Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Kaya, sa gitna ng ating atensyon ngayon ay ang pinakasikat na mga klasikal na piraso ng musika. Ang klasikal na musika ay naging kapana-panabik sa mga tagapakinig nito sa loob ng ilang siglo, na nagdulot sa kanila ng isang bagyo ng damdamin at emosyon. Matagal na itong naging bahagi ng kasaysayan at kaakibat ng kasalukuyan na may manipis na mga sinulid.

Walang alinlangan, sa malayong hinaharap, ang klasikal na musika ay hindi gaanong hinihiling, dahil ang gayong kababalaghan sa mundo ng musika ay hindi maaaring mawala ang kaugnayan at kahalagahan nito.

Pangalanan ang anumang klasikal na gawa - ito ay magiging karapat-dapat sa unang lugar sa anumang musical hit parade. Ngunit dahil hindi posible na ihambing ang pinakasikat na mga klasikal na gawa sa musika sa bawat isa, dahil sa kanilang artistikong kakaiba, ang mga opus na pinangalanan dito ay ipinakita lamang bilang mga gawa para sa kakilala.

"Moonlight Sonata"

Ludwig van Beethoven

Noong tag-araw ng 1801, ang napakatalino na gawain ni L.B. Si Beethoven, na nakatakdang sumikat sa buong mundo. Ang pangalan ng gawaing ito, "Moonlight Sonata", ay kilala sa ganap na lahat, mula matanda hanggang bata.

Ngunit sa una, ang gawain ay may pangalang "Almost Fantasy", na inialay ng may-akda sa kanyang batang estudyante, ang minamahal na Juliet Guicciardi. At ang pangalan kung saan ito ay kilala hanggang sa araw na ito ay naimbento ng kritiko ng musika at makata na si Ludwig Relshtab pagkatapos ng pagkamatay ni L.V. Beethoven. Ang gawaing ito ay kabilang sa isa sa mga pinakasikat na gawa ng musikal ng kompositor.

Sa pamamagitan ng paraan, ang isang mahusay na koleksyon ng klasikal na musika ay kinakatawan ng mga edisyon ng Komsomolskaya Pravda na pahayagan - mga compact na libro na may mga disc para sa pakikinig sa musika. Maaari mong basahin ang tungkol sa at makinig sa kanyang musika - napaka-maginhawa! Inirerekomenda mag-order ng mga disc mula sa klasikal na musika nang direkta mula sa aming pahina : pindutin ang "buy" na buton at agad na pumunta sa tindahan.

"Marso ng Turkey"

Wolfgang Amadeus Mozart

Ang gawaing ito ay ang ikatlong kilusan ng Sonata No. 11, ito ay isinilang noong 1783. Noong una, tinawag itong "Turkish Rondo" at napakapopular sa mga musikero ng Austrian, na kalaunan ay pinalitan ito ng pangalan. Ang pangalang "Turkish March" ay itinalaga sa gawain din dahil ito ay kaayon ng Turkish Janissary orchestras, kung saan ang tunog ng pagtambulin ay napaka katangian, na maaari ding masubaybayan sa "Turkish March" ni V.A. Mozart.

"Ave Maria"

Franz Schubert

Ang kompositor mismo ang sumulat ng gawaing ito sa tulang "The Lady of the Lake" ni W. Scott, o sa halip sa pagpasa nito, at hindi magsusulat ng ganoon kalalim na relihiyosong komposisyon para sa Simbahan. Ilang oras pagkatapos ng paglitaw ng trabaho, isang hindi kilalang musikero, na inspirasyon ng panalangin na "Ave Maria", ay nagtakda ng teksto nito sa musika ng makinang na F. Schubert.

"Fantasy Impromptu"

Frederic Chopin

Inialay ni F. Chopin, ang henyo ng panahon ng romantikismo, ang gawaing ito sa kanyang kaibigan. At siya, si Julian Fontana, ang sumuway sa mga tagubilin ng may-akda at inilathala ito noong 1855, anim na taon pagkatapos ng kamatayan ng kompositor. Naniniwala si F. Chopin na ang kanyang obra ay katulad ng impromptu ni I. Moscheles, isang estudyante ni Beethoven, isang sikat na kompositor at pianista, na naging dahilan ng pagtanggi na ilabas ang Fantasia-Impromptu. Gayunpaman, walang sinuman ang nag-isip ng napakatalino na gawaing ito na plagiarism, maliban sa may-akda mismo.

"Paglipad ng Bumblebee"

Nikolai Rimsky-Korsakov

Ang kompositor ng gawaing ito ay isang tagahanga ng alamat ng Russia - interesado siya sa mga fairy tale. Ito ay humantong sa paglikha ng opera na "The Tale of Tsar Saltan" batay sa balangkas ng A.S. Pushkin. Bahagi ng opera na ito ang interlude na "Flight of the Bumblebee". Mahusay, hindi kapani-paniwalang matingkad at napakatalino na ginaya sa gawain ang mga tunog ng paglipad ng insektong ito na N.A. Rimsky-Korsakov.

"Caprice No. 24"

Niccolo Paganini

Sa una, ang may-akda ay binubuo ang lahat ng kanyang mga kapritso para lamang sa layunin ng pagpapabuti at paghahasa ng kasanayan sa pagtugtog ng biyolin. Sa huli, dinala nila sa violin music ang maraming bago at hindi kilalang dati. At ang ika-24 na caprice, ang huli sa mga nabuong caprices ni N. Paganini, ay may dalang matulin na tarantella na may katutubong intonasyon, at kinikilala rin bilang isa sa mga gawang nilikha para sa biyolin, na walang katumbas sa pagiging kumplikado.

"Vocalise, opus 34, no. 14"

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Kinukumpleto ng gawaing ito ang ika-34 na opus ng kompositor, na pinagsasama ang labing-apat na kanta na isinulat para sa boses na may saliw ng piano. Ang vocalise, tulad ng inaasahan, ay hindi naglalaman ng mga salita, ngunit ginagawa sa isang tunog ng patinig. S.V. Inialay ito ni Rachmaninoff kay Antonina Nezhdanova, isang mang-aawit sa opera. Kadalasan ang gawaing ito ay ginaganap sa biyolin o cello, na sinamahan ng saliw ng piano.

