Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Harpsichord(mula sa French clavecin; Italian cembalo, clavicembalo; English harpsichord) ay isang keyboard na may kuwerdas na instrumentong pangmusika na may plucked sound extraction method. Ang isang musikero na gumaganap ng mga gawa sa harpsichord at ang mga uri nito ay tinatawag na harpsichordist.

Device

Sa una, ang harpsichord ay may isang quadrangular na hugis, noong ika-17 siglo ay nakakuha ito ng hugis pakpak na pahaba na tatsulok na hugis, ang mga metal na string ay nagsimulang gamitin sa halip na mga ugat. Ang mga string nito ay nakaayos nang pahalang, parallel sa mga susi, kadalasan sa anyo ng ilang mga koro, at ang mga grupo ng mga string ng iba't ibang mga manwal ay nasa iba't ibang antas ng taas. Sa panlabas, ang mga harpsichord ay karaniwang eleganteng natapos: ang katawan ay pinalamutian ng mga guhit, inlay at mga ukit. Sa panahon ng Louis XV, ang pagtatapos ng harpsichord ay tumugma sa mga naka-istilong kasangkapan noong panahong iyon. Noong ika-16-17 siglo, ang mga harpsichord ng Antwerp masters Ruckers ay namumukod-tangi sa mga tuntunin ng kalidad ng tunog at kanilang masining na disenyo.

Kwento

Ang pinakamaagang pagbanggit ng isang instrumentong harpsichord-type (clavicembalum, mula sa Latin na clavis - "key" at cymbalum - "cymbal") ay lumilitaw sa isang 1397 na pinagmulan mula sa Padua (Italy). Ang pinakaunang imahe ay nasa altar ng katedral sa lungsod ng Minden ng Aleman, na itinayo noong 1425. Ang unang praktikal na paglalarawan ng isang instrumentong tulad ng harpsichord (isang plucked clavichord) na may mga guhit ay ibinigay ng Dutchman na si Arno ng Zwolle noong mga 1445.

Ang mga harpsichord noong ika-15 siglo ay hindi nakaligtas. Sa paghusga sa mga imahe, ang mga ito ay maiikling instrumento na may mabigat na katawan. Karamihan sa mga nakaligtas na harpsichord noong ika-16 na siglo ay ginawa sa Italya, kung saan ang Venice ang pangunahing sentro ng kanilang produksyon. Mayroon silang 8` register (mas madalas dalawang rehistro 8` at 4`), sila ay nakikilala sa pamamagitan ng kanilang kakisigan. Ang kanilang katawan ay kadalasang gawa sa cypress. Ang pag-atake sa mga harpsichord na ito ay mas kakaiba, at ang tunog ay mas biglaan kaysa sa mga instrumentong Flemish. Ang pinakamahalagang sentro ng paggawa ng harpsichord sa Hilagang Europa ay ang Antwerp, kung saan nagtrabaho ang mga kinatawan ng pamilya Ruckers mula noong 1579. Ang kanilang mga harpsichord ay may mas mahabang string at mas mabibigat na katawan kaysa sa mga instrumentong Italyano. Mula noong 1590s, ang mga harpsichord na may dalawang manual ay ginawa sa Antwerp.

HARVESIN, cembalo (French clavecin, mula sa late Latin na clavicymbalum - "keyboard cymbals"; Italian cembalo), isang musical stringed keyboard instrument. Ayon sa tinatanggap na pag-uuri, ito ay isang plucked-keyboard na instrumento ng klase ng mga chordophone. Ang mekanismo ng paghahatid mula sa susi hanggang sa string ay binubuo ng tinatawag na pusher (isang makitid na plato na 10-25 cm ang haba) at isang dila na naayos sa itaas na bahagi nito na may plectrum ("balahibo"; noong nakaraan ito ay inukit mula sa isang balahibo ng uwak) na nakakabit sa tali. Kilala mula noong ika-15 siglo (ang mga unang paglalarawan at mga guhit ay nabibilang kay Arno mula sa Zwolle, mga 1445), mula noong ika-16 na siglo ito ay ipinamahagi sa lahat ng mga bansa sa Kanlurang Europa; ang kasagsagan ng kultura ng harpsichord - sa pagtatapos ng ika-16 - sa kalagitnaan ng ika-18 siglo.

Karaniwan ang terminong "harpsichord" ay inilalapat sa malalaking instrumento na may hugis-pakpak na katawan (samakatuwid ang Aleman na pangalan para sa instrumentong Flügel - "pakpak"), 1.5-2.5 m ang haba. Ang keyboard ay may parehong istraktura tulad ng iba pang mga instrumentong pangmusika sa keyboard, gayunpaman sa mga instrumento noong ika-16 - unang bahagi ng ika-18 siglo, ang pagkakasunud-sunod ng paghahalili ng "diatonic" at "chromatic" na mga key sa bass na bahagi ng keyboard ay kadalasang nilalabag dahil sa paggamit ng tinatawag na short octave (na may mga nawawalang notes) . Ang harpsichord ay maaaring may 1 o 2 (bihirang 3) na keyboard - mga manwal. Ang mga string ay nakaunat sa kahabaan ng katawan patayo sa keyboard, nakaayos sa pahalang na mga hilera (karaniwan ay 2-3). Noong 16-17 siglo, ang mga harpsichord ay binuo gamit ang isang pedal (paa) na keyboard, na binubuo ng 9-12 key na nauugnay sa bass octave ng manual (wala silang sariling mga string). Kinokontrol ng bawat manual ang 1-2 row ng mga string, na maaaring gamitin nang magkasama o magkahiwalay.

Ang iba't ibang mga hanay ng mga string, kasama ang mga mekanika na kumokontrol sa kanila, ay tinatawag na mga rehistro, naiiba sa timbre at volume, at kung minsan sa pitch. Ang mga register, ang pitch nito ay tumutugma sa face value ng mga key at musical notation, ay karaniwang tinatawag, sa pamamagitan ng pagkakatulad sa mga organ register, 8-foot (dinaglat na pagtatalaga 8 '). Ang mga register na mas mataas ang tunog ng octave kaysa sa nakasulat ay tinatawag na 4-foot (4 ') (mga string ng 4-foot register ay humigit-kumulang 2 beses na mas maikli). Ang pagpapatakbo ng pagpapalit ng mga rehistro ay karaniwang ginagawa nang manu-mano (sa tulong ng mga lever) sa panahon ng laro. Sa mga harpsichord ng ika-17 at ika-18 na siglo, na mayroong higit sa isang keyboard, karaniwang mayroong isang copulation - isang aparato na nagbibigay ng mekanikal na pagkabit ng mga keyboard (kaya, sa paglalaro ng isa sa mga ito, maaari mong itakda ang mga rehistro na nauugnay sa isa sa paggalaw. ). Ang pagpaparehistro (ang pagpili ng mga rehistro at ang kanilang mga kumbinasyon) ay hindi gaanong mahalaga kaysa sa organ, na nauugnay sa isang mas katamtamang hanay ng mga rehistro. Noong ika-18 siglo, gayunpaman, ang prinsipyo ng "terracing" dynamics ay malawakang ginamit, na karaniwang katangian ng genre ng instrumental concerto (halimbawa, J. S. Bach's Italian Concerto, 1735): ang epekto ay nakakamit sa pamamagitan ng paghahambing ng napakalaking sonority ng ang mga rehistro ng ibabang manwal at ang transparent sa itaas.

