artista sa tradisyon ng Bunjing at isa sa mga unang pangunahing artista ng istilong Nihonga. Ang Bunjinga ay isang paaralan ng pagpipinta ng Hapon na umunlad noong huling bahagi ng panahon ng Edo sa mga artista na itinuturing ang kanilang sarili na mga literati o intelektwal. Ang bawat isa sa mga artist na ito, kabilang si Tessaia, ay bumuo ng kanilang sariling istilo at pamamaraan, ngunit lahat sila ay malaking tagahanga ng sining at kultura ng Tsino.

3. Fujishima Takeji "Sunrise over the East Sea"

Si Fujishima Takeji ay isang Japanese artist na kilala sa kanyang trabaho sa pagbuo ng Romanticism at Impressionism sa Yoga (Western style) art movement noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Noong 1905 naglakbay siya sa France, kung saan naimpluwensyahan siya ng mga kilusang Pranses noong panahong iyon, sa partikular na Impresyonismo, gaya ng makikita sa kanyang 1932 na pagpipinta ng Sunrise over the East Sea.

4. Kitagawa Utamaro "Sampung uri ng mukha ng babae, isang koleksyon ng mga nangingibabaw na dilag"

Si Kitagawa Utamaro ay isang kilalang Japanese artist na ipinanganak noong 1753 at namatay noong 1806. Kilala siya sa isang serye na tinatawag na Ten Types of Women's Faces. Isang koleksyon ng mga naghaharing dilag, mahusay na mga tema ng pag-ibig ng klasikal na tula" (minsan ay tinatawag na "Women in Love", na naglalaman ng magkahiwalay na mga ukit na "Naked Love" at "Pensive Love"). Isa siya sa pinakamahalagang artista na kabilang sa ukiyo-e woodcut genre.

5. Kawanabe Kyosai "Tiger"

Si Kawanabe Kyosai ay isa sa mga pinakasikat na artista ng Hapon noong panahon ng Edo. Ang kanyang sining ay naimpluwensyahan ni Tohaku, isang pintor ng Kano noong ika-16 na siglo na nag-iisang pintor sa kanyang panahon na nagpinta ng mga screen nang buo sa tinta laban sa isang pinong background ng pulbos na ginto. Bagama't kilala bilang cartoonist, gumawa si Kyosai ng ilan sa mga pinakasikat na painting sa kasaysayan ng sining ng Hapon noong ika-19 na siglo. Ang "Tiger" ay isa sa mga painting na ginamit ni Kyosai na watercolor at tinta para gawin.

6. Hiroshi Yoshida Fuji mula sa Lake Kawaguchi

Si Hiroshi Yoshida ay kilala bilang isa sa mga pangunahing tauhan ng istilong shin-hanga (ang shin-hanga ay isang kilusang sining sa Japan sa simula ng ika-20 siglo, noong panahon ng Taisho at Showa, na muling nagbigay-buhay sa tradisyonal na sining ng ukiyo-e , na nag-ugat sa panahon ng Edo at Meiji (XVII - XIX na siglo)). Siya ay sinanay sa tradisyon ng Western oil painting, na pinagtibay sa Japan noong panahon ng Meiji.

7. Takashi Murakami "727"

Si Takashi Murakami ay marahil ang pinakasikat na Japanese artist sa ating panahon. Ang kanyang trabaho ay nagbebenta para sa mga astronomical na presyo sa mga pangunahing auction, at ang kanyang trabaho ay nagbibigay inspirasyon sa mga bagong henerasyon ng mga artista hindi lamang sa Japan kundi pati na rin sa iba pa. Kasama sa sining ni Murakami ang isang hanay ng mga medium at karaniwang inilalarawan bilang super-flat. Ang kanyang trabaho ay kilala sa kanyang paggamit ng kulay, na nagsasama ng mga motif mula sa tradisyonal at sikat na kultura ng Hapon. Ang nilalaman ng kanyang mga pagpipinta ay madalas na inilarawan bilang "cute", "psychedelic", o "satirical".

8. Yayoi Kusama "Kalabasa"

Si Yaoi Kusama ay isa rin sa pinakasikat na Japanese artist. Nagtatrabaho siya sa iba't ibang medium, kabilang ang pagpipinta, collage, scat sculpture, performance art, environmental art, at installation, na karamihan sa mga ito ay nagpapakita ng kanyang pampakay na interes sa psychedelic na kulay, pag-uulit, at pattern. Ang isa sa pinakatanyag na serye ng mahusay na artist na ito ay ang serye ng Pumpkin. Ang isang polka-dotted na regular na lung sa maliwanag na dilaw ay ipinapakita laban sa isang lambat. Magkasama, ang lahat ng naturang elemento ay bumubuo ng isang visual na wika na hindi mapag-aalinlanganan sa istilo ng artist, at binuo at pino sa loob ng mga dekada ng maingat na paggawa at pagpaparami.

9. Tenmyoya Hisashi "Japanese Spirit #14"

Si Tenmyoya Hisashi ay isang kontemporaryong Japanese artist na kilala sa kanyang mga neo-nihonga painting. Lumahok siya sa muling pagkabuhay ng lumang tradisyon ng pagpipinta ng Hapon, na eksaktong kabaligtaran ng modernong pagpipinta ng Hapon. Noong 2000, nilikha din niya ang kanyang bagong istilo, butouha, na nagpapakita ng matatag na saloobin patungo sa isang makapangyarihang sistema ng sining sa pamamagitan ng kanyang mga pagpipinta. Ang "Japanese Spirit No. 14" ay nilikha bilang bahagi ng "BASARA" artistic scheme, na binibigyang kahulugan sa kultura ng Hapon bilang ang mapanghimagsik na pag-uugali ng mababang aristokrasya sa panahon ng Warring States, upang alisin ang kakayahan ng mga awtoridad na makamit ang isang ideal. pamumuhay sa pamamagitan ng pagbibihis ng mayayabong at mararangyang damit at malayang pagkilos.kalooban na hindi tumutugma sa kanilang panlipunang uri.