"Liwanag ng buwan"

Claude Debussy

Ang gawaing ito ay isinulat ng kompositor sa ilalim ng impresyon ng mga linya ng isang tula ng makatang Pranses na si Paul Verlaine. Ang pangalan ay napakalinaw na naghahatid ng lambot at nakakaantig ng himig, na nakakaapekto sa kaluluwa ng nakikinig. Ang tanyag na gawaing ito ng makikinang na kompositor na si C. Debussy ay tumutunog sa 120 mga pelikula ng iba't ibang henerasyon.

Palagi, ang pinakamahusay na musika ay nasa aming grupo sa contact .

Dapat kong aminin na pinag-uusapan ko ang harpsichord bilang isang malalim na personal na paksa para sa akin. Nang maisagawa ko ito sa loob ng halos apatnapung taon na ngayon, nakabuo ako ng isang malalim na kalakip sa ilang mga may-akda at naglaro sa mga konsyerto na kumpletong mga siklo ng lahat ng kanilang isinulat para sa instrumentong ito. Una sa lahat, ito ay may kinalaman kina Francois Couperin at Johann Sebastian Bach. Ito, sana, ay magsilbing dahilan para sa aking mga adiksyon, na, natatakot ako, ay hindi ko maiiwasan.

DEVICE

Ang isang malaking pamilya ng keyboard-stringed plucked instruments ay kilala. Magkaiba sila sa laki, hugis at tunog (makulay) na mapagkukunan. Halos bawat craftsman na gumawa ng gayong mga instrumento noong unang panahon ay sinubukang magdagdag ng sarili niyang bagay sa kanilang disenyo.

Mayroong maraming pagkalito tungkol sa kung ano ang tawag sa kanila. Sa pinaka-pangkalahatang mga termino, ang mga instrumento ay nahahati ayon sa kanilang hugis sa longitudinal (nagpapaalaala sa isang maliit na piano, ngunit may mga angular na hugis - ang piano ay may mga bilog na hugis) at hugis-parihaba. Siyempre, ang pagkakaibang ito ay hindi nangangahulugang pandekorasyon: na may ibang pag-aayos ng mga string na nauugnay sa keyboard, ang lugar sa string kung saan ginawa ang pluck, katangian ng lahat ng mga instrumentong ito, ay may napakalaking epekto sa timbre ng ang tunog.

I. Vermeer ng Delft. Babaeng nakaupo sa harpsichord
OK. 1673–1675 National Gallery, London

Ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot na instrumento ng pamilyang ito.

sa Russia mula noong ika-18 siglo. Ang pinakamalawak na ginagamit na pangalang Pranses para sa instrumento ay ang harpsichord ( clavecin), ngunit matatagpuan, pangunahin sa musikal at akademikong kasanayan, at Italyano - cembalo ( cembalo; Ang mga pangalan ng Italyano ay kilala rin clavicembalo, gravicembalo). Sa musicological literature, lalo na pagdating sa English baroque music, ang Ingles na pangalan ng instrumentong ito ay makikita nang walang pagsasalin harpsichord.

Sa harpsichord, ang pangunahing tampok ng pagkuha ng tunog ay ang tinatawag na jumper (sa madaling salita, ang pusher) ay naka-install sa likurang dulo ng susi, sa itaas na bahagi kung saan ang isang balahibo ay naayos. Kapag ang isang musikero ay pinindot ang isang susi, ang likod na dulo nito ay tumataas (dahil ang susi ay isang pingga) at ang lumulukso ay tumataas, at ang balahibo ay bumunot ng pisi. Kapag ang susi ay inilabas, ang balahibo ay dumulas nang walang tunog salamat sa isang bukal na nagbibigay-daan ito upang bahagyang lumihis.

Iba't ibang uri ng keyboard string instruments

Kapansin-pansin na ang paglalarawan ng aksyon ng lumulukso, at hindi pangkaraniwang tumpak, ay ibinigay ni W. Shakespeare sa kanyang ika-128 na soneto. Sa maraming mga pagpipilian sa pagsasalin, ang kakanyahan ng pagtugtog ng harpsichord ay pinakatumpak - bilang karagdagan sa masining at patula na bahagi - ang pagsasalin ng Modest Tchaikovsky:

Kapag ikaw, aking musika, tumutugtog,
I-set ang mga key na ito sa paggalaw
At, sa pamamagitan ng iyong mga daliri na hinahaplos sila,
Ang pagkakatugma ng mga kuwerdas ay nagbibigay ng paghanga,
Pagkatapos ay may selos na tinitingnan ko ang mga susi,
Kung paano sila kumapit sa mga palad ng iyong mga kamay;
Nag-aapoy ang mga bibig at nananabik ng halik
Naiinggit sila sa kanilang kapangahasan.
Ah, kung biglang bumaligtad ang tadhana
Ako sa isang hilera ng mga tuyong mananayaw!
Natutuwa akong dumausdos ang iyong kamay sa kanila, -
Ang kanilang kawalan ng kaluluwa ay higit na pinagpala kaysa buhay na mga labi.
Pero kung masaya sila, eh
Hayaan mo silang halikan ang kanilang mga daliri, hayaan mo akong halikan ang kanilang mga labi.

Sa lahat ng mga uri ng plucked keyboard-stringed instruments, ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot. Ginagamit ito kapwa bilang solong instrumento at bilang isang saliw. Ito ay kailangang-kailangan sa baroque music bilang isang ensemble. Ngunit bago pag-usapan ang malaking repertoire para sa instrumentong ito, kailangan pang ipaliwanag ang disenyo nito.

Sa harpsichord, ang lahat ng mga kulay (timbres) at dynamics (iyon ay, ang kapangyarihan ng tunog) ay orihinal na inilatag sa instrumento mismo ng lumikha ng bawat indibidwal na harpsichord. Ito ay sa isang tiyak na lawak na katulad ng isang organ. Sa harpsichord, hindi mo mababago ang tunog sa pamamagitan ng pagpapalit ng lakas ng susi. Para sa paghahambing: sa piano, ang buong sining ng interpretasyon ay nakasalalay sa kayamanan ng pagpindot, iyon ay, sa iba't ibang paraan upang pindutin o hampasin ang susi.

