Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang klasikal na musika sa mundo ay hindi maiisip kung wala ang mga gawa ng mga kompositor ng Russia. Ang Russia, isang mahusay na bansa na may mga mahuhusay na tao at sarili nitong pamana sa kultura, ay palaging kabilang sa mga nangungunang makina ng pag-unlad at sining ng mundo, kabilang ang musika. Ang paaralan ng mga kompositor ng Russia, na ang mga tradisyon ay ipinagpatuloy ng Sobyet at mga paaralang Ruso ngayon, ay nagsimula noong ika-19 na siglo kasama ang mga kompositor na pinagsama ang sining ng musikal ng Europa sa mga melodies ng katutubong Ruso, na nag-uugnay sa anyo ng Europa at espiritu ng Russia.

Maraming masasabi tungkol sa bawat isa sa mga sikat na taong ito, lahat sila ay hindi simple, at kung minsan ay trahedya na kapalaran, ngunit sa pagsusuri na ito sinubukan naming magbigay lamang ng isang maikling paglalarawan ng buhay at gawain ng mga kompositor.

1.Mikhail Ivanovich GLINKA (1804—1857)

Si Mikhail Ivanovich Glinka ay ang nagtatag ng Russian classical music at ang unang domestic classical composer na nakamit ang katanyagan sa mundo. Ang kanyang mga gawa, batay sa mga siglo-lumang tradisyon ng Russian folk music, ay isang bagong salita sa musikal na sining ng ating bansa.
Ipinanganak sa lalawigan ng Smolensk, nag-aral sa St. Ang pagbuo ng pananaw sa mundo at ang pangunahing ideya ng gawa ni Mikhail Glinka ay pinadali ng direktang komunikasyon sa mga personalidad tulad ng A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. Ang malikhaing impetus sa kanyang trabaho ay idinagdag sa pamamagitan ng isang pangmatagalang paglalakbay sa Europa noong unang bahagi ng 1830s at mga pagpupulong kasama ang mga nangungunang kompositor ng panahong iyon - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn at kalaunan kasama si G. Berlioz, J. Meyerbeer. Ang tagumpay ay dumating sa M.I. Glinka pagkatapos ng paggawa ng opera na "Ivan Susanin" ("Buhay para sa Tsar") (1836), na masigasig na tinanggap ng lahat, sa unang pagkakataon sa musika sa mundo, sining ng koro ng Russia at ng symphonic at operatic ng Europa. Ang pagsasanay ay pinagsama-samang organiko, pati na rin ang isang bayani na lumitaw, katulad ni Susanin, na ang imahe ay nagbubuod sa mga pinakamahusay na tampok ng pambansang karakter. Inilarawan ni VF Odoevsky ang opera bilang "isang bagong elemento sa Art, at isang bagong panahon ang nagsisimula sa kasaysayan nito - ang panahon ng musikang Ruso."
Ang pangalawang opera - ang epikong "Ruslan at Lyudmila" (1842), ang gawain kung saan isinagawa laban sa backdrop ng pagkamatay ni Pushkin at sa mahirap na mga kondisyon ng pamumuhay ng kompositor, dahil sa malalim na makabagong kalikasan ng trabaho, ay hindi maliwanag. natanggap ng madla at ng mga awtoridad at nagdala ng matinding damdamin kay M.I. Glinka. Pagkatapos nito, marami siyang paglalakbay, naninirahan nang salit-salit sa Russia at sa ibang bansa, nang walang tigil sa pag-compose. Ang mga romansa, symphonic at chamber works ay nanatili sa kanyang legacy. Noong 1990s, ang "Patriotic Song" ni Mikhail Glinka ay ang opisyal na awit ng Russian Federation.

Quote ni M.I. Glinka: "Upang makalikha ng kagandahan, dapat malinis ang kaluluwa ng isang tao."

Quote tungkol sa M.I. Glinka: "Ang buong Russian symphonic school, tulad ng buong puno ng oak sa isang acorn, ay nakapaloob sa symphonic fantasy na "Kamarinskaya". P.I. Tchaikovsky

Isang kagiliw-giliw na katotohanan: Si Mikhail Ivanovich Glinka ay hindi naiiba sa mabuting kalusugan, sa kabila nito ay napakadali niya at alam ang heograpiya, marahil kung hindi siya naging isang kompositor, siya ay naging isang manlalakbay. Alam niya ang anim na wikang banyaga, kabilang ang Persian.

2. Alexander Porfiryevich BORODIN (1833—1887)

Si Alexander Porfirievich Borodin, isa sa mga nangungunang kompositor ng Russia noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, bilang karagdagan sa kanyang talento bilang isang kompositor, ay isang chemist, doktor, guro, kritiko at may talento sa panitikan.
Ipinanganak sa St. Petersburg, mula pagkabata, napansin ng lahat sa paligid niya ang kanyang hindi pangkaraniwang aktibidad, sigasig at kakayahan sa iba't ibang direksyon, pangunahin sa musika at kimika. Si A.P. Borodin ay isang kompositor ng Russian nugget, wala siyang propesyonal na mga guro ng musikero, ang lahat ng kanyang mga tagumpay sa musika ay dahil sa independiyenteng gawain sa pag-master ng pamamaraan ng pag-compose. Ang pagbuo ng A.P. Borodin ay naiimpluwensyahan ng gawain ni M.I. Glinka (pati na rin ang lahat ng mga kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo), at dalawang kaganapan ang nagbigay ng lakas sa siksik na trabaho ng komposisyon noong unang bahagi ng 1860s - una, ang kakilala at kasal sa mahuhusay na pianist na si E.S. Protopopova, at pangalawa, ang pagpupulong kay M.A. Balakirev at sumali sa malikhaing komunidad ng mga kompositor ng Russia, na kilala bilang "Mighty Handful". Sa huling bahagi ng 1870s at 1880s, si A.P. Borodin ay naglakbay at naglibot nang malawakan sa Europa at Amerika, nakilala ang mga nangungunang kompositor ng kanyang panahon, lumaki ang kanyang katanyagan, naging isa siya sa pinakasikat at tanyag na kompositor ng Russia sa Europa sa pagtatapos ng ika-19. siglo. ika siglo.
Ang sentral na lugar sa gawain ng A.P. Borodin ay inookupahan ng opera na "Prince Igor" (1869-1890), na isang halimbawa ng pambansang bayani na epiko sa musika at kung saan siya mismo ay walang oras upang tapusin (nakumpleto ito ng kanyang mga kaibigan na sina A.A. Glazunov at N.A. Rimsky-Korsakov). Sa "Prince Igor", laban sa backdrop ng mga maringal na larawan ng mga makasaysayang kaganapan, ang pangunahing ideya ng buong gawain ng kompositor ay naipakita - tapang, mahinahon na kadakilaan, espirituwal na maharlika ng pinakamahusay na mga taong Ruso at ang makapangyarihang lakas ng buong mamamayang Ruso, na ipinakita sa pagtatanggol sa inang bayan. Sa kabila ng katotohanan na si A.P. Borodin ay nag-iwan ng medyo maliit na bilang ng mga gawa, ang kanyang trabaho ay napaka-magkakaibang at siya ay itinuturing na isa sa mga ama ng Russian symphonic music, na nakaimpluwensya sa maraming henerasyon ng mga Ruso at dayuhang kompositor.

Sipi tungkol sa A.P. Borodin: "Ang talento ni Borodin ay pantay na makapangyarihan at kamangha-manghang kapwa sa symphony at sa opera at romansa. Ang kanyang mga pangunahing katangian ay higanteng lakas at lawak, napakalaking saklaw, bilis at impetuosity, na sinamahan ng kamangha-manghang pagsinta, lambing at kagandahan." V.V. Stasov

Isang kawili-wiling katotohanan: ang kemikal na reaksyon ng mga silver salt ng mga carboxylic acid na may mga halogens, na nagreresulta sa halogen-substituted hydrocarbons, na una niyang inimbestigahan noong 1861, ay pinangalanan sa Borodin.

3. Mahinhin Petrovich MUSSORGSKY (1839—1881)

Modest Petrovich Mussorgsky - isa sa pinakamatalino na kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo, isang miyembro ng "Mighty Handful". Ang makabagong gawain ni Mussorgsky ay nauna sa panahon nito.
Ipinanganak sa lalawigan ng Pskov. Tulad ng maraming mahuhusay na tao, mula pagkabata ay nagpakita siya ng talento sa musika, nag-aral sa St. Petersburg, ay, ayon sa tradisyon ng pamilya, isang lalaking militar. Ang mapagpasyang kaganapan na nagpasiya na si Mussorgsky ay ipinanganak hindi para sa serbisyo militar, ngunit para sa musika, ay ang kanyang pagpupulong kay M.A. Balakirev at pagsali sa "Mighty Handful". Mahusay si Mussorgsky dahil sa kanyang magarang mga gawa - ang mga opera na "Boris Godunov" at "Khovanshchina" - nakuha niya sa musika ang mga dramatikong milestone ng kasaysayan ng Russia na may isang radikal na bagong bagay na hindi alam ng musikang Ruso bago siya, na nagpapakita sa kanila ng isang kumbinasyon ng masa. mga katutubong eksena at isang magkakaibang kayamanan ng mga uri, ang natatanging katangian ng mga taong Ruso. Ang mga opera na ito, sa maraming mga edisyon ng parehong may-akda at iba pang mga kompositor, ay kabilang sa mga pinakasikat na opera ng Russia sa mundo. Ang isa pang namumukod-tanging gawa ng Mussorgsky ay ang ikot ng mga piyesa ng piano na "Mga Larawan sa Isang Eksibisyon", ang mga makukulay at mapag-imbentong miniature ay tinatagusan ng temang Russian refrain at ang pananampalatayang Orthodox.

Nagkaroon ng lahat sa buhay ni Mussorgsky - parehong kadakilaan at trahedya, ngunit palagi siyang nakikilala sa pamamagitan ng tunay na espirituwal na kadalisayan at kawalan ng interes. Ang kanyang mga huling taon ay mahirap - ang kaguluhan sa buhay, hindi pagkilala sa pagkamalikhain, kalungkutan, pagkagumon sa alkohol, lahat ng ito ay nagpasiya sa kanyang maagang pagkamatay sa 42, nag-iwan siya ng kaunting mga komposisyon, na ang ilan ay nakumpleto ng iba pang mga kompositor. Ang tiyak na melody at makabagong pagkakatugma ng Mussorgsky ay inaasahan ang ilang mga tampok ng pag-unlad ng musikal ng ika-20 siglo at may mahalagang papel sa pagbuo ng mga istilo ng maraming kompositor sa mundo.

Sipi ni M.P. Mussorgsky: "Ang mga tunog ng pananalita ng tao, bilang mga panlabas na pagpapakita ng pag-iisip at damdamin, ay dapat, nang walang pagmamalabis at panggagahasa, ay dapat maging totoo, tumpak na musika, ngunit masining, lubos na masining."

Sipi tungkol kay M.P. Mussorgsky: "Mga tunog ng Aboriginally Russian sa lahat ng ginawa ni Mussorgsky" N.K. Roerich

Isang kawili-wiling katotohanan: sa pagtatapos ng kanyang buhay, si Mussorgsky, sa ilalim ng presyon ng kanyang "mga kaibigan" na sina Stasov at Rimsky-Korsakov, ay tinalikuran ang copyright sa kanyang mga gawa at ipinakita ang mga ito kay Tertiy Filippov

4. Peter Ilyich Tchaikovsky (1840—1893)

Si Pyotr Ilyich Tchaikovsky, marahil ang pinakadakilang kompositor ng Russia noong ika-19 na siglo, ay nagtaas ng sining ng musikal ng Russia sa hindi pa nagagawang taas. Isa siya sa pinakamahalagang kompositor ng musikang klasikal sa mundo.
Ang isang katutubong ng lalawigan ng Vyatka, kahit na ang kanyang mga pinagmulan ng ama ay nasa Ukraine, si Tchaikovsky ay nagpakita ng mga kakayahan sa musika mula pagkabata, ngunit ang kanyang unang edukasyon at trabaho ay nasa larangan ng batas. Si Tchaikovsky ay isa sa mga unang "propesyonal" na kompositor ng Russia - nag-aral siya ng teorya at komposisyon ng musika sa bagong St. Petersburg Conservatory. Si Tchaikovsky ay itinuturing na isang "Western" na kompositor, sa kaibahan sa mga katutubong figure ng "Mighty Handful", kung kanino siya ay may mahusay na malikhain at palakaibigan na relasyon, gayunpaman, ang kanyang trabaho ay hindi gaanong natatakpan ng espiritu ng Russia, pinamamahalaan niyang natatanging pagsamahin. ang Western symphonic heritage ng Mozart, Beethoven at Schumann na may mga tradisyong Ruso na minana kay Mikhail Glinka.
Ang kompositor ay humantong sa isang aktibong buhay - siya ay isang guro, konduktor, kritiko, pampublikong pigura, nagtrabaho sa dalawang kabisera, naglibot sa Europa at Amerika. Si Tchaikovsky ay isang medyo emosyonal na hindi matatag na tao, sigasig, kawalan ng pag-asa, kawalang-interes, pagkamagagalitin, marahas na galit - lahat ng mga mood na ito ay madalas na nagbago sa kanya, bilang isang napaka-sociable na tao, palagi siyang nagsusumikap para sa kalungkutan.
Ito ay isang mahirap na gawain upang iisa ang isang bagay na pinakamahusay mula sa trabaho ni Tchaikovsky, mayroon siyang ilang mga gawa na may pantay na sukat sa halos lahat ng mga genre ng musika - opera, ballet, symphony, chamber music. Ang nilalaman ng musika ni Tchaikovsky ay unibersal: na may walang katulad na melodismo, niyakap nito ang mga imahe ng buhay at kamatayan, pag-ibig, kalikasan, pagkabata, mga gawa ng panitikan ng Russia at mundo ay ipinahayag dito sa isang bagong paraan, ang malalim na proseso ng espirituwal na buhay ay makikita.

quote ng kompositor:
"Ako ay isang pintor na kaya at dapat magbigay ng karangalan sa kanyang Inang Bayan. Nararamdaman ko ang isang dakilang artistikong kapangyarihan sa aking sarili, hindi ko pa nagagawa kahit isang ikasampu ng aking magagawa. At nais kong gawin ito nang buong lakas ng aking kaluluwa."
"Ang buhay ay may kagandahan lamang kapag ito ay binubuo ng paghalili ng kagalakan at kalungkutan, ng pakikibaka sa pagitan ng mabuti at masama, ng liwanag at anino, sa isang salita, ng pagkakaiba-iba sa pagkakaisa."
"Ang mahusay na talento ay nangangailangan ng mahusay na pagsusumikap."

