Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Bago simulan ang isang praktikal na pagsusuri, kinakailangan na gumawa ng isang mahalagang puna: hindi dapat maghanap ng isang bagay sa larawan na wala dito, iyon ay, sa anumang kaso ay hindi dapat itakda ng isa ang kanyang sarili ang layunin ng pag-angkop sa isang buhay na gawain sa isang tiyak na pamamaraan. Tinatalakay ang mga anyo at paraan ng komposisyon, inilista namin ang mga posibleng galaw at opsyon para sa mga aksyon ng artist, ngunit hindi man lang iginiit na ang lahat ng ito ay tiyak na dapat gamitin sa larawan. Ang pagsusuri na aming inaalok ay mas aktibong nagpapakita ng ilan sa mga tampok ng trabaho at, kung maaari, ay nagpapaliwanag ng komposisyon na intensyon ng artist.

Paano hatiin ang isang solong organismo sa mga bahagi? Maaari mong gamitin ang tradisyonal na hanay ng mga aksyon: gumuhit ng diagonal axes upang matukoy ang geometric na sentro ng larawan, i-highlight ang liwanag at madilim na mga lugar, malamig at mainit na tono, matukoy ang semantic center ng komposisyon, ipahiwatig ang mga compositional axes, kung kinakailangan, atbp. Pagkatapos mas madaling itatag ang pormal na istruktura ng imahe.

2.1. STILL LIFE COMPOSITION ANALYSIS

Upang mas malawak na masakop ang iba't ibang mga diskarte sa pagbuo ng still life, isaalang-alang ang klasikong still life noong ikalabinpitong siglo, pagkatapos ay ang still lifes nina Cezanne at Mashkov.

2.1.1. V. Kheda. Almusal na may blackberry pie. 1631

Matapos iguhit ang unang dayagonal, napapansin namin na ang komposisyon ng still life ay ginawa sa gilid ng isang foul, ngunit ang artist ay napakatalino na nakayanan ang gawain ng pagbabalanse sa pamamagitan ng pagpapakilala ng isang unti-unting pagliwanag ng background sa kaliwa pataas. Isinasaalang-alang ang magaan at madilim na pangkalahatang mga spot nang hiwalay, kami ay kumbinsido sa light-tonal na integridad ng komposisyon, at nakikita namin kung paano ang puting tela at ang iluminado na ibabaw ng base ng nakahiga na plorera ay humahawak sa mga pangunahing accent at lumikha ng mga kondisyon para sa ritmikong pag-aayos ng dark spots. Ang isang malaking maliwanag na lugar, kumbaga, ay unti-unting gumuho sa maliliit na kislap ng liwanag. Ang pag-aayos ng mga madilim na lugar ay itinayo ayon sa parehong pamamaraan.

Ang init at lamig ng buhay na buhay sa mga kondisyon ng halos monochrome na larawan ay napaka banayad at pinong ipinahayag nang detalyado at nahahati sa malalaking masa sa kaliwa at kanan. Upang mapanatili ang integridad ng kulay, ipinakilala ni Kheda ang mga malamig na lilim ng mga bagay sa kaliwa, "mainit" na bahagi ng larawan at, nang naaayon, mainit na mga tono sa kanan, "malamig" na bahagi.

Ang karilagan ng buhay na ito, na isang adornment ng Dresden Gallery, ay namamalagi hindi lamang sa ganap na materyalidad ng mga bagay, kundi pati na rin sa maingat na pinag-isipang komposisyon ng larawan.

2.1.2. P. Cezanne. Mga milokoton at peras. Huling bahagi ng 1880s.

Sa buhay na ito, dalawang magkasunod na sentro ang maaaring masubaybayan: una, ito ay isang puting tuwalya kung saan inilalagay ang mga prutas at pinggan, at pangalawa, mga milokoton sa isang plato sa gitna ng larawan. Kaya, ang isang maindayog na three-way na diskarte ng titig sa pokus ng larawan ay nilikha: mula sa pangkalahatang background hanggang sa tuwalya, pagkatapos ay sa mga milokoton sa plato, pagkatapos ay sa mga kalapit na peras.

Kung ikukumpara sa buhay pa ni Heda, ang gawa ni Cezanne ay may mas malawak na gamut ng kulay, kaya ang init-lamig ng buhay na buhay ay kumalat sa buong ibabaw ng larawan at mahirap paghiwalayin ang mga lokal na hanay ng mainit at malamig na mga kulay. Ang isang espesyal na lugar sa still life ay inookupahan ng isang pahilig na malawak na madilim na guhit sa background. Ito ay isang uri ng anti-dominant ng komposisyon at sa parehong oras ay binibigyang diin ang kaputian ng tela sa mga highlight at ang kadalisayan ng mga kulay sa mga anino. Ang buong istraktura ng larawan ay magaspang at may sinadyang halatang mga marka ng brush - binibigyang-diin nito ang gawa ng tao, ang pagbubunyag ng mismong proseso ng paglikha ng isang larawan. Ang aesthetics ng mga komposisyon ni Cezanne, na kalaunan ay dumating sa cubism, ay nakasalalay sa nakabubuo na pagkakalantad ng malakas na frame ng color molding ng form.

2.1.3. I. Mashkov. niyebe sa Moscow. 1924

Ang komposisyon ng still life ay may posibilidad na simetriko. Ang kapunuan ng buong espasyo ng larawan ay hindi lalampas sa frame sa kahulugan, ang komposisyon ay nakaupo nang matatag sa loob, na nagpapakita ng sarili sa alinman sa isang bilog o sa isang parisukat (ang pag-aayos ng mga tinapay). Ang kasaganaan ng pagkain, kumbaga, ay sumasabog sa mga hangganan ng larawan, kasabay nito, ang tinapay ay nag-iiwan ng isang puting plorera bilang pinuno ng kulay, na nagpangkat sa paligid nito. Makapal na puspos na kulay, siksik na materyalidad ng mga tinapay, na binibigyang-diin ng tumpak na natagpuang texture ng mga pastry, pinagsama ang mga bagay sa isang maayos na pinagsama-samang mainit na integral na lugar, na nag-iiwan sa background na gamut medyo malamig. Ang puting bahagi ng plorera ay hindi lumalabas sa eroplano, hindi ito sapat na malaki upang maging sentro ng semantiko, ngunit sapat na aktibo upang hawakan nang matatag ang komposisyon.

Mayroong dalawang madilim na pahaba na mga spot sa larawan, na matatagpuan patayo sa isa't isa: ito ay isang piraso ng nakabitin na tela sa dingding at sa ibabaw ng table top. Pinagsasama ang kulay, pinipigilan nila ang "pagkalat" ng mga bagay. Ang parehong restraining, unifying effect ay nilikha ng dalawang pahalang na guhitan ng sidewall ng shelf at countertop.

Kung ihahambing natin ang mga buhay na buhay nina Cezanne at Mashkov, tila, gamit ang mga coloristic na tagumpay ng dakilang Cezanne, lumiliko din si Ilya Mashkov sa kamangha-manghang mga coloristic ng "monochrome" Kheda. Siyempre, ito ay impresyon lamang; tulad ng isang mahusay na artist bilang Mashkov ay ganap na independyente, ang kanyang mga tagumpay ay natural na lumago mula sa kanyang artistikong kalikasan.

2.2. KOMPOSISYON NG LANDSCAPE

Mayroong isang tradisyunal na panuntunan sa landscape: ang kalangitan at ang landscape ay dapat na hindi pantay sa komposisyon ng masa. Kung ang artist ay nagtatakda bilang kanyang layunin na magpakita ng espasyo, walang hangganang espasyo, ibinibigay niya ang karamihan sa larawan sa kalangitan at binibigyang pansin ito. Kung para sa artist ang pangunahing gawain ay upang ihatid ang mga detalye ng landscape, kung gayon ang hangganan ng landscape at ang kalangitan sa larawan ay karaniwang matatagpuan mas mataas kaysa sa optical center ng komposisyon. Kung ang hangganan ay inilagay sa gitna, pagkatapos ay ang imahe ay nahahati sa dalawang bahagi, na pantay na nag-aangkin ng supremacy - ang prinsipyo ng subordination ng pangalawang sa pangunahing ay lalabag. Ang pangkalahatang pangungusap na ito ay mahusay na inilalarawan ng gawa ni P. Brueghel.

2.2.1. Pieter Brueghel the Elder. Pagbagsak ni Icarus. Mga 1560

Ang komposisyon ng landscape ay kumplikado at sa parehong oras ay napaka natural, sa unang sulyap ito ay medyo nabawasan sa detalye, ngunit sa mas malapit na pagsusuri ito ay napakahigpit na iniakma. Ang kabalintunaan ni Pieter Brueghel ay nagpakita ng sarili sa paglipat ng semantic center ng larawan (Icarus) sa paligid, at ang pangalawang karakter (plowman) sa compositional center. Ang ritmo ng madilim na mga tono ay tila random: kasukalan sa kaliwa, ulo ng mag-aararo, mga puno sa gilid ng tubig, katawan ng barko. Gayunpaman, tiyak na ang ritmong ito ang hindi nagpapahintulot sa mata ng manonood na umalis sa larawan sa kahabaan ng madilim na dayagonal na strip sa kahabaan ng madilim na gilid ng mataas na bahagi ng baybayin. Ang isa pang ritmo ay itinayo ng mga maiinit na tono ng mga magaan na seksyon ng canvas, pati na rin ng isang malinaw na dibisyon ng espasyo ng landscape sa tatlong eroplano: baybayin, dagat, kalangitan.

Sa maraming mga detalye, ang komposisyon ay pinananatili ng isang klasikong pamamaraan - isang accent ng kulay na nilikha ng pulang kamiseta ng mag-aararo. Nang walang pagpunta sa isang detalyadong paglalarawan ng mga detalye ng larawan, hindi maaaring makatulong ang isang tao na humanga sa mapanlikhang pagiging simple ng pagpapahayag ng malalim na kahulugan ng gawain: hindi napansin ng mundo ang pagbagsak ni Icarus.

2.2.2. Francesco Guardi. Isola di San Giorgio sa Venice. 1770s.

Sa mga tuntunin ng kulay, ito ay isa sa mga pinaka-kahanga-hangang mga kuwadro na gawa sa buong kasaysayan ng pagpipinta, ngunit ang pagiging perpekto ng larawan ay hindi makakamit nang walang isang magandang binuo na komposisyon na nakakatugon sa lahat ng mga klasikal na canon. Ganap na balanse na may kawalaan ng simetrya, astig na kamahalan na may dynamic na ritmo, eksaktong natagpuan na ratio ng mga masa ng kulay, mahiwagang lamig ng hangin at dagat - ito ang gawain ng isang mahusay na master.

Ang pagsusuri ay nagpapakita na ang ritmo sa komposisyon ay binuo nang patayo at pahalang at pahilis. Ang patayong ritmo ay nabuo sa pamamagitan ng mga tore, mga haligi, dibisyon ng mga dingding ng palasyo na naaayon sa mga palo ng mga bangka. Ang pahalang na ritmo ay tinutukoy ng pag-aayos ng mga bangka kasama ang dalawang haka-haka na pahalang na linya, ang paanan ng palasyo, ang mga linya ng mga bubong sa kanilang mga junction sa mga dingding. Napaka-interesante ay ang dayagonal na ritmo ng mga tuktok ng mga tore, ang simboryo, ang mga estatwa sa itaas ng portico, ang pananaw ng kanang pader, ang mga bangka sa kanang bahagi ng larawan. Upang balansehin ang komposisyon, isang alternatibong diagonal na ritmo ang ipinakilala mula sa kaliwang bangka hanggang sa gitnang simboryo ng palasyo, gayundin mula sa pinakamalapit na gondola hanggang sa tuktok ng mga palo sa kanan.

Ang mainit na kulay ng mga dingding ng palasyo at ang ginto ng sinag ng araw sa mga facade na nakaharap sa manonood nang maayos at malakas na makilala ang gusali laban sa background ng pangkalahatang mayaman na kulay ng dagat at kalangitan. Walang hangganan sa pagitan ng dagat at kalangitan - nagbibigay ito ng hangin sa buong tanawin. Ang pagmuni-muni ng palasyo sa kalmadong tubig ng bay ay pangkalahatan at ganap na walang mga detalye, na nagpapahintulot sa mga pigura ng mga rowers at sailors na hindi mawala.

2.2.3. G. Nissky. Rehiyon ng Moscow. Pebrero. 1957

Nilikha ni Nyssky ang kanyang mga gawa bilang mga purong komposisyon, hindi niya ito isinulat nang direkta mula sa kalikasan, hindi siya gumawa ng maraming paunang sketch. Kabisado niya ang mga landscape, na-absorb ang pinakamaraming katangian at detalye sa kanyang isipan, gumawa ng mental selection bago pa man magsimulang magtrabaho sa easel.

Ang isang halimbawa ng tulad ng isang pinong komposisyon ay "Podmoskovye". Ang lokalidad ng mga masa ng kulay, ang malinaw na paghihiwalay ng mahabang malamig na mga anino at ang pinkish na kaputian ng niyebe, ang mahigpit na inayos na mga silhouette ng mga puno ng fir sa gitnang lupa at ang malayong kagubatan, ang tren ng kargamento na nagmamadali sa paligid, tulad ng isang kongkretong highway na iginuhit sa kahabaan. isang pinuno - ang lahat ng ito ay lumilikha ng isang pakiramdam ng pagiging moderno, sa likod ng isang ito ay nakikita ang pang-industriya na edad, bagaman Ang liriko ng tanawin ng taglamig na may dalisay na niyebe, katahimikan sa umaga, mataas na kalangitan ay hindi nagpapahintulot sa amin na maiugnay ang larawan sa isang gawa sa isang produksyon tema:

Ang partikular na tala ay ang mga relasyon sa kulay sa background. Bilang isang patakaran, ang mga distansya ay nakasulat sa isang mas malamig na tono kaysa sa harapan, habang sa Nissky, ang malayong kagubatan ay idinisenyo sa mainit na mga kulay. Mukhang mahirap ilipat ang paksa sa lalim ng larawan na may ganoong kulay, ngunit kung bibigyan mo ng pansin ang pinkish-orange na kulay ng kalangitan, kung gayon ang artist ay kailangang lumabag sa pangkalahatang tuntunin para sa pagtatayo ng espasyo kaya na ang kagubatan ay hindi namumukod-tangi nang husto laban sa kalangitan, ngunit ito ay pinagsama-sama dito. Inilagay ng master sa harapan ang pigura ng isang skier na nakasuot ng pulang sweater. Ang maliwanag na lugar na ito na may napakaliit na lugar ay aktibong hawak ang komposisyon at binibigyan ito ng spatial na lalim. Ang paghahati ng mga pahalang na masa na nagtatagpo sa kaliwang seksyon ng larawan, ang paghahambing sa mga vertical ng mga puno ng fir ay nagbibigay sa trabaho ng isang komposisyon na drama.

2.3. KOMPOSISYON NG PORTRAIT

Ang mga artista ay binibigyang kahulugan ang isang larawan bilang isang gawa sa iba't ibang paraan. Ang ilan ay binibigyang pansin lamang ang tao, nang hindi nagpapakilala ng anumang mga detalye ng kapaligiran, nagsusulat sila sa isang neutral na background, ang iba ay nagpapakilala sa entourage sa larawan, binibigyang-kahulugan ito bilang isang larawan. Ang komposisyon sa pangalawang interpretasyon, bilang panuntunan, ay mas kumplikado, gumagamit ito ng marami sa mga pormal na paraan at pamamaraan na nabanggit kanina, ngunit kahit na sa isang simpleng imahe laban sa isang neutral na background, ang mga gawain sa komposisyon ay may tiyak na kahalagahan.

Anguisola Sofonisba. sariling larawan

2.3.1. Tintoregto. Larawan ng lalaki. 1548

Binibigyang-pansin ng artist ang lahat ng paglipat ng live na pagpapahayag ng mukha. Sa totoo lang, bukod sa ulo, walang inilalarawan sa portrait, ang mga damit at background ay napakaliit na naiiba sa kulay sa isa't isa na ang maliwanag na mukha ay ang tanging maliwanag na lugar sa trabaho. Sa sitwasyong ito, ang sukat at balanse ng komposisyon ay partikular na kahalagahan. Maingat na sinukat ng artist ang mga sukat ng frame na may balangkas ng imahe, tinukoy ang lugar ng mukha na may klasikal na katumpakan, at, sa loob ng integridad ng kulay, nililok ang mga halftone at mga anino na may maiinit na pintura. Ang komposisyon ay simple at perpekto.

2.3.2. Raphael. Larawan ng isang binata (Pietro Bembo). Mga 1505

Sa tradisyon ng High Renaissance, ang mga larawan ay nilikha laban sa backdrop ng tanawin ng Italyano. Ito ay laban sa background, at hindi sa kapaligiran ng kalikasan. Ang isang tiyak na kombensyon ng pag-iilaw, ang pagpapanatili ng sukat ng pigura na may kaugnayan sa frame, ay nagtrabaho sa mga hindi entourage na mga larawan, pinapayagan ang master na ipakita ang taong inilalarawan nang napakalapit, sa lahat ng mga detalye ng katangian. This is Raphael's Portrait of a Young Man.