Ang hanay ng harpsichord ay nagbago sa paglipas ng panahon sa direksyon ng pagpapalawak: mula sa humigit-kumulang 3 octaves noong ika-15 siglo hanggang 5 octaves sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang mga temperament system ay kapareho ng sa organ at iba pang mga instrumento sa keyboard noong panahong iyon. Bilang karagdagan, ang mga may-akda ng ika-16-17 siglo (N. Vicentino, M. Mersenne, A. Kircher) ay naglalarawan ng mga harpsichord na may higit sa 12 key bawat octave (iba't ibang mga key para sa "flat" at "sharp"), na ginagawang posible na i-play ang lahat ng key sa pure at mid-tone tunings (ang mga harpsichord ay hindi malawakang ginagamit dahil sa partikular na kahirapan sa pagtugtog ng mga ito).

Ang modernong notasyon ng harpsichord music ay karaniwang kapareho ng piano music. Sa 15-18 siglo, ang mga uri ng clavier notation (ang tinatawag na tablature) ay magkakaiba (ang parehong mga ginamit para sa lahat ng mga instrumento sa keyboard), gumamit sila ng mga musical sign, pati na rin ang mga titik (ang sistema para sa pagtutugma ng mga titik sa mga tala. coincided sa modernong isa) at mga numero (may ilang mga pangunahing sistema ng pagnunumero); mayroon ding pinaghalong mga sistema ng tala-titik, halimbawa, ang "lumang tablature ng Aleman", kung saan ang itaas na boses ay naitala sa mga tala, at ang natitira sa mga titik. Ang pagkakaayos ng mga tala sa 2 staves (para sa 2 kamay) ay lumitaw sa paligid ng 1400 sa mga piraso ng Faenza Codex (Italy). Ang bilang ng mga linya sa mga stave ay hindi pare-pareho (maaaring mayroong 6-8 sa kanila). Ang sistema ng dalawang stave na may 5 linya bawat isa ay unang lumitaw sa nakalimbag na koleksyon na "Frottole intabulate" ni A. Antico (1517, Rome), simula sa mga edisyon ng Paris ng P. Attenyan (1529) ito ay naging nangingibabaw sa France, at mula sa Ang ika-2 kalahati ng ika-17 siglo ay kumalat sa ibang mga bansa sa Europa, na unti-unting nagsisiksikan sa iba.

Ang tunog ng harpsichord ay may "paputok" na pag-atake, maliwanag kapag lumilitaw, ngunit mabilis na kumukupas. Ang dami ng tunog ay halos hindi nakasalalay sa lakas at paraan ng pagpindot sa key. Ang mga limitadong posibilidad ng mga dynamic na nuances ay nabayaran sa isang tiyak na lawak ng iba't ibang articulation. Ang mga manwal sa clavier playing noong ika-16 hanggang ika-18 na siglo ay binibigyang pansin ang pagfinger. Ang isang mahalagang aspeto ng pagtugtog ng harpsichord ay ang pagganap ng melismas (dekorasyon). Sa timbre, ang papel na ginagampanan ng matataas na tono, na ginagawang maririnig ang tunog ng harpsichord sa isang medium-sized na bulwagan ng konsiyerto, kahit na sa isang maliit na orkestra. Ang mga orkestra noong ika-18 siglo ay maaaring gumamit ng 2 harpsichord; ang Kapellmeister mismo ay madalas na nakaupo sa harpsichord. Tulad ng karamihan sa mga instrumento sa keyboard, ang harpsichord ay may maraming kakayahan sa pagtugtog ng maraming boses. Noong nakaraan, ang mga solo improvisation ay malawakang ginagawa. Ang harpsichord repertoire noong ika-16 at ika-17 siglo ay karaniwang karaniwan sa lahat ng uri ng mga keyboard (kabilang ang organ). Mga pangunahing harpsichordist: C. Merulo, G. Frescobaldi, M. Rossi, B. Pasquini, B. Marcello, B. Galuppi, D. Cimarosa (Italy); D. Scarlatti (Espanya); J. Chambonière, J. A. d'Anglebert, L. at F. Couperin, J. F. Rameau, J. Dufly (France). Isa sa mga pinakamataas na tagumpay ng kulturang pangmusika sa mundo ay ang German clavier music noong ika-16-18 na siglo; mga kinatawan nito: D. Buxtehude, S. Scheidt, J. Kunau, J. Froberger, J. K. Kerl, J. Pachelbel, J. S. Bach at ang kanyang mga anak. Ang kasagsagan ng English clavier school noong ika-16 at ika-17 siglo ay pangunahing konektado sa birhen; ang pinakamalaking harpsichordists noong ika-18 siglo na nagtrabaho sa England ay sina G. F. Handel at J. K. Bach. Ang Russian harpsichord repertoire ay hindi mayaman, ang instrumento ay ginamit upang samahan ang pag-awit; 3 sonata para sa harpsichord ay nilikha ni D.S. Bortnyansky.

Tulad ng karamihan sa iba pang mga instrumentong pangmusika noong ika-16-18 na siglo, ang harpsichord ay walang karaniwang "klasikal" na hitsura, ngunit kinakatawan ng maraming mga pagpipilian na nilikha ng mga masters mula sa iba't ibang mga bansa, panahon at estilo. Ang mga paaralan ng mga masters ng European significance ay binuo (sa iba't ibang panahon) sa Northern Italy (ang pinakamalaking sentro ay Venice, Milan, Bologna, Florence, kabilang sa mga kinatawan - B. Cristofori), ang Southern Netherlands (ang sentro ay Antwerp, ang pinakamalaking kinatawan ay ang pamilyang Ruckers), France (mga pamilyang Blanche, Tusken, Emsh brothers), England (J. Kirkman, ang pamilyang Hitchcock, Chudi at Broadwood), Germany (mga sentro - Dresden, Hamburg; mga pamilyang Grebner, Friederici, Silberman, Fleischer, Zell , Haas). Ang harpsichord ay isang paksa ng sining at sining; karamihan sa mga nabubuhay na instrumentong pangkasaysayan ay pininturahan, may mga inlay na may ina-ng-perlas at mamahaling bato; kung minsan ang mga susi ay pinalamutian din.

Mula noong huling ikatlong bahagi ng ika-18 siglo, ang harpsichord ay mabilis na nawalan ng katanyagan dahil sa pag-unlad ng piano, ngunit sa loob ng mahabang panahon ay nanatili itong isang instrumento ng paggawa ng musika sa bahay, lalo na sa European periphery at sa mga bansa ng New mundo. Sa simula ng ika-19 na siglo, ito ay patuloy na ginamit sa Italian opera house (upang samahan ang mga recitatives).

Mula noong katapusan ng ika-19 na siglo, muling isinilang ang kultura ng harpsichord. Sa una, ang mga instrumento ay kinopya, pagkatapos ay nagsimula silang itayo alinsunod sa mga nabagong artistikong panlasa (ang modelo na may pedal registration ay naging pamantayan, ang 16-foot na rehistro, bihira sa nakaraan, tunog ng isang oktaba sa ibaba ng par, ay malawakang ginagamit. ). Pagkatapos ng 2nd World War, ang mga manggagawa ay bumalik sa pagkopya ng mga lumang modelo; madalas na nilikha ang isang bagong harpsichord ayon sa isang indibidwal na proyekto. Ang modernong gumaganap na paaralan ay itinatag sa kalagitnaan ng ika-20 siglo ni V. Landovskaya. Iba pang mga pangunahing harpsichordists: R. Kerkpatrick, J. Dreyfus, K. Jakote, G. Leonhardt, B. van Asperen, I. Wiuniski, K. Rousset, P. Antay, A. B. Lyubimov. Mula noong ika-2 kalahati ng ika-20 siglo, pinagkadalubhasaan ng mga harpsichordist ang mga tunay na ugali, paraan ng artikulasyon, at pag-finger. Ang batayan ng repertoire ng konsiyerto ay ang musika ng ika-18 siglo at mga naunang panahon. Ang repertoire ng ika-20 siglo ay kinakatawan ng mga gawa ni F. Poulenc ("Concert champêtre" para sa harpsichord at orchestra, 1926), M. Oana, A. Tisne, A. Louvier, D. Ligeti at iba pang mga kompositor.

