Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Michelangelo da Caravaggio(1573-1610) Italian "Lute player" St. Petersburg, State Hermitage Museum

Kabilang sa mga sikat na obra maestra ng portrait noong panahong iyon ay ang "Lute Player" Michelangelo da Caravaggio(1573-1610), kung saan ang artist ay bumuo ng isang motif na kinuha mula sa tunay na pang-araw-araw na buhay.

El Greco(1541-1614) Espanya. Larawan ng isang lalaki na may kamay sa dibdib

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo sa gawain ng Espanyol na artista El Greco (1541-1614) isang bagong uri ng portrait ang lilitaw, kung saan hindiang karaniwang panloob na konsentrasyon ng isang tao, ang intensity ng kanyangespirituwal na buhay, paglulubog sa sariling panloob na mundo. Upang gawin ito, ang artist ay gumagamit ng matalim na kaibahan ng pag-iilaw, ang orihinalpangkulay, maalog na paggalaw o nakapirming postura. Ang ispiritwalidad at natatanging kagandahan ay nakikilala sa pamamagitan ng maputlang pahabamga mukha na may malaking madilim, na parang napakalalim, mga mata.

Monumento kay Peter I ng French sculptor Etienne Maurice Falcone

ika-19 na siglo ipinakilala sa sining ng portraiture ang pagkakaiba-iba ng artistikong panlasa, ang relativity ng konsepto ng kagandahan. Ang mga makabagong paghahanap sa pagpipinta ay nakadirekta na ngayon sa rapprochement sa katotohanan, patungo sa paghahanap para sa pagkakaiba-iba ng mga imahe.
Eugene Delacroix(1798-1863). Larawan ni F. Chopin

Sa panahon ng romantikismo, ang larawan ay nakikita bilang isang imahe ng panloob na "I" ng isang taong pinagkalooban ng malayang kalooban. Lumilitaw ang totoong romantikong kalunos-lunos sa larawan ni F. Chopin ng French brush
romantikong artista Eugene Delacroix(1798-1863).

Sa harap natin ay isang tunay na sikolohikal na larawan, na naghahatid ng simbuyo ng damdamin, kasigasigan ng kalikasan ng kompositor, ang kanyang panloob na kakanyahan. Ang larawan ay puno ng mabilis, dramatikong paggalaw. Ang epektong ito ay nakakamit sa pamamagitan ng pag-ikot ng pigura ng Chopin, matinding pangkulay ng larawan, contrasting chiaroscuro, mabilis, matinding stroke,
salungatan ng mainit at malamig na tono.
Ang artistikong istraktura ng larawan ng Delacroix ay kaayon ng musika ng Etude
sa E major para sa piano Chopin. Sa likod nito ay isang tunay na imahe - ob-
minsan ang inang bayan. Pagkatapos ng lahat, minsan, nang ang kanyang minamahal na estudyante ay nilalaro ang sketch na ito,
Itinaas ni Chopin ang kanyang mga kamay na may isang tandang: "Oh, aking Inang Bayan!"
Ang himig ni Chopin, tunay at makapangyarihan, ang pangunahing paraan ng pagpapahayag, ang kanyang wika. Ang kapangyarihan ng kanyang himig ay nasa lakas nito
epekto sa nakikinig. Ito ay tulad ng isang umuunlad na kaisipan, na katulad ng paglalahad ng balangkas ng isang kuwento o nilalaman ng isang mahalagang kasaysayan.
ika mensahe.

Sa portrait art ng XX-XXI na siglo. sa kondisyon, maaaring makilala ang dalawang direksyon. Ang isa sa kanila ay nagpapatuloy sa mga klasikal na tradisyon ng makatotohanang sining, na niluluwalhati ang kagandahan at kadakilaan ng Tao, ang isa ay naghahanap ng mga bagong abstract na anyo at mga paraan ng pagpapahayag ng kanyang panloob na mundo.

MakinigMga gawaing pangmusika:Chopin Nocturne b moll ; F.Chopin etude sa E-major;

Svetlana Obukhova

Tungkol sa buhay ng Cretan Domenico Theotokopuli, ang pintor na sumakop sa Espanyol Toledo sa ilalim ng pangalan ng El Greco, iyon ay, ang Griyego, halos walang natitira pang ebidensya. Ang "kamangmangan" ng kanyang karakter at ang kakaibang pictorial na paraan ay nagpamangha sa marami at pinilit silang kumuha ng panulat - ngunit iilan lamang ang mga titik na nakaligtas. Ang isa sa mga ito ay naglalaman ng mga sumusunod na linya: “... ang panahon ay maganda, ang araw ng tagsibol ay malumanay na sumikat. Nagbigay ito ng kagalakan sa lahat, at ang lungsod ay mukhang maligaya. Isipin ang aking sorpresa nang pumasok ako sa pagawaan ng El Greco at nakita ko na ang mga shutter sa mga bintana ay sarado, at samakatuwid ay mahirap makita kung ano ang nasa paligid. Si El Greco mismo ay nakaupo sa isang stool, walang ginawa, kundi gising. Ayaw niyang lumabas kasama ko, dahil, ayon sa kanya, ang sikat ng araw ay nakakasagabal sa kanyang panloob na liwanag ... "

Halos walang katibayan na si Domenico ang lalaki, tanging mga dayandang: na siya ay namuhay sa engrandeng istilo, pinanatili ang pinakamayamang silid-aklatan, nagbasa ng maraming pilosopo at nagdemanda din sa mga customer (siya ay minamahal, ngunit mas madalas na hindi naiintindihan), namatay halos sa kahirapan, tulad ng ang mga manipis na sinag ng liwanag ng araw ay pumapasok sa mga bitak sa "sarado na shutters" ng kanyang buhay. Ngunit hindi sila nakakagambala mula sa pangunahing bagay - mula sa panloob na liwanag na pumupuno sa mga kuwadro na gawa ng artist na El Greco. Lalo na ang mga portrait.