Diagram ng mekanismo ng harpsichord

kanin. PERO: 1. stem; 2. Damper; 3. Jumper (tulak); 4. Register bar; 5. Stag;
6. Frame jumper (pusher); 7. Susi

kanin. B. Jumper (pusher): 1. Damper; 2. String; 3. Balahibo; 4. Dila; 5. Polster; 6. Spring

Syempre, depende ito sa sensitivity ng pagtugtog ng harpsichordist kung musika ang tunog ng instrumento o “parang isang kasirola” (halos sinabi ni Voltaire). Ngunit ang lakas at timbre ng tunog ay hindi nakasalalay sa harpsichordist, dahil sa pagitan ng daliri ng harpsichordist at ng string mayroong isang kumplikadong mekanismo ng paghahatid sa anyo ng isang jumper at isang balahibo. Muli, para sa paghahambing: sa piano, ang pagpindot sa susi ay direktang nakakaapekto sa pagkilos ng paghampas ng martilyo sa string, habang sa harpsichord, ang epekto sa balahibo ay hindi direkta.

KWENTO

Ang unang bahagi ng kasaysayan ng harpsichord ay bumalik sa mga ambon ng panahon. Una itong binanggit sa treatise ni John de Muris na The Mirror of Music (1323). Ang isa sa mga pinakaunang paglalarawan ng harpsichord ay nasa Weimar Book of Wonders (1440).

Sa loob ng mahabang panahon ay pinaniniwalaan na ang pinakalumang umiiral na instrumento ay ginawa ni Hieronymus ng Bologna at may petsang 1521. Ito ay itinatago sa London, sa Victoria at Albert Museum. Ngunit kamakailan lamang ay itinatag na mayroong isang instrumento ng ilang taon na mas matanda, na nilikha din ng isang Italian master - Vincentius mula sa Livigimeno. Iniharap ito kay Pope Leo X. Nagsimula ang paggawa nito, ayon sa inskripsiyon sa kaso, noong Setyembre 18, 1515.

Harpsichord. Weimar Book of Wonders. 1440

Upang maiwasan ang monotony ng tunog, ang mga harpsichord masters, na nasa maagang yugto ng pag-unlad ng instrumento, ay nagsimulang magbigay ng bawat susi hindi sa isang string, ngunit may dalawa, siyempre, ng ibang timbre. Ngunit sa lalong madaling panahon naging malinaw na, para sa mga teknikal na kadahilanan, higit sa dalawang hanay ng mga string para sa isang keyboard ay hindi magagamit. Pagkatapos ay lumitaw ang ideya na dagdagan ang bilang ng mga keyboard. Pagsapit ng ika-17 siglo ang pinakamayaman sa musikang mga harpsichord ay mga instrumento na may dalawang keyboard (sa madaling salita, mga manwal, mula sa lat. manus- "kamay").

Mula sa isang punto ng musikal, ang gayong instrumento ay ang pinakamahusay na paraan para sa pagsasagawa ng magkakaibang baroque repertoire. Marami sa mga gawa ng mga klasikong harpsichord ay partikular na isinulat para sa epekto ng pagtugtog sa dalawang keyboard, halimbawa, isang bilang ng mga sonata ni Domenico Scarlatti. Partikular na itinakda ni F. Couperin sa paunang salita sa ikatlong koleksyon ng kanyang mga piyesa ng harpsichord na inilagay niya dito ang mga piyesa na tinatawag niyang "Pieces Croises"(naglalaro ng crossing [kamay]). "Ang mga piraso na may ganoong pangalan," ang pagpapatuloy ng kompositor, "ay dapat na i-play sa dalawang keyboard, na ang isa ay dapat tunog muffled sa pamamagitan ng pagbabago ng mga rehistro." Para sa mga walang dalawang manu-manong harpsichord, nagbibigay si Couperin ng mga rekomendasyon kung paano tumugtog ng instrumento gamit ang isang keyboard. Ngunit sa ilang mga kaso, ang pangangailangan ng isang dalawang-manu-manong harpsichord ay isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa isang ganap na artistikong pagganap ng isang komposisyon. Kaya, sa pahina ng pamagat ng koleksyon na naglalaman ng sikat na "French Overture" at "Italian Concerto", ipinahiwatig ni Bach: "para sa isang clavichembalo na may dalawang manual."

Mula sa punto ng view ng ebolusyon ng harpsichord, dalawang manual ay hindi ang limitasyon: alam namin ang mga halimbawa ng mga harpsichord na may tatlong mga keyboard, bagaman hindi namin alam ang mga gawa na tiyak na nangangailangan ng naturang instrumento para sa kanilang pagganap. Sa halip, ito ang mga teknikal na trick ng mga indibidwal na gumagawa ng harpsichord.

Ang harpsichord sa panahon ng maningning na kapanahunan nito (XVII-XVIII na siglo) ay tinugtog ng mga musikero na nagmamay-ari ng lahat ng mga instrumento sa keyboard na umiiral noong panahong iyon, katulad ng organ at ang clavichord (kaya tinawag silang claviers).

Ang mga harpsichord ay nilikha hindi lamang ng mga gumagawa ng harpsichord, kundi pati na rin ng mga tagabuo ng organ. At natural na ilapat sa pagtatayo ng harpsichord ang ilang pangunahing ideya na malawakang ginagamit sa disenyo ng mga organo. Sa madaling salita, sinundan ng mga gumagawa ng harpsichord ang landas ng mga tagabuo ng organ sa pagpapalawak ng mga mapagkukunan ng rehistro ng kanilang mga instrumento. Kung sa organ ay parami nang parami ang mga hanay ng mga tubo na ibinahagi sa mga manual, pagkatapos ay sa harpsichord nagsimula silang gumamit ng mas malaking bilang ng mga hanay ng mga string, na ipinamahagi din sa mga manual. Sa dami, ang mga rehistro ng harpsichord na ito ay hindi gaanong naiiba, ngunit sa mga tuntunin ng timbre, sila ay medyo makabuluhan.

Pahina ng pamagat ng unang koleksyon ng musika
para sa birhen na "Parthenia". London. 1611

Kaya, bilang karagdagan sa dalawang hanay ng mga string (isa para sa bawat keyboard), na tumunog nang sabay-sabay at tumutugma sa taas sa mga tunog na naitala sa mga tala, maaaring mayroong apat na talampakan at labing anim na talampakan na mga rehistro. (Kahit na ang pagtatalaga ng mga rehistro ay hiniram ng mga gumagawa ng harpsichord mula sa mga tagabuo ng organ: mga tubo Ang mga organo ay ipinahiwatig sa mga paa, at ang mga pangunahing rehistro na naaayon sa musikal na notasyon ay ang tinatawag na walong talampakan, habang ang mga tubo na gumagawa ng mga tunog na isang oktaba na mas mataas kaysa sa nakatala ay tinatawag na apat na talampakan, isang oktaba sa ibaba - ayon sa pagkakabanggit labing-anim na talampakan. Sa harpsichord, sa parehong mga panukala, ang mga rehistro na nabuo ng mga hanay mga string.)

