Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang Opera ay isa sa pinakamahalagang musikal at theatrical na genre. Siya ay pinaghalong musika, vocal, pagpipinta at pag-arte, at lubos na pinapahalagahan ng mga klasikal na artista. Hindi nakakagulat na sa mga aralin sa musika ang bata ay unang binibigyan ng ulat tungkol sa paksang ito.

Sa pakikipag-ugnayan sa

Saan ito magsisimula

Nagsisimula ito sa isang overture. Ito ang pagpapakilala na tinutugtog ng symphony orchestra. Idinisenyo upang itakda ang mood at kapaligiran ng dula.

Ano ang nangyayari

Ang overture ay sinusundan ng pangunahing bahagi ng pagtatanghal. Ito ay isang napakagandang aksyon, nahahati sa mga kilos - natapos na mga bahagi ng pagganap, kung saan ang mga intermisyon ay namamalagi. Maaaring mahaba ang intermissions, para makapagpahinga ang audience at ang mga kalahok sa production, o maikli, kapag ibinaba ang kurtina, para lang mabago ang tanawin.

Ang pangunahing katawan, ang puwersang nagtutulak ng kabuuan ay solo arias. Ginagampanan sila ng mga aktor - ang mga tauhan ng kwento. Inihayag ni Arias ang balangkas, karakter at damdamin ng mga tauhan. Minsan ang mga recitative ay ipinapasok sa pagitan ng arias - malamyos na ritmikong pananalita - o ordinaryong kolokyal na pananalita.

Ang bahaging pampanitikan ay batay sa libretto. Ito ay isang uri ng script, isang buod ng gawain . Sa mga bihirang kaso, ang mga tula ay isinulat mismo ng mga kompositor. tulad ng, halimbawa, Wagner. Ngunit kadalasan ang mga salita para sa opera ay isinulat ng librettist.

Saan ito nagtatapos

Ang finale ng operatic performance ay ang epilogue. Ang bahaging ito ay gumaganap ng parehong tungkulin bilang pampanitikan epilogue. Maaari itong maging isang kuwento tungkol sa hinaharap na kapalaran ng mga bayani, o isang pagbubuod at kahulugan ng moralidad.

Kasaysayan ng Opera

Ang Wikipedia ay may maraming impormasyon tungkol sa paksa, ngunit ang artikulong ito ay nagbibigay ng isang maigsi na kasaysayan ng genre ng musika na nabanggit.

Sinaunang Trahedya at ang Florentine Camerata

Ang Opera ay mula sa Italy. Gayunpaman, ang mga ugat ng genre na ito ay bumalik sa Sinaunang Greece, kung saan sila unang nagsimulang pagsamahin ang entablado at vocal art. Hindi tulad ng modernong opera, kung saan ang pangunahing diin ay sa musika, sa sinaunang trahedya ng Griyego ay pinapalitan lamang nila ang ordinaryong pananalita at pagkanta. Ang anyo ng sining na ito ay patuloy na umunlad sa mga Romano. Sa sinaunang mga trahedya ng Roma, ang mga solong bahagi ay tumaba, at ang mga pagsingit ng musikal ay nagsimulang gamitin nang mas madalas.

Ang sinaunang trahedya ay nakatanggap ng pangalawang buhay sa pagtatapos ng ika-16 na siglo. Ang komunidad ng mga makata at musikero, ang Florentine Camerata, ay nagpasya na buhayin ang sinaunang tradisyon. Gumawa sila ng bagong genre na tinatawag na "drama through music". Sa kaibahan sa polyphony na sikat noong panahong iyon, ang mga gawa ng camerata ay monophonic melodic recitations. Ang produksyon ng teatro at saliw ng musika ay inilaan lamang upang bigyang-diin ang pagpapahayag at senswalidad ng tula.

Ito ay pinaniniwalaan na ang unang pagganap ng opera ay inilabas noong 1598. Sa kasamaang palad, mula sa gawaing "Daphne", na isinulat ng kompositor na si Jacopo Peri at ang makata na si Ottavio Rinuccini, sa ating panahon ay ang pamagat lamang ang natitira. . Ngunit ang sarili nilang panulat ay kay "Eurydice", na siyang pinakaunang nakaligtas na opera. Gayunpaman, ang maluwalhating gawaing ito para sa modernong lipunan ay isang echo lamang ng nakaraan. Ngunit ang opera na Orpheus, na isinulat ng sikat na Claudio Monteverdi noong 1607 para sa Mantua court, ay makikita pa rin sa mga sinehan hanggang ngayon. Ang pamilyang Gonzaga, na namuno noong mga panahong iyon sa Mantua, ay gumawa ng malaking kontribusyon sa pagsilang ng genre ng opera.

Teatro ng Drama

Ang mga miyembro ng Florentine Camerata ay matatawag na "mga rebelde" sa kanilang panahon. Pagkatapos ng lahat, sa isang panahon kung saan ang fashion para sa musika ay idinidikta ng simbahan, bumaling sila sa paganong mga alamat at alamat ng Greece, tinatanggihan ang mga aesthetic na kaugalian na tinatanggap sa lipunan, at lumikha ng isang bagong bagay. Gayunpaman, kahit na mas maaga, ang kanilang hindi pangkaraniwang mga solusyon ay ipinakilala ng drama theater. Ang direksyon na ito ay lumipad sa Renaissance.

Ang pag-eksperimento at pagtutok sa reaksyon ng madla, ang genre na ito ay bumuo ng sarili nitong istilo. Gumamit ng musika at sayaw ang mga kinatawan ng drama theater sa kanilang mga produksyon. Ang bagong anyo ng sining ay napakapopular. Ito ay ang impluwensya ng dramatikong teatro na nakatulong sa "drama through music" upang maabot ang isang bagong antas ng pagpapahayag.

Nagpatuloy ang Opera umunlad at makakuha ng katanyagan. Gayunpaman, ang genre ng musikal na ito ay talagang umunlad sa Venice, nang buksan nina Benedetto Ferrari at Francesco Manelli noong 1637 ang unang pampublikong opera house, ang San Cassiano. Salamat sa kaganapang ito, ang mga musikal na gawa ng ganitong uri ay tumigil na maging libangan para sa mga courtier at pumasok sa antas ng komersyal. Sa panahong ito, nagsisimula ang paghahari ng castrati at prima donnas sa mundo ng musika.

Distribusyon sa ibang bansa

Nasa kalagitnaan na ng ika-17 siglo, ang opera art, na may suporta ng aristokrasya, ay naging isang hiwalay na independiyenteng genre at abot-kayang libangan para sa masa. Salamat sa mga naglalakbay na tropa, kumalat ang ganitong uri ng pagganap sa buong Italya, at nagsimulang manalo sa mga manonood sa ibang bansa.

Ang unang kinatawan ng Italyano ng genre, na ipinakita sa ibang bansa, ay tinawag na "Galatea". Ginawa ito noong 1628 sa lungsod ng Warsaw. Hindi nagtagal, isa pang gawain ang isinagawa sa korte - "La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina" ni Francesca Caccini. Ang gawaing ito ay din ang pinakaunang umiiral na opera na isinulat ng mga kababaihan.

Si Jason ni Francesco Cavalli ang pinakasikat na opera noong ika-17 siglo.. Kaugnay nito, noong 1660 ay inanyayahan siya sa France para sa kasal ni Louis XIV. Gayunpaman, ang kanyang "Xerxes" at "Hercules sa Pag-ibig" ay hindi matagumpay sa publiko ng Pranses.

Si Antonio Chesti, na hiniling na magsulat ng isang opera para sa pamilyang Austrian Habsburg, ay mas matagumpay. Ang kanyang grand performance na "Golden Apple" ay tumagal ng dalawang araw. Ang hindi pa naganap na tagumpay ay minarkahan ang pagtaas ng tradisyon ng opera ng Italyano sa musikang European.

Seria at buffa

Noong ika-18 siglo, ang mga genre ng opera gaya ng seria at buffa ay nakakuha ng partikular na katanyagan. Kahit na parehong nagmula sa Naples, ang dalawang genre ay kumakatawan sa mga pangunahing magkasalungat. Ang Opera Seria ay literal na nangangahulugang "seryosong opera". Ito ay isang produkto ng panahon ng klasisismo, na hinikayat ang kadalisayan ng genre at typification sa sining. Ang serye ay may mga sumusunod na tampok:

• mga paksang pangkasaysayan o mitolohiya;
• ang pamamayani ng mga recitatives sa arias;
• paghihiwalay ng papel ng musika at teksto;
• minimal na pagpapasadya ng character;
• static na pagkilos.

Ang pinakamatagumpay at sikat na librettist sa genre na ito ay si Pietro Metastasio. Ang pinakamahusay sa kanyang mga libretto ay isinulat ng dose-dosenang mga opera ng iba't ibang kompositor.

Kasabay nito, ang genre ng buffa comedy ay nabuo nang magkatulad at malaya. Kung ang serye ay nagsasabi ng mga kuwento ng nakaraan, kung gayon ang kalabaw ay naglalaan ng mga plot nito sa moderno at pang-araw-araw na mga sitwasyon. Ang genre na ito ay lumabas mula sa mga maiikling eksena sa komedya na itinanghal sa mga intermisyon ng pangunahing pagtatanghal at mga hiwalay na gawa. Unti-unti ang ganitong uri ng sining nakakuha ng katanyagan at natanto bilang ganap na mga independiyenteng representasyon.

Ang reporma ni Gluck

Ang Aleman na kompositor na si Christoph Willibald Gluck ay matatag na itinatak ang kanyang pangalan sa kasaysayan ng musika. Nang nangibabaw ang opera seria sa mga yugto ng Europa, matigas niyang itinaguyod ang kanyang sariling pananaw sa sining ng opera. Naniniwala siya na ang drama ay dapat mamuno sa pagtatanghal, at ang gawain ng musika, vocal at koreograpia ay dapat na itaguyod at bigyang-diin ito. Nagtalo si Gluck na dapat iwanan ng mga kompositor ang mga palabas na palabas pabor sa "simpleng kagandahan". Na ang lahat ng mga elemento ng opera ay dapat na isang pagpapatuloy ng bawat isa at bumuo ng isang solong magkakaugnay na balangkas.