Wala silang mga landscape na nakabukas sa likod ng taong inilalarawan, walang kasaganaan ng mga detalye na umaakit sa mausisa na mata. Maging ang pangalan ng bayani ay madalas na naiiwan sa larawan. Dahil ang lahat ng ito ay maiiwasan ang makita ang mukha. At ang mga mata, malalim, madilim, diretsong nakatingin sa iyo. Mahirap humiwalay sa kanila, at kung pipilitin mo ang iyong sarili, pagkatapos ay makita ang kilos - at muling huminto sa pag-iisip.

Ganito ang "Portrait of a gentleman with a hand on his chest" (1577-1579), na isinulat ng master ilang sandali matapos siyang lumipat sa Toledo. Ang larawang ito ay kinikilala bilang isa sa pinakamahusay sa pagpipinta ng Espanyol noong ika-16 na siglo. Ang dayuhang El Greco ay lumikha ng "matingkad na mga larawan ng buhay at kasaysayan ng mga Espanyol", na naglalarawan ng "mga tunay na nilalang, pinagsasama ang lahat ng bagay na dapat hangaan sa ating mga tao, lahat ng kabayanihan at hindi matitinag, kasama ang mga kabaligtaran na katangian na hindi maipapakita, nang hindi sinisira. ang pinakadiwa nito” (A. Segovia). Ang mga aristokrata mula sa mga sinaunang pamilya ng Toledo ay naging tunay na bayani ng El Greco, nakita niya ang kanilang panloob na liwanag - ang kanilang kadakilaan at dignidad, katapatan sa tungkulin, katalinuhan, pagiging sopistikado ng mga asal, katapangan, panlabas na pagpigil at panloob na salpok, ang lakas ng puso, na nakakaalam kung para saan ang nabubuhay at namamatay...

Araw-araw, ang mga bisita sa gallery ng Prado ay huminto sa harap ng hindi kilalang hidalgo, nagulat, sa mga salitang: "Gaano kabuhay ..." Sino ang kabalyerong ito? Bakit niya binubuksan ang puso niya ng buong katapatan? Bakit ang ganda ng mata niya? At ang oath gesture na ito? At ang hilt ng espada?.. Marahil ang mga tanong na ito ay nagbigay ng alamat na ang inilalarawan sa larawan ay isa pang dakilang Kastila: si Miguel de Cervantes. Isang mandirigma at manunulat na nagsabi sa mundo ng kuwento ng isang kabalyero ng isang malungkot na imahe, na binigyan ng parehong banal na regalo bilang El Greco - upang makita ang mga tao sa nararapat, upang makita ang kanilang panloob na liwanag ...

At iba pang mga painting mula sa Prado Museum sa Hermitage...

El Greco "Niyakap ni Kristo ang Krus" 1600 - 1605

Inilarawan sa background ng isang mabagyong kalangitan na tipikal ng El Greco, niyayakap ni Kristo ang krus gamit ang kanyang matikas na mga braso, tumingala nang may kalmadong kapahamakan. Ang pagpipinta ay isang mahusay na tagumpay, at maraming mga bersyon nito ay nilikha sa pagawaan ng El Greco.

El Greco "Ang Banal na Pamilya kasama sina St. Anne at Little John the Baptist" c. 1600 - 1605

Ang huli na panahon ng trabaho ni El Greco ay nailalarawan sa pamamagitan ng paggamit ng mga kulay na butas at kislap; ang espasyo ay ganap na napuno ng mga pigura na nakakubli sa abot-tanaw. Ang mga form na iginuhit gamit ang isang vibrating stroke ay nawawala ang kanilang materyalidad. Tinatawag ng munting Juan Bautista ang manonood na tumahimik, upang hindi makagambala sa kapayapaan ng sanggol na si Kristo...