Lit.: Neupert H. Das Cembalo. 3. Aufl. Kassel, 1960; Hubbard F. Tatlong siglo ng paggawa ng harpsichord. ika-2. Camb., 1967; Boalch D. Mga gumagawa ng harpsichord at clavichord, 1440-1840. 2nd ed. Oxf., 1974; Harich-Schneider E. Die Kunst des Cembalo-Spiels. 4.Aufl. Kassel, 1979; Henkel H. Beiträge zum historischen Cembalobau. Lpz., 1979; Ang makasaysayang harpsichord. N.Y., 1984-1987. Vol. 1-2; Kopchevsky N. A. Clavier musika: mga tanong ng pagganap. M., 1986; Mercier-Y thier C. Les clavecins. R., 1990; Bedford F. Harpsichord at clavichord na musika ng ikadalawampu siglo. Berk., 1993; Apel W. Geschichte der Orgel- und Klaviermusik bis 1700. Kassel u. a., 2004; Druskin M. Sobr. op. St. Petersburg, 2007. Tomo 1: Clavier music ng Spain, England, Netherlands, France, Italy, Germany noong ika-16-18 na siglo.

HARPSICHORD

Tiyak na sa mga konsyerto ay napansin mo ang isang instrumentong pangmusika na parang piano, ngunit mas maliit ang sukat, na may ilang mga keyboard at isang ganap na kakaibang tunog ng metal na tugtog? Ang pangalan ng instrumentong ito ay harpsichord (nagmula sa salitang Pranses). Sa bawat bansa ito ay tinatawag na naiiba: sa France at Russia ito ay isang harpsichord, sa Italya ito ay isang cembalo (at kung minsan ay isang clavichembalo), sa England ito ay isang harpsichord. Ang harpsichord ay isang keyboard na may kuwerdas na instrumentong pangmusika na ang tunog ay pinuputol.

tunog, timbre:

Ang tunog ng harpsichord ay mahirap malito sa anumang iba pang instrumento, ito ay espesyal, makinang at biglaan. Sa sandaling marinig mo ang tunog na ito, agad na lumilitaw ang mga sinaunang sayaw, bola, at marangal na kababaihan sa korte na may magagandang damit na may hindi maisip na mga hairstyle. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng harpsichord ay ang tunog nito ay hindi maaaring magbago nang maayos sa dinamika, tulad ng iba pang mga instrumento. Upang malutas ang problemang ito, ang mga masters ay nagkaroon ng ideya ng pagdaragdag ng iba pang mga rehistro, na naka-on sa tulong ng mga manu-manong switch at levers. Matatagpuan ang mga ito sa mga gilid ng keyboard. Maya-maya, lumitaw ang mga footswitch para mas madaling laruin.
Interesanteng kaalaman:

• Ang harpsichord ay palaging itinuturing na isang aristokratikong instrumento na pinalamutian ang mga salon at bulwagan ng pinakamayayamang tao sa Europa. Kaya naman noong unang panahon ay gawa ito sa mga mamahaling uri ng kahoy, ang mga susi ay natatakpan ng mga plato ng bao ng pagong, ina ng perlas, at kung minsan ay nababalutan ng mga mamahaling bato.
• Napansin mo ba na ang ilang harpsichord ay may mga black bottom key at puting top key - lahat ay eksaktong kabaligtaran kaysa sa grand piano o piano? Ang mga harpsichord na may ganitong key coloring ay karaniwan sa France noong ika-17 siglo. Tulad ng ipinaliwanag ng mga istoryador, ang gayong keyboard finish ay nauugnay sa magaspang na istilo na namamayani sa sining noong panahong iyon - ang mga kamay na puti ng niyebe ng mga harpsichordists ay mukhang napaka-eleganteng at naka-emboss sa itim na keyboard.
• Sa una, ang harpsichord ay inilagay sa mesa; ilang sandali, ang mga manggagawa ay nagdagdag ng magagandang binti.
• Sa isang pagkakataon, ang konduktor ay kailangang umupo sa harpsichord, at pinamamahalaang niyang maglaro sa kanyang kaliwang kamay, at pamunuan ang mga musikero sa kanyang kanan.
• Sinusubukang muling likhain ang tunog ng harpsichord, ang ilang mga masters ay pumunta sa lansihin. Kaya, sa piano ng Red October, na ginawa noong panahon ng Sobyet, ang ikatlong pedal ay nagpapababa ng isang espesyal na tela sa mga string, kung saan nakakabit ang mga metal na tambo. Hinampas sila ng mga martilyo at isang katangiang tunog ang nangyayari. Ang piano ng Sobyet na "Accord" ay may parehong disenyo.
• Ang mga footwitch sa harpsichord ay hindi lumitaw hanggang 1750.
• Sa una, ang sound dynamics ay binago sa pamamagitan ng pagdodoble at pag-triple ng mga string, tanging noong ika-17-18 na siglo nagsimula silang gumawa ng mga instrumento na may 2 o kahit 3 mga manual na matatagpuan sa itaas ng isa na may iba't ibang mga rehistro. Sa kasong ito, ang itaas na manwal ay nakatutok sa isang oktaba na mas mataas.
• Sa mahabang panahon, ang instrumento ng Italian master na si Hieronymus noong 1521 ay itinuturing na pinakamatandang harpsichord na nakaligtas hanggang sa araw na ito. Gayunpaman, kalaunan ay nakakita sila ng isang mas lumang harpsichord, na ginawa noong Setyembre 18, 1515 ni Vincentius ng Livigimeno.
• Ang mga harpsichord noong ika-16 na siglo ay higit sa lahat ay galing sa Italyano (Venice) at gawa sa cypress. Ang mga instrumentong Pranses na may dalawang keyboard (manual) ay walnut.
• Karamihan sa mga harpsichord ay may rehistro ng lute, ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang timbre ng ilong. Upang makamit ang tunog na ito, ang mga kuwerdas ay pinahiran ng mga piraso ng tela na gawa sa felt o katad.
• Noong Middle Ages, sa korte ng haring Espanyol na si Philip II, mayroong isang tinatawag na "cat harpsichord". Ito ay isang aparato na binubuo ng isang keyboard at isang hugis-parihaba na kahon na may ilang mga compartment kung saan inilalagay ang mga pusa. Bago iyon, ang mga hayop ay tinapik, tinatapakan ang kanilang mga buntot, at inayos ayon sa kanilang mga boses. Pagkatapos ay ang mga buntot ng mga kapus-palad na pusa ay naayos sa ilalim ng mga susi, kapag pinindot, isang karayom ​​ang natigil sa kanila. Ang hayop ay sumigaw ng malakas, at ang tagapalabas ay nagpatuloy sa pagtugtog ng kanyang himig. Nabatid na si Perth I ay nag-commission din ng "cat harpsichord" para sa kanyang cabinet of curiosities.
• Ang sikat na French harpsichordist na si F. Couperin ay may treatise na "The Art of Playing the Harpsichord", na ginagamit ng mga musikero sa ating panahon.
• Si Couperin ang nagsimulang aktibong gumamit ng hinlalaki (unang daliri) kapag tumutugtog ng harpsichord, bago iyon, ang mga musikero ay tumugtog lamang ng apat, at ang ikalima ay hindi kasangkot. Ang ideyang ito ay agad na kinuha ng iba pang mga performer.
• Ang sikat na performer na si Handel, bilang isang bata, ay pinilit na magsanay sa pagtugtog ng harpsichord sa attic, dahil ang kanyang ama ay laban sa karera ng isang musikero at pinangarap na siya ay makakatanggap ng isang degree sa batas.
• Kapansin-pansin, ang aksyon ng jumper ay inilarawan ni W. Shakespeare sa kanyang ika-128 na soneto.
• Ang mga musikero na tumugtog ng harpsichord ay tinawag na clavierists, dahil matagumpay din nilang pagmamay-ari ang organ at clavichord.
• Kapansin-pansin na ang hanay ng concert harpsichord ay ser. Ang siglo XVIII ay mas malawak kaysa sa piano, na pinalitan ito ng kaunti mamaya