Ang pigura ng dibdib ng isang binata ay komposisyon na binuo sa ritmo ng ilang mga pares ng kulay: una, ito ay isang pulang takip at ang nakikitang bahagi ng isang pulang kamiseta; pangalawa, sa kanan at sa kaliwa, isang pares ng mga dark spot na nabuo sa pamamagitan ng umaagos na buhok at isang kapa; pangatlo, ito ang mga kamay at dalawang fragment ng kaliwang manggas; pang-apat, ito ay isang strip ng puting lace collar at isang strip ng nakatiklop na papel sa kanang kamay. Ang mukha at leeg, na bumubuo ng isang karaniwang mainit na lugar, ay ang pormal at semantikong pokus ng komposisyon. Ang tanawin sa likod ng likod ng binata ay idinisenyo sa mas malamig na mga kulay at bumubuo ng isang magandang hanay sa konteksto ng pangkalahatang kulay. Ang tanawin ay hindi naglalaman ng mga pang-araw-araw na detalye, ito ay desyerto at kalmado, na nagbibigay-diin sa epikong katangian ng trabaho.

Mayroong isang detalye sa larawan na naging misteryo sa mga artista sa loob ng maraming siglo: kung ang isang maselang draftsman ay sumusubaybay sa linya ng balikat at leeg hanggang sa ulo (sa kanan), kung gayon ang leeg ay lumalabas, sa mga propesyonal na termino, na ganap na hindi nakakabit sa masa ng ulo. Ang napakahusay na eksperto sa anatomy gaya ni Raphael ay hindi makagawa ng gayong elementarya na pagkakamali. May painting si Salvador Dali na tinawag niyang "Self-portrait with a Raphaelian neck." Sa katunayan, sa hugis ng leeg ng larawan ng Raphael mayroong ilang hindi maipaliwanag na apela sa plastik.

2.3.3. K. Korovin. Larawan ng F.I. Chaliapin. 1911

Karamihan sa gawaing ito ay hindi pangkaraniwan para sa isang manonood na nagsasabing klasikal na pagpipinta. Ang format mismo ay hindi karaniwan, ang pag-uulit ng komposisyon ng pigura ng mang-aawit, ang balangkas ng talahanayan at ang shutter ay hindi karaniwan, at, sa wakas, ang kaakit-akit na pagmomodelo ng mga form na walang mahigpit na pattern ay hindi karaniwan.

Ang ritmo ng mga masa ng kulay mula sa kanang ibabang sulok (mainit na tono ng dingding at sahig) hanggang sa itaas na kaliwang sulok (berde sa labas ng bintana) ay tumatagal ng tatlong hakbang, nagbabago sa malamig na bahagi. Upang balansehin ang komposisyon at mapanatili ang integridad ng kulay, ang mga flash ng mainit na tono ay ipinakilala sa malamig na zone, at, ayon sa pagkakabanggit, ang mga malamig sa mainit na zone.

Gumagamit ang artist ng isa pang ritmo ng kulay nang detalyado: ang mga maiinit na accent ay kumikislap sa buong ibabaw ng larawan (sapatos - sinturon - salamin - mga kamay).

Ang sukat ng figure na may kaugnayan sa frame ay ginagawang posible na isaalang-alang ang entourage hindi bilang isang background, ngunit bilang isang ganap na bayani ng larawan. Ang pakiramdam ng hangin, kung saan ang mga hangganan ng mga bagay ay natutunaw, ang liwanag at mga pagmuni-muni ay lumilikha ng ilusyon ng libreng improvisasyon nang walang sinasadyang komposisyon, ngunit ang larawan ay may lahat ng mga palatandaan ng isang pormal na karampatang komposisyon. Ang panginoon ay ang panginoon.

2.4. KOMPOSISYON NG PAKSA LARAWAN 2.4.1. Raphael. Sistine Madonna. 1513

Ang pagpipinta na ito, marahil ang pinakasikat sa mundo, ay nakikipagkumpitensya dito sa katanyagan lamang na "La Gioconda" ni Leonardo da Vinci. Ang imahe ng Ina ng Diyos, maliwanag at dalisay, ang kagandahan ng mga espiritwal na mukha, ang pagiging naa-access at pagiging simple ng ideya ng gawain ay magkakasuwato na sumanib sa malinaw na komposisyon ng larawan.

Ginamit ng artist ang axial symmetry bilang isang compositional tool, kaya ipinapakita ang orihinal na pagiging perpekto at balanseng kalmado ng kaluluwang Kristiyano, na naniniwala sa panghuling tagumpay ng mabuti. Ang simetrya bilang isang paraan ng komposisyon ay binibigyang diin nang literal sa lahat ng bagay: sa pag-aayos ng mga figure at mga kurtina, sa pagliko ng mga mukha, sa balanse ng mga masa ng mga figure mismo na may kaugnayan sa mga vertical axes, sa roll call ng mga mainit na tono.

Kunin natin ang gitnang pigura. Ang sanggol sa mga bisig ng Madonna sa komposisyon ay nagpapabigat sa kaliwang bahagi, ngunit binabalanse ni Raphael ang pigura na may tumpak na kinakalkula na silhouette ng kapa. Ang pigura ng batang babae sa kanan ay medyo mas maliit sa masa kaysa sa pigura ng Sixtus sa kaliwa, ngunit ang saturation ng kulay ng kanang pigura ay mas aktibo. Mula sa punto ng view ng simetrya ng masa, maaari mong tingnan ang lokasyon ng mga mukha ng Madonna at ng sanggol na si Kristo, at pagkatapos ay sa lokasyon ng mga mukha ng mga anghel sa ilalim ng larawan. Ang dalawang pares ng mukha ay nasa antiphase.

Kung ikinonekta mo ang mga linya ng mga imahe ng mga mukha ng lahat ng mga pangunahing figure sa larawan, isang regular na rhombus ay nabuo. Ang sumusuportang binti ng Madonna ay nasa axis ng simetrya ng pagpipinta. Ang ganitong compositional scheme ay ginagawang ganap na balanse ang gawa ni Raphael, at ang pag-aayos ng mga figure at mga bagay sa isang hugis-itlog sa paligid ng optical center ay nagpapanatili ng integridad ng komposisyon kahit na may ilang hindi pagkakaisa ng mga bahagi nito.

2.4.2. A.E. Arkhipov. Sa tabi ng ilog Oka. 1890

Ang komposisyon, bukas, pabago-bago kahit na may mga static na figure, ay binuo sa kahabaan ng reverse diagonal: mula kanan hanggang itaas hanggang kaliwa. Ang bahagi ng longboat ay napupunta sa manonood, sa ilalim ng ibabang seksyon ng larawan - lumilikha ito ng pakiramdam ng aming presensya nang direkta sa mga nakaupo sa longboat. Upang maihatid ang sikat ng araw at isang malinaw na araw ng tag-araw, ginagamit ng artist bilang isang paraan ng komposisyon ang kaibahan sa pagitan ng pangkalahatang liwanag na kulay at anino na mga accent sa mga figure. Ang linear na pananaw ay nangangailangan ng pagbawas sa mga figure sa bow ng longboat, ngunit ang aerial perspective (para sa kapakanan ng ilusyon ng liblib ng baybayin) ay hindi nakabawas sa kalinawan ng mga figure sa bow kumpara sa malapit na figure, na ay, halos walang aerial perspective sa loob ng longboat. Ang balanse ng komposisyon ay tinitiyak ng kamag-anak na posisyon ng karaniwang madilim na komposisyon na hugis-itlog sa kaliwa ng gitna at ang aktibong madilim na lugar sa kanan (ang mga bahagi ng anino ng dalawang figure at pinggan). Bilang karagdagan, kung binibigyang pansin mo ang palo, pagkatapos ay matatagpuan ito sa kahabaan ng axis ng larawan, at sa kanan at kaliwa sa kalayuan ay may mga simetriko na accent ng kulay ng ilaw.

2.4.3. N. Eryshev. Baguhin. 1975

Ang komposisyon ay binuo sa ritmo ng mga vertical. Mga gusaling pang-industriya (sa pamamagitan ng paraan, napaka-kondisyonal), isang solong puno, mga pigura ng mga tao - lahat ay binibigyang diin na pinahaba paitaas, tanging sa ibabang bahagi ng larawan mayroong ilang mga pahalang na linya na nabuo ng mga kongkretong slab, tubo, at abot-tanaw. Ang pokus ng komposisyon ay isang grupo ng mga teenager na sightseers, halos simetriko na matatagpuan sa magkabilang panig ng nagtatrabaho master. Ang mga refinery, kasama ang mga puting jersey ng dalawang binatilyo, ay bumubuo ng isang patayong parihaba. Para bang nililimitahan ang parihaba na ito, inilagay ng may-akda ang dalawang kabataang nakasuot ng terracotta na damit. Ang isang uri ng symmetry ay nalikha sa pamamagitan ng paglalagay ng figure ng master sa vertical axis at ang roll call ng isang pantay na nakatayong puno na may hugis-trumpeta na istraktura sa kanan.

Ang direktang pagkakahanay, ang sinadyang kombensyon ng sitwasyon, ang malinaw na naisip na static na kalikasan ng mga figure ay maaaring maiugnay sa mga kontrobersyal na sandali sa makatotohanang paglipat ng buhay, ngunit ang gawaing ito ay nagtataglay ng mga tampok ng isang monumental na direksyon ng disenyo, kung saan ang lahat ng ito ay organic, lohikal at kailangan. Mula sa punto ng view ng komposisyon, malinaw, pormal na hindi nagkakamali na paraan ang ginagamit dito mula sa pagpapangkat hanggang sa mga ritmikong gradasyon at artikulasyon.

IKAAPAT NA BAHAGI

KOMPOSISYON AT SINING

Kaya't oras na upang pag-usapan ang tungkol sa mga katangian ng trabaho, na, sa katunayan, ang mga nagdadala ng mga aesthetic na halaga, espirituwal na kapunuan, sigla ng mga artistikong imahe. Ito ay isang banayad na bagay, mayroong maraming mailap dito, na may halong espirituwal na enerhiya ng artista, ang kanyang sariling katangian, ang kanyang saloobin sa mundo. Ang papel na ginagampanan ng komposisyon ay bumaba sa literacy, ang kakayahang ipahayag kung ano ang ipinaglihi sa wika ng kagandahan at pagkakaisa, sa kakayahang bumuo ng isang tunog at malakas na anyo.

1. GENERALISASYON AT PAGTA-type

Sa mga tradisyon ng klasikal na artistikong kasanayan, kaugalian na maiwasan ang isang tambak ng mga aksidente na sumisira sa integridad ng imahe, ang simbolikong katiyakan nito. Ang isang etude bilang isang paraan ng pagkolekta ng makatotohanang materyal, bilang katalinuhan sa kampo ng layunin na katotohanan, ay nagdadala ng labis na pag-uulat, panandalian, kung minsan ay verbose. Ang pagpili ng pinakamaraming katangian sa natapos na gawain, paggawa ng mga generalization at paglilipat ng diin, ang may-akda ay nakakamit ang pinakamalapit na pagkakahawig sa kanyang masining na ideya. Bilang resulta ng paglalahat at pagpili, ang isang tipikal na imahe ay ipinanganak, hindi isang solong, hindi random, ngunit sumisipsip ng pinakamalalim, pangkalahatan, totoo.

Kaya, ipinanganak ang isang uri ng bayani o tanawin, tulad ng, halimbawa, ang protodeacon sa larawan ng I. Repin o ang ganap na tanawin ng Russia sa mga kuwadro na gawa ng I. Levitan.

ALGORITHM NG PAGSUSURI

MGA GAWA NG SINING

Sa akademikong disiplina na "Kulturolohiya"

Ang layunin ng pag-aaral ng disiplina na "Kulturolohiya" ng mga mag-aaral ay upang bumuo ng isang pag-unawa sa sosyo-kultural na kahulugan ng hinaharap na propesyonal na aktibidad sa pagbuo ng sistematikong kaalaman tungkol sa kultura bilang isang integridad; pagpapatupad ng isang malay na pagpili ng mga halaga sa mundo ng modernong kultura.

Isa sa mga anyo ng pag-aaral ng kurso ng kultural na pag-aaral ay mga praktikal na pagsasanay. Ayon sa kurikulum, mayroong 2 sa kanila. Ang bawat praktikal na aralin ay may kasamang isang gawain, kung saan kinakailangang magbigay ng detalyado at makatwirang sagot sa pagsulat.

Ang praktikal na gawain ay ibinibigay sa guro sa araw ng pagsusulit. Kung walang natapos na praktikal na gawain, hindi pinapayagan ang mag-aaral na makapasa sa pagsusulit.

Ang bawat mag-aaral ay gumagawa ng kanilang sariling praktikal na gawain. Saklaw ng trabaho - hanggang 6 na naka-type na mga pahina sa A4 sheet, naka-print sa 1.5 na pagitan, font - Times New Roman, laki 14, lahat ng mga margin ay dapat na 2 cm. page numbering.

Ang gawain ay dapat isama:

1. Pahina ng pamagat na nagsasaad ng pangalan ng unibersidad at faculty, apelyido, inisyal ng mag-aaral, code, semestre ng pag-aaral, disiplinang pang-akademiko, lugar (lungsod) at taon ng pagsulat.

2. Ang tanong ng praktikal na gawain No. 1, isang larawan ng isang monumento ng arkitektura, pangalan, larawan, apelyido, pangalan ng arkitekto at ang iyong pahayag ng gawain.

3. Tanong ng praktikal na gawain Blg. 2, larawan ng pagpipinta, pamagat, larawan, apelyido, pangalan ng pintor at ang iyong pahayag ng gawain.

4. Listahan ng mga ginamit na literatura at mapagkukunan ng Internet, na nagpapahiwatig ng mga pahina at site. Kapag gumagamit ng mga monograph at gabay sa pag-aaral pagkatapos ng taon ng publikasyon, dapat mong ipahiwatig ang kabuuang bilang ng mga pahina sa aklat na ito. Kapag gumagamit ng mga artikulo mula sa mga diksyunaryo, encyclopedia, journal, koleksyon, dapat mong ipahiwatig ang mga pahina kung saan nai-publish ang mga artikulong ito.

Tinatayang disenyo ng isang nakasulat na pagsusuri ng isang gawa ng sining

Pagsasanay #2

Gawain: Magbigay ng makabuluhang pagsusuri sa gawain ng arkitektura ng iyong lungsod (nayon, distrito).

Ang Church of the Intercession on the Nerl (Intercession on the Nerl) ay isang puting-bato na simbahan sa rehiyon ng Vladimir ng Russia, isa at kalahating kilometro mula sa Bogolyubov.

Ito ay isang obra maestra ng arkitektura ng mundo, ang tuktok ng pagkamalikhain ng mga masters ng Vladimir sa kasagsagan ng pamunuan ng Vladimir-Suzdal.

Ang dating ng templo ayon kay N. N. Voronin ay tinanggap sa panitikan - 1165, batay sa mensahe mula sa Buhay ni Andrei Bogolyubsky na ang Church of the Intercession ay itinayo bilang memorya ng namatay na anak ng Grand Duke - Izyaslav Andreevich.

Ang simbahan ay inilaan bilang parangal sa Pista ng Pamamagitan ng Ina ng Diyos, na itinatag sa Russia noong kalagitnaan ng ika-12 siglo sa inisyatiba ni Andrei Bogolyubsky. Ito marahil ang unang Church of the Intercession sa Russia. Ayon sa alamat na nakapaloob sa Buhay ni Andrei Bogolyubsky, ang puting bato para sa pagtatayo ng simbahan ay kinuha mula sa kaharian ng Bulgar na sinakop ni Andrei Bogolyubsky. Gayunpaman, ang alamat na ito ay pinabulaanan kapwa ng mga makasaysayang katotohanan at sa pamamagitan ng katotohanan na ang bato ng Church of the Intercession ay nakikilala sa pamamagitan ng pambihirang kaputian nito (ito ang pinakamataas na kalidad ng bato ng lahat ng puting bato na mga simbahan ng Vladimir-Suzdal), at ang bato sa Volga Bulgaria ay may kulay-abo-kayumanggi na tint. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, dahil sa mababang kakayahang kumita ng Intercession Church, sinubukan ng abbot ng Bogolyubsky Monastery na lansagin ang templo para sa materyal na pagtatayo para sa pagtatayo ng monasteryo bell tower, ngunit ang kakulangan ng pondo ay hindi pinapayagan ang trabaho. Magsimula.

Ang lokasyon ng templo ay natatangi: ang Church of the Intercession ay itinayo sa isang mababang lupain, sa isang parang tubig. Noong nakaraan, malapit sa simbahan mayroong isang lugar kung saan ang Nerl ay dumadaloy sa Klyazma (ngayon ang mga riverbed ay nagbago ng kanilang posisyon). Ang simbahan ay matatagpuan halos sa "arrow" ng ilog, na ginagawa ang sangang-daan ng pinakamahalagang ruta ng kalakalan sa tubig. Ang Church of the Intercession ay itinayo sa isang burol na gawa ng tao. Ang karaniwang strip na pundasyon, na inilatag sa lalim na 1.6 m, ay ipinagpatuloy ng base ng mga pader, 3.7 m ang taas, na natatakpan ng luad na lupa ng isang artipisyal na burol na may linya na puting bato. Kaya, ang pundasyon ay napunta sa lalim na higit sa limang metro. Ang teknolohiyang ito ay naging posible upang labanan ang pagtaas ng tubig sa panahon ng pagbaha ng ilog (hanggang sa 3 m).