Sipi tungkol sa kompositor: "Handa ako araw at gabi upang magbantay ng karangalan sa beranda ng bahay kung saan nakatira si Pyotr Ilyich - sa isang lawak ay iginagalang ko siya" A.P. Chekhov

Isang kawili-wiling katotohanan: ang Unibersidad ng Cambridge sa absentia at walang pagtatanggol sa isang disertasyon ay iginawad kay Tchaikovsky ang pamagat ng Doctor of Music, at ang Paris Academy of Fine Arts ay naghalal sa kanya ng isang kaukulang miyembro.

5. Nikolai Andreevich RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Si Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ay isang mahuhusay na kompositor ng Russia, isa sa pinakamahalagang pigura sa paglikha ng isang napakahalagang pamana ng musikal na domestic. Ang kanyang kakaibang mundo at pagsamba sa walang hanggang lahat na sumasaklaw sa kagandahan ng sansinukob, paghanga sa himala ng pagiging, pagkakaisa sa kalikasan ay walang mga analogue sa kasaysayan ng musika.
Ipinanganak sa lalawigan ng Novgorod, ayon sa tradisyon ng pamilya, siya ay naging isang opisyal ng hukbong-dagat, sa isang barkong pandigma ay naglakbay siya sa maraming bansa sa Europa at dalawang Amerika. Natanggap muna niya ang kanyang edukasyon sa musika mula sa kanyang ina, pagkatapos ay kumuha ng pribadong mga aralin mula sa pianista na si F. Canille. At muli, salamat kay M.A. Balakirev, ang tagapag-ayos ng The Mighty Handful, na nagpakilala kay Rimsky-Korsakov sa komunidad ng musika at naimpluwensyahan ang kanyang trabaho, ang mundo ay hindi nawalan ng isang mahuhusay na kompositor.
Ang gitnang lugar sa pamana ng Rimsky-Korsakov ay inookupahan ng mga opera - 15 na gawa na nagpapakita ng iba't ibang genre, stylistic, dramatic, compositional na mga desisyon ng kompositor, gayunpaman ay may isang espesyal na istilo - kasama ang lahat ng kayamanan ng bahagi ng orkestra, melodic vocal lines ay ang mga pangunahing. Dalawang pangunahing direksyon ang nakikilala ang gawain ng kompositor: ang una ay ang kasaysayan ng Russia, ang pangalawa ay ang mundo ng mga engkanto at epiko, kung saan natanggap niya ang palayaw na "kuwento".
Bilang karagdagan sa direktang independiyenteng aktibidad ng malikhaing, si N.A. Rimsky-Korsakov ay kilala bilang isang publicist, compiler ng mga koleksyon ng mga katutubong kanta, kung saan nagpakita siya ng malaking interes, at din bilang finalist ng mga gawa ng kanyang mga kaibigan - Dargomyzhsky, Mussorgsky at Borodin. Si Rimsky-Korsakov ang nagtatag ng paaralan ng kompositor, bilang isang guro at pinuno ng St. Petersburg Conservatory, gumawa siya ng humigit-kumulang dalawang daang kompositor, konduktor, musicologist, kasama ng mga ito sina Prokofiev at Stravinsky.

Sipi tungkol sa kompositor: "Si Rimsky-Korsakov ay isang napaka-Russian na tao at isang napaka-Russian na kompositor. Naniniwala ako na ang primordially Russian na esensya sa kanya, ang kanyang malalim na folklore-Russian na batayan, ay dapat na lalo na pahalagahan ngayon." Mstislav Rostropovich

Ang gawain ng mga kompositor ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 - unang kalahati ng ika-20 siglo ay isang holistic na pagpapatuloy ng mga tradisyon ng paaralang Ruso. Kasabay nito, ang konsepto ng isang diskarte sa "pambansang" kaakibat ng ito o ang musikang iyon ay pinangalanan, halos walang direktang pagsipi ng mga folk melodies, ngunit ang Russian intonational na batayan, ang Russian soul, ay nanatili.

6. Alexander Nikolaevich SKRYABIN (1872 - 1915)

Si Alexander Nikolayevich Skryabin ay isang kompositor at pianista ng Russia, isa sa mga pinakamaliwanag na personalidad ng kulturang musikal ng Russia at mundo. Ang orihinal at malalim na patula na gawa ni Scriabin ay namumukod-tangi para sa pagbabago nito kahit na laban sa background ng pagsilang ng maraming bagong uso sa sining na nauugnay sa mga pagbabago sa pampublikong buhay sa pagliko ng ika-20 siglo.
Ipinanganak sa Moscow, ang kanyang ina ay namatay nang maaga, ang kanyang ama ay hindi maaaring bigyang-pansin ang kanyang anak, dahil siya ay nagsilbi bilang embahador sa Persia. Si Scriabin ay pinalaki ng kanyang tiyahin at lolo, mula pagkabata ay nagpakita siya ng mga kakayahan sa musika. Sa una ay nag-aral siya sa cadet corps, kumuha ng pribadong mga aralin sa piano, pagkatapos ng pagtatapos mula sa corps ay pumasok siya sa Moscow Conservatory, ang kanyang kaklase ay si S.V. Rakhmaninov. Pagkatapos ng graduating mula sa conservatory, buong-buo na inilaan ni Scriabin ang kanyang sarili sa musika - bilang isang pianist-composer ng konsiyerto, nilibot niya ang Europa at Russia, na ginugugol ang karamihan sa kanyang oras sa ibang bansa.
Ang rurok ng paggawa ni Scriabin ay ang mga taong 1903-1908, nang ang Third Symphony ("Divine Poem"), ang symphonic na "Poem of Ecstasy", "Tragic" at "Satanic" na mga tula sa piano, ika-4 at 5th sonata at iba pang mga gawa ay pinakawalan. Ang "The Poem of Ecstasy", na binubuo ng ilang mga tema-imahe, ay tumutok sa mga malikhaing ideya ni Sriabin at ang kanyang maliwanag na obra maestra. Ito ay maayos na pinagsama ang pag-ibig ng kompositor para sa kapangyarihan ng isang malaking orkestra at ang liriko, maaliwalas na tunog ng mga solong instrumento. Ang napakalaking mahalagang enerhiya, nagniningas na simbuyo ng damdamin, malakas na lakas na nakapaloob sa "Tula ng Ecstasy" ay gumagawa ng hindi mapaglabanan na impresyon sa nakikinig at hanggang ngayon ay nananatili ang lakas ng impluwensya nito.
Ang isa pang obra maestra ng Scriabin ay ang "Prometheus" ("Tula ng Apoy"), kung saan ganap na na-update ng may-akda ang kanyang harmonic na wika, na umaalis sa tradisyonal na sistema ng tonal, at sa unang pagkakataon sa kasaysayan, ang gawaing ito ay dapat na sinamahan ng kulay. musika, ngunit ang premiere, para sa mga teknikal na kadahilanan, ay hindi pumasa sa mga light effect.
Ang huling hindi natapos na "Misteryo" ay ang ideya ni Scriabin, isang mapangarapin, romantiko, pilosopo, na umapela sa lahat ng sangkatauhan at magbigay ng inspirasyon sa kanya na lumikha ng isang bagong kamangha-manghang kaayusan sa mundo, ang unyon ng Universal Spirit with Matter.

Sipi ni A.N. Scriabin: “Sasabihin ko sa kanila (mga tao) na sila ... walang inaasahan sa buhay maliban sa kung ano ang magagawa nila para sa kanilang sarili ... Sasabihin ko sa kanila na walang dapat ikalungkot tungkol, na walang kawalan "Upang hindi sila matakot sa kawalan ng pag-asa, na tanging makapagbibigay ng tunay na tagumpay. Malakas at makapangyarihan ang nakaranas ng kawalang pag-asa at nagtagumpay."

Isang quote tungkol kay A.N. Scriabin: "Ang gawain ni Scriabin ay ang kanyang panahon, na ipinahayag sa mga tunog. Ngunit kapag ang pansamantala, ang lumilipas ay natagpuan ang pagpapahayag nito sa gawa ng isang mahusay na pintor, ito ay nakakakuha ng isang permanenteng kahulugan at nagiging matatag." G. V. Plekhanov

7. Sergei Vasilyevich Rahmaninov (1873 - 1943)

Si Sergei Vasilyevich Rachmaninov ay ang pinakadakilang kompositor ng mundo noong unang bahagi ng ika-20 siglo, isang mahuhusay na pianista at konduktor. Ang malikhaing imahe ni Rachmaninoff bilang isang kompositor ay madalas na tinutukoy ng epithet na "ang pinaka-Russian na kompositor", na binibigyang-diin sa maikling pagbabalangkas na ito ang kanyang mga merito sa pagsasama-sama ng mga musikal na tradisyon ng mga paaralan ng kompositor ng Moscow at St. Petersburg at sa paglikha ng kanyang sariling natatanging istilo, na namumukod-tangi sa paghihiwalay sa kulturang pangmusika ng mundo.
Ipinanganak sa lalawigan ng Novgorod, mula sa edad na apat ay nagsimula siyang mag-aral ng musika sa ilalim ng gabay ng kanyang ina. Nag-aral siya sa St. Petersburg Conservatory, pagkatapos ng 3 taon ng pag-aaral ay lumipat siya sa Moscow Conservatory at nagtapos ng isang malaking gintong medalya. Mabilis siyang nakilala bilang isang konduktor at pianista, na bumubuo ng musika. Ang nakapipinsalang premiere ng groundbreaking na First Symphony (1897) sa St. Petersburg ay nagdulot ng krisis sa isang malikhaing kompositor, kung saan lumitaw si Rachmaninoff noong unang bahagi ng 1900s na may istilong pinagsama ang pagsusulat ng kanta ng simbahan ng Russia, lumalabo ang romantikong Europeo, modernong impresyonismo at neoclassicism, lahat ay puspos ng kumplikadong simbolismo. Sa panahong ito ng malikhaing, ipinanganak ang kanyang pinakamahusay na mga gawa, kabilang ang 2 at 3 piano concerto, ang Second Symphony at ang kanyang paboritong gawa - ang tula na "The Bells" para sa koro, soloista at orkestra.
Noong 1917, napilitang umalis si Rachmaninov at ang kanyang pamilya sa ating bansa at manirahan sa Estados Unidos. Sa loob ng halos sampung taon pagkatapos ng kanyang pag-alis, hindi siya gumawa ng anuman, ngunit malawakang naglibot sa Amerika at Europa at kinilala bilang isa sa mga pinakadakilang pianista ng panahon at pinakadakilang konduktor. Para sa lahat ng mabagyo na aktibidad, si Rachmaninoff ay nanatiling mahina at walang katiyakan na tao, nagsusumikap para sa pag-iisa at maging sa kalungkutan, pag-iwas sa mapanghimasok na atensyon ng publiko. Taos-puso siyang nagmamahal at nagnanais para sa kanyang tinubuang-bayan, iniisip kung nagkamali ba siya sa pag-alis dito. Siya ay patuloy na interesado sa lahat ng mga kaganapan na nagaganap sa Russia, nagbasa ng mga libro, pahayagan at magasin, tumulong sa pananalapi. Ang kanyang mga huling komposisyon - Symphony No. 3 (1937) at "Symphonic Dances" (1940) ay naging resulta ng kanyang malikhaing landas, na sumisipsip ng lahat ng pinakamahusay sa kanyang natatanging istilo at ang malungkot na pakiramdam ng hindi na mapananauli na pagkawala at pangungulila.

Sipi ni S.V. Rachmaninov:
"Para akong multong gumagala mag-isa sa mundong alien sa kanya."
"Ang pinakamataas na kalidad ng anumang sining ay ang katapatan nito."
"Ang mga mahuhusay na kompositor ay palaging at higit sa lahat ay binibigyang pansin ang himig bilang pangunahing prinsipyo sa musika. Ang himig ay musika, ang pangunahing batayan ng lahat ng musika ... Ang melodic na talino sa paglikha, sa pinakamataas na kahulugan ng salita, ang pangunahing layunin sa buhay ng kompositor . ... Ni Para sa kadahilanang ito, ang mga dakilang kompositor ng nakaraan ay nagpakita ng labis na interes sa mga katutubong melodies ng kanilang mga bansa.

Sipi tungkol kay S.V. Rachmaninov:
"Si Rakhmaninov ay gawa sa bakal at ginto: Bakal sa kanyang mga kamay, ginto sa kanyang puso. Hindi ko siya maiisip nang walang luha. Hindi lamang ako yumuko sa harap ng dakilang pintor, Ngunit minahal ko ang lalaking nasa kanya." I. Hoffman
"Ang musika ni Rakhmaninov ay ang Karagatan. Ang mga alon nito - musikal - ay nagsisimula nang malayo sa abot-tanaw, at itinataas ka nang napakataas at pinababa nang napakabagal ... na naramdaman mo ang Kapangyarihan at Hininga na ito." A. Konchalovsky

Isang kagiliw-giliw na katotohanan: sa panahon ng Great Patriotic War, nagbigay si Rachmaninov ng ilang mga charity concert, ang pera na nakolekta mula sa kung saan ipinadala niya sa pondo ng Red Army upang labanan ang mga mananakop na Nazi.