Velasquez - Larawan ni Philip IV Larawan ni Haring Philip IV. 1653-1657

Ang mga pundasyon ng sikolohikal na larawan sa sining ng Europa ay inilatag ng Espanyol na pintor na si Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Ipinanganak siya sa isang mahirap na marangal na pamilya sa Seville, nag-aral kay Herrera the Elder at Pacheco. Noong 1622 una siyang dumating sa Madrid. Sa isang praktikal na kahulugan, ang paglalakbay na ito ay hindi masyadong matagumpay - si Velasquez ay hindi nakahanap ng isang karapat-dapat na lugar para sa kanyang sarili. Inaasahan niyang makilala ang batang si Haring Philip IV, ngunit hindi naganap ang pagpupulong. Gayunpaman, ang mga alingawngaw tungkol sa batang artista ay umabot sa korte, at sa susunod na taon, 1623, ang unang ministro, ang Duke de Olivares (katutubo din ng Seville), ay nag-imbita kay Velázquez sa Madrid upang magpinta ng larawan ng hari. Ang gawaing ito, na hindi pa nakarating sa atin, ay gumawa ng isang kaaya-ayang impresyon sa monarko na agad niyang inalok kay Velázquez ang posisyon ng pintor ng korte. Di-nagtagal, nabuo ang medyo palakaibigang relasyon sa pagitan ng hari at Velasquez, na hindi masyadong pangkaraniwan para sa utos na nanaig sa korte ng Espanya. Ang hari, na namuno sa pinakadakilang imperyo sa mundo, ay itinuring na hindi isang tao, ngunit isang diyos, at ang artista ay hindi man lang umasa sa marangal na mga pribilehiyo, dahil siya ay kumikita ng kanyang pamumuhay sa pamamagitan ng trabaho. Samantala, iniutos ni Philip na simula ngayon ay si Velasquez na lamang ang nagpinta ng kanyang mga larawan. Ang dakilang monarko ay nakakagulat na mapagbigay at sumusuporta kay Velasquez. Ang studio ng artist ay matatagpuan sa mga maharlikang apartment, at isang upuan para sa Kanyang Kamahalan ay inilagay doon. Ang hari, na may susi sa pagawaan, ay pumupunta rito halos araw-araw upang pagmasdan ang gawain ng pintor Habang nasa serbisyo ng hari mula 1623 hanggang 1660, nagpinta si Velazquez ng halos isang dosenang larawan ng kanyang panginoon. Sa mga ito, mahigit 10 paintings ang dumating sa amin. Kaya, sa karaniwan, inilarawan ni Velasquez ang kanyang panginoon nang halos isang beses bawat tatlong taon. Ang pagpipinta ng mga larawan ng hari ay gawa ni Velasquez, at ginawa niya ang gawaing ito nang perpekto. Dahil dito, mayroon kaming isang kumplikadong mga gawa na natatangi sa uri nito: ang mga larawan ni Velasquez ay sinusubaybayan ang landas ng buhay ni Haring Philip nang malinaw na sa kalaunan ay naging isang kaugalian lamang sa edad ng potograpiya. Ang ebolusyon ay malinaw na nakikita sa mga canvases ng artist. Una, ang hari mismo ay nagbabago, 18 taong gulang sa unang larawan at 50 taong gulang sa huli, ang kanyang mukha ay may bakas ng edad at espirituwal na mga pagbabago. Pangalawa, lumalalim ang pang-unawa ng artista sa kanyang modelo, mula sa mababaw ay nagiging insightful. Sa paglipas ng panahon, ang paraan ng pagtatanghal ng modelo at ang mga artistikong pamamaraan ay nagbabago. Ang paraan ni Velazquez ay nabago sa ilalim ng impluwensya ng kanyang sariling malikhaing paglago, gayundin sa ilalim ng impluwensya ng modernong domestic at dayuhang tradisyon. Sa larawang ito ng dibdib, inilalarawan si Philip IV sa isang madilim na background na nakasuot ng itim na roba na may puting kuwelyo na nagha-highlight sa mukha ng monarch. Iniiwasan ni Velázquez ang magarbong karangyaan sa larawan ng hari at ipinakita ang "mukha ng tao" ng monarko nang walang anumang pambobola o magalang na tuso. Malinaw naming nararamdaman na ang taong tumitingin sa amin mula sa canvas ay hindi masaya, ang mga huling taon ng paghahari ay hindi madali para sa hari. Ito ay isang taong nakakaalam ng mga kabiguan, ngunit sa parehong oras - isang tao na ang laman ay puno ng likas na kadakilaan, na walang makakayanan. Ang isa pang mahusay na artista, isang Kastila hanggang sa utak ng kanyang mga buto - Sinabi ito ni Pablo Ruiz Picasso tungkol sa imahe ng hari ng Espanya: "Hindi namin maisip ang isa pang Philip IV, maliban sa nilikha ni Velazquez ..."

"Larawan ni Haring Philip IV" (c. 1653 - 1657)

Isa sa mga huling larawan ng monarko. Nakatutuwang tandaan na walang kahit isang elemento dito na nagsasalita tungkol sa maharlikang katayuan ng taong inilalarawan. Si Velazquez ay nagsilbi kay Philip IV sa halos apatnapung taon - mula 1623 hanggang sa kanyang kamatayan, nagpinta siya ng mga larawan ng hari at ng kanyang pamilya, mga malalaking plot na canvases para sa Royal Collection.

Diego Velasquez "Portrait of the Jester Don Diego de Acedo" (El Primo) c. 1644

Diego Velasquez "Larawan ni Reyna Marianne ng Austria" 1652-1653

Titian (Tiziano Vecellio) "Venus with Cupid and Organist" 1555

Tumutugtog ang musikero, nakaupo sa paanan ni Venus at hinahangaan ang hubad na katawan ng diyosa, isang abstract na laro kasama si Cupid. Ang ilan ay nakakita sa larawang ito ng isang purong erotikong gawain, habang ang iba ay nakikita ito sa simbolikong paraan - bilang isang alegorya ng mga damdamin, kung saan ang paningin at pandinig ay nagsisilbing mga tool para sa pag-unawa sa kagandahan at pagkakaisa. Sumulat si Titian ng limang bersyon ng temang ito.

Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Penitent Mary Magdalene 1583

Pagkatapos ng kanyang pagbabalik-loob, inialay ni Maria Magdalena ang kanyang buhay sa pagsisisi at panalangin, paglayo sa mundo. Sa canvas na ito, inilalarawan siyang nakatingin sa langit at naliligo sa banal na liwanag. Ang larawan ay nakasulat sa makapal na madilim na kulay, katangian ng estilo ni Veronese sa huling bahagi ng kanyang trabaho. Bago pumasok sa mga koleksyon ng Spanish Royal, ang gawain ay pagmamay-ari ng hari ng Ingles na si Charles I (naipatupad noong 1649)

Anthony van Dyck "Larawan ng isang tao na may lute" 1622-1632

Utang ni Anthony Van Dyck ang kanyang katanyagan sa genre ng portrait, na sumakop sa isang medyo mababang posisyon sa hierarchy ng European painting. Gayunpaman, sa Flanders sa panahong ito, nabuo na ang tradisyon ng portrait art. Si Van Dyck ay nagpinta ng daan-daang portrait, ilang self-portraits, at naging isa sa mga lumikha ng ceremonial portrait style noong ika-17 siglo. Sa mga larawan ng kanyang mga kontemporaryo, ipinakita niya ang kanilang intelektwal, emosyonal na mundo, espirituwal na buhay, ang buhay na katangian ng isang tao.
Ang tradisyunal na modelo para sa larawang ito ay si Jacob Gautier, isang lutenist sa korte ng Ingles mula 1617 hanggang 1647, ngunit ang pagkakaroon ng isang tabak, at sa mas malaking lawak, ang mga pangkakanyahang katangian ng akda, ay nagpapahiwatig na ito ay dapat na napetsahan nang mas maaga kaysa sa Ang paglalakbay ni Van Dyck sa London, na nagdududa sa teoryang ito. Ang pagkakaroon ng isang instrumentong pangmusika ay hindi nangangahulugang ang modelo ay isang musikero. Bilang isang simbolo, ang mga instrumentong pangmusika ay madalas na inilalarawan sa mga larawan, bilang isang indikasyon ng intelektwal na pagpipino at pagiging sensitibo ng inilalarawan.

Juan Bautista Maino "Ang Pagsamba sa mga Pastol" 1612-1614

Isa sa mga obra maestra ni Maino. Ang koleksyon ng State Hermitage ay naglalaman ng isa pang bersyon ng kuwentong ito, na isinulat ni Maino. Ang artista ay ipinanganak sa Pastrana (Guadalajara) at nanirahan sa Roma mula 1604 hanggang 1610. Sa gawaing ito, na isinulat sa kanyang pagbabalik sa Espanya, madarama ng isa ang impluwensya ni Caravaggio at Orazio Gentileschi. Noong 1613, si Maino ay naging miyembro ng Dominican order, at ang pagpipinta ay pumasok sa altar cycle ng monasteryo ni St. Peter the Martyr sa Toledo.

Georges de Latour "The Blind Musician with the Lyre" ca. 1625- 1630

Isinalarawan ni Latour ang isang matandang bulag na musikero na tumutugtog ng hurdy-gurdy. Inulit niya ang kuwentong ito nang maraming beses. Ang artista, na nagtrabaho sa ilalim ng impluwensya ng istilo ni Caravaggio, ay masigasig na muling ginawa ang mga detalye - ang pattern na nagpapalamuti sa instrumentong pangmusika, ang mga kulubot sa mukha ng bulag, ang kanyang buhok.

Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens "Perseus Releasing Andromeda" ca. 1639-1640

Francisco de Goya "Larawan ni Ferdinand VII" 1814-1815

Matapos ang pagkatalo ni Napoleon noong 1814, bumalik si Ferdinand VII sa trono ng Espanya. Sa portrait, siya ay inilalarawan sa isang royal mantle na may linya na may ermine, na may isang setro at ang mga order ni Carlos III at ng Golden Fleece.
Si Ferdinand VII, na namuno sa bansa hanggang 1833, ay nagtatag ng Prado Museum noong 1819.

Francisco de Goya "Maria von Santa Cruz" 1805

Si Maria von Santa Cruz, ang asawa ng unang direktor ng Prado, ay isa sa mga pinaka-ginagalang na kababaihan sa Espanya noong kanyang panahon.
Sa isang larawan ng 1805, inilarawan ni Goya ang Marquise bilang muse ng liriko na tula, si Euterpe, na nakahiga sa isang canopy at may lira sa kanyang kaliwang kamay. Ang pagpili ng ganoong imahe ay dahil sa hilig ng Marquise sa tula.

Francisco Goya - "Autumn (Pag-aani ng Ubas)" 1786 - 1787

Francisco Goya - Ang Pag-aani ng Ubas. fragment

Noong 1775 - 1792, lumikha si Goya ng pitong serye ng mga tapestri ng karton para sa mga palasyo ng Escorial at Prado sa labas ng Madrid. Ang pagpipinta na ito, sa partikular, ay kabilang sa mga serye ng mga panahon at inilaan para sa silid-kainan ng Prinsipe ng Asturias sa Prado. Inilarawan ni Goya ang klasikong balangkas bilang isang pang-araw-araw na eksena, na sumasalamin sa likas na katangian ng relasyon sa pagitan ng iba't ibang klase - ipinapakita ng larawan ang mga may-ari ng ubasan kasama ang kanilang anak at dalaga.

Francisco Goya "Larawan ni Heneral José de Urrutia" (c. 1798)

José de Urrutia (1739 - 1809) - isa sa pinakakilalang pinuno ng militar ng Espanya at ang tanging opisyal ng hukbo na hindi aristokratikong pinagmulan noong ika-18 siglo na umabot sa ranggo ng kapitan-heneral - ay inilalarawan kasama ang Order of St. George, na siya ay iginawad ng Russian Empress Catherine the Great para sa pakikilahok sa paghuli kay Ochakov sa panahon ng kampanya ng Crimean noong 1789.

Peter Paul Rubens "Portrait of Marie de Medici". OK. 1622-1625.