Sinimulan niya ang kanyang reporma noong 1762 sa Vienna. Kasama ang librettist na si Ranieri de Calzabidgi, nagtanghal siya ng tatlong dula, ngunit hindi sila nakatanggap ng tugon. Pagkatapos noong 1773 nagpunta siya sa Paris. Ang kanyang mga aktibidad sa reporma ay tumagal hanggang 1779, at nagdulot ng maraming kontrobersya at kaguluhan sa mga mahilig sa musika. . Malaki ang impluwensya ng mga ideya ni Gluck sa pagbuo ng genre ng opera. Naipakita rin ang mga ito sa mga reporma noong ika-19 na siglo.

Mga uri ng Opera

Sa mahigit apat na siglo ng kasaysayan, ang genre ng opera ay dumaan sa maraming pagbabago at nagdala ng marami sa mundo ng musika. Sa panahong ito, ilang uri ng opera ang namumukod-tangi:

10 Isanbet, N. Tatar katutubong salawikain. T. I / N. Isanbet. - Kazan, 1959. -S. 37.

11 Bashkir katutubong sining. T. 7. Salawikain at kasabihan. Palatandaan. Mga palaisipan. - Ufa: Kitap, 1993. - S. 51.

12 Udmurt folklore: salawikain at kasabihan / comp. T. G. Perevozchikova. - Ustinov: Udmurtia, 1987. - S. 16.

13 Bashkir katutubong sining. T. 7. Salawikain at kasabihan. Palatandaan. Mga palaisipan. - Ufa: Kitap, 1993. - S. 11.

14 Udmurt folklore: salawikain at kasabihan / comp. T. G. Perevozchikova. - Ustinov: Udmurtia, 1987. - S. 105.

15 Mordovian oral folk art: textbook. allowance. - Saransk: Mordov. hanggang, 1987. - S. 91.

16 Bashkir katutubong sining. T. 7. Salawikain at kasabihan. Palatandaan. Mga palaisipan. - Ufa: Kitap, 1993. - S. 113.

17 Ibid. - p. 11

18 Tingnan ang: ibid. - S. 79.

19 Ibid. - S. 94.

Tingnan ang: ibid.

21 Tingnan ang: ibid. - S. 107.

22 Tingnan ang: Udmurt folklore: salawikain at kasabihan / comp. T. G. Perevozchikova. - Ustinov: Udmurtia, 1987. - S. 22.

23 Bashkir katutubong sining. T. 7. Salawikain at kasabihan. Palatandaan. Mga palaisipan. - Ufa: Kitap, 1993. - S. 109.

24 Ibid. - S. 106.

25 Tingnan ang: ibid. - S. 157.

26 Ibid. - S. 182, 183.

27 Udmurt folklore: salawikain at kasabihan / comp. T. G. Perevozchikova. - Ustinov: Udmurtia, 1987. - S. 22, 7.

28 Mga kawikaan ng Chuvash, kasabihan at bugtong / comp. N. R. ROMANOV - Cheboksary, 1960. - S. 55.

29 Yarmukhametov, Kh. Kh. Makatang pagkamalikhain ng mga taong Tatar /

Kh. Kh. Yarmukhametov. - Alma-Ata: Publishing House ng Institute of Languages, lit. at ist. sila. G. Ibragimova, 1969.

30 Sholokhov, M. A. Kayamanan ng katutubong karunungan / M. A. Sholokhov // Dal, V. Mga Kawikaan ng mga taong Ruso / V. Dal. - M., 1957.

T. S. Postnikova

SA IMPLUWENSYA NG ITALIAN OPERA TRADITIONS SA RUSSIAN MUSIC THEATER NOONG 18TH CENTURY

Ang artikulo ay tumatalakay sa problema ng impluwensya ng mga tradisyon ng Italian opera sa Russian musical theater noong ika-18 siglo sa isang kultural na aspeto, alinsunod sa teorya ng interaksyon at diyalogo ng mga kultura ni Yu. bilang resulta ng interaksyon ng mga operatic culture. ).

Mga pangunahing salita: Yu. M. Lotman, diyalogo ng mga kultura, opera, musikal na teatro,

passive saturation, tagasalin ng kultura.

Ang problema ng dayuhang impluwensya sa pag-unlad ng kulturang Ruso ay nananatili sa sentro ng atensyon ng mga sangkatauhan. Kaugnay nito, ang kasaysayan ng teatro ng musikal ng Russia ay may malaking interes din, lalo na, ang pagbuo ng opera ng Russia noong ika-18 siglo. Ang mga natitirang Russian musicologist na B. Asafiev, N. Findeizen, A. Gozenpud, T. Livanova, V. Protopopov, Yu. E. Levashev, M. Sabinina at iba pa. Ang pagiging kumplikado ng pag-aaral ng problemang ito ay nakasalalay sa hindi sapat na dami ng makatotohanang materyal (impormasyon sa archival, mga orihinal ng ika-18 siglo), tulad ng itinuturo ng maraming musicologist. Ngunit kahit na ang maliit na nakaligtas hanggang ngayon ay isang mahalagang pondo ng kulturang Ruso. Kaya, itinuring ni B. Zagursky na ang pangunahing materyal sa sining ng ika-18 siglo sa Russia ay gawa ng isang kontemporaryo ng maraming mahahalagang kaganapang pangmusika sa kasaysayan noong panahong iyon, si Jacob von Stehlin (1709-1785). Sa katunayan, ang mga gawa ni J. Shtelin ngayon ay isang napakahalagang mapagkukunan ng maraming mga katotohanan at impormasyon sa kultura ng musika noong ika-18 siglo, na humahantong sa amin sa mga seryosong pang-agham na pangkalahatan. Sina N. Findeizen at A. Gozenpud ay umasa sa data ng chamber-Fourier journal, na maaari pa ring magsilbi ngayon bilang kailangang-kailangan na materyal para sa pag-aaral ng kulturang Ruso. Ang malaking interes ay ang mga materyales ng periodical press ng pagtatapos ng ika-18 siglo: "St. Petersburg Vedomosti" at "St. Petersburg Bulletin" (1777-1791), na nagbibigay ng mahalagang impormasyon tungkol sa buhay musikal ng mga taong iyon. Binanggit din ni T. Livanova ang mga kagiliw-giliw na epistolary na materyal - mga titik mula sa mga archive ng Prince S. R. Vorontsov at "Mga Tala" ni L. N. Engelhardt, na nagpapahintulot sa pagbubunyag ng ilang aspeto ng musikal at kultural na buhay ng Russia noong ika-18 siglo.

Ang malaking kahalagahan sa siyentipikong pag-aaral ng kultura ng musika noong ika-18 siglo ay ang mga gawa ni M. Rytsareva, na nakatuon sa gawain ni M. Berezovsky at D. Bortnyansky, kung saan binibigyang pansin ang problema ng pag-unlad ng Teatro ng opera ng Russia. Naglalaman ang mga ito ng maraming kawili-wili at mahalagang impormasyon sa archival na nagpapaliwanag sa parehong pangkalahatang proseso ng pag-unlad ng kultura at ang katangian ng aktibidad ng indibidwal na kompositor sa panahong iyon.

Gayunpaman, sa kabila ng pagkakaroon sa musicology ng maraming makabuluhang mga gawa na nagbigay liwanag sa kultura ng musika ng ika-18 siglo sa pangkalahatan at partikular na kultura ng opera, ang paksang ito ay malinaw na hindi sapat na pinag-aralan. Bilang karagdagan, sa mga pag-aaral ng mga musicologist ng Sobyet, ang pangunahing pansin ay binabayaran sa pag-unlad sa kulturang Ruso ng araw-araw na comic opera lamang, na nabuo noong 1770s sa paghihiwalay mula sa mga tradisyon ng opera ng Italyano. Bukod dito, sa mga akda noong 1950s, ang pagbuo ng Russian opera ay itinuturing na medyo isang panig, kapag ang impluwensya ng Italian opera art sa pag-unlad ng Russian demokratikong teatro ay itinuturing na isang negatibong katotohanan. Ngayon, ang mga kaisipang ito, siyempre, ay tila hindi lamang kontrobersyal, ngunit higit sa lahat ay luma na at nangangailangan ng rebisyon at siyentipikong muling pagtatasa.

Iyon ang dahilan kung bakit sa kasalukuyan ang problema ng impluwensya ng mga tradisyon ng opera ng Italyano sa teatro ng musikal ng Russia noong ika-18 siglo ay lubhang nauugnay. Sinusubukan ng artikulong ito na pag-aralan ang problemang ito sa isang kultural na aspeto, alinsunod sa teorya ng interaksyon at diyalogo ng mga kultura ni Y. Lotman. Lalo na mahalaga para sa amin ang mga ideya ni Lotman (sa kanyang mga gawa na "Kultura at Pagsabog", "Sa loob ng mga Mundo ng Pag-iisip", atbp.) Tungkol sa sentro at paligid sa istruktura ng kultura, pati na rin tungkol sa mga proseso ng unti-unting akumulasyon at "pasibo. saturation" sa cultural-historical

ebolusyon, kapag, sa ilalim ng impluwensya ng mga impluwensya ng ibang tao, ang sariling kultura ay na-update at nabago, at pagkatapos ito ay nagiging isang tagasalin ng qualitatively new phenomena. Tulad ng isinulat ni Yu. Lotman, "ang prosesong ito ay maaaring ilarawan bilang isang pagbabago ng sentro at paligid... mayroong pagtaas ng enerhiya: ang sistema, na naging isang estado ng aktibidad, ay naglalabas ng mga enerhiya nang higit pa kaysa sa activator nito, at kumakalat. ang impluwensya nito sa isang mas malaking rehiyon” isa. Humigit-kumulang sa mga ganitong proseso, gaya ng ilalahad pa namin, ay magaganap bilang resulta ng pakikipag-ugnayan ng mga kulturang Italyano at Ruso.