8. Igor Fyodorovich STRAVINSKY (1882-1971)

Si Igor Fyodorovich Stravinsky ay isa sa mga pinaka-maimpluwensyang kompositor ng mundo noong ika-20 siglo, ang pinuno ng neoclassicism. Si Stravinsky ay naging isang "salamin" ng panahon ng musikal, ang kanyang trabaho ay sumasalamin sa mayorya ng mga estilo, patuloy na nagsa-intersecting at mahirap na uriin. Malaya niyang pinagsasama ang mga genre, porma, istilo, pinipili ang mga ito mula sa mga siglo ng kasaysayan ng musika at isinailalim ang mga ito sa kanyang sariling mga panuntunan.
Ipinanganak malapit sa St. Petersburg, nag-aral sa Faculty of Law ng St. Petersburg University, nakapag-iisa na nag-aral ng mga disiplina sa musika, kumuha ng mga pribadong aralin mula sa N. A. Rimsky-Korsakov, ito lamang ang nag-iisang composing school ni Stravinsky, salamat sa kung saan pinagkadalubhasaan niya ang compositional technique sa pagiging perpekto. Nagsimula siyang gumawa ng propesyonal na medyo huli na, ngunit ang pagtaas ay mabilis - isang serye ng tatlong ballet: The Firebird (1910), Petrushka (1911) at The Rite of Spring (1913) ay agad na nagdala sa kanya sa bilang ng mga kompositor ng unang magnitude. .
Noong 1914 umalis siya sa Russia, dahil ito ay naging halos magpakailanman (noong 1962 ay may mga paglilibot sa USSR). Si Stravinsky ay isang cosmopolitan, na napilitang baguhin ang ilang mga bansa - Russia, Switzerland, France, at nauwi sa USA. Ang kanyang trabaho ay nahahati sa tatlong panahon - "Russian", "neoclassical", American "serial production", ang mga panahon ay nahahati hindi sa oras ng buhay sa iba't ibang bansa, ngunit sa pamamagitan ng "sulat-kamay" ng may-akda.
Si Stravinsky ay isang napakataas na pinag-aralan, palakaibigan na tao na may mahusay na pagkamapagpatawa. Kasama sa bilog ng kanyang mga kakilala at koresponden ang mga musikero, makata, artista, siyentipiko, negosyante, estadista.
Ang huling pinakamataas na tagumpay ng Stravinsky - "Requiem" (Chants for the Dead) (1966) ay hinihigop at pinagsama ang nakaraang artistikong karanasan ng kompositor, naging isang tunay na apotheosis ng gawa ng master.
Isang natatanging tampok ang namumukod-tangi sa akda ni Stavinsky - "natatangi", hindi walang dahilan na siya ay tinawag na "ang kompositor ng isang libo at isang estilo", ang patuloy na pagbabago ng genre, estilo, direksyon ng balangkas - bawat isa sa kanyang mga gawa ay natatangi. , ngunit patuloy siyang bumalik sa mga disenyo kung saan nakikita ang pinagmulang Ruso, narinig ang mga ugat ng Ruso.

Quote ni I.F. Stravinsky: "Sa buong buhay ko nagsasalita ako ng Russian, mayroon akong istilong Ruso. Marahil sa aking musika ay hindi ito agad nakikita, ngunit ito ay likas sa loob nito, ito ay nasa kanyang nakatagong kalikasan"

Sipi tungkol sa I.F. Stravinsky: "Si Stravinsky ay isang tunay na kompositor na Ruso ... Ang espiritu ng Russia ay hindi masisira sa puso ng tunay na mahusay, multifaceted na talento na ito, ipinanganak ng lupain ng Russia at mahalagang konektado dito ... " D. Shostakovich

Kawili-wiling katotohanan (bike):
Minsan sa New York, sumakay si Stravinsky ng taxi at nagulat siya nang mabasa ang kanyang pangalan sa karatula.
- Hindi ka kamag-anak ng kompositor? tanong niya sa driver.
- Mayroon bang kompositor na may ganoong apelyido? - nagulat ang driver. - Pakinggan ito sa unang pagkakataon. Gayunpaman, Stravinsky ang pangalan ng may-ari ng taxi. Wala akong kinalaman sa musika - ang pangalan ko ay Rossini ...

9. Sergei Sergeevich PROKOFIEV (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev - isa sa mga pinakadakilang kompositor ng Russia noong ika-20 siglo, pianista, konduktor.
Ipinanganak sa rehiyon ng Donetsk, mula pagkabata ay sumali sa musika. Si Prokofiev ay maaaring ituring na isa sa iilan (kung hindi lamang) Russian musical na "wunderkinds", mula sa edad na 5 siya ay nakikibahagi sa pag-compose, sa edad na 9 ay sumulat siya ng dalawang opera (siyempre, ang mga gawang ito ay wala pa sa gulang, ngunit nagpapakita sila ng pagnanais para sa paglikha), sa edad na 13 pumasa siya sa mga pagsusulit sa St. Petersburg Conservatory, kabilang sa kanyang mga guro ay si N.A. Rimsky-Korsakov. Ang simula ng kanyang propesyonal na karera ay nagdulot ng isang bagyo ng kritisismo at isang hindi pagkakaunawaan sa kanyang indibidwal na panimula anti-romantiko at lubhang modernistang istilo, ang kabalintunaan ay na, sa kabila ng pagsira sa mga akademikong canon, ang istraktura ng kanyang mga komposisyon ay nanatiling tapat sa mga klasikal na prinsipyo at pagkatapos ay naging isang pumipigil na puwersa ng modernistang all-denying skepticism. Mula sa simula ng kanyang karera, si Prokofiev ay gumanap at naglibot ng maraming. Noong 1918, nagpunta siya sa isang pang-internasyonal na paglilibot, kabilang ang pagbisita sa USSR, at sa wakas ay bumalik sa kanyang tinubuang-bayan noong 1936.
Ang bansa ay nagbago at ang "malayang" pagkamalikhain ni Prokofiev ay napilitang magbigay daan sa mga katotohanan ng mga bagong kahilingan. Ang talento ni Prokofiev ay umunlad nang may panibagong sigla - nagsusulat siya ng mga opera, ballet, musika para sa mga pelikula - matalas, malakas ang kalooban, lubos na tumpak na musika na may mga bagong imahe at ideya, inilatag ang pundasyon para sa klasikal na musika at opera ng Sobyet. Noong 1948, tatlong kalunos-lunos na pangyayari ang naganap nang halos sabay-sabay: sa hinalang espiya, ang kanyang unang asawang Espanyol ay inaresto at ipinatapon sa mga kampo; ang Decree of the Poliburo ng Central Committee ng All-Union Communist Party of Bolsheviks ay inilabas kung saan sina Prokofiev, Shostakovich at iba pa ay inatake at inakusahan ng "formalismo" at ang mga panganib ng kanilang musika; nagkaroon ng matinding pagkasira sa kalusugan ng kompositor, nagretiro siya sa bansa at halos hindi ito iniwan, ngunit nagpatuloy sa pag-compose.
Ang ilan sa mga pinakamaliwanag na gawa ng panahon ng Sobyet ay ang mga opera na "Digmaan at Kapayapaan", "The Tale of a Real Man"; ang mga ballet na "Romeo and Juliet", "Cinderella", na naging isang bagong pamantayan ng mundo ng ballet music; oratorio "Sa bantay ng mundo"; musika para sa mga pelikulang "Alexander Nevsky" at "Ivan the Terrible"; symphony No. 5,6,7; gawaing piano.
Ang gawa ni Prokofiev ay kapansin-pansin sa kanyang versatility at lawak ng mga tema, ang pagka-orihinal ng kanyang musikal na pag-iisip, pagiging bago at pagka-orihinal ay bumubuo ng isang buong panahon sa kulturang pangmusika ng mundo noong ika-20 siglo at nagkaroon ng malakas na epekto sa maraming Sobyet at dayuhang kompositor.

Quote ni S.S. Prokofiev:
"Maaari bang umiwas sa buhay ang isang pintor?.. Ako ay naniniwala na ang isang kompositor, tulad ng isang makata, eskultor, pintor, ay tinatawag na maglingkod sa tao at sa mga tao... Una sa lahat, siya ay dapat na isang mamamayan sa kanyang sining, awitin ang buhay ng tao at akayin ang tao sa isang mas maliwanag na kinabukasan...
"Ako ay isang pagpapakita ng buhay, na nagbibigay sa akin ng lakas upang labanan ang lahat ng hindi espirituwal"

Quote tungkol sa S.S. Prokofiev: "... lahat ng facet ng kanyang musika ay maganda. Ngunit mayroong isang ganap na hindi pangkaraniwang bagay dito. Tila, lahat tayo ay may ilang uri ng mga kabiguan, pagdududa, isang masamang pakiramdam lamang. At sa gayong mga sandali , kahit na Hindi ako naglalaro at hindi nakikinig kay Prokofiev, ngunit isipin lamang ang tungkol sa kanya, nakakakuha ako ng hindi kapani-paniwalang pagpapalakas ng enerhiya, nararamdaman ko ang isang malaking pagnanais na mabuhay, kumilos” E. Kissin

Isang kawili-wiling katotohanan: Si Prokofiev ay labis na mahilig sa chess, at pinayaman ang laro sa kanyang mga ideya at tagumpay, kabilang ang "siyam" na chess na kanyang naimbento - isang 24x24 board na may siyam na set ng mga piraso na nakalagay dito.

10. Dmitry Dmitrievich SHOSTAKOVICH (1906 - 1975)

Si Dmitri Dmitrievich Shostakovich ay isa sa pinakamahalaga at gumanap na kompositor sa mundo, ang kanyang impluwensya sa modernong klasikal na musika ay hindi nasusukat. Ang kanyang mga nilikha ay mga tunay na pagpapahayag ng panloob na drama ng tao at ang mga talaan ng mahihirap na kaganapan noong ika-20 siglo, kung saan ang malalim na personal ay kaakibat ng trahedya ng tao at sangkatauhan, kasama ang kapalaran ng kanyang sariling bansa.
Ipinanganak sa St. Petersburg, natanggap niya ang kanyang unang mga aralin sa musika mula sa kanyang ina, nagtapos mula sa St. Petersburg Conservatory, sa pagpasok kung saan inihambing siya ng rektor na si Alexander Glazunov kay Mozart - pinahanga niya ang lahat sa kanyang mahusay na memorya sa musika, matalas na tainga at regalo ng kompositor . Nasa unang bahagi ng 1920s, sa pagtatapos ng konserbatoryo, si Shostakovich ay nagkaroon ng isang bagahe ng kanyang sariling mga gawa at naging isa sa mga pinakamahusay na kompositor sa bansa. Ang katanyagan sa mundo ay dumating kay Shostakovich matapos manalo sa 1st International Chopin Competition noong 1927.
Hanggang sa isang tiyak na panahon, lalo na bago ang paggawa ng opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk District", nagtrabaho si Shostakovich bilang isang freelance artist - "avant-garde", nag-eksperimento sa mga estilo at genre. Ang malupit na pagtuligsa sa opera na ito noong 1936 at ang mga panunupil noong 1937 ay naglatag ng pundasyon para sa kasunod na patuloy na panloob na pakikibaka ni Shostakovich para sa pagnanais na ipahayag ang kanyang mga pananaw sa pamamagitan ng kanyang sariling paraan sa harap ng pagpapataw ng estado ng mga uso sa sining. Sa kanyang buhay, ang pulitika at pagkamalikhain ay napakalapit na magkakaugnay, pinuri siya ng mga awtoridad at inuusig ng mga ito, humawak ng matataas na posisyon at tinanggal sa kanila, ginawaran at nasa bingit ng pag-aresto sa kanyang sarili at sa kanyang mga kamag-anak.
Isang malambot, matalino, maselan na tao, natagpuan niya ang kanyang anyo ng pagpapahayag ng mga malikhaing prinsipyo sa mga symphony, kung saan masasabi niya ang katotohanan tungkol sa oras nang hayagan hangga't maaari. Sa lahat ng malawak na gawain ng Shostakovich sa lahat ng mga genre, ito ay ang mga symphony (15 na gawa) na sumasakop sa isang sentral na lugar, ang pinaka-dramatiko ay mga symphony 5,7,8,10,15, na naging tuktok ng Sobyet na symphonic na musika. Ang isang ganap na naiibang Shostakovich ay nagbubukas sa musika ng silid.
Sa kabila ng katotohanan na si Shostakovich mismo ay isang "tahanan" na kompositor at halos hindi naglalakbay sa ibang bansa, ang kanyang musika, humanistic sa esensya at tunay na artistikong anyo, mabilis at malawak na kumalat sa buong mundo, na ginanap ng pinakamahusay na mga conductor. Ang laki ng talento ni Shostakovich ay napakalaki na ang ganap na pag-unawa sa kakaibang hindi pangkaraniwang bagay na ito ng sining sa mundo ay darating pa.

Sipi ni D.D. Shostakovich: "Ang tunay na musika ay may kakayahang magpahayag lamang ng makataong damdamin, tanging maunlad na makataong ideya."

Ang mga klasikal na kompositor ay kilala sa buong mundo. Ang bawat pangalan ng isang musical genius ay isang natatanging indibidwalidad sa kasaysayan ng kultura.

Ano ang klasikal na musika

Klasikal na musika - kaakit-akit na melodies na nilikha ng mga mahuhusay na may-akda, na tama na tinatawag na mga klasikal na kompositor. Ang kanilang mga gawa ay natatangi at palaging hihingin ng mga performer at tagapakinig. Ang klasikal, sa isang banda, ay karaniwang tinatawag na mahigpit, malalim na musika na hindi nauugnay sa mga direksyon: rock, jazz, folk, pop, chanson, atbp. Sa kabilang banda, sa makasaysayang pag-unlad ng musika ay may panahon ng ang huling bahagi ng XIII - unang bahagi ng XX siglo, na tinatawag na classicism.

Ang mga klasikal na tema ay nakikilala sa pamamagitan ng napakahusay na intonasyon, pagiging sopistikado, iba't ibang mga kulay at pagkakaisa. Mayroon silang positibong epekto sa emosyonal na pananaw sa mundo ng mga matatanda at bata.

Mga yugto ng pag-unlad ng klasikal na musika. Ang kanilang maikling paglalarawan at pangunahing mga kinatawan

Sa kasaysayan ng pag-unlad ng klasikal na musika, ang mga yugto ay maaaring makilala:

• Renaissance o Renaissance - unang bahagi ng ika-14 - huling quarter ng ika-16 na siglo. Sa Spain at England, ang Renaissance ay tumagal hanggang sa unang bahagi ng ika-17 siglo.
• Baroque - dumating upang palitan ang Renaissance at tumagal hanggang sa simula ng ika-18 siglo. Ang Espanya ang sentro ng istilo.
• Ang Klasisismo ay isang panahon ng pag-unlad ng kulturang Europeo mula sa simula ng ika-18 hanggang sa simula ng ika-19 na siglo.
• Ang Romantisismo ay isang direksyon na kabaligtaran sa klasisismo. Nagtagal ito hanggang sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo.
• Mga klasiko ng ika-20 siglo - ang modernong panahon.

Maikling paglalarawan at pangunahing kinatawan ng mga panahon ng kultura

1. Renaissance - isang mahabang panahon ng pag-unlad ng lahat ng larangan ng kultura. - Si Thomas Tullis, Giovanni da Palestina, T. L. de Victoria ay gumawa at nag-iwan ng walang kamatayang mga likha sa mga inapo.