Dapat kong aminin na pinag-uusapan ko ang harpsichord bilang isang malalim na personal na paksa para sa akin. Nang maisagawa ko ito sa loob ng halos apatnapung taon na ngayon, nakabuo ako ng isang malalim na kalakip sa ilang mga may-akda at naglaro sa mga konsyerto na kumpletong mga siklo ng lahat ng kanilang isinulat para sa instrumentong ito. Una sa lahat, ito ay may kinalaman kina Francois Couperin at Johann Sebastian Bach. Ang sinabi ko, sana ay magsilbing dahilan para sa aking mga adiksyon, na, natatakot ako, ay hindi ko maiiwasan.

DEVICE

Ang isang malaking pamilya ng keyboard-stringed plucked instruments ay kilala. Magkaiba sila sa laki, hugis at tunog (makulay) na mapagkukunan. Halos bawat craftsman na gumawa ng gayong mga instrumento noong unang panahon ay sinubukang magdagdag ng sarili niyang bagay sa kanilang disenyo.

Mayroong maraming pagkalito tungkol sa kung ano ang tawag sa kanila. Sa pinaka-pangkalahatang mga termino, ang mga instrumento ay nahahati ayon sa kanilang hugis sa longitudinal (nagpapaalaala sa isang maliit na piano, ngunit may mga angular na hugis - ang piano ay may mga bilog na hugis) at hugis-parihaba. Siyempre, ang pagkakaibang ito ay hindi nangangahulugang pandekorasyon: na may ibang pag-aayos ng mga string na nauugnay sa keyboard, ang lugar sa string kung saan ginawa ang pluck, katangian ng lahat ng mga instrumentong ito, ay may napakalaking epekto sa timbre ng ang tunog.

I. Vermeer ng Delft. Babaeng nakaupo sa harpsichord
OK. 1673–1675 National Gallery, London

Ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot na instrumento ng pamilyang ito.

sa Russia mula noong ika-18 siglo. Ang pinakamalawak na ginagamit na pangalang Pranses para sa instrumento ay ang harpsichord ( clavecin), ngunit matatagpuan, pangunahin sa musikal at akademikong kasanayan, at Italyano - cembalo ( cembalo; Ang mga pangalang Italyano ay kilala rin clavicembalo, gravicembalo). Sa musicological literature, lalo na pagdating sa English baroque music, ang Ingles na pangalan ng instrumentong ito ay makikita nang walang pagsasalin harpsichord.

Sa harpsichord, ang pangunahing tampok ng pagkuha ng tunog ay ang tinatawag na jumper (kung hindi man, ang pusher) ay naka-install sa likurang dulo ng susi, sa itaas na bahagi kung saan ang isang balahibo ay naayos. Kapag ang isang musikero ay pinindot ang isang susi, ang likod na dulo nito ay tumataas (dahil ang susi ay isang pingga) at ang lumulukso ay tumataas, at ang balahibo ay bumunot ng pisi. Kapag ang susi ay inilabas, ang balahibo ay dumulas nang walang tunog salamat sa isang bukal na nagbibigay-daan ito upang bahagyang lumihis.

Iba't ibang uri ng keyboard string instruments

Kapansin-pansin na ang paglalarawan ng aksyon ng jumper, at hindi pangkaraniwang tumpak, ay ibinigay ni W. Shakespeare sa kanyang ika-128 na soneto. Sa maraming mga pagpipilian sa pagsasalin, ang kakanyahan ng pagtugtog ng harpsichord ay pinakatumpak - bilang karagdagan sa masining at patula na bahagi - ang pagsasalin ng Modest Tchaikovsky:

Kapag ikaw, aking musika, tumutugtog,
I-set ang mga key na ito sa paggalaw
At, sa pamamagitan ng iyong mga daliri na hinahaplos sila,
Ang pagkakatugma ng mga kuwerdas ay nagbibigay ng paghanga,
Pagkatapos ay may selos na tinitingnan ko ang mga susi,
Kung paano sila kumapit sa mga palad ng iyong mga kamay;
Nag-aapoy ang mga bibig at nananabik ng halik
Naiinggit sila sa kanilang kapangahasan.
Ah, kung biglang bumaligtad ang tadhana
Ako sa isang hilera ng mga tuyong mananayaw!
Natutuwa akong dumausdos ang iyong kamay sa kanila, -
Ang kanilang kawalan ng kaluluwa ay higit na pinagpala kaysa buhay na mga labi.
Pero kung masaya sila
Hayaan mo silang halikan ang kanilang mga daliri, hayaan mo akong halikan ang kanilang mga labi.

Sa lahat ng mga uri ng plucked keyboard-stringed instruments, ang harpsichord ang pinakamalaki at pinakamasalimuot. Ginagamit ito kapwa bilang solong instrumento at bilang isang saliw. Ito ay kailangang-kailangan sa baroque music bilang isang ensemble. Ngunit bago pag-usapan ang malaking repertoire para sa instrumentong ito, kailangan pang ipaliwanag ang disenyo nito.

Sa harpsichord, ang lahat ng mga kulay (timbres) at dynamics (iyon ay, ang kapangyarihan ng tunog) ay orihinal na inilatag sa instrumento mismo ng lumikha ng bawat indibidwal na harpsichord. Ito ay sa isang tiyak na lawak na katulad ng isang organ. Sa harpsichord, hindi mo mababago ang tunog sa pamamagitan ng pagpapalit ng lakas ng susi. Para sa paghahambing: sa piano, ang buong sining ng interpretasyon ay nakasalalay sa kayamanan ng pagpindot, iyon ay, sa iba't ibang paraan upang pindutin o hampasin ang susi.

Diagram ng mekanismo ng harpsichord

kanin. PERO: 1. stem; 2. Damper; 3. Jumper (tulak); 4. Register bar; 5. Stag;
6. Frame jumper (pusher); 7. Susi

kanin. B. Jumper (pusher): 1. Damper; 2. String; 3. Balahibo; 4. Dila; 5. Polster; 6. Spring

Siyempre, depende ito sa sensitivity ng pagtugtog ng harpsichordist kung tumutunog ang instrumento sa musika o “parang isang kasirola” (halos sinabi ni Voltaire). Ngunit ang lakas at timbre ng tunog ay hindi nakasalalay sa harpsichordist, dahil sa pagitan ng daliri ng harpsichordist at ng string mayroong isang kumplikadong mekanismo ng paghahatid sa anyo ng isang jumper at isang balahibo. Muli, para sa paghahambing: sa piano, ang pagpindot sa susi ay direktang nakakaapekto sa pagkilos ng paghampas ng martilyo sa string, habang sa harpsichord, ang epekto sa balahibo ay hindi direkta.