Tingnan natin ang prosesong ito nang mas malapitan. Tulad ng alam mo, ang presensya ng Italyano sa kasaysayan ng kulturang Ruso, na itinayo noong panahon ng unang mga pamayanan ng Genoese sa Crimea (XIII siglo), ay mahaba at maraming nalalaman. Ang relasyong Ruso-Italyano, kung ihahambing sa iba pang mga dayuhang kontak, ang naging pinakauna sa kasaysayan ng mga relasyon sa interstate ng Russia (XV siglo). Kasunod nito, sila ay umunlad sa ilang sociocultural na direksyon: kalakalan at ekonomiya, pampulitika at diplomatiko, panlipunan at

sibil at masining (pagpaplano at arkitektura ng lunsod, sining at monumental-dekorasyon, teatro at musika).

Ginampanan ng Italya ang pinakamahalagang papel sa kasaysayan ng pagbuo ng teatro ng musikal ng Russia noong ika-18 siglo. Tulad ng alam mo, sa oras na ito sa Italya mayroong iba't ibang mga paaralan ng opera: Florentine, Roman, Venetian, Neapolitan (estilo ng bel canto) at Bolognese. Sa mga ito, simula sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, ang mga mahusay na sinanay na musikero ay inanyayahan sa iba pang mga bansa sa Europa (France, Germany, England), at kalaunan sa Russia.

Ang kakilala ng madla ng Russia sa teatro ng Italyano ay naganap sa simula ng ika-18 siglo: ang mga Italyano ay nagdala ng mga interlude sa estilo ng comedy dell'arte sa Russia. Ang susunod na yugto sa pagbuo ng pambansang teatro ay ang hitsura sa Russia ng mga unang kumpanya ng opera. Kaya, noong 1731, ang isa sa mga pinakamahusay na kumpanya ng opera ng Italya sa Europa ay inanyayahan mula sa Dresden. Binubuo ito ng mga mang-aawit, dramatic artist at instrumentalist, na pinamumunuan ng Italyano na kompositor at conductor na si G. Ristori. Ang mga pagtatanghal ay comic intermezzo2 (sa musika ni G. Orlandini, F. Gasparini) at pasticcio3 (na may musika ni G. Pergolesi, G. Buini, G. Ristori). Dapat pansinin na ang operatic Italian performances ng intermezzo ay mas tama na tinatawag na intermezzi sa maramihan, dahil, bilang panuntunan, sila ay binubuo ng dalawa o tatlong bahagi. Ang isang bilang ng mga intermezzo ay batay sa mga teksto ng Italyano na komedyante na si C. Goldoni ("Ang Mang-aawit" ng isang hindi kilalang kompositor, at kalaunan sa parehong balangkas - ang opera ni G. Paisiello) at ilang mga sitwasyon ng mga komedya ni Moliere ("Ang Nakakatawa Pretender” ni G. Orlandini). Tulad ng nakikita mo, sa pamamagitan ng Italian opera, nakilala ng madla ng Russia ang pinakamahusay na mga manunulat ng dula sa Europa. Ang tagumpay ng mga unang pagtatanghal ay naging sanhi ng pagdating ng isang bagong tropang Italyano (1733-1735), na nagsagawa ng comic intermezzo sa musika ng mga Italyano na sina L. Leo, F. Conti at iba pa. Kaya, mula sa unang hitsura ng mga sample ng teatro ng Italyano, kabilang ang opera, isang domestic na tradisyon na umiiral pa rin hanggang ngayon, na nag-aanyaya sa mga kilalang European artist at musikero, ay nagsimulang mabuo sa Russia.

Bumaling tayo sa mga patotoo ng isang mahuhusay na kontemporaryo ng panahong iyon, si Jacob von Stehlin, kung saan ang mga gawa - Balita ng Musika sa Russia at Balita ng Sining ng Sayaw at Ballet sa Russia - ang unti-unting pag-unlad ng sining ng musikal ng Russia at ang opera at ang teatro ng ballet ay ipinakita. Ang may-akda ay nagpapakilala sa buhay musikal ng Russia sa panahon ng paghahari nina Peter I, Anna, Elizabeth, Peter III at Catherine

tayo II. Kaya, tungkol sa saloobin ni Elizabeth sa musika, isinulat niya: "Upang mapanatili ang pinakalumang musika ng simbahan ng Russia, hindi siya masyadong handa na payagan ang paghahalo sa istilong Italyano, na gustung-gusto niya sa ibang musika, sa mga bagong likhang motet ng simbahan"4 . Kapansin-pansin sa ugat na ito ang mga kaisipan ni B. Zagursky, na, sa kanyang paunang salita sa mga gawa ni Shtelin, ay nagpapaliwanag na ang mga dayuhang musika ay pinagkadalubhasaan ang espasyong pangmusika ng Russia sa pamamagitan ng mga salmo at cant ng simbahan ng Poland, at “ang mataas na kultura ng canta. pinadali ang gayong mabilis na pananakop ng Russia ng mga dayuhan at, una sa lahat, musikang Italyano. Ang ilang mga paghiram ay gumaganap ng isang tiyak na papel sa pag-unlad ng musikang Ruso dahil sa katotohanan na sila ay "organically na pinagsama sa mga umiiral na mga porma ng musikal na Ruso at, sa isang banda, binago ang mga ito, at, sa kabilang banda, nakuha ang isang bilang ng mga kakaibang tampok nito. sa ilalim ng mga kondisyon ng Russia”6. Makikita nito ang kumpirmasyon nito sa mga aktibidad ng Italian D. Sarti, na lumikha ng isang bagong uri ng festive oratorio sa Russia, at ang sikat na may-akda ng mga comic opera na si B. Galuppi, na sumulat ng mga seria opera dito.

Ang hindi maiiwasang impluwensya ng mga tradisyon ng opera ng Italyano sa teatro ng musikal ng Russia ay ipinaliwanag nang tumpak sa katotohanan na ang mga maestro ng Italyano ay nagtamasa ng hindi maunahang awtoridad, at ang opera ng Italya ay pinili ng mga emperador ng Russia bilang isang modelo ng pagganap ng musikal. Sinabi ni J. Shtelin na ang pinakamahusay na mga tauhan sa teatro ay inanyayahan mula sa mga kabisera ng musika ng Italya (Bologna, Florence, Roma, Venice, Padua, Bergamo)7. Kaya, isinulat niya ang tungkol sa imbitasyon noong 1735 sa Russia ng isang opera troupe na nilikha ng Italian P. Petrillo, na pinamumunuan ng sikat na kompositor ng Neapolitan na si Francesco Araya. Mahalaga na ang tropang Italyano ay kasama hindi lamang mahuhusay na musikero (magkapatid na D. at F. Daloglio - violinist at cellist), mang-aawit (bass D. Krichi, contralto C. Giorgi, castrato sopranist P. Morigi), kundi pati na rin ang mga mananayaw ng ballet ( A. Constantini, G. Rinaldi), mga koreograpo (A. Rinaldi, Fusano), pati na rin ang artist na si I. Bona, dekorador na si A. Peresinotti at nagtakda ng taga-disenyo na si K. Gibeli, na lumikha sa maraming paraan ng mga kinakailangang kondisyon para sa pagbuo ng Russian opera house.

Ang isang espesyal na papel sa kasaysayan nito ay ginampanan ng Italian maestro na si F. Araya, na inanyayahan na magtrabaho sa St. Petersburg. Sa loob ng dalawampung taon, maraming mahahalagang kaganapan sa kultura ng Russia ang nauugnay sa kanyang pangalan. Kabilang sa mga ito: pagsulat ng isang opera "sa okasyon" (koronasyon, tagumpay ng militar, kaarawan, kasal, seremonya ng libing). Kaya, ang premiere ng opera ni Araya na The Power of Love and Hate, na isinulat sa genre ng opera seria, tradisyonal para sa kulturang Italyano, ay na-time na kasabay ng pagdiriwang ng kaarawan ni Anna Ioannovna (1736). Kasunod nito, ang tradisyong ito ay ipinagpatuloy ng ibang mga may-akda: noong 1742, para sa koronasyon ni Elizabeth Petrovna, gaya ng isinulat ni J. Shtelin, "isang malaking Italian opera na Clemenza di Tito ang binalak sa Moscow, kung saan ang masayang disposisyon at mataas na espirituwal na katangian ng mga binalangkas ang empress. Ang musika ay binubuo ng sikat na Gasse."8. Sa Russia, ayon kay Shtelin, sumulat si Araya ng 10 opera seria at isang bilang ng mga solemne cantatas, at gumawa ng maraming gawaing pang-edukasyon sa mga dilettante ng Russia9. Kapansin-pansin din na si Araya, na interesado sa musikang Ruso, lalo na, folklore, ay ginamit ang mga tema ng mga awiting katutubong Ruso sa kanyang mga gawa. Sa hinaharap, ang iba pang mga Italyano na nagtrabaho sa Russia ay sumunod sa kanyang halimbawa: Daloglio (dalawang symphony "alla Russa"), Fusano (contradances para sa court ballets), Madonis (sonatas sa Ukrainian theme).