10. Katsushika Hokusai "The Great Wave Off Kanagawa"

Sa wakas, ang The Great Wave off Kanagawa ay marahil ang pinakakilalang Japanese painting na naipinta kailanman. Ito talaga ang pinakasikat na piraso ng sining na nilikha sa Japan. Inilalarawan nito ang malalaking alon na nagbabanta sa mga bangka sa baybayin ng Kanagawa Prefecture. Bagama't kung minsan ay napagkakamalang tsunami, ang alon, gaya ng ipinahihiwatig ng pangalan ng pagpipinta, ay malamang na may napakataas na taas. Ang pagpipinta ay ginawa sa tradisyon ng ukiyo-e.

Ang Japan ay isang napaka-kagiliw-giliw na estado, na kilala sa iba't ibang mga tradisyon at kaugalian. Ang heograpikal na posisyon ng Land of the Rising Sun ay ginawa itong medyo nakahiwalay sa ibang mga estado, salamat sa kung saan ito ay umunlad nang walang pagsasaalang-alang sa mga bansang European. Ang kultura ng Japan ay lubhang mayaman at magkakaibang. Ang mga kakaibang tradisyon ng Hapon ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng mahahalagang pangyayari sa kasaysayan. Unti-unti, ang Japan ay naging isang makapangyarihan, magkakaugnay na estado na may mga katangiang katangian at isang tiyak na kaisipan ng populasyon.

Pangunahing aspeto ng kultura ng Hapon

Ang kultura ng bansa ay makikita sa maraming larangan ng lipunan. Sa Japan, ang mga aspeto nito ay;

Ang proseso ng pag-inom ng tsaa para sa mga Hapones ay hindi isang simpleng kasiyahan sa mga pangangailangang pisyolohikal ng katawan, ngunit isang tunay na kulto. Ang seremonya ng tsaa sa Japan ay sinamahan ng mga espesyal na katangian at naglalaman ng maraming tradisyon. Ang gayong kagalang-galang na saloobin, tila, sa pang-araw-araw na proseso ay kinuha ang pag-unlad nito mula sa pagmumuni-muni ng mga Buddhist monghe. Sila ang nagdala ng napakaraming kahalagahan sa proseso ng pag-inom ng tsaa.

Para sa mga Europeo, ang konsepto ng "kimono" ay nagpapakilala sa pambansang damit ng Japan. Gayunpaman, sa Land of the Rising Sun mismo, mayroong dalawang kahulugan ng salitang ito - sa makitid at malawak na kahulugan. Ang salitang "kimono" sa Japan ay tumutukoy hindi lamang sa pambansang kasuutan, kundi pati na rin sa lahat ng pananamit sa pangkalahatan. Sa ilalim ng kimono, bilang panuntunan, isang espesyal na balabal at pitong sinturon ang isinusuot. Ang isang kimono na isinusuot sa tag-araw ay tinatawag na yukata. Depende sa edad ng babae, ang modelo ng kasuotan ay maaari ding magkaiba.

Sa Japan, dalawang relihiyosong kilusan ang matagumpay na ipinangaral nang sabay-sabay - Shintoismo at Budismo. Lumitaw ang Shintoismo sa sinaunang Japan, ito ay batay sa pagsamba sa iba't ibang nilalang. Ang Budismo, sa turn, ay nahahati sa ilang uri. Sa Japan, maraming mga paaralan ang nagtataguyod ng isa o isa pang kalakaran ng Budismo.

Ang mga rock garden ay partikular na kahalagahan sa kultura ng Japan. Ang mga ito ay hindi lamang isang paglikha ng arkitektura na umaakit sa atensyon ng mga turista, kundi isang lugar din ng espirituwal na paglago. Dito nakakahanap ang mga Hapones ng kaliwanagan mula sa pagmumuni-muni ng mga istrukturang bato na matatagpuan sa isang espesyal na pagkakasunud-sunod. Ang mga rock garden ay may kasamang isang partikular na plano, na tanging isang napaliwanagan na tao lamang ang makakapaglutas.

Ang Tango no sekku ay isang pagdiriwang bilang parangal sa mga lalaki. Ito ay nakatuon hindi lamang sa lahat ng maliliit na kinatawan ng lalaki, kundi pati na rin sa pagkalalaki at lakas ng buong mamamayang Hapones. Nakaugalian na ipagdiwang ang holiday sa tagsibol, kapag ang kalikasan ay nagising at nalulugod sa kagandahan nito. Sa araw ng tango no sekku, ang mga lalaki ay inaalagaan ng kanilang mga magulang. Dapat sabihin ng ama sa kanyang anak ang lahat ng mga mandirigmang Hapones at ang kanilang mga pagsasamantala. At inihahanda siya ng kanyang ina ng mesa na may kasamang masasarap na pagkain.

Ang cherry blossom ay itinuturing na pinakamagandang natural na kababalaghan. Maraming turista ang pumupunta rito para lamang tangkilikin ang pagmumuni-muni ng isang halamang namumulaklak. Sa tagsibol, maraming tao ang makikita sa mga parke ng Japan. Maraming pamilya ang nagpi-piknik at pinapanood ang kagandahan ng Japanese cherry tree.

Ang mga busog ay maaaring maiugnay sa mga kakaibang tradisyon ng bansa. Kinakatawan nila ang mga tuntunin ng mabuting asal. Hindi kaugalian ng mga Hapon na magpaalam, sa halip ay yumuyuko sila ng maraming beses gaya ng ginawa ng kausap.

Ang samurai ay kumakatawan sa isang tiyak na uri ng lipunan na umunlad sa ilalim ng impluwensya ng mga tradisyon at kaugalian. Ito ay may direktang koneksyon sa kultura ng bansa. Ang samurai ay mga mandirigma na nagsasagawa ng isang tiyak na serbisyo, na maaaring parehong militar, seguridad o sambahayan. Sa alinman sa mga kasong ito, ang samurai ay nagpapakilala sa katapangan, pagkalalaki at maharlika ng mga Hapones.

