Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Mga pagbabago sa pang-araw-araw na buhay at ang epekto nito sa sining at sining. Mga tampok ng dekorasyon at palamuti ng mga artistikong istilo ng baroque, rococo, classicism.

Negosyong pilak at ginto: paaralan sa Petersburg, mga manggagawa sa Moscow at mga pabrika, itim na pilak ng Veliky Ustyug. Mga bagong uri ng tableware na gawa sa mahalaga at hindi ferrous na mga metal: mga teapot, kaldero ng kape, bouillottes, samovar. Mga kagamitan sa bahay at simbahan. Regalia ng estado. Mga order at medalya. Mga enamel. Enamel artists A.G. Ovsov, G.S. Musikisky.

Ang paglitaw ng porselana ng Russia. D.I. Vinogradov. Mga pabrika ng imperyal at pribadong porselana. Majolica, faience. Sining na salamin. Mga pandekorasyon na tela at tapiserya. Bago sa damit. Gabinete at uri-setting kasangkapan. Marquetry. Pag-ukit ng kahoy sa loob ng sibil at simbahan. Mga tauhan. Pandekorasyon na bato. Cameos.

Masining na katutubong sining. Mga inukit at naka-inlaid na mga donat ng Gorodets. Pag-ukit ng buto Kholmogor. Gintong pagbuburda ng lalawigan ng Tver. Lace ng Galich at Vologda. Gzhel ceramics.

Musika at teatro noong ika-18 siglo

Multi-voiced choral singing. Kants. Instrumental na musika at orkestra. Sining ng Opera. Ballet. Musika sa korte, buhay urban at magsasaka. Ang paglitaw ng pambansang paaralan ng mga kompositor. E.I. Fomin. I.E.Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S. Berezovsky. A.O. Kozlovsky.

Mga pagtatangka na lumikha ng pampublikong teatro sa ilalim ni Peter the Great. Mga amateur na pagtatanghal sa korte. Mga sinehan sa paaralan sa espirituwal at sekular na mga institusyong pang-edukasyon. Mga propesyonal na tropa ng mga dayuhang aktor.

Dramaturgy of Russian classicism: mga trahedya at komedya. Ang impluwensya ng sentimentalismo sa repertoire ng teatro. Ang hitsura ng drama at comic opera sa entablado ng Russia. A.P. Sumarokov - playwright at theatrical figure. Tagapagtatag ng propesyonal na teatro ng Russia, aktor at direktor na si F. G. Volkov. Ang kanyang kaibigan at tagasunod na si I.A. Dmitrevsky. Mass theatrical performances.

Teatro ng kuta. Troupe ng Count P.B. Sheremetev. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova at iba pang mga artista. Palasyo-teatro sa Ostankino. People's Theatre.

MGA PAGDAGDAG NG MGA PANGALAN NG PANGUNAHING KOLEKSYON NG MUSEUM NA NABANGGIT SA LISTAHAN NG MGA CULTURAL MONUMENTS

BAN - Library ng Russian Academy of Sciences (St. Petersburg)

VMDPNI - All-Russian Museum of Decorative, Applied and Folk Art (Moscow)

GIM - State Historical Museum (Moscow)

GMGS - State Museum of Urban Sculpture (St. Petersburg)

GMMK - Mga Museo ng Estado ng Moscow Kremlin (Moscow)

GNIMA - State Research Museum of Architecture (Moscow)

GOP - State Armory Chamber (Moscow)

State Russian Museum - State Russian Museum (St. Petersburg)

State Tretyakov Gallery - State Tretyakov Gallery (Moscow)

State Hermitage Museum (St. Petersburg)

ZIKhMZ - dating Zagorsk (ngayon Sergiev-Posad) historical at art museum-reserve (Sergiev Posad, Moscow region)

MIDU - Museo ng Historical Treasures ng Ukraine (Kyiv)

MPIB - Museo ng Applied Arts at Buhay ng ika-17 siglo "Ang Katedral ng Labindalawang Apostol at ang Patriarchal Chambers sa Moscow Kremlin" (Moscow)

NGM - Novgorod United State Museum-Reserve (Novgorod)

NGP - Novgorod Chamber of Facets (Novgorod)

SHM - Samara Art Museum (Samara)

MGA MONUMENTO NG KULTURANG RUSSIAN

SEKSYON I. KASAYSAYAN NG KULTURANG RUSSIAN NG SUNA AT MIDDLE AGES

(BAGO ANG PAGKATAPOS NG XVII SIGLO)

ARKITEKTURANG KAHOY NG BAYAN

MGA RELIHIYONG GUSALI

1. Klet churches: Simbahan ni Lazarus mula sa Murom Monastery (ika-14-16 na siglo) - Kizhi Nature Reserve; Church of the Deposition of the Robe mula sa nayon ng Borodava (ika-15 siglo) - Kirillo-Belozersky Museum-Reserve; Church of the Transfiguration mula sa nayon ng Spas-Vezhi (ika-17 siglo) - Kostroma Museum-Reserve; St. Nicholas Church mula sa nayon ng Tukholya (ika-17 siglo) - Novgorod Museum-Reserve "Vitoslavlitsy"; ang kapilya ni Michael the Archangel mula sa nayon ng Lelikozero (ika-18 siglo) - ang Kizhi Museum-Reserve; Simbahan ng St. Nicholas mula sa nayon ng Glotova (ika-18 siglo) - Suzdal Museum-Reserve.