KWENTO

Ang unang bahagi ng kasaysayan ng harpsichord ay bumalik sa mga ambon ng panahon. Una itong binanggit sa treatise ni John de Muris na The Mirror of Music (1323). Ang isa sa mga pinakaunang paglalarawan ng harpsichord ay nasa Weimar Book of Wonders (1440).

Sa loob ng mahabang panahon ay pinaniniwalaan na ang pinakamatandang instrumento na dumating sa atin ay ginawa ni Hieronymus ng Bologna at may petsang 1521. Ito ay itinatago sa London, sa Victoria at Albert Museum. Ngunit kamakailan lamang ay itinatag na mayroong isang instrumento ng ilang taon na mas matanda, na nilikha din ng isang Italyano na master - Vincentius mula sa Livigimeno. Iniharap ito kay Pope Leo X. Nagsimula ang paggawa nito, ayon sa inskripsiyon sa kaso, noong Setyembre 18, 1515.

Harpsichord. Weimar Book of Wonders. 1440

Upang maiwasan ang monotony ng tunog, ang mga harpsichord masters, na nasa maagang yugto ng pag-unlad ng instrumento, ay nagsimulang magbigay ng bawat susi hindi sa isang string, ngunit may dalawa, siyempre, ng ibang timbre. Ngunit sa lalong madaling panahon naging malinaw na, para sa mga teknikal na kadahilanan, higit sa dalawang hanay ng mga string para sa isang keyboard ay hindi magagamit. Pagkatapos ay lumitaw ang ideya na dagdagan ang bilang ng mga keyboard. Pagsapit ng ika-17 siglo ang pinakamayaman sa musikang mga harpsichord ay mga instrumento na may dalawang keyboard (sa madaling salita, mga manwal, mula sa lat. manus- "kamay").

Mula sa isang punto ng musikal, ang gayong instrumento ay ang pinakamahusay na paraan para sa pagsasagawa ng magkakaibang baroque repertoire. Marami sa mga gawa ng mga klasikong harpsichord ay partikular na isinulat para sa epekto ng pagtugtog sa dalawang keyboard, halimbawa, isang bilang ng mga sonata ni Domenico Scarlatti. Partikular na itinakda ni F. Couperin sa paunang salita sa ikatlong koleksyon ng kanyang mga piyesa ng harpsichord na inilagay niya dito ang mga piyesa na tinatawag niyang "Pieces Croises"(naglalaro ng crossing [kamay]). "Ang mga piraso na may ganoong pangalan," ang pagpapatuloy ng kompositor, "ay dapat na i-play sa dalawang keyboard, na ang isa ay dapat tunog muffled sa pamamagitan ng pagbabago ng mga rehistro." Para sa mga walang dalawang manu-manong harpsichord, nagbibigay si Couperin ng mga rekomendasyon kung paano tumugtog ng instrumento gamit ang isang keyboard. Ngunit sa ilang mga kaso, ang pangangailangan ng isang dalawang-manu-manong harpsichord ay isang kailangang-kailangan na kondisyon para sa isang ganap na artistikong pagganap ng isang komposisyon. Kaya, sa pahina ng pamagat ng koleksyon na naglalaman ng sikat na "French Overture" at "Italian Concerto", ipinahiwatig ni Bach: "para sa isang clavichembalo na may dalawang manual."

Mula sa punto ng view ng ebolusyon ng harpsichord, dalawang manual ay hindi ang limitasyon: alam namin ang mga halimbawa ng mga harpsichord na may tatlong mga keyboard, bagaman hindi namin alam ang mga gawa na tiyak na nangangailangan ng naturang instrumento para sa kanilang pagganap. Sa halip, ito ang mga teknikal na trick ng mga indibidwal na gumagawa ng harpsichord.

Ang harpsichord sa panahon ng maningning na kapanahunan nito (XVII-XVIII na siglo) ay tinugtog ng mga musikero na nagmamay-ari ng lahat ng mga instrumento sa keyboard na umiiral noong panahong iyon, katulad ng organ at ang clavichord (kaya tinawag silang claviers).

Ang mga harpsichord ay nilikha hindi lamang ng mga gumagawa ng harpsichord, kundi pati na rin ng mga tagabuo ng organ. At natural na ilapat sa pagtatayo ng harpsichord ang ilang mga pangunahing ideya na malawakang ginagamit sa disenyo ng mga organo. Sa madaling salita, sinundan ng mga gumagawa ng harpsichord ang landas ng mga tagabuo ng organ sa pagpapalawak ng mga mapagkukunan ng rehistro ng kanilang mga instrumento. Kung sa organ ito ay higit pa at higit pang mga hanay ng mga tubo na ibinahagi sa mga manual, pagkatapos ay sa harpsichord nagsimula silang gumamit ng isang mas malaking bilang ng mga hanay ng mga string, na ipinamahagi din sa mga manual. Sa dami, ang mga rehistro ng harpsichord na ito ay hindi gaanong naiiba, ngunit sa mga tuntunin ng timbre, sila ay medyo makabuluhan.

Pahina ng pamagat ng unang koleksyon ng musika
para sa birhen na "Parthenia". London. 1611

Kaya, bilang karagdagan sa dalawang hanay ng mga string (isa para sa bawat keyboard), na tumunog nang sabay-sabay at tumutugma sa taas sa mga tunog na naitala sa mga tala, maaaring mayroong apat na talampakan at labing anim na talampakan na mga rehistro. (Kahit na ang pagtatalaga ng mga rehistro ay hiniram ng mga gumagawa ng harpsichord mula sa mga tagabuo ng organ: mga tubo Ang mga organo ay ipinahiwatig sa mga paa, at ang mga pangunahing rehistro na naaayon sa musikal na notasyon ay ang tinatawag na walong talampakan, habang ang mga tubo na gumagawa ng mga tunog na isang oktaba na mas mataas kaysa sa nakatala ay tinatawag na apat na talampakan, isang oktaba sa ibaba - ayon sa pagkakabanggit labing-anim na talampakan. Sa harpsichord, sa parehong mga panukala, ang mga rehistro na nabuo ng mga hanay mga string.)

Kaya, ang hanay ng tunog ng isang malaking harpsichord ng konsiyerto sa kalagitnaan ng siglong XVIII. ay hindi lamang hindi mas makitid kaysa sa pianoforte, ngunit mas malawak pa. At ito sa kabila ng katotohanan na ang musical notation ng harpsichord music ay mukhang mas makitid sa hanay kaysa sa piano music.

MUSIKA

Pagsapit ng ika-18 siglo ang harpsichord ay nakakuha ng isang hindi pangkaraniwang mayamang repertoire. Bilang isang lubhang aristokratikong instrumento, kumalat ito sa buong Europa, na mayroong pinakamaliwanag na mga apologist sa lahat ng dako. Ngunit kung pinag-uusapan natin ang pinakamalakas na paaralan noong ika-16 - unang bahagi ng ika-17 siglo, dapat muna nating pangalanan ang mga English virginist.

Hindi natin ikukuwento dito ang virginal, mapapansin lang natin na ito ay isang uri ng mga instrumentong may kwerdas na pinitik sa keyboard, katulad ng tunog ng harpsichord. Kapansin-pansin na sa isa sa mga huling masusing pag-aaral sa kasaysayan ng harpsichord ( Kottick E. Isang Kasaysayan ng Harpsichord. Bloomington. 2003), ang virginal, gayundin ang spinet (isa pang variety), ay isinasaalang-alang alinsunod sa ebolusyon ng harpsichord proper.