Ang hindi mapag-aalinlanganang merito ng F. Araya ay ang paglikha ng opera na "Cefal at Prokris" (tekstong Ruso ni A. P. Sumarokov, koreograpo A. Rinaldi). Ang premiere nito noong Pebrero 3, 1755 ay itinuturing na kaarawan ng Russian opera theater, dahil sa unang pagkakataon

ang opera ay isinagawa sa kanilang sariling wika ng mga lokal na mang-aawit. Kabilang sa mga ito, ang mga gumaganap ng mga pangunahing tungkulin na sina G. Martsinkevich at E. Belogradskaya ay lalo na nakilala: "Ang mga batang opera artist na ito ay humanga sa mga tagapakinig at connoisseurs sa kanilang tumpak na mga parirala, dalisay na pagganap ng mahirap at mahahabang arias, artistikong paghahatid ng mga cadenza, ang kanilang pagbigkas at natural na ekspresyon ng mukha10”11. Bilang katibayan ng pagpapatuloy ng mga tradisyong gumaganap ng Italian operatic sa gawain ng nagsisimulang mang-aawit na Ruso na si G. Martsinkevich12, na may magandang kinabukasan, mayroong komento mula sa isang kontemporaryo: “Ang binatang ito, na minarkahan ng mga kakayahan, ay walang alinlangan na makikipagkumpitensya sa

pinangalanang Farinelli at Cellioti". Maaaring ipagpalagay kung gaano kalaki ang kakayahan ng mga Russian opera performers kung sila ay makikita bilang isang pagpapatuloy ng sining ng mga sikat na mang-aawit na Italyano - mga birtuoso.

Ang unang pagtatanghal ng opera ng Russia ay isang mahusay na tagumpay: "Lahat ng mga nakakaalam ay kinikilala nang wasto ang pagtatanghal na ito sa teatro bilang ganap na nagaganap sa imahe ng pinakamahusay na mga opera sa Europa," ang ulat ng St. Petersburg Vedomosti (No. 18, 1755)14. Isinulat sa isang monumental na marilag na istilo, ang opera seria ay may kaugnayan sa panahon ng kasagsagan ng monarkiya ng Russia, bagaman "ang form na ito ay medyo luma na sa Italya at Kanlurang Europa"15. Sa pamamagitan ng paraan, ayon kay Shtelin, si Empress Elizabeth ang nagbuo ng ideya ng pagtatanghal ng opera sa Russian, "na, tulad ng alam mo, sa lambing, kinang at euphony nito ay mas malapit sa Italyano sa lambing, makulay. at euphony, at, samakatuwid, ay may malaking pakinabang sa pag-awit”16. Dapat pansinin na ang teksto ni Sumarok (mula kay Ovid) ay nagpatotoo sa kanyang malalim na pag-unawa sa genre ng "trahedya sa musika". Ang sinaunang mito sa interpretasyon ni Sumarokov ay nakakuha ng isang bagong humanistic na kahulugan: ang higit na mataas na damdamin ng tao ng pagmamahal at katapatan sa malupit na kalooban ng mga diyos. Ang gayong saloobin sa teksto ng opera ay magiging isang tanda ng Russian opera. Pansinin din natin na noong ika-18 siglo ito ang may-akda ng teksto, at hindi ang kompositor, ang inilagay sa unang lugar. Tulad ng isinulat ni T. Livanova, "ang unang bahagi ng opera ng Russia ay dapat na pag-aralan bilang isang pampanitikan, teatro at musikal na kababalaghan nang sama-sama, na nauunawaan sa kahulugan na ito ang pinakadiwa ng genre sa mga unang yugto ng pag-unlad nito, at ang pagkakaiba-iba nito.

iba't ibang makasaysayang pinagmulan. Alalahanin na ang primacy ng semantic na prinsipyo ay minsang binigyang-diin ng mga tagapagtatag ng Italian opera sa Florence, na tinawag itong "drama per musika" (musical drama). Sa ganitong diwa, ang opera nina Sumarokov at Araya ay matatawag na pagpapatuloy ng mga sinaunang tradisyon ng Italian musical drama. Sa pagdaan, napansin namin na ang tradisyon ng Italyano ng pagsasama ng mga eksena ng ballet sa opera ay ipinakilala din sa Russian musical theater ng mga Italyano (ang lugar ng kapanganakan ng ballet genre ay Florence ng ika-16 na siglo).

Tiniyak ni F. Araya ang isang patuloy na mataas na antas ng pagganap ng solemne opera-seria ng korte, na nag-aanyaya sa mga kahanga-hangang maestro ng Italyano sa Russia. Kaya, isang mahalagang kaganapan para sa Russian musical theater ang pagdating noong 1742 ng makata-librettist na si I. Bonecchi (mula sa Florence) at ang sikat na theater artist na si G. Valeriani (mula sa Rome)18. Bilang resulta nito, ang tradisyon ng Italyano sa pag-print ng isang teksto na naghahatid ng nilalaman ng isang Italian opera sa madla ng Russia ay itinatag sa kultura ng Russia. Ito ay isang uri ng prototype ng modernong programa sa teatro. Ang artistikong tradisyon ng "illusory perspectivism" ni G. Valeriani ay ipinagpatuloy sa theatrical at decorative work ng mga Italyano na sina P. Gonzaga, A. Canoppi, A. Galli-Bibbiena, P. at F. Gradizzi, pati na rin ang mga Russian masters M. Alekseev, I. Vishnyakova , I. Kuzmin, S. Kalinin at iba pa.

Ang isang espesyal na papel sa kasaysayan ng Russian musical theater noong ika-18 siglo ay ginampanan ng Italian comic opera buffa (nagmula sa Neapolitan opera school sa

1730s), na sa pagtatapos ng 50s ay unti-unting pinalitan ang seryosong opera na Bepa mula sa yugto ng Russia. Kaugnay nito, alalahanin natin ang ilang mahahalagang katotohanan sa kultura. Tulad ng nalalaman, noong 1756, isang Italyano na impresario ang dumating sa St. Petersburg mula sa Vienna, ang lumikha ng kanyang sariling negosyo sa Russia, ang direktor ng opera buff na si Giovanni Locatelli "na may mahusay na komposisyon ng isang comic opera at isang mahusay na ballet"19 . Napansin namin sa pagpasa na ito ay mula sa mga oras na ito, salamat sa Locatelli at iba pang mga Italyano, na ang tradisyon ng theatrical entreprise ay nagsimulang umunlad sa kulturang Ruso (M. Maddox, K. Knipper, J. Belmonti, J. Chinti at iba pa).

Kasama sa inimbitahang tropa ni Locatelli ang magkakapatid na Manfredini - ang birtuoso na mang-aawit na si Giuseppe at ang kompositor na si Vincenzo, na kalaunan ay gumanap ng isang kilalang papel sa kasaysayan ng Russian musical theater bilang isang court bandmaster. Kasama sa repertoire ng tropa ang mga opera sa mga teksto ni C. Goldoni, na may musika ni D. Fiscietti, D. Bertoni, B. Galuppi. Ang Locatelli troupe ay nagbigay ng mga pagtatanghal sa St. Petersburg at sa Moscow (sa "opera house" malapit sa Red Pond). Napansin din namin na ang mga Italyano ang nag-apruba sa tradisyon ng pagtatayo ng mga gusali ng teatro partikular para sa mga pagtatanghal ng opera at ballet na nangangailangan ng mga espesyal na kakayahan sa acoustic ng bulwagan. Pagkatapos ang tradisyong Italyano na ito ay matatag na itinatag sa teatro ng Russia - tulad ng pagtatayo ng natatanging Hermitage Theater sa St. Petersburg (1783) ni G. Quarenghi, na naglalaman ng mga ideya ng Palladian dito: sa halip na mga tradisyonal na tier ng mga kahon, siya

isang amphitheater na huwaran sa sikat na teatro ng A. Palladio sa Vicenza. Dagdag pa

ang tradisyong Italyano na ito ay ipinagpatuloy ng mga arkitekto ng Russia.

Bilang karagdagan sa kompositor na si V. Manfredini at iba pang mga Italian masters, si Baldassare Galuppi (1765), ang bandmaster ng Venetian Cathedral of St. Mark, at ang Neapolitan na kompositor na si Tommaso Traetta (1768)21 ay napakahalaga sa Russia. Tulad ng mga nauna sa kanila, ipinagpatuloy nila ang tradisyon ng Italyano sa pagbuo ng bagong opera bawat taon, parehong "sa okasyon" at para sa pagtatanghal sa teatro. Kaya, isinulat ni B. Galuppi ang napakatalino na Bepa opera na The Abandoned Dido (libretto ni P. Metastasio) para sa kapangalan ni Catherine II, at pagkatapos ay para sa teatro - ang opera na The Shepherd-Deer (na may ballet na pinamunuan ng Italian G. Angiolini. ). Gumawa si Galuppi ng musika sa iba't ibang genre (entertainment, opera, instrumental, spiritual), at nagtrabaho din bilang isang guro sa Singing Chapel. Kabilang sa kanyang mga mag-aaral ang mga mahuhusay na musikero ng Russia na sina M. Berezovsky at D. Bortnyansky, siya ang nagpadali sa kanilang pag-alis upang mag-aral sa Italya (1768 - 1769). Agad na pinahahalagahan ni B. Galuppi ang husay ng mga mang-aawit ng Imperial Court Chapel, na pinamumunuan ni M. F. Poltoratsky: "Hindi pa ako nakarinig ng gayong kahanga-hangang koro sa Italya." Iyon ang dahilan kung bakit inanyayahan sila ni B. Galuppi na magtanghal ng mga koro sa kanyang opera na Iphigenia sa Taurida (1768), at pagkatapos ay lumahok din sila sa iba pang mga opera, pagdiriwang sa korte, at mga konsiyerto ng musika sa silid. Ayon kay J. Shtelin, “marami sa kanila ang nakabisado

eleganteng panlasa sa musikang Italyano, na sa pagganap ng arias ay hindi gaanong mababa sa

sa pinakamahuhusay na mang-aawit na Italyano".

Ang isang mahalagang papel sa kultura ng Russia noong 1770s ay ginampanan din ng master ng opera na si Giovanni Paisiello, na dumating sa St. Ang indibidwal na talento ng kompositor, tulad ng binanggit ni T. Livanova, ay binubuo sa pagiging malapit ng kanyang trabaho sa Italian folk music, sa kumbinasyon ng "splendor with inventive buffoonery and light sensitivity with unconditional melodic brightness"24. Lubos na pinahahalagahan ni A. Gozenpud ang mga aktibidad ng maestro ng Italyano: “Ang gawain ni Paisiello ay mahigpit na konektado sa tradisyon ng commedia dell'arte; marami sa kanyang mga bayani ang nagpapanatili ng lahat ng katangian ng orihinal na pinagmulan. Sagana si Paisiello na gumamit ng Italian folk melodies at instrumentation: ipinakilala niya ang mandolin, cither, volyn sa orkestra.