Kaya, ang hanay ng tunog ng isang malaking harpsichord ng konsiyerto sa kalagitnaan ng siglong XVIII. ay hindi lamang mas makitid kaysa sa pianoforte, ngunit mas malawak pa. At ito sa kabila ng katotohanan na ang musical notation ng harpsichord music ay mukhang mas makitid sa hanay kaysa sa piano music.

MUSIKA

Pagsapit ng ika-18 siglo ang harpsichord ay nakakuha ng isang hindi pangkaraniwang mayamang repertoire. Bilang isang lubhang aristokratikong instrumento, kumalat ito sa buong Europa, na mayroong pinakamaliwanag na mga apologist sa lahat ng dako. Ngunit kung pinag-uusapan natin ang pinakamalakas na paaralan noong ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo, dapat muna nating pangalanan ang mga virginalistang Ingles.

Hindi natin ikukuwento dito ang virginal, mapapansin lang natin na ito ay isang uri ng mga instrumentong may kwerdas na pinitik sa keyboard, katulad ng tunog ng harpsichord. Kapansin-pansin na sa isa sa mga huling masusing pag-aaral sa kasaysayan ng harpsichord ( Kottick E. Isang Kasaysayan ng Harpsichord. Bloomington. 2003), ang virginal, gayundin ang spinet (isa pang variety), ay isinasaalang-alang alinsunod sa ebolusyon ng harpsichord proper.

Tungkol sa pangalan ng birhen, nararapat na tandaan na ang isa sa mga iminungkahing etimolohiya ay itinaas ito sa Ingles Birhen at sa Latin virgo, iyon ay, "birhen", dahil si Elizabeth I, ang birhen na reyna, ay mahilig maglaro ng birhen. Sa katunayan, nagpakita ang birhen bago pa man si Elizabeth. Ang pinagmulan ng terminong "virginel" ay mas tama upang humantong mula sa isa pang salitang Latin - virga("wand"), na nagpapahiwatig ng parehong lumulukso.

Kapansin-pansin na sa ukit na pinalamutian ang unang naka-print na edisyon ng musika para sa birhen ("Parthenia"), ang musikero ay inilalarawan sa pagkukunwari ng isang Kristiyanong birhen - St. Caecilia. Sa pamamagitan ng paraan, ang mismong pangalan ng koleksyon ay nagmula sa Greek. parthenos na ang ibig sabihin ay "birhen".

Upang palamutihan ang edisyong ito, isang ukit mula sa pagpipinta ng Dutch artist na si Hendrik Goltzius "St. Cecilia". Gayunpaman, ang engraver ay hindi gumawa ng salamin na imahe ng imahe sa pisara, kaya ang pag-ukit mismo at ang tagapalabas ay naging baligtad - ang kanyang kaliwang kamay ay higit na binuo kaysa sa kanyang kanan, na, siyempre, ay hindi magagawa. ay isang birhen noong panahong iyon. Mayroong libu-libong mga pagkakamali sa mga ukit. Hindi ito napapansin ng mata ng isang hindi musikero, ngunit agad na nakikita ng musikero ang pagkakamali ng ukit.

Maraming mga kahanga-hangang pahina na puno ng masigasig na pakiramdam ay nakatuon sa musika ng mga virginalistang Ingles ng tagapagtatag ng harpsichord revival noong ika-20 siglo. kahanga-hangang Polish harpsichordist na si Wanda Landowska: "Ang pag-alis mula sa mga puso na mas karapat-dapat kaysa sa atin, at pinalusog ng mga katutubong kanta, lumang musikang Ingles - masigasig o matahimik, walang muwang o kaawa-awa - umaawit ng kalikasan at pag-ibig. Dinadakila niya ang buhay. Kung bumaling siya sa mistisismo, niluluwalhati niya ang Diyos. Hindi mapag-aalinlanganan na dalubhasa, ito ay sa parehong oras kusang-loob at matapang. Madalas itong tila mas moderno kaysa sa pinakabago at pinakadakilang. Buksan ang iyong puso sa kagandahan ng musikang ito, na hindi alam. Kalimutan na siya ay matanda na, at huwag isipin na dahil dito ay pinagkaitan siya ng damdamin ng tao.

Ang mga linyang ito ay isinulat sa simula ng ika-20 siglo. Sa nakalipas na siglo, marami na ang ginawa upang ihayag at pahalagahan sa kabuuan nito ang napakahalagang pamana ng musikal ng mga birhen. At ano ang mga pangalan na ito! Ang mga kompositor na sina William Bird at John Bull, Martin Pearson at Gil Farnaby, John Munday at Thomas Morley...

Nagkaroon ng malapit na ugnayan sa pagitan ng Inglatera at Netherlands (ang pag-ukit na ng "Parthenia" ay nagpapatotoo dito). Ang mga harpsichord at birhen ng mga Dutch masters, lalo na ang Ruckers dynasty, ay kilala sa England. Kasabay nito, sa isang kakaibang paraan, ang Netherlands mismo ay hindi maaaring magyabang ng isang maliwanag na paaralan ng pagbubuo.

Sa kontinente, ang orihinal na mga paaralan ng harpsichord ay Italyano, Pranses at Aleman. Tatlo lang sa kanilang pangunahing kinatawan ang babanggitin natin - sina Francois Couperin, Domenico Scarlatti at Johann Sebastian Bach.

Ang isa sa mga malinaw at halatang palatandaan ng regalo ng isang namumukod-tanging kompositor (na totoo para sa sinumang kompositor ng anumang panahon) ay ang pagbuo ng kanyang sariling, pulos personal, natatanging istilo ng pagpapahayag. At sa kabuuang dami ng hindi mabilang na mga manunulat, hindi gaanong magkakaroon ng mga tunay na tagalikha. Ang tatlong pangalang ito ay tiyak na pag-aari ng mga tagalikha. Ang bawat isa sa kanila ay may sariling natatanging istilo.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668–1733) - tunay na makata ng harpsichord. Marahil ay maaari niyang ituring ang kanyang sarili na isang masayang tao: lahat (o halos lahat) ng kanyang mga gawa ng harpsichord, iyon ay, kung ano mismo ang bumubuo sa kanyang katanyagan at kahalagahan sa mundo, ay nai-publish sa kanyang sarili at bumuo ng apat na volume. Kaya, mayroon kaming isang kumpletong ideya ng kanyang pamana ng harpsichord. Ang may-akda ng mga linyang ito ay pinalad na gumanap ng isang kumpletong cycle ng mga komposisyon ng harpsichord ni Couperin sa walong mga programa sa konsiyerto na ipinakita sa isang pagdiriwang ng kanyang musika na ginanap sa Moscow sa ilalim ng pagtangkilik ni G. Pierre Morel, Ambassador ng France sa Russia.