Si Maria Medici (1573 - 1642) ay anak ng Grand Duke ng Tuscany Francesco I. Noong 1600 siya ay naging asawa ng Pranses na Haring Henry IV. Mula noong 1610, siya ay naging regent para sa kanyang anak na lalaki, ang hinaharap na Haring Louis XIII. Rubens ay inatasan niya ang isang serye ng mga gawa na niluluwalhati ang kanyang sarili at ang kanyang yumaong asawa. Ang larawan ay nagpapakita ng reyna na nakasuot ng headdress ng isang balo at laban sa isang hindi natapos na background.

Domenico Tintoretto "Babaeng Nagpapakita ng Kanyang mga Dibdib" ca. 1580-1590

Viscente Lopez Portagna "Larawan ni Felix Maximo Lopez, unang organista ng Royal Chapel" 1820

Espanyol na neoclassical na pintor, habang pinapanatili ang mga bakas ng istilong Rococo. Si Lopez ay itinuring na isa sa mga pinakamahusay na pintor ng larawan sa kanyang panahon, pangalawa lamang kay Francisco de Goya. Nagsimula siyang mag-aral ng pagpipinta sa Valencia sa edad na 13, at pagkaraan ng apat na taon ay nanalo siya ng ilang mga unang premyo sa San Carlos Academy, na nagkamit sa kanya ng iskolarsip upang mag-aral sa prestihiyosong San Fernando Royal Academy of Fine Arts sa kabisera. Matapos ang kanyang pag-aaral, nagtrabaho si Lopez ng ilang taon sa workshop ni Mariano Salvador Maella, ang kanyang guro. Noong 1814, pagkatapos ng pananakop ng Pransya, si López ay isa nang kilalang artista, kaya tinawag siya ng haring Espanyol na si Ferdinand VII sa Madrid at hinirang siya bilang opisyal na pintor sa korte, sa kabila ng katotohanan na si Francisco Goya mismo ang "unang maharlikang artista" sa oras na iyon. Si Vicente López ay isang prolific artist, nagpinta siya sa mga paksang relihiyoso, alegoriko, historikal at mitolohiya, ngunit, higit sa lahat, siya ay, siyempre, isang pintor ng larawan. Sa kanyang mahabang karera, nagpinta siya ng mga larawan ng halos lahat ng sikat na tao sa Espanya noong unang kalahati ng ika-19 na siglo.
Ang larawang ito ng unang organista ng royal chapel at ang sikat na musikero at kompositor ay ipininta ilang sandali bago mamatay ang artista, at kinumpleto ng kanyang panganay na anak na si Ambrosio López.

Anton Raphael Mengs "Larawan ni Maria Louise ng Parma, Prinsesa ng Asturias" 1766

Juan Sanchez Cotán "Still life with game, vegetables and fruits" 1602

Si Don Diego de Acedo ay nasa korte mula noong 1635. Bilang karagdagan sa "paglilingkod ng jester", siya ay kumilos bilang isang maharlikang mensahero at namamahala sa selyo ng hari. Tila, ang mga libro, papel at mga materyales sa pagsulat na inilalarawan sa larawan ay nagsasalita tungkol sa mga aktibidad na ito. Ito ay pinaniniwalaan na ang larawan ay ipininta sa Fraga, lalawigan ng Huesca, sa panahon ng paglalakbay ni Philip IV sa Aragon, kung saan siya ay sinamahan ni Diego de Acedo. Sa background ay tumataas ang tuktok ng Maliceos ng kabundukan ng Guadarrama.

Hieronymus Bosch "Pag-alis ng Bato ng Katangahan" c. 1490

Sa isang satirical na eksena na may mga figure laban sa backdrop ng isang landscape, isang operasyon upang kunin ang "bato ng katangahan" ay inilalarawan. Ang inskripsiyon sa Gothic script ay nagbabasa: - "Guro, alisin mo kaagad ang bato. Ang pangalan ko ay Lubbert Das." Ang Lubbert ay isang karaniwang pangngalan na nagsasaad ng kamangmangan at kawalang-kasalanan. Ang isang siruhano sa isang headdress sa anyo ng isang baligtad na funnel, na sumasagisag sa kamangmangan, "nag-extract" ng isang bato (water lily) mula sa ulo ng isang mapaniwalaang pasyente at humihingi ng isang mapagbigay na pagbabayad mula sa kanya. Noong panahong iyon, naniniwala ang mga simple-hearted na isang bato sa ulo ang may kasalanan sa kanilang katangahan. Ito ang ginamit ng mga charlatan.

Raphael (Raffaello Santi) "Banal na pamilya na may tupa" 1507

Tinutulungan ni Maria ang maliit na Kristo na umupo sa isang tupa - isang simbolo ng Kristiyano ng darating na Pasyon ni Kristo, at St. Pinagmamasdan sila ni Joseph. Ang pagpipinta ay ipininta sa Florence, kung saan pinag-aralan ng artista ang gawa ni Leonardo da Vinci, na naiimpluwensyahan ng kanyang mga komposisyon kasama ang Banal na Pamilya. Sa Prado Museum, ito ang tanging gawa ni Raphael na isinulat noong unang panahon.

Albrecht Dürer "Portrait of an Unknown Man" ca. 1521

Ang larawan ay nabibilang sa huling panahon ng trabaho ni Dürer. Isinulat sa paraang katulad ng istilo ng mga Dutch artist. Ang isang malawak na brimmed na sumbrero ay nakakakuha ng atensyon sa mukha ng taong inilalarawan, ang liwanag na bumabagsak mula sa kaliwa ay nakatuon ang atensyon ng manonood dito. Ang pangalawang pokus ng atensyon sa larawan ay ang mga kamay, at higit sa lahat ang kaliwa, kung saan ang hindi kilalang tao ay may hawak na isang scroll - tila nagpapaliwanag ng kanyang katayuan sa lipunan.