Naunawaan ni Paisiello ang mga tipikal na katangian ng mga karakter at inihayag ang mga ito nang malinaw at malinaw. Nakita ng demokratikong manonood sa kanyang akda ang isang elemento

mga pulis ng nasyonalidad at pagiging totoo". Ang mga katangiang ito ng Italian opera na Paisiello ay walang alinlangan na nakaimpluwensya sa Russian comic opera noong ika-18 siglo. Siya nga pala, siya ang inatasan ni Catherine II para sa kahanga-hangang opera na The Barber of Seville (1782), ang hinalinhan ng obra maestra ni G. Rossini (1816).

Dapat pansinin na, kasama ng mga Italyano na opera, ang mga unang opera ng mga may-akda ng Ruso ay itinanghal sa parehong oras ("Melnik ay isang mangkukulam, isang manlilinlang at isang matchmaker" ni M. Sokolovsky at A. Ablesimov, "Kasawian mula sa isang karwahe ” ni V. Pashkevich at Y. Knyazhnin, "Coachmen on a set up" ni E. Fomin at N. Lvova), na naglatag ng pundasyon ng musikal at dramatikong istilo ng Russia. Mahalagang bigyang-diin na ang mga mang-aawit ng opera ng Russia ay kasabay ng mga dramatikong aktor - ito ang nakikilala sa kanilang istilo ng pagganap mula sa istilong Italyano na may kulto ng birtuoso na mang-aawit. Bilang karagdagan, ang matibay na batayan sa panitikan ng mga unang Russian comic opera ay isang mahalagang dramatikong bahagi ng mga pagtatanghal. Samantala, ang imperial court ay nagbigay ng malinaw na kagustuhan sa sikat na musikang Italyano, kaysa sa lokal na musika, na gumawa ng mga unang hakbang nito sa genre ng opera noong ika-18 siglo.

Kaugnay nito, kinakailangang iisa ang papel ng ilang mga estadista sa pagbuo ng pambansang teatro ng Russia. Kaya, sa direksyon ni Elizabeth Petrovna, ang unang propesyonal na teatro ng drama sa Russia ay itinatag ("Russian, para sa pagtatanghal ng trahedya at komedya, teatro", sa Moscow, 1756). Pinagtibay ni Catherine II ang isang Dekreto sa pagbubukas ng isang teatro ng opera sa Russia (ang Bolshoy Kamenny Theater sa St. Petersburg, 1783). Sa parehong taon, isang komite ang itinatag sa kabisera upang pamahalaan ang mga pagtatanghal sa teatro at musika, isang Theater School ang binuksan, at bago iyon, isang Dance School (sa St. Petersburg, 1738) at isang ballet school (sa Moscow, 1773). . Sa aming opinyon, ang pag-ampon ng mga makasaysayang kautusang ito ay nagpapakilala sa saloobin ng mga emperador sa pagpapaunlad ng pambansang teatro na kultura bilang isang bagay ng pambansang kahalagahan.

Ang isa pang tao, si Peter III, ay partikular na pinili ni J. Shtelin, na tinawag siyang "namumukod-tanging sa musikang Ruso" para sa kanyang pagkahilig sa sining: "Kasabay nito, ang Kanyang Kamahalan mismo ang tumugtog ng unang biyolin, pangunahin sa mga pampublikong pagtitipon. .Ang emperador ay nag-ingat ng higit at higit na pagtaas sa bilang ng mga dayuhan, pangunahin ang mga Italyano na birtuoso. Sa Oranienbaum summer residence ni Peter III, mayroong isang maliit na yugto para sa mga pagtatanghal ng Italian interludes (1750), na pagkatapos ay binago sa sarili nitong Opera House (1756)26, "natapos sa pinakabagong istilong Italyano ng isang bihasang craftsman na si Rinaldi, iniutos ng Grand Duke mula sa Roma. Sa entablado ng teatro na ito, isang bagong opera ang ginanap taun-taon, na binubuo ng Kapellmeister ng Grand Duke Manfredini. Ayon kay Stelin,

Si Peter III ay "nag-ipon ng mga tunay na kayamanan mula sa mamahaling lumang Cremona

Amati violins". Walang alinlangan, ang paglitaw ng mga bagong instrumentong pangmusika (gitara at mandolin ng Italyano, orkestra ng sungay ni J. Maresh, na lumahok sa mga paggawa ng opera) ay nag-ambag sa pag-unlad ng pambansang teatro.

Sabihin din natin ang isang kilalang katotohanan tulad ng paglalakbay sa mga lungsod ng Italya ng tagapagmana ng Russia na si Pavel at ang kanyang asawa (1781-1782), na dumalo sa maraming mga pagdiriwang ng musikal, pagtatanghal ng opera at konsiyerto. Sa Italya, “sa panahong iyon ang umuunlad na mahilig sa opera ay nasa sentro ng atensyon”29. Bumisita sila sa mga salon ng mga mang-aawit na Italyano, mga rehearsal ng mga opera, nakilala ang mga sikat na kompositor (P. Nardini, G. Pugnani). Ang impormasyon tungkol dito ay makukuha sa mga archive ng Russia (mga liham mula sa mga kontemporaryo L. N. En-

Gelgardt, S. A. Poroshina, S. R. Vorontsov), na nagpapatotoo sa tradisyonal na interes ng mga kinatawan ng maharlikang pamilya sa Italian opera.

Maraming pansin ang binayaran sa genre ng opera ni Catherine II, na noong huling bahagi ng 1780s at unang bahagi ng 1790s ay bumaling sa pagbubuo ng mga libretto, batay sa kung saan ang mga kompositor ng Ruso at Italyano (E. Fomin, V. Pashkevich, D. Sarti, C. Cannobio , Martin- i-Soler) ay sumulat ng 5 opera. Tulad ng isinulat ni T. Livanova, "Russian fairy-tale didactic opera na may mga elemento ng isang virtuoso concert at kaakit-akit na palabas, at pagkatapos ay ang "plain air style", na orihinal na nauugnay higit sa lahat sa pangalan ni Giuseppe Sarti, ay nakatayo sa gitna ng Catherine's buhay palasyo”30. Sa katunayan, sinakop ng maestro ng Italya na si Sarti ang napakatalino na posisyon ng isang opisyal na kompositor ng seremonya sa korte ni Catherine II (mula noong 1784). Salamat sa kanya, lumitaw ang isang bagong uri ng malaki, luntiang orchestral-choral cantata composition, na kung saan

na "naging sentro ng pagdiriwang ng palasyo." Ang mataas na talento ng D. Sarti pagkatapos ay natagpuan ang aplikasyon sa serf theater ng Count N. P. Sheremetev.

Ang mga magazine ng Camera-Fourier noong 1780s ay nagpapatotoo sa dami ng bentahe ng mga opera ng mga kompositor na Italyano (G. Paisiello, V. Martin-i-Soler, G. Sarti, K. Cannobio) kaysa sa mga Ruso (V. Pashkevich). Mula sa pagtatapos ng 1780s, si Domenico Cimarosa, isang unang-klaseng may-akda ng modernong buff opera, ay nagtrabaho din sa St. Petersburg: "ang likas na katangian ng kanyang talento, makinang at matalas, sa halip na satirical kaysa malambot na bufon, ay nagbigay ng malawak na tagumpay sa kanyang mga opera”32. Sa Russia noong panahong iyon, itinanghal ang kanyang mga opera na The Virgin of the Sun, Cleopatra, at kalaunan - The Secret Marriage.

Gayunpaman, sa ilalim ng impluwensya ng Italian opera, ang mga musikal at theatrical na komposisyon ng mga kompositor ng Russia (D. Bortnyansky at E. Fomin) ay lumitaw din sa pagtatapos ng siglo. Kaya, ang opera ni D. Bortnyansky na "The Feast of the Seigneur" (1786) ay isinulat sa istilo ng isang pastoral - divertissement (isang komedya na may arias at ballet), at ang kanyang comic opera na "The Son is a Rival, o New Stratonika" (1787) ay nilikha sa genre ng poetic na sentimental na komposisyon, na may mga elemento ng buffooner (mga vocal number na kahalili ng mga prosa dialogue). Ang trahedya na melodrama na Orpheus ni E. Fomin (1792) ay isinulat sa mga tradisyon ng genre na nabuo sa kultura ng Europa ng maagang klasisismo (isang kumbinasyon ng dramatikong pagbabasa na may saliw ng orkestra; sa pamamagitan ng paraan, isang horn orchestra ay nakibahagi din sa Orpheus) .

Napakahalaga na ang mga Russian masters na pinalaki sa mga tradisyon ng Italyano ay namamahala sa mga paggawa ng opera sa mga yugto ng mga paninirahan sa bansa (Peterhof, Gatchina, Oranienbaum, Pavlovsk). Kaya, "Si Bortnyansky, ang pinakamalaki sa mga musikero ng Russia, ay malapit na nauugnay sa korte ng Pavlovsk; mga sikat na Italian masters na sina Paisiello at Sarti

iginuhit sa kanila."