Ikinalulungkot ko na hindi ko mahawakan ang aking mambabasa sa kamay, akayin siya sa harpsichord at tumugtog, halimbawa, ang French Masquerade ni Couperin, o Domino Masks. Gaano kalaki ang kagandahan at kagandahan nito! Ngunit gaano rin kalalim ang sikolohikal. Dito, ang bawat maskara ay may isang tiyak na kulay at - na napakahalaga - karakter. Ipinapaliwanag ng mga komento ng may-akda ang mga imahe at kulay. Mayroong labindalawang maskara (at mga kulay) sa kabuuan, at lumilitaw ang mga ito sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod.

Minsan na akong nagkaroon ng dahilan upang maalala ang dulang ito ni Couperin na may kaugnayan sa kuwento tungkol sa "Black Square" ni K. Malevich (tingnan ang Art, No. 18/2007). Ang katotohanan ay ang scheme ng kulay ng Couperin, na nagsisimula sa puti (ang unang pagkakaiba-iba, na sumasagisag sa Virginity), ay nagtatapos sa isang itim na maskara (Fury o Despair). Kaya, ang dalawang tagalikha ng iba't ibang panahon at iba't ibang sining ay lumikha ng mga gawa na may malalim na simbolikong kahulugan: para sa Couperin, ang siklo na ito ay sumisimbolo sa mga panahon ng buhay ng tao - ang mga edad ng isang tao (labingdalawa para sa bilang ng mga buwan, bawat isa para sa anim na taon - ito ay isang alegorya na kilala sa panahon ng Baroque). Bilang isang resulta, ang Couperin ay may itim na maskara, ang Malevich ay may isang itim na parisukat. Sa pareho, ang hitsura ng itim ay resulta ng pagkilos ng maraming pwersa. Tahimik na sinabi ni Malevich: "Isinasaalang-alang ko ang puti at itim na nagmula sa mga scheme ng kulay at kulay." Ipinakilala sa amin ni Couperin ang makulay na hanay na ito.

Malinaw na si Couperin ay may kahanga-hangang mga harpsichord sa kanyang pagtatapon. Hindi ito nakakagulat - pagkatapos ng lahat, siya ang court harpsichordist ni Louis XIV. Ang mga instrumento, kasama ang kanilang tunog, ay naihatid ang buong lalim ng mga ideya ng kompositor.

Domenico Scarlatti(1685–1757). Ang kompositor na ito ay may ganap na kakaibang istilo, ngunit tulad ni Couperin, isang hindi mapag-aalinlanganang sulat-kamay ang una at halatang tanda ng henyo. Ang pangalang ito ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa harpsichord. Bagaman sa kanyang mas bata na mga taon ay sumulat si Domenico ng iba't ibang musika, pagkatapos ay naging tanyag siya bilang may-akda ng isang malaking bilang (555) harpsichord sonatas. Kapansin-pansing pinalawak ni Scarlatti ang mga posibilidad ng pagganap ng harpsichord, ipinakilala ang isang hindi pa nagagawang saklaw ng birtuoso sa pamamaraan ng pagtugtog nito.

Ang isang uri ng parallel sa Scarlatti sa huling kasaysayan ng piano music ay ang gawa ni Franz Liszt, na, tulad ng alam mo, partikular na pinag-aralan ang mga diskarte sa pagganap ng Domenico Scarlatti. (Sa pamamagitan ng paraan, dahil pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga parallel sa piano art, kung gayon si Couperin ay mayroon ding isang espirituwal na tagapagmana sa isang tiyak na kahulugan - ito, siyempre, ay si F. Chopin.)

Para sa ikalawang kalahati ng kanyang buhay, si Domenico Scarlatti (hindi malito sa kanyang ama, ang sikat na Italian opera composer na si Alessandro Scarlatti) ay ang court harpsichordist ng Spanish Queen na si Maria Barbara, at ang karamihan sa kanyang mga sonata ay partikular na isinulat para sa kanya. . Ligtas nating mahihinuha na siya ay isang mahusay na harpsichordist kung tinutugtog niya ang mga minsang sobrang teknikal na sonata.

I. Vermeer ng Delft. Ang batang babae sa spinet. OK. 1670. Pribadong koleksyon

Kaugnay nito, naaalala ko ang isang liham (1977) na natanggap ko mula sa namumukod-tanging Czech harpsichordist na si Zuzanna Ruzickova: “Mahal na Ginoong Maikapar! Mayroon akong isang kahilingan para sa iyo. Tulad ng alam mo, mayroong maraming interes sa mga tunay na harpsichord ngayon, at mayroong maraming talakayan tungkol dito. Ang isa sa mga pangunahing dokumento sa talakayan sa mga instrumentong ito na may kaugnayan kay D. Scarlatti ay ang pagpipinta ng Vanloo, na naglalarawan kay Maria Barbara ng Portugal, ang asawa ni Philip V. (Si Z. Ruzickova ay nagkamali - si Maria Barbara ay ang asawa ni Ferdinand VI , anak ni Philip V. - A.M.). Rafael Pouyana (isang pangunahing kontemporaryong Pranses na harpsichordist - A.M.) ay naniniwala na ang pagpipinta ay ipininta pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara at samakatuwid ay hindi maaaring maging isang makasaysayang mapagkukunan. Ang pagpipinta ay nasa Ermita. Napakahalaga kung maipapadala mo sa akin ang mga dokumento sa painting na ito."

Fragment. 1768. Ermita, St. Petersburg

Ang painting na tinutukoy sa sulat ay “Sextet” ni L.M. Vanloo (1768).