2. Baroque - sa panahong ito, lumalabas ang mga bagong anyo ng musika: polyphony, opera. Sa panahong ito nilikha ni Bach, Handel, Vivaldi ang kanilang mga sikat na nilikha. Ang mga fugue ni Bach ay itinayo alinsunod sa mga kinakailangan ng klasisismo: sapilitan na pagsunod sa mga canon.

3. Klasisismo. Ang mga klasikal na kompositor ng Viennese na lumikha ng kanilang walang kamatayang mga likha sa panahon ng klasisismo: Haydn, Mozart, Beethoven. Lumilitaw ang anyo ng sonata, tumataas ang komposisyon ng orkestra. at Haydn ay naiiba mula sa napakabigat na mga gawa ni Bach sa pamamagitan ng kanilang hindi kumplikadong konstruksyon at ang gilas ng kanilang mga melodies. Ito ay isang klasiko pa rin, nagsusumikap para sa pagiging perpekto. Ang mga komposisyon ni Beethoven ay ang gilid ng pakikipag-ugnay sa pagitan ng romantikong at klasikal na mga istilo. Sa musika ni L. van Beethoven, mayroong higit na senswalidad at sigasig kaysa sa makatwirang kanonikal. Ang mga mahahalagang genre tulad ng symphony, sonata, suite, opera ay namumukod-tangi. Si Beethoven ang nagbunga ng Romantikong panahon.

4. Romantisismo. Ang mga gawang musikal ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulay at drama. Nabubuo ang iba't ibang genre ng kanta, halimbawa, ballads. Ang mga komposisyon ng piano nina Liszt at Chopin ay nakatanggap ng pagkilala. Ang mga tradisyon ng romantikismo ay minana nina Tchaikovsky, Wagner, Schubert.

5. Classics ng ika-20 siglo - nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais ng mga may-akda para sa pagbabago sa melodies, ang mga terminong aleatoric, atonalism ay lumitaw. Ang mga gawa ng Stravinsky, Rachmaninov, Glass ay tinutukoy sa klasikal na format.

Mga klasikal na kompositor ng Russia

Tchaikovsky P.I. - Ruso na kompositor, kritiko ng musika, pampublikong pigura, guro, konduktor. Ang kanyang mga komposisyon ang pinakamaraming gumanap. Ang mga ito ay taos-puso, madaling napagtanto, sumasalamin sa mala-tula na pagka-orihinal ng kaluluwang Ruso, mga magagandang larawan ng kalikasang Ruso. Ang kompositor ay lumikha ng 6 na ballet, 10 opera, higit sa isang daang romansa, 6 na symphony. Ang sikat sa buong mundo na ballet na "Swan Lake", ang opera na "Eugene Onegin", "Children's Album".

Rachmaninov S.V. - ang mga gawa ng namumukod-tanging kompositor ay emosyonal at masayahin, at ang ilan sa mga ito ay dramatiko sa nilalaman. Ang kanilang mga genre ay magkakaiba: mula sa maliliit na dula hanggang sa mga konsyerto at opera. Ang pangkalahatang kinikilalang mga gawa ng may-akda: ang mga opera na "The Miserly Knight", "Aleko" batay sa tula ni Pushkin na "Gypsies", "Francesca da Rimini" batay sa isang balangkas na hiniram mula sa "Divine Comedy" ni Dante, ang tula na "The Bells" ; suite na "Symphonic dances"; piano concerto; vocalise para sa boses na may saliw ng piano.

Borodin A.P. ay isang kompositor, guro, chemist, doktor. Ang pinaka makabuluhang paglikha ay ang opera na "Prince Igor" batay sa makasaysayang gawain na "The Tale of Igor's Campaign", na isinulat ng may-akda sa halos 18 taon. Sa kanyang buhay, si Borodin ay walang oras upang tapusin ito, pagkatapos ng kanyang kamatayan, sina A. Glazunov at N. Rimsky-Korsakov ay natapos ang opera. Ang mahusay na kompositor ay ang nagtatag ng mga classical quartets at symphony sa Russia. Ang "Bogatyr" symphony ay itinuturing na koronang tagumpay ng mundo at Russian national-heroic symphony. Ang instrumental chamber quartets, ang First at Second Quartets ay kinilala bilang outstanding. Isa sa mga unang nagpakilala ng mga bayani mula sa sinaunang panitikang Ruso sa mga romansa.

Mahusay na musikero

M. P. Mussorgsky, na masasabing isang mahusay na kompositor ng realistiko, isang matapang na innovator, nakakaantig sa mga talamak na problema sa lipunan, isang mahusay na pianista at isang mahusay na bokalista. Ang pinakamahalagang mga gawa sa musika ay ang mga opera na "Boris Godunov" batay sa dramatikong gawain ng A.S. Pushkin at "Khovanshchina" - isang folk-musical drama, ang pangunahing katangian ng mga opera na ito ay ang mga mapanghimagsik na tao mula sa iba't ibang strata ng lipunan; creative cycle na "Mga Larawan sa isang Exhibition", na inspirasyon ng mga gawa ni Hartmann.

Glinka M.I. - isang sikat na kompositor ng Russia, ang nagtatag ng klasikal na direksyon sa kulturang musikal ng Russia. Nakumpleto niya ang proseso ng paglikha ng isang paaralan ng mga kompositor ng Russia, batay sa halaga ng katutubong at propesyonal na musika. Ang mga gawa ng master ay puno ng pagmamahal sa Fatherland, na sumasalamin sa ideolohikal na oryentasyon ng mga tao sa panahong iyon sa kasaysayan. Ang sikat sa buong mundo na folk drama na "Ivan Susanin" at ang fairy-tale opera na "Ruslan at Lyudmila" ay naging mga bagong uso sa Russian opera. Ang symphonic works na "Kamarinskaya" at "Spanish Overture" ni Glinka ay ang mga pundasyon ng Russian symphony.

Si Rimsky-Korsakov N.A. ay isang mahuhusay na kompositor ng Russia, opisyal ng hukbong-dagat, guro, publicist. Dalawang alon ang maaaring masubaybayan sa kanyang trabaho: makasaysayang ("The Tsar's Bride", "Pskovite") at hindi kapani-paniwala ("Sadko", "Snow Maiden", Suite "Scheherazade"). Isang natatanging tampok ng mga gawa ng kompositor: pagka-orihinal batay sa mga klasikal na halaga, homophony sa harmonic na pagbuo ng mga naunang komposisyon. Ang kanyang mga komposisyon ay may istilo ng may-akda: orihinal na mga solusyon sa orkestra na may hindi pangkaraniwang mga marka ng boses, na siyang mga pangunahing.

Sinubukan ng mga klasikal na kompositor ng Russia na ipakita sa kanilang mga gawa ang cognitive thinking at folklore na katangian ng bansa.

kulturang Europeo

Ang mga sikat na klasikal na kompositor na sina Mozart, Haydn, Beethoven ay nanirahan sa kabisera ng kultura ng musika noong panahong iyon - Vienna. Pinagsasama ng mga henyo ang mahusay na pagganap, mahusay na mga solusyon sa komposisyon, ang paggamit ng iba't ibang mga estilo ng musikal: mula sa mga folk melodies hanggang sa polyphonic development ng mga musikal na tema. Ang mahusay na mga klasiko ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang komprehensibong malikhaing aktibidad sa pag-iisip, kakayahan, kalinawan sa pagbuo ng mga musikal na anyo. Sa kanilang mga gawa, ang talino at damdamin, mga kalunus-lunos at komiks na bahagi, ang kadalian at pagkamahinhin ay organikong magkakaugnay.

Nahilig sina Beethoven at Haydn sa mga instrumental na komposisyon, mahusay na pinangasiwaan ni Mozart ang parehong operatic at orchestral na komposisyon. Si Beethoven ay isang hindi maunahang tagalikha ng mga kabayanihan na gawa, pinahahalagahan at matagumpay na ginamit ni Haydn ang katatawanan, mga uri ng folk-genre sa kanyang trabaho, si Mozart ay isang unibersal na kompositor.

Si Mozart ang lumikha ng sonata instrumental form. Naperpekto ito ni Beethoven, dinala ito sa hindi maunahang taas. Ang panahon ay naging panahon ng quartet heyday. Haydn, na sinundan ni Beethoven at Mozart, ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pagbuo ng genre na ito.

Italyano masters

Si Giuseppe Verdi - isang pambihirang musikero noong ika-19 na siglo, ay bumuo ng tradisyonal na Italian opera. Siya ay may hindi nagkakamali na pagkakayari. Ang mga operatikong gawa na Il trovatore, La Traviata, Othello, Aida ay naging kulminasyon ng kanyang aktibidad sa kompositor.

Niccolo Paganini - isinilang sa Nice, isa sa mga pinaka matalinong personalidad sa musika noong ika-18 at ika-19 na siglo. Siya ay isang birtuoso sa biyolin. Gumawa siya ng mga caprices, sonata, quartets para sa violin, guitar, viola at cello. Sumulat siya ng mga konsyerto para sa biyolin at orkestra.

Gioacchino Rossini - nagtrabaho noong ika-19 na siglo. May-akda ng sacred and chamber music, composed 39 operas. Natitirang mga gawa - "The Barber of Seville", "Othello", "Cinderella", "The Thieving Magpie", "Semiramide".

Si Antonio Vivaldi ay isa sa pinakamalaking kinatawan ng violin art noong ika-18 siglo. Nakamit niya ang katanyagan salamat sa kanyang pinakasikat na gawa - 4 violin concertos na "The Seasons". Nabuhay siya ng isang kamangha-manghang mabungang malikhaing buhay, na binubuo ng 90 opera.

Ang mga sikat na Italyano na klasikal na kompositor ay nag-iwan ng walang hanggang pamana sa musika. Ang kanilang mga cantata, sonata, serenades, symphony, opera ay magbibigay kasiyahan sa higit sa isang henerasyon.

Mga kakaibang pang-unawa ng musika ng isang bata

Ang pakikinig sa magandang musika ay may positibong epekto sa psycho-emotional development ng bata, ayon sa mga child psychologist. Ang magandang musika ay nagpapakilala sa isa sa sining at bumubuo ng isang aesthetic na panlasa, gaya ng paniniwala ng mga guro.

Maraming kilalang mga likha ang nilikha ng mga klasikal na kompositor para sa mga bata, na isinasaalang-alang ang kanilang sikolohiya, pang-unawa at ang mga detalye ng edad, iyon ay, para sa pakikinig, habang ang iba ay binubuo ng iba't ibang mga piraso para sa mga maliliit na performer na madaling makita ng tainga at teknikal na naa-access sa sila.

"Album ng mga Bata" ni Tchaikovsky P.I. para sa maliliit na pianista. Ang album na ito ay isang dedikasyon sa isang pamangkin na mahilig sa musika at isang napakagandang bata. Ang koleksyon ay naglalaman ng higit sa 20 piraso, ang ilan sa mga ito ay batay sa folklore material: Neapolitan motifs, Russian dance, Tyrolean at French melodies. Koleksyon ng "Mga Kanta ng Bata" ni Tchaikovsky P.I. idinisenyo para sa auditory perception ng isang madla ng mga bata. Mga kanta ng isang optimistikong kalooban tungkol sa tagsibol, mga ibon, isang namumulaklak na hardin ("Aking hardin"), tungkol sa pakikiramay kay Kristo at sa Diyos ("Si Kristo ang sanggol ay may hardin").

Classic ng mga bata

Maraming mga klasikal na kompositor ang nagtrabaho para sa mga bata, ang listahan ng mga gawa na kung saan ay napaka-magkakaibang.

Prokofiev S.S. Ang "Peter and the Wolf" ay isang symphonic fairy tale para sa mga bata. Salamat sa fairy tale na ito, nakikilala ng mga bata ang mga instrumentong pangmusika ng orkestra ng symphony. Ang teksto ng kuwento ay isinulat mismo ni Prokofiev.

Schumann R. "Mga eksena ng mga bata" ay mga maikling kwentong musikal na may simpleng balangkas, na isinulat para sa mga adult na performer, mga alaala ng pagkabata.

Ang Piano Cycle ni Debussy na "Children's Corner".

Ravel M. "Mother Goose" batay sa mga fairy tale ni Ch. Perrault.

Bartok B. "Mga Unang Hakbang sa Piano".

Mga cycle para sa mga bata Gavrilova S. "Para sa pinakamaliit"; "Mga Bayani ng fairy tale"; "Mga bata tungkol sa mga hayop."

Shostakovich D. "Album ng Piano Pieces para sa mga Bata".

Bach I.S. Notebook para kay Anna Magdalena Bach. Nagtuturo sa kanyang mga anak ng musika, lumikha siya ng mga espesyal na piraso at pagsasanay para sa kanila upang bumuo ng mga teknikal na kasanayan.

Haydn J. - ninuno ng klasikal na simponya. Lumikha ng isang espesyal na symphony na tinatawag na "Mga Bata". Ang mga instrumentong ginamit: clay nightingale, rattle, cuckoo - bigyan ito ng isang hindi pangkaraniwang tunog, parang bata at nakakapukaw.

Si Saint-Saens K. ay nakabuo ng isang pantasya para sa orkestra at 2 piano na tinatawag na "Carnival of the Animals", kung saan mahusay niyang ipinarating ang kumakalat ng mga manok, ang atungal ng isang leon, ang kasiyahan ng isang elepante at ang paraan ng paggalaw nito, isang nakakaantig na matikas na sisne sa pamamagitan ng musikal na paraan.

Ang pagbubuo ng mga komposisyon para sa mga bata at kabataan, ang mga magagaling na klasikal na kompositor ay nag-ingat sa mga kagiliw-giliw na mga storyline ng trabaho, ang pagkakaroon ng iminungkahing materyal, na isinasaalang-alang ang edad ng tagapalabas o tagapakinig.