Rogier Van der Weyden "Panaghoy" c. 1450

Ang altar triptych para sa monasteryo ng Miraflores (itinago sa art gallery sa Berlin), na nilikha ni Van der Weyden mas maaga kaysa 1444 at paulit-ulit na may ilang mga pagkakaiba, nagsilbing isang modelo. Sa bersyong ito, kasama ang itaas na bahagi na idinagdag sa hindi kilalang panahon, Mary, Christ, St. Si John at ang donor (customer ng painting) - isang miyembro ng pamilyang Broers - ay inilalarawan sa parehong espasyo. Ang artista ay nagpapahayag ng kalungkutan ng Ina ng Diyos, na idiniin ang katawan ng kanyang patay na anak sa kanyang dibdib. Ang trahedya na grupo sa kaliwa ay sinasalungat ng pigura ng donor, na pinaghihiwalay ng isang bato. Siya ay nasa isang estado ng madasalin na konsentrasyon. Sa oras na iyon, madalas na hinihiling ng mga customer na ilarawan ang kanilang sarili sa mga kuwadro na gawa. Ngunit, ang kanilang mga imahe ay palaging pangalawa - sa isang lugar sa background, sa karamihan ng tao, atbp. Narito ang donor ay inilalarawan sa harapan, ngunit pinaghihiwalay mula sa pangunahing grupo ng isang bato at sa tulong ng kulay.

Alonso Cano "Namatay na Kristong Sinuportahan ng Anghel" c. 1646 - 1652

Sa likod ng tanawin ng takip-silim, inaalalayan ng isang anghel ang walang buhay na katawan ni Kristo. Ang hindi pangkaraniwang iconograpya ng canvas na ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng katotohanan na hindi ito nauugnay sa mga tekstong Evangelical, ngunit sa tinatawag na Kristo ng St. Gregory. Ayon sa alamat, nagkaroon ng pangitain si Pope Gregory the Great tungkol sa patay na Kristo na sinusuportahan ng dalawang anghel. Ibang paraan ang interpretasyon ni Kano sa kuwentong ito - isang anghel lamang ang sumusuporta sa hindi gumagalaw na katawan ni Kristo.

Bartolome Esteban Murillo "Our Lady of the Rosary" ca. 1650 -1655

Ang obra ni Bartolome Esteban Murillo ang kumukumpleto sa ginintuang panahon ng pagpipinta ng Espanyol. Ang mga gawa ni Murillo ay walang kamali-mali sa komposisyon, mayaman at magkatugma ang kulay at maganda sa pinakamataas na kahulugan ng salita. Ang kanyang mga damdamin ay palaging taos-puso at maselan, ngunit sa mga canvases ni Murillo ay wala na ang espirituwal na kapangyarihan at lalim na nakakabigla sa mga gawa ng kanyang mga nakatatandang kontemporaryo. Ang buhay ng artista ay konektado sa kanyang katutubong Seville, kahit na kailangan niyang bisitahin ang Madrid at iba pang mga lungsod. Pagkatapos mag-aral kasama ang lokal na pintor na si Juan del Castillo (1584-1640), si Murillo ay nagtrabaho nang husto sa mga order mula sa mga monasteryo at mga templo. Noong 1660 siya ay naging presidente ng Academy of Fine Arts sa Seville.
Sa kanyang mga canvases sa mga paksang panrelihiyon, hinangad ni Murillo na magdala ng aliw at katiyakan. Ito ay hindi nagkataon na madalas niyang ipininta ang imahe ng Ina ng Diyos. Mula sa larawan hanggang sa larawan, ang imahe ni Maria ay dumaan sa anyo ng isang kaibig-ibig na batang babae na may regular na mga tampok at isang kalmadong hitsura. Ang kanyang inosenteng hitsura ay dapat na pumukaw ng isang pakiramdam ng matamis na lambing sa manonood. Sa pagpipinta na ito, inilarawan ni Bartolome Murillo ang Madonna at si Hesus na may rosaryo, isang tradisyunal na rosaryo ng Katoliko, ang panalangin na binigyan ng malaking kahalagahan sa panahon ng pintor. Sa gawaing ito, ang mga tampok ng naturalismo na nanaig sa mga gawa ng mga kinatawan ng paaralan ng Seville noong unang kalahati ng ika-17 siglo ay kapansin-pansin pa rin, ngunit ang estilo ng pagpipinta ni Murillo ay mas malaya na kaysa sa kanyang unang gawain. Ang malayang paraan na ito ay lalo na binibigkas sa paglalarawan ng belo ng Birheng Maria. Gumagamit ang artist ng maliwanag na liwanag upang i-highlight ang mga figure sa isang madilim na background at lumikha ng isang kaibahan sa pagitan ng mga pinong tono ng mukha ng Birhen at ng katawan ng sanggol na si Kristo at ang malalim na mga anino sa mga fold ng tela.
Sa Andalusia noong ika-17 siglo, ang imahe ng Ina ng Diyos kasama ang Bata ay espesyal na hinihiling. Si Murillo, na ang malikhaing buhay ay ginugol sa Seville, ay nagpinta ng marami sa mga kuwadro na ito, na puno ng lambing. Sa kasong ito, ang Ina ng Diyos na may rosaryo ay inilalarawan. At dito, tulad ng sa mga unang taon ng kanyang trabaho, ang artista ay nananatiling tapat sa kanyang predilection para sa mga kaibahan ng liwanag at lilim.