Tungkol sa pangalan ng birhen, nararapat na tandaan na ang isa sa mga iminungkahing etimolohiya ay itinaas ito sa Ingles Birhen at sa Latin virgo, iyon ay, "birhen", dahil si Elizabeth I, ang birhen na reyna, ay mahilig maglaro ng birhen. Sa katunayan, nagpakita ang birhen bago pa man si Elizabeth. Ang pinagmulan ng terminong "virginel" ay mas tama upang humantong mula sa isa pang salitang Latin - virga("wand"), na nagpapahiwatig ng parehong lumulukso.

Kapansin-pansin na sa ukit na pinalamutian ang unang naka-print na edisyon ng musika para sa birhen ("Parthenia"), ang musikero ay inilalarawan sa pagkukunwari ng isang Kristiyanong birhen - St. Caecilia. Sa pamamagitan ng paraan, ang mismong pangalan ng koleksyon ay nagmula sa Greek. parthenos na ang ibig sabihin ay "birhen".

Upang palamutihan ang edisyong ito, isang ukit mula sa pagpipinta ng Dutch artist na si Hendrik Goltzius "St. Cecilia". Gayunpaman, ang engraver ay hindi gumawa ng salamin na imahe ng imahe sa pisara, kaya ang pag-ukit mismo at ang tagapalabas ay naging baligtad - ang kanyang kaliwang kamay ay higit na binuo kaysa sa kanyang kanan, na, siyempre, ay hindi magagawa. ay isang birhen sa panahong iyon. Mayroong libu-libong mga pagkakamali sa mga ukit. Hindi ito napapansin ng mata ng isang hindi musikero, ngunit agad na nakikita ng musikero ang pagkakamali ng ukit.

Maraming mga kahanga-hangang pahina na puno ng masigasig na pakiramdam ay nakatuon sa musika ng mga virginalistang Ingles ng tagapagtatag ng harpsichord revival noong ika-20 siglo. kahanga-hangang Polish harpsichordist na si Wanda Landowska: "Ang pag-alis mula sa mga puso na mas karapat-dapat kaysa sa atin, at pinalusog ng mga katutubong kanta, lumang musikang Ingles - masigasig o matahimik, walang muwang o kaawa-awa - umaawit ng kalikasan at pag-ibig. Dinadakila niya ang buhay. Kung siya ay bumaling sa mistisismo, pagkatapos ay niluluwalhati niya ang Diyos. Hindi mapag-aalinlanganan na dalubhasa, ito ay sa parehong oras kusang-loob at matapang. Madalas itong tila mas moderno kaysa sa pinakabago at pinakadakilang. Buksan ang iyong puso sa kagandahan ng musikang ito, na hindi alam. Kalimutan na siya ay matanda na, at huwag isipin na dahil dito ay pinagkaitan siya ng damdamin ng tao.

Ang mga linyang ito ay isinulat sa simula ng ika-20 siglo. Sa nakalipas na siglo, marami na ang nagawa upang ihayag at pahalagahan sa kabuuan nito ang napakahalagang pamana ng musika ng mga birhen. At ano ang mga pangalan na ito! Ang mga kompositor na sina William Bird at John Bull, Martin Pearson at Gil Farnaby, John Munday at Thomas Morley...

Nagkaroon ng malapit na ugnayan sa pagitan ng Inglatera at Netherlands (ang pag-ukit na ng "Parthenia" ay nagpapatotoo dito). Ang mga harpsichord at birhen ng mga Dutch masters, lalo na ang Ruckers dynasty, ay kilala sa England. Kasabay nito, sa isang kakaibang paraan, ang Netherlands mismo ay hindi maaaring magyabang ng isang maliwanag na paaralan ng pagbubuo.

Sa kontinente, ang orihinal na mga paaralan ng harpsichord ay Italyano, Pranses at Aleman. Tatlo lang sa kanilang pangunahing kinatawan ang babanggitin natin - sina Francois Couperin, Domenico Scarlatti at Johann Sebastian Bach.

Ang isa sa mga malinaw at halatang palatandaan ng regalo ng isang namumukod-tanging kompositor (na totoo para sa sinumang kompositor ng anumang panahon) ay ang pagbuo ng kanyang sariling, pulos personal, natatanging istilo ng pagpapahayag. At sa kabuuang dami ng hindi mabilang na mga manunulat, hindi gaanong magkakaroon ng mga tunay na tagalikha. Ang tatlong pangalang ito ay tiyak na pag-aari ng mga tagalikha. Ang bawat isa sa kanila ay may sariling natatanging istilo.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668–1733) - tunay na makata ng harpsichord. Marahil ay maaari niyang ituring ang kanyang sarili na isang masayang tao: lahat (o halos lahat) ng kanyang mga gawa ng harpsichord, iyon ay, kung ano mismo ang bumubuo sa kanyang katanyagan at kahalagahan sa mundo, ay nai-publish sa kanyang sarili at bumuo ng apat na volume. Kaya, mayroon kaming isang kumpletong ideya ng kanyang pamana ng harpsichord. Ang may-akda ng mga linyang ito ay pinalad na gumanap ng isang kumpletong cycle ng mga komposisyon ng harpsichord ni Couperin sa walong mga programa sa konsiyerto na ipinakita sa isang pagdiriwang ng kanyang musika na ginanap sa Moscow sa ilalim ng pagtangkilik ni G. Pierre Morel, Ambassador ng France sa Russia.

Ikinalulungkot ko na hindi ko mahawakan ang aking mambabasa sa kamay, akayin siya sa harpsichord at tumugtog, halimbawa, ang French Masquerade ni Couperin, o Domino Masks. Gaano kalaki ang kagandahan at kagandahan nito! Ngunit gaano rin kalalim ang sikolohikal. Dito, ang bawat maskara ay may isang tiyak na kulay at - na napakahalaga - karakter. Ipinapaliwanag ng mga komento ng may-akda ang mga imahe at kulay. Mayroong labindalawang maskara (at mga kulay) sa kabuuan, at lumilitaw ang mga ito sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod.

Minsan na akong nagkaroon ng dahilan upang maalala ang dulang ito ni Couperin na may kaugnayan sa kuwento tungkol sa "Black Square" ni K. Malevich (tingnan ang Art, No. 18/2007). Ang katotohanan ay ang scheme ng kulay ng Couperin, na nagsisimula sa puti (ang unang pagkakaiba-iba, na sumasagisag sa Virginity), ay nagtatapos sa isang itim na maskara (Fury o Despair). Kaya, ang dalawang tagalikha ng iba't ibang panahon at iba't ibang sining ay lumikha ng mga gawa na may malalim na simbolikong kahulugan: para sa Couperin, ang siklo na ito ay sumisimbolo sa mga panahon ng buhay ng tao - ang mga edad ng isang tao (labingdalawa para sa bilang ng mga buwan, bawat isa para sa anim na taon - ito ay isang alegorya na kilala sa panahon ng Baroque). Bilang isang resulta, ang Couperin ay may itim na maskara, ang Malevich ay may isang itim na parisukat. Sa pareho, ang hitsura ng itim ay resulta ng pagkilos ng maraming pwersa. Tahimik na sinabi ni Malevich: "Isinasaalang-alang ko ang puti at itim na nagmula sa mga scheme ng kulay at kulay." Ipinakilala sa amin ni Couperin ang makulay na hanay na ito.

Malinaw na si Couperin ay may kahanga-hangang mga harpsichord sa kanyang pagtatapon. Hindi ito nakakagulat - pagkatapos ng lahat, siya ang court harpsichordist ni Louis XIV. Ang mga instrumento, kasama ang kanilang tunog, ay naihatid ang buong lalim ng mga ideya ng kompositor.