Kabilang sa mga melodies na ito ay may motibo para sa anumang mood: romantiko, positibo o malungkot, upang makapagpahinga at hindi mag-isip tungkol sa anumang bagay o, sa kabaligtaran, upang kolektahin ang iyong mga iniisip.

twitter.com/ludovicoeinaud

Gumagana ang Italyano na kompositor at pianist sa direksyon ng minimalism, madalas na nagiging ambient at mahusay na pinagsasama ang klasikal na musika sa iba pang mga estilo ng musika. Siya ay kilala sa isang malawak na bilog para sa mga komposisyon sa atmospera na naging mga soundtrack para sa mga pelikula. Halimbawa, tiyak na makikilala mo ang musika mula sa French tape na "1 + 1" na isinulat ni Einaudi.

themagger.net

Ang salamin ay isa sa mga pinakakontrobersyal na personalidad sa mundo ng mga modernong klasiko, na kung saan ay pinupuri sa kalangitan o pinupuna sa siyam. Siya ay kasama ng kanyang Philip Glass Ensemble sa loob ng kalahating siglo at nagsulat ng musika para sa higit sa 50 mga pelikula, kabilang ang The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life at The Fantastic Four. Ang mga melodies ng Amerikanong minimalist na kompositor ay nagpapalabo sa pagitan ng klasikal at sikat na musika.

latimes.com

Ang may-akda ng maraming soundtrack, ang pinakamahusay na kompositor ng pelikula noong 2008 ayon sa European Film Academy at isang post-minimalist. Ang mga nabihag na kritiko mula sa unang album, Memoryhouse, kung saan ang musika ni Richter ay pinatong sa pagbabasa ng tula, at ang mga sumunod na album ay gumamit din ng kathang-isip na prosa. Bilang karagdagan sa pagsusulat ng kanyang sariling mga komposisyon sa kapaligiran, nag-aayos siya ng mga klasikal na gawa: Ang The Four Seasons ni Vivaldi ay nanguna sa iTunes classical music chart sa kanyang arrangement.

Ang lumikha ng instrumental na musikang ito mula sa Italy ay hindi nauugnay sa kahindik-hindik na sinehan, ngunit kilala na bilang isang kompositor, birtuoso at may karanasang guro ng piano. Kung ilalarawan mo ang musika ni Marradi sa dalawang salita, ito ang magiging mga salitang "sensual" at "magical". Ang mga mahilig sa retro classic ay magugustuhan ang kanyang mga likha at pabalat: ang mga tala ng huling siglo ay makikita sa mga motibo.

twitter.com/coslive

Ang sikat na kompositor ng pelikula ay lumikha ng musikal na saliw para sa maraming mataas na kita na mga pelikula at cartoon, kabilang ang Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, The Lion King. Ipinagmamalaki ang kanyang bituin sa Hollywood Walk of Fame, at nasa kanyang istante ang Oscar, Grammy at Golden Globe. Ang musika ni Zimmer ay iba-iba gaya ng mga pelikulang ito, ngunit anuman ang tono, tumatak ito sa chord.

musicaludi.fr

Si Hisaishi ay isa sa mga pinakasikat na kompositor ng Hapon, na nanalo ng apat na Japanese Academy Film Awards para sa pinakamahusay na marka ng pelikula. Naging tanyag siya sa pagsulat ng soundtrack para sa anime ni Hayao Miyazaki na Nausicaä of the Valley of the Wind. Kung fan ka ng mga tape ng Studio Ghibli o Takeshi Kitano, siguradong hahangaan mo ang musika ni Hisaishi. Ito ay halos magaan at magaan.

twitter.com/theipaper

Ang Icelandic multi-instrumentalist na ito ay isang batang lalaki lamang kumpara sa mga nakalistang masters, ngunit sa kanyang 30s ay nagawa niyang maging isang kinikilalang neoclassicist. Nag-record siya ng ballet accompaniment, nakatanggap ng BAFTA award para sa soundtrack sa British TV series na Murder on the Beach, at naglabas ng 10 studio album. Ang musika ni Arnalds ay nagpapaalala sa isang malakas na hangin sa isang desyerto na dalampasigan.

yiruma.manifo.com

Ang pinakasikat na mga gawa ni Lee Ru Ma ay ang Kiss the Rain at River Flows in You. Ang kompositor at pianista ng Korean New Age ay nagsusulat ng mga sikat na classic na naiintindihan ng mga tagapakinig sa anumang kontinente, na may anumang panlasa sa musika at edukasyon. Ang kanyang magaan at sensual na melodies para sa marami ay naging simula ng pag-ibig sa piano music.

Dustin O'Halloran

fracturedair.com

Ang Amerikanong kompositor ay kawili-wili dahil wala siyang edukasyon sa musika, ngunit sa parehong oras ay isinulat niya ang pinaka-kaaya-aya at medyo tanyag na musika. Ang mga himig ni O'Halloran ay ginamit sa Top Gear at ilang mga pelikula. Marahil ang pinakamatagumpay na soundtrack album ay para sa melodrama na Like Crazy. Ang kompositor at pianist na ito ay maraming alam tungkol sa sining ng pagsasagawa at kung paano lumikha ng elektronikong musika. Ngunit ang kanyang pangunahing larangan ay mga modernong klasiko. Ang Cacchapalla ay nagtala ng maraming mga album, tatlo sa kanila ay may Royal Philharmonic Orchestra. Ang kanyang musika ay umaagos na parang tubig, ang sarap mag-relax sa ilalim nito.

Ano ang iba pang modernong kompositor na dapat pakinggan

Kung mahilig ka sa epiko, idagdag si Klaus Badelt, na nakatrabaho ni Zimmer sa Pirates of the Caribbean, sa iyong playlist. Gayundin, hindi dapat palampasin sina Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore at John Williams - kailangan mong magsulat ng isang hiwalay na artikulo upang mailista ang lahat ng kanilang mga gawa, merito at parangal.

Kung gusto mo ng mas masarap na neoclassicism, bigyang pansin sina Niels Fram at Sylvain Chauveau.

Kung hindi ka sapat, alalahanin ang gumawa ng soundtrack kay "Amelie" Jan Tiersen o tuklasin ang Japanese composer na si Tammon: nagsusulat siya ng mahangin, parang panaginip na melodies.

Aling musika ng mga kompositor ang gusto mo at alin ang hindi? Sino pa ang idaragdag mo sa listahang ito?

Sa pagliko ng XIX-XX na mga siglo, magkakasamang umiral ang iba't ibang mga artistikong uso sa kultura ng Europa. Ang ilan ay bumuo ng mga tradisyon ng ika-19 na siglo, ang iba ay lumitaw bilang isang resulta ng mga malikhaing paghahanap ng mga modernong masters. Ang pinaka-makabuluhang kababalaghan ng musikal na sining ay late romanticism. Ang mga kinatawan nito ay nakikilala sa pamamagitan ng pagtaas ng interes sa symphonic na musika at ang engrandeng sukat ng mga komposisyon. Ang mga kompositor ay lumikha ng mga kumplikadong pilosopikal na programa para sa kanilang mga gawa. Maraming mga kompositor ang naghangad sa kanilang trabaho na ipagpatuloy ang mga romantikong tradisyon ng nakaraan, halimbawa, S.V. Rachmaninov (1873-1943), Richard Strauss (1864-1949). Nais kong pag-isipan ang dalawang kinatawan na ito ng istilo ng late romanticism.

Sergei Vasilyevich Rahmaninov

Si Sergei Vasilyevich Rachmaninov ay isang Ruso na kompositor, pianista at konduktor.

4 na concerto, "Rhapsody on a Theme of Paganini" (1934) para sa piano at orchestra, preludes, etudes-pictures para sa piano, 3 symphony (1895-1936), fantasy na "Cliff" (1893), tula na "Isle of the Dead" (1909), Symphonic Dances (1940) para sa orkestra, cantata Spring (1902), tula Bells (1913) para sa koro at orkestra, opera Aleko (1892), The Miserly Knight, Francesca da Rimini (parehong 1904), mga romansa.

Ang gawain ni Sergei Vasilyevich Rachmaninov, isang kompositor at birtuoso na pianista, ay magkakasuwato na pinagsama ang mga tradisyon ng sining ng Ruso at Europa. Para sa karamihan ng mga musikero at tagapakinig, ang mga komposisyon ni Rachmaninoff ay isang masining na simbolo ng Russia. Ang tema ng tinubuang-bayan ay kinakatawan ng partikular na puwersa sa gawain ni Sergei Rachmaninoff. Ang mga romantikong kalunos-lunos ay pinagsama sa kanyang musika na may liriko-nagmumuni-muni na mga mood, hindi mauubos na melodic richness, lawak at kalayaan sa paghinga - na may ritmikong enerhiya. Ang musika ni Rachmaninov ay isang mahalagang bahagi ng huling romantikismo ng Europa. Pagkatapos ng 1917, napilitang manirahan sa ibang bansa si Rachmaninoff - sa Switzerland at USA. Ang kanyang pagbuo at lalo na ang pagganap ng mga aktibidad ay naging isang kababalaghan kung wala ito ay imposibleng isipin ang kultural na buhay ng Kanluran sa 20-40s. XX siglo.

Kasama sa legacy ni Rachmaninoff ang mga opera at symphony, chamber vocal at choral music, ngunit higit sa lahat ang kompositor ay nagsulat para sa piano. Siya gravitated patungo sa isang malakas, monumental virtuosity, hinahangad na ihalintulad ang piano sa kayamanan ng mga kulay ng isang symphony orchestra.

Ang gawa ni Rachmaninov ay nag-uugnay sa iba't ibang panahon at kultura. Pinapayagan nito ang mga musikero ng Russia na madama ang kanilang malalim na koneksyon sa mga tradisyon ng Europa, at para sa mga musikero ng Kanluran, binuksan ni Rachmaninoff ang Russia - ipinapakita ang kanyang tunay na espirituwal na kayamanan.

Richard Strauss

Si Richard Strauss ay isang Aleman na kompositor ng huling panahon ng Romantico, lalo na sikat sa kanyang mga symphonic na tula at opera. Isa rin siyang outstanding conductor.

Ang istilo ni Richard Strauss ay seryosong naimpluwensyahan ng mga gawa ni Chopin, Schumann, Mendelssohn. Naimpluwensyahan ng musika ni Richard Wagner, si Strauss ay bumaling sa opera. Ang unang gawain ng ganitong uri ay Guntram (1893). Ito ay isang romantikong piraso; simple lang ang kanyang musical language, maganda at malambing ang melodies.

Mula noong 1900, ang opera ay naging nangungunang genre sa gawain ni Richard Strauss. Ang mga gawa ng kompositor ay nakikilala sa pamamagitan ng pagiging simple at kalinawan ng musikal na wika, kung saan ginamit ng may-akda ang pang-araw-araw na mga genre ng sayaw.

Ang malikhaing aktibidad ni Strauss ay tumagal ng higit sa pitumpung taon. Nagsimula ang kompositor bilang isang huli na romantikong, pagkatapos ay dumating sa expressionism at, sa wakas, naging neoclassicism.

Alexander Nikolaevich Skryabin

Mula sa pagkabata ay naakit siya sa mga tunog ng piano. At sa edad na tatlo ay nakaupo na siya ng ilang oras sa instrumento, tinatrato ito na parang buhay na nilalang. Matapos makapagtapos mula sa Moscow Conservatory, nagsimulang magbigay si Alexander ng mga konsyerto at magturo, ngunit ang pagnanais para sa pag-compose ay mas malakas. Nagsisimula siyang mag-compose at ang kanyang mga gawa ay agad na pumasok sa repertoire ng iba pang mga pianista.

"Ang sining ay dapat maging maligaya," sabi niya, "dapat na iangat, mapang-akit." Ngunit sa katunayan, ang kanyang musika ay naging napaka-bold, bago at hindi karaniwan na ang pagganap ng kanyang "Second Symphony" noong Marso 21, 1903 sa Moscow ay naging natural na iskandalo. May humahanga, may tumapak at sumipol ... Ngunit hindi napahiya si Scriabin: nadama niya na siya ay isang mesiyas, isang tagapagbalita ng isang bagong relihiyon - sining. Naniniwala siya sa kapangyarihan nitong makapagbago. Akala niya ay sunod sa moda noon sa planetary scale. Ang mistikal na pilosopiya ni Scriabin ay makikita sa kanyang musikal na wika, lalo na sa makabagong pagkakatugma, malayo sa mga hangganan ng tradisyonal na tonality.

Pinangarap ni Scriabin ang isang bagong sintetikong genre, kung saan hindi lamang mga tunog at kulay ang magsasama, kundi pati na rin ang mga amoy at kaplastikan ng sayaw. Ngunit ang ideya ay nanatiling hindi natapos. Namatay si Scriabin sa Moscow noong Abril 14 (27), 1915. Ang kanyang buhay, ang buhay ng isang henyo, ay maikli at maliwanag.

Sergei Prokofiev

Si Sergei Prokofiev ay isang kompositor ng Ruso at Sobyet, isa sa mga pinakatanyag na kompositor noong ika-20 siglo.

Ang kahulugan ng "composer" ay para kay Prokofiev bilang natural bilang "tao".

Sa musika ni Prokofiev, karaniwang maririnig ng isang Prokofiev ang acutely dissonant harmony, springy ritmo, sadyang tuyo, bastos na motority. Agad na tumugon ang kritisismo: "Ang batang may-akda, na hindi pa nakatapos ng kanyang pag-aaral sa sining, na kabilang sa matinding direksyon ng mga modernista, ay higit na nagpapatuloy sa kanyang katapangan kaysa sa modernong Pranses."

Maraming mga kontemporaryo ng batang Prokofiev at maging ang mga mananaliksik ng kanyang trabaho ay nakakita sa kanyang musika ng isang "lyrical stream" na dumaan sa matalim na satirical, katawa-tawa, sarkastikong mga imahe, sa pamamagitan ng sadyang magaspang, mabigat na ritmo. At marami sa kanila, ang mga liriko, mahiyaing intonasyon na ito sa mga cycle ng piano na "Fleeting" at "Sarcasm", sa side theme ng unang bahagi ng Second Sonata, sa mga romansa batay sa mga tula ni Balmont, Apukhtin, Akhmatova.

Masasabi ng isang tao ang tungkol kay Prokofiev: natagpuan ng mahusay na musikero ang kanyang lugar sa mga mahusay na mga transformer ng buhay.

Mily Balakirev

Mily Balakirev - Ruso na kompositor, pianista, konduktor (1836/37-1910)

Isang "Mighty Handful" ang nabuo - isang komunidad ng mga taong katulad ng pag-iisip na nagbigay ng kamangha-manghang maraming musika sa Russian.

Ang pamumuno ni Balakirev sa bilog ay pinadali ng kanyang hindi nagkakamali na panlasa, malinaw na analytical na pag-iisip at kaalaman sa isang malaking halaga ng musikal na materyal. Ang mood ay naghari sa bilog, na ipinahayag ng isa sa mga kritiko noong panahong iyon: "Ang musika ay maaaring ilipat ang mga bundok." Ang kalikasan ni Balakirev ay napaka-energetic at kaakit-akit. Sa bilog, mabilis niyang kinuha ang papel ng organizer.