Ito ay nasa Hermitage, sa bodega ng departamento ng pagpipinta ng Pransya noong siglong XVIII. Department Keeper I.S. Si Nemilova, nang malaman ang tungkol sa layunin ng aking pagbisita, ay sinamahan ako sa isang malaking silid, o sa halip ay isang bulwagan, kung saan may mga pagpipinta na hindi kasama sa pangunahing eksibisyon. Gaano karaming mga gawa ng mahusay na interes mula sa punto ng view ng musikal iconography, ito ay lumiliko out, ay itinatago dito! Isa-isa, naglagay kami ng malalaking frame, kung saan na-install ang 10-15 na mga kuwadro, at isinasaalang-alang ang mga paksang interesado sa amin. At sa wakas, "Sextet" L.M. Vanloo.

Ayon sa ilang ulat, ang pagpipinta na ito ay naglalarawan sa Espanyol na Reyna Maria Barbara. Kung napatunayan ang hypothesis na ito, maaari tayong magkaroon ng harpsichord na tinutugtog mismo ni Scarlatti! Ano ang mga dahilan upang makilala sa harpsichordist na inilalarawan sa pagpipinta ni Vanloo, si Maria Barbara? Una, tila sa akin ay mayroon talagang mababaw na pagkakahawig sa pagitan ng ginang na inilalarawan dito at ng mga kilalang larawan ni Maria Barbara. Pangalawa, nanirahan si Vanloo sa korte ng Espanya nang medyo mahabang panahon at, samakatuwid, ay mahusay na nakapagpinta ng isang larawan sa isang tema mula sa buhay ng reyna. Pangatlo, ang isa pang pangalan para sa pagpipinta ay kilala rin - "Spanish Concerto" at, pang-apat, ang ilang mga dayuhang musicologist (halimbawa, K. Zaks) ay kumbinsido na si Maria Barbara ay nasa pagpipinta.

Ngunit si Nemilova, tulad ni Rafael Puyana, ay nag-alinlangan sa hypothesis na ito. Ang pagpipinta ay ipininta noong 1768, iyon ay, labindalawang taon pagkatapos ng pag-alis ng artista mula sa Espanya at sampung taon pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara. Ang kasaysayan ng kanyang order ay kilala: Catherine II conveyed sa Vanloo sa pamamagitan ng Prince Golitsyn ang nais na magkaroon ng isang pagpipinta sa pamamagitan ng kanya. Ang gawaing ito ay agad na dumating sa St. Petersburg at pinananatili dito sa lahat ng oras, ibinigay ito ni Golitsyn kay Catherine bilang isang "Concert". Tulad ng para sa pangalang "Spanish Concerto", ang mga kasuutan ng Espanyol kung saan inilalarawan ang mga karakter ay may papel sa hitsura nito, at, tulad ng ipinaliwanag ni Nemilova, ito ay mga teatro na costume, at hindi ang mga nasa uso noon.

W. Landwska

Sa larawan, siyempre, ang harpsichord ay umaakit ng pansin - isang dalawang-manu-manong instrumento na may katangian para sa unang kalahati ng ika-18 siglo. ang kulay ng mga susi, ang kabaligtaran ng modernong isa (ang mga itim sa piano ay puti sa harpsichord na ito, at kabaliktaran). Bilang karagdagan, kulang pa rin ito ng mga pedal para sa paglilipat ng mga rehistro, bagama't kilala na ang mga ito noong panahong iyon. Ang pagpapahusay na ito ay matatagpuan sa karamihan sa mga modernong double-manual na harpsichord ng konsiyerto. Ang pangangailangan na lumipat ng mga rehistro sa pamamagitan ng kamay ay nagdidikta ng isang tiyak na diskarte sa pagpili ng pagpaparehistro sa harpsichord.

Sa kasalukuyan, ang dalawang direksyon ay malinaw na tinukoy sa pagsasagawa ng pagsasanay: ang mga tagasuporta ng una ay naniniwala na ang lahat ng mga modernong posibilidad ng instrumento ay dapat gamitin (tulad ng isang opinyon ay ibinahagi, halimbawa, sa pamamagitan ng V. Landwska at, sa pamamagitan ng paraan, Zuzanna Ruzickova ), ang iba ay naniniwala na kapag gumaganap ng sinaunang musika sa modernong harpsichord, ang isa ay hindi dapat lumampas sa mga gumaganap na paraan, batay sa kung saan isinulat ng mga matatandang masters (tulad ng iniisip ni Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, ang parehong Rafael Puyana at iba pa).

Dahil binigyan namin ng labis na pansin ang pagpipinta ng Vanloo, napansin namin na ang artist mismo, sa turn, ay naging isang karakter sa isang musikal na larawan: ang piraso ng harpsichord ng Pranses na kompositor na si Jacques Dufly, na tinatawag na "Vanloo", ay kilalang kilala.

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750). Ang kanyang harpsichord heritage ay may pambihirang halaga. Ang aking karanasan sa pagtatanghal sa mga konsyerto ay ang lahat ng isinulat ni Bach para sa instrumentong ito ay nagpapatunay na ang kanyang pamana ay umaangkop sa labinlimang (!) na mga programa sa konsiyerto. Kasabay nito, ang mga konsyerto para sa harpsichord at mga string ay dapat na mabilang nang hiwalay, pati na rin ang masa ng mga ensemble na gawa, na hindi maiisip kung wala ang harpsichord.

Dapat itong kilalanin na para sa lahat ng pagiging natatangi ng Couperin at Scarlatti, bawat isa sa kanila ay nilinang ang isang indibidwal na istilo. Si Bach ay pangkalahatan. Ang nabanggit na "Italian Concerto" at "French Overture" ay mga halimbawa ng pag-aaral ni Bach sa musika ng mga pambansang paaralang ito. At ito ay dalawang halimbawa lamang, sa kanilang mga pangalan na sumasalamin sa kamalayan ni Bach. Dito maaari mong idagdag ang kanyang cycle ng "French Suites". Maaaring isipin ng isa ang tungkol sa impluwensya ng Ingles sa kanyang English Suites. At kung gaano karaming mga sample ng musika ng iba't ibang mga estilo ang nasa mga gawa niya na hindi nagpapakita nito sa kanilang mga pamagat, ngunit kasama sa musika mismo! Hindi na kailangang sabihin, kung gaano kalawak ang kanyang katutubong, German clavier tradisyon ay synthesized sa kanyang trabaho.