Domenico Scarlatti(1685–1757). Ang kompositor na ito ay may ganap na kakaibang istilo, ngunit tulad ni Couperin, isang hindi mapag-aalinlanganang sulat-kamay ang una at halatang tanda ng henyo. Ang pangalang ito ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa harpsichord. Bagaman sa kanyang mas bata na mga taon ay sumulat si Domenico ng iba't ibang musika, pagkatapos ay naging tanyag siya bilang may-akda ng isang malaking bilang (555) harpsichord sonatas. Kapansin-pansing pinalawak ni Scarlatti ang mga posibilidad ng pagganap ng harpsichord, ipinakilala ang isang hindi pa nagagawang saklaw ng birtuoso sa pamamaraan ng pagtugtog nito.

Ang isang uri ng parallel sa Scarlatti sa huling kasaysayan ng piano music ay ang gawa ni Franz Liszt, na, tulad ng alam mo, partikular na pinag-aralan ang mga diskarte sa pagganap ng Domenico Scarlatti. (Sa pamamagitan ng paraan, dahil pinag-uusapan natin ang tungkol sa mga parallel sa piano art, kung gayon si Couperin ay mayroon ding isang espirituwal na tagapagmana sa isang tiyak na kahulugan - ito, siyempre, ay si F. Chopin.)

Para sa ikalawang kalahati ng kanyang buhay, si Domenico Scarlatti (hindi malito sa kanyang ama, ang sikat na Italian opera composer na si Alessandro Scarlatti) ay ang court harpsichordist ng Spanish Queen na si Maria Barbara, at ang karamihan sa kanyang mga sonata ay partikular na isinulat para sa kanya. . Ligtas nating mahihinuha na siya ay isang mahusay na harpsichordist kung tinutugtog niya ang mga minsang sobrang teknikal na sonata.

I. Vermeer ng Delft. Ang batang babae sa spinet. OK. 1670. Pribadong koleksyon

Kaugnay nito, naaalala ko ang isang liham (1977) na natanggap ko mula sa namumukod-tanging Czech harpsichordist na si Zuzanna Ruzickova: “Mahal na Ginoong Maikapar! Mayroon akong isang kahilingan para sa iyo. Tulad ng alam mo, mayroong maraming interes sa mga tunay na harpsichord ngayon, at mayroong maraming talakayan tungkol dito. Ang isa sa mga pangunahing dokumento sa talakayan sa mga instrumentong ito na may kaugnayan kay D. Scarlatti ay ang pagpipinta ng Vanloo, na naglalarawan kay Maria Barbara ng Portugal, ang asawa ni Philip V. (Si Z. Ruzickova ay nagkamali - si Maria Barbara ay ang asawa ni Ferdinand VI , anak ni Philip V. - A.M.). Rafael Pouyana (isang pangunahing kontemporaryong Pranses na harpsichordist - A.M.) ay naniniwala na ang pagpipinta ay ipininta pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara at samakatuwid ay hindi maaaring maging isang makasaysayang mapagkukunan. Ang pagpipinta ay nasa Ermita. Napakahalaga kung maipapadala mo sa akin ang mga dokumento sa painting na ito."

Fragment. 1768. Ermita, St. Petersburg

Ang painting na tinutukoy sa sulat ay “Sextet” ni L.M. Vanloo (1768).

Ito ay nasa Hermitage, sa bodega ng departamento ng pagpipinta ng Pransya noong siglong XVIII. Department Keeper I.S. Si Nemilova, nang malaman ang tungkol sa layunin ng aking pagbisita, ay sinamahan ako sa isang malaking silid, o sa halip isang bulwagan, kung saan may mga pagpipinta na hindi kasama sa pangunahing eksibisyon. Gaano karaming mga gawa ng mahusay na interes mula sa punto ng view ng musikal iconography, ito ay lumiliko out, ay naka-imbak dito! Isa-isa, naglagay kami ng malalaking frame, kung saan na-install ang 10-15 na mga kuwadro, at isinasaalang-alang ang mga paksang interesado sa amin. At sa wakas, "Sextet" L.M. Vanloo.

Ayon sa ilang ulat, ang pagpipinta na ito ay naglalarawan sa Espanyol na Reyna Maria Barbara. Kung napatunayan ang hypothesis na ito, maaari tayong magkaroon ng harpsichord na tinutugtog mismo ni Scarlatti! Ano ang mga dahilan upang makilala sa harpsichordist na inilalarawan sa pagpipinta ni Vanloo, si Maria Barbara? Una, tila sa akin ay mayroon talagang mababaw na pagkakahawig sa pagitan ng ginang na inilalarawan dito at ng mga kilalang larawan ni Maria Barbara. Pangalawa, nanirahan si Vanloo sa korte ng Espanya nang medyo mahabang panahon at, samakatuwid, ay mahusay na nakapagpinta ng isang larawan sa isang tema mula sa buhay ng reyna. Pangatlo, ang isa pang pangalan para sa pagpipinta ay kilala rin - "Spanish Concerto" at, pang-apat, ang ilang mga dayuhang musicologist (halimbawa, K. Zaks) ay kumbinsido na si Maria Barbara ay nasa pagpipinta.

Ngunit si Nemilova, tulad ni Rafael Puyana, ay nag-alinlangan sa hypothesis na ito. Ang pagpipinta ay ipininta noong 1768, iyon ay, labindalawang taon pagkatapos ng pag-alis ng artista mula sa Espanya at sampung taon pagkatapos ng pagkamatay ni Maria Barbara. Ang kasaysayan ng kanyang order ay kilala: Catherine II conveyed sa Vanloo sa pamamagitan ng Prince Golitsyn ang nais na magkaroon ng isang pagpipinta sa pamamagitan ng kanya. Ang gawaing ito ay agad na dumating sa St. Petersburg at pinananatili dito sa lahat ng oras, ibinigay ito ni Golitsyn kay Catherine bilang isang "Concert". Tulad ng para sa pangalang "Spanish Concerto", ang mga kasuutan ng Espanyol kung saan inilalarawan ang mga karakter ay may papel sa hitsura nito, at, tulad ng ipinaliwanag ni Nemilova, ito ay mga teatro na costume, at hindi ang mga nasa uso noon.

W. Landwska

Sa larawan, siyempre, ang harpsichord ay umaakit ng pansin - isang dalawang-manu-manong instrumento na may katangian para sa unang kalahati ng ika-18 siglo. ang pangkulay ng mga susi, ang kabaligtaran ng modernong isa (ang mga itim sa piano ay puti sa harpsichord na ito, at kabaliktaran). Bilang karagdagan, kulang pa rin ito ng mga pedal para sa paglilipat ng mga rehistro, bagama't kilala na ang mga ito noong panahong iyon. Ang pagpapahusay na ito ay matatagpuan sa karamihan sa mga modernong double-manual na harpsichord ng konsiyerto. Ang pangangailangan na lumipat ng mga rehistro sa pamamagitan ng kamay ay nagdidikta ng isang tiyak na diskarte sa pagpili ng pagpaparehistro sa harpsichord.

Sa kasalukuyan, ang dalawang direksyon ay malinaw na tinukoy sa pagsasagawa ng pagsasanay: ang mga tagasuporta ng una ay naniniwala na ang lahat ng mga modernong posibilidad ng instrumento ay dapat gamitin (tulad ng isang opinyon ay ibinahagi, halimbawa, sa pamamagitan ng V. Landwska at, sa pamamagitan ng paraan, Zuzanna Ruzickova ), ang iba ay naniniwala na kapag gumaganap ng sinaunang musika sa modernong harpsichord, ang isa ay hindi dapat lumampas sa mga gumaganap na paraan, batay sa kung saan isinulat ng mga matatandang masters (tulad ng iniisip ni Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, ang parehong Rafael Puyana at iba pa).