Itinuring niya ang bilog bilang isang uri ng pagkamalikhain: nilikha niya, "naiimpluwensyahan" ang mga batang kompositor. Mula sa kanila ay binubuo niya ang hinaharap na musical palette ng Russia.

Unti-unti, naisip ni Balakirev ang isang libreng paaralan ng musika.

Noong 1862 nagbukas ang Free School of Music at nagbigay ng unang konsiyerto nito. Si Balakirev ay gumanap bilang isang conductor ng isang symphony orchestra.

Siya mismo ay nagsulat ng maraming, ngunit hindi siya nakaranas ng malikhaing kasiyahan mula sa kanyang nilikha. Tulad ng isinulat ni Caesar Cui, "hanggang sa kanyang kamatayan sinabi niya na ang isinulat lamang namin sa ilalim ng kanyang pakpak ay mabuti."

Glazunov Alexander Konstantinovich

Alexander Glazunov - kompositor ng Ruso at Sobyet (1865-1936)

Si Glazunov ay isa sa mga pinakadakilang kompositor ng Russia noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Isang kahalili sa mga tradisyon ng Mighty Handful at Tchaikovsky, pinagsama niya ang liriko-epiko at lyric-dramatic na sangay ng musikang Ruso sa kanyang trabaho. Sa malikhaing pamana ng Glazunov, ang isa sa mga pangunahing lugar ay kabilang sa symphonic music ng iba't ibang genre. Sinasalamin nito ang mga kabayanihan ng epiko ng Russia, mga larawan ng katutubong kalikasan, katotohanan ng Russia, ang kanta ng mga Slavic at Eastern na mga tao. Ang mga gawa ni Glazunov ay nakikilala sa pamamagitan ng kaluwagan ng mga musikal na tema, ang buo at malinaw na tunog ng orkestra, ang malawak na paggamit ng polyphonic na teknolohiya (ginamit niya ang sabay-sabay na tunog ng iba't ibang mga tema, isang kumbinasyon ng imitasyon at variational development). Kabilang sa mga pinakamahusay na gawa ng Glazunov ay isa ring concerto para sa byolin at orkestra (1904).

Gumawa ng malaking kontribusyon si Glazunov sa instrumental music ng chamber, gayundin sa genre ng ballet (Raymonda, 1897, atbp.). Kasunod ng mga tradisyon ng Tchaikovsky, pinalalim ni Glazunov ang papel ng musika sa ballet, pinayaman ang nilalaman nito. Si Glazunov ay nagmamay-ari ng mga pag-aayos ng Russian, Czech, Greek na mga himno at kanta. Kasama ni Rimsky-Korsakov nakumpleto niya ang opera na "Prince Igor", mula sa memorya ay naitala niya ang unang bahagi ng ika-3 symphony ng Borodin. Lumahok sa paghahanda para sa paglalathala ng mga gawa ng M. I. Glinka. Inayos ang Marseillaise (1917), isang bilang ng mga gawa ng mga kompositor na Ruso at dayuhan.

Nikolai Yakovlevich Myaskovsky

Nikolai Myaskovsky - kompositor ng Ruso at Sobyet (1881-1950).

Kasama sina Prokofiev at Stravinsky, si Nikolai Yakovlevich Myaskovsky ay kabilang sa mga kompositor na sumasalamin sa mood ng creative intelligentsia ng Russia noong pre-revolutionary period. Pumasok sila post-Oktubre Russia bilang mga lumang espesyalista, at, nakikita sa kanilang paligid ang takot na nakadirekta laban sa kanilang uri, hindi nila maalis ang pakiramdam ng mga kumplikado. Gayunpaman, sila ay matapat (o halos tapat) na lumikha, na sumasalamin sa katotohanan sa kanilang paligid.

Isinulat ng press noong panahong iyon: "Ang ikadalawampu't pitong symphony ay gawa ng isang artista ng Sobyet. Huwag kalimutan ang tungkol dito kahit isang minuto." Siya ay itinuturing na pinuno ng paaralan ng symphony ng Sobyet. Ang mga musikal na gawa ni Myaskovsky ay sumasalamin sa kanyang panahon; sa kabuuan, sumulat siya ng 27 symphony, 13 quartets, 9 piano sonatas at iba pang mga gawa, na marami sa mga ito ay naging mga palatandaan sa musika ng Sobyet. Ang kompositor ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagsasanib ng mga prinsipyong intelektwal at emosyonal. Ang musika ni Myaskovsky ay natatangi, na minarkahan ng isang konsentrasyon ng pag-iisip at sa parehong oras ng isang intensity ng passion. Sa ating panahon, ang isa ay maaaring magkaiba sa gawain ni N. Myaskovsky, ngunit, walang alinlangan, dalawampu't pito sa kanyang mga symphony ay lubos na sumasalamin sa buhay ng panahon ng Sobyet.

Nikolai Rimsky-Korsakov

Nikolai Rimsky-Korsakov - kompositor ng Russia (1844-1908)

Ang gawain ng mahusay na kompositor na si N. Rimsky-Korsakov, na halos ganap na kabilang sa ika-19 na siglo, ay nananatili tulad ng isang punto ng karayom ​​sa ika-20 siglo: siya ay nabuhay at nagtrabaho sa siglong ito sa loob ng walong taon. Ang kompositor, tulad ng isang tulay, ay nag-uugnay sa dalawang siglo ng musika sa mundo. Ang pigura ni Rimsky-Korsakov ay kawili-wili din dahil siya ay mahalagang itinuro sa sarili.

Georgy Vasilievich Sviridov

Georgy Vasilievich Sviridov - kompositor ng Sobyet, pianista (1915-1998).

Ang musika ni Georgy Sviridov, dahil sa pagiging simple nito, ay madaling makilala mula sa mga gawa ng iba pang mga kompositor. Ngunit ang pagiging simple na ito ay medyo katulad ng laconism. Ang musika ni Sviridov ay may hindi mapagpanggap na pagpapahayag, ngunit ito ay nagpapahayag sa kakanyahan, at hindi sa anyo, na may kulay na may lahat ng uri ng mga frills. Siya ay may isang mayaman na panloob na mundo, ang kanyang tunay na damdamin ay pinigilan ... Ang musika ni Sviridov ay madaling maunawaan, na nangangahulugang ito ay internasyonal, ngunit sa parehong oras ay malalim na makabayan, dahil ang tema ng Inang-bayan ay tumatakbo sa pamamagitan nito tulad ng isang pulang sinulid. Si G. Sviridov, ayon sa kanyang guro na si D. Shostakovich, "ay hindi napagod sa pag-imbento ng isang bagong musikal na wika", na naghahanap ng "bagong visual na paraan". Samakatuwid, siya ay itinuturing na isa sa mga pinaka-kagiliw-giliw na mga may-akda ng ika-20 siglo.

Kadalasan ay kilala si G. Sviridov bilang isang kompositor na ang mga vocal works ay mahirap isagawa. Sa kanyang mga malikhaing vault, ang musika ay nag-iipon ng mga dekada, naghihintay para sa mga tagapalabas nito. Ang tradisyonal na istilo ng pagganap para sa musika ni Sviridov ay madalas na hindi angkop; mismong ang kompositor ang nagsabi na ang pagiging bago at pagiging kumplikado ng kanyang vocal music ay dahil sa ang katunayan na ang pagsasalita mismo ay patuloy na pinagbubuti. Sa bagay na ito, naalala niya ang mga lumang, dating sikat at sunod sa moda sa isang pagkakataon na aktor at makata. "Ngayon," pangangatwiran ni Sviridov, "hindi sila gagawa ng ganoon kalakas na impresyon sa atin. Ang kanilang pananalita ay tila sa atin kung minsan ay magalang, minsan ay cute, minsan ay napakasimple. Ang makata na si Igor Severyanin ay napapanahon sa mga tuntunin ng imahe at bokabularyo, at ngayon siya ay itinuturing na isang museo." Ang mga bagong tampok ng pagsasalita ay madalas na nakakasagabal sa mga mang-aawit, ngunit sa direksyong ito, ayon kay Sviridov, dapat gumana ang isang tao.

Marahil, walang sinuman bago si Sviridov ang gumawa ng labis para sa pagpapaunlad at pagpapayaman ng mga vocal genre - oratorio, cantata, choir, romance ... Inilalagay nito si G. Sviridov sa mga nangungunang kompositor hindi lamang sa Russia, kundi pati na rin sa isang pandaigdigang sukat.

Stravinsky Igor Fyodorovich

Stravinsky Igor Fedorovich - kompositor ng Russia, konduktor (1882-1971).

Ginugol ni Stravinsky ang halos lahat ng kanyang buhay sa labas ng Russia, ngunit hindi siya tumigil sa pagiging isang kompositor ng Russia. Nakakuha siya ng inspirasyon mula sa kulturang Ruso at wikang Ruso. At nakakuha siya ng tunay na katanyagan sa buong mundo. Ang pangalan ng Stravinsky ay kilala at nananatiling kilala kahit na sa mga may kaunting interes sa musika. Pumasok siya sa kasaysayan ng mundo ng kultura ng musika noong ika-20 siglo bilang isang mahusay na master ng pagsasama-sama ng mga musikal na tradisyon ng modernity at hoary antiquity.

Sinira ng mga gawa ni Stravinsky ang itinatag na balangkas, binago ang saloobin patungo sa alamat. Nakatulong sila upang maunawaan kung paano nabubuhay ang isang katutubong awit, na nakikita sa pamamagitan ng prisma ng modernidad, sa mga kamay ng kompositor. Salamat sa mga kompositor tulad ni Stravinsky, sa pagtatapos ng ika-20 siglo, ang prestihiyo ng folklore ay umunlad at nabuo ang etno-musika.

Sa kabuuan, ang kompositor ay nagsulat ng walong orkestra na mga marka para sa teatro ng ballet: "The Firebird", "Petrushka", "The Rite of Spring", "Apollo Musaget", "Kiss of the Fairy", "Playing Cards", "Orpheus" , "Agon". Gumawa rin siya ng tatlong ballet na gawa sa pag-awit: "Bayka", "Pulcinella", "Wedding".

Taneev Sergey Ivanovich

romanticism musical impressionism

Taneev Sergey Ivanovich - kompositor ng Russia, pianista, guro (1856-1915).

Ang pangalan ng mahusay na musikero at guro ay bihirang banggitin ngayon, ngunit sa mas malapit na pagsusuri ay nagdudulot ito ng tunay na paggalang. Hindi siya naging tanyag bilang isang kompositor, ngunit inialay niya ang kanyang buong buhay sa Moscow Conservatory, tinuruan ang mga hindi maikakailang natitirang musikero bilang S. Rachmaninov, A. Scriabin, N. Medtner, R. Glier, K. Igumnov at iba pa. Ang isang mag-aaral ng P. Tchaikovsky, S. Taneyev ay lumikha ng isang buong paaralan na nakikilala ang mga kompositor ng Ruso at Sobyet mula sa mga kompositor sa buong mundo. Ang lahat ng kanyang mga mag-aaral ay nagpatuloy sa mga tradisyon ng symphony ni Taneyev. Maraming mga sikat na tao sa pagliko ng ika-19 at ika-20 siglo, tulad ni Leo Tolstoy, ang tumawag sa kanya na kanilang kaibigan at itinuturing na isang karangalan ang makipag-usap sa kanya.

Maihahambing si Taneyev kay Socrates, na, nang hindi nagsusulat ng mga seryosong gawaing pilosopikal, ay nag-iwan ng maraming mga mag-aaral.

Bumuo si Taneyev ng maraming mga teorya sa musika, lumikha ng isang natatanging gawain na "Mobile counterpoint ng mahigpit na pagsulat" (1889-1906) at ang pagpapatuloy nito na "Pagtuturo tungkol sa Canon" (huli ng 90s-1915). Ang bawat artista, na ibinigay ang kanyang buhay sa sining, ay nangangarap na ang kanyang pangalan ay hindi malilimutan ng mga inapo. Sa mga huling taon ng kanyang buhay, labis na nag-aalala si Taneyev na sumulat siya ng ilang mga gawa na ipanganak bilang inspirasyon, kahit na marami siyang isinulat at masinsinan. Mula 1905 hanggang 1915 nagsulat siya ng ilang mga choral at vocal cycle, silid at mga instrumental na gawa.

Dmitry Dmitrievich Shostakovich

Dmitry Dmitrievich Shostakovich - kompositor ng Sobyet, pianista (1906-1975).

Si Shostakovich ay, walang alinlangan, ang pinakadakilang kompositor ng ika-20 siglo. Ang mga kontemporaryo na nakakakilala sa kanya ay nagsabi na siya ay nangangatuwiran ng isang bagay na tulad nito: bakit magalit kung malalaman ka pa rin ng mga inapo mula sa mga gawang musikal? Hindi pinalala ni Shostakovich ang relasyon sa mga awtoridad. Ngunit sa musika, nagprotesta siya laban sa karahasan laban sa tao.

Isinulat niya ang Symphony No. 7 (nakatuon sa pagkubkob ng Leningrad).

Nakita ni Shostakovich sa kanyang sariling mga mata: kung paano namamatay ang mga tao, kung paano lumipad ang mga eroplano, mga bomba, sinubukan sa kanyang gawa na "Symphony No. 7" upang ipakita ang lahat ng mga kaganapan na naranasan ng mga tao.

Ang Symphony ay ginanap ng Large Symphony Orchestra ng Leningrad Radio Committee. Noong mga araw ng blockade, maraming musikero ang namatay sa gutom. Kinansela ang rehearsals noong Disyembre. Nang ipagpatuloy nila noong Marso, 15 na mahinang musikero lamang ang maaaring tumugtog. Sa kabila nito, nagsimula ang mga konsiyerto noong Abril. Noong Mayo, naihatid ng eroplano ang marka ng symphony sa kinubkob na lungsod. Upang mapunan muli ang laki ng orkestra, ang mga nawawalang musikero ay ipinadala mula sa harapan.

Tumugon si Shostakovich sa pasistang pagsalakay gamit ang Symphony No. 7 (1941), na nakatuon sa lungsod ng Leningrad at nakatanggap ng pandaigdigang pagkilala bilang simbolo ng pakikibaka laban sa pasismo.