Naimpluwensyahan din ng mga Italian masters ang pag-unlad ng mga sinehan ng Russian serf na lumitaw sa pagtatapos ng ika-18 siglo (ang Vorontsovs, Yusupovs, Sheremetevs). Ang teatro ng Count Sheremetev ay mayroon ding sariling paaralan, kung saan nagtrabaho ang mga konduktor, accompanist, dekorador. Napanatili niya ang patuloy na pakikipag-ugnayan sa mga teatro sa Europa, kaya ang repertoire ay binubuo ng mga bagong comic opera nina G. Paisiello, N. Picchini at iba pang mga kompositor. Dito nagtrabaho si D. Sarti nang mahabang panahon, at pagkatapos ay ang kanyang Ruso na estudyante na si S. A. Degtyarev. Ang pagganap sa Sheremetev Theatre ay nasa isang mataas na antas ng propesyonal (choir, soloists, orkestra na mga miyembro), ang disenyo ay nakikilala sa pamamagitan ng walang uliran na luho: kahanga-hangang tanawin at 5 libong mga costume ang ginawa ng pinakamahusay na mga taga-disenyo ng entablado - P. Gonzaga, K. Bibiena , J. Valeriani, T. Mukhin , S. Kalinin at iba pa34.

Kaya, sa teatro ng musikal ng Russia noong ika-18 siglo,

maraming Italian operatic traditions ang naitatag sa hinaharap. Kabilang sa mga ito ay tulad ng pag-imbita sa pinakamahuhusay na musikero at theatrical figure sa Europa, pagkilala sa gawain ng mga mahuhusay na playwright (Goldoni, Moliere), pagtanghal ng mga Italian opera ng iba't ibang genre (intermezzo, pasticcio, seria, buffa), pagbubuo ng musika para sa entablado ng opera at "sa okasyon" , ang paggamit ng musikal na alamat sa mga gawa, ang kumbinasyon ng cantilena at virtuosity sa mga opera, ang pagpapatuloy ng mga tradisyon ng bel canto singing school sa gawain ng mga Russian performers at ang pagsasanay ng pinakamahusay sa kanila sa Italy . Kinakailangan din na tandaan ang tradisyon ng Italyano sa pagtatayo ng mga espesyal na gusali para sa opera house; kumbinasyon ng mga ballet at opera genre sa isang musical performance; ang paglitaw ng theatrical entreprise; paglikha ng libretto at ang buod nito (prototype ng hinaharap na programa sa teatro); pagbuo ng teatro at pandekorasyon na sining at senograpiya; pagpapakilala ng mga bagong instrumentong pangmusika (gitara at mandolin ng Italyano, sitar, violin ng mga sikat na master ng Italyano); ang tradisyon ng mga pagtatanghal hindi lamang sa mga yugto ng teatro ng imperyal, kundi pati na rin sa mga tirahan ng bansa, pribadong serf na mga sinehan ng Russia.

Ang kahalagahan ng kulturang Italyano sa pag-unlad ng teatro ng musikal ng Russia noong ika-18 siglo ay hindi maaaring labis na tantiyahin. Sa panahong ito, ang kulturang musikal ng Russia ay sumasailalim sa isang proseso hindi lamang ng "passive saturation" (Yu. Lotman), ang akumulasyon ng potensyal ng Europa (ang Italy ay kumilos dito bilang isang konduktor ng mga karaniwang tradisyon ng Europa), kundi pati na rin isang aktibong malikhaing pag-unawa sa kultura. sa pangkalahatan at ang pagbuo ng pambansang kultura ng Russia, sa partikular. Ayon sa mga ideya ni Y. Lotman tungkol sa kultural na "center" at "periphery", maaari itong tapusin na ang Italya, bilang sentro ng kultura ng opera, ay naging para sa Russia noong ika-18 siglo (bilang isang periphery) isang kultura - isang donor na nagpalusog. ang Russian musical theater kasama ang mga katas nito. Ang kumplikadong "proseso ng acclimation ng dayuhan" (ayon kay Lotman) ay nag-ambag sa isang mas malakas na "pagsabog" sa pag-unlad ng kultura ng opera ng Russia at paunang natukoy ang pag-unlad nito sa klasikal na ika-19 na siglo, na naging "tagasalin" ng mga bagong pambansang ideya. at mga tradisyon (sa gawain ng dakilang Glinka at ng kanyang mga tagasunod) .

Mga Tala

1 Lotman, Y. Semiosphere / Y. Lotman. - SPb., 2001. - S. 269.

2 Intermezzo (mula sa Latin na intermezzo - pause, intermission) - isang piraso ng intermediate na kahulugan, kadalasang matatagpuan sa pagitan ng dalawang piraso at kaibahan sa mga ito sa katangian at pagbuo nito.

3 Pasticcio (mula sa Italian pasticcio - paste, hash) - isang opera na binubuo ng mga aria at ensemble na isinulat ng iba't ibang kompositor.

4 Shtelin, Ya. Musika at ballet sa Russia noong siglo XVIII / Ya. Shtelin; ed. at paunang salita. B. I. Zagursky. - SPb., 2002. - S. 55.

5 Ibid. - S. 10.

6 Ibid. - S. 16.

Tingnan ang: ibid. - S. 108.

8 Ibid. - S. 119.

9 Tingnan: ibid. - S. 296.

10 Ito ay tiyak na mga kinakailangan para sa mga mang-aawit ng opera na kasunod na ginawa ni M. I. Glinka.

11 Shtelin, Ya. Musika at ballet sa Russia noong siglong XVIII / Ya. Shtelin; ed. at paunang salita. B. I. Zagursky. - St. Petersburg, 2002. - S. 134.

12 Ang kanyang guro ay ang Italian vocal teacher na si A. Vakari, na dumating sa Russia noong 1742 at nagsanay ng maraming Russian na mang-aawit.

13 Gozenpud, A. Musical theater in Russia i from the origins to Glinka i essay / A. Gozenpud. - L., 1959. - S. 72.

14 Findeizen, N. F. Mga sanaysay sa kasaysayan ng musika sa Russia. T. 2 / N. F. Findeisen. - M., 1929. - S. 95-96.

15 Shtelin, Ya. Musika at ballet sa Russia noong siglo XVIII / Ya. Shtelin; ed. at paunang salita. B. I. Zagursky. - St. Petersburg, 2002. - S. 19.

16 Ibid. - S. 133.

Livanova, T. Kulturang musikal ng Russia noong ika-18 siglo sa mga koneksyon nito sa panitikan, teatro at pang-araw-araw na buhay / T. Livanova. - M., 1953. - S. 110.

18 Tingnan ang Shtelin, Ya. Musika at ballet sa Russia noong ika-18 siglo / Ya. Shtelin; ed. at paunang salita. B. I. Zagursky. - St. Petersburg, 2002. - S. 125.

19 Ibid. - S. 145.

20 Tingnan ang ibid. - S. 148.

21 Tingnan ang ibid. - S. 236.

22 Ibid. - S. 59.

23 Ang katotohanang ito ay sakop sa Chamber-Fourier journal noong panahong iyon.

Livanova, T. Kulturang musikal ng Russia noong ika-18 siglo sa mga koneksyon nito sa panitikan, teatro at pang-araw-araw na buhay / T. Livanova. - M., 1953. - S. 408.

25 Gozenpud, A. Musical theater sa Russia at mula sa pinagmulan hanggang Glinka at sanaysay /

A. Gozenpud. - L., 1959. - S. 88.

26 Ang Italian "trace" ay makabuluhan sa dekorasyon ng Opera House. Kaya, noong 1757-1761. ang mga kuwadra at mga kahon ay pinalamutian ng mga plafond na ginawa ng mga sikat na dekorador ng Russia (ang Belsky brothers at iba pa), at "ang Italyano na master na si Francesco Gradizzi ay pinangangasiwaan ang mga gawa sa pagpipinta" [Rytsareva, M. Composer M. S. Berezovsky at buhay at trabaho / M. Rytsareva . - L., 1983. - S. 23].

27 Shtelin, Ya. Musika at ballet sa Russia noong siglong XVIII / Ya. Shtelin; ed. at paunang salita. B. I. Zagursky. - St. Petersburg, 2002. - S. 144, 198, 202.

28 Ibid. - S. 141, 193.

Livanova, T. Kulturang musikal ng Russia noong ika-18 siglo sa mga koneksyon nito sa panitikan, teatro at pang-araw-araw na buhay / T. Livanova. - M., 1953. - S. 425.

30 Ibid. - S. 421.

31 Ibid. - S. 423.

32 Ibid. - S. 419.

33 Ibid. - S. 427.

34 Teltevsky, P. A. Moscow masterpieces / P. A. Teltevsky. - M., 1983. - Tingnan ang p. 214.

V. E. Barmina

MGA MODELO NG MGA IDEAL NA IMAHE NG BABAE SA KULTURANG ORTODOX NG 1X-XUN cc.

Ang artikulo ay nagmumungkahi ng mga modelo ng kabanalan ng babae sa kulturang Ortodokso ng Byzantium at medyebal na Russia, na kinilala batay sa mga mapagkukunang hagiographic. Ang mga ipinakita na uri ay nakapaloob pareho sa pan-Orthodox

Mga Seksyon: Pangkalahatang teknolohiya ng pedagogical

Ang Bolshoi Theatre, ang State Academic Bolshoi Theater ng Russia, ang nangungunang Russian theater, ay gumanap ng isang natitirang papel sa pagbuo at pag-unlad ng pambansang tradisyon ng opera at ballet art. Ang pinagmulan nito ay nauugnay sa pag-usbong ng kulturang Ruso sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, sa paglitaw at pag-unlad ng propesyonal na teatro.

Ang teatro ay itinatag noong 1776 ng philanthropist ng Moscow na si Prince P. V. Urusov at ang negosyanteng si M. Medoks, na nakatanggap ng pribilehiyo ng gobyerno para sa pagpapaunlad ng negosyo sa teatro. Ang tropa ay nabuo sa batayan ng Moscow theater troupe ng N. Titov, theater artists ng Moscow University at serf actors na si P. Urusov.

Noong 1780, itinayo ng Medox sa Moscow sa sulok ng Petrovka, isang gusali na naging kilala bilang Petrovsky Theater. Ito ang unang permanenteng propesyonal na teatro.