Bartolome Esteban Murillo "Ang Mabuting Pastol" 1655-1660

Ang larawan ay puno ng malalim na liriko at kabaitan. Ang pamagat ay kinuha mula sa Ebanghelyo ni Juan: "Ako ang mabuting pastol." Ito ay nagpapahiwatig na ang larawan ay naglalarawan kay Kristo, kahit na sa napakaagang edad. Sa larawan ni Murillo, lahat ay maganda at simple. Gustung-gusto ng artista na magpinta ng mga bata, at inilagay niya ang lahat ng pag-ibig na ito sa kagandahan ng imahe ng batang ito-Diyos. Noong 1660s at 1670s, sa panahon ng kasagsagan ng kanyang husay sa larawan, sinikap ni Murillo na patula ang kanyang mga karakter, at madalas siyang inakusahan ng ilang sentimental na imahe at ang kanilang sadyang kagandahan. Gayunpaman, ang mga akusasyong ito ay hindi ganap na patas. Ang bata na inilalarawan sa larawan ay makikita ngayon kapwa sa Seville at sa mga nakapaligid na nayon. At dito ipinakita ang demokratikong oryentasyon ng gawa ng artista - sa pagpantay sa kagandahan ng Madonna sa kagandahan ng mga ordinaryong kababaihang Espanyol, at sa kagandahan ng kanyang anak, ang munting Kristo, sa kagandahan ng mga tomboy sa kalye.

Alonso Sanchez Coelho "Larawan ni Infante Isabella Clara Eugenia at Catalina Michaela" 1575

Ang larawan ng prinsesa, na may edad na walo at siyam, ay may hawak na isang korona ng mga bulaklak. Si Sanchez Coelho ay nagpinta ng mga larawan ng mga infantas - ang minamahal na mga anak na babae ni Haring Philip II at ang kanyang ikatlong asawa na si Isabella ng Valois - mula sa kanilang maagang edad. Ang lahat ng mga larawan ay ginawa alinsunod sa mga canon ng isang larawan ng korte - mga batang babae sa kahanga-hangang mga damit at may walang emosyon na mga ekspresyon ng mukha.

Anton Raphael Mengs. Larawan ni Haring Carlos III. 1767

Si Charles III ay tinawag na marahil ang tanging tunay na naliwanagang monarko sa kasaysayan ng Espanya. Siya ang nagtatag ng Prado Museum noong 1785, una bilang isang museo ng natural na kasaysayan. Pinangarap ni Charles III na ang Prado Museum, kasama ang mga kalapit na botanikal na hardin, ay magiging sentro ng siyentipikong edukasyon.
Ang pag-akyat sa trono, nagsimula siyang magsagawa ng mga seryosong repormang pampulitika at pang-ekonomiya, na lubhang kailangan ng bansa noong panahong iyon. Gayunpaman, ang kanyang mga pagsisikap ay walang kabuluhan - ang kanyang anak na si Charles IV ay hindi nagbahagi ng mga progresibong pananaw ng kanyang ama, at pagkamatay ni Charles III, natapos na ang mga reporma.
Ang larawang ito ay ganap na tipikal sa panahon nito. Sa bawat detalye, binibigyang-pansin ng artist ang posisyon na inookupahan ng modelo: isang mantle na pinutol ng ermine, isang Maltese cross na may mga hiyas, makintab na baluti ay kailangang-kailangan na mga katangian ng kadakilaan ng hari. Ang luntiang drapery at isang pilaster (isang elemento ng klasikal na arkitektura) ay isang tradisyonal na background para sa mga naturang larawan.
Ngunit na sa larawang ito ay nakakagulat kung paano ipinakita ang mukha ng modelo. Hindi nagtangka si Mengs na paliitin ang kanyang mala-sibuyas na ilong ng hari o pakinisin ang mga linya sa kanyang kulubot na pisngi. Salamat sa pinakamataas na indibidwalidad, ang pagpipinta na ito ay lumilikha ng isang pakiramdam ng buhay na hindi nakamit ng mga nauna kay Meng. Ang larawan ay nagpapadama sa iyo ng simpatiya para kay Carlos III, na handang "ipakita" ang kanyang hindi perpektong hitsura.

Antoine Watteau "Festival sa Park" c. 1713 - 1716

Ang kaakit-akit na eksenang ito ay isang tipikal na halimbawa ng "magiting na pagdiriwang" ng Watteau. Isang magaan na ambon na nagpapalabo sa mga balangkas, isang estatwa ng Neptune na halos nakatago sa mga dahon sa itaas ng fountain at isang kupas na gintong kulay - lahat ng ito ay naghahatid ng isang kapaligiran ng matalim, ngunit panandaliang kasiyahan.
Ang pagpipinta ay pag-aari ni Isabella Farnese, pangalawang asawa ni King Philip V.

Antonio Carnicero "Pagtaas ng hot air balloon sa Aranjuez" c. 1784

Ang pagpipinta ay inatasan ng Duke at Duchess ng Oswan, ito ay sumasalamin sa diwa ng Enlightenment, na pumukaw ng interes sa mga tagumpay ng siyentipikong pag-unlad. Ang isang tunay na kaganapan ay inilalarawan: noong 1784, sa Royal Gardens ng Aranjuez, sa presensya ng monarko, mga miyembro ng kanyang pamilya at courtier, isang paglipad ang ginawa sa lobo na Montgolfier. Nakilala si Antonio Carnicero sa kanyang mga kaakit-akit na eksena sa genre, at ang canvas na ito ay isa sa kanyang pinakaambisyoso na mga gawa.