Dahil binigyan namin ng labis na pansin ang pagpipinta ng Vanloo, napansin namin na ang artist mismo, sa turn, ay naging isang karakter sa isang musical portrait: ang harpsichord piece ng French composer na si Jacques Dufly, na tinatawag na "Vanloo", ay kilalang kilala.

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750). Ang kanyang harpsichord heritage ay may pambihirang halaga. Ang aking karanasan sa pagtatanghal sa mga konsyerto ay ang lahat ng isinulat ni Bach para sa instrumentong ito ay nagpapatunay na ang kanyang pamana ay umaangkop sa labinlimang (!) na mga programa sa konsiyerto. Kasabay nito, ang isa ay dapat na hiwalay na bilangin ang mga konsyerto para sa harpsichord at mga string, pati na rin ang masa ng mga ensemble na gawa, na hindi maiisip kung wala ang harpsichord.

Dapat itong kilalanin na para sa lahat ng pagiging natatangi ng Couperin at Scarlatti, bawat isa sa kanila ay nilinang ang isang indibidwal na istilo. Si Bach ay pangkalahatan. Ang nabanggit na "Italian Concerto" at "French Overture" ay mga halimbawa ng pag-aaral ni Bach sa musika ng mga pambansang paaralang ito. At ito ay dalawang halimbawa lamang, sa kanilang mga pangalan na sumasalamin sa kamalayan ni Bach. Dito maaari mong idagdag ang kanyang cycle ng "French Suites". Maaaring isipin ng isa ang tungkol sa impluwensya ng Ingles sa kanyang English Suites. At kung gaano karaming mga sample ng musika ng iba't ibang mga estilo ang nasa mga gawa niya na hindi nagpapakita nito sa kanilang mga pamagat, ngunit kasama sa musika mismo! Hindi na kailangang sabihin, kung gaano kalawak ang kanyang katutubong, German clavier tradisyon ay synthesized sa kanyang trabaho.

Hindi namin alam kung aling mga harpsichords ang nilalaro ni Bach, ngunit alam namin na interesado siya sa lahat ng mga teknikal na inobasyon (kabilang ang organ). Ang kanyang interes sa pagpapalawak ng mga posibilidad ng pagganap ng harpsichord at iba pang mga keyboard ay pinaka-malinaw na ipinakita ng sikat na cycle ng preludes at fugues sa lahat ng mga key na "The Well-Tempered Clavier".

Si Bach ay isang tunay na master ng harpsichord. Si I. Forkel, ang unang biographer ni Bach, ay nag-uulat: “Walang sinuman ang maaaring palitan ang mga sira-sirang balahibo sa kanyang harpsichord ng mga bago upang siya ay nasiyahan - siya mismo ang gumawa nito. Siya ay palaging nakatutok sa kanyang harpsichord sa kanyang sarili, at napakahusay sa bagay na ito na ang pag-tune ay hindi kailanman umabot sa kanya ng higit sa isang-kapat ng isang oras. Sa kanyang paraan ng pag-tune, lahat ng 24 na susi ay nasa kanyang pagtatapon, at, improvising, ginawa niya sa kanila ang anumang gusto niya.

Sa panahon na ng buhay ng makikinang na lumikha ng musikang harpsichord, nagsimulang mawalan ng lupa ang harpsichord. Noong 1747, nang bisitahin ni Bach ang Hari ng Prussia, si Frederick the Great, sa Potsdam, binigyan niya siya ng isang tema upang mag-improvise, at si Bach, tila, ay nag-improvise na sa "pianoforte" (bilang tawag sa bagong instrumento noong panahong iyon) - isa sa labing-apat o labinlimang, na ginawa para sa hari ng isang kaibigan ni Bach, ang sikat na organ master na si Gottfried Zilberman. Inaprubahan ni Bach ang tunog nito, bagama't dati ay hindi niya gusto ang piano.

Sumulat pa rin si Mozart para sa harpsichord sa kanyang maagang kabataan, ngunit sa kabuuan ang kanyang clavier na gawain, siyempre, ay nakadirekta sa pianoforte. Ang mga publisher ng mga unang komposisyon ni Beethoven ay ipinahiwatig sa mga pahina ng pamagat na ang kanyang mga sonata (isipin ito, maging ang Pathetique, na inilathala noong 1799) ay inilaan "para sa harpsichord o pianoforte." Ang mga publisher ay pumunta sa lansihin: hindi nila nais na mawala ang mga customer na may mga lumang harpsichord sa kanilang mga bahay. Ngunit mas at mas madalas na ang katawan lamang ang natitira mula sa mga harpsichord: ang harpsichord na "pagpupuno" ay tinanggal bilang hindi kailangan at pinalitan ng isang bago, martilyo-uri, iyon ay, piano, mekanika.

Ang tanong ay lumitaw: bakit ang instrumento na ito, na may napakahabang kasaysayan at mayamang artistikong pamana, ay sa pagtatapos ng ika-18 siglo. pinatalsik sa musical practice at pinalitan ng piano? At hindi lamang sapilitan, ngunit ganap na nakalimutan noong ika-19 na siglo? At pagkatapos ng lahat, hindi masasabi na noong nagsimula ang prosesong ito ng paglilipat ng harpsichord, ang piano ay ang pinakamahusay na instrumento sa mga tuntunin ng mga katangian nito. Kabaligtaran talaga! Si Carl Philipp Emanuel Bach, isa sa mga panganay na anak ni Johann Sebastian, ay sumulat ng kanyang double concerto para sa harpsichord at pianoforte na may orkestra, ibig sabihin ay ipakita mismo ang mga pakinabang ng harpsichord kaysa sa piano.

Mayroon lamang isang sagot: ang tagumpay ng piano sa harpsichord ay naging posible sa ilalim ng mga kondisyon ng isang radikal na pagbabago sa mga kagustuhan sa aesthetic. Baroque aesthetics, na nakabatay sa alinman sa isang malinaw na nabuo o malinaw na nadama na konsepto ng teorya ng mga nakakaapekto (sa madaling sabi ang kakanyahan: isang mood, makakaapekto, - isang tunog na pintura), kung saan ang harpsichord ay isang perpektong paraan ng pagpapahayag, unang nagbigay daan sa pananaw sa mundo ng sentimentalismo, pagkatapos ay sa isang mas malakas na direksyon - klasisismo at, sa wakas, romantiko. Sa lahat ng mga istilong ito, ang pinakakaakit-akit at nilinang ay, sa kabaligtaran, ang ideya pagbabago- damdamin, imahe, mood. At naipahayag ito ng piano.

Ang instrumento na ito ay nakakuha ng isang pedal na may kamangha-manghang mga kakayahan at naging may kakayahang lumikha ng hindi kapani-paniwalang pagtaas at pagbagsak sa sonority ( crescendo at diminuendo). Ang harpsichord ay hindi maaaring gawin ang lahat ng ito sa prinsipyo - dahil sa mga kakaibang disenyo nito.

Tumigil tayo at alalahanin ang sandaling ito para masimulan natin ang susunod nating pag-uusap dito - tungkol sa piano, at partikular tungkol sa malaking konsiyerto grand piano, iyon ay, ang "royal instrument", ang tunay na master ng lahat ng romantikong musika.

Sa ating kwento, ang kasaysayan at modernidad ay pinaghalo, dahil ngayon ang harpsichord at iba pang mga instrumento ng pamilyang ito ay naging hindi pangkaraniwang karaniwan at hinihiling dahil sa malaking interes sa musika ng Renaissance at Baroque, iyon ay, ang oras kung kailan sila bumangon at nakaligtas sa kanilang ginintuang edad.