Mula sa templo ng XII siglo, nang walang makabuluhang pagbaluktot, ang pangunahing dami ay napanatili hanggang sa ating panahon - isang maliit, bahagyang pinahaba kasama ang longitudinal axis (mga 8 x 7 m nang hindi isinasaalang-alang ang mga apses, ang gilid ng domed square ay humigit-kumulang 3.2 m) quadrangle at ulo. Ang templo ay may uri ng cross-domed, may apat na haligi, may tatlong apse, may isang simboryo, na may mga arched-columnar belt at mga portal ng pananaw. Ang mga dingding ng simbahan ay mahigpit na patayo, ngunit dahil sa napakahusay na natagpuan na mga proporsyon, mukhang nakatagilid ang mga ito sa loob, na nakakamit ang ilusyon ng isang mas mataas na taas ng istraktura. Sa loob, ang mga haliging hugis krus ay lumiliit paitaas, na, dahil sa maliit na sukat ng templo, ay lumilikha ng karagdagang pakiramdam ng "altitude" ng interior. Ang mga dibisyon ng hilaga at timog na pader ng templo ay walang simetriko, ang silangang mga kurtina ay napakakitid. Gayunpaman, ang kabuuan ng protrusion ng mga side apses at ang lapad ng silangang mga seksyon ng mga dingding ay halos katumbas ng lapad ng mga gitnang seksyon ng mga dingding, at dahil dito, ang komposisyon ng templo ay mukhang balanse kung titingnan mula sa anumang panig. Ang multi-shaft pilasters na may mga semi-column sa panlabas na bahagi ng mga dingding ng Church of the Intercession sa Nerl ay tumutugma sa mga panloob na talim ng balikat. Ang kanilang kabuuang kapal ay halos isa at kalahating beses na mas malawak kaysa sa mga dingding, at ito ay lumilikha ng isang napakalinaw na nakabubuo na "pagguhit" ng templo.

Ang mga dingding ng simbahan ay pinalamutian ng mga inukit na relief. Ang sentral na pigura sa komposisyon ng tatlong harapan ng templo ay si Haring David na nakaupo sa isang trono na may salterio (may kuwerdas na instrumentong pangmusika) sa kanyang kaliwang kamay, na binabasbasan ng kanyang kanang kamay gamit ang dalawang daliri. Ginagamit din sa disenyo ang mga leon, ibon at babaeng maskara. Ang orihinal na panloob na mga pagpipinta ng templo ay ganap na nawala (natumba sa panahon ng pagsasaayos noong 1877). Ang pagpipino ng mga proporsyon at ang pangkalahatang pagkakaisa ng templo ay napansin ng maraming mga mananaliksik; madalas ang Church of the Intercession ay tinatawag na pinakamagandang templo ng Russia.

Ang maliwanag na imahe ng magandang templo ay sumasalamin sa malalim na kalungkutan ng prinsipe ng Russia para sa kanyang namatay na anak. Sa akin, ang kanyang pagmumuni-muni ay nagdudulot ng isang pakiramdam ng tahimik na kalungkutan at kapayapaan.

Ang ibabaw ng tubig, baha na parang at mahimalang lumalaki sa ibabaw ng kanilang kalawakan sa lahat ng walang katapusang biyaya nito, kumikinang na may nakasisilaw na kaputian, isang magaan na templong may isang simboryo (na medyo bihira para sa mga templo), ay pumukaw sa akin ng kaugnayan sa isang kandila.

Mga Halimbawang Tanong para sa Pagsusuri ng isang Akda ng Sining

Emosyonal na antas:

Anong impresyon ang ginagawa ng trabaho?

Anong mood ang sinusubukang ipahiwatig ng may-akda?

Anong mga sensasyon ang maaaring maranasan ng manonood?

Ano ang katangian ng gawain?

Paano nakakatulong ang sukat, format, pahalang, patayo o dayagonal na pag-aayos ng mga bahagi, ang paggamit ng ilang partikular na anyo ng arkitektura, ang paggamit ng ilang mga kulay sa larawan at ang pamamahagi ng liwanag sa monumento ng arkitektura ay nakakatulong sa emosyonal na impresyon ng akda?

Antas ng paksa:

Ano (o sino) ang nasa larawan?

Ano ang nakikita ng manonood kapag nakatayo sa harap ng harapan? Sa loob?

Sino ang nakikita mo sa eskultura?

I-highlight ang pangunahing bagay mula sa iyong nakita.

Subukang ipaliwanag kung bakit tila ito ang pangunahing bagay para sa iyo?

Sa paanong paraan ang artista (arkitekto, kompositor) ay nag-iisa sa pangunahing bagay?

Paano nakaayos ang mga bagay sa akda (komposisyon ng paksa)?

Paano iginuhit ang mga pangunahing linya sa akda (linear composition)?

Paano inihahambing ang mga volume at espasyo sa isang istrukturang arkitektura (komposisyon ng arkitektura)?

Antas ng kwento:

Subukang isalaysay muli ang balangkas ng larawan.

Subukang isipin kung anong mga kaganapan ang maaaring mangyari nang mas madalas sa istrukturang arkitektura na ito.

Ano ang magagawa (o masasabi) ng iskulturang ito kung ito ay nabubuhay?

Simbolikong antas:

May mga bagay ba sa akda na sumasagisag sa isang bagay?

Mayroon bang simbolikong katangian ang komposisyon ng gawain at ang mga pangunahing elemento nito: pahalang, patayo, dayagonal, bilog, hugis-itlog, kulay, kubo, simboryo, arko, vault, dingding, tore, spire, kilos, pose, damit, ritmo, timbre , atbp.?

Ano ang pamagat ng akda? Paano ito nauugnay sa balangkas at simbolismo nito?

Ano sa palagay mo ang gustong iparating ng may-akda ng akda sa mga tao?

Pinagmulan: internet

Magplano para sa pagsusuri ng isang pagpipinta

2. Estilo, direksyon.

3. Uri ng pagpipinta: easel, monumental (fresco, tempera, mosaic).

4. Pagpili ng materyal (para sa easel painting): mga pintura ng langis, watercolor, gouache, pastel. Mga katangian ng paggamit ng materyal na ito para sa artist.

5. Genre ng pagpipinta (portrait, landscape, still life, historical painting, panorama, diorama, iconography, marina, mythological genre, everyday genre). Mga katangian ng genre para sa mga gawa ng artist.

6. Kaakit-akit na balangkas. Simbolikong nilalaman (kung mayroon man).

7. Mga magagandang katangian ng gawain:

Kulay;

liwanag;

Dami;

pagiging patag;

pangkulay;

Artistic space (ang puwang na binago ng artist);

Linya.

8. Mga Detalye.

9. Personal na impresyon na natanggap kapag tinitingnan ang gawa.

Plano ng pagsusuri sa gawaing iskultura

2. Estilo, direksyon.

3. Uri ng iskultura: bilog na iskultura, monumental na iskultura, maliit na plastik, relief at iba't-ibang nito (bas-relief, high relief), sculptural portrait, herma, atbp.

4. Pagpili ng modelo (talagang umiiral na tao, hayop, pantasiya ng artist, alegorikong larawan).

5.Plastika (body language), light at shade modeling.

6. Pakikipag-ugnayan sa kapaligiran: kulay ng iskultura

(pangkulay) at background ng kulay ng kapaligiran, mga epekto sa pag-iilaw (backlight); iskultura bilang isang elemento ng arkitektura, isang free-standing na estatwa, atbp.

7. Pagpili ng materyal at kondisyon nito (marmol, granite, kahoy, tanso, luad, atbp.).

8.Pambansang katangian.

9. Personal na pang-unawa sa monumento.

Plano ng pagtatasa ng gawaing arkitektura

2. Estilo, direksyon. Arkitektura ng malaki o maliit na anyo.

3. Ilagay sa ensemble ng arkitektura (pagsasama, paghihiwalay,

ugnayan sa landscape, ang papel ng isang organikong detalye, atbp.). Tectonics: mga sistema sa dingding, pagmamason, rack at nahulog

istraktura, istraktura ng frame, istraktura ng vaulted, moderno

spatial na istraktura (nakatiklop, turnilyo, atbp.).

4. Ang materyal na ginamit at ang pakikilahok nito sa paglikha ng isang espesyal na hitsura ng arkitektura. Ang likas na katangian ng kanyang trabaho sa istraktura (mga haligi - dinadala nila, mga vault ng tagsibol, pahinga ng mga cornice, tumaas ang mga arko, korona ng domes, atbp.).

5. Ang orihinalidad ng wikang arkitektura sa isang partikular na akda,

ipinahayag sa pamamagitan ng:

Symmetry, dissymmetry, asymmetry;

Ritmo ng mga bahagi, mga detalye;

Dami (flattened, patayo na makitid, kubiko, atbp.);

Mga proporsyon (pagkakaisa ng mga detalye at bahagi);

Contrast (pagsalungat ng mga form);

Silweta (mga panlabas na tabas);

Scale (relasyon sa isang tao); Ang isa pang pamamaraan para sa pagsusuri ng larawan, na iminungkahi ni A. Melik-Pashaev. Sa aking mga aralin, madalas kong ginagamit ito kapag nag-aaral ng mga makasaysayang at pang-araw-araw na genre. Iminumungkahi ko na maingat na isaalang-alang ng mga bata ang larawan, habang pinangalanan ko ang may-akda nito, ngunit huwag ipahiwatig ang pamagat. Pagkatapos ay iminumungkahi kong sagutin ang mga iminungkahing tanong sa pamamagitan ng pagsulat. Hindi sinasagot ng mga bata ang tanong No. 3 sa pamamagitan ng pagsulat, tinatalakay namin ang lahat ng ito. Paunang iniisip ko ang mga nangungunang tanong na makakatulong sa mga bata na mas ganap na maihayag ang balangkas ng larawan at magbigay ng malalim na mga sagot sa iba pang mga tanong.

Mga tanong para sa larawan:

1. Paano mo tatawagin ang larawang ito?

2. Gusto mo ba ang larawan o hindi?

3. Sabihin sa amin ang tungkol sa larawang ito upang ang isang taong hindi nakakaalam nito ay makakuha ng ideya tungkol dito.

4. Anong mood ang dulot ng larawang ito sa iyo?

7. May gusto ka bang idagdag o baguhin sa iyong sagot sa unang tanong?

8. Balikan ang sagot sa pangalawang tanong. Nanatiling pareho ba ang iyong pagtatasa o nagbago ba ito? Bakit labis mong pinahahalagahan ang larawan?

Glossary ng mga pangunahing konsepto .... 419

ART ANALYSIS

MGA HALIMBAWA NA TANONG AT DIAGRAM

Isang gawain ng arkitektura

Kapag sinusuri ang mga gawa ng arkitektura, kinakailangang isaalang-alang ang mga tampok ng arkitektura bilang isang anyo ng sining. Ang arkitektura ay isang anyo ng sining, na ipinapakita sa masining na katangian ng isang gusali. Samakatuwid, dapat suriin ang hitsura, sukat, at anyo ng istraktura.

1. Anong mga bagay sa pagtatayo ang nararapat pansinin?

2. Sa tulong ng anong mga pamamaraan at paraan ang mga ideya ng may-akda ay ipinahayag sa akdang ito?

3. Ano ang impresyon ng piyesa?

4. Anong sensasyon ang maaaring maranasan ng tatanggap (perceiver)?

5. Paano nakakatulong ang sukat, pormat, pahalang, patayo o dayagonal na pag-aayos ng mga bahagi, ang paggamit ng ilang partikular na anyo ng arkitektura, ang pamamahagi ng liwanag sa isang monumento ng arkitektura sa emosyonal na impresyon ng akda?

6. Ano ang nakikita ng bisita kapag nakatayo sa harap ng harapan?

7. Subukang ipaliwanag kung bakit tila ito ang pangunahing bagay para sa iyo?

8. Sa anong paraan itinatampok ng arkitekto ang pangunahing bagay? Ilarawan ang mga pangunahing masining na paraan at pamamaraan para sa paglikha ng isang imaheng arkitektura (symmetry, ritmo, proporsyon, liwanag at lilim at pagmomodelo ng kulay, sukat).

9. Paano nakaayos ang mga volume at espasyo sa isang istrukturang arkitektura (komposisyong arkitektura)?

10. Ilarawan ang pag-aari ng bagay na ito sa isang tiyak na uri ng arkitektura: tatlong-dimensional na istruktura (pampubliko: tirahan, pang-industriya); landscape (landscape o maliliit na anyo), urban planning.

11. Subukang isipin kung anong mga kaganapan ang maaaring mangyari nang mas madalas sa istrukturang ito ng arkitektura.

12. May simbolikong katangian ba ang komposisyon ng akda at ang mga pangunahing elemento nito: simboryo, arko, vault, pader, tore, kalmado?

13. Ano ang pamagat ng akda? At ano ang ipapangalan mo dito?

14. Tukuyin ang pag-aari ng gawaing ito sa panahon ng kultura at kasaysayan, istilo ng sining, direksyon.

16. Paano nauugnay ang anyo at nilalaman ng gawaing ito?

17. Ano ang kaugnayan sa pagitan ng panlabas at panloob na anyo ng istrukturang arkitektura na ito? Nagkakabagay ba ito sa kapaligiran?

18. Anong sagisag, sa iyong palagay, ang natagpuan ng pormula ni Vitruvius sa gawaing ito: pagiging kapaki-pakinabang, lakas, kagandahan?

19. Nagamit na ba ang iba pang uri ng sining sa disenyo ng anyo ng bagay na ito sa arkitektura? alin? Sa tingin mo ba ay makatwiran ang pagpili ng may-akda?

Pagpipinta ng trabaho

Upang abstract mula sa salaysay-araw-araw na pang-unawa, tandaan na ang larawan ay hindi isang window sa mundo, ngunit isang eroplano kung saan ang ilusyon ng espasyo ay maaaring malikha sa pamamagitan ng pagpipinta. Samakatuwid, mahalagang pag-aralan muna ang mga pangunahing parameter ng trabaho.

1. Sukat ng painting (monumental, easel, miniature)?

2. Ang format ng larawan: isang pahalang o patayong pahabang parihaba (maaaring may isang bilugan na dulo), isang parisukat, isang bilog (tondo), isang hugis-itlog?

3. Sa anong pamamaraan (tempera, langis, watercolor, atbp.) at sa anong batayan (kahoy, canvas, atbp.) ginawa ang pagpipinta?

4. Mula sa anong distansya ito pinakamahusay na nakikita?

Pagsusuri ng imahe.

5. May balangkas ba sa larawan? Ano ang ipinapakita? Sa anong kapaligiran matatagpuan ang mga itinatanghal na karakter, mga bagay?

6. Batay sa pagsusuri ng larawan, gumawa ng konklusyon tungkol sa genre (portrait, landscape, still life, hubo't hubad, araw-araw na buhay, mythological, religious, historical, animalistic).

7. Sa iyong palagay, anong gawain ang nilulutas ng pintor - biswal? nagpapahayag? Ano ang antas ng kumbensyon o naturalismo ng imahe? Ang conventionality ba ay nauukol sa idealization o patungo sa expressive distortion?

Pagsusuri ng komposisyon

8. Anu-ano ang mga bahagi ng komposisyon? Ano ang ratio ng object ng imahe at background / space sa canvas ng larawan?

9. Gaano kalapit sa picture plane ang mga bagay sa larawan?

10. Anong anggulo ng view ang pinili ng artist - mula sa itaas, sa ibaba, i-flush sa mga itinatanghal na bagay?

11. Paano natutukoy ang posisyon ng manonood - kasangkot ba siya sa pakikipag-ugnayan sa inilalarawan sa larawan, o itinalaga ba sa kanya ang papel ng isang hiwalay na nagmumuni-muni?

12. Matatawag bang balanse, static, o dynamic ang komposisyon? Kung may paggalaw, paano ito itinuro?

13. Paano binuo ang espasyo ng larawan (flat, walang katiyakan, ang spatial layer ay nabakuran, malalim na espasyo ay nilikha)? Dahil sa kung ano ang ilusyon ng spatial depth na nakamit (pagkakaiba sa laki ng mga itinatanghal na figure, na nagpapakita ng dami ng mga bagay o arkitektura, gamit ang mga gradasyon ng kulay)?

Pagsusuri sa pagguhit.

14. Paano binibigkas ang linear na simula sa larawan?

15. Binibigyang-diin o pinakinis ba ang mga contour na naglilimita sa mga indibidwal na bagay? Sa paanong paraan nakakamit ang epektong ito?

16. Hanggang saan ipinapahayag ang dami ng mga bagay? Anong mga diskarte ang lumikha ng ilusyon ng lakas ng tunog?

17. Anong papel ang ginagampanan ng liwanag sa isang pagpipinta? Ano ito (makinis, neutral; contrasting, sculpting volume; mystical)? Nababasa ba ang pinagmulan/direksyon ng ilaw?

18. Nababasa ba ang mga silhouette ng mga itinatanghal na figure/object? Gaano sila kapahayag at kahalaga sa kanilang sarili?

19. Gaano ka detalyado (o vice versa generalised) ang imahe?

20. Naililipat ba ang iba't ibang mga texture ng mga itinatanghal na ibabaw (katad, tela, metal, atbp.)?

Pagsusuri ng kulay.

21. Ano ang papel na ginagampanan ng kulay sa larawan (ito ba ay nasa ilalim ng pagguhit at dami, o kabaligtaran, ito ba ay nagpapasakop sa pagguhit sa sarili nito at bumubuo ng komposisyon mismo)?

22. Ang kulay ba ay pangkulay lang ng volume o iba pa? Ito ba ay optically faithful o expressive?

23. Nakikilala ba ang mga hangganan ng mga color spot? Nag-tutugma ba sila sa mga hangganan ng mga volume at bagay?

24. Gumaganap ba ang artist na may malalaking masa ng kulay o maliliit na stroke?

25. Paano isinusulat ang mainit at malamig na mga kulay, gumagamit ba ang pintor ng kumbinasyon ng mga pantulong na kulay? Bakit niya ito ginagawa? Paano inililipat ang mga pinaka-iluminado at malilim na lugar?