2. Mga simbahan sa tolda: St. Nicholas Church sa nayon ng Lyavlya (ika-16 na siglo); ang Simbahan ng St. George mula sa nayon ng Vershina (ika-17 siglo) - ang Arkhangelsk Museum-Reserve "Small Korely"; Resurrection Church mula sa nayon ng Patakino (ika-18 siglo) - Suzdal Museum-Reserve; Church of the Assumption (ika-18 siglo) sa lungsod ng Kondopoga.

Bilang bahagi ng pagdiriwang ng ika-35 anibersaryo, ang All-Russian Museum of Decorative, Applied and Folk Art ay nagbubukas ng isang panibagong permanenteng eksibisyon na "Decorative and Applied Art of Russia noong ika-18 - ang unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo."

"Hinamon ni Peter the Great ang Russia, at sinagot niya siya ng Pushkin," ang catchphrase ni A. N. Herzen ay pinakatumpak na tumutukoy sa kahulugan at mga hangganan ng panahon kung saan nakatuon ang paglalahad ng mga bulwagan na ito. Ang mga bagay na ipinakita dito ay mga buhay na milestone na minarkahan ang pagbuo at pag-usbong ng kulturang Ruso sa sinapupunan ng tradisyon ng kulturang Europeo ng modernong panahon. Inilalarawan nila ang mga pagbabago sa paraan ng pamumuhay at mga artistikong oryentasyon, ang pagbabago ng luma at ang paglitaw ng mga bagong anyo ng paksa, mga diskarte at maging ang mga uri ng pandekorasyon at inilapat na sining.

Ang disenyo ng bagong paglalahad ay batay sa prinsipyo ng pagpapakita ng mga eksibit bilang mga natatanging bagay ng sining, na pinagsama sa mga pampakay, pangkakanyahan at tipolohikal na mga bloke. Ang desisyon na ito ay nagbibigay-daan sa amin na suriin ang halaga ng bawat item sa mga tuntunin ng oras, estilo, pagbuo ng isang partikular na uri ng pandekorasyon at inilapat na sining, at nakatuon sa artistikong halaga nito sa sarili nito.

Ang senaryo ng inspeksyon ay itinayo batay sa spatial na solusyon ng eksposisyon, hindi lamang sa mga tuntunin ng nilalaman (sa mga tuntunin ng tipolohiya, tema, istilo at kronolohiya), kundi pati na rin sa biswal - mula sa panahon ni Peter the Great hanggang sa Biedermeier.

Terrine (tureen) na may takip 1795

Ang mga pangunahing tema ng bagong paglalahad ay: "Ang Edad ng Mga Pagbabago: Ang Pagliko ng ika-17-18 Siglo", na sinamahan ng tinatawag na "mga primitibo ng ika-18 siglo", na muling inayos ang mga katotohanan ng bagong oras sa mga anyo ng tradisyonal na sining; "Russian Classics ng ika-18 siglo", na kumakatawan sa panahon mula kay Peter hanggang Paul sa mataas na mga halimbawa ng sining ng korte, pati na rin ang "Russian Empire" at "In the Rooms", na nagpapakita ng dalawang aspeto ng kulturang Ruso sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 siglo - isang napakatalino na istilo ng imperyal at ang pagbuo ng isang kultura ng pribadong buhay, na nauugnay sa kababalaghan ng German Biedermeier. Kasabay nito, ang paglalahad ay nagpapahintulot sa iyo na tingnan ang mga gawa sa karaniwang paraan - ayon sa uri ng sining, pag-highlight ng mga kasangkapan, masining na metal, salamin, porselana, keramika, sining ng pagputol ng bato, buto at kuwintas.

Dapat bigyan ng espesyal na pansin ang mga kakaibang bagay sa simbahan gaya ng Reliquary Cross at Panagia, na itinayo noong ika-17 siglo. Ginawa sila gamit ang isang mamahaling pamamaraan noong panahong iyon - enamel sa filigree. Kabilang sa mga pinakaunang eksibit ay ang mga chest na may mga metal fitting at decorative trim, inkwells, Ural brass dish noong ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo. Ang mga tarong tanso mula sa pabrika ng Demidov sa Urals ay isang kapansin-pansing halimbawa ng mga kagamitang metal na kinatawan ng seremonyal para sa pagtatakda ng mesa.

Ang mga item sa pagtatakda ng talahanayan at mga item sa paghahatid ay ginawa gamit ang iba't ibang mga diskarte. Halimbawa, ang dalawang baso, madilim na asul na goblet na may mga monogram na "EML" at "WGS", na ginawa ng Imperial Glass Factory, ay isang bihirang halimbawa ng mga pininturahan na bagay noong huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ang mga Latin na monogram sa mga goblet ay kabilang sa Swedish envoy sa Russia noong 1793, Werner Gottlob von Schwenier - "WGS" - at ang kanyang ina na si Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Ang mga tasa ay itinatago nang higit sa dalawang siglo sa kastilyo ng Skarhult, Skåne (Sweden), bilang isang kayamanan ng pamilya.

Ang eksibisyon ay magpapakita ng mga natatanging halimbawa ng mga kasangkapan sa palasyo ng Russia noong ika-18-19 na siglo, kung saan ang mga chess at card table na ginawa sa marquetry technique ay partikular na interesado. Kabilang sa mga eksibit ng muwebles na tipikal sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, dalawang jacob-style slide na may bihirang kalidad ang nakakaakit ng pansin. Dalawang armchair, na dinisenyo ni Osip Ivanovich Bove, ay nabibilang din sa parehong oras. Ang interes ay ang Minin at Pozharsky mantel clock, na ginawa ng Parisian bronze maker na si Pierre-Philippe Thomire at, na nagpaparami sa interior format, ang sikat na monumento kay Ivan Martos, na nakatayo sa Red Square.