Hindi namin alam kung aling mga harpsichords ang nilalaro ni Bach, ngunit alam namin na interesado siya sa lahat ng mga teknikal na inobasyon (kabilang ang organ). Ang kanyang interes sa pagpapalawak ng mga posibilidad ng pagganap ng harpsichord at iba pang mga keyboard ay pinaka-malinaw na ipinakita ng sikat na cycle ng preludes at fugues sa lahat ng mga key "The Well-Tempered Clavier".

Si Bach ay isang tunay na master ng harpsichord. Si I. Forkel, ang unang biographer ni Bach, ay nag-uulat: “Walang sinuman ang maaaring palitan ang mga sira-sirang balahibo sa kanyang harpsichord ng mga bago upang siya ay nasiyahan - siya mismo ang gumawa nito. Siya ay palaging nakatutok sa kanyang harpsichord sa kanyang sarili, at napakahusay sa bagay na ito na ang pag-tune ay hindi kailanman umabot sa kanya ng higit sa isang-kapat ng isang oras. Sa kanyang paraan ng pag-tune, lahat ng 24 na susi ay nasa kanyang pagtatapon, at, improvising, ginawa niya sa kanila ang anumang gusto niya.

Sa panahon na ng buhay ng makikinang na lumikha ng musikang harpsichord, nagsimulang mawalan ng lupa ang harpsichord. Noong 1747, nang bisitahin ni Bach ang Hari ng Prussia, si Frederick the Great, sa Potsdam, binigyan niya siya ng isang tema upang mag-improvise, at si Bach, tila, ay nag-improvise na sa "pianoforte" (bilang ang bagong instrumento noong panahong iyon ay tinawag) - isa sa labing-apat o labinlimang, na ginawa para sa hari ng isang kaibigan ni Bach, ang sikat na organ master na si Gottfried Zilberman. Inaprubahan ni Bach ang tunog nito, bagama't dati ay hindi niya gusto ang piano.

Sumulat pa rin si Mozart para sa harpsichord sa kanyang maagang kabataan, ngunit sa kabuuan ang kanyang clavier na gawain, siyempre, ay nakadirekta sa pianoforte. Ang mga publisher ng mga unang komposisyon ni Beethoven ay ipinahiwatig sa mga pahina ng pamagat na ang kanyang mga sonata (isipin ito, maging ang Pathetique, na inilathala noong 1799) ay inilaan "para sa harpsichord o pianoforte." Ang mga publisher ay pumunta sa lansihin: hindi nila nais na mawala ang mga customer na may mga lumang harpsichord sa kanilang mga bahay. Ngunit mas at mas madalas na ang katawan lamang ang natitira mula sa mga harpsichord: ang harpsichord na "pagpupuno" ay tinanggal bilang hindi kailangan at pinalitan ng isang bago, martilyo-uri, iyon ay, piano, mekanika.

Ang tanong ay lumitaw: bakit ang instrumento na ito, na may napakahabang kasaysayan at mayamang artistikong pamana, ay sa pagtatapos ng ika-18 siglo. pinatalsik sa musical practice at pinalitan ng piano? At hindi lamang sapilitan, ngunit ganap na nakalimutan noong ika-19 na siglo? At pagkatapos ng lahat, hindi masasabi na noong nagsimula ang prosesong ito ng paglilipat ng harpsichord, ang piano ay ang pinakamahusay na instrumento sa mga tuntunin ng mga katangian nito. Kabaligtaran talaga! Si Carl Philipp Emanuel Bach, isa sa mga panganay na anak ni Johann Sebastian, ay sumulat ng kanyang double concerto para sa harpsichord at pianoforte na may isang orkestra, ibig sabihin ay ipakita mismo ang mga pakinabang ng harpsichord kaysa sa piano.

Mayroon lamang isang sagot: ang tagumpay ng piano sa harpsichord ay naging posible sa ilalim ng mga kondisyon ng isang radikal na pagbabago sa mga kagustuhan sa aesthetic. Baroque aesthetics, na nakabatay sa alinman sa isang malinaw na nabuo o malinaw na nadama na konsepto ng teorya ng mga epekto (sa madaling sabi ang kakanyahan: isang mood, makakaapekto, - isang tunog na pintura), kung saan ang harpsichord ay isang mainam na paraan ng pagpapahayag, unang nagbigay daan sa pananaw sa mundo ng sentimentalismo, pagkatapos ay sa isang mas malakas na direksyon - klasisismo at, sa wakas, romantiko. Sa lahat ng mga istilong ito, ang pinakakaakit-akit at nilinang ay, sa kabaligtaran, ang ideya pagbabago- damdamin, imahe, mood. At naipahayag ito ng piano.

Ang instrumento na ito ay nakakuha ng isang pedal na may kamangha-manghang mga kakayahan at naging may kakayahang lumikha ng hindi kapani-paniwalang pagtaas at pagbagsak sa sonority ( crescendo at diminuendo). Ang harpsichord ay hindi maaaring gawin ang lahat ng ito sa prinsipyo - dahil sa mga kakaibang disenyo nito.

Huminto tayo at alalahanin ang sandaling ito upang masimulan natin ang susunod nating pag-uusap dito - tungkol sa piano, at partikular tungkol sa malaking konsiyerto grand piano, iyon ay, ang "royal instrument", ang tunay na master ng lahat ng romantikong musika.

Sa aming kuwento, ang kasaysayan at modernidad ay pinaghalo, dahil ngayon ang harpsichord at iba pang mga instrumento ng pamilyang ito ay naging hindi pangkaraniwang karaniwan at hinihiling dahil sa malaking interes sa musika ng Renaissance at Baroque, iyon ay, ang oras kung kailan sila bumangon at nakaligtas sa kanilang ginintuang edad.

Ang mga kompositor at sining ng pagtatanghal ay dalawang hindi mauubos na mapagkukunan na nagpapakain sa isa't isa: pinupuno ng mga kamay ng tagapalabas ang pag-iisip ng kompositor ng hininga ng buhay, at ang tagalikha ng musika ay kumukuha ng inspirasyon mula sa husay ng tagapalabas. Tulad ng maraming iba pang mga kompositor, si Sofia Asgatovna Gubaidulina ay lumikha ng maraming mga komposisyon na nakatuon sa mga partikular na performer, at isa sa mga musikero na ito ay si Mark Ilyich Pekarsky, na itinalaga ang kanyang buhay sa mga instrumento ng percussion. Siya ay hindi lamang isang natatanging tagapalabas at tagalikha ng isang percussion ensemble - si Mark Ilyich ay nagsulat ng maraming mga artikulo at libro tungkol sa lugar na ito ng mga instrumentong pangmusika, nagtatag ng isang percussion ensemble class sa Moscow Conservatory.

