Ang panahon ng Baroque ay tinatawag sa sining ng Italya noong ika-17 siglo. Ang istilong ito, na naging isa sa nangingibabaw sa pagpipinta ng Europa, ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sensual na buong-dugo na pang-unawa sa mundo, ang dinamismo ng mga masining na solusyon. Na may espesyal na pagkakumpleto, ito ay ipinahayag sa malakihang pagpaplano ng lunsod, arkitektura at pictorial ensembles. Ang pagkakaiba-iba ng sining ng Italyano ay tinutukoy ng pagkakaiba-iba ng mga lokal na artistikong tradisyon, ngunit, tulad ng sa Renaissance, ang pokus ng mga artista ay nananatiling imahe ng tao.

Si Pietro da Cortona, arkitekto at pintor, ay pumasok sa kasaysayan ng sining bilang may-akda ng mga sikat na siklo ng mga pagpipinta na nagpalamuti sa mga palasyo ng Roma at Florence. Ang kanyang komposisyon na "The Return of Hagar" ay isang mahusay na halimbawa ng isang easel painting ng isang master na naghangad na bigyan ang Baroque style ng halos klasikal na higpit ng solusyon.

Ang kasagsagan ng istilong Baroque ay nauugnay sa gawain ng Neapolitanong si Luca Giordano, na nagtrabaho sa iba't ibang lungsod ng Italya at naimpluwensyahan ang maraming mga artista. Ang dynamics ng paggalaw at panloob na kalunos-lunos na likas sa kanyang mga gawa ay lubos na nahayag sa mga imahe ng altar, sa mga siklo ng monumental at pandekorasyon na mga canvase at mga pagpipinta sa dingding. Ang brush ng natitirang master na ito sa koleksyon ng Museo ay nagmamay-ari ng ilang mga gawa na nagpapahintulot sa isa na hatulan ang laki ng kanyang talento. Ito ay mga kuwadro na gawa sa alegorya, evangelical at mythological na mga paksa - "Ang Parusa kay Marsyas", "Kasal sa Cana ng Galilea", "Pagdurusa ng St. Lawrence". Ang pinakamaganda sa kanila, nang walang pag-aalinlangan, ay ang komposisyon na "Pag-ibig at mga bisyo ay nag-aalis ng sandata sa Katarungan".

Ang ilang mga gawa ay kumakatawan sa paaralang Neapolitan, na minarkahan ng pagka-orihinal ng pag-unlad. Sa politika, ang Pangalawang Kaharian ng Naples ay nasa ilalim ng pamamahala ng korona ng Espanya, na nag-iwan ng marka sa pag-unlad ng sining. Ang pagpipinta ni Bernardo Cavallino na "The Expulsion of Iliodor from the Temple", kung saan ang mga tradisyong pang-akademiko ay na-refracte sa kakaibang paraan, at ang mga dramatikong gawa ni Andrea Vaccaro ("Maria at Martha") at Domenico Gargiulo (" Paglilipat ng Arko ng Ang Tipan ni Haring David sa Jerusalem”) ay nagpapatotoo sa pagkakaiba-iba ng mga artistikong paghahanap sa loob ng mga indibidwal na paaralan.

Ang istilong Baroque ay nagbigay ng malakas na puwersa sa pag-usbong ng landscape, still life, genre painting sa kanilang natatanging pambansang bersyon ng Italyano.

Sa pagliko ng ika-17-18 na siglo, ang sining ay nahaharap sa gawain ng pagtagumpayan ng akademya, na naging isang hanay ng mga abstract na formula. Sa Bologna, ang kuta ng tradisyong pang-akademiko, si Giuseppe Maria Crespi, na mahusay na gumamit ng paglalaro ng chiaroscuro, ay nilulutas ang mga relihiyoso (“Banal na Pamilya”) at mga paksang mitolohiya (“Ang mga nimfa na nagdidisarmahan ng mga kupido”) sa isang bagong paraan, na pinupuno sila ng isang buhay na tao pakiramdam. Ang Genoese na si Alessandro Magnasco, na nagtrabaho sa Milan, Florence, Bologna, batay sa mga nakalarawang tradisyon noong ika-17 siglo, ay bumuo ng mga romantikong tendensya. Ang mga tampok ng katawa-tawa ay likas sa kanyang hindi pangkaraniwang mga komposisyon na isinulat na may isang kinakabahan na gumagalaw na brushstroke na may mga eksena mula sa buhay ng mga monghe at mga gumagala na aktor ("Landscape with monks", "Meal of madre", "Educated magpie"). At kahit na ang buhay-nagpapatibay mythological tema ng "Bacchanalia" sa interpretasyon ng master ay puno ng isang pakiramdam ng malalim na mapanglaw. Ginawa ng artist ang canvas na ito sa pakikipagtulungan ni Clemente Spera, ang may-akda ng mga guho ng arkitektura.

Ang panahon ng isang bagong pagtaas ay bumagsak sa ika-18 siglo, nang ang istilong Rococo ay itinatag sa lupang Italyano, ang mga tampok na nagbibigay kulay sa mga gawa ng iba't ibang genre - isang larawan (Sagrestani "Portrait of a Man", Luigi Crespi "Portrait of a Girl with a Basket of Flowers"), isang imahe ng mga eksena ng pang-araw-araw na buhay (isang imitator ng Longhi " Meeting of the procurator with his wife"), mga painting sa mga eksena mula sa sinaunang kasaysayan at mitolohiya (Crosato "The Finding of Moses", Pittoni "Ang Kamatayan ni Sofonisba", Sebastiano Ricci "Ang Centurion bago si Kristo"). Ang huling maliwanag na panahon sa kasaysayan ng sining ng Italyano ay nauugnay sa Venice, na noong ika-18 siglo ay nagdala ng isang buong kalawakan ng mga pintor ng pinakamataas na antas. Ang isang espesyal na lugar sa kanila ay nararapat na inookupahan ni Giambattista Tiepolo, isang natitirang pintor ng kanyang panahon, isang kinikilalang master ng monumental at pandekorasyon na pagpipinta, na nakatanggap ng maraming mga order mula sa mga bansang European. Ang kanyang brush ay kabilang sa komposisyon ng altar na "Madonna and Child with Saints", pati na rin ang malayang naisagawang mga sketch na "Death of Dido" at "Two Saints".

Sa seksyon ng ika-18 siglo, ang malaking interes ay ang mga gawa ng Romanong pintor na si Panini ("Benedict XIV ay bumisita sa Trevi Fountain"), na, sa genre ng mga landscape na may mga guho na motif, ay ang nangunguna sa Pranses na si Hubert Robert, kaya lubos na pinahahalagahan sa Russia.

Sa Venice, na ang nakakaakit na kagandahan ay hindi nag-iiwan ng sinuman na walang malasakit, isang espesyal na direksyon ng pagpipinta ng landscape ay nabuo - ang imahe ng lungsod kasama ang mga palasyo, mga kanal, mga parisukat na puno ng isang motley na kaakit-akit na karamihan ng tao. Ang mga canvases ng Canaletto, Bernardo Bellotto, Marieschi, na kabilang sa genre ng architectural veduta, ay nabighani sa ilusyon na katumpakan ng imahe, habang ang mga gawa ng kamara ni Francesco Guardi, na tinatawag na capriccio landscapes, ay hindi gaanong nagpaparami ng mga tunay na pananaw gaya ng nag-aalok sa manonood. isang tiyak na mala-tula na imahe ng lungsod.

Si Gianantonio Guardi, hindi tulad ng kanyang nakababatang kapatid na si Francesco, ay nakakuha ng katanyagan bilang master ng mga komposisyon na may mga pigura sa mga tema ng bibliya, mitolohiko at makasaysayang. Ang eksposisyon ay nagtatanghal ng kanyang pagpipinta na "Alexander the Great sa katawan ng Persian king Darius", na kinikilala bilang isang tunay na obra maestra ng master. Sa panahon ng karnabal at ang makikinang na pag-usbong ng musika, mahusay na gumagamit ng wika ng texture at kulay, si Guardi ay lumilikha ng isang di malilimutang pictorial symphony, na natatakpan ng buhay na paggalaw ng damdamin ng tao. Sa mataas na tala na ito, ang panahon ng pinakadakilang pamumulaklak ng sining ng Italyano, na nagsimula sa Renaissance, ay nagtatapos.

Ipakita ang buong teksto

Ang mga pangunahing tampok ng sining ng ika-17 siglo. Ang pagkahilig ng mga baroque masters patungo sa mga malalaking sukat, kumplikadong mga anyo, monumental na kasiyahan, kalungkutan - ang paghahanap para sa mga paraan na nagpapahusay sa pagiging epektibo ng mga nilikha na imahe. Kaya naman ang ideyalisasyon ng mga makasagisag na solusyon, pagsasadula ng mga plot, pagtaas ng emosyonalidad, hyperbolicity, makulay na irrationality, pagmamalabis ng naturalistic effect, kasaganaan at kayamanan ng mga accessory at detalye, ang paggamit ng mga kumplikadong anggulo, liwanag at mga contrast ng kulay, na idinisenyo upang lumikha ng isang mapanlinlang na impression ng "mga buhay na larawan". Sa Baroque synthesis ng sining, ang iskultura at pagpipinta ay nasa ilalim ng arkitektura, na patuloy na nakikipag-ugnayan dito. Pinalamutian ng mga makukulay na mural ang mga domes, plafond at dingding, na lumilikha ng ilusyon ng isang napakalawak na espasyo. Ang iskulturang puno ng dynamics ay kaakit-akit at hindi mapaghihiwalay sa arkitektura. Ang mga tagalikha ng malawak na arkitektura at pandekorasyon na mga ensemble ay kasama sa kanilang komposisyon at kalikasan, na binago ng kamay ng tao. Pinagsasama-sama nila ang mga parisukat at kalye na katabi ng pinakakinakatawan na mga gusali, colonnade, terrace, eskultura, fountain at cascades. May pagnanais para sa isang malawak na saklaw ng katotohanan sa sining.

Baroque Baroque - mula sa "kakaiba, kakaiba" - ang istilo ng sining ng Europa at Amerika noong huling bahagi ng ika-16 hanggang kalagitnaan ng ika-18 siglo. Nauugnay sa noble-church architecture ng mature absolutism. Gravitates patungo sa solemne "grand style". B. ay nailalarawan sa pamamagitan ng kaibahan, tensyon, dinamismo ng mga imahe, ang pagnanais para sa kadakilaan at karilagan, ang kumbinasyon ng katotohanan at ilusyon, at ang pagsasanib ng iba't ibang uri ng sining. Ang arkitektura ni B. ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang spatial na saklaw, pagkakaisa, at pagkalikido ng mga kumplikado, kadalasang mga curvilinear na anyo. Para sa iskultura at pagpipinta - mga kamangha-manghang pandekorasyon na komposisyon, mga seremonyal na larawan. Mga kinatawan ng B. - P. Rubens, V. Rastrelli, P. Calderon, T. Tasso, A. van Dyck, F. Borromini.

Ang magkapatid na Carracci. Carracci, isang pamilya ng mga Italyano na pintor mula sa Bologna noong unang bahagi ng ika-17 siglo, ang mga tagapagtatag ng akademya sa pagpipinta ng Europa. Sa pagliko ng ika-16 - ika-17 siglo sa Italya, bilang isang reaksyon sa mannerism, nabuo ang isang akademikong kalakaran sa pagpipinta. Ang mga pangunahing prinsipyo nito ay inilatag ng magkakapatid na Carracci - Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) at Annibale (1560-1609). Nagsumikap sila para sa malawakang paggamit ng pamana ng Renaissance, na tinawag kasama nito para sa pag-aaral ng kalikasan. Nakatayo sa pinagmulan ng pagpipinta ng Italyano noong ika-17 siglo, higit na tinutukoy nila ang katangian nito. Ang aktibidad ng mga masters na ito, na minarkahan ang isang pagbabago sa pag-unlad ng sining ng Italyano, ay nakatanggap ng isang mahusay na tugon sa European artistic circles, na pinadali din ng katotohanan na mula sa 90s ng ika-16 na siglo, ang magkapatid na Carracci at Caravaggio ay nagtrabaho sa Roma.

GIOVANNI LORENZO BERNINI Petsa ng kapanganakan: Disyembre 7, 1598 (1598 -1207) Lugar ng kapanganakan: Naples Petsa ng kamatayan: Nobyembre 28, 1680 (1680 -11 -28) (edad 81) Lugar ng kamatayan: Rome Citizenship: Italy Genre: iskultura, arkitektura Estilo: baroque

"Ang Ecstasy ni Saint Teresa"

FRANCESCO BORROMINI Petsa ng kapanganakan Setyembre 25, 1599 (159909 -25) Lugar ng kapanganakan Bissone, Ticino Petsa ng kamatayan Agosto 2, 1667 (1667 -08 -02) (67 taon) Lugar ng kamatayan Rome Baroque na istilo ng arkitektura

Caravaggio Michela Angelo Merisi de Caravaggio (Italian Michelangelo Merisi de Caravaggio; Setyembre 28, 1573, Milan - Hulyo 18, 1610, Grosseto [hindi tinukoy na 123 araw], Tuscany) - Italyano na pintor, repormador ng European painting noong ika-17 siglo, isa ng pinakadakilang masters baroque. Walang mga relihiyosong balangkas, may mga tunay na tema at larawan, "isang tao mula sa karamihan" Nagpapakita ng layunin sa mundo, mga sitwasyon sa buhay, pagkakaiba-iba at kayamanan Ang empatiya ng manonood sa larawan: ang manonood ay kalahok sa aksyon. Fragmentation Ang imahe ng Santo ay inilalarawan bilang tunay na makalupa. Distribusyon ng insidente liwanag: theatrical light, ramp lighting, beam lighting: dark background, one-sided selective lighting. Ang paggamit ng bedspreads - "mga antigong kurtina" - mabigat, naka-draped na tela . Lokal na pulang kulay Problema sa buhay at kamatayan Maganda at pangit

"Ang Tawag ni Apostol Mateo"

"Madonna Rosario" 1607.

Rubens Peter Paul 1577, Siegen, Germany - 1640, Antwerp. Flemish pintor at draftsman. Pinuno ng Flemish School of Baroque Painting. Ang diwa ng optimismo na nagpapatunay sa buhay ay nagpapakilala sa mga painting ni Rubens sa mga antigong tema sa kanilang solemne na ritmo, kadakilaan at buong-dugo na mga imahe, kung minsan ay pinagkalooban ng mabigat na katawan. Napakalaki ng malikhaing hanay ng Rubens, na tumutukoy sa mga tema ng Luma at Bagong Tipan, sa imahe ng mga santo, sa sinaunang mitolohiya at makasaysayang paksa, sa alegorya, pang-araw-araw na genre, portrait, landscape. Ang kanyang sining, na pinagkalooban ng isang masigla at malakas na pakiramdam ng kalikasan at hindi mauubos na imahinasyon, ay mayaman sa mga motif ng balangkas, detalyadong pagsasadula ng aksyon, iba't ibang mga solusyon sa komposisyon, isang kasaganaan ng mga figure at accessories, intensity ng damdamin at kalunus-lunos na mga kilos. Batay sa mataas na ideya ng Renaissance humanism tungkol sa tao, nakuha ni Rubens ang kanyang mga bayani, malayo sa mga klasikal na mithiin, sa pagtaas ng pisikal at espirituwal na stress. Ang pakiramdam ng walang hanggang elemento ng kalikasan sa kanyang mga gawa ay napapailalim sa pangkalahatang ideya ng pagkakaisa ng malawak na mundo, ang kalinawan ng plastik na imahinasyon. Muling pag-isipan ang masining na karanasan ng nakaraan alinsunod sa sistema ng baroque art, ang master ay lumilikha ng isang natatanging mundo ng mga imahe kung saan ang mga tampok ng conventionality at panlabas na kadakilaan na katangian ng baroque ay umuurong bago ang malakas na presyon ng buhay na katotohanan. Sa paghahanap ng pagluwalhati ng imahe, nag-uumapaw na enerhiya, ang pakikibaka ng mga magkasalungat na pwersa, ang artista ay nasa con. Ang 1610s ay malawak at magkakaibang naghahatid ng dinamika ng paggalaw, na lumalabag sa klasikal na prinsipyo ng isang nakapaloob na espasyo sa komposisyon.

Anthony van Dyck Marso 22, 1599 - Disyembre 9, 1641) - Pintor ng South Dutch (Flemish) at graphic artist, master ng mga portrait ng korte at mga eksena sa relihiyon sa istilong Baroque. Napanatili ni Anthony van Dyck ang kanyang pangako sa Flemish realism. Sa kanyang pinakamahusay na mga gawa - sa mga larawan ng mga tao ng iba't ibang klase, antas ng lipunan, naiiba sa mental at intelektwal na make-up - tama niyang natagpuan ang mga indibidwal na pagkakatulad at natagos sa panloob na espirituwal na kakanyahan ng modelo. Ang mga karaniwang larawan ni Van Dyck ay nagbibigay ng ideya ng katangian ng isang buong panahon sa kasaysayan ng Europa. Sa portraiture, lumikha siya ng isang uri ng makikinang na aristokratikong larawan, ang imahe ng isang pino, intelektwal, marangal na tao, na nabuo ng isang aristokratikong kultura, pino at marupok. Ang mga bayani ng van Dyck ay mga taong may maseselang katangian, na may haplos ng mapanglaw, at kung minsan ay nakatagong kalungkutan, panaginip. Ang mga ito ay kaaya-aya, edukado, puno ng mahinahon na pagtitiwala at isang pakiramdam ng kalayaan, at sa parehong oras ay hindi gumagalaw sa pag-iisip; ang mga ito ay hindi mga kabalyero, ngunit mga ginoo, mga sekular na tao sa korte o mga taong may pinong talino, na umaakit sa espirituwal na aristokrasya. Gumawa siya ng mga kumplikadong komposisyon na may mga pandekorasyon na background at mga motif ng landscape at arkitektura. Ang mga pinahabang proporsyon, mapagmataas na postura, nagpapakita ng kilos, pasikat na mga fold ng damit ay nagpahusay sa kahanga-hangang mga imahe. Ang kakilala sa pagpipinta ng mga Venetian ay nagdala ng saturation, kayamanan ng mga shade, pinigilan ang pagkakaisa sa kanyang palette. Ang kilos at kasuotan ay nagpasimula sa karakter ng taong inilalarawan. Ang pintor ay nagpinta ng mga larawan ng maharlikang pamilya, pinakintab na mga courtier, na madalas itago ang kanilang panloob na kahungkagan sa likod ng kagandahan ng kanilang hitsura. Ang komposisyon ng mga larawan ay naging mas kumplikado, pandekorasyon, ang makulay na hanay ay naging malamig na mala-bughaw-pilak.