Ang Petrovsky Theatre ng Medox ay tumayo ng 25 taon - noong Oktubre 8, 1805, nasunog ang gusali. Ang bagong gusali ay itinayo ni K. I. Rossi sa Arbat Square. Gayunpaman, ito, na gawa sa kahoy, ay nasunog noong 1812, sa panahon ng pagsalakay ni Napoleon.

Noong 1821, nagsimula ang pagtatayo ng isang bagong teatro, ang proyekto ay pinangunahan ng arkitekto na si Osip Bove.

Ang pagtatayo ng Bolshoi Theatre ay isa sa mga pinakamahalagang gawa ng Beauvais, na nagdala sa kanya ng katanyagan at kaluwalhatian.

Bove Osip Ivanovich (1784-1834) - Arkitekto ng Russia, kinatawan ng istilo ng Imperyo. Ipinanganak sa pamilya ng isang artista, Italyano sa kapanganakan. Siya ay isang banayad na artist na alam kung paano pagsamahin ang pagiging simple at pagiging angkop ng isang komposisyon na solusyon sa pagiging sopistikado at kagandahan ng mga anyo ng arkitektura at palamuti. Ang arkitekto ay may malalim na pag-unawa sa arkitektura ng Russia, isang malikhaing saloobin sa mga pambansang tradisyon, na tumutukoy sa marami sa mga progresibong tampok ng kanyang trabaho.

Ang pagtatayo ng teatro ay natapos noong 1824; noong Enero 6, 1825, ang unang pagtatanghal ay naganap sa bagong gusali.

Ang Bolshoi Petrovsky Theatre, na kalaunan ay naging kilala lamang bilang Bolshoi, ang nagho-host ng premiere ng mga opera ni Mikhail Glinka na A Life for the Tsar at Ruslan at Lyudmila, at ang mga ballet na La Sylphide, Giselle at Esmeralda ay itinanghal kaagad pagkatapos para sa European premieres.

Ang trahedya ay naantala ang gawain ng Bolshoi Theater nang ilang sandali: noong 1853, ang maringal na gusali, na idinisenyo ng arkitekto na si Beauvais, ay nasunog sa lupa. Nawala ang tanawin, kasuotan, pambihirang instrumento, library ng musika.

Ang bagong gusali ng teatro sa istilong neoclassical ay itinayo ng arkitekto na si Albert Kavos, ang pagbubukas ay naganap noong Agosto 20, 1856 kasama ang opera ni V. Bellini na "The Puritani".

Ang Kavos ay gumawa ng mga makabuluhang pagbabago sa palamuti ng pangunahing harapan ng gusali, na pinapalitan ang Ionic order ng mga haligi ng portico ng isang composite. Ang itaas na bahagi ng pangunahing harapan ay sumailalim din sa mga makabuluhang pagbabago: isa pang pediment ang lumitaw sa itaas ng pangunahing portico; sa itaas ng pediment ng portico, ang alabastro quadriga ng Apollo, na ganap na nawala sa apoy, ay pinalitan ng isang iskultura na gawa sa isang metal na haluang metal na natatakpan ng pulang tanso.

Ang choreographic art ng Russia ay minana ang mga tradisyon ng klasikal na ballet ng Russia, ang mga pangunahing tampok na kung saan ay makatotohanang oryentasyon, demokrasya at humanismo. Ang isang mahusay na merito sa pangangalaga at pag-unlad ng mga tradisyon ay kabilang sa mga koreograpo at artista ng Bolshoi Theater.

Sa pagtatapos ng ika-18 siglo, ang ballet sa Russia ay kinuha ang lugar nito sa sining at buhay ng lipunang Ruso, natukoy ang mga pangunahing tampok nito, pinagsasama ang mga tampok ng mga paaralan sa Kanluran (Pranses at Italyano) at pagkalastiko ng sayaw ng Russia. Sinimulan ng Russian school of classical ballet ang pagbuo nito, na kinabibilangan ng mga sumusunod na tradisyon: makatotohanang oryentasyon, demokrasya at humanismo, pati na rin ang pagpapahayag at espirituwalidad ng pagganap.

Ang tropa ng Bolshoi Theatre ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa kasaysayan ng ballet ng Russia. Isa sa dalawa sa Imperial Theatres, ito ay palaging nasa likuran, pinagkaitan ng atensyon at pinansiyal na subsidyo, ay iginagalang bilang "probinsya". Samantala, ang Moscow ballet ay may sariling mukha, sariling tradisyon, na nagsimulang magkaroon ng hugis sa pagtatapos ng ika-18 siglo. Ito ay nabuo sa kultural na kapaligiran ng sinaunang kabisera ng Russia, nakasalalay sa buhay ng lungsod, kung saan ang mga pambansang ugat ay palaging malakas. Sa kaibahan sa burukratikong estado at magalang na Petersburg, sa Moscow ang matandang maharlika at mangangalakal ng Russia ay nagtakda ng tono, at sa isang tiyak na yugto ang impluwensya ng mga bilog sa unibersidad na malapit na konektado sa teatro ay mahusay.

Ang isang espesyal na predilection para sa mga pambansang tema ay matagal nang nabanggit dito. Palagi, sa sandaling lumitaw ang mga unang pagtatanghal ng sayaw sa entablado, ang mga tagapalabas ng mga katutubong sayaw ay nagkaroon ng malaking tagumpay. Ang madla ay naaakit ng melodramatic plot, at ang pag-arte sa ballet ay pinahahalagahan kaysa sa purong sayaw. Napakasikat ng mga komedya.

Isinulat ni E. Ya Surits na ang mga tradisyon ng Bolshoi Ballet ay umunlad sa paglipas ng ika-19 na siglo sa mga bituka ng teatro ng Moscow, na may sariling mga katangian, kabilang ang koreograpiko. Ang dramatikong simula dito ay laging nangunguna kaysa sa liriko, panlabas na aksyon ay binigyan ng higit na pansin kaysa sa panloob. Ang komedya ay madaling naging buffooner, ang trahedya ay naging melodrama.

Ang Moscow ballet ay nailalarawan sa pamamagitan ng maliliwanag na kulay, pabago-bagong pagbabago ng mga kaganapan, indibidwalisasyon ng mga character. Ang sayaw ay palaging may bahid ng dramatikong paglalaro. May kaugnayan sa mga klasikal na canon, ang mga kalayaan ay madaling kinuha: ang pinakintab na abstract na anyo ng akademikong sayaw ay nasira dito para sa paglalahad ng mga damdamin, ang sayaw ay nawala ang kanyang birtuosidad, pagkakaroon ng karakter. Ang Moscow ay palaging mas demokratiko at bukas - naapektuhan nito ang theatrical repertoire, at pagkatapos - ang paraan ng pagganap. Dryish, opisyal, pinigilan Petersburg ginustong ballet ng trahedya o mythological nilalaman, masayahin, maingay, emosyonal Moscow ginustong melodramatic at comedic ballet performances. Ang ballet ng Petersburg ay nakikilala pa rin sa pamamagitan ng klasikal na higpit, akademiko, cantileverness ng sayaw, habang ang Moscow ballet ay nakikilala sa pamamagitan ng bravura, malakas na paglukso, at athleticism.

Ang pagkakaiba sa mga hinihingi ng mga manonood ng St. Petersburg at Moscow, pati na rin ang pagkakaiba sa mga istilo ng pagganap, ay matagal nang naramdaman ng mga koreograpo na nagtrabaho sa parehong mga kabisera. Noong 1820s, ang mga pagtatanghal ni Sh. L. Didlo, nang sila ay inilipat sa Moscow, ay pinuna dahil sa kanilang labis na pagiging natural at "pagpapasimple" kung saan sila ay sumailalim dito. At noong 1869, nang likhain ni Marius Petipa ang kanyang pinaka-masaya, malikot, makatotohanang pagganap na Don Quixote sa Bolshoi Theater, itinuring niyang kailangan, makalipas ang dalawang taon, sa St. Petersburg, na radikal na muling ayusin ito. Ang unang "Don Quixote" ay itinayo halos lahat sa mga sayaw ng Espanyol, sa pangalawang edisyon, ang mga demokratikong motibo ay kumupas sa background: sa gitna ng ballet ay ang kamangha-manghang klasikal na bahagi ng ballerina. Ang mga halimbawa ng ganitong uri ay matatagpuan sa buong kasaysayan ng Moscow ballet.

Ang pagbuo ng mga tradisyon ng pambansang ballet ng Russia sa entablado ng Bolshoi Theater ay nauugnay sa mga aktibidad ng koreograpo na si Adam Pavlovich Glushkovsky, kalaunan - ballerinas Ekaterina Sankovskaya, Nadezhda Bogdanova, Praskovya Lebedeva, sa pagliko ng ika-19-20 siglo - Lyubov Roslavleva, Adelaide Juri, Ekaterina Geltser, Vasily Tikhomirov, koreograpo Alexander Gorsky.

Naniniwala si V. M. Pasyutinskaya na si A. P. Glushkovsky ay isang mahuhusay na mananayaw, koreograpo at guro. Marami siyang ginawa para sa pagbuo ng mga romantikong at makatotohanang tradisyon sa teatro ng ballet ng Russia, nagtanghal ng ilang mga pagtatanghal sa mga tema ng panitikang Ruso, at malawak na nagsimulang ipakilala ang mga elemento ng katutubong sayaw sa marka ng sayaw ng ballet. Inialay niya ang kanyang buong buhay sa sining ng ballet, iniwan ang pinakamahalagang alaala ng mga araw ng "kabataan" ng Moscow ballet.