Bove I.O. Armchair Unang quarter ng ika-19 na siglo

Ang isang espesyal na lugar sa eksposisyon ay inookupahan ng tapestry na "Rescue of the Fishermen", na ginawa sa Flanders sa isang hindi kilalang workshop sa ikalawang kalahati ng ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo. Pumasok siya sa VMDPNI noong 1999 kasama ang koleksyon ng Museum of Folk Art. S. T. Morozova. Ang balangkas ng tapestry ay hiniram mula sa Bibliya: sa gitna ng komposisyon ay inilalarawan ang isa sa mga himala - "Naglalakad sa tubig". Ang tapiserya ay naibalik sa maraming yugto - ito ay bahagyang naibalik ng mga espesyalista mula sa Museum of Folk Art. S. T. Morozov, at, na noong 2014, ang isang kumpletong pagpapanumbalik ay nakumpleto ng mga nagpapanumbalik ng All-Russian Museum of Decorative, Applied at Folk Art. Kaya, ang tapestry ay nakahanap ng bagong buhay at ipapakita sa eksposisyon sa unang pagkakataon.

Ang mga nauugnay na thematic na seksyon ay nagpapakita ng mga lighting fixture na gawa sa salamin at kristal, mga panloob na bagay na gawa sa porselana at tanso noong huling bahagi ng ika-18-19 na siglo. Ang bawat eksibit ay isang sanggunian na halimbawa ng isang partikular na istilo, nakukuha ang diwa ng panahon nito at nagpapakita ng mga posibilidad ng artistikong at teknikal na kasanayan.

Ang ganitong spatial na solusyon ng eksposisyon ay magpapahintulot sa museo na ayusin ang mga ekskursiyon at mga espesyal na programa sa pinaka mahusay at kawili-wiling paraan. Ang pinakakawili-wili at makabuluhang mga eksibit ay ipapakita ng mga pinahabang anotasyon, pati na rin ang mga QR code, salamat sa kung saan ang mga bisita ay makakakuha ng mas detalyadong impormasyon. Ang eksposisyon ay nilagyan ng modernong sistema ng kagamitan sa pag-iilaw. Dahil sa mataas na interaktibidad, nangangako ang bagong eksibisyon na magiging mas masigla at kawili-wili, gayundin ang magsusulong ng malikhaing pag-uusap sa mga bisita, lalo na sa mga madlang bata at kabataan.

Na-update na paglalahad

"Pandekorasyon at inilapat na sining ng Russia XVIII - ang unang ikatlo ng siglong XIX"

Bilang bahagi ng pagdiriwang ng ika-35 anibersaryo, binuksan ng All-Russian Museum of Decorative, Applied and Folk Art ang isang panibagong permanenteng eksibisyon na "Decorative and Applied Art of Russia noong ika-18 - ang unang ikatlong bahagi ng ika-19 na siglo."

"Hinamon ni Peter the Great ang Russia, at sinagot siya ni Pushkin," A.N. Pinakatumpak na tinukoy ni Herzen ang kahulugan at mga hangganan ng panahon kung saan nakatuon ang paglalahad ng mga bulwagan na ito. Ang mga bagay na ipinakita dito ay mga buhay na milestone na minarkahan ang pagbuo at pag-usbong ng kulturang Ruso sa sinapupunan ng tradisyon ng kulturang Europeo ng modernong panahon. Inilalarawan nila ang mga pagbabago sa paraan ng pamumuhay at mga artistikong oryentasyon, ang pagbabago ng luma at ang paglitaw ng mga bagong anyo ng paksa, mga diskarte at maging ang mga uri ng pandekorasyon at inilapat na sining.

Ang disenyo ng bagong paglalahad ay batay sa prinsipyo ng pagpapakita ng mga eksibit bilang mga natatanging bagay ng sining, na pinagsama sa mga pampakay, pangkakanyahan at tipolohikal na mga bloke. Ang desisyon na ito ay nagbibigay-daan sa amin na suriin ang halaga ng bawat item sa mga tuntunin ng oras, estilo, pagbuo ng isang partikular na uri ng pandekorasyon at inilapat na sining, at nakatuon sa artistikong halaga nito sa sarili nito.

Ang senaryo ng inspeksyon ay itinayo batay sa spatial na solusyon ng eksposisyon, hindi lamang sa mga tuntunin ng nilalaman (sa mga tuntunin ng tipolohiya, tema, istilo at kronolohiya), kundi pati na rin sa biswal - mula sa panahon ni Peter the Great hanggang sa Biedermeier.

Ang mga pangunahing tema ng bagong paglalahad ay: "Ang Edad ng mga Pagbabago: Ang Pagliko ng ika-17-18 Siglo", na sinamahan ng tinatawag na "mga primitibo ng ika-18 siglo", na nagsasalin ng mga katotohanan ng bagong panahon sa mga anyo ng tradisyonal na sining; "Russian Classics ng ika-18 siglo", na kumakatawan sa panahon mula kay Peter hanggang Paul sa mataas na mga halimbawa ng sining ng korte, pati na rin ang "Russian Empire" at "In the Rooms", na nagpapakita ng dalawang aspeto ng kulturang Ruso sa unang ikatlong bahagi ng ika-19 siglo - isang napakatalino na istilo ng imperyal at ang pagbuo ng isang kultura ng pribadong buhay, na nauugnay sa kababalaghan ng German Biedermeier. Kasabay nito, ang paglalahad ay nagpapahintulot sa iyo na tingnan ang mga gawa sa karaniwang paraan - ayon sa uri ng sining, pag-highlight ng mga kasangkapan, masining na metal, salamin, porselana, keramika, sining ng pagputol ng bato, buto at kuwintas.