26. Mayroon bang glare, reflexes? Paano isinusulat ang mga anino (bingi o transparent, may kulay ba sila)? Mayroon bang nangingibabaw na kumbinasyon ng kulay/kulay?

Iba pang mga Opsyon

1. Anong mga bagay ng emosyonal na saloobin ng may-akda sa bagay (katotohanan, pangyayari, kababalaghan) ang nararapat pansinin?

2. Tukuyin kung ang gawaing ito ay kabilang sa genre ng pagpipinta (historical, portrait, still life, battle, other).

3. Sa tulong ng anong mga pamamaraan at paraan ang mga ideya ng may-akda ay ipinahayag sa akdang ito?

4. Ano ang impresyon ng piyesa?

7. Paano nakakatulong ang paggamit ng ilang mga kulay sa emosyonal na impresyon?

8. Ano ang ipinapakita sa larawan?

9. I-highlight ang pangunahing bagay mula sa iyong nakita.

10. Subukang ipaliwanag kung bakit tila ito ang pangunahing bagay para sa iyo?

11. Sa anong paraan itinatampok ng pintor ang pangunahing bagay?

12. Paano inihahambing ang mga kulay sa akda (kulay komposisyon)?

13. Subukang isalaysay muli ang balangkas ng larawan.

14. May mga balangkas ba sa akda na sumasagisag sa isang bagay?

15. Ano ang pamagat ng akda? Paano ito nauugnay sa balangkas at simbolismo nito?

16. May simbolikong katangian ba ang komposisyon ng akda at ang mga pangunahing elemento nito: pahalang, patayo, dayagonal, bilog, hugis-itlog, kulay, kubo?

gawa ng iskultura

Kapag sinusuri ang mga gawa ng iskultura, kinakailangang isaalang-alang ang sariling mga parameter ng iskultura bilang isang anyo ng sining. Ang iskultura ay isang anyo ng sining kung saan ang isang tunay na three-dimensional na volume ay nakikipag-ugnayan sa nakapalibot na three-dimensional na espasyo. Samakatuwid, dapat suriin ang dami, espasyo at kung paano sila nakikipag-ugnayan.

1. Ano ang impresyon ng piyesa?

3. Ano ang katangian ng gawain?

4. Anong mga bagay ng emosyonal na saloobin ng may-akda sa bagay (katotohanan, pangyayari, kababalaghan) ang nararapat pansinin?

5. Sa tulong ng anong mga pamamaraan at paraan ang mga ideya ng may-akda ay ipinahayag sa akdang ito?

6. Ano ang sukat ng eskultura? Ang laki ng isang iskultura (monumental, easel, miniature) ay nakakaapekto sa pakikipag-ugnayan nito sa espasyo.

7. Anong genre ang kinabibilangan ng iskulturang ito? Para saan ito?

8. Ilarawan ang orihinal na materyal na ginamit ng may-akda, ang mga tampok nito. Anong mga tampok ng iskultura ang idinidikta ng materyal nito (bakit napili ang materyal na ito para sa gawaing ito)? Ang mga katangian ba nito ay pare-pareho sa ideya ng trabaho? Posible bang ipakita ang parehong gawain mula sa iba pang mga materyales? Ano kaya ito?

9. Ano ang texture ng sculpted surface? Homogeneous o iba sa iba't ibang bahagi? Ang mga makinis o "sketchy" na mga bakas ng pagpindot ng mga tool ay nakikita, parang natural, may kondisyon. Paano nauugnay ang texture na ito sa mga katangian ng materyal? Paano nakakaapekto ang texture sa perception ng silhouette at volume ng isang sculptural form?

10. Paano nakakatulong ang sukat, pormat, pahalang, patayo o dayagonal na pagkakaayos ng mga bahagi sa emosyonal na impresyon ng akda?

11. Ano ang papel ng kulay sa eskultura? Paano nakikipag-ugnayan ang dami at kulay, paano sila nakakaimpluwensya sa isa't isa?

12. Sino (ano) ang nakikita mo sa eskultura?

13. I-highlight ang pinakamahalaga, lalo na mahalaga sa iyong nakita.

14. Subukang ipaliwanag kung bakit ito tila sa iyo ang pinakamahalaga, lalo na mahalaga?

15. Sa anong paraan itinatampok ng iskultor ang pangunahing bagay?

16. Paano nakaayos ang mga bagay sa akda (komposisyon ng paksa)?

17. Sa anong espasyo matatagpuan ang gawain (sa templo, sa parisukat, sa bahay, atbp.)? Para sa anong punto ng pang-unawa ito idinisenyo (mula sa malayo, mula sa ibaba, malapit)? Ito ba ay bahagi ng isang arkitektural o sculptural ensemble o ito ba ay isang malayang gawain?

18. Ang iskultura ba ay idinisenyo para sa mga nakapirming viewpoints, o ito ba ay ganap na nahahayag kapag naglalakad sa paligid? Ilang mga natapos na nagpapahayag na silhouette ang mayroon siya? Ano ang mga ito (sarado, compact, geometrically correct o picturesque, open)? Paano sila nauugnay sa isa't isa?

19. Ano ang magagawa (o masasabi) ng iskulturang ito kung ito ay nabubuhay?

20. Ano ang pamagat ng akda? Ano ang kahulugan nito (pangalan), ano sa palagay mo? Paano ito nauugnay sa balangkas at simbolismo?

21. Ano ang interpretasyon ng motif (naturalistic, conditional, dictated by the canon, dictated by the place occupied by the sculpture in its architectural environment, or some other)?

22. Anong mga ideolohikal na posisyon, sa iyong palagay, ang nais iparating ng may-akda ng akda sa mga tao?

23. Nararamdaman mo ba ang impluwensya ng ilang iba pang uri ng sining sa akda: arkitektura, pagpipinta?

24. Sa iyong palagay, bakit mas mainam na tingnan ang eskultura nang direkta, at hindi sa mga litrato o reproductions? Pangatwiranan ang iyong sagot.

Mga bagay ng sining at sining

Kapag sinusuri ang mga bagay ng pandekorasyon at inilapat na sining, dapat itong alalahanin na pangunahing nilalaro nila ang isang inilapat na papel sa buhay ng tao at hindi palaging nagdadala ng isang aesthetic function. Kasabay nito, ang hugis ng bagay, ang mga functional na tampok nito ay nakakaapekto sa likas na katangian ng imahe.

1. Para saan ang naturang item?

2. Ano ang mga sukat nito?

3. Paano matatagpuan ang palamuti ng bagay? Saan matatagpuan ang mga zone ng matalinhaga at ornamental na mga dekorasyon? Paano nauugnay ang paglalagay ng mga imahe sa hugis ng bagay?

4. Anong uri ng palamuti ang ginagamit? Sa anong mga bahagi ng bagay sila matatagpuan?

5. Saan matatagpuan ang mga matalinghagang larawan? Gumagamit ba sila ng mas maraming espasyo kaysa sa mga ornamental, o isa lamang sila sa mga ornamental register?

6. Paano binuo ang isang rehistro na may mga matalinghagang larawan? Posible bang sabihin na ang mga libreng diskarte sa komposisyon ay ginagamit dito o ang prinsipyo ng juxtaposition ay ginagamit (mga figure sa magkaparehong poses, minimum na paggalaw, ulitin ang bawat isa)?

7. Paano inilalarawan ang mga pigura? Ang mga ito ba ay mobile, nagyelo, naka-istilo?

8. Paano inililipat ang mga detalye ng mga numero? Mas natural ba o ornamental ang hitsura nila? Anong mga diskarte ang ginagamit upang ilipat ang mga numero?

9. Tingnan, kung maaari, sa loob ng bagay. Mayroon bang imahe at palamuti? Ilarawan ang mga ito ayon sa diagram sa itaas.

10. Anong pangunahin at pangalawang kulay ang ginagamit sa paggawa ng mga palamuti at mga pigura? Ano ang tono ng luwad mismo? Paano ito nakakaapekto sa katangian ng imahe - ginagawa ba itong mas ornamental o, sa kabaligtaran, mas natural?

11. Subukang gumawa ng konklusyon tungkol sa mga indibidwal na pattern ng ganitong uri ng sining at sining.

Mga Algorithm ng Pagsusuri ng Sining

Ang pangunahing kondisyon para sa pagtatrabaho ayon sa algorithm na ito ay ang katotohanan na ang pangalan ng larawan ay hindi dapat malaman sa mga nagsasagawa ng trabaho.

Ano ang ipapangalan mo sa painting na ito?

Gusto mo ba ang larawan o hindi? (Ang sagot ay dapat na malabo).

Sabihin ang tungkol sa larawang ito upang ang isang taong hindi nakakaalam nito ay makakuha ng ideya tungkol dito.

Anong mga damdamin ang dulot ng larawang ito sa iyo?

May gusto ka bang idagdag o baguhin sa iyong sagot sa unang tanong?

Bumalik sa pangalawang tanong. Nanatiling pareho ba ang iyong pagtatasa o nagbago ba ito? Bakit mo gaanong nire-rate ang larawang ito ngayon?

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng sining

Kahulugan ng pamagat ng pagpipinta.

Kaakibat ng genre.

Mga tampok ng balangkas ng larawan. Mga dahilan para sa pagpipinta. Maghanap ng sagot sa tanong: naihatid ba ng may-akda ang kanyang intensyon sa manonood?

Mga tampok ng komposisyon ng larawan.

Ang pangunahing paraan ng artistikong imahe: kulay, pagguhit, texture, chiaroscuro, estilo ng pagsulat.

Ano ang impresyon ng gawaing sining na ito sa iyong damdamin at kalooban?

Saan matatagpuan ang piece of art na ito?

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng arkitektura

Ano ang nalalaman tungkol sa kasaysayan ng paglikha ng isang istrukturang arkitektura at ang may-akda nito?

Ipahiwatig ang pag-aari ng gawaing ito sa panahon ng kultura at kasaysayan, istilo ng artistikong, direksyon.

Anong embodiment ang nakita ng pormula ni Vitruvius sa gawaing ito: lakas, pakinabang, kagandahan?

Ipahiwatig ang mga masining na paraan at pamamaraan para sa paglikha ng isang imaheng arkitektura (symmetry, ritmo, proporsyon, liwanag at lilim at pagmomodelo ng kulay, sukat), tectonic system (post-beam, lancet-arch, arch-dome).

Ipahiwatig ang pag-aari sa uri ng arkitektura: tatlong-dimensional na istruktura (pampubliko: tirahan, pang-industriya); landscape (landscape o maliliit na anyo); pagpaplano ng lunsod.

Ipahiwatig ang koneksyon sa pagitan ng panlabas at panloob na hitsura ng isang istraktura ng arkitektura, ang koneksyon sa pagitan ng gusali at ang kaluwagan, ang likas na katangian ng tanawin.

Paano ginagamit ang iba pang uri ng sining sa disenyo ng hitsura nito sa arkitektura?

Ano ang impresyon sa iyo ng trabaho?

Anong mga asosasyon ang pinupukaw ng masining na imahe at bakit?

Saan matatagpuan ang arkitektura?

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng iskultura

Ang kasaysayan ng paglikha ng gawain.

Nabibilang sa artistikong panahon.

Ang kahulugan ng pamagat ng akda.

Nabibilang sa mga uri ng sculpture (monumental, memorial, easel).

Ang paggamit ng materyal at ang pamamaraan ng pagproseso nito.

Mga sukat ng iskultura (kung mahalagang malaman).

Ang hugis at sukat ng pedestal.

Saan matatagpuan ang iskulturang ito?

Ano ang impresyon ng gawaing ito sa iyo?

Anong mga asosasyon ang pinupukaw ng masining na imahe at bakit?

Isang pagsusuri sa kasaysayan ng pelikula.

Unang bahagi ng pagsusuri. Kasaysayan ng hitsura. Ideya ng direktor. Nagtatrabaho sa screenwriter at cameraman.

1. Pagsusuri sa mga tauhan ng mga bayani.

Ang saturation ng pelikula sa mga tauhan. Mga katangian ng mga pangunahing tauhan (mga detalye ng personipikasyon). Mga katangian ng pangalawang karakter (ang kanilang mga tungkulin na may kaugnayan sa mga pangunahing tauhan, sa aksyon ng pelikula). Ang gawain ng mga aktor sa papel. Pagsusuri ng laro ng aktor.

2. Pagsusuri ng pelikula bilang repleksyon ng pagiging subjectivity ng direktor

Ang masining na sinehan bilang isang malayang gawa ng sining. May-akda, i.e. posisyon ng direktor (madalas na ito ay nagpapakita ng sarili sa kanyang pakikipanayam, mahahanap mo ito sa mga panayam, mga memoir, mga artikulo ng mga kalahok sa paglikha ng sinehan). Ang impluwensya ng mga totoong pangyayari sa kanyang personal at panlipunang buhay sa pelikula. Pagninilay ng panloob na mundo ng direktor.

Praktikal na aralin bilang 1.

Gawain: Magbigay ng makabuluhang pagsusuri sa architectural monument ng iyong lungsod (nayon).

PLANO NG PAGSUSURI NG MONUMENT OF ARCHITECTURE.

Pangalan.

Lokasyon ng lokasyon.

(mga) Arkitekto.

4. Layunin ng gusali:

a) kaluwagan:

malalim,

Matambok: bas-relief; mataas na kaluwagan.

b) sa pamamagitan ng appointment: kulto; sekular.

c) sa pamamagitan ng paggamit:

malaya,

Bahagi ng ensemble ng arkitektura

Bahagi ng dekorasyong arkitektura ng gusali;

d) ayon sa genre:

Portrait: bust; sa buong paglaki; eksena sa genre.

Ang materyal kung saan ginawa ang gawain.

Degree ng pangangalaga at atensyon sa detalye.

7. Ano ang mas binibigyang pansin (mga tampok):

pagkakatulad

pampalamuti,

Pagpapakita ng panloob na estado ng isang tao,

Kahit anong ideya.

Naaayon ba ito sa canon, kung ito ay.

9. Lugar:

Paggawa,

Nasaan na ngayon.

Estilo, direksyon o panahon ng pag-unlad ng eskultura at ang pagpapakita nito sa isang naibigay na akda.

11. Ang iyong saloobin sa monumento. Pangatwiranan ang iyong opinyon.

Algorithm para sa pagsusuri ng isang gawain ng arkitektura.

1. Ano ang nalalaman tungkol sa kasaysayan ng paglikha ng isang istrukturang arkitektura at ang may-akda nito?

2. Ipahiwatig ang pag-aari ng gawaing ito sa panahon ng kultura at kasaysayan, istilo ng sining, direksyon.

3. Anong embodiment ang nakita ng formula ni Vitruvius sa gawaing ito: lakas, pakinabang, kagandahan?

4. Ipahiwatig ang mga masining na paraan at pamamaraan para sa paglikha ng isang imaheng arkitektura (simetrya, ritmo, proporsyon, liwanag at lilim at pagmomodelo ng kulay, sukat), tectonic system (post-beam, lancet-arch, arch-dome).

5. Ipahiwatig ang pag-aari sa uri ng arkitektura: tatlong-dimensional na istruktura (pampubliko: tirahan, pang-industriya); landscape (landscape o maliliit na anyo); pagpaplano ng lunsod.

6. Ituro ang koneksyon sa pagitan ng panlabas at panloob na anyo ng isang istraktura ng arkitektura, ang koneksyon sa pagitan ng gusali at ang relief, ang likas na katangian ng tanawin.

7. Paano ginagamit ang iba pang uri ng sining sa disenyo ng arkitektural na anyo nito?

8. Ano ang impresyon sa iyo ng akda?

10. Saan matatagpuan ang istrukturang arkitektura?

Halimbawa para sa gawaing ito: tingnan ang Appendix 1.

Praktikal na aralin bilang 2.

Gawain: Magbigay ng makabuluhang pagsusuri sa isang pagpipinta ng isang pintor mula sa iyong lungsod (nayon).

Plano ng pagsusuri para sa isang pagpipinta:

1. Pangalan.

2. Nabibilang sa isang kultural at makasaysayang panahon, istilo.

4. Ang kasaysayan ng paglikha ng gawain.

5. Ang kahulugan ng pangalan. Mga tampok ng plot. kabilang sa genre.

6. Komposisyon (kung ano ang inilalarawan, kung paano matatagpuan ang mga elemento ng larawan, dinamika, ritmo).

7. Ang pangunahing paraan ng masining na pagpapahayag (kulay, linya, chiaroscuro, texture, paraan ng pagsulat).

8. Ang iyong mga personal na impression.

Algorithm para sa pagsusuri ng mga gawa ng sining.

2. Nabibilang sa panahon ng sining.

3. Ang kahulugan ng pangalan ng larawan.

4. Kaakibat ng genre.

5. Mga katangian ng balangkas ng larawan. Mga dahilan para sa pagpipinta. Maghanap ng sagot sa tanong: naihatid ba ng may-akda ang kanyang intensyon sa manonood?

6. Mga katangian ng komposisyon ng larawan.

7. Ang pangunahing paraan ng isang masining na imahe: kulay, pagguhit, texture, chiaroscuro, estilo ng pagsulat.

8. Ano ang impresyon ng gawaing sining na ito sa iyong damdamin at kalooban?

9. Anong mga asosasyon ang pinupukaw ng masining na imahe at bakit?

10. Saan matatagpuan ang sining na ito?

Halimbawa para sa gawaing ito: tingnan ang Appendix 2.

ATTACHMENT 1.

Pagsusuri ng monumento ng arkitektura - St. Isaac's Cathedral.