Ang proseso ng pagbuo ng kultura ng sinaunang Japan

Ang kultura ng sinaunang Japan ay nagsimulang umunlad sa pagsilang ng wikang Hapon at pagsulat. Ang lupain ng pagsikat ng araw ay hiniram ang batayan nito mula sa China. Ang pagsulat ng Hapon ay naglalaman din ng mga hieroglyph, na hindi mauunawaan ng isang dayuhang mamamayan. Sa paglipas ng panahon, nagsimulang magdagdag ng mga bagong salita, tunog at parirala sa wikang Hapon. Kaya ito ay ganap na nagbago, ngunit mayroon pa ring mga karaniwang tampok sa China.

Ang pagiging relihiyoso ng bansa ay nagmula rin sa sinaunang panahon. Ang Shintoismo ay bunga ng pag-unlad ng iba't ibang mitolohiya. Sa ngayon, ang pagtuturong ito ay nagtataguyod ng kulto ng mga pinuno at mga patay na tao. Ang Budismo, sa kabilang banda, ay may malalim na ugat na ang mga opinyon ng mga siyentipiko at istoryador tungkol sa paglitaw ng ganitong uri ng relihiyon ay iba-iba.

sining ng Hapon

Halos lahat ng uri ng sining na ginagawa sa Japan ay may isang pangunahing ideya - kalmado at pagpapahinga. Ito ay tiyak na ang pagkakaisa ng isang tao sa kanyang sarili na naglalaman ng sining, anuman ang paraan ng pagpapakita ng impormasyon. Maraming mga anyo ng sining na kilala sa buong mundo ang nagsimula ng kanilang pag-unlad sa Japan. Kabilang sa mga ito, ang origami ay maaaring makilala - ang kakayahang magtiklop ng iba't ibang mga hugis mula sa papel.

Ang Ikebana ay naging isa pang tanyag na bahagi ng sining ng Hapon. Ito ay isang kasanayan upang bumuo ng mga bouquet ng mga bulaklak gamit ang isang espesyal na teknolohiya. Dito nagmula ang isang pantay na tanyag na aktibidad, na tinatawag na bonsai. Ito ang paglikha ng iba't ibang komposisyon mula sa mga dwarf tree. Sa Omiya, hindi kalayuan sa Tokyo, mayroong isang buong Bonsai park. Ang bawat dwarf tree na ipinakita dito ay natatangi at maganda sa sarili nitong paraan.

Ang mga pintura ng Japan ay karapat-dapat sa espesyal na kahalagahan, dahil ang bawat pagpipinta ay may nakatagong kahulugan. Bilang isang disenyo, bilang panuntunan, ang mga maliliwanag na kulay, magkakaibang mga transition at malinaw na mga linya ay ginagamit. Ang Japan ay mayroon ding sining ng kaligrapya. Ito ang kasanayan ng aesthetically beautiful writing ng mga hieroglyph. Ang inilapat na sining ay laganap din sa Japan. Mayroong isang buong museo sa Tokyo na nakatuon sa bapor na ito. Dito makikita ang mga produktong gawa sa papel, salamin o metal. At hindi ito isang kumpletong listahan ng mga materyales na ginamit para sa layuning ito.

Ang estilo ng Japanese na panloob na disenyo ay nararapat din ng espesyal na pansin. Kasama dito ang pag-andar at pagiging simple, kasama ang pagka-orihinal ng pagganap. Bilang karagdagan, ang panloob na disenyo ay nagdadala ng pilosopiya ng relihiyon, tulad ng anumang iba pang anyo ng sining ng Hapon.

arkitektura ng Hapon

Ang mga istrukturang arkitektura sa Japan, sa isang paraan o iba pa, ay nauugnay sa relihiyon. Ang mga gusali ng templo sa una, kadalasan, ay walang anumang mga bulaklak. Ito ay dahil sa paggamit ng hindi pininturahan na kahoy sa konstruksyon. Nang maglaon ay nagsimula silang gumamit ng pula at asul na lilim.

Ang pangunahing materyal para sa mga gusali ng arkitektura sa Japan ay itinuturing na kahoy. Ito ay dahil sa ang katunayan na ang stock ng mapagkukunang ito sa bansa ay medyo malaki. Bilang karagdagan sa katotohanan na ang puno ay nagsasagawa ng init at sumisipsip ng kahalumigmigan, praktikal din ito sa panahon ng lindol, na madalas na nangyayari sa Japan. Kung ang isang bahay na bato ay napakahirap na muling likhain pagkatapos ng pagkasira, kung gayon ang isang kahoy ay mas madali.

Ang pangunahing tampok sa arkitektura ng Japan ay ang pagkakaroon ng kahit na mga geometric na hugis. Kadalasan, ito ay mga tatsulok at parihaba. Halos imposibleng matugunan ang kinis at bilog ng mga linya sa anumang istraktura. Ang pangunahing prinsipyo, batay sa kung saan nilagyan ng mga Hapones ang kanilang mga tahanan, ay ang hindi mapaghihiwalay na pagkakaroon ng loob ng bahay at labas. Nalalapat ito sa mga hardin ng Hapon. Dapat silang palamutihan sa eksaktong kaparehong istilo ng bahay mismo. Kung hindi, ito ay itinuturing na masamang lasa at kumpletong masamang lasa. Ang mga Hapon ay nagbibigay ng espesyal na pansin sa kanilang mga hardin.

Hapon na musika

Sa mga tuntunin ng pag-unlad ng musika, ang Japan ay tumingin sa ibang mga bansa, gamit ang anumang mga instrumentong pangmusika. Ngunit kalaunan ay ginawang moderno niya ang mga ito sa ilalim ng impluwensya ng mga lokal na panlasa at tradisyon. Ang unang impluwensya sa pagbuo ng klasikal na musika sa Japan ay ang lokal na alamat ng Dengaku, na hinaluan ng mga dayuhang impluwensya at nagbunga ng musika na kasalukuyang pamilyar sa Japan.