Dapat bigyan ng espesyal na pansin ang mga kakaibang bagay sa simbahan gaya ng Reliquary Cross at Panagia, na itinayo noong ika-17 siglo. Ginawa ang mga ito gamit ang isang pamamaraan na mahal noong panahong iyon - enamel sa filigree. Kabilang sa mga pinakaunang eksibit ay ang mga chest na may mga metal fitting at decorative trim, inkwells, Ural brass dish noong ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo. Ang mga tarong tanso mula sa pabrika ng Demidov sa Urals ay isang kapansin-pansing halimbawa ng mga kagamitang metal na kinatawan ng seremonyal para sa pagtatakda ng mesa.

Ang mga item sa pagtatakda ng talahanayan at mga item sa paghahatid ay ginawa gamit ang iba't ibang mga diskarte. Halimbawa, ang dalawang baso, madilim na asul na tasa na may mga monogram na "EML" at "WGS", na ginawa ng Imperial Glass Factory, ay isang pambihirang halimbawa ng mga ipinintang bagay noong huling bahagi ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. Ang Latin cyphers sa mga tasa ay nabibilang sa Swedish envoy sa Russia noong 1793, Werner Gottlob von Schwenier - "WGS" - at ang kanyang ina na si Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Ang mga tasa ay itinatago nang higit sa dalawang siglo sa kastilyo ng Skarhult, Skåne (Sweden), bilang isang kayamanan ng pamilya.

Nagtatampok ang eksposisyon ng mga natatanging halimbawa ng mga kasangkapan sa palasyo ng Russia noong ika-18-19 na siglo, kung saan partikular na interesante ang marquetry chess at mga talahanayan ng card. Kabilang sa mga eksibit ng muwebles na tipikal sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, dalawang jacob-style slide na may bihirang kalidad ang nakakaakit ng pansin. Dalawang armchair, na dinisenyo ni Osip Ivanovich Bove, ay nabibilang din sa parehong oras. Ang interes ay ang Minin at Pozharsky mantel clock, na ginawa ng Parisian bronze maker na si Pierre-Philippe Thomire at, na nagpaparami sa interior format, ang sikat na monumento kay Ivan Martos, na nakatayo sa Red Square.

Ang isang espesyal na lugar sa eksposisyon ay inookupahan ng tapestry na "Rescue of the Fishermen", na ginawa sa Flanders sa isang hindi kilalang workshop sa ikalawang kalahati ng ika-17 - unang bahagi ng ika-18 siglo. Pumasok siya sa VMDPNI noong 1999 kasama ang koleksyon ng Museum of Folk Art. S.T. Morozov. Ang balangkas ng tapestry ay hiniram mula sa Bibliya: sa gitna ng komposisyon ay inilalarawan ang isa sa mga himala - "Naglalakad sa tubig". Ang tapiserya ay naibalik sa maraming yugto - ito ay bahagyang naibalik ng mga espesyalista mula sa Museum of Folk Art. S.T. Morozov, at, na noong 2014, ang isang kumpletong pagpapanumbalik ay nakumpleto ng mga nagpapanumbalik ng All-Russian Museum of Decorative, Applied at Folk Art. Kaya, ang tapestry ay nakahanap ng bagong buhay at ipapakita sa eksposisyon sa unang pagkakataon.

Ang mga nauugnay na thematic na seksyon ay nagpapakita ng mga lighting fixture na gawa sa salamin at kristal, mga panloob na bagay na gawa sa porselana at tanso noong huling bahagi ng ika-18-19 na siglo. Ang bawat eksibit ay isang sanggunian na halimbawa ng isang partikular na istilo, nakukuha ang diwa ng panahon nito at nagpapakita ng mga posibilidad ng artistikong at teknikal na kasanayan.

Ang ganitong spatial na solusyon ng eksposisyon ay nagpapahintulot sa museo na ayusin ang mga ekskursiyon at mga espesyal na programa sa pinaka mahusay at kawili-wiling paraan. Ang pinakakawili-wili at makabuluhang mga eksibit ay ipapakita ng mga pinahabang anotasyon, pati na rin ang mga QR code, salamat sa kung saan ang mga bisita ay makakakuha ng mas detalyadong impormasyon. Ang eksposisyon ay nilagyan ng modernong sistema ng kagamitan sa pag-iilaw. Dahil sa mataas na interaktibidad, nangangako ang bagong eksibisyon na magiging mas masigla at kawili-wili, gayundin ang pagsulong ng malikhaing pag-uusap sa mga bisita, lalo na sa mga madlang bata at kabataan.

Isang mahalagang lugar sa kultura ng siglo XVIII. sinakop ang pandekorasyon at inilapat na sining. Ginawa ng Rococo interior decoration ang puwang na magaan, ang mga dingding ay tila manipis, na nakatago ng mga pandekorasyon na panel at salamin, na makikita sa bawat isa, ang mga screen ay may mahalagang papel. Nagiging elegante ang muwebles, tila marupok, nakakakuha ng mga kakaibang balangkas. Ang mga kulay ng wallpaper at muwebles ay pinangungunahan ng mga kulay ng pastel.

Ang silid ay dapat na magbigay ng impresyon ng isang boudoir, (isang silid na inilaan para sa komunikasyon lamang sa mga malapit na tao).