Ang St. Isaac's Cathedral ay isang namumukod-tanging monumento ng arkitektura ng Russia noong ika-19 na siglo at isa sa mga pinakadakilang domed na istruktura sa mundo, na mas mababa sa laki kaysa sa mga katedral ng St. Peter sa Roma, St. Paul sa London at Santa Maria del Fiore sa Florence.

Ang grandiosity ng templong ito ay tinutukoy ng mga sukat nito: taas 101.5 m; haba 111.2 m; lapad 97.6 m.

Ang katedral ay isa sa mga nangingibabaw sa St. Petersburg at ang pangalawang pinakamataas na gusali pagkatapos ng Peter and Paul Cathedral. Ang monumental at marilag na imahe nito ay lumilikha ng kakaibang accent sa skyline ng lungsod at nagsisilbing parehong tanda ng hilagang kabisera bilang spire ng Peter and Paul Fortress Cathedral at ang gintong bangka ng Admiralty.

Simbahan ng St. Ang St. Isaac ng Dalmatia ay isa sa pinakamalaki, pinaka-kumplikado at kawili-wiling mga gusali na nakumpleto ang pag-unlad ng klasisismo - ang istilo ng arkitektura na nangibabaw sa Russia sa ikalawang kalahati ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo.

Ang oras ng disenyo ng katedral ay kasabay ng kasagsagan ng klasiko ng Russia, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng monumentality, kadakilaan, mahigpit na proporsyon, koneksyon sa mga nakapaligid na gusali. Ang mga arkitekto ay madalas na bumaling sa mga tradisyon ng unang panahon, ginamit ang mga motif ng Sinaunang Greece at Roma, ang Italian Renaissance. Gayunpaman, sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo, nagkaroon ng unti-unting pagbaba sa istilong ito, na ipinakita sa paglabag sa kadalisayan nito at sa pagtanggi na mapanatili ang pagkakaisa at integridad ng arkitektura at masining na imahe, sa labis na dekorasyon na hindi nauugnay sa ang mga tampok na istruktura ng mga gusali. Ang mga tampok na ito ay minarkahan ang simula ng isang eclectic trend sa arkitektura, na coincided sa oras sa pagtatayo ng St. Isaac's Cathedral. Samakatuwid, sa ilang mga detalye ng mga facade nito, at lalo na sa interior, lumilitaw ang mga tampok ng eclecticism.

Ang prototype ng katedral ay ang uri ng sentrik, parisukat sa plano, limang-domed na simbahan na may mga facade na pinalamutian ng mga portiko, na binuo sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Nang mapangalagaan ang tradisyonal na pamamaraan, gumawa si Montferrand ng ibang paraan sa paglutas ng arkitektura at masining na dekorasyon ng gusali.

Sa plano, ang St. Isaac's Cathedral ay isang parihaba na bahagyang pinahaba sa kahabaan ng silangan-kanlurang axis, sa gitnang bahagi kung saan mayroong isang parisukat na nakausli mula sa pangkalahatang tabas sa hilaga at timog na mga gilid. Bilang resulta ng layout na ito, ang gitnang bahagi ng gusali ay naging nangingibabaw.

Ang gusali mismo ay idinisenyo bilang isang solid, compact cubic volume, kung saan tumataas ang isang mataas na cylindrical drum, pinuputol ng mga arko na bintana at napapalibutan ng isang eleganteng colonnade. Ang drum ay nakoronahan ng isang ginintuan na simboryo na may liwanag na octagonal na liwanag na parol.

Sa mga sulok ng nakausli na pangunahing dami ng gusali mayroong apat na maliliit na bell tower, matagumpay na umaayon sa silweta ng templo. Ang mga ito ay nakumpleto ng mga light gilded domes, ang laki nito ay idinidikta ng sukat ng mga belfries mismo, kaya sila ay naging mas maliit kaysa sa pangunahing simboryo. Dahil sa pyramidal na pagtatayo ng katedral, ang isang pakiramdam ng dynamism at paitaas na aspirasyon ng napakalaking drum na may pangunahing simboryo ay nilikha, pati na rin ang koneksyon ng buong gusali sa nakapalibot na espasyo.

Ang mga facade ay pinalamutian ng mga portiko na may mga haliging granite na 17 m ang taas at tumitimbang ng 114 tonelada bawat isa. Ang mga haligi ay naka-install sa granite stylobates, kung saan matatagpuan ang mga hakbang patungo sa templo. Ang St. Isaac's Cathedral ay ang isa lamang sa mga monumento ng Russian classicism (maliban sa Marble Palace of A. Rinaldi), sa panlabas na dekorasyon kung saan ginamit ang pinakintab na mga haligi ng granite at marmol. Ang kamangha-manghang kumbinasyon ng madilim na pulang mga haligi ng porticos, ang colonnade ng pangunahing simboryo at ang basement ng gusali na may gray na marble wall cladding at gilded domes ay nagbibigay sa buong istraktura ng isang engrandeng hitsura.

Ang mga portiko ng katedral ay humanga sa kanilang kadakilaan at maharlika ng mga anyo. Ang isang labing-anim na hanay na portico ay nakaharap sa hilaga, patungo sa Neva at ang Bronze Horseman, ang isa naman ay patungo sa St. Isaac's Square. Kaya, ang parehong mga pasukan sa templo ay naging lateral na may kaugnayan sa altar, na dahil sa mga tampok sa pagpaplano ng lunsod. Ang altar ng templo ay minarkahan sa labas ng isang walong hanay na portico, na paulit-ulit na simetriko sa kanlurang bahagi.

Ang makinis na mga eroplano ng mga dingding ng katedral ay pinuputol ng malalaking arko na bintana na may napakalaking architraves at volutes sa itaas. Sa pagsisikap na pagandahin ang impresyon ng kadakilaan ng gusaling ito, labis na pinalaki ng Montferrand ang laki ng mga bintana at pintuan, na nagpalihis sa ideya ng tunay na laki ng templo.

Ang St. Isaac's Cathedral ay isang mataas na halimbawa ng pagkakaisa ng parehong monumental at pandekorasyon na sining; ang arkitektura nito ay nasa direktang artistikong kaugnayan sa pagpipinta at eskultura. Ang likas na katangian ng pandekorasyon na solusyon ng mga facade ay tinutukoy, una sa lahat, sa pamamagitan ng iskultura - isa sa mga pinaka-karaniwang uri ng pinong sining sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, na nauugnay sa arkitektura.

Ang lokasyon ng pandekorasyon na iskultura ay tumutugma sa mga pangunahing artikulasyon ng gusali, na pinagsasama ang mga indibidwal na masa ng arkitektura, biswal na pinapalambot ang mga paglipat mula sa isang bahagi patungo sa isa pa, at sa gayon ay pinahuhusay ang papel at kahalagahan ng mga indibidwal na elemento ng istraktura. Ang sculptural decoration ng templo ay nilikha ng mga kilalang sculptor noong panahong iyon - I. Vitali, P. Klodt, N. Pimenov, L. Loganovsky, F. Lemer at I. German.

Ang sculptural decor ay hindi lamang nagpapayaman sa plasticity ng gusali, ngunit nagdadala din ng pangunahing ideological at thematic load, na nagkonkreto sa functional na layunin ng templo. Ang mga portiko nito ay pinalamutian ng mga multi-figure relief na nakatuon sa buhay nina Hesukristo at Isaac ng Dalmatia.

Ang ganitong kasaganaan ng eskultura sa panlabas na dekorasyon ay dahil sa ang katunayan na sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo ang ideya ng monumentalidad ng gusali ay nagbago; nagiging iba na rin ang mga paraan ng pagkilala sa mga gusali sa lungsod.

Ang kalubhaan at marangal na pagiging simple ng mga gusali noong unang bahagi ng ika-19 na siglo ay pinapalitan ng isang pagnanais para sa karangyaan, epekto, na humahantong sa pagtaas ng plasticity ng mga dingding, pinupuno ang makinis na larangan ng pediment ng mga bas-relief ng kumplikadong komposisyon, at ang paggamit. ng mga mamahaling materyales sa pagtatapos. Ang lahat ng ito ay ganap na makikita sa panlabas na dekorasyon ng St. Isaac's Cathedral, at lalo na malinaw na ipinahayag sa loob ng templo.

Dahil sa patayong oryentasyon ng komposisyon nito, ang St. Isaac's Cathedral ay naging isa sa mga nangingibabaw sa gitnang bahagi ng lungsod at may malaking kahalagahan para sa pagpaplano ng lunsod. Ang templo ay organikong pumasok sa ensemble ng dalawang parisukat - St. Isaac's at Senate (Decembrists), compositionally uniting at pagtukoy sa kanilang hitsura.

Ang Senate Square ay nilikha noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, at ang pagbuo nito ay natapos sa unang kalahati ng susunod na siglo. Malawak na bukas sa Neva, ang parisukat na ito ay bahagi ng masining na dekorasyon ng mga pilapil, na kakaiba sa kanilang kagandahan.

Kung para sa Senate Square St. Isaac's Cathedral ay ang huling chord, ang nawawalang link ng ensemble, pagkatapos ay para sa St. Isaac's Square ito ang simula ng pagbabago nito sa isang solong organismo ng arkitektura.

Mula sa timog, ang St. Isaac's Square ay nakumpleto ng Mariinsky Palace ng arkitekto na si A. I. Shtakenshneider (itinayo noong 1839 - 1844 sa estilo ng klasiko), na matagumpay na umaangkop sa komposisyon ng gusali. Sa magkabilang panig ng parisukat mayroong dalawang gusali ng Ministry of State Property na idinisenyo ng arkitekto na si N. Yefimov (nilikha noong 1844-1853), na nakapagpapaalaala sa mga palazzo ng Italyano noong ika-17 siglo.

Noong 1911, sa site ng mga bahay na itinayo sa simula ng ika-18 siglo, itinayo ng arkitekto na si F.I. Lidval ang gusali ng Astoria Hotel - isang kawili-wiling halimbawa ng civil engineering noong unang bahagi ng ika-20 siglo sa St. Sa tabi nito ay isang non-residential na gusali, na inangkop sa pagtatapos ng ika-19 na siglo para sa Angleterre hotel. Sa gitna ng parisukat ay ang huling gawa ng Montferrand, isang monumento ni Emperor Nicholas I, na ginawa ng iskultor na si P. K. Klodt.

Ang panloob na layout ng St. Isaac's Cathedral ay tipikal ng mga relihiyosong gusali ng Orthodox noong ika-18 siglo. Mahigit 4,000 sq. m dalawang hanay ng mga pylon ay nahahati sa tatlong naves. Sa pangunahing simboryo, na nakapatong sa apat na malalaking pylon, ang taas ay umabot sa 69 m, ang taas ng mga pasilyo sa gilid ay 28 m. Ang pasukan sa templo ay pinaglilingkuran ng tatlong malalaking pinto mula sa timog, hilaga at kanlurang panig ng gusali.

Sa silangang bahagi - ang pangunahing altar at ang iconostasis, na tumataas, tulad ng mga hadlang sa altar ng mga sinaunang simbahang Ruso, sa antas na may mga vault.

Ang payat na Corinthian portico ng iconostasis ng sampung malachite na mga haligi ay sumusuporta sa attic, ang mga dibisyon kung saan ay nagpapatuloy sa patayong oryentasyon ng mga haligi at binibigyang diin ang kalubhaan ng arkitektura nito. Sa harap ng iconostasis ay may isang solea na nabakuran ng puting marble balustrade na may ginintuan na balusters.

Tatlong malalaking arko sa iconostasis ang nagsisilbing pasukan sa altar ng templo. Ang gitnang arko ay pinalamutian ng dalawang lapis lazuli na mga haligi at ang mga maharlikang pintuan, sa likod nito ay ang pangunahing altar ng St. Isaac ng Dalmatia. Sa bintana ng altar mayroong isa sa pinakamalaking mga stained-glass na bintana sa Europa na may sukat na 28 sq. m, na ginawa sa pabrika ng Munich ni master Ainmiller. Ang altarpiece ni Jesucristo ay nakikilala sa pamamagitan ng ningning ng mga kulay at ang lalim ng kulay.

Sa kabila ng katotohanan na ang stained-glass window ay isang uncharacteristic na detalye ng dekorasyon ng isang Orthodox church, sa St. Isaac's Cathedral ito ay organikong umaangkop sa interior at nagbibigay sa altar ng isang natatanging, solemne hitsura.

Pagputol sa pangunahing iconostasis, binubuksan ng mga arko sa gilid ang mga pasilyo sa gilid na may maliliit na iconostases para sa pagtingin. Ang kaliwang nave ay humahantong sa St. Alexander Nevsky, kanan - sa kapilya ng St. Catherine.

Sa kahanga-hangang palamuti ng templo, ang disenyo ng drum ng pangunahing simboryo ay napakahalaga. 12 mga estatwa ng mga caryatid na anghel na nakausli mula sa eroplano ng mga dingding, kasama ang mga pilaster ng marmol, ay bumubuo ng isang solong patayo at nag-aambag sa isang malinaw na dibisyon ng drum. Sa pagitan ng mga eskultura, na ginawa sa pamamagitan ng electroforming, may mga nakamamanghang larawan ng 12 apostol.

Mahusay na naiilawan ng mga bintana ng tambol, ang mga ginintuang pigura ng mga anghel ay namumukod-tangi sa background ng mga dingding bilang isang maliwanag na lugar at, kasama ang pagpipinta, ay lumikha ng isang masaganang pandekorasyon na epekto.

Ang panloob na palamuti ng katedral ay nakoronahan ng isang pagpipinta sa kisame na may sukat na 816 metro kuwadrado. m, na nilikha ng natitirang artist ng XIX na siglo K. P. Bryullov. Ang pabilog na komposisyon ng canvas na ito ay idinidikta ng arkitektura ng templo. Ang balustrade, na pininturahan sa pinakadulo ng kisame, ay nagbibigay-daan sa isang malambot at natural na paglipat mula sa arkitektura hanggang sa mga magagandang anyo. Ito ay ilusyon na nagpapalaki sa entablature ng drum, at ang gitna ng plafond, na walang mga imahe, ay nagbubunga ng isang pakiramdam ng lalim ng espasyo ng hangin at ang kawalang-hanggan ng kalangitan. Ang komposisyon ng plafond ay nakumpleto ng isang iskultura ng isang kalapati na lumulutang sa ilalim ng arko - isang simbolo ng Banal na Espiritu.

Ang dekorasyon ng drum ng pangunahing simboryo mula sa punto ng view ng synthesis ng iba't ibang uri ng sining ay ang pinakamatagumpay sa St. Isaac's Cathedral.

Ang isang mahalagang detalye sa interior decoration ng templo ay mga detalyeng ginintuan, cast bronze, na may relief ornaments, base at capitals ng mga column, medallions, caissons, garlands, pati na rin ang openwork gilded chandelier na tumitimbang ng halos 3 tonelada bawat isa. Sa kabuuan, 300 kg ng ginto ang ginugol sa pagtubog ng katedral, isa pang 100 kg - sa pagtubog ng mga domes.

Ang St. Isaac's Cathedral ay isang matingkad na halimbawa ng synthesis ng arkitektura na may iba't ibang uri ng sining at sining.

Ang kanyang maraming mga pagpipinta, mosaic, eskultura, isang kamangha-manghang kumbinasyon ng mga kulay na bato at pagtubog ay lumikha ng isang mayaman, puspos na scheme ng kulay.

Pagpapatuloy sa dekorasyon ng St. Isaac's Cathedrals

Isa sa mga tampok ng St. Isaac's Cathedral ay ang istilo ng interior decoration nito. Sa paghahambing sa iba pang mga simbahan ng Russia noong ika-19 na siglo, naiiba ito hindi lamang sa programa at artistikong pagpapatupad ng interior decoration, kundi pati na rin sa istraktura ng iconostasis, lokasyon ng mga icon, at scheme ng kulay.

Imposibleng ipaliwanag ito sa pamamagitan lamang ng relihiyon ng punong arkitekto, ang Catholic Montferrand, dahil ang pagsunod sa mga canon ng Orthodox sa panahon ng pagtatayo at dekorasyon ng templo ay mahigpit na sinusubaybayan ng isang espesyal na komisyon ng Banal na Sinodo. Ayon sa mga protocol ng Komisyon sa Konstruksyon, makikita kung paano inutusan ng mga banal na ama ang mga akademiko at propesor na baguhin ang mga detalye ng komposisyon, ang laki ng mga figure, at maging ang mga kulay na kulay ng mga sketch ng hinaharap na mga mural.

Samantala, ang pagsusuri ng mga materyales sa archival ay nagmumungkahi na ang mga tampok ng interior ng katedral na ito ay dahil sa mga tradisyon na inilatag sa panahon ng disenyo ng unang mga simbahan ng St. Isaac.

Sa mga gawain ng Naval Ministry, iniulat tungkol sa St. Isaac's Church: "... nasa loob nito ang mga imahe ng Tagapagligtas, ang Ina ng Diyos, Nicholas, John Chrysostom, Isaac ng Dalmatsky, Alexander Nevsky, Andrew the First -Tinawag na ... Sa itaas ng mga maharlikang pintuan, ang imahe ng Tagapagligtas na may krus sa kanyang kamay, nakasulat sa lemon damask , sa mga gilid ng Tagapagligtas ay may mga kerubin sa asul na taffeta, ang mga frame ay ginintuan. Sa ilalim ng mga icon ay mayroong mga pedestal na ipininta sa isang damong canvas ... Ang mga kurtina sa mga pinto ay calico ... ". At isa pang bagay: "limang felts (grey-black) na kulay ang idinagdag sa sahig malapit sa mga pinto ...".