Bibliograpiya

1. Bakhrushin, Yu.A. Kasaysayan ng ballet ng Russia. - M.: Enlightenment, 1977. - 287p.
2. Bogdanov-Berezovsky, V.M. G.S. Ulanova. - M.: Sining, 1961. - 179s
3. Vanslov, V.V. Mga artikulo tungkol sa ballet. - L .: Musika, 1980. - 191s.
4. Krasovskaya, V.M. Kasaysayan ng ballet ng Russia. - Doe: 2008. - 312s.
5. Levinson, A. Masters ng balete. Mga sanaysay sa kasaysayan at teorya ng sayaw. - St. Petersburg, 2001. - 190s.
6. Pasyutinskaya, V.M. Ang mahiwagang mundo ng sayaw. - M.: Enlightenment, 1985. - 223p.
7. Roslavtseva, N.P. Maya Plisetskaya. - M.: Sining, 1968 - 183p.
8. Surits, E. Ya. Ballet dancer na si Mikhail Mikhailovich Mordkin. - M.: Vlados, - 2006. 256 p.
9. Khudekov, S. N. Pangkalahatang kasaysayan ng sayaw. - Eksmo, 2009. - 608s.

Preview:

Municipal Autonomous General Educational Institution

"Gymnasium No. 5" ng lungsod ng Almetyevsk ng Republika ng Tatarstan

Aralin sa musika sa ika-7 baitang "Opera. Tradisyon at pagbabago.

deputy director para sa gawaing pang-edukasyon,

guro sa musika

Paglalarawan ng Materyal: Ang materyal ay maaaring gamitin sa mga aralin sa musika. Target na madla - mga batang 13-14 taong gulang. Ang plano ng aralin ay gumagamit ng mga pamamaraan sa pagtuturo ng Singaporean.

Ang layunin ng aralin - upang makita ang kaugnayan sa pagitan ng tradisyon at pagbabago, na nag-ambag sa paglitaw ng mga makikinang na sample ng modernong musika sa halimbawa ng rock opera na "Mozart".

Mga gawain:

• Upang gawing pangkalahatan ang kaalaman sa paksang "Polyphony", sa istraktura ng klasikal na opera;
• kilalanin ang bagong genre at gumuhit ng kahanay sa tradisyunal na istraktura ng klasikal na opera batay sa mga elemento ng isang makabuluhang pagsusuri ng mga musikal na fragment mula sa isang rock opera.
• Mag-ambag sa pagpapalawak ng espasyo ng impormasyon.

Uri ng aralin - pinagsama.

Paraan – retrospectives, mga elemento ng paraan ng makabuluhang pagsusuri ng isang musikal na gawain, ang paraan ng emosyonal na dramaturgy (D.B. Kabalevsky), ang paraan ng intonation-stylistic na pag-unawa sa musika (E.D. Kritskaya), ang paraan ng concentricity ng organisasyon ng musikal na materyal, ang paraan ng pagmomodelo ng imahe ng isang gawaing musikal.

Mga anyo ng trabaho - pangkat, harapan, independiyenteng indibidwal.

Mga istruktura ng trabaho- timed - round - robin, timed - pea - shea, hey - ar - guide, zoom - in, coners, model freer.

Mga uri ng aktibidad ng muses
Ang pamantayan sa pagpili para sa mga pagtatanghal ng musika ay ang kanilang artistikong halaga at oryentasyong pang-edukasyon.

Sa panahon ng mga klase.

Oras ng pag-aayos.

Guro: guys, ngitian natin ang isa't isa bilang garantiya ng ating magandang kalooban.

Bago natin ipagpatuloy ang pag-uusap tungkol sa musika, nais kong marinig ang iyong natutunan sa nakaraang aralin. Ang istraktura ay makakatulong sa akin dito.

nag-time - round - robin para sa talakayan para sa bawat isa sa loob ng 20 segundo, simula sa numero ng mag-aaral 1 (Orasan.)

At ngayon sabihin nating buod.Responsableng numero ng mesa...maaaring punan ng iba ang nawawalang impormasyon.

Mga iminungkahing sagot:

J.S. Bach - ang mahusay na kompositor ng Aleman,

polyphonist, organista,

kompositor ng baroque,

petsa ng buhay,

Inuusig

Nawala ang aking paningin, atbp.

Ano ang polyphony at homophony?nag-time - gisantes - sheamay kapitbahay sa balikat.

Ang bawat isa ay may 20 segundo upang pag-usapan (Orasan.)

Sagot ng mag-aaral bilang 3. numero ng talahanayan ...

Guro: Ang isang sobre na naglalaman ng mahahalagang parirala at salita ay makakatulong upang mabuo ang paksa ng araling ito. kung saan kailangan mong gumawa ng isang panukala:

nag-time - round – robin 1 minutong Orasan.

"Mga gawaing musikal at teatro kung saan tumutunog ang vocal music"

Guro: Ano ang alam mo tungkol sa opera? Makakatulong ito upang maunawaan ang istraktura

HOY AR GUIDE

Sumasang-ayon ka ba sa pahayag (ilagay ang "+" kung oo)? 2 minuto (HOURS.)

Ayon sa balangkas, ang anak na babae ng reyna ng gabi ay inagaw, at ipinadala niya ang prinsipe at ang manghuhuli ng ibon upang iligtas siya. Nakikinig, nanonood...

Pamilyar ka ba sa aria na ito?

Sa anong wika ito ginaganap?

Isa ito sa pinakamahirap na aria hanggang ngayon, at marahil iyon ang dahilan kung bakit ito ay patuloy na sikat.

Sa pagkumpirma, tinitingnan ang isang fragment mula sa programang "Voice". 2-3 min.

Sa Internet maaari kang makahanap ng maraming mga pagpipilian para sa pagpapatupad. Muli nitong pinatutunayan ang kasikatan ng aria ng reyna ng gabi ngayon.

Guro: Ano sa tingin mo ang opera ngayon? Nagbago o nanatiling pareho?

Nagtatalo sila…

Guro: Iminumungkahi kong manood ka ng isa pang fragment,nang hindi nagdedeklara ng istilo at pangalan.Nanonood ng rock opera na "Mozart"

Naiintindihan mo ba kung tungkol saan ang opera na ito?

Parang classical opera ba ito?

Ano ang pinagkaiba nito?
- bakit nabuo ang pagsasama ng rock at opera na ito?

(sa 60s, ang katanyagan ng rock music ay lumalaki at ang pananabik para sa mga seryosong genre ay hindi nawawala, kaya ang ideya ng pagsasama ng dalawang tila hindi magkatugma na direksyon ay lumitaw) ang rock opera ay lumitaw sa Britain at America. Sa panahon ng aksyon, ang mga musikero ay maaaring nasa entablado, ginagamit ang mga modernong elektronikong instrumento at mga espesyal na epekto.

istraktura ng AR GUIDE kumpletuhin ang mga sagot sa talahanayan.

2 minuto. PANOORIN.

Kolektahin ang mga dahon.

Sabi ng CONERS ang may pinakamaraming button. Tapos yung nakinig (one minute each).

1 minutong talakayan

Hinihiling ko sa lahat na pumunta sa kanilang mga upuan.

Tutulungan tayo ng FREYER MODEL na pagsamahin ang kaalamang natamo,lagdaan ang mga leafletkolektahin para sa pagsusuri.

D.Z para maghanda ng ulat tungkol kay Mozart. Mga marka ng aralin. Nagustuhan ko ang paraan ng iyong pagtatrabaho.
Tapos na ang lesson namin. Salamat sa iyong trabaho. Paalam.

Introspection ng aralin

Guro: Khairutdinova Rimma Ilyinichna.

Ipinakita ang aralin sa ika-7 baitang

Paksa ng aralin: "Opera. Tradisyon at pagbabago.

Pinagsamang aralin. Nagkaroon ng trabaho upang pagsamahin ang materyal na sakop at isang bagong paksa ang pinag-aralan. Ang mga istrukturang ginamit ay timed - round - robin, timed - pea - shea, hey - ar - guide, zoom - in, coners, freer model.

Mga pamamaraan na ginamitretrospectives, mga elemento ng paraan ng makabuluhang pagsusuri ng isang musikal na gawain, ang paraan ng emosyonal na dramaturgy (D.B. Kabalevsky), ang paraan ng intonation-stylistic na pag-unawa sa musika (E.D. Kritskaya), ang paraan ng concentricity ng organisasyon ng musikal na materyal, ang paraan ng pagmomodelo ng imahe ng isang gawaing musikal.

Mga uri ng aktibidad ng muses- mga pagmumuni-muni sa pagsusuri ng musika ng mga gawang musikal.

Mayroong 22 na mag-aaral sa ika-7 baitang, karamihan sa kanila ay nag-aaral ng mabuti at aktibo sa silid-aralan. Ang aralin ay idinisenyo sa paraang may kinalaman sa mga hindi masyadong aktibong mag-aaral.

Layunin ng aralin: tingnan ang kaugnayan sa pagitan ng tradisyon at pagbabago, na nag-ambag sa paglitaw ng mga makikinang na sample ng modernong musika sa halimbawa ng rock opera na "Mozart".

Mga gawain:

Pang-edukasyon

Pagbuo ng kakayahang magamit ang pinag-aralan na impormasyon sa loob ng balangkas ng araling ito;

Paglalahat ng kaalaman sa paksang "Polyphony", sa istraktura ng klasikal na opera;

Pag-unlad ng mga kasanayan sa audio-visual.

Pang-edukasyon

Pagbuo ng kritikal na pag-iisip;

Pag-unlad ng memorya, imahinasyon, komunikasyon;

Upang maging pamilyar sa isang bagong genre at batay sa mga elemento ng isang makabuluhang pagsusuri ng mga fragment ng musika mula sa isang rock opera.

Pagpapalawak ng impormasyon at espasyong pang-edukasyon.

Pang-edukasyon

Pagpapalakas ng malikhaing aktibidad;

Pag-unlad ng kakayahan sa komunikasyon. 2 oras ang inilaan para sa paksang ito.

Ang mga yugto ng aralin ay nakabalangkas sa paraang mapagsasama-sama ang naunang pinag-aralan na materyal at ang bago.

Kagamitan: projector, screen, laptop, timer, mga larawan ng mga kompositor. Inayos ang mga mesa para sa pangkatang gawain ng 4 na tao

Ang sikolohikal na kapaligiran sa aralin ay komportable, ang komunikasyon ay naglalayong lumikha ng isang sitwasyon ng tagumpay.