Ang mga interior ng Rococo ay kadalasang dinadagdagan ng alinman sa mga tunay na produkto ng Tsino: mga screen, porselana, mga pintura ng lacquer, o mga komposisyong pampalamuti na inilarawan sa pangkinaugalian bilang mga pinturang Tsino.

Mula sa kalagitnaan ng siglo XVIII. sa pag-unlad ng neoclassicism, ang panloob na disenyo ay naging simple at sa halip mahigpit. Kung ang French interior ay isang modelo ng Rococo, kung gayon ang English interior ay isang modelo ng neoclassicism. Ang mga interior ng arkitekto ng Ingles ay lalong sikat Robert Adam(1728-1792). Paglikha ng mga manor house, pinalamutian ng artist ang mga ito ng mga haligi, pilaster, at eskultura. Ang istilong ito ay tinatawag na "Adam style". Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kagandahan, decorativeness, organically kasama minsan tunay na antiquity bagay.

Sa mga damit at hairstyles ng XVIII na siglo. Nakikita rin ang mga pagbabago sa istilo. Sa panahon ni Louis XV, ang hitsura ng isang tao ay naging isang gawa ng sining: ang mga banyo ng maharlika ay mapagpanggap at pino, ang mga hairstyle ay hindi kapani-paniwala (mga peluka ay naging uso), ang mga itim na langaw sa isang may pulbos na mukha ay naging isang espesyal na wika sa isang pag-ibig dialogue. "Ang isang babae, na nakabihis at nagsuklay tulad ng isang laruan, at nakasuot ng makitid na sapatos na may takong, ay kailangang humakbang nang maingat upang mapanatili ang kanyang balanse at hindi masira - nabuo ang ugali ng lumulutang na lakad at ang makinis na paggalaw ng minuet. . Nais nilang makita ang isang babae bilang isang mahalagang manika, isang ibon ng paraiso, isang katangi-tanging bulaklak. Ang ganitong mga nilalang ay angkop sa isang kamangha-manghang at maaliwalas na kapaligiran ng rocaille interiors" (2, 45).

Ang kasuutan, lalo na para sa mga kababaihan, ay nagiging isang gawa ng sining. Ang gayong suit ay hindi komportable at hindi praktikal, ngunit hindi pangkaraniwang kaakit-akit.

Ang men's suit ay kasing-elegante gaya ng pambabae, at pinili ang mga pinong shade ng pastel na kulay.

Ang pag-ibig sa lahat ng eleganteng nag-ambag sa pag-usbong ng alahas at porselana.

Ang kasagsagan ng European porcelain art ay nahuhulog din sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. at nauugnay sa istilong Rococo. Ang pinakasikat ay ang French porcelain mula sa lungsod ng Sevres at German porcelain mula sa Meissen (Saxony). Sa kanilang mga komposisyon, ang Meissen masters ay naglalarawan ng "magiting na kasiyahan" - ang pinong libangan ng mga aristokrata.

Ang Rococo ay hindi isang istilo tulad ng Gothic at Baroque, hindi ito naging isang malaki at holistic na artistikong kilusan. Ang pagkalat ng mga panlasa ng panahon ng mga Regent ay inihanda ng mismong kapalaran ng maharlikang Pranses, na umunlad noong ika-18 siglo. lamang sa isa - sa pag-aayos ng isang ligtas at masayang buhay. Ito ay isang walang ginagawang buhay na napapaligiran ng eleganteng karangyaan. Ang sining ay isang palamuti ng walang ginagawa na buhay ng maharlikang Pranses.

Ang mga sining ng pandekorasyon ay gumaganap ng isang espesyal na papel (kahit na ang gastronomy ay itinaas sa antas ng sining).

Ang pangunahing gawain ng sining ay pasayahin, ang sining mismo ay kinilala sa karangyaan, pagiging mapaglaro at pangungutya.

Ang mga salamin ay naging isang paboritong dekorasyon sa dingding, inilalagay sila laban sa isa't isa, na nagbibigay ng walang katapusang bilang ng mga pagmuni-muni.

Ang pangangailangan para sa mga luxury goods na nilikha sa France buong sangay ng artistikong produksyon salamat sa trabaho ng mga gumagawa ng kasangkapan, weavers, sculptors, jewelers at embroiderers.

Ang mga paboritong pandekorasyon na motif ng Rococo ay ang shell, stems at bulaklak.

Sa larangan ng palamuti, ang neoclassicism ay bumaling sa loob ng mga bulwagan, na nilagyan ng antigong paraan. Ang mga pagsasamantala ng hukbo ng Napoleon ay nagdala ng mga bagong pandekorasyon na motif: mga espada, mga banner. Sa panahon ng Napoleonic, ang mga pagbabago ay nangyayari sa mga damit at hairstyle. Ang fashion para sa lahat ng antigo ay kumakalat: mula sa silweta at hiwa ng mga damit, nakapagpapaalaala sa mga chiton at tunika, hanggang sa malayang bumabagsak na mga maluwag na kulot. Hindi lamang mga crinoline at fizhmas ang nawala, kundi pati na rin ang mga diamante, mga inukit na bato na nakalagay sa isang frame (hiyas) ay dumating sa fashion.