Kung, alinsunod sa mga paglalarawang ito, naiisip natin ang iconostasis ng unang St. Isaac's Church, kung gayon ang nangingibabaw na mga kulay nito ay magiging dilaw-ginto at berde na may dalawang asul na patayong guhitan sa kahabaan ng mga pintuan ng hari. Dahil sa mga tampok na arkitektura ng drawing barn, na itinayong muli sa unang St. Isaac's Church, ang iconostasis nito hanggang sa 4 m ang taas at higit sa 6 m ang lapad ay hindi nangangailangan ng mga pahalang na istruktura na nagdadala ng pagkarga, at para sa visual effect ng mas mataas na taas ay hinati ng mga patayong berdeng guhit na nagsisimula sa sahig.

Ito ay kilala na si Emperor Peter I ay nagbigay ng kanyang mga icon para sa pag-aayos ng unang St. Isaac's Church, at sila ay inilipat sa iconostasis ng pangalawang St. Isaac's Cathedral.

Sa paghusga sa mga lugar na inilaan para sa kanila sa proyekto ng iconostasis, ang laki ng mga imahe ay hindi hihigit sa 100 x 60 cm at 80 x 50 cm. Sa apat na proyekto ng iconostasis ng St. Isaac's Cathedral, ang mga sukat na ito ay napanatili ng iba't ibang mga may-akda .

Ang laki ng mga icon na ito at ang pagbanggit ng paglalagay ng mga imahe ng Tagapagligtas at mga arkanghel na ipininta sa canvas sa iconostasis ng unang St. Isaac's Cathedral ay nagmumungkahi na mahirap maglagay ng iba pang mga icon doon.

Sa turn, ang pahalang na istraktura ng iconostasis ay hindi pinapayagan ang paglikha ng isang multi-row (4- o 5-tier) na iconostasis para sa templong ito. Samakatuwid, ang bahagi ng mga icon - "ikalabindalawang pista opisyal" - ay inilipat sa mga dingding ng templo o sa mga haligi nito. Kinumpirma din ito ng mga disenyo ng iconostasis ng pangalawang St. Isaac's Cathedral, na naglaan para sa paglalagay ng hindi hihigit sa walong mga icon at tatlong pangkat ng eskultura sa itaas ng mga maharlikang pintuan.

Sa kabila ng katotohanan na ang iconostasis ng pangalawang St. Isaac's Church, mga 8 metro ang lapad at higit sa 12 metro ang taas, ay naging posible na maglagay ng mga karagdagang tier ng mga icon, hindi ito nangyari. Ang istraktura ng iconostasis ay nanatiling pareho, bilang patayo tulad ng sa unang simbahan. Ang disenyo ng iconostasis ay ibinigay para sa ilang mga grupo ng mga haligi, ang taas nito ay lumampas sa kalahati ng taas ng iconostasis mismo.

Ang parehong mga uso sa disenyo ng iconostasis ay napanatili din sa ikatlong St. Isaac's Cathedral (dinisenyo ng arkitekto na si A. Rinaldi).

Ang iconostasis nito ay pangunahing binubuo ng mga patayong istruktura, ang solusyon sa kulay ay puti, ginto at berde. Sa kasamaang palad, ang pangunahing altar ng katedral na ito ay hindi napanatili, ngunit, malamang, hindi ito lumalabag sa vertical articulation. Ang iconostasis ay naglalaman ng hindi hihigit sa 10 - 12 mga icon na may malaking sukat. Ang naunang nabanggit na mga icon ng isang maliit na sukat, na inilipat mula sa una hanggang sa kasunod na mga simbahan ng St. Isaac, ay matatagpuan sa interior.

Ito ay kagiliw-giliw na tandaan na noong sinimulan ni Montferrand na itayo ang ikaapat na katedral, isang espesyal na extension ang ginawa sa tabi ng ikatlong templo na binuwag para sa mga icon nito, at ang mga banal na serbisyo ay ginanap sa loob nito. Pagkatapos ng 1828, dahil sa masinsinang gawaing konstruksyon, sa utos ng Imperial at sa kahilingan ng mga parokyano, ang pinaka-ginagalang na mga icon ng St. Isaac's Cathedral ay inilipat sa isang silid sa ikalawang palapag ng western wing ng Admiralty, kung saan ang pansamantalang pasilyo ng St. Isaac ng Dalmatia, St. Alexander Nevsky at St. Si Andrew ang Unang Tinawag.

Matapos ang pagbubukas at pagtatalaga ng ikaapat na St. Isaac's Cathedral noong 1858, ang ilan sa mga icon mula sa Admiralty ay ibinalik sa bagong itinalagang simbahan, habang ang iba (halimbawa, ang imahe ni St. Andrew the First-Called) ay naiwan sa ang Admiralty.

Sa iconostasis ng kasalukuyang St. Isaac's Cathedral, ang tradisyonal na disenyo ay malinaw na nakikita, simula sa unang kahoy na St. Isaac's Church.

Kaya, sa kabila ng malaking lugar ng iconostasis, isang limitadong bilang ng mga icon ang inilalagay dito, bukod dito, katulad ng sa unang simbahan ng St. Isaac ng Dalmatia (mga larawan ng Tagapagligtas, ang Ina ng Diyos, St. Nicholas ng Myra, St. Isaac ng Dalmatia, St. Alexander Nevsky). Ang mga mukha lamang ng mga santo na ipinangalan sa mga hari at reyna, kung saan itinayo ang apat na simbahan ni St. Isaac, ang idinagdag.

Ang "ikalabindalawa" na mga icon ng holiday ay inilalagay sa loob ng katedral, na tumutugma sa kanilang lokasyon sa nakaraang mga simbahan ng St. Isaac. Ang background ng mga imahe (lemon damask - dilaw) ay pinalitan ng isang gintong mosaic cantorel. Ang mga patayong haligi ay pinapanatili at gawa sa malachite, na parang nagpaparami ng "grassy" (berde) na mga pedestal ng unang St. Isaac's Church na ipininta sa canvas.

Ang asul na background malapit sa royal gate ay pinalitan ng mga haligi na gawa sa Afghan lapis lazuli, at ang mga ipininta na pigura sa itaas ng royal gate ay muling ginawa ng sculptural group na "Christ in Glory". Ang mga kurtina sa itaas ng mga pinto ay pinananatiling pula, at kahit na ang mga marmol na slab ng mga naka-type na sahig ay inuulit ang kulay abong tono ng mga nadama ng unang St. Isaac's Church.

Ang mga tampok na ito ng kulay at komposisyon na solusyon ng interior ng St. Isaac's Cathedral ay nagmumungkahi na ang mga tradisyon sa dekorasyon nito, na inilatag sa ilalim ng Emperador Peter I, ay napanatili, at isa sa mga pamantayan para sa pagtatayo ng lahat ng mga simbahan ng St. Isaac ng Dalmatsky sa St. Petersburg.

minantsahang salamin

Ang bawat tao'y, papalapit sa pangunahing iconostasis ng katedral, ay malulugod sa karangyaan at kayamanan ng pandekorasyon na dekorasyon nito: ang pag-gilding ng eskultura, ang kagandahan ng malachite at lapis lazuli na mga haligi, ang misteryosong kinang ng gintong cantorel na background ng mosaic mga larawan.

Ngunit kung sa parehong oras ang mga maharlikang pintuan ng pangunahing altar ay binuksan, pagkatapos ay ang pansin ay tumutok, una sa lahat, sa altar na may batik na salamin na imahe ng Nabuhay na Panginoon.

Siya ay inilalarawan laban sa isang dilaw-asul na kalangitan, nakasuot ng isang lilang balabal na may gintong pagbuburda, pinalamutian ng mga berdeng esmeralda at maputlang lila na mga amethyst.

Ang pigura ni Jesucristo ay sumasakop sa halos buong espasyo ng bintana ng altar, tila masikip sa loob ng mga frame na ito, at tila sa isang sandali ay papasok na ang Panginoon sa templo.

Ang epekto ng presensya ay binibigyang-diin ng hindi matalas, ngunit mahusay na natukoy na dinamika ng komposisyon. Ang ibabang bahagi ng bintana ay inookupahan, kumbaga, ng isang ulap na halos hindi mahahalata na lumulutang patungo sa manonood, at salamat dito, ang pigura ni Kristo ay tila nakataas. Sa Kanyang mga kamay ay isang kumakaway na iskarlata na bandila na may puting krus.

Ang napakagandang sukat ng Panginoong Nabuhay na Mag-uli ay nagpapahiwatig ng kahalagahan ng imahe at ang nangingibabaw na posisyon nito. Ang itaas na bahagi ng bintana sa anyo ng isang kalahating bilog na arko ay binibigyang diin ang dynamics ng mga sinag ng halo. Ang mukha ni Jesu-Kristo ay na-highlight na may mas maliwanag na liwanag dahil sa pagliwanag ng kulay.

Ang isang katulad na elemento ng dekorasyon ay tradisyonal para sa isang simbahang Katoliko, ngunit marahil ang isa lamang sa Simbahang Ortodokso.

Ang hitsura ng isang stained-glass window na may sukat na 28.5 sq. m sa St. Isaac's Cathedral ay sanhi ng mga romantikong mood, na inspirasyon ng mga larawan ng Middle Ages.

Ang pagpipinta ay ginawa sa istilo ng Italian Renaissance. Ito ay isa sa pinakamalaking stained-glass na mga bintana sa Europa, at ang pinakamalaking sa Russia.

Maglagay ng stained glass window sa altar window ng St. Isaac's Cathedral na inirerekomenda ng Bavarian architect na si Leo von Klenze, ang may-akda ng orihinal (hindi tinatanggap) na proyekto ng interior decoration ng templo. Ito ay inaprubahan ni Emperor Nicholas I, ang Banal na Sinodo at suportado ni O. Montferrand, dahil ang detalyeng ito ng dekorasyon ay hindi sumasalungat sa kanyang sariling plano ng palamuti.

Si Von Klenze mismo ang namamahala sa paggawa ng stained-glass window, na nakabuo ng isang frame ng isang espesyal na disenyo para dito. Ang arkitekto ng Bavaria ay personal na nag-aplay sa kanyang patron na si Haring Ludwig I para sa pahintulot na gumawa ng stained-glass window sa Munich, at tinanggap ang kanyang pahintulot.

Noong 1841, ibinigay ni Klenze kasama ang isang mensahero ang kanyang mga guhit sa chairman ng Komisyon para sa pagtatayo ng katedral, ang Kanyang Serene Highness Prince P. M. Volkonsky.

Di-nagtagal, ipinaalam ng prinsipe, sa ngalan ng Pinakamataas na pangalan, sa arkitekto na maaari siyang mag-order sa Munich Royal Factory. Mula sa sandaling iyon, ang papel ni Klenze ay nabawasan sa pamamagitan sa pagitan ng mga German stained glass artist at ang pinuno ng Komisyon.

Ang disenyo ng pagguhit ng stained-glass window ay binago nang maraming beses, ang pangwakas na bersyon ay binuo ng artist na si G. M. von Hess at karaniwang sinunod ang mga tradisyong pang-akademiko: ang tinatawag na "academic tricolor" ay nangingibabaw sa larawan - pula, asul at dilaw- puting tono.

Sa maraming paraan, ang pambihirang kagandahan, juiciness, subtlety at freshness ng kulay ay ang merito ng mga masters ng pabrika ng Munich, at, higit sa lahat, isa sa pinakamahusay na stained-glass windows sa Europe, M.-E. Ainmiller.

Sa pagtatapon ng kamangha-manghang master na ito ay ang baso ng higit sa 100 iba't ibang kulay at lilim. Gumamit siya ng laminated glass at glass na pininturahan ng mga espesyal na pintura.

Halimbawa, ang lilang mantle ni Kristo ay gawa sa dalawang patong ng pulang-dilaw na salamin. Ang mga mamahaling bato sa bintanang may stained-glass ay, tila, convex prisms na ipinasok sa tulong ng lead. Ang epekto ng kulay ng halo ay batay sa katotohanan na sa tatlong-layer na salamin, ang mga indibidwal na layer ay bahagyang inalis, at sa gayon ang dilaw na kulay ay nakakuha ng isang maberde na tint.

Ang mga master mula sa Munich ay mahusay ding gumamit ng monochrome glass. Ang mga ulap sa larawan ay gawa sa solidong mausok na kulay-abo na salamin, ang bandila ng krus ay gawa sa ruby, ang krus sa banner ay gawa sa puti.

Ang ilang mga detalye ng stained-glass window ay pininturahan ng mga espesyal na pintura, pinaputok sa isang muffle furnace at pagkatapos ay sumailalim sa mekanikal na pagproseso.

Nagtimpla sila ng kulay na salamin sa isang pabrika sa bayan ng Benediktbeuern, na unang pag-aari ni M. Z. Frank, at pagkatapos ay naging pag-aari ni Einmiller, na nag-imbento ng paraan para sa paggawa ng salamin na may pinakamagagandang pagbabago ng mga tono. Upang mapagkakatiwalaang maihatid ang mga mukha ng mga tao at mga bukas na bahagi ng katawan ng tao sa stained glass, naimbento niya ang tinatawag na "parchment" na salamin.

Sa pagtatapos ng 1843, natapos ang trabaho sa stained-glass window. Noong tag-araw ng 1844, ang mga kahon na may disassembled na pagpipinta ay inihatid sa St. Petersburg sa pamamagitan ng dagat. Nag-assemble si Master G. Kuhl ng isang stained-glass window at inilagay ito para ipakita sa tsar.

Matapos ang Pinakamataas na pag-apruba, ang pagpipinta ay muling binuwag, at na-install sa pangunahing altar pagkatapos makumpleto ang gawaing pagtatapos sa katedral.

Ang stained glass window ay binubuo ng dalawang metal frame na konektado ng mga rod. Ang makapal na salamin na salamin ay ipinasok sa panlabas na frame, ang stained-glass window mismo ay naka-mount sa panloob na frame mula sa mga elemento ng kulay na translucent glass, na pinagtibay ng lead solder. Sa window frame, ito ay hawak ng mga metal na pangkabit.

Ang altarpiece na "The Resurrected Christ" ay organikong pumasok sa istruktura ng pandekorasyon at artistikong dekorasyon ng St. Isaac's Cathedral. Ang katotohanan na siya ay lumitaw sa isang simbahang Ortodokso ay hindi sumasalungat sa diwa ng panahon kung kailan umunlad ang romantikong Ruso.

Mga Sanggunian: Internet resource: http://www.liveinternet.ru/users/tantana/post219557930

APENDIKS 2

Pagsusuri ng pagpipinta ni V. Surikov "Boyar Morozova"

Ang kasaysayan ng paglikha ng pagpipinta na ito ay pinakamayaman sa mga materyales na nagsasabi tungkol sa mga misteryo ng artistikong gawain ni Vasily Surikov. Halos lahat ng mga yugto ng kanyang mga paghahanap sa komposisyon ay napanatili, naitala sa iba't ibang mga sketch - mula sa pinakaunang mga sketch hanggang sa mga watercolor, kung minsan ay natatakpan ng isang grid ng paghugpong (iyon ay, idinisenyo upang ilipat sa canvas).

Ang unang sketch ng pagpipinta na "Boyar Morozova" na ipininta sa mga langis ay ginawa ni Surikov noong 1881. Ang ideya ng larawan ay hindi pa ganap na hinog, ngunit naisip na ni V. Surikov ang buong eksena nang konkreto. Ngunit ang isa pang artistikong ideya ay naantala ang trabaho sa pagpipinta na ito sa loob ng mahabang panahon: mula 1881 hanggang 1883, nagtrabaho si Surikov sa Menshikov sa Berezov, at pagkatapos ay nagpunta sa ibang bansa.

Doon, malayo sa kanyang tinubuang-bayan, na masinsinang nakatingin sa mga walang kamatayang canvases ng mga masters ng Renaissance, si Surikov ay patuloy na dinadala ang mga imahe ng kanyang bagong mahusay na nilikha - ang katutubong drama na Boyar Morozova. Pagbalik sa Russia noong tag-araw ng 1884, sa wakas ay nakuha niya ang sagisag ng isang matagal nang magandang plano, ngunit hindi hanggang sa tagsibol ng 1887 na nakumpleto niya si Boyar Morozova. Ang bagong gawain ay pinangalanan pagkatapos ng sentral na karakter ng pagpipinta - ang noblewoman na si Morozova, isa sa mga kilalang kalahok sa "split".

Ang sandali na pinili niya para sa larawan ay hindi nagbago: isang pulutong ng mga tao at isang sleigh na may galit na galit na noblewoman sa panahon ng kanyang pagpasa sa mga kalye ng Moscow - "ang kahihiyan ng pagsunod sa noblewoman Fedosya Prokopyevna Morozova para sa interogasyon sa Kremlin para sa kanyang pagsunod sa isang split sa paghahari ni Alexei Mikhailovich."

Tulad ng alam mo, ang panlabas na dahilan ng paghihiwalay ay ang mga reporma sa simbahan na sinimulan ni Patriarch Nikon noong 1655: ang pagwawasto ng mga liturgical na aklat at ang pagbabago sa ritwal (sa partikular, ang pagtatalo ay tungkol sa kung paano mabinyagan - na may dalawa o tatlong daliri) .