Impresyonismo

Sa huling ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo, lumitaw ang isang bagong kalakaran - impresyonismo (French impressionisme, mula sa impression - "impression"), orihinal itong lumitaw sa pagpipinta ng Pransya. Ang mga impresyonistang musikero ay naghangad na maghatid ng banayad at kumplikadong mga sensasyon, naghangad ng pagpipino at pagiging sopistikado ng tunog. Iyon ang dahilan kung bakit sila ay malapit sa simbolismong pampanitikan (70s ng ika-19 na siglo - 10s ng ika-20 siglo), na nagmula rin sa France.

Sinaliksik ng mga simbolista ang hindi kilalang at mahiwagang mga globo, sinubukang malaman ang "ideal na mundo", na nakatago sa ilalim ng takip ng katotohanan. Ang mga impresyonistang kompositor ay madalas na bumaling sa tula at dramaturhiya ng simbolismo.

Ang nagtatag ng musical impressionism ay ang French composer, pianist at conductor na si Claude Debussy (1862-1918). Sa kanyang trabaho, ang pagkakaisa (sa halip na himig) ang nauna, isang mahalagang papel ang itinalaga sa makulay na tunog ng orkestra. Ang mga nuances ng tunog ay naging pangunahing, na, tulad ng sa pagpipinta, ay sumasalamin sa mga kakulay ng mga mood, damdamin at mga impression.

Sinikap ng mga kompositor na bumalik sa kalinawan ng mga harmonies, ang pagiging simple ng mga melodies at mga anyo, ang kagandahan at accessibility ng musikal na wika. Lumingon sila sa polyphony, muling binuhay ang musika ng harpsichord.

Max Reger

Ang mga tampok ng late romanticism at neoclassicism ay pinagsama sa gawain ng German composer at conductor na si Max Reger. Sumulat siya para sa organ, orchestra, piano, violin, viola, chamber ensembles. Sinikap ni Reger na maunawaan ang pamana ng ika-18 siglo, lalo na ang karanasan ni Johann Sebastian Bach, at sa kanyang mga gawa ay bumaling siya sa mga musikal na imahe ng isang nakalipas na panahon. Gayunpaman, bilang isang tao sa turn ng ika-19-20 siglo, Reger puspos ng musika na may orihinal na harmonies at hindi pangkaraniwang timbres.

Neoclassicism

Ang neoclassicism ay naging isa sa mga pagsalungat sa romantikong tradisyon noong ika-19 na siglo, gayundin sa mga agos na nauugnay dito (impressionism, expressionism, verismo, atbp.). Bilang karagdagan, ang interes sa folklore ay tumaas, na humantong sa paglikha ng isang buong disiplina - etnomusicology, na pinag-aaralan ang pag-unlad ng musical folklore at inihahambing ang mga proseso ng musika at kultura sa iba't ibang mga tao sa mundo. Ang ilan ay bumaling sa pinagmulan ng mga sinaunang kultura (Karl Orff) o lubos na umaasa sa katutubong sining (Leoš Janáček, Béla Bartok, Zoltan Kodály). Kasabay nito, ang mga kompositor ay aktibong patuloy na nag-eeksperimento sa kanilang mga komposisyon at tumuklas ng mga bagong aspeto at posibilidad ng magkatugmang wika, mga larawan at mga istruktura.

Ang pagbagsak ng mga aesthetic na prinsipyo ng ika-19 na siglo, ang pampulitika at pang-ekonomiyang krisis sa simula ng bagong siglo, na kakaiba, ay nag-ambag sa pagbuo ng isang bagong synthesis, na humantong sa pagtagos ng iba pang mga uri ng sining sa musika: pagpipinta , graphics, arkitektura, panitikan, at kahit cinematography. Gayunpaman, ang mga pangkalahatang batas na nangibabaw sa pagsasanay ng kompositor mula noong panahon ng I.S. Si Bach, ay nasira at nagbago.

Sa pagliko ng ika-19-20 siglo, natapos ang isang mahaba at kumplikadong proseso ng pag-master ng mga tradisyon, istilo at genre ng kulturang European ng mga musikero ng Russia. Sa pagtatapos ng siglo XIX. Ang St. Petersburg at Moscow Conservatories ay naging matatag na mga institusyong pang-edukasyon. Ang lahat ng mga natitirang kompositor ng panahong iyon at maraming mahuhusay na performer ay lumabas sa kanilang mga pader. May mga paaralan ng mga instrumentalist, mang-aawit at mananayaw. Sinakop ng Russian opera at ballet art ang European public. Ang isang mahalagang papel sa pag-unlad ng teatro ng musikal ay ginampanan ng Imperial Mariinsky Theater sa St. Petersburg at ang Moscow Private Russian Opera, na nilikha ng Russian industrialist at pilantropo na si Savva Ivanovich Mamontov (1841 - 1918).

Ang musikang Ruso sa pagliko ng siglo ay magkakaugnay na mga tampok ng huling romantikismo at impresyonismo. Mahusay ang impluwensya ng mga usong pampanitikan at masining, at higit sa lahat simbolismo. Gayunpaman, ang mga dakilang master ay bumuo ng kanilang sariling mga estilo. Ang kanilang trabaho ay mahirap iugnay sa anumang partikular na kalakaran, at ito ay patunay ng kapanahunan ng kulturang musikal ng Russia.

Ang unang impresyon na nakukuha ng isang tao kapag nakilala niya ang musika ng ika-20 siglo ay mayroong isang kailaliman sa pagitan ng musikal na sining ng modernong panahon at lahat ng nakaraang siglo - ang mga pagkakaiba sa tunog na imahe ng mga akda ay napakahalaga.

Kahit na mga gawa ng 10-30 taon. Ang ika-20 siglo ay tila sobrang tense at malupit sa tunog. Sa katunayan, ang musika ng ika-20 siglo, tulad ng mga nakaraang siglo, ay sumasalamin sa espirituwal at emosyonal na mundo ng mga tao, dahil ang bilis ng buhay ng tao ay bumilis, naging mas mahigpit at matindi.

Ang mga kalunos-lunos na kaganapan at kontradiksyon - mga digmaan, rebolusyon, pag-unlad ng siyensya at teknolohiya, totalitarianismo at demokrasya, ay hindi lamang nagpalala sa mga emosyonal na karanasang likas sa mga tao, ngunit inilagay din ang sangkatauhan sa bingit ng pagkawasak. Kaya naman ang tema ng paghaharap sa pagitan ng buhay at kamatayan ay naging isang susi sa musika ng ika-20 siglo. Hindi gaanong mahalaga para sa sining ang tema ng kaalaman sa sarili ng indibidwal.

Ang ikadalawampu siglo ay minarkahan ng maraming inobasyon sa sining at panitikan na nauugnay sa mga sakuna na pagbabago sa isip ng publiko sa panahon ng mga rebolusyon at digmaang pandaigdig. Sa pagtatapos ng ika-19 at sa simula ng ika-20 siglo, at lalo na sa dekada bago ang Oktubre, ang tema ng pag-asa ng mga malalaking pagbabago na dapat magwasak sa luma, hindi makatarungang kaayusang panlipunan ay tumatakbo sa lahat ng sining ng Russia, at musika sa partikular. Hindi lahat ng kompositor ay may kamalayan sa hindi maiiwasan, ang pangangailangan para sa rebolusyon at nakiramay dito, ngunit lahat o halos lahat ay naramdaman ang pag-igting bago ang bagyo.

Ang bagong nilalaman, gaya ng dati, ay nangangailangan ng mga bagong anyo, at maraming mga kompositor ang may ideya ng isang radikal na pag-renew ng wikang musikal. Una sa lahat, tinalikuran nila ang tradisyonal na European system ng mga mode at key. Ang konsepto ng atonal na musika ay lumitaw. Ito ay musika kung saan ang isang malinaw na sistema ng mga susi ay hindi tinutukoy ng tainga, at ang mga chord harmonies (harmonies) ay malayang nauugnay sa isa't isa, nang hindi sinusunod ang mahigpit na mga patakaran. Ang isa pang mahalagang katangian ng wikang pangmusika noong ika-20 siglo ay mga hindi pangkaraniwang tunog. Upang maiparating ang mga larawan ng modernong buhay, gumamit sila ng hindi pangkaraniwang mga sound effect (ang pagkalansing at paggiling ng metal, ang dagundong ng mga kagamitan sa makina at iba pang "industriyal" na tunog), nag-imbento ng mga bagong kasangkapan. Gayunpaman, ang isa pang paraan ay nagbigay ng mas kawili-wiling mga resulta. Ang mga kompositor ay nag-eksperimento sa mga tradisyunal na instrumento: pinaghalo nila ang mga timbre, nilalaro sa hindi pangkaraniwang mga rehistro, nagbago ng mga diskarte. At ito ay lumabas na ang isang klasikal na symphony orchestra o operatic form ay maaaring perpektong ipakita ang buhay ng isang lungsod na may kumplikadong sistema ng mga tunog at ingay nito, at higit sa lahat, hindi mahuhulaan na mga pag-iisip at "mga break" sa psyche ng tao sa pagtatapos ng 2nd milenyo.

Gayunpaman, ang mga makabagong paghahanap ay hindi humantong sa pagtanggi sa mga tradisyon. Ito ay ang ika-20 siglo na muling binuhay ang musikal na pamana ng mga nakalipas na panahon. Matapos ang dalawang daan at tatlong daang taon ng pagkalimot, nagsimulang tumunog muli ang mga gawa ni Monteverdi, Corelli at Vivaldi, German at French masters noong ika-17 siglo.

Ang saloobin sa alamat ay nagbago nang malaki. Noong ika-20 siglo, lumitaw ang isang bagong kalakaran - neo-folklorism (mula sa Griyegong "neos" - "bago" at "kwentong-bayan"). Ang mga tagasuporta nito ay nanawagan para sa paggamit ng mga katutubong himig na naitala sa malalalim na mga lugar sa kanayunan, hindi "pinakinis" sa isang urban na paraan. Ang pagpasok sa kumplikadong tela ng isang symphony, sonata o opera, ang naturang kanta ay nagdala sa musika ng isang walang uliran na simbuyo ng damdamin, kayamanan ng mga kulay at intonasyon.

Sa pagliko ng ika-19-20 siglo, isang bagong artistikong direksyon ang lumitaw sa kultura ng Europa - expressionism (mula sa Latin expressio - "expressiveness"). Ang mga kinatawan nito ay sumasalamin sa kanilang mga gawa ang trahedya na pananaw sa mundo ng isang tao sa panahon ng Unang Digmaang Pandaigdig - kawalan ng pag-asa, sakit, takot sa kalungkutan. "Ang sining ay isang sigaw para sa tulong mula sa mga nakakaranas ng kapalaran ng sangkatauhan sa kanilang sarili," isinulat ni Arnold Schoenberg (1874-1951), ang nagtatag ng expressionism sa musika.

Arnold Schoenberg

Ang musical expressionism ay nabuo sa Austria, mas tiyak, sa kabisera nito, Vienna. Ang mga lumikha nito ay sina Arnold Schoenberg, Alban Berg at Anton Webern. Ang malikhaing komunidad ng mga kompositor ay pumasok sa kasaysayan ng musika sa ilalim ng pangalan ng bagong Viennese (New Viennese) na paaralan. Ang bawat isa sa mga master ay nagpunta sa kanilang sariling paraan sa sining, ngunit ang kanilang mga gawa ay may maraming pagkakatulad. Una sa lahat - ang kalunos-lunos na diwa ng musika, ang pagnanais para sa matinding karanasan at malalim na pagkabigla. Sa likod nito - isang matinding espirituwal na paghahanap, isang pagnanais na mahanap sa lahat ng gastos ang relihiyoso at moral na mga mithiin na nawala ng karamihan sa mga modernong tao. Sa wakas, ang lahat ng tatlong kompositor ay bumuo ng isang pinag-isang paraan ng pagbubuo ng musika - ang dodecaphonic system, na lubhang nagbago sa mga tradisyonal na ideya tungkol sa modal at harmonic na istraktura ng isang akda.

Ang gawain ni Schoenberg ay nalulutas ang isang pangunahing problema - ito ay nagpapahayag ng pagdurusa ng tao sa pamamagitan ng musika. Ang mabigat, nanghihina na mga forebodings, isang pakiramdam ng nakakalungkot na kakila-kilabot ay ganap nang naihatid sa isang maagang gawain - Five Pieces for Orchestra (1909). Sa mga tuntunin ng mood at anyo, ang mga ito ay mga paunang silid, ngunit isinulat ang mga ito para sa isang malaking orkestra ng symphony, at ang manipis, transparent na pag-record ng tunog ay kahalili sa mga ito na may malakas na "sigaw" ng mga instrumento ng hangin at mga beats ng timpani.

Ang resulta ng pagmumuni-muni ni Schoenberg sa mga kaganapan ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay ang cantana na "Survivor from Warsaw" (1947) para sa isang mambabasa, koro at orkestra. Ang teksto ay batay sa mga tunay na saksi sa mga ulat ng Nazi massacre ng mga naninirahan sa Jewish ghetto sa Warsaw. Ang musika ng malakihang komposisyon na ito, na binuo sa isang serye, ay pinananatili sa pinakamahusay na mga tradisyon ng expressionism - ito ay kumplikado, trahedya at emosyonal na pinalala. Ang kompositor ay tila sinusubukang iharap ang kanyang mga bayani sa harap ng Diyos at Kawalang-hanggan at sa gayon ay ipinapakita na ang kanilang pagdurusa ay hindi walang kabuluhan. Ang cantata ay nagtatapos sa pag-awit ng isang panalangin, at ang musika nito, batay sa mga tunog ng parehong serye, ay organikong lumalabas mula sa malagim na kadiliman ng mga nakaraang bahagi.

avant-garde

Ang mga bagong kondisyon ng panlipunang realidad ay nagkaroon ng epekto sa buong artistikong kultura sa kabuuan, sa isang banda, na nagbibigay ng bagong hininga sa klasikal na tradisyon, at sa kabilang banda, nagbunga ng isang bagong sining - avant-garde (mula sa ang Pranses na "avant-garde" - nagpapatuloy), o modernismo (mula sa Latin na "modernus" - bago, moderno), na lubos na sumasalamin sa mukha ng panahon. Sa esensya, ang terminong "modernismo" ay tumutukoy sa mga artistikong uso, agos, paaralan at aktibidad ng mga indibidwal na master ng ikadalawampu siglo, na nagpahayag ng kalayaan sa pagpapahayag bilang batayan ng kanilang malikhaing pamamaraan.