"Sa mga tambol maaari mong gawin ang lahat ng bagay na maaaring gawin sa biyolin, sa piano, sa organ, kaunti lamang sa ibang paraan, ngunit sa prinsipyo, ang mga tambol ay nakakapaghatid ng parehong saya, at pagdurusa, at kalungkutan, at kagalakan, at kahit anong gusto mo,” sabi ng musikero. Ang isa sa mga pinakamahusay na kumpirmasyon ng ideyang ito ay maaaring ituring na isang kamangha-manghang iba't ibang mga instrumento ng percussion na nilikha ng iba't ibang mga tao sa iba't ibang panahon. Marami sa mga instrumentong ito ay kinakatawan sa natatanging koleksyon na binuo ni Pekarsky. Ang karangyaan na ito ay hindi maaaring hindi mainteresan si Gubaidulina - pagkatapos ng lahat, palaging sinubukan ni Sofia Asgatovna na makahanap ng isang bagong tunog kahit na para sa pinakakaraniwan at kilalang mga pampublikong instrumento sa Europa, at sa kasong ito, ang kompositor ay nahaharap sa isang tunay na mahalagang pagkakalat ng hindi pangkaraniwang. timbres: crotali (Pompeian cymbals), Chinese cymbals, Korean the chang drum, ang bian-zhong Chinese bells... Ngunit ang kompositor ay gumawa ng isang bagay na mas kakaiba – pinagsama niya ang lahat ng mga timbre na ito, na nagmula sa misteryosong mundo ng Silangan, kasama ang Instrumentong Kanlurang Europeo – ang harpsichord… may hindi malulutas bang kontradiksyon na lumitaw sa gayong kumbinasyon ng Silangan at Kanluran? Hindi ganoon ang iniisip ni Sofia Gubaidulina - kumbinsido siya na ang mga oriental na instrumento "kasama ang harpsichord ay nawawala ang kanilang lokal na heograpikong nuance at kasama sa isang mas pangkalahatan na uri ng paggawa ng musika, kung saan ang lahat ng iba't ibang mga katangian ng timbre ay may posibilidad na magtagpo."

Ang ganitong "rapprochement" ay nagbubunga ng isang nakakagulat na magkakasuwato na ensemble sa gawa ni Gubaidulina, na nakikinig kung saan, mahirap paniwalaan na ang mga instrumento na bumubuo dito ay nagmula sa iba't ibang bahagi ng mundo at mga panahon - sila ay tunay na "nagsasalita" sa parehong wika . .. Oo ginagawa nila! Sa trabaho, na pinamagatang sobrang simple - "Musika para sa harpsichord at mga instrumento ng pagtambulin mula sa koleksyon ni Mark Pekarsky" - isang uri ng "musikang pananalita" ay lilitaw kasama ang mga "ponema" nito (mga tunog ng pagsasalita) na bumubuo ng "mga salita". Hindi sinasadya na orihinal na pinlano ni Sofia Asgatovna na bigyan ang gawaing ito ng ibang pamagat - "Logogryph", ito ang pangalan ng laro ng salita kung saan unti-unting inalis ang letra sa isang salita, at lilitaw ang mga bagong salita (halimbawa, "pinagmulan - lababo - kasalukuyang"). Ang isang bagay na katulad ay ginagawa ng kompositor na may mga sound complex. Halimbawa, sa simula ng trabaho, mayroong isang parang alon na "layering" ng mga cymbal na Tsino, na pumapasok sa iba't ibang taas, at pagkatapos ay unti-unti silang "patayin" - ang "densification" ng musikal na tela ay sinusundan ng " rarefaction”. Sa kamangha-manghang "laro" ng tunog na ito, hindi ang pitch ng tunog ang nauuna kundi ang likas na timbre nito (ang pamamaraang pangmusika na ito ay tinatawag na sonorics). Ang mga "logogryph" ng musika ay naging batayan para sa pagbuo ng form. Sa unang bahagi, ang isang serye ng walong musikal na "mga salita" ay binuo na may unti-unting pagtaas sa bilang ng mga tunog, at sa reprise na seksyon, ang parehong mga sound complex ay binuo sa ibang pagkakasunud-sunod: walang eksaktong "salamin salamin" sa kasong ito, ngunit lumilitaw ang isang pangkalahatang ugali sa unti-unting pagbaba. Maaari naming obserbahan ang isang kumbinasyon ng mga kabaligtaran na direksyon ng pag-unlad hindi lamang sa anyo ng isang hiwalay na bahagi, kundi pati na rin sa ratio ng mga bahagi ng trabaho: ang unang bahagi ay nakadirekta pangunahin sa mataas na rehistro, ang pangalawa - sa mababang isa.

Ang impresyon ng isang "intelektwal na laro" ay nilikha hindi lamang sa pamamagitan ng isang maayos na "matematika ratio", ngunit din sa pamamagitan ng paggamit ng mga musikal na sipi. Sa unang paggalaw, lumilitaw ang isang maikli, tatlong-tala, ngunit nakikilalang motif mula sa C minor waltz, pati na rin ang isang maliit na fragment mula sa G minor fugue mula sa unang volume ng Johann Sebastian Bach. Ang hitsura ng parehong mga panipi ay kakaibang nabago: ang motif mula sa Chopin's waltz ay lumilitaw sa isang susi na malayo sa orihinal (B-flat minor), na ipinaliwanag ng bian-zhun at Pompeian cymbals. Ang motif mula sa fugue ni Bach ay ginampanan ni chang (bagaman sa kalaunan ito ay tumutunog sa isang mas "tradisyonal" na pagtatanghal - sa harpsichord, ngunit ang mga balangkas nito ay binago sa paraang may isang impresyon ng isang maling tunog ay lumitaw).

Ang "Music for harpsichord and percussion" ni Sofia Gubaidulina ay isang pinong laro ng isip, ngunit isang pagkakamali na tawagin itong produkto ng "malamig na dahilan". Sa paglalaro ng mga timbre, maiikling motibo at sound complex, mararamdaman ng isa ang masiglang "paghinga" ng mga emosyon.

Lahat ng karapatan ay nakalaan. Ipinagbabawal ang pagkopya