Laganap ang pagkakahati sa mga serf at taong-bayan. Ang mga teolohikong pagtatalo tungkol sa dalawang daliri at tatlong daliri ay hindi gaanong naiintindihan ng mga tao, ngunit ang dalawang daliri ay sarili nito, popular, at ang tatlong daliri ay dayuhan at ipinataw mula sa itaas. Sa isipan ng malawak na masa ng mga tao, ang pagtataguyod ng "lumang pananampalataya" ay isang kakaibang anyo ng protesta laban sa estado, na, habang ipinakilala ang "bagong pananampalataya" sa pamamagitan ng puwersa, kasabay nito ay nagpalakas sa pyudal na pang-aapi. Malinaw na sinasalamin ng schism ang mga tampok ng makauring anti-pyudal na pakikibaka. Sa hanay ng mga adherents ng split, mayroon ding mga indibidwal na pamilyang boyar, ngunit, tulad ng tala ng agham sa kasaysayan ng Sobyet, ang mga ito ay mga nakahiwalay na kaso lamang, na ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na ang pagnanais ng gobyerno para sa sentralisasyon ng Russia ay tumakbo sa matigas na pagsalungat mula sa reaksyunaryong boyars. Ang schism, sa kabuuan, ay nagpapanatili hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo ng isang buhay na koneksyon sa popular na kilusan at nagsilbing panlabas na shell para sa kusang protesta ng masa. Samakatuwid, pinigilan ng gobyernong tsarist ang schismatic movement sa lahat ng posibleng paraan. Ang noblewoman na si Morozova ay sumailalim din sa malupit na pag-uusig.

Ano ang alam ni V. Surikov sa mga taong iyon tungkol sa boyar na si Morozova? Ang pangkalahatang balangkas ng kanyang malungkot na kuwento, na narinig ko noong bata pa ako sa Siberia? Ano ang nakasulat tungkol sa kanya sa D.L. Mordovtsev "Ang Great Schism" Marahil ay nabasa rin niya ang artikulo ni N.S. Tikhonravov sa "Russian Messenger" para sa 1865 at ang aklat ni I.E. Zabelin "Buhay sa tahanan ng mga reyna ng Russia". Ngunit sa alinman sa mga aklat na ito, sa wala sa mga artikulo, ay mayroong isang salita tungkol sa karamihan ng mga tao na nakakita sa marangal na babae na si Morozova, tungkol sa kanyang itim na semi-monastic, semi-prisoner na kasuotan, tungkol sa itim na tabla sa kanyang dibdib.

Ang labing pitong taong gulang na si Fedosya Sokovnina, ang anak na babae ng isa sa mga malapit na kasama ng tsar, ay ikinasal sa isang matandang boyar na si G.I. Morozov. Mahusay na nagbabasa, may pagnanais sa sarili, masigla, kahit na kasama ang kanyang asawa ay hayagang isinagawa niya ang mga lumang seremonya ng simbahan, na nakikilala sa pamamagitan ng kanyang kawalang-kasiyahan sa bagong "opisyal" na simbahan.

Ang simbahang ito ay ginawang legal noong 1654, nang ang isang konseho ng simbahan na nagpulong sa Moscow ay nagpatibay ng isang ritwal na reporma na inihanda ni Patriarch Nikon. Mangyari pa, ang kahulugan ng mga repormang isinasagawa ay higit na malalim kaysa sa mga bagong tuntunin lamang sa pagsulat ng pangalan ni Jesu-Kristo o ng reseta upang mabinyagan gamit ang tatlong daliri sa halip na dalawa.

Ang mga bagong ritwal ay nagdulot ng protesta sa isang makabuluhang bahagi ng klero, lalo na ang mas mababang klero, na nakakita sa kanila ng isang dayuhang impluwensya, isang banta sa kadalisayan ng tunay na pananampalatayang Ortodokso. Di-nagtagal, ang mga purong eklesiastikal na awayan ay nakakuha ng maraming impluwensya sa mga tao. Ang isa sa mga dokumento ng mga taong iyon ay nagsasabi: "Ang apoy ng galit laban sa mga pinuno, laban sa mga insulto, buwis, pang-aapi at kawalang-katarungan ay dumami nang higit pa, at ang galit at kabangisan ay nag-alab."

Boyarynya F.P. Malapit na ikinonekta ni Morozova ang kanyang kapalaran sa mga masigasig ng lumang pananampalataya, suportado ang galit na galit na archpriest na si Avvakum, ang pangunahing kaaway ng mga Nikonian, at sa pagbabalik ng huli mula sa pagkatapon noong 1662, pinatira niya siya sa kanya. Sa oras na ito, siya ay isang balo at nanatiling nag-iisang tagapamahala ng malawak na kayamanan ng kanyang asawa. Ang kanyang bahay ay nagsimulang magmukhang isang kanlungan para sa Old Believers, sa katunayan, ito ay naging isang uri ng schismatic monastery.

Ang pagiging balo sa edad na tatlumpu, ang babaeng "mabangis na puso" na ito ay humantong sa isang malupit na buhay na asetiko, ipinamahagi ang kanyang kayamanan sa mga mahihirap, at noong 1668 ay lihim na tumanggap ng mga panata ng monastic mula sa isang schismatic elder.

Hindi nagtagal ay sumunod ang mga kaganapan, na naging prologue sa episode na pinili ni V. Surikov bilang balangkas para sa kanyang larawan.

Noong taglagas ng 1671, ang galit ng Pinakatahimik na Tsar Alexei ay bumagsak sa mapanghimagsik na maharlikang babae. Sa una, gayunpaman, sinubukan nilang "kumbinsihin" siya, ngunit tumanggi siya sa lahat ng panghihikayat na sundin ang kalooban ng tsar at tanggapin ang mga bagong batas ng simbahan. Bilang karagdagan, napatunayang hinikayat din niya ang kanyang kapatid na babae, si Prinsesa Urusova, sa lumang pananampalataya.

Kinadena sila sa "horse iron" at binantayan. Pagkalipas ng dalawang araw, nang maalis ang mga tanikala sa mga babae, dinala sila para sa interogasyon sa Chudov Monastery. Ngunit walang nakuha si Metropolitan Pavel mula kay F.P. Morozova, o mula sa kanyang kapatid na babae. Sila ay tiyak na tumanggi na tumanggap ng komunyon mula sa mga bagong aklat ng serbisyo, matatag na tumayo sa dalawang daliri at inihayag na tatanggapin lamang nila ang mga lumang nakalimbag na libro.

Higit sa isang beses kinuha ang mga babae para sa interogasyon, at nang sila ay pinahirapan, si F.P. Sumigaw si Morozova sa rack: "Ito ang dakila at tunay na kahanga-hanga para sa akin: kung ako ay karapat-dapat na sunugin ng apoy sa isang log house sa Swamp (kung gayon ang "mga kaaway ng ama" ay pinatay sa Bolotnaya Square sa Moscow) , ito ay maluwalhati sa akin, dahil hindi ko pa naranasan ang karangalang ito.

Kahit na ang panghihikayat, o ang mga pagbabanta, o ang masakit na pagpapahirap ay hindi makasira sa diwa ni Morozova.
Isang kaibigan at tagapagturo ng marangal na babae na si Morozova, isang debotong tagapagtanggol ng lumang pananampalataya, si Archpriest Avvakum ay sumulat tungkol sa kanya tulad nito: "Ang mga daliri ng iyong mga kamay ay banayad, at ang iyong mga mata ay mabilis na kumikidlat. Itinapon mo ang iyong sarili sa kaaway, tulad ng isang leon.

Ngunit hindi sila pinatay. Si Tsar Alexei Mikhailovich ay natakot sa masyadong malakas na publisidad at nagpasya na alisin ang mga suwail na kababaihan nang walang ingay. Sa pamamagitan ng kanyang utos, ang magkapatid na babae ay binawian ng mga karapatan ng estado at ikinulong sa kulungan ng monasteryo sa Borovskoye. Doon sila namatay sa gutom at lamig.

Ang maliwanag at malakas na karakter ng maharlikang babae na si F.P. Si Morozova ay nasa espiritu ni Vasily Surikov. Siya ay nabighani sa imahe ng isang nagniningas na babaeng Ruso, ang kanyang espirituwal na kawalang-kilos at kalooban. Kung hanggang sa tagsibol ng 1881 ay iniisip lamang ng artista ang balangkas, ngayon ay si F.P. Kinuha ni Morozova ang lahat ng kanyang mga iniisip. Si V. Surikov ay may tanging layunin - upang ipakita ang kanyang pangunahing tauhang babae na hindi nawala sa karamihan, ngunit sa sukdulan artistikong panghihikayat upang i-highlight ang malakas na mga tampok ng kanyang karakter.

Ito ay kinakailangan upang mahanap ang tanging komposisyon na maaaring ipahayag ang mga saloobin na nalulula sa V. Surikov, maaaring ang malungkot na kapalaran ng noblewoman F.P. Morozova upang maging isang kuwento tungkol sa isang katutubong trahedya. Hindi siya partikular na interesado sa dogmatikong simbahan ng schism at ang mga dramatikong awayan sa pagitan ng noblewoman at ng mga Nikonian. Hindi sa isang malungkot na kalunos-lunos na pagmumuni-muni, hindi sa hirap ng espirituwal na pakikibaka, nais itong ipakita ng artista, ngunit sa mga tao at sa mga tao.

Naunawaan ni Vasily Surikov na ang kasaysayan ay hindi magagawa nang walang mga tao, at kahit na ang pinaka-namumukod-tanging pigura sa kasaysayan ay walang magawa sa labas ng mga tao. Kung saan walang tao, walang bayani. At ang trahedya ng F.P. Si Morozova (tulad ng nakita sa kanya ni V. Surikov) ay hindi gaanong trahedya ng isa, kahit na tulad ng isang babae na may pambihirang lakas ng pagkatao. Ito ang trahedya ng panahon, ang trahedya ng buong sambayanan.

"Hindi ko naiintindihan ang mga aksyon ng mga indibidwal na makasaysayang figure nang walang mga tao, nang walang karamihan, kailangan kong hilahin sila palabas sa kalye," sabi ni Surikov. Ang mga tao, ang kanilang mga saloobin at damdamin sa panahon ng split - iyon ang pangunahing bagay na nakakaakit kay Surikov sa kanyang napiling makasaysayang balangkas at kung ano ang kanyang napakatalino na inihayag sa kanyang larawan.

Sa asul na ulap ng isang umaga ng taglamig, ang schismatic noblewoman na si Morozova, na nakagapos sa mga tanikala, ay dinadala sa maluwag, basang niyebe. Ang mga magtotroso na nahihirapan ay dumaan sa siksikang pulutong na pumuno sa makipot na kalye ng mga mababang bahay, na may mga ginto at asul na simboryo ng mga simbahan. Itinaas ni Morozova ang kanyang mabigat na nakakadena na kamay na may manipis na mga daliri na nakatiklop sa dalawang daliri. Sa isang marubdob na apela na matatag na manindigan para sa kanilang layunin, hinarap niya ang mga tao. Kakila-kilabot ang nagniningas na titig ng kanyang malalim na lumubog na mga mata sa kanyang payat at nakamamatay na maputlang mukha. Handa siyang tanggapin ang anumang pagdurusa, pumunta sa kamatayan.

Ang imahe ng Morozova, na kakaiba sa lakas, ay nangingibabaw sa larawan, ngunit hindi natatabunan ang karamihan ng mga tao. Bukod dito, siya ay hindi maiiwasang nauugnay dito: pinagsama niya ito sa kanyang sarili at sa parehong oras, salamat dito, nakakakuha siya ng isang espesyal na pagpapahayag at isang espesyal na kahulugan. Ang Morozov ay ang pinagmulan na pumukaw sa karamihan ng isang kumplikadong hanay ng iba't ibang mga karanasan, at ang sentro kung saan ang mga mata, pag-iisip at damdamin ng lahat ng mga karakter sa eksenang ito ay nagmamadali. Ipinapakita ang makasaysayang kaganapan bilang isang pambansang trahedya, mapanlikhang nalutas ni Surikov ang pinakamahirap na gawain ng pagsasama-sama ng "bayani at ang karamihan." Ang pagkakaisa na ito ay sinusuportahan, sa partikular, sa pamamagitan ng katotohanan na ang mga mukha ng kababaihan sa karamihan ay nauugnay ayon sa uri ng mukha ni Morozova mismo. Ang masa ng tao ay iisa, ngunit walang kahit isang mukha ang natutunaw dito, ang artist ay nakakamit ng kamangha-manghang pagkakaisa sa paglalarawan ng masa at ang indibidwal na pagkatao ng tao: lahat ng tao sa karamihan ay nakikita ang kaganapan sa kanyang sariling paraan, ang bawat mukha ay isang bagong boses sa isang nag-iisang tragic choir. Nakikita natin ang kapwa pagmamalupit ng pari, na naglabas ng kanyang walang ngipin na bibig, at ang pakikiramay ng mga taong bayan at ng "kaawa-awang mga kapatid" - ang banal na hangal, na inuulit ang kalunus-lunos na kilos ni Morozova, ang lagalag, na naghubad ng kanyang ulo at nanlamig sa malalim. naisip, ang pulubi, na lumuhod sa harap ng schismatic na inuusig ng tsar ... Nakakuyom ang kanyang mga kamay nang mahigpit, na parang sinusubukan na huwag sumuko sa kahinaan, upang mapanatili ang kanyang tapang at lakas, ang kapatid na babae na si Morozova, si Prinsesa Urusova, ay nagmamadali pagkatapos ng sleigh. Isang batang babaeng bayan na nakasuot ng asul na fur coat at isang gintong alampay na magalang na yumuko sa isang busog...

Sa paglalarawan ng masa sa kalye, kinailangan ni Surikov na lutasin ang pinakamahirap na mga problema sa komposisyon, na ginawa niya nang may kahanga-hangang kasanayan. Ang canvas ay itinuturing bilang isang buhay na piraso ng katotohanan. Ang karamihan sa mga ito ay nabubuhay at nag-aalala; gumagalaw, isang kalang bumagsak sa karamihan, isang kahabag-habag na paragos. Ang malalalim na yapak na iniwan ng mga mananakbo, ang dayami na humihila sa niyebe, ang batang tumatakbo pagkatapos ng sleigh - lahat ay nagpapapaniwala sa manonood na ang sleigh na nakatagilid sa kaliwa ay talagang gumagalaw sa maluwag na niyebe. Ang impresyon ng paggalaw ng sleigh ay sinusuportahan din ng pagtaas ng paggalaw sa mga figure - mula sa kanang gilid hanggang sa gitna: sa kanan - isang banal na tanga na nakaupo sa niyebe, pagkatapos ay isang pulubi na babaeng lumuluhod at umabot kay Morozova, at sa wakas ay naglalakad sa tabi ng paragos ni Urusov. Ang dynamism ng buong eksena ay pinahusay ng diagonal na konstruksyon ng larawan. Tulad ng kamangha-manghang ang coloristic na solusyon ng pagpipinta, ang kaakit-akit na "orkestrasyon", ang hanay ng kulay nito - mula itim hanggang puti, gamit ang buong gamut ng palette. Nabighani sa pagiging makulay ng sinaunang buhay ng Russia, ang Surikov ay nagbibigay ng mga spot ng kulay ng pambihirang sonority - asul, dilaw, pulang-pula, itim ... Ngunit kahit na ang pinaka-sinorous na makulay na mga spot ay hindi nahuhulog sa larawan at hindi ito ginagawang isang pandekorasyon na canvas ; sila ay napapailalim sa pangkalahatang pagkakaisa, sila ay pinalambot at pinagsama ng malambot na nakakalat na liwanag, isang mala-bughaw na ulap ng basa-basa na hangin. Ang mga asul na tono, na umaalingawngaw sa mga ginintuang, ay nakakalat sa lahat ng dako: sa niyebe, na parang pinagtagpi mula sa mga pagmuni-muni ng kulay, at sa kulay abong kalangitan, at sa mga pattern ng katutubong damit ... Ang sikolohikal na sentro ng larawan, ang pigura ng Morozova, ay naka-highlight din sa kulay; ang itim na mantsa ng kanyang damit laban sa background ng puting niyebe ay parang isang mabigat na kampana. Ngunit ang maliwanag na ningning, ang maraming kulay ng pulutong ng mga tao ay nagbibigay sa larawan ng isang pangunahing, nagpapatibay sa buhay na tunog, na nagpapahayag ng pananampalataya sa mga tao, sa kanilang lakas, sa huling tagumpay ng pag-iisip ng mga tao laban sa mga pagtatangi, liwanag sa kadiliman.

Ipininta ni V. Surikov ang kanyang larawan sa loob ng tatlong taon. Sketch sinundan sketch, sa paghahanap ng kalikasan ang artista ay walang kapaguran. Saan man siya nagpunta sa panahong ito, naghahanap ng mga pinakakatangiang tauhan, sa kakapalan ng buhay mismo, sinasalok ang mga magiging bayani ng kanyang larawan. Tinanggihan niya ang dalawang canvases na may mga sketch na nagawa na, at ang pangatlo lamang, na ginawa sa kanyang espesyal na order (isang parihaba na inilatag sa isang malaking gilid), nasiyahan sa master.

Ang komposisyon ng "Boyar Morozova" ay nilikha pagkatapos ng isang mahaba at mahirap na paghahanap. Sinabi mismo ni Surikov: "Ang pangunahing bagay para sa akin ay komposisyon. Mayroong ilang uri ng matibay, hindi maiiwasang batas na mahulaan lamang sa pamamagitan ng intuwisyon, ngunit hindi nababago na ang bawat idinagdag o ibinawas na pulgada ng canvas, o isang karagdagang set point, ay nagbabago sa buong komposisyon nang sabay-sabay.

Sa isa pang pagkakataon, sinabi ni Surikov: "May mga buhay na punto sa kilusan, ngunit may mga patay. Ito ang tunay na matematika. Ang mga figure na nakaupo sa sleigh ay humawak sa kanila sa lugar. Ito ay kinakailangan upang mahanap ang distansya mula sa frame hanggang sa sled upang itakda ang mga ito sa paggalaw. Medyo mas kaunting distansya - ang sleigh ay nakatayo. At sa akin, si Tolstoy at ang kanyang asawa, nang mapanood nila si Morozov, sinabi nila: "Ang ilalim ay dapat putulin, ang ilalim ay hindi kailangan, ito ay nakakasagabal." At doon ay hindi mo mababawasan ang anuman - ang sleigh ay hindi pupunta.