Snyders Frans (1579-1657) Flemish na pintor. Ang pinakamalaking Flemish master ng still life at pintor ng hayop. Tinawag si Frans Snyders na "The Rubens of the Still Life", napakaliwanag ng kanyang kontribusyon sa tradisyon ng ganitong genre ng Flemish painting. Ang mga monumental na canvases na naglalarawan ng mga tindahan ng karne, isda, gulay at prutas ay nagdala ng mahusay na katanyagan sa artist. Ang malalaking pandekorasyon na mga gawa na ito, na nilikha upang palamutihan ang mga interior ng grand palasyo, ay naglalaman ng diwa ng Flemish Baroque. Si Snyders ay isang kahanga-hangang pintor ng hayop, lumikha siya ng mga eksena sa pangangaso, mga sketch ng hayop, ipinakilala ang mga larawan ng mga alagang hayop sa kanyang "mga tindahan" at "kusina". Ang mga gawa ni Snyders ay napakapopular sa mga maharlikang Flemish at Espanyol.

Jacob Jordaens Jordaens, Jordans (Jordaens) Jacob (1593 -1678), isang Flemish na pintor na nagpinta ng mga relihiyoso, historikal, mitolohikal, alegorikal na mga pagpipinta, gayundin ang pang-araw-araw na genre na mga pagpipinta na may kasing laki ng mga pigura at larawan. Ipinanganak sa Antwerp noong Mayo 19, 1593 sa pamilya ng isang mangangalakal ng tela. Maliwanag na sensual na pang-unawa sa buhay, optimismo, malakas na paghubog ng mga anyo. Ang pagpipinta ng Jordaens ay lubhang makulay, ang katawan ng mga pigura ay humihinga sa kalusugan at pagiging bago, lalo na ang mga babae; malakas at mapusok ang galaw ng mga tauhan sa mga painting. Sa mga pagpipinta ng Jordans, tulad ng sa mga gawa ni Rubens, mayroong higit na kapangyarihan at enerhiya kaysa sa kagandahan ng mga anyo at biyaya. Ang komposisyon ng mga kuwadro na gawa ng Flemish artist ay libre at mayaman, ang pagpapatupad ay libre at mabilis din. Sa mga unang gawa ng Jordans na may emphasized materiality ng mga bagay, contrasting chiaroscuro, ang plebeian character ng mga figure na naka-grupo sa foreground. Mga tampok ng kanyang masining na wika: predilection para sa mga full-blooded peasant at burgher type, heavy at strong figures, juicy details, gravitation patungo sa genre interpretation ng mythological at relihiyosong mga tema, siksik na energetic na pagpipinta na may nangingibabaw na softly nuanced warm tones.

"Bean King"

Jusepe Ribera (1591-1652) Espanyol (sa kapanganakan) pintor at engraver. Isang tagasunod ng Italian master na si Michelangelo de Caravaggio, isang kinatawan ng makatotohanang kalakaran sa pagpipinta ng Europa noong ika-17 siglo. Natanggap niya ang kanyang artistikong edukasyon sa Valencia at Roma. Ginugol niya ang halos lahat ng kanyang buhay sa Naples, kung saan siya ay naging pintor ng korte ng mga Espanyol na Viceroy. Gumawa siya ng mga painting sa mga paksa ng bibliya at ebanghelyo, nagpinta ng mga eksena mula sa buhay ng mga santo, binibigyang pansin ang mga tema ng hermitage at mga eksena ng martir na puno ng drama. Nilikha niya ang seryeng "Apostles" at "Poor Philosophers", nagpinta ng mga larawan, mga pagpipinta sa mga antigong paksa, mga eksena sa genre. Sa panahon ng kanyang buhay, siya ay napakapopular, tinatangkilik ang pagtangkilik ng haring Espanyol. Si Ribera ay isa sa pinakamahalagang artista sa panahon ng Baroque. Ang kanyang trabaho ay kabilang sa parehong Italyano at Espanyol na sining, dahil ang kanyang istilo, mayaman at kumplikado, ay naging panimulang punto sa pag-unlad ng paaralang Neapolitan, at salamat sa maraming mga gawa na dinala sa Espanya, nagkaroon siya ng malaking impluwensya sa karamihan ng mga artistang Espanyol.

Diego Rodriguez de Silva Velazquez (1599-1660) Ang mga larawang nilikha ni Velasquez noong 1630-1640 ay nagdala sa kanya ng karapat-dapat na katanyagan ng master ng genre na ito. Bagama't ang mga larawan ni Velazquez ay kadalasang walang kilos at galaw, ang mga ito ay hindi pangkaraniwang makatotohanan at natural. Ang background ay pinili sa isang paraan upang lilim ang figure hangga't maaari, ang scheme ng kulay ay mahigpit, ngunit pinasigla ng maingat na napiling mga kumbinasyon ng mga kulay. Naihatid ni Velazquez ang karakter ng isang tao sa isang portrait, upang ipakita ang hindi pagkakapare-pareho ng kanyang mga katangian ng karakter. Ang pinakatanyag ay ang mga larawan ni Don Juan Mateos (1632), Heneral Olivares (1633), ang equestrian portrait ni King Philip III (1635), Pope Innocent X (1648), pati na rin ang isang serye ng mga larawan ng mga duwende at jester ( Los truhanes). Ang mga larawan ng huling yugto ng akda ni Velázquez ay higit na nailalarawan sa kasiningan at sikolohikal na pagkakumpleto (Infanta Maria Teresa, 1651; Philip IV, 1655-1656; Infanta Margaret ng Austria, noong mga 1660).

Ang tunay na korona ng obra ni Velazquez ay ang kanyang dalawang obra sa Prado - Las Meninas (1656) at Spinners (c. 1657). Ang pagpipinta na "Menin" (sa Portuges - menina - isang batang aristokratikong babae na isang lady-in-waiting kasama ang mga Spanish infantes, kaya ang larawan ay tinatawag ding "Ladies of the Lady" o "Ladies of the Court") sa madilim na kapaligiran ng isang maluwang na silid ng palasyo. Sa kauna-unahang pagkakataon sa kasaysayan ng pagpipinta, ipinakita ni Velasquez ang buhay ng maharlikang korte sa pang-araw-araw na termino, na inilalantad sa manonood ang kanyang pang-araw-araw na buhay, na parang nasa likod ng mga eksena. Ang buong larawan ay binuo sa isang kumplikadong dialectic ng pagpapababa ng opisyal na kadakilaan at pagtataas ng tunay. Bagama't pinagsasama ng Las Meninas ang mga tampok ng pang-araw-araw na pagpipinta at isang larawan ng grupo, ang gawain ay higit pa sa mga genre na ito.

Moscow State Regional University

Sanaysay sa Kasaysayan ng Sining

sining ng Italyano noong ika-17 siglo.

Ginawa:

mag-aaral ng sulat

33 grupo ng Faculty of Fine Arts at HP

Minakova Evgenia Yurievna.

Sinuri:

Moscow 2009

• Italya noong ika-17 siglo
• Arkitektura. Estilo ng Baroque sa arkitektura.
• Arkitektura. maagang baroque.
• Arkitektura. Mataas, o mature, baroque.
• Arkitektura. Baroque architecture sa labas ng Rome.
• Art. Pangkalahatang katangian.
• Art. maagang baroque.
• Art. Makatotohanang daloy.
• Art. Ang pangalawang henerasyon ng mga artista ng paaralan ng Bologna.
• Art. Mataas, o mature, baroque.
• Art. Huling baroque.

Mula sa kalagitnaan ng ika-16 na siglo, ang makasaysayang pag-unlad ng Italya ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagsulong at tagumpay ng pyudal na reaksyong Katoliko. Mahina sa ekonomiya, nahati-hati sa magkakahiwalay na mga independiyenteng estado, hindi kayang labanan ng Italya ang pagsalakay ng mas makapangyarihang mga bansa - France at Spain. Ang mahabang pakikibaka ng mga estadong ito para sa pangingibabaw sa Italya ay natapos sa tagumpay ng Espanya, na sinigurado ng isang kasunduan sa kapayapaan sa Cato Cambresi (1559). Mula noon, ang kapalaran ng Italya ay malapit na konektado sa Espanya. Maliban sa Venice, Genoa, Piedmont, at mga Estado ng Papa, ang Italya sa halos dalawang siglo ay sa katunayan ay isang lalawigan ng Espanya. Kasama ng Espanya ang Italya sa mga nagwawasak na digmaan, na kadalasang naganap sa teritoryo ng mga estado ng Italya, ay nag-ambag sa pagkalat at pagpapalakas ng pyudal na reaksyon sa Italya, kapwa sa ekonomiya at sa kultural na buhay.

Ang nangingibabaw na posisyon sa pampublikong buhay ng Italya ay inookupahan ng aristokrasya at ng mas mataas na klerong Katoliko. Sa mga kondisyon ng malalim na paghina ng ekonomiya ng bansa, ang malalaking sekular at pyudal na panginoon lamang ng simbahan ang mayroon pa ring makabuluhang materyal na yaman. Ang mga Italyano - mga magsasaka at mga taong-bayan - ay nasa isang napakahirap na sitwasyon, ay tiyak na mapapahamak sa kahirapan at maging sa pagkalipol. Ang protesta laban sa pyudal at dayuhang pang-aapi ay makikita sa maraming tanyag na pag-aalsa na sumiklab sa buong ika-17 siglo at kung minsan ay ipinapalagay ang kakila-kilabot na sukat, tulad ng pag-aalsa ni Masaniello sa Naples.

Ang pangkalahatang katangian ng kultura at sining ng Italya noong ika-17 siglo ay dahil sa lahat ng mga tampok ng makasaysayang pag-unlad nito. Ito ay sa Italya na ang sining ng Baroque ay nagmula at tumatanggap ng pinakamalaking pag-unlad. Gayunpaman, dahil nangingibabaw sa sining ng Italyano noong ika-17 siglo, hindi lamang ang direksyong ito. Bilang karagdagan dito at kasabay nito, ang mga makatotohanang paggalaw ay umuunlad, na nauugnay sa ideolohiya ng demokratikong strata ng lipunang Italyano at tumatanggap ng makabuluhang pag-unlad sa maraming mga sentro ng sining sa Italya.

Ang monumental na arkitektura ng Italya noong ika-17 siglo ay nasiyahan sa halos eksklusibong mga pangangailangan ng Simbahang Katoliko at ng pinakamataas na sekular na aristokrasya. Sa panahong ito, pangunahing mga gusali ng simbahan, palasyo at villa ang itinayo.

Ang mahirap na kalagayang pang-ekonomiya sa Italya ay naging imposibleng magtayo ng napakalaking istruktura. Kasabay nito, kailangan ng simbahan at ng pinakamataas na aristokrasya na palakasin ang kanilang prestihiyo, ang kanilang impluwensya. Samakatuwid - ang pagnanais para sa hindi pangkaraniwang, mapag-aksaya, seremonyal at matalim na solusyon sa arkitektura, ang pagnanais para sa mas mataas na decorativeness at sonority ng mga form.

Ang pagtatayo ng kahanga-hanga, bagaman hindi masyadong malalaking istruktura ay nag-ambag sa paglikha ng ilusyon ng panlipunan at pampulitika na kagalingan ng estado.

Naabot ng Baroque ang pinakamalaking tensyon at pagpapahayag nito sa relihiyon, mga gusali ng simbahan; ang mga anyong arkitektura nito ay ganap na tumutugma sa mga prinsipyo ng relihiyon at bahagi ng ritwal ng militanteng Katolisismo. Sa pamamagitan ng pagtatayo ng maraming simbahan, sinikap ng Simbahang Katoliko na palakasin at palakasin ang prestihiyo at impluwensya nito sa bansa.

Ang istilong Baroque na binuo sa arkitektura ng panahong iyon ay nailalarawan, sa isang banda, sa pamamagitan ng pagnanais para sa monumentalidad, at, sa kabilang banda, sa pamamayani ng pandekorasyon at pictorial na simula sa tectonic.

Tulad ng mga gawa ng pinong sining, ang mga baroque architectural monuments (lalo na ang mga gusali ng simbahan) ay idinisenyo upang mapahusay ang emosyonal na epekto sa manonood. Ang makatuwirang prinsipyo, na sumasailalim sa sining at arkitektura ng Renaissance, ay nagbigay daan sa hindi makatwiran na prinsipyo, static, kalmado - dinamika, pag-igting.

Ang Baroque ay isang istilo ng mga kaibahan at hindi pantay na pamamahagi ng mga elemento ng komposisyon. Ang partikular na kahalagahan dito ay malaki at makatas na curvilinear, arched form. Ang mga istruktura ng Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng frontality, façade construction. Ang mga gusali ay nakikita sa maraming mga kaso mula sa isang gilid - mula sa gilid ng pangunahing harapan, madalas na nakakubli sa dami ng istraktura.

Ang Baroque ay nagbabayad ng malaking pansin sa mga ensemble ng arkitektura - urban at parke, ngunit ang mga ensemble ng oras na ito ay batay sa iba pang mga prinsipyo kaysa sa mga ensemble ng Renaissance. Ang mga baroque ensemble sa Italya ay itinayo sa mga pandekorasyon na prinsipyo. Ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng paghihiwalay, paghahambing ng kalayaan mula sa pangkalahatang sistema ng pagpaplano ng urban area. Ang isang halimbawa ay ang pinakamalaking ensemble ng Roma - ang parisukat sa harap ng Cathedral of St. Peter.

Ang mga colonnade at pandekorasyon na pader na nagsara ng espasyo sa harap ng pasukan sa katedral ay sumasakop sa magulo, random na mga gusali sa likod nila. Walang koneksyon sa pagitan ng parisukat at ng kumplikadong network ng mga daanan at mga random na bahay na katabi nito. Ang mga hiwalay na gusali na bahagi ng mga Baroque ensembles, kumbaga, ay nawawalan ng kalayaan, ganap na nagsusumite sa pangkalahatang disenyo ng komposisyon.

Ang Baroque ay nagbigay ng problema sa art synthesis sa isang bagong paraan. Ang eskultura at pagpipinta, na gumaganap ng napakahalagang papel sa mga gusali noong panahong iyon, na magkakaugnay sa isa't isa at madalas na nakakubli o hindi-malinaw na deformed na mga anyong arkitektura, ay nag-ambag sa paglikha ng impresyong iyon ng kayamanan, karilagan at karangyaan na palaging ginagawa ng mga monumento ng Baroque.

Ang malaking kahalagahan para sa pagbuo ng isang bagong istilo ay ang gawain ni Michelangelo. Sa kanyang mga gawa, nakabuo siya ng isang bilang ng mga anyo at pamamaraan na kalaunan ay ginamit sa arkitektura ng Baroque. Ang arkitekto na si Vignola ay maaari ding ilarawan bilang isa sa mga kagyat na nangunguna sa Baroque; sa kanyang mga gawa ay mapapansin ng isa ang isang bilang ng mga unang palatandaan ng istilong ito.

Isang bagong istilo - ang istilong Baroque sa arkitektura ng Italyano - pinapalitan ang Renaissance noong 80s ng ika-16 na siglo at umuunlad sa buong ika-17 at unang kalahati ng ika-18 siglo.

Karaniwan, sa loob ng arkitektura ng panahong ito, tatlong yugto ang maaaring makilala: maagang baroque - mula 1580s hanggang sa katapusan ng 1620s, mataas, o mature, baroque - hanggang sa katapusan ng ika-17 siglo at mamaya - ang unang kalahati ng Ika-18 siglo.

Ang mga arkitekto na sina Giacomo della Porta at Domenico Fontana ay itinuturing na mga unang Baroque masters. Sila ay kabilang sa susunod na henerasyon na may kaugnayan sa Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari at natapos ang kanilang aktibidad sa simula ng ika-17 siglo. Kasabay nito, tulad ng nabanggit kanina, ang mga tradisyon ng huling Renaissance ay patuloy na nabubuhay sa gawain ng mga masters na ito.

Giacomo della Porta. Si Giacomo della Porta (1541-1608) ay isang estudyante ng Vignola. Ang maagang pagtatayo nito - ang simbahan ng Site Katarina sa Funari (1564) - sa istilo nito ay kabilang sa Renaissance. Gayunpaman, ang harapan ng simbahan ng del Gesu, na natapos ng arkitekto na ito pagkatapos ng pagkamatay ni Vignola (mula noong 1573), ay mas baroque kaysa sa orihinal na proyekto ng kanyang guro. Ang harapan ng simbahang ito na may katangiang dibisyon sa dalawang tier at side volutes, ang plano ng pagtatayo ay isang modelo para sa isang bilang ng mga simbahang Katoliko sa Italya at iba pang mga bansa. Nakumpleto ni Giacomo della Porta pagkamatay ni Michelangelo ang pagtatayo ng malaking simboryo ng Cathedral of St. Peter. Ang master na ito ay din ang may-akda ng sikat na villa Aldobrandini sa Frascati malapit sa Roma (1598-1603). Gaya ng dati, ang pangunahing gusali ng villa ay matatagpuan sa gilid ng bundok; ang isang double-sided rounding ramp ay humahantong sa pangunahing pasukan. Sa tapat ng gusali ay magkadugtong sa hardin. Sa paanan ng bundok ay may isang kalahating bilog na grotto na may mga arko, sa itaas nito ay may isang kaskad ng tubig na nababalutan ng mga hagdan. Ang gusali mismo ay isang napakasimpleng prismatic form, na kinumpleto ng isang malaking punit na pediment.

Sa komposisyon ng villa, sa mga istruktura ng parke na bumubuo nito at sa likas na katangian ng mga detalye ng plastik, ang pagnanais para sa sadyang kagandahan, ang pagpipino ng arkitektura, kaya katangian ng Baroque sa Italya, ay malinaw na ipinahayag.

Sa oras na isinasaalang-alang, ang sistema ng parke ng Italya ay sa wakas ay nahuhubog. Ito ay nailalarawan sa pagkakaroon ng isang solong axis ng parke, na matatagpuan sa slope ng bundok na may maraming mga slope at terrace. Ang pangunahing gusali ay matatagpuan sa parehong axis. Ang isang tipikal na halimbawa ng naturang complex ay ang Villa Aldobrandini.