Ang relihiyosong bahagi ng isyu ay nag-ambag din sa pinagmulan ng musika. Dahil sa Kristiyanismo, nagsimulang kumalat ang paglalaro ng organ. At itinaguyod ng Budismo ang pagtugtog ng plauta.

Sa kasalukuyan, ang klasikal na musika ay nakakuha ng katanyagan sa Japan. Maraming miyembro ng cell na ito ng pagkamalikhain ang naglalakbay sa labas ng Japan. Kabilang dito sina Goto Midori, Ozawa Seiji at Uchida Mitsuko. Kamakailan lamang, ang mga bulwagan na idinisenyo para sa komportableng pakikinig sa klasikal na musika ay binuksan sa Japan. Kabilang dito ang Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, atbp.

Mga tradisyon ng sambahayan ng Japan

Ang mga Hapon ay isang taong may mabuting asal, na sinusunod ang kanilang mga tradisyon at kaugalian. Ang paggalang sa iyong sarili at sa iba sa Japan ay itinuturing na pamantayan. Mula sa pagkabata, ang mga bata ay tinuturuan ng mga pamantayan ng mabuting asal, ipaliwanag sa kanila ang mga pangunahing halaga ng mga Hapones, at paliwanagan sila sa lahat ng posibleng paraan. At lahat ng ito ay para sa kapakanan ng lipunan. Ang sinumang turista na darating sa Land of the Rising Sun mula sa ibang bansa ay nagulat sa pagiging palakaibigan, palakaibigan at magandang asal ng mga Hapones.

Hindi tulad ng mga bansa sa Europa, matagal nang ipinagbabawal ng Japan ang paninigarilyo sa mga pampublikong lugar. Nalalapat din ito sa pribadong pag-aari. Ang paninigarilyo malapit sa ibang tao ay pinapayagan lamang kung sila ay nagbigay ng kanilang pahintulot.

Sa iba pang mga bagay, mahigpit na sinusunod ng mga Hapon ang lahat ng mga alituntunin ng kalinisan na idinidikta sa kanila ng lipunan. Halimbawa, sa anumang silid, kabilang ang mga relihiyosong gusali, may mga espesyal na straw rug. Hindi ka maaaring maglakad sa kanila sa mga sapatos, sila ay itinuturing na hindi lamang isang panloob na dekorasyon, kundi pati na rin isang tunay na kalapastanganan. Gayundin, nagpasya ang mga Hapon na protektahan ang kanilang sarili mula sa mga posibleng bakterya na dinadala nila mula sa banyo sa kanilang mga paa. Sa anumang pampublikong lugar at sa mga apartment ay may mga espesyal na tsinelas para sa banyo, na hindi pinapayagan ang paglipat ng mga nakakapinsalang mikrobyo sa ibang mga silid.

Ang pagkain para sa mga Hapon ay hindi itinuturing na isang proseso ng buhay, ngunit isang tunay na kulto. Bago kumain, palaging pinupunasan ng mga Hapones ang kanilang mga kamay gamit ang isang espesyal na tuwalya na ibinabad sa tubig, na tinatawag na oshibori. Ang setting ng talahanayan ay hindi nangyayari nang random, ngunit ayon sa isang espesyal na pamamaraan. Kahit na ang bawat aparato ay may sariling lugar. Hinahati sila ng mga Hapon sa lalaki at babae, at ito ay napakahalaga para sa kanila. Ang mga kutsara sa Japan ay ginagamit lamang para sa pagkain ng o-zone na sopas, na inihanda para sa Bagong Taon, mas gusto ng mga Hapon na uminom ng iba pang mga unang kurso na eksklusibo mula sa mga espesyal na mangkok. Bukod dito, ang paghampas ng iyong mga labi habang kumakain ay hindi itinuturing na masamang anyo. Ito ay pinaniniwalaan na sa ganitong paraan ang lasa ng ulam ay mas mahusay na ipinahayag.

Ang kaugnayan ng magandang anyo sa Japan ay pinatunayan ng pagkakaroon ng mga sumusunod na patakaran:

• Kinakailangang talakayin nang maaga ang lugar at oras ng pagpupulong. Ang pagiging huli sa Japan ay itinuturing na bastos at lampas sa mga hangganan ng pagiging disente.
• Hindi mo maaaring matakpan ang interlocutor, kailangan mong matiyagang maghintay para magsalita ang tao, pagkatapos ay magsimulang ipahayag ang kanyang opinyon.
• Kung tumawag ka sa maling numero, kailangan mong humingi ng paumanhin.
• Kung may tumulong sa iyo, tiyak na kailangan mong pasalamatan siya.
• Ang ilang mga bisita ng Hapon ay maaaring ituring na honorary. Para sa kanila, naglalaan pa sila ng isang espesyal na lugar sa mesa, na, bilang panuntunan, ay ang pinaka-matinding mula sa pasukan sa silid.
• Kapag nagbibigay ng regalo sa Hapon, dapat humingi ng tawad sa pagiging mapagpakumbaba sa kabila ng kung ano ito. Yan ang rules, hindi mo dapat nilalabag.
• Nakaupo sa hapag kainan, ang mga lalaki ay maaaring tumawid sa kanilang mga binti, habang ang mga babae ay mahigpit na ipinagbabawal na gawin ito. Ang mga binti ay dapat na nakasuksok at nakaturo sa isang direksyon.

Gayundin, ang mga tradisyon sa buhay ng Japan ay kinabibilangan ng pagsamba sa mga taong mas matanda sa edad. Hindi mahalaga kung ano ang propesyon, kita, hitsura o katangian ng isang tao, kung siya ay mas matanda, dapat siyang tratuhin nang may paggalang. Ang katandaan sa Japan ay nagbibigay inspirasyon sa paggalang at pagmamataas. Ibig sabihin, malayo na ang narating ng tao at ngayon ay karapat-dapat siyang parangalan.