Sinasaklaw ng musical avant-garde movement ang 50-90s. XX siglo. Ito ay lumitaw pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig sa anumang paraan: ang mga kaguluhan sa panahon ng digmaan, at pagkatapos ay isang matalim na pagbabago sa paraan ng pamumuhay, ay nagdulot ng pagkabigo sa moral at kultural na mga halaga ng mga nakaraang panahon. Mga kinatawan ng henerasyon ng 50-60s. Nais kong maging malaya mula sa mga tradisyon, upang lumikha ng aking sariling masining na wika.

Ang musikal na avant-gardism ay karaniwang tumutukoy sa tinatawag na konkretong musika, batay sa kalayaan ng mga tono ng tono, at hindi sa maharmonya na serye: ang sonorismo ay isa sa mga uri ng modernong pamamaraan ng pagbubuo na pangunahing gumagamit ng mga makukulay na tunog (Latin "sonorus" - maingay, maingay) at halos hindi pinapansin ang mga tumpak na komunikasyon sa pitch, elektronikong musika. Ang mga unang paghahanap sa direksyon ng avant-garde ay isinagawa sa pinakadulo simula ng ika-20 siglo ng kompositor ng Russia na si A.N. Scriabin. Ang ilang tagapakinig ay nabighani ng kanyang inspiradong kapangyarihan, habang ang iba naman ay nagalit dahil sa kakaiba nito.

A.N. Scriabin

Ang paghahanap para sa mga bagong pamamaraan ng pagkamalikhain ay nagbigay-buhay sa maraming hindi pangkaraniwang mga istilo. Ang mga kompositor bilang "klasikal" na mga instrumento ay gumagamit ng electronic sound recording at reproducing equipment - isang tape recorder, isang synthesizer, at, sa mga nakaraang taon, isang computer. Ang hitsura ng elektronikong musika ay sanhi ng pagnanais na maakit ang pansin sa "mga klasiko" ng milyun-milyong mga mahilig sa pop at rock (kung saan ang mga elektronikong instrumento ay gumaganap ng isang nangungunang papel). Gayunpaman, ang mga kompositor na nagtatrabaho sa larangang ito ay nagpapatuloy din ng isa pang layunin. Sinusubukan nilang galugarin ang kumplikadong relasyon ng tao sa mundo ng teknolohiya, na lalong nagpapasakop sa kamalayan ng mga tao. Ang "live" na diyalogo ng musikero kasama ang kanyang elektronikong "double" sa mga pinaka mahuhusay na gawa ay nakakakuha ng malalim na simbolikong kahulugan.

Nangyayari

Mula sa 50s. sa musika, tulad ng sa iba pang mga uri ng sining (halimbawa, sa teatro), mayroong isang direksyon tulad ng nangyayari (mula sa Ingles, nangyayari - "nangyayari", "nangyayari"). Ang pinagmulan nito ay maaaring ituring na gawang "4" 33 "(1954) ng Amerikanong kompositor na si John Cage (ipinanganak noong 1912). Isang pianista ang pumasok sa entablado, na tahimik na nakaupo sa piano sa loob ng apat na minuto at tatlumpu't tatlong segundo, pagkatapos ay nakakuha tumayo at umalis Ang premiere ay naganap na may isang iskandalo: nagpasya ang napaliwanagan na publiko na kinukutya lang nila ito, at ang karaniwang tao ay nakakuha ng pagkakataon na mapagpakumbaba na sabihin: "Kaya ko rin." Ang layunin na gugulatin ang publiko, siyempre, ay bahagi. ng mga plano ng may-akda, ngunit hindi ito mismo ang katapusan. Ayon sa mga mananaliksik, ginawa ni Cage ang mga phenomena ng nakapaligid na katotohanan sa isang musikal na gawain: katahimikan sa pag-asam sa pagsisimula ng laro, mga tunog na ginawa ng mga tagapakinig (pag-ubo, pagbulong. , paglangitngit ng mga upuan, atbp.) Ang madla at ang musikero ay kumilos kapwa bilang mga performer at bilang kusang mga may-akda Ang musika ay naging isang visual na imahe mula sa isang auditory image, at ito ay naging isang tanda ng Nangyayari: ang pagganap ng isang akda ay nagiging, sa katunayan, isang tahimik na pantomime. John Cage

Ang musikal na sining ng ika-20 siglo ay puno ng mga makabagong ideya. Ito ay nagmamarka ng isang pangunahing pagbabago sa lahat ng aspeto ng musikal na wika. Noong ika-20 siglo, ang musika ay madalas na nagsisilbing isang mapagkukunan ng pagmuni-muni ng mga kakila-kilabot na epochal na makasaysayang mga kaganapan, na nasaksihan at mga kontemporaryo kung saan ang karamihan sa mga dakilang kompositor ng panahong ito, na naging mga innovator at repormador.

KONGKLUSYON

Kaya, ang ika-20 siglo ay isang siglo ng pagkakaiba-iba sa musika. Ang musika ng ika-20 siglo, tulad ng mga nakaraang siglo, ay sumasalamin sa espirituwal at emosyonal na mundo ng mga tao, dahil ang bilis ng buhay ng tao ay bumilis, naging mas mahigpit at matindi.

Ang mga kalunos-lunos na kaganapan at kontradiksyon - mga digmaan, rebolusyon, pag-unlad ng siyensya at teknolohiya, totalitarianismo at demokrasya, ay hindi lamang nagpalala sa mga emosyonal na karanasang likas sa mga tao, ngunit inilagay din ang sangkatauhan sa bingit ng pagkawasak. Kaya naman ang tema ng paghaharap sa pagitan ng buhay at kamatayan ay naging susi sa musika ng ika-20 siglo.

Hindi gaanong mahalaga para sa sining ang tema ng kaalaman sa sarili ng indibidwal. Nais ng mga kinatawan ng mga bagong henerasyon na malaya mula sa mga tradisyon, upang lumikha ng kanilang sariling masining na wika.

Ang musikal na sining ng ika-20 siglo ay hindi pangkaraniwang napakalaki. Marahil ay walang isang makasaysayang istilo ng musikal na hindi makikita sa isang paraan o iba pa sa makulay na musikal na kaleidoscope ng ika-20 siglo. Sa bagay na ito, ang siglo ay naging isang milestone. Ang lahat na naipon ng mga nakaraang siglo ng pag-unlad ng musika, at lahat ng pagka-orihinal ng mga pambansang kultura ng musika ay biglang naging pampublikong pag-aari.

Sa bawat oras na binibigyan tayo ng epoch ng mga henyo nito. Maging sila ay mga kompositor ng ika-19 o ika-20 siglo, ang kanilang mga gawa ay nakakuha na ng kanilang milestone sa kasaysayan ng sangkatauhan at naging isang modelo para sa lahat ng henerasyon, hindi lamang sa musika, at, sa kabila ng edad ng paglikha, ay tinatawag na maglingkod. ang saya ng mga tao.

BIBLIOGRAPIYA

1. Belyanva-Ekzemlarskaya S.N. Mga Karanasan sa Musika sa Preschool, vol. 1., - M.: Enlightenment, 1961.

2. Vetlugina N.A. Pag-unlad ng musikal ng bata. - M.: Enlightenment, 1968.

3. Journal "Edukasyon sa preschool" Blg. 5-1992. Ipinapakilala ang mga preschooler sa pambansang kultura ng Russia.

4. Komissarova Visual aid sa edukasyong pangmusika ng mga preschooler. - M.: Enlightenment, 2000.

5. Aking tahanan. Ang programa ng moral at makabayan na edukasyon ng mga preschooler. Publishing house na "Mosaic" - Sintez, Moscow, 2005

6. Teplov B.M. Sikolohiya ng mga kakayahan sa musika., 1947.

7. Teplov B.M. Mga problema ng mga indibidwal na pagkakaiba. - M.: Enlightenment, 1961, - p. 231.

8. Orff K. Ang sistema ng edukasyong pangmusika. - M. -L. 1970. p.21.

9. Forrai K. Ang impluwensya ng edukasyon sa musika sa pag-unlad ng pagkatao ng isang preschool na bata // Edukasyon sa musika sa modernong mundo //, 1973.

Kabilang sa mga melodies na ito ay may motibo para sa anumang mood: romantiko, positibo o malungkot, upang makapagpahinga at hindi mag-isip tungkol sa anumang bagay o, sa kabaligtaran, upang kolektahin ang iyong mga iniisip.

twitter.com/ludovicoeinaud

Gumagana ang Italyano na kompositor at pianist sa direksyon ng minimalism, madalas na nagiging ambient at mahusay na pinagsasama ang klasikal na musika sa iba pang mga estilo ng musika. Siya ay kilala sa isang malawak na bilog para sa mga komposisyon sa atmospera na naging mga soundtrack para sa mga pelikula. Halimbawa, tiyak na makikilala mo ang musika mula sa French tape na "1 + 1" na isinulat ni Einaudi.

themagger.net

Ang salamin ay isa sa mga pinakakontrobersyal na personalidad sa mundo ng mga modernong klasiko, na kung saan ay pinupuri sa kalangitan o pinupuna sa siyam. Siya ay kasama ng kanyang Philip Glass Ensemble sa loob ng kalahating siglo at nagsulat ng musika para sa higit sa 50 mga pelikula, kabilang ang The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life at The Fantastic Four. Ang mga melodies ng Amerikanong minimalist na kompositor ay nagpapalabo sa pagitan ng klasikal at sikat na musika.

latimes.com

Ang may-akda ng maraming soundtrack, ang pinakamahusay na kompositor ng pelikula noong 2008 ayon sa European Film Academy at isang post-minimalist. Ang mga nabihag na kritiko mula sa unang album, Memoryhouse, kung saan ang musika ni Richter ay pinatong sa pagbabasa ng tula, at ang mga sumunod na album ay gumamit din ng kathang-isip na prosa. Bilang karagdagan sa pagsusulat ng kanyang sariling mga komposisyon sa kapaligiran, nag-aayos siya ng mga klasikal na gawa: Ang The Four Seasons ni Vivaldi ay nanguna sa iTunes classical music chart sa kanyang arrangement.

Ang lumikha ng instrumental na musikang ito mula sa Italy ay hindi nauugnay sa kahindik-hindik na sinehan, ngunit kilala na bilang isang kompositor, birtuoso at may karanasang guro ng piano. Kung ilalarawan mo ang musika ni Marradi sa dalawang salita, ito ang magiging mga salitang "sensual" at "magical". Ang mga mahilig sa retro classic ay magugustuhan ang kanyang mga likha at pabalat: ang mga tala ng huling siglo ay makikita sa mga motibo.

twitter.com/coslive

Ang sikat na kompositor ng pelikula ay lumikha ng musikal na saliw para sa maraming mataas na kita na mga pelikula at cartoon, kabilang ang Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagascar, The Lion King. Ipinagmamalaki ang kanyang bituin sa Hollywood Walk of Fame, at nasa kanyang istante ang Oscar, Grammy at Golden Globe. Ang musika ni Zimmer ay iba-iba gaya ng mga pelikulang ito, ngunit anuman ang tono, tumatak ito sa chord.

musicaludi.fr

Si Hisaishi ay isa sa mga pinakasikat na kompositor ng Hapon, na nanalo ng apat na Japanese Academy Film Awards para sa pinakamahusay na marka ng pelikula. Naging tanyag siya sa pagsulat ng soundtrack para sa anime ni Hayao Miyazaki na Nausicaä of the Valley of the Wind. Kung fan ka ng mga tape ng Studio Ghibli o Takeshi Kitano, siguradong hahangaan mo ang musika ni Hisaishi. Ito ay halos magaan at magaan.

twitter.com/theipaper

Ang Icelandic multi-instrumentalist na ito ay isang batang lalaki lamang kumpara sa mga nakalistang masters, ngunit sa kanyang 30s ay nagawa niyang maging isang kinikilalang neoclassicist. Nag-record siya ng ballet accompaniment, nakatanggap ng BAFTA award para sa soundtrack sa British TV series na Murder on the Beach, at naglabas ng 10 studio album. Ang musika ni Arnalds ay nagpapaalala sa isang malakas na hangin sa isang desyerto na dalampasigan.

yiruma.manifo.com

Ang pinakasikat na mga gawa ni Lee Ru Ma ay ang Kiss the Rain at River Flows in You. Ang kompositor at pianista ng Korean New Age ay nagsusulat ng mga sikat na classic na naiintindihan ng mga tagapakinig sa anumang kontinente, na may anumang panlasa sa musika at edukasyon. Ang kanyang magaan at sensual na melodies para sa marami ay naging simula ng pag-ibig sa piano music.

Dustin O'Halloran

fracturedair.com

Ang Amerikanong kompositor ay kawili-wili dahil wala siyang edukasyon sa musika, ngunit sa parehong oras ay isinulat niya ang pinaka-kaaya-aya at medyo tanyag na musika. Ang mga himig ni O'Halloran ay ginamit sa Top Gear at ilang mga pelikula. Marahil ang pinakamatagumpay na soundtrack album ay para sa melodrama na Like Crazy. Ang kompositor at pianist na ito ay maraming alam tungkol sa sining ng pagsasagawa at kung paano lumikha ng elektronikong musika. Ngunit ang kanyang pangunahing larangan ay mga modernong klasiko. Ang Cacchapalla ay nagtala ng maraming mga album, tatlo sa kanila ay may Royal Philharmonic Orchestra. Ang kanyang musika ay umaagos na parang tubig, ang sarap mag-relax sa ilalim nito.

Ano ang iba pang modernong kompositor na dapat pakinggan

Kung mahilig ka sa epiko, idagdag si Klaus Badelt, na nakatrabaho ni Zimmer sa Pirates of the Caribbean, sa iyong playlist. Gayundin, hindi dapat palampasin sina Jan Kaczmarek, Alexandre Desplat, Howard Shore at John Williams - kailangan mong magsulat ng isang hiwalay na artikulo upang mailista ang lahat ng kanilang mga gawa, merito at parangal.

Kung gusto mo ng mas masarap na neoclassicism, bigyang pansin sina Niels Fram at Sylvain Chauveau.

Kung hindi ka sapat, alalahanin ang gumawa ng soundtrack kay "Amelie" Jan Tiersen o tuklasin ang Japanese composer na si Tammon: nagsusulat siya ng mahangin, parang panaginip na melodies.

Aling musika ng mga kompositor ang gusto mo at alin ang hindi? Sino pa ang idaragdag mo sa listahang ito?