Hindi tulad ng iba pang mga anyo ng sining sa musika ng siglo XVIII. Ang baroque bilang isang istilong direksyon ay malawak pa ring kinakatawan. Ang pinakadakilang masters ng panahon ng Baroque sa musika ay sina Bach at Handel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) ay ang pinakadakilang musikero noong ika-18 siglo, at ang impluwensya ng kanyang musika ay patuloy na lumalago. Ang kanyang paggawa ng gawa ay nakakagulat na maraming nalalaman sa kabila ng isang panlabas na katamtamang buhay (siya ay isang cantor - pinuno at konduktor ng koro ng simbahan). Mula sa pagkabata, si Bach ay malalim na relihiyoso, at sumunod sa pananampalatayang Protestante. Ang Repormasyon sa Alemanya ang naglagay ng sigasig ng Protestant chant (choral chant). Sa pamamagitan ng paggawa ng seremonya ng simbahan na mas simple at mas mahigpit, pinalaki ng Protestantismo ang kahalagahan ng musika dito. Ang simbahan ay naging sentro ng musikal na sining, at ang organista ng simbahan ang kinatawan nito. Ang sining ng organ ay labis na laganap sa Alemanya, at samakatuwid ay hindi nakakagulat na ang organ ay sinamahan ng buong buhay ni Bach. Kasama sa kanyang organ heritage ang ilang genre, kung saan ang chorale preludes at two-part polyphonic cycles ay namumukod-tangi. l fugue. Ang musika ni Bach ay nagpapahayag ng relihiyosong pagpapakumbaba, kalunos-lunos, liriko, at salpok. Kasama ng pagiging natural at pagiging simple, ang kadakilaan at kahalagahan ay likas sa kanyang mga isinulat. Kabilang sa mga likhang musikal ng Bach mayroong isang malaking bilang ng mga tunay na obra maestra na nakatanggap ng pagkilala sa buong mundo.

Sa tabi ni Bach ay tumataas ang isa pang pangunahing pigura sa musical baroque - Georg Friedrich Handel(1685-1759). Ang kanyang buhay ay ginugol sa malalaking lungsod sa Europa, nakatanggap siya ng isang mahusay na edukasyon sa musika. Ang pinakaunang opera, si Rinaldo, na itinanghal sa London, ay nagdala ng katanyagan sa Handel. Sumulat si Handel ng musika sa iba't ibang genre, ngunit ang mga oratorio (malaking vocal-symphonic na gawa na may nabuong plot) ang bumubuo sa rurok ng kanyang legacy. Ang literary source ng pinakasikat na oratorio ng kompositor ay ang unang bahagi ng Bibliya - ang Lumang Tipan. Si Handel ay nanirahan sa Inglatera at ang mga kaganapan sa kasaysayang pampulitika nito, pati na rin ang epikong saklaw ng mga kuwento sa Bibliya, ay hindi maaaring pumukaw sa kanyang interes.

Ang kompositor ay pangunahing nailalarawan sa pamamagitan ng mga sibil na tema. Sa pagpili ng mga paksa sa Bibliya, hinahangaan ni Handel ang kapangyarihan ng mga hilig ng tao. Ito ay simbuyo ng damdamin, dinamismo, ang imahe ng paghaharap na katangian ng Baroque.

Kung ang unang kalahati ng siglo XVIII. sa musika, ang baroque ay tinukoy bilang isang istilo ng musika, pagkatapos ang ikalawang kalahati nito ay naging kasaganaan ng mga kompositor ng Viennese classical na paaralan:

Gluck, Haydn, Mozart at Beethoven. Ang pinakamataas na tagumpay ng klasisismo ay nauugnay sa Vienna, ang kabisera ng malawak na Imperyong Austrian, isang lungsod na lubusang puspos ng musika.

Ang Viennese classical school ay tumugon sa mga mood at ideya ng Enlightenment. Ang musikal na sining ay sumasalamin sa mga espirituwal na paghahanap at magkasalungat na mga proseso ng sining sa panahon nito. Halimbawa, naimpluwensyahan ni Lessing ang gawain ni Mozart.

Ang mga prinsipyo ng klasisismo ay natagpuan ang kanilang sagisag sa musika ng Enlightenment.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) pumasok sa kasaysayan ng musika bilang isang repormador ng operatic art, na naglatag ng pundasyon para sa isang bagong operatic style. Ang mga opera na isinulat ni Gluck ay hindi karaniwan kapwa sa nilalaman at sa paraan ng pagpapahayag ng damdamin ng mga tauhan. Ang mga aktibidad ni Gluck ay naganap sa Vienna at Paris at nauugnay din sa kontrobersya sa pilosopiya at aesthetics, kung saan ang mga enlighteners ay kasangkot. Pinuna nila ang court opera at naniniwala na ang sinaunang teatro ay perpektong pinagsama ang musika, kaplastikan at pagbigkas.

Sinubukan ni Gluck na isadula ang opera, upang bigyan ito ng katotohanan at pagiging natural. Ang lahat ng pinakamahusay na opera ni Gluck, na nagsisimula sa Orpheus, ay isinulat nang tumpak sa mga sinaunang paksa, kung saan natagpuan ng kompositor ang makapangyarihang mga character at malakas na hilig. Sa panahon ng buhay ni Gluck, ang kanyang mga opera ay nagdulot ng matinding kontrobersya, ngunit ipinakita ng panahon ang posibilidad na mabuhay ang mga prinsipyo, at hindi nagkataon na ipinatupad din ito ng iba pang mga natitirang kompositor.