Tulungan ang site: I-click ang mga button

Sa unang kalahati ng siglo XIX. Ukiyo-e pa rin ang nangingibabaw sa Japanese painting. Noong 1868, pagkatapos ng rebolusyong Meiji at pagbubukas ng mga hangganan, ang mga tagumpay ng sibilisasyong Kanluranin ay naging mas naa-access sa Japan, at ang ukiyo-e ay unti-unting nawala sa uso, na pinalitan ng litrato.
Ngunit una sa lahat.

Ukiyo-e style

Ukiyo-e(Mga pintura ng Hapon (mga larawan) ng nagbabagong mundo) - isang trend sa visual arts ng Japan. Sa simula, ang terminong ito ng Budista ay ginamit sa kahulugan ng "mortal na mundo, lambak ng kalungkutan." Ngunit sa panahon ng Edo, sa pagdating ng mga espesyal na itinalagang mga bloke ng lungsod, kung saan ang teatro ng kabuki ay umunlad at naging tahanan ng mga geisha at courtesan, ang termino ay muling pinag-isipan, at nagsimula itong maunawaan bilang "ang mundo ng panandaliang kasiyahan, ang mundo ng pag-ibig."
Ang mga Ukiyo-e print ay ang pangunahing uri ng woodcut sa Japan. Ang anyo ng sining na ito ay naging tanyag sa kultura ng lungsod noong ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. Ang nagtatag ng ukiyo-e ay isang Japanese na pintor at graphic artist. Hisikawa Moronobu.

H. Moronobu “Autumn in Asakusa. Cherry blossoms sa Ueno Park. Screen painting. Freer Gallery (Washington)
Sa una, ang mga ukit ay itim at puti, na gawa sa tinta. Mula sa simula ng siglo XVIII. ang ilang mga gawa ay pininturahan ng kamay gamit ang isang brush.
Ang mga ukiyo-e print ay pangunahing inilaan para sa mga naninirahan sa lungsod na hindi kayang bumili ng mas mahal na pictorial painting.
Ang mga tema ng Ukiyo-e ay mga larawan ng pang-araw-araw na buhay: magagandang geisha, mga sumo wrestler, sikat na artista sa teatro ng kabuki, at mga landscape print sa ibang pagkakataon.

Katsushika Hokusai "The Great Wave off Kanagawa" (1823-1831)
Sa panahon ng XVIII-XIX na siglo. Ang mga kilalang artista ay sina Utamaro, Hokusai, Hiroshige, at Toshusai Syaraku.
Sa isang oras na ang istilo ng ukiyo-e ay nagsimulang lumabas sa uso sa Japan, nakakuha ito ng katanyagan sa Kanlurang Europa at Amerika, ang mga istoryador ng sining ay nagsimulang bumili ng mga ukit.
Ang mga ukit ng Hapon ay nagbigay inspirasyon sa maraming artistang Europeo na nagtrabaho sa istilong Cubism, Impresyonismo, Post-Impresyonismo: Vincent van Gogh, Claude Monet, at iba pa. Ang impluwensyang ito ay tinawag na "Japanism".

Vincent van Gogh "Portrait of Papa Tanguy" (1887-1888). Canvas, langis. Rodin Museum (Paris)

Mga kilalang ukiyo-e artist:

Hisikawa Moronobu (ika-17 siglo)
Kitagawa Utamaro (XVIII century)
Kawanabe Kyosai (ika-19 na siglo)
Katsushika Hokusai (XVIII-XIX na siglo)
Utagawa Hiroshige (ika-19 na siglo)
Utagawa Kunisada (ika-19 na siglo)
Utagawa Kuniyoshi (ika-19 na siglo)
Keisai Eisen (ika-19 na siglo)
Suzuki Harunobu (ika-19 na siglo)
Toyohara Kunitika (ika-19 na siglo)
Tsukioka Yoshitoshi (ika-19 na siglo)
Ogata Gekko (XIX-XX na siglo)
Hasui Kawase (XX siglo)

Isaalang-alang ang gawain ng ilan sa kanila.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. sariling larawan
Sikat na Japanese ukiyo-e artist, illustrator, engraver. Nagtrabaho sa ilalim ng maraming alyas (hindi bababa sa 30). Ipinanganak sa pamilya ng isang craftsman, nagsimula siyang magpinta sa edad na 6. Nagtatrabaho sa isang bookstore, natuto siyang magbasa at magsulat. Pagkatapos ay nagtrabaho siya sa pagawaan ng isang engraver - ang pag-ukit ay napakapopular sa Japan noong panahong iyon.
Noong 1793-1794. ang independiyenteng buhay ng artista ay nagsisimula, medyo mahirap sa materyal na mga termino, ngunit puspos ng sining - pinag-aaralan niya ang iba't ibang mga paaralan ng pagpipinta: ang mga paaralan ng Kano (mga tanawin, mga larawan ng mga ibon at hayop, pang-araw-araw na mga eksena; pinalamutian nila ang mga pintuan ng mga sliding screen na may isang pattern); Paaralan ng Sotatsu (larawan ng pang-araw-araw na buhay ng Hapon at mga tanawin ng Hapon sa mga sliding door). Ang artist ay unti-unting nagsisimulang bumuo ng kanyang sariling estilo.
Noong 1796, nagsimulang gamitin ng artista ang pseudonym na Hokusai, na kalaunan ay naging malawak na kilala. Noong 1800, sa edad na 41, nagsimulang tawagan ng artist ang kanyang sarili na Gakejin Hokusai ("Painting Mad Hokusai").
Naiintindihan ng artista ang larawan ng mundo sa pamamagitan ng kamalayan sa kahalagahan, ang espesyal na halaga ng pang-araw-araw na buhay ng mga tao, ang kanilang trabaho at alalahanin. Ang buhay ng kalikasan, ang kahulugan at kagandahan nito sa mga landscape ng Hokusai ay nagiging malinaw lamang salamat sa pagkakaroon sa kanila ng mga taong nakikibahagi sa kanilang karaniwang mga gawain. Ginugol ni Hokusai ang halos lahat ng kanyang buhay sa paglalakbay sa buong bansa, na nag-sketch ng lahat ng kanyang nakita. Kilala si Hokusai hindi lamang bilang isang mang-uukit, kundi bilang isang manunulat, makata at pintor.
Siya ang una sa mga Japanese engraving artist, kung saan ang trabaho ay nakuha ng landscape ang kahalagahan ng isang malayang genre. Nakuha ng mga tanawin ng Hokusai ang buhay na buhay at marilag na kalikasan ng Japan.
Sa kanyang mahabang artistikong karera, lumikha siya ng humigit-kumulang 30 libong mga guhit at mga ukit at naglarawan ng mga 500 mga libro.
Ang kasagsagan ng pagkamalikhain ni Hokusai ay nagsimula noong 1820s at unang bahagi ng 1830s. Sa oras na ito, nilikha niya ang kanyang pinakamahusay na serye ng landscape. Ang mga seryeng ito ay humanga sa lalim at yaman ng masining na pananaw ni Hokusai - mula sa malawak na pilosopikal na pag-unawa sa pananaw sa mundo sa seryeng "36 Views of Mount Fuji" (1823-1829), na nagpapakita ng epikong kadakilaan ng kalikasan sa seryeng "Bridges" ( 1823-1829), hinahangaan ang elemental na kapangyarihan nito sa "Waterfalls" (1827-1830) sa isang banayad na liriko na karanasan ng kalikasan sa seryeng "Poets of China and Japan" (1830).