Domenico Fontana. Ang isa pang pangunahing arkitekto ng unang bahagi ng Baroque ay si Domenico Fontana (1543-1607), na kabilang sa mga Romanong kahalili nina Michelangelo at Vignola. Ang kanyang pinakamahalagang gawain ay ang Lateran Palace sa Roma. Ang palasyo, sa anyo na ibinigay ni Fontana, ay isang halos regular na parisukat na may isang parisukat na patyo na nakapaloob sa loob. Ang solusyon sa harapan ng palasyo ay ganap na nakabatay sa arkitektura ng Palazzo Farnese ni Antonio Sangallo the Younger. Sa pangkalahatan, ang pagtatayo ng palasyo ng Italya noong ika-17 siglo ay batay sa karagdagang pag-unlad ng uri ng komposisyon ng palasyo-palazzo, na binuo ng arkitektura ng Renaissance.

Kasama ang kanyang kapatid na si Giovanni Fontana, itinayo ni Domenico sa Roma noong 1585-1590 ang Aqua Paolo fountain (nang walang attic, na kalaunan ay ginawa ni Carlo Maderna). Ang arkitektura nito ay batay sa muling paggawa ng mga antigong triumphal arches.

Carlo Maderna. Ang estudyante at pamangkin ni Domenico Fontana - Carlo Maderna (1556-1629) sa wakas ay nagpalakas ng bagong istilo. Ang kanyang trabaho ay transisyonal sa panahon ng binuo baroque.

Ang isang maagang gawa ni Maderno ay ang harapan ng sinaunang Kristiyanong basilica ng Susanna sa Roma (c. 1601). Nilikha batay sa scheme ng facade ng Church of the Gesù, ang facade ng Church of Susanna ay malinaw na nahahati sa mga order, pinalamutian ng mga estatwa sa mga niches at maraming pandekorasyon na dekorasyon.

Noong 1604, hinirang si Maderna bilang punong arkitekto ng Katedral ng St. Peter. Sa utos ni Pope Paul V, gumawa si Maderna ng isang proyekto para sa pagpapalawak ng katedral sa pamamagitan ng pagdaragdag ng harap, pasukan na bahagi. Iginiit ng klero na pahabain ang krus na Griyego sa anyo ng Latin, na naaayon sa tradisyon ng arkitektura ng simbahan. Bilang karagdagan, ang mga sukat ng Michelangelo Cathedral ay hindi ganap na sumasakop sa lugar kung saan matatagpuan ang sinaunang basilica, na hindi katanggap-tanggap mula sa pananaw ng mga ministro ng simbahan.

Bilang isang resulta, kapag nagtatayo ng isang bagong harap na harapan ng katedral, ganap na binago ni Maderna ang orihinal na plano ni Michelangelo. Inisip ng huli na ang katedral ay nakatayo sa gitna ng isang malaking parisukat, na magpapahintulot sa isa na maglakad sa paligid ng gusali at makita ito mula sa lahat ng panig. Si Maderna, kasama ang kanyang extension, ay isinara ang mga gilid ng katedral mula sa viewer: ang lapad ng facade ay lumampas sa lapad ng longitudinal na bahagi ng templo. Ang pagpapahaba ng gusali ay humantong sa katotohanan na ang simboryo ng Katedral ng St. Ang Petra ay ganap na napapansin lamang sa napakalaking distansya, habang papalapit siya sa gusali, unti-unti siyang nawawala sa likod ng dingding ng harapan.

Ang ikalawang panahon ng arkitektura ng baroque - ang panahon ng kapanahunan at pag-unlad ng istilo - ay nauugnay sa gawain ng mga pangunahing masters: L. Bernini, F. Borromini, C. Rainaldi - sa Roma, B. Longhena - sa Venice, F. Ricchini - sa Milan, Guarino Guarini - sa Turin.

Lorenzo Bernini. Ang sentral na pigura ng mature na Baroque ay si Lorenzo Bernini (1598-1680). Siya ay hindi lamang isang arkitekto, kundi pati na rin ang pinakamalaking iskultor ng ika-17 siglo sa Italya.

Mula noong 1629, ipinagpatuloy ni Bernini, pagkatapos ng pagkamatay ni Maderna, ang pagtatayo ng Katedral ng St. Peter. Noong 1633, nagtayo siya ng isang malaking bronze canopy sa katedral sa itaas ng pangunahing simboryo, na sinusuportahan ng apat na baluktot, mahalagang deconstructive na mga haligi. Ayon sa tradisyon, ang canopy na ito ay karaniwang itinuturing na unang gawa ng mature na Baroque. Ang interior decoration ni Bernini ng katedral ay iminungkahi sa kanya ng proyekto ni Michelangelo. Ang palamuti na ito ay isang magandang halimbawa ng interior ng baroque na simbahan.

Ang pinakamalaking gawaing arkitektura ng Bernini ay ang disenyo ng parisukat sa harap ng Cathedral of St. Pedro (1655-1667). Ang arkitekto ay lumikha ng dalawang parisukat - isang malaking elliptical, na naka-frame ng mga haligi, at isang hugis-trapezoid na parisukat na direktang katabi nito, na nakatali sa kabaligtaran ng pangunahing harapan ng katedral. Isang obelisk at dalawang mga fountain na may simetriko na matatagpuan sa loob ng oval square.

Ipinagpatuloy ni Bernini at binuo ang ideya ni Maderna: ginagawang imposible ng mga colonnade na lapitan ang katedral mula sa mga gilid. Tanging ang pangunahing harapan ang nananatiling naa-access sa manonood.

Ang marilag na arkitektura ng Piazza Bernini ay isang karapat-dapat na backdrop para sa seremonya ng kongreso ng maharlika para sa solemne na serbisyo, na naganap sa katedral. Noong ika-17 at ika-18 siglo, ang kongresong ito ay isang kahanga-hanga at solemne na panoorin. Square ng Cathedral of St. Ang Petra ay ang pinakamalaking Italian Baroque ensemble.

Sa Vatican, nilikha ni Bernini ang pangunahing Royal Staircase - "Scala Reggia" ("Rock of the Site"), kung saan ginamit niya ang pamamaraan ng artipisyal na pagpapalakas ng pagbawas ng pananaw. Dahil sa unti-unting pagpapaliit ng martsa at pagbabawas ng mga haligi, ang impresyon ng isang mas malawak na lalim ng silid at isang pagtaas sa laki ng hagdanan mismo ay nilikha.

Kabilang sa mga pinaka-katangian na gawa ni Bernini ay ang maliit na simbahan ng San Andrea sa Quirinale (1678), ang pangunahing harapan nito ay may anyo ng isang portal na may mga pilasters at isang tatsulok na pediment. Ang portal na ito ay, kumbaga, mekanikal na nakakabit sa pangunahing dami ng gusali, na hugis-itlog sa plano.

Ang pangunahing gawain ni Bernini sa larangan ng sibil na arkitektura ay ang Palazzo Odescalchi sa Roma (1665), nagpasya ayon sa karaniwang pamamaraan ng Renaissance. Ang compositional center ng gusali ay, gaya ng dati, ang courtyard, na napapalibutan ng mga arcade sa unang palapag. Ang pamamahagi ng mga bintana sa mga facade at ang kanilang dekorasyong palamuti ay kahawig din ng isang ika-16 na siglong palazzo. Tanging ang gitnang bahagi ng pangunahing harapan ay dinisenyo sa isang bagong paraan: ang dalawang itaas na palapag ay sakop ng isang malaking pagkakasunud-sunod sa anyo ng mga Corinthian pilasters, ang unang palapag na may kaugnayan sa order na ito ay gumaganap ng papel ng isang pedestal. Ang ganitong pagkasira ng facade wall ay magiging laganap sa ibang pagkakataon, sa arkitektura ng klasisismo.

Ipinagpatuloy din ni Bernini ang pagtatayo ng Palazzo Barberini na sinimulan ni Maderna. Ang istraktura ay walang saradong patyo, karaniwan para sa mga palasyong Italyano. Ang pangunahing gusali ay nakatali sa magkabilang panig ng mga outbuilding na nakausli pasulong. Ang gitnang bahagi ng pangunahing façade ay nakikita bilang isang appliqué na pinatong, para sa mga layuning pampalamuti, sa ibabaw ng dingding. Ang gitnang risalit ay may napakalawak at matataas na arko na mga bintana, na may mga semi-column na nakalagay sa pagitan nila; sa unang palapag ay may malalim na loggia. Ang lahat ng ito ay malinaw na nakikilala ang gitnang bahagi ng harapan mula sa mas malalaking bahagi ng gilid, na pinalamutian ng mga tradisyon ng arkitektura ng ika-16 na siglo. Ang isang katulad na pamamaraan ay napakalawak din sa arkitektura ng baroque ng Italyano.

Ang interesante ay ang hugis-itlog na hagdanan ng Palazzo Barberini na may mga spiral marches na sinusuportahan ng dobleng Tuscan column.

Francesca Borromsh. Hindi gaanong mahalaga para sa Italian Baroque ang gawain ni Francesco Borromini (1599-1667), isang empleyado ng Bernini, at kalaunan ay ang kanyang karibal at kaaway. Ang mga gawa ng Borromini ay partikular na magarbo at "dynamic" na mga anyo. Dinala ni Borromini ang istilong Baroque sa pinakamataas na intensity nito.

Ang pangunahing gawain ng Borromini sa larangan ng arkitektura ng templo ay ang simbahan ng San Carlo "sa apat na bukal" (1638-1667). Ang harapan nito ay nakikita bilang isang independiyenteng komposisyon ng arkitektura, na independiyente sa gusali. Ito ay binibigyan ng mga curving, kulot na anyo. Sa loob ng façade na ito, makikita ang buong arsenal ng mga baroque form - punit-punit na arcuate cornice, oval cartouch at iba pang mga detalye ng dekorasyon. Ang simbahan mismo ay may kumplikadong hugis sa plano, na kahawig ng dalawang kampana na nakasalansan kasama ng kanilang mga base. Ang kisame ay isang hugis-itlog na simboryo. Tulad ng maraming iba pang mga gusali noong panahong iyon, ang komposisyon ng simbahan ay batay sa kaibahan ng panlabas at panloob na mga volume ng arkitektura, sa hindi inaasahang epekto na nangyayari kapag pumapasok sa gusali.

Ang isa sa pinakamahalagang gawa ng arkitekto ay ang simbahang Romano ng San Ivo, kasama sa pagtatayo ng Sapiencia (unibersidad, 1642-1660). Dapat pansinin ang kumplikadong mga balangkas ng plano ng simbahan at ang kumpletong pagkakaiba sa pagitan ng panlabas at panloob na mga shell ng simboryo. Mula sa labas, ang isa ay nakakakuha ng impresyon ng isang mataas na drum at isang patag na simboryo na sumasaklaw sa drum na ito. Pagpasok sa loob, kumbinsido ka na ang ikalimang bahagi ng takip ng simboryo ay matatagpuan nang direkta sa base ng drum.

Dinisenyo ni Borromini ang Villa Falconieri sa Frascati. Bilang karagdagan, itinayo niya muli ang Palazzo Spada at nagtrabaho bago si Bernini sa Palazzo Barberini (tingnan sa itaas).

Carlo Reinaldi. Si Carlo Rainaldi (1611-1691) ay isa sa mga pangunahing tagapagtayo ng kasagsagan ng Baroque. Ang pinakamahalagang gawa ni Rainaldi ay ang mga simbahan ng San Agnese at Site Maria sa Campitelli.

Ang simbahan ng San Agnese (nagsimula noong 1651) ay matatagpuan sa axis ng Piazza Navona, na nagpapanatili ng mga balangkas ng sinaunang sirko ng Domitian na matatagpuan dito kanina. Ang parisukat ay pinalamutian ng mga Baroque fountain ng Bernini na tipikal sa panahong ito. Ang simbahan ay may sentrik na plano at nakumpleto na may malaking simboryo; ang arched, concave façade nito ay napapalibutan ng mga bell tower sa magkabilang gilid. Hindi tulad ng karamihan sa mga simbahang Romano noong panahong iyon, ang simboryo ay hindi nakatago sa pamamagitan ng eroplano ng harapan, ngunit nagsisilbing pangunahing komposisyonal na sentro ng buong parisukat.

Ang simbahan ng Site Maria sa Campitelli ay itinayo nang maglaon, noong 1665-1675. Ang two-tiered na façade nito, na idinisenyo ayon sa sistema ng simbahan ng del Gesù, at ang panloob na disenyo ay isang tipikal na halimbawa ng mature na arkitektura ng baroque.

Pag-aari din ni Rainaldi ang likurang harapan ng simbahang Romano ng Santa Maria Maggiore (1673).

Noong ika-17 siglo, ang arkitektura ng Roma ay pinayaman ng ilang mga bagong villa na matatagpuan sa paligid ng lungsod. Bilang karagdagan sa Villa Doria Pamphili, na itinayo ng mga arkitekto na sina Algardi at Grimaldi (c. 1620), bukod sa iba pa, nilikha ang Villa Mandragone at Villa Torlonia - parehong matatagpuan sa Frascati, pati na rin ang Villa d "Este sa Tivoli. Ang mga seremonyal na ito Ang mga estates ay magagandang swimming pool, mga hanay ng cypress, evergreen shrubs, iba't ibang pinalamutian na terrace na may balustrades, grottoes, maraming eskultura... Ang refinement at ningning ng dekorasyong dekorasyon ay madalas na pinagsama sa mga elemento ng wildlife na ipinakilala sa artipisyal na nilikha na landscape.

Ang Baroque sa labas ng Roma ay nagdala ng maraming pangunahing arkitekto. Nagtrabaho si Bartolomeo Bianco sa Genoa noong ika-17 siglo. Ang kanyang pangunahing gawain ay ang pagtatayo ng Unibersidad ng Genoa (mula noong 1623) na may isang kahanga-hangang patyo na napapaligiran ng dalawang palapag na mga arcade at magagandang hagdanan na magkadugtong sa kanila. Dahil sa ang katunayan na ang Genoa ay matatagpuan sa isang dalisdis ng bundok, tulad ng isang amphitheater na bumababa sa dagat, at ang ilang mga gusali ay itinayo sa mga plot na may malaking slope, ang huli ay pinangungunahan ng paglalagay ng mga gusali at courtyard sa iba't ibang antas. Sa gusali ng Unibersidad, ang front vestibule, ang gitnang patyo at, sa wakas, ang mga hagdan na humahantong sa hardin, na matatagpuan sa likod ng openwork two-tier arcade, ay naka-strung sa pataas na pagkakasunud-sunod sa isang compositional na pahalang na matatagpuan na axis.

Ang arkitekto na si Baltassare Longena (1598-1682) ay nagtrabaho sa Venice. Ang kanyang pangunahing gawain ay ang pinakamalaking, kasama ang Katedral ng St. Mark, Simbahan ng Venice Santa Maria delle Salute (1631-1682); ito ay nasa arrow sa pagitan ng Giudecca Canal at ng Grande Canal. Ang simbahang ito ay may dalawang domes. Sa likod ng pangunahing, octahedral volume, na may tuktok na simboryo, mayroong pangalawang volume na naglalaman ng isang altar; ito ay pinagkalooban din ng isang simboryo, ngunit mas maliit na ang sukat. Ang pasukan sa templo ay pinalamutian sa anyo ng isang triumphal arch. Ang drum ng pangunahing simboryo ay konektado sa mga pangunahing dingding ng simbahan sa pamamagitan ng 16 na spiral volutes na may mga eskultura na naka-install sa kanila. Pinayaman nila ang silweta ng gusali, bigyan ito ng isang espesyal na karakter. Sa kabila ng ningning ng dekorasyon, ang panlabas na anyo ng simbahan ay nagpapakita ng isang tiyak na pagkapira-piraso ng arkitektura at pagkatuyo ng mga detalye. Sa loob, ang simbahan, na may linyang kulay abong marmol, ay maluwang, ngunit malamig at pormal.

Sa Grand Canal ng Venice pareho ang pinakamahalagang palazzo na itinayo ni Longena - Palazzo Pesaro (c. 1650) at Palazzo Rezzonico (1680). Sa mga tuntunin ng istraktura ng kanilang mga facade, ang huli ay sa maraming paraan na katulad ng mga palasyo ng Venice sa panahon ng Renaissance, lalo na sa Palazzo Corner Sanso Vino, ngunit sa parehong oras ay naiiba sila mula sa kanila na walang kapantay na higit na saturation at pandekorasyon na mga anyo.

Ang arkitekto na si Gvarino Guarini (1624-1683), na isang monghe ng order ng Theatines, ay nagtrabaho sa Turin. Guarino Guarini - "ang pinaka-baroque sa lahat ng mga arkitekto ng baroque" - ay maihahambing sa kanyang malikhaing ugali kay Francesco Borromini lamang. Sa kanyang mga gawa, madalas niyang ginagamit para sa mga pandekorasyon na layunin, bilang karagdagan sa mga karaniwang anyo, mga reworked motif ng Moorish at Gothic na arkitektura. Nagtayo siya ng maraming gusali sa Turin, kabilang ang Palazzo Carignano (1680), engrande at marilag, ngunit puro pandekorasyon ang disenyo. Karaniwan ang desisyon ng pangunahing gusali ng palazzo. Sa pangunahing hugis-parihaba na dami nito, kumbaga, ang gitnang bahagi ay ipinasok sa harap na hagdanan na kumplikadong ipinaglihi. Ang mga pader na nakatali dito, at mga martsa ay may arcuate na hugis sa plano. Ang lahat ng ito ay makikita sa harapan nang naaayon. Kung ang mga lateral na seksyon nito ay nagpapanatili ng mga hugis-parihaba na balangkas, kung gayon ang gitna ay isang eroplano na baluktot sa magkasalungat na direksyon na may isang puwang sa gitna, kung saan ang isang ganap na magkakaibang motif ay ipinasok sa anyo ng isang appliqué - isang two-tiered loggia din ng isang hubog na hugis. Ang mga pambalot ng bintana sa mga facade ay may sirang pagsasaayos ng cartilaginous. Ang mga pilaster ay may tuldok na maliliit at graphic na anyo.

Kabilang sa mga simbahan na itinayo ni Guarini, ang simbahan ng Madonna della Consolata na may isang hugis-itlog na nave, sa likod kung saan mayroong isang hexagonal na altar, ay dapat na i-highlight. Ang mga simbahang itinayo ni Gvarini ay mas kakaiba at kumplikado sa anyo kaysa sa kanyang mga sibil na gusali.