Joseph Haydn(1732-1809) sa loob ng halos tatlong dekada ay nanatiling isang bandmaster (pinuno ng isang koro at orkestra na kapilya), at inilaan lamang ang kanyang libreng oras sa pagbubuo ng musika. Kung binago ni Gluck ang opera, lumikha si Haydn ng mga perpektong symphony. Ang kanyang malikhaing landas ay dumaan sa iba't ibang artistikong panahon, ngunit ang gawa ng kompositor ay tiyak na konektado sa Edad ng Enlightenment. Naniniwala ang mga Enlighteners sa pag-unlad ng lipunan at tao, at ang musika ni Haydn ay nagpapahayag ng optimismo at ang paghahangad ng kaligayahan. Ang mga nilikha ni Haydn ay medyo makatwiran: ang mga ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagiging maalalahanin at pagkakaisa, na kaayon din ng mga makatuwirang prinsipyo ng Enlightenment.

Sa kanyang mga oratorio, tinutugunan ni Haydn ang tema ng kalikasan, na ang kulto ay katangian ng tulad ng isang tagapagturo bilang Rousseau. Si Haydn ang naging pinakamaliwanag na kompositor ng Enlightenment.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) nagsimulang mag-compose sa murang edad, marami siyang nilakbay, maagang nakakuha ng katanyagan. Tulad ni Gluck, si Mozart ay naging mahusay na repormador ng opera, hindi lamang nagsi-symphonize, kundi pati na rin ang aktuwal nito. Sa pamamagitan ng pagpili ng isang dula bilang Crazy Day o The Marriage of Figaro, ipinakita ni Mozart ang kanyang pangako sa mga ideyang pang-edukasyon. Sa The Magic Flute, ipinakita ng kompositor ang isang uri ng utopia, malapit sa pananampalataya ng mga nagpapaliwanag sa moral na pag-unlad ng sangkatauhan. Ang musika ni Mozart ay nakakagulat na pinagsasama ang pagiging natural at pagkakaisa, katapatan at pagiging perpekto, walang kamali-mali na kalinawan at nanginginig na kaguluhan. Ang pinakamataas na tagumpay ng musika ni Mozart ay ang sikat na "Requiem" - ang kanyang huling komposisyon.

Deutsch kompositor na si Ludwig van Beethoven(1770-1827) ginugol ang halos buong buhay niya sa Vienna. Ang kanyang mga sinulat ay nagtataglay din ng imprint ng Enlightenment. Ang kompositor ay nagpakita ng kanyang sarili nang tumpak sa mga genre ng sonata at symphony, na sa wakas ay nabuo nang tumpak sa panahong ito. Ang kanyang mga gawa ay nagpapakita ng pagiging maalalahanin ng buong ideya at mga indibidwal na detalye, ang kalinawan ng mga anyo.

Sa kanyang pinakatanyag na mga gawa, ang kabayanihan na tema, ang tema ng pakikibaka, ay kinakatawan, na konektado kapwa sa personalidad ng kompositor mismo at sa mga kakaibang katangian ng kanyang talambuhay: nakaligtas siya sa mga kaganapan ng Great French Revolution bilang labing siyam- taong gulang na kabataan. Bagama't ang mga ideya ng Enlightenment ay katangian ng musika ni Beethoven, kinakatawan na niya ang isang bagong panahon, inaasahan ang romantikismo. Ang istilo ng musikal ng kompositor ay naiiba sa sining ng iba pang mga klasikong Viennese sa saklaw, drama, at emosyonal na lakas. Ganito ang "Pathetic Sonata", ang Third Symphony ("Heroic"), ang Fifth at Ninth Symphony, lalo na ang "Ode to Joy", na kumukumpleto sa huli. Ang buong pamana ng Beethoven sa kabuuan ay nagkaroon ng napakalaking epekto sa pag-unlad ng musika, lalo na sa pagbuo ng romantikismo.

Ang estilo ng kalagitnaan ng siglo ay nakakaapekto rin sa sining at sining. Ang mga bagay na porselana, tulad ng "Sariling" serbisyo ni Elizaveta Petrovna, at iba pang mga materyales ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga curvilinear na hugis, pati na rin ang makatas na dekorasyon ng stucco, na umaakyat sa pattern sa isang shell at nababaluktot na mga shoots ng halaman. Ang kakaibang silweta ng mga bagay ay organikong pinagsama sa maliliwanag na kulay, isang kasaganaan ng pagtubog, at ang kinang ng mga ibabaw ng salamin na umakma sa maligaya na larawan ng interior.

Pagpipinta ng unang kalahati ng ika-18 siglo

Mula noong panahon ng Petrine, ang pagpipinta ay sumailalim sa napakalaking pagbabago. Ang sining ng pagpipinta ng easel na may mga tampok na semantiko at komposisyon ay nahuhubog. Ang reverse perspective ay pinapalitan ng direkta at nauugnay na paghahatid ng lalim ng espasyo. Ang pinakamahalagang tampok ay ang imahe ng figure alinsunod sa mga prinsipyo ng anatomical correctness. Ang mga bagong paraan ng paghahatid ng dami ay umuusbong. Ang pinakamahalagang kalidad ay chiaroscuro, na inilipat ang may kondisyong simbolikong linya ng tabas. Ang mismong pamamaraan ng pagpipinta ng langis, kasama ang mga tiyak na diskarte nito at ang sistema ng mga relasyon sa kulay, ay matatag, bagaman hindi kaagad, kasama sa masining na paggamit. Pinahuhusay ang pakiramdam ng texture. Ang artist ay nakakakuha ng kakayahang ihatid ang mga tiyak na katangian ng malambot na pelus, malupit na balahibo ng ermine, mabigat na gintong brocade at pinong puntas. Sa larawan ng balangkas, maaaring masubaybayan ng isa ang mga bagong prinsipyo ng pagkakabit ng mga numero. Ang paglalarawan ng isang hubad na katawan ay isang bago at pinakamahirap na gawain. Ang mismong istraktura ng pagpipinta ay nagiging mas ramified. Mula noong simula ng ika-18 siglo, ang sekular na sining ay nililinang ang iba't ibang uri ng mga gawa ng easel, monumental na pagpipinta sa anyo ng mga panel at plafonds, at maliit na pagsulat. Kasama sa portrait ang lahat ng kilalang varieties - ceremonial, chamber, sa karaniwan at costume na bersyon, double at double. Dalubhasa ng mga artista ang mga paksang alegoriko at mitolohiya. Ang pagkakaroon ng mga tampok na ito, bagaman lumilitaw ang mga ito sa una sa isang form ng kompromiso, ay nagbibigay-daan sa amin na magsalita tungkol sa paglitaw ng isang bagong uri ng pagpipinta.