Katsushika Hokusai South Wind. Maayos na panahon". May kulay na woodcut (1823-1831) mula sa seryeng "Thirty-six Views of Fuji"
Isa sa mga pinakamahalagang gawa ng Hokusai, na lubos na nagpahayag ng pagka-orihinal ng kanyang gawa bilang artist-thinker, ay ang seryeng "36 Views of Fuji". Karamihan sa mga sheet sa seryeng ito ay kumakatawan sa iba't ibang mga eksena sa genre: isang mangingisda na naghahagis ng kanyang mga lambat; mga sawyer na nagtatrabaho sa isang bodega ng kahoy; isang cooper na gumagawa ng batya, atbp. Lahat ng mga eksenang ito ay nakalagay sa isang landscape na may Mount Fuji sa background.
Ang pagkamalikhain Hokusai ay nagdulot ng maraming imitasyon, ang bilang ng kanyang mga estudyante ay napakalaki. Ngunit halos lahat ng mga tagasunod ng artist ay nailalarawan sa pamamagitan ng asimilasyon ng panlabas na bahagi lamang ng kanyang malikhaing pamamaraan.

Surimono

Ang Surimono ay isang uri ng tradisyonal na sining ng Hapon, may kulay na gupit, na nagsilbing regalo sa mga Japanese urban intelligentsia. Ang mga anibersaryo, ang kapanganakan ng isang anak na lalaki, ang simula ng cherry blossom season, ang paparating na Bagong Taon, atbp ay maaaring maging dahilan para sa gayong regalo. Ang mga genre ng surimono ay magkakaiba: ang imahe ng mga figure, ang imahe ng mga hayop, bulaklak at ibon, ang tanawin.
Ang imahe na nilikha sa pamamagitan ng visual, patula at teknikal na paraan ay kailangang magkaroon ng integridad. Ang Surimono ay parehong sining, at isang laro, at isang paraan ng paglilibang, bahagi ng pang-araw-araw na buhay ng mga taong-bayan.

Katsushika Hokusai "Carps" (surimono)
Ang merito ng Hokusai sa pagtaas ng katanyagan ng surimono ay mahusay: ginagawa niya itong pinakamahalaga sa mga uri ng Japanese woodcuts.
Ang mga tao sa surimono ng Hokusai ay "buhay". Inilalarawan laban sa background ng landscape, aktibong nakikipag-ugnayan sila dito: tinatakpan nila ang kanilang mga mata mula sa araw gamit ang kanilang mga kamay, itinuturo ang mga ulap, sumilip sa walang katapusang mga kalawakan, kung minsan ay nakatalikod pa rin sa manonood.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

Ang "Manga" (Jap. literal na "mga guhit ng Hokusai") ay isa sa pinakamahalagang gawa sa malikhaing pamana ng artist, na nilikha niya sa tugatog ng katanyagan. Ang "Manga" ay isang pagpapahayag ng mga pananaw ni Hokusai sa pagkamalikhain, ang kanyang pilosopiya, ay nagpapakita ng mga lihim ng master; ito ay mahalaga hindi lamang bilang isang milestone sa buhay ng Hokusai, ngunit bilang isang mahalagang mapagkukunan ng impormasyon tungkol sa kultura at sining ng Japan sa panahon ng huling pyudalismo. Ang Manga ni Hokusai ay madalas na tinutukoy bilang "encyclopedia of the Japanese people". Karamihan sa mga guhit ay naglalarawan ng mga eksena mula sa buhay lungsod; mayroong maraming sketch ng mga tao. Ang koleksyon ay isang talaarawan kung saan ipinasok ng master ang lahat ng nakita niya sa buhay sa anyo ng mga guhit (hindi teksto).