Sa visual arts, tulad ng sa arkitektura ng Italya, noong ika-17 siglo, ang estilo ng Baroque ay naging nangingibabaw. Ito ay lumitaw bilang isang reaksyon laban sa "mannerism", ang malayo at kumplikadong mga anyo na kung saan ay sinasalungat, una sa lahat, sa pamamagitan ng mahusay na pagiging simple ng mga imahe, na nakuha kapwa mula sa mga likha ng mga masters ng High Renaissance, at dahil sa isang malayang pag-aaral ng kalikasan. Maingat na tumitingin sa klasikal na pamana, madalas na humihiram ng mga indibidwal na elemento mula dito, ang bagong direksyon ay nagsusumikap para sa pinakamalaking posibleng pagpapahayag ng mga anyo sa kanilang magulong dinamika. Ang mga bagong diskarte sa larawan ay tumutugma din sa mga bagong paghahanap ng sining: ang kalmado at kalinawan ng komposisyon ay pinalitan ng kanilang kalayaan at, kung gayon, sa pamamagitan ng pagkakataon. Ang mga numero ay inilipat mula sa kanilang sentral na posisyon at itinayo sa mga grupo pangunahin sa mga linya ng dayagonal. Ang konstruksiyon na ito ay may malaking kahalagahan para sa Baroque. Pinahuhusay nito ang impresyon ng paggalaw at nag-aambag sa isang bagong paglipat ng espasyo. Sa halip na hatiin ito sa magkakahiwalay na mga layer, na karaniwan para sa sining ng Renaissance, ito ay sakop ng isang sulyap, na lumilikha ng impresyon ng isang random na fragment ng isang napakalawak na kabuuan. Ang bagong pag-unawa sa espasyo ay nabibilang sa pinakamahalagang tagumpay ng Baroque, na gumanap ng isang tiyak na papel sa karagdagang pag-unlad ng makatotohanang sining. Ang pagnanais para sa pagpapahayag at dinamika ng mga anyo ay nagbibigay ng isa pang tampok, hindi gaanong tipikal ng Baroque - ang paggamit ng lahat ng uri ng mga kaibahan: mga kaibahan ng mga imahe, mga paggalaw, mga kaibahan ng mga iluminado at mga plano ng anino, mga kaibahan ng kulay. Ang lahat ng ito ay kinumpleto ng isang binibigkas na pananabik para sa dekorasyon. Kasabay nito, nagbabago din ang pictorial texture, lumilipat mula sa isang linear-plastic na interpretasyon ng mga form patungo sa isang mas malawak na kaakit-akit na paningin.

Ang mga nabanggit na tampok ng bagong istilo ay nakakuha ng higit at mas tiyak na mga tampok sa paglipas ng panahon. Binibigyang-katwiran nito ang paghahati ng sining ng Italyano noong ika-17 siglo sa tatlong hindi pantay na pangmatagalang yugto: "maaga", "mature", o "mataas", at "huli" na baroque, na ang pangingibabaw ay mas matagal kaysa sa iba. Ang mga tampok na ito, pati na rin ang mga chronological na limitasyon, ay mapapansin sa ibang pagkakataon.

Ang baroque art ng Italy ay pangunahing nagsisilbi sa nangingibabaw at itinatag pagkatapos ng Council of Trent Catholic Church, mga prinsipeng korte at maraming maharlika. Ang mga gawaing itinakda sa harap ng mga artista ay kasing dami ng ideolohikal na pandekorasyon. Ang dekorasyon ng mga simbahan, pati na rin ang mga palasyo ng maharlika, mga monumental na kuwadro na gawa ng mga domes, plafonds, mga dingding sa pamamaraan ng fresco ay umuunlad nang walang uliran. Ang ganitong uri ng pagpipinta ay nagiging espesyalidad ng mga artistang Italyano na parehong nagtrabaho sa kanilang tinubuang-bayan at sa Germany, Spain, France, at England. Pinapanatili nila ang isang hindi maikakaila na priyoridad sa lugar na ito ng pagkamalikhain hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Ang mga tema ng mga pagpipinta ng simbahan ay mga magagandang tanawin ng pagluwalhati sa relihiyon, mga dogma o mga santo nito at ang kanilang mga gawa. Sa mga plafond ng mga palasyo, nangingibabaw ang mga alegorikal at mitolohiyang mga plot, na nagsisilbing pagluwalhati sa mga pamilyang may kapangyarihan at kanilang mga kinatawan.

Ang malalaking pagpipinta ng altar ay karaniwan pa rin. Sa kanila, kasama ang mga solemne marilag na larawan ni Kristo at ng Madonna, ang mga larawang may pinakamalakas na epekto sa manonood ay karaniwan lalo na. Ito ang mga eksena ng mga pagbitay at pagdurusa sa mga santo, gayundin ang kanilang mga estado ng lubos na kaligayahan.

Ang sekular na pagpipinta ng easel ay kusang-loob na kumuha ng mga tema mula sa Bibliya, mitolohiya at sinaunang panahon. Bilang mga independiyenteng uri nito, ang tanawin, ang genre ng labanan, at ang still life ay nabubuo.

Sa gilid ng ika-16 at ika-17 na siglo, dalawang uso ang lumitaw bilang isang reaksyon laban sa mannerism, kung saan nabuo ang lahat ng kasunod na pagpipinta ng Italyano: Bolognese academicism at caravaggism.

Balanse na Paaralan. Ang magkapatid na Carracci. Ang akademikong Bologna ay nabuo sa isang magkakaugnay na sistemang masining na nasa kalagitnaan na ng 1580s. Tatlong artista ng Bolognese - Ludovico Carracci (1555-1609) at ang kanyang mga pinsan na sina Agostino (1557-1602) at Annibale (1560-1609), na sumasakop sa unang lugar sa mga kapatid - ay bumubuo ng mga pundasyon ng isang bagong istilo, na pangunahing batay sa sa pag-aaral ng klasikal na pamana noong ika-16 na siglo. Ang impluwensya ng paaralang Venetian, ang gawain ni Correggio at kalaunan ang sining ng Romano noong ika-16 na siglo ay nagiging sanhi ng isang mapagpasyang pagliko mula sa mannerism patungo sa pagiging simple, at sa parehong oras ang kamahalan ng mga imahe.

Ang mga unang gawa ng magkakapatid na Carracci sa pagpipinta ng mga palasyo ng Bologna (Palazzo Fava, Palazzo Magnani) ay hindi pa nagpapahintulot sa amin na malinaw na makilala ang kanilang mga tampok na pangkakanyahan. Ngunit ang mga kuwadro na gawa ng easel ni Annibale Carracci, kung saan ang mga alaala sa paaralan ng Parma sa una ay malakas, ay tumutukoy sa isang umuusbong na maliwanag na artistikong indibidwalidad. Noong 1587 at 1588, lumikha siya ng dalawang altarpieces, na kung saan ay, parang, ang mga unang gawa ng bagong istilo: The Ascension of the Madonna at The Madonna with St. Matthew" (parehong nasa Dresden Gallery). Kung sa una ay mayroon pa ring maraming mannerism sa paggalaw ng mga figure at sa kanilang pagpapahayag, kung gayon ang "Madonna kasama si St. Matthew" ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang mahinahon na kamahalan ng mga imahe, na nagpapahiwatig ng simula ng isang bagong yugto sa pagpipinta ng Italyano.

Noong 1580s, binuksan ng magkapatid na Carracci ang isang Academy sa Bologna, na tinawag nilang Accademia dei Incominati (Academy on a New Path). Sa halip na ang dating pagsasanay ng mga artista sa hinaharap, na nagbigay para sa pagkuha ng mga kinakailangang kasanayan sa panahon ng pandiwang pantulong na gawain sa mga workshop ng mga pintor, nagsalita ang Carracci na pabor sa sistematikong pagtuturo ng mga paksa na kinakailangan sa pagsasanay ng artist. Kasabay ng pagtuturo ng pagguhit at pagpipinta, anatomy, pananaw, gayundin ang mga disiplinang tulad ng kasaysayan, mitolohiya, at panitikan ay itinuro sa nabanggit na Akademya. Ang bagong pamamaraan ay nakalaan upang maglaro ng isang malaking papel sa kasaysayan ng European art, at ang Bologna Academy ay ang prototype para sa lahat ng kasunod na mga akademya na nagbukas mula sa ika-17 siglo.

Noong 1595, ang magkakapatid na Carracci, na nakakuha na ng malaking katanyagan, ay inanyayahan sa Roma ni Cardinal Farnese upang ipinta ang kanyang palasyo. Tanging si Annibale lamang ang tumugon sa paanyaya, iniwan ang Bologna magpakailanman. Sa Roma, ang malapit na pakikipag-ugnay sa mga tradisyon ng lokal na paaralan at ang impluwensya ng sinaunang panahon ay nagbukas ng isang bagong yugto sa sining ng master. Matapos ang isang medyo hindi gaanong kabuluhan na pagpipinta ng isa sa mga bulwagan ng Palazzo Farnese ("Camerino", kalagitnaan ng 1590s), nilikha ni Annibale Carracci ang sikat na kisame ng gallery doon, na kung saan ay, parang, ang korona ng kanyang trabaho at ang panimulang punto para sa karamihan sa mga pandekorasyon na pagpipinta noong ika-17 siglo. Ang espasyo ng gallery (mga 20 × 6 m), na sakop ng isang mababang duct vault, nahahati ang Annibale sa isang bilang ng mga independiyenteng segment. Ang komposisyon ng konstruksyon ng plafond ay nakapagpapaalaala sa pagpipinta ng Sistine Chapel ni Michelangelo, kung saan, bilang karagdagan sa paglalagay ng eroplano, hiniram din nito ang ilusyonistikong katangian ng interpretasyon ng iskultura, buhay na mga pigura ng tao at mga kuwadro na gawa. Ang pangkalahatang tema ay ang mga kwento ng pag-ibig ng mga diyos ng Olympus. Sa gitna ng kisame ay ang masikip at maingay na "Triumphal Procession of Bacchus and Ariadne". Sa mga gilid ay may dalawa pang mythological na komposisyon, at sa ibaba ay isang strip na hiniwa ng marmol na herms at Atlanteans, sa paanan kung saan nakaupo, parang, buhay na mga binata. Ang mga figure na ito ay naka-frame alinman sa pamamagitan ng mga bilog na medalyon, ginagaya ang mga tanso, na may mga antigong eksena, o sa pamamagitan ng puro nakalarawan na mga komposisyon ng pagsasalaysay. Sa mga sulok, ang frieze na ito ay tila napunit ng imahe ng mga balustrade, kung saan ang mga cupid ay pininturahan laban sa background ng kalangitan. Ang detalyeng ito ay mahalaga bilang isang maaga, mahiyain pa rin na pagtatangka na basagin ang tunay na espasyo, isang pamamaraan na kalaunan ay naging partikular na katangian ng mga baroque plafonds. Ang plastik na kapangyarihan ng mga figure, ang iba't ibang mga pandekorasyon na anyo at makulay na kayamanan ay lumikha ng isang grupo ng pambihirang kariktan.

Ang mga easel painting na nilikha ni Annibale Carracci sa panahon ng pagkamalikhain ng mga Romano ay pangunahing nakatuon sa mga paksang pangrelihiyon. Ang malamig na pagiging perpekto ng mga anyo ay nag-iiwan ng maliit na puwang para sa pakiramdam sa kanila. Ang Lamentation of Christ (1599, Naples, National Gallery), kung saan pareho ang taas, ay kabilang sa mga eksepsiyon. Sa paraan ng pagpipinta sa karamihan ng mga kuwadro na gawa, ang pagnanais para sa isang malinaw na linear-plastic na pagkakakilanlan ng mga numero ay nananaig. Ang Myrrh-Bearing Women at the Tomb of Christ (c. 1605, Hermitage) ay kabilang sa mga pinaka-katangiang halimbawa ng ganitong uri ng gawa ng pintor.

Madalas na bumaling sa genre ng landscape, si Annibale Carracci ay nagiging ninuno ng tinatawag na "classical" na landscape, na laganap sa hinaharap. Ang kakanyahan ng huli ay namamalagi sa katotohanan na ang mga kinatawan nito, na gumagamit kung minsan ay napaka banayad na sinusunod na mga motibo ng kalikasan, ay pangunahing nagsusumikap na "palakihin" ang mga anyo nito. Ang mga landscape ay itinayo sa studio ng artist gamit ang mga detalyadong scheme, kung saan ang pagbabalanse ng masa, makinis na linya ng mga contour at ang paggamit ng mga grupo ng mga puno o mga guho bilang mga eksena ay gumaganap ng pinakamahalagang papel. Ang "Landscape with the Adoration of the Magi" ni Annibale Carracci sa Doria Gallery sa Roma ay maaaring tawaging isa sa mga unang istilong natapos na mga halimbawa ng ganitong uri.

Caravaggism. Pagkalipas ng ilang taon, pagkatapos ng pagbuo ng Bologna academism, isa pang artistikong kilusan, na higit na tutol sa mannerism, ay iniharap, na nakikilala sa pamamagitan ng isang binibigkas na paghahanap para sa realismo sa mga imahe at nagdadala ng isang higit na demokratikong katangian. Ang kalakaran na ito, na lubhang mahalaga sa pangkalahatang kasaysayan ng pag-unlad ng realismo, ay karaniwang itinalaga ng terminong "caravaggism", na hango sa pangalan ng ulo nito, Michelangelo Merisi da Caravaggio (1574-1610). Malawak na kilala sa pangalan ng lugar ng kanyang tinubuang-bayan, si Caravaggio ay umunlad bilang isang pintor sa ilalim ng impluwensya ng sining ng Northern Italy. Bilang isang binata, nagtatapos siya sa Roma, kung saan nakakaakit siya ng pansin sa isang bilang ng mga pagpipinta ng genre. Ang itinatanghal na kalahating pigura ng mga batang babae at lalaki, gypsies at cheaters ay pinagkalooban ng hindi kilalang materyalidad hanggang ngayon. Ang mga detalye ng mga komposisyon ay inilalarawan sa parehong materyal na paraan: mga basket ng mga bulaklak at prutas, mga instrumentong pangmusika. Ang pagpipinta na The Lute Player (1594-1595, Hermitage), na kabilang sa pinakamahusay na mga gawa ng bilog na ito, ay nagbibigay ng ideya ng uri ng naturang mga gawa. Ito ay katangian ng maagang Caravaggio at isang malinaw na linear na paraan ng pagpipinta.

Ang isang simpleng imahe, na walang anumang ideyalisasyon, na tiyak na naiiba sa mga enoble na larawan ni Carracci, ay ibinigay ni Caravaggio sa kanyang Bacchus (1596-1597, Florence, Uffizi),

Noong huling bahagi ng 1590s, natanggap ni Caravaggio ang unang pangunahing komisyon upang lumikha ng tatlong mga pintura para sa simbahan ng San Luigi dei Francesi sa Roma. Sa pagpipinta ng altar na "The Writing Apostle Matthew, na ang kamay ay pinamumunuan ng isang anghel" (1597-1598, nawala ang pagpipinta noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig), tinalikuran ni Caravaggio ang anumang ideyalisasyon ng apostol, na naglalarawan sa kanya ng walang bahid na katotohanan sa anyo. ng isang tao mula sa mga tao. Ang imaheng ito ay nagdulot ng matinding pagkondena sa mga customer, na humiling na ang pagpipinta ay palitan ng isa pang mas katanggap-tanggap na opsyon para sa kanila. Sa isa sa mga sumusunod na komposisyon ng parehong pagkakasunud-sunod, na kumakatawan sa "The Calling of the Apostle Matthew" (1598-1599), ibinigay ni Caravaggio ang unang halimbawa ng tinatawag na "cellar" na pagpipinta. Ang isang madilim na tono ay nangingibabaw sa larawang ito, na kaibahan sa mga detalye ng malinaw na iluminado, lalo na mahalaga para sa komposisyon: mga ulo, mga balangkas ng mga figure, mga galaw ng kamay. Ang pamamaraan na ito ay may partikular na tiyak na impluwensya sa pagpipinta ng Europa noong unang ikatlong bahagi ng ika-17 siglo.

Ang mga unang taon ng ika-17 siglo (1601-1603) ay nagmula sa isa sa mga pinakatanyag na obra maestra ng pagpipinta ni Caravaggio - "The Entombment" (Roma, Vatican Pinacoteca). Itinayo nang pahilis sa taas, ang komposisyon na ito ay nakikilala sa pamamagitan ng matinding pagpapahayag at sigla ng mga imahe; sa partikular, ang pigura ng isang nakahilig na alagad na umaalalay sa mga binti ng patay na si Kristo ay inihahatid nang may matinding realismo. Ang parehong realismo, na hindi pinapayagan ang anumang ideyalisasyon, ay nagpapakilala sa "Assumption of Mary" (1605-1606, Louvre) na isinagawa makalipas ang ilang taon. Sa itaas ng nakahigang katawan ng Madonna, bahagyang naantig ng pagkabulok, ang mga disipulo ni Kristo ay nakatayo sa matinding kalungkutan. Ang genre at pang-araw-araw na katangian ng pagpipinta, kung saan ang artist ay determinadong umalis mula sa tradisyunal na paghahatid ng tema, muling nagdulot ng pagpuna mula sa simbahan.

Ang mapanghimagsik na ugali ni Caravaggio ay patuloy na nagdala sa kanya sa banggaan sa kapaligiran. Nagkataon na sa isang pag-aaway ay napatay niya ang kanyang kalaban sa laro ng bola at napilitang tumakas mula sa Roma. Sa talambuhay ng master, isang bagong yugto ang binuksan, na minarkahan ng patuloy na pagbabago ng lugar. Matapos ang isang maikling pananatili sa Naples, natagpuan niya ang kanyang sarili sa isla ng Malta, kung saan siya ay nagkaroon ng malaking tagumpay sa paglilingkod sa Grand Master ng Order of Malta, ay nakataas sa ranggo ng maharlika, ngunit sa lalong madaling panahon, pagkatapos ng isang bagong away, napupunta siya sa kulungan. Pagkatapos ay muli siyang lumitaw sa Naples, pagkatapos ay tumanggap siya ng pahintulot na bumalik sa Roma, ngunit dahil sa pagkakamali ng mga awtoridad, napagkamalan siyang isa pa, siya ay binawian ng kanyang ari-arian, nahulog sa isang desyerto na dalampasigan at namatay sa lagnat.

Sa huling yugto ng pagkamalikhain, ang master ay lumikha ng ilang mga kahanga-hangang gawa. Kabilang sa mga pinakatanyag ay ang larawang "Portrait of the Grand Master of the Order of Malta Alof de Wignacour" (1608), na tumatama sa kapangyarihan ng realismo, pati na rin ang "Adoration of the Shepherds" (1609, Messina), katangi-tangi sa pagiging simple ng kwento at malalim na pagkatao.

Ang gawain ng master, na nakikilala sa pamamagitan ng pagiging bago ng pagmuni-muni ng buhay at ang pagka-orihinal ng mga diskarte sa pagpipinta, ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa maraming mga artista, parehong mga Italyano at dayuhan na nagtrabaho sa Roma. Kaya, ito ang pinakamahalagang pampasigla para sa pag-unlad ng realismo sa pan-European na pagpipinta noong ika-17 siglo. Sa mga Italyano, si Orazio Dsentileschi (1565-bago 1647) ay kabilang sa mga pinakakilalang tagasunod ng Caravaggio.