Ang mga unang hakbang patungo sa pagbuo ng isang larawan ay nauugnay sa mga aktibidad ng pagawaan ng pagpipinta ng Armory. Ang mga gawa na ginawa ng mga Russian at dayuhang masters, sa pamamagitan ng kanilang likas na katangian, ay nakakaakit patungo sa parsuna. Sa lahat ng mga variant ng typological, mas pinipili ng parsuna ang ceremonial portrait at matatagpuan sa kapasidad na ito sa ilang mga varieties. Kabilang sa mga ito, ang "portrait-thesis" ay ang pinaka-archaic. Pinagsasama nito ang mga portrait na larawan at maraming paliwanag na inskripsiyon sa loob ng kumbensyonal na espasyo ng icon. Maaari mo ring pag-usapan ang tungkol sa "portrait-apotheosis". Ang mga ito ay mga portrait-painting na sumasagisag sa mga gawa ng mga armas ni Peter I. Ang mga ordinaryong larawan ni Peter, Menshikov, Sheremetev sa buong paglaki at sa likod ng kabayo ay karaniwan din.

Ang espasyo ay binibigyang-kahulugan sa lahat ng dako sa isang napaka-steryotipikong paraan, at ang pangkalahatang pag-aayos ng mga bagay sa halip ay nagsisilbing isang simbolikong pagtatalaga ng mga tunay na spatial na relasyon. Ang problema ng panloob at panlabas na espasyo ay nalutas sa parehong kondisyon na paraan sa mga tuntunin ng kahulugan at sukat. Ang Parsuna ay medyo lumihis mula sa kayamanan ng kulay na tipikal ng pagpipinta ng icon noong ika-17 siglo. Gayunpaman, ang maingat na paglipat ng dekorasyon ng mga robe at iba't ibang mga detalye ay nagbibigay sa mga canvases ng mas mataas na pandekorasyon na tunog.

Ang master ay hindi pa rin ganap na nakakabisado ang mga bagong prinsipyo ng paglipat ng dami, pinagsasama ang mariin na matambok na pininturahan na mga mukha at planar patterned robe. Ang malaking sukat ng mga canvases, ang kanilang kahanga-hangang espiritu, ang kayamanan ng mga kasangkapan at ang mga hiyas na ipinapakita ay nilayon upang ilarawan ang panlipunang kahalagahan ng inilalarawan. Ang imahe ay nagsasarili, ito ay nakatuon sa sarili at walang malasakit sa iba. Ang pagpipinta, na hindi pa matured upang ihatid ang indibidwal, sa sarili nitong paraan ay sumusubok na mapansin ang mga tampok na likas sa karakter na ito. Gayunpaman, ang pangkalahatan at ang indibidwal ay hindi pa pinagsasama sa isang organikong pagkakaisa, at ang mga partikular na katangian ay halos hindi nakikita sa ilalim ng pinagsama-samang typifying mask.

Ang linya ng parsuna, na umiral nang medyo maikling panahon, pangunahin noong 80s at lalo na noong 90s ng ika-17 siglo, kasunod na bumangga sa napakalakas na daloy ng mga gawa ng mga dayuhan at retiradong artista na halos pumalit dito. Kasabay nito, hindi dapat isipin ng isa na ito ay naging isang hindi sinasadyang yugto sa pangkalahatang proseso ng pagbuo ng larawan ng Russia. Itinulak pabalik mula sa mga pangunahing posisyon, ang parsuna ay patuloy na umiral. Bilang karagdagan, ang mga tampok nito ay lumitaw sa gawain ng isang bilang ng mga advanced na artist bilang katibayan ng isang hindi natapos na paglipat mula sa medieval na pagsulat sa isang bagong estilo. Dahil dito, ito ay matatagpuan sa mga gawa ng I. Nikitin, I. Vishnyakov at A. Antropov.

Ang mga bakas ng parsonismo ay matatagpuan din sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, lalo na sa mga gawa ng serf o mga artista ng probinsiya na nakapag-iisa na dumating sa bagong sining, bilang isang panuntunan, simula sa pagpipinta ng icon. Tandaan natin na ang pag-parse bilang isang artistikong kababalaghan ay umiiral hindi lamang sa paaralang Ruso, kundi pati na rin sa Ukraine at Poland. Matatagpuan din ito sa Bulgaria, Yugoslavia, at maging sa mga bansa sa Gitnang Silangan, i.e., kung saan ang pagpipinta sa isang katulad na makasaysayang sitwasyon ay nakakaranas ng isang pangunahing katulad na pamilyar sa sining ng bagong panahon at sekular na sining.