Katsushika Hokusai "Pagmumuni-muni ng Bundok Fuji" (1814) Manga
Ang Hokusai, tulad ng sining ng Hapon sa pangkalahatan, ay may malaking epekto sa sining ng Europa noong ika-19 na siglo, kabilang ang impresyonismong Pranses. Ang tema ng mga ukit ni Hokusai ay naroroon sa mga gawa ni Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir at iba pa.
Ang huling makabuluhang kinatawan ng Japanese engraving sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. pintor ng landscape na si Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Si Utagawa Hiroshige ay isang Japanese graphic artist, isang kinatawan ng direksyon ng ukiyo-e, isang master ng color woodcuts. May-akda ng hindi bababa sa 5400 na mga ukit. Sa mga liriko na landscape na may mga genre na motif, ipinarating niya ang hindi matatag na estado ng kalikasan, ang mga epekto sa atmospera ng snow at fog. Nagtrabaho sa ilalim ng pseudonym na Ando Hiroshige.
Maagang nawala ang kanyang ama at ina. Nagsimula siyang makisali sa sining pagkatapos niyang makita ang gawain ng Hokusai.
Si Hiroshige ay isang estudyante ng engraver na si Utagawa Toyohiro (1763-1828). Ang unang obra na nagbigay ng katanyagan sa Hiroshiga ay ang serye ng mga print na "53 Tokaido Stations", na inilimbag noong 1834. Sa pagpapatuloy ng landscape genre ng Hokusai, binuo ito ni Hiroshige sa kanyang sariling paraan.
Ang Tokaido ay isa sa limang daan na nag-uugnay sa Edo sa ibang bahagi ng Japan. Tumakbo ito sa silangang baybayin ng Honshu. Kasama nito ay matatagpuan ang 53 mga istasyon ng koreo, kung saan ang mga manlalakbay ay inalok ng tirahan, pagkain at mga kuwadra.
Noong 1832, naglakbay si Hiroshige sa Tokaido bilang bahagi ng isang opisyal na delegasyon na nagdadala ng mga kabayo para sa korte ng imperyal. Ang mga landscape ay gumawa ng isang malakas na impresyon sa artist, at gumawa siya ng maraming sketch. Sa pag-uwi, lumikha siya ng isang cycle ng 53 mga gawa. Ang tagumpay ng seryeng ito ay ginawa ang Hiroshige na isa sa pinakamahalaga at kinikilalang mga printmaker.

A. Hiroshige. Unang Istasyon: Shinogawa

A. Hiroshige. Ika-30 Istasyon: Maisaka

A. Hiroshige. Ika-32 istasyon: Shirasuka
Sa likas na kagandahan ng kalikasan, ang Hiroshige ay umaakit ng pagpapahayag.
Kinukumpleto ng gawa ni Hiroshige ang panahon ng makikinang na pamumulaklak ng mga Japanese color woodcuts noong ika-18 at unang kalahati ng ika-19 na siglo. Pag-ukit 1850-1860 ay hindi naglagay ng isang solong pangunahing artista, ang stylization at eclecticism ay nagiging mas at mas malinaw dito.
Noong 1868, isang burges na rebolusyon ang naganap sa Japan, at noong 1880s ito ay naging isang monarkiya. Ang mga kaganapang ito ay minarkahan ang simula ng isang bagong yugto sa kasaysayan ng sining ng Hapon, dahil. Pumasok ang Japan sa pandaigdigang sistema ng mga kapitalistang bansa. Sa sining ng Japan sa panahong ito, maraming paaralan at grupo ang bumangon. Ang ilan sa kanila ay tumahak sa landas ng pagiging dalubhasa sa sining ng Europa, ang ibang mga artistang Hapones (halimbawa, si Kuroda Kiyoteri (1866-1924) ay umalis upang mag-aral sa Europa. Ngunit mayroon ding mga naghangad na mapanatili ang kadalisayan ng mga pambansang tradisyon.
Huling bahagi ng ika-19-unang bahagi ng ika-20 siglo sa sining ng Japan ay isang panahon ng rebisyon ng lumang artistikong tradisyon, ang pag-unlad ng European art, ang paghahanap para sa isang bago, pati na rin ang sarili nitong paraan ng pag-unlad.

Applied Arts ng Japan

Ang kasagsagan ng Japanese applied art ay nagsimula sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Noong ika-19 na siglo wood carving, bone carving, ceramics, at porcelain ay malawakang ginamit.
Dapat din itong sabihin tungkol sa netsuke- miniature sculpture, isang gawa ng Japanese arts and crafts. Ang Netsuke ay isang maliit na inukit na key chain na ginamit sa tradisyonal na damit ng Hapon, kimono at kosode.

Netsuke na naglalarawan kay Hotei (ang diyos ng komunikasyon, saya at kasaganaan). Ivory, kontemporaryong gawain
Ang unang netsuke ay lumitaw sa Japan sa ikalawang kalahati ng ika-16 at unang bahagi ng ika-17 siglo. Mula sa pagtatapos ng ika-19 na siglo at sa buong ika-20 siglo. netsuke ay ginawa para sa pag-export. Ginagawa pa rin sila ngayon. Ito ay isang produktong souvenir, na ginawa ng isang paraan ng conveyor, na hindi masyadong mataas ang kalidad. Ngunit ang sining ng netsuke ay hindi nawala. At ngayon may mga masters na ang specialty ay netsuke carving.

Netsuke na may sikreto

Sa artikulong ito, sinisimulan ko ang isang serye ng mga artikulo sa kasaysayan ng sining ng Hapon. Ang mga post na ito ay pangunahing nakatuon sa pagpipinta simula sa panahon ng Heian, at ang artikulong ito ay isang panimula at inilalarawan ang pag-unlad ng sining hanggang sa ika-8 siglo.

Panahon ng Jomon
Ang kultura ng Hapon ay may napaka sinaunang mga ugat - ang pinakaunang mga natuklasan ay itinayo noong ika-10 milenyo BC. e. ngunit opisyal na ang simula ng panahon ng Jomon ay itinuturing na 4500 BC. e. Tungkol sa panahong ito nekokit nagsulat ng isang napakagandang post.
Ang kakaiba ng Jemon ceramics ay kadalasan ang hitsura ng mga keramika, kasama ang pag-unlad ng agrikultura, ay nagpapahiwatig ng pagsisimula ng Neolithic na panahon. Gayunpaman, kahit na sa panahon ng Mesolithic, ilang libong taon bago ang pagdating ng agrikultura, ang mga hunter-gatherer ng Jomon ay lumikha ng palayok na medyo kumplikadong hugis.