Domenichino. Tulad ng para sa pinakamalapit na mga mag-aaral at mga kahalili ng sining ng Carracci, bukod sa kanila si Domenichino ay lalong namumukod-tangi. Si Domenico Zampieri, na may palayaw na Domenichino (1582-1641), ay kilala bilang ang pinakamalaking exponent ng monumental narrative fresco painting noong ika-17 siglo. Pinagsasama niya dito ang kamahalan ng idealized, ngunit pinapanatili ang mga natural na anyo na may kabigatan ng paghahatid ng nilalaman. Ang mga tampok na ito ay pinaka-ganap na ipinahayag sa pagpipinta ng Romanong simbahan ng Sant'Andrea della Valle (1624-1628), kung saan sa dulo ng apse, sa gitna ng stucco, puti at gintong palamuti, inilarawan ni Domenichino ang mga eksena ng salaysay ng ebanghelyo mula sa ang buhay ng mga apostol na sina Andres at Pedro, at sa mga layag ng simboryo - apat na ebanghelista na napapalibutan ng mga anghel. Sa mga easel painting ng master, ang pinakasikat ay ang The Last Communion of St. Jerome (1614, Rome, Vatican). Ang klasisismo ng mga anyo, na bahagyang sanhi ng pagnanasa kay Raphael, ay pinagsama sa interpretasyon ng mga mukha na may malalim na relihiyosong damdamin. Ang gawa ni Domenichino ay madalas na minarkahan ng liriko na katangian ng mga imahe. Indikasyon sa bagay na ito ay ang kanyang maagang "Girl with a Unicorn", na nakasulat sa itaas ng front door ng Palazzo Farnese gallery, at lalo na ang pagpipinta, na karaniwang tinatawag na "Diana's Hunt" (1620, Rome, Borghese Gallery). Inilalarawan ng larawan ang kumpetisyon ng mga kasama ni Diana sa archery at ang episode ng paglitaw ng Actaeon sa kanila. Ang pagiging natural ng pagtatanghal ay pinahusay ng pagiging bago ng interpretasyon ng mga imahe.

Francesca Albany. Si Francesco Albani (1578-1660) ay pangunahing pintor ng easel at kawili-wili, bukod sa iba pang mga bagay, para sa pagpapakilala ng isang bagong uri ng canvas - maliit, tinatawag na "cabinet" na mga kuwadro, na idinisenyo upang palamutihan ang mga silid na may limitadong dami. Sa mga ito, inilalarawan ni Albani ang karaniwang mga idyllic na landscape, laban sa kung saan ang mga figure ng mga cupid ay nagsasaya at nagsasayaw.

Guado Reni. Si Guido Reni (1575-1642), na lumitaw pagkatapos ni Carracci bilang pinuno ng paaralang Bolognese, sa unang bahagi ng kanyang trabaho ay naimpluwensyahan ng sining ng Caravaggio. Ito ay nagpapakita ng sarili sa kawalan ng idealization ng mga imahe at ang matalim na kaibahan ng chiaroscuro ("The Crucifixion of the Apostle Peter", ca. 1605, Rome, Vatican). Gayunpaman, sa lalong madaling panahon, si Reni ay bumuo ng kanyang sariling istilo, na siyang pinaka-kapansin-pansing pagpapahayag ng isa sa mga uso na naobserbahan sa sining ng Italya noong ika-17 siglo. Ang tinatawag na "classic" na direksyon ng maagang baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpigil sa masining na wika, pati na rin ang higpit ng mga idealized na anyo. Ang istilo ni Guido Reni ay ganap na nahayag sa unang pagkakataon sa sikat na Aurora (1613-1614, Palazzo Rospigliosi), na pininturahan sa fresco technique sa kisame ng Roman Palazzo Rospigliosi. Laban sa background ng isang ginintuang-dilaw na kalangitan, na napapalibutan ng isang sayaw ng mga grasya, si Apollo ay sumugod sa isang karwahe. Si Aurora, na lumilipad sa kanyang harapan, ay nagwiwisik ng mga bulaklak sa lupa at sa dagat na tingga, na hindi pa naaaninag ng sinag ng araw. Ang linear-plastic na interpretasyon ng mga form, isang balanseng komposisyon na binuo tulad ng isang easel painting, pati na rin ang pagsalungat ng iba't ibang, ngunit naka-mute na mga kulay, ang fresco na ito ay bukod-tanging nagpapahiwatig ng maagang yugto ng pagbuo ng Baroque decorative painting. Ang parehong mga tampok, ngunit may mas contrived poses, ay din manifested sa mamaya easel painting - "Atalanta at Hippomene" (c. 1625, Naples). Madalas na ipinakilala ni Reni ang mga tampok ng sentimentalismo at pagiging matamis sa kanyang mga relihiyosong pagpipinta. The Hermitage painting The Youth of the Madonna (1610s) attracts with the intimacy of transmission of pretty girls busy with sewing. Sa ilang iba pang mga gawa, ang ideyalisasyon ng mga imahe ay hindi humahadlang sa kanilang pagiging natural at lalim ng pakiramdam (Lamentation of Christ, Bologna, Pinacoteca, 1613-1614; Madonna and Child, New York, pribadong koleksyon, huling bahagi ng 1620s).

Ang ikatlong dekada ng ika-17 siglo ay nagbubukas ng bagong yugto ng baroque art, na sakop ng konsepto ng "high, o mature, baroque". Ang mga mahahalagang tampok nito ay ang tumaas na dinamismo at pagpapahayag ng mga anyo, ang kaakit-akit ng kanilang paghahatid at ang pambihirang pagpapahusay ng dekorasyon. Sa pagpipinta, ang matinding pagiging makulay ay sumasama sa mga minarkahang tampok.

Giovanni Lanfranco. Isa sa mga masters na iginiit ang pangingibabaw ng bagong istilo, si Giovanni Lanfranco (1580-1641), na higit na umaasa sa monumental na sining ng Correggio, na noong 1625 ay lumikha ng kanyang pagpipinta ng simboryo ng Sant'Andrea della Valle, na naglalarawan ng "Paraiso" . Ang pag-aayos ng hindi mabilang na mga numero sa mga concentric na bilog - ang Madonna, mga santo, mga anghel, pinangungunahan niya ang mata ng manonood sa isang walang katapusang espasyo, sa gitna nito ay isang maliwanag na pigura ni Kristo. Ang artist na ito ay nailalarawan din sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga pigura sa malawak na masa, na bumubuo ng mga nakamamanghang daloy ng liwanag at anino. Ang parehong mga diskarte sa pagpipinta ay paulit-ulit sa mga easel painting ng Lanfranco, kung saan ang isa sa mga pinaka-nagpapahiwatig ay ang "Vision of St. Margaret of Corton" (Florence, Palazzo Pitti). Ang estado ng ecstasy at ang pagtatayo ng mga grupo sa kahabaan ng dayagonal ay lubhang katangian ng Baroque art.

Gverchino. Ang ilusyon ng isang puwang na pumuputok sa itaas ng mga ulo ng mga manonood, karaniwan sa nabuong yugto ng monumental na sining ng Baroque, ay mas tiyak kaysa sa Lanfranco, na ipinahayag ng kanyang kontemporaryong Francesco Barbieri, na may palayaw na Guercino (1591-1666). Sa kisame ng Palazzo Ludovisi sa Roma (1621-1623), gayundin sa kisame ng Guido Reni na binanggit sa itaas, inilalarawan ang Aurora, sa pagkakataong ito ay nagmamadali sa isang karwahe sa isang maulap na kalangitan. Ang mga tuktok ng mga dingding at nagtataasang mga cypress na inilalarawan sa gilid ng komposisyon, kapag tiningnan mula sa isang tiyak na punto ng view, ay lumikha ng ilusyon ng pagpapatuloy ng tunay na arkitektura ng silid. Si Guercino, na, kumbaga, ay isang link sa pagitan ng artistikong kaugalian ng Carracci at Caravaggio, ay hiniram ang karakter ng kanyang mga pigura mula sa una, at ang mga diskarte ng kanyang chiaroscuro painting mula sa huli. Ang "The Burial of St. Petronilla" (1621, Rome, Capitol Gallery) ay isa sa mga malinaw na halimbawa ng maagang pagpipinta ni Guercino, kung saan ang pagiging natural ng mga imahe ay pinagsama sa lawak at lakas ng pictorial performance. Sa "Execution of St. Catherine" (1653, Hermitage), tulad ng sa iba pang mga huling gawa ng master, ang katotohanan ng mga imahe ay pinalitan ng kagandahan ng komposisyon.

Domenico Fetti. Sa iba pang mga artista sa panahong ito, dapat ding banggitin si Domenico Fetti (1589-1624). Sa kanyang mga komposisyon, ang mga elemento ng isang makatotohanang pang-araw-araw na genre ay magkakasabay na may mayaman na makulay na palette, na naimpluwensyahan ng sining ni Rubens. Ang kanyang mga painting na "Madonna" at "Healing of Tobit" (1620s, Hermitage). na nakikilala sa pamamagitan ng sonority at lambot ng kulay, nagbibigay-daan sa iyo upang makakuha ng isang tiyak na ideya ng coloristic na paghahanap ng artist.

Lorenzo Bernini. Ang sentral na pigura ng High Baroque art ay ang makinang na arkitekto at iskultor na si Lorenzo Bernini (1599-1680). Ang iskultura ng master ay kumakatawan sa isang natatanging kumbinasyon ng lahat ng mga pinaka-katangian na katangian ng estilo ng Baroque. Organikong pinagsanib nito ang sukdulang talas ng isang makatotohanang imahe na may napakalawak na lawak ng pandekorasyon na paningin. Dito ay idinagdag ang isang hindi maunahang kasanayan sa pamamaraan ng pagproseso ng marmol, tanso, terracotta.

Ang anak ng isang iskultor, si Lorenzo Bernini ay kabilang sa mga masters na nakakahanap ng kanilang artistikong wika nang maaga at umabot sa kapanahunan halos mula sa mga unang hakbang. Nasa paligid ng 1620, si Bernini ay lumikha ng ilang mga eskultura ng marmol na nabibilang sa mga hindi mapag-aalinlanganang obra maestra. Ang kanyang estatwa na "David" ay itinayo noong 1623 (Roma, Galleria Borghese). Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang pambihirang kasanayan sa makatotohanang paghahatid ng pag-igting ng espirituwal at pisikal na puwersa ng bayani sa Bibliya, na inilalarawan sa sandali ng paghagis ng isang bato gamit ang isang lambanog. Pagkalipas ng dalawang taon, ginanap ang grupong Apollo Pursuing Daphne (1620s, Rome, Galleria Borghese). Ang mga kaakit-akit na anyo ng mga tumatakbong figure at ang pambihirang pagiging perpekto ng paggamot sa ibabaw ay kinukumpleto ng pambihirang subtlety ng pagpapahayag sa mga mukha ni Daphne, na hindi pa rin nararamdaman ang patuloy na metamorphosis (na ginagawa siyang isang puno ng laurel), at si Apollo, na nauunawaan iyon. ang biktimang naabutan niya ay hindi na mababawi.

Ang twenties at thirties ng ika-17 siglo - ang panahon ng pontificate ng Urban VIII - pinalakas ang posisyon ni Bernini bilang nangungunang pintor ng Roma. Bilang karagdagan sa maraming mga gawa sa arkitektura, lumilikha siya sa parehong panahon ng isang bilang ng mga monumental na eskultura, mga larawan, pati na rin ang mga gawa ng isang likas na pandekorasyon. Sa huli, ang "Triton Fountain" (1637) na matayog sa isa sa mga parisukat ng Roma ay kabilang sa pinakaperpekto. Ang mga kakaibang balangkas ng isang malaking shell na sinusuportahan ng mga dolphin at isang triton na matayog sa itaas nito ay kasuwato ng mga jet ng bumabagsak na tubig.

Ang malakas na binibigkas na dekorasyon ng karamihan sa mga gawa ng master ay maaaring ihambing sa mga larawan ng Constance Buonarelli (Florence, National Museum) at Cardinal Scipione Borghese (Roma, Borghese Gallery), na nauugnay sa parehong yugto ng aktibidad ni Bernini, kamangha-manghang sa mga tuntunin ng makatotohanang talas ng mga katangian mula noong 1630s.

Ang pag-akyat noong 1640 sa trono ng papa ng Innocent X ay nagsasangkot ng pansamantalang pagtanggal kay Bernini mula sa isang nangungunang papel sa pagtatayo at dekorasyon ng Roma. Sa maikling panahon na naghihiwalay sa kanya mula sa darating na opisyal na pagkilala, si Bernini ay gumaganap ng isang bilang ng mga bagong kamangha-manghang mga gawa. Isinasaisip ang pansamantalang hindi pagkilala sa kanyang mga artistikong merito, nilikha niya ang allegorical group na "The Truth Revealed by Time". Ang pigura ng oras ay nanatiling hindi natutupad, ngunit ang nakaupo na alegoriko na pigura ng babae ay humahanga sa matinding pagpapahayag ng mga makatotohanang anyo.

Ang sikat na grupo na "The Ecstasy of St. Teresa, na pinalamutian ang kapilya ng Cornaro ng simbahang Romano ng Santa Maria della Vittoria (1645-1652), Isang anghel na may palaso sa kanyang kamay ang lumilitaw sa itaas ng santo, nakasandal sa isang estado ng lubos na kaligayahan. Ang mga damdamin ni Teresa ay ipinahayag sa lahat ng hindi maiiwasan ng isang makatotohanang paghahatid. Ang interpretasyon ng kanyang malawak na kasuotan at ang pigura ng isang anghel ay naglalaman ng mga pandekorasyon na katangian. Ang puting kulay ng pangkat ng marmol, na inilagay laban sa background ng mga ginintuang sinag, ay sumasama sa mga makukulay na lilim ng may kulay na marmol ng kapaligiran ng arkitektura sa isang eleganteng kulay na grupo. Ang tema at pagganap ay napaka katangian ng istilong Baroque ng Italyano.

Ang 1628-1647 ay nagsimula sa isa sa pinakamahalagang likha ni Bernini - ang lapida ni Pope Urban VIII sa Katedral ng St. Pedro sa Roma. Sa pamamagitan ng marilag na pagpapahayag ng ideya at ang kahusayan ng solusyon sa plastik, ang monumento na ito ay kabilang sa mga pinaka-kahanga-hangang gawa ng iskultura ng libingan. Laban sa background ng isang angkop na lugar na may linya na may kulay na marmol, isang puting pedestal na may isang nagpapahayag na tansong pigura ng papa ay tumataas. Ang kanyang nakataas na kamay sa pagpapala ay naghahatid ng isang kakila-kilabot na kamahalan sa pigura. Sa ibaba, sa mga gilid ng berdeng marmol na sarcophagus ay mga puting pigura, na nagpapakilala sa mga birtud ng Urban VIII - matalinong Hustisya at Awa. Ang isang tansong kalahating pigura ng isang may pakpak na kalansay na lumalabas mula sa likod ng sarcophagus ay nakakabit sa pedestal ng isang tabla na may nakasulat na pangalan ng namatay.

Ang panahon ng pansamantalang hindi pagkilala kay Bernini ay malapit nang mapalitan ng parehong Innocent X sa pamamagitan ng kanyang pagkilala bilang opisyal na pinuno ng paaralang Romano, at halos may higit na kaluwalhatian kaysa dati. Sa mga sculptural na gawa ng ikalawang kalahati ng aktibidad ni Bernini, mapapansin ng isa ang engrandeng bronze pulpito ng Cathedral of St. Peter sa Roma, ang pigura ni Emperor Constantine na tumatakbo sa isang kabayo (ibid.), at lalo na ang paglikha ng isang bagong uri ng larawan, ang pinakamagandang larawan kung saan ay ang marmol na bust ni Louis XIV, na isinagawa ng master sa kanyang pananatili. noong 1665 (sa imbitasyon ng korte ng Pransya) sa Paris. Habang pinapanatili ang pagpapahayag ng mga tampok ng mukha, ang pangunahing pansin ay nakatuon na ngayon sa dekorasyon ng kabuuan, na nakamit ng isang kaakit-akit na interpretasyon ng dumadaloy na mga kulot ng isang malaking peluka at, parang, nahuli sa hangin, mga fluttering draperies.

Pinagkalooban ng pambihirang pagpapahayag, pagka-orihinal ng visual na istilo at pagiging perpekto ng teknikal na kasanayan, ang sining ni Bernini ay nakahanap ng hindi mabilang na mga admirer at imitator na nakaimpluwensya sa plastik na sining ng Italya at iba pang mga bansa.

Pietro da Norton. Sa mga pintor, ang pinakanagpapahiwatig ng istilong High Baroque ay si Pietro Berrettini da Norton (1596-1669). Una siyang nakilala sa kanyang mga multi-figure easel paintings ("The Victory of Alexander the Great over Darius", "The Rape of the Sabine Women" - 1620s, both - Capitoline Museum, Rome), kung saan natuklasan niya ang isang malalim. kaalaman sa materyal na kultura ng Sinaunang Roma, na nakuha bilang resulta ng pag-aaral ng mga monumento ng sinaunang panahon . Ngunit ang mga pangunahing tagumpay ng Nortons ay nabibilang sa larangan ng monumental at pandekorasyon na mga pagpipinta. Sa pagitan ng 1633 at 1639, nagsagawa siya ng isang napakagandang plafond sa Palazzo Barberini (Roma), na isang kapansin-pansing halimbawa ng Baroque decorative painting. Ang plafond ay niluluwalhati ang pinuno ng bahay ng Barberini, si Pope Urban VIII. Sa espasyo na sakop ng isang mabigat na parihabang frame, ang pigura ng Divine Wisdom na napapaligiran ng maraming alegorikal na mga karakter ay inilalarawan. Sa kaliwa sa itaas niya, isang payat na batang babae na may korona ng mga bituin sa nakataas na mga kamay, na nagpapakilala sa Kawalang-kamatayan, ay lumilipad sa langit. Mas mataas pa rin, ang makapangyarihang mga pigura ng Muses, na nagsisilbing paalala ng aktibidad ng patula ng Urban VIII, ay may malaking korona sa gitna kung saan lumilipad ang tatlong bubuyog ng Barberini coat of arms. Sa mga gilid ng frame, sa pag-ikot ng paglipat sa mga dingding, ang mga mitolohikong eksena ay inilalarawan, na nagsasabi sa isang alegorikal na anyo tungkol sa mga aktibidad ng papa. Ang kayamanan ng mga pictorial motifs, ang pagkakaiba-iba at sigla ng mga imahe ay tumutugma sa napakahusay na kinang ng kabuuan.