Sa espesyal na tiyaga, "hinanap" ng artist ang mga larawan ng kanyang mga bayani. Upang mangolekta ng kinakailangang materyal, upang mahanap ang pinaka-katangian na mga uri ng mga tao na maaaring magsilbing kalikasan para sa mga karakter sa larawan, si Vasily Surikov ay nanirahan sa Mytishchi. Dito, sa kahabaan ng Yaroslavl Highway, "sa loob ng maraming siglo, mayroong tuluy-tuloy na mga string ng mga peregrino na patungo sa Trinity-Sergius Lavra sa loob ng maraming siglo, lalo na sa tag-araw. Isinulat ni V. Surikov, nasasakal, ang lahat ng mga gumagala na dumaan sa kanyang kubo, na kawili-wili sa kanya. ayon sa uri."

Siya ay palaging at saanman ay sabik na sumilip sa mga mukha ng tao, sinusubukang hanapin sa kanila ang panlipunan o sikolohikal na uri na kailangan niya, malapit sa mga larawan ng mga makasaysayang karakter na iginuhit sa kanyang malikhaing imahinasyon. "Ang batang babae sa karamihan, isinulat ko ito kasama si Speranskaya, - pagkatapos ay naghahanda siyang maging isang madre. At ang mga yumuyuko ay lahat ng Old Believers mula sa Preobrazhensky, "sabi ni Surikov. Ang pintor ay tinulungan din ng mga alaala ng nakaraan, na nakuha ng kanyang makapangyarihang visual na memorya: "Naaalala mo ba ang pari sa aking pulutong? Ito ay isang buong uri na aking nilikha. Ito ay noong pinadala nila ako mula sa Buzim upang mag-aral, dahil naglalakbay ako kasama ang isang deacon - Barsanuphius, ako ay walong taong gulang. Nakatali siya dito. Nagmamaneho kami papunta sa nayon ng Pogoreloe... Bumili siya ng berdeng damask, at doon na siya tumutok... Iinom siya sa damask at titingin sa ilaw... Uminom siya nang hindi nagmeryenda...”

Unti-unti, natagpuan ang mga karakter ng larawan. Narito ang isang pilgrimage wanderer - isang tipikal na pigura ng Sinaunang Russia, na napanatili halos hindi nagbabago sa loob ng maraming siglo. Ang gayong mga gumagala taun-taon ay sumasabay sa malawak na kalawakan ng Russia. Ang mga gala na manlalakbay ay parehong mangangaral at tagapagdala ng balita para sa mga tao, sa pamamagitan ng kanilang paglalakbay sa paa ay ikinonekta nila ang mga malalayong sulok ng bansa, sila ay mga saksi ng mga popular na kaguluhan, at mga pagbitay, at mga pagsisisi.

Nahaharap sa iba't ibang aspeto ng buhay ng mga Ruso, na nakikipag-ugnayan sa iba't ibang saray ng populasyon, na nagpatuloy sa pag-akyat at pagbaba sa mga kalawakan ng Russia, naipon nila ang mayamang materyal para sa pagmuni-muni at mga kuwento. Ganyan ang gumagala sa pagpipinta ni V. Surikov. Ang lahat ay nagpapakita na siya ay nagmula sa malayo, ang kanyang malakas, pandak na pigura ay binigkisan ng isang malawak na sinturon, ang mga lubid na nakatali sa kanyang dibdib ay sumusuporta sa isang malaking knapsack, sa kanyang mga kamay siya ay may isang matangkad na tungkod na may masalimuot na hawakan - isang mahalagang kasama ng kanyang paglalagalag. .

Ang pilosopong ito na gumagala ay puno ng malalim na pakikiramay sa nakakadena na babaeng mahal na si F.P. Morozova. Sa likod ng kanyang malawak na sinturon ay nakasabit ang parehong Matandang Mananampalataya na "lestovka" (katad na rosaryo), pati na rin ang isa na nakasabit sa kamay ng maharlikang babae. Nakatingin ito sa kanya nang may habag at kasabay nito ay nalulubog sa kanyang sarili, na parang sumusunod sa kanyang nagdadalamhating pag-iisip. Sa lahat ng maraming panig, higit kaninuman ay ipinapahayag niya ang kanyang mga saloobin tungkol sa nagaganap na kaganapan, na napakahalaga sa trahedya na sinapit ng paghihiwalay.

At ang banal na tanga, ang katutubong manghuhula, ang artist na natagpuan sa isa sa mga merkado ng Moscow.

Ang pagpapasya sa larawan bilang isang panlabas na eksena, si Surikov ay nagsumikap na magsulat ng mga sketch sa parehong mga kondisyon. "Kung ipininta ko ang impiyerno, kung gayon ako mismo ay uupo sa apoy at gagawin akong mag-pose sa apoy," sabay biro ng pintor.
"At nakakita ako ng isang banal na tanga sa isang flea market. Nagbenta siya ng mga pipino doon. Nakikita ko siya. Ganyan ang bungo ng mga ganyang tao. sabi ko tara na. Bahagya siyang nakumbinsi. Sinusundan niya ako, lahat ay tumatalon sa mga pedestal. Tumingin ako sa paligid, at umiling siya - wala, sabi nila, hindi ako magdaraya. Ito ay sa simula ng taglamig. Ang niyebe ay natutunaw. Isinulat ko ito sa niyebe. Binigyan niya siya ng vodka at pinunasan ang kanyang mga binti ng vodka... Nakaupo siya nang nakayapak sa niyebe sa isang linen na kamiseta. Ang kanyang mga binti ay naging bughaw ... Kaya't pininturahan niya ito sa niyebe, "masayang sabi ni Surikov.
Natuwa siya sa lasenggo na ito na nagtitinda ng mga pipino. Dinadala ni V. Surikov ang goofball at pilyo-maker na ito, na sikat na tinatawag na "walang ingat na ulo", sa kanyang tahanan, pinahid ang kanyang mga paa na may vodka at nagmamadaling hulihin siya sa niyebe, pinapanood ang pink at purple na paglalaro ng mga spot. "Kung ipininta ko ang impiyerno," ang sabi ng pintor nang maglaon, "kung gayon ako mismo ang uupo sa apoy at gagawin akong mag-pose sa apoy."

Bago magkaroon ng oras ang artista upang makayanan ang banal na tanga, kailangan na ng isang bagong kalikasan. At siya ay nakakatawa at nakakaantig na hinahabol ang matandang babae-dasal, na hindi sinasadya na tinatakot siya, at may walang hanggan na kasakiman ay sinunggaban ang tungkod na itinapon sa kanya upang agad na "ipasok" ito sa mga kamay ng gumagala, na ipininta na sa larawan.

Pagkatapos ay isang magandang babae na nakasuot ng asul na fur coat at isang gintong alampay na yumuko nang may paggalang; hindi nagtagal ay pininturahan ang isang madre at isang batang babae na naka-cross arm sa dibdib; at mga mamamana na may mga mapula, at isang batang lalaki na nakabalat ng balat ng tupa; at isang ngiting walang ngipin na bibig, isang matagumpay na tumatawa na pari sa isang fur coat at mataas na sumbrero; at lihim na matatandang mananampalataya.

Ang artista ay nagtrabaho din nang may sigasig sa tanawin ng pagpipinta. Ang gayong taglamig sa Russia, tulad ng isang "multi-kulay" na niyebe, tulad ng isang "asul" na mahalumigmig na hangin sa taglamig ay hindi pa nangyari sa pagpipinta bago ang Surikov. Muli, ang malapit na pagmamasid, isang masugid na pag-aaral ng buhay, isang matalas na pangitain ng pintor, ay nagkaroon ng epekto. Si Surikov ay nagtrabaho nang walang pagod sa kalikasan.

Para sa larawan, kailangan ang malalim na niyebe, ayon sa kung saan ang noblewoman na si F.P. Si Morozov ay dadalhin sa isang paragos. Ang mga sledge ay nag-iiwan ng mga tudling ng mga bakas sa maluwag na niyebe, ngunit isang napaka-espesyal na bakas ang nakuha sa peal, at inaabangan ni V. Surikov ang pag-ulan ng niyebe. At pagkatapos ay tumakbo siya palabas sa kalye at sinundan ang unang convoy na dumaan sa mahabang panahon.

"Pagsusulat sa niyebe - lahat ng iba pa ay lumabas," sabi ni Surikov. - Doon sila sumulat sa niyebe sa mga silhouette. At sa niyebe ang lahat ay puspos ng liwanag. Ang lahat ay nasa reflexes ng lilac at pink, tulad ng mga damit ng noblewoman Morozova - itaas, itim; at isang kamiseta sa karamihan ... Isinulat niya ang lahat mula sa buhay: parehong paragos at kahoy na panggatong. Nakatira kami sa Dolgorukovskaya (noon ay tinawag pa itong Novaya Sloboda) ... Doon sa eskinita ay palaging may malalim na snowdrift, at mga lubak, at maraming sledge. Patuloy kong sinusundan ang mga sledge, pinapanood kung paano sila umalis sa isang landas, lalo na sa mga peal. Sa sandaling bumagsak ang malalim na niyebe, hihilingin mong magmaneho sa bakuran sa paragos upang ang niyebe ay bumagsak, at pagkatapos ay magsimula kang magsulat ng isang track. At nararamdaman mo dito ang lahat ng kahirapan ng mga kulay!

Mula noon, madalas siyang pumunta para sa mga sledge, saanman nila siya nakilala, binalot ang mga ito sa kanyang bakuran, pinilit silang magmaneho sa niyebe at agad na umupo upang magsulat ng isang track, tulad ng isang hiyas, na pinoprotektahan ito mula sa mga random na dumadaan. Ipininta niya ang isang sketch ng isang natatakpan ng niyebe na boulevard ng Moscow na may pigura ng isang lalaking nakasuot ng itim na nakaupo sa isang bangko; pininturahan niya ang maitim na mga putot at mga sanga ng mga hubad na puno na yumuko sa mga snowdrift; nagsulat siya ng mga skid mark sa malinis na niyebe.

Ngunit itinakda ni Surikov sa kanyang sarili ang gawain ng pagpaparami hindi lamang ng tanawin ng taglamig, ngunit muling likhain din sa canvas ang isang kalye ng Moscow noong huling bahagi ng ika-17 siglo. Samakatuwid, ayon sa kanya, “... eskinita ay naghahanap, naghahanap; at kung saan matataas ang mga bubong. At ang simbahan sa kailaliman ng larawan ay St. Nicholas, na nasa Dolgorukovskaya.

Ang bawat detalye ng larawan ay maingat na hinanap, pinili, ipininta nang buong pagmamahal. "Gustung-gusto niya ang kagandahan sa lahat ng dako," inamin ni Surikov. - Sa kakahuyan, anong kagandahan: sa mga kopylk, sa mga elm, sa mga sled. At sa mga liko ng mga mananakbo, kung paano sila umindayog at nagniningning, kung anong mga twist ang mayroon sila. Pagkatapos ng lahat, ang kahoy na panggatong ng Russia ay kailangang kantahin ... "Masugid na nag-aaral ng kalikasan, si Surikov ay hindi kailanman naging alipin niya. Ang malalim na makatotohanang pakiramdam na likas sa kanya ay palaging gumabay sa kanya sa pagpili at paglalahat ng mga impresyon ng katotohanan.

Ang mga cupola ng mga simbahan, ang kalye mismo, at ang mga bahay, at ang niyebe ay pininturahan na, ngunit patuloy na hinanap ni V. Surikov ang pangunahing bagay - ang imahe ng maharlikang babae mismo.

Siya mismo ang nagsabi sa kanyang biographer at manunulat na si Voloshin: "... Una kong pininturahan ang karamihan ng tao sa larawan, at pagkatapos ay pagkatapos nito."

Matagal nang hinanap ni Surikov si Morozova: "Sa uri ng noblewoman na si Morozova, isa lamang sa aking mga tiyahin, si Avdotya Vasilyevna, na nasa likod ni Uncle Stepan Fedorovich, isang mamamana na may itim na balbas. Nagsimula siyang sumandal sa lumang pananampalataya. Ang aking ina, naaalala ko, ay laging nagagalit: lahat siya ay mga gala at mga peregrino. Ipinaalala niya sa akin ang uri ng Nastasya Filippovna mula sa Dostoevsky. Ako lang ang unang nagpinta sa karamihan ng tao sa larawan, at pagkatapos nito. At kahit paano ko isulat ang mukha niya - ang daming tao. Napakahirap hanapin ang mukha niya. Kung tutuusin, ang tagal ko nang hinahanap. Maliit ang buong mukha. Nawala sa karamihan. Sa nayon ng Preobrazhensky, sa sementeryo ng Old Believer - pagkatapos ng lahat, doon niya natagpuan siya. Mayroon akong isang matandang babae na kilala ko - si Stepanida Varfolomeevna, mula sa Old Believers. Nakatira sila sa Bear Lane - may prayer house sila doon. At pagkatapos ay pinalayas sila sa sementeryo ng Preobrazhenskoe. Doon sa Preobrazhensky kilala ako ng lahat. Kahit na ang mga matatandang babae ay pinahintulutan akong iguhit ang kanilang mga sarili at ang mga babaeng tagapagsanay. Nagustuhan nila na ako ay isang Cossack at hindi naninigarilyo. At pagkatapos ay dumating sa kanila ang isang guro mula sa Urals, Anastasia Mikhailovna. Nagsulat ako ng sketch mula sa kanya sa hardin ng alas dos. At nang ipasok niya ito sa larawan, natalo niya ang lahat.

Ngunit hindi natapos ng sketch na ito ang gawain. Sinubukan din niyang isulat ang mukha ng kanyang asawa, at pagkatapos ay nakita niya ang isang mambabasa mula sa Urals. "At habang ipinapasok ko ito sa larawan, natalo niya ang lahat." Mula dito, sumulat siya ng isang sketch, na nilagdaan noong 1886 at may pangalang "Head of the noblewoman Morozova."

Ang gawaing ito, na nakumpleto ang paulit-ulit na paghahanap, ay iningatan nang mahabang panahon sa koleksyon ng pamilya ng artist at kabilang sa bilang ng "itinatangi", hindi napapailalim sa pagbebenta. Siya ay lalo na mahal sa artist. Sinabi nila na ang "itinatangi" na pinuno ng Morozova ay nagpahayag ng pagnanais na bumili ng isa sa mga Russian Grand Dukes. "Wala kang sapat na pera, prinsipe," matapang at desididong sagot ng artista. Ngayon ang "Head of the noblewoman Morozova" ay nasa Tretyakov Gallery.

Ang mortal na maputla, haggard, na may nagniningas na mga mata, nanginginig na butas ng ilong at kinakabahan na mga labi, ang mukha ng boyar ay puno ng madamdamin na pananalig, kalooban at apoy na mahirap alisin ang iyong sarili mula dito. Sa manipis na pigura ni F.P. Si Morozova, sa manipis na mahabang daliri ng kanyang mga kamay, sa paraan ng kanyang pag-upo, nanginginig na kumakapit sa kareta gamit ang isang kamay, at ang kabilang kamay ay bumaril sa isang dalawang daliri na tanda - ipinarating ni V. Surikov ang kanyang madamdamin na buhay at malungkot na kapalaran.

Bakit ang isang tao ay maaaring tumayo nang ilang oras sa harap ng larawang ito, sa lahat ng oras ay nakatuklas ng isang bagong bagay para sa sarili sa loob nito, tinitingnan at nararanasan, nagtataka at hinahangaan ang malalim na sikolohikal na pagiging tunay nito at hinahangaan ang kahanga-hangang paglalaro ng mga kulay? Marahil dahil ang pagiging martir ay may hindi magagapi na kapangyarihan sa kaluluwang Ruso? Yumuko siya sa harap niya, at ito ay tiyak sa "kaakit-akit na kapangyarihan ng pagdurusa ng ibang tao" (ayon sa banayad na pangungusap ng manunulat na si V. Nikolsky) na isa sa mga dahilan para sa pagiging kaakit-akit ng "Boyar Morozova", bago kung saan ang Surikov yumuyuko pa rin ang karamihan.

Masugid na nag-aaral ng kalikasan, si Surikov ay hindi kailanman naging alipin niya. Ang malalim na makatotohanang pakiramdam na likas sa kanya ay palaging gumabay sa kanya sa pagpili at paglalahat ng mga impresyon ng katotohanan. Ang masining na konsepto ng Surikov ay ganap na ipinakita sa "Boyaryna Morozova", isang gawa ng panahon ng kanyang pagiging malikhain, ang pinakamataas na pamumulaklak ng mga malikhaing kapangyarihan. Ang "Boyarynya Morozova" ay malalim at malinaw na pambansa kapwa sa nilalaman, at sa mga larawang nilikha ng artist, at sa mga karakter na ipinahayag dito, at sa larawang solusyon nito, sa "musika" ng kulay mismo. Ito ay isang gawain na maaaring lumitaw lamang sa lupang Ruso, lalo na malapit at naiintindihan ng isang taong Ruso. At sa parehong oras, ang unibersal, kahalagahan ng mundo ng "Boyar Morozova" ay hindi mapag-aalinlanganan. Ang kalunos-lunos, kabayanihan na simula na nakapaloob dito, ang kaakit-akit na pagkakaisa nito ay pumukaw sa sinumang pusong sensitibo sa sining.