José de Madrazo y Agudo "Pag-ibig sa Langit at Pag-ibig sa Lupa" 1813

Francisco de Zurbaran "Agnus Dei. Kordero ng Diyos" 1635-1640

Ang isang tupa ay nakahiga sa isang kulay-abo na mesa, na nakatayo nang husto laban sa isang madilim na background sa isang matalim na nakatutok na maliwanag na liwanag. Ang sinumang tao sa ika-17 siglo ay agad na makikilala sa kanya ang "kordero ng Diyos" at mauunawaan na ito ay isang pahiwatig ng pagsasakripisyo sa sarili ni Kristo. Ang balahibo ng tupa ay kapansin-pansing nakasulat at tila napakalambot na mahirap alisin ang iyong mga mata sa hayop at gustong hawakan ito.

Juan Pantoja de la Cruz "Larawan ni Reyna Isabella ng Valois" c. 1604 - 1608

Pinintura ni Pantoja de la Cruz ang larawang ito, na inuulit ang gawa ni Sofonisba Anguishola - ang orihinal na sinunog sa palasyo noong 1604. Nagdagdag lang ng marmot fur cape ang artist sa outfit ng reyna.
Si Sofonisba Anguixola ay isang artist mula sa Cremona na nagtrabaho sa Spanish court. Ito ang unang larawan ng isang batang reyna mula sa isang serye na ginawa ng artista. Ang larawan ay nakasulat sa paraang malapit sa Espanyol, ngunit sa mas mainit at mas magaan na kulay.

Jean Rann "Larawan ni Carlos III bilang isang bata" 1723

Luis Melendez "Still life with a box of sweets, a pretzel and other objects" 1770

Ang pinakadakilang master ng Spanish still life noong ika-18 siglo, si Luis Melendez ay ipinanganak sa Italya, sa pamilya ng isang miniaturist mula sa Asturias. Noong 1717, lumipat ang pamilya sa Madrid, kung saan pumasok ang binata sa departamento ng paghahanda ng Academy of San Fernando, at kabilang sa mga pinaka matalino sa kanyang mga mag-aaral ang nakakuha ng unang lugar. Gayunpaman, noong 1747 napilitan siyang umalis sa Academy sa kalagayan ng kanyang ama, na pinatalsik mula dito bilang resulta ng salungatan. Sa panahong ito, muling bumisita si Melendez sa Italya. Sa pagtulong sa kanyang ama sa simula, siya ay naging isang miniaturist, at pagbalik mula sa Italya, ay inanyayahan ni Ferdinand VI upang ilarawan ang mga aklat sa Royal Chapel ng Madrid. Sa genre ng still life, na binalingan ng artist noong unang bahagi ng 1760s, lumitaw ang isang bagong aspeto ng kanyang trabaho.
Ang buhay na ito ay isinulat sa mature na panahon ng trabaho ng artist. Sa oras na ito, lumilitaw ang mga luxury item, mga kagamitang pilak sa kanyang mga komposisyon. Ngunit, gayunpaman, ang artista ay sumusunod pa rin sa kanyang mga mithiin at gumagana alinsunod sa tradisyon ng genre. Ang materyal na tangibility ng bawat isa sa mga bagay na ipininta sa canvas ay nagpapaalala sa atin ng pinakamahusay na mga halimbawa ng still life sa mundong sining. Ang naaaninag na transparent na salamin ng salamin ay makikita sa mapurol, kumikinang na ibabaw ng pilak na plorera. Malambot, pretzel sa puting napkin, parang amoy bagong lutong tinapay. Mapurol na kumikinang ang leeg ng isang selyadong bote. Ang isang pilak na tinidor ay bahagyang nakausli sa gilid ng iluminadong mesa. Sa komposisyon nitong still life, walang ascetic na pag-aayos ng mga bagay sa isang hanay, katangian, halimbawa, ng still lifes ni Zurbaran. Marahil ito ay may pagkakatulad sa mga sample ng Dutch. Ngunit ang tono ay mas madilim, ang mga bagay ay mas maliit at ang komposisyon ay mas simple.

Juan de Arellano "Basket of Flowers" 1670

Isang Spanish Baroque na pintor na dalubhasa sa pag-aayos ng mga bulaklak, ipinanganak siya sa Santorcase noong 1614. Sa una ay nag-aral siya sa studio ng isang hindi kilalang artista, ngunit sa edad na 16 ay lumipat siya sa Madrid, kung saan nag-aral siya kay Juan de Solis, isang pintor na nakatapos ng mga komisyon para kay Reyna Isabella. Si Juan de Arellano ay nanirahan nang mahabang panahon sa gastos ng maliliit na order, kabilang ang mga pagpipinta sa dingding, hanggang sa nagpasya siyang mag-focus nang eksklusibo sa pagpipinta ng mga bulaklak at naging isang hindi maunahang master sa lugar na ito. Ito ay pinaniniwalaan na ang master ay nagsimula sa pamamagitan ng pagkopya ng mga gawa ng iba, lalo na ang Italyano, mga artista, ang Flemish still lifes ay nagdagdag ng gilas at higpit sa kanyang estilo. Nang maglaon, sa kumbinasyong ito, idinagdag niya ang kanyang sariling mga natuklasan sa komposisyon at isang katangian na paleta ng kulay.
Ang medyo simpleng komposisyon ng still life na ito ay katangian ni Arellano. Ang mga dalisay at matinding kulay ng halaman ay namumukod-tanging maliwanag laban sa isang neutral na kayumangging background dahil sa matinding pag-iilaw.