Ang organikong pagsasanib, na katangian ng monumental na istilo ng Nortona, sa isang solong pandekorasyon na sistema ng arkitekto ng mga komposisyon, pagpipinta at dekorasyong plastik ay natagpuan ang pinaka kumpletong pagpapahayag nito sa pagpipinta ng isang bilang ng mga bulwagan ng Palazzo Pitti sa Florence (1640s), na itinalaga. sa pamamagitan ng mga pangalan ng mga diyos ng Olympus. Sa oras na ito ang pagluwalhati ng bahay ng Medici ay nakikilala sa pamamagitan ng isang hindi pangkaraniwang iba't ibang mga komposisyon. Ang pinaka-kawili-wili ay ang plafond na nagpapalamuti sa "Hall of Mars" at nagsasalita ng mga birtud ng militar ng mga may-ari ng Palazzo. Ang dynamics na likas sa imaheng ito, ang kawalaan ng simetrya ng konstruksiyon, pati na rin ang hindi makatwiran ng komposisyon, na ipinahayag sa katotohanan na ang mga magaan na pigura ng mga cupid ay sumusuporta sa napakalaking stone coat of arms ng Medici, ay nabibilang sa matinding mga expression ng Baroque style. , na umabot na sa buong pag-unlad nito.

Kasabay nito, ang mga makatotohanang tendensya ay nahahanap ang kanilang pag-unlad sa gawain ng isang bilang ng mga Italian masters, na higit sa lahat ay nagtrabaho sa labas ng Roma.

Salvator Rosa. Kabilang sa mga pinaka orihinal na artista noong kalagitnaan ng ika-17 siglo ay si Salvator Rosa (1615-1673), na hindi lamang isang pintor, kundi isang makata, pamphleteer at aktor. Isang katutubo ng Naples, kung saan ang impluwensya ng paaralang Caravaggio ay lalong nagpapatuloy, si Rosa ay malapit sa huli sa katotohanan ng mga imahe at sa paraan ng pagpipinta na may madilim na mga anino. Ang mga tema ng gawa ng artist na ito ay lubhang magkakaibang, ngunit ang pinakamahalaga para sa kasaysayan ng sining ay ang kanyang maraming mga eksena sa labanan at mga tanawin. Sa mga komposisyon ng labanan, ang mabagyo na ugali ng artist ay nagpakita ng sarili sa buong puwersa. Ang ganitong genre ng labanan, na kinuha ng mga imitator, ay magiging laganap sa buong sining ng Europa. Ang mga landscape ng master, na naglalarawan ng mabatong baybayin ng dagat, dahil sa mga motif ng itinatanghal na kalikasan, ang dinamika ng komposisyon, ang matalim na kaibahan ng pag-iilaw at ang emosyonalidad ng pangkalahatang solusyon, ay maaaring tawaging romantiko. Kaya, maaari silang maihambing sa mga klasikal na tanawin ng paaralang Carrachi at ang lubos na makatotohanang mga tanawin ng hilagang mga paaralan. Kabilang sa mga malalaking-figure na pagpipinta ng Rosa, Odysseus at Nausicaa (1650s) at Democrat Surprising at the Agility of Protagoras (sa parehong oras) ay itinatago sa Hermitage. Nagsisilbi sila bilang mahusay na mga halimbawa ng istilo ng pagsasalaysay ng master at pamamaraan ng larawan.

Mula sa ikaanimnapung taon ng ika-17 siglo, ang huling, pinakamahabang yugto sa pag-unlad ng baroque art sa Italya, ang tinatawag na "late baroque", ay bubukas. Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng hindi gaanong higpit sa pagtatayo ng mga komposisyon, higit na magaan ng mga figure, lalo na kapansin-pansin sa mga babaeng imahe, pagtaas ng mga subtleties ng kulay, at, sa wakas, isang karagdagang pagtaas sa decorativeness.

Giovanni Battista Gauli. Ang pangunahing exponent ng mga bagong uso sa pagpipinta ay si Giovanni Battista Gauli (1639-1709), na kilala bilang isang easel painter at bilang isang artist na lumikha ng maraming fresco. Ang kanyang sining ay malapit na nauugnay sa sining ng yumaong Bernini. Kabilang sa mga pinakamahusay na gawa ni Gauli ay ang kanyang maagang maliwanag na kulay na mga pintura sa mga layag ng simbahan ng Sant'Agnese sa Piazza Navona sa Roma (c. 1665). Sa halip na ang mga ebanghelista, ang pinakakaraniwang arkitektura ng simbahan sa mga lugar na ito, ang Gauli ay naglalarawan ng mga alegorikal na eksena ng mga Kristiyanong birtud, na nakikilala sa kanilang magaan na anyo. Ang partikular na kaakit-akit ay ang isa kung saan ang dalawang batang babae ay kinakatawan, ang isa ay naglalagay ng isang korona ng mga bulaklak sa isa pa. Ang mga gawa ng mature na istilo ng Gauli ay ang mga painting ng plafond, dome at conch ng apse ng pangunahing simbahan ng Jesuit order, Il Gesu sa Roma (1670s-unang bahagi ng 1680s). Ang plafond na ito, na kilala bilang Adoration of the Name of Jesus, ay napaka-indicative ng late Baroque style. Kabilang sa nakasulat na arkitektura, na nagpapatuloy sa mga tunay na anyo ng simbahan, mayroong isang makalangit na espasyo na napupunta sa kailaliman, na puno ng hindi mabilang na mga pigura, tulad ng mga alon na kumikislap mula sa madilim hanggang sa mas magaan na mga grupo. Ang isa pang uri ng pagpipinta ng master ay ang kanyang unornamented, psychologically superbly characterized portraits ng kanyang mga kontemporaryo (Pope Clement IX, Rome, Gallery of St. Luke; Portrait of Bernini, Rome, Corsini Gallery).

Andrea Pozzo. Ang paghahanap para sa ilusyon na likas na katangian ng mga arkitekto na konstruksyon ay umabot sa pinakamataas na pag-unlad nito sa gawain ni Andrea Pozzo (1642-1709). Ang kanyang pinakamahalagang gawain - ang plafond fresco ng Simbahan ng Saint Ignazio sa Roma, na tinitingnan mula sa gitnang nave, na inilalarawan dito na may mga tier ng mga terrace, arcade, colonnades ng mga nagliliyab na pader, sa itaas kung saan si Ignatius Loyola ay nakatayo sa gitna ng maraming mga figure - lumilikha. ang ilusyon ng espasyo ng arkitektura. Tulad ng iba pang katulad na plafond, ang pagkakatugma at kawastuhan ng konstruksiyon ay agad na nilalabag sa sandaling lumayo ang manonood mula sa punto kung saan ito idinisenyo.

Ang Neapolitan Luca Giordano (1632-1705) ay kabilang din sa mga pinakasikat na masters ng decorative painting. Isang mahuhusay at napakaraming master, gayunpaman ay wala siyang lakas sa loob at pagka-orihinal at madalas na ginagaya ang ibang mga artista. Kabilang sa kanyang pinakamahusay na mga gawa ay ang plafond ng Florentine Palazzo Riccardi, na niluluwalhati ang pamilya Medici.

Sa larangan ng pagpipinta ng easel, si Carlo Maratta (1625-1713), na kabilang sa paaralang Romano noong huling bahagi ng ika-17 siglo, ay namumukod-tangi sa mga kontemporaryo ng pinangalanang mga artista. Siya ang pumalit sa pinakamalaking kinatawan ng yumaong Baroque. Ang kanyang mga pagpipinta sa altar ay nakikilala sa pamamagitan ng makinis na mga linya at marilag na kalmado ng mga komposisyon. Bilang isang malakas na artista, natagpuan niya ang kanyang sarili sa larangan ng portraiture. Sa kanyang mga obra, namumukod-tangi ang Hermitage's Portrait of Pope Clement IX (1669), matalas ang katangian at kahanga-hanga sa pagpipinta. Si Francesco Solimena (1657-1749), na nagtrabaho sa Naples, sa kanyang biblikal at alegorikal na mga pagpipinta, ay naalaala ang mga diskarte ni Caravaggio na may matalim na kaibahan ng liwanag at anino, ngunit ginagamit ang mga ito sa mga pandekorasyon na komposisyon. Ang yumaong Bolognese na si Giuseppe Maria Crespi (1664-1747), na isa sa mga pinaka mahuhusay na artista sa panahong sinusuri, ay nagkaroon ng malakas na impluwensya sa pagpipinta noong ika-18 siglo. Ang master ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malakas na binibigkas na makatotohanang oryentasyon. Ito ay nagpapakita ng sarili sa parehong mga relihiyosong komposisyon at mas malinaw sa kanyang pang-araw-araw na mga pagpipinta ("Kamatayan ni St. Joseph", ca. 1712, Hermitage; "Series of Sacraments", 1710s, Dresden Gallery).

PAGPIPINTA NG ITALY

Sa Italya, kung saan sa wakas ay nagtagumpay ang reaksyong Katoliko noong ika-17 siglo, ang sining ng baroque ay nabuo nang maaga, umunlad at naging dominanteng kalakaran.

Ang pagpipinta sa panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga kamangha-manghang pandekorasyon na komposisyon, mga seremonyal na larawan na naglalarawan ng mga mapagmataas na maharlika at kababaihan na may mapagmataas na postura, na nalulunod sa mga mararangyang damit at alahas.

Sa halip na isang linya, ang kagustuhan ay ibinigay sa isang kaakit-akit na lugar, masa, liwanag at mga kaibahan ng lilim, sa tulong kung saan nilikha ang form. Nilabag ng Baroque ang mga prinsipyo ng paghahati ng espasyo sa mga plano, ang mga prinsipyo ng direktang linear na pananaw upang mapahusay ang lalim, ang ilusyon ng pagpunta sa infinity.

Ang pinagmulan ng pagpipinta ng Baroque sa Italya ay nauugnay sa gawain ng mga kapatid na Carracci, ang mga tagapagtatag ng isa sa mga unang paaralan ng sining sa Italya - ang Academy ng mga nasa tamang landas (1585), ang tinatawag na Bologna Academy - isang workshop kung saan nag-aral ang mga baguhan na masters ayon sa isang espesyal na programa.

Annibale Carracci (1560-1609) ay ang pinaka-talino sa tatlong magkakapatid na Carracci. Sa kanyang trabaho, ang mga prinsipyo ng Bologna Academy ay malinaw na sinusubaybayan, na itinakda bilang pangunahing gawain nito ang muling pagkabuhay ng monumental na sining at ang mga tradisyon ng Renaissance sa panahon ng kanyang kasagsagan, na iginagalang ng mga kontemporaryo ni Carracci bilang isang halimbawa ng hindi matamo na pagiging perpekto at isang uri ng masining. "ganap". Samakatuwid, nakikita ni Carracci ang mga obra maestra ng kanyang mga dakilang nauna sa halip bilang isang mapagkukunan kung saan kukuha ng mga solusyon sa aesthetic na natagpuan ng mga titans ng Renaissance, at hindi bilang isang panimulang punto para sa kanyang sariling mga malikhaing paghahanap. Ang plastik na maganda, ang perpekto ay hindi para sa kanya ang "pinakamataas na antas" ng tunay, ngunit isang obligadong artistikong pamantayan - ang sining, sa gayon, ay sumasalungat sa katotohanan, kung saan ang master ay hindi nakakahanap ng isang bagong pangunahing ideyal. Kaya naman ang conventionality at abstractness ng kanyang mga imahe at pictorial solutions.

Kasabay nito, ang sining ng magkapatid na Carracci at ang akademikong Bolognese ay naging pinaka-angkop para mailagay sa serbisyo ng opisyal na ideolohiya, at hindi para sa wala na ang kanilang trabaho ay mabilis na nakakuha ng pagkilala sa mas mataas (estado at Katoliko) mga globo.

Ang pinakamalaking gawa ni Annibale Carracci sa larangan ng monumental na pagpipinta ay ang pagpipinta ng gallery ng Palazzo Farnese sa Roma na may mga fresco na nagsasabi tungkol sa buhay ng mga diyos - batay sa mga eksena mula sa Metamorphoses ng sinaunang makatang Romano na si Ovid (1597-1604). , ginawa kasama ng kanyang kapatid at mga katulong).

Binubuo ang pagpipinta ng magkakahiwalay na mga panel na patungo sa gitnang malaking komposisyon na naglalarawan ng Triumph of Bacchus at Ariadne, na nagpapakilala ng elemento ng dynamics sa kaakit-akit na grupo. Ang mga hubad na pigura ng lalaki, na inilagay sa pagitan ng mga panel na ito, ay ginagaya ang iskultura, na kasabay nito ang mga bida ng mga mural. Ang resulta ay isang kahanga-hangang malakihang gawain, kamangha-manghang hitsura, ngunit hindi pinagsama ng anumang makabuluhang ideya, kung wala ang mga monumental na ensemble ng Renaissance ay hindi maiisip. Sa hinaharap, ang mga prinsipyong ito na kinakatawan ng Carracci - ang pagnanais para sa dynamic na komposisyon, illusionistic effect at self-sufficient decorativeness - ay magiging katangian ng lahat ng monumental na pagpipinta ng ika-17 siglo.

Gusto ni Annibale Carracci na punan ang mga motif na kinuha sa sining ng Renaissance ng isang buhay na buhay, modernong nilalaman. Nanawagan siya na pag-aralan ang kalikasan, sa unang bahagi ng panahon ng pagkamalikhain, lumiliko pa siya sa pagpipinta ng genre. Ngunit, mula sa punto ng view ng master, ang kalikasan mismo ay masyadong magaspang at hindi perpekto, kaya dapat itong lumitaw sa canvas na nagbago na, pinalaki alinsunod sa mga pamantayan ng klasikal na sining. Samakatuwid, ang mga tiyak na mahahalagang motibo ay maaaring umiiral sa komposisyon lamang bilang isang hiwalay na fragment, na idinisenyo upang pasiglahin ang eksena. Kaya, halimbawa, sa pagpipinta na "The Bean Eater" (1580s), ang kabalintunaan ng artist sa kung ano ang nangyayari ay nararamdaman: binibigyang diin niya ang espirituwal na primitiveness ng isang magsasaka na sakim na kumakain ng beans; ang mga larawan ng mga pigura at bagay ay sadyang pinasimple. Ang iba pang mga pagpipinta ng genre ng batang pintor ay napanatili sa parehong diwa: "The Butcher's Shop", "Self-Portrait with Father", "Hunting" (lahat - 1580s) - adj., fig. isa.

Marami sa mga painting ni Annibale Carracci ay may mga relihiyosong tema. Ngunit ang malamig na pagiging perpekto ng mga anyo ay nag-iiwan ng maliit na puwang para sa pagpapakita ng mga damdamin sa kanila. Sa mga bihirang pagkakataon lang gumagawa ang isang artista ng ibang uri ng mga gawa. Ganyan ang Panaghoy ni Kristo (c. 1605). Sinasabi ng Bibliya kung paano pumunta ang mga banal na mananamba ni Kristo upang sumamba sa kanyang libingan, ngunit natagpuan itong walang laman. Mula sa anghel na nakaupo sa gilid ng sarcophagus, nalaman nila ang tungkol sa kanyang mahimalang muling pagkabuhay at natuwa at nabigla sa himalang ito. Ngunit ang imahe at kaguluhan ng sinaunang teksto ay hindi nakakahanap ng isang espesyal na tugon mula kay Carracci; maaari lamang niyang ikumpara ang magaan, nagliliyab na mga damit ng isang anghel na may napakalaking at static na pigura ng mga babae. Ang pangkulay ng larawan ay medyo karaniwan din, ngunit sa parehong oras ito ay nakikilala sa pamamagitan ng lakas at intensity.

Ang isang espesyal na grupo ay binubuo ng kanyang mga gawa sa mga tema ng mitolohiya, kung saan naapektuhan ang kanyang pagkahilig para sa mga masters ng Venetian school. Sa mga kuwadro na ito, niluluwalhati ang kagalakan ng pag-ibig, ang kagandahan ng hubad na katawan ng babae, ipinakita ni Annibale ang kanyang sarili bilang isang kahanga-hangang colorist, masigla at makatang artista.

Kabilang sa mga pinakamahusay na gawa ng Annibale Carracci ay ang kanyang mga gawa sa landscape. Nilikha ni Carracci at ng kanyang mga estudyante, batay sa mga tradisyon ng tanawin ng Venetian noong ika-16 na siglo, isang uri ng tinatawag na klasikal, o kabayanihan, tanawin. Binago din ng artista ang kalikasan sa isang artipisyal na nakataas na espiritu, ngunit walang panlabas na kalungkutan. Ang kanyang trabaho ay naglatag ng pundasyon para sa isa sa mga pinaka-mabungang uso sa pag-unlad ng landscape painting sa panahong ito (The Flight into Egypt, c. 1603), na pagkatapos ay natagpuan ang pagpapatuloy at pag-unlad nito sa gawain ng mga masters ng mga susunod na henerasyon, sa partikular, Poussin.

Michelangelo Caravaggio (1573-1610). Ang pinakamahalagang pintor ng Italyano sa panahong ito ay si Michelangelo Caravaggio, na maaaring mai-ranggo sa mga pinakadakilang master ng ika-17 siglo.

Ang pangalan ng artista ay nagmula sa pangalan ng bayan sa hilagang Italya kung saan siya ipinanganak. Mula sa edad na labing-isa, nagtrabaho na siya bilang isang baguhan sa isa sa mga pintor ng Milanese, at noong 1590 ay umalis siya patungong Roma, na sa pagtatapos ng ika-17 siglo ay naging sentro ng pansining ng buong Europa. Dito nakamit ni Caravaggio ang kanyang pinakamahalagang tagumpay at katanyagan.

Hindi tulad ng karamihan sa kanyang mga kontemporaryo, na nakakita lamang ng higit pa o hindi gaanong pamilyar na hanay ng mga aesthetic na halaga, nagawa ni Caravaggio na talikuran ang mga tradisyon ng nakaraan at lumikha ng kanyang sariling, malalim na indibidwal na istilo. Ito ay bahagyang resulta ng kanyang negatibong reaksyon sa mga artistikong cliché noong panahong iyon.

Hindi kailanman kabilang sa isang partikular na paaralan ng sining, sa kanyang mga unang gawa ay inihambing niya ang indibidwal na pagpapahayag ng modelo, simpleng pang-araw-araw na motibo para sa pag-idealize ng mga imahe at ang alegoriko na interpretasyon ng balangkas, katangian ng sining ng mannerism at akademiko ("Little Sick Bacchus" , “Young Man with a Basket of Fruit”, pareho - 1593).