Sa kabila ng napakaagang hitsura ng palayok, ang mga tao sa panahon ni Jomon ay nakabuo ng teknolohiya nang napakabagal at nanatili sa antas ng Panahon ng Bato.

Sa panahon ng Middle Jōmon (2500-1500 BC), lumitaw ang mga ceramic figurine. Ngunit sa parehong Gitna at Huli (1000-300 BC) na mga panahon ay nananatili silang abstract at mataas ang istilo.

Mula sa Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Panahon ni Jomon, 1000-400B.C.
Pambansang Museo ng Tokyo

Sa pamamagitan ng paraan, naniniwala ang mga ufologist na ito ay mga larawan ng mga dayuhan. Sa mga figurine na ito ay nakikita nila ang mga spacesuit, salaming de kolor at oxygen mask sa kanilang mga mukha, at ang mga larawan ng mga spiral sa "spacesuits" ay itinuturing na mga mapa ng mga kalawakan.

Yayoi period
Ang Yayoi ay isang maikling panahon sa kasaysayan ng Hapon, na tumatagal mula 300 BC hanggang 300 AD, kung saan naganap ang pinakadramatikong mga pagbabago sa kultura sa lipunang Hapon. Sa panahong ito, ang mga tribo na nagmula sa mainland at lumikas sa katutubong populasyon ng mga isla ng Hapon ay nagdala ng kanilang kultura at mga bagong teknolohiya, tulad ng pagtatanim ng palay at pagproseso ng tanso. Muli, karamihan sa sining at teknolohiya noong panahon ng Yayoi ay inangkat mula sa Korea at Tsina.

Panahon ng Kofun
Sa pagitan ng 300 at 500 taon, ang mga pinuno ng tribo ay inilibing sa mga punso na tinatawag na "Kofun". Ang panahong ito ay tinatawag sa pangalang ito.

Ang mga bagay na maaaring kailanganin ng mga patay ay inilagay sa mga libingan. Ito ang mga pagkain, kasangkapan at sandata, alahas, palayok, salamin at ang pinaka-kawili-wili - mga pigurin na luwad na tinatawag na "haniwa".

Mula sa Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Panahon ng Kofun, ika-6 na siglo.
Pambansang Museo ng Tokyo

Ang eksaktong layunin ng mga pigurin ay nananatiling hindi alam, ngunit ang mga ito ay matatagpuan sa lahat ng libingan ng panahon ng Kofun. Mula sa maliliit na pigurin na ito ay maiisip kung paano namuhay ang mga tao noong panahong iyon, dahil ang mga tao ay inilalarawan na may mga kasangkapan at sandata, at kung minsan ay nasa tabi ng mga bahay.

Ang mga iskulturang ito, na naiimpluwensyahan ng mga tradisyon ng Tsino, ay may mga independiyenteng elemento na likas lamang sa lokal na sining.

Babaeng mananayaw, Western Han dynasty (206 B.C.–A.D. 9), ika-2 siglo B.C.
Tsina
Metropolitan Museum of Art, NY

Sa panahon ng Kofun, ang mga pigurin ay nagiging mas pino at higit na naiiba. Ito ay mga larawan ng mga sundalo, mangangaso, mang-aawit, mananayaw, at iba pa.

Mula sa Nohara, Konan-machi, Saitama. Kasalukuyang H. 64.2, 57.3.
Panahon ng Kofun, ika-6 na siglo.
Pambansang Museo ng Tokyo

May isa pang katangian ang mga eskulturang ito. Ang Haniwa ay kumakatawan hindi lamang isang social function, kundi pati na rin ang mood ng figure. Ang isang mandirigma, halimbawa, ay may mabagsik na ekspresyon sa kanyang mukha. at sa mukha ng mga magsasaka ang malalaking ngiti.

Mula sa Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Panahon ng Kofun, ika-6 na siglo.
Pambansang Museo ng Tokyo

Panahon ng Asuka
Mula noong panahon ng Yayoi, ang sining ng Hapon ay hindi na mapaghihiwalay sa sining ng Koreano o Tsino. Ito ay naging pinaka-kapansin-pansin sa ikapito at ikawalong siglo, nang ang sining ng Hapon ay nagsimulang mabilis na umunlad sa iba't ibang mga visual na genre.

Noong ika-6 na siglo, ang mga kardinal na pagbabago ay naganap sa lipunan ng Hapon: ang unang estado ng Yamato ng Hapon sa wakas ay nabuo, at gayundin, noong 552, ang Budismo ay dumating sa Japan, na dinadala ang iskultura ng Budista at ang konsepto ng isang templo, na naging sanhi ng hitsura. ng mga templo sa Japan - bilang Shinto, pati na rin ang Buddhist.
Sinundan ng mga dambana ng Shinto ang arkitektura ng mga kamalig (Ang pinakaunang mga dambana ng Shinto ay mga kamalig kung saan ginaganap ang mga pagdiriwang ng ani. Sa panahon ng mga ritwal na kapistahan, naniniwala ang mga tao na ang mga diyos ay nagpipiyesta sa kanila.)
Pangunahing natural na puwersa ang mga diyos ng Shinto, kaya ang arkitektura ng mga dambanang ito ay isinama sa kalikasan, tulad ng mga ilog at kagubatan. Ito ay mahalagang maunawaan. Sa arkitektura ng Shinto, ang mga istrukturang gawa ng tao ay sinadya upang maging extension ng natural na mundo.

Ang unang Buddhist na templo, Shitennoji, ay itinayo lamang noong 593 sa Osaka. Ang mga unang templong ito ay mga imitasyon ng mga templong Budista ng Korea, na binubuo ng isang gitnang pagoda na napapalibutan ng tatlong gusali at isang may takip na koridor.

Ang paglaganap ng Budismo ay nagpadali sa mga ugnayan sa pagitan ng Japan at Korea sa Tsina at ang pagsasama ng kulturang Tsino sa kultura ng Hapon.