Bagaman sa unang sulyap ay tila umalis siya sa mga artistikong canon ng Renaissance, bukod dito, ibinagsak niya ang mga ito, sa katotohanan, ang mga pathos ng kanyang makatotohanang sining ay ang kanilang panloob na pagpapatuloy, na naglatag ng mga pundasyon ng realismo ng ika-17 siglo. Ito ay malinaw na pinatunayan ng kanyang sariling mga pahayag. “Ang bawat larawan, anuman ang ilarawan nito, at kahit sino pa ang isinulat,” ang sabi ni Caravaggio, “ay hindi mabuti kung ang lahat ng bahagi nito ay hindi isinagawa mula sa kalikasan; walang mas pipiliin sa mentor na ito." Sa pahayag na ito ni Caravaggio, kasama ang kanyang likas na prangka at pagiging kategorya, ang buong programa ng kanyang sining ay kinakatawan.

Ang artista ay gumawa ng isang malaking kontribusyon sa pagbuo ng genre ng pang-araw-araw na buhay (Rounders, 1596; Boy Bitten by a Lizard, 1594). Ang mga bayani ng karamihan sa mga gawa ng Caravaggio ay mga taong mula sa mga tao. Natagpuan niya ang mga ito sa maraming tao sa kalye, sa murang mga pub at maingay na mga parisukat ng lungsod, dinala sila sa kanyang studio bilang mga sitter, mas pinipili ang partikular na pamamaraan ng trabaho kaysa sa pag-aaral ng mga sinaunang estatwa - ito ay pinatunayan ng unang biographer ng artist na si D. Bellori. Ang kanyang mga paboritong karakter ay mga sundalo, card player, manghuhula, musikero (Fortune Teller, Lute Player (parehong - 1596); Musicians, 1593) - adj., fig. 2. Sila ang "naninirahan" sa genre ng mga pagpipinta ng Caravaggio, kung saan iginiit niya hindi lamang ang karapatang umiral, kundi pati na rin ang artistikong kahalagahan ng isang pribadong pang-araw-araw na motibo. Kung sa mga unang gawa ang pagpipinta ni Caravaggio, para sa lahat ng kaplastikan at substantive persuasiveness nito, ay medyo magaspang pa rin, kung gayon sa hinaharap ay aalisin niya ang kanyang pagkukulang. Ang mga mature na gawa ng artist ay mga monumental na canvases na may pambihirang dramatikong kapangyarihan ("The Calling of the Apostle Matthew" at "The Martyrdom of the Apostle Matthew" (parehong - 1599-1600); "The Entombment", "The Death of Mary" (parehong - c. 1605-1606 )). Ang mga gawang ito, bagama't malapit ang istilo sa kanyang mga unang eksena sa genre, ay puno na ng isang espesyal na panloob na drama.

Ang kaakit-akit na paraan ng Caravaggio sa panahong ito ay batay sa makapangyarihang mga kaibahan ng liwanag at anino, nagpapahayag ng pagiging simple ng mga kilos, masiglang pagmomodelo ng mga volume, saturation ng kulay - mga diskarte na lumilikha ng emosyonal na pag-igting, na nagbibigay-diin sa matinding epekto ng mga damdamin. Karaniwan ang artist ay naglalarawan ng ilang mga figure na kinuha nang malapitan, malapit sa viewer at pininturahan ng lahat ng plasticity, materyalidad at nakikitang pagiging tunay. Ang kapaligiran, interior ng sambahayan at buhay pa rin ay nagsisimulang maglaro ng malaking papel sa kanyang mga gawa. Narito kung paano, halimbawa, sa pagpipinta na "The Calling of Matthew", ipinakita ng master ang pagpapakita ng kahanga-hangang espirituwal sa mundo ng "mababa" na pang-araw-araw na buhay.

Ang balangkas ng gawain ay batay sa kuwento mula sa Ebanghelyo tungkol sa kung paano tinawag ni Kristo ang publikanong si Mateo, na hinamak ng lahat, upang maging kanyang alagad at tagasunod. Ang mga karakter ay inilalarawan na nakaupo sa isang mesa sa isang hindi komportable, walang laman na silid, at ang mga karakter ay ipinakita sa buong laki, na nakasuot ng mga modernong kasuotan. Sa hindi inaasahan, si Kristo at si Apostol Pedro, na biglang pumasok sa silid, ay nagdulot ng iba't ibang reaksyon sa mga tagapakinig - mula sa pagkamangha hanggang sa pagiging alerto. Ang isang daloy ng liwanag na pumapasok mula sa itaas patungo sa isang madilim na silid ay ritmikong nag-aayos ng nangyayari, na nagha-highlight at nag-uugnay sa mga pangunahing elemento nito (mukha ni Mateo, kamay at profile ni Kristo). Ang pag-agaw ng mga pigura mula sa dilim at mabilis na itinutulak ang maliwanag na liwanag at malalim na anino, ang pintor ay nagbibigay ng pakiramdam ng panloob na pag-igting at dramatikong kaguluhan. Ang eksena ay pinangungunahan ng mga elemento ng damdamin, mga hilig ng tao. Upang lumikha ng isang emosyonal na kapaligiran, ang Caravaggio ay mahusay na gumagamit ng mayaman na kulay. Sa kasamaang palad, ang malupit na pagiging totoo ng Caravaggio ay hindi naiintindihan ng marami sa kanyang mga kontemporaryo, mga tagasunod ng "mataas na sining". Pagkatapos ng lahat, kahit na ang paglikha ng mga gawa sa mitolohiya at relihiyosong mga tema (ang pinakatanyag sa kanila ay "Rest on the Flight into Egypt", 1597), palagi siyang nanatiling tapat sa makatotohanang mga prinsipyo ng kanyang pang-araw-araw na pagpipinta, kaya kahit na ang pinaka-tradisyonal na mga paksa sa Bibliya nakatanggap mula sa kanya ng isang ganap na naiibang intimate at sikolohikal na interpretasyon na naiiba sa tradisyonal. At ang apela sa kalikasan, na ginawa niyang direktang object ng imahe ng kanyang mga gawa, at ang katotohanan ng interpretasyon nito ay nagdulot ng maraming pag-atake sa artist ng mga klero at mga opisyal.

Gayunpaman, sa mga artista ng ika-17 siglo, marahil, walang isang makabuluhang isa na, sa isang paraan o iba pa, ay hindi nakaranas ng malakas na epekto ng sining ng Caravaggio. Totoo, karamihan sa mga tagasunod ng master, na tinawag na caravagists, ay masigasig na kinopya lamang ang kanyang panlabas na mga diskarte, at higit sa lahat, ang kanyang sikat na contrasting chiaroscuro, ang intensity at materyalidad ng pagpipinta.

Sina Peter Paul Rubens, Diego Velazquez, Jusepe de Ribera, Rembrandt van Rijn, Georges de Latour at marami pang ibang sikat na artista ay dumaan sa yugto ng caravaggism. Imposibleng isipin ang karagdagang pag-unlad ng realismo sa ika-17 siglo nang walang rebolusyon na ginawa ni Michelangelo Caravaggio sa pagpipinta ng Europa.

Alessandro Magnasco (1667-1749). Ang kanyang trabaho ay nauugnay sa romantikong kalakaran sa sining ng Italyano noong ika-17 siglo.

Ang hinaharap na artista ay ipinanganak sa Genoa. Nag-aral muna siya sa kanyang ama, pagkatapos, pagkatapos ng kanyang kamatayan, sa Milan kasama ang isa sa mga lokal na master, na nagturo sa kanya ng mga diskarte ng pagpipinta ng Venetian at nagturo ng sining ng portraiture. Sa hinaharap, nagtrabaho si Magnasco sa loob ng maraming taon sa Milan, Genoa, Florence, at sa kanyang mga pababang taon lamang, noong 1735, sa wakas ay bumalik siya sa kanyang sariling lungsod.

Ang talento ngunit napakakontrobersyal na artist na ito ay pinagkalooban ng isang napakaliwanag na personalidad. Ang gawa ni Magnasco ay lumalaban sa anumang pag-uuri: kung minsan ay malalim na relihiyoso, minsan ay lapastangan sa diyos, sa kanyang mga gawa ay ipinakita niya ang kanyang sarili bilang isang ordinaryong dekorador, o bilang isang pintor na may nanginginig na kaluluwa. Ang kanyang sining ay puno ng mas mataas na emosyonalidad, nakatayo sa bingit ng mistisismo at kadakilaan.

Ang likas na katangian ng mga unang gawa ng artist, na isinagawa sa panahon ng kanyang pananatili sa Milan, ay natutukoy ng mga tradisyon ng paaralan ng pagpipinta ng Genoese, na nakahilig patungo sa pastoral. Ngunit mayroon na ang mga gawa niya bilang ilang "Bacchanalia", "Halt ng Bandits" (lahat mula sa 1710s) - na naglalarawan ng mga hindi mapakali na mga pigura ng tao laban sa backdrop ng maringal na sinaunang mga guho - nagdadala ng isang ganap na naiibang emosyonal na singil kaysa sa matahimik na pastoral ng kanyang mga nauna. Ang mga ito ay ginawa sa madilim na kulay, na may maalog na dynamic na stroke, na nagpapahiwatig ng pang-unawa ng mundo sa isang dramatikong aspeto (Appendix, Fig. 3).

Ang pansin ng artista ay iginuhit sa lahat ng hindi pangkaraniwang - mga eksena ng mga tribunal ng Inkisisyon, pagpapahirap na maaari niyang obserbahan sa Milan, na nasa ilalim ng pamamahala ng Espanya ("Torture Chamber"), isang sermon sa sinagoga ("Synagogue", huli na. 1710s-1720s), nomadic life gypsies ("Gypsy Meal"), atbp.

Ang mga paboritong paksa ng Magnasco ay iba't ibang mga yugto mula sa monastikong buhay ("The Funeral of a Monk", "The Meal of Nuns", parehong mula noong 1720s), mga cell ng hermit at alchemist, mga guho ng mga gusali at night landscape na may mga pigura ng mga gypsies, pulubi, libot na mga musikero, atbp. Medyo totoo ang mga karakter ng kanyang mga gawa - mga bandido, mangingisda, hermits, gypsies, komedyante, sundalo, labandera ("Landscape with laundresses", 1720s) - kumilos sa isang kamangha-manghang kapaligiran. Inilalarawan ang mga ito sa backdrop ng madilim na mga guho, isang rumaragasang dagat, isang ligaw na kagubatan, at malupit na bangin. Ang Magnasco ay gumuhit ng kanilang mga pigura nang labis na pinahaba, na parang kumikiliti at patuloy na gumagalaw; ang kanilang mga pinahabang curved silhouette ay napapailalim sa nervous ritmo ng stroke. Ang mga kuwadro na gawa ay napuno ng isang kalunos-lunos na pakiramdam ng kawalang-halaga ng tao sa harap ng mga bulag na puwersa ng kalikasan at ang kalubhaan ng panlipunang realidad.

Ang parehong nakakagambalang dinamika ay nakikilala ang kanyang mga sketch ng landscape, kasama ang kanilang binibigyang-diin na subjectivity at emosyonalidad, na inilalagay sa background ang paghahatid ng mga tunay na larawan ng kalikasan ("Seascape", 1730s; "Mountain Landscape", 1720s). Sa ilan sa mga huling gawa ng master, ang impluwensya ng mga landscape ng Italian Salvatore Rosa, ang mga ukit ng French mannerist artist na si Jacques Callot ay kapansin-pansin. Ang hindi matukoy na bahagi ng katotohanan at isang kakaibang mundo na nilikha ng imahinasyon ng artista, na lubos na naramdaman ang lahat ng kalunus-lunos at masayang mga kaganapan sa nakapaligid na katotohanan sa paligid niya, ay palaging naroroon sa kanyang mga gawa, na nagbibigay sa kanila ng katangian ng alinman sa isang talinghaga o isang araw-araw. eksena.

Ang nagpapahayag na paraan ng larawan ng Magnasco sa ilang paraan ay inaasahan ang malikhaing paghahanap ng mga artista noong ika-18 siglo. Siya ay nagpinta nang mabilis at mabilis, gamit ang hindi mapakali na chiaroscuro, na nagbubunga ng hindi mapakali na mga epekto ng pag-iilaw, na nagbibigay sa kanyang mga pagpipinta ng isang sadyang sketchiness, at kung minsan kahit na dekorasyon. Kasabay nito, ang pangkulay ng kanyang mga gawa ay walang makulay na maraming kulay, kadalasan ang master ay limitado sa isang madilim na kulay-abo-kayumanggi o maberde na sukat, gayunpaman, sa sarili nitong paraan, medyo pino at pino. Nakilala sa panahon ng kanyang buhay at nakalimutan ng mga inapo, ang orihinal na artist na ito ay nakakuha ng katanyagan lamang sa simula ng ika-20 siglo, nang makita nila sa kanya ang nangunguna sa impresyonismo at maging ang ekspresyonismo.

Giuseppe Maria Crespi (1665-1747) Si , isang katutubo ng Bologna, ay nagsimula sa kanyang karera sa pagpipinta sa pamamagitan ng masigasig na pagkopya ng mga painting at fresco ng mga sikat na master, kabilang ang kanyang mga kababayan, ang Carracci brothers. Nang maglaon, naglakbay siya sa hilagang Italya, nakilala ang gawain ng mga master ng High Renaissance, pangunahin ang Venetian (Titian at Veronese).

Sa simula ng siglo XVIII. Si Crespi ay medyo sikat na, lalo na, para sa kanyang mga altarpieces. Ngunit ang pangunahing gawain ng unang bahagi ng panahon ng kanyang trabaho ay ang monumental na pagpipinta ng mga plafonds ng Palazzo Count Pepoli (1691-1692) sa Bologna, ang mga mythological character na kung saan (mga diyos, bayani, nymphs) sa kanyang interpretasyon ay mukhang lubhang makalupa, masigla at nakakumbinsi, taliwas sa tradisyonal na abstract na mga larawan ng Baroque .

Nagtrabaho si Crespi sa iba't ibang genre. Nagpinta siya ng mga larawan sa mga mitolohiko, relihiyoso at pang-araw-araw na paksa, lumikha ng mga larawan at buhay pa rin, at sa bawat isa sa mga tradisyunal na genre na ito ay nagdala siya ng bago at tapat na pananaw ng kontemporaryong mundo. Ang pangako ng artist sa kalikasan, sa isang tumpak na paglalarawan ng nakapaligid na katotohanan, ay dumating sa hindi mapagkakasundo na pagkakasalungatan sa mga hulma na tradisyon ng Bologna academism, na sa oras na ito ay naging isang preno sa pag-unlad ng sining. Samakatuwid, ang patuloy na pakikibaka laban sa mga kumbensyon ng akademikong pagpipinta para sa tagumpay ng makatotohanang sining ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa lahat ng kanyang gawain.

Noong unang bahagi ng 1700s Lumipat si Crespi mula sa mga mitolohikong eksena patungo sa paglalarawan ng mga eksena mula sa buhay magsasaka, na binibigyang-kahulugan muna ang mga ito sa diwa ng pastoral, at pagkatapos ay binibigyan sila ng lalong nakakumbinsi na katangian ng pang-araw-araw na pagpipinta. Isa sa mga una sa mga masters ng XVIII na siglo, sinimulan niyang ilarawan ang buhay ng mga ordinaryong tao - mga labandera, tagapaghugas ng pinggan, tagapagluto, pati na rin ang mga yugto mula sa buhay ng mga magsasaka.

Ang pagnanais na bigyan ang kanyang mga kuwadro na gawa ng higit na pagiging tunay ay ginagawang lumingon siya sa "cellar" na ilaw ng Caravaggio - isang matalim na pag-iilaw ng isang bahagi ng madilim na espasyo ng interior, dahil sa kung saan ang mga figure ay nakakuha ng plastic na kalinawan. Ang pagiging simple at katapatan ng pagsasalaysay ay kinukumpleto ng mga bagay ng katutubong gamit na ipinakilala sa imahe ng interior, na palaging pininturahan ni Crespi na may mahusay na kasanayan sa larawan ("Scene in the Cellar"; "Peasant Family").

Ang pinakamataas na tagumpay ng pang-araw-araw na pagpipinta noong panahong iyon ay ang kanyang mga canvases na "Fair in Poggio a Caiano" (c. 1708) at "Fair" (c. 1709) na naglalarawan ng masikip na mga eksenang bayan.

Ipinakita nila ang interes ng artist sa mga graphic ni Jacques Callot, pati na rin ang kanyang malapit na kakilala sa gawain ng mga Dutch masters ng genre painting noong ika-17 siglo. Ngunit ang mga larawan ni Crespi ng mga magsasaka ay wala sa kabalintunaan ni Callot, at hindi siya kasinghusay na makilala ang kapaligiran gaya ng ginawa ng mga pintor ng Dutch genre. Ang mga figure at bagay ng foreground ay nakasulat nang mas detalyado kaysa sa iba - ito ay nakapagpapaalaala sa paraan ng Magnasco. Gayunpaman, ang mga likha ng pintor ng Genoese, na isinagawa sa paraang bravura, ay laging naglalaman ng elemento ng pantasya. Si Crespi naman ay nagsumikap para sa isang detalyado at tumpak na kuwento tungkol sa isang makulay at masayang eksena. Malinaw na namamahagi ng liwanag at anino, pinagkalooban niya ang kanyang mga pigura ng mga detalye ng buhay, unti-unting nalampasan ang mga tradisyon ng genre ng pastoral.

Ang pinakamahalagang gawain ng isang mature master ay isang serye ng pitong mga painting na "Seven Sacraments" (1710s) - ang pinakamataas na tagumpay ng baroque painting noong unang bahagi ng ika-18 siglo (appendix, fig. 4). Ito ay mga gawa na ganap na bago sa espiritu, kung saan ipinahiwatig ang isang pag-alis mula sa tradisyonal na abstract na interpretasyon ng mga eksena sa relihiyon.

Ang lahat ng mga kuwadro na gawa ("Confession", "Baptism", "Marriage", "Communion", "Priesthood", "Anointing", "Unction") ay nakasulat sa Rembrandt's warm reddish-brown tonality. Ang pagtanggap ng malupit na pag-iilaw ay nagdudulot ng isang tiyak na emosyonal na tala sa salaysay ng mga sakramento. Ang paleta ng kulay ng artist ay medyo monochrome, ngunit sa parehong oras ito ay nakakagulat na mayaman sa iba't ibang mga kulay at overflows ng mga kulay, pinagsama ng isang malambot, minsan chiaroscuro na kumikinang mula sa loob. Binibigyan nito ang lahat ng itinatanghal na mga yugto ng isang ugnayan ng mahiwagang lihim ng kung ano ang nangyayari at sa parehong oras ay binibigyang diin ang ideya ni Crespi, na naglalayong sabihin ang tungkol sa mga pinakamahalagang yugto ng buhay para sa bawat tao sa panahong iyon, na ipinakita sa ang anyo ng mga eksena mula sa realidad, pagkuha ng katangian ng isang uri ng talinghaga. Bukod dito, ang kuwentong ito ay nakikilala hindi sa pamamagitan ng didaktiko, katangian ng Baroque, ngunit sa pamamagitan ng sekular na pagpapatibay.

Halos lahat ng isinulat ng master pagkatapos noon ay nagpapakita ng larawan ng unti-unting pagkupas ng kanyang talento. Parami nang parami, ginagamit niya sa kanyang mga pagpipinta ang mga pamilyar na selyo, compositional scheme, academic poses, na dati niyang iniiwasan. Hindi nakakagulat, sa ilang sandali pagkatapos ng kanyang kamatayan, ang trabaho ni Crespi ay mabilis na nakalimutan.

Bilang isang maliwanag at orihinal na master, natuklasan lamang siya noong ikadalawampu siglo. Ngunit sa mga tuntunin ng kalidad, lalim at emosyonal na kayamanan, ang pagpipinta ni Crespi, na nakumpleto ang sining ng ika-17 siglo, sa pinakamahusay na mga pagpapakita nito ay mas mababa, marahil, lamang sa Caravaggio, na ang trabaho ay napakatalino at innovatively nagsimula ang sining ng Italyano sa panahong ito.

Ang tekstong ito ay isang panimulang bahagi. Mula sa aklat na Broken Life, o ang Magic Horn of Oberon may-akda Kataev Valentin Petrovich

Ang pagpipinta ay binilhan ako ni Nanay ng isang bagay tulad ng isang album, na nakabukaka tulad ng isang akurdyon, sa mga zigzag; sa napakakapal na mga pahina ng karton nito, maraming mga larawan ng random na nakakalat na mga gamit sa bahay ang naka-print sa mga kulay: isang lampara, isang payong, isang portpolyo,

Mula sa aklat na Tamerlane may-akda Roux Jean-Paul

Pagpipinta Mula sa katotohanan ng paglikha ng aklat sa Herat Academy ni Shah Rukh at ng kanyang anak, pilantropo na si Bai Shungkur (d. 1434), malinaw na sa simula ng ika-15 siglo ang aklat, na isinulat sa eleganteng sulat-kamay na kaligrapya, ay kinuha. sa isang magandang pabalat at isinalarawan sa mga miniature, ay ginamit

Mula sa aklat na Kolyma Notebooks ang may-akda Shalamov Varlam

Painting Portrait - pagtatalo sa ego, debate, Hindi isang reklamo, ngunit isang dialogue. Ang labanan ng dalawang magkaibang katotohanan, Ang pakikibaka ng mga brush at linya. Isang batis, kung saan ang mga rhyme ay mga kulay, Kung saan ang bawat Malyavin ay Chopin, Kung saan ang pagsinta, nang walang takot sa publisidad, Ay sinira ang pagkabihag ng isang tao. Kung ihahambing sa anumang tanawin, Kung saan ang pag-amin ay nasa

Mula sa aklat na Reflections on Writing. Ang buhay ko at ang panahon ko ni Henry Miller

Mula sa librong My life and my era ni Henry Miller

Pagpipinta Mahalagang makabisado ang mga pangunahing kaalaman, at sa katandaan ay magkaroon ng lakas ng loob at iguhit ang iginuhit ng mga bata, hindi nabibigatan ng kaalaman. Ang aking paglalarawan sa proseso ng pagpipinta ay bumaba sa katotohanan na may hinahanap ka. Sa palagay ko, ang anumang malikhaing gawa ay katulad nito. Sa musika

Mula sa aklat na Renoir may-akda Bonafou Pascal

PITONG KABANATA ANG MGA ROWERS NG CHATU, PAGPIPINTA NG ITALY Para kay Renoir, na nag-exhibit sa Salon, ang kanyang mga kaibigan ay tinatrato siya nang mapagpakumbaba, na hindi itinuturing siyang "traidor". Ang katotohanan ay sina Cezanne at Sisley ay "mga apostata" din, dahil nagpasya silang huwag makibahagi sa ikaapat na eksibisyon ng "independiyenteng

Mula sa aklat ng Matisse ni Escolier Raymond

PAGHUHUKOM AT PAGPIPINTA Walang anuman, tila, na pumigil kay Henri Matisse, na nakatanggap ng klasikal na edukasyon, na matanto ang mga plano ng kanyang ama, at gusto ng kanyang ama na maging abogado siya. Ang pagkakaroon ng madaling nakapasa sa pagsusulit noong Oktubre 1887 sa Paris, na nagpapahintulot sa kanya na italaga ang kanyang sarili sa

Mula sa aklat na Churchill na walang kasinungalingan. Bakit siya kinasusuklaman ni Bailey Boris

Churchill at Pagpipinta Noong 1969, sinabi ni Clementine kay Martin Gilbert, may-akda ng pinakapangunahing walong tomo na talambuhay ni Churchill (ang unang dalawang tomo ay isinulat ng anak ni Churchill na si Randolph): "Ang kabiguan sa Dardanelles ay nagmumulto kay Winston sa buong buhay niya. Pagkatapos umalis

Mula sa aklat na Great Men of the 20th Century may-akda Vulf Vitaly Yakovlevich

Pagpipinta

Mula sa aklat na Diary Sheets. Tomo 2 may-akda Roerich Nicholas Konstantinovich

Pagpinta Una sa lahat, naaakit ako sa mga pintura. Nagsimula ito sa langis. Ang mga unang larawan ay nakasulat nang makapal, napakakapal. Walang nagmungkahi na posible na i-cut nang perpekto sa isang matalim na kutsilyo at makakuha ng isang siksik na ibabaw ng enamel. Kaya naman ang "The Elders Converge" ay lumabas na napakagaspang at matalas pa. Isang tao sa

Mula sa aklat ni Rachmaninoff may-akda Fedyakin Sergey Romanovich

5. Pagpipinta at musika "Isle of the Dead" - isa sa pinakamadilim na gawa ni Rachmaninoff. At ang pinakaperpekto. Sisimulan niya itong isulat noong 1908. Magtatapos siya sa simula ng 1909. Minsan, sa mabagal na bahagi ng isang hindi natapos na quartet, inaasahan niya ang posibilidad ng naturang musika. mahaba,

Mula sa libro ni Jun. Pag-iisa ng araw may-akda Savitskaya Svetlana

Pagpinta at pagguhit Upang matutong gumuhit, kailangan mo munang matutong makakita. Ang bawat tao'y maaaring magpinta, ang parehong camera at isang mobile phone ay may kakayahang kopyahin, ngunit, tulad ng pinaniniwalaan sa pagpipinta, ang "mukha ng isang artista" ay mahirap hanapin. Nag-iwan ng marka si Juna sa pagpipinta. Mga painting niya

Mula sa aklat na History of Art of the 17th century may-akda Khammatova V.V.

PAGPIPINTA NG SPAIN Ang sining ng Espanya, tulad ng kabuuan ng kulturang Espanyol sa kabuuan, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang makabuluhang pagka-orihinal, na nakasalalay sa katotohanan na ang Renaissance sa bansang ito, na halos hindi naabot ang yugto ng mataas na kaunlaran, ay agad na pumasok sa isang panahon ng paghina at krisis, na

Mula sa aklat ng may-akda

FLANDRIAN PAINTING Ang Flemish art sa isang kahulugan ay matatawag na kakaibang phenomenon. Kailanman sa kasaysayan ay nagkaroon ng isang maliit na bansa sa mga tuntunin ng lugar, na kung saan ay din sa isang umaasa na posisyon, lumikha ng isang katangi-tangi at makabuluhan sa kanyang

Mula sa aklat ng may-akda

PAGPIPINTA NG NETHERLANDS Ang Dutch revolution ay naging Holland, ayon kay Karl Marx, "sa isang huwarang kapitalistang bansa noong ika-17 siglo." Ang pananakop ng pambansang kalayaan, ang pagkawasak ng pyudal na labi, ang mabilis na pag-unlad ng mga produktibong pwersa at kalakalan

Mula sa aklat ng may-akda

PAGPIPINTA NG FRANCE Noong ika-17 siglo, sinakop ng France ang isang espesyal na lugar sa mga nangungunang bansa sa larangan ng artistikong pagkamalikhain sa Europa. Sa dibisyon ng paggawa sa mga pambansang paaralan ng pagpipinta ng Europa sa paglutas ng genre, pampakay, espirituwal at pormal na mga gawain para sa France

PANIMULA

Ang ikalabing pitong siglo ay partikular na kahalagahan para sa pagbuo ng mga pambansang kultura ng modernong panahon. Sa panahong ito, ang proseso ng lokalisasyon ng mga malalaking pambansang paaralan ng sining ay nakumpleto, ang pagka-orihinal nito ay natutukoy kapwa ng mga kondisyon ng makasaysayang pag-unlad at ng artistikong tradisyon na binuo sa bawat bansa - Italy, Flanders, Holland, Spain at France . Ito ay nagpapahintulot sa amin na isaalang-alang ang ika-17 siglo. bilang isang bagong yugto sa kasaysayan ng sining.

Kung ikukumpara sa sining ng Renaissance noong ika-17 siglo. mas kumplikado, magkasalungat sa nilalaman at artistikong mga anyo. Ang holistic na mala-tula na pang-unawa sa mundo, na katangian ng Renaissance, ay nawasak, ang ideal ng pagkakaisa, pagkakaisa at kalinawan ay hindi naa-access.

Masining na kultura noong ika-17 siglo. sumasalamin sa pagiging kumplikado ng panahon na naghanda ng daan para sa tagumpay ng kapitalistang sistema sa mga advanced na bansa ng Europa. Sa gawain ng mga artista, ang isang mas holistic at mas malalim na pang-unawa sa katotohanan ay pinagtibay. Nakatanggap ng bagong interpretasyon ng konsepto ng synthesis ng sining. Ang mga indibidwal na uri ng sining, tulad ng mga indibidwal na gawa, ay nawawala ang kanilang paghihiwalay at nagsusumikap na muling magsama-sama sa isa't isa. Ang mga gusali ay organikong kasama sa espasyo ng kalye, parisukat, parke. Nagiging dynamic ang sculpture, sinasalakay ang arkitektura at espasyo sa hardin. Ang pandekorasyon na pagpipinta na may spatial at perspective effect ay umaakma sa kung ano ang likas sa interior ng arkitektura.

Sa matinding pagpapakita, ang baroque art ay dumating sa hindi makatwiran, sa mistisismo, nakakaapekto sa imahinasyon at damdamin ng manonood na may dramatikong pag-igting, pagpapahayag ng mga anyo. Ang mga kaganapan ay binibigyang kahulugan sa isang napakagandang paraan, mas gusto ng mga artista na ilarawan ang mga eksena ng pagdurusa, lubos na kaligayahan, o panegyrics ng mga pagsasamantala, mga tagumpay.

Ang batayan ng sining ng klasisismo ay isang makatwirang prinsipyo. Ang maganda mula sa pananaw ng klasisismo ay iyon lamang ang maayos, makatwiran, magkakasuwato. Ang mga bayani ng klasisismo ay nagpapasakop sa kanilang mga damdamin sa kontrol ng isip, sila ay pinipigilan at marilag.

Ang mga tampok ng dalawang magagandang istilo na ito ay magkakaugnay sa sining ng isang bansa at maging sa gawain ng isang artista, na nagdudulot ng mga kontradiksyon dito. Kasama ng baroque at classicism, ang isang mas direktang makapangyarihang makatotohanang pagmuni-muni ng buhay, na walang mga elemento ng estilista, ay lumitaw sa visual arts. Ang ikalabimpitong siglo ay nabibilang sa mga pinakadakilang masters ng realismo - Velazquez, Rembrandt, Hals, Caravaggio at iba pa. . .

SINING NG ITALY

Arkitektura

Barromini. Ang irrationality, expressiveness at picturesqueness ng Baroque mahanap ang kanilang matinding expression sa trabaho ni Francesco Barromini (1599 - 1667). Hindi pinapansin ang lohika ng mga konstruksyon at ang mga posibilidad ng mga materyales, pinapalitan niya ang mga tuwid na linya at mga eroplano ng mga hubog, bilugan, kumikislap.

Sa paghalili ng malukong at matambok na mga linya, na nakaayos sa hugis ng isang rhombus, siya ay bumuo ng isang plano para sa isang maliit na simbahan ng San Carlo sa apat na fountain sa Roma (1634 - 1667). Ang masalimuot na facade na parang alon nito, na hinihiwa-hiwalay ng dalawang-tiered colonnade, ay pinalamutian ng pandekorasyon na iskultura, malalim na mga niches, at isang hugis-itlog na pictorial panel na sumisira sa cornice at sumisira sa balanse.

Bernini. Tulad ng mga masters ng Renaissance, ang nagtatag ng mature na istilong baroque, si Lorenzo Bernini (1598 - 1680), ay isang multi-talented na tao. Isang arkitekto, iskultor, pintor, at makikinang na dekorador, kadalasan siyang nagsagawa ng mga utos mula sa mga papa ng Roma at pinamunuan ang opisyal na direksyon ng sining ng Italyano. Isa sa kanyang pinaka-katangiang mga gusali ay ang simbahan ng Sant'Andrea al Quirinale sa Roma (1653 - 1658).

Ang pinakamalaking gawaing arkitektura ng Bernini - ang pagtatapos ng maraming taon ng pagtatayo ng Cathedral of St. Peter sa Roma at ang dekorasyon ng parisukat sa harap niya. Itinayo ayon sa kanyang proyekto, dalawang makapangyarihang mga pakpak ng monumental na colonnade ang nagsara sa malawak na kalawakan ng plaza. Ang paglihis mula sa pangunahing western facade ng katedral, ang mga colonnade ay unang bumubuo ng isang trapezoid na hugis, at pagkatapos ay nagiging isang malaking hugis-itlog, na binibigyang diin ang espesyal na kadaliang mapakilos ng komposisyon, na idinisenyo upang ayusin ang paggalaw ng mga mass recession. 284 na mga haligi at 80 mga haligi na 19 m ang taas ang bumubuo sa apat na hilera na natatakpan ng colonnade, 96 na malalaking estatwa ang nagpuputong sa attic nito.

Paglililok

Bernini. Sa Katedral ng St. Peter's ay din masterly executed sculptures ni Bernini - ang altar Chair ng St. Si Pedro na may mga pigura ng mga ama ng simbahan, mga santo at mga anghel, kumikinang na may pagtubog, umaakit sa mabagyong dinamika.

Kasama ng baroque decorative plastic, si Bernini ay lumilikha ng ilang estatwa at portrait, kung minsan ay lumalampas sa mga hangganan ng baroque art. Ang likas na katangian ng kanyang makabagong paghahanap ay ipinakita sa estatwa na "David" (1623, Rome, Borgheso Gallery).

Ang subtlety ng obserbasyon sa buhay ay tumatagos sa huling gawain ni Bernini - ang grupo ng altar na "The Ecstasy of St. Teresa" (1644 - 1652, Roma, ang Simbahan ng Santa Maria della Vittoria), na nagsilbing modelo para sa maraming mga iskultor ng Baroque hindi lamang sa Italya, kundi pati na rin sa ibang mga bansa.

Pagpipinta.

Carvaggio. Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573 - 1610). Kabilang sa mga unang pagpipinta ay "Girl with a lute" (1595, Leningrad, Hermitage). Babaeng musikero. Sa harap ng mesa ay isang biyolin, mga tala, mga prutas. Ang lahat ng mga bagay na ito ay pininturahan na may perpektong kasanayan sa kanilang siksik na bilog, materyalidad, tangibility. Ang mukha at pigura ng batang babae ay nililok ng chiaroscuro, ang madilim na background ay binibigyang diin ang saturation ng mga light tone na nakausli pasulong, ang objectivity ng lahat ng ipinakita.

Bilang isang eksena sa genre, ang komposisyon na "The Calling of Matthew" (1597 - 1601, Rome, Contarelli Chapel sa simbahan ng San Luigi dei Francesi) ay nalutas, na naglalarawan ng dalawang kabataang lalaki sa mga costume na naka-istilong sa oras na iyon, tumitingin nang may pagkamausisa sa ang paparating na Kristo. Ibinaling ni Matthew ang kanyang tingin kay Kristo, habang ang ikatlong binata, nang hindi itinaas ang kanyang ulo, ay patuloy na nagbibilang ng pera.

Mula sa larawan hanggang sa larawan, ang trahedya na kapangyarihan ng mga imahe ni Caravaggio ay lumalaki. Sa The Entombment (1604, Roma, Vatican Pinakothek), sa isang malalim na madilim na background, isang malapit na pinagsama-samang grupo ng mga tao na malapit kay Kristo, na ibinaba ang kanyang mga katawan sa libingan, ay namumukod-tangi sa maliwanag na liwanag.

Bologna Academy. Annibale Carracci. Ang pinaka-talino sa magkakapatid na Carracci ay si Annibale (1560 - 1609), ang may-akda ng isang malaking bilang ng mga imahe ng altar at mga kuwadro na gawa sa mga paksang mitolohiya. Kasama ang kanyang mga kapatid, pininturahan niya ang Palazzo Farnese sa Roma (1597 - 1604).

Pandekorasyon na pagpipinta ng baroque.

Ang mga mural ng Pietro da Cortona (1596 - 1669) sa Palazzo Barberini ay nakikilala sa pamamagitan ng isang hindi pangkaraniwang ningning, eleganteng kasiyahan ng mga kulay. Ang pinakakomplikadong pananaw at ilusyon na epekto ay ginagamit sa mga kuwadro na gawa ng Sant Ignazio sa Roma ni Andrea Pozzo (1642 - 1709).

Kasama ang opisyal na direksyon ng baroque, na nangibabaw sa mga pangunahing sentro, sa buong ika-17 siglo. maraming artista ang nagpatuloy sa paggawa sa mga probinsya, pinapanatili ang mga tradisyon ng realismo sa kanilang trabaho. Kabilang sa mga ito, ang Bolognese Giuseppe Maria Cresi (1665 - 1747), na nagbigay daan para sa pag-unlad ng realismo ng kasunod na panahon, ay tumindig para sa espesyal na emosyonal na kayamanan ng sining.